Baco Dì Silenzio

BACO DÌ SILENZIO – La Caratura Delle Penisole
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp / Spotify - 2026

A pochi mesi di distanza dall’uscita di “Aquile E Cieli”, il polistrumentista siracusano di Augusta Salvatore Scuderi (Anèma) torna con un disco se vogliamo ancor più Prog del precedente. L’autore si spinge dentro il genere ricercando suoni che ben si intersecano con i testi impegnati e alla metrica vocale non convenzionale. Attraverso interpretazioni sentite e a tratti sussurrate, i testi di Salvatore Scuderi sono densi, carichi di simbolismo e riferimenti letterari, mentre la musica si espande per dare spazio a ogni immagine poetica.
Il mare è preso come confine, specchio e utero, l’uso di termini come "caratura", "penisole", "angoli" cercano di dare una forma fisica a sentimenti astratti. Non esula la critica alla società con un richiamo costante a restare "umani" e vigili contro l'apatia dei tempi moderni.
Salvatore Scuderi per decantare tutto ciò, non usa la rima facile, ma preferisce la forza dell'evocazione. Assieme a lui un nutrito gruppo di ospiti partecipano alla realizzazione dei dodici brani che compongono l’album e li andremo a conoscere durante il percorso, anche se di base suonano Lorenzo Giannì (Anèma) (chitarra), Dario Giannì (Anèma) (basso), Filippo Rosati (chitarra), e Maurizio Antonini (batteria).
L’album si apre con un pezzo dalla melodia lineare arricchita da arrangiamenti orchestrali che cullano l'ascoltatore come onde intitolato “Mare Sugli Occhi”. L'immagine del "mare sugli occhi" suggerisce un filtro. È quella sottile patina di sale o di lacrime che distorce la vista ma rende tutto più lucido interiormente. Scuderi canta di una Sicilia che non è folklore, ma isolamento necessario. Il testo evoca la sensazione di chi guarda l'orizzonte sapendo che la bellezza è un peso: "Porto il mare sugli occhi per non vedere il confine". È un inno alla libertà mentale contro le barriere fisiche (le penisole, appunto).
“Cosmopolite” è una traccia che mostra il lato più dinamico e Crossover di Baco Dì Silenzio, oserei dire più contemporaneo. Importante l’uso delle chitarre elettriche al centro del movimento, ma altrettanto lo sono le tastiere che tessono atmosfere oniriche. Questo contrasto tra l'elettronico e l'analogico rappresenta perfettamente il conflitto tra la modernità cosmopolita e la natura umana. Il testo suggerisce che essere "Cosmopolite" spesso significa semplicemente essere "superficiali", toccando le superfici delle diverse culture senza mai scavare nella loro caratura. C'è un richiamo alla perdita delle radici, si è cittadini del mondo, ma spesso ci si ritrova stranieri a se stessi.
Ispirato al racconto di Tomasi di Lampedusa (La Sirena), “Lighea” è un evidente richiamo all’approccio musicale e vocale dell’Alan Sorrenti di “Aria”, mentre il brano più "politico" (in senso filosofico) del disco è “Cuori Umani” e parla della meccanicizzazione dei sentimenti. "Cuori umani in scatole di latta" è un'immagine che ricorre per descrivere come la frenesia moderna abbia tolto il valore al pregio del contatto umano. Il tutto si svolge su una struttura Prog classica. Qui Scuderi mette in mostra la sua abilità polistrumentista con cambi di tempo tra le strofe, mentre il bridge strumentale serve a creare quel senso di smarrimento di cui parla il testo. Abramo Riti partecipa con le tastiere, Sergio Rabello ai violini e Roberto Pace è al basso.
Essendo di base un album Progressive Rock, non esula neppure la suite di tredici minuti qui intitolata “Oltre Lo Specchio”, il momento in cui i musicisti dialogano maggiormente. È una sezione ricca di contrappunti, dove il basso e le tastiere si rincorrono in un vortice che richiama le atmosfere dei primi Genesis ma con una produzione nitida e moderna del 2026. Si chiude con un'apertura melodica grandiosa, dopo il caos della "frantumazione", l'armonia si ricompone. È un finale catartico, epico, che lascia l'ascoltatore in uno stato di pace quasi spirituale. Al flauto è presente Davide Bonomo.
Questi in definitiva sono i brani che più hanno fatto cavalcare la mia fantasia, gli altri li lascio a voi.
“La Caratura Delle Penisole” ricerca il valore nell'isolamento, "Penisole" perché la penisola è una terra che vorrebbe essere isola ma non può perchè è attaccata al continente (la realtà, la società) ma protende tutta se stessa verso il mare (l'ignoto, l'arte). Un disco che mostra in maniera cristallina le capacità artistiche di Scuderi e altresì palesa tutta la sua cultura. Profondamente coinvolgente e curato. MS

Versione Inglese:

BACO DÌ SILENZIO – La Caratura Delle Penisole
Self-produced
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp / Spotify - 2026

