Paradise Lost

PARADISE LOST – Draconian Times
Music for Nations
Genere: Gothic Metal / Dark Rock
Supporto: CD / LP  - 1995

Se esiste un album capace di cristallizzare un intero genere musicale in poco più di cinquanta minuti, quello è senza dubbio “Draconian Times”. Correva l'anno 1995 e i Paradise Lost, reduci dal successo del seminale “Icon”, decisero di compiere il passo definitivo: abbandonare quasi totalmente le ultime vestigia del Death-Doom per abbracciare un sound monumentale, cupo ma incredibilmente accessibile.
Nonostante non sia un disco "Progressive" in senso stretto, la complessità degli arrangiamenti e la stratificazione delle chitarre di Greg Mackintosh elevano l'opera a un livello di raffinatezza compositiva raramente eguagliato dai loro contemporanei.
I protagonist di questa chicca sonora sono Nick Holmes (Voci), Greg Mackintosh (Chitarre), Aaron Aedy (Chitarre), Stephen Edmondson (Basso), e Lee Morris (Batteria).
L'apertura di “Enchantment” è affidata a un pianoforte malinconico che esplode in un riff granitico. È il biglietto da visita del disco: la voce di Nick Holmes, ormai matura e priva di growl, si attesta su una timbrica che ricorda un James Hetfield più tormentato e baritonale.
In “Hallowed Land” emerge la sezione ritmica. Il lavoro di Lee Morris dietro le pelli è dinamico, capace di sorreggere i contrappunti melodici delle due chitarre che si intrecciano in trame quasi "maideniane", ma immerse nella pece.
Il potenziale commerciale (nel senso più nobile del termine) del gruppo emerge prepotentemente con “The Last Time”, un anthem gotico con un ritornello che entra sottopelle e non se ne va più.
Forse il vertice emotivo del lotto risulta “Forever Failure” . L'uso dei campionamenti della voce di Charles Manson aggiunge un layer di disagio psicologico a una struttura lenta, funerea e profondamente melodica. Il solo di Mackintosh è una lezione di "playing for the song": poche note, ma cariche di un vibrato che piange.
Tuttavia il mio brano preferito resta “Yearn For Change” per freschezza d’intenti e così tutto l’album scivola via con grande classe traccia dopo traccia, proprio come accade in un lavoro perfetto.
La mano di Simon Efemey alla produzione è magistrale. Il suono è "grosso", pulito ma mai asettico. Le chitarre hanno una saturazione calda che permette di distinguere ogni singola armonizzazione, mentre il basso di Edmondson pulsa con una precisione chirurgica, garantendo quella spinta necessaria per non far scivolare il disco nel semplice rock atmosferico.
“Draconian Times” non è solo un album; è un'estetica. È il punto di equilibrio perfetto tra la rabbia degli esordi e la sperimentazione che sarebbe arrivata pochi anni dopo con “Host”. È un disco che parla di perdita, isolamento e resilienza, vestito con un abito sonoro elegante e senza tempo.
Magari vi chiederete: “Perché ascoltarlo oggi?”,  perché in un'epoca di produzioni iper-compresse e prive di anima, risentire il calore e la disperazione genuina di questo capolavoro ci ricorda che il Metal può essere colto, profondo e terribilmente emozionante. MS

 

Versione Inglese: 

PARADISE LOST – Draconian Times
Music For Nations
Genre: Gothic Metal / Dark Rock
Format: CD / LP - 1995

If there is an album capable of crystallizing an entire musical genre in just over fifty minutes, it is undoubtedly “Draconian Times”. The year was 1995, and Paradise Lost, fresh from the success of the seminal “Icon”, decided to take the definitive step: almost entirely abandoning the last vestiges of Death-Doom to embrace a monumental sound—dark, yet incredibly accessible.
Despite not being a "Progressive" record in the strictest sense, the complexity of the arrangements and the layering of Greg Mackintosh’s guitars elevate the work to a level of compositional refinement rarely matched by their contemporaries.
The protagonists of this sonic gem are Nick Holmes (Vocals), Greg Mackintosh (Guitars), Aaron Aedy (Guitars), Stephen Edmondson (Bass), and Lee Morris (Drums).
The opening of “Enchantment” is entrusted to a melancholy piano that explodes into a monolithic riff. It is the album's calling card: Nick Holmes' voice, now mature and stripped of growls, settles into a timbre reminiscent of a more tormented, baritone James Hetfield.
In “Hallowed Land”, the rhythm section shines. Lee Morris’s work behind the skins is dynamic, capable of supporting the melodic counterpoints of the two guitars that intertwine in almost "Maiden-esque" textures, yet drenched in pitch-black darkness.
The group's commercial potential (in the noblest sense of the term) emerges powerfully with “The Last Time”, a gothic anthem with a chorus that gets under your skin and never leaves.
Perhaps the emotional pinnacle of the lot is “Forever Failure”. The use of Charles Manson vocal samples adds a layer of psychological unease to a slow, funereal, and deeply melodic structure. Mackintosh's solo is a masterclass in "playing for the song": few notes, but charged with a weeping vibrato.
However, my personal favorite remains “Yearn For Change” for its freshness of intent; thus, the entire album glides by with immense class track after track, just as it happens with a perfect work.
Simon Efemey’s hand in production is masterful. The sound is "big," clean, but never sterile. The guitars have a warm saturation that allows every single harmonization to be distinguished, while Edmondson’s bass pulses with surgical precision, providing the necessary drive to prevent the record from sliding into mere atmospheric rock.
“Draconian Times” is not just an album; it is an aesthetic. It is the perfect balance between the primal rage of the early days and the experimentation that would arrive a few years later with “Host”. It is a record that speaks of loss, isolation, and resilience, dressed in an elegant and timeless sonic shroud.
You might ask: “Why listen to it today?” Because in an era of hyper-compressed and soulless productions, hearing the warmth and genuine despair of this masterpiece reminds us that Metal can be sophisticated, profound, and terribly moving. MS

