ViaMedia

Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genere: Crossover Prog
Supporto: Bandcamp – 2026

Si può fare musica per lo spirito anche se non si toccano tematiche religiose, con quelle sonorità che ti toccano l’anima e ti isolano da ciò che ti circonda. I ViaMedia escono con il secondo album in studio intitolato “Lullabies For The Marooned”, dove si approfondisce il tema dell'isolamento, dell'abbandono, del naufragio esistenziale e della ricerca di un porto sicuro nelle tempeste della vita.
ViaMedia è un progetto multinazionale che incarna la quintessenza del Rock Progressivo moderno e contaminato, muovendosi con disinvoltura tra sonorità Art Rock, venature Jazz Rock ed echi Neo Prog, arricchiti da un'attenta cura per le atmosfere e le narrazioni liriche. Nascono dall'unione di musicisti provenienti da diverse estrazioni e aree geografiche, accomunati dal desiderio di fondere strutture musicali complesse con una spiccata sensibilità melodica. Il gruppo trae il proprio nome dalla ricerca di una "via di mezzo" espressiva, un equilibrio sapiente tra virtuosismo tecnico e immediatezza emozionale, tra sperimentazione e forma canzone.
Provenienti dal Regno Unito e dalla Norvegia, i ViaMedia sono formati da Karl Yngvar Dale (voce, basso, contrabbasso, tastiere, chitarra acustica) e Tore Dimmestøl (voce, chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, concertina, effetti). Per la riuscita di questo concept si avvalgono della collaborazione di musicisti del calibro di Gunnar Halle (tromba), Tore Ljøkelsøy (batteria), Hugh Midford (violino), Chris Forrest (clarinetto) e Henley String Quartet & Aberystwyth String Quartet (archi).
Dieci le canzoni, a partire da “Everything Is Quiet Now”, composizione d'impostazione delicata e sognante. Chitarre acustiche e soffusi tappeti di tastiera creano un'atmosfera sospesa, che cresce gradualmente con l'ingresso di una sezione ritmica discreta ma dinamica. Il testo esplora la calma apparente che segue una grande tempesta emotiva. Il "silenzio" del titolo non è solo pace, ma anche quel senso di vuoto e smarrimento che si prova subito dopo la fine di una crisi.
Anche “Commodore Anson” possiede quelle arie sognanti arricchite dagli archi capaci di catapultarci negli anni ’70. Una ballata che vuole essere un omaggio figurato alla storicità del viaggio di esplorazione navale. La figura del Commodore Anson diventa la metafora del navigatore solitario che sfida l'ignoto, affrontando le avversità del mare e il peso delle decisioni estreme.
“Weight Of The World” alza il ritmo spostando l’epicentro negli anni ’80, un brano dal respiro drammatico e dall'incedere maestoso. Le linee di basso ben definite sorreggono un intreccio di tastiere orchestrali e assoli di chitarra carichi di pathos. Qui emerge la sensazione di oppressione e la responsabilità emotiva che spesso gravano sull'individuo moderno. È il racconto del fardello interiore che trasforma ogni decisione in una potenziale ancora di fondo.
Ci si cala nel Neo Prog di matrice White Willow con “Dead Man's Chest”, un Dark Prog con linee vocali espressive e dissonanze controllate che mantengono alta la tensione espressiva.
Fra le composizioni più interessanti del disco c’è “Oyster”, una canzone dal ritmo ballabile e quindi ancor più immersa negli anni ’80. La struttura è fluida, con sezioni strumentali ampie che consentono a ciascun elemento della band di mettere in luce la propria sensibilità eclettica. L'ostrica è utilizzata come allegoria della protezione interiore: una scorza dura sviluppata per difendere la propria vulnerabilità (la perla), nata ed evoluta attraverso il dolore e l'isolamento.
La ninna nanna sognante “Lullaby” oscilla costantemente tra calma apparente e improvvise aperture dinamiche. L'arrangiamento dei sintetizzatori crea un panorama sonoro avvolgente e nostalgico, mentre il testo si sviluppa come un canto consolatorio rivolto a chi si sente tagliato fuori dal mondo, offrendo una dolce quanto malinconica via di fuga attraverso la dimensione del sogno e dell'immaginazione.
“4Ever Gone” sembra un mix fra i Jethro Tull acustici e i primi Pink Floyd di Syd Barrett, mentre una tromba apre “Losing Paradise”, altro movimento contemplativo e ben arrangiato in cui il paradiso sognato o cercato si rivela fragile o illusorio, costringendo il protagonista a fare i conti con la cruda realtà della propria condizione di naufrago.
Altra perla scura ed affascinante è “Eyes Of Fate”, mentre la conclusione spetta a “Marooned”, la quale si apre melodicamente per poi crescere elettricamente.
In definitiva, “Lullabies For The Marooned” si rivela molto più di un semplice racconto su un naufragio d'altri tempi: è un porto sicuro per l'ascoltatore. I ViaMedia hanno saputo tessere un arazzo sonoro dove la malinconia dell'isolamento trova conforto in melodie avvolgenti e arrangiamenti cameristici di rara eleganza. Un'opera che chiede la giusta predisposizione d'animo e il tempo necessario per essere assimilata, ma che ripaga svelando, ascolto dopo ascolto, il fascino intimo di una tempesta interiore placata soltanto dalla musica. MS 

ASCOLTO: https://viamedia.bandcamp.com/album/lullabies-for-the-marooned

Versione Inglese: 

 Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genre: Crossover Prog
Format: Bandcamp – 2026

