DELIRIUM I.P.G. - Sesta Strada
Lungo il Tempo Black
Widow Records Genere:
Progressive Rock Supporto: LP / CD – 2026
Quando
ascolto ancora oggi dischi come “Sesta Strada Lungo Il Tempo”, capisco che il
mio amore per il Rock Progressivo non potrà mai sopirsi. Se poi a realizzarlo è
una band storica come i Delirium, allora il piacere mi si amplifica, e lo dico
perché denoto una staffetta con il passato che fa intendere l'immortalità del
genere. Infatti il logo cambia in Delirium I.P.G. (International Progressive
Group) con l’innesto di nuove leve, sempre molto famose nel circuito, come
Fabio Chighini (basso, voce), Alessandro Corvaglia (voce, tastiere, chitarra,
cori), Michele Cusato (chitarra, cori) e Enrico Tixi (batteria, percussioni,
cori). Con loro gli storici Ettore Vigo (tastiere, voce) e Martin Grice (fiati,
cori), oltre che una nutrita serie di special guest che risponde ai nomi di
Andrea Bottesini (voce narrante), Giulia Ermirio (viola), Alice Vigo (voce),
Enrico Bianchi (cori), Raffaella Izzo (cori) e la The "Banda Deliranti
Cantù" (Maurizio, Nello, Ludovico, Catia, Grazia, Silvana, Annunziata). A
livello concettuale e sonoro il disco si sviluppa come un vero e proprio concept
album narrativo incentrato sullo scorrere inesorabile del tempo. La band
sceglie di esplorare questa tematica focalizzando l'obiettivo su storie e
figure ai margini della società, una scelta lirica profonda che dipinge quadri
urbani e umani di grande impatto emotivo. Il
lavoro custodisce ed evolve il DNA storico della band. Non mancano i marchi di
fabbrica che hanno reso celebri i Delirium fin dagli anni Settanta, come l'uso
sapiente del flauto e arrangiamenti arricchiti da orchestrazioni e aperture
sinfoniche, che creano un perfetto ponte tra il glorioso passato del Prog
italiano e una produzione moderna. Il
concept non può avere migliore inizio se non con una suite di ventidue minuti,
atta a eliminare ogni dubbio sull’appartenenza della band a un contesto storico
intramontabile. È un susseguirsi di movimenti fluidi, parti sinfoniche,
improvvise accelerazioni guidate dal flauto e aperture barocche di tastiere.
Liricamente, è un viaggio profondo e drammatico all'interno delle debolezze
umane e della codardia (la viltà, appunto), affrontato con un'intensità quasi
teatrale. Solo questo vale il prezzo dell’album. Non si tratta di una musica
debitrice a band straniere, bensì vive di una personalità tipicamente italiana,
ossia mediterraneità e attenzione alle gradevoli melodie. Sempre fondamentale
l’apporto del flauto di Grice. Con
“Io Clochard” si entra nel vivo della tematica legata agli ultimi e ai margini
della società che accennavo prima. Il brano adotta una prospettiva in prima
persona, dando voce a chi vive sulla strada. Musicalmente l'approccio si fa più
intimo e toccante, ma non privo di quella tensione drammatica urbana che
caratterizza il sound attuale della band, dove la melodia del flauto dialoga
con arrangiamenti più cupi e realistici. “Il
Riposo Del Pirata” sposta l'immaginario verso l'avventura, la libertà e, forse,
la fine di un lungo viaggio. La voce di Corvaglia si avvicina sempre più a
quella di Bernardo Lanzetti e le reminiscenze PFM periodo “Paspartù” sono
inevitabili. “Del Ritorno La Strada” sembra ricollegarsi concettualmente sia a "Io
Clochard" che al titolo stesso dell'album. La strada torna a essere
protagonista, questa volta con l'idea del ritorno, del bilancio o del percorso
a ritroso nel tempo. Il sound è molto compatto, con la sezione ritmica in
grande evidenza a sorreggere ricchi intrecci chitarristici, tastieristici e di
fiati. Una piccola capatina nel Jazz Prog. Il
brano che chiude l’opera s’intitola “Parole Nel Vento” ed è un altro movimento
che lascia spazio alla formula canzone tipica, adatta per addentrarsi nel mondo
Delirium. Una
menzione a parte per la bellissima cover di Alessandro Pozzi. Per
chi vi scrive, ad ora “Sesta Strada Lungo il Tempo” è il disco di Prog Italiano
dell’anno, sarà dura detronizzarlo dalla mia mente. MS
Versione Inglese:
DELIRIUM
I.P.G. - Sesta Strada Lungo il Tempo Black Widow Records Genre: Progressive Rock Format: LP / CD – 2026
When I still listen today to albums like “Sesta Strada
Lungo Il Tempo”, I realize that my love for Progressive Rock can never fade.
