Perchè oggi la musica non ci piace?

 PERCHE’ OGGI LA MUSICA NON CI PIACE?

Di Massimo Max salari

 
Guardando le classifiche oggi, sembra che la complessità musicale e i testi profondi siano stati sostituiti da autotune a palla e basi ripetitive.
Tuttavia, dire che la musica di oggi è "brutta" in senso assoluto è un po' riduttivo. Ci sono ragioni sociologiche, tecnologiche ed economiche precise dietro questo cambiamento. Ecco perché la società italiana (e non solo) si è orientata verso questi suoni:
E’ "Fast Food Music", nell'era di Spotify, la musica viene consumata come un contenuto social, così la soglia dell'attenzione è crollata. Una canzone deve "acchiappare" nei primi 30 secondi, altrimenti l'utente skippa. Questo porta a strutture semplicistiche e ritornelli martellanti.
Le piattaforme tendono a suggerire brani simili a quelli già ascoltati, creando una sorta di omogeneizzazione del gusto dove tutto finisce per suonare un po' uguale.
Un tempo, per incidere un disco, servivano un’etichetta, uno studio costoso e musicisti preparati. Oggi, basta un computer e una connessione internet per produrre e distribuire un pezzo da una cameretta. Chiunque ha voce, quindi manca quella "selezione all'ingresso" che un tempo garantiva un certo standard qualitativo tecnico e artistico. Ricordiamoci sempre che la musica è lo specchio dei tempi.
Ieri la musica era spesso aspirazionale o politica, ossia cercava il "poeta" che spiegasse il mondo.
Oggi molta (come la Trap) è estetica e identitaria. I giovani non cercano necessariamente la "bella melodia", ma un suono che rappresenti il loro gergo, il loro senso di alienazione o il desiderio di riscatto economico materiale.

Di conseguenza molta musica non è fatta per essere "ascoltata" con attenzione, ma per essere usata come sottofondo per i video di TikTok.
In questi contesti, la profondità del testo è secondaria rispetto al beat o alla viralità di una singola frase.
Tuttavia la "bella musica" in Italia esiste ancora e sempre ci sarà. C’è una scena indie, Jazz e cantautorale vivissima, solo che non la trovi in cima alla classifica Top 50 - Italia. Bisogna solo fare un po' più di fatica per andare a scovarla, superando il muro dei trend del momento.
Il paradosso è che in un'epoca in cui abbiamo l'intera storia della musica mondiale in tasca, ironicamente finiamo per ascoltare tutti le stesse dieci canzoni spinte dall'algoritmo.
Quando avevi pochi vinili o CD, li ascoltavi fino a consumarli. Leggevi i libretti, cercavi di capire chi avesse suonato il basso, entravi "dentro" l'opera. Oggi invece, l’ascolto è passivo, la musica è diventata un rumore di fondo. Non siamo noi a cercare la musica, ma lasciamo che sia lei a venirci incontro tramite playlist pre-confezionate ("Caffè del mattino", "Focus", "Hits del momento").

Amiamo la pappa pronta perché informarsi richiede uno sforzo (leggere recensioni, scavare nelle discografie, studiare i contesti). Se la società è abituata a contenuti di 15 secondi, un album di 40 minuti sembra un impegno insormontabile.
E attenzione, senza informazione, non c'è paragone. Se un ragazzo non ha mai ascoltato il De André di "Creuza De Mä" o la complessità dei Pink Floyd, non ha i parametri per capire che il testo del trapper di turno è povero. Ecco che ci si accontenta del minimo indispensabile.
 

E subentra un nemico: La pigrizia

 
L'algoritmo è il miglior amico della pigrizia. Ci dà quello che sa già che ci piace, evitandoci lo "shock" del nuovo o del difficile. Ma la cultura è fatta di shock, di scoperte che all'inizio possono risultare ostiche ma che poi ti arricchiscono. Dedicare tempo a se stessi significa anche selezionare ciò di cui ci nutriamo. Se mangiamo solo "cibo spazzatura" musicale perché è comodo e vicino, alla fine perdiamo il gusto per i sapori complessi.
È un circolo vizioso, meno ci informiamo, più l'industria produce musica banale; più la musica è banale, meno siamo stimolati a informarci.
E’ una forma di analfabetismo emotivo e culturale, se non siamo più in grado di ascoltare un disco di sei minuti senza distrarci, come possiamo pretendere di ascoltare una persona che ha un’opinione diversa dalla nostra?
Il legame tra la "brutta musica", le fake news e l'incapacità di dialogare è lo stesso, la superficialità come linea di minor resistenza.
 
A mio modesto parere bisognerebbe iniziare da capo dalle scuole, insegnare l'ascolto non significherebbe solo far studiare Mozart o i Pink Floyd, ma educare alla pazienza. Ecco come questa "materia" potrebbe cambiare le cose:

 
Ascoltare un brano complesso educa il cervello a non pretendere una gratificazione istantanea. È l'opposto dello scrolling compulsivo. Insegnare a capire come una canzone (o una notizia) cerchi di manipolare le nostre emozioni. Se capisci il trucco dell'autotune o del ritmo ipnotico, diventi più critico. Perché l’'ascolto vero richiede di mettersi nei panni dell'altro, la musica "usa e getta" di oggi è spesso un monologo sull'ego; la grande cultura è invece un dialogo con l'universale.
Le fake news prosperano dove l'ascolto è morto. Credere a una bugia è comodo perché conferma i nostri pregiudizi e non ci richiede di approfondire.
Invece la realtà è complessa, richiede tempo, fatica e verifica.
La fake news è semplice, urlata, proprio come certi ritornelli che ci entrano in testa anche se non vogliamo.
Ripartire da capo significa smettere di considerare la musica e l'arte come "passatempi" e iniziare a vederle come esercizi di cittadinanza. Se non ascolto, non capisco; se non capisco, non scelgo; se non scelgo, qualcuno sceglie per me (che sia un algoritmo o un manipolatore di notizie).
Quindi serve necessariamente una sorta di "ecologia della mente" per ripulire l'inquinamento acustico e informativo che ci circonda.
Siamo pronti, come società, ad accettare il "silenzio" necessario per imparare di nuovo ad ascoltare, o siamo ormai troppo assuefatti dal rumore? MS

Versione Inglese:

WHY DON'T WE LIKE MUSIC TODAY?

