Francesco Tresca

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Autoproduzione
Genere: Post prog Moderno / Strumentale
Supporto: Digital / Spotify – 2026

La musica sa adattarsi alla perfezione alle immagini, riuscendo spesso a enfatizzarne le emozioni. Su questo tema, il batterista e compositore veneto Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) vanta una profonda esperienza, occupandosene attivamente fin dal 2014. Nel corso della sua carriera ha realizzato colonne sonore per lungometraggi, cortometraggi e serie TV, collezionando ben 25 premi come miglior colonna sonora su 30 candidature. Oggi i tempi sono maturi per la pubblicazione di un album solista in cui l'autore spazia tra Progressive Rock, Art Pop e Ambient Music.
Ad accompagnarlo in questa avventura troviamo Dante Frisiello (Flyghtless) e Liam Tarquin alle chitarre, Vladimir Pocorschi alla chitarra e Nicklas Brannstrom al basso. Il risultato di questa collaborazione è il disco intitolato “The Unquiet Freedom”.
Tresca, spesso ispirato dallo stile di Nick Menza, propone otto brani in cui riversa tutto il proprio bagaglio tecnico e artistico, lasciando l'ascoltatore in equilibrio tra immaginazione e analisi, poiché ogni traccia nasconde un particolare approccio stilistico che merita attenzione.
“Negative Black” inizia con suoni elettronici ed effetti eco, seguiti dall'ingresso di una batteria dal timbro secco; da qui si intrecciano gli altri strumenti dando vita a una melodia di base semplice ma magnetica, inserita in un contesto ritmico di non facile catalogazione.
Attraverso “The Way To The Back Of The House” il sound vira verso sonorità tipiche di una colonna sonora naturalistica: ambientazioni vaste si schiudono all'orecchio di chi ascolta attraverso suoni leggiadri e ariosi.
Con le percussioni costantemente in primo piano, “Through Car Window” respira grazie a tastiere avvolgenti, approdando nei territori di un Progressive Rock raffinato e garbato, impreziosito dal valore aggiunto delle chitarre.
Più introspettiva appare “There's Something In The Corner”, dove l'indole sensibile di Tresca si esprime al meglio tra accordi dolci e atmosfere pacate; una composizione matura che mette a nudo lo spessore culturale dell'autore.
“Lost Siren” ha invece un approccio Post Rock e disegna scenari più cupi e densi, pur mantenendo viva una piacevole linea melodica. Tra i momenti più riusciti spicca “Tiptoe”, con la sua ritmica ponderata e sincopata su cui gli strumenti ricamano note di grande gusto, seguita da una non troppo dissimile “Crawling”, le cui sonorità richiamano i primi Porcupine Tree. Il viaggio si chiude con “Moving in Between”, un ideale volo in alta quota che offre uno sguardo panoramico e suggestivo.
Senza mai eccedere in virtuosismi fini a se stessi, Francesco Tresca firma un album in cui riesce a distinguersi grazie a incastri sonori essenziali ma efficaci.
È un lavoro che coccola l'animo e trasporta l'ascoltatore in scenari vasti, invitandolo a fermarsi e osservare con autentico piacere. MS

Versione Inglese:

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Self-release
Genre: Modern Post-Prog / Instrumental
Format: Digital / Spotify – 2026

Music possesses the unique ability to adapt perfectly to imagery, often heightening the emotions within. Venetian drummer and composer Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) is deeply well-versed in this craft, having been actively involved in the field since 2014. Over the course of his career, he has composed soundtracks for feature films, shorts, and TV series, earning an impressive 25 awards for Best Soundtrack out of 30 nominations. Today, the time is right for the release of a solo album where the artist explores the intersections of Progressive Rock, Art Pop, and Ambient Music.
Joining him on this journey are Dante Frisiello (Flyghtless) and Liam Tarquin on guitars, Vladimir Pocorschi on guitar, and Nicklas Brannstrom on bass. The result of this collaboration is the album titled “The Unquiet Freedom”. Frequently inspired by the style of Nick Menza, Tresca presents eight tracks into which he pours his entire technical and artistic repertoire. He leaves the listener balanced between imagination and analysis, as each track hides a specific stylistic approach that demands attention.
“Negative Black” opens with electronic sounds and echo effects, followed by the entrance of a dry-timbred drum kit; from here, the other instruments intertwine to create a simple yet magnetic melody, set within a rhythmic context that defies easy categorization. Through “The Way To The Back Of The House”, the sound shifts toward tones typical of a nature documentary soundtrack: vast environments unfold to the listener’s ear through graceful, airy sounds. With percussion consistently in the foreground, “Through Car Window” breathes through sweeping keyboards, arriving in the territories of refined and elegant Progressive Rock, further enriched by the added value of the guitars.
“There's Something In The Corner” appears more introspective, allowing Tresca’s sensitive nature to shine through sweet chords and calm atmospheres—a mature composition that reveals the author's cultural depth. “Lost Siren”, on the other hand, takes a Post-Rock approach, sketching darker and denser scenarios while maintaining a pleasant melodic flame. Among the most successful moments is “Tiptoe”, featuring a deliberate and syncopated rhythm over which the instruments tastefully weave "drops" of notes. It is followed by the somewhat similar “Crawling”, whose sound recalls early-period Porcupine Tree. The journey concludes with “Moving in Between”, an ideal high-altitude flight offering a suggestive, panoramic view.
Without ever resorting to self-indulgent virtuosity, Francesco Tresca delivers an album where he stands out through simple yet effective sonic interlocking. It is a work that cradles the soul and transports the listener into vast landscapes, inviting them to pause and observe with genuine pleasure. MS

 

 

Arti & Mestieri

ARTI & MESTIERI – D-Brane
King Records / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Jazz Rock / Progressive Rock
Supporto: CD – 2025