If, on top of that, it is created by a historic band like Delirium, then my
pleasure is amplified, and I say this because I perceive a passing of the torch
from the past that implies the immortality of the genre. In fact, the logo
changes to Delirium I.P.G. (International Progressive Group) with the addition
of new blood, always very well-known in the circuit, such as Fabio Chighini
(bass, vocals), Alessandro Corvaglia (vocals, keyboards, guitar, backing
vocals), Michele Cusato (guitar, backing vocals), and Enrico Tixi (drums,
percussion, backing vocals). Joining them are veteran members Ettore Vigo
(keyboards, vocals) and Martin Grice (woodwinds, backing vocals), as well as a
large line-up of special guests including Andrea Bottesini (narrator), Giulia
Ermirio (viola), Alice Vigo (vocals), Enrico Bianchi (backing vocals),
Raffaella Izzo (backing vocals), and The "Banda Deliranti Cantù"
(Maurizio, Nello, Ludovico, Catia, Grazia, Silvana, Annunziata). Conceptually and sonically, the album unfolds as a
true narrative concept album centered on the inexorable passing of time. The
band chooses to explore this theme by focusing its lens on stories and figures
on the fringes of society, a profound lyrical choice that paints urban and
human pictures of great emotional impact. This work preserves and evolves the band's historical
DNA. There is no shortage of the trademarks that made Delirium famous since the
1970s, such as the skillful use of the flute and arrangements enriched by
orchestrations and symphonic openings, creating a perfect bridge between the
glorious past of Italian Prog and a modern production. The concept could not have a better start than with a
twenty-two-minute suite (“Schiavo Della Viltà”), designed to eliminate any
doubt about the band's belonging to an everlasting historical context. It is a
succession of fluid movements, symphonic parts, sudden flute-driven
accelerations, and baroque keyboard openings. Lyrically, it is a deep and
dramatic journey into human weakness and cowardice (viltà, indeed), approached
with an almost theatrical intensity. This track alone is worth the price of the
album. This is not music indebted to foreign bands; rather, it thrives on a
typically Italian personality, namely Mediterranean flavor and attention to
pleasant melodies. The contribution of Grice's flute remains essential
throughout. With “Io Clochard”, we enter the heart of the theme
related to the underprivileged and those on the fringes of society that I
mentioned earlier. The track adopts a first-person perspective, giving a voice
to those who live on the street. Musically, the approach becomes more intimate
and touching, yet not devoid of that urban dramatic tension that characterizes
the band's current sound, where the melody of the flute dialogues with darker,
more realistic arrangements. “Il Riposo Del Pirata” shifts the imagery towards
adventure, freedom, and perhaps the end of a long journey. Corvaglia's vocals
draw closer and closer to those of Bernardo Lanzetti, and reminiscences of PFM
during the “Paspartù” era are inevitable. “Del Ritorno La Strada” seems conceptually linked to
both "Io Clochard" and the album title itself. The street returns as
the protagonist, this time with the idea of return, of taking stock, or of a
journey backward through time. The sound is very compact, with the rhythm
section in high evidence supporting rich guitar, keyboard, and woodwind
textures. A short foray into Jazz Prog. The track that closes the work is titled “Parole Nel
Vento” and is another movement that leaves room for the typical song formula,
well-suited for delving into the world of Delirium. A special mention goes to the beautiful cover artwork
by Alessandro Pozzi. For this writer, as of now, “Sesta Strada Lungo il
Tempo” is the Italian Prog album of the year; it will be hard to dethrone it
from my mind. MS
Nel
1987 i Queensrÿche venivano dal successo sotterraneo ma solido di “Rage For
Order” (1986), un album fortemente influenzato dal Synth Rock e dal look Glam futuristico,
che però aveva lasciato una parte della band e del management poco convinta.
Chris DeGarmo (chitarra) e Geoff Tate (voce) volevano qualcosa di più profondo
e viscerale. L'ispirazione
per la storia colpì Tate mentre si trovava a Montreal, in Canada. Frequentando
alcuni ambienti di attivisti politici e leggendo molto sui sistemi di
condizionamento mentale e sul terrorismo di stato, iniziò a delineare la figura
del Dr. X. La band si isolò poi nei Le Studio a Morin-Heights (famosi per aver
ospitato i Rush), in mezzo ai boschi canadesi, un ambiente perfetto per
concentrarsi e dare al disco quell'atmosfera fredda, paranoica e
claustrofobica. Il
vero colpo di genio a livello di suono fu la conferma del produttore britannico
Peter Collins, il quale non era un produttore metal classico perchè aveva un
orecchio Pop Rock molto raffinato e spinse la band a lavorare sulla forma canzone,
rendendo i pezzi memorabili e immediati nonostante la complessità della trama. Fu
proprio lui a capire che l'album doveva suonare come un film per le orecchie.
