Elle

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genere: Rock Elettronico / Cantautorato / Folk
Formato: CD – 2026

La musica può essere definita come un linguaggio intimo, un mezzo attraverso il quale l’artista mette a nudo la propria anima per esprimere sentimenti e concetti profondi. È un tratto che accomuna molti autori, pur nelle diverse direzioni intraprese: dalla rabbia alla gioia, dall'ironia alla riflessione esistenziale. In ogni sua sfumatura, l’arte resta una manifestazione purissima dell’essere.
In questo contesto, le alchimie creative risultano fondamentali: la fusione tra talenti genera risultati d'eccezione, unici e irripetibili, sia nei progetti collettivi che nelle collaborazioni soliste. Un esempio calzante è quello offerto da Elena Lippe (voce e testi) ed Elena Crolle (pianoforte, produzione e arrangiamenti).
Lippe è già nota al pubblico come frontwoman della band Prog Metal Feronia; Crolle, attiva nella produzione dal 2012, vanta una solida esperienza internazionale in prestigiosi contesti quali Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, lo Z7 di Pratteln e il Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" rappresenta un sogno rimasto nel cassetto per diciannove anni e divenuto realtà grazie all'incontro e all'intesa artistica tra le due protagoniste. L'album si compone di otto tracce, tra cui spicca la cover di "Crudo", omaggio a Susanna Parigi, cantautrice prematuramente scomparsa nel 2023.
L’edizione fisica del disco, curata da Paolo Lippe (Twenty Four Hours), si presenta in un elegante formato cartonato ricco di dettagli, testi e apparati iconografici.
Il nome del progetto, Elle, racchiude l'essenza stessa dell'opera: la coesistenza di elementi opposti. Il "fuoco" della passione e del dolore si immerge nella vastità e nella calma apparente dell' "oceano".
L'ascolto si apre con "L’Attesa", dove il rumore del mare introduce armonie soavi che fondono cantautorato e Folk nordico. La voce di Elena Lippe appare ponderata e cristallina, perfettamente a suo agio su testi introspettivi e carichi di speranza. Segue il singolo "Il Guardiano Della Soglia", brano intriso di elettronica e venature rock che esalta la duttilità vocale dell'interprete; un episodio che non sfigurerebbe nella discografia di un'artista come Alice.
L’intensità cresce con "Distanze", una traccia dalle influenze new wave caratterizzata da un ritornello immediato e coinvolgente. La chitarra acustica introduce invece "Neve", brano delicato come una nevicata invernale: una composizione malinconica e profonda che si distingue per un crescendo sonoro di grande impatto, posizionandosi tra i momenti più alti del disco.
In "Ciliegie", la malinconia si intreccia ai ricordi, richiamando le atmosfere del cantautorato colto degli anni '70. La già citata cover di "Crudo" offre un’interpretazione emozionante, sostenuta da arrangiamenti precisi e suggestivi. Con un incedere più ludico, "Sonia E Salvo" rivela un lato inedito di Lippe, trasportando l'ascoltatore nelle atmosfere dei club di un tempo per narrare una storia d'amore dal destino avverso. Il sigillo finale è affidato a "Orfeo", brano dai riverberi affascinanti e dai movimenti che richiamano lo stile di Franco Battiato, incentrato sull'incapacità umana di lasciare andare il passato.
In definitiva, "Il Fuoco Dell’Oceano" è un lavoro caldamente consigliato agli estimatori di Björk, Alice, Sigur Rós e Susanna Parigi. Elle dimostra che per veicolare concetti complessi non è necessario urlare: a volte basta un sussurro, posizionato con sapienza, per colpire nel segno. Un album ricercato, capace di bilanciare perfettamente le forze sonore. Semplicemente notevole. MS   

Versione Inglese:

ELLE – Il Fuoco Dell’Oceano
Andromeda Relix
Genre: Electronic Rock / Singer-Songwriter / Folk
Format: CD – 2026

Music can be defined as an intimate language, a medium through which the artist bares their soul to express profound feelings and concepts. This is a common thread among many authors, despite the diverse paths they take: from anger to joy, from irony to existential reflection. In every nuance, art remains a pure manifestation of being.
In this context, creative alchemy is fundamental: the fusion of talents generates exceptional, unique, and unrepeatable results, both in collective projects and solo collaborations. A fitting example is offered by Elena Lippe (vocals and lyrics) and Elena Crolle (piano, production, and arrangements).
Lippe is already known to the public as the frontwoman of the Prog Metal band Feronia. Crolle, active in production since 2012, boasts solid international experience in prestigious venues and events such as Lucca Comics & Games, Hammerfest, Colonia Sonora, Bum Bum Festival, Dragonfest, Z7 in Pratteln, and the Montelago Celtic Festival.
"Il Fuoco Dell’Oceano" represents a dream kept in a drawer for nineteen years, finally realized thanks to the meeting and artistic synergy between the two protagonists. The album consists of eight tracks, notably featuring a cover of "Crudo", a tribute to Susanna Parigi, the singer-songwriter who passed away prematurely in 2023. The physical edition of the disc, curated by Paolo Lippe (Twenty Four Hours), is presented in an elegant digipak format rich with details, lyrics, and iconographic materials.
The project’s name, Elle, encapsulates the very essence of the work: the coexistence of opposite elements. The "fire" of passion and pain immerses itself in the vastness and apparent calm of the "ocean."
The listening experience opens with "L’Attesa", where the sound of the sea introduces suave harmonies that blend Italian songwriting with Nordic Folk. Elena Lippe’s voice appears measured and crystalline, perfectly at ease with introspective and hopeful lyrics. This is followed by the single "Il Guardiano Della Soglia", a track steeped in electronics and rock undertones that highlights the performer's vocal versatility; it is an episode that would not feel out of place in the discography of an artist like Alice.
The intensity grows with "Distanze", a track with New Wave influences characterized by an immediate and engaging chorus. An acoustic guitar introduces "Neve", a piece as delicate as a winter snowfall: a melancholic and deep composition that stands out for a high-impact sonic crescendo, positioning itself among the album's highest moments.
In "Ciliegie", melancholy intertwines with memories, recalling the atmospheres of refined 1970s songwriting. The aforementioned cover of "Crudo" offers an emotional interpretation, supported by precise and evocative arrangements. With a more playful pace, "Sonia E Salvo" reveals a new side of Lippe, transporting the listener into the smoky club atmospheres of the past to narrate a star-crossed love story. The final seal is placed by "Orfeo", a track with fascinating reverbs and movements reminiscent of Franco Battiato’s style, focusing on the human inability to let go of the past.
Ultimately, "Il Fuoco Dell’Oceano" is highly recommended for fans of Björk, Alice, Sigur Rós, and Susanna Parigi. Elle demonstrates that to convey complex concepts, one does not necessarily need to shout: sometimes a well-placed whisper is enough to strike the heart. A sophisticated album, capable of perfectly balancing sonic forces. Simply remarkable. MS

