SANS
FROID – Back Into The Womb Gupshup
Records Genere:
Progressive Rock / Art Rock Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026
E’
un fatto inopinabile che la band King Crimson ancora oggi riesce a influenzare
molta della musica Rock moderna, vuoi per il suono nervoso che ben si sposa con
il nostro periodo moderno frenetico, vuoi perché è stato a tutti gli effetti un
punto di riferimento per tutti coloro che hanno apprezzato il Progressive Rock
sin dagli albori proprio ufficializzati dalla band di Fripp. Restiamo
sempre in Inghilterra ed andiamo quindi a conoscere i Sand Froid: sono un
quartetto Alternative Rock e Art Rock nato a Bristol (UK) nel 2019. La
formazione comprende la cantante Aisling Clarke, il tastierista/pianista Toby
Formanson, il bassista Ben Molyneux e il batterista Charlie B.Il
gruppo si è distinto nella scena underground britannica per un sound unico,
invece di affidarsi alle classiche chitarre ritmiche pesanti, la loro
architettura sonora si fonda su pianoforte, synth e tastiere incastrati in
complesse metriche Math Rock, sorretti da una sezione ritmica dinamica e
sovrastati da una prova vocale teatrale e viscerale. Dopo
l'EP d'esordio del 2021, ed “Hello, Boil Brain” (2024), “Back Into The Womb” ci
presenta una band perfettamente rodata e a tutti gli effetti detentrice un
sound a corpo unico. Come
molto spesso accade negli album di questi ultimi tempi, l’argomento societario
è bersaglio di molta critica ed analisi,
e sin dal primo brano “Go On” i Sans Froid propongono una spinta urgente
e quasi nevrotica ad andare avanti nonostante il peso dell'ansia e la
sensazione di inadeguatezza verso il mondo esterno. Le linee di pianoforte si
muovono con tensione angolare e metriche sincopate, supportate da una batteria
precisa che guida un crescendo costante fino a sfociare in una fiammata di
energia. Magistrale la prova vocale di Aisling Clarke, vera e propria carta d’identità
della band. Provate ad ascoltare “Pros & Constants” per apprezzarne al
meglio la duttilità. Il pezzo è articolato e ricco di sfumature. Il basso di
Ben dialoga costantemente con le tastiere di Toby, creando cambi di tempo
improvvisi e passaggi dinamici che oscillano tra quiete intima ed esplosioni
sonore. Nel testo si analizza il calcolo ossessivo dei pro e dei contro oltre
alla ricerca di certezze in una vita che appare caotica e priva di punti di
riferimento stabili. Esistono altresì passaggi più ricercati, come nel caso di “Still
Thinking” dove si descrive la mente che continua a girare a vuoto incapace di
trovare una via d'uscita dai propri pensieri ossessivi. C’è
anche un brevissimo intermezzo strumentale ed atmosferico dal titolo “Baby Bags”
che conduce proprio alla title track “Back Into The Womb”, dove le dinamiche
esplodono tra passaggi delicati ed eruzioni di batteria e basso carico di
overdrive. È il fulcro concettuale del disco dove il desiderio viscerale e
regressivo di sfuggire alle responsabilità, al trauma e al dolore della vita
adulta, serve per rifugiarsi nel luogo sicuro per eccellenza, il grembo materno. Rispetto
alle tracce più tese, la successiva “Sorbet” introduce sfumature più armoniose
e quasi d'ispirazione Jazz/Art Pop. Il
Math Rock da sfoggio di se in “Menorabilia”, qui la batteria e il basso
costruiscono una trama ritmica ossessiva e complessa su cui la voce si muove
con tagli sferzanti. Il resto lo lascio alla vostra curiosità, se avete ben
compreso lo stile con cui la band riesce ad impressionare. In
un panorama spesso saturo di formule collaudate, i Sans Froid mettono a nudo la
propria anima senza filtri o scorciatoie. “Back Into The Womb” è un disco
urgente, imperfetto nella sua viscerale umanità e incredibilmente a fuoco. Una piccola
gemma d'Art Rock moderno che conferma Bristol come uno dei fari più luminosi
della musica indipendente contemporanea. MS
Versione Inglese:
SANS FROID – Back Into The Womb Gupshup Records Genre: Progressive Rock / Art Rock Format: LP / CD / Bandcamp – 2026
It is an indisputable fact that the band King Crimson
still manages to influence much of modern Rock music today, whether due to that
nervous sound that fits so well with our hectic modern times, or because they
were to all intents and purposes a point of reference for all those who have
appreciated Progressive Rock since the early days officially launched by
Fripp's band. Remaining in England, let us get to know Sand Froid:
they are an Alternative Rock and Art Rock quartet formed in Bristol (UK) in
2019. The line-up includes singer Aisling Clarke, keyboardist/pianist Toby
Formanson, bassist Ben Molyneux, and drummer Charlie B. The group stood out in
the British underground scene for a unique sound: instead of relying on classic
heavy rhythm guitars, their sonic architecture is built on piano, synths, and
keyboards locked into complex Math Rock time signatures, supported by a dynamic
rhythm section and topped by a theatrical, visceral vocal performance. After their 2021 debut EP, and “Hello, Boil Brain”
(2024), “Back Into The Womb” presents us with a perfectly honed band that holds
a truly cohesive, single-body sound. As often happens in recent albums, societal themes are
the target of much criticism and analysis, and right from the opening track “Go
On”, Sans Froid offer an urgent and almost neurotic push to keep going despite
the weight of anxiety and the feeling of inadequacy towards the outside world.