Per i dialoghi, i rumori di fondo (i passi, le porte che si chiudono, la
siringa, i cori da stadio di Anarchy-X) vennero assunti dei veri doppiatori. La
voce del Dr. X venne affidata all'attore Anthony Valentine, mentre per il ruolo
cruciale di Sister Mary fu ingaggiata Pamela Moore, che fino ad allora cantava
principalmente Pop e Soul. La Moore non aveva idea di cosa fosse il Progressive
Metal, ma la sua interpretazione drammatica in Suite Sister Mary rimarrà nella
storia. Per
legare il tutto e dare enfasi orchestrale ai momenti più drammatici, la band
chiamò Michael Kamen, famoso per le colonne sonore di "Die Hard", "Arma Letale" e
per aver lavorato con i Pink Floyd su "The Wall". Kamen arrangiò i violoncelli e
gli archi oscuri in “Suite Sister Mary” ed “Electric Requiem”, elevando l'opera
da semplice disco rock a vera e propria colonna sonora sinfonica. Quando
“Operation: Mindcrime” uscì nel maggio del 1988, l'accoglienza non fu unanime e
immediata, bensì a combustione lenta. Consideriamo che in quell’anno il mercato
dell'Heavy Metal americano era dominato da due estremi, il Glam/Hair Metal
californiano (Mötley Crüe, Poison, i primi Guns N' Roses) incentrato su feste e
divertimento, e il Thrash Metal emergente (Metallica, Megadeth) violento e
d'impatto. I
nostri invece cosa fanno? Arrivarono sul mercato con un concept cerebrale,
cupo, politico, che parlava di tossicodipendenza, lavaggio del cervello, preti
corrotti e assassini di stato! Negli
Stati Uniti, le radio inizialmente fecero fatica a passarlo perchè i brani
erano troppo legati tra loro e non si prestavano al facile ascolto. A salvare le
sorti commerciali dell'album e a trasformarlo nel successo platino che è oggi,
fu la rotazione massiccia su MTV.I video di “Eyes Of A
Stranger” e, soprattutto, la power ballad d'impatto “I Don't Believe In Love”
(che ricevette anche una nomination ai Grammy Awards nel 1990) iniziarono a
girare incessantemente. Il pubblico rimase affascinato dal look della band,
dalla potenza della voce di Geoff Tate e dalla complessità della trama. E il
successo a seguire fu planetario!
LA
STORIA BRANO PER BRANO
La
storia si sviluppa nell'America degli anni '80, cinica, corrotta e dominata dal
consumismo e dalle disuguaglianze. In questo scenario si muovono tre figure
principali: Nikki:
Il protagonista. Un giovane tossicodipendente, frustrato dalla società e
manipolabile, alla ricerca di uno scopo nella vita. Dr.
X: Il burattinaio. Un leader carismatico, occulto e demagogo che guida
un'organizzazione sotterranea che punta a rovesciare l'ordine costituito
attraverso il terrorismo. Sister
Mary (Suor Mary): Una ex prostituta salvata dalla strada e convertita in suora
dal Dr. X, che la usa sia per i propri bisogni sia per tenere legato a sé
Nikki. 1.
I Remember Now L'album
si apre in medias res, sentiamo i rumori di un ospedale. Nikki si trova in uno
stato quasi catatonico su un letto, piantonato dalla polizia. Un'infermiera gli
fa un'iniezione. Non appena la donna esce, la mente di Nikki si sblocca: i
ricordi iniziano a riaffiorare. “I remember now...”
2.
Anarchy-X Un
breve e potente strumentale marziale. Rappresenta visivamente e musicalmente
l'ascesa del movimento del Dr. X. È la colonna sonora del lavaggio del cervello
collettivo e del caos stradale.
3.
Revolution Calling Nikki
ricorda come è iniziato tutto. Era stanco dell'ingiustizia sociale, dei
politici corrotti e della povertà. Incontra il Dr. X, che gli offre una finta
soluzione, ossia una rivoluzione per ripulire il sistema. Nikki ci casca con
tutte le scarpe, diventando il braccio armato dell'organizzazione.
4.
Operation: Mindcrime Viene
svelato il piano. Il Dr. X ha sviluppato un sistema di controllo mentale basato
sulla dipendenza da eroina di Nikki e su condizionamenti psicologici. Basta la
parola d'ordine"Mindcrime"
per trasformare Nikki in un assassino robotico privo di volontà, pronto a
uccidere i bersagli politici indicati dal Dottore.
5.
Speak Nikki
esegue i primi omicidi politici. È convinto di agire per il bene comune, di
dare voce a chi non ce l'ha. La musica è serrata, riflette il fanatismo e
l'adrenalina delle prime missioni.
6.
Spreading The Disease Il
pezzo approfondisce la struttura corrotta che circonda il Dr. X. Qui viene introdotta
Sister Mary. Scopriamo che il Dr. X la sfrutta e finanzia la sua chiesa in
cambio di favori. Nikki incontra Mary: due anime spezzate e abusate dallo
stesso predatore finiscono inevitabilmente per legarsi.
7.
The Mission Nikki
è ormai un killer esperto, ma inizia a mostrare i primi cedimenti emotivi. Dopo
ogni omicidio torna in camera sua a consumare la sua dose, tormentato dai sensi
di colpa. Trova conforto solo nelle visite a Mary, perchè tra i due sta
nascendo un amore puro, l'unica cosa pulita in un mondo di fango.
8.
Suite Sister Mary Il
giro di boa e il capolavoro drammatico dell'album (oltre 10 minuti). Il
Dr. X si accorge che il legame tra Nikki e Mary è pericoloso. Nikki sta
riacquistando la sua umanità. Il Dottore lo convoca, gli passa la dose e
pronuncia la parola d'ordine. L'ordine è agghiacciante: “devi uccidere sia il
prete della parrocchia (Padre William) sia la stessa Mary”. Il
protagonista si reca da lei. C'è un tesissimo duetto lirico (interpretato da
Geoff Tate e Pamela Moore). Lui le confessa tutto, ma non riesce a ucciderla.
Decide di ribellarsi al Dr. X e lascia Mary, promettendole che tornerà dopo
aver chiuso i conti con il Dottore.
9.
The Needle Lies Nikki
affronta il Dr. X. Gli dice che è fuori dai giochi e che non ucciderà mai più,
ma il Dr. X ride di lui e gli ricorda una dura verità, ossia che la sua fedeltà
non è ideologica, ma chimica. “La siringa non mente”. Nikki è un
tossicodipendente e senza il Dottore non avrà la sua dose, così scappa,
disperato e in preda alla crisi d'astinenza.
