Paolo Sanna

PAOLO SANNA – Mind Castle
Autoproduzione
Genere: Virtuoso - chitarra / Progressive Metal
Supporto: Digitale (Bandcamp) – 2026

 
Ho scoperto le doti del talentuoso chitarrista Paolo Sanna nel 2023, grazie all’ascolto dell’EP “Novem Reges”.
Solitamente, in termini di gradimento e divulgazione, la musica strumentale riscontra maggiori difficoltà rispetto a quella cantata. Il motivo è presto detto: una melodia, per quanto interessante e gradevole, è più difficile da memorizzare rispetto a un testo. Tuttavia, questo concetto non vale per tutte le fette di pubblico; esiste infatti una nicchia che dalla musica pretende qualcosa in più: passaggi tecnici, controtempi e virtuosismi.
Paolo Sanna è un chitarrista che riesce a bilanciare ottime melodie e passaggi tecnici senza soffocare l’ascolto. Ne ho avuto conferma con il nuovo lavoro “Mind Castle”, in uscita il 20 gennaio 2026.
L’artista, nato a Bassano del Grappa il 12 novembre 1991, inizia ad appassionarsi alla chitarra a 15 anni, suonando come autodidatta in band locali. In seguito intraprende studi accademici presso il conservatorio “Cesare Pollini” di Padova, dove consegue la laurea triennale in Musica Elettronica sotto la guida del professor Matteo Costa. Grazie al progetto Erasmus presso l’Accademia Musicale di Cracovia, entra in una band multiculturale esibendosi nei club polacchi. Consegue inoltre i diplomi di 1°, 2° e 3° livello presso l’Accademia Doopy, ottenendo l'abilitazione all'insegnamento. Dopo aver composto la musica per il cortometraggio indipendente Alpha e Omega di Nicola Pegg, debutta discograficamente nel 2016 con il progetto Inedia e l’album Aritmia/Wasteland. Questa carriera, ricca di esperienze diverse, lo ha condotto a comporre musica che in molti passaggi sfiora il Progressive Metal.
Il disco vanta una copertina affascinante che introduce l’ascoltatore nel mondo immaginifico di Sanna: un castello costruito all'interno del cranio di un busto di pietra, a simboleggiare l'architettura del pensiero.
I sette brani di Mind Castle si aprono con "Ascension", una composizione in crescendo dalle atmosfere velatamente oscure e possenti. La musica evoca scenari cinematografici, tra attese e ripartenze scandite da riff taglienti. La potenza trova conferma in "Get Out", una fuga in cui la chitarra si cimenta in scale interessanti per poi adagiarsi su fraseggi melodici; questo alternarsi di soluzioni mantiene alta l’attenzione.
"Eat More" ruggisce con forza, scurendo ulteriormente i toni in un’immersione nel Progressive Metal più articolato. Segue "Ghost Whisper", dove i "fantasmi" sembrano palesarsi in tutta la loro impalpabile essenza. Il brano trasmette sensazioni altalenanti tra richiami al Metal nordico e momenti più distesi, impreziositi da ottimi giri di basso. È, a mio avviso, uno dei pezzi migliori del lotto.
Con "Baroque Dance" si cambia registro: su un ritmo Funk, Sanna scivola sulla tastiera riscoprendo sonorità a cavallo tra la fine degli anni '70 e i primi '80. Sembra quasi una jam session in cui l’artista mette a nudo la propria cultura musicale. "Industrial Spike" mostra invece un carattere deciso e una consapevolezza dei propri mezzi capace di ammaliare chi ascolta. Chiude il disco l'oscura "å", un brano dal lento ritmo Doom arricchito da eccellenti tappeti di tastiera.
Sanna dimostra di saper condurre l’ascoltatore in questo viaggio facendogli da "Cicerone" con classe, senza mai strafare e disseminando qua e là chicche sonore. Consiglio vivamente l’ascolto di Mind Castle: contiene passaggi che rimangono impressi nella memoria, un pregio raro e prezioso per un album interamente strumentale. MS 

Versione Inglese:

PAOLO SANNA – Mind Castle
Self-release
Genre: Virtuoso Guitar / Progressive Metal
Format: Digital (Bandcamp) – 2026