The piano lines move with angular tension and syncopated meters, supported by
precise drumming that drives a constant crescendo until it bursts into a flare
of energy. Aisling Clarke's vocal performance is masterful, serving as the
band's true calling card. Try listening to “Pros & Constants” to best
appreciate her versatility. The track is articulate and rich in nuances. Ben's
bass constantly dialogues with Toby's keyboards, creating sudden tempo changes
and dynamic passages that fluctuate between intimate quiet and sonic
explosions. The lyrics analyze the obsessive calculation of pros and cons, as
well as the search for certainty in a life that appears chaotic and devoid of
stable reference points. There are also more sophisticated passages, as in the
case of “Still Thinking”, which describes the mind continuing to spin
aimlessly, unable to find a way out of its own obsessive thoughts. There is also a very brief, atmospheric instrumental
interlude titled “Baby Bags” that leads straight into the title track “Back
Into The Womb”, where dynamics explode between delicate passages and eruptions
of drums and overdrive-laden bass. It is the conceptual core of the record,
where the visceral and regressive desire to escape the responsibilities,
trauma, and pain of adult life serves to take refuge in the ultimate safe
place: the mother's womb. Compared to the more tense tracks, the subsequent
“Sorbet” introduces more harmonious and almost Jazz/Art Pop-inspired nuances. Math Rock shows off in “Menorabilia”, where drums and
bass construct an obsessive and complex rhythmic texture over which the vocals
move with cutting edges. The rest I leave to your curiosity, provided you have
grasped the style with which the band manages to make an impression. In a scene often saturated with tried-and-tested formulas,
Sans Froid lay their soul bare without filters or shortcuts. “Back Into The
Womb” is an urgent record, imperfect in its visceral humanity, and incredibly
focused. A little gem of modern Art Rock that confirms Bristol as one of the
brightest beacons of contemporary independent music. MS
AGUSA
– Panacea Karisma
Records / Turquoise (LP) Genere:
Psychedelic/Space Rock Supporto: CD / LP / Digital – 2026
Gli
svedesi Agusa sono divenuti in ambito Psychedelic, Space Rock una vera e
propria istituzione. Sono
celebri per la loro attitudine da jam band, le loro composizioni in studio
prendono vita sul palco espandendosi con dinamiche organiche, crescendo
psichedelici e improvvisazioni d'insieme. Sebbene la band utilizzi brevi ricami
vocali o cori d'atmosfera, la narrazione è prevalentemente strumentale, con le
melodie guida di flauto e organo che sostituiscono la parola cantata
tradizionale per evocare immagini di natura, folklore nordico e paesaggi
cosmici. La
band nasce all'inizio del 2013 nei pressi di Malmö, quando il chitarrista
Mikael Ödesjö, il bassista Tobias Pettersson, il tastierista Jonas Berge e il
batterista Dag Strömqvist si ritrovarono a suonare in una casa di campagna
nella piccola località svedese di Agusa, da cui presero il nome. Dopo
il debutto con l'album “Högtid” (2014), la formazione accoglie la flautista
Jenny Puertas e il batterista Tim Wallander. Il flauto traverso quindi è
diventato uno degli elementi distintivi del loro sound pastorale e sognante. La
loro musica affonda le radici nel Prog e Folk Rock scandinavo degli anni '70
(come Kebnekajse e Bo Hansson), con forti incursioni nel Krautrock tedesco
(Amon Düül II), nello Space Rock e nel Jazz fusion. La
panacea è storicamente il rimedio universale per tutti i mali, e questo album
si propone esattamente come una cura catartica attraverso la musica. Nell’album
tre suite, ad iniziare da “Lust Och Fägring (Sommarvisan)”, traducibile come
"Desiderio e Bellezza (Canzone d'Estate)". Il titolo si rifà ai versi
tradizionali della celebrazione estiva svedese (Den blomstertid nu kommer) e
all'immaginario bucolico scandinavo. All’ascolto sembra di ritrovarsi all’interno
di questo contesto. Il brano si apre con un'atmosfera soffusa e pastorale. Il
flauto di Jenny Puertas intesse una melodia calda e Folk, accompagnata dai
tappeti vintage dell'organo Hammond. Nella versione dal vivo, il pezzo si
sviluppa con un ritmo progressivo e avvolgente: la chitarra di Ödesjö dialoga
costantemente con la sezione ritmica, creando un contrasto tra la dolcezza
bucolica iniziale e una seconda parte più Rock ed energica. Sin da subito si
evince la grande intesa fra i componenti e l’ottima capacità di comporre
melodie altamente orecchiabili. Con
oltre venti minuti di musica, “Den Förtrollade Skogen” è il pezzo più lungo del
lotto e significa "La Foresta Incantata". È un racconto fiabesco che
trascina l'ascoltatore nuovamente in un viaggio esplorativo tra leggende
nordiche, luci e ombre del bosco. Possiamo dire che è il centro nevralgico dell'album
ed offre spazio a jam prolungate oltre che ad evoluzioni psichedeliche.
L'incipit richiama atmosfere mistiche ed eteree, per poi trasformarsi in una
cavalcata Progressive che cita l'ardore di band come Traffic e Santana. La
batteria e il basso offrono un groove solido e tribale, mentre flauto e
chitarra si alternano in assoli fiammeggianti d'ispirazione primordiale. La
chiusura spetta a “Ur Askan” (dalle ceneri), Un brano più tirato, denso e
viscerale. Inizia con note malinconiche per poi esplodere in un crescendo
trionfante. L'interazione tra l'organo di Roman Andrén e la chitarra mostra il
lato più cupo e Hard Prog della band, prima di sciogliersi in un finale
liberatorio acclamato dal pubblico. Che
siate nostalgici del Progressive Rock anni '70 alla Camel e Bo Hansson, o
semplicemente alla ricerca di un viaggio sonoro capace di isolarvi dal rumore
del mondo moderno, questo album dal vivo mantiene esattamente ciò che il suo
titolo promette, è una vera e propria cura per l'anima, un'immersione
rigenerante in una foresta incantata di note di cui è impossibile non
innamorarsi. Un ascolto imprescindibile per ogni amante della musica
d'atmosfera. MS
Versione Inglese:
AGUSA – Panacea Karisma Records / Turquoise (LP) Genre: Psychedelic/Space Rock Format: CD / LP / Digital – 2026
The Swedish band Agusa has become a true institution
in the Psychedelic and Space Rock scene. They are famous for their jam band attitude; their
studio compositions come alive on stage, expanding with organic dynamics,
psychedelic crescendos, and ensemble improvisations. Although the band uses
brief vocal embellishments or atmospheric backing vocals, the narrative is
predominantly instrumental, with the lead melodies of the flute and organ
replacing traditional sung lyrics to evoke images of nature, Nordic folklore,
and cosmic landscapes. The band was formed in early 2013 near Malmö, when
guitarist Mikael Ödesjö, bassist Tobias Pettersson, keyboardist Jonas Berge,
and drummer Dag Strömqvist met to play in a country house in the small Swedish
village of Agusa, from which they took their name. After debuting with the album “Högtid” (2014), the
lineup welcomed flutist Jenny Puertas and drummer Tim Wallander. The concert
flute thus became one of the defining elements of their pastoral, dreamy sound.
Their music is deeply rooted in '70s Scandinavian Prog and Folk Rock (such as
Kebnekajse and Bo Hansson), with strong influences from German Krautrock (Amon
Düül II), Space Rock, and Jazz fusion. Panacea is historically the universal remedy for all
ills, and this album sets out to be precisely a cathartic cure through music.
The album features three suites, starting with “Lust Och Fägring
(Sommarvisan)”, which translates to "Desire and Beauty (Summer Song)".
