Villa Panico

VILLA PANICO – Villa Panico Vol.1
Ionian Sound Record
Genere: Sperimentale / Jazz Rock
Supporto: CD / Spotify – 2026

Nello scenario contemporaneo, dove le catalogazioni di genere tendono spesso a imbrigliare l'ispirazione all'interno di perimetri rassicuranti ma rigidi, l'esordio sulla lunga distanza dei Villa Panico si pone come una ventata di fresca disinvoltura stilistica. “Villa Panico Vol. 1”, oltre a essere la prima testimonianza discografica di un quintetto affiatato, rappresenta la naturale cristallizzazione di un metodo di lavoro fondato sull'ascolto reciproco, sulla ricerca timbrica e su una totale libertà espressiva.
Le radici del progetto affondano nel 2023, quando cinque musicisti si incontrano tra le aule della Siena Jazz University. L'intento condiviso fin dal principio è quello di affrancarsi da qualsiasi etichetta stilistica prefissata, ponendo al centro una creatività istintiva, la libera contaminazione e la coralità esecutiva.
L'intitolazione stessa richiama lo storico ex squat insediato all'interno del complesso dell'ex manicomio fiorentino: una metafora perfetta per uno spazio sonoro in cui le barriere formali crollano per fare posto a un'espressività priva di vincoli. Il sound del quintetto fonde con disinvoltura un'energia di matrice Rock, innesti elettronici e pulsioni ritmiche latine, usando la matrice jazzistica come spinta verso territori aperti e improvvisativi, senza mai smarrire il senso della melodia. Un ruolo coesivo di rilievo è affidato all'uso della voce, dei cori e della trama percussiva.
Registrato nel gennaio 2025 presso il Duna Studio (RA) sotto la guida di Andrea Scardovi (cura di registrazione e mix) e masterizzato da Danilo Rossi, “Villa Panico Vol. 1” esce l'11 settembre 2026 per la Ionian Sound Record. L'opera raccoglie undici tasselli compositivi firmati da diversi componenti ma plasmati attraverso un costante lavoro di squadra, dove la dimensione del live emerge con forza nell'elasticità delle strutture e nel continuo interplay tra gli strumenti.
La band è composta da Alessandro Gerardo La Neve (sax soprano, sax baritono), Francesco Maria Saporito (flauto traverso, pianoforte, tastiere, voce), Amedeo Maria Orso Borella (chitarra elettrica, voce), Lorenzo Giuseppe Gagna (basso elettrico, tromba) e Matteo Stefani (batteria).
Ciò che emerge fin dai primi solchi è la natura profondamente corale del progetto, dove ogni intuizione individuale viene vagliata, plasmata e dilatata dall'interplay collettivo, restituendo al lettore/ascoltatore un'opera varia ma organica, capace di coniugare l'imprevedibilità delle esecuzioni dal vivo con la cura maniacale per l'arrangiamento in studio. Un debutto solido e sfaccettato che segna l'ingresso di una nuova realtà di rilievo nel panorama della musica di ricerca e di contaminazione.
Si inizia con il breve “Intro”, atmosferico e quasi “world”, che conduce al brano “Norman Price”, aperto dal basso e seguito da tutti gli strumenti. Inevitabili alcuni accostamenti a band degli anni ’70 come i Perigeo, in cui il sax disegna linee melodiche altamente funzionali. Ottima la sezione ritmica, tecnica e coesa.
Calda e intima risulta “Lontani”, dove questa volta sono le tastiere di Saporito a salire in cattedra. La fuga è calda, un Jazz avvolgente e ricco di storia. Maggiormente ricercata “People Ask For What”, dove alcuni andamenti mi richiamano i “progressivi” Gentle Giant; sorniona all’inizio, per poi svilupparsi con chitarra Funk e tastiere Hammond a fare da sottofondo al movimento del sax, ancora una volta altamente melodico.
Sembra di entrare in quei locali fumosi con poltrone e spettacoli sexy in “Vieni Con Me (al Bar Caffe)”, andamento pacato ma variegato in cui la band si passa la staffetta dei solo strumentali.
Nella breve “Corridoi” i Villa Panico si addentrano in un ambiente psichedelico, fatto di sospensioni e riverberi dove il basso disegna la linea da seguire per poi arrivare a “Black Pages”, altro frangente sperimentale che segue la linea del pezzo che lo ha preceduto, in questo caso con l’aggiunta di voice phone. Effetti elettronici donano all’insieme una sorta di teatralità per la mente. A tratti sembrano i Porcupine Tree (soprattutto per l’uso del basso) sperimentali degli anni ’90, ma il violento finale lascia adito a un Punk Jazz assolutamente inatteso.
Si cambia completamente scenario con “Hope”, dove l’anima della band fuoriesce dall’intimo per darsi in pasto all’ascoltatore.
Ho apprezzato molto la bucolica “Foresta”, in cui il flauto descrive le linee guida fra improvvisazione e suoni della natura. Torna il basso in evidenza con il Reggae di “La Palma”, a testimonianza di una cultura musicale della band ad ampio spettro. Sembra di ascoltare gli UB40 in modalità mediterranea. Il sorprendente disco si chiude con “Giofield”, un mix delle capacità dei Villa Panico con stralci di Agorà e jazz rock.
Al di là delle singole soluzioni di arrangiamento, ciò che rende “Villa Panico Vol. 1” un lavoro riuscito è la sua spinta corale. È un disco in cui l'urgenza espressiva e la libertà della dimensione live prevalgono su qualsiasi gabbia di genere. Ionian Sound Record scommette su una formazione che fa della contaminazione il proprio punto di forza, regalando all'ascoltatore un'opera dinamica, mai scontata e ricca di sfumature. Eccellente nuova realtà! MS 

Versione Inglese:

VILLA PANICO – Villa Panico Vol.1
Ionian Sound Record
Genre: Experimental / Jazz Rock
Format: CD / Spotify – 2026

