CLIVE
NOLAN - Song Of The Winter Throne Låve
Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion Genere: Opera Rock / Progressive
Rock Sinfonico Supporto: LP / CD / Digital / DVD –
2026
Clive
Nolan è il tastierista Neo Prog per eccellenza, con una carriera alle spalle
davvero annosa iniziata negli anni ’80 con i Pendragon e tuttora in auge, a cui
sono seguiti moltissimi altri progetti come Shadowland, Arena, Strangers On A
Train, Casino, Caamora, Imaginaerium e molti altri ancora. Il suo stile
inconfondibile ha fatto scuola per altri tastieristi ed è considerato dalla
critica uno dei più ispirati compositori di opere Rock che nel tempo sono state
anche rappresentate in teatro e in costume. Questo
2026 per lui è un anno di grande ispirazione, dopo il mastodontico quadruplo CD
“The Mortal Light” che vi consiglio di ascoltare, è la volta di “Song Of The
Winter Throne (The Saga Of Hakon Hakonsson)”. L’album, suddiviso in quattordici
tracce (nel vinile ci sono quattro canzoni in più: “Strings And Necks”, “In The
Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial Mix)” e “The Narration - Fireside Mix”),
riprende le atmosfere orchestrali caratteristiche del Rock opera di Nolan,
fondendo Progressive Rock, orchestrazioni sinfoniche e narrazione epico-storica
ispirata alle saghe nordiche del Medioevo norvegese (in particolare alla storia
delle guerre civili norvegesi e alle gesta dei Birkebeiner). Il cast
partecipante è davvero spaziale e ci suonano: Clive Nolan (tastiere,
programming), Mirko Sangrigoil (batteria, chitarre), Stig André Clason
(chitarre), Morten L Clason (flauto), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa), Karl
Groom (chitarra) e Arnfinn Isaksen (basso). Al microfono cantano: Gemma Ashley
(Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie
Barnett (Freja) e Ross Andrews (narratore); in più c’è un coro di trentasette
elementi chiamato The Winter Warriors. Di
quest'opera esistono differenti versioni per collezionisti, dal CD al doppio CD
con bonus track, DVD e 2LP in versione normale e anche limitata di colore blu.
Essendo una Rock opera, ovviamente si ha la sensazione durante l’ascolto di
trovarsi davanti a un film vero e proprio, di questo oramai Nolan è un maestro
indiscusso. Il
narrato di “Born In Shadow” introduce la leggenda su tastiere oscure, arpeggi
cupi e sovrapposizioni orchestrali lente che creano un senso di presagio e gelo
nordico. “The
Woman From Varteig” è incentrato sulla figura di Inga di Varteig (madre del
futuro re Håkon Håkonsson). Il testo descrive il suo dolore, la sua
determinazione e la devozione materna nel proteggere il figlio illegittimo ed
erede al trono dalle fazioni rivali. Musicalmente si presenta altamente
melodico e struggente, focalizzato su un'orchestrazione di archi e
sintetizzatori dolci ma malinconici, con una potente linea vocale solista
femminile e drammatica per opera di Christina Both (Magenta). Si
entra nel vivo con “Wolves Gather”, dall’incedere marziale. I “lupi che si
radunano” rappresentano le fazioni nemiche (i Bagler) che danno la caccia al
piccolo erede. La metafora dei lupi incarna la spietatezza dei pretendenti al
trono rivali. Buono il duetto vocale fra Natalie Barnett e Gemma Ashley, così
come le melodie ancora una volta epiche e di facile presa emotiva. Folate
di Progressive Rock in “Flight Of The Birkebeiners”, in un incedere travolgente
che ricorda la cavalcata e il movimento di uno sciatore nella tempesta. È il
leggendario viaggio dei guerrieri Birkebeiner nel 1206, che portarono in salvo
il piccolo erede re a bordo degli sci attraverso le montagne innevate. “The
Hidden Prince”, interpretata da Ryan Morgan, è cadenzata e coralmente
affascinante, mentre il testo riflette sulla vera identità del bambino che deve
crescere in segreto, protetto e celato al mondo fino a quando non sarà pronto a
rivendicare la corona. Ed è la volta di “Ritual Of Faith”, traccia corale dal
forte sapore rinascimentale/gregoriano mescolato con tastiere Neo Prog.
Un'atmosfera solenne e sacra che riflette sul calvario della prova del ferro
infuocato (Jernbyrd) a cui la madre Inga si sottopone per dimostrare la
legittimità del sangue reale del figlio davanti alla Chiesa e ai nobili. “The
Puppet Crown” è la denuncia degli intrighi di corte dove i reggenti e i nobili
tentano di manovrare il regno utilizzando un re fantoccio prima dell'ascesa del
vero sovrano. Strumentazioni medievali si alternano alla chitarra elettrica che
richiama il sound della band Arena. Un
movimento drammatico giunge con “Fractured Throne”, fra lente ritmiche e
coralità struggenti, il tutto per descrivere al meglio il regno spaccato in due
dalla guerra civile, il caos politico e il prezzo di sangue pagato dalla
popolazione per le ambizioni dei potenti. A
questo punto giunge uno dei movimenti più incisivi dell’album, “The Sword And
The Fire”, il quale rappresenta lo scontro aperto e la battaglia decisiva. Il
fuoco e la spada diventano gli unici strumenti per purificare il regno e
forgiare la pace. Finita la battaglia, un raggio di sole e la conta dei morti
per “A Kingdom Rejoices”, un'apertura in tonalità maggiore con cornamuse,
flauti sintetici e un coro maestoso che dona una sensazione di trionfo e
sollievo. Ottimo il finale delle chitarre elettriche su cui poter ballare in
una veste tipicamente folkloristica di quei tempi. Il
re ormai insediato deve proiettare il suo potere sui mari, consolidando i
confini del regno e la flotta reale nel gelido Nord: “Storms And Wrecks” è
quindi tempestosa, ricca di dissonanze controllate, cambi improvvisi di
dinamica, tamburi rullanti e synth aggressivi. Altro
frangente ricco di coralità epiche e duetti vocali giunge dall’ottima “The King
In The Mist”, un momento di introspezione del sovrano che guarda al passato, ai
sacrifici fatti per la corona e al peso della solitudine che il potere porta
con sé. Grandioso
il finale (e non poteva essere altrimenti): “The Winter Throne” è un'esplosione
di suoni, con tutto l’armamentario in possesso di Nolan che viene esibito in
una traccia che non fa prigionieri. È il coronamento definitivo del "Trono
d'Inverno". La storia si chiude con il compimento del destino, lasciando
una legacy duratura nella storia e nel mito. In
definitiva, “Song Of The Winter Throne” è un lavoro maestoso, denso di pathos e
tecnicamente ineccepibile. Clive Nolan firma un concept album epico e
avvincente, dove narrazione storica e Neo Prog sinfonico si fondono in un
equilibrio impeccabile. Assolutamente da godere, anche per il CD2 di bonus
track che lascio a voi scoprire se siete curiosi. Magistrale! MS
Versione Inglese:
CLIVE
NOLAN - Song Of The Winter Throne Låve
Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion Genre:
Rock Opera / Symphonic Progressive Rock Format:
LP / CD / Digital / DVD – 2026
Clive Nolan is the quintessential Neo-Prog
keyboardist, with a long and distinguished career that began in the 1980s with