Hot Rod

HOT ROD – Harder Faster Glitter
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genere: Glam Metal
Formato: CD – 2026

Gli anni ’80 hanno segnato l'esplosione di un interesse travolgente per l’Heavy Metal, portando alla frammentazione del genere in numerosi filoni: dal Power al Death, passando per il Progressive, il Black e il Thrash. In questo panorama variegato, spiccava il Glam Metal, capace di fondere l'estetica sgargiante fatta di lustrini, trucco e capigliature cotonate con l'attitudine rock. Un immaginario portato alla ribalta da icone come Cinderella, Mötley Crüe, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Ratt, Skid Row e Twisted Sister.
La cifra stilistica del genere risiedeva nel perfetto equilibrio tra la potenza del metallo e la melodia del Pop Rock, spesso impreziosito da chitarre virtuose, cori imponenti e l'uso dei sintetizzatori. Questo sound, ruvido ma al contempo armonioso, creava un contrasto affascinante con il look della scena, rendendo il Glam un vero oggetto di culto per i fan. Nonostante non abbia generato lo stesso numero di proseliti di altri stili nel corso degli anni, oggi sorprende positivamente il debutto degli italiani Hot Rod, capaci di recuperare con maestria quelle sonorità tipiche della decade d'oro.
Formatisi nel 2006, il gruppo ha alle spalle due demo e una significativa attività live, caratterizzata da performance esplosive e sfacciate.
È servito tempo per giungere finalmente all’esordio sulla lunga distanza, ma "Harder Faster Glitter" si presenta come un lavoro solido, composto da undici brani e registrato dalla seguente formazione: Giuseppe Costa (voce), Christian Balsamo e Mirko Di Bella (chitarre), Valeria Caudullo (basso) e Cristina Settembrino (batteria).
Il compito di aprire le danze spetta al singolo "Wild Wheels", che mette subito in chiaro le intenzioni del quintetto tra luminosità e ribellione. Il riff è trascinante, supportato da un cantato perfettamente a fuoco e da un'ottima sezione ritmica: la sensazione di essere "on the road" è immediata. Più cupa e serrata "Wasted", un brano che trasuda storia dell'Heavy Metal, qui la prova vocale di Giuseppe Costa graffia nei punti giusti, evocando lo stile di Zachary Stevens (Savatage).
"Little Dirty Blonde" si rivela invece sinuosa e sexy, arricchita da interventi di tastiera mai invasivi. La produzione curata presso i LM Recording Studio di Reggio Calabria esalta l'esecuzione, garantendo un suono pulito e bilanciato.
L'anima più melodica della band emerge in "Clandestine", un pezzo che sfiora l'AOR, tra cambi di tempo e sfumature umorali, la traccia mette in luce una maturità compositiva e un amalgama invidiabile, ben distanti dall'approccio tipico di un esordio.
Dopo una breve pausa, il ritmo torna serrato con "Headbangirl", una valanga travolgente che punta tutto sulla coralità. Tra i momenti più riusciti spiccano "Shot Of Love", potenziale hit da sede live grazie a un ritornello coinvolgente, e la dinamica "Turning Blue". L’attitudine "stradaiola" prosegue con la polverosa "Don’t Wanna Be Like You", impreziosita da un assolo di chitarra magnetico.
Non mancano episodi dal taglio più classico come "Jenny" e soprattutto "Rock The House", un brano dall'incedere irresistibile che rende impossibile restare fermi. La chiusura è affidata a "Bullet Speed", un vero pugno allo stomaco in pieno stile Accept, che lascia l'ascoltatore con un senso di totale appagamento.
In definitiva, "Harder Faster Glitter" offre molto metallo fumante e sa spaziare tra diversi stili pur mantenendo un'identità precisa. Si tratta di un eccellente biglietto da visita per una band che, ne sono certo, saprà scrivere in futuro pagine di pura energia. Coinvolgente. MS 

Versione Inglese:

HOT ROD – Harder Faster Glitter
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genre: Glam Metal
Format: CD – 2026

The 1980s marked a massive explosion of interest in Heavy Metal, leading the genre to splinter into numerous sub-genres: from Power to Death, passing through Progressive, Black, and Thrash. Amidst this diverse landscape, Glam Metal stood out for its ability to fuse a flamboyant aesthetic—defined by sequins, makeup, and teased hair—with a rebellious rock attitude. This was an era brought to the forefront by icons such as Cinderella, Mötley Crüe, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Ratt, Skid Row, and Twisted Sister.
The genre's stylistic hallmark lay in the perfect balance between metal's power and Pop Rock's melody, often enhanced by virtuosic guitars, massive choruses, and the use of synthesizers. This sound—gritty yet harmonious—created a fascinating contrast with the scene's visual look, turning Glam into a true cult phenomenon for fans. Although it hasn’t seen as many new disciples as other styles over the years, the debut from Italian outfit Hot Rod is a pleasant surprise, masterfully reviving the signature sounds of that golden decade.
Formed in 2006, the group has two demos under their belt and a significant live history characterized by explosive, bold performances. It took time to finally reach their full-length debut, but "Harder Faster Glitter" presents itself as a solid piece of work. Composed of eleven tracks, the album features the following line-up: Giuseppe Costa (vocals), Christian Balsamo and Mirko Di Bella (guitars), Valeria Caudullo (bass), and Cristina Settembrino (drums).
The task of kicking things off falls to the single "Wild Wheels", which immediately clarifies the quintet's intentions, balancing brightness and rebellion. The riff is driving, supported by perfectly focused vocals and an excellent rhythm section; the "on the road" feeling is instant. More somber and tight is "Wasted", a track that oozes Heavy Metal history. Here, Giuseppe Costa’s vocal performance rasps in all the right places, evoking the style of Zachary Stevens (Savatage).
"Little Dirty Blonde" reveals a sinuous and sexy side, enriched by tasteful, non-intrusive keyboard work. The production, handled at LM Recording Studio in Reggio Calabria, enhances the performance by ensuring a clean and balanced sound. The band's more melodic soul emerges in "Clandestine", a track that borders on AOR. Between tempo shifts and moody nuances, the song highlights a level of compositional maturity and an enviable chemistry, far removed from the typical approach of a debut.
After a brief breather, the pace tightens again with "Headbangirl", an overwhelming avalanche that relies heavily on choral hooks. Among the standout moments are "Shot Of Love", a potential live hit thanks to its infectious chorus, and the dynamic "Turning Blue". The "street-ready" attitude continues with the dusty "Don’t Wanna Be Like You", embellished by a magnetic guitar solo.
The tracklist also features more classic-leaning episodes like "Jenny" and, above all, "Rock The House", a song with an irresistible groove that makes it impossible to sit still. The closing spot is reserved for "Bullet Speed", a true "punch to the gut" in full Accept style, leaving the listener with a sense of total satisfaction.
Ultimately, "Harder Faster Glitter" offers plenty of smoking metal and manages to span different styles while maintaining a precise identity. It is an excellent calling card for a band that, I am certain, will write many more high-energy chapters in the future. Engaging. MS