Quando la storia della musica si manifesta con tale autorevolezza, il cast che le dà vita non può che essere stellare. La band guidata da Beppe Crovella rappresenta una delle realtà che hanno segnato indelebilmente il Jazz-Prog italiano, al pari di formazioni iconiche come Perigeo, Agorà e Bella Band. In occasione del cinquantesimo anniversario della nascita del gruppo — avvenuta con lo straordinario esordio di "Tilt" nel 1974 — gli Arti & Mestieri tornano in pompa magna. Questa celebrazione onora una carriera d'eccellenza che è stata, e continua a essere, un punto di riferimento stilistico per intere generazioni di musicisti.
"D-Brane" è un dono prezioso per gli ascoltatori: una raccolta di brani inediti che vede la partecipazione di quasi tutti i musicisti che hanno militato nella band, rendendo l'organico di questo progetto unico nella storia del genere. Hanno partecipato alle registrazioni: Furio Chirico (batteria, percussioni), Gigi Venegoni (chitarra, tastiere), Arturo Vitale (sax — registrazioni storiche effettuate prima della scomparsa nel 2024), Giovanni Vigliar (violino, tastiere), Marco Gallesi (basso), Beppe Crovella (piano, tastiere), Piero Mortara (piano, tastiere, fisarmonica), Roberto Puggioni (basso), Marco Cimino (piano, tastiere), Umberto Mari (basso), Toti Canzoneri (flauto), Alfredo Ponissi (sax), Iano Nicolo’ (voce, loops, samplers), Marco Roagna (chitarre), Diego Mascherpa (sax), Lautaro Acosta (violino), Gabriele Tommaso (chitarre) e Giuseppe Vitale (tastiere).
Il titolo dell'album funge da perfetta metafora della visione musicale del gruppo: quattro forze della natura che orbitano nell'universo, espandendosi e contraendosi attraverso molteplici dimensioni. È il risultato di una creatività senza confini, lanciata verso l'infinito. L'opera si compone di sedici tracce registrate in studio, frutto di una collaborazione corale che abbraccia l'intera storia della band, dal primo disco ai giorni nostri. Si tratta di "perle" rimaste a lungo nell'ombra che finalmente vedono la luce, sottraendosi all'oblio.
I quasi ottanta minuti di musica si aprono con "Salto Con L'Hashtag", dove il violino (marchio di fabbrica del sound Jazz Rock degli Arti & Mestieri) regala brividi immediati. Uno strumentale in pieno stile della band che si dimostra oggi ancor più matura e consapevole. Nota di merito per la sezione ritmica di Chirico, sorprendente per vigore e freschezza, e per il pregevole assolo di chitarra. L'energia di "Light Metal", caratterizzata da un incipit che richiama le sonorità della PFM, si sprigiona con forza pur mantenendo momenti di grande riflessione tipici del Progressive Rock.
Il Jazz Rock emerge in tutto il suo splendore in "Nostradamus", grazie a un sax libero ed espressivo. L'album alterna con sapienza passaggi delicati a strutture complesse: la dolcezza di "Elegia", il lirismo pianistico di "Too Soon Too Late" e il calore di "Algarve". La struggente "Un Giro Ancora" si contrappone alla ricercatezza di "Beach Dance", mentre le fughe elettriche de "L’Ultimo Giorno D’Inverno" e la sperimentazione di "Constante Cosmica Frammenti", brano corale dove le voci e una ritmica pirotecnica si inseguono incessantemente, sorprendono per originalità.
Un momento di profonda commozione è rappresentato da "A Uno Di Noi", dedicato alla memoria di Arturo Vitale; un passaggio in cui è davvero difficile trattenere le lacrime. Il disco tocca anche territori più moderni con "Understage", che rimanda alle fughe jazzistiche di "Mescalito", altra vetta qualitativa di "D-Brane". Se "Il Lungo Addio" offre aperture solari, la title track proietta l'ascoltatore direttamente nel cosmo. Come da tradizione per il mercato estero, l'edizione giapponese include la bonus track funky "Improvisation For Arturo".
In conclusione, "D-Brane" si candida autorevolmente a essere uno dei dischi dell'anno. Non solo per il valore storico della formazione, ma per l'altissima qualità delle composizioni. È un contenitore di emozioni che spazia veramente verso l'infinito: un'iniziativa artistica straordinaria che merita solo applausi. MS 

Versione Inglese: 

ARTI & MESTIERI – D-Brane
King Records / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Jazz Rock / Progressive Rock
Format: CD – 2025

When music history speaks with such authority, the cast bringing it to life can only be stellar. The band led by Beppe Crovella represents one of the entities that have left an indelible mark on Italian Jazz-Prog, standing alongside iconic groups such as Perigeo, Agorà, and Bella Band. On the occasion of the fiftieth anniversary of the band's birth—marked by the extraordinary 1974 debut "Tilt"—Arti & Mestieri return in grand style. This celebration honors an excellent career that has been, and continues to be, a stylistic touchstone for generations of musicians.
"D-Brane" is a precious gift for listeners: a collection of unreleased tracks featuring nearly every musician who has ever been part of the band, making the lineup of this project unique in the history of the genre. The recording sessions included: Furio Chirico (drums, percussion), Gigi Venegoni (guitar, keyboards), Arturo Vitale (sax — historical recordings made prior to his passing in 2024), Giovanni Vigliar (violin, keyboards), Marco Gallesi (bass), Beppe Crovella (piano, keyboards), Piero Mortara (piano, keyboards, accordion), Roberto Puggioni (bass), Marco Cimino (piano, keyboards), Umberto Mari (bass), Toti Canzoneri (flute), Alfredo Ponissi (sax), Iano Nicolo’ (vocals, loops, samplers), Marco Roagna (guitars), Diego Mascherpa (sax), Lautaro Acosta (violin), Gabriele Tommaso (guitars), and Giuseppe Vitale (keyboards).
The album title serves as a perfect metaphor for the group's musical vision: four forces of nature orbiting the universe, expanding and contracting through multiple dimensions. It is the result of boundless creativity launched toward infinity. The work consists of sixteen studio tracks, the fruit of a choral collaboration spanning the band's entire history, from their first album to the present day. These are "gems" that remained in the shadows for a long time and have finally come to light, escaping oblivion.
The nearly eighty minutes of music open with "Salto Con L'Hashtag", where the violin—the trademark of the Arti & Mestieri Jazz Rock sound—delivers immediate chills. This instrumental, in the band's signature style, reveals a group that is even more mature and self-aware today. Special mention goes to Chirico’s rhythm section, which is surprisingly vigorous and fresh, and to the exquisite guitar solo. The energy of "Light Metal", featuring an intro reminiscent of PFM, unleashes its power while maintaining the moments of deep reflection typical of Progressive Rock.
Jazz Rock emerges in all its glory in "Nostradamus" through a free and expressive saxophone. The album skillfully alternates delicate passages with complex structures: the sweetness of "Elegia", the piano lyricism of "Too Soon Too Late", and the warmth of "Algarve". The poignant "Un Giro Ancora" contrasts with the sophistication of "Beach Dance", while the electric flights of "L’Ultimo Giorno D’Inverno" and the experimentation of "Constante Cosmica Frammenti"—a choral piece where voices and pyrotechnic rhythms chase each other incessantly—are strikingly original.
A moment of profound emotion is represented by "A Uno Di Noi", dedicated to the memory of Arturo Vitale; a passage where it is truly difficult to hold back tears. The record also explores more modern territories with "Understage", which recalls the jazz-inflected runs of "Mescalito", another high point of "D-Brane". While "Il Lungo Addio" offers bright, solar openings, the title track projects the listener directly into the cosmos. Following the tradition for international markets, the Japanese edition includes the funky bonus track "Improvisation For Arturo".
In conclusion, "D-Brane" is already a strong contender for album of the year. This is not only due to the band's historical significance but also to the exceptional quality of the compositions. It is a vessel of emotions that truly spans toward infinity: an extraordinary artistic initiative that deserves nothing but applause. MS

