Deus Ex Machina, il Prog latino

DEUS EX MACHINA

Di Max Salari

 
Nel panorama italico del Progressive Rock abbiamo ascoltato molta qualità e tanta storia. Generalmente quando si nomina questo genere, vengono alla mente i soliti noti degli anni ’70 che, giustamente, hanno reso questo panorama unico e grandioso anche agli occhi del mondo. Eppure anche negli anni ’80 e ’90 abbiamo avuto band clamorose, purtroppo il problema è che sono uscite nel momento in cui il genere ha stentato a riprendere. Malgrado tutto si sono fatte largo a spallate nel contesto e alcune hanno lasciato un segno indelebile, poi si sa… Il tempo è sempre galantuomo.
Una di queste si chiama Deus Ex Machina:

Sono indubbiamente una delle realtà più straordinarie, colte e rigorose del panorama Progressive e Jazz Rock italiano (e internazionale) degli ultimi trentacinque anni. Nati a Bologna alla fine degli anni '80, hanno saputo tracciare un percorso unico, dove la complessità strabiliante della musica si sposa perfettamente con una scelta lirica radicale e affascinante: l'uso del latino per tutti i loro testi.
La formazione base è composta nel 1991 da Mauro Collina (chitarra), Alessandro Porreca (basso), Luigi Ricciadiello (tastiere), Marco Matteuzzi (batteria, percussioni), Alessandro Bonetti (violino), e Alberto Piras (voce).
Lungi dall'essere un mero espediente intellettualistico o una bizzarria goliardica, il latino nei Deus Ex Machina è uno strumento ritmico e fonetico essenziale, dove la durezza, le inversioni e la metrica della lingua classica si incastrano alla perfezione con i tempi dispari e le continue sincopi della loro musica, creando un impatto espressivo primordiale e modernissimo al tempo stesso.
Definire il loro stile semplicemente come "Prog" è riduttivo. La proposta dei Deus Ex Machina è un Jazz Prog Fusion iper-tecnico, violentemente energetico e totalmente refrattario alle melodie facili o rassicuranti, consigliato agli amanti degli Area e di Frank Zappa. Piras è la ciliegina sulla torta grazie alla sua voce poderosa e pulita. Possiede un'estensione impressionante e una potenza drammatica fuori dal comune. Non si limita a cantare in latino, lo declama, lo urla, lo frammenta in vocalizzi acrobatici che ricordano la libertà espressiva di Stratos, senza mai perdere il controllo dell'intonazione su strutture ritmiche che farebbero tremare i polsi a chiunque.

 

LA DISCOGRAFIA IN STUDIO

Gladium Caeli (Drums Edizioni Musicali / Kaliphonia – 1991 / 1994)

 
Pubblicato originariamente nel 1991 questo lavoro non è semplicemente il loro album d'esordio ma è il manifesto programmatico, un'autentica opera Rock che ha ridefinito i confini del sinfonismo e della fusion d'avanguardia in Italia nei primi anni Novanta.
Immaginate una band esordiente che si presenta sul mercato con un concept strutturato, brani dalla complessità a tratti disarmante e testi cantati interamente in latino… Di per se un debutto incredibile. È l'album che fece gridare al miracolo la critica specializzata dell'epoca, tracciando una linea di demarcazione netta rispetto al Neo Prog più derivativo e romantico di quegli anni. Dal punto di vista prettamente musicale, Gladium Caeli è un terremoto energetico. Sebbene la componente Jazz-Rock/Fusion che caratterizzerà i lavori successivi sia già presente (soprattutto nell'interplay funambolico tra violino e chitarra), qui c'è una forte e drammatica componente sinfonica. Qualcuno descrisse l'impatto di questo lavoro come se la solennità mitologica di Richard Wagner incontrasse le asperità geometriche dei King Crimson epoca “Red”, il tutto filtrato dall'estro ritmico di Frank Zappa.
L'uso dei sintetizzatori d'epoca e dell'organo crea trame fitte e oscure, su cui il violino di Bonetti disegna arabeschi impazziti e la chitarra di Collina scarica riff taglienti.
L'album non concede un attimo di tregua e si sviluppa attraverso pezzi lunghi e articolati, dove i cambi di tempo e di atmosfera sono continui. Nella tracklist spiccano veri e propri monumenti sonori fra i quali cito: “Expergi”, “Arbor”, “Gladium Caeli”, e “Omnia Evolvitur Sed Potest Mutari”.

Deus Ex Machina (Kaliphonia – 1992)

 
In questo secondo capitolo si assiste a una mutazione genetica cruciale, la band abbandona in parte quelle frammentazioni e quelle aperture puramente sinfonico-romantiche dell'esordio per abbracciare un sound molto più compatto, spigoloso e d'avanguardia. È il disco che li proietta definitivamente verso territori Hard Fusion e Jazz Prog, con un'attitudine che scardina i cliché del progressive classico degli anni Novanta. Dal punto di vista della formazione, questo album segna un passaggio fondamentale, dietro le pelli siede per la prima volta Claudio Trotta. Il suo ingresso non è un semplice cambio di personale, ma una rivoluzione ritmica, dove la sua batteria, precisissima ma dotata di una potenza e di un dinamismo quasi dionisiaci, diventa il motore perfetto per assecondare le partiture sempre più geometriche e complesse della band, creando un interplay devastante con il basso di Alessandro Porreca.
Ogni brano si sviluppa attorno a un nucleo tematico forte, una singola idea portante che viene poi sviscerata, decostruita e riarrangiata con una cura maniacale per i dettagli.
Il risultato è un disco apparentemente più ostico e dissonante al primo ascolto, ma straordinariamente coeso. Le atmosfere si fanno più tese e scure, quasi a lambire l'avanguardia e il rock iconoclasta degli Area o dei King Crimson più duri.
Con questo album, i Deus Ex Machina chiarirono al mondo che il Rock Progressivo degli anni '90 poteva essere qualcosa di totalmente diverso, non nostalgia degli anni '70, ma una musica proiettata nel futuro, colta, ostica, fieramente indipendente e dotata di un'energia esecutiva quasi dionisiaca.