The title refers to the traditional verses of Swedish summer celebrations (Den
blomstertid nu kommer) and Scandinavian bucolic imagery. Listening to it feels
like being transported directly into this atmosphere. The track opens with a
soft, pastoral feel. Jenny Puertas's flute weaves a warm, Folk melody,
accompanied by the vintage soundscapes of the Hammond organ. In the live
version, the piece unfolds with an enveloping, progressive rhythm: Ödesjö's
guitar engages in a constant dialogue with the rhythm section, creating a
contrast between the initial bucolic sweetness and a more energetic,
Rock-driven second half. Right from the start, the great chemistry among the
members and their remarkable ability to compose highly catchy melodies are
clearly evident. At over twenty minutes long, “Den Förtrollade Skogen”
is the longest track of the set, meaning "The Enchanted Forest". It
is a fairytale story that drags the listener once again into an exploratory
journey through Nordic legends and the light and shadow of the woods. We can
say it is the nerve center of the album, offering room for extended jams as
well as psychedelic evolutions. The opening recalls mystical, ethereal
atmospheres before transforming into a Progressive ride that echoes the fervor
of bands like Traffic and Santana. The drums and bass provide a solid, tribal
groove, while flute and guitar take turns in fiery, organically inspired solos. The closing track is “Ur Askan” (from the ashes), a
tighter, dense, and visceral piece. It begins with melancholy notes before
exploding into a triumphant crescendo. The interplay between Roman Andrén's
organ and the guitar showcases the band's darker, Hard Prog side, before
dissolving into a liberating finale acclaimed by the audience. Whether you are nostalgic for '70s Progressive Rock in
the vein of Camel and Bo Hansson, or simply searching for a sonic journey
capable of isolating you from the noise of the modern world, this live album
delivers exactly what its title promises: it is a true cure for the soul, a regenerating
immersion into an enchanted forest of notes that is impossible not to fall in
love with. An essential listen for every fan of atmospheric music. MS
REBELLION
OF PANDA – Jane Doe Autoproduzione Genere: Alternative Rock Supporto: Digital / Bandcamp – 2026
Interessante
al giorno d’oggi incontrarsi con progetti non semplici da collocare
stilisticamente, ciò sta a significare che hanno un qualcosa di strettamente
personale da proporre. I
Rebellion Of Panda si muovono nel panorama dell'Alternative Rock indipendente,
costruendo la propria identità sonora sull'equilibrio tra energia grezza ed
eleganza melodica. Il loro approccio richiama le sonorità del Rock alternativo
a cavallo tra il sound graffiante degli anni '90 e le produzioni Indie Rock più
moderne. Abbracciano un linguaggio fatto di chitarre dinamiche, riff incisivi,
melodie avvolgenti e ritmi trascinanti, ponendo la scrittura delle canzoni e
l'espressività al centro di tutto. La
scelta di intitolare l'album “Jane Doe” (la denominazione usata per le identità
non identificate o anonime) funge da filo conduttore concettuale per un viaggio
dentro l'anonimato urbano, la ricerca della propria voce all'interno di una
società omologata e la sensazione di essere senza nome di fronte ai propri
dubbi e conflitti personali. Formati
da Beppe Martini (chitarra), David Lads Sánchez (tastiere), Piero Pellicano
(basso), Simone Busatti Bei (batteria), Gennaro Scarpato (percussioni), Paolo Amadei
(sax), e Andrea Manfrini (voce), si avvalgono della collaborazione di Arianna
Vox alla voce nel singolo “In The Cage”. Nove i brani che compongono l’album a
partire da “The B-Show”, quasi tre minuti che fanno da intro all’opera con
tanto di narrazione su dei suoni distinti e alternativi, una sferzata ironica e
amara sul sentirsi comparse della propria vita. Il "B-Show" è la
sensazione di vivere in secondo piano, guardando gli altri stare al centro
della scena mentre ci si adegua a ruoli di second'ordine. Aperta
da un canto femminile arabeggiante, “Sunrise” è una canzone notevole, in stile
ballad/mid-tempo. Il pezzo parte su toni più intimi e misurati per poi aprirsi
in un ritornello esplosivo e corale dal forte impatto emotivo. Sembra quasi in
modalità Roger Waters. L'alba (Sunrise) è la resa dei conti con il giorno che
arriva. Più che un nuovo inizio pieno di speranza, rappresenta la luce che
mette a nudo le debolezze e le ipocrisie che di notte si riescono a nascondere.
Davvero toccante! “Digital
Scream” con i suoi rumori di guerra è una parentesi elettronica strumentale
breve che accompagna verso “Aviator”,uno dei movimenti più
radiofonici ed efficaci del disco. Trova il perfetto equilibrio tra strofe
dinamiche e un ritornello melodico, aperto ed aereo, sorretto da eccellenti
linee di chitarra e un andamento che attinge dalla disco, dal Reggae e persino
dal Pop. Qui la metafora del volo come desiderio di evasione. L'aviatore
rappresenta chiunque cerchi di sollevarsi al di sopra dei problemi quotidiani,
conscio del rischio di cadere ma spinto dal bisogno viscerale di libertà. L’atmosfera
più cupa e a tratti Heavy la si riscontra in “In The Cage” e nella bella voce
(ed interpretazione) di Arianna Vox.Il brano si basa su un
groove di basso ben marcato e chitarre distorte su tempi medi, creando un senso
di tensione e claustrofobia sonora. Il testo parla della prigionia mentale,
delle gabbie costruitoci attorno dalle aspettative altrui, dalla routine e
dalle nostre stesse insicurezze. Il tutto esprime il senso di soffocamento di
chi non trova uscite. Fra i momenti che ho maggiormente apprezzato, anche per
varietà sono i sei minuti abbondanti di “So Cold”, che si sviluppano con calma,
stratificando arpeggi malinconici fino a sfociare in assoli ed esplosioni
sonore dal grande respiro Alternative Rock ma anche dal profumo vintage. E’ un
viaggio dentro il distacco emotivo e la solitudine. Il "freddo" è
quella sensazione di intorpidimento interiore che subentra quando ci si
protegge dal dolore smettendo di provare emozioni. Il discorso è analogo per “Revolution”,
altra chicca dell’album con momenti introspettivi, sezioni corali e riff
granitici. Più che una sommossa di piazza, il testo parla di una rivoluzione
personale. È il punto di svolta del disco in cui ci si ribella allo stato di
anonimato ("Jane Doe") per riprendere in mano la propria identità.
Ritorna la quiete con gli arpeggi di chitarra e interventi di piano in “I”, incentrato
sull'affermazione del sé (la "I" inglese, ovvero "Io"). Il
testo affronta il difficile processo di spogliarsi delle maschere sociali per
capire chi si è veramente sotto la superficie. Infine
“Sunrise Reprise”, con il suo bel solo di sax, non offre facili risposte, ma
suggerisce che, dopo aver attraversato la tempesta, si è finalmente pronti a
guardare il domani con occhi diversi. Personalmente non gradisco molto il suono
della batteria, ma è questione di gusto personale. Con
“Jane Doe”, i Rebellion Of Panda firmano un lavoro maturo e dinamico, in cui la
ricerca melodica non sacrifica mai l'impatto e la tensione dei riff.Un
ascolto consigliato a chiunque sia alla ricerca di un Rock viscerale, moderno e
mai scontato. MS
Versione Inglese:
REBELLION OF PANDA – Jane Doe Self-released Genre: Alternative Rock Format: Digital / Bandcamp – 2026
It is interesting nowadays to come across projects
that are not easy to place stylistically, which means they have something
strictly personal to offer. Rebellion Of Panda move within the independent
Alternative Rock scene, building their sound identity on the balance between
raw energy and melodic elegance. Their approach recalls alternative Rock
sonorità straddling the gritty sound of the '90s and more modern Indie Rock
productions. They embrace a language made of dynamic guitars, incisive riffs,
enveloping melodies, and driving rhythms, placing songwriting and
expressiveness right at the center of everything. The choice to title the album “Jane Doe” (the name
used for unidentified or anonymous identities) serves as a conceptual thread
for a journey into urban anonymity, the search for one's voice within a
homogenized society, and the feeling of being nameless when facing personal
doubts and conflicts. Formed by Beppe Martini (guitar), David Lads Sánchez
(keyboards), Piero Pellicano (bass), Simone Busatti Bei (drums), Gennaro
Scarpato (percussion), Paolo Amadei (sax), and Andrea Manfrini (vocals), they
make use of the collaboration of Arianna Vox on vocals in the single “In The
Cage”. Nine tracks make up the album, starting with “The B-Show”, nearly three
minutes that act as an intro to the work complete with narration over distinct,
alternative sounds, an ironic and bitter lash at feeling like an extra in one's
own life. The "B-Show" is the feeling of living in the background,
watching others take center stage while adapting to second-rate roles. Opened by an Arabian-flavored female chant, “Sunrise”
is a remarkable song, in a ballad/mid-tempo style. The track begins on more
intimate and measured tones before opening into an explosive, choral chorus
with a strong emotional impact. It almost feels in Roger Waters mode. The
sunrise (Sunrise) is the reckoning with the arriving day. Rather than a hopeful
new beginning, it represents the light that lays bare the weaknesses and
hypocrisies that can be hidden at night. Truly touching! “Digital Scream” with its war noises is a brief
instrumental electronic interlude that leads into “Aviator”, one of the most
radio-friendly and effective movements of the record. It finds the perfect
balance between dynamic verses and an open, airy, melodic chorus, supported by
excellent guitar lines and a groove drawing from disco, Reggae, and even Pop.