Pendragon and continues to thrive today, followed by numerous other projects
such as Shadowland, Arena, Strangers On A Train, Casino, Caamora, Imaginaerium,
and many more. His unmistakable style has influenced countless other keyboard
players, and critics regard him as one of the most inspired composers of Rock
operas—several of which have also been staged in theaters with full period
costumes. 2026 is turning out to be a year of great inspiration
for him: after the monumental four-CD set “The Mortal Light” (which I highly
recommend listening to), comes “Song Of The Winter Throne (The Saga Of Hakon
Hakonsson)”. Divided into fourteen tracks (the vinyl edition includes four
additional songs: “Strings And Necks”, “In The Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial
Mix)”, and “The Narration - Fireside Mix”), the album revisits the orchestral
atmospheres characteristic of Nolan’s Rock operas, blending Progressive Rock,
symphonic orchestrations, and epic-historical storytelling inspired by the
Norse sagas of medieval Norway—specifically the story of the Norwegian civil
wars and the deeds of the Birkebeiners. The line-up is truly stellar: Clive
Nolan (keyboards, programming), Mirko Sangrigoil (drums, guitars), Stig André
Clason (guitars), Morten L Clason (flute), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa),
Karl Groom (guitar), and Arnfinn Isaksen (bass). On vocals, we find Gemma
Ashley (Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie
Barnett (Freja), and Ross Andrews (narrator), joined by a 37-piece choir named
The Winter Warriors. Collector editions abound, ranging from the standard
CD to a double CD with bonus tracks, DVD, and 2LP in both standard black and a
limited blue vinyl release. Being a Rock opera, listening to it naturally feels
like watching a movie unfold before your eyes—a craft in which Nolan is now an
undisputed master. The spoken narration on “Born In Shadow” introduces
the legend over dark keyboards, somber arpeggios, and slow orchestral layers
that evoke a sense of foreboding and Nordic chill. “The Woman From Varteig” focuses on the figure of Inga
of Varteig (mother of the future king Håkon Håkonsson). The lyrics describe her
grief, determination, and maternal devotion in protecting her illegitimate son
and heir to the throne from rival factions. Musically, it is highly melodic and
poignant, built around string orchestrations and sweet yet melancholic
synthesizers, featuring a powerful and dramatic female lead vocal performance
by Christina Both (Magenta). Things get underway in earnest with “Wolves Gather”
and its martial pace. The “gathering wolves” represent the enemy factions (the
Baglers) hunting down the young heir, serving as a metaphor for the
ruthlessness of rival claimants to the throne. The vocal duet between Natalie
Barnett and Gemma Ashley works very well, as do the melodies—once again epic
and emotionally engaging. Gusts of Progressive Rock sweep through “Flight Of The
Birkebeiners”, driven by a thrilling momentum that brings to mind horseback
riders and a skier navigating a blizzard. It tells the story of the legendary
1206 journey of the Birkebeiner warriors, who carried the young royal heir to
safety on skis across snow-covered mountains. “The Hidden Prince”, sung by Ryan Morgan, is mid-tempo
and chorally captivating, with lyrics reflecting on the true identity of the
child growing up in secret—protected and hidden from the world until he is
ready to claim the crown. Next comes “Ritual Of Faith”, a choral track with a
strong Renaissance/Gregorian flavor blended with Neo-Prog keyboards. Its
solemn, sacred atmosphere mirrors the ordeal of the iron trial (Jernbyrd) that
mother Inga undergoes to prove her son's royal lineage before the Church and
the nobility. “The Puppet Crown” exposes the court intrigues where
regents and nobles attempt to manipulate the realm using a puppet king before
the rightful sovereign ascends. Medieval instrumentation alternates with
electric guitar work reminiscent of Arena's sound. A dramatic turn arrives with “Fractured Throne”,
featuring slow rhythms and poignant choral arrangements to portray a kingdom
torn apart by civil war, political chaos, and the bloody toll exacted on the
populace by the ambitions of the powerful. At this point comes one of the most striking moments
on the album, “The Sword And The Fire”, representing open conflict and the
decisive battle. Fire and sword become the sole instruments to cleanse the
kingdom and forge peace. Once the battle subsides, a ray of sunlight shines
through the body count on “A Kingdom Rejoices”, opening in a major key with
bagpipes, synthetic flutes, and a majestic choir that brings a sense of triumph
and relief. The electric guitar finale is excellent, inviting you to dance in a
style typical of folk celebrations of that era. With the king now established, he must project his
power across the seas, consolidating the kingdom's borders and royal fleet in
the frozen North: “Storms And Wrecks” is appropriately tempestuous, packed with
controlled dissonances, sudden dynamic shifts, rolling drums, and aggressive
synths. Another highlight rich in epic choral arrangements and
vocal duets comes with the excellent “The King In The Mist”, an introspective
moment for the sovereign as he reflects on the past, the sacrifices made for
the crown, and the burden of loneliness that power entails. The finale is grand (as it could only be): “The Winter
Throne” is an explosion of sound, showcasing the full range of Nolan’s musical
arsenal in a track that takes no prisoners. It is the ultimate culmination of
the "Winter Throne". The story draws to a close with destiny
fulfilled, leaving behind a lasting legacy in history and myth. Ultimately, “Song Of The Winter Throne” is a majestic
work, dense with pathos and technically flawless. Clive Nolan delivers an epic,
captivating concept album where historical storytelling and symphonic Neo-Prog
merge in flawless balance. An absolute joy to listen to, including the bonus
CD2 that I'll leave for you to explore if you're curious. Masterful!
MS
ALEX
MARI – Origins Lethal
Song / Atomic Stuff Promotion Genere: Melodic Metal / Prog Metal Supporto: Digital – 2026
Un
altro genere musicale che nel tempo non vede mai la parola fine è il Metal
melodico. Spesso a braccetto con l’AOR, oppure con il Metal Prog, ha sempre
saputo emozionare soprattutto durante i ritornelli di facile memorizzazione.
Serve anche la tecnica per esporre al meglio le composizioni, una prerogativa
che contraddistingue il Metal Prog. Alex
Mari è un vocalist e polistrumentista originario
di Ferrara ed è attivo da anni nella scena Rock, Hard Rock e Progressive italiana
e internazionale. È il frontman e cantante della band Progressive Rock Barock
Project e co-fondatore della formazione AOR/Melodic Rock, Night Pleasure Hotel.