De Repubblica (Kaliphonia – 1995)

 
 
Nel 1995 i Deus Ex Machina pubblicano quello che, per consenso unanime di critica e pubblico, è considerato il loro zenit creativo e un capolavoro assoluto del Prog moderno: “De Republica”.
Qui la spinta Hard Fusion geometrica dell'album omonimo e la magniloquenza sinfonica dell'esordio trovano qui una sintesi miracolosa. Non a caso è il disco che li ha sdoganati definitivamente all'estero, consolidando la loro fama di unici e legittimi eredi di quella stagione gloriosa e senza compromessi che negli anni '70 fu guidata dagli Area.
Il titolo non lascia spazio a dubbi, l'album è un concept liberamente ispirato al “De Re Publica” di Cicerone, ma riletto con una sensibilità contemporanea. Dal punto di vista esecutivo, De Republica è un vero e proprio saggio di bravura, dove la sezione ritmica formata da Alessandro Porreca e Claudio Trotta, ancora una volta compie autentici miracoli di equilibrismo su metriche impossibili e continui stop-and-go. Sopra questo motore micidiale, le tastiere di Luigi Ricciardiello, la chitarra di Maurino Collina e il violino di Alessandro Bonetti tessono trame di una densità spaventosa, dialogando e rincorrendosi in contrappunti che uniscono l'energia del Rock alla complessità della musica d'avanguardia. Su tutto, domina la voce teatrale, stentorea e drammatica di Alberto Piras, la cui performance in questo disco tocca vette interpretative che ricordano la totale libertà espressiva e l'uso dello strumento-voce tipico di Demetrio Stratos.
 

Equilibrismo Da Insofferenza (Kaliphonia – 1998)

È un album dominato, come suggerisce il titolo stesso, da un costante senso di precarietà e di sfida, un camminare sul filo del rasoio sospesi tra un Jazz Rock d'assalto e l'avanguardia più radicale.
Qui risiede una parziale asciugatura delle trame tastieristiche più sinfoniche a favore di un sound più secco, quasi "live in studio", dove ogni strumento è esposto nella sua cruda realtà.
Non ci sono quasi più punti di riferimento o metriche lineari a cui aggrapparsi, il tempo viene continuamente dilatato, spezzato e ricomposto. Su questa griglia ritmica instabile, il violino di Alessandro Bonetti e la chitarra di Maurino Collina si muovono come lame, disegnando contrappunti sghembi, spigolosi, debitori tanto della musica contemporanea quanto del Rock più iconoclasta (vedi King Crimson periodo “Discipline”).
In questo contesto di perenne "insofferenza" e tensione, la performance di Alberto Piras si fa ancora più acrobatica ed esasperata. Il latino non è più solo la lingua del concept colto, ma diventa pura materia fonetica da plasmare. Piras urla, sussurra, frantuma le sillabe, si lancia in vocalizzi schizoidi che sfidano le leggi della fisica polmonare, perfettamente integrato nei continui stop-and-go della band.
Equilibrismo da un'estremità all'altra è un disco fiero, ostico e spiazzante. Non è un ascolto facile e, all'epoca della sua uscita, divise anche una parte del pubblico Progressive più tradizionalista, ma  distanza di tempo rimane una testimonianza clamorosa di coraggio artistico. “Equilibrismo Da Insofferenza” resta un fermo immagine di una band all'apice della propria perizia tecnica che, invece di adagiarsi sulla formula vincente di “De Republica”, sceglie la strada più difficile, preferendo l'instabilità del filo teso alla sicurezza del terreno conosciuto. Sicuramente un album di puro e intransigente artigianato sonoro.

 

Cinque (Cuneiform Records – 2002)

 
 
La grande novità di questo album risiede nell'arricchimento della tavolozza sonora. Accanto al nucleo storico formato da Alberto Piras (voce), Maurino Collina (chitarra), Alessandro Bonetti (violino), Claudio Trotta (batteria) e Alessandro Porreca (basso), fa il suo ingresso stabile alle tastiere Fabrizio Puglisi, musicista di estrazione squisitamente jazzistica.
Ma il vero valore aggiunto è la presenza di una vera e propria sezione fiati (con ospiti al sax e alla tromba). Questo inserimento sposta l'asse del sound strizzando l'occhio ai grandi ensemble della Scena di Canterbury come i National Health o i Hatfield And The North e al Frank Zappa orchestrale di “Grand Wazoo”. Di conseguenza il sound si fa più ricco, stratificato, accattivante e dinamico.
Si può godere altresì della voce di Alberto Piras che compie un lavoro straordinario, pur mantenendo i suoi proverbiali acuti e la declamazione teatrale in latino, si concede linee melodiche più aperte, quasi liriche, assecondando la natura più solare e d'ampio respiro dei brani. L'interplay tra il violino di Bonetti, la chitarra di Collina e i nuovi ricami pianistici di Puglisi crea un tessuto fusion di eleganza sopraffina.
“Cinque” è il disco che ha consacrato i Deus Ex Machina oltreoceano. La distribuzione e la promozione della Cuneiform Records permisero alla band di essere invitata come nome di punta al NEARfest nel 2002 (uno dei festival di Progressive Rock più importanti al mondo, negli Stati Uniti), dove la loro esibizione lasciò il pubblico americano letteralmente sbalordito.

Imparis (Cuneiform Records – 2008)

 
 
E’ un progetto ibrido (CD + DVD) concepito per catturare la band in una dimensione a loro congeniale, quella del live, arricchita però da materiale d'archivio inedito e da nuove registrazioni in studio. Il titolo stesso, “Imparis”, gioca sulla natura asimmetrica dispari della loro musica e sulla straordinarietà di questa pubblicazione.
La parte audio è un vero e proprio gioiello per i collezionisti e gli appassionati, il nucleo centrale è costituito dalle registrazioni live effettuate durante il loro trionfale tour in Giappone nel 2005, precisamente al Taro Mitani.
Il DVD allegato è un documento storico di valore inestimabile e contiene la ripresa integrale del concerto al NEARfest 2002 negli Stati Uniti, estratti del concerto in Giappone e interviste e filmati di backstage che svelano il lato più umano, ironico e zappiano dei musicisti bolognesi, da sempre lontani dagli atteggiamenti divistici.