10.
Electric Requiem Un
brano breve e cupo. Nikki, strafatto e delirante, torna da Mary per fuggire con
lei. Ma quando entra nella chiesa, fa la scoperta più terribile, Mary è morta,
apparentemente soffocata dal suo stesso rosario.
11.
Breaking The Silence Sconvolto
dal dolore, Nikki perde completamente la ragione e corre per le strade della
città urlando il nome di Mary. Il silenzio nella sua testa si è rotto per
sempre; non c'è più il controllo del Dr. X, c'è solo la follia della perdita.
12.
I Don't Believe In Love La
polizia lo cattura mentre vaga in stato confusionale con l'arma del delitto in
mano. Viene accusato dell'omicidio di Mary e di tutti i delitti politici della
"Operation Mindcrime". In questo brano, Nikki erige una barriera di
cinismo per non impazzire e dichiara di non credere più nell'amore, perché
l'amore porta solo dolore e distruzione.
13.
Waiting For 22 Un
breve intermezzo strumentale malinconico che scandisce il tempo che passa.
Rappresenta l'attesa di Nikki in cella o in manicomio (il "22"
potrebbe riferirsi alla stanza o al reparto psichiatrico).
14.
My Empty Room Nikki
è chiuso nella sua stanza d'ospedale. Guarda il vuoto. Isolatissimo, capisce di
essere stato usato da tutti: dal sistema, dal Dr. X, e che la sua intera
rivoluzione era solo una tragica menzogna. Resta solo il vuoto.
15.
Eyes Of A Stranger Il
finale grandioso. Il
cerchio si chiude. Nikki si guarda allo specchio ma non si riconosce. Nei suoi
stessi occhi vede solo lo sguardo di uno sconosciuto, un assassino. I ricordi
sono riemersi del tutto, la consapevolezza di ciò che ha fatto lo travolge e la
traccia sfuma esattamente con gli stessi suoni ospedalieri dell'inizio
dell'album. L'infermiera ripete la stessa identica battuta della prima traccia:
“I remember now”. Nikki è condannato a un loop eterno di senso di colpa e
follia.
Chi
ha ucciso Sister Mary?
Questo
è il grande mistero che i fan hanno discusso per anni. L'album lascia la
questione aperta, ma ci sono tre teorie principali: Il
Dr. X: Ha mandato un altro killer a finire il lavoro dopo il rifiuto di Nikki. Il
suicidio: Mary, non vedendo via d'uscita dalla sua vita di abusi, si è tolta la
vita. Nikki
stesso: In preda al lavaggio del cervello o a un blackout da droga, l'ha uccisa
senza rendersene conto o senza volerlo ricordare. Solo il sequel
"Operation: Mindcrime II" uscito nel 2006 svelerà una verità
specifica, ma per l'album originale del '88 il fascino sta proprio in questa
ambiguità hitchcockiana. Il Metal Prog non fu più lo stesso: Capolavoro!
Versione Inglese:
ONE ALBUM, ONE CONCEPT:
Queensrÿche – “Operation: Mindcrime”
Heavy Metal’s “The Wall”
In 1987, Queensrÿche were coming off the underground
yet solid success of “Rage For Order” (1986), an album heavily influenced by
Synth Rock and a futuristic Glam look. However, it had left part of the band
and management somewhat unconvinced. Chris DeGarmo (guitar) and Geoff Tate
(vocals) wanted something deeper and more visceral. The inspiration for the story struck Tate while he was
in Montreal, Canada. By hanging around political activist circles and reading
extensively about mental conditioning systems and state terrorism, he began to
outline the figure of Dr. X. The band then isolated themselves at Le Studio in
Morin-Heights (famous for hosting Rush) deep in the Canadian woods—a perfect
environment to focus and give the record that cold, paranoid, and
claustrophobic atmosphere. The real stroke of genius regarding the sound was the
confirmation of British producer Peter Collins. He wasn’t a conventional metal
producer; he possessed a highly refined Pop Rock ear and pushed the band to
work on the song structures, making the tracks memorable and immediate despite
the complexity of the plot. It was Collins himself who understood that the album
needed to sound like a movie for the ears. Real voice actors were hired for the
dialogues and background noises (footsteps, slamming doors, the syringe, the
stadium-like chants on Anarchy-X). The voice of Dr. X was assigned to actor
Anthony Valentine, while for the crucial role of Sister Mary, they recruited
Pamela Moore, who until then had mainly sung Pop and Soul. Moore had no idea
what Progressive Metal was, but her dramatic performance in Suite Sister Mary
will go down in history. To tie everything together and add orchestral emphasis
to the most dramatic moments, the band called in Michael Kamen, famous for the
soundtracks of Die Hard and Lethal Weapon, as well as for his work with Pink
Floyd on The Wall. Kamen arranged the cellos and dark strings in “Suite Sister
Mary” and “Electric Requiem”, elevating the work from a simple rock record to a
true symphonic soundtrack. When “Operation: Mindcrime” was released in May 1988,
its reception was not unanimous or immediate, but rather a slow burn. We must
consider that in that year, the American Heavy Metal market was dominated by
two extremes: Californian Glam/Hair Metal (Mötley Crüe, Poison, early Guns N' Roses)
centered on partying and fun, and the emerging Thrash Metal (Metallica,
Megadeth), violent and high-impact. What did our guys do instead? They hit the market with
a cerebral, dark, political concept album that dealt with drug addiction,
brainwashing, corrupt priests, and state-sponsored assassins! In the United States, radio stations initially
struggled to play it because the tracks were too interconnected and didn't lend
themselves to easy listening. What saved the album's commercial fortunes and
transformed it into the platinum success it is today was its massive rotation
on MTV. The videos for “Eyes Of A Stranger” and, above all, the impactful power
ballad “I Don't Believe In Love” (which even received a Grammy Award nomination
in 1990) began to air incessantly. The public was fascinated by the band's
look, the power of Geoff Tate's voice, and the complexity of the plot. The
subsequent success was global!