Here lies the metaphor of flight as a desire for escape. The aviator represents
anyone trying to rise above everyday problems, aware of the risk of falling but
driven by a visceral need for freedom. The darker and at times Heavy atmosphere is found in
“In The Cage” and in the beautiful voice (and interpretation) of Arianna Vox.
The track relies on a well-defined bass groove and distorted guitars over
mid-tempos, creating a sense of tension and sonic claustrophobia. The lyrics
speak of mental imprisonment, of the cages built around us by others'
expectations, routine, and our own insecurities. It all expresses the sense of
suffocation of someone who finds no way out. Among the moments I appreciated
the most, also for variety, are the generous six minutes of “So Cold”, which
develop calmly, layering melancholy arpeggios until bursting into solos and
sonic explosions with a great Alternative Rock breath, but also with a vintage
scent. It is a journey into emotional detachment and solitude. The
"cold" is that feeling of inner numbness that sets in when one
protects oneself from pain by ceasing to feel emotions. The reasoning is
similar for “Revolution”, another gem of the album with introspective moments,
choral sections, and granite-like riffs. Rather than a street riot, the lyrics
speak of a personal revolution. It is the turning point of the record where one
rebels against the state of anonymity ("Jane Doe") to take back one's
identity. Quiet returns with the guitar arpeggios and piano
interventions in “I”, centered on the affirmation of the self (the English
"I"). The lyrics address the difficult process of stripping away
social masks to understand who one really is beneath the surface. Finally, “Sunrise Reprise”, with its nice sax solo,
offers no easy answers, but suggests that after crossing the storm, one is
finally ready to look at tomorrow with different eyes. Personally, I don't
particularly care for the drum sound, but that's a matter of personal taste. With “Jane Doe”, Rebellion Of Panda deliver a mature
and dynamic work, where melodic research never sacrifices the impact and
tension of the riffs. Recommended listening for anyone looking for visceral,
modern, and never predictable Rock. MS
Nati
nella scena Indie underground di Capri, i PacificSquiers hanno costruito la
propria identità attorno all'uso creativo delle chitarre elettriche unite a
sintesi analogica e drum machine soffuse. Il
progetto nasce con l'intento di fondere le atmosfere nostalgiche della West
Coast con la malinconia e le tessiture sonore tipiche della scena Shoegaze
britannica degli anni '90 ispirata a band come Slowdive e Cocteau Twins. Con il
passare del tempo, la band ha affinato un approccio produttivo
"do-it-yourself" (DIY), facendo della produzione casalinga ma
dettagliata un punto di forza estetico. Il
nome fa un chiaro riferimento alle celebri chitarre Squier, marchio economico
ma storico della Fender, uno strumento iconico per l'intera scena Indie, Shoegaze
e Alternative Rock fin dagli anni '80 e '90 per l'accessibilità e l'attitudine
"garage". L'aggettivo “Pacific” serve a bilanciare la componente
chitarristica con un'estetica visiva e sonora legata all'oceano, alle maree,
alla dilatazione e alle atmosfere sognanti tipiche del Dream Pop. In
questo breve EP su Bandcamp intitolato “Dreaming Unyending”, ci sono tre brani
suonati da Luca Esposito (chitarra, tastiere, produzione, composizione),
Anghatengh (voce, arrangiamenti, scrittura), Michele Nastro (basso) e Mariano
Celentano (batteria). Presto
l’intero album sarà edito. “Near
The Sea” dura un minuto e mezzo ed è suonato soprattutto con il piano. Molto
lento e nostalgico, introduce l’ascoltatore nello stato d’animo più appropriato
per l’ascolto. Arpeggi
di chitarra su un tappeto di tastiere introducono la voce di Anghatengh in “Dear
Stranger”, singolo che sarà dell’album. Il pezzo sale d’intensità sino a
graffiare con la voce gridata ma pur sempre drammatica e perfettamente
incastonata nel contesto. “Timelapse
Of Us” invece alza l’intensità corale ed entra nel mondo del Shoegaze,
dimostrando tutte le capacità balistiche e compositive della band. Con
“Dreaming Unyending”, i PacificSquiers dimostrano una maturità espressiva non
comune nel panorama indipendente, bilanciando sapientemente le asperità
Shoegaze con la delicatezza del Dream Pop. Nonostante le dimensioni contenute
della release, il gruppo riesce a costruire un microcosmo coerente, aereo e
viscerale. Un tassello discografico che conferma la bontà della loro visione
artistica e lascia la curiosità di scoprire dove li porterà l’intero album. In
attesa… MS.
Born in the underground Indie scene of Capri,
PacificSquiers have built their identity around the creative use of electric
guitars combined with analog synthesis and muted drum machines. The project was born with the intent to fuse nostalgic
West Coast vibes with the melancholy and sonic textures typical of the '90s
British Shoegaze scene, inspired by bands like Slowdive and Cocteau Twins. Over
time, the band has refined a "do-it-yourself" (DIY) production
approach, turning home-based yet detailed production into an aesthetic
strength. The name makes a clear reference to the famous Squier
guitars—Fender's budget-friendly yet historic brand—an iconic instrument for
the entire Indie, Shoegaze, and Alternative Rock scene since the '80s and '90s
due to its accessibility and "garage" attitude. The adjective
“Pacific” serves to balance the guitar-driven side with a visual and sonic
aesthetic tied to the ocean, tides, spatial expansion, and the dreamy
atmospheres typical of Dream Pop. In this short EP on Bandcamp titled “Dreaming
Unyending”, there are three tracks played by Luca Esposito (guitar, keyboards,
production, composition), Anghatengh (vocals, arrangements, songwriting),
Michele Nastro (bass), and Mariano Celentano (drums). Soon the full album will be released. “Near The Sea” lasts a minute and a half and is played
mostly on the piano. Very slow and nostalgic, it introduces the listener to the
most appropriate mood for listening. Guitar arpeggios over a bed of keyboards introduce
Anghatengh's voice in “Dear Stranger”, a single that will feature on the
upcoming album. The track builds in intensity until it scrapes through with
raw, screamed yet dramatic vocals that are perfectly embedded in the context. “Timelapse Of Us”, on the other hand, raises the
choral intensity and enters the world of Shoegaze, showcasing all of the band's
technical and songwriting prowess. With “Dreaming Unyending”, PacificSquiers demonstrate
an expressive maturity that is uncommon in the independent scene, skillfully
balancing Shoegaze rough edges with Dream Pop delicacy. Despite the compact
size of the release, the group manages to build a coherent, airy, and visceral
microcosm. A recording piece that confirms the strength of their artistic
vision and leaves one curious to discover where the full album will take them. Waiting…
MS.