Music can resonate deeply with the human spirit even without tackling religious themes, especially when built on soundscapes that touch the soul and detach you from the world around you. ViaMedia return with their second studio album, Lullabies For The Marooned, an exploration of isolation, abandonment, existential shipwreck, and the search for a safe harbor amid life's storms.
ViaMedia is a multinational project embodying the essence of modern, eclectic progressive rock, moving seamlessly between art rock sonorities, jazz-rock nuances, and neo-prog echoes, all enhanced by a meticulous care for atmospheric textures and lyrical storytelling. Hailing from diverse backgrounds and geographical origins, the band members are united by a desire to blend complex musical structures with a strong melodic sensibility. The group derives its name from the pursuit of an expressive "middle way"—a thoughtful balance between technical virtuosity and emotional immediacy, between experimentation and songcraft.
Based in the UK and Norway, ViaMedia consists of Karl Yngvar Dale (vocals, bass, double bass, keyboards, acoustic guitar) and Tore Dimmestøl (vocals, electric and acoustic guitars, keyboards, concertina, effects). To bring this concept to life, they enlisted high-caliber guest musicians including Gunnar Halle (trumpet), Tore Ljøkelsøy (drums), Hugh Midford (violin), Chris Forrest (clarinet), and the Henley String Quartet alongside the Aberystwyth String Quartet (strings).
The album features ten tracks, beginning with “Everything Is Quiet Now”, a delicate and dreamlike opening composition. Acoustic guitars and soft keyboard layers weave a suspended atmosphere that gradually expands with the entrance of a subtle yet dynamic rhythm section. The lyrics explore the deceptive calm following a major emotional upheaval; the "silence" of the title represents not merely peace, but also the sense of void and disorientation felt right after a crisis subsides.
“Commodore Anson” retains those dreamlike airs, enriched by string arrangements capable of catapulting the listener back to the 1970s. This ballad serves as a figurative homage to historical naval exploration, where the figure of Commodore Anson becomes a metaphor for the solitary navigator defying the unknown, facing maritime adversity and the weight of grave decisions.
“Weight Of The World” picks up the pace, shifting its stylistic epicenter into the 1980s with a dramatic sweep and majestic stride. Well-defined basslines support an intricate web of orchestral keyboards and pathos-filled guitar solos. Here, the feeling of oppression and emotional burden that so often weighs upon the modern individual takes center stage—a tale of internal struggle that turns every choice into a potential heavy anchor.
The record delves into White Willow-esque neo-prog with “Dead Man's Chest”, a dark prog track featuring expressive vocal lines and controlled dissonances that maintain a high level of dramatic tension.
Among the album's most intriguing moments is “Oyster”, driven by a danceable rhythm that immerses it even further in 80s aesthetics. Its fluid structure features expansive instrumental passages that allow each member to showcase their eclectic musicality. The oyster acts as an allegory for internal defense: a tough shell developed to shield one's vulnerability (the pearl), born and forged through pain and solitude.
The dreamlike lullaby “Lullaby” constantly sways between apparent serenity and sudden dynamic swells. Ambient synthesizer arrangements create an enveloping, nostalgic soundscape, while the lyrics unfold as a consoling chant for those who feel alienated from the world, offering a sweet yet melancholic escape into dreams and imagination.
“4Ever Gone” feels like a cross between acoustic Jethro Tull and Syd Barrett-era Pink Floyd, whereas a trumpet introduces “Losing Paradise”—another contemplative, finely arranged movement where the sought-after paradise proves fragile or illusory, forcing the protagonist to confront the stark reality of their stranded condition.
Another dark and captivating gem arrives with “Eyes Of Fate”, leading into the closing track “Marooned”, which opens melodically before building into an electric crescendo.
Ultimately, Lullabies For The Marooned proves to be far more than a simple tale of an ancient shipwreck: it is a safe harbor for the listener. ViaMedia have woven a sonic tapestry where the melancholy of isolation finds comfort in sweeping melodies and chamber arrangements of rare elegance. It is a work that demands the right mindset and time to be fully digested, but one that rewards the listener by revealing, spin after spin, the intimate beauty of an inner storm calmed only by music. MS

FOR LISTENING: https://viamedia.bandcamp.com/album/lullabies-for-the-marooned

Storia E Volti Del Jazz Prog Italiano

STORIA E VOLTI DEL JAZZ PROG ITALIANO: LA DIAGONALE IMPROVVISATA

Di Massimo Salari

 

Perigeo

Questo breve speciale è ovviamente incompleto di tutte le band che hanno reso famoso il genere per motivi di lunghezza, tuttavia ecco un buon sunto dell'accaduto per chi volesse iniziare il percorso: 

Tra la fine degli anni ’60 e la metà degli anni ’70, l’Italia fu teatro di uno dei movimenti musicali più vivaci d’Europa. Mentre il Rock Progressivo di matrice sinfonica guadagnava le vette delle classifiche, parallela e sotterranea si sviluppava una corrente diversa, contaminata e altamente tecnica: il Jazz Rock.
Il Prog classico guardava alla musica classica europea, al romanticismo e al Folk, il Jazz Prog attingeva a piene mani dalla rivoluzione elettrica di Miles Davis (Bitches Brew), dalle esplosioni timbriche della Mahavishnu Orchestra e dalla libertà espressiva della Canterbury Scene, innestandole nel fermento sociale e culturale del nostro Paese.
Il fenomeno non nacque per caso, e si sviluppò dall'incontro tra due mondi distinti,  i virtuosi del Conservatorio e del Jazz di sala con musicisti dalla formazione solida, stanchi degli schemi rigidi del Jazz tradizionale o delle orchestre d'accompagnamento pop, e i festival all'aperto (da Parco Lambro a Villa Pamphili). Erano i circoli del proletariato giovanile e le etichette indipendenti (Cramps, Numero Uno, IT) che cercavano sonorità di rottura. Il risultato fu un suono viscerale, tecnico e spesso politico, capace di spaziare dalla Fusion più raffinata all'avanguardia pura.
Potremmo catalogarli così:

1.      L'Anima Fusion e Mediterranea (Il virtuosismo strutturato)
2.      L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)
 

 

L'Anima Fusion e Mediterranea

 
Questo filone prediligeva la precisione esecutiva, l'interlocking ritmico e la ricerca del groove, arricchendo la lezione americana con sensibilità melodica latina e mediterranea.
Alcuni esempi noti giungono da I PERGIGEO, guidati dal contrabbassista Giovanni Tommaso, con musicisti del calibro di Franco D'Andrea e Bruno Biriaco. Questi rappresentano il punto più alto del Jazz Rock italiano strutturato. Album come “Azimut” (1972) e “Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere” (1973) coniugano una perizia tecnica impeccabile a strutture Prog complesse ma fruibili.
Oppure dai NAPOLI CENTRALE,

che sono la risposta partenopea guidata da James Senese e Franco Del Prete. Qui il Jazz Rock si tinge di anima popolare, veracità urbana e impegno sociale, fondendo sax viscerale, ritmiche Funk-Prog e dialetto napoletano.

