Andrea Casale

ANDREA CASALE - A Nightwalk On A Sunny Road
045 Records
Genere: Art Rock
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

“A Nightwalk on a Sunny Road” è l'atteso ritorno discografico di Andrea Casale, pubblicato all'inizio del 2026 (con un'anteprima in vinile e su alcune piattaforme tra la fine del 2025 e gennaio 2026). Si tratta del secondo album del musicista tarantino, arrivato a ben dodici anni di distanza dal suo esordio Tourist in My Hometown (2014).
“A Nightwalk On A Sunny Road” si muove in un territorio sonoro raffinato che mescola Art Rock, Progressive contemporaneo e Pop alternativo e rappresenta un viaggio introspettivo e maturo, influenzato dalle esperienze di vita dell'autore, inclusi gli anni trascorsi a lavorare in Burundi e il successivo trasferimento a Verona. Nonostante non sia un concept album in senso stretto, i brani sono legati da un'atmosfera coerente: un tono "notturno" e spirituale che invita l'ascoltatore a riconnettersi con i propri sentimenti.
Il lavoro vanta collaborazioni di altissimo livello nel mondo del Prog e della musica colta, tra cui Richard Sinclair (leggenda della scena di Canterbury, membro di Caravan, Camel e Hatfield and the North) e Ayanna Witter-Johnson (violoncellista e compositrice inglese).
Il titolo stesso, "Una camminata notturna su una strada soleggiata", racchiude il contrasto emotivo del disco, ossia la ricerca di luce e chiarezza interiore partendo da un momento di buio o di stasi creativa. Casale ha dichiarato di aver iniziato a scrivere questi brani nel 2019, proprio quando pensava che la musica non avrebbe più fatto parte della sua vita professionale.
Otto i brani contenuti, a iniziare da “Say My Name (and I'll disappear)”, caratterizzato da quell’intro sognante che crea grandi aspettative per l’ascolto, proprio come ama un fan del Progressive Rock.
Segue “A Cup Of Tea Full Of Rain”, con l'elettronica a supporto. Questo brano (che vede la partecipazione di Richard Sinclair) è il cuore emotivo del disco. Il testo evoca immagini domestiche e surreali: la pioggia che cade in una tazza di tè. Rappresenta l'accettazione della tristezza non come un male, ma come un elemento naturale della vita, da sorseggiare con calma.
“Pages Of Dusk” mette in luce l’essenza di Andrea Casale come artista e come uomo, mostrando l’anima sensibile che avvolge la sua musica fra tastiere e atmosfere leggiadre.
C’è una variante che fa capolino nella World music e s’intitola “Shape Of Your Nose”, un equilibrio fra Art Rock e cantautorato.
In “Things Beyond My Knowledge” Casale affronta il tema dell'ignoto. Dopo l'esperienza in Burundi e il ritorno in un'Europa cambiata, i testi riflettono sulla consapevolezza che non tutto può essere controllato o compreso. È un inno all'umiltà intellettuale e spirituale. La pianistica “No More Flowers” è un soffio sull’anima, semplice e diretta. Il tono si fa più crudo, parlando della fine di certi cicli (relazionali o artistici) e del rifiuto di continuare a nutrire qualcosa che è ormai appassito.
Chiudono l’album “To Thousands And 9” e “Finale”. Il canto di Casale a tratti richiama Tim Bowness dei No-Man (un riferimento familiare per chi conosce il mondo di Steven Wilson), in realtà, “A Nightwalk On A Sunny Road” è un lavoro consigliato a chi ama il Prog "umanista" alla Genesis o Peter Gabriel, ma con una sensibilità moderna e cantautorale.
La produzione, curata da Francesco Ambrosini (noto come Duck Chagall) presso lo Studio Tega di Verona, ne esalta le qualità compositive. Oltre al digitale, il disco è stato rilasciato in una prestigiosa edizione limitata in vinile nero da 180g (150 copie) con artwork curato da Elton Fernandes. Dategli un ascolto e vedrete che non ne resterete delusi. MS

Versione Inglese: 

ANDREA CASALE - A Nightwalk On A Sunny Road
045 Records
Genre: Art Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

