Arthur

ARTHUR - Where We Lay Our Scene
Autoproduzione
Genere: Heavy Prog Psichedelico
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Sempre più esordi nell’ambito Progressive Rock (e non soltanto) si autoproducono sul portale Bandcamp, oramai divenuto un punto di riferimento per molti appassionati di questo genere di musica. Sono i tempi moderni dove il supporto fisico va sempre calando, salvo qualche sporadico e accanito appassionato che ancora ama collezionare dischi. I dati tendono a raccontare che oggi la gente compera molti vinili e CD, alternando cifre più o meno credibili, ma è divenuto impossibile credere effettivamente a cosa si legge nel web, per cui vi consiglio di prendere tutto ciò con il beneficio dell’inventario.
Quello che invece è realtà è il numero delle band italiane che nascono sotto la bandiera della musica dei tempi che furono, seppur apportando del proprio attraverso la personalità , tanto da far divenire il termine Progressive Rock difficile da comprendere. Se siete più curiosi, al riguardo ho scritto il libro “Post Prog Moderno” edito da Arcana.
Una nuova band nel contesto proviene da Biella e si chiama Arthur. Nascono  nel 2018, e sono formati dall'incontro di tre musicisti nell'orbita della scuola di musica Dyapason:  Elia Guidetti (chitarra, sintetizzatori, narrazione), Simone Bongiovanni (basso, tastiere, sintetizzatori, narrazione), e Simone Guidetti (batteria, percussioni, narrazione). Uniti da una profonda passione per il Rock Progressivo, il Rock Psichedelico e la musica per immagini, gli Arthur attingono alla lezione dei grandi maestri del genere passando attraverso le trame articolate dei Rush e dei King Crimson all'impianto melodico degli Yes, rielaborando il tutto con una sensibilità compositiva fresca e moderna. “Where We Lay Our Scene” è un concept album completamente strumentale ispirato dal celebre Prologo shakespeariano di Romeo e Giulietta ("In fair Verona, where we lay our scene...").
Come ogni album a tema, inizia con il classico “Overture” anticipato dall’intro “The Curtain Falls”. L’impatto drammatico introduce i temi ricorrenti dell'album con la chitarra dialogante attraverso una sezione ritmica solida e dinamica, alternando aperture sinfoniche e accelerazioni Progressive. Segue un altro breve intro dal titolo “Announcement” che simula il bando di corte o la chiamata alle armi prima del grande evento “Gran Galà”,  pezzo vivo ed eclettico dove il Rock è assoluto protagonista. Il basso di Bongiovanni ricama linee melodiche portanti, sostenuto da continui cambi di tempo della batteria. Segue “Fuga In E Strano”, qui il ritmo diventa maggiormente serrato, mentre il titolo ironico gioca sul doppio senso tra la forma contrappuntistica classica (la fuga) e l'azione del fuggire, costruita attorno alla tonalità di Mi (E). Ricca di incastri metrici serrati e arpeggi obliqui di chitarra. E’ un momento di rottura, una fuga concitata o un inseguimento labirintico attraverso territori sconosciuti.
Altra traccia breve è “Bonfire Lit”, che conduce a “            Notte: Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, un momento di sospensione, riposo e meditazione attorno al fuoco prima della battaglia finale. “Notte: La Bestia, Pt. 2” è un cambio di registro che si sviluppa su riff pesanti, tempi dispari e sonorità cupe vicine al Progressive Metal e al Rock Psichedelico più acido. Qui il risveglio della minaccia e lo scontro diretto con l'elemento oscuro ("La Bestia") nel cuore della notte. La chiusura spetta ad una mini suite di dieci minuti intitolata “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divisa in quattro sezioni distinte, mostra la maturità compositiva del trio tra esplosioni Hard Prog, riprese di temi precedenti e un articolato finale sinfonico. Esso narra la battaglia finale, i ricordi del passato che affiorano durante il combattimento ("Suspence And Memories") e il tragico ed eroico compimento del destino del protagonista ("Last Stand").
“Where We Lay Our Scene” si rivela quindi un esordio coraggioso e fresco, in cui gli Arthur dimostrano che non servono le parole per raccontare una grande storia. Con una spiccata maturità nell'intrecciare trame strumentali eleganti e strappi Hard Prog, il trio biellese firma una prova solida e priva di fronzoli, confermando come la scena indipendente italiana sappia ancora sfornare realtà capaci di guardare alla tradizione con occhi moderni. Un nome da tenere assolutamente d'occhio. MS

Ascolto BANDCAMP: https://thearturproject.bandcamp.com/album/where-we-lay-our-scene

Versione Inglese: 

ARTHUR - Where We Lay Our Scene
Self-released
Genre: Heavy Psychedelic Prog
Format: Digital / Bandcamp – 2026

More and more debuts in the Progressive Rock sphere (and beyond) are self-released on the Bandcamp platform, which has now become a point of reference for many fans of this music genre. These are modern times where physical formats are constantly decreasing, except for a few sporadic and die-hard enthusiasts who still love collecting records. The data tends to suggest that today people buy a lot of vinyls and CDs, alternating more or less credible figures, but it has become impossible to actually believe what one reads on the web, so I advise you to take all of this with a pinch of salt.
What is real, however, is the number of Italian bands born under the flag of the music of bygone times, even while bringing something of their own through their personality, so much so that the term Progressive Rock has become difficult to define. If you are curious, on this subject I wrote the book "Post Prog Moderno" published by Arcana.
A new band in this context comes from Biella and is called Arthur. Formed in 2018, they were born from the meeting of three musicians within the orbit of the Dyapason music school: Elia Guidetti (guitar, synthesizers, narration), Simone Bongiovanni (bass, keyboards, synthesizers, narration), and Simone Guidetti (drums, percussion, narration). United by a deep passion for Progressive Rock, Psychedelic Rock, and music for images, Arthur draw from the lesson of the great masters of the genre, moving from the intricate textures of Rush and King Crimson to the melodic structure of Yes, reworking it all with a fresh and modern compositional sensibility. “Where We Lay Our Scene” is a completely instrumental concept album inspired by the famous Shakespearean Prologue to Romeo and Juliet ("In fair Verona, where we lay our scene...").
Like any themed album, it starts with the classic “Overture” preceded by the intro “The Curtain Falls”. The dramatic impact introduces the album's recurring themes, with the guitar dialoguing through a solid and dynamic rhythm section, alternating symphonic openings and Progressive accelerations. Next comes another short intro entitled “Announcement”, simulating the court proclamation or the call to arms before the big event “Gran Galà”, a lively and eclectic track where Rock is the absolute protagonist. Bongiovanni's bass weaves main melodic lines, supported by the drums' continuous time changes. Followed by “Fuga In E Strano”, here the rhythm becomes tighter, while the ironic title plays on the double meaning between the classical contrapuntal form (the fugue) and the action of fleeing, built around the key of E. Rich in tight metric interlockings and oblique guitar arpeggios, it represents a moment of disruption, a rushed escape, or a labyrinthine pursuit through unknown territories.
Another short track is “Bonfire Lit”, leading to “Notte: Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, a moment of suspension, rest, and meditation around the fire before the final battle. “Notte: La Bestia, Pt. 2” is a change of pace that develops over heavy riffs, odd time signatures, and dark sounds close to Progressive Metal and more acidic Psychedelic Rock, portraying the awakening of the threat and the direct clash with the dark element ("La Bestia") in the heart of the night. The closing is entrusted to a ten-minute mini-suite titled “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divided into four distinct sections, it shows the compositional maturity of the trio between Hard Prog explosions, reprises of previous themes, and an articulated symphonic finale. It narrates the final battle, the memories of the past that surface during combat ("Suspence And Memories"), and the tragic and heroic fulfillment of the protagonist's destiny ("Last Stand").
“Where We Lay Our Scene” turns out to be a courageous and fresh debut, in which Arthur prove that words are not needed to tell a great story. With a remarkable maturity in weaving elegant instrumental textures and Hard Prog bursts, the Biella trio delivers a solid, no-nonsense effort, confirming how the Italian independent scene can still produce acts capable of looking at tradition with modern eyes. A name to definitely keep an eye on. MS