Ha lavorato a lungo come corista e collaboratore al fianco di Michele Luppi
(Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). Nella sua attività live e di studio
vanta esibizioni e partecipazioni con fornamzioni come Secret Sphere, Markonee
e Ophiura. Con
Origins, Alex firma un'opera in cui cura personalmente voce, chitarre, basso,
tastiere, programmazioni e arrangiamenti. Alla batteria figurano Paolo Caridi
(Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) e Gianluca "Mr. Pisu"
Pisana (Night Pleasure Hotel), oltre ad ospiti come Igor Gallerani (Ophiura)
alle tastiere in “Resurrection”, Valentina Piccinini alla voce in “Visions”,
Leonardo “Big Leo” alla voce in “Ancestral Whispers” e Lisa Cavalieri D’Oro
alla voce in “Forgotten”. L'album è stato mixato e masterizzato da Roberto
Priori presso il Pri Studio di Bologna. In
realtà questo debutto discografico nasce dalla decisione di Alex di rivisitare
e trasformare i primi brani che aveva scritto tra la fine degli anni ’90 e
l’inizio degli anni 2000, mentre suonava nelle band O.D.U. e Ophiura. Non è una
semplice riedizione, bensì una vera e propria trasformazione. I brani sono
stati completamente riarrangiati, registrati ex novo e reinterpretati
attraverso un suono più maturo. Un ritorno alle origini ma senza nostalgia. Fatte
le dovute presentazioni, passiamo alla musica anticipata da tre singoli:
“Resurrection”, “Aenigma” e “Ancestral Whispers”. Si
inizia con “Back To The Origins Pt. 1”, un'intro atmosferica ed evocativa dove
le tastiere preparano l'ascoltatore all'ingresso nel disco che prosegue con
“Letters From Hell”, dall'impatto Hard & Heavy deciso, guidato da ritmiche
serrate e riff di chitarra aggressivi. La voce di Alex è quella già nota agli
amanti delle band citate, ossia pulita, malleabile e recitativa. Il brano vuole
essere un viaggio interiore nei momenti più bui dell'anima, rappresentati
simbolicamente come "lettere dall'inferno", da cui emerge la volontà
di spezzare le catene delle proprie angosce. Ed
è la volta del primo singolo “Resurrection”, melodico e dalla struttura Metal
Prog, dove la ritmica si sbizzarrisce in varianti apprezzabili. Il testo è incentrato
sul concetto di riscatto e rinascita personale: cadere, toccare il fondo e
ritrovare la forza per rialzarsi più forti di prima. Il
secondo singolo estratto “Aenigma” è caratterizzato a sua volta da cambi di
tempo, intrecci di tastiere e un lavoro di chitarra articolato. Il punto di
forza risiede nel ritornello, aperto e arioso. È una riflessione sul mistero
dell'esistenza e sulle risposte che l'uomo cerca costantemente senza mai
trovare una verità assoluta, vivendo sospeso nel dubbio. Il
terzo singolo “Ancestral Whispers” è una bellissima ballata atmosferica e
profonda, costruita su arrangiamenti di tastiere e chitarre arpeggiate,
impreziosita dal duetto vocale con Leonardo Big Leo. Ispirato al libro “Molte
Vite, Un Solo Amore” di Brian Weiss, esplora l'idea metafisica delle anime
gemelle che continuano a cercarsi e a rincontrarsi attraverso differenti epoche
ed esistenze. A
questo punto ci si catapulta dentro al mondo AOR con “Let Our Dreams Be Free”,
dove i synth sono ben presenti e richiamano le sonorità classiche degli anni
'80. Un inno alla libertà di espressione, all'importanza di inseguire le
proprie aspirazioni e di non lasciarsi imbrigliare dai condizionamenti sociali. “True
Illusion” ha un inizio introspettivo attraverso arpeggi di chitarra, tastiere e
la voce cristallina di Alex, ma a metà il ritmo parte serrato ed entra a pieno
titolo nel Metal melodico trascinante e ben arrangiato con tastiere sinfoniche.
Qui si analizza il confine ambiguo tra realtà e percezione digitale o illusoria,
ponendo l'accento su quanto spesso ci si innamori di maschere o apparenze
ingannevoli. Uno
dei pezzi che ho maggiormente apprezzato è “Visions”; curato in ogni
particolare, è complesso e sinfonico, dove la matrice Progressive dei Barock
Project emerge in modo evidente negli arrangiamenti e nei cambi di atmosfera.
La voce di Valentina Piccinini è la ciliegina sulla torta. Trattasi
dell'esperienza del sogno e della visione come chiave di lettura della realtà,
un momento in cui l'inconscio rivela desideri e paure taciute durante il
giorno. Traccia
intimista e struggente è “Forgotten”. La canzone è impostata prevalentemente su
pianoforte e voce nella prima parte, per poi emergere in un crescendo Rock
emotivo guidato da un assolo di chitarra malinconico. Dettato dalla nostalgia e
dal dolore dell'abbandono, racconta la sensazione di essere stati dimenticati
dalle persone o dai luoghi che un tempo rappresentavano "casa". Ed
è la volta di “I Am”, grintosa quanto basta e ritmata con bassi in evidenza e
un'impronta Hard Rock pura e diretta. Il testo è una dichiarazione d'identità
forte e senza filtri: l'accettazione completa di se stessi, dei propri difetti
e della propria storia, senza bisogno di scuse o approvazioni esterne. Con
“Apocalypse” si entra nel momento più epico e cupo dell'album, caratterizzato
da riff pesanti, orchestrazioni maestose e linee vocali drammatiche e teatrali.
Una metafora sul declino della società moderna, sull'isolamento emotivo e sulla
necessità di una distruzione "catartica" per poter ricostruire
qualcosa di autentico. “Back
To The Origins Pt. 2” chiude concettualmente il disco riprendendo i temi
musicali dell'introduzione, sviluppandoli in una suite strumentale di sapore
Prog Rock che riassume la palette sonora dell'opera. Ottima
anche la bonus track “Sospiri Ancestrali”, ripresa acustica di “Ancestral
Whispers” ricantata in italiano, con la partecipazione vocale di Gianluca
"Mr. Pisu" Pisana. Mantiene il tema delle vite passate e del legame
indissolubile tra le anime, trasposto nella musicalità della lingua italiana.