By Massimo Max Salari

 
Looking at the charts today, it seems that musical complexity and profound lyrics have been replaced by cranked-up autotune and repetitive beats. However, saying that today's music is "bad" in an absolute sense is somewhat reductive. There are precise sociological, technological, and economic reasons behind this shift. Here is why Italian society (and beyond) has gravitated toward these sounds:
It is "Fast Food Music." In the era of Spotify, music is consumed like social media content, causing attention spans to plummet. A song must "hook" the listener within the first 30 seconds; otherwise, the user skips. This leads to simplistic structures and hammering choruses. Platforms tend to suggest tracks similar to those already heard, creating a sort of homogenization of taste where everything ends up sounding more or less the same.

In the past, recording an album required a label, an expensive studio, and trained musicians. Today, a computer and an internet connection are enough to produce and distribute a track from a bedroom. Everyone has a voice, so we lack that "entry selection" that once guaranteed a certain technical and artistic quality. Let us always remember that music is a mirror of the times.
Yesterday, music was often aspirational or political—it sought the "poet" to explain the world. Today, much of it (like Trap) is aesthetic and identity-driven. Young people aren't necessarily looking for a "beautiful melody," but rather a sound that represents their slang, their sense of alienation, or their desire for material economic redemption. Consequently, much music is not made to be listened to with attention, but to be used as a background for TikTok videos. In these contexts, the depth of the lyrics is secondary to the beat or the virality of a single phrase.
However, "beautiful music" still exists in Italy and always will. There is a vibrant indie, jazz, and songwriting scene; you just won't find it at the top of the "Top 50 - Italy" chart. You simply have to work a little harder to seek it out, breaking through the wall of current trends.
The paradox is that in an age where we have the entire history of world music in our pockets, we ironically end up listening to the same ten songs pushed by the algorithm. When you had only a few rare vinyls or CDs, you listened to them until they wore out. You read the liner notes, tried to understand who played the bass, and stepped "inside" the work. Today, however, listening is passive; music has become background noise. We no longer search for music; we let it come to us through pre-packaged playlists ("Morning Coffee," "Focus," "Top Hits").
We love to be "spoon-fed" because staying informed requires effort (reading reviews, digging through discographies, studying contexts). If society is used to 15-second content, a 40-minute album feels like an insurmountable commitment. And beware: without information, there is no basis for comparison. If a young person has never listened to De André’s Creuza de Mä or the complexity of Pink Floyd, they lack the parameters to understand that a typical trapper’s lyrics are poor. Thus, we settle for the bare minimum.

 

And an enemy takes over: Laziness.

 
The algorithm is laziness’s best friend. It gives us what it already knows we like, sparing us the "shock" of the new or the difficult. But culture is made of shocks—of discoveries that may seem difficult at first but ultimately enrich you. Dedicating time to oneself also means selecting what we feed on. If we only eat musical "junk food" because it’s convenient and nearby, we eventually lose the taste for complex flavors. It is a vicious cycle: the less we inform ourselves, the more the industry produces banal music; the more banal the music, the less we are stimulated to seek information.
It is a form of emotional and cultural illiteracy. If we are no longer able to listen to a six-minute record without getting distracted, how can we expect to listen to a person who holds a different opinion from our own? The link between "bad music," fake news, and the inability to engage in dialogue is the same: superficiality as the path of least resistance.
In my humble opinion, we should start over from the schools. Teaching how to listen wouldn't just mean studying Mozart or Pink Floyd, but educating for patience. Here is how this "subject" could change things:
Listening to a complex piece trains the brain not to demand instant gratification. It is the opposite of compulsive scrolling. It teaches us to understand how a song (or a news story) tries to manipulate our emotions. If you understand the trick behind the autotune or the hypnotic rhythm, you become more critical. True listening requires putting oneself in another's shoes; today's "disposable" music is often a monologue of the ego, whereas great culture is a dialogue with the universal.
Fake news thrives where listening has died. Believing a lie is comfortable because it confirms our prejudices and doesn't require us to dig deeper. Reality, instead, is complex; it requires time, effort, and verification. Fake news is simple and shouted—just like certain choruses that get stuck in our heads even when we don't want them to.
Starting over means ceasing to view music and art as mere "hobbies" and beginning to see them as exercises in citizenship. If I don't listen, I don't understand; if I don't understand, I don't choose; if I don't choose, someone else chooses for me (be it an algorithm or a manipulator of news). Therefore, we urgently need a sort of "ecology of the mind" to clear out the acoustic and informational pollution surrounding us.
Are we ready, as a society, to accept the "silence" necessary to learn how to listen again, or are we now too addicted to the noise? MS

Seddok

SEDDOK – Geometrie Nere 2
Lizard Records
Genere: Avant Prog
Supporto: CD / Digital – 2026