Just a few months after the release of “Aquile E Cieli,” the multi-instrumentalist from Augusta, Syracuse, Salvatore Scuderi (Anèma), returns with an album that is, if you will, even more "Prog" than its predecessor. The author pushes himself deep into the genre, seeking out sounds that intertwine beautifully with his socially conscious lyrics and unconventional vocal metrics. Through heartfelt and sometimes whispered interpretations, Salvatore Scuderi’s lyrics are dense, laden with symbolism and literary references, while the music expands to provide space for every poetic image.
The sea is treated as a boundary, a mirror, and a womb; the use of terms like "caratura" (carat/caliber), "penisole" (peninsulas), and "angoli" (corners) attempts to give physical form to abstract feelings. It does not shy away from social critique, with a constant call to remain "human" and vigilant against the apathy of modern times.
To express all of this, Salvatore Scuderi avoids easy rhymes, preferring instead the power of evocation. Joining him is a large group of guests who participate in the creation of the twelve tracks that make up the album—whom we will get to know along the way—though the core lineup features Lorenzo Giannì (Anèma) on guitar, Dario Giannì (Anèma) on bass, Filippo Rosati on guitar, and Maurizio Antonini on drums.
The album opens with a track titled “Mare Sugli Occhi,” featuring a linear melody enriched by orchestral arrangements that cradle the listener like waves. The image of "sea on the eyes" suggests a filter—that thin patina of salt or tears that distorts vision but makes everything clearer on the inside. Scuderi sings of a Sicily that is not folklore, but a necessary isolation. The lyrics evoke the sensation of one who looks at the horizon knowing that beauty is a burden: "I wear the sea on my eyes so as not to see the boundary." It is a hymn to mental freedom against physical barriers (the peninsulas, precisely).
“Cosmopolite” is a track that showcases the more dynamic and Crossover side of Baco Dì Silenzio—I would even say more contemporary. The use of electric guitars at the center of the movement is significant, but equally so are the keyboards that weave dreamlike atmospheres. This contrast between the electronic and the analog perfectly represents the conflict between cosmopolitan modernity and human nature. The lyrics suggest that being "Cosmopolite" often simply means being "superficial," touching the surfaces of different cultures without ever digging into their true caliber. There is a reference to the loss of roots; one is a citizen of the world, but often finds oneself a stranger to oneself.
Inspired by Tomasi di Lampedusa's short story (The Siren), “Lighea” is an evident nod to the musical and vocal approach of Alan Sorrenti’s “Aria,” while the most "political" (in a philosophical sense) song on the record is “Cuori Umani,” which speaks of the mechanization of feelings. "Human hearts in tin boxes" is a recurring image used to describe how modern frenzy has stripped away the value of the human touch. The track unfolds over a classic Prog structure. Here, Scuderi displays his multi-instrumental skills with tempo changes between verses, while the instrumental bridge serves to create the sense of bewilderment described in the lyrics. Abramo Riti contributes on keyboards, Sergio Rabello on violins, and Roberto Pace on bass.
Being fundamentally a Progressive Rock album, it naturally includes a thirteen-minute suite titled “Oltre Lo Specchio,” the moment where the musicians engage in their deepest dialogue. It is a section rich in counterpoints, where the bass and keyboards chase each other in a vortex reminiscent of early Genesis atmospheres, yet with a crisp and modern 2026 production. It closes with a grand melodic opening; after the chaos of the "shattering," harmony is restored. It is a cathartic, epic finale that leaves the listener in a state of almost spiritual peace. Davide Bonomo features on flute.
Ultimately, these are the tracks that most captured my imagination; I leave the rest to you.
“La Caratura Delle Penisole” searches for value in isolation. "Peninsulas" because a peninsula is a land that wishes to be an island but cannot, because it is attached to the mainland (reality, society), yet it reaches out with its whole self toward the sea (the unknown, art). An album that crystal-clearly demonstrates Scuderi’s artistic capabilities and reveals the full depth of his culture. Deeply engaging and meticulously crafted. MS

Fabio Frizzi

FABIO FRIZZI – Amore Libero
LP Cinevox (1974)
RSD - AMS Records (2026)

 

 
ECCEZIONALE ESCLUSIVA CINEVOX PER IL RECORD STORE DAY 2026! LA PRIMA COLONNA SONORA DEL LEGGENDARIO FABIO FRIZZI REGISTRATA NEL 1974 DALLA STORICA LINE-UP DEI GOBLIN DI “PROFONDO ROSSO”! CON 5 BONUS TRACK MAI PUBBLICATE SU VINILE PRIMA D’ORA!!!
 
“Amore Libero - Free Love” segna la prima colonna sonora composta da Fabio Frizzi, scritta nel 1974 per l'omonimo film diretto da Pier Ludovico Pavoni. Ambientato nello scenario esotico delle Seychelles, il film racconta la storia di Simo, una giovane donna dallo spirito libero interpretata da Laura Gemser al suo debutto cinematografico, che unisce la sensualità e lo spirito di liberazione tipici degli anni '70.
La colonna sonora di Frizzi cattura perfettamente l'atmosfera del film, intrecciando melodie evocative, groove funky e texture progressive: un paesaggio sonoro elegante e psichedelico che riflette sia l'ambientazione tropicale che i temi della libertà e del desiderio trattati nel film. La registrazione vede i Goblin nella loro formazione classica: Fabio Pignatelli (basso), Massimo Morante (chitarra), Walter Martino (batteria) e Claudio Simonetti (tastiere), con Vince Tempera agli arrangiamenti e alla direzione orchestrale.
A lungo considerato un vero e proprio Santo Graal per i collezionisti, ora, per la prima volta in assoluto, viene ufficialmente ristampato in vinile, riportando alla luce un capitolo fondamentale della musica da film italiana e del sound progressivo. Disco essenziale che fonde il genio melodico di Frizzi con l'energia visionaria dei Goblin, “Amore Libero - Free Love” si erge a documento senza tempo di un'epoca straordinaria del cinema italiano e della sua musica.
 
Esclusiva RSD 2026 / Edizione in vinile azzurro perlato / Inserto 30c30cm con approfondite note di copertina.
 
 

Tracklist:

 
Side A:
1 Ibo Lele 3:57
2 Seychelles Coconut 2:56
3 Janine 3:03
4 Full Moon Dance 2:19
5 Mahea 3:08
6 Ibo Lele (Reprise - Short Version) 2:31 *
7 Janine (Orchestral Reprise) 1:54 *
8 Mahea (Version with Organ) 4:15 *
 
Side B:
1 Kalù 4:46
2 Coconut 2:52
3 My Sweet Brown Sister 1:47
4 Ibo Lele at Night 2:45
5 Jungle Hevea 3:08
6 Full Moon Dance (Wild Take) 3:30 *
7 Kalù (String Version) 5:11 *
 
* Bonus tracks

Versione Inglese:

FABIO FRIZZI – Amore Libero
LP Cinevox (1974)
RSD - AMS Records (2026)

AN EXCEPTIONAL CINEVOX EXCLUSIVE FOR RECORD STORE DAY 2026! THE DEBUT SOUNDTRACK BY THE LEGENDARY FABIO FRIZZI, RECORDED IN 1974 BY THE HISTORIC GOBLIN LINE-UP OF "PROFONDO ROSSO" FAME! FEATURING 5 BONUS TRACKS NEVER BEFORE RELEASED ON VINYL!!!
 