 

Devoto (Cuneiform Records – 2016)

 
 
Con “Devoto” si chiude (almeno per il momento) la parabola discografica dei Deus Ex Machina. Esso è una sontuosa sintesi di trent'anni di carriera e dimostra come il tempo non abbia minimamente scalfito l'ardore e l'intransigenza artistica della band, capace di tornare sulle scene con una freschezza, una potenza e una lucidità compositiva che hanno lasciato sbalorditi critica e appassionati. L’album compie una decisa inversione di rotta dal punto di vista degli arrangiamenti, a sorpresa si presentano meno fiati.
Alle tastiere, come ospite d'eccezione, troviamo il prezioso apporto di Stefano Passini, ma il baricentro del sound si sposta nuovamente verso un'attitudine marcatamente Rock, elettrica e dinamica. C'è meno opulenza orchestrale e molta più corda, pelle e legno, un sound asciutto, potente, dove ogni strumento viaggia a livelli di interplay spaventosi. Il termine "Devoto" racchiude in sé l'essenza profonda di questa band, è la devozione totale, la fedeltà assoluta a un'idea di musica colta, artigianale, priva di compromessi con le mode o con il mercato.

 
Nel mezzo di questa carriera i Deus Ex Machina escono con due altri lavori: l’EP “Diacronia Metronomiche” (Kaliphonia – 1996) e l’LP ad edizione limitata  “Non Est Ars Quae Ad Effectum Casus Venit” (Kaliphonia Records – 1997).

 

 
Quando la band si scioglie, i singoli membri non restano con le mani in mano, il batterista Claudio Trotta, ad esempio, è da sempre iperattivo nel panorama Jazz, d'avanguardia e nella musica contemporanea (ha suonato con i Testadeporcu, ensemble di sonorizzazioni di film muti e collaborato con diverse formazioni Jazz/Core), così come gli altri musicisti continuano a coltivare la propria immensa tecnica in contesti paralleli, fusion o d'insegnamento.
I Deus Ex Machina rappresentano l'anima più fiera, intransigente e colta del Rock Progressivo italiano, una band che non ha mai accettato compromessi commerciali e che ha dimostrato come una lingua "morta" possa diventare straordinariamente viva, pulsante e Rock. MS

Versione Inglese: 

DEUS EX MACHINA

Experimental and Latin-tinged Italian Prog

Max Salari

 
Within the Italian Progressive Rock landscape, we have listened to immense quality and a wealth of history. Generally, when this genre is mentioned, the usual suspects of the 1970s come to mind—bands that rightfully made this scene unique and magnificent, even in the eyes of the world. Yet, we also had spectacular bands in the '80s and '90s. Unfortunately, the problem was that they emerged at a time when the genre was struggling to find its footing again. Despite everything, they fought their way into the scene, and some left an indelible mark. Then again, as they say... time is always a gentleman.
One of these bands is called Deus Ex Machina.

They are undoubtedly one of the most extraordinary, cultured, and rigorous entities in the Italian (and international) Progressive and Jazz-Rock scene of the last thirty-five years. Born in Bologna at the end of the 1980s, they mapped out a unique path where the staggering complexity of the music perfectly weds a radical and fascinating lyrical choice: the use of Latin for all their lyrics.
The core lineup was formed in 1991 by Mauro Collina (guitar), Alessandro Porreca (bass), Luigi Ricciardiello (keyboards), Marco Matteuzzi (by drums, percussion), Alessandro Bonetti (violin), and Alberto Piras (vocals).
Far from being a mere intellectual gimmick or a lighthearted eccentricity, Latin in Deus Ex Machina is an essential rhythmic and phonetic tool. The harshness, inversions, and metrics of the classical language lock perfectly into the odd time signatures and constant syncopations of their music, creating an expressive impact that is simultaneously primordial and deeply modern.
Defining their style simply as "Prog" is reductive. Deus Ex Machina’s proposition is an hyper-technical, violently energetic Jazz-Prog-Fusion that is totally refractory to easy or comforting melodies—highly recommended for lovers of Area and Frank Zappa. Piras is the icing on the cake, thanks to his powerful and clean voice. He possesses an impressive range and an uncommon dramatic power. He does not just sing in Latin; he declaims it, shouts it, and shatters it into acrobatic vocalizations that recall the expressive freedom of Demetrio Stratos, without ever losing pitch control over rhythmic structures that would make anyone's wrists tremble.

 

THE STUDIO DISCOGRAPHY

 

Gladium Caeli (Drums Edizioni Musicali / Kaliphonia – 1991 / 1994)

 
 
Originally released in 1991, this work is not simply their debut album but their programmatic manifesto—an authentic Rock opera that redefined the boundaries of symphonism and avant-garde fusion in Italy during the early 1990s.
Imagine a debut band entering the market with a structured concept, tracks of an at times disarming complexity, and lyrics sung entirely in Latin... an incredible debut in its own right. It was the album that made the specialized critics of the era cry "miracle," drawing a sharp line of demarcation against the more derivative and romantic Neo-Prog of those years.
From a purely musical standpoint, Gladium Caeli is an energetic earthquake. Although the Jazz-Rock/Fusion component that would characterize their later works is already present (especially in the funambulistic interplay between violin and guitar), there is a strong and dramatic symphonic component here. Some described the impact of this work as if the mythological solemnity of Richard Wagner met the geometric harshness of Red-era King Crimson, all filtered through the rhythmic wit of Frank Zappa.
The use of vintage synthesizers and organ creates dense, dark textures over which Bonetti’s violin draws frantic arabesques and Collina’s guitar unleashes sharp riffs. The album offers no respite, developing through long, articulate tracks with continuous shifts in tempo and atmosphere. Standing out within the tracklist are true sonic monuments, among which I mention: "Expergi", "Arbor", "Gladium Caeli", and "Omnia Evolvitur Sed Potest Mutari".