“A Nightwalk on a Sunny Road” marks the long-awaited return of Andrea Casale, released in early 2026 (following a vinyl preview and select platform release between late 2025 and January 2026). This is the second album from the Taranto-born musician, arriving a full twelve years after his debut, Tourist in My Hometown (2014).
“A Nightwalk On A Sunny Road” navigates a refined sonic landscape that blends Art Rock, contemporary Progressive, and alternative Pop. It represents a mature and introspective journey, shaped by the author's life experiences, including years spent working in Burundi and his subsequent move to Verona. While not a concept album in the strictest sense, the tracks are bound by a cohesive atmosphere: a "nocturnal" and spiritual tone that invites the listener to reconnect with their own emotions.
The work boasts high-level collaborations from the worlds of Prog and cultured music, including Richard Sinclair (a legend of the Canterbury scene and member of Caravan, Camel, and Hatfield and the North) and Ayanna Witter-Johnson (English cellist and composer).
The title itself, "A Nightwalk on a Sunny Road," encapsulates the album's emotional contrast—the search for light and inner clarity emerging from a moment of darkness or creative stasis. Casale stated that he began writing these songs in 2019, at a time when he believed music would no longer be a part of his professional life.
The album features eight tracks, beginning with “Say My Name (and I’ll disappear),” featuring a dreamy intro that sets high expectations for the listener, just as any Progressive Rock fan would appreciate.
This is followed by “A Cup Of Tea Full Of Rain,” supported by electronic elements. This track (featuring Richard Sinclair) is the emotional heart of the record. The lyrics evoke domestic and surreal imagery: rain falling into a teacup. It represents the acceptance of sadness not as an affliction, but as a natural element of life, to be sipped slowly.
“Pages Of Dusk” highlights the essence of Andrea Casale as both an artist and a man, revealing the sensitive soul that envelops his music amidst keyboards and graceful atmospheres.
A variation leaning toward World Music appears in “Shape Of Your Nose,” finding a balance between Art Rock and singer-songwriter sensibilities.
In “Things Beyond My Knowledge,” Casale tackles the theme of the unknown. Following his experience in Burundi and his return to a changed Europe, the lyrics reflect on the realization that not everything can be controlled or understood. It is an anthem to intellectual and spiritual humility. The piano-led “No More Flowers” is a breath upon the soul, simple and direct. Here, the tone becomes rawer, speaking of the end of certain cycles (whether relational or artistic) and the refusal to continue nurturing something that has already withered.
The album closes with “To Thousands And 9” and “Finale.” At times, Casale’s vocals recall Tim Bowness of No-Man (a familiar reference for those acquainted with the world of Steven Wilson); in truth, “A Nightwalk On A Sunny Road” is a work recommended for those who love "humanist" Prog in the vein of Genesis or Peter Gabriel, but with a modern, singer-songwriter sensitivity.
The production, handled by Francesco Ambrosini (known as Duck Chagall) at Studio Tega in Verona, enhances the compositional quality of the work.
In addition to the digital release, the album was issued in a prestigious limited edition 180g black vinyl (150 copies) with artwork by Elton Fernandes. Give it a listen; you will not be disappointed. MS

 

 

 

il nuovo singolo dei FABULA NOVA

 "My Reflection Fades" il nuovo singolo dei FABULA NOVA

"My Reflection Fades" è l'intenso singolo dei Fabula Nova, pubblicato a marzo del 2026. Il brano segna il ritorno della band Neo Progressive italiana (fondata da Danilo Pantusa e Valentina D'Angela) e funge da apripista per il loro nuovo concept album, “The Edge (pt. 2)”.
Il singolo vede la partecipazione di Giorgio Belluscio e si inserisce perfettamente nel solco del Prog Rock moderno, unendo atmosfere oniriche a una carica energetica notevole.

 
Il brano non è solo un esercizio di stile musicale, ma il cuore pulsante di una narrazione drammatica e profonda e continua il racconto iniziato con “The Edge (pt. 1)”. Al centro troviamo la lotta interiore di una giovane musicista, madre di Iris (la futura protagonista dell'album).
Il testo e le atmosfere descrivono un senso di alienazione. La protagonista si muove attraverso visioni distorte: una casa in rovina, un cammino verso un mare di acque nere che la attraggono inesorabilmente.
Una volta immersa in queste "acque", viene assalita da ombre mostruose che rappresentano l'ignoto e la depressione.
L'unico elemento di luce è l'amore per la figlia neonata, rappresentato metaforicamente come un filo luminoso. Questo legame le dà la forza per un ultimo tentativo di resistenza prima di essere inghiottita dalle ombre.

Le atmosfere sono oscure e malinconiche sotto la forma estremamente cinematografica.
Atmosfera: Oscura, malinconica e cinematografica.
La fine della storia legata al singolo lascia un'eredità importante per il resto dell'album: un'audio-cassetta contenente l'ultimo messaggio della donna per la piccola Iris, che diventerà il perno della trama futura.
 
Se amate il Prog che sa essere tecnico ma non rinuncia all'emozione pura, questo brano dei Fabula Nova è un ottimo esempio di come il genere stia evolvendo in Italia, puntando molto sulla narrazione "concept" di alto livello.

Versione Inglese: 

My Reflection Fades: The New Single by FABULA NOVA

 
"My Reflection Fades" is the intense new single by Fabula Nova, released in March 2026. The track marks the return of the Italian Neo-Progressive band (founded by Danilo Pantusa and Valentina D'Angela) and serves as the lead single for their upcoming concept album, “The Edge (pt. 2)”.
Featuring Giorgio Belluscio, the single fits perfectly within the landscape of modern Prog Rock, blending dreamlike atmospheres with remarkable energy.
 

The song is more than just a musical exercise; it is the beating heart of a deep, dramatic narrative that continues the story started in “The Edge (pt. 1)”. At its center is the internal struggle of a young musician and mother to Iris (the future protagonist of the album).

The lyrics and atmosphere depict a profound sense of alienation. The protagonist moves through distorted visions: a house in ruins and a path toward a sea of black waters that pull her in relentlessly. Once submerged in these "waters," she is set upon by monstrous shadows representing the unknown and depression.
The only element of light is the love for her newborn daughter, metaphorically represented as a glowing thread. This bond gives her the strength for one final act of resistance before being swallowed by the shadows.

 
The end of the story tied to this single leaves behind a crucial inheritance for the rest of the album: an audio cassette containing the woman's final message to little Iris, which will become the linchpin of the future plot.
 
If you love Prog that is technical yet refuses to sacrifice pure emotion, this track by Fabula Nova is a prime example of how the genre is evolving in Italy, focusing heavily on high-level "concept" storytelling.