In today’s music scene, where genre categorizations often stifle inspiration within reassuring yet rigid perimeters, the full-length debut by Villa Panico arrives as a breath of fresh stylistic confidence. “Villa Panico Vol. 1”, besides being the first recorded statement of a tight-knit quintet, represents the natural crystallization of a working method built on mutual listening, tonal research, and complete expressive freedom.
The roots of the project trace back to 2023, when five musicians met in the classrooms of the Siena Jazz University. From the very beginning, their shared intention was to break free from any predefined stylistic label, placing instinctive creativity, open cross-pollination, and collective performance at the core.
The band’s name itself references the historic former squat located inside Florence's former psychiatric hospital: a perfect metaphor for a sonic space where formal barriers collapse to make room for unconstrained expression. The quintet's sound effortlessly blends rock-infused energy, electronic insertions, and Latin rhythmic pulses, using its jazz foundation as a springboard toward open, improvisational territories without ever losing sight of melody. A key unifying role is entrusted to the use of vocals, backing harmonies, and a rich percussive texture.
Recorded in January 2025 at Duna Studio (Ravenna) under the guidance of Andrea Scardovi (who handled recording and mixing) and mastered by Danilo Rossi, “Villa Panico Vol. 1” was released on September 11, 2026, via Ionian Sound Record. The album gathers eleven compositional pieces penned by different members but shaped through constant teamwork, where the live dimension emerges forcefully in the elasticity of the structures and the continuous interplay among the instruments.
The band consists of Alessandro Gerardo La Neve (soprano sax, baritone sax), Francesco Maria Saporito (flute, piano, keyboards, vocals), Amedeo Maria Orso Borella (electric guitar, vocals), Lorenzo Giuseppe Gagna (electric bass, trumpet), and Matteo Stefani (drums).
What stands out right from the first tracks is the deeply collective nature of the project, where every individual idea is weighed, shaped, and expanded by group interplay, delivering to the reader/listener a varied yet cohesive work capable of combining the unpredictability of live performances with meticulous studio arrangement. A solid, multifaceted debut marking the arrival of a compelling new act in the realm of experimental and crossover music.
It opens with the brief “Intro”, atmospheric and almost “world”-like, leading into “Norman Price”, which is kicked off by the bass and joined by all the instruments. Comparisons to 1970s bands like Perigeo are inevitable, with the sax tracing highly functional melodic lines. Excellent rhythm section—technical and cohesive.
Warm and intimate is “Lontani”, where this time Saporito’s keyboards take center stage. The momentum is warm, delivering an enveloping jazz steeped in history. More sophisticated is “People Ask For What”, where certain passages recall the "progressive" approach of Gentle Giant; sly at first, it then unfolds with funk guitar and Hammond organ backing the movement of the sax, which once again proves highly melodic.
It feels like stepping into a smoky lounge with plush armchairs and cabaret performances in “Vieni Con Me (al Bar Caffe)”, featuring a relaxed yet varied tempo in which the band passes the baton for instrumental solos.
In the brief “Corridoi”, Villa Panico venture into a psychedelic landscape built on suspensions and reverbs, where the bass draws the line to follow before arriving at “Black Pages”—another experimental section following the path of the preceding piece, this time augmented by voice phone effects. Electronic touches lend a sense of mental theatricality to the whole. At times they recall the experimental 1990s Porcupine Tree (especially in the bass work), but the fierce finale gives way to an entirely unexpected blast of punk jazz.
The scenario changes completely with “Hope”, where the band’s inner soul steps out from intimacy to offer itself up to the listener.
I greatly appreciated the pastoral “Foresta”, where the flute outlines the main motifs between improvisation and sounds of nature. The bass comes back into focus with the reggae pulse of “La Palma”, testifying to the band’s wide-ranging musical background—it almost feels like listening to UB40 in a Mediterranean key. The surprising record closes with “Giofield”, a showcase of Villa Panico’s versatility featuring echoes of Agorà and classic jazz rock.
Beyond individual arrangement choices, what makes “Villa Panico Vol. 1” such a successful work is its collective drive. It is an album where expressive urgency and live freedom prevail over any genre boundaries. Ionian Sound Record places a winning bet on a band that makes crossover its greatest strength, delivering a dynamic, unpredictable, and richly nuanced work to the listener. An excellent new reality! MS

 

Malombra

MALOMBRA – Soffitta Macabra
Black Widow Records
Genere: Dark / Progressive Metal / Doom
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

L’oscurità cela illusioni e pone ambito a manifestazioni che immaginiamo di vedere. In pratica è un linguaggio con cui la nostra mente predilige gridare le proprie paure o delusioni, vere o false che siano. La musica spesso ne canta le gesta, e quale genere migliore se non il Dark Doom?
I Malombra sono una storica formazione genovese fondata nel 1991 dal cantante e mente creativa Mercy (al secolo Renato Carpaneto) ed è considerata una delle realtà più eclettiche e affascinanti della scena italiana, da sempre legata alla prestigiosa etichetta Black Widow Records.
Il nome Malombra attinge direttamente dall'immaginario e dall'omonimo romanzo di Antonio Fogazzaro, riflettendo fin dagli esordi una spiccata inclinazione per le atmosfere gotiche, il decadentismo, la letteratura e il folklore ebraico ed esoterico. Debuttano con l'omonimo “Malombra” (1993), un lavoro acerbo ma visionario in cui fondono Heavy Metal classico, Doom alla Black Sabbath e sfumature Progressive. Il successo critico arrives con “Our Lady Of The Bones” (1996), un disco complesso e monumentale che consacra il loro stile drammatico e teatrale. Con “The Dissolution Age” (2001), evolvono verso sonorità più eclettiche, incorporate con Rock Progressivo anni '70, synth wave, parti acustiche e declamazioni teatrali. Seguirà una lunga fase di pausa e progetti paralleli da parte dei membri della band (tra cui Il Segno del Comando di Diego Banchero). Nel 2023 tornano sul mercato con l'album “T.R.E.S.”, riconfermando il loro marchio di fabbrica con testi prevalentemente in italiano.
Oggi con “Soffitta Macabra” volgono uno sguardo alle spalle, verso quell’esordio crudo e diretto, come le registrazioni dell’album senza artifizi moderni. La formazione odierna è composta da Renato “Mercy” C. (voce), Matteo Ricci (chitarre, synth), Fabio Cuomo (batteria, synth, cori), Daniele Gasparini (basso, synth, percussioni, cori), Mauro Sciaccaluga (chitarre) e Fulvio “Flux” M. (tastiere, synth).
Il titolo si ispira in modo allusivo al nome di una corrente e rivista di arte di retro-avanguardia dell'inizio del Novecento. Dal punto di vista musicale, “Soffitta Macabra” prosegue il percorso di maturazione della band, fondendo chitarre monolitiche e oscure tipiche del doom d'annata (sulla scia di Black Sabbath e Paul Chain) a complessi cambi di tempo, sezioni acustiche e dinamiche tipiche del Prog italiano anni '70 (Jacula, Goblin, Banco del Mutuo Soccorso). Massiccio è l’uso di organo Hammond, Mellotron e sintetizzatori analogici per creare un sottofondo spettrale e claustrofobico, proprio come suggerito dal titolo dell'album. La voce di Mercy spazia da un cantato pulito e solenne a declamazioni di stampo teatrale/recitato, conferendo al disco la struttura di una vera e propria opera drammatica e rituale.
Delle sei tracce che compongono il disco, l’apertura spetta a “Un'Ultima Mezzanotte” e al narrato oscuro e inappuntabile di Mercy. Le liriche affrontano il diniego delle convenzioni sociali moderne, il senso di alienazione, l'isolamento spirituale e il conflitto incessante tra l'individuo e il caos della realtà esterna, la decadenza dell'arte, il fascino per l'invisibile e le ombre del passato. In tutto il tragitto rimangono forti i riferimenti alla letteratura romantica e gotica, alla magia e ai miti dimenticati, affrontati non con fare sensazionalistico ma attraverso una profonda ricerca lirica e filosofica.
Feroce “Contro Il Mondo, Contro La Vita”, dove aleggiano gli anni ’70 del Doom, solo ogni tanto “modernizzati” da alcuni interventi di synth e dalle grida strazianti della chitarra elettrica. La registrazione lascia sul suono quel velo che cela la musica sotto una cappa oscura e rende al meglio tutto il contesto.
“Miracle Of Love” giunge adiacente, come un proseguimento, e si apre con un arpeggio di chitarra in una ballata malinconica e altamente melodica. Il cantato passa in lingua inglese. A metà il brano si alza d’intensità e grida tutto il proprio dolore, palesando la capacità della band di essere un rullo compressore.
“Memento” potrei definirlo un nomen omen, teatrale nell’interpretazione e monolitica nell’andamento, mentre la title track “Soffitta Macabra” sfoggia tutta l’essenza Malombra composta di ambientazioni cinematografiche nel lungo minutaggio di tredici minuti abbondanti di musica. Il finale tocca a “L’Alba Dei Morti Viventi” (scusate, mi torna alla mente Dylan Dog), un melodico andamento di pece in cui ancora una volta Mercy recita il testo drammatico infarcito di sonorità altamente Progressive.
In definitiva, "Soffitta Macabra" è un'opera densa, teatrale e sfacciatamente controtendenza, con cui i Malombra riaffermano la propria identità unica nel panorama Dark Progressive italiano. Un viaggio claustrofobico e affascinante tra le ombre dell'anima, che riconferma la band genovese come una delle poche capaci di trasformare la decadenza in pura arte. Un grande ritorno! MS 