 

Astrolabio

ASTROLABIO – Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Hard Prog
Formato: CD – 2026

Il Progressive Rock si è spesso distinto per liriche profonde, tanto da essere definito dagli addetti ai lavori come "musica colta". Tuttavia, quando a questa complessità si uniscono sagacia, ironia e una tagliente satira, il risultato diventa, per il mio gusto personale, ancor più stimolante.
Seguo con interesse gli Astrolabio sin dai tempi di "L'Isolamento Dei Numeri Pari" (2014) e "I Paralumi Della Ragione" (2017), sebbene il loro percorso sia iniziato sotto il nome di Elettrosmog con l'album "Monologando" (2006). In questo nuovo capitolo, l’approccio Hard Prog è ulteriormente enfatizzato dalla scelta di sostituire le tastiere con una doppia chitarra elettrica; Massimo Babbi compare infatti solo in veste di special guest. La formazione ufficiale schiera Michele Antonelli (voce, chitarre, flauto traverso), Alessandro Pontone (batteria, cori), Paolo Iemmi (basso, voce, cori) e Paolo Giberti (chitarre, cori).
Il gruppo ha sempre esplorato il tema della comunicazione e "Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria" rappresenta la chiusura ideale di questo cerchio concettuale. Il disco analizza il fenomeno pubblicitario trasformando ogni brano in uno "spot" per un ipotetico prodotto. Non è un caso che la copertina ritragga un televisore degli anni '70, richiamando l'era del mitico "Carosello". Il titolo stesso è un arguto gioco di parole che reinterpreta il classico lamento nostalgico degli anziani in chiave moderna. Sotto la lente d'ingrandimento finisce anche una società di massa che apparirebbe smarrita senza l'ausilio di uno smartphone.
L'apertura è affidata a "Prima Della Pubblicità", un brano che analizza le origini del fenomeno con richiami alla sigla di Carosello, sorretto da riff taglienti e un cantato di matrice Post Punk dall'incedere roccioso. Nonostante l'energia, restiamo in pieno territorio Prog, come dimostrano i frequenti cambi di tempo. Più articolata risulta "La Dittatura Delle Cose", dove emerge un'interessante sfumatura cantautorale; un efficace passaggio di basso e batteria spezza l'ascolto prima di proiettare l'ensemble nelle sonorità care ai King Crimson.
In "Il Seme Del Disgusto" troviamo dissonanze iniziali che omaggiano la "Bourrée" dei Jethro Tull e "Smoke On The Water" dei Deep Purple. Il brano è strutturato magistralmente, con un testo che incide come una rasoiata e mutazioni stilistiche prossime all'universo di Frank Zappa. Segue "La Fiera Del Luogo Comune", quasi sette minuti in cui la band si mostra perfettamente amalgamata, guidata da un basso protagonista che funge da motore portante dell'intera traccia.
Dopo i brevissimi istanti di "B.B.", si approda a "L’Ombra Di Te Stesso", dove le incursioni sonore riflettono una vasta cultura musicale. Notevoli le parti vocali, capaci di interpretare le liriche con la giusta dose di veemenza. "Grandi Magazzini" parte con un piglio sornione per poi sfociare in un Hard Rock diretto, tipico degli anni '70; la sezione centrale Blues, impreziosita dalla chitarra elettrica, conferma la solidità tecnica del gruppo.
Se "Senzavoglia" e "Democrazia (Ma Che Idea!)" lasciano trasparire influenze legate ai Led Zeppelin, il dulcis in fundo arriva con i dieci minuti di "DIO (Decido Io, Ora)". In questa suite, gli Astrolabio mettono in campo tutto il loro arsenale compositivo, dimostrando una straordinaria maturità nella scrittura.
Con i veronesi Astrolabio si sorride amaro e, soprattutto, si riflette. Lo si fa attraverso una proposta musicale florida e priva di inutili orpelli, confezionata con rara professionalità e autentica passione. Un disco intriso di storia. MS

Versione Inglese:

ASTROLABIO – Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Hard Prog
Format: CD – 2026

Progressive Rock has often distinguished itself through profound lyrics, leading industry experts to define it as "cultured music." However, when this complexity is paired with shrewdness, irony, and cutting satire, the result becomes—to my personal taste—even more stimulating.
I have followed Astrolabio with interest since the days of "L'Isolamento Dei Numeri Pari" (2014) and "I Paralumi Della Ragione" (2017), although their journey began under the name Elettrosmog with the album "Monologando" (2006). In this new chapter, the Hard Prog approach is further emphasized by the choice to replace keyboards with double electric guitars; indeed, Massimo Babbi appears only as a special guest. The official lineup features Michele Antonelli (vocals, guitars, flute), Alessandro Pontone (drums, backing vocals), Paolo Iemmi (bass, vocals, backing vocals), and Paolo Giberti (guitars, backing vocals).
The group has always explored the theme of communication, and "Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria" represents the ideal closing of this conceptual circle. The album analyzes the phenomenon of advertising by transforming each track into a "commercial" for a hypothetical product. It is no coincidence that the cover features a 1970s television set, recalling the era of the legendary Italian show "Carosello." The title itself is a clever play on words, reinterpreting the classic nostalgic lament of the elderly ("Once, all this was countryside") in a modern key. Under the magnifying glass is a mass society that would appear lost without the aid of a smartphone.
The opening is entrusted to "Prima Della Pubblicità," a track that analyzes the origins of the phenomenon with nods to the "Carosello" theme, supported by sharp riffs and Post-Punk style vocals with a rocky pace. Despite the energy, we remain firmly in Prog territory, as evidenced by the frequent time signature changes. "La Dittatura Delle Cose" is more complex, revealing an interesting singer-songwriter nuance; an effective bass and drum passage breaks the flow before projecting the ensemble into soundscapes reminiscent of King Crimson.
In "Il Seme Del Disgusto," we find initial dissonances that pay homage to Jethro Tull's "Bourrée" and Deep Purple's "Smoke On The Water." The song is masterfully structured, with lyrics that cut like a razor and stylistic mutations close to the world of Frank Zappa. This is followed by "La Fiera Del Luogo Comune," nearly seven minutes where the band proves perfectly cohesive, led by a prominent bass that acts as the driving engine of the entire track.
After the fleeting seconds of "B.B.," we reach "L’Ombra Di Te Stesso," where sonic incursions reflect a vast musical culture. The vocal parts are noteworthy, interpreting the lyrics with the right amount of vehemence. "Grandi Magazzini" starts with a sly tone before blooming into direct, 1970s-style Hard Rock; the central Blues section, enhanced by the electric guitar, confirms the band's solid technical foundation.
While "Senzavoglia" and "Democrazia (Ma Che Idea!)" reveal influences tied to Led Zeppelin, the dulcis in fundo arrives with the ten minutes of "DIO (Decido Io, Ora)." In this suite, Astrolabio deploy their entire compositional arsenal, demonstrating extraordinary maturity in their songwriting.
With Verona-based Astrolabio, one smiles bitterly and, above all, reflects. This is achieved through a flourishing musical proposal, free of unnecessary frills and crafted with rare professionalism and authentic passion. An album steeped in history.
MS