 
I first discovered the skills of talented guitarist Paolo Sanna in 2023, after listening to his EP Novem Reges.
Typically, in terms of popularity and mainstream reach, instrumental music faces greater challenges compared to vocal music. The reason is simple: a melody, however interesting and pleasant, is harder to memorize than lyrics. However, this does not apply to all audiences; there is a niche that demands something more from music: technical passages, odd time signatures, and virtuosity.
Paolo Sanna is a guitarist who manages to balance excellent melodies with technical passages without overwhelming the listener. I found confirmation of this in his new work Mind Castle, set for release on January 20, 2026.
Born in Bassano del Grappa on November 12, 1991, the artist first fell in love with the guitar at the age of 15, playing as a self-taught musician in local bands. He later pursued academic studies at the “Cesare Pollini” Conservatory in Padua, where he earned a Bachelor’s degree in Electronic Music under the guidance of Professor Matteo Costa. Thanks to an Erasmus project at the Academy of Music in Kraków, he joined a multicultural band, performing in Polish clubs. He also holds 1st, 2nd, and 3rd-level diplomas from the Doopy Academy, including teaching certification. After composing the music for the independent short film Alpha e Omega by Nicola Pegg, he made his recording debut in 2016 with the project Inedia and the album Aritmia/Wasteland. This career, rich in diverse experiences, has led him to compose music that frequently borders on Progressive Metal.
The album boasts a fascinating cover that introduces the listener to Sanna's imaginative world: a castle built inside the skull of a stone bust, symbolizing the "architecture of thought."
The seven tracks of Mind Castle open with "Ascension", a composition that builds in intensity with vaguely dark and powerful atmospheres. The music evokes cinematic scenarios, characterized by pauses and restarts driven by sharp riffs. This power is confirmed in "Get Out", a fast-paced track where the guitar ventures into interesting scales before settling into melodic phrasing; this alternating approach keeps the listener's attention high.
"Eat More" roars with strength, further darkening the tones in an immersion into more complex Progressive Metal. This is followed by "Ghost Whisper", where "ghosts" seem to manifest in all their impalpable essence. The track conveys fluctuating sensations between nods to Nordic Metal and more relaxed moments embellished by excellent bass lines. In my opinion, it is one of the best tracks of the lot.
With "Baroque Dance", the record shifts gears: over a Funk rhythm, Sanna glides across the fretboard, rediscovering sounds from the late '70s and early '80s. It feels almost like a jam session where the artist lays bare his musical background. "Industrial Spike", on the other hand, shows a strong character and a self-awareness capable of captivating the listener. The album closes with the dark "å", a track with a slow Doom pace enriched by excellent keyboard layers.
Sanna proves he can lead the listener through this journey, acting as a "Cicerone" (guide) with class, never overdoing it while scattering sonic gems throughout. I highly recommend listening to Mind Castle: it contains passages that truly stick in the mind—a rare and precious quality for an entirely instrumental album. MS

Piccola guida ai Bootlegs dei Genesis

 

Il Labirinto dei Suoni Perduti: Piccola guida ai Bootleg dei Genesis

Per i collezionisti e gli appassionati di Progressive Rock, la discografia ufficiale dei Genesis rappresenta solo la punta dell'iceberg. Esiste un universo parallelo di registrazioni dal vivo, demo e outtakes — comunemente chiamati bootleg — che documenta l'evoluzione della band da pionieri del teatro Rock con Peter Gabriel a giganti dei palazzetti con Phil Collins.

Queste registrazioni non ufficiali sono fondamentali per comprendere la complessità tecnica e l'energia trasformativa del gruppo sul palco.

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L'Era d'Oro di Peter Gabriel (1970–1975)

In questo periodo, i bootleg catturano l'essenza teatrale e mistica della band. La qualità varia dai "nastri del pubblico" (audience tapes) a registrazioni radiofoniche cristalline.

"The Shepherd" (1970): Contiene rare sessioni per la BBC e brani del periodo Trespass mai pubblicati ufficialmente.

"Live at the Rainbow" (1973): Una delle registrazioni più celebri del tour di Selling England by the Pound. Esiste in numerose versioni e offre una qualità sonora quasi professionale.

"The Lamb Lies Down on Broadway - Live in Los Angeles" (1975): Documenta l'ambizioso ultimo tour con Gabriel. È essenziale per ascoltare l'esecuzione integrale della loro opera rock più complessa.

"Live in Montreal" (1974): Spesso citato per la straordinaria performance vocale e l'atmosfera carica di tensione artistica.

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La Transizione e l'Ascesa di Phil Collins (1976–1980)

Dopo l'addio di Gabriel, la band dimostrò una resilienza incredibile. I bootleg di questo periodo mostrano come il suono si sia fatto più potente e dinamico.

"A Trick of the Tail Outtakes" (1976): Un dietro le quinte fondamentale per capire come la band abbia ricostruito il proprio sound in studio.

"Wind & Wuthering Rough Mixes" (1976): Versioni embrionali dei brani che avrebbero segnato l'ultima collaborazione in studio con Steve Hackett.

"Seconds Out: The Unreleased Tracks" (1977): Molti concerti del tour di Wind & Wuthering furono registrati professionalmente; queste "chicche" completano ciò che non trovò spazio nel celebre album live ufficiale.

"Knebworth" (1978): Un documento storico del primo grande festival come trio (supportati da Chester Thompson e Daryl Stuermer).

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L'Era dei Campioni del Pop-Rock (1981–1992)

Con il successo planetario degli anni '80, i bootleg si spostano verso le grandi produzioni negli stadi, dove l'improvvisazione lascia spazio a una perfezione esecutiva millimetrica.

"The Mama Tour - Live in Birmingham" (1984): Cattura l'atmosfera cupa e industriale di uno dei tour più amati dai fan della seconda ora.

"Invisible Touch Tour - Wembley" (1987): Sebbene esistano video ufficiali, le registrazioni audio non filtrate offrono una prospettiva diversa sull'energia della band davanti a 80.000 persone.

"The Last Domino? Rehearsals" (2021): Per i fan più moderni, i bootleg delle prove dell'ultimo tour offrono uno sguardo intimo sulla preparazione tecnica e gli arrangiamenti rivisitati.

