Carillon

CARILLON – 2.0
Andromeda Relix
Genere: Rock
Supporto: CD – 2025

Voglio subito tranquillizzare tutti coloro che esprimono il parere “Oggi il Rock è morto”, frase che sento dire da numerosi anni e che non ne ravviso il riscontro. Sarebbe il caso invece di andare ad approfondire l’argomento, magari proprio navigando nel web oppure comprando le riviste specializzate, allora probabilmente ci si avvicinerebbe alla realtà. A proposito di realtà, ne abbiamo una qui in Italia che da anni si prodiga al riguardo: loro sono i veronesi Carillon.
Composti da Luigi De Stefano (chitarra, compositore), Patty Simon (voce, testi) e da due turnisti alla ritmica nei live e registrazioni, Stefano Albiero (basso), Cristian Casarotto (batteria), Klandelion (tastiere) e Amos Castelnovo (batteria), partecipano a numerosi contest che spaziano da Sanremo Rock al Vicenza Rock Contest, quest’ultimo vinto nel 2022. Un altro riconoscimento conseguito è il “Premio Radio Voice”, e la lista è ancora più lunga.
Esordiscono discograficamente nel 2014 con “Il Grande Brivido” (Andromeda Relix) e replicano nel 2022 con “Rumore E Silenzio” (Andromeda Relix).
Il Rock proposto è contaminato da differenti generi con orientamento verso il Mainstream.
Il nuovo album, intitolato 2.0, è composto da dodici canzoni accompagnate da un libretto esaustivo con immagini e testi a cura di Angela Busato (KraKen Promotion).
E subito Rock sia: l’inizio spetta a “Perduti Orgogli”, sferzante ed elegante, interpretato dalla bella voce della carismatica Patty Simon. Il ritmo è sostenuto, le melodie di base sono facilmente orecchiabili e non può neppure mancare il rigido assolo di chitarra a spezzare l’andamento. Le carte sono già in tavola. Sentita nell’interpretazione la sorniona “Il Sogno E L’Incubo”, canzone dove gli anni fine ’80 sono tenuti in seria considerazione.
Con “Sbagliata” la voce si fa grossa, graffiante il riff trascinante al confine con l’Hard Rock. Difficile restare fermi durante l’ascolto; il pezzo sicuramente ha una riuscita live eccellente.
Il lato più ricercato e sperimentale viene da “Silente”, canzone all’inizio chitarra arpeggiata e voce recitante, vetrina per le doti di Patty. Strappi Hard squarciano l’ascolto per alternarsi al pacato, uno dei momenti più interessanti del disco. C’è del Post‑Punk nascosto; confesso che ho avuto richiami nella mia mente a Nina Hagen, specialmente nel finale.
Le acque si placano in “Sono Nata”, la formula canzone si palesa al meglio attraverso un ritornello forte e pungente nel testo autobiografico.
Con “Il Grido E L’Odio” ritorna il perfetto equilibrio fra posatezza e vigorosità, un classico andamento accalappiante in cui la formazione dimostra di essere coesa. Anche il basso fa buona presenza di sé in “Sarai”, dove ancora una volta gli anni ’80 sembrano non essere poi così distanti. Un andamento morbido in cui i testi di Simon sono al centro dell’attenzione.
Giocosa e divertente “Masochista” grazie a un andamento vocale prossimo al rap. Ancora una volta i Carillon non sono scontati, e l’ascolto diventa davvero fluido.
Ci si sofferma ad osservare la “Luna” con la soave voce di Patty, un fotogramma che scalda il cuore. L’anima gentile del duo è a nudo in tutte le sue forme.
Alexander Wyrd è l’ospite in “Sabbie Mobili”, una altalena fra voce maschile e femminile in cui si esalta la valenza di questa formula sempre funzionale. Altra piccola perla si intitola “L’Inizio Della Fine”, dove gli arpeggi della chitarra di Luigi De Stefano disegnano ambientazioni plumbee. Il disco si conclude con la versione recitata di “Il Grido E L’Odio”, supportata dalle tastiere di Klandelion. Tanta atmosfera da godere ad occhi chiusi.
Questo Rock è fresco, mai banale, amante delle buone melodie ma anche attento alla contaminazione per un risultato assolutamente caleidoscopico. Non basta un ascolto spensierato, perché a volte sa stupire. “2.0” è un disco che consiglio anche durante un bel viaggio in auto; è sicuramente di ottima compagnia. MS

Versione Inglese: 

CARILLON – 2.0
Andromeda Relix
Genre: Rock
Format: CD – 2025

I want to immediately reassure everyone who says “Rock is dead today”, a phrase I’ve heard for many years and which I don’t see reflected in reality. It would be better to delve deeper into the subject, perhaps by surfing the web or buying specialized magazines; then we would probably get closer to the truth. Speaking of reality, we have one here in Italy that has been working on this for years: the Veronese band Carillon.
They consist of Luigi De Stefano (guitar, composer), Patty Simon (vocals, lyrics) and two session musicians for live shows and recordings: Stefano Albiero (bass), Cristian Casarotto (drums), Klandelion (keyboards) and Amos Castelnovo (drums). They take part in numerous contests ranging from Sanremo Rock to the Vicenza Rock Contest, the latter won in 2022. Another award they have received is the “Premio Radio Voice”, and the list goes on.
They made their discographic debut in 2014 with Il Grande Brivido (Andromeda Relix) and followed up in 2022 with Rumore E Silenzio (Andromeda Relix).
The rock they propose is contaminated by different genres with a leaning toward mainstream.
The new album, titled 2.0, consists of twelve songs accompanied by an exhaustive booklet with images and lyrics curated by Angela Busato (KraKen Promotion).
And let the rock begin: the opening track is “Perduti Orgogli”, a striking and elegant song performed by the beautiful, charismatic voice of Patty Simon. The rhythm is sustained, the basic melodies are easily catchy, and there’s no shortage of a rigid guitar solo to break the flow. The cards are already on the table. In the interpretation we also hear the sly “Il Sogno E L’Incubo”, a song where the late‑80s are taken seriously.
With “Sbagliata” the voice becomes big and gritty, the driving riff bordering on hard rock. It’s hard to stay still while listening; the piece is definitely a great live performer.
The most refined and experimental side comes from “Silente”, a song that starts with arpeggiated guitar and recited vocals, a showcase for Patty’s talent. Hard‑rock bursts tear through the listening experience, alternating with calm moments, one of the most interesting sections of the album. There’s hidden post‑punk; I confess I was reminded of Nina Hagen, especially in the ending.
The waters calm down on “Sono Nata”, the song formula shines with a strong, biting chorus in the autobiographical lyrics.
With “Il Grido E L’Odio” the perfect balance between restraint and vigor returns, a classic, captivating groove where the band shows its cohesion. The bass also makes a strong presence in “Sarai”, where once again the ’80s feel not so distant. It’s a soft flow where Simon’s lyrics are front and centre.
Playful and fun “Masochista” thanks to a vocal style close to rap. Once again Carillon are not predictable, and the listening experience becomes truly fluid.
We pause to observe “Luna” with Patty’s sweet voice, a heart‑warming frame. The duo’s gentle soul is laid bare in all its facets.
Alexander Wyrd guests on “Sabbie Mobili”, a swing between male and female voices that highlights the always effective formula. Another small pearl is titled “L’Inizio Della Fine”, where Luigi De Stefano’s guitar arpeggios draw bleak ambience. The album closes with the recited version of “Il Grido E L’Odio”, supported by Klandelion’s keyboards. Plenty of atmosphere to enjoy with eyes closed.
This rock is fresh, never banal, loving good melodies but also attentive to contamination for an absolutely kaleidoscopic result. A carefree listen isn’t enough, because sometimes it knows how to surprise. “2.0” is a record I recommend even on a nice road trip; it’s definitely great company. MS