Blacksmith Tales

BLACKSMITH TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma
Aereostella / Immaginifica
Genere: Metal Progressive / Neo Prog
Supporto: CD / Digital – 2026

Il connubio Metal Progressive e Neo Prog è epico, rilascia sonorità enfatiche e ricche di patos, bene lo sanno i friulani Blacksmith Tales.
Nascono negli anni '90 come progetto concettuale e compositivo guidato dal tastierista, pianista e compositore David Del Fabro. Fin dalle origini, la band ha orientato la propria ricerca verso un Rock Progressivo sinfonico e teatrale, ricco di stratificazioni sonore (con un forte accento sull'uso di tastiere vintage come Hammond, Minimoog e Mellotron), contaminato da venature Prog Metal, citazioni Folk ed elementi etnici.
Dopo la maturazione del materiale e la pubblicazione dell'ambizioso concept d'esordio “The Dark Presence” (2021), la formazione si è consolidata e affinata nell'attività dal vivo, arrivando a questa release che ne testimonia sia la continua evoluzione in studio che la forza espressiva sul palcoscenico. La lineup attuale vede David Del Fabro (pianoforte e tastiere),  Luca Zanon (tastiere e pianoforte), Stefano Sbrignadello (voce principale),  Beatrice Demori (voce), Marco Falanga  (chitarre e basso), Simone Morettin (batteria) e Alessandro Jacobi  (basso nelle sessioni live).
Il lavoro si divide idealmente e strutturalmente in due parti distinte ma complementari, ossia la nuova opera in studio, la mastodontica “Dark Ages Suite”, e una selezione Live in Roma registrata durante il prestigioso concerto di apertura alla Premiata Forneria Marconi (PFM) del 30 dicembre 2024.
La suite di venti minuti “Dark Ages Suite” è in apertura e si muove sul solco della grande tradizione del Prog epico caro a Clive Nolan e anche ai suoi Arena. Inizia con un'atmosfera sospesa e d'ambiente, guidata da intrecci di pianoforte, moog e tastiere, per poi aprirsi a fughe sinfoniche dal respiro barocco, cambi di tempo serrati e improvvise accelerazioni chitarristiche. L'uso delle due voci (maschile e femminile) intrecciate crea una spiccata drammaturgia sonora. La band dimostra di essere in grande forma! Il nucleo concettuale ruota attorno all'intima alienazione e al disorientamento dell'uomo contemporaneo. L' "Età Oscura" (Dark Ages) non è solo un riferimento storico, ma una metafora del presente, una società ipertecnologica ma priva di coordinate spirituali, in cui l'individuo cerca una via di fuga dall'oscurità interiore e sociale.
I brani dal vivo catturano l'energia della band su uno dei palchi più importanti della capitale, proponendo rivisitazioni energiche del loro repertorio ad iniziare da “Hamlet's Mill Overture”, pezzo strumentale  ad alto impatto. Tappeti di sinth, riff di chitarra elettrica in evidenza e una sezione ritmica dinamica introducono lo spettatore nello show con un sapore nettamente sinfonico e marziale come solo il Metal Prog sa fare.
Ottimamente registrato, il live prosegue con “Key To The Temple”, traccia caratterizzata da un riffing più deciso e da un incedere vicino al Prog Metal sinfonico, bilanciato da aperture melodiche guidate dal pianoforte e da cori vocali avvolgenti. Ottima padronanza vocale dal vivo da parte di Stefano Sbrignadello. Il testo affronta la ricerca della conoscenza profonda e la soglia simbolica (la chiave del tempio) che l'uomo deve varcare per accedere a una consapevolezza superiore, superando i propri limiti dogmatici.
Giunge ora una canzone cantata in italiano, “C’è Casa A 30 Miglia”, episodio che mostra il lato più intimista e cantautoriale della band, dove la componente Prog incontra la tradizione del Rock Progressivo Italiano anni '70. Arrangiamento dominato dal pianoforte, con un crescendo emotivo guidato dalla chitarra solista. Esso tratta il tema del ritorno, della distanza e del valore della propria terra d'origine o di un rifugio affettivo verso cui convergere nei momenti di smarrimento.
A questo punto  è la volta di un estratto riarrangiato della suite “Possessed By Time” presente sul primo disco. Dal vivo acquista grande immediatezza attraverso il dialogo tra organo Hammond e chitarra con continui saliscendi dinamici, fino al delicato controcanto vocale femminile. E’ un momento che mette in luce anche il lato Folk della band.
Il finale di concerto con “Dance Of The Stars” è travolgente e festoso. Struttura ritmica complessa con tempi dispari che si intrecciano a trame di tastiere vintage e a un assolo di chitarra di grande liricità.
In conclusione, “Dark Ages Suite & Live in Roma” si conferma un’opera matura e sfaccettata, capace di bilanciare la drammaturgia complessa della composizione in studio con la freschezza e la potenza espressiva della dimensione live. I Blacksmith Tales dimostrano non solo di saper maneggiare con rara maestria il linguaggio del Progressive Rock sinfonico, ma di saperlo plasmare con sensibilità. Un ascolto imprescindibile per chiunque cerchi nel Prog contemporaneo qualcosa che vada ben oltre la semplice perizia tecnica. MS 

Versione Inglese:

BLACKSMITH TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma
Aereostella / Immaginifica
Genre: Progressive Metal / Neo Prog
Format: CD / Digital – 2026