Mindance

MINDANCE – Waiting
Lizard Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: CD - 2025

La vita ci pone dinanzi a ingiustizie, cattiverie e abusi: un odio umano purtroppo fin troppo visibile in questi tempi moderni. In tale contesto, la musica si rivela una scappatoia, una via di fuga che possiamo definire “valvola di sfogo”, un luogo in cui isolarsi per resettare tutto. Sebbene tra chi suona e chi ascolta vi siano differenze evidenti, lo scopo finale unisce entrambi: il mondo sarebbe senz'altro migliore con più note e meno parole.
L’intento del nuovo album dei Mindance, band di Campobasso, è proprio quello di proiettarci in una dimensione sociale più luminosa. Il gruppo persegue l'obiettivo attraverso un unico brano di ventotto minuti, dove il Post Prog Moderno domina la scena.
La formazione, composta da Tonino Marchitelli (voce, tastiere), Gianluca Vergalito (chitarra), Peppe Aloisi (basso, voce, synth, noises) e Massimo Cosimi (batteria), giunge così al terzo capitolo discografico dopo “Cosmically Nothing” (2020) e “Colors” (2022).
Lo stile sonoro attinge a piene mani dall'universo dei Porcupine Tree; persino il titolo dell’album richiama la creatura di Steven Wilson. Si tratta di una scelta rivolta a una nicchia di appassionati: l’opera, pur contenendo passaggi orecchiabili e interessanti, risulterà complessa da trasmettere in radio a causa della sua imponente durata.
I Mindance mostrano una crescita caratteriale e d'esperienza, evidente in scelte compositive mature e attente alle armonie.
Un assolo di chitarra acustica apre il viaggio, inizialmente immerso in un mondo psichedelico e onirico, per poi procedere dolcemente in un crescendo in cui subentrano tutti gli strumenti. Qui, il riff delle tastiere si fa ipnotico fino al sopraggiungere del cantato. La musica acquista profondità, specialmente nella seconda parte, dove atmosfere cupe calano come un manto protettivo. Ottima la cura dei suoni, arricchita da piacevoli effetti stereofonici.
Nella sospensione sonora sembra quasi di fluttuare, "surfando" sopra una chitarra elettrica maestra d’ipnosi. Trascinanti e coinvolgenti, le note attraversano fasi grevi fino all'innesto dell'elettronica con funzione ritmica. Si apre quindi uno scenario differente, non tanto per le sonorità quanto per un’attitudine cara non solo a Wilson, ma soprattutto ai Pink Floyd.
Ci si sente soli, abbandonati… La soluzione è restare immobili all’ascolto, una pazienza ripagata da un’apertura solare dettata principalmente dalle tastiere. Non mancano richiami ai Genesis degli anni ’70, momenti in cui la musica diventa emotivamente travolgente; ma sono solo attimi, poiché la chitarra torna presto a ruggire. Superfluo sottolineare i numerosi cambi di tempo, costantemente presenti e appassionanti.
In realtà, l’ascolto di “Waiting” non mi è sembrato durare ventotto minuti, bensì cinque: testimonianza di una fluidità eccellente e priva di momenti di stanca… Che abbiano avuto ragione loro?
I Mindance sono ormai una realtà consolidata che, a mio giudizio, si pone tra le band italiane moderne più interessanti del settore. Chi ama le formazioni sopra citate non potrà che confermare il piacere che si prova durante l’ascolto, un'esperienza che spesso viene affrontata ad occhi chiusi. Onirico. MS

Versione Inglese: 