Airportman / Egidio Marullo

AIRPORTMAN / EGIDIO MARULLO – Erva De Ientu
Lizard Records / Moving Records
Genere: Art Rock
Supporto: CD – 2025

Natura e musica sono un connubio perfetto; se ad esse si aggiunge la pittura, allora diventa un ricco pasto per la mente.
Alcuni artisti si sono cimentati in questo contesto, soprattutto italiani, perché noi abbiamo nel DNA un concetto di arte ad ampio spettro. Basta ricordare i “Quadri Musicali” di Paolo Catena, oppure “Stati Di Immaginazione” della Premiata Forneria Marconi, giusto per fare qualche nome, ma la lista sarebbe davvero lunga.
Il progetto dei roatesi Airportman ha radici molto profonde: risale al 2006, quando il trio Giovanni Risso (chitarre), Marco Lamberti (chitarra, pianoforte, basso, armonium, sintetizzatore) e Paolo Bergese (batteria, percussioni) esordì con Off (Lizard Records). Nel tempo hanno rilasciato una discografia importante sia per quantità (sedici album in studio) sia per qualità; numerose sono state le collaborazioni che hanno visto alternarsi nomi come Tommaso Cerasuolo, Stefano Giaccone e Fabio Angeli.
Anche in questa nuova realizzazione si avvalgono della partecipazione di un artista, questa volta un pittore e musicista: Egidio Marullo. Egli esplora da sempre l’interazione tra linguaggi artistici e fa uso dell’acquarello, come nel caso di “Di terra (erbario dei ricordi)”, assieme al poeta Osvaldo Piliego. Questa volta non sono le parole bensì la musica ad accompagnare le sue opere, nasce così una collaborazione che vede sei brani tratti dalla visione di altrettanti quadri contenuti in uno splendido cartonato all’interno del packaging in formato maxi 18 × 18 cm.
“Erva de ientu” in dialetto salentino significa “Erba di vento”, ossia quella vegetazione spontanea e ostinata che nasce fra le dune a due passi dal mare. Essa riesce a radicarsi malgrado la fragilità della sabbia in cui nasce.
Il primo quadro musicale porta il titolo dell’album, un frammentarsi di suoni che vanno dalla percussionistica al pianoforte, protagonista principe. Guardare la stampa del quadro e ascoltare il suono immerge pienamente l’ascoltatore nel contesto.
I sei minuti abbondanti di “Sentire” scorrono come l’immagine e anche la musica diventa acquarello, colorato ma per certi versi tenebroso. Il piano sgocciola note, il cielo è blu anche se in lontananza prevale l’oscurità. Nel cammino si aprono scenari ariosi dettati dalla chitarra di Giovanni Risso e dalla fisarmonica. Sembra quasi di odorare la salsedine in quel del versante adriatico.
Magnifica “Èpoteia”, profonda come i colori adoperati nel quadro; macchie scure rafforzano il concetto di radicalità. Attimi riflessivi si intersecano con il suono a tratti ipnotico, in cui gli arrangiamenti la fanno da padrona, xilofono compreso. Il movimento va calando per lasciare spazio agli arpeggi di chitarra, delicati e sognanti.
Spettacolare il colore di “I Cardi E L’Alba”; tutto sembra fermarsi quando l’oscurità lascia posto alla fievole luce del sole in lontananza; anche le erbe sono ferme, così la musica racconta la scena, iniziando quasi sorniona per poi sostenersi con l’uscita del sole.
Si alza il vento in “Orazione”, la sabbia rosso sangue confina con il cielo plumbeo. Qui il pianoforte sussurra melodie sottolineate da suoni psichedelici.
Il panorama dipinto diventa ampio nella conclusiva “Elegia”, così i colori maggiormente solari. Le note non fanno altro che fotografare la scena come in una diapositiva.
Si resta fermi durante l’ascolto, quasi per la paura di rovinare le atmosfere legate perfettamente ai concetti espressi; questa è la vera magia della musica e dell’immagine, e gli Airportman ci hanno fatto dono di un’altra perla.
Quando la musica prende il posto delle parole, allora l’arte è totale. Ammaliante! MS 

Versione Inglese: 

AIRPORTMAN / EGIDIO MARULLO – Erva De Ientu
Lizard Records / Moving Records
Genre: Art Rock
Format: CD – 2025