Riccardo Tesi & Paolo Zampini

RICCARDO TESI & PAOLO ZAMPINI – Camerock
Visage Music
Genere: World / Progressive Rock
Supporto: CD / Spotify - 2026

Si può fare Rock senza una batteria e una chitarra elettrica? Certo che sì, se l’attitudine è quella giusta. Bastano tastiere, organetto e flauto con dei buoni arrangiamenti per saper trasmettere l’essenza del Rock, ma il duo composto da Riccardo Tesi e Paolo Zampini non si sofferma su un solo genere, bensì va alla ricerca di emozioni che possono derivare da quella che potremmo semplicemente definire “musica”.
Riccardo Tesi è uno dei musicisti più autorevoli della scena World Music europea. Ha rivoluzionato l'immagine dell'organetto diatonico, trasformandolo da strumento relegato al folklore a voce solista capace di confrontarsi con il Jazz, la canzone d'autore (storica la sua collaborazione con Fabrizio De André in “Anime Salve”) e la musica da camera. Dal canto suo, Paolo Zampini è un flautista di fama internazionale, una figura chiave della musica classica e cinematografica. È stato per anni uno dei solisti preferiti del Maestro Ennio Morricone, contribuendo con il suo timbro a innumerevoli colonne sonore leggendarie. La sua precisione tecnica e la sensibilità espressiva lo rendono il partner ideale per le architetture sonore di Tesi.
Il connubio porta al risultato intitolato “Camerock”, dove il nome è un gioco di parole che fonde due mondi apparentemente distanti: la Musica da Camera e l'energia del Rock.
Pubblicato per l'etichetta Visage Music, il disco non è, come già anticipato, un album "Rock" in senso letterale, ma ne eredita la forza propulsiva e la libertà strutturale.
Esso si muove su un equilibrio sottile, da un lato c'è il rigore delle partiture e l'eleganza degli arrangiamenti (curati spesso da Tesi stesso o da collaboratori stretti), dall'altro il calore del mantice e la fluidità del respiro dei fiati. È una musica che "danza" anche quando è seduta in un teatro.
Il disco vede l’importante collaborazione con il pianista Daniele Biagini, co-autore di diversi brani, e del violoncellista Damiano Puliti.Dieci sono le tracce, tra nuove composizioni e tributi.
Il brano di apertura, intitolato “Stevia”, mette subito in chiaro la direzione, un dialogo serrato tra l'organetto e il flauto su una base ritmica molto dinamica. La "Stevia" è dolce ma ha un retrogusto particolare, proprio come questa melodia che si muove tra il popolare e il colto.
Segue “Blusotto”, un brano dove emerge l'anima più terrena di Riccardo, filtrata dall'eleganza di Zampini; c’è quel groove tipico della musica di Tesi che ti fa battere il piede. Ed ecco giungere la prima cover, “Living In The Past / Presente Remoto”, il fulcro "Rock" del disco. Il primo è il celebre brano dei Jethro Tull, scritto da Ian Anderson (il flautista Rock per eccellenza), un omaggio di Zampini alle sue radici che si fonde senza soluzione di continuità con “Presente Remoto” di Tesi, dimostrando che il Folk e il Progressive Rock degli anni '70 hanno lo stesso DNA.
In “Valzer Libero” ci si attenderebbe una regola ritmica prettamente legata al genere, invece non ci troviamo di fronte a un ballo da balera, ma a un pezzo da concerto. È "libero" perché si permette divagazioni armoniche che un Valzer tradizionale non sognerebbe mai, sorretto dal pianoforte di Daniele Biagini.
Il violoncello di Damiano Puliti e il flauto di Zampini creano in “Estasi” un tappeto sonoro su cui sembra di poter ballare, segnando uno dei momenti più Rock dell’album e dal profumo anni ’70. L’organetto assume tonalità gravi e riflessive in “Pacifico”, una sorta di viaggio sonoro senza turbolenze dove gli strumenti si passano il tema principale con estrema naturalezza.
“Ademy”, co-firmato da Tesi e Zampini, è forse il brano che meglio rappresenta la loro fusione, si sente la ricerca tecnica sui singoli strumenti, con il flauto che esplora registri prossimi alla carriera solista di Ian Anderson mentre l'organetto risponde con precisione millimetrica. Il secondo tributo spetta al Maestro per eccellenza, Ennio Morricone, con il capolavoro “Nuovo Cinema Paradiso”. Commovente in questa versione cameristica con l'organetto, il brano acquista una fragilità e una nostalgia ancora più profonde.
“Formiche” ricorda la sigla di uno sceneggiato televisivo degli anni ’70, mentre la chiusura spetta a “Primo Sole”, che lascia l'ascoltatore con una sensazione di benessere, confermando che la musica di questo duo non vuole solo stupire per la tecnica, ma soprattutto emozionare.
“Camerock” è, in definitiva, un lavoro di resistenza culturale. In un mondo dominato da suoni sintetici, Tesi e Zampini puntano tutto sul legno, sull'aria e sul tocco umano. Per l'ascoltatore l'esperienza è quella di un viaggio in un'Italia senza tempo, dove la tradizione non è un museo polveroso ma un laboratorio di innovazione. È l'ascolto ideale per chi ama le contaminazioni di confine, simili a quelle di artisti come Astor Piazzolla o i Penguin Cafe Orchestra, ma con un'impronta profondamente legata alle radici italiane. MS 

Versione Inglese: 

RICCARDO TESI & PAOLO ZAMPINI – Camerock
Visage Music
Genre: World / Progressive Rock
Format: CD / Spotify - 2026