Bellissima. In
conclusione, “Origins” non è soltanto una prova di forza tecnica o una semplice
vetrina per le eccellenti qualità vocali di Alex Mari, ma un debutto solista
maturo, viscerale e profondamente sincero. È un lavoro organico che non si
limita a citare i grandi maestri del genere, ma che rivendica con orgoglio la
propria identità, confermando Mari come una delle voci e delle menti più
poliedriche e interessanti del panorama Rock e Metal contemporaneo. Un ascolto
raccomandato non solo agli estimatori dei Barock Project e delle sue tante
collaborazioni, ma a chiunque sia ancora alla ricerca di musica suonata con il
cuore, la pancia e un'indiscussa classe cristallina. MS
Versione Inglese:
ALEX
MARI – Origins Lethal
Song / Atomic Stuff Promotion Genre:
Melodic Metal / Prog Metal Format:
Digital – 2026
Another musical genre that never sees the end of the
line over time is Melodic Metal. Often walking hand in hand with AOR, or with
Prog Metal, it has always known how to evoke strong emotions, especially
through its catchy, memorable choruses. Excellent technical proficiency is also
required to best present these compositions—a hallmark that defines Prog Metal. Alex Mari is a vocalist and
multi-instrumentalist from Ferrara, Italy, who has been active for years in the
Italian and international Rock, Hard Rock, and Progressive scenes. He is the
lead singer and frontman of the Progressive Rock band Barock Project and
co-founder of the AOR/Melodic Rock outfit Night Pleasure Hotel. He has worked
extensively as a backing vocalist and collaborator alongside Michele Luppi
(Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). In his live and studio work, he
boasts performances and guest appearances with acts such as Secret Sphere,
Markonee, and Ophiura. With Origins, Alex delivers a work in which he personally
handled vocals, guitars, bass, keyboards, programming, and arrangements. Drums
are played by Paolo Caridi (Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) and
Gianluca "Mr. Pisu" Pisana (Night Pleasure Hotel), alongside guest
appearances such as Igor Gallerani (Ophiura) on keyboards in “Resurrection”,
Valentina Piccinini on vocals in “Visions”, Leonardo “Big Leo” on vocals in
“Ancestral Whispers”, and Lisa Cavalieri D’Oro on vocals in “Forgotten”. The
album was mixed and mastered by Roberto Priori at Pri Studio in Bologna. In truth, this debut album stems from Alex's decision
to revisit and transform the very first songs he wrote between the late '90s
and early 2000s while playing in the bands O.D.U. and Ophiura. It is no mere
reissue, but a full-fledged transformation. The tracks have been completely
rearranged, re-recorded from scratch, and reinterpreted through a more mature
sound—a return to origins, but without nostalgia. With the introductions out of the way, let's move on
to the music, which was preceded by three singles: “Resurrection”, “Aenigma”,
and “Ancestral Whispers”. It kicks off with “Back To The Origins Pt. 1”, an
atmospheric and evocative intro where keyboards prepare the listener for the
journey into the record. It continues with “Letters From Hell”, featuring a
decisive Hard & Heavy punch driven by tight rhythms and aggressive guitar
riffs. Alex's voice is the one already familiar to fans of the aforementioned
bands—clean, versatile, and theatrical. The track is intended as an inner journey
through the darkest moments of the soul, symbolically represented as
"letters from hell," from which the desire to break the chains of
one's own anxieties emerges. Then comes the first single, “Resurrection”, melodic
and built upon a Prog Metal structure, where the rhythm section delights in
engaging variations. The lyrics center on the concept of redemption and
personal rebirth: falling, hitting rock bottom, and finding the strength to
rise again stronger than before. The second single, “Aenigma”, is characterized by time
signature changes, intricate keyboard layers, and articulate guitar work. Its
strong point lies in the open, soaring chorus. It is a reflection on the
mystery of existence and the answers humanity constantly seeks without ever
finding an absolute truth, living suspended in doubt. The third single, “Ancestral Whispers”, is a gorgeous,
atmospheric, and deep ballad built around keyboard arrangements and arpeggiated
guitars, enriched by a vocal duet with Leonardo Big Leo. Inspired by Brian
Weiss's book Only Love Is Real (published in Italian as Molte Vite, Un Solo
Amore), it explores the metaphysical concept of soulmates who continue to seek
and find each other across different eras and lifetimes. At this point, we plunge straight into the world of
AOR with “Let Our Dreams Be Free”, where synths feature prominently and recall
the classic '80s sound—an anthem to freedom of expression, the importance of
pursuing one's aspirations, and refusing to be bound by social constraints. “True Illusion” opens introspectively with guitar
arpeggios, keyboards, and Alex's crystal-clear vocals, before the tempo picks
up mid-track, diving full force into driving, well-arranged Melodic Metal
topped with symphonic keyboards. Here, the ambiguous line between reality and
digital or illusory perception is analyzed, highlighting how often we fall in
love with masks or deceptive appearances. One of the tracks I appreciated most is “Visions”;
meticulous in every detail, it is complex and symphonic, where the Progressive
DNA of Barock Project clearly shines through the arrangements and atmospheric
shifts. Valentina Piccinini's guest vocals are the icing on the cake. It deals
with the experience of dreams and visions as a key to interpreting reality—a
moment when the subconscious reveals desires and fears kept quiet during the
day. An intimate and poignant track is “Forgotten”. The
song is primarily built around piano and vocals in the first half, before
rising into an emotional Rock crescendo led by a melancholy guitar solo. Driven
by nostalgia and the pain of abandonment, it tells the story of feeling
forgotten by the people or places that once felt like "home." Then comes “I Am”, punchy enough and rhythmic, with
prominent basslines and a pure, direct Hard Rock stamp. The lyrics are a bold,
unfiltered declaration of identity: full acceptance of oneself, one's flaws,
and one's story, without the need for excuses or external approval. With “Apocalypse”, we reach the most epic and dark
moment of the record, characterized by heavy riffs, majestic orchestrations,
and dramatic, theatrical vocal lines. It serves as a metaphor for the decline
of modern society, emotional isolation, and the necessity of a
"cathartic" destruction in order to rebuild something genuine. “Back To The Origins Pt. 2” conceptually closes the
album by reprising the musical themes of the intro, expanding them into a Prog
Rock-flavored instrumental suite that summarizes the album's tonal palette. Also excellent is the bonus track “Sospiri
Ancestrali”, an acoustic rendition of “Ancestral Whispers” re-sung in Italian,
featuring guest vocals by Gianluca "Mr. Pisu" Pisana. It retains the
theme of past lives and the unbreakable bond between souls, transposed into the
musicality of the Italian language. Beautiful. In conclusion, Origins is not merely a display of
technical prowess or a simple showcase for Alex Mari's stellar vocal abilities,
but a mature, visceral, and deeply sincere solo debut. It is a cohesive work
that does not settle for merely quoting the great masters of the genre, but
proudly claims its own identity, confirming Mari as one of the most versatile
and interesting voices and minds in the contemporary Rock and Metal scene. A
highly recommended listen not only for fans of Barock Project and his many
collaborations, but for anyone still searching for music played with heart,
gut, and undeniable, crystal-clear class. MS
Come
dicevano i mitici Monty Python negli anni ’70: “Ed ora qualcosa di
completamente diverso…” e da dove se non dal Canada? Qui