Nature and music are a perfect combination; if painting is added to them, it becomes a rich feast for the mind.
Some artists have tried this mix, especially Italians, because we have in our DNA a concept of art on a broad spectrum. Just recall Paolo Catena’s “Quadri Musicali”, or “Stati Di Immaginazione” by Premiata Forneria Marconi, just to name a few, but the list would be really long.
The project of the Roatesi Airportman has very deep roots: it dates back to 2006, when the trio Giovanni Risso (guitar), Marco Lamberti (guitar, piano, bass, harmonium, synthesizer) and Paolo Bergese (drums, percussion) debuted with Off (Lizard Records). Over time they have released an important discography both in quantity (sixteen studio albums) and quality; many collaborations have featured names such as Tommaso Cerasuolo, Stefano Giaccone and Fabio Angeli.
Even in this new work they are joined by an artist, this time a painter and musician: Egidio Marullo. He has always explored the interaction between artistic languages and uses watercolour, as in the case of Di terra (erbario dei ricordi), together with poet Osvaldo Piliego. This time it is not words but music that accompanies his works, giving rise to a collaboration that features six pieces taken from the vision of as many paintings contained in a splendid cardboard insert inside the maxi 18 × 18 cm packaging.
“Erva de ientu” in Salentino dialect means “Grass of the wind”, i.e. that spontaneous and stubborn vegetation that grows among the dunes a stone’s throw from the sea. It manages to take root despite the fragility of the sand in which it is born.
The first musical picture bears the title of the album, a fragmentation of sounds ranging from percussion to piano, with the latter as the main protagonist. Looking at the print of the painting and listening to the sound fully immerses the listener in the context.
The abundant six minutes of “Sentire” flow like the image, and the music itself becomes watercolour, colourful but in some ways dark. The piano drips notes, the sky is blue even though darkness prevails in the distance. Along the way, airy scenes open up dictated by Giovanni Risso’s guitar and the accordion. It almost feels like smelling the saltiness on that Adriatic side.
Magnificent “Èpoteia”, deep as the colours used in the painting; dark stains reinforce the concept of radicality. Reflective moments intersect with a hypnotic sound, where the arrangements dominate, xylophone included. The movement gradually fades to make room for delicate, dreamy guitar arpeggios.
Spectacular the colour of “I Cardi E L’Alba”; everything seems to stop when darkness gives way to the faint light of the distant sun; the grasses are still, and the music tells the scene, starting almost slyly and then holding with the sunrise.
The wind rises in “Orazione”, the blood‑red sand borders the leaden sky. Here the piano whispers melodies underlined by psychedelic sounds.
The painted panorama becomes wide in the concluding “Elegia”, with the most solar colours. The notes simply photograph the scene like a slide.
We remain still while listening, almost out of fear of ruining the atmospheres perfectly linked to the concepts expressed; this is the true magic of music and image, and Airportman have gifted us another pearl.
When music takes the place of words, art becomes total. Enchanting! MS

Goldusk

GOLDUSK – When Metal Takes Shape
Andromeda Relix
Genere: Heavy Metal / Hard Rock
Supporto: CD – 2025

Esistono generi musicali che non tradiscono mai, uno di questi è l’Heavy Metal. Mi ricordo quando fece i suoi primi passi e i suoi primi successi, le riviste dell’epoca lo catalogarono come un fenomeno di breve durata, una sorta di “mordi e fuggi”. Sbagliato: non solo è vivo e vegeto anche oggi, ma è anche quello che apre a più soluzioni, creando moltissimi sottogeneri e novità.
Il classico Metal non passa mai di moda, perciò molte band, anche in Italia, seguono le sonorità di maestri come Iron Maiden, Manowar, Savatage e ovviamente altri ancora.
Tra le proposte più fresche troviamo i cremonesi Goldusk, trio composto da Larry Low (basso, voce), Renz (chitarra) e Magher (batteria), che nel 2024 debuttano con un album omonimo. Un anno dopo ritornano con “When Metal Takes Shape” e la bella copertina ad opera di Riccardo Orsoni. Otto canzoni in cui le chiacchiere contano poco: qui si bada al sodo e all’energia.
Le tematiche affrontate spaziano dal cinema degli anni ’80 – fantasy e fantascienza – ai Muppet di Jim Henson!
La title track iniziale ci pone di fronte a fatti Heavy Metal old school (New Wave of British Heavy Metal) senza compromessi, in cui non mancano fulmini e un intro narrato. La registrazione, effettuata ai Dorsale Studio di Cremona, dona al sound l’effettiva valenza degli anni che furono.
Le chitarre si impennano nel mid‑tempo di “Tyrants Will Die”, brano che non stonerebbe assolutamente nella discografia degli Holocaust. Si tratta dunque di atmosfere grevi e pregne di oscurità. Il ritmo sale fino a raggiungere lo Speed Metal in “The Wraith”, dove le dita scorrono velocemente sulla tastiera della chitarra. Una valanga di lava colante ci travolge nella fase centrale del brano.
Più introspettiva è “Holy Drinker”, una composizione più articolata e variegata rispetto a quanto ascoltato finora, con una ricerca marcata per la melodia, gradevole e oltremodo scorrevole. Il cantato, in senso generale, è più che dignitoso, sempre adeguato al pezzo senza mai fare il passo più lungo della gamba. Un accenno al sound dei Saxon giunge da “Sonia (The Red One)”, quella del periodo metà anni ’80.
Divertente nelle scelte ritmiche e dal ritornello ruffiano è “Wild Ride”, brano trascinante che immagino molto bene in sede live. La canzone più lunga dell’album è “Rain”, grazie ai suoi sei minuti abbondanti; qui si palesano i Goldusk che non ti aspetti: una ballata intrigante che, nel prosieguo, lascia la scena alla chitarra elettrica di Renz. Primordiali Judas Priest fanno capolino di tanto in tanto.
Il finale è epico con “Knowledge Of Steel”… Battle Hymns!
Tanta materia in questo “When Metal Takes Shape”, ed è bello vedere che anche nel 2025 ci sono giovani a tenere alta la bandiera della NWOBHM; è altresì un orgoglio sapere che sono italiani. Il Metal non è soltanto musica, ma uno stile di vita.
In precedenza ho citato un nome, ebbene, per il sottoscritto i Goldusk sono gli Holocaust italiani. Complimenti. MS

Versione Inglese:

GOLDUSK – When Metal Takes Shape
Andromeda Relix
Genre: Heavy Metal / Hard Rock
Format: CD – 2025