  

Elle

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genere: Rock Elettronico / Cantautorato / Folk
Formato: CD – 2026

La musica può essere definita come un linguaggio intimo, un mezzo attraverso il quale l’artista mette a nudo la propria anima per esprimere sentimenti e concetti profondi. È un tratto che accomuna molti autori, pur nelle diverse direzioni intraprese: dalla rabbia alla gioia, dall'ironia alla riflessione esistenziale. In ogni sua sfumatura, l’arte resta una manifestazione purissima dell’essere.
In questo contesto, le alchimie creative risultano fondamentali: la fusione tra talenti genera risultati d'eccezione, unici e irripetibili, sia nei progetti collettivi che nelle collaborazioni soliste. Un esempio calzante è quello offerto da Elena Lippe (voce e testi) ed Elena Crolle (pianoforte, produzione e arrangiamenti).
Lippe è già nota al pubblico come frontwoman della band Prog Metal Feronia; Crolle, attiva nella produzione dal 2012, vanta una solida esperienza internazionale in prestigiosi contesti quali Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, lo Z7 di Pratteln e il Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" rappresenta un sogno rimasto nel cassetto per diciannove anni e divenuto realtà grazie all'incontro e all'intesa artistica tra le due protagoniste. L'album si compone di otto tracce, tra cui spicca la cover di "Crudo", omaggio a Susanna Parigi, cantautrice prematuramente scomparsa nel 2023.
L’edizione fisica del disco, curata da Paolo Lippe (Twenty Four Hours), si presenta in un elegante formato cartonato ricco di dettagli, testi e apparati iconografici.
Il nome del progetto, Elle, racchiude l'essenza stessa dell'opera: la coesistenza di elementi opposti. Il "fuoco" della passione e del dolore si immerge nella vastità e nella calma apparente dell' "oceano".
L'ascolto si apre con "L’Attesa", dove il rumore del mare introduce armonie soavi che fondono cantautorato e Folk nordico. La voce di Elena Lippe appare ponderata e cristallina, perfettamente a suo agio su testi introspettivi e carichi di speranza. Segue il singolo "Il Guardiano Della Soglia", brano intriso di elettronica e venature rock che esalta la duttilità vocale dell'interprete; un episodio che non sfigurerebbe nella discografia di un'artista come Alice.
L’intensità cresce con "Distanze", una traccia dalle influenze new wave caratterizzata da un ritornello immediato e coinvolgente. La chitarra acustica introduce invece "Neve", brano delicato come una nevicata invernale: una composizione malinconica e profonda che si distingue per un crescendo sonoro di grande impatto, posizionandosi tra i momenti più alti del disco.
In "Ciliegie", la malinconia si intreccia ai ricordi, richiamando le atmosfere del cantautorato colto degli anni '70. La già citata cover di "Crudo" offre un’interpretazione emozionante, sostenuta da arrangiamenti precisi e suggestivi. Con un incedere più ludico, "Sonia E Salvo" rivela un lato inedito di Lippe, trasportando l'ascoltatore nelle atmosfere dei club di un tempo per narrare una storia d'amore dal destino avverso. Il sigillo finale è affidato a "Orfeo", brano dai riverberi affascinanti e dai movimenti che richiamano lo stile di Franco Battiato, incentrato sull'incapacità umana di lasciare andare il passato.
In definitiva, "Il Fuoco Dell’Oceano" è un lavoro caldamente consigliato agli estimatori di Björk, Alice, Sigur Rós e Susanna Parigi. Elle dimostra che per veicolare concetti complessi non è necessario urlare: a volte basta un sussurro, posizionato con sapienza, per colpire nel segno. Un album ricercato, capace di bilanciare perfettamente le forze sonore. Semplicemente notevole. MS   

Versione Inglese:

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genre: Electronic Rock / Singer-Songwriter / Folk
Format: CD – 2026