 

Deus Ex Machina (Kaliphonia – 1992)

 
 
In this second chapter, we witness a crucial genetic mutation. The band partly abandons the fragmentation and purely symphonic-romantic openings of the debut to embrace a much more compact, edgy, and avant-garde sound. This is the record that definitively propels them into Hard-Fusion and Jazz-Prog territories, with an attitude that dismantles the clichés of classic 1990s progressive rock.
From a lineup perspective, this album marks a fundamental transition: sitting behind the skins for the first time is Claudio Trotta. His entry is not a simple change of personnel but a rhythmic revolution. His drumming—extremely precise yet endowed with an almost Dionysian power and dynamism—becomes the perfect engine to drive the band's increasingly geometric and complex scores, creating a devastating interplay with Alessandro Porreca’s bass.
Each track develops around a strong thematic core, a single driving idea that is then dissected, deconstructed, and rearranged with a maniacal attention to detail. The result is an album that seems more demanding and dissonant on first listen, yet is extraordinarily cohesive. The atmospheres grow more tense and dark, almost bordering on the avant-garde and iconoclastic rock of Area or the heaviest King Crimson.
With this album, Deus Ex Machina made it clear to the world that 1990s Progressive Rock could be something entirely different: not nostalgia for the '70s, but a music projected into the future—cultured, challenging, fiercely independent, and charged with an almost Dionysian executive energy.

De Republica (Kaliphonia – 1995)

 
 
 In 1995, Deus Ex Machina released what is universally considered by critics and audiences alike to be their creative zenith and an absolute masterpiece of modern Prog: De Republica. Here, the geometric Hard-Fusion drive of the self-titled album and the symphonic grandiosity of the debut find a miraculous synthesis. Unsurprisingly, it is the record that definitively broke them abroad, consolidating their reputation as the sole and legitimate heirs to that glorious, uncompromising season led by Area in the 1970s.
The title leaves no room for doubt; the album is a concept piece freely inspired by Cicero's De Re Publica, but reinterpreted with a contemporary sensibility. Performance-wise, De Republica is a true masterclass. The rhythmic section of Alessandro Porreca and Claudio Trotta once again performs authentic miracles of balancing over impossible time signatures and continuous stop-and-go patterns.
Above this lethal engine, Luigi Ricciardiello’s keyboards, Maurino Collina’s guitar, and Alessandro Bonetti’s violin weave textures of staggering density, dialoguing and chasing each other in counterpoints that unite the energy of Rock with the complexity of avant-garde music. Above it all dominates the theatrical, stentorian, and dramatic voice of Alberto Piras, whose performance on this record reaches interpretive peaks reminiscent of the total expressive freedom and vocal-instrumentation typical of Demetrio Stratos.
 

 

Equilibrismo Da Insofferenza (Kaliphonia – 1998)

 
 
 
As the title itself suggests, this album is dominated by a constant sense of precariousness and defiance—a tightrope walk suspended between an aggressive Jazz-Rock and the most radical avant-garde. Here lies a partial drying up of the more symphonic keyboard textures in favor of a drier, almost "live in the studio" sound, where every instrument is exposed in its raw reality.
There are almost no reference points or linear metrics to hold onto; time is continually stretched, shattered, and put back together. On this unstable rhythmic grid, Alessandro Bonetti’s violin and Maurino Collina’s guitar move like blades, drawing skewed, angular counterpoints that owe as much to contemporary classical music as they do to iconoclastic Rock (see Discipline-era King Crimson).
In this context of perennial "insofferenza" (intolerance/restlessness) and tension, Alberto Piras’s performance becomes even more acrobatic and exasperated. Latin is no longer just the language of a cultured concept; it becomes pure phonetic matter to be molded. Piras screams, whispers, crushes syllables, and launches into schizoid vocalizations that defy the laws of pulmonary physics, perfectly integrated into the band's continuous stop-and-gos.
Equilibrismo Da Insofferenza  is a proud, challenging, and unsettling record. It is not an easy listen and, at the time of its release, it even divided a portion of the more traditionalist Progressive audience. However, with the passage of time, it remains a striking testament to artistic courage. Equilibrismo Da Insofferenza stands as a freeze-frame of a band at the peak of its technical prowess that, instead of coasting on the winning formula of De Republica, chooses the harder path, preferring the instability of the high wire to the safety of familiar ground. It is, without a doubt, an album of pure and intransigent sonic craftsmanship.

 

Cinque (Cuneiform Records – 2002)

 
 
The great novelty of this album lies in the enrichment of the sonic palette. Alongside the historic core of Alberto Piras (vocals), Maurino Collina (guitar), Alessandro Bonetti (violin), Claudio Trotta (drums), and Alessandro Porreca (bass), Fabrizio Puglisi—a musician of an exquisitely jazz background—makes his permanent entry on keyboards.
But the true added value is the presence of a full-fledged horn section (featuring guest players on saxophone and trumpet). This addition shifts the axis of the sound, tipping its hat to the great ensembles of the Canterbury Scene, such as National Health or Hatfield and the North, and the orchestral Frank Zappa of The Grand Wazoo. Consequently, the sound becomes richer, more layered, captivating, and dynamic.
One can also marvel at the voice of Alberto Piras, who delivers an extraordinary performance. While maintaining his proverbial high notes and theatrical Latin declamation, he allows himself more open, almost lyrical melodic lines, accommodating the brighter, more wide-ranging nature of the tracks. The interplay between Bonetti's violin, Collina's guitar, and Puglisi's new pianistic embroideries creates a fusion tapestry of superlative elegance.
Cinque is the album that consecrated Deus Ex Machina overseas. The distribution and promotion by Cuneiform Records allowed the band to be invited as a marquee headliner at NEARfest in 2002 (one of the world's premier Progressive Rock festivals, held in the United States), where their performance left the American audience literally stunned.

 

Imparis (Cuneiform Records – 2008)

 
 
This is a hybrid project (CD + DVD) designed to capture the band in their most congenial dimension: the live environment, enriched however by unreleased archival material and new studio recordings. The title itself, Imparis, plays on the asymmetric, "odd" nature of their music and the extraordinary character of this release.
The audio portion is a true gem for collectors and enthusiasts; the core consists of live recordings captured during their triumphant 2005 tour of Japan, specifically at the Taro Mitani.
The accompanying DVD is a historical document of invaluable worth. It features the full concert footage from NEARfest 2002 in the United States, excerpts from the Japan concert, alongside interviews and backstage footage that reveal the more human, ironic, and Zappa-esque side of the Bolognese musicians, who have always steered clear of diva-like attitudes.