A differenza di molte altre band, i Genesis hanno sempre curato maniacalmente il suono. Molti bootleg derivano da Soundboard Tapes (direttamente dal mixer) o da FM Broadcasts (trasmissioni radio), garantendo un'esperienza d'ascolto spesso paragonabile a un disco ufficiale.

Nota per il collezionista: Molti di questi titoli sono stati oggi assorbiti o migliorati da progetti di fan come il Genesis Movement, che mira a preservare la storia della band senza fini di lucro.

 

Versione Inglese:

The Labyrinth of Lost Sounds: A Brief Guide to Genesis Bootlegs

For collectors and Progressive Rock enthusiasts, the official Genesis discography represents only the tip of the iceberg. There exists a parallel universe of live recordings, demos, and outtakes—commonly known as bootlegs—that documents the band’s evolution from theatrical Rock pioneers with Peter Gabriel to arena giants with Phil Collins.

These unofficial recordings are essential for understanding the group's technical complexity and transformative energy on stage.

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The Golden Era of Peter Gabriel (1970–1975)

During this period, bootlegs capture the band's theatrical and mystical essence. Quality ranges from "audience tapes" to crystal-clear radio broadcasts.

"The Shepherd" (1970): Features rare BBC sessions and tracks from the Trespass era that were never officially released.

"Live at the Rainbow" (1973): One of the most famous recordings from the Selling England by the Pound tour. It exists in numerous versions and offers near-professional sound quality.

"The Lamb Lies Down on Broadway - Live in Los Angeles" (1975): Documents the ambitious final tour with Gabriel. It is essential for hearing the full performance of their most complex rock opera.

"Live in Montreal" (1974): Often cited for its extraordinary vocal performance and an atmosphere charged with artistic tension.

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Transition and the Rise of Phil Collins (1976–1980)

Following Gabriel’s departure, the band showed incredible resilience. Bootlegs from this era demonstrate how their sound became more powerful and dynamic.

"A Trick of the Tail Outtakes" (1976): A fundamental "behind the scenes" look at how the band rebuilt their studio sound.

"Wind & Wuthering Rough Mixes" (1976): Early versions of the tracks that would mark the final studio collaboration with Steve Hackett.

"Seconds Out: The Unreleased Tracks" (1977): Many concerts from the Wind & Wuthering tour were professionally recorded; these "gems" complete what didn't make the cut for the famous official live album.

"Knebworth" (1978): A historical document of their first major festival as a trio (supported by Chester Thompson and Daryl Stuermer).

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The Pop-Rock Champions Era (1981–1992)

With global success in the 1980s, bootlegs shifted toward massive stadium productions, where improvisation gave way to millimetric executive perfection.

"The Mama Tour - Live in Birmingham" (1984): Captures the dark, industrial atmosphere of one of the most beloved tours for second-era fans.

"Invisible Touch Tour - Wembley" (1987): While official videos exist, these unfiltered audio recordings offer a different perspective on the band's energy in front of 80,000 people.

"The Last Domino? Rehearsals" (2021): For modern fans, bootlegs of the final tour rehearsals offer an intimate look at the technical preparation and revisited arrangements.

Unlike many other bands, Genesis always maintained a manic focus on sound. Many bootlegs are sourced from Soundboard Tapes (directly from the mixing desk) or FM Broadcasts, ensuring a listening experience often comparable to an official release.

Collector's Note: Many of these titles have since been absorbed or improved by fan projects like the Genesis Movement, which aims to preserve the band's history on a non-profit basis.

Sigmund Freud

SIGMUND FREUD – Risveglio
Black Widow Records
Genere: Rock Progressivo Italiano
Supporto: CD - 2025