Music can be defined as an intimate language, a medium through which the artist bares their soul to express profound feelings and concepts. This is a common thread among many authors, despite the diverse paths they take: from anger to joy, from irony to existential reflection. In every nuance, art remains a pure manifestation of being.
In this context, creative alchemy is fundamental: the fusion of talents generates exceptional, unique, and unrepeatable results, both in collective projects and solo collaborations. A fitting example is offered by Elena Lippe (vocals and lyrics) and Elena Crolle (piano, production, and arrangements).
Lippe is already known to the public as the frontwoman of the Prog Metal band Feronia. Crolle, active in production since 2012, boasts solid international experience in prestigious venues and events such as Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, Z7 in Pratteln, and the Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" represents a dream kept in a drawer for nineteen years, finally realized thanks to the meeting and artistic synergy between the two protagonists. The album consists of eight tracks, notably featuring a cover of "Crudo", a tribute to Susanna Parigi, the singer-songwriter who passed away prematurely in 2023. The physical edition of the disc, curated by Paolo Lippe (Twenty Four Hours), is presented in an elegant digipak format rich with details, lyrics, and iconographic materials.
The project’s name, Elle, encapsulates the very essence of the work: the coexistence of opposite elements. The "fire" of passion and pain immerses itself in the vastness and apparent calm of the "ocean."
The listening experience opens with "L’Attesa", where the sound of the sea introduces suave harmonies that blend Italian songwriting with Nordic Folk. Elena Lippe’s voice appears measured and crystalline, perfectly at ease with introspective and hopeful lyrics. This is followed by the single "Il Guardiano Della Soglia", a track steeped in electronics and rock undertones that highlights the performer's vocal versatility; it is an episode that would not feel out of place in the discography of an artist like Alice.
The intensity grows with "Distanze", a track with New Wave influences characterized by an immediate and engaging chorus. An acoustic guitar introduces "Neve", a piece as delicate as a winter snowfall: a melancholic and deep composition that stands out for a high-impact sonic crescendo, positioning itself among the album's highest moments.
In "Ciliegie", melancholy intertwines with memories, recalling the atmospheres of refined 1970s songwriting. The aforementioned cover of "Crudo" offers an emotional interpretation, supported by precise and evocative arrangements. With a more playful pace, "Sonia E Salvo" reveals a new side of Lippe, transporting the listener into the smoky club atmospheres of the past to narrate a star-crossed love story. The final seal is placed by "Orfeo", a track with fascinating reverbs and movements reminiscent of Franco Battiato’s style, focusing on the human inability to let go of the past.
Ultimately, "Il Fuoco Dell’Oceano" is highly recommended for fans of Björk, Alice, Sigur Rós, and Susanna Parigi. Elle demonstrates that to convey complex concepts, one does not necessarily need to shout: sometimes a well-placed whisper is enough to strike the heart. A sophisticated album, capable of perfectly balancing sonic forces. Simply remarkable. MS

Hot Rod

HOT ROD – Harder Faster Glitter
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genere: Glam Metal
Formato: CD – 2026

Gli anni ’80 hanno segnato l'esplosione di un interesse travolgente per l’Heavy Metal, portando alla frammentazione del genere in numerosi filoni: dal Power al Death, passando per il Progressive, il Black e il Thrash. In questo panorama variegato, spiccava il Glam Metal, capace di fondere l'estetica sgargiante fatta di lustrini, trucco e capigliature cotonate con l'attitudine rock. Un immaginario portato alla ribalta da icone come Cinderella, Mötley Crüe, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Ratt, Skid Row e Twisted Sister.
La cifra stilistica del genere risiedeva nel perfetto equilibrio tra la potenza del metallo e la melodia del Pop Rock, spesso impreziosito da chitarre virtuose, cori imponenti e l'uso dei sintetizzatori. Questo sound, ruvido ma al contempo armonioso, creava un contrasto affascinante con il look della scena, rendendo il Glam un vero oggetto di culto per i fan. Nonostante non abbia generato lo stesso numero di proseliti di altri stili nel corso degli anni, oggi sorprende positivamente il debutto degli italiani Hot Rod, capaci di recuperare con maestria quelle sonorità tipiche della decade d'oro.
Formatisi nel 2006, il gruppo ha alle spalle due demo e una significativa attività live, caratterizzata da performance esplosive e sfacciate.
È servito tempo per giungere finalmente all’esordio sulla lunga distanza, ma "Harder Faster Glitter" si presenta come un lavoro solido, composto da undici brani e registrato dalla seguente formazione: Giuseppe Costa (voce), Christian Balsamo e Mirko Di Bella (chitarre), Valeria Caudullo (basso) e Cristina Settembrino (batteria).
Il compito di aprire le danze spetta al singolo "Wild Wheels", che mette subito in chiaro le intenzioni del quintetto tra luminosità e ribellione. Il riff è trascinante, supportato da un cantato perfettamente a fuoco e da un'ottima sezione ritmica: la sensazione di essere "on the road" è immediata. Più cupa e serrata "Wasted", un brano che trasuda storia dell'Heavy Metal, qui la prova vocale di Giuseppe Costa graffia nei punti giusti, evocando lo stile di Zachary Stevens (Savatage).
"Little Dirty Blonde" si rivela invece sinuosa e sexy, arricchita da interventi di tastiera mai invasivi. La produzione curata presso i LM Recording Studio di Reggio Calabria esalta l'esecuzione, garantendo un suono pulito e bilanciato.
L'anima più melodica della band emerge in "Clandestine", un pezzo che sfiora l'AOR, tra cambi di tempo e sfumature umorali, la traccia mette in luce una maturità compositiva e un amalgama invidiabile, ben distanti dall'approccio tipico di un esordio.
Dopo una breve pausa, il ritmo torna serrato con "Headbangirl", una valanga travolgente che punta tutto sulla coralità. Tra i momenti più riusciti spiccano "Shot Of Love", potenziale hit da sede live grazie a un ritornello coinvolgente, e la dinamica "Turning Blue". L’attitudine "stradaiola" prosegue con la polverosa "Don’t Wanna Be Like You", impreziosita da un assolo di chitarra magnetico.
Non mancano episodi dal taglio più classico come "Jenny" e soprattutto "Rock The House", un brano dall'incedere irresistibile che rende impossibile restare fermi. La chiusura è affidata a "Bullet Speed", un vero pugno allo stomaco in pieno stile Accept, che lascia l'ascoltatore con un senso di totale appagamento.
In definitiva, "Harder Faster Glitter" offre molto metallo fumante e sa spaziare tra diversi stili pur mantenendo un'identità precisa. Si tratta di un eccellente biglietto da visita per una band che, ne sono certo, saprà scrivere in futuro pagine di pura energia. Coinvolgente. MS 