There are musical genres that never betray you, and one of these is Heavy Metal. I remember when it first took its first steps and its first successes; the magazines of the time catalogued it as a short‑lived phenomenon, a sort of “bite and run”. Wrong: not only is it alive and well today, but it also opens up many possibilities, creating countless sub‑genres and novelties.
Classic Metal never goes out of style, so many bands, even in Italy, follow the sounds of masters like Iron Maiden, Manowar, Savatage and of course many others.
Among the freshest proposals we find the Cremonese Goldusk, a trio made up of Larry Low (bass, voice), Renz (guitar) and Magher (drums), who debuted in 2024 with a self‑titled album. A year later they return with When Metal Takes Shape and a beautiful cover by Riccardo Orsoni. Eight songs where chatter counts for little: here we focus on the raw energy.
The themes range from 80s cinema – fantasy and sci‑fi – to Jim Henson’s Muppets!
The opening title track puts us in front of old‑school Heavy Metal facts (New Wave of British Heavy Metal) without compromises, with no shortage of lightning and a narrated intro. The recording, made at Dorsale Studio in Cremona, gives the sound the true essence of the era.
The guitars soar in the mid‑tempo “Tyrants Will Die”, a track that would not be out of place in Holocaust’s discography. It therefore deals with heavy, darkness‑laden atmospheres. The rhythm rises until it reaches speed metal in “The Wraith”, where the fingers fly over the guitar neck. A torrent of flowing lava overwhelms us in the central part of the song.
More introspective is “Holy Drinker”, a more articulated and varied composition than anything heard so far, with a marked search for melody, pleasant and extremely flowing. The vocals are generally more than dignified, always appropriate to the piece without ever overreaching. A hint of Saxon’s sound emerges from “Sonia (The Red One)”, from the mid‑80s period.
Fun in its rhythmic choices and with a cheeky chorus is “Wild Ride”, a driving track that I can easily see live. The longest song on the album is “Rain”, thanks to its abundant six minutes; here the Goldusk you don’t expect appear: an intriguing ballad that, as it progresses, gives the stage to Renz’s electric guitar. Primordial Judas Priest peek out from time to time.
The finale is epic with “Knowledge Of Steel”… Battle Hymns!
A lot of material in this When Metal Takes Shape, and it’s great to see that even in 2025 there are young people keeping the NWOBHM flag flying; it’s also a pride to know they are Italian. Metal is not just music, but a lifestyle.
Previously I mentioned a name; indeed, for me Goldusk are the Italian Holocaust. Congratulations.
MS

  

Mirko Jymi–Gianni Venturi

MIRKO JYMI & GIANNI VENTURI – Senza Rete
Mirko Jymi – music production
Genere: Sperimentale / Ambient / Dark / Jazz / Avant‑garde
Supporto: CD / Bandcamp – 2024

Si sa che la musica può essere adoperata per differenti necessità e che i testi non sempre devono necessariamente accompagnare un’opera. Tuttavia, se le argomentazioni ci sono, vanno abbinate alle dovute sonorità; perciò il connubio fra le due arti diventa fondamentale.
L’equilibrio è sottile: non tutti hanno le capacità giuste per esporre al meglio l’insieme, per questo servono esperienza e sensibilità.
Le caratteristiche di Gianni Venturi sono ormai note nell’ambito sia sperimentale sia progressivo, basta citare la band Altare Thotemico, oppure i progetti Mantra Informatico, Banda Venturi, Qohelet, Tazebao, Moloch e altri ancora, nei quali il poeta e narratore dei tempi si esprime con sagacia e crudezza.
È notoria la cadenza narrativa con cui approccia al canto, generalmente disperato e rabbioso, proprio per evidenziare la profondità delle analisi che vengono esposte. Ecco quindi la ricerca sia della parola sia della fonetica, entrambe fondamentali per trattare le vicissitudini dei nostri tempi, amore compreso. Venturi non si rassegna e sprigiona un pessimismo che sembra nato dalla consapevolezza dettata dall’esperienza di vita. Si sa che affrontare certe argomentazioni può condurre a un approccio politico, ma in realtà non è così, perché l’artista è un semplice osservatore e non di parte. Ascoltare i testi è come subire il suono delle unghie che graffiano una lavagna; per enfatizzare questo, Venturi si avvale della collaborazione di un altro noto artista dell’ambito sperimentale, Mirko Jymi. Tastierista e compositore, Jymi ha una cultura profonda della musica: inizia ascoltando jazz, rock, fusion, bossa, prog e ambient, e tutto questo è incastonato nel suo DNA.
Assieme compongono “Senza Rete”, un’opera filosofica in cui sono messe a nudo le incongruenze del significato attuale delle parole: la religione mente, la politica è malsana, la fisica è teorica e l’anarchia è utopia.
Undici sono le tracce che compongono l’album, registrate al São Paulo Studio, composte e arrangiate da Mirko Jymi. Con loro appaiono tre ospiti speciali: Carlos Sanchez (basso, stick), Fernando Dos Santos (batteria, percussioni) e Alberto Da Silva (tromba, sax).
Il sax apre “Il Tango Di Buenos Aires” con delicatezza, quasi una carezza rassicurante; la chitarra di matrice pinkfloydiana si fonde ad esso, ma è Venturi a innalzare l’intensità attraverso un crescendo vocale struggente e ficcante. Ogni tonalità ha il senso della parola espressa. L’ingresso della tromba dona all’insieme un velo di gradita raffinatezza.
“Prenditi Cura Di Te” è musica per pensare, fra raccomandazioni e fotografie ambientali dove il suono è altamente coinvolgente. Qui Venturi raggiunge la disperazione e l’introspezione.
“Fili Di Luce” alza leggermente il ritmo, i suoni sono più ampi, pur rilasciando sensazioni di una uggiosa serata d’autunno.
Tutto l’album scorre su un velo di oscurità che solo in brevi istanti lascia spazio a lamine di serenità. Ottima “Empatia”, pachidermica nell’incedere con ampi squarci di Psichedelia. Sognante “Dove Cantano Le Stelle”, toccante “Dimmi Che Mi Ami”, riflessiva “L’Amore Bambino”: tutte canzoni che godono di vita propria.
Il disco viaggia su questa lunghezza d’onda, ma tengo a sottolineare la profondità della title track, altro esempio di come la musica sposi alla perfezione un testo analitico dei tempi e disperato.
Il connubio Mirko Jymi–Gianni Venturi è devastante! “Senza Rete” è un’opera da gustare con parsimonia, proprio come un buon bicchiere di whisky, e mi dispiace per chi non ha tempo di assaporarla con calma. Questa è musica che fa pensare… pensare… pensare! MS

Versione Inglese: 

MIRKO JYMI & GIANNI VENTURI – Senza Rete
Mirko Jymi – music production
Genre: Experimental / Ambient / Dark / Jazz / Avant‑garde
Format: CD / Bandcamp – 2024