Gli anni ’70, anche in Italia, sono stati una fucina di band dedite al Rock Progressivo. Più cerco e studio il movimento, e più aumentano le sorprese. Spesso viene in aiuto internet, ma soprattutto le case discografiche con ristampe o realizzazioni mai edite, in un’opera di rivalutazione di alcuni artisti che all’epoca non hanno ricevuto la giusta considerazione.
Sappiamo bene che il movimento nostrano è derivante da quello inglese, con l’innesto della mediterraneità che ci contraddistingue; ecco quindi la Premiata Forneria Marconi, Le Orme, Il Banco Del Mutuo Soccorso, ecc.
Questi sono anche punti di riferimento per la band dei Castelli Romani Sigmund Freud. Sorgono nell’estate del 1972 e, malgrado la loro giovane età, si muovono discretamente nell’hinterland sonoro, partecipando anche a festival di tutto rispetto come il Villa Pamphili, Villa Adda, Conca D’Oro e altri ancora. Il nome che si danno è ovviamente relativo al fondatore della psicoanalisi, pensando che questo possa essere il degno rappresentante di questa musica per la mente.
Si sciolgono nel 1978 e non rilasciano mai un album sino al 2013, anno del ritorno e del debutto, con “Illusioni”. Oggi li ritroviamo grazie all’attenzione della Black Widow e “Risveglio”. Questo album è una raccolta di inediti e brani che avevano realizzato durante la metà degli anni ’70.
La band ha visto passare fra le sue linee differenti musicisti, che qui vado a elencare: dall’ideatore Claudio Ciuffa (chitarra, flauto), Marco Cavaterra (basso, voce), Fabio Tata (tastiere), Dario Masani (batteria), Dino Pacini (chitarra), Caterina Russo (voce), Robin Taylor (violoncello e piano), Luca Allori (voce, chitarra), Evandro Gabbiati (batteria), e Claudio Carbonetti (tastiere).
Il sound proposto è quello che rispecchia l’andamento degli anni d’oro, soprattutto supportato da quegli strumenti che hanno reso il genere immortale, come l’Hammond, il Mini Moog, il Mellotron e il flauto.
Sei i movimenti che compongono “Risveglio”, a iniziare da “Fiori Di Polvere Bianca”. Il titolo, per i più attenti di voi, potrebbe richiamare la famosa “Profumo Di Colla Bianca” della Locanda Delle Fate; in fin dei conti, il genere è questo. I Sigmund Freud si muovono in territori orecchiabili, dove la formula canzone è tenuta altamente in considerazione, tuttavia non esulano gli immancabili cambi di tempo. Il flauto catapulta le sensazioni al periodo in analisi; dodici minuti che riassumono la storia del Progressive Rock italiano.
La successiva “Giochi D’Ombre” è un’altra mini-suite che mette in evidenza ancora una volta la buona ritmica supportata dalle tastiere sempre presenti. La magia del genere italiano è legata al nostro inconfondibile stile, che si distanzia, seppur non eccessivamente, da quello della nazione madre del Prog, ossia l’Inghilterra dei Genesis e compagnia bella. Qui anche una fase narrata e recitata con molti punti di congiunzione al Banco Del Mutuo Soccorso. Buone le fughe strumentali, che sono sempre i momenti che un fan attende con trepidazione.
“Palla Di Neve” si apre con un arpeggio di chitarra dal sentore antico, soprattutto con l’arrivo del flauto a supporto. Brano incantato in cui capita spesso di trovarci ad ascoltare ad occhi chiusi, ma le fughe strumentali e un cantato di nuovo recitato sono sempre dietro l’angolo, per tramutare la composizione in un movimento molto energico.
“La Quiete Dopo La Tempesta” è l’ennesima mini-suite di dieci minuti; qui gli anni ’70 sono ancor più marcati e si possono respirare quelle arie che li hanno resi inconfondibili e unici. Bella vetrina per le doti balistiche dei singoli componenti. Il discorso è analogo per “Epilogo”; basta lasciare andare la mente per trovarsi in quelle ambientazioni.
E per concludere, “Freud 70’s Medley”, registrazioni del passato che fotografano alla perfezione la band in quel periodo attraverso sedici minuti di ammalianti percezioni.
Chi ama il genere, le tastiere nominate, il flauto e le chitarre in evidenza, non può ignorare “Risveglio” e faccio i miei complimenti non soltanto alla ottima band, ma anche alla Black Widow che ha saputo ridare luce a questi signori che avrebbero meritato sicuramente maggiore fortuna. MS 

Versione Inglese: 

SIGMUND FREUD -  Risveglio
Black Widow Records
Genre: Italian Progressive Rock
Format: CD - 2025

The 1970s, even in Italy, were a hotbed of bands dedicated to Progressive Rock. The more I research and study the movement, the more surprises I find. Often, the internet comes to the rescue, but especially record labels with reissues or previously unreleased material, in a work of reevaluation of some artists who at the time did not receive the right consideration.
We know well that our national movement is derived from the English one, with the addition of the Mediterranean flair that distinguishes us; hence the Premiata Forneria Marconi, Le Orme, Il Banco Del Mutuo Soccorso, etc.
These are also reference points for the Roman Castles band Sigmund Freud. They emerged in the summer of 1972 and, despite their young age, moved discreetly in the sound hinterland, participating in respected festivals like Villa Pamphili, Villa Adda, Conca D’Oro, and others. The name they chose is obviously related to the founder of psychoanalysis, thinking that this could be a worthy representative of this music for the mind.
They disbanded in 1978 and never released an album until 2013, the year of their return and debut, with “Illusioni”. Today we find them again thanks to the attention of Black Widow and “Risveglio”. This album is a collection of unreleased and tracks they had recorded during the mid-1970s.
The band has seen different musicians pass through its ranks, which I will list here: from the founder Claudio Ciuffa (guitar, flute), Marco Cavaterra (bass, vocals), Fabio Tata (keyboards), Dario Masani (drums), Dino Pacini (guitar), Caterina Russo (vocals), Robin Taylor (cello and piano), Luca Allori (vocals, guitar), Evandro Gabbiati (drums), and Claudio Carbonetti (keyboards).
The proposed sound reflects the trend of the golden years, especially supported by those instruments that have made the genre immortal, such as the Hammond, Mini Moog, Mellotron, and flute.
There are six movements that make up “Risveglio”, starting with “Fiori Di Polvere Bianca”. The title, for the most attentive of you, might recall the famous “Profumo Di Colla Bianca” by Locanda Delle Fate; after all, the genre is this. Sigmund Freud moves in catchy territories, where the song formula is highly considered, yet they don’t exclude the inevitable tempo changes. The flute catapults the sensations to the period under analysis; twelve minutes that summarize the history of Italian Progressive Rock.
The subsequent “Giochi D’Ombre” is another mini-suite that highlights once again the good rhythm supported by the always-present keyboards. The magic of the Italian genre is linked to our unmistakable style, which distances itself, albeit not excessively, from that of the motherland of Prog, namely England’s Genesis and company. Here, too, there’s a narrated and recited phase with many points of connection to Banco Del Mutuo Soccorso. Good instrumental passages, which are always the moments a fan awaits with bated breath.
“Palla Di Neve” opens with a guitar arpeggio with an ancient feel, especially with the arrival of the flute in support. Enchanted track in which we often find ourselves listening with our eyes closed, but instrumental passages and recited singing are always around the corner, to transform the composition into a very energetic movement.
“La Quiete Dopo La Tempesta” is yet another ten-minute mini-suite; here the 1970s are even more marked, and you can breathe in those arias that made them unmistakable and unique. A great showcase for the ballistic skills of the individual components. The same goes for “Epilogo”; just let your mind go to find yourself in those settings.
And to conclude, “Freud 70’s Medley”, recordings from the past that perfectly capture the band in that period through sixteen minutes of captivating perceptions.
Anyone who loves the genre, the mentioned keyboards, flute, and guitars in evidence, cannot ignore “Risveglio”. I offer my compliments not only to the excellent band but also to Black Widow, which has managed to shed light on these gentlemen who would have certainly deserved more fortune. MS.