Versione Inglese:

HOT ROD – Harder Faster Glitter
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genre: Glam Metal
Format: CD – 2026

The 1980s marked a massive explosion of interest in Heavy Metal, leading the genre to splinter into numerous sub-genres: from Power to Death, passing through Progressive, Black, and Thrash. Amidst this diverse landscape, Glam Metal stood out for its ability to fuse a flamboyant aesthetic—defined by sequins, makeup, and teased hair—with a rebellious rock attitude. This was an era brought to the forefront by icons such as Cinderella, Mötley Crüe, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Ratt, Skid Row, and Twisted Sister.
The genre's stylistic hallmark lay in the perfect balance between metal's power and Pop Rock's melody, often enhanced by virtuosic guitars, massive choruses, and the use of synthesizers. This sound—gritty yet harmonious—created a fascinating contrast with the scene's visual look, turning Glam into a true cult phenomenon for fans. Although it hasn’t seen as many new disciples as other styles over the years, the debut from Italian outfit Hot Rod is a pleasant surprise, masterfully reviving the signature sounds of that golden decade.
Formed in 2006, the group has two demos under their belt and a significant live history characterized by explosive, bold performances. It took time to finally reach their full-length debut, but "Harder Faster Glitter" presents itself as a solid piece of work. Composed of eleven tracks, the album features the following line-up: Giuseppe Costa (vocals), Christian Balsamo and Mirko Di Bella (guitars), Valeria Caudullo (bass), and Cristina Settembrino (drums).
The task of kicking things off falls to the single "Wild Wheels", which immediately clarifies the quintet's intentions, balancing brightness and rebellion. The riff is driving, supported by perfectly focused vocals and an excellent rhythm section; the "on the road" feeling is instant. More somber and tight is "Wasted", a track that oozes Heavy Metal history. Here, Giuseppe Costa’s vocal performance rasps in all the right places, evoking the style of Zachary Stevens (Savatage).
"Little Dirty Blonde" reveals a sinuous and sexy side, enriched by tasteful, non-intrusive keyboard work. The production, handled at LM Recording Studio in Reggio Calabria, enhances the performance by ensuring a clean and balanced sound. The band's more melodic soul emerges in "Clandestine", a track that borders on AOR. Between tempo shifts and moody nuances, the song highlights a level of compositional maturity and an enviable chemistry, far removed from the typical approach of a debut.
After a brief breather, the pace tightens again with "Headbangirl", an overwhelming avalanche that relies heavily on choral hooks. Among the standout moments are "Shot Of Love", a potential live hit thanks to its infectious chorus, and the dynamic "Turning Blue". The "street-ready" attitude continues with the dusty "Don’t Wanna Be Like You", embellished by a magnetic guitar solo.
The tracklist also features more classic-leaning episodes like "Jenny" and, above all, "Rock The House", a song with an irresistible groove that makes it impossible to sit still. The closing spot is reserved for "Bullet Speed", a true "punch to the gut" in full Accept style, leaving the listener with a sense of total satisfaction.
Ultimately, "Harder Faster Glitter" offers plenty of smoking metal and manages to span different styles while maintaining a precise identity. It is an excellent calling card for a band that, I am certain, will write many more high-energy chapters in the future. Engaging. MS

Firesky

FIRESKY – Firesky
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genere: Melodic Rock / AOR
Supporto: CD – 2026

Ho sempre apprezzato il connubio tra Hard Rock melodico e AOR, una formula capace di infondere energia e solarità che richiede, per essere espressa ai massimi livelli, una notevole tecnica strumentale. La Burning Minds Music Group attinge spesso a quel sottobosco in cui gli amanti di queste sonorità si dedicano a fermare il tempo attraverso composizioni incastonate nella storia del genere. Con i Firesky siamo al cospetto di un debutto, eppure al timone del progetto non troviamo l’ultimo arrivato: il batterista finlandese Mika Brushane (Imperium). Già nel 2025 l'artista aveva offerto un saggio delle proprie capacità con il brano "To Be The Number One", incluso nella compilation "We Still Rock... The World". Al suo fianco militano oggi Davide Merletto alla voce, Samuli Federley alla chitarra, Time Schleifer al basso e Saal Richmond alle tastiere e programmazioni. Il disco vanta inoltre ospiti di rilievo come Davide "Dave Rox" Barbieri e Alessandro Del Vecchio ai cori.
Lo stile proposto è fortemente influenzato dai giganti degli anni '80 come Journey, Foreigner, Def Leppard, Giant e Toto, un'eredità che si riflette anche nella cura del comparto fisico del disco, impreziosito dalle note di copertina di Fabio Vellata (TrueMetal.it). L'ascolto si apre con un temporale in “Run Into The Storm”, introduzione epica dominata dalle tastiere di Richmond e da una chitarra elettrica che si libera in un assolo fulmineo ed enfatico.
Il brano sfocia direttamente in “Out Of Range”, traccia esplosiva per potenza e carisma, dove la magia dell’AOR risiede proprio nel saper bilanciare l'impatto Rock a momenti melodici di rara classe.
Elettronica, coralità e cambi d'umore caratterizzano invece “I’M Not Broken”, pezzo dall'incedere simile ai Queensrÿche più melodici, capace di mantenere alta l’attenzione grazie a un ritornello solido e a una prova vocale sapientemente plasmata a seconda del contesto. Le sonorità virano poi verso il Neo Prog con “A Stone In Time”, canzone che vede la partecipazione di Davide Barbieri e che farà sicuramente la gioia dei fan dei Toto. La tradizione del genere rivive anche nella delicata “Can You Feel Me?”, una composizione diretta dalle ampie sonorità in cui spiccano un refrain trascinante e un assolo di chitarra toccante.
Il disco prosegue con il vigore di “Chasing The Dawn”, che punta su una vocalità ampia e pulita, e con la splendida ballata “One Last Time”, un movimento di classe in cui sentimento ed energia si fondono alla perfezione, invitando l'ascoltatore a chiudere gli occhi per lasciarsi trasportare. Per scoprire il lato più ricercato della band bisogna giungere a “Like Brothers”, brano apparentemente semplice ma arricchito da arrangiamenti funzionali che ricordano lo stile dei Bon Jovi.
Verso il finale, l'album decolla con l’ariosità sognante di “Together” e si chiude con la potenza di “I Am Fire”, un "pezzo da novanta" dove l’insieme strumentale si muove all’unisono con vigore e perizia tecnica. In definitiva, questo debutto rappresenta per il genere una ventata d'aria fresca in una stanza chiusa: una necessità, oltre che un autentico piacere. MS