THE STORY TRACK BY TRACK
The story unfolds in 1980s America—cynical, corrupt,
and dominated by consumerism and inequality. Three main figures move within
this scenario: Nikki: The protagonist. A young drug addict,
frustrated by society and easily manipulated, searching for a purpose in life. Dr. X: The puppet master. A charismatic, shadowy,
demagogic leader who heads an underground organization aiming to overthrow the
established order through terrorism. Sister Mary: An ex-prostitute saved from the streets
and converted into a nun by Dr. X, who uses her both for his own needs and to
keep Nikki tied to him.
1. I Remember Now
The album opens in medias res; we hear hospital
noises. Nikki is in a near-catatonic state on a bed, guarded by the police. A
nurse gives him an injection. As soon as the woman leaves, Nikki's mind
unlocks: memories begin to resurface. “I remember now...”
2. Anarchy-X
A brief and powerful martial instrumental. It visually
and musically represents the rise of Dr. X's movement. It is the soundtrack to
collective brainwashing and street chaos.
3. Revolution Calling
Nikki remembers how it all started. He was tired of
social injustice, corrupt politicians, and poverty. He meets Dr. X, who offers
him a fake solution: a revolution to clean up the system. Nikki falls for it
hook, line, and sinker, becoming the armed wing of the organization.
4. Operation: Mindcrime
The plan is revealed. Dr. X has developed a
mind-control system based on Nikki's heroin addiction and psychological
conditioning. The code word "Mindcrime" is all it takes to turn Nikki
into a mindless, robotic assassin, ready to eliminate the political targets
indicated by the Doctor.
5. Speak
Nikki carries out his first political assassinations.
He is convinced he is acting for the common good, giving a voice to the voiceless.
The music is tight, reflecting the fanaticism and adrenaline of the early
missions.
6. Spreading the Disease
The track delves into the corrupt structure
surrounding Dr. X. Here, Sister Mary is introduced. We discover that Dr. X
exploits her and funds her church in exchange for favors. Nikki meets Mary: two
broken souls abused by the same predator inevitably end up bonding.
7. The Mission
Nikki is now an experienced killer, but he begins to
show the first signs of emotional cracking. After every assassination, he
returns to his room to consume his dose, tormented by guilt. He finds solace
only in his visits to Mary, as a pure love is blossoming between the two—the
only clean thing in a world of filth.
8. Suite Sister Mary
The turning point and the dramatic masterpiece of the
album (over 10 minutes long). Dr. X realizes that the bond between Nikki and Mary is
dangerous; Nikki is regaining his humanity. The Doctor summons him, hands over
his dose, and utters the code word. The order is chilling: “You must kill both
the parish priest (Father William) and Mary herself.” The protagonist goes to her. A highly tense operatic
duet follows (performed by Geoff Tate and Pamela Moore). He confesses
everything to her but cannot bring himself to kill her. He decides to rebel
against Dr. X and leaves Mary, promising her that he will return after settling
scores with the Doctor.
9. The Needle Lies
Nikki confronts Dr. X. He tells him he is out of the
game and will never kill again, but Dr. X laughs at him and reminds him of a
harsh truth: his loyalty is not ideological, it is chemical. “The needle lies.”
Nikki is an addict, and without the Doctor, he won't get his fix. He runs away,
desperate and in the throes of withdrawal.
10. Electric Requiem
A short, somber track. Nikki, high and delirious,
returns to Mary to escape with her. But when he enters the church, he makes the
most terrible discovery: Mary is dead, apparently choked by her own rosary.
11. Breaking the Silence
Shattered by grief, Nikki completely loses his mind
and runs through the city streets screaming Mary's name. The silence in his
head has broken forever; Dr. X's control is gone, replaced only by the madness
of loss.
12. I Don't Believe in Love
The police capture him while he wanders in a daze,
holding the murder weapon. He is accused of Mary's murder and all the political
crimes of "Operation Mindcrime". In this song, Nikki builds a wall of
cynicism to keep from going insane, declaring that he no longer believes in
love, because love only brings pain and destruction.
13. Waiting for 22
A brief, melancholic instrumental interlude that marks
the passing of time. It represents Nikki's wait in a prison cell or an asylum
(the "22" could refer to the room or the psychiatric ward).
14. My Empty Room
Nikki is locked in his hospital room, staring into
space. Completely isolated, he realizes he was used by everyone: by the system,
by Dr. X, and that his entire revolution was just a tragic lie. Only emptiness
remains.