Il progetto Seddok nasce come una costola colta e oscura del panorama Avant-Prog / RIO (Rock In Opposition) italiano. Il nome stesso è un omaggio al cinema horror e fantascientifico di serie B (il Dr. Seddok del film “Seddok, l'erede di Satana”), sottolineando fin da subito un'estetica legata al mistero e alla deformazione.
La band si è formata attorno alla visione di A.T. La Morte (basso), Marco Nepi (chitarra) ed Enzo P. Zeder (sintetizzatori e batteria). Nel 2022 pubblicano il primo “Geometrie Nere”, un concept strumentale ispirato alle opere del pittore veneziano Emilio Vedova. Quel disco ha ridefinito il loro suono: greve, eclettico e privo di barriere, con influenze Zeuhl. Con il passare degli anni, il trio ha estremizzato le componenti elettroniche e industriali, arrivando alla pubblicazione del secondo volume intitolato “Geometrie Nere 2”. Se il primo volume era un tributo all'arte pittorica, questo secondo capitolo, si sposta verso territori più distopici e futuristi.
L'album prosegue la struttura a "movimenti" tipica del loro stile, espandendo però la tavolozza sonora.
Quattro i movimenti sonori che compongono l’album ad iniziare da “Movimento 0201”, un'apertura dominata dai sintetizzatori modulari di Zeder. Questo è un brano che costruisce una tensione lenta, quasi claustrofobica, introducendo l'ascoltatore in un ambiente sonoro totalmente sintetico. Il suono oscuro come la pece praticamente si getta nell’horrorifico. Il proseguimento trova quiete, ma una quiete cadenzata, spiritica…. Dannata.
In “Movimento 0202” entra in gioco la chitarra di Marco Nepi con riff spigolosi e matematici. La traccia è più dinamica e richiama le sonorità del Rock In Opposition più serrato. A differenza del Post Punk tradizionale, qui la ritmica è governata da una logica matematica e dispari. La batteria (o la drum machine processata) non segue un battito rassicurante, ma procede per scatti, fermate improvvise e ripartenze. È un ritmo che potremmo definire "meccanico-organico" e suona come un ingranaggio che sta per rompersi ma che, per qualche miracolo ingegneristico, continua a girare vorticosamente. La Chitarra di Marco Nepi è la vera protagonista di questo movimento. Non aspettatevi assoli o accordi aperti, qui la chitarra viene usata come uno strumento a percussione metallico. Produce riff taglienti, "grattati" e dissonanti che ricordano le geometrie dei King Crimson dell'era “Red”, ma filtrati attraverso una lente industrial molto più sporca. Il Basso di A.T. La Morte funge da collante, ma è un collante acido. Praticamente è una fuga claustrofobica.
“Movimento 0203” dopo un narrato inquietante e sussurrato, parte in un binario acido e a tratti psichedelico, esposto su una ritmica spezzata. È qui che emerge l'influenza dello Zeuhl, ma svuotato dalla sua componente operistica e riempito di nichilismo cibernetico.
Conclude “Movimento 0204”, qui i Seddok utilizzano questo finale per dire che, una volta esplorate tutte le geometrie (le regole, le strutture, le logiche matematiche), non resta che il ritorno al caos o al silenzio assoluto.
“Geometrie Nere 2” ha quindi un'architettura di cemento sonoro che sorge dalle macerie del Prog per farsi algoritmo carnale, dove il basso ossessivo e i sintetizzatori modulari disegnano il perimetro di un labirinto senza uscita, trasformando il silenzio in una minaccia matematica e la distorsione nell'unico linguaggio possibile per descrivere il collasso del futuro. Profondo. MS

Versione Inglese:

SEDDOK – Geometrie Nere 2
Lizard Records
Genre: Avant-Prog
Format: CD / Digital – 2026

The Seddok project was born as a sophisticated and dark offshoot of the Italian Avant-Prog / RIO (Rock In Opposition) scene. The name itself is an homage to B-movie horror and science fiction (Dr. Seddok from the film "Seddok, l'erede di Satana"), immediately emphasizing an aesthetic tied to mystery and deformation.
The band formed around the vision of A.T. La Morte (bass), Marco Nepi (guitar), and Enzo P. Zeder (synthesizers and drums). In 2022, they released the first "Geometrie Nere", an instrumental concept inspired by the works of Venetian painter Emilio Vedova. That record redefined their sound: heavy, eclectic, and barrier-free, with distinct Zeuhl influences. As the years passed, the trio pushed electronic and industrial components to the extreme, leading to the release of the second volume entitled "Geometrie Nere 2". While the first volume was a tribute to pictorial art, this second chapter shifts toward more dystopian and futuristic territories.
The album continues the structure of "movements" typical of their style, while expanding the sonic palette.
The album is composed of four sonic movements, starting with "Movimento 0201", an opening dominated by Zeder’s modular synthesizers. This track builds a slow, almost claustrophobic tension, introducing the listener to a totally synthetic soundscape. The pitch-black sound practically plunges into the horrific. Its progression finds a sense of quiet, but a rhythmic, spiritual... damned quiet.
In "Movimento 0202", Marco Nepi's guitar comes into play with angular and mathematical riffs. The track is more dynamic and recalls the tighter sounds of Rock In Opposition. Unlike traditional Post-Punk, the rhythm here is governed by a mathematical and odd-time logic. The drums (or processed drum machine) do not follow a reassuring beat but proceed through jolts, sudden stops, and restarts. It is a rhythm that could be defined as "mechanical-organic"; it sounds like a gear about to break that, by some engineering miracle, continues to spin dizzyingly. Marco Nepi's guitar is the true protagonist of this movement. Do not expect solos or open chords; here the guitar is used as a metallic percussion instrument. It produces sharp, "scratched," and dissonant riffs reminiscent of the geometries of Red-era King Crimson, but filtered through a much filthier industrial lens. A.T. La Morte’s bass acts as a glue, but an acidic one. In practice, it is a claustrophobic escape.
"Movimento 0203", after an unsettling and whispered narration, sets off on an acidic and at times psychedelic track, laid out over a broken rhythm. It is here that the Zeuhl influence emerges, yet stripped of its operatic component and filled with cybernetic nihilism.
The album concludes with "Movimento 0204". Here, Seddok use this finale to suggest that, once all geometries (the rules, the structures, the mathematical logics) have been explored, nothing remains but a return to chaos or absolute silence.
"Geometrie Nere 2" is thus an architecture of sonic concrete rising from the ruins of Prog to become a flesh-and-blood algorithm. Here, the obsessive bass and modular synthesizers draw the perimeter of a labyrinth with no exit, transforming silence into a mathematical threat and distortion into the only possible language to describe the collapse of the future.
Deep. MS