Can Rock be played without drums and an electric guitar? Of course it can, if the attitude is right. Keyboards, diatonic accordion, and flute, combined with good arrangements, are enough to convey the essence of Rock. However, the duo composed of Riccardo Tesi and Paolo Zampini does not dwell on a single genre; instead, they search for emotions that derive from what we could simply define as “music.”
Riccardo Tesi is one of the most authoritative musicians on the European World Music scene. He has revolutionized the image of the diatonic accordion, transforming it from an instrument relegated to folklore into a solo voice capable of engaging with Jazz, singer-songwriter music (his collaboration with Fabrizio De André on “Anime Salve” is legendary), and chamber music. For his part, Paolo Zampini is an internationally renowned flutist, a key figure in classical and film music. For years, he was one of the preferred soloists of Maestro Ennio Morricone, contributing his timbre to countless legendary soundtracks. His technical precision and expressive sensitivity make him the ideal partner for Tesi’s sonic architectures.
This union leads to the result titled “Camerock,” where the name is a play on words that merges two apparently distant worlds: Chamber Music and the energy of Rock.
Published by the Visage Music label, the record is not, as previously mentioned, a "Rock" album in the literal sense, but it inherits its propulsive force and structural freedom. It moves on a subtle balance: on one side, there is the rigor of the scores and the elegance of the arrangements (often handled by Tesi himself or close collaborators), and on the other, the warmth of the bellows and the fluidity of the woodwinds' breath. It is music that "dances" even when seated in a theater.
The album features the important collaboration of pianist Daniele Biagini, co-author of several tracks, and cellist Damiano Puliti. There are ten tracks, including new compositions and tributes.
The opening piece, titled “Stevia,” immediately clarifies the direction: a tight dialogue between the accordion and the flute over a very dynamic rhythmic base. "Stevia" is sweet but has a peculiar aftertaste, just like this melody that moves between the popular and the refined. Next is “Blusotto,” a track where Riccardo’s more earthly soul emerges, filtered by Zampini’s elegance; it possesses that groove typical of Tesi’s music that makes you tap your foot. Then comes the first cover, “Living In The Past / Presente Remoto,” the "Rock" core of the record. The former is the famous Jethro Tull song, written by Ian Anderson (the Rock flutist par excellence), a tribute by Zampini to his roots that blends seamlessly with Tesi’s “Presente Remoto,” proving that Folk and 1970s Progressive Rock share the same DNA.
In “Valzer Libero,” one would expect a rhythmic rule strictly tied to the genre; instead, we are not facing a ballroom dance, but a concert piece. It is "free" because it allows for harmonic digressions that a traditional Waltz would never dream of, supported by Daniele Biagini’s piano.
Damiano Puliti’s cello and Zampini’s flute create a sonic carpet in “Estasi” that feels as if one could dance upon it, marking one of the most Rock moments of the album with a 1970s flavor. The accordion assumes grave and reflective tones in “Pacifico,” a sort of sonic journey without turbulence where the instruments pass the main theme to one another with extreme naturalness.
“Ademy,” co-signed by Tesi and Zampini, is perhaps the track that best represents their fusion: one can hear the technical research on the individual instruments, with the flute exploring registers close to Ian Anderson’s solo career while the accordion responds with pinpoint precision. The second tribute goes to the Maestro par excellence, Ennio Morricone, with the masterpiece “Nuovo Cinema Paradiso.” Moving in this chamber version with the accordion, the piece acquires an even deeper fragility and nostalgia.
“Formiche” resembles the theme song of a 1970s television drama, while the closing is entrusted to “Primo Sole,” which leaves the listener with a sense of well-being, confirming that this duo’s music does not just want to amaze with technique, but above all, to move the soul.
“Camerock” is, ultimately, a work of cultural resistance. In a world dominated by synthetic sounds, Tesi and Zampini bet everything on wood, air, and the human touch. For the listener, the experience is that of a journey through a timeless Italy, where tradition is not a dusty museum but a laboratory of innovation. It is the ideal listen for those who love "border" contaminations, similar to those of artists like Astor Piazzolla or the Penguin Cafe Orchestra, but with an imprint deeply rooted in Italian heritage. MS

Gianni Venturi / Felice Del Gaudio

GIANNI VENTURI / FELICE DEL GAUDIO – Sciamantrica
Etichetta: PMS Studio
Genere: Cantautorale / Sperimentale
Supporto: Digital / CD – 2026