 Devoto (Cuneiform Records – 2016)

With Devoto, the discographic arc of Deus Ex Machina draws to a close (at least for the time being). It serves as a sumptuous synthesis of a thirty-year career and proves that time has not in the least eroded the band's artistic fervor and intransigence. They proved capable of returning to the scene with a freshness, power, and compositional lucidity that left both critics and fans astonished.
The album takes a sharp turn in terms of arrangements; surprisingly, fewer horns are featured. On keyboards, as an exceptional guest, we find the invaluable contribution of Stefano Passini, but the center of gravity of the sound shifts back toward a decidedly Rock, electric, and dynamic attitude. There is less orchestral opulence and much more string, skin, and wood—a dry, powerful sound where every instrument operates at staggering levels of interplay.
The term "Devoto" (Devoted) encompasses the profound essence of this band: it is total devotion, absolute fidelity to an idea of cultured, handcrafted music, free from compromises with trends or the market.
 
In the midst of this career, Deus Ex Machina also released two other works: the EP Diacronie Metronomiche (Kaliphonia – 1996) and the limited-edition LP Non Est Ars Quae Ad Effectum Casus Venit (Kaliphonia Records – 1997).
 
When the band enters periods of inactivity, the individual members do not sit idle. Drummer Claudio Trotta, for instance, has always been hyperactive in the Jazz, avant-garde, and contemporary music scenes (playing with Testadeporcu, an ensemble specializing in silent film soundtracks, and collaborating with various Jazz/Core outfits), just as the other musicians continue to cultivate their immense technique in parallel fusion contexts or through teaching.
Deus Ex Machina represent the proudest, most uncompromising, and cultured soul of Italian Progressive Rock—a band that never accepted commercial compromises and demonstrated how a "dead" language could become extraordinarily alive, pulsing, and Rock.

Acustic Tri-On

ACUSTIC TRI-ON – Novecento
Danyby
Genere: Jazz Rock
Supporto: CD – 2026

Negli anni ’70 una delle band più interessanti dell’intero panorama italico in ambito Progressive Rock è stata quella dei Jumbo di Alvaro Fella e del chitarrista Daniele Bianchini, purtroppo recentemente scomparso. Collaboratore di Franco Battiato, Bianchini sin dal 1961 ha saputo spaziare in numerosi generi musicali che vanno dall’Hard Rock al Prog, alla Fusion e alla New Age.
Nel 1985 forma il gruppo multimediale Moving Music, concretizzando le esperienze di quegli anni con lo spettacolo “Il Cappello Magico”. Nel 2001 incide il CD “Passing By”, mentre nel 2004 escono il DVD “Jumbo Anthology” e il CD “Poche Parole”.
Ma è nel 2011 che l’artista trova una nuova sintesi con il passaggio alla chitarra acustica pizzicata nel progetto Tri-On, attraverso un'attitudine sperimentale e la potenza del linguaggio Rock. Il trio è composto da Paul Richard Hager (chitarra, basso, tastiere, cori), Dave Vaglia (batteria) e Daniele Bianchini (chitarre, voce).
Fra passato e presente, la sua musica è totale, anche se la veste primaria deriva dal Jazz Prog e il risultato porta il titolo di “Novecento”: otto canzoni con riflessioni sulla pandemia e sull’ombra dei conflitti attuali (l'album fu terminato proprio nei giorni dell'ammassarsi delle truppe ai confini ucraini), che invitano l’ascoltatore a riscoprire l’umiltà, lo studio e la ricerca come uniche armi contro l’arroganza del presente.
La band riesce in un'impresa non facile: prendere la complessità innata del Progressive Rock e spogliarla, distillandola in un assetto prevalentemente acustico senza perdere un briciolo di potenza espressiva o di dinamismo. L'album esplora altresì costellazioni tematiche legate al tempo, all'identità, all'evoluzione scientifica e alla memoria. L'idea portante è che il nostro Presente sia costantemente plasmato dalla storia e che non possa esistere alcun Futuro senza la salvaguardia della memoria del Passato.
Un esempio lampante di questa commistione tra scienza ed etica è il brano "Via Panisperna", chiaramente ispirato alla celebre via romana e alla misteriosa figura del fisico Ettore Majorana, che porta l'ascoltatore a riflettere sul peso e sulle responsabilità della conoscenza umana.
Dal punto di vista sonoro, “Novecento” è un disco per lo più strumentale, caratterizzato da un intreccio organico e fluido tra le due chitarre acustiche e le percussioni, radicato nella sensibilità degli anni '70 ma proiettato in avanti.
L'album è inoltre accompagnato da una guida all'ascolto dettagliata, concepita come parte integrante dell'opera per permettere all'ascoltatore di decodificare i fili concettuali ed emotivi che collegano i vari brani.
Tutto è misurato, riflessivo e controcorrente. In un mercato musicale dominato dall'istantaneità e dall'iperproduzione, i TRI-ON invitano a un ascolto lento, attento e profondo, lasciando un segno indelebile nel panorama del Progressive acustico italiano.
In occasione di questa pubblicazione, è stata creata una pagina di raccolta fondi in memoria di Daniele Bianchini. L'iniziativa nasce per trasformare il ricordo di un artista amato in speranza e futuro per migliaia di persone che hanno bisogno di cure: ogni donazione a EMERGENCY si trasformerà in gesti di pace e assistenza medica gratuita, in Italia e nel mondo. MS

 

Versione Inglese: 