15. Eyes of a Stranger
The grand finale. The circle closes. Nikki looks at himself in the
mirror but does not recognize himself. In his own eyes, he sees only the gaze
of a stranger—a killer. His memories have fully resurfaced, the awareness of
what he has done overwhelms him, and the track fades out with the exact same
hospital sounds from the beginning of the album. The nurse repeats the very
same line from the first track: “I remember now”. Nikki is condemned to an
eternal loop of guilt and madness.
Who killed Sister Mary?
This is the great mystery that fans have debated for
years. The album leaves the question open, but there are three main theories: Dr. X: He sent another hitman to finish the job after
Nikki's refusal. Suicide: Mary, seeing no way out of her abusive life,
took her own life. Nikki himself: Brainwashed or during a drug blackout,
he killed her without realizing it or without wanting to remember it. Only the
sequel “Operation: Mindcrime II”, released in 2006, would reveal a specific
truth, but for the original '88 album, the charm lies precisely in this
Hitchcockian ambiguity.
COWARDS
– Can You Hear Me? Bloody
Sound Genere:
Noise / Post Punk Supporto: LP / CD / Digital – 2026
Il
power trio di Recanati è pronto a tornare. A poco più di un anno dall'ottimo e
catartico “God Hates Cowards” uscito a febbraio 2025, i Cowards hanno fissato
la release del loro nuovo lavoro sulla lunga distanza, intitolato "Can You
Hear Me?", per il prossimo 19 giugno 2026, sempre sotto l'egida della
fedele etichetta indipendente marchigiana Bloody Sound. Il
disco precedente rappresentava una ripartenza dolorosa e viscerale purtroppo segnata
dalla tragica scomparsa del batterista fondatore Peppe Carella e dall'esigenza
di esorcizzare i propri demoni interiori, questo nuovo capitolo segna invece un'importante
evoluzione sia lirica che sonora. Luca
Piccinini (voce, chitarra), Giulia Tanoni (voce, basso) e Michele Prosperi
(batteria) scelgono di allargare lo sguardo dal piano prettamente individuale e
personale a quello collettivo. Il disagio, l'ansia e le tensioni non sono più
visti solo come ombre del singolo, ma come il riflesso e la risposta emotiva
alle condizioni sistemiche e sociali del nostro tempo. Dal
punto di vista sonoro, la band rimane saldamente ancorata alle sue radici
radicate negli anni '90, muovendosi in quel territorio affascinante in cui
coesistono Noise Rock e Post Punk spigoloso e abrasivo. Non esulano stratificazioni
chitarristiche figlie dello Shoegaze e neppure echi di Grunge. All’ascolto
la vera cifra stilistica di questo album sembra essere la gestione dei
contrasti, un suono crudo e saturo che fa da contraltare all'alternanza vocale
tra Luca e Giulia, perennemente in bilico tra estrema fragilità e urgenza
espressiva. A
tracciare la rotta del disco ci ha pensato il singolo di lancio "Fear Of
Fear", pubblicato a maggio. «La
paura fa paura, ci limita e ci condiziona. Ma è una tigre di carta, basta
affrontarla per sconfiggerla.». Il
pezzo affronta la paura non come un sentimento passeggero, ma come un
meccanismo sociale e mentale autosufficiente che si autoalimenta fino a
paralizzarci. Musicalmente si sviluppa su una sezione ritmica serrata, ipnotica
e insistente, sorretta da un muro di chitarre instabile e denso che esplode nei
momenti di massima tensione emotiva. L’album
composto di otto canzoni, si apre invece con “Devils” che ha il compito di
spalancare violentemente le porte del loro nuovo universo sonoro. Qui la band gioca
con feedback di chitarra o linee di basso sature e pulsantiprima
che la batteria di Michele Prosperi detti un tempo serrato e inquieto.Le
chitarre di Luca Piccinini sono taglienti, stratificate e sorrette da una
distorsione acida.I "Devils" dei Cowards sono i
condizionamenti esterni, le pressioni della società contemporanea,
l'alienazione e i falsi idoli che la quotidianità ci impone e che finiscono per
logorarci dall'interno. Dopo
il singolo è la volta di “Tell Me”, qui i battiti rallentano spostando le
coordinate su un terreno molto più intimo, obliquo e ipnotico.Luca
Piccinini mette momentaneamente da parte le rasoiate Post Punk per lavorare su
arpeggi liquidi, saturazioni dilatate ed effetti (delay, riverberi) che creano
un tappeto sonoro avvolgente e quasi psichedelico.Michele
Prosperi e Giulia Tanoni abbandonano la frenesia dei brani precedenti per
assestarsi su un mid-tempo circolare, un calore pulsante che culla
l'ascoltatore pur mantenendo una costante sensazione di sottile inquietudine.