Accade spesso di constatare come, in una composizione, il peso specifico delle parole sia determinante, in altri contesti, esse preferiscono adagiarsi su argomentazioni più effimere. Resta tuttavia incontrovertibile che musica e verbo costituiscano un binomio inscindibile, laddove la partitura incontra testi di natura poetica, l’opera si ammanta di una seducente magia.
Quando il discorso verte sulla sperimentazione e sulla ricerca vocale e letteraria, uno dei nomi di maggior rilievo del panorama italico è certamente quello di Gianni Venturi. Protagonista di innumerevoli progetti e produzioni soliste, viene così descritto nelle sue note biografiche: “Nato in una casa di musicisti con origini gitane da parte di madre, inizia a scrivere da giovanissimo, e la sua prima pubblicazione presenta la prefazione di Roberto Roversi, di cui è stato allievo. Ha fondato insieme a Salvatore Jemma e Maurizio Maldini la rivista poetica I quaderni del Masaorita, e alcuni dei suoi testi sono reperibili al Museo della Poesia di Modena, in alcune università americane e in diverse antologie. Oltre alle varie pubblicazioni incide numerosi dischi: con gli Altare Thotemico, il Progetto MOLOCH con Lucien Moreau, il progetto Mantra Informatico ed il progetto Qohelet con Alessandro Seravalle. Da sempre lavora con il suono e la parola, essendo un ricercatore vocale, e unisce la poesia a sonorità che avvolgono i versi e si fondono in un tutt’uno.”.
Oggi, Venturi firma una nuova opera dal titolo “Sciamantrica”, forse l'apice della sua longeva militanza artistica, realizzata in sodalizio con Felice Del Gaudio. Di quest'ultimo, le biografie riportano: “Felice Del Gaudio, bassista e contrabbassista, nato a Lagonegro ma residente a Bologna dal 1984, si è diplomato in musica Jazz presso il conservatorio Adria Nella. Nel corso della sua carriera ha collaborato con: Paul Wertico, Lucio Dalla, Quartetto Archi Opera di Berlino, Henghel Gualdi, Pier Giorgio Farina, Raphael Gualazzi, Daniele Di Bonaventura, Biagio Antonacci, Sherrita Duran, Ginger Brew, Amii Stewart, Andrea Griminelli, Claudio Lolli, Jim Campilongo… Ha pubblicato 6 metodi per lo studio del basso, un DVD didattico, ha al suo attivo più di 150 registrazioni discografiche e 7 album come solista e leader. Ha anche suonato in diversi festival di musica in Europa e nel mondo.”.
Espletate le dovute presentazioni, giungiamo al fulcro del lavoro: la musica.
L’album si dipana attraverso nove tracce, inaugurate da “Preghiera Per Gaza”. Qui la voce intensa di Venturi si profonde in una vibrante interpretazione di un testo graffiante, focalizzato sulle tragiche vicissitudini della martoriata striscia di terra. Trame sonore dalle tinte arabeggianti ne definiscono l'atmosfera drammatica: “C’è sempre una madre rannicchiata nel dolore, non c’è bandiera che non sia insanguinata”.
Il violoncello tesse la trama della breve “Avrei Voluto Ridere”, istantanea di un pensiero assorto nella dolente introspezione dell’essere. La caratura poetica è qui altissima, toccante nella sua disarmante intensità.
Il vigore ritmico aumenta in “La Terra è Mia”, un inno a Madre Natura capace di resilienza nonostante l’ingrato agire umano. Le liriche si confermano incisive e prive di filtri.
Più complessa nell’architettura è “La Caverna Di Platone”, dove emergono quei vocalizzi sciamanici che sono il fulcro della ricerca di Venturi. Sottili fraseggi d'archi sottolineano la potenza dei versi, mentre un assolo di contrabbasso, intenso ed emotivo, punge con la medesima forza del recitato. L’elettronica interviene a supporto di “Caro Hermann”, brano incastonato in un’estetica psichedelica che aderisce con maggior rigore alla forma-canzone. Raffinate coralità in sottofondo donano profondità all’arrangiamento.
Restando in territori psichedelici, un sitar introduce “Fili Di Luce”, prima di cedere il passo a sonorità rarefatte speculari ai testi. Frammenti di quotidianità vengono filtrati attraverso la lente della memoria, con una metrica peculiare sospesa tra narrazione e canto. “Socrate” rivolge uno sguardo sprezzante e rabbioso alla politica, mentre “Ho Paura Della Pecora” adotta un incedere più pacato, pur mantenendo quell'approccio vocale rapsodico, distante dalle convenzioni metriche razionali.
La chiusura è affidata a “L’Amore E’ Un Codice Binario”, traccia che suggella il connubio tra i due artisti in un movimento intenso, dove la simbiosi tra voce e percussioni si rivela l'arma vincente.
 “Sciamantrica” si configura come l’ennesimo capitolo di poesia in musica, concepito con profonda dedizione. È un’opera sospesa tra reminiscenze e riflessioni analitiche capaci di scuotere l'ascoltatore.
Gli autori si congedano con un interrogativo cruciale: “L’arte deve massificarsi o è la massa che può essere educata all’arte?”. È un quesito che mi sta particolarmente a cuore, da decenni sostengo che l'atto creativo rischi la sterilità se privo di un pubblico educato alla ricezione. È imperativo riavvicinare l’ascoltatore a questo modus operandi, elevandolo dal mero e fugace “sentire”. Si è smarrita la cultura del tempo dedicato a sé stessi, un tempo serio e sereno: solo attraverso questo recupero la musica potrà salvarsi.
Al loro dubbio rispondo con convinzione: “E’ la massa che deve essere educata all’arte”, poiché l’arte non contempla confini né dogmi; è indomabile in quanto espressione pura dell'emozione. Non può essere massificata senza perdere la sua stessa essenza, cesserebbe di essere il viatico del pensiero individuale per ridursi a un prodotto "generico", standardizzato da una massa di automi (IA inclusa).
A Venturi e Del Gaudio rivolgo, dunque, un immenso ringraziamento. MS 

Versione Inglese:

GIANNI VENTURI / FELICE DEL GAUDIO – Sciamantrica
Label: PMS Studio
Genre: Singer-Songwriter / Experimental
Format: Digital / CD – 2026