Versione Inglese: 

MALOMBRA – Soffitta Macabra
Black Widow Records
Genre: Dark / Progressive Metal / Doom
Format: CD / LP / Digital – 2026

Darkness conceals illusions and gives scope to manifestations we imagine we see. In practice, it is a language with which our mind prefers to cry out its fears or disappointments, whether real or false. Music often sings of these deeds, and what better genre to do so than Dark Doom?
Malombra are a historic band from Genoa, founded in 1991 by singer and creative mastermind Mercy (born Renato Carpaneto), and are considered one of the most eclectic and fascinating acts on the Italian scene, historically tied to the prestigious Black Widow Records label.
The name Malombra draws directly from the imagery and homonymous novel by Antonio Fogazzaro, reflecting right from the start a strong inclination toward gothic atmospheres, Decadentism, literature, as well as Jewish and esoteric folklore. They debuted with their self-titled album “Malombra” (1993), a raw yet visionary work merging classic Heavy Metal, Black Sabbath-style Doom, and Progressive nuances. Critical acclaim came with “Our lady Of The Bones” (1996), a complex and monumental album that consecrated their dramatic and theatrical style. With “The Dissolution Age” (2001), they evolved toward more eclectic sounds, blending 70s Progressive Rock, synth wave, acoustic parts, and theatrical recitations. A long hiatus and parallel projects by band members followed (including Il Segno del Comando by Diego Banchero). In 2023 they returned with the album “T.R.E.S.”, reaffirming their trademark style with lyrics predominantly in Italian.
Today, with “Soffitta Macabra”, they look back toward that raw and direct debut, reflected in album recordings free from modern gimmicks. Today’s lineup features Renato “Mercy” C. (vocals), Matteo Ricci (guitars, synths), Fabio Cuomo (drums, synths, backing vocals), Daniele Gasparini (bass, synths, percussion, backing vocals), Mauro Sciaccaluga (guitars), and Fulvio “Flux” M. (keyboards, synths).
The title takes an allusive inspiration from an early 20th-century retro-vanguard art movement and magazine. Musically, “Soffitta Macabra” continues the band’s path of growth, merging the monolithic and dark guitars typical of classic doom (in the vein of Black Sabbath and Paul Chain) with complex time signature changes, acoustic sections, and dynamics typical of 70s Italian Prog (Jacula, Goblin, Banco del Mutuo Soccorso). Massive use is made of Hammond organ, Mellotron, and analog synthesizers to build a eerie, claustrophobic backdrop—just as suggested by the album’s title. Mercy's vocals range from clean, solemn singing to theatrical recitations, bestowing upon the record the feel of a true dramatic and ritualistic piece.
Of the six tracks on the album, the opening falls to “Un'Ultima Mezzanotte” and Mercy’s dark, flawless spoken-word delivery. The lyrics confront the rejection of modern social conventions, the sense of alienation, spiritual isolation, and the relentless conflict between the individual and the chaos of the external world, alongside the decay of art, the allure of the invisible, and the shadows of the past. Throughout the journey, strong references to Romantic and Gothic literature, magic, and forgotten myths remain, addressed not with sensationalism but through profound lyrical and philosophical exploration.
Fierce is “Contro Il Mondo, Contro La Vita”, where the spirit of 70s Doom looms, only occasionally “modernized” by synth interventions and the guitar’s agonizing cries. The recording wraps the sound in a veil that shrouds the music under a dark pall, setting the context perfectly.
“Miracle Of Love” arrives right next, almost as a continuation, opening with an acoustic guitar arpeggio in a melancholy, highly melodic ballad. The vocals switch to English. Midway through, the song surges in intensity, crying out all its pain and showcasing the band’s ability to act as a steamroller.
“Memento” could be described as a nomen omen, theatrical in its delivery and monolithic in its pacing, while the title track “Soffitta Macabra” displays the true essence of Malombra through cinematic soundscapes across its generous thirteen-minute runtime. The finale belongs to “L’Alba Dei Morti Viventi” (forgive me, Dylan Dog springs to mind), a melodic, pitch-black progression in which Mercy once again recites dramatic verse steeped in deeply Progressive textures.
Ultimately, "Soffitta Macabra" is a dense, theatrical, and brazenly counter-trend work with which Malombra reaffirm their unique identity in the Italian Dark Progressive landscape. A claustrophobic and captivating journey through the shadows of the soul, confirming the Genoese band as one of the few capable of turning decay into pure art. A triumphant return! MS

 

Davide "DeaR" Riccio

DAVIDE “DEAR” RICCIO – Remainders
 Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore
Supporto: 3CD – 2026

Chi frequenta Nonsolo Progrock, sicuramente ha già conosciuto il cantautore Davide Riccio e la sua musica. Attivo anche con lo pseudonimo DeaR, derivato dalle sue iniziali pronunciate all'inglese, è una persona dal profilo poliedrico: educatore, musicista polistrumentista, compositore, poeta, scrittore e giornalista. Attivo artisticamente fin dagli anni '80, Davide Riccio muove i primi passi nella scena musicale torinese militando in storiche formazioni locali come Bluest, Vast Of Heaven, Off Beat e Individua Vaga. La sua carriera da solista e autore si distingue per un'incessante spinta sperimentale e un approccio completamente svincolato dalle logiche commerciali.
Accanto alla produzione letteraria (poesie, racconti e saggi), Riccio porta avanti una discografia sterminata e multiforme che spazia dalla canzone d'autore colta alla musica elettronica e ambient, passando per il Progressive Rock, il Folk sperimentale e la spoken word. Tra le sue opere più significative figurano progetti monumentali come “Out Of Africa” (Music Force, 2021), “Mon Turin” (Music Force, 2022), “DeaR Me!” (2023), “DeaR Tapes” (cofanetto 3 CD, Music Force, 2024), “Gli Altri” (cofanetto/album multiplo CD, 2025), e tantissimi altri ancora in passato. Numerose anche le collaborazioni, come quelle con Deadburger o Roulette Cinese.
La figura di DeaR quindi incarna il vero spirito dell'underground: un artista autosufficiente, visionario e intimista.
“Remainders” è un altro mastodontico contenitore di brani inediti registrati negli anni ’80, ’90 e ’00 suddivisi in tre CD, dove il terzo, intitolato “Wrong Or Right Of Forty”, è nato originariamente nel 2006 come un "ghost album" (un progetto rimasto a lungo nel cassetto) ed è stato ufficialmente pubblicato e distribuito a livello discografico nel 2022 dall'etichetta Music Force.
Sul piano sonoro, “Remainders” evidenzia l'attitudine minimale e multistrato tipica delle produzioni autoprodotte di Riccio. Il lavoro si muove su territori elettronici e avanguardistici, dosando synth vintage, drum machine essenziali, campionamenti e inserti acustici o elettrici gestiti dallo stesso Riccio in veste di polistrumentista.
La sonorità oscilla quindi tra la calcolata freddezza dell'elettronica sperimentale (synth-wave, IDM, kraut-rock) e momenti di grande pathos introspettivo. L'uso dei timbri crea uno spazio acustico frammentato, specchio del titolo stesso dell'opera.
Nei testi di Riccio, i "resti" rappresentano ciò che sopravvive al processo di sottrazione e divisione della vita quotidiana: i ricordi, i frammenti emotivi, i detriti e le incomprensioni che non si riescono a "dividere equamente" o a riassorbire nel flusso dell'esistenza. La vena di scrittore trapela tra i testi, la parola si fa spesso scarna, frammentata, poetica e a tratti ironica o disincantata. Le parole esplorano il senso di isolamento, la memoria e l'impossibilità di far tornare i conti nell'esperienza umana, lasciando sempre un margine di scarto, un'equazione mai perfettamente risolta.
Il totale delle canzoni è cinquantotto, per cui chiaramente non procederò con un'analisi singola, bensì nominerò quelle che personalmente mi hanno colpito di più. Nel CD1 si distinguono “We Do What Little We Can” del 1985 per l’andamento molto Beatles-style, “Tibet” per la ricerca elettronica e Psichedelica, “Shakespeare’s Sonnet” per la profondità melodica e malinconica costruita su piano e voce, e “Dancing To The Life” per dare uno sguardo al mondo della disco.
Il CD 2 si apre con la cameristica “New Renaissance” a testimonianza della cultura a tutto tondo di DeaR. In più sottolineo la ricerca strutturale e distopica di “Literally Destroyed”, il mondo ovattato e greve di “Megiddo”, la crimsoniana e strampalata “Catastrophobia”, il Metal quasi estremo di “9/11”, l’elettronica “Neanderthal VS. Cro-Magnon”, la New Wave di “William Burroughs O La Favola Nucleare”, la pianistica “A Bartok” e ancora il piano e voce (femminile) di una swingante “Baby Lone”.
Il CD 3 “Wrong Or Right Of Forty” si apre con la title track, ariosamente supportata dalle tastiere synth di fondo su un cantato recitato e profondo. Torna la ricerca strutturale e psichedelica con “Workaholic” (Orchestra Vuota), poi tanta sperimentazione a seguire, sino a giungere all’ottima “Insects”, con tracce di Roger Waters, e a “The Bells”, otto minuti in cui gli anni ’80 si palesano tra New Wave Dark e Psichedelia.
Per concludere, “Remainders” è di certo un ascolto denso e impegnativo, ma che regala a chi ha la pazienza di perdersi tra le sue tracce la sensazione rara di aver toccato con mano la materia grezza della vera creatività indipendente. MS 