  

Curiosità Villa Pamphili: I concerti

CURIOSITA’ CONCERTI VILLA PAMPHILI

Di Massimo Salari

 

 

Il Festival Pop di Villa Pamphili è considerato da molti la vera "Woodstock italiana". Si tenne a Roma in due edizioni principali, nel 1972 e nel 1974, e rappresentò il momento di massima esplosione del Rock Progressivo nel nostro Paese.

L'edizione del maggio 1972 fu colossale. Si stima che arrivarono circa 100.000 persone, una cifra impensabile per l'epoca. Il biglietto costava appena 300 lire (il cosiddetto "prezzo politico") e il prato della villa si riempì di ragazzi con sacchi a pelo, dando vita a una tre giorni di musica e controcultura.

 Lo scontro generazionale: Il caso Bobby Solo

Uno degli episodi più famosi riguarda Bobby Solo. In quegli anni c'era una netta divisione tra la "vecchia guardia" della melodia italiana e il nuovo rock impegnato. Quando Bobby Solo salì sul palco, il pubblico, che voleva solo sperimentazione e Prog, lo contestò duramente con fischi e lanci di zolle di terra, impedendogli di finire l'esibizione. Era il segno che i tempi erano cambiati.

I Van Der Graaf Generator e il calcio

L'ospite internazionale più atteso del 1972 furono gli inglesi Van Der Graaf Generator. Si racconta che, prima di salire sul palco per una performance leggendaria, i membri della band si misero tranquillamente a giocare a pallone sul prato in mezzo ai fan, abbattendo ogni barriera tra "star" e pubblico.

 

Il mistero del lago prosciugato

Circolò una leggenda metropolitana secondo cui i "capelloni" presenti avessero prosciugato il laghetto della villa per qualche rito o necessità. In realtà, fu il Comune di Roma a svuotarlo preventivamente per evitare che qualcuno, nella foga o per il caldo, vi annegasse o causasse incidenti.

 

Ma Villa Pamphili fu soprattutto il trampolino di lancio definitivo per molte band:
Il Banco del Mutuo Soccorso tenne una delle sue esibizioni più iconiche, consolidando il mito della voce di Francesco Di Giacomo.
Parteciparono gruppi come Le Orme, Osanna, New Trolls e i The Trip (con un giovanissimo Joe Vescovi).
Nell'edizione del 1974 apparve anche un giovanissimo Richard Benson (nella sua fase prog con i Bauhaus) e i Soft Machine.
La vicinanza di Villa Pamphili alla Santa Sede creò non pochi problemi. Il Vaticano e la stampa conservatrice lanciarono duri anatemi contro il festival, descrivendolo come un covo di perdizione, droga e nudismo. Gli organizzatori dovettero lottare duramente contro la burocrazia per ottenere i permessi.
L'edizione del 1974 fu meno fortunata a causa della pioggia e della concorrenza imprevista: molti non andarono al festival perché in televisione c'era il tentativo di record di immersione di Enzo Maiorca e il derby Roma-Lazio. Nonostante ciò, il festival confermò Roma come capitale del Prog italiano.
L'organizzazione era così spartana che spesso mancava il cibo per i musicisti. Si racconta che i membri del Banco del Mutuo Soccorso, dopo ore di attesa sotto il sole, videro passare un vassoio di polpette destinato a un'altra band (alcuni dicono i The Trip). In un momento di goliardia e fame nera, riuscirono a "intercettare" il vassoio dietro le quinte, scatenando una mezza rissa culinaria tra Prog-band rivali prima di salire sul palco.

Nell'edizione del 1974, un giovanissimo Richard Benson si esibì con il suo gruppo dell'epoca, i Bauhaus. Benson era già un personaggio eccentrico: si presentò con una parrucca lunghissima, calze a rete e un atteggiamento provocatorio. Il pubblico di Villa Pamphili, che era molto "militante" e poco incline ai travestimenti glam, iniziò a bersagliarlo con tutto ciò che capitava a tiro. Lui, invece di scendere, continuò a suonare con arroganza, alimentando quel rapporto di "amore-odio" con i fan romani che sarebbe durato per tutta la sua vita.
Le forze dell'ordine rimasero per lo più all'esterno della villa, temendo che un intervento massiccio potesse scatenare una rivolta (erano anni caldissimi). Gli agenti descrissero nei rapporti una "nuvola persistente" che aleggiava sopra la valle della villa, dovuta non solo al fumo delle sigarette ma all'uso massiccio di hashish e marijuana. Fu uno dei primi casi in Italia in cui la polizia decise di "chiudere un occhio" per evitare il peggio, rendendo di fatto Villa Pamphili una zona franca per tre giorni.