It is known that music can be used for different needs and that lyrics do not always have to accompany a work. However, if the arguments are there, they must be paired with the appropriate sounds; therefore the combination of the two arts becomes fundamental.
Balance is subtle: not everyone has the right abilities to best present the whole, which is why experience and sensitivity are required.
Gianni Venturi’s characteristics are now well known in both the experimental and progressive scenes; one need only mention the band Altare Thotemico, or the projects Mantra Informatico, Banda Venturi, Qohelet, Tazebao, Moloch and others, in which the poet and narrator of our times expresses himself with wit and rawness.
The narrative cadence with which he approaches singing is notorious, generally desperate and angry, precisely to highlight the depth of the analyses that are presented. Hence the search for both the word and phonetics, both essential to deal with the vicissitudes of our times, love included. Venturi does not resign himself and releases a pessimism that seems born from the awareness dictated by life experience. It is known that addressing certain arguments can lead to a political approach, but in reality it is not, because the artist is a simple observer and not partisan. Listening to the lyrics is like enduring the sound of nails scratching a blackboard; to emphasize this, Venturi enlists the collaboration of another well‑known artist in the experimental field, Mirko Jymi. Keyboardist and composer, Jymi has a deep musical culture: he started listening to jazz, rock, fusion, bossa, prog and ambient, and all of this is embedded in his DNA.
Together they compose “Senza Rete”, a philosophical work in which the inconsistencies of the current meaning of words are laid bare: religion lies, politics is unhealthy, physics is theoretical, and anarchy is utopia.
Eleven tracks make up the album, recorded at São Paulo Studio, composed and arranged by Mirko Jymi. With them appear three special guests: Carlos Sanchez (bass, stick), Fernando Dos Santos (drums, percussion) and Alberto Da Silva (trumpet, sax).
The sax opens “Il Tango di Buenos Aires” with delicacy, almost a reassuring caress; the Pink Floyd‑like guitar merges with it, but it is Venturi who raises the intensity through a wrenching, piercing vocal crescendo. Each tonality carries the meaning of the expressed word. The trumpet entry adds a veil of welcome refinement.
“Prenditi Cura di Te” is music to think, between recommendations and environmental photographs where the sound is highly engaging. Here Venturi reaches despair and introspection.
“Fili di Luce” raises the tempo slightly; the sounds are broader, while still evoking the feeling of a gloomy autumn evening.
The entire album flows on a veil of darkness that only briefly gives way to thin sheets of serenity. Excellent “Empatia”, pachydermic in its progression with wide swaths of psychedelia. Dreamy “Dove Cantano le Stelle”, touching “Dimmi Che Mi Ami”, reflective “L’Amore Bambino”: all songs that enjoy a life of their own.
The record travels on this wavelength, but I want to underline the depth of the title track, another example of how the music perfectly marries an analytical, desperate text of our times.
The pairing of Mirko Jymi and Gianni Venturi is devastating! “Senza Rete” is a work to be savored sparingly, just like a good glass of whisky, and I’m sorry for those who don’t have time to enjoy it slowly. This is music that makes you think… think… think! MS

Tales Of Oneira, il singolo

TALES OF ONEIRA: il singolo “Mirrors of another self”

 “Specchio specchio delle mie brame...”
È una cantilena antica, rivestita di tinte dark wave, ad aprire “Mirrors of Another Self”, il nuovo singolo dei Tales of Oneira. Come la strega di Biancaneve, anche oggi moltissime persone trascorrono le proprie giornate a cambiare maschera davanti allo specchio, inseguendo l’illusione di essere “la più bella del reame”.
Il brano affronta il dilemma del doppio, del volto che si mostra e di quello che si nasconde. “They all hide their deepest darkest desires / Horrified by the judgemental fires”: la paura di essere giudicati convive con la facilità con cui si giudica il prossimo, mentre si indossa ogni volta un volto diverso per ottenere consenso o vantaggi. In questo teatro di falsità, “Guilty judges, filthy angels, rotten souls cleansed” rivela un mondo capovolto, dove i giudici sono spesso i primi colpevoli, gli angeli hanno le mani sporche e le anime che sembrano pure, da vicino puzzano di marcio.
Tanto ricco quanto il suo immaginario, “Mirrors of Another Self” è un brano symphonic metal dal sound moderno e stratificato. Su una ritmica marziale si innestano synth taglienti, mentre le voci si sfidano in un botta e risposta feroce tra growl e pulito. Nella sezione finale, l'imponente voce lirica si innalza sopra tutto, portando con sé una maestosità rituale. Le corde, abbondanti e avvolgenti, riempiono l’atmosfera come un’eco che risuona dalla cima di una montagna.
Tutti questi elementi convergono in un crescendo che culmina nel monito finale:
“Mirrors, mirrors on this dark wall / Just like preys you all will fall.”
Questo brano impetuoso, teatrale e ricco di simboli, riflette senza sconti sulla diffusa ipocrisia odierna, ricordando che il tempo rimette sempre ognuno al proprio posto.
Ascolta “Mirrors of another self” su Youtube qui https://www.youtube.com/watch?v=DxiykuHz7tk

 

I Tales of Oneira nascono nel 2023 dall’incontro tra Giuseppe e Carlo, conosciutisi sui banchi di un corso da fonico. Dopo due anni di amicizia e confronto creativo, la forte intesa musicale li spinge a dare vita a un progetto capace di fondere metal moderno, synthwave, suggestioni pop e un immaginario ispirato al mondo dell’horror, dei sogni e della psicologia.
Fin dalle prime idee emerge con chiarezza il concept alla base della band: trasformare paure e incubi in racconti musicali, esplorando quel territorio in cui l’inconscio prende il sopravvento. È da questa visione che nasce il nome Tales of Oneira.
Tra fine 2023 e inizio 2024 la formazione si consolida grazie al coinvolgimento di amici fidati, mentre parallelamente prendono forma le prime tracce dell’EP. I primi mesi del 2024 vengono dedicati alla scrittura, alla definizione del sound e alla produzione in studio, affiancati da un forte lavoro sull’immagine, sul concept narrativo e sulla presenza social.
L’EP d’esordio viene pubblicato nel novembre 2024, aprendo alla band le porte della scena live: dalle prime date nei club fino ai palchi più rilevanti, tra cui l’Ariston di Sanremo, dove arrivano in finale al concorso Sanremo Rock.
Oggi i Tales of Oneira sono al lavoro sul nuovo album, previsto per il primo quadrimestre del 2026, con l’obiettivo di espandere ulteriormente il loro universo sonoro e narrativo.
Formazione: Fabio Dubini (voce), Silvia Bavaglia (voce), Giuseppe Cascardo (chitarra), Carlo Augusto Pegoraro (chitarra), Andrea Bovolenta (basso), Alessandro Redaelli (batteria).
 