Versione Inglese: 

DAVIDE “DEAR” RICCIO – Remainders
Music Force / Egea Music
Genre: Singer-songwriter / Art Pop
Format: 3CD – 2026

Those who follow Nonsolo Progrock are certainly already familiar with singer-songwriter Davide Riccio and his music. Also active under the pseudonym DeaR, derived from his initials pronounced in English, he is a multifaceted figure: educator, multi-instrumentalist, composer, poet, writer, and journalist. Artistically active since the 1980s, Davide Riccio took his first steps in the Turin music scene playing in historic local bands such as Bluest, Vast Of Heaven, Off Beat, and Individua Vaga. His career as a solo artist and songwriter is distinguished by an unceasing experimental drive and an approach completely unencumbered by commercial logic.
Alongside his literary output (poetry, short stories, and essays), Riccio maintains an endless and multiform discography spanning cultured singer-songwriter music, electronic, and ambient, as well as Progressive Rock, experimental Folk, and spoken word. Among his most significant works are monumental projects such as “Out Of Africa” (Music Force, 2021), “Mon Turin” (Music Force, 2022), “DeaR Me!” (2023), “DeaR Tapes” (3-CD box set, Music Force, 2024), “Gli Altri” (multi-CD box set/album, 2025), and many others in the past. He has also engaged in numerous collaborations, such as those with Deadburger or Roulette Cinese.
Thus, the figure of DeaR embodies the true spirit of the underground: a self-sufficient, visionary, and intimate artist.
“Remainders” is another mammoth collection of unreleased tracks recorded throughout the ’80s, ’90s, and ’00s split across three CDs. The third CD, titled “Wrong Or Right Of Forty,” was originally conceived in 2006 as a "ghost album" (a project shelved for a long time) and was officially released and distributed by the Music Force label in 2022.
On a sonic level, “Remainders” highlights the minimal, multi-layered attitude typical of Riccio's self-produced works. The album moves through electronic and avant-garde territories, balancing vintage synths, essential drum machines, sampling, and acoustic or electric touches handled by Riccio himself as a multi-instrumentalist.
The sound oscillates between the calculated coldness of experimental electronics (synth-wave, IDM, kraut-rock) and moments of deep introspective pathos. The choice of timbres creates a fragmented acoustic space, reflecting the title of the work itself.
In Riccio's lyrics, the "remainders" represent what survives the process of subtraction and division in daily life: memories, emotional fragments, debris, and misunderstandings that cannot be "divided equally" or reabsorbed into the flow of existence. His writer's touch shines through the lyrics: the words are often sparse, fragmented, poetic, and at times ironic or disenchanted. The lyrics explore isolation, memory, and the impossibility of making the math work in the human experience, always leaving a leftover margin—an equation never fully solved.
With fifty-eight songs in total, I will obviously not go into an individual track-by-track analysis, but rather highlight those that personally struck me the most. On CD1, standout tracks include “We Do What Little We Can” (1985) for its very Beatles-style vibe, “Tibet” for its electronic and psychedelic research, “Shakespeare’s Sonnet” for its melodic and melancholic depth built on piano and vocals, and “Dancing To The Life” for a nod to the world of disco.
CD2 opens with the chamber-like “New Renaissance,” testifying to DeaR's broad cultural background. Highlights also include the structural, dystopian research of “Literally Destroyed,” the muffled and heavy world of “Megiddo,” the Crimsonesque and quirky “Catastrophobia,” the near-extreme metal of “9/11,” the electronic “Neanderthal VS. Cro-Magnon,” the New Wave of “William Burroughs O La Favola Nucleare,” the piano-driven “A Bartok,” and the female piano-and-vocal swing of “Baby Lone.”
CD3, “Wrong Or Right Of Forty,” opens with the title track, airily supported by background synth keyboards beneath deep, spoken-word vocals. Structural and psychedelic exploration returns with “Workaholic” (Orchestra Vuota), followed by a wealth of experimentation leading up to the excellent “Insects” (with hints of Roger Waters) and “The Bells”—eight minutes where the ’80s emerge through Dark New Wave and Psychedelia.
In conclusion, “Remainders” is certainly a dense and demanding listen, but one that rewards those patient enough to get lost in its tracks with the rare feeling of touching the raw material of true independent creativity. MS

Giuseppe Sarno

GIUSEPPE "Sep" SARNO – The Keith Emerson Piano Tribute
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / Digital – 2026