The combination of Progressive Metal and Neo Prog is epic, releasing emphatic sounds rich in pathos, as the Friulian band Blacksmith Tales well know.
They were formed in the 1990s as a conceptual and compositional project led by keyboardist, pianist, and composer David Del Fabro. Since their origins, the band has oriented their research toward a symphonic and theatrical Progressive Rock, rich in sonic layering (with a strong emphasis on the use of vintage keyboards such as Hammond, Minimoog, and Mellotron), cross-pollinated by Prog Metal nuances, Folk references, and ethnic elements.
After the maturation of their material and the release of their ambitious debut concept album “The Dark Presence” (2021), the lineup consolidated and refined itself through live performance, leading to this release which bears witness to both their continuous studio evolution and their expressive power on stage. The current lineup features David Del Fabro (piano and keyboards), Luca Zanon (keyboards and piano), Stefano Sbrignadello (lead vocals), Beatrice Demori (vocals), Marco Falanga (guitars and bass), Simone Morettin (drums), and Alessandro Jacobi (bass in live sessions).
The work is ideally and structurally divided into two distinct yet complementary parts: namely the new studio work, the mammoth “Dark Ages Suite”, and a Live in Roma selection recorded during their prestigious opening performance for Premiata Forneria Marconi (PFM) on December 30, 2024.
The twenty-minute suite “Dark Ages Suite” opens the record and moves along the lines of the great epic Prog tradition dear to Clive Nolan and his band Arena. It begins with a suspended, ambient atmosphere led by interwoven piano, Moog, and keyboards, before opening up into symphonic fugues with a baroque breath, tight time changes, and sudden guitar accelerations. The use of two interwoven voices (male and female) creates a striking sonic drama. The band proves to be in great form! The conceptual core revolves around the intimate alienation and disorientation of contemporary man. The "Dark Ages" is not merely a historical reference, but a metaphor for the present—a hyper-technological society devoid of spiritual coordinates, in which the individual seeks an escape route from inner and social darkness.
The live tracks capture the band's energy on one of the capital's most important stages, offering energetic reinterpretations of their repertoire, starting with “Hamlet's Mill Overture”, a high-impact instrumental track. Synth pads, prominent electric guitar riffs, and a dynamic rhythm section introduce the listener to the show with a distinctly symphonic and martial flavor as only Prog Metal can deliver.
Excellently recorded, the live performance continues with “Key To The Temple”, a track characterized by more decisive riffing and a pace close to symphonic Prog Metal, balanced by melodic openings led by the piano and enveloping vocal harmonies. Excellent live vocal mastery by Stefano Sbrignadello. The lyrics address the search for deep knowledge and the symbolic threshold (the key to the temple) that man must cross to access a higher awareness, overcoming his own dogmatic limits.
Now comes a song sung in Italian, “C’è Casa A 30 Miglia”, an episode that shows the band's more intimate, singer-songwriter side, where the Prog component meets the tradition of 1970s Italian Progressive Rock. An arrangement dominated by the piano, featuring an emotional crescendo led by the lead guitar. It deals with the theme of return, distance, and the value of one's homeland or emotional sanctuary to converge upon during moments of bewilderment.
At this point, it is time for a rearranged excerpt of the suite “Possessed By Time”, originally featured on their first album. Live, it gains great immediacy through the dialogue between Hammond organ and guitar with continuous dynamic rises and falls, up to the delicate female vocal counterpoint. It is a moment that also highlights the band's Folk side.
The concert finale with “Dance Of The Stars” is overwhelming and festive. A complex rhythmic structure with odd time signatures weaves together vintage keyboard textures and a lyrical guitar solo.
In conclusion, “Dark Ages Suite & Live in Roma” proves to be a mature and multifaceted work, capable of balancing the complex drama of studio composition with the freshness and expressive power of the live dimension. Blacksmith Tales demonstrate not only that they can handle the language of symphonic Progressive Rock with rare mastery, but also that they know how to shape it with sensitivity. An essential listen for anyone seeking something in contemporary Prog that goes far beyond simple technical skill. MS

 

 

 

Haken

HAKEN - In A Fever Dream
Inside Out
Genere: Metal Progressive
Supporto: EP / CD / Digital – 2026

Oramai conosciamo bene la band inglese Haken, ma un cenno storico ci sta sempre bene: Nati a Londra nel 2007 su iniziativa del chitarrista/tastierista Richard Henshall e del cantante Ross Jennings, gli Haken si sono affermati come uno dei nomi più innovativi della scena Prog Metal contemporanea. Con gli album d'esordio “Aquarius” (2010) e “Visions” (2011), la band ha mostrato forti influenze di Dream Theater, Gentle Giant e Yes, per poi consacrarsi a livello internazionale con il capolavoro “The Mountain” (2013). Album come “Affinity” (2016), la duologia concettuale “Vector” (2018) / “Virus” (2020) e il recente “Fauna” (2023) hanno progressivamente introdotto sonorità Djent, contaminazioni synthwave ed elementi decisamente più pesanti e moderni.
Dopo l'addio dello storico tastierista Diego Tejeida (sostituito dal ritorno di Pete Jones), la band ha affrontato all'inizio del 2026 la separazione dal chitarrista Charlie Griffiths e dal bassista Conner Green. Per “In A Fever Dream”, il nucleo rimasto, Ross Jennings, Richard Henshall, Raymond Hearne e Pete Jones,  ha avvertito l'esigenza di condensare la propria urgenza espressiva in un EP cupo, viscerale e compatto, avvalendosi del contributo al basso di Adam "Nolly" Getgood e Bryan Beller e della produzione di George Lever.
L'EP ha una durata complessiva di circa 26 minuti distribuiti su 5 brani. Dal punto di vista lirico, l'opera esplora temi di smarrimento, disorientamento esistenziale e rielaborazione del cambiamento, come l'esperienza surreale di trovarsi bloccati in un incubo lucido (a fever dream) da cui si tenta di riemergere.
“In A Fever Dream” apre l'EP ponendo subito in chiaro le basi del nuovo corso. Inizia con arpeggi di synth ombrosi firmati da Pete Jones e riff di chitarra in accordatura ribassata firmati da Henshall. L'incedere è lento, atmosferico e quasi ipnotico, per poi esplodere in una sezione centrale ritmicamente complessa e sincopata dove la batteria di Ray Hearne guida cambi di tempo serrati. Esso rappresenta l'ingresso nella dimensione onirica distorta dove i versi descrivono la sensazione di perdere il controllo della realtà circostante e di sentirsi estranei persino a se stessi, una chiara metafora del senso di spaesamento provato di fronte ai grandi scossoni della vita.
Il singolo di punta dell’EP è “Delirium”, brano diretto, tirato e decisamente aggressivo che richiama le sonorità più pesanti di Vector e Virus. Si distingue per ritmiche d'impatto e uno spiccato dinamismo, in cui spiccano per la prima volta delle vocals quasi Post Hardcore sfumate ad accompagnare il canto pulito di Jennings. Il delirio descritto è l'incapacità di scindere i ricordi lucidi dalle allucinazioni provocate dalla febbre/trauma. Il ritornello è rabbioso e liberatorio, esprimendo il bisogno impellente di spezzare la spirale di paranoia.
Il brano più breve del lotto con i suoi tre minuti e mezzo è “Eclipsed By You”, dominato da un lavoro di tastiere dal gusto retro futurista e da linee di basso fluide e penetranti. Esso si muove su territori più sperimentali e dal groove spiccato. L'eclissi a cui fa riferimento il titolo simboleggia l'ombra ingombrante proiettata dalle aspettative esterne o dalle persone del passato. È una riflessione sulla perdita di identità e sulla fatica necessaria per ritrovare la propria voce.
“Bleeding Sky” invece è pubblicato come uno dei primi estratti dell'EP, e mette al centro melodie vocali struggenti sovrapposte a riff chitarristici taglienti. L'atmosfera è malinconica ma aperta, con un crescendo drammatico nella sezione finale dove le stratificazioni armoniche raggiungono l'apice. Il "cielo che sanguina" è l'immagine visiva della fine di un'era. C'è una forte componente di accettazione del dolore e del lutto emotivo, con la consapevolezza che le ferite sono indispensabili per avviare qualsiasi processo di guarigione.
L'apice compositivo dell'opera è la conclusiva “Lotus”. Parte con una suite acustica elettronica intima e cadenzata per poi svilupparsi in un classico impianto Progressive Rock articolato e avvolgente. Le linee soliste di Henshall e Jones dialogano tra loro creando un finale epico, meno cupo e più arioso rispetto al resto del disco. Il fiore di loto, tradizionalmente simbolo di rinascita che germoglia dal fango, chiude il cerchio narrativo. Dopo la febbre, il delirio e il senso di soffocamento, la traccia finale esprime una sensazione di catarsi e speranza: il risveglio dal sogno e la volontà di proiettarsi verso il futuro.
Infine “In A Fever Dream” sintetizza perfettamente il momento di transizione degli Haken. Pur riducendo leggermente i tecnicismi esasperati del passato a favore di maggiore groove, aggressività e pathos, la band dimostra una straordinaria capacità di reinventarsi senza perdere la propria matrice Prog. Interessante. MS 