“Amore Libero - Free Love” marks the very first soundtrack composed by Fabio Frizzi, written in 1974 for the film of the same name directed by Pier Ludovico Pavoni. Set against the exotic backdrop of the Seychelles, the film tells the story of Simo—a free-spirited young woman played by Laura Gemser in her cinematic debut—combining the sensuality and liberation typical of the 1970s.
Frizzi’s score perfectly captures the film’s atmosphere, weaving together evocative melodies, funky grooves, and progressive textures: an elegant and psychedelic soundscape that reflects both the tropical setting and the themes of freedom and desire explored in the movie. The recording features Goblin in their classic formation: Fabio Pignatelli (bass), Massimo Morante (guitar), Walter Martino (drums), and Claudio Simonetti (keyboards), with Vince Tempera handling arrangements and orchestral direction.
Long considered a true "Holy Grail" for collectors, this soundtrack is now, for the first time ever, officially repressed on vinyl, bringing back to light a fundamental chapter of Italian film music and progressive sound. An essential record that blends Frizzi’s melodic genius with the visionary energy of Goblin, “Amore Libero - Free Love” stands as a timeless document of an extraordinary era of Italian cinema and its music.
RSD 2026 Exclusive / Pearlescent Light Blue Vinyl Edition / 30x30cm insert with in-depth liner notes.

 Tracklist:

 
Side A:
1 Ibo Lele 3:57
2 Seychelles Coconut 2:56
3 Janine 3:03
4 Full Moon Dance 2:19
5 Mahea 3:08
6 Ibo Lele (Reprise - Short Version) 2:31 *
7 Janine (Orchestral Reprise) 1:54 *
8 Mahea (Version with Organ) 4:15 *
 
Side B:
1 Kalù 4:46
2 Coconut 2:52
3 My Sweet Brown Sister 1:47
4 Ibo Lele at Night 2:45
5 Jungle Hevea 3:08
6 Full Moon Dance (Wild Take) 3:30 *
7 Kalù (String Version) 5:11 *
 
* Bonus tracks

Karmamoi

KARMAMOI – Eternal Mistake
Autoproduzione
Genere: Heavy Prog
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

Seguo e apprezzo da sempre i Karmamoi, band romana nata nel 2008 per volere del batterista e compositore Daniele Giovannoni. Negli anni ho potuto constatare appieno una crescita artistica costante, iniziata nel 2011 con l’album omonimo.
“Eternal Mistake” rappresenta l’ottavo sigillo in studio e segna un importante punto di svolta, evolvendosi verso un sound che fonde il classico Neo Prog d'atmosfera con suggestioni elettroniche e futuristiche. La band, composta oggi da Daniele Giovannoni (batteria, tastiere, cori), Valerio Sgargi (voce, tastiere, chitarre), Alex Massari (chitarre) e Alessandro Cefalì (basso), si avvale del prezioso contributo di ospiti del calibro di Adam Holzman (piano elettrico, piano acustico e assolo di Moog in “Hero”), Randy McStine (assolo di chitarra in “Nothing But”), Susanna Brigatti (voce in “We Are Going Home”) e Gabriele Giovannoni (voce fuori campo in “The Regrets”).
Li considero una delle realtà più interessanti del panorama nazionale (non solo romano), poiché hanno sempre dimostrato un gusto raffinato per le composizioni e gli arrangiamenti. Trattano un genere che amo molto — un mix tra Hard Prog, Neo Prog e psichedelia di stampo prettamente Pinkfloydiano — motivo per cui, in questa analisi, devo sforzarmi di non lasciarmi trascinare da facili entusiasmi di parte.
A differenza dei lavori precedenti (come “The Day Is Done”, ispirato alla tragedia della Grenfell Tower, o “Room 101”, basato su Orwell), “Eternal Mistake” esplora un tema filosofico e fantascientifico focalizzato sul rapporto tra un essere umano e un umanoide: due anime alla ricerca di una connessione reale in un mondo dominato da codici, algoritmi e imperfezioni. Il titolo suggerisce una riflessione sull'errore come elemento intrinsecamente umano, contrapposto alla fredda logica della macchina. Mi ha colpito molto il loro modo di sviscerare l’argomento nelle note di copertina: “Perché forse l'amore stesso è l'eterno errore, l'unico errore che continuiamo a commettere, perché ci ricorda che siamo vivi”.
Il concept si sviluppa su tredici tracce per una durata totale di oltre sessantatré minuti di musica ottimamente registrata, con missaggio e mastering curati da Fabio Ferri e un bellissimo artwork realizzato da Joel Barrios, noto designer del mondo Progressive.
L’immancabile e breve intro d’apertura spetta a “The Regrets”, dove la voce di Gabriele Giovannoni prepara l'ascoltatore al tema del rimpianto e del ricordo che permea l'intero disco. Si parte poi effettivamente con “Lara Is Your Name”, caratterizzata da un beat elettronico moderno e pulsante. Il brano ci presenta Lara l’umanoide ed è una traccia seducente, con armonie vocali stratificate che richiamano alcuni passaggi della super-band Arena.
Il basso di Alessandro Cefalì guida la danza in “Don’t Knock On The Door”, un crescendo che esplora l'isolamento e la paura dell'intrusione esterna nella bolla creata dai due protagonisti. Arie malinconiche e oniriche si aprono a squarci chitarristici in stile Pink Floyd (e, perché no, anche Porcupine Tree). Ottima l’interpretazione vocale, ricca di enfasi e capace di toccare tonalità elevate.
Le chitarre di Alex Massari si fanno più affilate in “I'm Not On Your Side”, sposando la causa dell'Hard Prog. Il brano affronta il tema del conflitto e della divergenza di vedute con un piglio rock deciso e un ritornello che rimane impresso fin dal primo ascolto. La grande suite dell'album è invece “Nothing But”, un pezzo monumentale che vede la partecipazione di Randy McStine alla chitarra. Parte in modo sommesso, quasi etereo, per poi trasformarsi in una tempesta Prog con complessi cambi di tempo e un finale orchestrale travolgente: da sola vale l’acquisto dell’intero album.
Segue un attimo di tregua con “The Mirror”, un interludio strumentale e riflessivo che funge da ponte emotivo; attraverso l'uso di pianoforte e synth, rappresenta il momento in cui i personaggi si "guardano allo specchio" riconoscendo le proprie fragilità. L’inizio di “No Soul” è invece epico e dinamico: qui si gioca sul paradosso della macchina dotata di anima, sostenuta dalla potente sezione ritmica di Giovannoni che fa da contraltare a melodie vocali malinconiche.
La title track, “Eternal Mistake”, è il cuore pulsante dell'opera: una ballata intensa dove Valerio Sgargi offre una delle sue migliori performance vocali, esprimendo l'accettazione dell'amore come un errore inevitabile e necessario. Anche qui, le atmosfere degli Arena di The Visitor fanno nuovamente capolino. La breve “The Question” prepara il terreno per la parte finale del disco, introducendo “We Are Going Home”, un movimento solare e nostalgico impreziosito dalla splendida voce di Susanna Brigatti. Il brano vanta un sapore quasi "canterburyano" nello sviluppo armonico, evocando un profondo senso di ritorno e appartenenza.
Altra mini-suite epica è “Hero”, dove brilla il Moog di Adam Holzman con un assolo spaziale. Il brano è energico, positivo e trascinante, capace di celebrare l'eroismo insito nelle piccole scelte quotidiane. “Passing Away” si distingue per il suo taglio cinematografico, facendo emergere tutta l’anima Pinkfloydiana dei Karmamoi. Il disco si chiude infine in modo sorprendente con un Rock Blues energico e diretto intitolato “No Fucking Way”: un finale catartico, quasi una scrollata di spalle di fronte alla complessità del destino, che lascia l'ascoltatore con un'inaspettata carica di adrenalina.
I Karmamoi sono una certezza, inutile girarci attorno! MS