  

Versione Inglese:

FIRESKY – Firesky
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genre: Melodic Rock / AOR
Format: CD – 2026

I have always appreciated the sonic marriage of Melodic Hard Rock and AOR—a formula capable of infusing energy and brightness that requires, to be expressed at the highest level, remarkable instrumental technique. Burning Minds Music Group often taps into that underground scene where lovers of these sounds dedicate themselves to freezing time through compositions embedded in the genre's history. With Firesky, we are witnessing a debut, yet the man at the helm of the project is certainly no newcomer: Finnish drummer Mika Brushane (Imperium). Back in 2025, the artist already offered a glimpse of his capabilities with the track "To Be The Number One", included in the compilation "We Still Rock... The World". Joining him today are Davide Merletto on vocals, Samuli Federley on guitar, Time Schleifer on bass, and Saal Richmond on keyboards and programming. The album also boasts prominent guests such as Davide "Dave Rox" Barbieri and Alessandro Del Vecchio on backing vocals.
The proposed style is heavily influenced by 80s giants like Journey, Foreigner, Def Leppard, Giant, and Toto—a heritage also reflected in the care put into the physical edition of the disc, enhanced by exclusive liner notes from Fabio Vellata (TrueMetal.it). The listening experience opens with a thunderstorm in “Run Into The Storm”, an epic intro dominated by Richmond’s keyboards and an electric guitar that breaks free in a lightning-fast, highly emphatic solo. This flows directly into “Out Of Range”, an explosive track in terms of power and charisma, where the magic of AOR lies precisely in the ability to balance rock impact with moments of rare melodic class.
Electronics, choral harmonies, and mood shifts characterize “I’M Not Broken”, a piece with an incedere reminiscent of the more melodic side of Queensrÿche, capable of holding the listener's attention thanks to a solid chorus and a vocal performance wisely shaped according to the context. The sound then veers toward Neo-Prog with “A Stone In Time”, a song featuring Davide Barbieri that will surely delight fans of Toto. The tradition of the genre also lives on in the delicate “Can You Feel Me?”, a direct composition with wide-ranging sonics where a soaring refrain and a touching guitar solo stand out.
The album continues with the vigor of “Chasing The Dawn”, which relies on broad, clean vocals, and the splendid ballad “One Last Time”, a classy movement where sentiment and energy merge perfectly, inviting the listener to close their eyes and let the music take over. To discover the band's more sophisticated side, one must reach “Like Brothers”, a deceptively simple track enriched with functional arrangements reminiscent of Bon Jovi's style. Towards the end, the album takes flight with the dreamy airiness of “Together” and closes with the power of “I Am Fire”, a heavy hitter where the ensemble moves in unison with vigor and technical prowess. Ultimately, for this genre, this debut is like opening a window in a room with stale air: a necessity as much as a pleasure. MS

Pale Blue Dot

PALE BLUE DOT – (h)eart(h)
Autoproduzione / Peyote
Genere: Psichedelico / Shoegaze / New Wave
Supporto: cd / digital – 2025

Connessioni, riflessioni sull’appartenenza, uno squarcio analitico della nostra società ci viene offerto dalla band Pale Blue Dot nel debutto “(h)eart(h)”. Il nome (pallido puntino azzurro) deriva da una fotografia della terra fotografata dalla Voyager 1 nel 1990 e dall’omonima definizione dell’astronomo Carl Sagan.
La band si forma come trio fra Bologna e Ferrara nel 2015 per poi trovare la definitiva stabilità nel 2018 con l’innesto di membri provenienti dalle band Zeder e Staré Mésto.
Composti da Tommaso Lampronti (voce, chitarre), Enrico Bongiovanni (chitarre), Cosimo Tanzarella (basso), e Francesco D’Astore (batteria), i Pale Blue Dot escono con il primo singolo “Destruction Of Resurrection” accompagnato da un video a cartone animato autoprodotto con l’ausilio di un software sperimentale dell’Intelligenza Artificiale. Accompagna l’uscita ufficiale anche un secondo singolo, “Green Fairy Tale” del 2023.
Ma è nel 2025 che “(h)eart(h)” vede consacrare l’ufficialità attraverso quest’album composto da sette canzoni dedite a un’eterea Psichedelia con forti influenze Shoegaze e New Wave.
Sin da “For The Beauty Of Miranda” (ispirata al film del 1975 “Picnic Ad Hanging Rock”) gli scenari sono già ben definiti, si possono apprezzare immediatamente le arie ampie e solari, con quell’incedere etereo dettato dalla voce sognante e dal profumo anni ’80 di Tommaso Lampronti. La New Wave è cosparsa di striature psichedeliche, solo le chitarre elettriche ci riportano ai giorni nostri e precisamente nel genere Shoegaze.
Con “Destruction Or Resurrection” si assiste a un grido disperato nei confronti delle sorti del nostro pianeta e di noi stessi, il singolo estratto dall’album è ficcante, di buona personalità, a testimonianza d’idee chiare rispetto la strada sonora da intraprendere. Il suono decisamente elettrico dona risalto alle tematiche pur sempre restando su un piano celestiale.
La title track parla sempre del cosmo, ma questa volta di quello interiore, una ricerca di una confort zone in cui rifugiarsi dal buio che ci circonda, e lo fa con un sound maggiormente positivo, più allegro rispetto quanto ascoltato sino ad ora. La Psichedelia è sempre di base, mentre i riff si susseguono giocosamente.
“Green Fairy Tale” trasporta la mente a Praga, in una favola ancor più psichedelica in cui le regole vengono infrante per aprire una nuova strada verso la lucidità con l’ausilio dell’assenzio, il protagonista denominato “fata verde” come viene suggerito dal titolo. Di sicuro è uno dei momenti più trascinanti dell’album.
Come lasciarsi andare su delle montagne russe è “Rollercoaster”, pezzo adrenalinico dalla breve durata di tre minuti in cui la band mette in evidenza l’intesa raggiunta fra i componenti. Per lasciarsi andare in atmosfere più leggiadre bisogna giungere a “Alone”, un inno a provare la solitudine per una sensazione di benessere fuori dal tempo.
L’album si conclude con lo Shoegaze di “Star Cloud”, brano più lungo dell’intero album grazie ai sei minuti abbondanti di musica robusta.
Serenità, ampiezza, voglia di vivere il Rock in tutte le sue sfaccettature, questo è quello che si ricava dall’ascolto di “(h)eart(h)”, un nuovo capitolo per la nostra musica. MS