ACUSTIC TRI-ON – Novecento
Danyby
Genre: Jazz Rock
Format: CD – 2026

In the 1970s, one of the most interesting bands on the entire Italian Progressive Rock scene was Jumbo, led by Alvaro Fella and guitarist Daniele Bianchini, who sadly passed away recently. A collaborator of Franco Battiato, Bianchini had been able to span numerous musical genres since 1961, ranging from Hard Rock to Prog, Fusion, and New Age.
In 1985, he formed the multimedia group Moving Music, bringing the experiences of those years to life with the show “Il Cappello Magico”. In 2001, he recorded the CD “Passing By”, while 2004 saw the release of the DVD “Jumbo Anthology” and the CD “Poche Parole”.
But it was in 2011 that the artist found a new synthesis by shifting to the fingerpicked acoustic guitar in the Tri-On project, through an experimental attitude and the power of Rock language. The trio consists of Paul Richard Hager (guitar, bass, keyboards, backing vocals), Dave Vaglia (drums), and Daniele Bianchini (guitars, vocals).
Between past and present, his music is total, even though its primary guise stems from Jazz Prog, and the result is titled “Novecento”: eight songs featuring reflections on the pandemic and the shadow of current conflicts (the album was finished precisely during the days when troops were massing on the Ukrainian borders), inviting the listener to rediscover humility, study, and research as the only weapons against the arrogance of the present.
The band succeeds in a far from easy task: taking the inherent complexity of Progressive Rock and stripping it down, distilling it into a predominantly acoustic arrangement without losing a single fraction of expressive power or dynamism. The album also explores thematic constellations related to time, identity, scientific evolution, and memory. The core idea is that our Present is constantly shaped by history, and that no Future can exist without safeguarding the memory of the Past.
A striking example of this blend of science and ethics is the track "Via Panisperna", clearly inspired by the famous Roman street and the mysterious figure of physicist Ettore Majorana, which leads the listener to reflect on the weight and responsibilities of human knowledge.
From a sonic standpoint, “Novecento” is a mostly instrumental album, characterized by an organic and fluid interplay between the two acoustic guitars and percussion, rooted in the sensitivity of the 1970s but projected forward.
The album is also accompanied by a detailed listening guide, conceived as an integral part of the work to allow the listener to decode the conceptual and emotional threads connecting the various tracks.
Everything is measured, reflective, and counter-current. In a music market dominated by instantaneousness and overproduction, TRI-ON invite us to a slow, attentive, and deep listening experience, leaving an indelible mark on the Italian acoustic Progressive scene.
To mark this release, a fundraising page has been created in memory of Daniele Bianchini. The initiative was born to transform the memory of a beloved artist into hope and a future for thousands of people in need of care: every donation to EMERGENCY will turn into gestures of peace and free medical assistance, in Italy and worldwide. MS

 

 

Uscite Metal Progressive Italiano 2026

 

USCITE METAL PROGRESSIVE ITALIANO 2026

 Di Massimo Max Salari

In questo breve speciale consiglio l’ascolto di cinque album Metal Progressive usciti nel corso del 2026.

 

GABRIELS - Fist of the Seven Stars - Act 5: The Final Conflict

Broken Bones Promotion & Productions

Gabriels (progetto guidato dal tastierista e compositore siciliano Gabriele "Gabriels" Crisafulli), segna il monumentale capitolo conclusivo di una delle saghe concept più ambiziose del panorama metal tricolore.

L'opera porta a compimento la maestosa rilettura in chiave metal sinfonico/Rock opera di Hokuto no Ken (Ken il Guerriero). In particolare, questo quinto atto si concentra sugli eventi drammatici legati alla scoperta dell'Ultimo Generale di Nanto e alla resa dei conti finale tra i fratelli di Hokuto, condensando in musica sacrifici, epicità e pathos drammatico. Dal punto di vista stilistico, l'album è un crocevia ricchissimo dove il Power Metal sinfonico incontra l'AOR, il Progressive Metal e la magniloquenza della Rock Opera vecchio stile anni '80. Come da tradizione per le produzioni di Gabriels, l'album vanta un cast eccezionale, con i cantanti che interpretano veri e propri ruoli teatrali: Ken: Wild Steel, Raoul: Antonio Pecere, Julia: Tsena Stefanova Kercheva, Juza (delle Nuvole): Roberto Tiranti (Labyrinth), Fudo (della Montagna): Dave Dell'Orto, Tou: Monica Marozzi, e Ryaku: Fabio Carmotti. Accanto a Gabriels (tastiere), Brantley Rogers (batteria) e ai bassisti Maletoth e Adrian Hansen, si avvicenda una schiera di chitarristi solisti eccezionali per i vari brani, tra cui Frank Caruso, Dr. Viossy, Antonello Giliberto, Tommy Vitaly, Glauber Oliveira, Emanuele Alessandro e Patrick Fisichella. L'album si sviluppa su 13 tracce per oltre un'ora di durata complessiva.

Un finale di saga coerente, pomposo e dal grande spessore compositivo, imperdibile per gli amanti del metal melodico, del power sinfonico e delle grandi narrazioni in musica.

 

 

VANDERLUST - The Human Farm

Rockshots Records

Il secondo full-length della band segna un'importante evoluzione rispetto al debutto omonimo del 2022, configurandosi come una vera e propria sci-fi Metal opera (o concept album fantascientifico) della durata di circa 47 minuti, dove il gruppo fonde solidità Power Metal, articolazioni Progressive ed elementi Thrash sinfonici.

La storia si svolge in un futuro distopico (attorno al 2500 d.C.). Una razza aliena millenaria, i Coelacanths, offre all'umanità una vita apparentemente perfetta, sicura e agiata, ma con un prezzo terribile: giunti all'età di quarant'anni, gli individui devono essere eliminati.

Centinaia di anni dopo l'inizio di questo accordo, il protagonista (Abe) inizia a mettere in discussione la perfezione del sistema, scoprendo la drammatica verità: l'umanità è stata ridotta a una vera e propria "fattoria emotiva", allevata dagli alieni per raccogliere e consumare i sentimenti e le emozioni umane. Da qui si innesca la scintilla della ribellione, che porta a fughe spaziali, battaglie e a una profonda riflessione esistenziale sul costo reale della libertà rispetto a una gabbia dorata.

I Vanderlust vedono tra le proprie fila musicisti già noti nel panorama underground con trascorsi in band come S91, Il Segno del Comando e Sacredfice: Riccardo "ZP" Morello (voce), Francesco "Franz" Romeggini (chitarre, composizioni), David Cantina (basso), e Giacomo "Giachi" Mezzetti (batteria).

Musicalmente l'album è un passo avanti per la band, che ha saputo arricchire i riff serrati e i richiami a mostri sacri come Megadeth, Vektor o Blind Guardian, con atmosfere futuristiche, orchestrazioni e aperture melodiche drammatiche ispirate al filone Kamelot e Dream Theater.

 

 

PRIMALUCE – Way Of Perfection

Autoproduzione

Dopo il successo di “Dark Mirrors” (2025) e “Metamors” (2025), tornano immediatamente i Primaluce, formazione capitanata dal polistrumentista Stefano Primaluce, a testimonianza di un momento di grande ispirazione creativa.