COORDINATE – Undreamt Autoproduzione / CoordinateSoundStudio Genere:
Art Rock / Post Rock Supporto:
Digital / Bandcamp – 2026
I
Coordinate sono un progetto musicale nato a Roma dalla mente e dalla visione
artistica di Federico Magnanimi, polistrumentista, compositore e produttore
dell'opera.L'identità del gruppo si sviluppa attorno a un'interessante
combinazione di Post Rock/Metal, Art Rock, e musiche orchestrali. Elemento
caratterizzante dell'architettura sonora è il dualismo vocale tra la voce
femminile di Giulia Mastrosanti e quella maschile di Matteo Marazzi, che dona
ai brani una spiccata componente teatrale ed emotiva. Queste coordinate sonore
sono ad oggi una tendenza che in Italia sta prendendo campo, più del Progressive
Rock stesso, a testimonianza di voler comunque essere al passo con i tempi
seppur rispettando i suggerimenti del passato. “Undreamt”
è un concept album narrativo e allegorico formato da sette tracce più una bonus
track. Racconta la parabola di un uomo confinato su un'isola che, scorgendo
all'orizzonte una luce lontana ribattezzata Gammar, decide di gettarsi in mare
per raggiungerla a nuoto. Nel tentativo, travolto dalla tempesta, perde ogni
cosa. Tratto in salvo dalle correnti e restituito alla riva, ormai solo e privo
di illusioni, riesce finalmente ad aprire gli occhi e a scorgere l'imbarcazione
che era sempre stata lì ad attenderlo. “Gammar
I” è la traccia introduttiva d'atmosfera sostenuta dalle linee di basso di
Marco Fornari. Costruisce gradualmente una tensione avvolgente e rarefatta,
gettando le basi delle trame Post Rock e Progressive del disco e presenta lo
stato d'isolamento del protagonista sull'isola. Riconosce l'insoddisfazione per
il proprio stato e la nascita dell'ossessione per "Gammar", quel
bagliore lontano oltre l'oceano che promette una salvezza sconosciuta. In
“Gammar II” la batteria di Andrea Recchia si unisce al basso di Fornari per
strutturare una sezione ritmica più incisiva. Le voci di Mastrosanti e Marazzi
iniziano a intrecciarsi in un dialogo sempre più incalzante. Qui risiede il
momento della decisione, il protagonista matura la scelta di abbandonare le
certezze del proprio luogo sicuro ("I know I must leave my island, follow
the light that's been calling me") per inseguire la luce a costo di
rischiare tutto. Soave la voce di Giulia Mastrosanti che riesce a far scorrere
più di un brivido sulla pelle. Invece l’anima più “metallica” del duo fuoriesce
nel brano “Swim Across The Ocean I – Tempest”, dove l'intervento ospite di
Giacomo Bonfadini alla chitarra solista e alla voce in screaming, trasfigura il
brano in un assalto sonoro aggressivo. Il pezzo narra il tuffo in mare e
l'impatto con la tempesta spietata dell'oceano. Simboleggia la lotta contro le
avversità dell'ignoto e la perdita progressiva di ogni difesa fisica e mentale. Le
chitarre soliste di Damiano Tagliaferri e Alessandro Fontana introducono in “Swim Across The Ocean II – Deliverance”
tessiture più liriche e distese. L'aggressività del brano precedente lascia il
posto ad aperture orchestrali solenni. Ed è la fase della resa e della
liberazione interiore (Deliverance). Il naufrago, stremato e ormai consapevole
dell'impossibilità di sconfiggere il mare con la sola forza bruta, smette di
lottare e si lascia trasportare dalle correnti, così noi dall’ascolto. Il
brano più lungo del concept è “Sea Shore” con oltre nove minuti di musica. Un
affresco d'Art Rock che fluttua in delicati arpeggi di chitarra prima di
esplodere in una spinta drammatica di forte impatto emotivo. Qui si narra del
risveglio dopo la burrasca. Restituito dal mare alla battigia, il protagonista
giace svuotato di ogni illusione ma dotato di una lucida consapevolezza
("finally awake upon the shore"): il viaggio nel caos lo ha spogliato
di ciò che era superfluo. Segue
“Gammar III” che si riallaccia ai temi melodici della suite iniziale,
riproponendoli in chiave malinconica, quasi trasognata, chiudendo il cerchio
tematico legato all'utopia di Gammar. Ottimo ed emozionante l’uso del piano.Ora
la luce di Gammar non è più vista come una meta reale da raggiungere, ma come
un semplice espediente del destino servito a innescare il cambiamento
interiore. La
conclusiva “The Ship” è il momento catartico e corale che suggella il racconto
in un clima di ritrovata serenità ed espansione orchestrale.Sulla
spiaggia, l'uomo scorge finalmente la barca che era sempre stata lì ad
attenderlo. Capisce che i mezzi per salvarsi e per navigare non andavano
cercati nell'ossessione per l'ignoto, ma nella capacità di riconoscere le
risorse presenti attorno a sé. La
bonus track “Idiot” è un frangente caotico di 27 secondi di una devastazione
totale, una contro riflessione amara e autoironica sull'ottusità umana, su
quanto spesso si sia "idioti" nel rincorrere miraggi lontani
distruggendo quello che si ha già a disposizione. Tra
chiaroscuri vocali, chitarre sferzanti e tessiture orchestrali, “Undreamt” è un
disco che richiede attenzione, ma che ripaga ogni singolo ascolto con rara
intensità emotiva. Un tassello di rilievo per l’Art Rock ed il Post Rock
italiano di questo 2026. MS
Versione Inglese:
COORDINATE – Undreamt Self-released / CoordinateSoundStudio Genre: Art Rock / Post Rock Format: Digital / Bandcamp – 2026
Coordinate is a musical project born in Rome from the
mind and artistic vision of Federico Magnanimi, multi-instrumentalist,
composer, and producer of the work. The group's identity develops around an
interesting combination of Post Rock/Metal, Art Rock, and orchestral music. A
defining element of the sound architecture is the vocal dualism between the
female vocals of Giulia Mastrosanti and the male vocals of Matteo Marazzi,
which lends the tracks a marked theatrical and emotional component. These
musical coordinates are currently a growing trend in Italy, even more so than
Progressive Rock itself, bearing witness to a desire to keep up with the times
while still respecting the suggestions of the past. “Undreamt” is a narrative and allegorical concept
album consisting of seven tracks plus a bonus track. It tells the parabola of a
man confined to an island who, spotting a distant light on the horizon dubbed
Gammar, decides to jump into the sea to reach it by swimming. In the attempt,
overwhelmed by the storm, he loses everything. Rescued by the currents and
brought back to the shore, now alone and stripped of illusions, he finally
manages to open his eyes and see the vessel that had been there waiting for him
all along. “Gammar I” is the atmospheric introductory track
anchored by Marco Fornari's basslines. It gradually builds an enveloping,
ethereal tension, laying the foundation for the album's Post Rock and
Progressive textures, while presenting the protagonist's state of isolation on
the island. It acknowledges the dissatisfaction with his condition and the
birth of the obsession with "Gammar," that distant glow beyond the
ocean promising an unknown salvation. In “Gammar II” Andrea Recchia's drums join Fornari's
bass to structure a more incisive rhythm section. The vocals of Mastrosanti and
Marazzi begin to intertwine in an increasingly pressing dialogue. Here lies the
moment of decision: the protagonist comes to the choice of leaving the
certainty of his safe place ("I know I must leave my island, follow the
light that's been calling me") to chase the light at the risk of losing
everything. Giulia Mastrosanti's sweet voice manages to send more than a few shivers
down the spine. Conversely, the more “metallic” soul of the duo comes out in
the track “Swim Across The Ocean I – Tempest”, where the guest appearance of
Giacomo Bonfadini on lead guitar and screaming vocals transfigures the song
into an aggressive sonic assault. The piece narrates the plunge into the sea
and the impact with the ocean's ruthless storm. It symbolizes the struggle
against the adversity of the unknown and the gradual loss of all physical and
mental defenses. The lead guitars of Damiano Tagliaferri and Alessandro
Fontana introduce more lyrical and laid-back textures in “ Swim Across The
Ocean II – Deliverance”. The aggressiveness of the previous track gives way to
solemn orchestral openings. This is the phase of surrender and inner liberation
(Deliverance). The castaway, exhausted and now aware of the impossibility of
defeating the sea with brute force alone, stops fighting and lets himself be
carried by the currents, just as we are carried along while listening. The longest track on the concept is “Sea Shore” with
over nine minutes of music. An Art Rock fresco that floats on delicate guitar
arpeggios before exploding into a dramatic push of strong emotional impact.