 
Invece il palco del 1972 era una struttura precaria fatta di tubi Innocenti (quelli da cantiere) e tavolacci di legno. Ogni volta che una band come la PFM o gli Osanna iniziava a saltare per il ritmo, l'intera struttura oscillava paurosamente. I tecnici di palco passavano metà del tempo a stringere bulloni mentre i musicisti suonavano, temendo che il "muro del suono" facesse crollare tutto sui primi spettatori.
Si dice che durante l'edizione del '72, un pianoforte a coda portato con immensa fatica fin sopra il prato fosse rimasto danneggiato dalla pioggia e dall'umidità notturna. Invece di riportarlo indietro (operazione costosa e faticosa), girò voce che alcuni roadies lo avessero letteralmente abbandonato o "sepolto" simbolicamente sotto una coltre di rifiuti e terra alla fine del festival, come un monumento decaduto alla musica classica che lasciava il posto al Rock.
 
Le Orme portarono a Villa Pamphili uno dei primi sintetizzatori Moog arrivati in Italia. A causa del calore estremo del pomeriggio e dei cali di tensione del generatore elettrico del festival, lo strumento continuava a scordarsi o a emettere sibili lancinanti non previsti. Tony Pagliuca dovette lottare con le manopole per tutto il concerto, trasformando un difetto tecnico in una performance d'avanguardia che il pubblico scambiò per pura genialità sperimentale.

 
Villa Pamphili fu davvero un momento irripetibile: un mix di fango, genialità, mancanza di fondi e utopia, ma anche “caciara” politica, contestazioni e altro che non sarebbe stato proprio “peace and love”! Ti immagini oggi un festival con 100.000 persone gestito con i tubi dei ponteggi e le polpette rubate?

 

Tratto dal blog VERSO LA STRATOSFERA (che ringrazio), potrete scaricare i due CD che testimoniano l'evento: 

 
Link cd1: https://mega.nz/file/GQtRjBjZ#XZGUyVs7VyclN0QioDGfUGclMYlj0WrR0ZmZW9YDN60
 
Link cd2: https://mega.nz/file/7dFDUAhb#XT-1HANQZ2sOfVzy5XiFbtySz6ULJhIcCp_ZPfURx4k 

Versione Inglese:

CURIOSITIES: THE VILLA PAMPHILI CONCERTS

By Massimo Salari

 
The Villa Pamphili Pop Festival is considered by many to be the true "Italian Woodstock." Held in Rome across two main editions in 1972 and 1974, it represented the peak of the Progressive Rock explosion in our country.
The May 1972 edition was colossal. It is estimated that around 100,000 people attended—an unthinkable figure for the time. Tickets cost just 300 lire (the so-called "political price"), and the villa's meadows were filled with young people in sleeping bags, giving life to a three-day celebration of music and counterculture.
 

The Generational Clash: The Bobby Solo Case

One of the most famous episodes involves Bobby Solo. In those years, there was a sharp divide between the "old guard" of Italian melody and the new "committed" rock scene. When Bobby Solo took the stage, the audience—craving only experimentation and Prog—harshly contested him with boos and by throwing sods of earth, preventing him from finishing his set. It was a clear sign that times had changed.
 

Van Der Graaf Generator and Football

The most anticipated international guests of 1972 were the English band Van Der Graaf Generator. Legend has it that before taking the stage for a legendary performance, the band members casually played football on the grass among the fans, breaking down every barrier between "stars" and the audience.
 

The Mystery of the Dried-Up Lake

An urban legend circulated that the "long-haired hippies" in attendance had drained the villa’s small lake for some ritual or necessity. In reality, the City of Rome had emptied it beforehand as a precaution to prevent anyone from drowning or causing accidents in the excitement or the heat.
 

A Launchpad for Legends

Villa Pamphili was, above all, the definitive launchpad for many bands:
 Banco del Mutuo Soccorso delivered one of their most iconic performances, cementing the myth of Francesco Di Giacomo’s voice.
 Groups like Le Orme, Osanna, New Trolls, and The Trip (featuring a very young Joe Vescovi) all participated.
 The 1974 edition saw the appearance of a young Richard Benson (during his prog phase with Bauhaus) and Soft Machine.
 

Vatican Backlash and Unexpected Competition

The proximity of Villa Pamphili to the Holy See caused significant issues. The Vatican and the conservative press launched harsh condemnations against the festival, describing it as a den of perdition, drugs, and nudism. Organizers had to fight hard against bureaucracy to secure permits.
 
The 1974 edition was less fortunate due to rain and unexpected competition: many skipped the festival because television was broadcasting Enzo Maiorca’s world record diving attempt and the Roma-Lazio football derby. Despite this, the festival confirmed Rome as the capital of Italian Prog.
The organization was so spartan that food for the musicians was often scarce. It is said that the members of Banco del Mutuo Soccorso, after hours of waiting under the sun, saw a tray of meatballs passing by intended for another band (some say The Trip). In a moment of goliardic hunger, they managed to "intercept" the tray backstage, sparking a minor culinary brawl between rival Prog bands before they hit the stage.
 In the 1974 edition, a young Richard Benson performed with his group at the time, Bauhaus. Benson was already an eccentric character: he showed up in a long wig, fishnet stockings, and a provocative attitude. The Villa Pamphili crowd, which was very "militant" and not fond of glam theatrics, began pelting him with whatever was at hand. Instead of leaving, he continued to play with defiance, fueling the "love-hate" relationship with Roman fans that would last his entire life.
Law enforcement mostly stayed outside the villa, fearing that a massive intervention could spark a riot (these were very heated years). In their reports, officers described a "persistent cloud" hovering over the valley of the villa, caused not only by cigarette smoke but by the massive use of hashish and marijuana. It was one of the first cases in Italy where the police chose to "turn a blind eye" to avoid the worst, effectively turning Villa Pamphili into a free zone for three days.
 