Versione Inglese:

HAKEN - In A Fever Dream
Inside Out
Genre: Progressive Metal
Format: EP / CD / Digital – 2026

By now, we know the English band Haken well, but a historical note is always fitting: Formed in London in 2007 on the initiative of guitarist/keyboardist Richard Henshall and vocalist Ross Jennings, Haken have established themselves as one of the most innovative names in the contemporary Prog Metal scene. With their debut albums “Aquarius” (2010) and “Visions” (2011), the band showed strong influences from Dream Theater, Gentle Giant, and Yes, before earning international acclaim with the masterpiece “The Mountain” (2013). Albums like “Affinity” (2016), the conceptual duology “Vector” (2018) / “Virus” (2020), and the recent “Fauna” (2023) have progressively introduced Djent sounds, synthwave influences, and decidedly heavier, more modern elements.
Following the departure of longtime keyboardist Diego Tejeida (replaced by the return of Pete Jones), the band faced the separation from guitarist Charlie Griffiths and bassist Conner Green at the beginning of 2026. For “In A Fever Dream”, the remaining core—Ross Jennings, Richard Henshall, Raymond Hearne, and Pete Jones—felt the need to condense their expressive urgency into a dark, visceral, and compact EP, calling upon the bass contributions of Adam "Nolly" Getgood and Bryan Beller, along with the production of George Lever.
The EP has a total running time of about 26 minutes spread across 5 tracks. Lyrically, the work explores themes of feeling lost, existential disorientation, and processing change, much like the surreal experience of being trapped in a lucid nightmare (a fever dream) from which one tries to emerge.
“In A Fever Dream” opens the EP, immediately establishing the foundation for this new direction. It starts with shadowy synth arpeggios by Pete Jones and down-tuned guitar riffs by Henshall. The pace is slow, atmospheric, and almost hypnotic, before exploding into a rhythmically complex and syncopated central section where Ray Hearne's drums drive tight time signature changes. It represents the entry into a distorted dream dimension where the lyrics describe the feeling of losing control over surrounding reality and feeling like a stranger even to oneself—a clear metaphor for the sense of disorientation experienced when facing life's major upheavals.
The lead single of the EP is “Delirium”, a direct, driven, and decidedly aggressive track that recalls the heavier sounds of Vector and Virus. It stands out for its impactful rhythms and striking dynamism, featuring subtle, near-Post Hardcore vocals for the first time backing Jennings' clean singing. The delirium described is the inability to separate lucid memories from hallucinations caused by fever/trauma. The chorus is angry and cathartic, expressing the urgent need to break free from the spiral of paranoia.
The shortest track of the bundle at three and a half minutes is “Eclipsed By You”, dominated by retro-futuristic keyboard work and fluid, penetrating basslines. It moves through more experimental territories with a distinct groove. The eclipse referenced in the title symbolizes the towering shadow cast by external expectations or people from the past. It is a reflection on the loss of identity and the effort required to find one's own voice again.
“Bleeding Sky”, on the other hand, was released as one of the EP's first singles, centering around poignant vocal melodies layered over sharp guitar riffs. The atmosphere is melancholic yet open, building to a dramatic crescendo in the final section where harmonic layering reaches its peak. The "bleeding sky" serves as a visual image for the end of an era. There is a strong component of accepting pain and emotional grief, grounded in the realization that wounds are essential to initiating any healing process.
The compositional peak of the work is the closing track, “Lotus”. It begins as an intimate, mid-tempo acoustic-electronic suite before developing into an intricate, enveloping Progressive Rock arrangement. The lead lines of Henshall and Jones engage in dialogue, creating an epic finale that is less dark and more airy compared to the rest of the record. The lotus flower, traditionally a symbol of rebirth sprouting from the mud, brings the narrative full circle. After the fever, the delirium, and the feeling of suffocation, the final track conveys a sense of catharsis and hope: the awakening from the dream and the resolve to step forward into the future.
Ultimately, “In A Fever Dream” perfectly encapsulates Haken's transitional moment. While slightly dialing back the extreme technicality of the past in favor of more groove, aggression, and pathos, the band demonstrates a remarkable ability to reinvent themselves without losing their core Prog identity. Interesting.
MS

Una Suite: Supper's Ready

 