Da sottolineare gli AGORA’

band della regione Marche fondata nel 1974 a Serra San Quirico, che rappresentano una delle parabole più affascinanti e atipiche della scena. Sostenuti da una padronanza tecnica fuori dal comune, fondono un Jazz Rock intimista, meditativo e mediterraneo, privo dell'aggressività tipica dell'Hard Fusion dell'epoca. Debuttarono con un album registrato dal vivo al celebre Festival di Montreux nel luglio del 1975, un caso rarissimo per un gruppo italiano agli esordi. Brani come “Penetrazione” e la suite “Serra S. Quirico” mostrano un interplay raffinato guidato dal sassofono soprano di Ovidio Urbani, dalle tastiere elettriche di Roberto Bacchiocchi e dalla chitarra di Renato Gasparini. Il secondo lavoro in studio “Agorà 2” (1976) confermò la classe del quintetto, arricchendo le sonorità con elementi etnici e strutture compositive ancora più liriche e flautate. Proseguiranno la carriera sino ad oggi in attesa del nuovo album del cinquantenario.

Non da meno i fiorentini BELLA BAND

seppure rilascino un solo album dal titolo omonimo nel 1978 per l’etichetta Cramps. Vedeva tra le sue file il tastierista Riccardo Cioni e il batterista Mauro Sarti, già nei Campo di Marte e rappresentavano il momento in cui il Jazz Rock incontrava la complessità del Prog d'avanguardia.
L'album omonimo “Bella Band” è un lavoro dal virtuosismo travolgente ma mai fine a se stesso. Brani come “Porotopostrippa Sul Pero” e “Faidadiesis” evidenziano tempi dispari frenetici, interventi di fiati (sax, flauto, clarinetto) e sintetizzatori spinti al limite, unendo l'impostazione stilistica della Cramps (Area, Arti e Mestieri) con un'agilità ritmica quasi zappaiana.

 

L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale) 

In questo versante, il Jazz diventa sinonimo di scomposizione, improvvisazione radicale e rottura degli schemi formali. Due gli esempi più eclatanti e di successo: AREA e ARTI E MESTIERI.

Gli AREA (International POP Group)

sono una vera e propria anomalia nel panorama mondiale. Con la voce sbalorditiva di Demetrio Stratos (polifonie), il pianoforte di Patrizio Fariselli e la chitarra di Paolo Tofani, fusero Free Jazz, etno-musica balcanica, elettronica sperimentale e ideologia di sinistra (“Arbeit Macht Frei”, “Crac!”). Moltissima sperimentazione strutturale e di risveglio per le coscienze, un connubio per “svegliare” le masse anche in maniera provocatoria, specialmente in sede live.

Gli ARTI E MESTIERI

sono invece diretti dalla formidabile batteria di Furio Chirico e dalle tastiere di Beppe Crovella. I torinesi produssero un Jazz Rock fulmineo, iper-tecnico e altamente sinfonico, documentato in capolavori come “Tilt” (1974) e “Giro Di Valzer Per Domani” (1975).

 

La continuità del Jazz Prog: Le band post-anni '70 e contemporanee 

Verso la fine degli anni '70, col mutare del clima politico e l'avvento della Disco Music e della New Wave, la stagione d'oro del Jazz Prog si avviò al tramonto. Tuttavia, la sua eredità ha continuato a irrorare la musica italiana, dalla scena Canterbury piemontese e milanese degli anni '80 fino ai gruppi indipendenti contemporanei che continuano a recuperare la lezione degli Area e del Perigeo. Il cordone ombelicale tra Jazz e Rock Progressivo non si è mai spezzato, grazie a etichette dedicate come Lizard Records, Black Widow, Mellow Records, Moonjune, Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music ed altre ancora.

Qui solo alcune delle band che hanno reso possibile il proseguimento del genere:

 

CALLIOPE:   Anni '80 / '90 (Piemonte). Nati con una matrice Neo Prog sinfonica, hanno inserito ritmiche e soluzioni fiatistiche di stampo chiaramente Jazz Rock grazie alla presenza di ex membri di Arti e Mestieri. Consigliato: “La Terra Dei Gioielli” (1995)

 

DEUS EX MACHINA: Anni '90 - oggi (Bologna) Una delle band più travolgenti e tecnicamente mostruose del panorama mondiale. Fondono il Jazz Rock degli Area, il Prog sinfonico, e l'Hard Rock con la voce pirotecnica di Alberto Piras (cantata in latino e italiano). Consigliati: “De Republica” (1995), “Cinque” (2002)

 

ACCORDO DEI CONTRARI: Anni 2000 - oggi (Bologna). Quartetto/quintetto strumentale di altissimo livello. Uniscono Canterbury scene, Jazz Rock moderno, Soft Machine e Mahavishnu con una visione compositiva rigorosa e organica. Consigliati: “Koinè” (2007), “Kublai” (2014).

 

BAROCK PROJECT: Anni 2000 - oggi (Emilia-Romagna). Pur collocandosi prevalentemente nel sinfonico moderno, la loro matrice pianistica ed esecutiva incorpora continui strappi e digressioni fusion e Jazz Rock di notevole perizia tecnica. Consigliati: “Skyline” (2015), “Seven Hands” (2017)

 

YUGEN: Anni 2000 - oggi (Milano). Progetto guidato dal chitarrista e compositore Francesco Zago. Collocati nell'area Avant-Prog / RIO (Rock in Opposition), integrano una forte componente chamber-Jazz, avanguardia contemporanea e scomposizioni ritmiche. Consigliati: “Labirinto D'Acqua” (2006), “Iridule” (2010)

 

PROCOSMICO: Recenti (Italia). Progetto contemporaneo che riprende il testimone della Canterbury scene e del Jazz Rock strumentale con un taglio fresco, timbri vintage e strutture fluide. Consigliato: “Procosmico” (2020)

 

MOGADOR: Anni 2000 - oggi (Toscana). Progetto legato ad atmosfere calde e contaminati tra Canterbury, Jazz Prog mediterraneo ed elementi sinfonici, dove flauto, sax e tastiere dialogano costantemente. Consigliati: “Mogador” (2009), “Chapter 4” (2018) 