avviso subito tutti gli amanti del genio Frank Zappa, i Brass Camel sono per
voi! Ma c’è anche di più e lo scopriremo analizzando il loro terzo album “Brass
Camel”. Intanto
loro sono originari di Vancouver (British Columbia) e sono capitanati dal
polistrumentista, cantante e chitarrista Daniel Sveinson. Sveinson, attivo fin
da giovanissimo sulla scena rock locale (spesso definito un vero e proprio
enfant prodige della sei corde), ha fondato il progetto con la precisa
intenzione di unire la complessità formale e l'ambizione del Progressive Rock
anni '70 a ritmiche Funk, Heavy Blues e una spiccata teatralità Art Rock. La
formazione comprende Daniel Sveinson (chitarre, voce), Curtis Arsenault (basso,
voce), Aubrey Ellefson (tastiere, voce) e Wyatt Gilson (batteria e
percussioni), con gli ospiti Dylan Lammie (chitarra leslie) e Cat Madden (voce
in “What Are You Going To Do”). Non
solo Frank Zappa, il sound dei Brass Camel cita maestri del Prog come Gentle
Giant, Yes, Rush, ma anche Queen e i primi Spock’s Beard, innestando queste
strutture ritmiche complesse e i cori polifonici su intelaiature Funk e grooves
sincopati che ammiccano al Rock d'autore e alla Fusion moderna. L'intensa
attività dal vivo, con oltre 100 date all'attivo prima della pubblicazione del
disco, ha permesso al quintetto di sviluppare un'intesa dinamica e un sound
d'impronta analogica e "live in studio". Siamo
al cospetto di un concept album incentrato su un unico brano di quarantacinque
minuti suddiviso in dieci tracce a partire da “You’ve Got Time”, una
riflessione sulla percezione del tempo nella quotidianità moderna. Il testo
evidenzia il paradosso tra l'ossessione per le scadenze e lo spreco del tempo
in distrazioni superficiali, invitando a riappropriarsi del proprio tempo prima
che scada. Daniel Sveinson guida l'incipit con un riff di chitarra in tempo
dispari, supportato dal lavoro di basso di Curtis Arsenault. Le tastiere di
Aubrey Ellefson forniscono tessiture vintage, mentre l'arrangiamento vocale
sfoggia stratificazioni di controcanti e armonie polifoniche di chiarissima
estrazione Gentle Giant-iana. Uno dei punti di forza della band sono proprio le
coralità, oltre che l’interpretazione variegata e sentita, a tratti teatrale. Attaccata
prosegue il groove “What Are You Going To Do?”: qui Zappa è saccheggiato alla grande
a partire dai ritmi Funk Rock. La sezione centrale devia in tempi dispari
sincopati e incastri virtuosistici tra synth e chitarra solista prima di
esplodere nel ritornello. Una bomba sonora. Sopraggiunge
“Why Bother?”, con riferimenti ai Queen e alcuni passaggi alla Spock’s Beard.
“Can't Say We Didn't Try” è elaborata, ma la band riesce a far passare il tutto
come se fosse facile come bere un bicchiere d’acqua, e questo grazie alle doti
tecnico-strumentali a loro disposizione. Il testo tratta il resoconto di un
fallimento condiviso (una relazione, una partnership o un'impresa). Il tono non
è solo d'amarezza, ma rimarca la dignità di aver provato fino in fondo senza
risparmiare energie. In
“Ice Cold” si entra nell’Hard Prog di matrice Led Zeppelin e si affrontano il
distacco emotivo, la calcolata freddezza e l'opportunismo di certi individui
nelle dinamiche interpersonali e professionali. Il personaggio "Ice
Cold" viene ritratto con spiccata teatralità. Il
concept si spezza ed è la volta di “Careful What You Wish For”, un altro mix di
generi che in alcuni frangenti incontra le ritmiche del piano dei Supertramp.
Il pezzo è una rilettura del classico ammonimento morale sulle ambizioni
sfrenate, la conquista di ciò che si desiderava a tutti i costi spesso rivela
risvolti inattesi, problematici o distruttivi. “Everybody
Loves A Scandal” ha il profumo degli anni ’70 più ricercati ed è ancora una
volta prossima alle scelte corali e vocali in stile Zappa. Il testo vuole
essere una satira pungente nei confronti della voyeuristica attrazione della
società per i pettegolezzi, i drammi privati e il declino delle figure
pubbliche nei media e sui social network. La
band sale in cattedra strumentalmente in “Catch Us If You Can”, un'esplosione
di sonorità e scelte che a tratti riescono a spiazzare l’ascoltatore. Inno alla
libertà. In
pieno stile Brass Camel è “Last Call”, mentre la conclusiva “This Is Goodbye”
ha negli arrangiamenti di tastiera e nei tempi dilatati l’asso nella manica e
saluta l'ascoltatore, lasciando aperta la strada ai futuri sviluppi stilistici. Avete
capito bene: è un disco ricolmo di storia, strumenti, voci, melodie e
virtuosismi. Soltanto attenzione per chi non è avvezzo ai raggi di questa
musica, perché si rischia l’insolazione. MS
As the legendary Monty Python used to say back in the
’70s: “And now for something completely different…” and where else could it
come from if not Canada? Right off the bat, a heads-up to all lovers of Frank
Zappa's genius: Brass Camel are for you! But there is even more to it, as we
will discover by analyzing their third album, “Brass Camel”. Hailing from Vancouver (British Columbia), the band is
led by multi-instrumentalist, lead vocalist, and guitarist Daniel Sveinson.
Active on the local rock scene from a very young age (and often defined as a
true six-string child prodigy), Sveinson founded the project with the clear
intention of blending the formal complexity and ambition of ’70s Progressive
Rock with Funk rhythms, Heavy Blues, and a distinct Art Rock theatricality. The lineup features Daniel Sveinson (guitars, vocals),
Curtis Arsenault (bass, vocals), Aubrey Ellefson (keyboards, vocals), and Wyatt
Gilson (drums and percussion), along with guests Dylan Lammie (Leslie guitar)
and Cat Madden (vocals on “What Are You Going To Do”). It's not just Frank Zappa: Brass Camel's sound quotes
Prog masters like Gentle Giant, Yes, and Rush, but also Queen and early Spock’s
Beard, grafting these complex rhythmic structures and polyphonic vocal
harmonies onto Funk frameworks and syncopated grooves that nod to refined
songwriting and modern Fusion. Their intense live activity—with over 100 shows
under their belt prior to releasing the record—has allowed the quintet to
develop a dynamic chemistry and an analog, "live-in-the-studio"
sound. We find ourselves before a concept album centered on a
single forty-five-minute piece divided into ten tracks, starting with “You’ve
Got Time”, a reflection on the perception of time in modern daily life. The
lyrics highlight the paradox between an obsession with deadlines and wasting
time on superficial distractions, urging us to reclaim our time before it runs
out. Daniel Sveinson leads the opening with an odd-meter guitar riff, backed by
Curtis Arsenault's basswork. Aubrey Ellefson's keyboards provide vintage
textures, while the vocal arrangement showcases layers of counterpoints and
polyphonic harmonies of clear Gentle Giant descent. Indeed, one of the band's
greatest strengths lies in its vocal harmonies, as well as its varied,
heartfelt, and at times theatrical delivery. Flowing seamlessly, the groove of “What Are You Going
To Do?” takes over: here Zappa is heavily pillaged, starting right from the
Funk Rock rhythms. The midsection veers into syncopated odd time signatures and
virtuosic interchanges between synth and lead guitar before exploding into the
chorus. A sonic powerhouse. Then comes “Why Bother?”, featuring nods to Queen and
a few passages reminiscent of Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” is
elaborate, yet the band manages to make it all sound effortless, thanks to the
technical and instrumental chops at their disposal. The lyrics chronicle a
shared failure (a relationship, a partnership, or an endeavor). The tone isn't
merely bitter; it highlights the dignity of having tried all the way without
holding anything back. In “Ice Cold”, we step into Led Zeppelin-esque Hard
Prog, dealing with emotional detachment, calculated coldness, and the
opportunism of certain individuals in interpersonal and professional dynamics.