Firesky

FIRESKY – Firesky
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genere: Melodic Rock / AOR
Supporto: CD – 2026

Ho sempre apprezzato il connubio tra Hard Rock melodico e AOR, una formula capace di infondere energia e solarità che richiede, per essere espressa ai massimi livelli, una notevole tecnica strumentale. La Burning Minds Music Group attinge spesso a quel sottobosco in cui gli amanti di queste sonorità si dedicano a fermare il tempo attraverso composizioni incastonate nella storia del genere. Con i Firesky siamo al cospetto di un debutto, eppure al timone del progetto non troviamo l’ultimo arrivato: il batterista finlandese Mika Brushane (Imperium). Già nel 2025 l'artista aveva offerto un saggio delle proprie capacità con il brano "To Be The Number One", incluso nella compilation "We Still Rock... The World". Al suo fianco militano oggi Davide Merletto alla voce, Samuli Federley alla chitarra, Time Schleifer al basso e Saal Richmond alle tastiere e programmazioni. Il disco vanta inoltre ospiti di rilievo come Davide "Dave Rox" Barbieri e Alessandro Del Vecchio ai cori.
Lo stile proposto è fortemente influenzato dai giganti degli anni '80 come Journey, Foreigner, Def Leppard, Giant e Toto, un'eredità che si riflette anche nella cura del comparto fisico del disco, impreziosito dalle note di copertina di Fabio Vellata (TrueMetal.it). L'ascolto si apre con un temporale in “Run Into The Storm”, introduzione epica dominata dalle tastiere di Richmond e da una chitarra elettrica che si libera in un assolo fulmineo ed enfatico.
Il brano sfocia direttamente in “Out Of Range”, traccia esplosiva per potenza e carisma, dove la magia dell’AOR risiede proprio nel saper bilanciare l'impatto Rock a momenti melodici di rara classe.
Elettronica, coralità e cambi d'umore caratterizzano invece “I’M Not Broken”, pezzo dall'incedere simile ai Queensrÿche più melodici, capace di mantenere alta l’attenzione grazie a un ritornello solido e a una prova vocale sapientemente plasmata a seconda del contesto. Le sonorità virano poi verso il Neo Prog con “A Stone In Time”, canzone che vede la partecipazione di Davide Barbieri e che farà sicuramente la gioia dei fan dei Toto. La tradizione del genere rivive anche nella delicata “Can You Feel Me?”, una composizione diretta dalle ampie sonorità in cui spiccano un refrain trascinante e un assolo di chitarra toccante.
Il disco prosegue con il vigore di “Chasing The Dawn”, che punta su una vocalità ampia e pulita, e con la splendida ballata “One Last Time”, un movimento di classe in cui sentimento ed energia si fondono alla perfezione, invitando l'ascoltatore a chiudere gli occhi per lasciarsi trasportare. Per scoprire il lato più ricercato della band bisogna giungere a “Like Brothers”, brano apparentemente semplice ma arricchito da arrangiamenti funzionali che ricordano lo stile dei Bon Jovi.
Verso il finale, l'album decolla con l’ariosità sognante di “Together” e si chiude con la potenza di “I Am Fire”, un "pezzo da novanta" dove l’insieme strumentale si muove all’unisono con vigore e perizia tecnica. In definitiva, questo debutto rappresenta per il genere una ventata d'aria fresca in una stanza chiusa: una necessità, oltre che un autentico piacere. MS

  

Versione Inglese:

FIRESKY – Firesky
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genre: Melodic Rock / AOR
Format: CD – 2026