Misurarsi con l'eredità di Keith Emerson equivale a scalare una montagna senza imbracatura. La storia del Rock Progressivo ha consacrato il tastierista degli ELP come una figura titanica, capace di coniugare il virtuosismo classico, l'urgenza espressiva del Jazz e la potenza d'impatto del Rock sinfonico. Tuttavia, gran parte dell'immaginario emersoniano è legata a doppio filo all'architettura sonora dei suoi imponenti rig: le timbriche aggressive dell'organo Hammond C3, la maestosità del Moog modulare e l'interazione dinamica con una sezione ritmica di primissimo ordine.
In “The Keith Emerson Piano Tribute”, edito da Ma.Ra.Cash Records, Giuseppe "Sep" Sarno sceglie di intraprendere una strada tanto radicale quanto rischiosa, quella di spogliare le grandi suites di Emerson da ogni orpello elettronico e ritmico per restituirle nella loro essenza geometrica e armonica attraverso un unico strumento, il pianoforte solo.
L'operazione le cui radici concettuali risalgono al periodo del lockdown, evidenzia subito una profonda consapevolezza analitica. Trasportare pagine complesse e stratificate come “Tarkus”, “Trilogy” o la re-interpretazione di “Take A Pebble” su un solo tastierismo richiede una riscrittura strutturale vera e propria, che trasforma il pianoforte in un'intera orchestra.
L'impostazione tecnica di Sarno rivela una solida scuola (frutto anche degli studi con Vittorio Nocenzi del Banco del Mutuo Soccorso) e un bagaglio di esperienze sul campo di tutto rispetto, dal breve passaggio nelle fila dei leggendari The Trip alla collaborazione con Carmine Capasso e Giorgio Fico Piazza.
Dice l’artista: “"Non so quando ho ascoltato per la prima volta Emerson: grazie a mia madre Luciana e mio padre Alfonso, la musica colta è sempre circolata a casa. Mia madre racconta che da infante mi addormentavo con 'Paolo Pa' del Banco del Mutuo Soccorso, band di Vittorio Nocenzi, mio futuro maestro. E' con questa formazione che con umiltà ho studiato Emerson.".
Questa familiarità con il canone del Prog italiano e internazionale emerge nella gestione delle dinamiche e nella scansione dei tempi, dove il rispetto del testo originale si fonde con una sensibilità interpretativa personale.
Il lavoro di riduzione pianistica evidenzia la qualità intrinseca delle composizioni di Emerson: prive delle distorsioni dell'Hammond e dei synth, le linee di basso ostinate, i contrappunti e i continui cambi di tempo rivelano una matrice contrappuntistica quasi classica, mettendo a nudo l'architettura formale dei brani.
Se dal punto di vista interpretativo il disco dimostra grande rigore e rispetto filologico, doti che sono valse a Sarno il riconoscimento della targa EMERSONOLOGY da parte del fan club internazionale nel maggio 2025, dal punto di vista dell'ascolto analitico emerge il consueto interrogativo legato ai progetti tributo in chiave acustica. La scelta di rinunciare alla pulsione ritmica e al colore timbrico originale rende l'album un'opera rivolta prevalentemente ai cultori dell'universo ELP o agli amanti del pianismo classico Prog contemporaneo.
La produzione curata da Carmine Capasso restituisce un suono di pianoforte ben bilanciato, privo di artifici eccessivi, che lascia respirare l'esecutività e le sfumature dinamiche del tocco di Sarno.
“The Keith Emerson Piano Tribute” non è un puro atto di devozione verso uno dei padri fondatori del genere, bensì vuole essere una rilettura rigorosa, a tratti severa, che invita a riscoprire le architetture armoniche di Keith Emerson sotto una luce diversa. Un lavoro coraggioso che conferma la versatilità e la preparazione tecnica di Giuseppe "Sep" Sarno all'interno del panorama Prog italiano contemporaneo.
Ogni singolo brano è eseguito con grande perizia oltre che sentimento e sono: “Creole Dance”, “Trilogy”, “Close To Home”, “Fugue”, “Take A Pebble”, “Inferno”, “Tarkus”, e “Nutrocker”.
Un immersione nella grande musica senza tempo che non finisce mai di emozionare. Grazie Sarno e complimenti per l’eccelsa tecnica! MS

Versione Inglese: 

GIUSEPPE "Sep" SARNO –
The Keith Emerson Piano Tribute
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

Measuring oneself against the legacy of Keith Emerson is equivalent to climbing a mountain without a harness. The history of Progressive Rock has enshrined ELP's keyboardist as a titanic figure, capable of combining classical virtuosity, the expressive urgency of Jazz, and the impactful power of Symphonic Rock. However, much of the Emersonian imagery is closely tied to the sonic architecture of his imposing rigs: the aggressive timbres of the Hammond C3 organ, the majesty of the modular Moog, and the dynamic interaction with a top-tier rhythm section.
In “The Keith Emerson Piano Tribute”, released by Ma.Ra.Cash Records, Giuseppe "Sep" Sarno chooses to take a path as radical as it is risky: stripping Emerson's great suites of all electronic and rhythmic embellishments to return them in their geometric and harmonic essence through a single instrument, the solo piano.
The operation, whose conceptual roots date back to the lockdown period, immediately highlights a deep analytical awareness. Translating complex, multi-layered pieces like “Tarkus”, “Trilogy”, or the re-interpretation of “Take A Pebble” to a single keyboard performance requires a true structural rewriting, transforming the piano into a full orchestra.
Sarno's technical technique reveals a solid background (also the result of studies with Vittorio Nocenzi of Banco del Mutuo Soccorso) and a highly respectable wealth of field experience, from a brief stint in the ranks of the legendary The Trip to collaborations with Carmine Capasso and Giorgio Fico Piazza.
The artist says: "Non so quando ho ascoltato per la prima volta Emerson: grazie a mia madre Luciana e mio padre Alfonso, la musica colta è sempre circolata a casa. Mia madre racconta che da infante mi addormentavo con 'Paolo Pa' del Banco del Mutuo Soccorso, band di Vittorio Nocenzi, mio futuro maestro. E' con questa formazione che con umiltà ho studiato Emerson.".
This familiarity with the canon of Italian and international Prog emerges in the management of dynamics and phrasing, where respect for the original material blends with a personal interpretive sensitivity.
The piano reduction work highlights the intrinsic quality of Emerson's compositions: devoid of Hammond distortion and synths, the stubborn bass lines, counterpoints, and continuous time changes reveal an almost classical counterpoint matrix, laying bare the formal architecture of the tracks.
If, from an interpretive standpoint, the record demonstrates great rigor and philological respect—qualities that earned Sarno the EMERSONOLOGY award from the international fan club in May 2025—from an analytical listening perspective, the usual question surrounding acoustic tribute projects arises. The choice to forgo the rhythmic drive and original tonal colors makes the album a work targeted primarily at aficionados of the ELP universe or lovers of contemporary Prog-classical piano music.
The production handled by Carmine Capasso delivers a well-balanced piano sound, free from excessive trickery, allowing the performance and dynamic nuances of Sarno's touch to breathe.
“The Keith Emerson Piano Tribute” is not a pure act of devotion toward one of the founding fathers of the genre, but rather aims to be a rigorous, at times stern reinterpretation that invites listeners to rediscover Keith Emerson's harmonic architectures in a different light. A courageous effort that confirms the versatility and technical command of Giuseppe "Sep" Sarno within the contemporary Italian Prog scene.
Each individual track is executed with great expertise as well as emotion, and they are: “Creole Dance”, “Trilogy”, “Close To Home”, “Fugue”, “Take A Pebble”, “Inferno”, “Tarkus”, and “Nutrocker”.
An immersion into great, timeless music that never fails to evoke emotion. Thank you Sarno, and congratulations on the superb technique! MS

 