The "Ice Cold" character is portrayed with striking theatrical flair. The concept breaks, giving way to “Careful What You
Wish For”, another genre blend that in certain moments crosses paths with
Supertramp-style piano rhythms. The track is a reinterpretation of the classic
moral warning about unchecked ambitions: achieving what was desired at all
costs often reveals unexpected, problematic, or destructive consequences. “Everybody Loves A Scandal” carries the scent of the
most refined ’70s rock and once again stays close to Zappa-style vocal and
choral arrangements. The lyrics serve as a biting satire aimed at society's
voyeuristic fascination with gossip, private drama, and the downfall of public
figures across media and social networks. Instrumentally, the band puts on a masterclass in
“Catch Us If You Can”, an explosion of sound and stylistic choices that
occasionally manage to catch the listener off guard. An anthem to freedom. “Last Call” is delivered in full Brass Camel fashion,
while the closing track, “This Is Goodbye”, holds its ace in the hole with its
keyboard arrangements and spacious time signatures, bidding farewell to the
listener and leaving the door open for future stylistic developments. You heard it right: this is a record packed with
history, instruments, vocals, melodies, and virtuosity. Just a word of caution
for those unaccustomed to the rays of this music, as you might risk a sunburn. MS
CONFUSION
FIELD - Resilience Remains Autoproduzione
/ Rockshots Records Genere:
Heavy Prog / Post Prog Moderno Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Amanti
di Steven Wilson e company, ecco a voi il ritorno del progetto finlandese
Confusion Field intitolato “Resilience Remains”. Confusion
Field è guidato dal polistrumentista, compositore e cantante finlandese Tomi
Kankeinen. Originario di Oulu, Kankeinen vanta un lungo percorso nella scena
musicale finnica, con trascorsi che abbracciano Heavy Metal, Hard Rock e
Synth-Pop, sfociati poi nella naturale inclinazione verso il Post Prog Moderno. Affiancato
dal batterista Jani "Inkeri" Aho e dal tastierista/produttore Petteri
Claesson, il progetto nasce con l'intento di fondere l'impatto ritmico e le
sonorità chitarristiche del New Prog/Prog Metal (sulla scia di Porcupine Tree,
Riverside e Steven Wilson) con trame di sintetizzatori moderne, sintetizzando
melodia ed energia d'impatto. “Resilience
Remains” è il terzo album in studio dopo gli ottimi “Disconnection Complete”
(2021) e “Future Impact Of Past Diversions” (2023), molto apprezzati sia dalla
critica che dal pubblico (una prova l’avete su Prog Archives). L'album esplora
tematiche esistenziali e psicologiche come la resistenza interiore,
l'alienazione moderna, il sovraccarico informativo e la ricerca di identità di
fronte al caos collettivo. Rimango
piacevolmente colpito in positivo dall’apertura dell’album “Maintain The
Uncertainty”, che oltre ad essere il primo singolo, è un insieme di sonorità
rapite dal passato e approfondite nel presente, con un condimento sonoro tipico
di Wilson. La struttura alterna momenti rarefatti, guidati dalla voce pulita ed
espressiva di Kankeinen, a fiammate d'impatto con assoli di chitarra fluidi e
ben bilanciati. Nel testo si affronta l'incertezza come stato necessario
dell'esistenza. Piuttosto che cercare certezze dogmatiche o facili risposte, il
testo invita ad "abbracciare il dubbio", inteso come unico strumento
reale per mantenere la mente aperta ed evitare il controllo sociale. Curato
negli arrangiamenti, il secondo singolo “Conjuring Conflict” gode di un
ritornello davvero accattivante e di un incedere arioso oltre che energico.
Vuole essere una riflessione sulla polarizzazione dei rapporti umani e sulla
tendenza dei media e della società contemporanea a "evocare il
conflitto" per profitto o controllo. Il testo descrive l'attrito costante
generato dalle incomprensioni pilotate. Il
Post Prog Moderno vive anche di arie malinconiche (e ad esempio i Riverside ci
hanno costruito sopra una carriera) ed è anche il caso di “Sea Of Irrelevance”,
che parte con una chitarra pulita ed effetti di tastiera spaziali per poi
sviluppare un crescendo emozionale supportato da un basso profondo e pulsante.