Versione Inglese:

KARMAMOI – Eternal Mistake
Self-release
Genre: Heavy Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

I have always followed and appreciated Karmamoi, the Rome-based band founded in 2008 by drummer and composer Daniele Giovannoni. Over the years, I have witnessed a constant artistic evolution that began in earnest with their 2011 self-titled debut.
“Eternal Mistake” is their eighth studio effort and marks a significant turning point, evolving toward a sound that blends classic atmospheric Neo-Prog with electronic and futuristic textures. The current line-up—featuring Daniele Giovannoni (drums, keyboards, backing vocals), Valerio Sgargi (vocals, keyboards, guitars), Alex Massari (guitars), and Alessandro Cefalì (bass)—benefits from the invaluable contributions of high-caliber guests: Adam Holzman (electric piano, acoustic piano, and Moog solo on “Hero”), Randy McStine (guitar solo on “Nothing But”), Susanna Brigatti (vocals on “We Are Going Home”), and Gabriele Giovannoni (voice-over on “The Regrets”).
I consider them one of the most interesting acts on the national scene (not just the Roman one), as they have consistently demonstrated a refined taste for composition and arrangement. They operate within a genre I dearly love—a mix of Hard Prog, Neo-Prog, and purely Pink Floydian psychedelia—which is why, in this analysis, I must strive not to be swept away by easy partisan enthusiasm.
Unlike previous works (such as “The Day Is Done,” inspired by the Grenfell Tower tragedy, or “Room 101,” based on Orwell), “Eternal Mistake” explores a philosophical and sci-fi theme focused on the relationship between a human being and an humanoid: two souls searching for a real connection in a world dominated by codes, algorithms, and imperfections. The title suggests a reflection on "the mistake" as an intrinsically human element, contrasted with the cold logic of the machine. I was particularly struck by how they dissect the subject in the liner notes: “Because perhaps love itself is the eternal mistake, the only mistake we keep making, because it reminds us that we are alive.”
The concept unfolds over thirteen tracks with a total duration of over sixty-three minutes of excellently recorded music, with mixing and mastering handled by Fabio Ferri and beautiful artwork by Joel Barrios, a well-known designer in the Progressive world.
The inevitable short opening intro belongs to “The Regrets,” where Gabriele Giovannoni’s voice prepares the listener for the themes of regret and memory that permeate the entire record. The journey truly begins with “Lara Is Your Name,” characterized by a modern, pulsing electronic beat. The song introduces us to Lara the humanoid; it is a seductive track with layered vocal harmonies reminiscent of certain passages by the supergroup Arena.
Alessandro Cefalì’s bass leads the dance in “Don’t Knock On The Door,” a crescendo that explores isolation and the fear of outside intrusion into the bubble created by the two protagonists. Melancholic and dreamlike atmospheres open up to guitar flourishes in the style of Pink Floyd (and, why not, Porcupine Tree). The vocal performance is excellent, full of emphasis and capable of reaching high registers.
Alex Massari’s guitars grow sharper in “I'm Not On Your Side,” embracing the Hard Prog cause. The track deals with conflict and diverging views with a decisive rock grit and a chorus that sticks in the mind from the first listen. The album’s grand suite is “Nothing But,” a monumental piece featuring Randy McStine on guitar. It starts softly, almost ethereal, before transforming into a Prog storm with complex time signature changes and an overwhelming orchestral finale: this track alone is worth the price of the album.
A moment of respite follows with “The Mirror,” an instrumental and reflective interlude that serves as an emotional bridge; through the use of piano and synths, it represents the moment when the characters "look in the mirror" and recognize their own frailties. The beginning of “No Soul” is epic and dynamic: here, the band plays on the paradox of a machine with a soul, supported by Giovannoni’s powerful rhythmic section which acts as a counterpoint to melancholic vocal melodies.
The title track, “Eternal Mistake,” is the beating heart of the work: an intense ballad where Valerio Sgargi delivers one of his best vocal performances, expressing the acceptance of love as an inevitable and necessary mistake. Once again, the atmospheres of Arena’s The Visitor make a subtle reappearance. The brief “The Question” sets the stage for the final part of the disc, leading into “We Are Going Home,” a bright and nostalgic movement enriched by the splendid voice of Susanna Brigatti. The song carries a nearly "Canterbury-esque" flavor in its harmonic development, evoking a deep sense of return and belonging.
Another epic mini-suite is “Hero,” where Adam Holzman shines with a spacey Moog solo. The track is energetic, positive, and rhythmically driving, celebrating the heroism found in small daily choices. “Passing Away” stands out for its cinematic quality, bringing out the full Pink Floydian soul of Karmamoi. Finally, the album closes in a surprising way with an energetic and direct Rock Blues titled “No Fucking Way”: a cathartic finale, almost a shrug in the face of destiny’s complexity, leaving the listener with an unexpected surge of adrenaline.
Karmamoi are a certainty—there’s no way around it! MS