MINDANCE – Waiting
Lizard Records
Genre: Modern Post-Prog
Format: CD - 2025

Life confronts us with injustice, malice, and abuse—a surge of human hatred that is all too visible in these modern times. In such a context, music becomes an escape, a way out that we can define as a “valvola di sfogo” (a safety valve), a sanctuary in which to isolate oneself and reset everything. While the differences between those who play and those who listen are evident, their ultimate purpose unites them: the world would be a better place with more notes and fewer words.
The intent of the new album by the Campobasso-based band Mindance is precisely to lead us into a better social dimension, achieving this through a single twenty-eight-minute track where Modern Post-Prog dominates every field.
Still featuring the line-up of Tonino Marchitelli (vocals, keyboards), Gianluca Vergalito (guitar), Peppe Aloisi (bass, vocals, synth, noises), and Massimo Cosimi (drums), the band reaches its third album following “Cosmically Nothing” (Lizard Records – 2020) and “Colors” (Lizard Records – 2022).
The sonic style draws heavily from Porcupine Tree; even the album title echoes Steven Wilson’s band. This is a choice specifically aimed at a niche of enthusiasts, as the album—despite containing very catchy and interesting passages—will certainly be a challenge for radio airplay given the track's length.
Mindance have grown in character and experience, as evidenced by mature compositional choices and a keen ear for beautiful harmonies. An acoustic guitar solo opens the journey, initially venturing into a psychedelic and dreamlike world before gently proceeding into a crescendo where all the instruments join in. Here, the keyboard riff is hypnotic until the vocals arrive. The music possesses great depth, especially in the second half, where dark psychedelic atmospheres descend like a shroud. The sound production is excellent, featuring pleasant stereo effects.
Within the suspension of sound, one lingers, "surfing" over an electric guitar that is a master of hypnosis. Compelling and immersive, the notes traverse heavy and electric phases until the arrival of electronics providing the rhythm. A different scenario unfolds—not so much in terms of sound, but in an attitude dear not only to Wilson but especially to Pink Floyd.
One feels alone, abandoned… The solution is to remain motionless while listening, a patience rewarded by a bright opening led primarily by the keyboards. Brief echoes of 1970s-era Genesis follow, where the music becomes highly and emotionally charged; but these are mere moments, as the guitar returns to roar. It is needless for me to point out the numerous time signature changes, which are ever-present and enthralling.
In truth, listening to “Waiting” did not feel like twenty-eight minutes, but rather five—a testament to its excellent fluidity, devoid of any stale moments… “Che abbiano avuto ragione loro?” (Could they have been right?).
Mindance are a consolidated reality, at least in my judgment, placing them among the most interesting modern Italian bands in this sector. Those who love the music of the aforementioned bands will surely confirm the pleasure felt during the listen, an experience that is very often embraced with eyes closed. Onirico. (Dreamlike). MS

Moorder

MOORDER – Moorder III
Open Mind / Lizard Records / Eclectic Polpo Records
Genere: Jazz Rock – Post Rock
Supporto: CD – 2026

Cosa ci aspettiamo, generalmente, dall’arte dei suoni? Una domanda lecita che non ammette una risposta univoca: ognuno possiede una sensibilità e un bagaglio culturale unico. C’è chi cerca il semplice relax o il desiderio di cantare, chi la utilizza come sottofondo per le attività quotidiane e chi, invece, appartiene alla categoria dei cultori: quegli ascoltatori che pretendono profondità e respingono lo scontato.
Il Jazz Rock si rivolge spesso a quest’ultima fascia di pubblico, se poi vi aggiungiamo sfumature Prog, RIO e Post Rock, l’opera si focalizza su una nicchia ancora più specifica.
Il chitarrista Alessandro Lamborghini guida i bolognesi Moorder verso un approccio non convenzionale sin dall'esordio omonimo del 2010. Dopo “Moorder II” (2014), la band torna oggi con “Moorder III”. La formazione storica composta da Simone Pederzoli (trombone), Daniel Dencs Csab (batteria) e Alberto Danielli (tuba) si arricchisce qui, per la prima volta, della voce di Cinzia Zaccaroni (anche al basso) e dei testi di Alice Miali.
È affascinante assistere all'incontro tra una chitarra in stile Robert Fripp e la sezione fiati dominata dalla tuba: un connubio solo apparentemente incongruente nel territorio sonoro in cui si muovono. È “Mitra & Chernobyl” a presentare l'attuale forma del gruppo: una composizione ampia e frenetica che concede un motivo orecchiabile solo nel ritornello. Eccellente la sezione ritmica, con un basso in slap e una batteria trascinanti sotto ogni aspetto.
Onde marine accolgono “D Meter Blues”, brano in cui emergono lezioni zappiane nell’orchestrazione. Il Blues ne rimane il cardine, intrecciandosi alla modernità di un assolo di chitarra elettrica che non si vorrebbe veder finire mai, prima di una chiusura dalle tinte Post Punk.
“Three Eyed Hawk” sfoggia un ritmo alla “Kashmir” (Led Zeppelin), un crescendo armonioso e mutevole dove il trombone dialoga con una voce narrante, lasciando il resto alle intuizioni di Lamborghini.
Più giocosa è “Cupola”, un moto allegro sostenuto dalla Zaccaroni, in cui basso e batteria sembrano rincorrersi in un gioco a nascondino intrigante e dinamico.
In “Melting Bob”, l'apertura è affidata a un assolo di Simone Pederzoli in cui lo strumento pare quasi parlare; il pezzo evolve poi nel tipico stile Moorder, tra frammenti circensi e un inaspettato finale Rock.
La freschezza di “Big Graves” ci accompagna verso il congedo di “Lynx In Love”, breve e delicato strumentale composto da Pederzoli e cantato da Cinzia Zaccaroni.
I Moorder sono un immenso calderone di idee che fuggono per poi ritrovarsi in luoghi sempre nuovi. Mutevoli, consapevoli e tecnicamente preparati, trasudano amore per una musa che (alla faccia di chi la vorrebbe morta) sa ancora sorprendere. Basta lasciare aperta la porta della mente: non a caso la Lizard ha battezzato questo settore proprio “Open Mind”. Tanta roba. MS

Versione Inglese:

MOORDER – Moorder III
Labels: Open Mind / Lizard Records / Eclectic Polpo Records
Genre: Jazz Rock – Post Rock
Format: CD – 2026