It is often observed that in a composition, the specific weight of words is decisive; in other contexts, they prefer to settle upon more ephemeral arguments. It remains, however, incontrovertible that music and the word constitute an inseparable duo; where the score meets texts of a poetic nature, the work clothes itself in a seductive magic.
When the discussion turns to experimentation and vocal and literary research, one of the most prominent names on the Italian scene is certainly that of Gianni Venturi. A protagonist of countless projects and solo productions, he is described in his biographical notes as follows: “Nato in una casa di musicisti con origini gitane da parte di madre, inizia a scrivere da giovanissimo, e la sua prima pubblicazione presenta la prefazione di Roberto Roversi, di cui è stato allievo. Ha fondato insieme a Salvatore Jemma e Maurizio Maldini la rivista poetica I quaderni del Masaorita, e alcuni dei suoi testi sono reperibili al Museo della Poesia di Modena, in alcune università americane e in diverse antologie. Oltre alle varie pubblicazioni incide numerosi dischi: con gli Altare Thotemico, il Progetto MOLOCH con Lucien Moreau, il progetto Mantra Informatico ed il progetto Qohelet con Alessandro Seravalle. Da sempre lavora con il suono e la parola, essendo un ricercatore vocale, e unisce la poesia a sonorità che avvolgono i versi e si fondono in un tutt’uno.”.
Today, Venturi signs a new work titled “Sciamantrica,” perhaps the pinnacle of his long-standing artistic militancy, created in partnership with Felice Del Gaudio. Regarding the latter, biographies report: “Felice Del Gaudio, bassista e contrabbassista, nato a Lagonegro ma residente a Bologna dal 1984, si è diplomato in musica Jazz presso il conservatorio Adria Nella. Nel corso della sua carriera ha collaborato con: Paul Wertico, Lucio Dalla, Quartetto Archi Opera di Berlino, Henghel Gualdi, Pier Giorgio Farina, Raphael Gualazzi, Daniele Di Bonaventura, Biagio Antonacci, Sherrita Duran, Ginger Brew, Amii Stewart, Andrea Griminelli, Claudio Lolli, Jim Campilongo… Ha pubblicato 6 metodi per lo studio del basso, un DVD didattico, ha al suo attivo più di 150 registrazioni discografiche e 7 album come solista e leader. Ha anche suonato in diversi festival di musica in Europa e nel mondo.”.
The necessary introductions having been made, we come to the core of the work: the music. The album unfolds across nine tracks, inaugurated by “Preghiera Per Gaza.” Here, Venturi’s intense voice pours into a vibrant interpretation of a biting text, focused on the tragic vicissitudes of the martyred strip of land. Sound textures with Middle Eastern hues define its dramatic atmosphere: “C’è sempre una madre rannicchiata nel dolore, non c’è bandiera che non sia insanguinata”.
The cello weaves the plot of the brief “Avrei Voluto Ridere,” a snapshot of a thought absorbed in the sorrowful introspection of being. The poetic stature here is supreme, touching in its disarming intensity. The rhythmic vigor increases in “La Terra è Mia,” a hymn to Mother Nature capable of resilience despite ungrateful human behavior; the lyrics prove incisive and unfiltered.
More complex in its architecture is “La Caverna Di Platone,” where those shamanic vocalisms that are the centerpiece of Venturi’s research emerge. Subtle string phrasings underscore the power of the verses, while an intense and emotional double bass solo stings with the same force as the spoken word. Electronics intervene to support “Caro Hermann,” a piece embedded in a psychedelic aesthetic that adheres more strictly to the song-form; refined background choral arrangements grant depth to the whole.
 
Remaining in psychedelic territories, a sitar introduces “Fili Di Luce,” before yielding to rarefied sounds that mirror the lyrics. Fragments of daily life are filtered through the lens of memory, with a peculiar meter suspended between narration and singing. “Socrate” casts a scornful and angry gaze at politics, while “Ho Paura Della Pecora” adopts a calmer pace, yet maintains that rhapsodic vocal approach, distant from rational metric conventions.
The closing is entrusted to “L’Amore E’ Un Codice Binario,” a track that seals the artistic union between the two performers in an intense movement, where the symbiosis between voice and percussion proves to be the winning weapon.
 “Sciamantrica” stands as yet another chapter of poetry in music, conceived with profound dedication. It is a work suspended between reminiscences and analytical reflections capable of shaking the listener.
The authors take their leave with a crucial question: “L’arte deve massificarsi o è la massa che può essere educata all’arte?”. This is a question particularly close to my heart; for decades I have maintained that the creative act risks sterility if deprived of an audience educated in reception. It is imperative to bring the listener back to this modus operandi, elevating them from mere and fleeting “hearing.” The culture of time dedicated to oneself—a serious and serene time—has been lost: only through this recovery can music be saved.
To their doubt, I respond with conviction: “E’ la massa che deve essere educata all’arte,” for art contemplates neither boundaries nor dogmas; it is indomable as a pure expression of emotion. It cannot be massified without losing its very essence; it would cease to be the vehicle of individual thought only to be reduced to a "generic" product, standardized by a mass of automatons (AI included).
To Venturi and Del Gaudio, I therefore offer an immense thank you. MS

Curiosità sulla band Porcupine Tree

 Curiosità sulla band PORCUPINE TREE

 
I Porcupine Tree sono una delle band più affascinanti e "cerebrali" del panorama Progressive Rock moderno. Nati quasi per scherzo dalla mente di Steven Wilson, si sono evoluti da un progetto solista lo-fi a una macchina da guerra del rock tecnico.

 

Nati da una "Fake News"

All'inizio, i Porcupine Tree non esistevano affatto. Steven Wilson creò una finta biografia di una leggendaria band psichedelica degli anni '70, inventando nomi di membri assurdi e una discografia immaginaria. Registrò delle cassette a casa sua e le spedì in giro spacciandole per rarità di questo gruppo "perduto". Lo scherzo ebbe così tanto successo che dovette trasformarlo in un progetto reale.

 

L'ossessione per il numero "8"

C'è un dettaglio curioso nell'album In Absentia (2002). Se guardi i titoli delle tracce e i testi, c'è un'ossessione ricorrente per il numero 8 e per i pattern ritmici complessi. Non solo, ma il disco segna il passaggio definitivo a sonorità più pesanti grazie all'amicizia tra Wilson e Mikael Åkerfeldt (leader degli Opeth).

 

Gavin Harrison: Il batterista dei batteristi

Gavin Harrison, entrato nella band nel 2002, è considerato uno dei migliori batteristi al mondo. È famoso per la sua "illusione ritmica" e per la precisione chirurgica. Quando si unì ai Porcupine Tree, imparò l'intero repertorio in pochissimo tempo, aggiungendo una complessità poliritmica che ha cambiato per sempre il sound della band.

