Psycho Praxis

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: LP / CD - 2012

È doveroso ridare voce a questo lavoro della band bresciana Psycho Praxis: è inconcepibile che un disco simile resti nell'ombra. Sebbene nell'anno della sua uscita, il 2012, abbia ricevuto recensioni discrete, il suo reale valore qualitativo è superiore a quanto allora sostenuto dalla critica. Nonostante la partecipazione al Veruno 2Days Prog +1 nel 2013, “Echoes From The Deep” è scivolato troppo presto nel dimenticatoio, eppure, riascoltato oggi e confrontato con le produzioni attuali, si rivela un'opera straordinaria.
Siete amanti del Prog italiano anni '70 e di pilastri come Genesis, Camel, Jethro Tull, Pink Floyd, Van Der Graaf Generator o Osanna? Allora mettetevi comodi e avventuratevi in questo ascolto.
L'allora giovane formazione schierava Paolo Vacchelli (chitarre), Matteo Marini (basso e chitarra acustica), Paolo Tognazzi (tastiere e glockenspiel), Andrea Calzoni (voce e flauto) e Matteo Tognazzi (batteria). I musicisti non disdegnano passaggi vigorosi in territori Hard Prog, ma eccellono soprattutto nelle scorribande strumentali, capaci di regalare brividi agli appassionati. La voce di Calzoni è ottima, potente, misurata e a tratti accostabile al timbro di Bernardo Lanzetti.
Già “Privileged Station” è un brano che fugge e si rincorre, mettendo in risalto un amalgama invidiabile e una capacità compositiva fuori dal comune, sorprendente se si considera che parliamo di un debutto. In certi passaggi evocano gli Atomic Rooster in chiave Progressive Rock, con cambi di ritmo che richiamano i Pink Floyd di “Echoes”. Il flauto, invece, omaggia lo stile energico di Ian Anderson. Dominato dall'organo, questo è probabilmente l'episodio più potente del disco, con un finale chitarristico in pieno stile Genesis.
Segue “PSM”, un brano puramente Prog dall'atmosfera gotica e inquietante, enfatizzata dai sintetizzatori. L'outro d'organo suona sinistro per tutta la durata, inseguito da una chitarra elettrica in stato di grazia.
“Hoodlums” è una vera chicca: fonde venature Blues a una melodia coinvolgente, vicina al sound nordico di band come gli Änglagård. Il ritornello è trascinante, pur avendo un sapore familiare. Da sottolineare l'eccellente sezione ritmica e la prova vocale di Calzoni, oltre a un passaggio psichedelico di flauto di rara bellezza.
In “Black Crow”, le influenze dei Genesis anni '70 si mescolano a quelle del Banco Del Mutuo Soccorso, un connubio che parla da sé. Segue il potente strumentale “Awareness”, guidato dall'organo Hammond e caratterizzato da un incedere degno di una colonna sonora horror.
Chiude il disco la splendida “Noon”, un brano che non si vorrebbe veder finire mai, impreziosito da inserti Jazz e richiami agli olandesi Focus.
“Echoes From The Deep” merita giustizia. È inaccettabile che una gemma simile venga ignorata o sommersa da produzioni mediocri. Psycho Praxis, dove siete? Tornate: vi dobbiamo delle scuse. MS

Versione inglese: 

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Label: Black Widow Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD (2012)