What do we generally expect from the art of sound? It is a fair question that allows for no single answer: everyone possesses a unique sensitivity and cultural background. There are those seeking simple relaxation or the urge to sing along, those who use it as a backdrop for daily activities, and then there are the "connoisseurs"—listeners who demand depth and reject the predictable.
Jazz Rock often caters to this latter group; when you add shades of Prog, RIO (Rock In Opposition), and Post Rock, the work focuses on an even more specific niche.
Guitarist Alessandro Lamborghini has guided the Bologna-based band Moorder toward an unconventional approach since their self-titled debut in 2010. Following Moorder II (2014), the band returns today with Moorder III. The long-standing lineup of Simone Pederzoli (trombone), Daniel Dencs Csab (drums), and Alberto Danielli (tuba) is enriched here, for the first time, by the vocals of Cinzia Zaccaroni (also on bass) and lyrics by Alice Miali.
It is fascinating to witness the encounter between a Robert Fripp-style guitar and a brass section dominated by the tuba: a combination that is only seemingly incongruous within the sonic territory they inhabit. "Mitra & Chernobyl" introduces the group's current form: a vast, frantic composition that grants a catchy motif only in the chorus. The rhythm section is excellent, featuring slap bass and drumming that are compelling in every respect.
Ocean waves welcome "D Meter Blues," a track where Zappa-esque orchestration lessons emerge. The Blues remains the pivot, intertwined with the modernity of an electric guitar solo you wish would never end, before a closing tinged with Post-Punk hues.
"Three Eyed Hawk" sports a "Kashmir-esque" rhythm (Led Zeppelin)—a harmonious and shifting crescendo where the trombone dialogues with a narrative voice, leaving the rest to Lamborghini’s intuitions.
"Cupola" is more playful, an upbeat movement sustained by Zaccaroni, where the bass and drums seem to chase each other in an intriguing and dynamic game of hide-and-seek.
In "Melting Bob," the opening is entrusted to a solo by Simone Pederzoli, where the instrument almost seems to speak; the piece then evolves into the typical Moorder style, moving between circus-like fragments and an unexpected Rock finale.
The freshness of "Big Graves" escorts us toward the farewell of "Lynx In Love," a brief and delicate instrumental composed by Pederzoli and sung by Cinzia Zaccaroni.
Moorder is an immense cauldron of ideas that scatter only to reunite in ever-new places. Shifting, self-aware, and technically proficient, they exude love for a Muse who (despite those who claim she is dead) still knows how to surprise. You just need to keep the door of the mind open: it’s no coincidence that Lizard Records named this branch of their label "Open Mind." Great stuff.  MS

Hybrida

HYBRIDA – Hybrida
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Hard Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Quando si parla di flauto nel Rock, il pensiero corre inevitabilmente agli inglesi Jethro Tull o agli olandesi Focus; tuttavia, gli esempi nel tempo sono stati migliaia. Questo strumento, solo apparentemente dolce, ha saputo sorprendere per duttilità, adattandosi anche ai contesti più elettrici.
Con l'esperienza maturata in oltre sessant'anni di storia, il flauto ha assunto una connotazione prettamente Prog, donando alle composizioni sfumature emotive variegate a seconda dell’uso che se ne fa durante la performance: c’è chi vi ha emesso versi, chi lo ha accarezzato con delicatezza e persino chi lo ha aggredito. Il Progressive Rock italiano non è da meno, se si pensa alla PFM o ai Delirium di Ivano Fossati, fino ad arrivare ai giorni nostri.
È con piacere che scopro gli aquilani Hybrida (anche se non si trovano informazioni su di loro... AI?), guidati da Gianni Fratelli (flauto, chitarra): un ensemble dedito a un Progressive Rock robusto, ma dalle tinte a tratti pacate. La teorica formazione è completata da Roberto Tullio Papadopulou (tastiere, computer), Johnny Trullo (chitarra, basso) e Ignazio Adami (batteria, percussioni). Il progetto è diretto dallo stesso Trullo e vanta membri ed ex componenti di Machina Harmonica, Jet Rotula e Tres Sombras.
Nelle partiture delle undici tracce, le sonorità analogiche si intrecciano a campionamenti virtuali. Sin dalle prime note di “A Trick Of Nature” sembra di ritrovare i Jethro Tull degli anni ’90, ma con un carattere ben definito e un approccio differente; segue “Spring In A Barren Land”, che muta da passaggi delicati ad altri decisamente Hard Rock. Trattandosi di un album strumentale, le armonie e le linee melodiche sono curate nei minimi dettagli, offrendo temi che si memorizzano con facilità.
Più articolata “I Grow Underneath”, pur mantenendo la centralità del flauto costante rispetto ai brani precedenti. Qui, arie arabesche si inseriscono donando al sound un calore diverso, mentre le chitarre si fanno più presenti.
“Ara Catalina” gode invece di una ritmica più rock, in cui è un piacere ascoltare le evoluzioni del flauto. Con la title track, “Hybrida”, il Folk si adagia in momenti morbidi dove la quiete prende il sopravvento. Dopo un inizio sornione, “Dark Fairy Tales” accelera mettendo in mostra tutto il potenziale della band attraverso un riff micidiale.
Lascio a voi il piacere di scoprire il resto del disco, ma permettetemi di sottolineare la bellezza di “Chimera”, dove la chitarra elettrica apre la strada a un dialogo di grande personalità con il flauto. Una vera perla.
Sarebbe scontato definire gli Hybrida come i "Jethro Tull italiani"; piuttosto, fatevi un regalo: ritagliatevi un'ora di tempo per assaporare il gusto della buona musica. Perché, in fondo, è solo di questo che si tratta. MS

 

 ASCOLTO:

https://hybridaprogband.bandcamp.com/album/hybrida

Versione Inglese:

HYBRIDA – Hybrida
Self-release
Genre: Progressive Rock / Hard Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