Resistor

RESISTOR – Beyond
Progrock.com's Essentials
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Non so quanti di voi sono a conoscenza di questa band americana, personalmente li ho seguiti sin dagli esordi e vi confesso che nella loro discografia composta da otto album, compreso questo nuovo “Beyond”, non ho trovato momenti di calo. Sì, è vero, manca il capolavoro che li consacra nell’olimpo, ma il Prog proposto è sempre bello, denso di passaggi interessanti, tecnici e melodici.
Originari di Providence (Rhode Island), si formano nel 2005. La formazione è guidata dal polistrumentista Steve Unruh (voce, chitarra, violino, flauto), noto anche per le sue collaborazioni con diverse realtà della scena Prog internazionale tra cui The Samurai Of Prog, UPF e la sua carriera solista. Con Unruh suonano Rob Winslow (basso), Barry Farrands (batteria) e Fran Turner (chitarre). Il sound del gruppo si caratteriza per una commistione tra l'impatto ruvido e organico dell'Hard Rock, il Classic Rock e la complessità strutturale del Crossover Prog. Tre i brani che formano l’album e spazio poi ai quattro singoli estratti in Radio Edit.
Ed è proprio una suite dal titolo “Nostalgia” ad aprire “Beyond”, più di dodici minuti di musica nella quale le trame complesse e stratificate tipiche dell'album, caratterizzate dai cambi di tempo dinamici e i dialoghi strumentali, oscillano tra passaggi melodici e sezioni più tirate. L’impatto iniziale richiama il mondo dei Rush per poi virare in un monolitico mid-tempo in cui la chitarra elettrica rilascia un solo quasi microtonale. Buono l’uso delle coralità. In alcuni fraseggi si presentano anche gli anni ’80 del Neo Prog (IQ). Le trame vedono un uso prominente dell'NS/Stick eseguito dall'ospite Don Schiff, il cui timbro elastico e percussivo si intreccia con il violino e le chitarre di Unruh e Turner. Nulla è scontato in questo lungo percorso.
Il secondo brano è strumentale e s’intitola “Antares”: si apre con una chitarra elettrica impegnata in un riff Hard Rock tipico degli anni ’70, trascinante e coinvolgente, per mutare successivamente (come il genere insegna) in un movimento più melodico. Le parti di basso sono marcate e dinamiche sino a riprendere verso il finale le arie iniziali, impreziosite dalla linea vocale senza parole (vocalizzo espressivo) che funge da vero e proprio strumento solista.
Il piatto forte di “Beyond” tuttavia è proprio la title track, con ben ventiquattro minuti abbondanti di musica aperti da un arpeggio che rimanda ai Genesis degli anni ’70. Il timbro vocale e la cadenza ricordano moltissimo Peter Nicholls e i suoi IQ. Ma i Resistor godono di una personalità marcata e ovviamente spiazzano l’ascoltatore con cambi repentini di stile e potenza. Un lungo percorso da ascoltare in religioso silenzio per poter apprezzare al meglio ogni sfumatura, perché qui di idee ce ne sono davvero a profusione: per esempio il greve assolo di violino elettrico che lascia spazio ad un raggio di sole creato dalla chitarra acustica, oppure la fuga di flauto che diventa protagonista in un andamento vivace in stile Jethro Tull… Nulla è scontato, e cosa dire poi del richiamo vocale a cappella in stile Gentle Giant? Gioia e pane per un fan Prog Rock DOC!
Seguono i quattro singoli già citati che sono: “Calling Back Home (Radio Edit)”, “Into This Mystical Lair (Radio Edit)”, “Antares (Radio Edit)” e “Nostalgia (Radio Edit)”.
“Beyond”, credetemi, è un disco spettacolare che mostra lo stato di salute del Prog che, seppur essendo un genere di nicchia, ha ancora molto da dire, tutto questo però quando le idee sono quelle giuste. Vado a riascoltarlo! MS 

ASCOLTO: https://resistor222.bandcamp.com/album/beyond-24-bit-hi-res

Versione Inglese: 

RESISTOR – Beyond
Progrock.com's Essentials
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

I don't know how many of you are aware of this American band, but personally I've followed them since their debut, and I confess that across their discography of eight albums—including this new one, “Beyond”—I haven't found a single slump. Yes, it's true, there may not be that single masterpiece to immortalize them in the pantheon, but the Prog they deliver is always engaging, rich with interesting, technical, and melodic passages.
Hailing from Providence (Rhode Island), they formed in 2005. The lineup is led by multi-instrumentalist Steve Unruh (vocals, guitar, violin, flute), also known for his collaborations with various acts on the international Prog scene, including The Samurai Of Prog, UPF, and his solo career. Playing alongside Unruh are Rob Winslow (bass), Barry Farrands (drums), and Fran Turner (guitars). The band's sound is characterized by a blend of the raw, organic impact of Hard Rock, Classic Rock, and the structural complexity of Crossover Prog. Three tracks make up the main body of the album, followed by four single Radio Edits.
Opening “Beyond” is a suite titled “Nostalgia,” over twelve minutes of music where the complex, layered textures typical of the album—defined by dynamic tempo changes and instrumental dialogues—alternate between melodic passages and tighter, heavier sections. The initial impact recalls the world of Rush before shifting into a monolithic mid-tempo where the electric guitar delivers an almost microtonal solo. The use of vocal harmonies is strong. In certain phrasing, hints of 1980s Neo-Prog (IQ) also emerge. The arrangements feature prominent use of the NS/Stick played by guest musician Don Schiff, whose elastic, percussive timbre weaves together with Unruh and Turner's violin and guitars. Nothing is predictable in this long journey.
The second track is an instrumental titled “Antares”: it opens with electric guitar driving a classic '70s-style Hard Rock riff—engaging and driving—before shifting (as the genre demands) into a more melodic movement. The bass lines are prominent and dynamic, eventually returning near the end to the opening themes, enriched by wordless vocal lines (expressive vocalizations) that act as a true lead instrument.
The centerpiece of “Beyond,” however, is the title track itself, featuring over twenty-four generous minutes of music that open with an arpeggio reminiscent of 1970s Genesis. The vocal timbre and cadence strongly recall Peter Nicholls and his band IQ. Yet Resistor possess a distinct identity of their own, consistently surprising the listener with sudden shifts in style and intensity. It's an extended piece to be listened to in reverent silence to fully appreciate every nuance, because ideas here are truly abundant: for instance, the heavy electric violin solo giving way to a ray of sunshine created by the acoustic guitar, or the flute fugue taking center stage in a lively, Jethro Tull-style passage… Nothing is taken for granted, and what about that a cappella vocal nod to Gentle Giant? Absolute pure bliss for a genuine Prog Rock fan!
Following are the four previously mentioned singles: “Calling Back Home (Radio Edit)”, “Into This Mystical Lair (Radio Edit)”, “Antares (Radio Edit)”, and “Nostalgia (Radio Edit)”.
“Beyond”, believe me, is a spectacular album that showcases the vitality of Prog, a genre that, despite being a niche market, still has a great deal to say when the ideas are right. Time for me to give it another listen! MS

 