Versione Inglese:

HISTORY AND FACES OF ITALIAN JAZZ PROG: THE IMPROVISED DIAGONAL

By Massimo Salari

 

This short special feature is obviously incomplete regarding all the bands that made the genre famous due to length constraints; however, here is a good summary of what took place:

 

Between the late 1960s and the mid-1970s, Italy was the stage for one of Europe's most vibrant musical movements. While symphonic-inspired Progressive Rock was reaching the top of the charts, a different, highly technical, and cross-pollinated movement was developing in parallel underground: Jazz Rock.
While classic Prog drew from European classical music, Romanticism, and Folk, Jazz Prog pulled heavily from the electric revolution of Miles Davis (Bitches Brew), the timbral explosions of the Mahavishnu Orchestra, and the expressive freedom of the Canterbury Scene, embedding them into the social and cultural ferment of Italy.
This phenomenon did not happen by chance; it grew from the meeting of two distinct worlds: Conservatory-trained virtuosos and lounge jazz musicians with solid technical backgrounds, tired of the rigid patterns of traditional Jazz or pop backing orchestras, alongside outdoor festivals (from Parco Lambro to Villa Pamphili). These were the youth proletariat clubs and independent record labels (Cramps, Numero Uno, IT) seeking groundbreaking sounds. The result was a visceral, technical, and often political sound, capable of ranging from the most refined Fusion to pure avant-garde.
We could categorize them as follows:

The Fusion and Mediterranean Soul (Structured Virtuosity)
The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

 

The Fusion and Mediterranean Soul

 

This stream favored executive precision, rhythmic interlocking, and the pursuit of groove, enriching the American influence with a Latin and Mediterranean melodic sensibility.

Notable examples come from PERIGEO, led by double bassist Giovanni Tommaso, featuring musicians of the caliber of Franco D'Andrea and Bruno Biriaco. They represent the high-water mark of structured Italian Jazz Rock. Albums like Azimut (1972) and Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere (1973) combine flawless technical mastery with complex yet accessible Prog structures.

Another prime example is NAPOLI CENTRALE, the Neapolitan response led by James Senese and Franco Del Prete. Here, Jazz Rock takes on a popular soul, urban authenticity, and social engagement, fusing visceral saxophone, Funk-Prog rhythms, and Neapolitan dialect.

Special mention goes to AGORÀ, a band from the Marche region formed in 1974 in Serra San Quirico, representing one of the most fascinating and atypical trajectories of the scene. Supported by extraordinary technical command, they blended an intimate, meditative, and Mediterranean Jazz Rock, free from the typical aggressiveness of the hard fusion of that era. They debuted with an album recorded live at the famous Montreux Festival in July 1975—an extremely rare occurrence for a debut Italian band. Tracks like "Penetrazione" and the "Serra S. Quirico" suite showcase a refined interplay led by Ovidio Urbani's soprano saxophone, Roberto Bacchiocchi's electric keyboards, and Renato Gasparini's guitar. Their second studio effort, Agorà 2 (1976), confirmed the quintet's class, enriching their sound with ethnic elements and even more lyrical, flute-driven compositional structures. Their career continues to this day as they await their upcoming 50th-anniversary album.

Equally noteworthy are Florence's BELLA BAND, despite releasing only a single self-titled album in 1978 on the Cramps label. Featuring keyboardist Riccardo Cioni and drummer Mauro Sarti (formerly of Campo di Marte), they represented the moment where Jazz Rock met the complexity of avant-garde Prog.

The self-titled album Bella Band is a work of dazzling virtuosity that is never self-serving. Tracks like "Porotopostrippa Sul Pero" and "Faidadiesis" highlight frantic odd time signatures, wind instrument interventions (sax, flute, clarinet), and synthesizers pushed to the limit, combining the stylistic approach of Cramps (Area, Arti e Mestieri) with an almost Zappa-esque rhythmic agility.

The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

 

On this side of the spectrum, Jazz becomes synonymous with deconstruction, radical improvisation, and breaking away from formal structures. The two most striking and successful examples are AREA and ARTI E MESTIERI.

AREA (International POP Group) are a true anomaly on the global stage. Featuring Demetrio Stratos's astonishing vocal work (polyphonics), Patrizio Fariselli's piano, and Paolo Tofani's guitar, they fused Free Jazz, Balkan ethno-music, experimental electronics, and leftist ideology (Arbeit Macht Frei, Crac!). Packed with structural experimentation and a drive for conscious awakening, it was a union designed to "wake up" the masses, often in provocative ways, especially during live performances.

ARTI E MESTIERI, on the other hand, were driven by Furio Chirico's formidable drumming and Beppe Crovella's keyboards. The Turin-based group produced lightning-fast, hyper-technical, and highly symphonic Jazz Rock, documented in masterpieces like Tilt (1974) and Giro Di Valzer Per Domani (1975).

The Continuity of Jazz Prog: Post-1970s and Contemporary Bands

 

Towards the end of the 1970s, as the political climate shifted and Disco Music and New Wave emerged, the golden era of Jazz Prog began to sunset. However, its legacy continued to nourish Italian music, from the Piedmontese and Milanese Canterbury scene of the 1980s to contemporary independent groups that continue to draw from the lessons of Area and Perigeo. The umbilical cord between Jazz and Progressive Rock was never severed, thanks to dedicated labels such as Lizard Records, Black Widow, Mellow Records, Moonjune, Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music, and others.