Attraverso dinamiche mutevoli, “Way Of Perfection” si sviluppa come un concept album che esplora la tensione tra disciplina e istinto, controllo e liberazione, precisione ed emozione. Il lavoro affronta il superamento dei propri limiti e l’eterna lotta tra luce e ombra. La line-up che ha inciso il disco vede Stefano Primaluce (chitarre ritmiche, tastiere, cori, programmazione) affiancato da Andrea Rocchi (chitarra solista e acustica), Marco Adami (basso), Michele Avella (batteria) e Falco alla voce.

Come il genere impone, le dodici tracce variano da mid-tempo diretti a composizioni articolate; non stupisce, dunque, riscontrare sonorità care a icone come Dream Theater e Fates Warning. Nonostante l’uso di tempi dispari e la complessità tecnica, il gruppo non rinuncia mai alla "forma canzone" e a ritornelli piuttosto aperti. In questo contesto, l'uso delle tastiere risulta fondamentale per tessere tappeti sonori che conferiscono profondità ai riff di chitarra più serrati.

Con questo lavoro, i Primaluce regalano un piccolo gioiello, candidandosi tra le realtà più significative della nostra scena. Un disco che metterà d’accordo gli amanti di queste sonorità, offrendo al contempo un'ottima occasione ai neofiti per avvicinarsi a un genere capace di stupire.

 

 

FOR MY DEMONS – Tristesse

Volcano Records & Promotion

Il quartetto capitolino, guidato dalla voce profonda e versatile di Gabriele Palmieri (ex-Neverdream), con Andrea Terzulli (basso), Francesco La Dolcetta (chitarra), e Giovanni Masotti (batteria) ha confezionato un'opera interamente dedicata alla tormentata esistenza, alle sofferenze e alla straordinaria visione artistica di Vincent van Gogh. Il titolo stesso, Tristesse, evoca il nucleo malinconico ed esistenziale che ha accompagnato il pittore olandese fino ai suoi ultimi giorni (ispirandosi alla celebre frase a lui attribuita: "La tristezza durerà per sempre").

Dal punto di vista prettamente musicale, il disco si muove su coordinate Progressive Dark/Gothic Metal. Non bisogna attendersi dunque un Prog infarcito di sterili tecnicismi o continui funambolismi strumentali; la band punta tutto sulla creazione di trame atmosferiche avvolgenti, stratificate e fortemente evocative. L'andamento dei brani è narrativo e teatrale, alternando riff pesanti e cadenzati a squarci di pura melodia ed elettronica crepuscolare.

I punti di riferimento più evidenti e dichiarati sono i Katatonia dell'ultimo corso, i pesi massimi svedesi Soen e le sfumature più intime ed eleganti degli Evergrey o dei Dream Theater meno barocchi.

Un lavoro maturo, compatto e decisamente focalizzato sulla narrazione emozionale, perfetto per chi ama le contaminazioni più scure del metallo Progressivo.

 

 

WALLS OF BABYLON - Aeons Apart

Wanikiya Record/Promotion

 

Quarto album in studio per la band fabrianese (AN) Walls Of Babylon formata da Valerio Gaoni (voce), Fabiano Pietrini (chitarra), Francesco Pellegrini (chitarra solista), Matteo Carovana (basso) e Marco Barbarossa (batteria).

Musicalmente la band prosegue lungo la propria personale carreggiata che fonde la potenza e la velocità d'impatto del Power Metal classico con le strutture articolate, gli arrangiamenti sinfonici e i tempi dispari tipici del Progressive Metal. Rispetto al passato, con “Aeons Apart” la band ha cercato una produzione volutamente più diretta, dinamica e ottimizzata per la dimensione live. I riff restano granitici e i duetti chitarristici sono affilatissimi, ma c'è una grandissima attenzione all'orecchiabilità dei ritornelli e alla pulizia melodica, strizzando l'occhio a colossi internazionali come Kamelot, Conception, Angra o i primi Seventh Wonder.

Il vero punto di forza del disco, oltre all'ineccepibile comparto tecnico, risiede nella sua struttura lirica. “Aeons Apart” si sviluppa come un particolare tipo di concept album:

Le prime otto tracce sembrano storie completamente slegate tra loro (si spazia dalle gesta di un anziano cavaliere medievale, alle vicende di un cacciatore spaziale, fino ai tormenti interiori di un vampiro). Tuttavia, la traccia conclusiva, Epilogue, funge da chiave di volta svelando il filo conduttore, tutti i brani non sono altro che i racconti partoriti dalla mente di uno scrittore sul letto di morte. L'autore si è rifugiato per tutta la vita nella sua vena creativa come metafora e scudo per sfuggire a un mondo che non lo comprendeva, e nell'epilogo ringrazia i suoi stessi personaggi per essergli stati più vicini di qualunque essere umano reale.

Un lavoro imponente che conferma la band tra le realtà più solide e creative del metallo Progressivo del centro Italia.

Versione Inglese:

RELEASES ITALIAN PROGRESSIVE METAL 2026

In this brief special feature, I highly recommend listening to five Progressive Metal albums released throughout 2026.

 

GABRIELS - Fist of the Seven Stars - Act 5: The Final Conflict

Broken Bones Promotion & Productions

 
Gabriels (a project led by the Sicilian keyboardist and composer Gabriele "Gabriels" Crisafulli) marks the monumental final chapter of one of the most ambitious concept sagas in the Italian metal scene.
The work brings to fruition a majestic, symphonic metal/rock opera reimagining of Hokuto no Ken (Fist of the North Star). Specifically, this fifth act focuses on the dramatic events surrounding the discovery of the Last Nanto General and the final showdown between the Hokuto brothers, condensing sacrifice, epic grandeur, and dramatic pathos into music. Stylistically, the album is a rich crossroads where symphonic Power Metal meets AOR, Progressive Metal, and the grandiosity of old-school 1980s Rock Operas.
As is traditional for Gabriels' productions, the album boasts an exceptional cast, with singers portraying actual theatrical roles: Kenshiro: Wild Steel, Raoh: Antonio Pecere, Yuria: Tsena Stefanova Kercheva, Juza (of the Clouds): Roberto Tiranti (Labyrinth), Fudo (of the Mountain): Dave Dell'Orto, Tou: Monica Marozzi, and Rihaku: Fabio Carmotti. Alongside Gabriels (keyboards), Brantley Rogers (drums), and bassists Maletoth and Adrian Hansen, a stellar lineup of guest lead guitarists takes turns across the various tracks, including Frank Caruso, Dr. Viossy, Antonello Giliberto, Tommy Vitaly, Glauber Oliveira, Emanuele Alessandro, and Patrick Fisichella. The album spans 13 tracks for a total running time of over an hour.
A coherent, pompous saga finale with great compositional depth, unmissable for fans of melodic metal, symphonic power, and grand musical storytelling.