Here the story tells of the awakening after the storm. Brought back by the sea
to the shore, the protagonist lies emptied of all illusions but equipped with a
lucid awareness ("finally awake upon the shore"): the journey into
chaos has stripped him of everything that was superfluous. Next comes “Gammar III” which ties back to the melodic
themes of the initial suite, reinterpreting them in a melancholic, almost
dreamy key, closing the thematic circle tied to the utopia of Gammar. The use
of the piano is excellent and moving. Now the light of Gammar is no longer seen
as a real destination to reach, but as a simple device of fate used to trigger
an inner change. The concluding “The Ship” is the cathartic and choral
moment that seals the narrative in a climate of rediscovered serenity and
orchestral expansion. On the beach, the man finally spots the boat that had
been there waiting for him all along. He realizes that the means to save
himself and to navigate were not to be sought in the obsession with the
unknown, but in the ability to recognize the resources present around him. The bonus track “Idiot” is a chaotic 27-second moment
of total devastation, a bitter and self-deprecating counter-reflection on human
stupidity, on how often we are "idiots" chasing distant mirages while
destroying what we already have at our disposal. Between vocal chiaroscuros, slashing guitars, and
orchestral textures, “Undreamt” is an album that demands attention, but rewards
every single listen with rare emotional intensity. A notable piece of work for
Italian Art Rock and Post Rock in this 2026. MS
ALBERTO RIGONI – MICHAEL MANRING –
STUART HAMM - Dystopia Melodic
Revolution Records Genere:
Progressive Rock strumentale Supporto: CD / Digital / Bandcamp –
2026
Non
capita spesso di imbattersi in un trio di bassisti, soprattutto se sono ottimi
strumentisti già radicati nel campo musicale. Il trio composto da Alberto
Rigoni, Michael Manring e Stuart Hamm rappresenta un vero e proprio "dream
team" per chiunque ami il basso elettrico. Quando tre virtuosi di questo
calibro si uniscono, il rischio è spesso quello di assistere a una mera
esibizione di tecnica, in “Dystopia”, invece, i tre sono riusciti a mettere il
virtuosismo al servizio dell'atmosfera, della composizione e di un tema
narrativo ben preciso. Stuart Hamm è una leggenda vivente del basso Rock e Fusion,
famoso per il suo lavoro rivoluzionario al fianco di chitarristi del calibro di
Joe Satriani, Steve Vai e Eric Johnson, oltre che per le sue tecniche di two-handed
tapping. Michael
Manring è nientemeno che l’allievo del celebre Jaco Pastorius, Manring. E’ un
maestro indiscusso dell'espressività e del basso fretless, noto per il suo
approccio innovativo allo strumento,compreso
l'uso frequente di accordature aperte alterate in tempo reale tramite le
meccaniche D-Tuner. Alberto
Rigoni gode di fama internazionale, noto per la sua ricca discografia solista
che spazia dal Prog Rock al Jazz Fusion e all'Ambient, oltre che per il suo
ruolo nei TwinSpirits. Rigoni è poi la vera mente organizzativa e il collante
di questo progetto. La genesi del progetto risale al periodo segnato dalla
pandemia. Spinto dall'esigenza artistica di creare qualcosa di unico durante un
momento di isolamento globale, ha contattato gli altri due musicisti per
proporre un album incentrato unicamente sulle varie declinazioni del basso
elettrico, arricchito da ritmiche e tastiere dove necessario. L'idea
fondamentale non è quella di creare un disco di sfide di velocità, ma sperimentare
con le frequenze, le tessiture sonore e le stratificazioni. Ciascun bassista ha
portato la propria voce unica, Hamm l'energia e il senso melodico ritmico Rock,
Manring il colore poetico, il canto del fretless e le atmosfere surreali,
mentre Rigoni le fondamenta, i groove moderni e la struttura compositiva
complessiva. Ad
affiancarli nel progetto si sono aggiunti ospiti d'eccezione come il batterista
Thomas Lang e il chitarrista Marco Sfogli, conferendo al lavoro un impatto
sonoro solido e potente. “Dystopia”,
suddiviso in nove tracce, descrive un viaggio attraverso un futuro e parte
dalla nascita di una nuova era tecnologica, ed affronta la progressiva perdita
di controllo dell'umanità a favore delle macchine e del disordine (l'entropia),
per poi culminare nel collasso finale e inevitabile. Ogni traccia esplora una
sfaccettatura di questa visione distopica ad iniziare da “Genesis”. Qui il
basso di Rigoni stabilisce il groove di base, mentre Manring ed Hamm tessono le
prime trame melodiche. L'atmosfera è carica di attesa, curiosità e una bellezza
incontaminata. L'elemento
artificiale non è più solo uno strumento, ma comincia a risuonare ovunque in
“Echoes Of The Machine”, dove ritmiche più rigide e cadenzate si alternano a
interventi in tapping e suoni metallici distorti dei bassi, che simulano il
pulsing del silicio e degli ingranaggi. All’ascolto, frangenti Brand X mi
sovvengono alla memoria.“The Algorithm” rappresenta il controllo
invisibile ma totale delle formule matematiche sulla vita umana. Musicalmente
si traduce in incastri metrici precisi, su di una struttura calcolata al
millimetro. Segue
“Entropia”, dove l’inizio rimanda a certi King Crimson. Qui il basso fretless
di Manring sfrutta glissati e deviazioni tonali per dare la sensazione di un
mondo che sta scivolando via dal controllo umano, dove il disordine aumenta
inesorabilmente. Ed è con “Limbo” che invece l'umanità si trova bloccata in uno
stato di stasi, sospesa tra il vecchio mondo che non c'è più e un futuro
incerto.È una traccia dalle atmosfere più diradate, dove
l'uso degli armonici e dei riverberi crea uno spazio sonoro etereo, malinconico
e quasi privo di gravità. Ed
ecco la sorpresa, l'ingresso di Tim Alexander (batterista dei Primus) dà una
scossa energetica devastante all'album. “Rinato dalle ceneri” segna il punto di
svolta drammatico, perché dopo il limbo,
c'è un tentativo di ribellione. Il drumming inconfondibile di Alexander,
poliritmico e potente, spinge i tre bassisti a dare il meglio di se stessi. “Solar”
porta un raggio di luce accecante e le frequenze si alzano, così la melodia si
fa più aperta ed espansiva. Rappresenta una visione d'insieme del pianeta,
fugace ma intensa, prima della resa dei conti finale. “Ethereal
Horizon” funge da interludio finale affidato ai quasi nove minuti di “Dystopia”,
dove la musica si chiude su note imponenti ma cupe, lasciando l'ascoltatore con
la definitiva sensazione di un futuro in cui l'oscurità ha preso il
sopravvento. In
conclusione “Dystopia” è un viaggio cosmico e cupo che eleva il basso a
strumento narrativo definitivo. Un gran lavoro di coordinazione, tecnica e
atmosfera tutto da gustare! MS
Versione Inglese:
ALBERTO
RIGONI – MICHAEL MANRING – STUART HAMM - Dystopia Melodic Revolution Records Genre: Instrumental Progressive Rock Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026
It isn't often that one comes across a trio of
bassists, especially when they are exceptional musicians already
well-established in the music scene. The trio composed of Alberto Rigoni,
Michael Manring, and Stuart Hamm represents a true "dream team" for