Tales of Oneira online:
www.facebook.com/talesofoneira
www.instagram.com/talesofoneiraofficial 

Anabasi Road

ANABASI ROAD – Ecce Omo
Autoproduzione
Genere: Hard Prog
Supporto: Bandcamp – 2025

Abbiamo lasciato gli emiliani Anabasi Road nel 2016 con l’EP “Ages”, e antecedentemente con l’album omonimo del 2014, oggi ritornano con quest’album composto di undici brani intitolato “Ecce Omo” e registrato in quattro anni.
Nel tempo, dopo alcuni cambi nella line up, si stabilizzano con Andrea Giberti (voce), Massimiliano Braglia (chitarra), Nicola Corradini (batteria), Luca Orlandini (tastiere), Alex Gambarelli (chitarra), e Andrea Pini (basso). Il genere suonato è in bilico fra l’Hard Prog, il Blues e il cantautorato, il tutto sapientemente miscelato con personalità. Hanno partecipato a concorsi musicali come il “Concorso Liber@mente” di Quattro Castella (RE) arrivando secondi nell’edizione del 2012 e secondi al “Krisis Band Contest” di Carpi nel 2015. Il nome Anabasi Road si riferisce all'antico greco ed evoca una faticosa marcia in salita.
L’Hard Prog, come ho avuto modo di spiegare anche in altri contesti, è un genere rivolto a un pubblico abbastanza limitato, in quanto unire la musica “colta” come il Prog alle sonorità più rudi dell’Hard Rock non trova molti consensi, un ibrido che generalmente il Progghettaro puro non gradisce molto. Viceversa paradossalmente chi ascolta l’Hard Rock acquista anche dischi di Progressive Rock, ciò accade ancora più pesantemente con il Metal Progressive. In realtà in questa musica risiedono passaggi interessanti e non sono soltanto le chitarre elettriche a porre rudezza ai suoni, ma spesso e volentieri è una tastiera, l’Hammond.
La title track che inizia l’album è uno strumentale principalmente composto di un riff insistente di basso e chitarra dopo un apertura psichedelica. Nel decorso si aggiungono gli strumenti, e ci si trova immersi in un contesto a pieno titolo anni ’70. Con “Rinascitempo” si arriva a quello che in definitiva è il DNA della band, ossia come già detto, un insieme di cantautorato, Hard Prog, e Blues. Grintosa l’interpretazione vocale di Andrea Giberti, contagiosa nella giocosità e nell’energia espressa soprattutto nel ritornello.
“La Voce Del Whisky” ha al proprio interno un refrain dalle influenze Nomadi. La band è perfettamente sincronizzata in tutti i reparti, soprattutto la sezione ritmica, dove ancora una volta il basso di Andrea Pini ricopre un ruolo di primissimo piano. Seguono i quasi dieci minuti di “Cortese E Profano” aperti da un bellissimo arpeggio di chitarra classica dal sentore antico (chi ha detto Genesis?). Fra i migliori pezzi nomino la suite finale “La Strega”, un esempio di come il Prog Rock deve colpire l’ascoltatore, con cambi di tempo, assolo ficcanti e belle armonie.
Gli Anabasi Road non sono prolifici, ma quello che riescono a compattare in un album scritto nel tempo è quantomeno sorprendente, tutto questo a favore della fluidità dell’ascolto. Mi capita spesso di recensire buoni album ma con parecchi brani di riempimento, in questo caso il livello resta sempre alto e particolarmente curato. Bravi, la strada giusta per lasciare il segno nel tempo è proprio questa, non quantità ma qualità! MS

Versione Inglese:

ANABASI ROAD - Ecce Omo
Self-production
Genre: Hard Prog
Support: Bandcamp - 2025

We left the Emilian band Anabasi Road in 2016 with the EP “Ages”, and earlier with the 2014 self-titled album, today they return with this album composed of eleven tracks entitled “Ecce Omo” and recorded over four years.
Over time, after some changes in the line up, they stabilize with Andrea Giberti (vocals), Massimiliano Braglia (guitar), Nicola Corradini (drums), Luca Orlandini (keyboards), Alex Gambarelli (guitar), and Andrea Pini (bass). The genre played is balanced between Hard Prog, Blues and songwriting, all skillfully mixed with personality. They have participated in music competitions such as the “Liber@mente Contest” in Quattro Castella (RE) coming second in the 2012 edition and second in the “Krisis Band Contest” in Carpi in 2015. The name Anabasis Road refers to ancient Greek and evokes a strenuous uphill march.
Hard Prog, as I have had the opportunity to explain in other contexts as well, is a genre aimed at a fairly limited audience, as combining “cultured” music such as Prog with the rougher sounds of Hard Rock does not find much acceptance, a hybrid that generally the pure Progghettarian does not like very much.
Conversely paradoxically those who listen to Hard Rock also buy Progressive Rock records, this happens even more heavily with Progressive Metal. In fact, interesting passages reside in this music, and it is not only electric guitars that pose roughness to the sounds, but often and often it is a keyboard, Hammond.
The title track that begins the album is an instrumental mainly composed of an insistent bass and guitar riff after a psychedelic opening. In the progression, instruments are added, and we find ourselves immersed in a full-fledged 1970s context. With “Rinascitempo” we come to what is ultimately the band's DNA, which is, as mentioned above, a blend of songwriting, Hard Prog, and Blues. Andrea Giberti's vocal performance is gritty, infectious in its playfulness and energy expressed especially in the refrain.
“La Voce Del Whisky” has a Nomad-influenced refrain at its core. The band is perfectly synchronized in all departments, especially the rhythm section, where once again Andrea Pini's bass plays a very prominent role. The nearly ten minutes of “Cortese E Profano” follow, opened by a beautiful classical guitar arpeggio with an ancient scent (who said Genesis?). Among the best pieces I nominate the final suite “La Strega”, an example of how Prog Rock should strike the listener, with tempo changes, punchy solos and beautiful harmonies.
Anabasis Road are not prolific, but what they manage to compact into an album written over time is at least surprising, all in favor of smooth listening. I often review good albums but with several filler tracks, in this case the level always remains high and particularly polished. Bravo, the right way to make your mark over time is just that, not quantity but quality! MS

 

The Washing Planck

THE WASHING PLANCK – GaSosTuForGy
Cassis Records
Genere: Sperimentale / Progressive Rock
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2025