 

VANDERLUST - The Human Farm

Rockshots Records

 
The band's second full-length album marks a significant evolution from their 2022 self-titled debut, shaping up to be a true sci-fi metal opera (or science-fiction concept album) lasting about 47 minutes, where the group fuses solid Power Metal, Progressive structures, and symphonic Thrash elements.
The story takes place in a dystopian future (around 2500 A.D.). A millenary alien race, the Coelacanths, offers humanity a seemingly perfect, safe, and comfortable life, but at a terrible price: upon reaching the age of forty, individuals must be eliminated. Centuries after the start of this agreement, the protagonist (Abe) begins to question the perfection of the system, discovering the dramatic truth: humanity has been reduced to a literal "emotional farm," bred by the aliens to harvest and consume human feelings and emotions. This sparks a rebellion, leading to outer space escapes, battles, and a deep existential reflection on the true cost of freedom versus a golden cage.
Vanderlust's lineup features musicians already well-known in the underground scene with past experience in bands such as S91, Il Segno del Comando, and Sacredfice: Riccardo "ZP" Morello (vocals), Francesco "Franz" Romeggini (guitars, compositions), David Cantina (bass), and Giacomo "Giachi" Mezzetti (drums).
Musically, the album is a major step forward for the band, which has skillfully enriched tight riffs and nods to metal giants like Megadeth, Vektor, or Blind Guardian with futuristic atmospheres, orchestrations, and dramatic melodic openings inspired by the style of Kamelot and Dream Theater.

 

PRIMALUCE – Way Of Perfection

Self-released

 
Following the success of Dark Mirrors (2025) and Metamors (2025), Primaluce—a project spearheaded by multi-instrumentalist Stefano Primaluce—returns immediately, showcasing a moment of great creative inspiration.
Driven by shifting dynamics, Way Of Perfection unfolds as a concept album exploring the tension between discipline and instinct, control and liberation, precision and emotion. The work tackles overcoming one's limits and the eternal struggle between light and shadow. The lineup that recorded the album features Stefano Primaluce (rhythm guitars, keyboards, backing vocals, programming) flanked by Andrea Rocchi (lead and acoustic guitar), Marco Adami (bass), Michele Avella (drums), and Falco on vocals.
As the genre demands, the twelve tracks vary from straightforward mid-tempos to intricate compositions; thus, it is no surprise to find a sound dear to icons like Dream Theater and Fates Warning. Despite the use of odd time signatures and technical complexity, the band never sacrifices the "song format" and delivers rather open, accessible choruses. In this context, the use of keyboards is fundamental in weaving sonic tapestries that add depth to the tighter guitar riffs.
With this work, Primaluce delivers a small gem, establishing themselves among the most significant acts of our scene. It is an album that will satisfy seasoned fans of these sounds while offering an excellent entry point for newcomers to a genre capable of endless surprises.

 

FOR MY DEMONS – Tristesse

Volcano Records & Promotion

 
The Roman quartet, led by the deep and versatile vocals of Gabriele Palmieri (ex-Neverdream), with Andrea Terzulli (bass), Francesco La Dolcetta (guitar), and Giovanni Masotti (drums), has crafted a work entirely dedicated to the tormented existence, sufferings, and extraordinary artistic vision of Vincent van Gogh. The title itself, Tristesse, evokes the melancholic and existential core that accompanied the Dutch painter until his final days (inspired by the famous quote attributed to him: "The sadness will last forever").
From a purely musical standpoint, the record moves along Progressive Dark/Gothic Metal coordinates. Do not expect a prog album stuffed with sterile technicalities or non-stop instrumental gymnastics; instead, the band focuses entirely on creating enveloping, layered, and highly evocative atmospheric textures. The flow of the tracks is narrative and theatrical, alternating heavy, rhythmic riffs with bursts of pure melody and twilight electronics.
The most evident and declared touchstones are recent-era Katatonia, Swedish heavyweights Soen, and the more intimate, elegant nuances of Evergrey or the less baroque side of Dream Theater.
A mature, compact effort firmly focused on emotional storytelling, perfect for those who love the darker crossovers of Progressive Metal.

 

WALLS OF BABYLON - Aeons Apart

Wanikiya Record/Promotion

 
This is the fourth studio album for the Fabriano-based band Walls Of Babylon, consisting of Valerio Gaoni (vocals), Fabiano Pietrini (guitar), Francesco Pellegrini (lead guitar), Matteo Carovana (bass), and Marco Barbarossa (drums).
Musically, the band continues along its personal path, blending the power and high-speed impact of classic Power Metal with the intricate structures, symphonic arrangements, and odd time signatures typical of Progressive Metal. Compared to the past, with Aeons Apart the band has aimed for a deliberately more direct, dynamic production optimized for live performances. The riffs remain rock-solid and the guitar duets are razor-sharp, but there is tremendous attention paid to catchy choruses and melodic clarity, nodding to international giants like Kamelot, Conception, Angra, or early Seventh Wonder.
The true strength of the record, beyond the flawless technical execution, lies in its lyrical structure. Aeons Apart develops as a unique kind of concept album:
The first eight tracks appear to be completely unrelated stories (ranging from the deeds of an elderly medieval knight to the adventures of a space hunter, all the way to the inner torments of a vampire). However, the final track, Epilogue, acts as the cornerstone that reveals the common thread: all the songs are actually stories born from the mind of a writer on his deathbed. The author took refuge in his creative streak throughout his life as a metaphor and a shield to escape a world that did not understand him, and in the epilogue, he thanks his own characters for being closer to him than any real human being ever was.
An impressive body of work that confirms the band as one of the most solid and creative realities of central Italy's Progressive metal scene.