For listening: https://resistor222.bandcamp.com/album/beyond-24-bit-hi-res

Riffstone

RIFFSTONE – Zodiac
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Passeggiata astrale per il prolifico duo inglese composto da Colin Powell e Dave Allen. Formatisi nel 2025, hanno già all’attivo cinque album in studio compreso questo nuovo “Zodiac”. Certo, viene da pensare che magari sarebbe il caso di concentrare le idee in un album unico che racchiuda le migliori canzoni composte, eppure ciò che sbalordisce nei Riffstone è proprio l’alta qualità del materiale, come se fossero due fiumi in piena.
Colin Powell (da Salford, UK) è un polistrumentista, compositore e produttore noto per la sua militanza nei Nova Cascade e per il suo progetto solista A Multitude Of One. In Riffstone cura tastiere, chitarre, programmazioni, produzione e songwriting. Dave Allen (da Wirral, UK) è chitarrista, bassista e polistrumentista. È la mente dietro al progetto Prog Spirergy. Nei Riffstone apporta la componente chitarristica, ritmica e gli arrangiamenti. Dopo i buoni “Richard III”, “Sanctuary Sky”, “Great Journeys” e “Mythical Creatures”, è la volta di “Zodiac”, un concept album incentrato sui 12 segni dello zodiaco. L'opera esplora le caratteristiche astrologiche e simboliche attraverso sonorità Symphonic Prog, ricche di tappeti di tastiere, sintetizzatori analogici, chitarre melodiche e atmosfere sognanti ed epiche. La durata dell’opera è elevata e supera i 72 minuti.
Lo sguardo alle spalle è evidente: sonorità Genesis, Yes, Pink Floyd, ma anche alcune melodie mutuate dai maestri Beatles. Gli autori tuttavia si avvalgono dell’IA, almeno per la bellissima copertina, se non per alcuni spunti comunque suonati e arrangiati da loro stessi.
Sale in cattedra immediatamente il basso di Allen in “Aries”, dal carattere energico e dinamico. Dominato da riff di chitarra in primo piano e sequenze di sintetizzatore dal passo marziale, è un ottimo esempio di Prog sinfonico e magniloquente.
“Taurus” invece ha all’inizio tempi più moderati, bassi profondi e tessiture di tastiera dense (stile Mellotron/organo), che riflettono un'atmosfera tellurica e radicata, mentre uno dei frangenti più interessanti dell’album porta il titolo di “Gemini”. Il pezzo è aperto da un dolce arpeggio di chitarra per poi svilupparsi in un andamento che (specialmente per il cantato) può far tornare alla memoria i primi Pink Floyd più fiabeschi. Sale il ritmo con “Cancer”, uno sguardo al mondo Yes ma anche a tutto il panorama Prog, con buone intuizioni che fanno del segno del Cancro un mondo esuberante. Personalmente mi emoziono sempre quando ascolto delle tastiere sibilanti in modalità anni ’70, non posso farci nulla.
Arrangiamenti pomposi e sinfonici per “Leo”, mentre in “Virgo” aleggia una serenità ancestrale, grazie anche all’intro di pianoforte raggiunto poco dopo dalla chitarra elettrica. Fra i movimenti più articolati c’è “Libra”, a cavallo fra Neo Prog e Queen anni ’70; torna anche il cantato alla Syd Barrett (Pink Floyd). E poi la sorpresa, “Scorpio”, un tuffo nell’Hard Prog dal profumo cosmico degli anni ’80, con un ritornello semplice e diretto.
I Riffstone cambiano registro in “Sagittarius”, ma restano sempre legati alla storia del passato, questa volta entrando nel territorio dei Moody Blues, con sonorità sognanti e un buon uso della coralità. Se amate il Mellotron ascoltate “Capricorn”, brano a tratti cadenzato nella ritmica e sempre supportato in maniera elegante dalla chitarra elettrica.
Bello crogiolarsi nei suoni Yes di “Aquarius”, mentre il finale è affidato a “Pisces”, aria libera e onirica fra canto, chitarra acustica e synth. L’andamento a seguire alza il ritmo pur rimanendo nel tranquillizzante mondo dei Riffstone.
Con “Zodiac”, la coppia Powell-Allen firma un lavoro maturo, fluido ed estremamente coerente con la propria poetica musicale. Dodici tracce che dipingono un vero e proprio affresco sonoro, capace di valorizzare appieno la forte intesa esecutiva e compositiva dei due polistrumentisti. Certo che ne hanno di passione e di idee, e ho come la sensazione che per il prossimo lavoro non dovremo attendere a lungo, chissà perché. MS

Versione Inglese:

RIFFSTONE – Zodiac
Self-released
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

An astral stroll for the prolific English duo composed of Colin Powell and Dave Allen. Formed in 2025, they already have five studio albums to their credit, including this new release, “Zodiac”. Sure, one might think it would be better to concentrate their ideas into a single album containing the best songs written, yet what is astonishing about Riffstone is precisely the high quality of the material, as if they were two rivers in full flood.
Colin Powell (from Salford, UK) is a multi-instrumentalist, composer, and producer known for his work with Nova Cascade and his solo project A Multitude Of One. In Riffston, he handles keyboards, guitars, programming, production, and songwriting. Dave Allen (from Wirral, UK) is a guitarist, bassist, and multi-instrumentalist. He is the mastermind behind the prog project Spirergy. In Riffstone, he contributes guitar work, rhythm, and arrangements. After the solid “Richard III”, “Sanctuary Sky”, “Great Journeys”, and “Mythical Creatures”, comes “Zodiac”, a concept album centered on the 12 signs of the zodiac. The work explores astrological and symbolic traits through Symphonic Prog sounds, rich in keyboard carpets, analog synthesizers, melodic guitars, and dreamy, epic atmospheres. The running time is substantial, exceeding 72 minutes.
The backward glance is clear: Genesis, Yes, and Pink Floyd soundscapes, along with melodies borrowed from the masters, The Beatles. The authors do, however, make use of AI—at least for the beautiful cover art, if not for a few musical ideas, which are nevertheless played and arranged by the musicians themselves.
Allen’s bass takes center stage right away in “Aries”, which has an energetic, dynamic character. Dominated by prominent guitar riffs and synthesizer sequences with a martial stride, it is a fine example of magniloquent symphonic prog.
“Taurus”, on the other hand, opens with more moderate tempos, deep basslines, and dense keyboard textures (Mellotron/organ style) that reflect a telluric, grounded atmosphere, while one of the album's most interesting passages goes by the name of “Gemini”. The track opens with a gentle guitar arpeggio before developing into a movement that (especially in the vocals) calls to mind early, fairytale-like Pink Floyd. The tempo picks up with “Cancer”, a nod to the world of Yes as well as the broader prog landscape, featuring sharp ideas that turn Cancer into a vibrant, exuberant world. Personally, I always get a thrill whenever I hear whistling '70s-style keyboards—I just can't help it.
Pompous, symphonic arrangements define “Leo”, whereas in “Virgo” an ancestral serenity floats in the air, thanks in part to a piano intro joined shortly after by the electric guitar. Among the most intricate movements is “Libra”, straddling Neo-Prog and '70s Queen; the Syd Barrett-esque vocals (Pink Floyd) also make a return. Then comes the surprise, “Scorpio”, a dive into '80s cosmic-flavored Hard Prog with a simple, direct chorus.
Riffstone shift gears in “Sagittarius”, yet remain tied to musical history, this time stepping into Moody Blues territory with dreamy soundscapes and effective use of vocal harmonies. If you love the Mellotron, listen to “Capricorn”, a track with a rhythmic cadence in places, consistently and elegantly supported by electric guitar.
It's a pleasure to bask in the Yes-like sounds of “Aquarius”, while the finale is entrusted to “Pisces”—an open, dreamlike space blending vocals, acoustic guitar, and synths. The driving feel that follows picks up the pace while remaining firmly rooted in Riffstone's reassuring realm.
With “Zodiac”, the Powell-Allen duo delivers a mature, fluid work that is thoroughly coherent with their musical vision. Twelve tracks that paint a genuine sonic fresco, fully showcasing the strong performance and compositional synergy of the two multi-instrumentalists. They certainly possess an abundance of passion and ideas, and I have a feeling we won't have to wait long for their next release—wonder why. MS

The Flower Kings

THE FLOWER KINGS – Hope
InsideOut Music
Genere: Progressive Sinfonico
Supporto: CD / LP / Blu-Ray / Digitale – 2026