È l'inquietudine di sentirsi sommersi da un "mare di irrilevanza",
dove il rumore di fondo della quotidianità e del mondo digitale rischia di
cancellare il valore e la memoria delle singole azioni umane. E a proposito del
nominato Steven Wilson, provate ad ascoltare “Blame Gravity”. Ci
sono brani che si avvicinano di più alla formula canzone diretta come “Is That
All?”, una domanda aperta sul senso del compimento. Raggiunti determinati scopi
o superati determinati ostacoli, ci si chiede se la vita si riduca solo a
questo o se esista un livello ulteriore di consapevolezza. Repentino
cambio di rotta con tinte quasi Cyberpunk/Industrial Progressive in “A New
Code”: la necessità di riscrivere il proprio "codice" morale ed
emotivo per sopravvivere in un mondo in rapida trasformazione. Un tema di
rinascita e riprogrammazione interiore per spezzare vecchi schemi nocivi. Immaginate
ora di unire la New Wave al Metal, il risultato è “The Echo Collector”, a cui
non mancano neppure incursioni nel Neo Prog! “Restricted
Area” e la conclusiva “Graceful Deceit” chiudono al meglio l’album, dove
l'inganno aggraziato ("Graceful Deceit") è la costante illusione di
controllo che ci costruiamo attorno. Il testo sottolinea che, nonostante le
illusioni e le cadute, ciò che rimane alla fine è proprio la resilienza
(Resilience Remains). Con
“Resilience Remains”, i Confusion Field non cercano di rivoluzionare i canoni
del Progressive Rock moderno, ma dimostrano una straordinaria maturità nel
maneggiare la materia. Io ho apprezzato numerose arie che mi hanno fatto volare
alto con la fantasia, e ciò mi basta. MS
Versione Inglese:
CONFUSION
FIELD - Resilience Remains Self-Released
/ Rockshots Records Genre:
Heavy Prog / Modern Post Prog Format:
CD / Bandcamp – 2026
To all fans of Steven Wilson and company, here is the
return of the Finnish project Confusion Field titled “Resilience Remains”. Confusion Field is led by Finnish
multi-instrumentalist, composer, and singer Tomi Kankeinen. Hailing from Oulu,
Kankeinen boasts a long journey in the Finnish music scene, with a background
spanning Heavy Metal, Hard Rock, and Synth-Pop, which eventually merged into
his natural inclination towards Modern Post Prog. Joined by drummer Jani "Inkeri" Aho and
keyboardist/producer Petteri Claesson, the project was born with the intention
of blending the rhythmic impact and guitar textures of New Prog/Prog Metal (in
the vein of Porcupine Tree, Riverside, and Steven Wilson) with modern
synthesizer arrangements, synthesizing melody and punchy energy. “Resilience Remains” is their third studio album
following the excellent “Disconnection Complete” (2021) and “Future Impact Of
Past Diversions” (2023), both highly praised by critics and fans alike (you can
find proof on Prog Archives). The album explores existential and psychological
themes such as inner resilience, modern alienation, information overload, and
the search for identity in the face of collective chaos. I am pleasantly impressed by the album's opening
track, “Maintain The Uncertainty”, which, besides being the first single, is a
fusion of sounds borrowed from the past and expanded in the present, infused
with a flavor typical of Wilson. The structure alternates between atmospheric,
subtle moments—guided by Kankeinen's clean and expressive vocals—and impactful
bursts featuring fluid, well-balanced guitar solos. The lyrics address
uncertainty as a necessary state of existence. Rather than seeking dogmatic
certainties or easy answers, the song invites us to "embrace doubt",
seen as the only real tool to keep an open mind and avoid social control. Meticulously arranged, the second single “Conjuring
Conflict” features a genuinely catchy chorus alongside an airy yet energetic
drive. It serves as a reflection on the polarization of human relationships and
the tendency of modern media and society to "conjure conflict" for
profit or control. The text describes the constant friction generated by
engineered misunderstandings. Modern Post Prog also thrives on melancholic moods
(Riverside, for instance, built a career on them), and that is certainly the
case with “Sea Of Irrelevance”. Starting with clean guitar and spacey keyboard
effects, it builds into an emotional crescendo supported by a deep, pulsing
bassline. It captures the anxiety of feeling submerged in a "sea of
irrelevance", where the background noise of daily life and the digital
world threatens to erase the value and memory of individual human actions. And
speaking of Steven Wilson, give “Blame Gravity” a listen. Some tracks lean closer to a direct song format, such
as “Is That All?”, an open question about the sense of fulfillment. Once
certain goals are achieved or specific obstacles overcome, one wonders if life
is reduced to just this or if a higher level of awareness exists. A sudden shift in direction brings almost
Cyberpunk/Industrial Progressive shades in “A New Code”: the need to rewrite
one's own moral and emotional "code" to survive in a rapidly changing
world. A theme of rebirth and inner reprogramming to break harmful old
patterns. Now imagine combining New Wave with Metal: the result
is “The Echo Collector”, which even features touches of Neo Prog! “Restricted Area” and the closing track “Graceful
Deceit” wrap up the album at its best. Here, the graceful deceit
("Graceful Deceit") represents the constant illusion of control we
build around ourselves. The lyrics emphasize that, despite illusions and falls,
what ultimately endures is resilience itself (Resilience Remains). With “Resilience Remains”, Confusion Field do not
attempt to revolutionize the standards of modern Progressive Rock, but they
demonstrate extraordinary maturity in handling the genre. I personally enjoyed
numerous passages that allowed my imagination to soar, and for me, that is more
than enough. MS
ILAMB
- Trip To Heaven – Redux Autoproduzione Genere: Post Prog Moderno Supporto: Digital – 2026
La
vita è fatta di sogni, specialmente quando si è giovani, e il pensare al futuro
per volersi realizzare è un obiettivo dell’esistenza. È splendido quando si ha
al proprio fianco un genitore che avalla la tua volontà e che ti sostiene in
questo percorso fatto comunque di insidie, una mano tesa che dà fiducia, perché
la felicità rende l’uomo libero. Questo
è anche il concept dell’album “Trip To Heaven – Redux”, che rappresenta la
rilettura completa e la ri-attualizzazione sonora dell'opera uscita come album
di esordio nel 2016 del duo ILAMB. Il lavoro sfoggia un nuovo missaggio e
mastering per valorizzare la dinamica audio digitale, inserti di chitarra
riregistrati, sezioni acustiche arricchite e un bilanciamento delle frequenze
concepito per enfatizzare il contrasto tra parti intime e aperture sinfonico-Rock. ILAMB
è guidato dal polistrumentista, compositore e arrangiatore palermitano Davide
Agnello, che cura chitarre, tastiere, programmazioni, arrangiamenti e gran
parte del songwriting, avvalendosi di collaborazioni vocali e di sezione ritmica
nei singoli brani. L’introduzione
al percorso è affidata alla strumentale “Start”, con tastiere eteree e suoni
d'ambiente che preparano il terreno all'ascolto, creando un'atmosfera sospesa.
I richiami ai Pink Floyd sono evidenti soprattutto nello slide della chitarra e
negli effetti eco che la circondano. Essa conduce a “Son To Father”, altro
movimento etereo in cui il cantato esprime la consapevolezza del ragazzo
protagonista di non essere più una semplice ombra o un pensiero, ma un'anima
viva nel mondo grazie al padre. Così
“Father To Son” è complementare al precedente, mostrando una struttura più
solida e matura, sostenuta da una sezione ritmica maggiormente incisiva e
prossima nelle chitarre a “Dogs” sempre dei Pink Floyd, tanto per darvi un
punto di riferimento. Il testo riflette la responsabilità, la protezione, le
speranze e il timore di trasmettere le proprie fragilità alla generazione
successiva. A dir poco bellissimo il lungo solo finale, che farà la gioia di
chi ama questo sound sostenuto e sognante (me compreso). “King
Of The World”, nei suoi otto minuti abbondanti, si affaccia anche nel mondo dei
Porcupine Tree. Racconta l'onnipotenza illusoria della giovinezza e
dell'egocentrismo ("I want to run all day and see every place..."),
riflettendo l'ambizione smisurata e la sensazione di invincibilità che
caratterizzano una specifica fase della vita. Nella fase centrale il brano si
spezza e diventa psichedelico e avvolgente. È proprio qui che parte una fuga in
stile “Metanoia”, visto che ho nominato la band di Steven Wilson, ma con
tastiere Neo Prog a supporto, a testimonianza che comunque Agnello ha una
personalità ben definita. Un altro interludio psichedelico porta il titolo
“Encounter” e conduce a “Deep Inside”, introdotto da un solo di batteria. Il
basso si fa più presente mentre la chitarra rilascia riff elettrici drammatici
che potrebbero risiedere anche in “Deadwing” (Porcupine Tree). Se siete amanti
dei solo di chitarra adrenalinici, il brano fa al caso vostro; personalmente è
uno dei movimenti che ho maggiormente apprezzato, ottimo anche l'intervento dei
synth. “My
Imagination” emotivamente alza il tiro e riconduce ancora una volta il sound
nel mondo dei Pink Floyd più toccanti, in cui la chitarra elettrica rilascia un
altro lungo assolo da pelle d’oca. Il finale è affidato alla chitarra acustica…
E ho detto tutto. Il
terzo interludio s’intitola “Spring” ed è una ballata acustica a sua volta
toccante che mette in evidenza (se ancora ce ne fosse il bisogno) la sensibilità
melodica di Davide Agnello. Segue “Spring (Reprise)”, brano Rock in modalità
“The Division Bell” (Pink Floyd). Altro
brano dal forte impatto è “The Boy Becomes The Man”, ovviamente in crescendo
sonoro, che tratta il passaggio definitivo dall'innocenza della giovinezza alla
consapevolezza adulta, con l'accettazione dei propri limiti e delle
responsabilità. Dopo
il breve sound da carillon di “Toys”, è la volta di “It's The Life”, altra
perla melodica e sognante su cui lasciarsi trasportare. “Heaven”
rappresenta la catarsi, la pace ritrovata e la meta del viaggio (il
"cielo" inteso come stato di quiete spirituale e piena
riconciliazione con se stessi). Altamente Prog, il brano ha interventi sonori
che richiamano il flauto e quanto di sinfonico gli anni ’70 ci hanno donato.