I have always appreciated the sonic marriage of Melodic Hard Rock and AOR—a formula capable of infusing energy and brightness that requires, to be expressed at the highest level, remarkable instrumental technique. Burning Minds Music Group often taps into that underground scene where lovers of these sounds dedicate themselves to freezing time through compositions embedded in the genre's history. With Firesky, we are witnessing a debut, yet the man at the helm of the project is certainly no newcomer: Finnish drummer Mika Brushane (Imperium). Back in 2025, the artist already offered a glimpse of his capabilities with the track "To Be The Number One", included in the compilation "We Still Rock... The World". Joining him today are Davide Merletto on vocals, Samuli Federley on guitar, Time Schleifer on bass, and Saal Richmond on keyboards and programming. The album also boasts prominent guests such as Davide "Dave Rox" Barbieri and Alessandro Del Vecchio on backing vocals.
The proposed style is heavily influenced by 80s giants like Journey, Foreigner, Def Leppard, Giant, and Toto—a heritage also reflected in the care put into the physical edition of the disc, enhanced by exclusive liner notes from Fabio Vellata (TrueMetal.it). The listening experience opens with a thunderstorm in “Run Into The Storm”, an epic intro dominated by Richmond’s keyboards and an electric guitar that breaks free in a lightning-fast, highly emphatic solo. This flows directly into “Out Of Range”, an explosive track in terms of power and charisma, where the magic of AOR lies precisely in the ability to balance rock impact with moments of rare melodic class.
Electronics, choral harmonies, and mood shifts characterize “I’M Not Broken”, a piece with an incedere reminiscent of the more melodic side of Queensrÿche, capable of holding the listener's attention thanks to a solid chorus and a vocal performance wisely shaped according to the context. The sound then veers toward Neo-Prog with “A Stone In Time”, a song featuring Davide Barbieri that will surely delight fans of Toto. The tradition of the genre also lives on in the delicate “Can You Feel Me?”, a direct composition with wide-ranging sonics where a soaring refrain and a touching guitar solo stand out.
The album continues with the vigor of “Chasing The Dawn”, which relies on broad, clean vocals, and the splendid ballad “One Last Time”, a classy movement where sentiment and energy merge perfectly, inviting the listener to close their eyes and let the music take over. To discover the band's more sophisticated side, one must reach “Like Brothers”, a deceptively simple track enriched with functional arrangements reminiscent of Bon Jovi's style. Towards the end, the album takes flight with the dreamy airiness of “Together” and closes with the power of “I Am Fire”, a heavy hitter where the ensemble moves in unison with vigor and technical prowess. Ultimately, for this genre, this debut is like opening a window in a room with stale air: a necessity as much as a pleasure. MS

Pale Blue Dot

PALE BLUE DOT – (h)eart(h)
Autoproduzione / Peyote
Genere: Psichedelico / Shoegaze / New Wave
Supporto: cd / digital – 2025

Connessioni, riflessioni sull’appartenenza, uno squarcio analitico della nostra società ci viene offerto dalla band Pale Blue Dot nel debutto “(h)eart(h)”. Il nome (pallido puntino azzurro) deriva da una fotografia della terra fotografata dalla Voyager 1 nel 1990 e dall’omonima definizione dell’astronomo Carl Sagan.
La band si forma come trio fra Bologna e Ferrara nel 2015 per poi trovare la definitiva stabilità nel 2018 con l’innesto di membri provenienti dalle band Zeder e Staré Mésto.
Composti da Tommaso Lampronti (voce, chitarre), Enrico Bongiovanni (chitarre), Cosimo Tanzarella (basso), e Francesco D’Astore (batteria), i Pale Blue Dot escono con il primo singolo “Destruction Of Resurrection” accompagnato da un video a cartone animato autoprodotto con l’ausilio di un software sperimentale dell’Intelligenza Artificiale. Accompagna l’uscita ufficiale anche un secondo singolo, “Green Fairy Tale” del 2023.
Ma è nel 2025 che “(h)eart(h)” vede consacrare l’ufficialità attraverso quest’album composto da sette canzoni dedite a un’eterea Psichedelia con forti influenze Shoegaze e New Wave.
Sin da “For The Beauty Of Miranda” (ispirata al film del 1975 “Picnic Ad Hanging Rock”) gli scenari sono già ben definiti, si possono apprezzare immediatamente le arie ampie e solari, con quell’incedere etereo dettato dalla voce sognante e dal profumo anni ’80 di Tommaso Lampronti. La New Wave è cosparsa di striature psichedeliche, solo le chitarre elettriche ci riportano ai giorni nostri e precisamente nel genere Shoegaze.
Con “Destruction Or Resurrection” si assiste a un grido disperato nei confronti delle sorti del nostro pianeta e di noi stessi, il singolo estratto dall’album è ficcante, di buona personalità, a testimonianza d’idee chiare rispetto la strada sonora da intraprendere. Il suono decisamente elettrico dona risalto alle tematiche pur sempre restando su un piano celestiale.
La title track parla sempre del cosmo, ma questa volta di quello interiore, una ricerca di una confort zone in cui rifugiarsi dal buio che ci circonda, e lo fa con un sound maggiormente positivo, più allegro rispetto quanto ascoltato sino ad ora. La Psichedelia è sempre di base, mentre i riff si susseguono giocosamente.
“Green Fairy Tale” trasporta la mente a Praga, in una favola ancor più psichedelica in cui le regole vengono infrante per aprire una nuova strada verso la lucidità con l’ausilio dell’assenzio, il protagonista denominato “fata verde” come viene suggerito dal titolo. Di sicuro è uno dei momenti più trascinanti dell’album.
Come lasciarsi andare su delle montagne russe è “Rollercoaster”, pezzo adrenalinico dalla breve durata di tre minuti in cui la band mette in evidenza l’intesa raggiunta fra i componenti. Per lasciarsi andare in atmosfere più leggiadre bisogna giungere a “Alone”, un inno a provare la solitudine per una sensazione di benessere fuori dal tempo.
L’album si conclude con lo Shoegaze di “Star Cloud”, brano più lungo dell’intero album grazie ai sei minuti abbondanti di musica robusta.
Serenità, ampiezza, voglia di vivere il Rock in tutte le sue sfaccettature, questo è quello che si ricava dall’ascolto di “(h)eart(h)”, un nuovo capitolo per la nostra musica. MS

Versione Inglese: 

PALE BLUE DOT – (h)eart(h)
Self-produced / Peyote
Genre: Psychedelic / Shoegaze / New Wave
Support: CD / digital – 2025