UNA SUITE: SUPPER’S READY

Genesis 1972

Quante volte abbiamo parlato ed ascoltato la suite per eccellenza del Rock Progressivo di tutti i tempi “Supper’s Ready” dei Genesis. Essa ha fatto scuola a migliaia di altre band e ad un sistema che ancora oggi non cenna di esistere. Ma cosa ha voluto significare veramente nel teso e nell’approccio alla musica? In questo piccolo speciale NONSOLO PROGROCK tenta di fare chiarezza su alcuni aspetti del brano.
Pubblicata nel 1972 all'interno dell'album “Foxtrot”, "Supper's Ready" è considerata una delle pietre miliari indiscutibili del Rock Progressivo. Con i suoi 23 minuti di durata divisi in 7 sezioni collegate, è una suite monumentale che fonde allegoria biblica, satira sociale, surrealismo, mitologia classica e un’esperienza personale profondamente angosciante.
Per comprendere l'opera, occorre calarla nell'atmosfera della Gran Bretagna dei primi anni '70:
Il 1972 è un anno d'oro per il Prog britannico (con capolavori di Yes, ELP, Jethro Tull). I musicisti non cercano più la semplice canzone pop da tre minuti, ma concepiscono gli album come opere sinfoniche strutturate, capaci di esplorare temi filosofici ed letterari complessi.
Svanito l'entusiasmo della "Summer of Love" e del '68, gli anni '70 si aprono con incertezza economica, tensioni sociali e l'ombra costante della Guerra Fredda e della minaccia nucleare. Il senso di imminente apocalisse presente nel brano riflette questo clima di precarietà collettiva.
Durante il tour di “Foxtrot”, Peter Gabriel iniziò a indossare costumi iconici per interpretare le varie sezioni della suite (la testa di volpe, l'abito rosso, la maschera del "Magog"). Questa dimensione teatrale rese i Genesis una delle band dal vivo più scenografiche del pianeta.
Il nucleo emotivo nasce da un episodio reale vissuto da Peter Gabriel. Una notte, mentre si trovava con la moglie Jill e il loro tour manager Richard Macphail in una stanza sottotetto a Kensington, Jill entrò in una sorta di stato di trance catatonica. Gabriel raccontò di aver percepito una presenza maligna nella stanza, vedendo persino le volti delle persone trasformarsi.
Per scacciare quell'atmosfera d'orrore improvvisò una croce con dei candelabri. L'evento lasciò un segno profondo nel cantante, spingendolo a riflettere sullo scontro spirituale tra le forze della luce e delle tenebre.
Il testo segue il viaggio spirituale di due amanti che vengono separati da forze cosmiche, attraversano un mondo distorto e apocalittico, e infine assistono al trionfo finale del Bene.
 

L’analisi:

 
“Lover's Leap”: Una tranquilla scena domestica tra due amanti si trasforma, guardando fuori dalla finestra, i volti cambiano e le ombre rivelano la presenza del male.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man” : Riguarda la satira sul potere e la religione. Compare un falso messia televangelista, un vigile urbano che promette la salvezza eterna in cambio di denaro e sottomissione. È una critica al dogmatismo e ai demagoghi.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Qui ci sono riferimenti al faraone Akhenaton e all'inquisizione. Viene descritta una battaglia cosmica dove l'umanità viene massacrata da eserciti meccanici.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citando il mito di Narciso, la sezione descrive il crollo della civiltà. I sopravvissuti si trasformano in statue di marmo, simbolo di egoismo e aridità spirituale.
 
“Willow Farm”: E’ un'improvvisa esplosione surreale e satirica (in stile Monty Python). Un mondo al contrario dove le persone diventano piante e la realtà è una farsa controllata.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In uno dei tempi musicali più celebri della storia del rock (9/8 con l'assolo di tastiera di Tony Banks), appare la Bestia dell’Apocalisse (Magog) insieme ai 666 draghi. È il culmine drammatico della suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Sulle note solenni di “Lover's Leap” rielaborate in chiave trionfale, appare la Nuova Gerusalemme. Il brano si chiude con il richiamo alla "Cena di Nozze dell'Agnello" (dal libro dell'Apocalisse di Giovanni).
 
Il titolo stesso, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), fa riferimento diretto al Capitolo 19 del Libro dell'Apocalisse, in cui si parla della "Cena delle Nozze dell'Agnello", il momento in cui Cristo si unisce definitivamente alla sua sposa (l'umanità redenta) dopo la sconfitta del male.
Nonostante le ambientazioni bizzarre e i giochi di parole tipici dello stile di Gabriel, il messaggio di fondo è profondamente umanista e spirituale: l'amore umano e la compassione sono gli unici strumenti capaci di guidare l'individuo attraverso la follia del mondo moderno, le illusioni del potere e l'oscurità spirituale. MS

Versione Inglese: 

A SUITE: SUPPER’S READY

Genesis - 1972

 
How many times have we spoken about and listened to the suite par excellence of all-time Progressive Rock, “Supper’s Ready” by Genesis. It set the standard for thousands of other bands and for a movement that still shows no sign of ceasing to exist today. But what did it truly mean in its lyrics and in its approach to music? In this short special, NONSOLO PROGROCK attempts to shed light on certain aspects of the track.
Released in 1972 on the album “Foxtrot”, "Supper's Ready" is considered one of the indisputable milestones of Progressive Rock. Clocking in at 23 minutes divided into 7 interconnected sections, it is a monumental suite that blends biblical allegory, social satire, surrealism, classical mythology, and a deeply distressing personal experience.
To understand the work, one must place it within the atmosphere of early 1970s Britain:
1972 was a golden year for British Prog (with masterpieces by Yes, ELP, Jethro Tull). Musicians were no longer looking for the simple three-minute pop song, but were conceiving albums as structured symphonic works, capable of exploring complex philosophical and literary themes.
With the enthusiasm of the "Summer of Love" and '68 having faded, the '70s opened with economic uncertainty, social tension, and the constant shadow of the Cold War and the nuclear threat. The sense of impending apocalypse present in the track reflects this atmosphere of collective precariousness.
During the “Foxtrot” tour, Peter Gabriel began wearing iconic costumes to interpret the various sections of the suite (the fox head, the red dress, the "Magog" mask). This theatrical dimension made Genesis one of the most visually spectacular live bands on the planet.
The emotional core stems from a real-life episode experienced by Peter Gabriel. One night, while staying with his wife Jill and their tour manager Richard Macphail in an attic room in Kensington, Jill entered a sort of catatonic trance state. Gabriel recounted perceiving an evil presence in the room, even seeing people's faces transform.
To drive away that atmosphere of horror, he improvised a cross using candleholders. The event left a deep mark on the singer, prompting him to reflect on the spiritual clash between the forces of light and darkness.
The lyrics follow the spiritual journey of two lovers who are separated by cosmic forces, traverse a distorted and apocalyptic world, and finally witness the ultimate triumph of Good.
 

The analysis:

 
“Lover's Leap”: A quiet domestic scene between two lovers is transformed; looking out the window, faces change and shadows reveal the presence of evil.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man”: Concerns satire on power and religion. A fake televangelist messiah appears—a traffic warden promising eternal salvation in exchange for money and submission. It is a critique of dogmatism and demagogues.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Here there are references to the pharaoh Akhenaten and the Inquisition. A cosmic battle is described where humanity is slaughtered by mechanical armies.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citing the myth of Narcissus, this section describes the collapse of civilization. The survivors turn into marble statues, symbolizing selfishness and spiritual sterility.
 