When discussing the flute in Rock music, thoughts inevitably turn to the British band Jethro Tull or the Dutch group Focus; however, thousands of examples have emerged over the decades. Despite its outward gentleness, this instrument has consistently surprised listeners with its versatility, adapting even to the most electric arrangements.
With over sixty years of history behind it, the flute has acquired a distinctly "Prog" character, lending various emotional nuances to compositions. This richness depends entirely on its execution: some use it to vocalize and growl, some play it with extreme delicacy, and others treat it with aggressive intensity. Italian Progressive Rock is no exception, from the legendary PFM and Ivano Fossati’s Delirium right through to the present day.
It is a pleasure to discover the L'Aquila-based band Hybrida, led by Gianni Fratelli (flute, guitar)—an ensemble dedicated to a robust Progressive Rock that occasionally leans into calmer shades. The lineup is completed by Roberto Tullio Papadopulou (keyboards, computer), Johnny Trullo (guitar, bass), and Ignazio Adami (drums, percussion). The project is directed by Trullo himself and features current and former members of Machina Harmonica, Jet Rotula, and Tres Sombras.
Throughout the eleven tracks, analog instruments intertwine with virtual samples. From the opening notes of “A Trick Of Nature”, one might be reminded of 1990s-era Jethro Tull, yet the band maintains a well-defined character and a unique approach. This continues in “Spring In A Barren Land”, which shifts from delicate movements to hard-hitting Hard Rock. As an instrumental album, the harmonies and melodic phases are meticulously crafted, delivering passages that are easily remembered.
“I Grow Underneath” is more complex, though it keeps the flute at the same prominent level as the preceding tracks. Here, "arabesque" atmospheres intervene, providing a different kind of warmth while the guitars become more present. “Ara Catalina” boasts a more rock-oriented rhythm, making the flute’s evolutions within the arrangement a true delight. With the title track, “Hybrida”, Folk elements settle into soft, polished passages where stillness takes over. After a sly start, “Dark Fairy Tales” hits its stride, showcasing the band’s full range with a killer riff.
I will leave the rest for you to discover, but I must highlight the beauty of “Chimera”, where the electric guitar opens brilliantly before engaging in a high-personality dialogue with the flute. Simply beautiful.
It would be too easy and cliché to call Hybrida the "Italian Jethro Tull." Instead, do yourself a favor: set aside an hour to savor the taste of great music. Because, in the end, that is all that truly matters. MS

 

 

Habelard2

HABELARD2 – Crossfade
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: Bandcamp – 2026

Piattaforme come Spotify o Bandcamp stanno offrendo grande visibilità a molti artisti, specialmente a chi non dispone di grandi budget o contratti discografici. Addentrandosi in questi canali si scopre un universo sterminato che, di contro, presenta una dispersione altrettanto vasta. Risulta quindi difficile scovare album davvero interessanti (sfida resa ancor più complessa dall'avvento dell'IA). Bandcamp, essendo più settoriale, appare meno caotico e offre l'opportunità di contattare direttamente l'artista per acquistarne le opere.
Un altro pregio di queste vetrine digitali è mostrare la vitalità del Progressive Rock italiano: un genere dato per spacciato mille volte, ma che mai come oggi vanta un numero considerevole di produzioni.
Il caso di Habelard2 è emblematico. Dietro questo pseudonimo si cela il polistrumentista milanese Sergio Caleca (tastiere, basso, chitarra e batteria programmata), figura già nota nel panorama Prog per aver militato nella band Ad Maiora fino al 2018. Musicista ispirato e attivo sin dal 1977, Caleca vanta una discografia solista di ben quattordici incisioni che spaziano tra Rock, Folk, New Age, elettronica e Progressive.
Lo stile proposto in “Crossfade” è delicato, figlio di una tradizione nobile ma arricchito da sonorità inevitabilmente moderne. L'uso delle tastiere, per esempio, richiama spesso le atmosfere dei lagunari Le Orme. È apprezzabile lo sforzo compositivo nel tentare nuove strade, come accade in “The Great Wonders”.
Il disco è un progetto interamente "home-made" e ben rifinito, inclusa la simpatica copertina che ispira il titolo: una vecchia foto scattata a Hyde Park (Londra) nell’aprile del 1982. L’effetto dissolvenza non fu voluto, ma derivò da un inceppamento del rullino.
L’album, completamente strumentale, si compone di dieci brani immersi nel solco di un Prog riflessivo e d'altri tempi. Le atmosfere sono ricercate oltre che solari, e non mancano spunti vicini ai Genesis, come in “The Drones War”. Le tastiere non sono le uniche protagoniste; anche le chitarre ritagliano il proprio spazio, come nel caso di “In The Old Farm”, un brano gentile in cui emerge l'anima artistica di Caleca.
Menzione speciale per la title track “Crossfade”: per il suo incedere e l'uso del mellotron, rappresenta la sintesi perfetta del DNA di Habelard2.
Questo lavoro probabilmente non passerà agli annali come un classico assoluto del genere (e presumibilmente non ha l'ambizione di esserlo), ma è certamente un ascolto piacevole. Mette in luce un musicista mai domo e ricco di inventiva, un fiume in piena che conferma, ancora una volta, l'ottimo stato di salute del Progressive Rock italiano.
Buon ascolto su Bandcamp: https://habelard2.bandcamp.com/album/crossfade MS 

Versione Inglese:

HABELARD2 – Crossfade
Self-release
Genre: Crossover Prog
Format: Bandcamp – 2026

Platforms like Spotify and Bandcamp are providing significant visibility to many artists, especially those without large budgets or record deals. Diving into these channels reveals a vast universe which, on the flip side, presents an equally immense level of saturation. Consequently, finding truly interesting albums can be difficult—a challenge made even more complex by the advent of AI. Bandcamp, being more niche, feels less chaotic and offers the opportunity to contact the artist directly to purchase their work.
Another merit of these digital showcases is that they highlight the vitality of Italian Progressive Rock: a genre declared dead a thousand times, yet which boasts a considerable number of productions today like never before.
The case of Habelard2 is emblematic. Behind this pseudonym lies the Milanese multi-instrumentalist Sergio Caleca (keyboards, bass, guitar, and programmed drums), a well-known figure in the Prog scene for his tenure with the band Ad Maiora until 2018. An inspired musician active since 1977, Caleca boasts a solo discography of fourteen releases spanning Rock, Folk, New Age, Electronica, and Progressive.
The style presented in “Crossfade” is delicate, rooted in a noble tradition yet enriched by inevitably modern sounds. The use of keyboards, for instance, often evokes the atmospheres of the Venetian legends Le Orme. Caleca’s compositional effort in exploring new paths is commendable, as seen in “The Great Wonders”.
The album is an entirely "home-made" and well-finished project, including the charming cover art that inspired the title: an old photo taken in Hyde Park (London) in April 1982. The fade effect was unintentional, caused by a jammed film roll.
The fully instrumental album consists of ten tracks immersed in a thoughtful, old-school Prog style. The atmospheres are both sophisticated and bright, with nods to Genesis-esque influences in tracks like “The Drones War”. Keyboards are not the sole protagonists; guitars also carve out their own space, as heard in “In The Old Farm”, a gentle piece where Caleca’s artistic soul truly shines.
Special mention goes to the title track, “Crossfade”: with its steady pace and use of the Mellotron, it represents the perfect synthesis of Habelard2's DNA.
While this work may not go down in history as an absolute classic of the genre (and likely doesn't aim to be), it is certainly an enjoyable listen. It highlights a relentless and inventive musician—a creative force that confirms, once again, the excellent health of Italian Progressive Rock.
Enjoy the listen on Bandcamp: https://habelard2.bandcamp.com/album/crossfade MS