Here are just a few of the bands that made the genre's continuation possible:

 

CALLIOPE: 1980s / 1990s (Piedmont). Emerging from a symphonic Neo-Prog root, they incorporated Jazz Rock-style rhythms and horn arrangements thanks to the presence of former members of Arti e Mestieri. Recommended: La Terra Dei Gioielli (1995)

 

DEUS EX MACHINA: 1990s – present (Bologna). One of the most overwhelming and technically monstrous bands on the global scene. They fuse Area's Jazz Rock, symphonic Prog, and Hard Rock with Alberto Piras's pyrotechnic vocals (sung in Latin and Italian). Recommended: De Republica (1995), Cinque (2002)

 

ACCORDO DEI CONTRARI: 2000s – present (Bologna). An instrumental quartet/quintet of the highest order. They merge the Canterbury scene, modern Jazz Rock, Soft Machine, and Mahavishnu with a rigorous and organic compositional vision. Recommended: Koinè (2007), Kublai (2014)

 

BAROCK PROJECT: 2000s – present (Emilia-Romagna). While primarily rooted in modern symphonic Prog, their piano-driven execution constantly incorporates fusion and Jazz Rock breaks and digressions of remarkable technical skill. Recommended: Skyline (2015), Seven Hands (2017)

 

YUGEN: 2000s – present (Milan). A project led by guitarist and composer Francesco Zago. Positioned within Avant-Prog / RIO (Rock in Opposition), they integrate a strong chamber-jazz component, contemporary avant-garde, and rhythmic deconstructions. Recommended: Labirinto D'Acqua (2006), Iridule (2010)

 

PROCOSMICO: Recent (Italy). A contemporary project picking up the torch of the Canterbury scene and instrumental Jazz Rock with a fresh approach, vintage tones, and fluid structures. Recommended: Procosmico (2020)

 

MOGADOR: 2000s – present (Tuscany). A project tied to warm atmospheres and cross-pollinations between Canterbury, Mediterranean Jazz Prog, and symphonic elements, where flute, sax, and keyboards maintain a constant dialogue. Recommended: Mogador (2009), Chapter 4 (2018)

 

Arctic Plant

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog / Metal Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Questa volta è la Germania (Bayreuth) a proporci un album di Progressive Rock infarcito di classicismi con richiami ai King Crimson, Yes e Camel. Una bella sorpresa per tutti coloro che cercano nella musica qualcosa di più articolato in cui crogiolarsi.
Arctic Plant è il progetto di Philipp Rexilius giunto con “Absolute Power” al suo quarto capitolo, un disco complesso con fughe che possono far tornare in mente i primi Spock’s Beard. Dopo un passato giovanile come batterista in formazioni e band locali, si è affermato come polistrumentista e compositore autodidatta orientato verso il Crossover Prog e il Progressive Rock sinfonico e concettuale. Nel 2013/2014 ha dato vita ad Arctic Plant, la sua one-man band e solido progetto solista. Nel contesto di Arctic Plant, Rexilius cura in prima persona ogni fase della creazione musicale: compone le musiche, scrive i testi, suona tutti gli strumenti (chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, synth, basso e batteria/programmazioni), registra le voci e si occupa dell'intero processo di mixing e produzione. Solo alcune voci sono affidate agli ospiti Andreas Ludwig (voce in “The Priest”), Ewa Wieczorek (voce in “The Rebel”) e Michael Kuchenbrod (voce in “Men's Choir”).
“Absolute Power” è un imponente concept album di critica sociale e distopica. L'ispirazione concettuale dell'opera nasce da una riflessione sulle reti neurali, sui Large Language Models, sull'impatto dei social network e sulla progressiva delega del pensiero critico alle tecnologie d'intelligenza artificiale e di controllo di massa. Il disco vuole essere un monito a non rinunciare all'indipendenza di pensiero di fronte ai meccanismi di manipolazione, propaganda, morale di facciata e tecnocrazia.
Come il genere generalmente richiede, si apre con una suite di venti minuti abbondanti intitolata “Brave New World”. Un tuffo immediato nella musica classica moderna, come quella ispirata dai Pink Floyd con “Atom Heart Mother”, per poi lanciarsi irrefrenabilmente in intricati tempi dispari, riff di chitarra d'impronta Heavy, assoli melodici e maestose aperture di tastiera. Belle anche le coralità. Un pezzo che scorre via in un attimo, a testimonianza che l’attenzione dell’ascoltatore non viene mai meno. Il testo è un chiaro riferimento all'opera huxleyana e alla letteratura distopica: una società apparentemente pacifica e automatizzata, ma del tutto asservita al controllo dell'algoritmo e della tecnologia, dove la libertà individuale viene anestetizzata in cambio di un falso senso di sicurezza.
Piacevole la ballata successiva “Moral Highground”, soffice, gentile e dalle aperture vocali ariose. Il testo affronta il tema dell'ipocrisia politica e sociale, analizzando come chi detiene il potere (tecnologico o istituzionale) utilizzi la superiorità morale di facciata per reprimere il dissenso ed esigere conformismo.
Tuona la chitarra elettrica in un andamento Metal Prog virtuosistico in “Manifesto”, brano rigoroso con ritmi marziali, stacchi di tastiera dal sapore Neo Prog e un uso stratificato di synth e cori che creano un'atmosfera fredda e solenne, come a tratti la voce robotica che enuncia i dogmi e le verità ufficiali imposte alla massa, in cui l'obbedienza viene presentata come l'unica virtù possibile.
Fra i momenti più drammatici e intimistici c’è “Who Are You?”, in cui un lamento si allaccia alle tastiere di fondo che descrivono un ambiente oscuro dove l’individuo si guarda allo specchio e si interroga sulla propria identità residua, chiedendosi cosa sia rimasto della propria umanità autentica dopo l'omologazione al sistema.
A questo punto giunge la seconda suite “Insurgency”, con il classicismo sinfonico e le scorribande sonore associabili alla colonna sonora di un film ad alta intensità, caratterizzata da fughe di chitarra epica e cambi repentini ancora una volta prossimi agli Spock’s Beard. Il testo descrive l'atto di ribellione attiva da parte di chi rifiuta di conformarsi, la lotta materiale e psicologica per spezzare il controllo. Per chi vi scrive questo è uno dei momenti più alti dell’intera opera.
Cori epici aprono “Superbia And Plunge”, traccia chiaramente divisa in due momenti dinamici. La prima sezione (Superbia) è caratterizzata da sonorità pompose, accordi maestosi e riff imponenti; la seconda (Plunge) vira verso tonalità caotiche, dissonanti e discendenti, con tanto di interventi in growl. Il finale si apre alla solarità con un solo di chitarra che scalda il cuore. Il brano affronta la tracotanza dei tiranni e delle strutture di potere, raccontando l'arroganza dell'autorità che, convinta del proprio controllo totale, non si accorge del proprio inevitabile ed imminente crollo.
Adiacente è “The Final Kneeling”, altra cavalcata Metal Prog epica, cupa e profonda dove le chitarre pesanti e i synth oscuri avanzano a ritmo cadenzato, trasmettendo un senso di oppressione e resa imminente. Analizza le conseguenze devastanti dello scontro, è il momento in cui si contano i danni, evidenziando il prezzo umano e le ferite inflitte dalla lotta contro un potere sovrastante.
Infine ecco l’epilogo sinfonico di ampio respiro intitolato “Ascend Thy Throne”, costruito con aperture melodiche, crescendo d'organo e synth. Abbattuto un sistema autoritario, si pone l'eterno interrogativo su chi occuperà il nuovo trono e se la storia sia destinata inesorabilmente a ripetersi.
In ultima analisi, la quarta prova in studio di Arctic Plant si rivela come un affresco sonoro di rara coerenza e ambizione. Tra suite fiume da oltre venti minuti, passaggi acustici di toccante introspezione ed esplosioni heavy di grande impatto, “Absolute Power” mette a nudo i paradossi dell'era digitale e le sottili tirannie del nostro presente. Phil Rexilius gestisce ogni singolo dettaglio produttivo con una visione lucida e priva di compiacimenti, regalandoci un’opera che richiede tempo e attenzione, ma che ripaga l'ascoltatore con una profondità emotiva e concettuale non comune. Un disco potente, ammonitore e necessario. MS 