Connections, reflections on belonging, an analytical glimpse into our society is offered by the band Pale Blue Dot in their debut "(h)eart(h)". The name (pale blue dot) comes from a photograph of Earth taken by Voyager 1 in 1990 and from the same definition by astronomer Carl Sagan.
The band was formed as a trio between Bologna and Ferrara in 2015, and then found stability in 2018 with the addition of members from the bands Zeder and Staré Mésto.
Composed of Tommaso Lampronti (vocals, guitars), Enrico Bongiovanni (guitars), Cosimo Tanzarella (bass), and Francesco D'Astore (drums), Pale Blue Dot releases their first single "Destruction Of Resurrection" accompanied by an animated video self-produced with the help of an experimental Artificial Intelligence software. A second single, "Green Fairy Tale", was also released in 2023 to accompany the official release.
But it's in 2025 that "(h)eart(h)" sees its official consecration through this album composed of seven songs dedicated to an ethereal Psychedelia with strong Shoegaze and New Wave influences.
From "For The Beauty Of Miranda" (inspired by the 1975 film "Picnic at Hanging Rock"), the scenarios are already well-defined, and one can immediately appreciate the wide and sunny arias, with that ethereal cadence dictated by Tommaso Lampronti's dreamy voice and 80s perfume. New Wave is sprinkled with psychedelic streaks, and only the electric guitars bring us back to the present day, precisely in the Shoegaze genre.
With "Destruction Or Resurrection", one witnesses a desperate cry towards the fate of our planet and ourselves, the single extracted from the album is poignant, with good personality, testifying to clear ideas about the sonic path to take. The decidedly electric sound highlights the themes while still remaining on a celestial plane.
The title track talks about the cosmos, but this time about the inner one, a search for a comfort zone to take refuge from the darkness that surrounds us, and it does so with a more positive sound, more cheerful than what we've heard so far. Psychedelia is always the base, while the riffs follow each other playfully.
"Green Fairy Tale" transports the mind to Prague, in a fairy tale even more psychedelic, where rules are broken to open a new path towards lucidity with the help of absinthe, the protagonist being called "green fairy" as suggested by the title. It's definitely one of the most captivating moments of the album.
Like letting go on a roller coaster is "Rollercoaster", a three-minute adrenaline piece where the band highlights the understanding reached between the components. To let oneself go into lighter atmospheres, one needs to reach "Alone", an anthem to experiencing solitude for a feeling of well-being outside of time.
The album concludes with the Shoegaze of "Star Cloud", the longest track on the entire album, thanks to its six minutes of robust music.
Serenity, breadth, desire to live Rock in all its facets, this is what one gets from listening to "(h)eart(h)", a new chapter for our music. MS.

Expiatoria / Il Segno Del Comando

EXPIATORIA / IL SEGNO DEL COMANDO – Voci Notturne
Black Widow Records
Genere: Heavy Doom / Dark Prog
Formato: Split LP / CD / Digital – 2026

Queste uscite discografiche hanno il potere di catapultarmi indietro nel tempo, fino agli anni ’80, quando il vinile dominava ogni negozio di musica, specialmente in ambito Heavy Metal. Parlo dello "split", quel formato che raccoglie brani inediti di più band in un unico supporto. Sebbene storicamente non abbiano sempre ottenuto il successo commerciale sperato, queste edizioni conservano un fascino di nicchia irresistibile, trasformando ogni copia in un prezioso cimelio per fan e collezionisti.
La Black Widow Records è celebre per la qualità delle sue produzioni, con un focus particolare sul Dark Doom e il Metal Prog dalle tinte oscure. Nella loro scuderia spiccano nomi di rilievo del panorama underground, tra cui gli Expiatoria e Il Segno Del Comando (guidati dal bassista Diego Banchero). In questo lavoro, le due formazioni uniscono le forze per omaggiare la serie TV "Voci Notturne", opera del 1995 nata dal genio di Pupi Avati. Entrambi i gruppi riescono a evocare quelle atmosfere inquietanti che appartengono al DNA del nostro cinema di genere, vanto della cultura horror italiana.
Lo split si articola in sette tracce: tre firmate dagli Expiatoria e quattro da Il Segno Del Comando. L'edizione in vinile vanta una tiratura iniziale di cento copie.
Nonostante le band condividano il chitarrista Roberto Lucato, le identità restano ben distinte. Gli Expiatoria — con una line-up completata da AngeleX (voce), Massimo Malachina (chitarra), GB Malachina (basso) ed Enrico Meloni (batteria) — aprono le danze con "Emily". Il brano è introdotto dal narrato originale del telefilm e procede con un incedere gravoso, dove il Doom trasuda dalle note come un liquido nero. La prova vocale di AngeleX è intensa e sentita, quasi recitata, mentre i riff pesanti si sposano con una sezione ritmica dinamica e l'immancabile assolo di chitarra di stampo ottantiano.
Con "Sublicius", la band conferma un ottimo stato di forma, accostandosi ai maestri nordici Candlemass per solennità e attitudine. Il brano sfiora toni liturgici, prima di lasciare spazio a "La Canzone Di Lady Valover", episodio più riflessivo che concede una tregua attraverso arpeggi suggestivi e un cantato meno aggressivo, culminando in un eccellente finale strumentale.
Il Segno Del Comando entra in scena con "Le Due Vie", spostando il baricentro verso un Metal Prog dalle forti influenze Dark. La formazione attuale vede, oltre a Lucato e Banchero, Riccardo Morello alla voce, Davide Bruzzi (chitarra e tastiere), Beppi Menozzi (tastiere) e Paolo Serboli (batteria). La traccia è caratterizzata da una parte centrale orecchiabile, arricchita da strutture ricercate e melodie esaltate dai sintetizzatori.
In "Il Crittogramma" il volume si alza, dimostrando quanto la band si trovi a proprio agio con queste tematiche. Il cantato, quasi vicino alla New Wave degli anni ’80, apre scenari narrativi suggestivi e ricchi di dettagli. Segue il momento più intimo del lotto, "Litania Per Emily E Giacomo", dove le chitarre dialogano magistralmente tra elettrico e acustico. La chiusura è affidata alla strumentale "Egregoro", un pezzo epico che fonde il Metal Prog con sfumature Neo Prog, siglando il disco in grande stile.
Ancora una volta, la Black Widow Records sa come colpire l'animo degli ascoltatori più oscuri. Nota di merito per l'ottimo lavoro grafico di Enrico Meloni e per il booking curato da Alex Reale. MS

Versione Inglese: 

EXPIATORIA / IL SEGNO DEL COMANDO – Voci Notturne
Black Widow Records
Genre: Heavy Doom / Dark Prog
Format: Split LP / CD / Digital – 2026

   