“Willow Farm”: This is a sudden surreal and satirical explosion (in the style of Monty Python). An upside-down world where people turn into plants and reality is a controlled farce.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In one of the most famous time signatures in rock history (9/8 with Tony Banks's keyboard solo), the Beast of the Apocalypse (Magog) appears along with the 666 dragons. It is the dramatic climax of the suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Over the solemn notes of “Lover's Leap” reworked in a triumphant key, the New Jerusalem appears. The track closes with a reference to the "Marriage Supper of the Lamb" (from the Book of Revelation by John).
 
The title itself, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), makes a direct reference to Chapter 19 of the Book of Revelation, which speaks of the "Marriage Supper of the Lamb"—the moment when Christ is definitively united with his bride (redeemed humanity) following the defeat of evil.
Despite the bizarre settings and wordplay typical of Gabriel's style, the underlying message is deeply humanist and spiritual: human love and compassion are the only tools capable of guiding the individual through the madness of the modern world, the illusions of power, and spiritual darkness.
MS

The Emerald Dawn

THE EMERALD DAWN - The Land, The Sea, The Air (Volume II)
Worlds End Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Nati formalmente nel 2014 con il debutto “Searching For The Lost Key”, The Emerald Dawn si sono progressivamente imposti all'attenzione della critica e degli appassionati grazie a una proposta musicale fortemente atmosferica, sinfonica e spirituale. Lontani dai cliché del Neo Prog più derivativo, nel tempo sviluppano un suono ancestrale e fantasioso, fortemente influenzato dai paesaggi mistici, selvaggi e nebbiosi della Cornovaglia.
Attraverso pietre miliari come “Visions” (2017), il notturno ed elegantissimo “Nocturne” (2019), l'acclamato “To Touch The Sky” (2021) e l'intrigante “In Time” (2023), il gruppo ha costantemente affinato un approccio in cui la dilatazione dei tempi, la magniloquenza delle tastiere e gli inserimenti quasi Folk o Jazz Fusion dei fiati creano suite capaci di sospendere il tempo.
Nel biennio 2025-2026, la band affronta in modo esplicito la tematica della crisi ecologica globale attraverso il doppio concept “The Land, The Sea, The Air”.
La forza e l'incredibile coesione dell'ensemble derivano da una line-up solidissima, rimasta invariata dal 2019, Ally Carter (chitarra, sax, tastiere), Tree Stewart (voce, tastiere, flauto), Dave Greenaway (basso a 6 corde), e Tom Jackson (batteria).
“The Land, The Sea, The Air (Volume II)” si sviluppa, nel classico stile magniloquente della band,  su tre lunghe composizioni epiche per un minutaggio complessivo di circa 45 minuti. Il primo volume gettava le basi visive e spirituali del deterioramento ambientale, mentre il “Volume II” scende nella drammaticità dell'impatto antropico, cercando però una via finale di speranza e riconciliazione.
La suite iniziale di oltre 21 minuti intitolata “Song Of The Rainforest”, è costruita idealmente sul modello di grandi suite del passato come “Close To The Edge” degli Yes (per fare un esempio). La traccia si apre con il movimento “Balance”, dominato dalle tessiture vellutate e ariose delle tastiere di Tree Stewart e dal flauto, evocando la sacralità incontaminata e l'equilibrio biologico della foresta pluviale.
L'idillio viene spezzato in “Incursions”, dove il brano subisce una brusca virata ritmica grazie al basso di Greenaway che si fa serrato e ostinato, la batteria di Jackson acquista altresì  una spinta quasi tribale e spigolosa, mentre Ally Carter interviene con un assolo dissonante all'oboe e ai sassofoni. Questo segmento lambisce territori vicini alla Free Jazz e alla scena di Canterbury, a simboleggiare la violenza della deforestazione e l'irruzione distruttiva delle macchine umane.
Nei movimenti finali “Loss” e “Regret”, la tensione si scioglie in una struggente elegia malinconica, guidata da una chitarra elettrica solista dal lirismo straziante (che ricorda il David Gilmour più ispirato) che piange la bellezza perduta.
Il secondo brano “Rivers Of Tears” suddiviso in due parti, unisce momenti strumentali a una forte componente lirica. “The Natural Cycle” descrive il fluire puro dell'acqua, sorgente di vita che scorre dalle montagne fino all'oceano. Dal punto di vista musicale, il brano vive del continuo dialogo tra il pianoforte e la Roli Seaboard di Tree Stewart, che crea suoni liquidi e fluttuanti, sorretti dal calore del basso fretless di Greenaway. Con l'arrivo della sezione “Disruption”, l'atmosfera si scurisce pesantemente. Le chitarre si fanno pesanti, quasi Doom Prog, e il sax di Carter ruggisce cupo sopra una ritmica spezzata. Il testo a sua volta si fa esplicito e accusatorio:
"Through the rivers flows the lifeblood of the land,
And we inject poison into its veins."
(Attraverso i fiumi scorre la linfa vitale della terra,
E noi iniettiamo veleno nelle sue vene.)
La voce di Tree Stewart, eterea ma ferma, funge da monito etico, denunciando l'inquinamento sistematico e l'indifferenza con cui l'umanità sacrifica le proprie risorse idriche sull'altare del profitto industriale.
L’album si conclude con “Paradise”, anche qui la prima sezione, “Losing Paradise”, è dominata da un senso di urgenza drammatica. I sintetizzatori disegnano traiettorie taglienti e i testi focalizzano l'attenzione sul consumismo sfrenato e sull'ossessione per il progresso tecnologico a discapito della sopravvivenza del pianeta. Tuttavia, i The Emerald Dawn decidono di non chiudere l'opera nel nichilismo. Nel secondo movimento, “Harmony Regained”, il brano si apre a una splendida e maestosa modulazione in chiave maggiore. La chitarra acustica a 12 corde, il flauto e un imponente arrangiamento sinfonico di tastiere evocano una rinascita. È un finale colmo di speranza e di spiritualità laica, un invito a riscoprire una coesistenza armonica con la biosfera prima che sia troppo tardi.
In conclusione, l’opera gode di coerenza artistica, e i The Emerald Dawn si confermano maestri nel creare musica che non è solo una sequenza di note piacevoli, ma un vero e proprio rituale sonoro che avvolge l'ascoltatore, spingendolo a riflettere su uno dei temi più cruciali del nostro tempo attraverso la bellezza immortale del grande Rock Progressivo. MS 

PER ASCOLTO: https://theemeralddawn.bandcamp.com/album/pre-order-of-the-land-the-sea-the-air-volume-ii

Versione Inglese: 