The 1972 stage was a precarious structure made of Innocenti pipes (construction scaffolding) and wooden planks. Every time a band like PFM or Osanna started jumping to the rhythm, the entire structure swayed terrifyingly. Stage technicians spent half the time tightening bolts while the musicians played, fearing the "wall of sound" would collapse the whole thing onto the front row.
 

The "Buried" Piano and the Out-of-Tune Moog

It is said that during the '72 edition, a grand piano—brought to the meadow with immense effort—was damaged by rain and night humidity. Instead of taking it back (a costly and exhausting task), rumors spread that some roadies literally abandoned it or "buried" it symbolically under a layer of trash and earth at the end of the festival, like a fallen monument to classical music giving way to Rock.
Le Orme brought one of the first Moog synthesizers to arrive in Italy to Villa Pamphili. Due to the extreme afternoon heat and power drops from the festival’s generator, the instrument kept going out of tune or emitting unplanned, piercing hisses. Tony Pagliuca had to wrestle with the knobs throughout the concert, turning a technical flaw into an avant-garde performance that the audience mistook for pure experimental genius.
 
Villa Pamphili was truly an unrepeatable moment: a mix of mud, genius, lack of funds, and utopia, but also political "caciara" (chaos), protests, and things that weren't exactly "peace and love"! Can you imagine a festival today with 100,000 people managed with scaffolding pipes and stolen meatballs?

 
Taken from the blog VERSO LA STRATOSFERA, you can download the two CDs documenting the event:
 
Link cd1: https://mega.nz/file/GQtRjBjZ#XZGUyVs7VyclN0QioDGfUGclMYlj0WrR0ZmZW9YDN60
 
Link cd2: https://mega.nz/file/7dFDUAhb#XT-1HANQZ2sOfVzy5XiFbtySz6ULJhIcCp_ZPfURx4k

Alessandro Seravalle: "Quaderni"

 

ALESSANDRO SERAVALLE   "Quaderni"        

(ZEIT INTERFERENCE - LIZARD RECORDS)

 

ZEIT CD 020

barcode: 8003122200206

 

L’origine di questo lavoro va ricercata nell’invito che ricevetti nella tarda primavera del 2022 dal M° Marco Maria Tosolini di partecipare come ospite alla trasmissione da lui ideata La voce di Calliope – dodici incontri con poeti apocalittici e integrati. Tosolini mi chiese di spedirgli qualche testo che avrebbe fatto pervenire alla sede Rai di Trieste spiegandomi che un’attrice, Marzia Postogna, li avrebbe letti durante il programma radiofonico. Una volta che ebbi riascoltato il podcast mi si accese la lampadina. Non potevo esimermi dallo sfruttare la favolosa recitazione dell’attrice. È abbastanza impressionante ascoltare le proprie parole interpretate da qualcun altro, le stesse parole che ti sgorgarono da dentro lette da una voce che non è la tua…

(da Alessandro Seravalle – L’uomo sperimentale di Donato Ruggiero).

...da un punto di vista più strettamente musicale l’opera abbraccia momenti ferreamente determinati (Bambino – Arbui ta fumata – Io?), libere e solitarie improvvisazioni (Skepsis), sostando talvolta in ciò che abita la terra di mezzo tra queste due polarità (Ancora zwischen Dasein – Pachea a Sarvignan – Saggezza vegetale). Una corsa a perdifiato attraverso le righe dei miei quaderni tra chitarre aliene e spesso irriconoscibili, gelida elettronica siderale, sinistri e striscianti suoni biomorfi, allarmanti rumori insinuanti, organi afasici, ipnagogici pianoforti aleatori e, udite udite, pure il buon vecchio mellotron.

 

ALESSANDRO SERAVALLE: elettronica, campionamenti, chitarra elettrica, chitarre elettrica baritona, pedaliera effetti, pianoforte, piano elettrico, organo, mellotron

GIAN PIETRO SERAVALLE: ritmi spezzati su "Arbui ta fumata", missaggio e mastering

MARZIA POSTOGNA: voce recitante

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=xv8o4joucNc

 

 

QUADERNI

 

The roots of this artwork are to be found in the invitation I received from M° Marco Maria Tosolini in the late spring of 2022 for a participation as a guest at the radio show he had conceived named La voce di Calliope – dodici incontri con poeti apocalittici e integrati (Calliope’s voice – twelve encounters with apocalyptic and integrated poets).Tosolini invited me to send him some writings which he would then have delivered to the Rai headquarter in Trieste explaining to me that they would be read by an actress, Marzia Postogna, on the radio show. Once I had played the podcast a light bulb went off in my head. I couldn’t help but to capitalize on the amazing performance of the actress herself. It’s quite impressing to listen your own words performed by someone else, the same words that once gushed out of you from the inside read by a voice which is not your own’s one…

(from Alessandro Seravalle – L’uomo sperimentale by Donato Ruggiero).