Paradise Lost

PARADISE LOST – Draconian Times
Music for Nations
Genere: Gothic Metal / Dark Rock
Supporto: CD / LP  - 1995

Se esiste un album capace di cristallizzare un intero genere musicale in poco più di cinquanta minuti, quello è senza dubbio “Draconian Times”. Correva l'anno 1995 e i Paradise Lost, reduci dal successo del seminale “Icon”, decisero di compiere il passo definitivo: abbandonare quasi totalmente le ultime vestigia del Death-Doom per abbracciare un sound monumentale, cupo ma incredibilmente accessibile.
Nonostante non sia un disco "Progressive" in senso stretto, la complessità degli arrangiamenti e la stratificazione delle chitarre di Greg Mackintosh elevano l'opera a un livello di raffinatezza compositiva raramente eguagliato dai loro contemporanei.
I protagonist di questa chicca sonora sono Nick Holmes (Voci), Greg Mackintosh (Chitarre), Aaron Aedy (Chitarre), Stephen Edmondson (Basso), e Lee Morris (Batteria).
L'apertura di “Enchantment” è affidata a un pianoforte malinconico che esplode in un riff granitico. È il biglietto da visita del disco: la voce di Nick Holmes, ormai matura e priva di growl, si attesta su una timbrica che ricorda un James Hetfield più tormentato e baritonale.
In “Hallowed Land” emerge la sezione ritmica. Il lavoro di Lee Morris dietro le pelli è dinamico, capace di sorreggere i contrappunti melodici delle due chitarre che si intrecciano in trame quasi "maideniane", ma immerse nella pece.
Il potenziale commerciale (nel senso più nobile del termine) del gruppo emerge prepotentemente con “The Last Time”, un anthem gotico con un ritornello che entra sottopelle e non se ne va più.
Forse il vertice emotivo del lotto risulta “Forever Failure” . L'uso dei campionamenti della voce di Charles Manson aggiunge un layer di disagio psicologico a una struttura lenta, funerea e profondamente melodica. Il solo di Mackintosh è una lezione di "playing for the song": poche note, ma cariche di un vibrato che piange.
Tuttavia il mio brano preferito resta “Yearn For Change” per freschezza d’intenti e così tutto l’album scivola via con grande classe traccia dopo traccia, proprio come accade in un lavoro perfetto.
La mano di Simon Efemey alla produzione è magistrale. Il suono è "grosso", pulito ma mai asettico. Le chitarre hanno una saturazione calda che permette di distinguere ogni singola armonizzazione, mentre il basso di Edmondson pulsa con una precisione chirurgica, garantendo quella spinta necessaria per non far scivolare il disco nel semplice rock atmosferico.
“Draconian Times” non è solo un album; è un'estetica. È il punto di equilibrio perfetto tra la rabbia degli esordi e la sperimentazione che sarebbe arrivata pochi anni dopo con “Host”. È un disco che parla di perdita, isolamento e resilienza, vestito con un abito sonoro elegante e senza tempo.
Magari vi chiederete: “Perché ascoltarlo oggi?”,  perché in un'epoca di produzioni iper-compresse e prive di anima, risentire il calore e la disperazione genuina di questo capolavoro ci ricorda che il Metal può essere colto, profondo e terribilmente emozionante. MS

 

Versione Inglese: 

PARADISE LOST – Draconian Times
Music For Nations
Genre: Gothic Metal / Dark Rock
Format: CD / LP - 1995