Giuseppe Petrucci / Instant Curtain

GIUSEPPE PETRUCCI / INSTANT CURTAIN – "In Absentia"
G.T. Music / Micio Poldo Edizioni
Genere: Jazz Rock / Sperimentale
Supporto: CD / Bandcamp – 2025

Non credevo potesse esistere il caos ordinato, o almeno questo è quanto la mia mente ha sentenziato alla fine dell’ascolto di "In Absentia".
Giuseppe Petrucci, in arte Instant Curtain, è un polistrumentista, compositore e docente maceratese, amante del Jazz sperimentale e della musica da vivere più che da ascoltare. Nel 2020 ha esordito discograficamente con "Let Tear Us Apart", un disco apprezzato dalla critica e vicino alla Scuola di Canterbury di Robert Wyatt, realizzato insieme a Fabrizio Paggi, Carlo Maria Marchionni e Massimo Gerini. Tre anni dopo il gruppo ha replicato con il buon "State Of Art", ma con questo nuovo lavoro “In Absentia”, il passo si rivolge decisamente verso un sentiero più tortuoso: quello del Jazz Rock sperimentale, dove ogni brano viene frantumato e ricomposto come in un puzzle.
Non troverete melodie da memorizzare o da canticchiare; al loro posto ci sono fughe, ricerca e continui stop & go nelle otto tracce che compongono l'opera.
Classificare un pezzo come "Absent" non è impresa semplice: ricorda le schegge impazzite dei Machine Mole, dove il tema tenta di apparire per poi essere spezzato da intermezzi di basso e chitarra nervosa in stile King Crimson. Sebbene sembri che ogni strumento proceda per una strada propria, in realtà i musicisti dialogano costantemente, come se le note fossero voci umane anziché elementi fisici. La materia proposta oscilla tra dissolvenze e improvvise accelerazioni.
"Dance" supera gli undici minuti di durata, un tempo in cui ci si può smarrire, ma lungo il cammino si incontrano intenzionalità care ai nostrani Area che restituiscono qualcosa di familiare: è la logica non convenzionale al servizio del suono.
All’inizio di "Dualità", gli strumenti diventano quasi oggetti: il piano sgocciola note e la chitarra viene pizzicata e battuta sopra percussioni di fondo. Il movimento prosegue a singhiozzi, destabilizzando l’ascoltatore e privandolo di ogni certezza, mentre nella sezione ritmica di Luca e Andrea Mei si palesa un affiatamento totale.
"Giardino Magnetico" accenna a una struttura melodica che però svanisce dopo pochi istanti, riassorbita dalla densità dei suoni; sembra di ascoltare i Gentle Giant intenti a improvvisare liberamente.
In "In-Out" sono invece i King Crimson a suggerire la medesima direzione. Se "Introspetto" è un vero e proprio nomen omen, il pezzo maggiormente prossimo a una linea armonica è "Linee Ininterrotte Verso Il Punto Di Discrimine".
In chiusura, la suite "Transiti Liminali" racchiude tutto quanto narrato finora.
"In Absentia" è un’esperienza più che un album di canzoni, un viaggio dove l’ascoltatore deve essere pronto a lasciarsi trascinare da strumenti che sembrano godere di vita propria. Chi ha il coraggio si faccia avanti… Buona esperienza! MS

Versione Inglese: 

GIUSEPPE PETRUCCI / INSTANT CURTAIN – "In Absentia"
G.T. Music / Micio Poldo Edizioni
Genre: Jazz Rock / Experimental
Format: CD / Bandcamp – 2025

I didn’t believe "ordered chaos" could exist, or at least that is what my mind concluded after listening to "In Absentia." Giuseppe Petrucci, performing as Instant Curtain, is a multi-instrumentalist, composer, and teacher from Macerata with a passion for experimental jazz and music meant to be experienced rather than merely heard. In 2020, he made his recording debut with "Let Tear Us Apart"—critically acclaimed and reminiscent of the Canterbury Scene and Robert Wyatt—alongside Fabrizio Paggi, Carlo Maria Marchionni, and Massimo Gerini. Three years later, the group followed up with the solid "State Of Art," but with this new work, "In Absentia," they take a turn toward a much more tortuous path: that of experimental Jazz Rock, where every track is shattered and reassembled like a puzzle.
You won’t find melodies to memorize or hum along to; instead, there are flights of exploration, sonic research, and constant stop-and-go rhythms across the eight tracks. Classifying a piece like "Absent" is no simple feat: it brings to mind the frantic fragments of Machine Mole, where a theme attempts to emerge only to be broken by nervous bass and guitar interludes in the vein of King Crimson. Although it seems as though each instrument is following its own path, the musicians are in constant dialogue, as if the notes were human voices rather than physical elements. The material oscillates between atmospheric fades and sudden accelerations.
"Dance" clocks in at over eleven minutes—a duration in which one can easily get lost—but along the way, you encounter intentionalities reminiscent of Italy’s own Area, providing a sense of familiarity. This is unconventional logic at the service of sound. At the beginning of "Dualità," the instruments almost become physical objects: the piano drips notes while the guitar is plucked and struck over background percussion. The movement proceeds in fits and starts, destabilizing the listener and stripping away all certainty, while the total synergy of the rhythm section, Luca and Andrea Mei, becomes strikingly evident.
"Giardino Magnetico" hints at a melodic structure that vanishes after just a few moments, reabsorbed into the density of the sound; it feels like listening to Gentle Giant improvising freely. In "In-Out," it is King Crimson who suggest a similar direction. While "Introspetto" is a true nomen omen, the piece closest to a harmonic line is "Linee Ininterrotte Verso Il Punto Di Discrimine." In closing, the suite "Transiti Liminali" encapsulates everything narrated so far. "In Absentia" is an experience rather than an album of songs—a journey where the listener must be ready to be swept away by instruments that, in many passages, seem to possess a life of their own. If you have the courage, step forward… Enjoy the experience! MS