Marta Del Grandi

MARTA DEL GRANDI – Dream Life
Fire Records
Genere: Art Rock – Pop Sperimentale
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

Se dovessi associare la musica della cantautrice Marta Del Grandi a uno stile pittorico, la accosterei a un quadro a olio.
Dopo “Selva” del 2023, “Dream Life” rappresenta un momento di maturazione cruciale per l'artista milanese. Sebbene non sia un disco di Progressive Rock in senso stretto (come il sinfonico o l'RPI classico), può essere definito Art-Pop sperimentale per la complessità strutturale e la ricchezza degli arrangiamenti.
In essi sono presenti densi intrecci di fiati e sintetizzatori analogici che creano trame sonore stratificate, tipiche di chi possiede una visione "progressiva" della forma-canzone. Marta Del Grandi abbandona in parte le atmosfere puramente oniriche dei lavori precedenti per abbracciare una scrittura più concreta, europea e novecentesca, fondendo un cantautorato colto a elementi Jazz, musica da camera e accenni di Psichedelia.
Il nucleo del disco è composto da musicisti della vibrante scena di Gand e Bruxelles, che conferiscono all'album un sapore europeo e sofisticato: Marta Del Grandi (voce, sintetizzatori e chitarre), Artan Buleshkaj (chitarre), Kobe Boon (contrabbasso e basso elettrico) e Simon Raman (batteria). Il lavoro è inoltre arricchito da alcune presenze vocali e strumentali che ne ampliano lo spettro sonoro, come Fenne Kuppens (Whispering Sons) e Guinevere & Gaia Morelli ai cori.
La voce della Del Grandi è cristallina, tecnica ma profondamente emotiva, capace di muoversi tra linee melodiche non convenzionali nei dieci brani che compongono l’album. L’artista, inoltre, dimostra di saper trascendere i tecnicismi per sposare una totale libertà creativa.
I testi sono curati e affrontano tematiche differenti, dai confini tra realtà e allucinazione alla critica sociale. In quest'ultimo caso, la politica entra nei brani attraverso la narrazione di come le strutture di potere e i cambiamenti globali influenzino la nostra vita privata. L'autrice si esprime attraverso frasi brevi, immagini vivide e metafore naturali (nuvole, stelle, ghiaccio) per descrivere stati d'animo complessi.
“You Could Perhaps” è un brano di minimalismo evocativo e intimo; dalle sfumature nostalgiche, apre il disco con classe mettendo sulla tela colori tenui. La title track è un pezzo Folk acustico che richiama le influenze dei Beatles per grazia e melodia, permettendo di apprezzare fin da subito l’anima dell'artista. Si cambia stile con Antarctica, che approccia il mondo New Wave sperimentale degli anni ’80 grazie a un uso inusuale dei fiati.
“20 Days Of Summer” pulsa come un battito cardiaco, aprendo la strada a scenari onirici sottolineati dalle coralità condivise con Fenne Kuppens. Spettacolare il Folk cantautorale di “Alpha Centauri”, ma risulterebbe riduttivo sviscerare ogni singolo brano, è l’insieme, infatti, a funzionare e a coinvolgere profondamente.
Sebbene manchino le lunghe suite da venti minuti, “Dream Life” condivide con il Prog l'attitudine alla metamorfosi, il rifiuto dei cliché della musica Pop commerciale e una cura maniacale per ogni singolo timbro e strumento. È "prog" nella sua accezione più letterale: una musica che progredisce e si evolve. Ascoltare per credere. MS

 

 

Versione Inglese:

MARTA DEL GRANDI – Dream Life
Fire Records
Genre: Art Rock – Experimental Pop
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

If I had to associate the music of singer-songwriter Marta Del Grandi with a pictorial style, I would liken it to an oil painting.
Following 2023’s “Selva”, “Dream Life” represents a crucial moment of maturation for the Milanese artist. Although it is not a Progressive Rock album in the strictest sense (such as symphonic prog or classic RPI), it can be defined as experimental Art-Pop due to its structural complexity and rich arrangements. Within these tracks, dense interweavings of woodwinds and analog synthesizers create stratified sonic textures, typical of those who possess a "progressive" vision of the song-form. Marta Del Grandi partially moves away from the purely dreamlike atmospheres of her previous works to embrace a more concrete, European, and 20th-century style of writing, blending sophisticated songwriting with jazz elements, chamber music, and hints of psychedelia.
The core of the album is composed of musicians from the vibrant Ghent and Brussels scenes, who lend the record a sophisticated European flavor: Marta Del Grandi (vocals, synths, and guitars), Artan Buleshkaj (guitars), Kobe Boon (double bass and electric bass), and Simon Raman (drums). The work is further enriched by vocal and instrumental guests who expand its sonic spectrum, such as Fenne Kuppens (Whispering Sons) and Guinevere & Gaia Morelli on backing vocals.
Del Grandi’s voice is crystalline—technical yet deeply emotional—capable of navigating unconventional melodic lines across the ten tracks that comprise the album. Furthermore, the artist demonstrates an ability to transcend technicalities in favor of total creative freedom.
The lyrics are meticulously crafted and tackle various themes, ranging from the boundaries between reality and hallucination to social critique. In the latter case, politics enters the songs through narratives of how power structures and global changes influence our private lives. The author expresses herself through short phrases, vivid imagery, and natural metaphors (clouds, stars, ice) to describe complex emotional states.
“You Could Perhaps” is a piece of evocative and intimate minimalism; with its nostalgic nuances, it opens the album with class, brushing soft colors onto the canvas. The title track is an acoustic Folk piece that recalls Beatlesque influences in its grace and melody, allowing the listener to appreciate the artist's soul immediately. The style shifts with “Antarctica,” which approaches the experimental New Wave world of the 1980s thanks to an unusual use of woodwinds.
“20 Days Of Summer” pulses like a heartbeat, clearing a path for dreamlike scenarios highlighted by shared choruses with Fenne Kuppens. The singer-songwriter Folk of “Alpha Centauri” is spectacular, but it would be reductive to dissect every single track; indeed, it is the collective whole that works and engages the listener so deeply.
While it may lack twenty-minute suites, Dream Life shares with Prog an aptitude for metamorphosis, a rejection of commercial Pop clichés, and a maniacal care for every single timbre and instrument. It is "prog" in its most literal sense: music that progresses and evolves. Hearing is believing. MS