Segue l’immancabile crescendo. La
chiusura è affidata a “End Of Stars”, bucolica e straziante, con l’immancabile
chitarra elettrica che strizza l’occhio a “Marooned” (Pink Floyd). L'operazione
Redux di “Trip To Heaven” non è un semplice maquillage sonoro, ma una vera e propria
rifocalizzazione emotiva, il suono ne esce rinvigorito, le dinamiche respirano
e ogni traccia trova la giusta collocazione all'interno dell'architettura
dell'opera. È un disco che richiede un ascolto attento, intimo, preferibilmente
a luci soffuse e senza interruzioni, per lasciarsi trasportare lungo le tappe
di questo viaggio di crescita e riconciliazione. Vorresti non finisse mai. MS
Versione Inglese:
ILAMB
- Trip To Heaven – Redux Self-released Genre:
Modern Post-Prog Format:
Digital – 2026
Life is made of dreams, especially when you are young,
and thinking about the future to fulfill yourself is a core goal of existence.
It is wonderful to have a parent by your side who endorses your vision and
supports you along this path—a journey filled with pitfalls
nonetheless—offering a helping hand that inspires confidence, because happiness
sets humankind free. This is also the concept behind the album “Trip To
Heaven – Redux”, which represents a complete reinterpretation and sonic
updating of the duo ILAMB’s 2016 debut release. The work features a fresh mix
and master designed to enhance digital audio dynamics, re-recorded guitar
parts, enriched acoustic sections, and a frequency balance crafted to emphasize
the contrast between intimate passages and sweeping symphonic-rock openings. ILAMB is led by Palermitan multi-instrumentalist,
composer, and arranger Davide Agnello, who handles guitars, keyboards,
programming, arrangements, and most of the songwriting, while featuring guest
vocalists and rhythm sections across individual tracks. The introduction to this journey is entrusted to the
instrumental track “Start”, featuring ethereal keyboards and ambient sounds
that pave the way for the listening experience, creating a suspended
atmosphere. Pink Floyd influences are clear, particularly in the slide guitar
work and the surrounding delay effects. It leads into “Son To Father”, another
ethereal movement where the vocals convey the young protagonist's realization
that he is no longer just a shadow or a thought, but a living soul in the world
thanks to his father. Thus, “Father To Son” serves as a natural counterpart,
displaying a sturdier, more mature structure anchored by a punchier rhythm
section and guitars reminiscent of Pink Floyd's “Dogs”, just to give you a
point of reference. The lyrics reflect responsibility, protection, hopes, and
the fear of passing one's own vulnerabilities down to the next generation. The
long closing solo is simply sublime and will delight anyone who loves this
sustained, dreamlike sound (myself included). “King Of The World”, spanning over eight generous
minutes, also ventures into Porcupine Tree territory. It chronicles the
illusory omnipotence of youth and egocentrism ("I want to run all day and
see every place..."), reflecting the boundless ambition and feeling of
invincibility that define a specific stage of life. In its middle section, the
track breaks down, becoming psychedelic and atmospheric. It is precisely here
that a run in the vein of “Metanoia” kicks off—since I mentioned Steven
Wilson’s band—supported by Neo-Prog keyboards, proving that Agnello possesses a
well-defined artistic identity. Another psychedelic interlude titled
“Encounter” leads into “Deep Inside”, introduced by a drum solo. The bass takes
center stage while the guitar delivers dramatic electric riffs that wouldn't
feel out of place on Porcupine Tree's “Deadwing”. If you are a fan of
adrenaline-fueled guitar solos, this track is right up your alley; personally,
it is one of the movements I enjoyed the most, complemented by excellent synth
work. “My Imagination” raises the emotional stakes and once
again steers the sound toward the most touching side of Pink Floyd, featuring
another goosebump-inducing, extended guitar solo. The ending is left to the
acoustic guitar… Enough said. The third interlude is titled “Spring”, a deeply
moving acoustic ballad that highlights—if there were still any doubt—Davide
Agnello’s melodic sensitivity. This is followed by “Spring (Reprise)”, a rock
track leaning into “The Division Bell” territory. Another high-impact track is “The Boy Becomes The
Man”, building up through a dramatic musical crescendo to address the
definitive transition from youthful innocence to adult awareness, embracing
personal limits and responsibilities. After the brief, music-box-like soundscape of “Toys”,
it is time for “It's The Life”, another melodic, dreamlike gem to get lost in. “Heaven” represents catharsis, peace rediscovered, and
the destination of the journey (the "heaven" understood as a state of
spiritual tranquility and complete reconciliation with oneself). Highly
progressive in nature, the track features sonic textures echoing flutes and the
classic symphonic flourishes that the 1970s bestowed upon us, followed by an
inevitable crescendo. The closing is entrusted to “End Of Stars”, bucolic
and heartbreaking, with an ever-present electric guitar that tips its hat to
Pink Floyd's “Marooned”. The Redux treatment of “Trip To Heaven” is no mere
sonic facelift; it is a genuine emotional refocusing. The sound comes out
invigorated, the dynamics breathe, and every track finds its rightful place
within the work's overall architecture. It is an album that demands attentive,
intimate listening—preferably under dim lights and without interruptions—to let
yourself be carried away along the milestones of this journey of growth and
reconciliation. You'll wish it would never end. MS