Versione Inglese: 

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Self-released
Genre: Crossover Prog / Prog Metal
Format: CD / Bandcamp – 2026

This time it is Germany (Bayreuth) bringing us a Progressive Rock album packed with classicism, echoing the likes of King Crimson, Yes, and Camel. A delightful surprise for anyone seeking something more intricate to immerse themselves in.
Arctic Plant is the project of Philipp Rexilius, now reaching its fourth chapter with “Absolute Power”—a complex record with instrumental runs reminiscent of early Spock’s Beard. Following a youth spent as a drummer in local bands and line-ups, he established himself as a self-taught multi-instrumentalist and composer focused on Crossover Prog as well as symphonic and conceptual Progressive Rock. In 2013/2014, he gave life to Arctic Plant, his one-man band and solid solo project. Within Arctic Plant, Rexilius personally oversees every stage of musical creation: he composes the music, writes the lyrics, plays all instruments (electric and acoustic guitars, keyboards, synths, bass, and drums/programming), records the vocals, and handles the entire mixing and production process. Only a few vocal parts are entrusted to guests: Andreas Ludwig (vocals on “The Priest”), Ewa Wieczorek (vocals on “The Rebel”), and Michael Kuchenbrod (vocals on “Men's Choir”).
“Absolute Power” is an imposing concept album centered on social and dystopian critique. The work's conceptual inspiration stems from reflections on neural networks, Large Language Models, the impact of social media, and the gradual delegation of critical thinking to artificial intelligence technologies and mass control mechanisms. The record serves as a warning against surrendering independent thought to mechanisms of manipulation, propaganda, superficial morality, and technocracy.
As the genre typically demands, it opens with an epic suite lasting over twenty minutes titled “Brave New World.” An immediate plunge into modern classical music—reminiscent of Pink Floyd’s approach on “Atom Heart Mother”—before launching uncontrollably into intricate odd time signatures, heavy-tinged guitar riffs, melodic solos, and majestic keyboard sweeps. The vocal harmonies are equally impressive. It is a track that flies by, proving that the listener’s attention never wanes. The lyrics are a clear nod to Huxley’s work and dystopian literature: an apparently peaceful, automated society that is entirely subservient to algorithmic and technological control, where individual freedom is numbed in exchange for a false sense of security.
The following ballad, “Moral Highground,” is pleasant, soft, gentle, and features airy vocal openings. The lyrics tackle the theme of political and social hypocrisy, analyzing how those in power (whether technological or institutional) use a facade of moral superiority to suppress dissent and demand conformity.
Electric guitars thunder with a virtuosic Prog Metal momentum in “Manifesto,” a rigorous track featuring martial rhythms, Neo-Prog keyboard breaks, and a layered use of synths and choirs that create a cold, solemn atmosphere—much like the robotic voice that intermittently proclaims the official dogmas and truths imposed on the masses, where obedience is presented as the sole virtue.
Among the most dramatic and intimate moments is “Who Are You?”, where a vocal lament intertwines with background keyboards to portray a dark setting in which the individual gazes into the mirror and questions their remaining identity, asking what authentic humanity is left after conforming to the system.
At this point arrives the second suite, “Insurgency,” bringing symphonic classicism and sonic escapades akin to a high-intensity film soundtrack, driven by epic guitar runs and sudden shifts that once again bring early Spock’s Beard to mind. The lyrics describe the act of active rebellion by those who refuse to conform, detailing the physical and psychological struggle to break free from control. For this reviewer, it stands as one of the highest points of the entire work.
Epic choirs open “Superbia And Plunge,” a track distinctly split into two dynamic movements. The first section (Superbia) is defined by pompous soundscapes, majestic chords, and imposing riffs; the second (Plunge) shifts toward chaotic, dissonant, and descending tones, complete with growling vocals. The ending opens up to brightness with a heart-warming guitar solo. The song addresses the arrogance of tyrants and power structures, depicting the hubris of authority that, convinced of its total control, fails to notice its inevitable and impending collapse.
Adjacent is “The Final Kneeling,” another epic, dark, and deep Prog Metal ride where heavy guitars and dark synths advance at a measured cadence, conveying a sense of oppression and imminent surrender. It examines the devastating consequences of the conflict—the moment of counting the cost, highlighting the human toll and the wounds inflicted by battling an overwhelming force.
Finally comes the broad symphonic epilogue titled “Ascend Thy Throne,” built on melodic openings, organ crescendos, and synth layers. With an authoritarian system overthrown, it poses the eternal question of who will occupy the new throne and whether history is inevitably destined to repeat itself.
Ultimately, the fourth studio effort from Arctic Plant proves to be a sonic canvas of rare coherence and ambition. Spanning twenty-minute epic suites, touchingly introspective acoustic passages, and high-impact heavy outbursts, “Absolute Power” exposes the paradoxes of the digital age and the subtle tyrannies of our present day. Phil Rexilius manages every single production detail with a lucid, uncompromised vision, delivering a work that requires time and attention, but rewards the listener with uncommon emotional and conceptual depth. A powerful, cautionary, and necessary record. MS