...from a more strictly musical standpoint the artwork embraces fully highly determined moments (Bambino – Arbui ta fumata – Io?),free and solitary improvisations (Skepsis), sometimes lingering in the middle ground between these two poles (Ancora zwischen Dasein – Pachea a Sarvignan – Saggezza vegetale). A headlong rush through the lines of my notebooks among alien and often unrecognizable guitars, chilling sidereal electronics, spooky and creepy biomorphic sounds, alarming and insinuating noises, aphasic organs, hypnagogic aleatory pianos and, hear ye hear ye, the good old mellotron as well.

Guida alla Scuola Di Canterbury

GUIDA ALLA SCUOLA DI CANTERBURY

Di Massimo Salari

Wild Flowers -1965

 

In questo piccolo speciale voglio consigliare l’ascolto di un genere che nasce apparentemente datato e da "figli dei fiori", ma che in realtà ha molti proseliti ancora oggi: la Scuola di Canterbury. Un breve cenno storico e, a seguire, i consigli per l’ascolto.
La Scuola di Canterbury (o Canterbury Scene) non è un’accademia fisica, ma uno dei movimenti musicali più affascinanti, cerebrali e "inglesi" della storia del Rock. Nata tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70 nell'omonima cittadina del Kent, rappresenta l'incontro perfetto tra psichedelia, Jazz, Rock Progressivo e un senso dell'umorismo tipicamente britannico. Tutto ha inizio con un unico gruppo seminale: i Wilde Flowers (fondati nel 1964). Sebbene non abbiano mai pubblicato un album durante la loro attività, tra i loro ranghi sono passati quasi tutti i futuri giganti del genere: Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Pye Hastings e Richard Sinclair. Dallo scioglimento di questa band nacquero i due pilastri della scena: i Soft Machine (orientati verso la sperimentazione d'avanguardia e il jazz-rock) e i Caravan (più vicini alla melodia, al folk e a un prog pastorale). La musica di Canterbury è immediatamente riconoscibile per alcuni elementi distintivi: l'uso dell'organo Hammond (spesso un Lowrey o un Hammond) passato attraverso pedali fuzz per creare un suono graffiante ma caldo (tipico di Mike Ratledge o Dave Stewart); il grande uso di tempi dispari e strutture jazzistiche, pur mantenendo un'attitudine rock. In più, a differenza del Prog magniloquente (come quello degli Emerson, Lake & Palmer), la Scuola di Canterbury preferisce testi surreali, ironici, a tratti infantili o nonsense. La voce di Robert Wyatt, fragile e malinconica, ne è l'emblema. L'improvvisazione e una forte componente jazzistica permettono ai brani di dilatarsi in lunghe suite strumentali. 

La Scuola di Canterbury è stata fondamentale perché ha dimostrato che il Rock poteva essere colto e complesso senza diventare necessariamente pomposo o autocelebrativo. Ha influenzato il Jazz-Rock moderno, l'Avant-Prog (movimento RIO - Rock In Opposition) e persino gruppi indie moderni che amano l'uso di fiati e strutture non convenzionali. In definitiva, ascoltare la Scuola di Canterbury significa fare un viaggio in una provincia inglese onirica dove, tra una tazza di tè e un assolo di organo distorto, la musica diventa pura esplorazione intellettuale.

CONSIGLI PER L'ASCOLTO: 

Soft Machine: Il loro debutto omonimo e "Volume Two" sono capisaldi della psichedelia jazzata. Con l'album “Third”, la band raggiunse l'apice del Jazz-Rock sperimentale europeo.

Caravan: Rappresentano il lato più melodico. Il loro capolavoro è “In The Land Of Grey And Pink” (1971), un disco intriso di atmosfere fiabesche e tecnica sopraffina.

Con il passare degli anni, i musicisti iniziarono a scambiarsi continuamente di ruolo, creando formazioni leggendarie:

Gong: Fondati da Daevid Allen, portarono la scena verso lo spazio profondo ("Space Rock") e la mitologia hippy dei "Pot Head Pixies". Album consigliato: “Angel’s Egg”.
Hatfield And The North: Il supergruppo definitivo della scena. La loro musica è un puzzle incredibilmente complesso di incastri melodici. Album consigliato: “The Rotters' Club”.

National Health: La naturale prosecuzione degli Hatfield, ancora più vicini alla musica contemporanea e al Jazz fusion.

Egg: Un trio guidato dal tastierista Dave Stewart. La loro musica è rigorosa, quasi accademica, fortemente influenzata dalla musica classica contemporanea (Stravinskij) ma suonata con un'attitudine Rock.

Gilgamesh: Guidati dal tastierista Alan Gowen, rappresentano il lato più vicino alla Jazz fusion soffusa e raffinata. Hanno collaborato strettamente con i National Health.

Quiet Sun: La band giovanile di Phil Manzanera (poi chitarrista dei Roxy Music). Il loro album “Mainstream” è un gioiello di energia e tecnica, registrato anni dopo lo scioglimento originario.

Henry Cow: Pur essendo nati a Cambridge, sono strettamente legati alla scena. Rappresentano l'ala più politica, ostica e d'avanguardia. Se cerchi improvvisazione pura e strutture atonali, sono il punto di riferimento.

Matching Mole: Il gruppo fondato da Robert Wyatt dopo aver lasciato i Soft Machine. Il nome è un gioco di parole (calembour) sulla traduzione francese di Soft Machine: "Machine Molle". Il loro suono è un mix perfetto di malinconia e Jazz sperimentale.