 

Il misterioso significato del nome

Cosa significa "L'albero dell'istrice"? In realtà, Wilson ha ammesso più volte che il nome è completamente privo di senso. Lo scelse durante il periodo della "finta band" perché suonava strano e psichedelico, un po' come i nomi dei gruppi della scena di Canterbury (tipo i Soft Machine). 

 

Una pausa durata 12 anni

Dopo il tour di The Incident nel 2010, la band è svanita nel nulla senza un annuncio ufficiale di scioglimento. Wilson si è dedicato alla sua carriera solista di enorme successo, lasciando i fan nel dubbio per oltre un decennio. Il ritorno nel 2021 con Closure/Continuation è stato tenuto in segreto per anni: i membri si vedevano periodicamente per scrivere musica senza dirlo a nessuno, nemmeno ai loro manager.

 

Connessioni Cinematografiche

Wilson è un enorme fan del cinema, e questo si riflette nei video e nelle atmosfere della band. L'album Deadwing (2005) è basato su una sceneggiatura cinematografica scritta da Wilson insieme al regista Mike Bennion. Il film non è mai stato realizzato, ma la musica ne descrive perfettamente la trama noir-soprannaturale.

 

L'importanza dell'Italia

I Porcupine Tree hanno un legame speciale con l'Italia. Siamo stati uno dei primi paesi a "capire" la loro musica e a riempire i club negli anni '90. Non a caso, uno dei loro live album più famosi, Coma Divine, è stato registrato interamente a Roma nel 1997.

 

Il provino "impossibile" di Gavin Harrison

Quando Chris Maitland lasciò la band, Steven Wilson chiamò Gavin Harrison. Gavin non conosceva bene il gruppo, così Steven gli mandò i demo di quello che sarebbe diventato In Absentia.L'aneddoto racconta che Gavin si presentò in studio e suonò la batteria su "The Sound of Muzak" (un brano con un tempo complesso in $7/4$). Lo fece con una naturalezza tale che Steven e il tastierista Richard Barbieri si guardarono e capirono immediatamente che il livello della band si era appena alzato di dieci gradini. Molte delle parti di batteria definitive che senti sul disco sono, in realtà, le sue prime take di prova.

 

Richard Barbieri e il "non-assolo"

Richard Barbieri, ex tastierista dei Japan, ha un approccio unico: odia gli assoli di tastiera virtuosistici.
Un aneddoto famoso tra i fan riguarda il suo modo di lavorare: Richard può passare ore, se non giorni, a manipolare una singola manopola di un sintetizzatore analogico per creare un "paesaggio sonoro" che si sente appena nel mix, piuttosto che suonare una scala veloce. Questo ha creato il contrasto perfetto con la chitarra di Wilson, dando ai Porcupine Tree quel suono spaziale e stratificato.

 

La "maledizione" di “Arriving Somewhere But Not Here”

Questo brano è uno dei capolavori della band (quasi 13 minuti di durata). Durante le registrazioni di Deadwing, Steven Wilson voleva un assolo di chitarra che suonasse "alieno". Invitò Mikael Åkerfeldt (Opeth) a suonarlo.
Mikael arrivò in studio, registrò l'assolo e, mentre tornava a casa, ebbe un piccolo incidente d'auto. Scherzando, i due dissero che l'assolo era così cupo e potente da aver alterato la realtà circostante. Se ascolti bene i cori spettrali nel brano, quelli sono quasi tutti di Mikael.

 

Il concerto "senza scarpe"

Se hai mai visto un live dei Porcupine Tree (o di Wilson solista), avrai notato che Steven suona sempre completamente scalzo.
Non è un vezzo New Age: l'aneddoto tecnico è che Steven ha bisogno di sentire fisicamente i pedali della chitarra e le pedaliere sotto i piedi per avere un controllo millimetrico sugli effetti. Inoltre, ha dichiarato che stare scalzo lo aiuta a sentirsi più "connesso" con il palco e meno distratto dal peso delle scarpe durante i lunghi tour.

 

L'album "Voyage 34" e l'esperimento chimico

Voyage 34 è un intero album composto da un'unica suite strumentale che narra un "bad trip" da LSD.
L'aneddoto divertente è che, nonostante il brano sia diventato un inno della cultura ambient/trance anni '90, Steven Wilson ha sempre dichiarato di non aver mai fatto uso di droghe in vita sua. Ha scritto uno dei pezzi "stoner" più iconici della storia della musica basandosi puramente sulla sua immaginazione e su vecchi dischi dei Pink Floyd.

 

I messaggi subliminali in “Fear Of A Blank Planet”

L'album del 2007 è un concept sull'alienazione giovanile e l'abuso di tecnologia. Per rendere il disco ancora più inquietante, la band ha inserito dei suoni quasi impercettibili e frequenze disturbanti tra le tracce.
Inoltre, nella canzone "Way Out of Here", collabora Robert Fripp (il leggendario leader dei King Crimson). L'aneddoto vuole che Fripp abbia registrato i suoi "Soundscapes" (strati di suoni elettronici chitarristici) in una sola sessione, lasciando la band a bocca aperta per la densità sonora prodotta.

 

Lo scontro con la tecnologia

Nonostante la loro musica sia iper-prodotta, i Porcupine Tree hanno sempre avuto un rapporto conflittuale con la modernità. In un famoso aneddoto durante un tour, Wilson chiese al pubblico di mettere via i telefoni, dicendo: "Se guardate il concerto attraverso uno schermo da 5 pollici, non state vivendo la realtà, state guardando un documentario scadente su voi stessi". Questa filosofia ha poi portato alla creazione del brano "Sound of Muzak", che critica duramente l'industria musicale moderna.
 