Versione Inglese: 

PALE BLUE DOT – (h)eart(h)
Self-produced / Peyote
Genre: Psychedelic / Shoegaze / New Wave
Support: CD / digital – 2025

Connections, reflections on belonging, an analytical glimpse into our society is offered by the band Pale Blue Dot in their debut "(h)eart(h)". The name (pale blue dot) comes from a photograph of Earth taken by Voyager 1 in 1990 and from the same definition by astronomer Carl Sagan.
The band was formed as a trio between Bologna and Ferrara in 2015, and then found stability in 2018 with the addition of members from the bands Zeder and Staré Mésto.
Composed of Tommaso Lampronti (vocals, guitars), Enrico Bongiovanni (guitars), Cosimo Tanzarella (bass), and Francesco D'Astore (drums), Pale Blue Dot releases their first single "Destruction Of Resurrection" accompanied by an animated video self-produced with the help of an experimental Artificial Intelligence software. A second single, "Green Fairy Tale", was also released in 2023 to accompany the official release.
But it's in 2025 that "(h)eart(h)" sees its official consecration through this album composed of seven songs dedicated to an ethereal Psychedelia with strong Shoegaze and New Wave influences.
From "For The Beauty Of Miranda" (inspired by the 1975 film "Picnic at Hanging Rock"), the scenarios are already well-defined, and one can immediately appreciate the wide and sunny arias, with that ethereal cadence dictated by Tommaso Lampronti's dreamy voice and 80s perfume. New Wave is sprinkled with psychedelic streaks, and only the electric guitars bring us back to the present day, precisely in the Shoegaze genre.
With "Destruction Or Resurrection", one witnesses a desperate cry towards the fate of our planet and ourselves, the single extracted from the album is poignant, with good personality, testifying to clear ideas about the sonic path to take. The decidedly electric sound highlights the themes while still remaining on a celestial plane.
The title track talks about the cosmos, but this time about the inner one, a search for a comfort zone to take refuge from the darkness that surrounds us, and it does so with a more positive sound, more cheerful than what we've heard so far. Psychedelia is always the base, while the riffs follow each other playfully.
"Green Fairy Tale" transports the mind to Prague, in a fairy tale even more psychedelic, where rules are broken to open a new path towards lucidity with the help of absinthe, the protagonist being called "green fairy" as suggested by the title. It's definitely one of the most captivating moments of the album.
Like letting go on a roller coaster is "Rollercoaster", a three-minute adrenaline piece where the band highlights the understanding reached between the components. To let oneself go into lighter atmospheres, one needs to reach "Alone", an anthem to experiencing solitude for a feeling of well-being outside of time.
The album concludes with the Shoegaze of "Star Cloud", the longest track on the entire album, thanks to its six minutes of robust music.
Serenity, breadth, desire to live Rock in all its facets, this is what one gets from listening to "(h)eart(h)", a new chapter for our music. MS.

Expiatoria / Il Segno Del Comando

EXPIATORIA / IL SEGNO DEL COMANDO – Voci Notturne
Black Widow Records
Genere: Heavy Doom / Dark Prog
Formato: Split LP / CD / Digital – 2026