Kamelot

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genere: Metal Progressive
Supporto: LP / CD – 2026

Sì, personalmente, malgrado la mia veneranda età, ho ancora la voglia e la capacità di sedermi davanti a un buon impianto stereo e ascoltare la musica. Fin qui nulla di speciale, lo fanno in molti; quello che invece sto notando nel tempo è che sono sempre di meno le persone che ascoltano Metal Progressive, soprattutto se una band intraprende il cammino del concept album. Non si ha più la pazienza di stare lì seduti (salvo alzarsi per voltare il vinile al lato B) per la durata di un intero disco. In realtà c’è Metal Prog e Metal Prog, anche dentro il genere stesso si hanno sottogeneri, come coloro che suonano ricercando nuove sonorità e innesti stilistici, i classici derivativi di Dream Theater, Queensrÿche & company, e le Epic band intente a perlustrare un mondo fatto di sinfonie e magniloquenze.
I Kamelot sono di quest’ultima categoria e sono in auge dal lontano 1991, non a caso sono famosissimi e hanno alle spalle un'incredibile discografia di quattordici album in studio, compreso questo nuovo “Dark Asylum”.
Nascono a Tampa, in Florida, per iniziativa di Thomas Youngblood e del batterista Richard Warner. Dopo due dischi d'esordio grezzi ma promettenti (“Eternity” nel 1995 e “Dominion” nel 1997), la svolta epocale avviene nel 1998 con l'ingresso del cantante norvegese Roy Khan (ex Conception). Con Khan alla voce, la band vive una vera e propria "Età d'Oro", definendo uno stile inconfondibile basato su lirismo drammatico, orchestrazioni maestose e strutture Progressive raffinatamente incastonate nel Power Symphonic Metal. Nel 2011 Roy Khan lascia il gruppo per motivi personali. L'eredità viene raccolta nel 2012 dal frontman svedese Tommy Karevik (Seventh Wonder), il cui talento vocale ed espressivo permette ai Kamelot di proseguire senza battute d'arresto. Con dischi come “Silverthorn” (2012), “Haven” (2015), “The Shadow Theory” (2018) e “The Awakening” (2023), la band ha ulteriormente arricchito il proprio marchio di fabbrica con innesti moderni, industriali e progressivi.
“Dark Asylum” vede la riconferma della formazione guidata dal chitarrista e fondatore Thomas Youngblood, affiancato dal tastierista e arrangiatore Oliver Palotai, dal bassista Sean Tibbetts, dal batterista Alex Landenburg e dalla voce di Tommy Karevik. Con loro i cantanti ospiti: Clémentine Delauney, Tobias Sammet, Ignacia Fernández, Rannveig Sif Sigurðardóttir, Sólveig Sara Leupold e Lea-Sophie Fischer.
La produzione è curata dallo storico collaboratore Sascha Paeth con un mix dal sapore moderno gestito da Jacob Hansen. Liricamente si presenta come una riflessione concettuale sui rifugi della mente, la vulnerabilità psicologica, la dualità tra sanità e follia e la ricerca di redenzione.
Non può mancare l’intro, qui dal titolo “Sanctorium”, che spalanca simbolicamente le porte dell'"Asylum". Non un manicomio fisico, ma la struttura protettiva (e al contempo carceraria) eretta dall'intelletto per difendersi dal trauma. I riff taglienti di Youngblood e la sezione ritmica serrata guidata da Landenburg si fanno apprezzare nell’energico brano “Ashen World”. Il contrasto tra la voce pulita e drammatica di Karevik e i growl/vocals estremi di Ignacia Fernández crea un dinamismo aggressivo e moderno.
La title track incarna la quintessenza del "Kamelot-sound", tempo medio-veloce, sinfonismo avvolgente, inserti di cori tragici e linee di basso pulsanti di Sean Tibbetts. Il ritornello è maestoso, sorretto dalle armonizzazioni aggiuntive di Kiara Huber. L'"Asilo Oscuro" è inteso come luogo di isolamento volontario. Quando la realtà esterna diventa insopportabile, la mente si ritira in un santuario d'ombra dove dolore e sicurezza finiscono per coincidere.
Uno dei momenti più complessi dal punto di vista dell'arrangiamento vocale è “Sanctuary”; maestoso e roboante, il brano rappresenta un dialogo interiore a tre vie: la ragione (Karevik), l'empatia/speranza (Delauney) e il conflitto/rabbia primaria (Fernández), che lottano per definire cosa sia davvero la salvezza.
Dopo l’interludio “Nocte Veritas” giunge “One Last Masquerade” con la voce di Tobias Sammet, un mid-tempo intrigante e sinuoso nell’incedere che entra a pieno titolo nel Power Metal. Non può mancare la ballata, qui rappresentata da “Ivy, My Dear”, e il dramma ci assale. Contraddistinta da un ottimo lavoro orchestrale firmato da Michael Rodenberg (Miro) e dagli interventi vocali di Kobra Paige (Kobra and the Lotus), è toccante e di classe. L'edera ("Ivy") viene usata come simbolo di un attaccamento affettivo tossico o irrisolto: un abbraccio che protegge, ma che col tempo soffoca la pianta a cui si arrampica.
“Godlike Alchemy” riprende la potenza seppure sempre con melodia, con un impianto moderno dove le tastiere di Palotai guidano il brano con marcate sfumature cyber/industrial affiancate a riff di chitarra ritmici ed essenziali.
Uno dei brani più marcatamente Progressive Metal dell'album, caratterizzato da cambi di tempo, tempi dispari nella batteria di Landenburg e un'atmosfera misteriosa e rarefatta, è “The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)”. Richiamando il paradigma orfico e il mito della discesa negli inferi, il testo esplora lo stato di trance o di mente addormentata, dove il confine tra il mondo dei sogni e la realtà si assottiglia.
E poi, nomen omen, “Kaleidoscope”, brano brillante e sfaccettato. Le tastiere creano trame frammentate che ricordano proprio le figure geometriche di un caleidoscopio, mentre la chitarra alterna stoppati ritmici ad aperture melodiche sinfoniche. Seguono altre cinque splendide canzoni: “Enigma (Think of Me)”, “Cassandra's Disease”, “Beneath the Moon (Tunglið)”, “The Puppet King” e “Sanctum Requiem”, di cui lascio a voi il piacere della scoperta, in fin dei conti avete già messo a fuoco questo magistrale lavoro.
“Dark Asylum” è un viaggio teatrale e affascinante all'interno delle fragilità umane, confezionato con la consueta perizia tecnica e una produzione sontuosa. Tra ritornelli memorabili, spunti progressivi e un ventaglio di ospiti perfettamente integrati, i Kamelot mettono a segno un album maturo e profondo. Dategli un ascolto. MS 