Expiatoria    

Il Segno Del Comando

These record releases have the power to catapult me back in time to the 1980s, when vinyl dominated every record store, especially within the Heavy Metal scene. I am speaking of the "split"—a format that gathers unreleased tracks from multiple bands onto a single record. Although historically these operations haven't always achieved the commercial success they deserved, these editions retain an irresistible niche appeal, turning every copy into a precious relic for fans and collectors.
Black Widow Records is renowned for the quality of its productions, with a specific focus on Dark Doom and Metal Prog with obscure overtones. Their roster features prominent names of the underground scene, including Expiatoria and Il Segno Del Comando (led by bassist Diego Banchero). In this work, the two groups join forces to pay tribute to the TV series "Voci Notturne," a 1995 masterpiece born from the genius of Pupi Avati. Both bands successfully evoke those unsettling atmospheres that belong to the DNA of Italian genre cinema—a true point of pride for our horror culture.
The split consists of seven tracks: three by Expiatoria and four by Il Segno Del Comando. The vinyl edition boasts an initial pressing of one hundred copies.
Despite sharing guitarist Roberto Lucato, the identities of the two bands remain distinct. Expiatoria—with a line-up completed by AngeleX (vocals), Massimo Malachina (guitar), GB Malachina (bass), and Enrico Meloni (drums)—opens the set with "Emily." The track is introduced by the original narration from the TV show and proceeds with a heavy pace, where Doom oozes from the notes like black liquid. AngeleX’s vocal performance is intense and heartfelt, almost recited, while the heavy, sustained riffs blend perfectly with a dynamic rhythmic section and the inevitable 80s-style guitar solo.
With "Sublicius," the band confirms its excellent form, approaching the solemnity and attitude of Nordic masters Candlemass. The track borders on the liturgical before making way for "La Canzone Di Lady Valover," a more reflective episode that offers a brief respite through suggestive arpeggios and less aggressive vocals, culminating in an excellent instrumental finale.
Il Segno Del Comando enters the scene with "Le Due Vie," shifting the focus toward Metal Prog with strong Dark influences. The current line-up includes, alongside Lucato and Banchero, Riccardo Morello on vocals, Davide Bruzzi (guitar and keyboards), Beppi Menozzi (keyboards), and Paolo Serboli (drums). The track features a catchy central section, enriched by sophisticated structures and melodies enhanced by synthesizers.
In "Il Crittogramma," the volume and the stakes are raised, proving that Il Segno Del Comando is perfectly at home with these themes. The vocals, reminiscent of 80s New Wave, open up highly suggestive and detailed narrative scenarios. This is followed by the most intimate moment of the lot, "Litania Per Emily E Giacomo," where the guitars masterfully dialogue between electric and acoustic sounds. The closing is entrusted to the instrumental "Egregoro," an epic piece that fuses Metal Prog with Neo Prog nuances, sealing the album in grand style.
Once again, Black Widow Records knows exactly how to strike a chord with the darkest listeners. A special mention goes to Enrico Meloni for the beautiful graphic work and to Alex Reale for handling the booking. MS

Alcàntara

ALCÀNTARA - Tamam Shud
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Psichedico / Post Prog Moderno
Supporto: lp / Bandcamp – 2025
 

Sergio Manfredi Sallicano è voce e autore della band siciliana (Siracusa) Alcàntara, recente realtà nell’ambito Post Prog Moderno. Esordiscono discograficamente nel 2019 con l’album “Solitaire”, lavoro che ha fatto breccia fra gli amanti delle sonorità Porcupine Tree, Riverside, Pink Floyd, King Crimson, e Airbag. Il gruppo si completa con Francesco Venti (chitarra solista e produzione), Vittorio Distefano (chitarra acustica e slide), Salvo Di Mauro (chitarra ritmica), Delio Santi (basso) e Rosario Figura (batteria). Con loro, partecipano special guest che rispondono ai nomi di Caterina Coco (violino in “Wodwo/Vertigo”) e Alessandro Caltabiano (tastiere su tre brani).
Alcàntara è una parola araba che significa un qualcosa che arriva d’impatto però senza dare un’immagine precisa, ed è perfetta allo scopo della band.
Oggi l’album “Tamam Shud” mostra un cambiamento sia sonoro che lirico, la band si allontana leggermente dal sound Pink Floyd forse eccessivamente marcato in “Solitaire”, per approcciarsi a uno più moderno, così il cantato non vede più il total eanglish, bensì un ingresso anche in lingua italiana.
Questo nuovo lavoro suddiviso in sei tracce, prende spunto da un fatto di cronaca avvenuto nel dicembre 1948 in un sobborgo di Adelaide in Australia, quando un cadavere di un uomo elegante viene ritrovato sulla spiaggia di Somerton. In tasca possedeva un foglio contenete una poesia persiana con scritto “Tamam Shud” che in persiano significa “finito”. Il caso restò misterioso per settant’anni sino all’identificazione del corpo, tuttavia non si ebbero notizie sul movente. Questa storia da spunto ad una serie di considerazioni messe in musica, quando ti innamori dei misteri, quelli che non ti danno una soluzione definitiva.
Gli Alcàntara si muovono in un contesto spaziale, pacato, dove tutto sembra elevare alla potenza l’alone di mistero che avvolge il significato dei brani.
“TerryG” si apre con un giro di chitarra per poi far entrare la sezione ritmica e le tastiere che donano  atmosfere giuste all’insieme. Molto bello il gioco a più voci e l’assolo drammatico di chitarra che tiene alto il patos. Cambi umorali come genere comanda, e tanta riflessione fra una nota e l’altra. Il cantato bilancia la lingua inglese con quella italiana.
La canzone più lunga grazie ai suoi quasi nove minuti s’intitola “Il Distacco”, e qui si che i Pink Floyd sono evidenti, specialmente nell’intro dannatamente retrò e psichedelico. Il procedere è  intimista, curato, raffinato, sempre tinto da un alone di lieve malinconia che solo raramente fa entrare un raggio di sole. Buono il cantato, moderno ed espressivo, ma sono le parti strumentali a colpire l’animo dell’ascoltatore, e palesano persino una buona preparazione tecnica dei singoli componenti. Un elogio a parte per la registrazione effettuata ai Mojopin Recording di Catania, nitida nelle frequenze, perfettamente atta a valorizzare le singole strumentazioni.
“Distant Star” è maggiormente diretta rispetto quanto ascoltato sino ad ora e mostra una ritmica preparata e molto presente. Qui si è al confine con lo Space Rock. La parte conclusiva del brano entra a pieno titolo nella discografia dei Porcupine Tree periodo “In Absentia” - “Deadwing”.
La title track è un gioiello sonoro fragile, etereo, fino all’ingresso dell’assolo di chitarra ispirato dalla carriera di David Gilmour. Con “Sail” subentra anche la voice phone, tanto per restare legati in qualche maniera al mondo di Steven Wilson, ma a sorpresa il movimento diventa improvvisamente Blues con una coda antica che riporta ai lenti dei primi Pink Floyd. Storia e modernità, anche questa è un arma vincente di questo album.  
“Wodwo/Vertigo” è impreziosita dal violino di Caterina Coco ed è sunto del sound odierno della band. Nuovamente buoni arpeggi di chitarra e giochi di voci anche maschili e femminili.
Questo “Tamam Shud”,  incontra molto i miei gusti musicali odierni, per cui rischio di non essere obbiettivo nel criticarlo, capisco che per molti questo stile non può chiamarsi Prog, proprio per questo l’ho chiamato Post Prog Moderno. Comunque vi ho dato tutti gli indizi del caso per farvene un idea totalmente personale, qualunque essa sia, io nel frattempo applaudo! MS