It is only right to give a voice back to this work by the Brescia-based band Psycho Praxis: it is inconceivable that such a record remains in the shadows. Although it received decent reviews upon its release in 2012, its true qualitative value far exceeds what the critics claimed at the time. Despite their appearance at the 2013 Veruno 2Days Prog +1, “Echoes From The Deep” slipped into obscurity far too soon. Yet, listened to today and compared with current productions, it reveals itself as an extraordinary work.
Are you a lover of 1970s Italian Prog and pillars such as Genesis, Camel, Jethro Tull, Pink Floyd, Van Der Graaf Generator, or Osanna? Then make yourself comfortable and venture into this listening experience.
The then-young lineup featured Paolo Vacchelli (guitars), Matteo Marini (bass and acoustic guitar), Paolo Tognazzi (keyboards and glockenspiel), Andrea Calzoni (vocals and flute), and Matteo Tognazzi (drums). The musicians do not shy away from vigorous passages into Hard Prog territories, but they especially excel in instrumental excursions capable of giving fans the chills. Calzoni’s vocals are excellent: powerful, measured, and at times reminiscent of Bernardo Lanzetti’s timbre.
Right from the start, “Privileged Station” is a track that flees and chases itself, highlighting an enviable chemistry and an extraordinary compositional skill—all the more surprising considering it is a debut. In certain passages, they evoke Atomic Rooster in a Progressive Rock key, with rhythm changes that recall Pink Floyd’s “Echoes.” The flute, meanwhile, pays homage to the energetic style of Ian Anderson. Dominated by the organ, this is likely the most powerful episode on the record, featuring a guitar finale in pure Genesis style.
Next is “PSM,” a purely Prog track with a gothic and haunting atmosphere emphasized by synthesizers. The organ outro sounds sinister throughout, pursued by an electric guitar in a state of grace.
“Hoodlums” is a true gem: it blends bluesy undertones with an engaging melody, close to the Nordic sound of bands like Änglagård. The chorus is infectious, despite having a familiar feel. The excellent rhythmic section and Calzoni’s vocal performance deserve mention, along with a psychedelic flute passage of rare beauty.
In “Black Crow,” 1970s Genesis influences mix with those of Banco Del Mutuo Soccorso—a combination that speaks for itself. This is followed by the powerful instrumental “Awareness,” led by the Hammond organ and characterized by a pace worthy of a horror movie soundtrack.
The record closes with the splendid “Noon,” a track you never want to end, embellished with Jazz inserts and nods to the Dutch band Focus.
“Echoes From The Deep” deserves justice. It is unacceptable for such a gem to be ignored or buried under a mountain of mediocre productions. Psycho Praxis, where are you? Come back: we owe you an apology. MS