Liturgia Del Piombo

LITURGIA DEL PIOMBO – Volume Primo
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Sperimentale
Supporto: Bandcamp / Spotify / Anghami – 2026

Il mondo del web è fantastico: se usato correttamente, permette di fare scoperte inattese, specialmente in ambito musicale. Esistono artisti che si autoproducono senza nemmeno stampare il supporto fisico e, cosa ancor più singolare, non lasciano tracce sui social o nei siti specializzati, rimanendo quasi avvolti nel mistero.
Mi sono imbattuto per caso nel progetto Liturgia Del Piombo del polistrumentista Ludovico Maggi Padovan (Wanda Wulz) e, al di là della discografia presente su Bandcamp, Spotify e Anghami, non si trovano altre notizie. Forse non sono stato meticoloso nella ricerca, ma ammetto che procedere "al buio" ha il suo fascino.
Il nome del progetto mi ha colpito immediatamente, richiamando l’immaginario tipico del Progressive Rock, così come la copertina, che non lascia dubbi sul tema dell'opera: l’omicidio di Aldo Moro e gli "anni di piombo". La discografia di Liturgia Del Piombo include già i lavori “1978” (2022), “Sisde” (2023) e “Vajony” (2025).
“Volume Primo” è suddiviso in otto tracce denominate “pagine”. La curiosità era molta: visti i temi trattati, mi sarei aspettato un richiamo stilistico agli Area, invece sono stato spiazzato da una varietà di generi inaspettata.
Già da “Pagine 1 – 83” emergono le ottime doti tecniche di Maggi Padovan: fiati, batteria, tastiere, basso e chitarra elettrica (con un assolo eccellente) si fondono in un Jazz Prog scoppiettante, che si lancia in scorribande sonore dall'autorità sorprendente. L’atmosfera degli anni '70 è palpabile, ma a colpire maggiormente sono la composizione, mai banale, e la qualità dell'incisione.
In “Pagine 84 – 168”, tra sax e clarinetto, si spazia attraverso atmosfere mutevoli che sfociano nell’Hard Prog, sostenute da una sezione ritmica precisa e massiccia, impreziosita da un ottimo giro di basso.
Le sorprese continuano con l’andamento alla Opeth (nella loro veste strumentale e meno metallica) di “Pagine 169 – 253”, la malinconia di “Pagine 254 – 336” — caratterizzata da una chitarra elettrica straziante in stile Porcupine Tree — e la spiazzante varietà di cambi umorali in “Pagine 337 – 419”. Giunto a questo punto, ho sentito il bisogno di una pausa riflessiva: raramente un album interamente strumentale riesce a colpire con tale forza.
Gli ultimi tre brani, “Pagine 420 – 505”, “Pagine 506 – 593” e “Pagine 594 – 666”, sono altrettanto geniali, ma non vorrei rovinarvi l’esperienza dell’ascolto anticipando troppo. Ho persino avuto dubbi se ci fosse stato l’uso dell’IA tanto tutto è perfetto.
“Volume Primo” è un lavoro eccellente. Sono felice di averlo scoperto e ora non mi resta che approfondire l'intera discografia di Liturgia Del Piombo, sperando di scovare presto nuove informazioni sull'autore.
Eccellente! MS 

Versione Inglese: 

LITURGIA DEL PIOMBO – Volume Primo
Self-release
Genre: Progressive Rock / Experimental
Platforms: Bandcamp / Spotify / Anghami – 2026

The digital world is fantastic: when used correctly, it allows for unexpected discoveries, especially in the musical realm. There are artists who self-produce without ever printing a physical copy and, even more remarkably, leave no trace on social media or specialized websites, remaining almost entirely shrouded in mystery.
I stumbled by chance upon the project Liturgia Del Piombo by multi-instrumentalist Ludovico Maggi Padovan (Wanda Wulz). Aside from his discography on Bandcamp, Spotify, and Anghami, no other information is to be found. Perhaps I wasn't meticulous enough in my search, but I must admit that going in "blind" has its own charm.
The project's name struck me immediately, evoking imagery typical of Progressive Rock, as did the cover art, which leaves no doubt about the album's theme: the assassination of Aldo Moro and the "anni di piombo" (the Years of Lead). Liturgia Del Piombo’s discography already includes the works “1978” (2022), “Sisde” (2023), and “Vajony” (2025).
“Volume Primo” is divided into eight tracks titled “pagine” (pages). My curiosity was high: given the subject matter, I expected a stylistic nod to Area; instead, I was blown away by an unexpected variety of genres.
Right from “Pagine 1 – 83,” Maggi Padovan’s excellent technical skills emerge. Horns, drums, keyboards, bass, and electric guitar (featuring an excellent solo) merge into a sparkling Jazz Prog that launches into sonic excursions of surprising authority. The 70s atmosphere is palpable, but what impresses most is the composition—never cliché—and the high quality of the recording.
In “Pagine 84 – 168,” between sax and clarinet, the music explores shifting atmospheres that flow into Hard Prog, supported by a precise and massive rhythmic section, enhanced by a great bass line.
The surprises continue with an Opeth-style vibe (in their instrumental, less metallic vein) in “Pagine 169 – 253,” the melancholy of “Pagine 254 – 336” — characterized by a heartbreaking electric guitar reminiscent of Porcupine Tree — and the staggering variety of moods in “Pagine 337 – 419.” At this point, I had to stop for a moment of reflection: rarely does an entirely instrumental album strike with such force.
The final three tracks, “Pagine 420 – 505,” “Pagine 506 – 593,” and “Pagine 594 – 666,” are equally brilliant, but I wouldn’t want to spoil the listening experience by revealing too much. I even wondered if AI had been used, so perfect is the execution.
“Volume Primo” is an excellent piece of work. I am glad I found it, and now I have no choice but to dive into the rest of Liturgia Del Piombo’s discography, hoping to uncover more information about the author soon.
Excellent! MS