Queste uscite discografiche hanno il potere di catapultarmi indietro nel tempo, fino agli anni ’80, quando il vinile dominava ogni negozio di musica, specialmente in ambito Heavy Metal. Parlo dello "split", quel formato che raccoglie brani inediti di più band in un unico supporto. Sebbene storicamente non abbiano sempre ottenuto il successo commerciale sperato, queste edizioni conservano un fascino di nicchia irresistibile, trasformando ogni copia in un prezioso cimelio per fan e collezionisti.
La Black Widow Records è celebre per la qualità delle sue produzioni, con un focus particolare sul Dark Doom e il Metal Prog dalle tinte oscure. Nella loro scuderia spiccano nomi di rilievo del panorama underground, tra cui gli Expiatoria e Il Segno Del Comando (guidati dal bassista Diego Banchero). In questo lavoro, le due formazioni uniscono le forze per omaggiare la serie TV "Voci Notturne", opera del 1995 nata dal genio di Pupi Avati. Entrambi i gruppi riescono a evocare quelle atmosfere inquietanti che appartengono al DNA del nostro cinema di genere, vanto della cultura horror italiana.
Lo split si articola in sette tracce: tre firmate dagli Expiatoria e quattro da Il Segno Del Comando. L'edizione in vinile vanta una tiratura iniziale di cento copie.
Nonostante le band condividano il chitarrista Roberto Lucato, le identità restano ben distinte. Gli Expiatoria — con una line-up completata da AngeleX (voce), Massimo Malachina (chitarra), GB Malachina (basso) ed Enrico Meloni (batteria) — aprono le danze con "Emily". Il brano è introdotto dal narrato originale del telefilm e procede con un incedere gravoso, dove il Doom trasuda dalle note come un liquido nero. La prova vocale di AngeleX è intensa e sentita, quasi recitata, mentre i riff pesanti si sposano con una sezione ritmica dinamica e l'immancabile assolo di chitarra di stampo ottantiano.
Con "Sublicius", la band conferma un ottimo stato di forma, accostandosi ai maestri nordici Candlemass per solennità e attitudine. Il brano sfiora toni liturgici, prima di lasciare spazio a "La Canzone Di Lady Valover", episodio più riflessivo che concede una tregua attraverso arpeggi suggestivi e un cantato meno aggressivo, culminando in un eccellente finale strumentale.
Il Segno Del Comando entra in scena con "Le Due Vie", spostando il baricentro verso un Metal Prog dalle forti influenze Dark. La formazione attuale vede, oltre a Lucato e Banchero, Riccardo Morello alla voce, Davide Bruzzi (chitarra e tastiere), Beppi Menozzi (tastiere) e Paolo Serboli (batteria). La traccia è caratterizzata da una parte centrale orecchiabile, arricchita da strutture ricercate e melodie esaltate dai sintetizzatori.
In "Il Crittogramma" il volume si alza, dimostrando quanto la band si trovi a proprio agio con queste tematiche. Il cantato, quasi vicino alla New Wave degli anni ’80, apre scenari narrativi suggestivi e ricchi di dettagli. Segue il momento più intimo del lotto, "Litania Per Emily E Giacomo", dove le chitarre dialogano magistralmente tra elettrico e acustico. La chiusura è affidata alla strumentale "Egregoro", un pezzo epico che fonde il Metal Prog con sfumature Neo Prog, siglando il disco in grande stile.
Ancora una volta, la Black Widow Records sa come colpire l'animo degli ascoltatori più oscuri. Nota di merito per l'ottimo lavoro grafico di Enrico Meloni e per il booking curato da Alex Reale. MS

Versione Inglese: 

EXPIATORIA / IL SEGNO DEL COMANDO – Voci Notturne
Black Widow Records
Genre: Heavy Doom / Dark Prog
Format: Split LP / CD / Digital – 2026

   

Expiatoria    

Il Segno Del Comando

These record releases have the power to catapult me back in time to the 1980s, when vinyl dominated every record store, especially within the Heavy Metal scene. I am speaking of the "split"—a format that gathers unreleased tracks from multiple bands onto a single record. Although historically these operations haven't always achieved the commercial success they deserved, these editions retain an irresistible niche appeal, turning every copy into a precious relic for fans and collectors.
Black Widow Records is renowned for the quality of its productions, with a specific focus on Dark Doom and Metal Prog with obscure overtones. Their roster features prominent names of the underground scene, including Expiatoria and Il Segno Del Comando (led by bassist Diego Banchero). In this work, the two groups join forces to pay tribute to the TV series "Voci Notturne," a 1995 masterpiece born from the genius of Pupi Avati. Both bands successfully evoke those unsettling atmospheres that belong to the DNA of Italian genre cinema—a true point of pride for our horror culture.
The split consists of seven tracks: three by Expiatoria and four by Il Segno Del Comando. The vinyl edition boasts an initial pressing of one hundred copies.
Despite sharing guitarist Roberto Lucato, the identities of the two bands remain distinct. Expiatoria—with a line-up completed by AngeleX (vocals), Massimo Malachina (guitar), GB Malachina (bass), and Enrico Meloni (drums)—opens the set with "Emily." The track is introduced by the original narration from the TV show and proceeds with a heavy pace, where Doom oozes from the notes like black liquid. AngeleX’s vocal performance is intense and heartfelt, almost recited, while the heavy, sustained riffs blend perfectly with a dynamic rhythmic section and the inevitable 80s-style guitar solo.
With "Sublicius," the band confirms its excellent form, approaching the solemnity and attitude of Nordic masters Candlemass. The track borders on the liturgical before making way for "La Canzone Di Lady Valover," a more reflective episode that offers a brief respite through suggestive arpeggios and less aggressive vocals, culminating in an excellent instrumental finale.
Il Segno Del Comando enters the scene with "Le Due Vie," shifting the focus toward Metal Prog with strong Dark influences. The current line-up includes, alongside Lucato and Banchero, Riccardo Morello on vocals, Davide Bruzzi (guitar and keyboards), Beppi Menozzi (keyboards), and Paolo Serboli (drums). The track features a catchy central section, enriched by sophisticated structures and melodies enhanced by synthesizers.
In "Il Crittogramma," the volume and the stakes are raised, proving that Il Segno Del Comando is perfectly at home with these themes. The vocals, reminiscent of 80s New Wave, open up highly suggestive and detailed narrative scenarios. This is followed by the most intimate moment of the lot, "Litania Per Emily E Giacomo," where the guitars masterfully dialogue between electric and acoustic sounds. The closing is entrusted to the instrumental "Egregoro," an epic piece that fuses Metal Prog with Neo Prog nuances, sealing the album in grand style.
Once again, Black Widow Records knows exactly how to strike a chord with the darkest listeners. A special mention goes to Enrico Meloni for the beautiful graphic work and to Alex Reale for handling the booking. MS