  

Chapter Zero

CHAPTER ZERO - A Constant Inner Struggle
Elevate Records
Genere: Metal progressive
Supporto: CD / Digital – 2025

Nel lungo peregrinare nel web spesso capita di perdersi qualche uscita interessante come nel caso dei nostrani Chapter Zero“, per questo sento di dover coprire questa mia svista.
A Constant Inner Struggle” è pubblicato ufficialmente il 15 marzo 2025 e si tratta di un'opera che si inserisce nel panorama del Progressive Metal/Rock, caratterizzata da un sound tecnico, atmosferico e profondamente introspettivo.
La band, è composta da musicisti d'esperienza della scena italiana, Marco Oppi (voce), Michele Galli (chitarra), Davide Morisi (chitarra), Marco Govoni (basso), Vincenzo Tuccio (tastiere, piano),
Giacomo Calabria (batteria, noto per collaborazioni con Barock Project e Lab X) e propone un sound che mescola la potenza del Metal moderno con le strutture articolate e le aperture melodiche tipiche del Prog. In questo lavoro emergono influenze che spaziano dai grandi classici del genere (come i Dream Theater) a sonorità più moderne e Dark.
Come suggerisce il titolo, l'album è un viaggio psicologico. Esplora il conflitto eterno tra le diverse sfaccettature della mente umana, la lotta tra speranza e disperazione, realtà e illusione.
Il concept ruota attorno all'idea di un loop temporale o un paradosso, in cui il presente è una sorta di prigione cristallizzata dove passato e futuro sembrano svanire, lasciando l'individuo a confrontarsi con il proprio "vuoto" interiore.
Il disco si compone di dodici tracce che variano da momenti puramente aggressivi a sezioni sinfoniche e delicate.
Fra i brani che ho maggiormente apprezzato cito “Alone”,  un’apertura che stabilisce immediatamente il tono malinconico e potente. “Listen To Me”,  uno dei singoli più diretti, con un forte impatto ritmico.
“Invisible Moonligh”, brano che gioca molto sulle atmosfere create dalle tastiere di Tuccio, “Overloaded” compatto e dinamico, focalizzato sul lavoro delle chitarre e
“Show Me What You Can Do”, il singolo principale, accompagnato da un video ufficiale, che mette in mostra le doti tecniche dei singoli componenti.
A seguire “You Want To Chain Me Again” che esplora il tema dell'oppressione e della ribellione interiore, “Keep Your Head Up”, la "suite" emotiva del disco, caratterizzata da una struttura più complessa e “No Hope?, nella quale la realtà si fonde con l'allucinazione, rendendo impossibile distinguere ciò che è vero da ciò che è proiettato dalle proprie paure.
Il resto lo lascio alla vostra curiosità.
I testi sviluppano dunque la battaglia incessante che avviene all'interno della psiche umana. Non si tratta di narrazioni lineari, ma di riflessioni frammentate su stati mentali ed emotivi al limite. Esplorano il senso di solitudine esistenziale, dove anche la luce (la luna) sembra incapace di illuminare il buio interiore.
L'uscita dell'album è stata anticipata dal video del singolo "Show Me What You Can Do", che riflette l'estetica moderna del gruppo. La produzione sonora è pulita e bilanciata, permettendo di distinguere nettamente gli intricati arrangiamenti di tastiera e i riff serrati delle due chitarre, senza mai soffocare la prova vocale di Marco Oppi.
In sintesi, “A Constant Inner Struggle” è un disco consigliato a chi ama il Prog Metal capace di essere tecnico ma emozionale, ideale per chi cerca musica che non sia solo intrattenimento, ma anche una riflessione sulla condizione umana. Spero di aver rimediato a questa mia distrazione. MS 

Versione Inglese: 

CHAPTER ZERO - A Constant Inner Struggle
Elevate Records
Genre: Progressive Metal
Media: CD / Digital – 2025