Il brano parla di incomunicabilità, isolamento e della ricerca di un contatto
autentico. Segue
“9 Minutes”, il brano più lungo dell’album grazie ai suoi otto minuti
abbondanti e musicalmente siamo di fronte all'episodio più ambizioso e
strutturato, una sorta di mini suite dove il power trio esaspera la dinamica
"piano/forte" tipica del Post Rock più viscerale e del Grunge di
matrice Seattle.Nella seconda metà, il pezzo esplode in
un muro di suono Noise Rock impressionante. Le chitarre si saturano
completamente diventando una colata di feedback e distorsioni, mentre la
sezione ritmica picchia duro senza sconti. Non c'è più spazio per la melodia
eterea, solo per un'urgenza espressiva totale e devastante. In
“Mad World” il movimento èguidato da un riff di chitarra
ossessivo e fangoso, il basso è gonfio e saturo di overdrive. Il "mondo
matto" dei Cowards è una società schizofrenica, iper-connessa ma
profondamente disumanizzata, dove l'empatia sembra essere diventata un lusso e
dove siamo costantemente bombardati da stimoli, performance richieste e
conflitti. Non c'è moralismo nel testo, ma una lucida e amara constatazione,
ossia che l'assurdità è diventata la nuova normalità. “Bad
Trip” è un incubo a occhi aperti che si traduce in una delle tracce più
destabilizzanti, ipnotiche e disturbanti dell’album. Sicuramente live ha una
presa davvero trascinante. “Your
Party Is Gravy” e “No Return” chiudono un disco che è una botta alla mente,la
risposta Noise a un mondo che ha smesso di ascoltare. MS
Versione Inglese:
COWARDS
– Can You Hear Me? Bloody
Sound Genre:
Noise / Post Punk Format:
LP / CD / Digital – 2026
The power trio from Recanati is ready to return. Just
over a year after the excellent and cathartic “God Hates Cowards”—released in
February 2025—Cowards have set the release date for their new full-length
effort, titled "Can You Hear Me?", for this coming June 19, 2026,
once again under the aegis of their loyal, Marche-based independent label
Bloody Sound. While their previous record represented a painful and
visceral restart, unfortunately marked by the tragic passing of founding
drummer Peppe Carella and the need to exorcise their inner demons, this new
chapter marks an important evolution in both lyrics and sound. Luca Piccinini (vocals, guitar), Giulia Tanoni
(vocals, bass), and Michele Prosperi (drums) choose to broaden their gaze from
a purely individual, personal level to a collective one. Hardship, anxiety, and
tension are no longer seen merely as the shadows of the individual, but as the
reflection of and emotional response to the systemic and social conditions of
our time. From a sonic standpoint, the band remains firmly
anchored to its roots in the '90s, moving within that fascinating territory
where Noise Rock and sharp, abrasive Post-Punk coexist. There is no shortage of
guitar layering born out of Shoegaze, nor echoes of Grunge. Upon listening, the
true stylistic hallmark of this album seems to be the management of contrasts—a
raw, saturated sound acting as a counterweight to the alternating vocals
between Luca and Giulia, perennately balanced between extreme fragility and
expressive urgency. Steering the course of the record was the lead single
"Fear Of Fear", published in May. «Fear is scary, it limits and conditions us. But it is
a paper tiger; you just have to face it to defeat it.» The track tackles fear not as a fleeting feeling, but
as a self-sustaining social and mental mechanism that feeds on itself until it
paralyzes us. Musically, it develops over a tight, hypnotic, and insistent
rhythm section, backed by an unstable, dense wall of guitars that explodes in
moments of maximum emotional tension. The album, composed of eight songs, opens instead with
“Devils”, which has the task of violently throwing open the doors to their new
sonic universe. Here, the band plays with guitar feedback or saturated,
pulsating basslines before Michele Prosperi's drums dictate a tight, restless
tempo. Luca Piccinini's guitars are sharp, layered, and sustained by an acidic
distortion. Cowards' "Devils" are the external conditioning, the
pressures of contemporary society, the alienation, and the false idols that
daily life imposes on us, which end up wearing us down from the inside. Following the single, it is time for “Tell Me”. Here,
the beats slow down, shifting the coordinates toward a much more intimate,
oblique, and hypnotic terrain. Luca Piccinini temporarily sets aside his
Post-Punk razor cuts to work on liquid arpeggios, dilated saturations, and
effects (delay, reverb) that create an enveloping, almost psychedelic
soundscape. Michele Prosperi and Giulia Tanoni abandon the frenzy of the
previous tracks to settle into a circular mid-tempo, a pulsating warmth that
cradles the listener while maintaining a constant sense of subtle unease. The
song speaks of a breakdown in communication, isolation, and the search for an
authentic connection. Next comes “9 Minutes”, the longest track on the album
at just over eight minutes. Musically, we are facing the most ambitious and
structured episode—a sort of mini-suite where the power trio exacerbates the
"loud/quiet" dynamics typical of the most visceral Post-Rock and
Seattle-style Grunge. In the second half, the piece explodes into an awesome
wall of Noise Rock sound. The guitars saturate completely, becoming a downpour
of feedback and distortion, while the rhythm section hits hard without
compromise. There is no more room for ethereal melody, only for a total and
devastating expressive urgency. In “Mad World”, the movement is driven by an
obsessive, muddy guitar riff, with the bass swollen and saturated with
overdrive. Cowards' "mad world" is a schizophrenic, hyper-connected
yet deeply dehumanized society, where empathy seems to have become a luxury and
where we are constantly bombarded by stimuli, performance demands, and
conflicts. There is no moralism in the lyrics, but rather a lucid, bitter
realization: that absurdity has become the new normal. “Bad Trip” is an open-eyed nightmare that translates
into one of the most destabilizing, hypnotic, and disturbing tracks on the
album. It will surely have a truly gripping hold live. “Your Party Is Gravy” and “No Return” close a record
that is a blow to the mind—the Noise response to a world that has stopped
listening. MS
REALE ACCADEMIA DI MUSICA – Da Che
Tempo E’ Tempo M.P.