Versione Inglese:

ALCÀNTARA - Tamam Shud
Self-produced
Genre: Progressive Rock / Psychedelic / Modern Post Prog
Support: LP / Bandcamp – 2025

Sergio Manfredi Sallicano is the voice and author of the Sicilian band (Siracusa) Alcàntara, a recent reality in the Modern Post Prog scene. They made their discographic debut in 2019 with the album "Solitaire", a work that made a mark among fans of Porcupine Tree, Riverside, Pink Floyd, King Crimson, and Airbag sounds. The band is completed by Francesco Venti (lead guitar and production), Vittorio Distefano (acoustic and slide guitar), Salvo Di Mauro (rhythm guitar), Delio Santi (bass), and Rosario Figura (drums). With them, special guests participate, including Caterina Coco (violin in "Wodwo/Vertigo") and Alessandro Caltabiano (keyboards on three tracks).
Alcàntara is an Arabic word that means something that arrives with impact but without giving a precise image, and it's perfect for the band's purpose.
Today, the album "Tamam Shud" shows a change in both sound and lyrics; the band moves slightly away from the Pink Floyd sound, perhaps too marked in "Solitaire", to approach a more modern one, so the singing no longer features total English but also includes Italian.
This new work, divided into six tracks, takes inspiration from a news story that occurred in December 1948 in a suburb of Adelaide, Australia, when the body of an elegant man was found on Somerton beach. In his pocket, he had a piece of paper containing a Persian poem with the words "Tamam Shud", which in Persian means "finished". The case remained mysterious for seventy years until the body was identified, but there was no news about the motive. This story sparks a series of considerations set to music, when you fall in love with mysteries that don't give you a definitive solution.
The Alcàntara move in a spatial, calm context, where everything seems to elevate the halo of mystery that surrounds the meaning of the tracks.
"TerryG" opens with a guitar riff and then introduces the rhythm section and keyboards that give the right atmosphere to the whole. Very beautiful is the multi-voice play and the dramatic guitar solo that keeps the pathos high. Mood swings as the genre commands, and a lot of reflection between one note and another. The singing balances English and Italian.
The longest song, with its almost nine minutes, is titled "Il Distacco", and here the Pink Floyd are evident, especially in the damn retro and psychedelic intro. The progression is intimate, curated, refined, always tinged with a halo of slight melancholy that only rarely lets a ray of sunshine in. Good singing, modern and expressive, but it's the instrumental parts that strike the listener's soul and reveal a good technical preparation of the individual components. A special praise for the recording made at Mojopin Recording in Catania, clear in frequencies, perfectly suited to enhance the individual instrumentation.
"Distant Star" is more direct than what has been listened to so far and shows a prepared and very present rhythm. Here we are at the border with Space Rock. The concluding part of the track fully enters the Porcupine Tree discography period "In Absentia" - "Deadwing".
The title track is a fragile, ethereal sound jewel, until the entry of the guitar solo inspired by David Gilmour's career. With "Sail", the voice phone also intervenes, just to stay connected in some way to the world of Steven Wilson, but surprisingly the movement suddenly becomes Blues with an ancient coda that brings back to the slow songs of the early Pink Floyd. History and modernity, this is also a winning weapon of this album.
"Wodwo/Vertigo" is embellished with Caterina Coco's violin and is a summary of the band's current sound. Again, good guitar arpeggios and voice games, also male and female.
This "Tamam Shud" meets my current musical tastes very well, so I risk not being objective in criticizing it. I understand that for many, this style may not be called Prog, which is why I've called it Modern Post Prog. However, I've given you all the necessary hints to form a totally personal idea, whatever it may be, and I'll applaud in the meantime! MS

 

 