Versione Inglese:

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genre: Progressive Metal
Format: LP / CD – 2026

Yes, personally, despite my venerable age, I still have the desire and the ability to sit in front of a good stereo system and listen to music. Nothing special so far—many people do that; what I am noticing over time, however, is that fewer and fewer people listen to Progressive Metal, especially when a band undertakes the journey of a concept album. People no longer have the patience to sit there (except to get up to flip the vinyl to side B) for the duration of an entire record. In truth, there is Prog Metal and then there is Prog Metal; even within the genre itself there are subgenres: those who play in search of new sounds and stylistic blends, the classic derivatives of Dream Theater, Queensrÿche & company, and the Epic bands intent on exploring a world made of symphonies and grandeur.
Kamelot belong to this latter category and have been thriving since back in 1991; it is no coincidence that they are world-famous and boast an incredible discography of fourteen studio albums behind them, including this new release, “Dark Asylum”.
Formed in Tampa, Florida, on the initiative of Thomas Youngblood and drummer Richard Warner, following two raw yet promising debut albums (“Eternity” in 1995 and “Dominion” in 1997), the landmark turning point came in 1998 with the arrival of Norwegian vocalist Roy Khan (ex-Conception). With Khan on vocals, the band experienced a true "Golden Age", defining an unmistakable style based on dramatic lyricism, majestic orchestrations, and Progressive structures elegantly embedded within Symphonic Power Metal. In 2011, Roy Khan left the band for personal reasons. The mantle was picked up in 2012 by Swedish frontman Tommy Karevik (Seventh Wonder), whose vocal and expressive talent allowed Kamelot to forge ahead without missing a beat. With records like “Silverthorn” (2012), “Haven” (2015), “The Shadow Theory” (2018), and “The Awakening” (2023), the band has further enriched its signature sound with modern, industrial, and progressive elements.
“Dark Asylum” sees the re-confirmation of the lineup led by guitarist and founder Thomas Youngblood, joined by keyboardist and arranger Oliver Palotai, bassist Sean Tibbetts, drummer Alex Landenburg, and vocalist Tommy Karevik. Joining them are guest singers Clémentine Delauney, Tobias Sammet, Ignacia Fernández, Rannveig Sif Sigurðardóttir, Sólveig Sara Leupold, and Lea-Sophie Fischer.
Production is handled by longtime collaborator Sascha Paeth, with a modern-flavored mix managed by Jacob Hansen. Lyrically, it presents itself as a conceptual reflection on the sanctuaries of the mind, psychological vulnerability, the duality between sanity and madness, and the search for redemption.
An intro is a must, here titled “Sanctorium”, which symbolically opens wide the doors of the "Asylum". Not a physical madhouse, but the protective (and at the same time imprisoning) structure built by the intellect to defend itself from trauma. Youngblood's razor-sharp riffs and the tight rhythm section led by Landenburg stand out in the energetic track “Ashen World”. The contrast between Karevik's clean, dramatic voice and Ignacia Fernández's extreme growls/vocals creates an aggressive, modern dynamism.
The title track embodies the quintessence of the "Kamelot sound": mid-fast tempo, enveloping symphonism, tragic choral passages, and pulsing basslines from Sean Tibbetts. The chorus is majestic, sustained by additional vocal harmonies from Kiara Huber. The "Dark Asylum" is intended as a place of voluntary isolation: when external reality becomes unbearable, the mind retreats into a sanctuary of shadow where pain and safety ultimately coincide.
One of the most complex moments from a vocal arrangement standpoint is “Sanctuary”; majestic and thunderous, the track represents a three-way internal dialogue: reason (Karevik), empathy/hope (Delauney), and primary conflict/rage (Fernández), all struggling to define what salvation truly means.
Following the interlude “Nocte Veritas” comes “One Last Masquerade” featuring the vocals of Tobias Sammet, an intriguing mid-tempo track with a sinuous stride that fully qualifies as Power Metal. The ballad cannot be missing either, here represented by “Ivy, My Dear”, and drama takes hold of us. Marked by an excellent orchestral arrangement by Michael Rodenberg (Miro) and vocal contributions from Kobra Paige (Kobra and the Lotus), it is touching and classy. The ivy ("Ivy") is used as a symbol of a toxic or unresolved emotional attachment: an embrace that protects, but over time smothers the plant it clings to.
“Godlike Alchemy” brings back the power, albeit always balanced with melody, featuring a modern framework where Palotai's keyboards drive the song with strong cyber/industrial nuances alongside essential, rhythmic guitar riffs.
One of the most markedly Progressive Metal tracks on the album, characterized by time signature changes, odd tempos in Landenburg's drumming, and a mysterious, ethereal atmosphere, is “The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)”. Evoking the Orphic paradigm and the myth of the descent into the underworld, the lyrics explore a state of trance or a sleeping mind where the boundary between the dream world and reality blurs.
And then, nomen omen, “Kaleidoscope”, a brilliant and multifaceted piece. The keyboards construct fragmented textures that closely recall the geometric patterns of a kaleidoscope, while the guitar alternates tight staccato riffs with symphonic melodic openings. Five more splendid tracks follow: “Enigma (Think of Me)”, “Cassandra's Disease”, “Beneath the Moon (Tunglið)”, “The Puppet King”, and “Sanctum Requiem”, which I leave to you the pleasure of discovering—after all, you have already brought this masterful work into focus.
“Dark Asylum” is a theatrical, fascinating journey into human fragility, crafted with trademark technical mastery and sumptuous production. Between memorable choruses, progressive touches, and a roster of seamlessly integrated guests, Kamelot have delivered a mature, profound album. Give it a listen. MS