THE EMERALD DAWN - The Land, The Sea, The Air (Volume II)
Worlds End Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Formally born in 2014 with the debut “Searching For The Lost Key”, The Emerald Dawn have progressively established themselves in the attention of critics and fans thanks to a highly atmospheric, symphonic, and spiritual musical style. Far from the clichés of the most derivative Neo Prog, over time they developed an ancestral and imaginative sound, strongly influenced by the mystical, wild, and misty landscapes of Cornwall.
Through milestones such as “Visions” (2017), the nocturnal and extremely elegant “Nocturne” (2019), the acclaimed “To Touch The Sky” (2021), and the intriguing “In Time” (2023), the group has constantly refined an approach where the expansion of time, the grandiosity of the keyboards, and the almost Folk or Jazz Fusion insertions of the woodwinds and horns create suites capable of suspending time.
In the 2025-2026 two-year period, the band explicitly addresses the theme of the global ecological crisis through the double concept “The Land, The Sea, The Air”.
The strength and incredible cohesion of the ensemble stem from a rock-solid line-up, which has remained unchanged since 2019: Ally Carter (guitar, sax, keyboards), Tree Stewart (vocals, keyboards, flute), Dave Greenaway (6-string bass), and Tom Jackson (drums).
“The Land, The Sea, The Air (Volume II)” unfolds, in the band's classic grandiose style, across three long epic compositions for a total running time of about 45 minutes. The first volume laid the visual and spiritual foundations of environmental deterioration, while “Volume II” delves into the drama of the anthropogenic impact, yet seeks a final path of hope and reconciliation.
The initial suite of over 21 minutes entitled “Song Of The Rainforest” is ideally built on the model of great suites of the past like Yes's “Close To The Edge” (to give an example). The track opens with the movement “Balance”, dominated by the velvety and airy textures of Tree Stewart's keyboards and the flute, evoking the untouched sacredness and biological balance of the rainforest.
The idyll is shattered in “Incursions”, where the piece undergoes a sharp rhythmic turn thanks to Greenaway's bass which becomes tight and obstinate, while Jackson's drums also acquire an almost tribal and angular drive, as Ally Carter steps in with a dissonant solo on the oboe and saxophones. This segment borders on territories close to Free Jazz and the Canterbury scene, symbolizing the violence of deforestation and the destructive intrusion of human machines.
In the final movements “Loss” and “Regret”, the tension dissolves into a poignant, melancholic elegy, guided by a lead electric guitar of heartbreaking lyricism (reminiscent of the most inspired David Gilmour) that mourns the lost beauty.
The second track “Rivers Of Tears”, divided into two parts, combines instrumental moments with a strong lyrical component. “The Natural Cycle” describes the pure flow of water, a source of life running from the mountains down to the ocean. From a musical standpoint, the song thrives on the continuous dialogue between the piano and Tree Stewart's Roli Seaboard, which creates liquid and floating sounds, supported by the warmth of Greenaway's fretless bass. With the arrival of the section “Disruption”, the atmosphere darkens heavily. The guitars become heavy, almost Doom Prog, and Carter's sax roars darkly over a broken rhythm. The lyrics, in turn, become explicit and accusatory:
"Through the rivers flows the lifeblood of the land,
And we inject poison into its veins."
(Attraverso i fiumi scorre la linfa vitale della terra,
E noi iniettiamo veleno nelle sue vene.)
Tree Stewart's voice, ethereal yet firm, acts as an ethical warning, denouncing the systematic pollution and the indifference with which humanity sacrifices its water resources on the altar of industrial profit.
The album concludes with “Paradise”; here too, the first section, “Losing Paradise”, is dominated by a sense of dramatic urgency. The synthesizers draw sharp trajectories and the lyrics focus attention on unbridled consumerism and the obsession with technological progress at the expense of the planet's survival. However, The Emerald Dawn decide not to close the work in nihilism. In the second movement, “Harmony Regained”, the piece opens up to a splendid and majestic major key modulation. The 12-string acoustic guitar, the flute, and an impressive symphonic arrangement of keyboards evoke a rebirth. It is an ending full of hope and secular spirituality, an invitation to rediscover a harmonious coexistence with the biosphere before it is too late.
In conclusion, the work enjoys artistic coherence, and The Emerald Dawn confirm themselves as masters in creating music that is not just a sequence of pleasant notes, but a true sonic ritual that envelops the listener, urging them to reflect on one of the most crucial themes of our time through the immortal beauty of great Progressive Rock. MS

For Listening: https://theemeralddawn.bandcamp.com/album/pre-order-of-the-land-the-sea-the-air-volume-ii

Lalu

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genere: Metal Progressive / Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