Delivery: Una delle band formative della scena, in cui militavano Steve Miller e la cantante Pip Pyle. Furono il nucleo da cui nacquero poi molti altri progetti di Canterbury.

Khan: Un progetto di breve durata guidato dal chitarrista Steve Hillage (prima che si unisse ai Gong). Il loro unico album, “Space Shanty”, è un capolavoro di Prog chitarristico spaziale.

In Cahoots: Fondati dal chitarrista Phil Miller dopo l'esperienza con i National Health, hanno portato il suono di Canterbury fino agli anni '80 e '90, con un approccio molto orientato al Jazz moderno.

Bruford (primo periodo): Bill Bruford, storico batterista di Yes e King Crimson, per il suo primo album solista “Feels Good to Me” attinse a piene mani dai musicisti di Canterbury (Dave Stewart, Annette Peacock), creando un ponte tra il Prog "mainstream" e la scena del Kent.

Versione Inglese:

A GUIDE TO THE CANTERBURY SCENE

 

By Massimo Salari

 Wild Flowers - 1965

 
In this short special, I want to recommend listening to a genre that may seem dated and a product of the "flower power" era, but which in reality still has many followers today: the Canterbury Scene. Here is a brief historical overview followed by some listening recommendations.
The Canterbury Scene is not a physical academy, but one of the most fascinating, cerebral, and "English" musical movements in the history of Rock. Born between the late '60s and early '70s in the town of the same name in Kent, it represents the perfect encounter between psychedelia, Jazz, Progressive Rock, and a typically British sense of humor. It all began with a single seminal group: the Wilde Flowers (founded in 1964). Although they never released an album during their activity, almost all the future giants of the genre passed through their ranks: Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Pye Hastings, and Richard Sinclair. From the dissolution of this band, the two pillars of the scene were born: Soft Machine (oriented toward avant-garde experimentation and jazz-rock) and Caravan (closer to melody, Folk, and a pastoral Prog). Canterbury music is immediately recognizable by several distinctive elements: the use of the Hammond organ (often a Lowrey or a Hammond) run through fuzz pedals to create a rasping yet warm sound (typical of Mike Ratledge or Dave Stewart); the extensive use of odd time signatures and jazz structures, while maintaining a rock attitude. Furthermore, unlike magniloquent Prog (such as that of Emerson, Lake & Palmer), the Canterbury Scene prefers surreal, ironic, and sometimes childish or nonsense lyrics. The voice of Robert Wyatt, fragile and melancholy, is its emblem. Improvisation and a strong jazz component allow the tracks to expand into long instrumental suites.
The Canterbury Scene was fundamental because it proved that Rock could be cultured and complex without necessarily becoming pompous or self-indulgent. It influenced modern Jazz-Rock, Avant-Prog (the RIO - Rock In Opposition movement), and even modern indie groups that favor the use of brass and unconventional structures. Ultimately, listening to the Canterbury Scene means taking a journey into a dreamlike English province where, between a cup of tea and a distorted organ solo, music becomes pure intellectual exploration.
 

LISTENING RECOMMENDATIONS:

 
Soft Machine: Their self-titled debut and "Volume Two" are milestones of jazzy psychedelia. With the album “Third”, the band reached the pinnacle of European experimental Jazz-Rock.
 
Caravan: They represent the more melodic side. Their masterpiece is “In The Land Of Grey And Pink” (1971), a record steeped in fairytale atmospheres and superb technique.
 
As the years went by, musicians began to constantly swap roles, creating legendary lineups:
 
Gong: Founded by Daevid Allen, they took the scene toward deep space ("Space Rock") and the hippy mythology of the "Pot Head Pixies". Recommended album: “Angel’s Egg”.
 
Hatfield And The North: The definitive supergroup of the scene. Their music is an incredibly complex puzzle of melodic intersections. Recommended album: “The Rotters' Club”.
 
National Health: The natural continuation of Hatfield, even closer to contemporary music and Jazz fusion.
 
Egg: A trio led by keyboardist Dave Stewart. Their music is rigorous, almost academic, strongly influenced by contemporary classical music (Stravinsky) but played with a Rock attitude.
 
Gilgamesh: Led by keyboardist Alan Gowen, they represent the side closest to soft and refined Jazz fusion. They collaborated closely with National Health.
 
Quiet Sun: The early band of Phil Manzanera (later the guitarist for Roxy Music). Their album “Mainstream” is a gem of energy and technique, recorded years after the original breakup.
 
Henry Cow: Although born in Cambridge, they are closely linked to the scene. They represent the more political, challenging, and avant-garde wing. If you are looking for pure improvisation and atonal structures, they are the gold standard.
 
Matching Mole: The group founded by Robert Wyatt after leaving Soft Machine. The name is a play on words (calembour) based on the French translation of Soft Machine: "Machine Molle". Their sound is a perfect mix of melancholy and experimental Jazz.
 
Delivery: One of the formative bands of the scene, featuring Steve Miller and singer Pip Pyle. They were the nucleus from which many other Canterbury projects were born.
 
Khan: A short-lived project led by guitarist Steve Hillage (before he joined Gong). Their only album, “Space Shanty”, is a masterpiece of spacey guitar-driven Prog.
 
In Cahoots: Founded by guitarist Phil Miller after his experience with National Health, they carried the Canterbury sound into the '80s and '90s with an approach heavily oriented toward modern Jazz.
 
Bruford (early period): Bill Bruford, the legendary drummer for Yes and King Crimson, drew heavily from Canterbury musicians (Dave Stewart, Annette Peacock) for his first solo album “Feels Good to Me”, creating a bridge between "mainstream" Prog and the Kent scene.