La musica si pone come scopo primario l’emozione: quando un ascoltatore resta colpito, il suo scopo è raggiunto. Essa può essere melodica, allegra da ballare, oppure heavy e oscura per le anime più dure. Insomma, con il tempo l’evoluzione ci ha donato molteplici scelte. I media continuano imperterriti a proporre ciò che viene imposto dai contratti, ma oggi, grazie soprattutto a Internet, si ha la possibilità di ricercare quello che si vuole. Di certo non possiamo più dire che ora non ci sia nulla di valido, basta cercare tra le infinite proposte per scoprire un nuovo interesse. Serve tempo e dedizione, questo è vero, ma spesso è ripagato.
Ho fatto questo preambolo perché anch’io amo navigare alla ricerca di nuove sensazioni, solo che dalla musica, oggi come oggi, voglio qualcosa in più. Non mi basta l’emozione, ma amo essere stupito. Mi trovo bene nel filone del Progressive Rock, ma anche nella sperimentazione, perché in qualche caso ho gradito le sorprese.
Certamente non sto parlando di musica da canticchiare o fischiettare, bensì di un propellente per viaggiare con la mente.
E quindi mi imbatto nel duo di Monza, The Washing Planck, formato da Domenico Diano (sintetizzatori, sassofono, basso elettrico) e Matteo Mariano (sintetizzatori, chitarra elettrica, programmazione). Mariano è sound designer del progetto Macrogramma e collabora con ROHS! Records, mentre Diano è un polistrumentista e fa parte della Retro‑Prog band The Grand Socks.
In questo nuovo lavoro intitolato “GaSosTuForGy” (abbreviazione di Grand Socks Through the Forbidden Gateway) si  mettono in campo elettronica in stile berlinese, texture ambient, timbri etnici elaborati, droni e improbabili tocchi funky.
Solitamente, quando si adoperano molteplici stili, si rischia di formare un agglomerato sonoro senza capo né coda; a questo punto entrano in ballo le capacità compositive e strumentali degli artisti che, se elevate, possono davvero donare grandi sorprese.
I The Washing Planck, attraverso questi otto brani, dimostrano di avere tutte le carte in regola per accompagnarci in un trip sonoro dove, dietro ogni angolo, ci attende una sorpresa.
Questa, in definitiva, più che una recensione vuole essere un consiglio d’ascolto, perché, in tanta materia, sarebbe davvero un peccato svelare ogni passaggio; dico soltanto che le parti di sax sono perfettamente incastonate nel contesto elettronico e il connubio, molto spesso, apre scenari giganteschi in cui perdersi.
Molto spesso si adopera il termine “musica per la mente”, qui più indovinato che mai.
“GaSosTuForGy” è quello che personalmente vado cercando nella musica di oggi: un lavoro che mi estrani dalla realtà, mi sorprenda e che comunque abbia una base storica su cui reggersi. Non mancano infatti richiami al passato e accostamenti al Prog, e la suite “Project B (Part 1‑5)” ne svela alcuni.
Un recensore, al termine, consiglia l’ascolto a un determinato genere di pubblico, in questo caso lascio tutto alla vostra curiosità. Posso dare qualche indizio, questo sì: Jean‑Michel Jarre, Porcupine Tree psichedelici, ma direi che basta così.
A voi, i The Washing Planck. MS 

Versione Inglese: 

THE WASHING PLANCK – GaSosTuForGy
Cassis Records
Genre: Experimental / Progressive Rock
Format: CD / LP / Bandcamp – 2025

Music’s primary purpose is to evoke emotion: when a listener is moved, its goal is achieved. It can be melodic, joyful to dance to, or heavy and dark for tougher souls. In short, evolution has given us many choices over time. The media keep stubbornly pushing what contracts dictate, but today, thanks especially to the internet, we can seek out exactly what we want. We can no longer claim there’s nothing worthwhile—just look among the endless offerings to discover a new interest. It takes time and dedication, which is true, but it is often rewarded.
I made this preamble because I, too, love to sail in search of new sensations, only now, from music, I want something more. Emotion isn’t enough; I love to be surprised. I feel at home in the progressive‑rock vein, but also in experimentation, because sometimes I’ve enjoyed the surprises.
Of course I’m not talking about music you can hum or whistle; it’s a propellant for traveling with the mind.
And so I come across the Monza duo, The Washing Planck, made up of Domenico Diano (synthesizers, saxophone, electric bass) and Matteo Mariano (synthesizers, electric guitar, programming). Mariano is the sound designer for the Macrogramma project and collaborates with ROHS! Records, while Diano is a multi‑instrumentalist and a member of the retro‑prog band The Grand Socks.
In this new work titled “GaSosTuForGy” (short for Grand Socks Through the Forbidden Gateway) they bring Berlin‑style electronics, ambient textures, elaborate ethnic timbres, drones and unlikely funk touches into play.
Usually, when many styles are combined, there’s a risk of creating a sonic agglomeration without head or tail; at that point the artists’ compositional and instrumental skills come into play, and if they are high, they can truly deliver great surprises.
Through these eight tracks, The Washing Planck prove they have all the cards to take us on a sonic trip where, around every corner, a surprise awaits.
This, in the end, is more of a listening recommendation than a review, because in such rich material it would be a shame to reveal every detail; I’ll only say that the sax parts are perfectly embedded in the electronic context and the combination often opens up gigantic scenarios to get lost in.
The term “music for the mind” is often used, and here it fits better than ever.
“GaSosTuForGy” is exactly what I’m looking for in today’s music: a work that alienates me from reality, surprises me, and still rests on a historical foundation. It doesn’t lack references to the past or connections to prog, and the suite “Project B (Part 1‑5)” reveals some of them.
A reviewer at the end recommends the album to a specific type of audience; in this case I leave everything to your curiosity. I can give a few hints, yes: Jean‑Michel Jarre, psychedelic Porcupine Tree, but I think that’s enough.
Over to you, The Washing Planck. MS

Gianni Carlin

GIANNI CARLIN – In Nessun Luogo
Autoproduzione
Genere: Rock sperimentale
Supporto: Bandcamp / CD – 2025