anyone who loves the electric bass. When three virtuosos of this caliber come
together, the risk is often that of witnessing a mere display of technique; in
“Dystopia”, however, the three have managed to place their virtuosity at the
service of atmosphere, composition, and a very specific narrative theme. Stuart
Hamm is a living legend of Rock and Fusion bass, famous for his groundbreaking
work alongside guitarists of the caliber of Joe Satriani, Steve Vai, and Eric
Johnson, as well as for his two-handed tapping techniques. Michael Manring is none other than the student of the
famous Jaco Pastorius. Manring is an undisputed master of expressiveness and
the fretless bass, known for his innovative approach to the instrument,
including the frequent use of open tunings altered in real time via D-Tuner
pegs. Alberto Rigoni enjoys an international reputation,
known for his rich solo discography ranging from Prog Rock to Jazz Fusion and
Ambient, as well as for his role in TwinSpirits. Rigoni is also the true
organizational mind and the glue holding this project together. The origin of
the project dates back to the period marked by the pandemic. Driven by the
artistic need to create something unique during a time of global isolation, he
reached out to the other two musicians to propose an album focused solely on
the various expressions of the electric bass, enriched by rhythms and keyboards
where necessary. The fundamental idea was not to create a record of speed
duels, but rather to experiment with frequencies, sonic textures, and layering.
Each bassist brought his own unique voice: Hamm providing the energy and
melodic-rhythmic Rock sensibility, Manring contributing the poetic color, the
singing fretless tones, and surreal atmospheres, while Rigoni laid down the foundations,
modern grooves, and overall compositional structure. They were joined in the project by exceptional guest
musicians such as drummer Thomas Lang and guitarist Marco Sfogli, lending the
work a solid and powerful sonic impact. “Dystopia”, divided into nine tracks, describes a
journey through a future starting from the birth of a new technological era,
addressing humanity's gradual loss of control to machines and disorder
(entropy), only to culminate in the final, inevitable collapse. Every track explores
a different facet of this dystopian vision, beginning with “Genesis”. Here,
Rigoni's bass establishes the foundation groove while Manring and Hamm weave
the first melodic threads. The atmosphere is charged with anticipation,
curiosity, and an unspoiled beauty. The artificial element is no longer just a tool, but
begins to resonate everywhere in “Echoes Of The Machine”, where stiffer, more
cadenced rhythms alternate with tapping interventions and distorted metallic
bass sounds that simulate the pulsing of silicon and gears. Upon listening,
hints of Brand X come to mind. “The Algorithm” represents the invisible yet
total control of mathematical formulas over human life. Musically, this
translates into precise metric interlocking built upon a structure calculated
to the millimeter. Then comes “Entropia”, where the beginning brings
certain King Crimson moments to mind. Here, Manring's fretless bass utilizes
glissandos and tonal shifts to evoke the feeling of a world slipping away from
human control, where disorder increases inexorably. And it is with “Limbo” that
humanity finds itself stuck in a state of stasis, suspended between the old
world that no longer exists and an uncertain future. It is a track with sparser
atmospheres, where the use of harmonics and reverbs creates an ethereal,
melancholy, and almost weightless sonic space. And here is the surprise: the arrival of Tim Alexander
(drummer for Primus) delivers a devastating surge of energy to the album. “Born
from the Ashes” marks the dramatic turning point, because after the limbo,
there is an attempt at rebellion. Alexander's unmistakable
drumming—polyrhythmic and powerful—drives the three bassists to bring out their
absolute best. “Solar” brings a blinding ray of light as the
frequencies rise, allowing the melody to become more open and expansive. It
represents a sweeping view of the planet, fleeting yet intense, before the
final reckoning. “Ethereal Horizon” serves as a final interlude leading
into the nearly nine minutes of “Dystopia”, where the music closes on imposing
yet somber notes, leaving the listener with the definitive sense of a future
where darkness has prevailed. In conclusion, “Dystopia” is a cosmic and dark journey
that elevates the bass to the ultimate narrative instrument. A great work of
coordination, technique, and atmosphere to be thoroughly enjoyed! MS
ESTHESIS
– Out Of Step Misty
Tones Genere: Post Prog Moderno Supporto: LP / CD / Digital - 2025
Dico
subito che “Out Of Step” dei francesi Esthesis è un album consigliato agli
amanti di band come Porcupine Tree, The Pineapple Thief, Anathema e simili.Nascono
nel 2019 a Tolosa dall'ispirazione di Aurélien Goude (voce, tastiere,
composizione e programmazione). Fin dall'EP d'esordio “Raising Hands” (2019) e
dal primo full-length “The Awakening” (2020), la band mette in chiaro la
propria identità fatta di musica viscerale, atmosferica e basata sulle emozioni.Dopo
la vittoria come Best Unsigned Act nel referendum di Prog Magazine nel 2020, e
il successo critico di “Watching Worlds Collide” (2022), la band affina
l'organico aprendosi a tour con grandi nomi della scena contemporanea (come
Soen, Leprous e Crippled Black Phoenix). La
line up odierna è composta da Aurélien Goude (voce, tastiere, programmazioni), Rémi Geyer (chitarra solista), Marc Anguill
(basso), Arnaud Nicolau (batteria, programmazioni), e Mathilde Collet (cori e
vocalismi d'atmosfera). L'album
riflette un senso d'alienazione urbana, disconnessione e ansia esistenziale. Il
titolo stesso, "Out Of Step" (fuori tempo, fuori sincrono), descrive
la sensazione di chi non riesce più a stare al passo con le aspettative della
società moderna, la routine lavorativa e l'iper connettività digitale che
finisce per soffocare l'individuo. l'album musicalmente, come già accennato, mescola
strutture Crossover Prog alla Porcupine Tree e The Pineapple Thief, basi
trip-hop/industrial e aperture intimiste di matrice Post Rock. Il
disco si apre con “Connection”, fatto di campionamenti che ricordano impulsi
sonar, seguiti da un groove di basso ipnotico targato Marc Anguill. La traccia
cresce lentamente con ritmiche mid-tempo quasi Trip Hop, un fischio malinconico
in sottofondo e chitarre graffianti che esplodono nel ritornello. Qui la band analizza
la paradossale solitudine della vita moderna notando che siamo sempre iper connessi
alla rete ma incapaci di stabilire un contatto reale ed empatico con chi ci circonda,
tema comune a molte band. “The
Frame” è una composizione d'atmosfera elegante, condotta dalle tastiere liquide
di Goude e arricchita dai meravigliosi cori eterei di Mathilde Collet. Il brano
accumula tensione dinamica fino a sfociare in uno splendido assolo di chitarra
di Rémi Geyer."La Cornice" rappresenta la
gabbia della routine e della comfort zone. Il protagonista riflette sul
desiderio e sulla paura di uscire dai margini prestabiliti della propria vita.