If there is an album capable of crystallizing an entire musical genre in just over fifty minutes, it is undoubtedly “Draconian Times”. The year was 1995, and Paradise Lost, fresh from the success of the seminal “Icon”, decided to take the definitive step: almost entirely abandoning the last vestiges of Death-Doom to embrace a monumental sound—dark, yet incredibly accessible.
Despite not being a "Progressive" record in the strictest sense, the complexity of the arrangements and the layering of Greg Mackintosh’s guitars elevate the work to a level of compositional refinement rarely matched by their contemporaries.
The protagonists of this sonic gem are Nick Holmes (Vocals), Greg Mackintosh (Guitars), Aaron Aedy (Guitars), Stephen Edmondson (Bass), and Lee Morris (Drums).
The opening of “Enchantment” is entrusted to a melancholy piano that explodes into a monolithic riff. It is the album's calling card: Nick Holmes' voice, now mature and stripped of growls, settles into a timbre reminiscent of a more tormented, baritone James Hetfield.
In “Hallowed Land”, the rhythm section shines. Lee Morris’s work behind the skins is dynamic, capable of supporting the melodic counterpoints of the two guitars that intertwine in almost "Maiden-esque" textures, yet drenched in pitch-black darkness.
The group's commercial potential (in the noblest sense of the term) emerges powerfully with “The Last Time”, a gothic anthem with a chorus that gets under your skin and never leaves.
Perhaps the emotional pinnacle of the lot is “Forever Failure”. The use of Charles Manson vocal samples adds a layer of psychological unease to a slow, funereal, and deeply melodic structure. Mackintosh's solo is a masterclass in "playing for the song": few notes, but charged with a weeping vibrato.
However, my personal favorite remains “Yearn For Change” for its freshness of intent; thus, the entire album glides by with immense class track after track, just as it happens with a perfect work.
Simon Efemey’s hand in production is masterful. The sound is "big," clean, but never sterile. The guitars have a warm saturation that allows every single harmonization to be distinguished, while Edmondson’s bass pulses with surgical precision, providing the necessary drive to prevent the record from sliding into mere atmospheric rock.
“Draconian Times” is not just an album; it is an aesthetic. It is the perfect balance between the primal rage of the early days and the experimentation that would arrive a few years later with “Host”. It is a record that speaks of loss, isolation, and resilience, dressed in an elegant and timeless sonic shroud.
You might ask: “Why listen to it today?” Because in an era of hyper-compressed and soulless productions, hearing the warmth and genuine despair of this masterpiece reminds us that Metal can be sophisticated, profound, and terribly moving. MS

 

Astrolabio

ASTROLABIO – Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Hard Prog
Formato: CD – 2026

Il Progressive Rock si è spesso distinto per liriche profonde, tanto da essere definito dagli addetti ai lavori come "musica colta". Tuttavia, quando a questa complessità si uniscono sagacia, ironia e una tagliente satira, il risultato diventa, per il mio gusto personale, ancor più stimolante.
Seguo con interesse gli Astrolabio sin dai tempi di "L'Isolamento Dei Numeri Pari" (2014) e "I Paralumi Della Ragione" (2017), sebbene il loro percorso sia iniziato sotto il nome di Elettrosmog con l'album "Monologando" (2006). In questo nuovo capitolo, l’approccio Hard Prog è ulteriormente enfatizzato dalla scelta di sostituire le tastiere con una doppia chitarra elettrica; Massimo Babbi compare infatti solo in veste di special guest. La formazione ufficiale schiera Michele Antonelli (voce, chitarre, flauto traverso), Alessandro Pontone (batteria, cori), Paolo Iemmi (basso, voce, cori) e Paolo Giberti (chitarre, cori).
Il gruppo ha sempre esplorato il tema della comunicazione e "Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria" rappresenta la chiusura ideale di questo cerchio concettuale. Il disco analizza il fenomeno pubblicitario trasformando ogni brano in uno "spot" per un ipotetico prodotto. Non è un caso che la copertina ritragga un televisore degli anni '70, richiamando l'era del mitico "Carosello". Il titolo stesso è un arguto gioco di parole che reinterpreta il classico lamento nostalgico degli anziani in chiave moderna. Sotto la lente d'ingrandimento finisce anche una società di massa che apparirebbe smarrita senza l'ausilio di uno smartphone.
L'apertura è affidata a "Prima Della Pubblicità", un brano che analizza le origini del fenomeno con richiami alla sigla di Carosello, sorretto da riff taglienti e un cantato di matrice Post Punk dall'incedere roccioso. Nonostante l'energia, restiamo in pieno territorio Prog, come dimostrano i frequenti cambi di tempo. Più articolata risulta "La Dittatura Delle Cose", dove emerge un'interessante sfumatura cantautorale; un efficace passaggio di basso e batteria spezza l'ascolto prima di proiettare l'ensemble nelle sonorità care ai King Crimson.
In "Il Seme Del Disgusto" troviamo dissonanze iniziali che omaggiano la "Bourrée" dei Jethro Tull e "Smoke On The Water" dei Deep Purple. Il brano è strutturato magistralmente, con un testo che incide come una rasoiata e mutazioni stilistiche prossime all'universo di Frank Zappa. Segue "La Fiera Del Luogo Comune", quasi sette minuti in cui la band si mostra perfettamente amalgamata, guidata da un basso protagonista che funge da motore portante dell'intera traccia.
Dopo i brevissimi istanti di "B.B.", si approda a "L’Ombra Di Te Stesso", dove le incursioni sonore riflettono una vasta cultura musicale. Notevoli le parti vocali, capaci di interpretare le liriche con la giusta dose di veemenza. "Grandi Magazzini" parte con un piglio sornione per poi sfociare in un Hard Rock diretto, tipico degli anni '70; la sezione centrale Blues, impreziosita dalla chitarra elettrica, conferma la solidità tecnica del gruppo.
Se "Senzavoglia" e "Democrazia (Ma Che Idea!)" lasciano trasparire influenze legate ai Led Zeppelin, il dulcis in fundo arriva con i dieci minuti di "DIO (Decido Io, Ora)". In questa suite, gli Astrolabio mettono in campo tutto il loro arsenale compositivo, dimostrando una straordinaria maturità nella scrittura.
Con i veronesi Astrolabio si sorride amaro e, soprattutto, si riflette. Lo si fa attraverso una proposta musicale florida e priva di inutili orpelli, confezionata con rara professionalità e autentica passione. Un disco intriso di storia. MS