 
Se volete sapere la storia sulla band da me elaborata integralmente, potete leggerla nel mio libro edito da Arcana “POST PROG MODERNO”. MS

Versione Inglese:

Fun Facts about the band PORCUPINE TREE

Porcupine Tree is one of the most fascinating and "cerebral" bands in the modern Progressive Rock scene. Born almost as a joke from the mind of Steven Wilson, they evolved from a lo-fi solo project into a technical rock powerhouse.

Born from "Fake News"

In the beginning, Porcupine Tree didn’t exist at all. Steven Wilson created a fake biography for a legendary 1970s psychedelic band, inventing absurd member names and an imaginary discography. He recorded cassettes at home and sent them out, passing them off as rarities from this "lost" group. The prank was so successful that he eventually had to turn it into a real project.

The Obsession with the Number "8"

There is a curious detail in the album In Absentia (2002). If you look at the track titles and lyrics, there is a recurring obsession with the number 8 and complex rhythmic patterns. Furthermore, the record marks a definitive shift toward heavier sounds, thanks to the friendship between Wilson and Mikael Åkerfeldt (leader of Opeth).

Gavin Harrison: The Drummer’s Drummer

Gavin Harrison, who joined the band in 2002, is considered one of the best drummers in the world. He is famous for his "rhythmic illusions" and surgical precision. When he joined Porcupine Tree, he learned the entire repertoire in a very short time, adding a polyrhythmic complexity that changed the band's sound forever.

The Mysterious Meaning of the Name

What does "Porcupine Tree" mean? In reality, Wilson has admitted several times that the name is completely meaningless. He chose it during the "fake band" period because it sounded strange and psychedelic, much like the names of groups from the Canterbury scene (such as Soft Machine).

A 12-Year Break

Following The Incident tour in 2010, the band vanished into thin air without an official announcement of a breakup. Wilson dedicated himself to his highly successful solo career, leaving fans in doubt for over a decade. Their return in 2021 with Closure/Continuation was kept secret for years: the members met periodically to write music without telling anyone, not even their managers.

Cinematic Connections

Wilson is a massive cinema fan, and this is reflected in the band's videos and atmospheres. The album Deadwing (2005) is based on a screenplay written by Wilson along with director Mike Bennion. While the film was never made, the music perfectly describes its noir-supernatural plot.

The Importance of Italy

Porcupine Tree shares a special bond with Italy. It was one of the first countries to "get" their music and fill clubs back in the 90s. It’s no coincidence that one of their most famous live albums, Coma Divine, was recorded entirely in Rome in 1997.

Gavin Harrison’s "Impossible" Audition

When Chris Maitland left the band, Steven Wilson called Gavin Harrison. Gavin wasn't very familiar with the group, so Steven sent him the demos for what would become In Absentia. As the story goes, Gavin showed up at the studio and played drums on "The Sound of Muzak" (a song with a complex time signature of $7/4$). He did it so naturally that Steven and keyboardist Richard Barbieri looked at each other and immediately realized the band's caliber had just jumped up ten notches. Many of the final drum parts you hear on the record are, in fact, his first practice takes.

Richard Barbieri and the "Non-Solo"

Richard Barbieri, formerly of the band Japan, has a unique approach: he hates virtuosic keyboard solos. A famous anecdote among fans involves his work ethic: Richard can spend hours, if not days, manipulating a single knob on an analog synthesizer to create a "soundscape" that is barely heard in the mix, rather than playing a fast scale. This created the perfect contrast to Wilson's guitar, giving Porcupine Tree that spatial, layered sound.

The "Curse" of "Arriving Somewhere But Not Here"

This track is one of the band's masterpieces (lasting nearly 13 minutes). During the recording of Deadwing, Steven Wilson wanted a guitar solo that sounded "alien." He invited Mikael Åkerfeldt (Opeth) to play it. Mikael arrived at the studio, recorded the solo, and on his way home, he had a minor car accident. Joking about it later, the two said the solo was so dark and powerful that it had altered the surrounding reality. If you listen closely to the ghostly backing vocals in the song, they are almost all Mikael's.

The "Shoeless" Concert

If you’ve ever seen Porcupine Tree live (or Wilson as a solo artist), you’ve noticed that Steven always performs completely barefoot. This isn't a New Age quirk; the technical reason is that Steven needs to physically feel the guitar pedals and boards under his feet for millimetric control over the effects. Additionally, he has stated that being barefoot helps him feel more "connected" to the stage and less distracted by the weight of shoes during long tours.

The "Voyage 34" Album and the Chemical Experiment

Voyage 34 is an entire album consisting of a single instrumental suite narrating a "bad trip" on LSD. The funny anecdote is that, despite the track becoming an anthem for the 90s ambient/trance culture, Steven Wilson has always claimed to have never used drugs in his life. He wrote one of the most iconic "stoner" pieces in music history based purely on his imagination and old Pink Floyd records.

Subliminal Messages in "Fear Of A Blank Planet"

The 2007 album is a concept piece about youth alienation and technology abuse. To make the record even more unsettling, the band inserted nearly imperceptible sounds and disturbing frequencies between tracks. Furthermore, the song "Way Out of Here" features a collaboration with Robert Fripp (the legendary leader of King Crimson). Legend has it that Fripp recorded his "Soundscapes" (layers of electronic guitar sounds) in a single session, leaving the band speechless at the sheer density of the sound produced.

The Clash with Technology

Despite their music being hyper-produced, Porcupine Tree has always had a conflicted relationship with modernity. In a famous anecdote during a tour, Wilson asked the audience to put away their phones, saying: "If you're watching the concert through a 5-inch screen, you aren't living reality—you're watching a bad documentary about yourselves." This philosophy eventually led to the creation of the song "The Sound of Muzak," which harshly criticizes the modern music industry. MS