& Records / G.T. Music Distribution Genere: Progressive Rock Supporto: EP limited edition 150
copie (red) / CD (Giappone) - 2026
Anch’io,
“da che tempo è tempo”, ho amato i Reale Accademia Di Musica di Pericle
Sponzilli in maniera smisurata. Sono molto legato a quel capolavoro datato 1972
dal titolo omonimo, anche se ho provato altresì grandi emozioni in tempi più
recenti con album come “Angeli Mutanti” (2018) e “Lame Di Luce” (2022);
tuttavia è la discografia completa di sette album in studio che mi ha sempre
saputo entusiasmare. Il perché è semplice, la musica proposta ha sempre curato
molto la parte melodica delle composizioni ed è stata perfettamente bilanciata
con la tecnica che il Progressive Rock generalmente richiede. Grazie
al minuzioso lavoro delle edizioni musicali Micio Poldo, oggi possiamo godere
di un'altra piccola gemma sonora, mirata soprattutto a chi fa della musica un
culto. “Da Che Tempo E’ Tempo” è un 12" a 33 giri di colore rosso che
contiene due brani: “Da Che Tempo E’ Tempo”, una mini suite di nove minuti
composta da Sponzilli con testi di Massimo Altomare, e “Favola”, canzone del
primo album qui rivisitata in una nuova veste. La formazione è completata da
Elio Volpini al basso e dal purtroppo recentemente scomparso Walter Martino
(batteria), al quale viene dedicato il disco. In Giappone uscirà invece un CD
con questi due pezzi come bonus tracks, assieme al meglio degli ultimi due
album della Reale Accademia di Musica, “Angeli Mutanti” e “Lame di Luce”. Riascoltare
“Favola” con sonorità così cristalline è una forte emozione, così come la voce
toccante di Sponzilli. Un grande classico senza tempo e ora senza polvere. Ma
veniamo al piatto forte dell’EP, “Da Che Tempo E’ Tempo”: esso è il sunto di
quello che il Progressive Rock ci ha insegnato in oltre cinquant’anni di storia
e, come ho anticipato in precedenza, è attento alle melodie di facile
memorizzazione. “E’
una scelta il tempo….” Bella visione di ciò che inesorabilmente passa e se ne
va. Buone le parti di chitarra e quando sopraggiungono su di esse i synth,
allora lo scenario si fa ampio e strutturato. La vera poesia non ha fretta, si
concede il lusso di nove minuti di pura magia per fermare il tempo stesso. Per
vostra curiosità, i brani contenuti nel CD giapponese saranno dieci, mentre
l’artwork e la grafica sono a cura di OndemediE. Reale
Accademia Di Musica, il battito immutato del Prog Italiano incanalato nel
lirismo d'altri tempi e nella moderna maturità, il tutto racchiuso in un solco
di vinile rosso. MS
Versione Inglese:
REALE
ACCADEMIA DI MUSICA – Da Che Tempo E’ Tempo M.P. & Records / G.T. Music Distribution Genre: Progressive Rock Format: Limited edition 150-copy EP (red vinyl) / CD (Japan)
- 2026
I too, "since time immemorial," have
immensely loved Pericle Sponzilli's Reale Accademia Di Musica. I am deeply
attached to that 1972 self-titled masterpiece, although I have also experienced
great emotions in more recent times with albums like “Angeli Mutanti” (2018)
and “Lame Di Luce” (2022); nevertheless, it is their complete discography of
seven studio albums that has always managed to thrill me. The reason is simple:
the music they offer has always focused heavily on the melodic side of the
compositions, perfectly balanced with the technical proficiency that
Progressive Rock generally demands. Thanks to the meticulous work of Micio Poldo music
publishing, today we can enjoy another small sonic gem, aimed especially at
those who treat music as a cult. “Da Che Tempo E’ Tempo” is a 12" 33 rpm
red vinyl containing two tracks: “Da Che Tempo E’ Tempo”, a nine-minute
mini-suite composed by Sponzilli with lyrics by Massimo Altomare, and “Favola”,
a song from their first album, here revisited in a new guise. The line-up is
completed by Elio Volpini on bass and the unfortunately recently deceased
Walter Martino (drums), to whom the record is dedicated. In Japan, instead, a
CD will be released featuring these two pieces as bonus tracks, alongside the
best of the last two albums by Reale Accademia di Musica, “Angeli Mutanti” and
“Lame di Luce”. Listening to “Favola” again with such crystalline
soundscapes is a powerful emotion, as is Sponzilli's touching voice. A great
timeless classic, now dusted off and pristine. But let's get to the main course of the EP, “Da Che
Tempo E’ Tempo”: it is the epitome of what Progressive Rock has taught us over
more than fifty years of history and, as I mentioned earlier, it is highly
attentive to easily memorable melodies. “E’
una scelta il tempo….” (Time
is a choice...) A beautiful vision of what inexorably passes and fades away.
The guitar parts are good, and when the synths layer over them, the soundscape
becomes wide and beautifully structured. True poetry is never in a hurry; it
allows itself the luxury of nine minutes of pure magic to freeze time itself. For your curiosity, the tracks included in the
Japanese CD will be ten, while the artwork and graphics are by OndemediE. Reale Accademia Di Musica: the unaltered heartbeat of
Italian Prog channeled into the lyricism of yesteryear and modern maturity, all
enclosed within the groove of a red vinyl. MS