Versione Inglese:

ASTROLABIO – Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Hard Prog
Format: CD – 2026

Progressive Rock has often distinguished itself through profound lyrics, leading industry experts to define it as "cultured music." However, when this complexity is paired with shrewdness, irony, and cutting satire, the result becomes—to my personal taste—even more stimulating.
I have followed Astrolabio with interest since the days of "L'Isolamento Dei Numeri Pari" (2014) and "I Paralumi Della Ragione" (2017), although their journey began under the name Elettrosmog with the album "Monologando" (2006). In this new chapter, the Hard Prog approach is further emphasized by the choice to replace keyboards with double electric guitars; indeed, Massimo Babbi appears only as a special guest. The official lineup features Michele Antonelli (vocals, guitars, flute), Alessandro Pontone (drums, backing vocals), Paolo Iemmi (bass, vocals, backing vocals), and Paolo Giberti (guitars, backing vocals).
The group has always explored the theme of communication, and "Una Volta Qui Era Tutta Campagna Pubblicitaria" represents the ideal closing of this conceptual circle. The album analyzes the phenomenon of advertising by transforming each track into a "commercial" for a hypothetical product. It is no coincidence that the cover features a 1970s television set, recalling the era of the legendary Italian show "Carosello." The title itself is a clever play on words, reinterpreting the classic nostalgic lament of the elderly ("Once, all this was countryside") in a modern key. Under the magnifying glass is a mass society that would appear lost without the aid of a smartphone.
The opening is entrusted to "Prima Della Pubblicità," a track that analyzes the origins of the phenomenon with nods to the "Carosello" theme, supported by sharp riffs and Post-Punk style vocals with a rocky pace. Despite the energy, we remain firmly in Prog territory, as evidenced by the frequent time signature changes. "La Dittatura Delle Cose" is more complex, revealing an interesting singer-songwriter nuance; an effective bass and drum passage breaks the flow before projecting the ensemble into soundscapes reminiscent of King Crimson.
In "Il Seme Del Disgusto," we find initial dissonances that pay homage to Jethro Tull's "Bourrée" and Deep Purple's "Smoke On The Water." The song is masterfully structured, with lyrics that cut like a razor and stylistic mutations close to the world of Frank Zappa. This is followed by "La Fiera Del Luogo Comune," nearly seven minutes where the band proves perfectly cohesive, led by a prominent bass that acts as the driving engine of the entire track.
After the fleeting seconds of "B.B.," we reach "L’Ombra Di Te Stesso," where sonic incursions reflect a vast musical culture. The vocal parts are noteworthy, interpreting the lyrics with the right amount of vehemence. "Grandi Magazzini" starts with a sly tone before blooming into direct, 1970s-style Hard Rock; the central Blues section, enhanced by the electric guitar, confirms the band's solid technical foundation.
While "Senzavoglia" and "Democrazia (Ma Che Idea!)" reveal influences tied to Led Zeppelin, the dulcis in fundo arrives with the ten minutes of "DIO (Decido Io, Ora)." In this suite, Astrolabio deploy their entire compositional arsenal, demonstrating extraordinary maturity in their songwriting.
With Verona-based Astrolabio, one smiles bitterly and, above all, reflects. This is achieved through a flourishing musical proposal, free of unnecessary frills and crafted with rare professionalism and authentic passion. An album steeped in history.
MS

  

Elle

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genere: Rock Elettronico / Cantautorato / Folk
Formato: CD – 2026