Dopo il breve intermezzo musicale “Fractured #1”, è la volta della title track.
Si sviluppa come una suite dal sapore immaginifico,
alternando momenti pianistici intimisti a spaventosi riff Hard Prog alla Steven
Wilson. Il lavoro ritmico di batteria e basso è millimetrico e potente.Il
testo esprime la consapevolezza di essere "fuori sincrono" rispetto
al resto del mondo, trasformando questo senso di inadeguatezza in una scelta di
libertà individuale. “City
Lights” è un brano notturno e urbano, caratterizzato da tastiere sognanti e una
voce quasi sussurrata. L'atmosfera avvolgente ricorda il lato più malinconico
degli Anathema o dei Blackfield. Le "luci della città" offrono una
falsa promessa di calore e compagnia. Il protagonista vaga tra le strade buie
illuminate dai neon, immerso nei propri pensieri, isolandosi dal caos sintetico
della metropoli. “Fractured
#2”, secondo interludio strumentale e oscuro, introduce una sensazione di
imminente tempesta emotiva che giunge con “Circus”, pezzo più aggressivo e
ritmato del disco. Inizia con un beat Trip Hop/industrial per poi accelerare
vertiginosamente e una prestazione vocale grintosa di Goude affiancato da
Mathilde Collet. Di questo la band ne estrae un video ufficiale. E’ una dura
satira della società vista come un "circo" di comparse, dove tutti
recitano una parte per soddisfare le aspettative altrui, col rischio di perdere
del tutto la stabilità mentale. La
conclusiva mini suite di quasi undici minuti intitolata “The Storm”, parte come
un sussurro acustico ed etereo per poi far montare un'onda sonica d'urto. Susseguono
sferzate Post Rock, tastiere magniloquenti e assoli laceranti di chitarra,
portando il disco a un climax altamente drammatico. E’ la resa finale e il
lavaggio di tutte le ansie accumulate, l'accettazione del proprio destino e la
ricerca della pace interiore attraverso il caos. In
alcune edizioni dell’album c’è anche una bonus track intitolata “Abyss”, un
ulteriore sfogo di oscurità e atmosfera. Se
siete alla ricerca di un album capace di catturare l'alienazione dei nostri
tempi senza mai perdere di vista il gusto per la grande melodia e la cura
maniacale del dettaglio sonoro, questo disco è un ascolto indispensabile. Gli
Esthesis hanno trovato la loro identità più autentica e, paradossalmente,
proprio rimanendo “fuori sincrono” rispetto al resto del mondo, sono riusciti a
realizzare il loro lavoro più centrato e a fuoco. MS
Versione Inglese:
ESTHESIS – Out Of Step Misty Tones Genre: Modern Post Prog Format: LP / CD / Digital - 2025
I will say right away that “Out Of Step” by the French
band Esthesis is a highly recommended album for fans of bands like Porcupine
Tree, The Pineapple Thief, Anathema, and the like. They were formed in 2019 in
Toulouse through the vision of Aurélien Goude (vocals, keyboards, composition,
and programming). Right from their debut EP “Raising Hands” (2019) and their
first full-length “The Awakening” (2020), the band made their identity clear:
visceral, atmospheric music driven by emotion. After winning Best Unsigned Act
in Prog Magazine's 2020 readers' poll and receiving critical acclaim for
“Watching Worlds Collide” (2022), the band refined their lineup while touring
alongside major names of the contemporary scene (such as Soen, Leprous, and
Crippled Black Phoenix). Today's lineup features Aurélien Goude (vocals,
keyboards, programming), Rémi Geyer (lead guitar), Marc Anguill (bass), Arnaud
Nicolau (drums, programming), and Mathilde Collet (backing vocals and atmospheric
vocalisms). The album reflects a sense of urban alienation,
disconnection, and existential anxiety. The title itself, "Out Of
Step", describes the feeling of no longer being able to keep up with the
expectations of modern society, the work routine, and the digital
hyper-connectivity that ultimately suffocates the individual. Musically, as
already mentioned, the album blends Crossover Prog structures akin to Porcupine
Tree and The Pineapple Thief, trip-hop/industrial foundations, and intimate
Post Rock passages. The record opens with “Connection”, built on samples
reminiscent of sonar pulses, followed by an hypnotic bass groove courtesy of
Marc Anguill. The track slowly builds with near-Trip Hop mid-tempo rhythms, a
melancholic whistle in the background, and biting guitars that explode in the
chorus. Here, the band analyzes the paradoxical solitude of modern life, noting
that we are constantly hyper-connected to the web yet incapable of establishing
a real, empathetic connection with those around us—a theme common to many
bands. “The Frame” is an elegant, atmospheric composition led
by Goude's fluid keyboards and enriched by Mathilde Collet's wonderful,
ethereal backing vocals. The piece builds dynamic tension until it culminates
in a splendid guitar solo by Rémi Geyer. "The Frame" represents the
cage of routine and the comfort zone. The protagonist reflects on the desire
and the fear of stepping outside the predefined boundaries of his life. After the brief musical interlude “Fractured #1”, it
is time for the title track. It unfolds like an imaginative suite, alternating
intimate piano moments with formidable Steven Wilson-esque Hard Prog riffs. The
rhythmic work on drums and bass is precise and powerful. The lyrics express the
awareness of being "out of step" with the rest of the world, turning
this sense of inadequacy into a choice of individual freedom. “City Lights” is a nocturnal, urban track
characterized by dreamy keyboards and near-whispered vocals. The enveloping
atmosphere recalls the most melancholic side of Anathema or Blackfield. The
"city lights" offer a false promise of warmth and companionship. The
protagonist wanders through dark streets illuminated by neon lights, immersed
in his own thoughts, isolating himself from the synthetic chaos of the
metropolis. “Fractured #2”, a dark second instrumental interlude,
introduces a feeling of an impending emotional storm that arrives with
“Circus”, the album's most aggressive and uptempo track. It starts with a Trip
Hop/industrial beat before accelerating dramatically, featuring a gritty vocal
performance by Goude alongside Mathilde Collet. The band released an official
video for this track. It is a harsh satire of a society seen as a
"circus" of extras, where everyone acts a part to satisfy others'
expectations, running the risk of completely losing mental stability. The closing mini-suite of nearly eleven minutes,
titled “The Storm”, starts like an acoustic, ethereal whisper before building
an overwhelming sonic wave. Post Rock surges, magniloquent keyboards, and
searing guitar solos follow, bringing the album to a highly dramatic climax. It
is the final surrender and the purging of all accumulated anxieties, the
acceptance of one's destiny, and the search for inner peace through chaos. On some editions of the album there is also a bonus
track titled “Abyss”, a further outburst of darkness and atmosphere. If you are looking for an album capable of capturing
the alienation of our times without ever losing sight of a taste for great
melody and a obsessive attention to sonic detail, this record is an essential
listen. Esthesis have found their most authentic identity and, paradoxically,
by remaining “out of step” with the rest of the world, they have managed to
create their most focused and centered work yet. MS