During long wanderings on the web, it often happens that one misses some interesting releases, as in the case of our local "Chapter Zero"; for this reason, I feel I must cover this oversight of mine.
"A Constant Inner Struggle" was officially released on March 15, 2025, and is a work that fits into the Progressive Metal/Rock landscape, characterized by a technical, atmospheric, and deeply introspective sound.
The band is composed of experienced musicians from the Italian scene: Marco Oppi (vocals), Michele Galli (guitar), Davide Morisi (guitar), Marco Govoni (bass), Vincenzo Tuccio (keyboards, piano), and Giacomo Calabria (drums, known for collaborations with Barock Project and Lab X). They offer a sound that blends the power of modern Metal with the articulated structures and melodic openings typical of Prog. In this work, influences emerge ranging from the great classics of the genre (such as Dream Theater) to more modern and Dark sonorities.
As the title suggests, the album is a psychological journey. It explores the eternal conflict between the different facets of the human mind, the struggle between hope and despair, reality and illusion.
The concept revolves around the idea of a time loop or a paradox, in which the present is a sort of crystallized prison where past and future seem to vanish, leaving the individual to confront their own inner "emptiness."
The record consists of twelve tracks that vary from purely aggressive moments to symphonic and delicate sections.
Among the tracks I appreciated most, I mention "Alone," an opening that immediately establishes the melancholic and powerful tone. "Listen To Me," one of the most direct singles, with a strong rhythmic impact. "Invisible Moonlight," a song that plays heavily on the atmospheres created by Tuccio's keyboards; "Overloaded," compact and dynamic, focused on the guitar work; and "Show Me What You Can Do," the main single, accompanied by an official video, which showcases the technical skills of the individual members.
Following is "You Want To Chain Me Again," which explores the theme of oppression and inner rebellion; "Keep Your Head Up," the "emotional suite" of the album, characterized by a more complex structure; and "No Hope?", in which reality merges with hallucination, making it impossible to distinguish what is real from what is projected by one's own fears.
The rest I leave to your curiosity.
The lyrics thus develop the incessant battle that takes place within the human psyche. These are not linear narratives, but fragmented reflections on mental and emotional states at the limit. They explore the sense of existential loneliness, where even the light (the moon) seems incapable of illuminating the inner darkness.
The release of the album was preceded by the video for the single "Show Me What You Can Do," which reflects the group's modern aesthetic. The sound production is clean and balanced, allowing the intricate keyboard arrangements and the tight riffs of the two guitars to be clearly distinguished, without ever stifling Marco Oppi's vocal performance.
In summary, "A Constant Inner Struggle" is an album recommended for those who love Prog Metal capable of being technical yet emotional, ideal for those seeking music that is not just entertainment, but also a reflection on the human condition. I hope I have made up for this distraction of mine. MS

Holosoil - Il singolo

HOLOSOIL - Nuove tendenze nel Post Prog Moderno

 

Il nuovo singolo per Inside Out “Look Up”

 
Da crisalide a farfalla: precedentemente conosciuti come R3VO, sono una band fondata nel 2019 da Victor Nissim (basso) e Jan Kurfürst (chitarra), a cui si è aggiunto successivamente Altaïr Chagué (batteria).
Il cambio di nome avviene dopo che Emelie Sederholm si è unita alla band come voce principale. Sebbene la maggior parte dei membri della band risieda a Berlino, in Germania, Emelie vive a Helsinki, in Finlandia, mentre Victor e Altaïr sono entrambi francesi. Il risultato è un insieme di musicisti eclettici, produttori di un suono stravagante, esplosivo e sofisticato. (www.metalitalia.com)
 
Il commento della band: “La canzone parla della cecità dell’umanità nei confronti di ciò che il nostro stile di vita moderno sta facendo al mondo vivente che ci circonda. Più che di cecità, si tratta della nostra incapacità di uscire dalla spirale di distruzione in cui il nostro sistema economico ci ha intrappolati. La natura ci esorta ad alzare lo sguardo dai nostri schermi e a vedere il mondo reale! “
Siamo entusiasti di annunciare di aver firmato per Inside Out Music! È un grande onore e privilegio per noi far parte del loro roster. Non vediamo l’ora di portare la nostra arte nel mondo, e siamo più che grati per tutta la loro fiducia e il loro supporto!!!”.
 
Band consigliata a chi ascolta BJÖRK, THE MARS VOLTA, MUSE e TOOL.
Nei prossimi mesi saranno pubblicati altri tre singoli prima dell’EP di debutto, in uscita nel 2026.

Versione Inglese: 

HOLOSOIL - New Trends in Modern Post-Prog

 

The new single for Inside Out: “Look Up”

 
From chrysalis to butterfly: previously known as R3VO, the band was founded in 2019 by Victor Nissim (bass) and Jan Kurfürst (guitar), later joined by Altaïr Chagué (drums).
The name change occurred after Emelie Sederholm joined the band as lead vocalist. Although most of the band members are based in Berlin, Germany, Emelie lives in Helsinki, Finland, while Victor and Altaïr are both French. The result is a collective of eclectic musicians producing an extravagant, explosive, and sophisticated sound. (www.metalitalia.com)
 
The band's comment: “The song speaks of humanity's blindness toward what our modern lifestyle is doing to the living world around us. More than just blindness, it is about our inability to escape the spiral of destruction in which our economic system has trapped us. Nature urges us to look up from our screens and see the real world!”
“We are thrilled to announce that we have signed with Inside Out Music! It is a great honor and privilege for us to be part of their roster. We look forward to bringing our art to the world, and we are beyond grateful for all their trust and support!!!”
 
Recommended for fans of BJÖRK, THE MARS VOLTA, MUSE, and TOOL.
Three more singles will be released in the coming months before their debut EP, arriving in 2026.

Andrea Casale

ANDREA CASALE - A Nightwalk On A Sunny Road
045 Records
Genere: Art Rock
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