Con i The Flower Kings siamo al cospetto della storia del Progressive Rock svedese e mondiale a partire dagli anni ’70 ad oggi. Inizialmente il leader Roine Stolt (voce, chitarra, tastiere, percussioni) muove i primi passi nei Kaipa, a seguire in altri progetti più o meno minori e maggiori (come i Transatlantic), tutti ben riconducibili alla personalità del leader chitarrista.
Infatti cosa dobbiamo attenderci dal nuovo album “Hope” è già noto, specialmente per i fan: Roine ha uno spiccato senso per la melodia, usufruendo degli anni ’70 come punto di riferimento fra Genesis, King Crimson e tutti quelli che hanno fatto la storia. La discografia dei The Flower Kings è davvero nutrita, con 18 album in studio tutti molto lunghi, fra doppi CD e gustose suite. Come si può evincere dai commenti nei social riguardo alla musica degli svedesi, il pubblico è letteralmente spaccato in due (come per il caso degli Spock’s Beard): chi li adora e chi li ritiene inutili e prolissi, ma questo si sa, è il bello del gusto personale e comunque parlarne anche animatamente è sempre positivo, purché se ne parli, e oggi più che mai il Prog ha bisogno di attenzione visti i cali d’interesse.
Ed ecco dunque che sono sempre le vecchie leve a tirare la carretta; ma attenzione, non che non ci siano nuove alternative valide e giovani, soltanto che se non possiedi un nome noto oggi è difficile emergere in un mondo che sente ma non ascolta più.
Ma “Hope”, pur essendo un classico Flower, ha un certo mutamento rispetto a “Love” del 2025, qui c’è un ritorno alle lunghe suite, ma andiamo per ordine.
La formazione, accanto a Roine Stolt e Hasse Fröberg alla voce e chitarra, vede il ritorno di Michael Stolt al basso e la presenza di Lalle Larsson ai pianoforti e tastiere (autore anche delle musiche della prima suite), affiancati dal drumming dinamico di Mirkko De Maio. Tra i contributi spiccano anche strumenti acustici non convenzionali per il loro sound recente, come il violino di Juraj Stieranka e la fisarmonica di Aliaksandr Yasinski nella suite finale. Le liriche affrontano la crescente polarizzazione politica, l'instabilità globale e la sensazione di imminente decadenza materiale, contrapponendovi un'invocazione alla speranza, alla bellezza e al recupero della dimensione umana.
L’album si apre con una suite di quasi diciannove minuti intitolata “World Spinning - The Final Curtain”, suddivisa in cinque parti coordinate che definiscono subito l'atmosfera sinfonica dell'album. È sempre un piacere imbattersi in suoni colorati e a tratti sognanti, immersi in un mondo fatto di immagini create dall’inconfondibile suono della chitarra. La voce di Hasse Fröberg entra con tono caldo e meditativo prima dell'ingresso della sezione ritmica. La complessità strutturale del Prog fuoriesce in tutta la sua grandezza nella seconda e terza parte con assoli di synth e un piglio vicino al Prog sinfonico di scuola Canterbury e Yes. La Pt. 3 si distende in una melodia ad ampio respiro dove le voci di Stolt e Fröberg si sovrappongono creando armonie corali stratificate. Qui il testo riflette sull'illusione di controllo dell'uomo moderno, prigioniero della fretta e del rumore mediatico. La “calata del sipario” è un monito a risvegliare la propria consapevolezza individuale prima del punto di non ritorno. La parte conclusiva offre digressioni virtuosistiche con forti influenze fusion guidate dal piano di Larsson per poi riprendere il tema principale in un crescendo epico, guidato da un lungo assolo di chitarra di Stolt ricco di sustain e pathos emotivo (il sound caratteristico della band).
A seguire “In A World Of Fools”, scelto come primo singolo apripista, è un brano-ballata più diretto e sentito fra coralità, arpeggi e un cantato toccante da parte di Roine.
“Mars & Minerva” è quasi completamente strumentale, basata ancora una volta sulla chitarra sognante e ponderata con fughe tecniche di elevata caratura, il tutto mantenendo sempre un piede sulla staffa della melodia armoniosa.
E poi c’è la monumentale suite “The Gods Of Rome”, quella che ogni fan della band vorrebbe sempre ascoltare in ogni disco. L’apertura è solenne ed evocativa dove tocchi barocchi di pianoforte e chitarra acustica impostano il tema principale; per il resto i soliti saliscendi emotivi fra sonorità ricercate e armonicamente nutrite.
Certo è che il suono The Flower Kings non muta di una virgola, forse anche per questo alcuni critici stessi spesso arricciano il naso, ma la maestosità e l’emotività di alcuni passaggi fanno del sound The Flower Kings un punto di riferimento per molte band, come ha sempre fatto nel tempo. È semplicemente ottima musica e nient’altro. Per chi vi scrive, “Hope” è un passo in avanti rispetto alle ultime uscite, certo non vado a scomodare titoli importanti come “Stardust We Are”, tuttavia de gustibus… MS 

Versione Inglese:

THE FLOWER KINGS – Hope
InsideOut Music
Genre: Symphonic Progressive
Format: CD / LP / Blu-Ray / Digital – 2026

With The Flower Kings, we find ourselves in the presence of Swedish and global Progressive Rock history from the 1970s to the present day. Initially, leader Roine Stolt (vocals, guitar, keyboards, percussion) took his first steps in Kaipa, followed by various minor and major projects (such as Transatlantic), all clearly traceable to the guitarist-leader's signature personality.
Indeed, what to expect from the new album “Hope” is already well known, especially to fans: Roine has a distinct sense for melody, drawing on the 1970s as a reference point somewhere between Genesis, King Crimson, and all those who made history. The Flower Kings' discography is truly substantial, boasting 18 studio albums, all of considerable length, ranging from double CDs to delightful epics. As can be gathered from social media comments regarding the Swedes' music, the audience is literally split in two (much like in the case of Spock’s Beard): those who adore them and those who consider them unnecessary and prolix. But as we know, that is the beauty of personal taste, and in any case, discussing it—even animatedly—is always positive, as long as people are talking. Today, more than ever, Prog needs attention given the decline in interest.
And so once again, it is the old guard pulling the cart; but mind you, it is not that valid, young new alternatives do not exist, only that without a well-known name today, it is difficult to emerge in a world that hears but no longer listens.
However, “Hope”, while remaining a classic Flower release, shows a certain shift compared to 2025’s “Love”, marking a return to long epics, but let us take things in order.
The lineup, alongside Roine Stolt and Hasse Fröberg on vocals and guitar, sees the return of Michael Stolt on bass and the presence of Lalle Larsson on pianos and keyboards (who also composed the music for the first epic), supported by Mirkko De Maio's dynamic drumming. Among the contributions, unconventional acoustic instruments for their recent sound also stand out, such as Juraj Stieranka's violin and Aliaksandr Yasinski's accordion in the final epic. The lyrics address growing political polarization, global instability, and the sense of impending material decline, countering these with a plea for hope, beauty, and the reclaiming of the human dimension.
The album opens with an epic of nearly nineteen minutes titled “World Spinning - The Final Curtain”, divided into five coordinated parts that immediately establish the album's symphonic atmosphere. It is always a pleasure to encounter colorful and at times dreamy sounds, immersed in a world of imagery created by the unmistakable tone of the guitar. Hasse Fröberg’s vocals enter with a warm and meditative tone before the entrance of the rhythm section. Prog’s structural complexity emerges in all its splendor in the second and third parts, featuring synth solos and an approach close to Canterbury-school symphonic Prog and Yes. Pt. 3 unfolds into a sweeping melody where Stolt and Fröberg’s voices overlap to create layered choral harmonies. Here, the lyrics reflect on modern man's illusion of control, imprisoned by haste and media noise. The “final curtain” serves as a warning to awaken individual awareness before reaching the point of no return. The closing section delivers virtuosic digressions with strong fusion influences led by Larsson’s piano, before reprising the main theme in an epic crescendo, driven by a long guitar solo from Stolt, rich in sustain and emotional pathos (the band's trademark sound).
Next is “In A World Of Fools”, chosen as the lead single: a more direct and heartfelt ballad-style track featuring vocal harmonies, arpeggios, and a touching vocal delivery from Roine.
“Mars & Minerva” is almost entirely instrumental, built once again on dreamy, measured guitar work with technical passages of high caliber, all while keeping one foot firmly in the stirrup of harmonious melody.
And then comes the monumental epic “The Gods Of Rome”, the kind of track every fan of the band hopes to find on every record. The opening is solemn and evocative, with baroque touches of piano and acoustic guitar setting the main theme; for the rest, it features the usual emotional ebb and flow between refined and harmonically rich soundscapes.
To be sure, The Flower Kings' sound does not shift by an inch, which is perhaps why some critics themselves often turn up their noses. Yet, the majesty and emotional resonance of certain passages make The Flower Kings' sound a benchmark for many bands, just as it always has been over time. It is simply great music, plain and simple. For this writer, “Hope” is a step forward compared to recent releases—certainly, I won't go so far as to invoke monumental titles like “Stardust We Are”—nevertheless, de gustibus… MS