Generalmente spetta a noi decidere cosa volere dalla musica, tranne nelle volte in cui si è costretti a subirla. Lo stato d’animo è un fattore temporaneo che muta di istante in istante; ha la sua valenza, ovviamente, ma la scelta dell’ascolto è soltanto una questione sia mentale sia di gusto. Quest’ultimo si forgia con gli anni e con la cultura dell’individuo, per questo non siamo tutti uguali. In definitiva, ognuno di noi ha un rapporto soggettivo con la musica. Gli amanti di questa musa variano molto, io per farvi un esempio, faccio parte della categoria degli onnivori sonori, ossia di coloro che non disdegnano nulla, neppure la ricerca che spesso travalica in lidi non certo orecchiabili. Se poi si entra nel campo del Progressive Rock o dell’Art Rock, allora il discorso diventa ancora più ricco di innesti.
Gianni Carlin è uno di questi, non soltanto un artista musicista amante del flauto e dei Jethro Tull su tutti, ma anche performer e poeta, ecco quindi gli innesti che rendono la musica proposta una appetitosa preda per quelli come me.
Ho avuto modo di conoscerlo attraverso i gruppi John Silver Band e Campo Magnetico. Nella sua carriera artistica ha realizzato sei album, tre dei quali da solista nel genere Electro‑Ambient: “Cloud(icante)” (2020), “Mysticalisms” (2021), “Praxsax” (2022), tutti in formato digitale e autoprodotti. Nel 2025 realizza “A Caccia Di Vento” e, a pochi mesi di distanza, è la volta di questo nuovo album intitolato “In Nessun Luogo”. Con la copertina di Claudio Rossi, il disco si presenta con cinque canzoni impreziosite dalla presenza di Alfonso Capasso (Aliante) al basso.
Una delle armi più affilate del bellunese è la poesia, ma anche la sagacità con cui approccia al testo, sempre ficcante e, allo stesso tempo, scandagliato da più lati attraverso visioni non convenzionali. Molti di voi avranno già capito che non si tratta di un lavoro semplice, ma che necessita di più ascolti e di certo non superficiali; ciò accade sin dalla suite di apertura di ventuno minuti e mezzo, dal titolo “Contemplazione Del Tempo Svenduto”.
L’inizio ha un andamento monolitico e cadenzato, dove anche i brevi interventi di flauto si ripetono graffianti ma non protagonisti, il tutto per voler lasciare la scena al testo, vero protagonista. Il cantato non è quindi prettamente melodico, ma tracciante di un percorso perfettamente incastonato nel suono, atto allo scopo di interagire con l’ascoltatore quasi nell’intento di scolpirlo. Tuttavia siamo sempre nel territorio della musica Progressive e quindi sperimentale, non mancano per questo cambi umorali e di tempo. Momenti narrati su suoni psichedelici spezzano l’andamento. In seguito il flauto è più presente su un movimento crimsoniano altamente nervoso.
Molto più breve “Dubbidomandeperpessità”, canzone di poco più di due minuti in cui Carlin tenta un approccio vocale più armonioso, sorretto sempre dal suo immancabile refrain flautistico.
“Una Storia Avanzata” è sorniona e intrigante, tratta di vicissitudini fra una donna e un uomo, il tutto nel classico stile Carlin. Sale il ritmo con “I Giorni Del Diniego”, in questo caso più prosa che poesia, per poi giungere alla conclusiva “Prometeo”, della quale vi lascio il testo completo per farvi capire come l’artista approccia la lirica:
“Non è tanto il morire quello che più mi deprime, ma il sapere di non essere immortale.
‘Nessun pezzo di ricambio, nessun pezzo di ricambio!’
Vorrei essere clonato o non essere mai nato; almeno eviterei di essere un mortale.
‘Nessun uomo di ricambio, nessun uomo di ricambio!’
La mia divinità è fatta di bulloni, viti e circuiti: tutta roba che durerà in eterno.
Tutto ciò che posso fare è tentare di portare avanti i limiti insulsi del mio essere pezzo difettoso.”
Il criterio vocale è simile in tutti i brani e questo potrebbe appiattire l’ascolto, tuttavia, come ho avuto modo di esporre in precedenza, la voce è solo un mezzo per esprimere i concetti.
Gianni Carlin ha dunque una fortissima personalità, è un artista completo che non scende a compromessi, il classico “prendere o lasciare”; per quelli come me è alimento per la mente. Coraggioso. MS 

Versione Inglese:

GIANNI CARLIN – In Nessun Luogo
Self‑produced
Genre: Experimental Rock
Format: Bandcamp / CD – 2025

Generally it is up to us to decide what we want from music, except when we are forced to endure it. Mood is a temporary factor that changes from instant to instant; it has its value, of course, but the choice of what to listen to is only a matter of both mind and taste. The latter is forged over the years and through an individual’s culture, which is why we are not all the same. In short, each of us has a subjective relationship with music. Fans of this muse vary widely – for example, I belong to the category of sonic omnivores, i.e., those who reject nothing, not even the research that often drifts into realms that are not exactly “ear‑friendly.” If we then enter the field of Progressive Rock or Art Rock, the discussion becomes even richer in grafts.
Gianni Carlin is one of those, not only a musician who loves the flute and Jethro Tull above all, but also a performer and poet; hence the grafts that make the proposed music an appetizing prey for people like me.
I got to know him through the groups John Silver Band and Campo Magnetico. In his artistic career he has released six albums, three of them solo in the Electro‑Ambient genre: “Cloud(icante)” (2020), “Mysticalisms” (2021), “Praxsax” (2022), all in digital format and self‑produced. In 2025 he releases “A Caccia Di Vento” and, a few months later, this new album titled “In Nessun Luogo”. With cover art by Claudio Rossi, the disc features five songs enriched by Alfonso Capasso (Aliante) on bass.
One of the sharpest weapons of the Belluno native is poetry, but also the cleverness with which he approaches the text – always piercing and, at the same time, explored from multiple angles through unconventional visions. Many of you will have already understood that this is not a simple work, but one that requires multiple, non‑superficial listens; this is evident from the opening suite of twenty‑one and a half minutes, entitled “Contemplazione Del Tempo Svenduto”.
The beginning has a monolithic, cadenced feel, where even the brief flute interventions repeat, scratchy but not dominant, all in order to give the stage to the text, the true protagonist. The singing is therefore not purely melodic, but traces a path perfectly set in the sound, intended to interact with the listener as if to sculpt them. Nevertheless we remain in the realm of Progressive and therefore experimental music; mood and tempo changes are not lacking. Psychedelic‑laden moments break the flow. Later the flute becomes more present in a highly nervous Crimson‑like movement.
Much shorter is “Dubbidomandeperpessità”, a track just over two minutes long in which Carlin attempts a more harmonious vocal approach, always supported by his unmistakable flute refrain.
“Una Storia Avanzata” is sly and intriguing, dealing with the vicissitudes between a woman and a man, all in the classic Carlin style. The pace picks up with “I Giorni Del Diniego”, more prose than poetry this time, leading to the concluding “Prometeo”, whose full lyrics I share to show how the artist approaches the lyrical form:
“Death is not what depresses me most, but the knowledge of not being immortal.
‘No spare part, no spare part!’
I wish I could be cloned or never born; at least I would avoid being mortal.
‘No spare man, no spare man!’
My divinity is made of bolts, screws and circuits: stuff that will last forever.
All I can do is try to push forward the silly limits of my defective self.”
The vocal approach is similar in all tracks and this could flatten the listening experience; however, as I mentioned earlier, the voice is only a means to convey concepts.
Gianni Carlin therefore has a very strong personality; he is a complete artist who does not compromise, the classic “take it or leave it”; for people like me it is food for the mind. Courageous. MS