Koyo

KOYO – Onism
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / lp – 2024

Spesso ci siamo chiesti quale potrebbe essere il suono del Rock Progressivo del futuro, ho provato nel mio piccolo a contribuire al quesito pubblicando per Arcana Edizioni un libro al riguardo intitolato “Post Prog Moderno”, cercando di analizzare le band che hanno nel proprio intento quello di spostare le coordinate del genere attraverso il rispetto del passato rivisitato con nuove idee e, giustamente, le sonorità moderne. Sicuramente il pubblico radicato al Prog Rock storico degli anni ’70 non gradisce il cambiamento, proprio per questo ho pensato di nominarlo Post Prog Moderno, con l’intento di tracciare una riga temporale e stilistica.
Si è detto altresì che oggi molto è stato già creato e che quindi è sempre più difficile cercare nuove soluzioni, ma malgrado ciò, esistono sempre gruppi che fanno della musica il piacere di ricercare.
L’Inghilterra è stata sempre la patria del Rock Progressive, e anche in quello moderno vogliono dimostrare di meritare lo scettro della non convenzionalità. Una band che tengo sotto osservazione dal tempo è quella dei Koyo (in italiano Cojote). Si forma nel 2015 a Leeds, da un’idea degli ex colleghi di conservatorio Huw Edwards (voce, chitarra), Jacob Price (campionamento, sintetizzatori), Seb Knee-Wright (chitarre), Dan Comlay (basso) e Tom Higham (batteria), amanti di gruppi come Ozric Tentacles, The Velvet Underground e My Bloody Valentine. Danno alla stampa solo due album in studio e un live, a dimostrazione di non voler pubblicare forzatamente un qualcosa d’incompleto, piuttosto di ponderato e curato. Come tutti i veri artisti si curano poco del parere dei propri fans, mutando nel tempo le proprie coordinate stilistiche. Attraverso questo terzo album intitolato “Onism” ne abbiamo un’ulteriore conferma.
Potremmo usare anche il termine Rock Alternativo e Psichedelico, ma questo si sa che è il problema di quando una band ha un carattere personale davvero marcato, che induce uno scribacchino come me a non inserirli in un contesto specifico.
Infatti “La Cucaracha”, in barba al titolo, si presenta con un riff forte e un andamento martellante da sembrare quasi un ossimoro. Il basso roboante di Complay apre “Mechanical Bull”, immaginate di ascoltare i Radiohead non eccessivamente tristi ma con quelle chitarre che negli assolo non si aprono a inutili elucubrazioni, bensì a brevi movimenti nervosi. Buona anche la cura per le coralità. Di base in questa musica c’è attenzione per le melodie, mai perse di vista in quest’andirivieni di suoni elettrici. “Hooked” prosegue il lavoro ai fianchi dell’ascoltatore proponendo un sound possentemente Rock che fa da contraltare al cantato elegante e pacato di Edwards. I riff procedono attraverso piccole influenze Grunge con “Electric Eel”, ma per ascoltare qualcosa di altamente ricercato, bisogna arrivare alla strumentale “Dark Horse”, qui i Koyo fanno seriamente, realizzando sei minuti di musica energica e non banale, grazie a interventi campionati e una ritmica possente. Qui sì che la chitarra elettrica mostra i propri muscoli.
Impossibile rimanere indifferenti avanti a “Into The Dirt”, un vero e proprio schiaffo sonoro. Molti di voi già si staranno chiedendo dove risiede allora il Rock Progressivo, la risposta è semplice, sta nei numerosi cambi di tempo, di umore e nella cura dei particolari. Certo non sono i Genesis! Il pezzo più lungo ha la durata di otto minuti e mezzo e s’intitola “Is This Real”. L’ascolto ci propone un nuovo approccio alla musica da parte della band, curato e per certi versi inatteso, con una maggiore attenzione per gli arrangiamenti. Persino il vocale è in falsetto. A proposito di stranezze entrate in “Stoneman” e allora vi accorgerete della vastità del mondo Koyo. Il brano conclusivo a mia disposizione è una bonus track sanguigna intitolata “Existential Crisis”, nomen omen. Concludendo, “Onism” è un disco che non passa di certo in sordina, un lavoro che ha picchi d’interesse molto alti, a tratti geniali. Questo è il bello della musica per chi fa di essa un credo di vita e non semplicemente una colonna sonora di sottofondo per le giornate spensierate. Che botta! MS  

Versione Inglese:

KOYO - Onism
Self-production
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / lp - 2024

We have often wondered what could be the sound of Progressive Rock of the future, I have tried in my own small way to contribute to the question by publishing for Arcana Edizioni a book about it entitled “Post Prog Modern”, trying to analyze the bands that have in their intent to shift the coordinates of the genre through the respect of the past revisited with new ideas and, rightly, modern sounds. Certainly audiences rooted in the historical Prog Rock of the 1970s do not like the change, which is precisely why I thought of naming it Post Modern Prog, with the intention of drawing a line in time and style.
It has also been said that today much has already been created and therefore it is increasingly difficult to seek new solutions, but in spite of this, there are always groups that make music the pleasure of research.
England has always been the home of Progressive Rock, and even in the modern one they want to prove that they deserve the scepter of unconventionality. One band I have been keeping an eye on for some time is Koyo (Italian for Cojote). It was formed in 2015 in Leeds, the brainchild of former conservatory colleagues Huw Edwards (vocals, guitar), Jacob Price (sampling, synthesizers), Seb Knee-Wright (guitars), Dan Comlay (bass) and Tom Higham (drums), lovers of bands such as Ozric Tentacles, The Velvet Underground and My Bloody Valentine.
They give the press only two studio albums and one live album, demonstrating that they do not want to forcibly release something incomplete, rather something thoughtful and curated. Like all true artists they care little for the opinion of their fans, changing their stylistic coordinates over time. Through this third album entitled “Onism” we have further confirmation of this.
We could also use the term Alternative and Psychedelic Rock, but this is known to be the problem when a band has a really marked personal character, which induces a scribe like me not to put them in a specific context.
In fact, “La Cucaracha”, in defiance of its title, comes on with a strong riff and a pounding progression that almost sounds like an oxymoron. Complay's bombastic bass opens “Mechanical Bull”, imagine listening to Radiohead not overly sad but with those guitars that in the solos don't open up to unnecessary lucubration but rather to short, nervous movements. Good attention to the choruses as well. Basic in this music there is attention to melodies, never lost sight of in this coming and going of electric sounds. “Hooked” continues the work at the listener's sides by offering a powerfully Rock sound that counterbalances Edwards' elegant and calm singing.
The riffs proceed through small Grunge influences with “Electric Eel”, but to hear something highly researched, you have to get to the instrumental “Dark Horse”, here Koyo get serious, making six minutes of energetic and non-trivial music, thanks to sampled interventions and a mighty rhythm. Now that's where the electric guitar shows its muscles.
Impossible to remain indifferent ahead of “Into The Dirt”, a real sonic slap in the face. Many of you may already be wondering where Progressive Rock resides then, the answer is simple, it lies in the numerous changes of tempo, mood and attention to detail. Certainly it is not Genesis! The longest piece has a duration of eight and a half minutes and is entitled “Is This Real”. Listening to it offers us a new, polished and in some ways unexpected approach to music by the band, with more attention to arrangements. Even the vocals are in falsetto. Speaking of oddities enter “Stoneman” and then you will realize the vastness of the Koyo world. The final track available to me is a sanguine bonus track entitled “Existential Crisis”, nomen omen. In conclusion, “Onism” is a record that certainly does not go unnoticed, a work that has very high peaks of interest, brilliant at times. This is the beauty of music for those who make it a credo of life and not simply a background soundtrack for carefree days. What a bang! MS