I francesi Lalu sono una delle mie band preferite d’oltralpe, vuoi per le sonorità moderne e elettriche, ma soprattutto perché hanno saputo nel tempo assimilare la lezione dei gruppi del passato.
“A Mythmaker’s Demise” celebra i 20 anni di storia della band, iniziata nel 2005 con il disco d'esordio “Oniric Metal”. Nascono come creatura intellettuale di Vivien Lalu, figlio d'arte (i suoi genitori facevano parte della progressive band francese Polène) e tastierista di grande talento. Vivien è noto anche per la sua militanza nei supergruppi Progressive Metal A-Z (insieme a Ray Alder dei Fates Warning) e per aver collaborato negli anni con musicisti del calibro di Jordan Rudess, Virgil Donati e James LaBrie. Da qui si può già evincere l’orientamento stilistico.
Il quarto album in studio “The Fish Who Wanted To Be King” (2023) denota già una svolta verso sonorità più calde, vicine al Progressive Rock classico alla Yes, Rush, Genesis e Marillion. Per questo album celebrativo, Vivien Lalu ha riunito una formazione d'eccezione: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), lo storico cantante dei primi lavori torna alla voce con interpretazioni evocative.  Joop Wolters, l’inseparabile chitarrista e bassista, co-autore degli arrangiamenti.  Simon Phillips, leggendario batterista (ex-Toto, Protocol), la cui batteria è stata registrata dal vivo in presa diretta senza campionamenti né correzioni artificiali e Jens Johansson, ospite speciale alle tastiere in diversi assoli (Stratovarius).
L'album riflette sul mancato spazio per l'immaginazione e la mitologia umana nell'era dell'Intelligenza Artificiale. La splendida copertina illustrata da Mattias Norén ritrae uno scrittore e creatore che muore alla sua scrivania mentre le sue creature mitiche cercano di fuggire verso un mondo che non le celebra più.
Ma veniamo alla musica, “Tears Of The Muse” simboleggia proprio il lamento della Musa ispiratrice dimenticata, attraverso un brano che riesce a bilanciare tratti oscuri a cambi di tempo dinamici. Nel testo, la Musa piange perché non trova più menti disposte ad ascoltarla o a sognare.
Nel brano “EKO” la band gioca sul concetto di "eco" stesso. Il testo denuncia una società in cui l'arte e la comunicazione non sono più originali, ma semplici rimbombi e riproduzioni di idee già esistenti. Apre il piano e il phone voice di Martin Lemar il quale lascia la scena ad un bellissimo seppur breve assolo di chitarra. Si evincono sprazzi di Queensryche prima era.
In “I Am The One” la melodia sale in cattedra fra cambi di tempo e una ritmica serrata che riporta la mente verso gli anni ‘80. È uno dei brani più personali del disco e racconta il contrasto stridente tra la routine diurna (lavori d'ufficio, schemi rigidi, aspettative sociali) e l'anima notturna dell'artista. A questo punto c’è un momento strumentale dal titolo “Mayacama” che mette in luce tutte le qualità balistiche dei singoli strumentisti, soprattutto le partiture di chitarra e il dialogo fra il basso ed i synth.
Interessante “Prince With The Swift Warning”, dove ancora una volta il lavoro alla batteria di Simon Phillips sorprende per tecnica e fluidità. Il movimento è a tratti sognante, alternando la formula “schiaffo e bacio”.
“Learning To Fly” non è quella dei Pink Floyd, ma una mini suite delicata a tratti prossima ai passaggi di alcuni Marillion di mezza era discografica. La canzone riflette sulla volontà di superare i propri limiti intellettuali e spirituali. Si parla della paura di cadere ma anche dell'inevitabile spinta umana a voler spiccare il volo.
Segue un altro strumentale dal titolo “A Drop Of Water”, un breve intermezzo acustico che simboleggia la semplicità, la purezza e la fragilità dell'ispirazione: una singola goccia d'acqua in un deserto di tecnologia.
Si ritorna al Rock con “Fhloston Paradise”, la voce ricorda nuovamente quella di Geoff Tate (Queensryche) e racconta la tentazione di rifugiarsi in un "paradiso virtuale" perfetto e patinato, scoprendo però che si tratta di una prigione dorata priva di vere emozioni, imperfezioni e umanità. Uno dei momenti maggiormente Metal Prog.
Fra le mie preferite c’è “Cordal Weaves”, un perfetto bilanciamento fra sensazioni differentemente marcate, ritmicamente variegata e ottimamente arrangiata. Qui la narrazione si sposta dall'individuo alla collettività ed è una dichiarazione d'amore verso la musica come filo invisibile che unisce le anime degli uomini attraverso le generazioni.
Chiude “Midnight Ink”, il momento in cui l'autore ripone la penna, consapevole che il suo tempo è finito, ma trova la pace nel sapere di aver dato tutto ciò che poteva. Una perla sonora.
"A Mythmaker’s Demise è molto più di un eccellente disco di Progressive Rock, è una lettera d'amore alla fragilità dell'ispirazione umana e al coraggio di sognare in un mondo che sembra aver dimenticato come si fa. Musica per tutti i padiglioni auricolari. MS

Versione Inglese: 

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genre: Progressive Metal / Progressive Rock
Media: CD / Digital – 2026

The French band Lalu is one of my favorite groups from across the Alps, partly for their modern, electric sound, but above all because over time they have successfully absorbed the lessons of the great bands of the past.
“A Mythmaker’s Demise” celebrates the band's 20-year history, which began in 2005 with their debut album “Oniric Metal”. They originated as the intellectual brainchild of Vivien Lalu, a gifted keyboardist born into music (his parents were members of the French progressive band Polène). Vivien is also known for his tenure in the Progressive Metal supergroup A-Z (alongside Ray Alder of Fates Warning) and for having collaborated over the years with musicians of the caliber of Jordan Rudess, Virgil Donati, and James LaBrie. From this, one can already deduce their stylistic direction.
Their fourth studio album, “The Fish Who Wanted To Be King” (2023), already showed a shift toward warmer sounds, closer to classic Progressive Rock in the vein of Yes, Rush, Genesis, and Marillion. For this anniversary album, Vivien Lalu has assembled an exceptional lineup: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), the historical vocalist from their early works, returns on vocals with evocative performances. Joop Wolters, the inseparable guitarist and bassist, co-wrote the arrangements. Simon Phillips, the legendary drummer (ex-Toto, Protocol), whose drums were recorded live in a single room without sampling or artificial corrections, and Jens Johansson, special guest on keyboards for several solos (Stratovarius).
The album reflects on the lack of room for human imagination and mythology in the era of Artificial Intelligence. The splendid cover artwork illustrated by Mattias Norén depicts a writer and creator dying at his desk while his mythical creatures attempt to flee toward a world that no longer celebrates them.
 
Moving on to the music, “Tears Of The Muse” symbolizes the very lament of the forgotten inspiring Muse through a track that manages to balance dark undertones with dynamic time changes. In the lyrics, the Muse weeps because she no longer finds minds willing to listen to her or to dream.
In the track “EKO”, the band plays on the concept of "echo" itself. The lyrics denounce a society in which art and communication are no longer original, but mere reverberations and reproductions of pre-existing ideas. It opens with piano and Martin LeMar's telephonic-effect vocals, which then hand over the stage to a beautiful, albeit brief, guitar solo. Traces of early-era Queensrÿche shine through.
In “I Am The One”, melody takes center stage amidst time shifts and a tight rhythm section that brings the 1980s back to mind. It is one of the most personal tracks on the record, detailing the striking contrast between daytime routine (office jobs, rigid structures, social expectations) and the artist's nocturnal soul. At this point, there is an instrumental moment titled “Mayacama” that showcases all the technical prowess of the individual musicians, particularly the guitar parts and the dialogue between bass and synths.
“Prince With The Swift Warning” is interesting, where once again Simon Phillips' drum work surprises with its technique and fluidity. The movement is at times dreamy, alternating a "slap and kiss" dynamic.
“Learning To Fly” is not the Pink Floyd song, but rather a delicate mini-suite that at times approaches passages reminiscent of mid-era Marillion. The song reflects on the desire to transcend one's intellectual and spiritual boundaries. It speaks of the fear of falling, but also of the inevitable human urge to take flight.
Followed by another instrumental titled “A Drop Of Water”, a short acoustic interlude that symbolizes the simplicity, purity, and fragility of inspiration: a single drop of water in a desert of technology.
We return to Rock with “Fhloston Paradise”; the vocals once again recall Geoff Tate (Queensrÿche) and tell of the temptation to take refuge in a perfect, glossy "virtual paradise", only to discover that it is a gilded cage devoid of true emotion, imperfection, and humanity. One of the heavier Prog Metal moments.
Among my favorites is “Cordal Weaves”, a perfect balance between distinctly marked feelings, rhythmically varied, and brilliantly arranged. Here the narrative shifts from the individual to the collective, serving as a love letter to music as an invisible thread connecting human souls across generations.
Closing the album is “Midnight Ink”, the moment when the author lays down his pen, aware that his time has come to an end, yet finding peace in knowing he gave everything he could. A musical gem.
"A Mythmaker’s Demise" is much more than an excellent Progressive Rock record; it is a love letter to the fragility of human inspiration and to the courage to dream in a world that seems to have forgotten how. Music for all ears. MS