La musica può essere definita come un linguaggio intimo, un mezzo attraverso il quale l’artista mette a nudo la propria anima per esprimere sentimenti e concetti profondi. È un tratto che accomuna molti autori, pur nelle diverse direzioni intraprese: dalla rabbia alla gioia, dall'ironia alla riflessione esistenziale. In ogni sua sfumatura, l’arte resta una manifestazione purissima dell’essere.
In questo contesto, le alchimie creative risultano fondamentali: la fusione tra talenti genera risultati d'eccezione, unici e irripetibili, sia nei progetti collettivi che nelle collaborazioni soliste. Un esempio calzante è quello offerto da Elena Lippe (voce e testi) ed Elena Crolle (pianoforte, produzione e arrangiamenti).
Lippe è già nota al pubblico come frontwoman della band Prog Metal Feronia; Crolle, attiva nella produzione dal 2012, vanta una solida esperienza internazionale in prestigiosi contesti quali Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, lo Z7 di Pratteln e il Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" rappresenta un sogno rimasto nel cassetto per diciannove anni e divenuto realtà grazie all'incontro e all'intesa artistica tra le due protagoniste. L'album si compone di otto tracce, tra cui spicca la cover di "Crudo", omaggio a Susanna Parigi, cantautrice prematuramente scomparsa nel 2023.
L’edizione fisica del disco, curata da Paolo Lippe (Twenty Four Hours), si presenta in un elegante formato cartonato ricco di dettagli, testi e apparati iconografici.
Il nome del progetto, Elle, racchiude l'essenza stessa dell'opera: la coesistenza di elementi opposti. Il "fuoco" della passione e del dolore si immerge nella vastità e nella calma apparente dell' "oceano".
L'ascolto si apre con "L’Attesa", dove il rumore del mare introduce armonie soavi che fondono cantautorato e Folk nordico. La voce di Elena Lippe appare ponderata e cristallina, perfettamente a suo agio su testi introspettivi e carichi di speranza. Segue il singolo "Il Guardiano Della Soglia", brano intriso di elettronica e venature rock che esalta la duttilità vocale dell'interprete; un episodio che non sfigurerebbe nella discografia di un'artista come Alice.
L’intensità cresce con "Distanze", una traccia dalle influenze new wave caratterizzata da un ritornello immediato e coinvolgente. La chitarra acustica introduce invece "Neve", brano delicato come una nevicata invernale: una composizione malinconica e profonda che si distingue per un crescendo sonoro di grande impatto, posizionandosi tra i momenti più alti del disco.
In "Ciliegie", la malinconia si intreccia ai ricordi, richiamando le atmosfere del cantautorato colto degli anni '70. La già citata cover di "Crudo" offre un’interpretazione emozionante, sostenuta da arrangiamenti precisi e suggestivi. Con un incedere più ludico, "Sonia E Salvo" rivela un lato inedito di Lippe, trasportando l'ascoltatore nelle atmosfere dei club di un tempo per narrare una storia d'amore dal destino avverso. Il sigillo finale è affidato a "Orfeo", brano dai riverberi affascinanti e dai movimenti che richiamano lo stile di Franco Battiato, incentrato sull'incapacità umana di lasciare andare il passato.
In definitiva, "Il Fuoco Dell’Oceano" è un lavoro caldamente consigliato agli estimatori di Björk, Alice, Sigur Rós e Susanna Parigi. Elle dimostra che per veicolare concetti complessi non è necessario urlare: a volte basta un sussurro, posizionato con sapienza, per colpire nel segno. Un album ricercato, capace di bilanciare perfettamente le forze sonore. Semplicemente notevole. MS   

Versione Inglese:

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genre: Electronic Rock / Singer-Songwriter / Folk
Format: CD – 2026

Music can be defined as an intimate language, a medium through which the artist bares their soul to express profound feelings and concepts. This is a common thread among many authors, despite the diverse paths they take: from anger to joy, from irony to existential reflection. In every nuance, art remains a pure manifestation of being.
In this context, creative alchemy is fundamental: the fusion of talents generates exceptional, unique, and unrepeatable results, both in collective projects and solo collaborations. A fitting example is offered by Elena Lippe (vocals and lyrics) and Elena Crolle (piano, production, and arrangements).
Lippe is already known to the public as the frontwoman of the Prog Metal band Feronia. Crolle, active in production since 2012, boasts solid international experience in prestigious venues and events such as Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, Z7 in Pratteln, and the Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" represents a dream kept in a drawer for nineteen years, finally realized thanks to the meeting and artistic synergy between the two protagonists. The album consists of eight tracks, notably featuring a cover of "Crudo", a tribute to Susanna Parigi, the singer-songwriter who passed away prematurely in 2023. The physical edition of the disc, curated by Paolo Lippe (Twenty Four Hours), is presented in an elegant digipak format rich with details, lyrics, and iconographic materials.
The project’s name, Elle, encapsulates the very essence of the work: the coexistence of opposite elements. The "fire" of passion and pain immerses itself in the vastness and apparent calm of the "ocean."
The listening experience opens with "L’Attesa", where the sound of the sea introduces suave harmonies that blend Italian songwriting with Nordic Folk. Elena Lippe’s voice appears measured and crystalline, perfectly at ease with introspective and hopeful lyrics. This is followed by the single "Il Guardiano Della Soglia", a track steeped in electronics and rock undertones that highlights the performer's vocal versatility; it is an episode that would not feel out of place in the discography of an artist like Alice.
The intensity grows with "Distanze", a track with New Wave influences characterized by an immediate and engaging chorus. An acoustic guitar introduces "Neve", a piece as delicate as a winter snowfall: a melancholic and deep composition that stands out for a high-impact sonic crescendo, positioning itself among the album's highest moments.
In "Ciliegie", melancholy intertwines with memories, recalling the atmospheres of refined 1970s songwriting. The aforementioned cover of "Crudo" offers an emotional interpretation, supported by precise and evocative arrangements. With a more playful pace, "Sonia E Salvo" reveals a new side of Lippe, transporting the listener into the smoky club atmospheres of the past to narrate a star-crossed love story. The final seal is placed by "Orfeo", a track with fascinating reverbs and movements reminiscent of Franco Battiato’s style, focusing on the human inability to let go of the past.
Ultimately, "Il Fuoco Dell’Oceano" is highly recommended for fans of Björk, Alice, Sigur Rós, and Susanna Parigi. Elle demonstrates that to convey complex concepts, one does not necessarily need to shout: sometimes a well-placed whisper is enough to strike the heart. A sophisticated album, capable of perfectly balancing sonic forces. Simply remarkable. MS