“A Nightwalk on a Sunny Road” è l'atteso ritorno discografico di Andrea Casale, pubblicato all'inizio del 2026 (con un'anteprima in vinile e su alcune piattaforme tra la fine del 2025 e gennaio 2026). Si tratta del secondo album del musicista tarantino, arrivato a ben dodici anni di distanza dal suo esordio Tourist in My Hometown (2014).
“A Nightwalk On A Sunny Road” si muove in un territorio sonoro raffinato che mescola Art Rock, Progressive contemporaneo e Pop alternativo e rappresenta un viaggio introspettivo e maturo, influenzato dalle esperienze di vita dell'autore, inclusi gli anni trascorsi a lavorare in Burundi e il successivo trasferimento a Verona. Nonostante non sia un concept album in senso stretto, i brani sono legati da un'atmosfera coerente: un tono "notturno" e spirituale che invita l'ascoltatore a riconnettersi con i propri sentimenti.
Il lavoro vanta collaborazioni di altissimo livello nel mondo del Prog e della musica colta, tra cui Richard Sinclair (leggenda della scena di Canterbury, membro di Caravan, Camel e Hatfield and the North) e Ayanna Witter-Johnson (violoncellista e compositrice inglese).
Il titolo stesso, "Una camminata notturna su una strada soleggiata", racchiude il contrasto emotivo del disco, ossia la ricerca di luce e chiarezza interiore partendo da un momento di buio o di stasi creativa. Casale ha dichiarato di aver iniziato a scrivere questi brani nel 2019, proprio quando pensava che la musica non avrebbe più fatto parte della sua vita professionale.
Otto i brani contenuti, a iniziare da “Say My Name (and I'll disappear)”, caratterizzato da quell’intro sognante che crea grandi aspettative per l’ascolto, proprio come ama un fan del Progressive Rock.
Segue “A Cup Of Tea Full Of Rain”, con l'elettronica a supporto. Questo brano (che vede la partecipazione di Richard Sinclair) è il cuore emotivo del disco. Il testo evoca immagini domestiche e surreali: la pioggia che cade in una tazza di tè. Rappresenta l'accettazione della tristezza non come un male, ma come un elemento naturale della vita, da sorseggiare con calma.
“Pages Of Dusk” mette in luce l’essenza di Andrea Casale come artista e come uomo, mostrando l’anima sensibile che avvolge la sua musica fra tastiere e atmosfere leggiadre.
C’è una variante che fa capolino nella World music e s’intitola “Shape Of Your Nose”, un equilibrio fra Art Rock e cantautorato.
In “Things Beyond My Knowledge” Casale affronta il tema dell'ignoto. Dopo l'esperienza in Burundi e il ritorno in un'Europa cambiata, i testi riflettono sulla consapevolezza che non tutto può essere controllato o compreso. È un inno all'umiltà intellettuale e spirituale. La pianistica “No More Flowers” è un soffio sull’anima, semplice e diretta. Il tono si fa più crudo, parlando della fine di certi cicli (relazionali o artistici) e del rifiuto di continuare a nutrire qualcosa che è ormai appassito.
Chiudono l’album “To Thousands And 9” e “Finale”. Il canto di Casale a tratti richiama Tim Bowness dei No-Man (un riferimento familiare per chi conosce il mondo di Steven Wilson), in realtà, “A Nightwalk On A Sunny Road” è un lavoro consigliato a chi ama il Prog "umanista" alla Genesis o Peter Gabriel, ma con una sensibilità moderna e cantautorale.
La produzione, curata da Francesco Ambrosini (noto come Duck Chagall) presso lo Studio Tega di Verona, ne esalta le qualità compositive. Oltre al digitale, il disco è stato rilasciato in una prestigiosa edizione limitata in vinile nero da 180g (150 copie) con artwork curato da Elton Fernandes. Dategli un ascolto e vedrete che non ne resterete delusi. MS

Versione Inglese: 

ANDREA CASALE - A Nightwalk On A Sunny Road
045 Records
Genre: Art Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

“A Nightwalk on a Sunny Road” marks the long-awaited return of Andrea Casale, released in early 2026 (following a vinyl preview and select platform release between late 2025 and January 2026). This is the second album from the Taranto-born musician, arriving a full twelve years after his debut, Tourist in My Hometown (2014).
“A Nightwalk On A Sunny Road” navigates a refined sonic landscape that blends Art Rock, contemporary Progressive, and alternative Pop. It represents a mature and introspective journey, shaped by the author's life experiences, including years spent working in Burundi and his subsequent move to Verona. While not a concept album in the strictest sense, the tracks are bound by a cohesive atmosphere: a "nocturnal" and spiritual tone that invites the listener to reconnect with their own emotions.
The work boasts high-level collaborations from the worlds of Prog and cultured music, including Richard Sinclair (a legend of the Canterbury scene and member of Caravan, Camel, and Hatfield and the North) and Ayanna Witter-Johnson (English cellist and composer).
The title itself, "A Nightwalk on a Sunny Road," encapsulates the album's emotional contrast—the search for light and inner clarity emerging from a moment of darkness or creative stasis. Casale stated that he began writing these songs in 2019, at a time when he believed music would no longer be a part of his professional life.
The album features eight tracks, beginning with “Say My Name (and I’ll disappear),” featuring a dreamy intro that sets high expectations for the listener, just as any Progressive Rock fan would appreciate.
This is followed by “A Cup Of Tea Full Of Rain,” supported by electronic elements. This track (featuring Richard Sinclair) is the emotional heart of the record. The lyrics evoke domestic and surreal imagery: rain falling into a teacup. It represents the acceptance of sadness not as an affliction, but as a natural element of life, to be sipped slowly.
“Pages Of Dusk” highlights the essence of Andrea Casale as both an artist and a man, revealing the sensitive soul that envelops his music amidst keyboards and graceful atmospheres.
A variation leaning toward World Music appears in “Shape Of Your Nose,” finding a balance between Art Rock and singer-songwriter sensibilities.
In “Things Beyond My Knowledge,” Casale tackles the theme of the unknown. Following his experience in Burundi and his return to a changed Europe, the lyrics reflect on the realization that not everything can be controlled or understood. It is an anthem to intellectual and spiritual humility. The piano-led “No More Flowers” is a breath upon the soul, simple and direct. Here, the tone becomes rawer, speaking of the end of certain cycles (whether relational or artistic) and the refusal to continue nurturing something that has already withered.
The album closes with “To Thousands And 9” and “Finale.” At times, Casale’s vocals recall Tim Bowness of No-Man (a familiar reference for those acquainted with the world of Steven Wilson); in truth, “A Nightwalk On A Sunny Road” is a work recommended for those who love "humanist" Prog in the vein of Genesis or Peter Gabriel, but with a modern, singer-songwriter sensitivity.
The production, handled by Francesco Ambrosini (known as Duck Chagall) at Studio Tega in Verona, enhances the compositional quality of the work.
In addition to the digital release, the album was issued in a prestigious limited edition 180g black vinyl (150 copies) with artwork by Elton Fernandes. Give it a listen; you will not be disappointed. MS