Georgeanne Kalweit

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Etichetta: NOS Records
Genere: Rock Psichedelico / Alternative Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Spesso, nella musica, non occorrono grandi sovrastrutture per colpire l’animo dell’ascoltatore, sono sufficienti eleganza e buone idee compositive. Su queste basi ha costruito la propria carriera Georgeanne Kalweit, cantautrice, artista visiva e performer. Originaria di Minneapolis ma residente in Italia da oltre trent’anni, ha dedicato la propria vita all’arte e alla sperimentazione sonora.
Dopo le esperienze con i Delta V (2000–2004), i Kalweit And The Spokes (2009–2015) e il The Kalweit Project (2016–2020), l’autrice ritorna con un’opera strettamente personale e intimista, in cui voce, scrittura ed estetica si fondono perfettamente. Il suo percorso vanta collaborazioni di prestigio con artisti del calibro di The Dining Rooms, Vinicio Capossela e Calibro 35.
Le fondamenta di “Tiny Space” vengono gettate nel 2022 al suo trasferimento a Milano. Reduce da un divorzio, Georgeanne inizia a comporre le bozze del nuovo album utilizzando un organo Bontempi e una tastiera Technics. Il risultato finale è un insieme di dieci tracce, racchiuse in una copertina a tecnica mista realizzata dalla stessa cantante, con la grafica curata da Stefano Siboni.
A livello sonoro emergono influenze riconducibili a PJ Harvey e ai Velvet Underground di Lou Reed, alternando momenti più ruvidi all’Indie Pop statunitense. Ad accompagnare Georgeanne (voce e tastiere) troviamo i musicisti Giovanni Ferrario (basso, tastiere, programmazione), Lorenzo Corti (chitarra, organo), Beppe Mondini (batteria) e Diego Sapignoli (batteria, vibrafono).
L’album è introdotto dalla title track, “Tiny Space”, il cui video anticipa un viaggio sonoro che esplora il dolore per una perdita affettiva e la volontà di guarire. In poco più di tre minuti, l’artista emerge come da una soffice nuvola psichedelica anni ’60, guidata da melodie sognanti e aggraziate. Segue “Egoverse”, un brano costruito su poche note e strumenti quasi sussurrati, dove la voce della Kalweit gioca con tonalità diverse senza mai eccedere. Il tema centrale è il desiderio di affermazione che si scontra con l'insicurezza, sfociando in una sorta di autocensura.
La voglia di rimettersi in gioco dopo una delusione amorosa e la necessità di riconquistare la fiducia in se stessi animano “Heavenly Thoughts”, una ballata malinconica sempre incline a venature psichedeliche. Proseguendo nell'ascolto il ritmo si alza, sfociando in un Post-Punk incalzante arricchito da effetti eco e inserti elettronici. Sulla stessa scia tematica si inserisce “Call An Ambulance”, dove il suono si fa minimale per dare massimo risalto alla parola.
I toni si accendono con “Ten Pins”, un brano in crescendo che utilizza il bowling come allegoria per descrivere il crollo di una relazione conflittuale. Le tastiere accompagnano poi la malinconica “Soft Shoulder”, esplorando fragilità che ricordano certe atmosfere dei Radiohead, mentre “Crystal Clear” celebra la rinascita post-rottura con un vigore vicino allo stile di PJ Harvey, impreziosito da cori e suoni distanti che donano profondità all’ascolto.
Il disco prepara poi l'ascoltatore a una nuova stagione della vita con “Fumbling Through February”: il mese di febbraio diventa metafora della primavera che si prepara sotto il gelo. La traccia è delicata e piacevole, pur mantenendo l'impronta psichedelica del lavoro. In “International Intrigue Time Zone”, l’autrice si affida all’istinto per tracciare un percorso sensuale in cui la perdita di controllo diventa piacere. È uno dei momenti più sperimentali dell’album, caratterizzato da soluzioni elettroniche e un ottimo gioco vocale.
La chiusura è affidata a “Bullet Holes”, due minuti minimali e dal piglio marziale. La bravura di Georgeanne Kalweit risiede nel saper coniugare tematiche forti e private a una musica che si fa perfetta narratrice dei sentimenti, messi a nudo senza troppi fronzoli. Si bada al sodo e ci si emoziona insieme a lei: in fondo, è proprio questo il senso della musica. MS

(Uscita 20 / 03 / 2026)

Versione Inglese:

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Label: NOS Records
Genre: Psychedelic Rock / Alternative Rock
Format: CD / Digital – 2026

Often, in music, grand structures aren't necessary to strike the listener's soul; elegance and strong compositional ideas are enough. It is on these foundations that Georgeanne Kalweit—singer-songwriter, visual artist, and performer—has built her career. Originally from Minneapolis but a resident of Italy for over thirty years, she has dedicated her life to art and sonic experimentation.
After her experiences with Delta V (2000–2004), Kalweit And The Spokes (2009–2015), and The Kalweit Project (2016–2020), the artist returns with a deeply personal and intimate work where voice, songwriting, and aesthetics merge perfectly. Her career boasts prestigious collaborations with the likes of The Dining Rooms, Vinicio Capossela, and Calibro 35.
The foundations of “Tiny Space” were laid in 2022 upon her move to Milan. Following a divorce, Georgeanne began composing the sketches for the new album using a Bontempi organ and a Technics keyboard. The final result is a collection of ten tracks, encased in mixed-media cover art created by the singer herself, with graphics by Stefano Siboni.
Sonically, influences traceable to PJ Harvey and Lou Reed’s Velvet Underground emerge, alternating between grittier moments and American Indie Pop. Accompanying Georgeanne (vocals and keyboards) are musicians Giovanni Ferrario (bass, keyboards, programming), Lorenzo Corti (guitar, organ), Beppe Mondini (drums), and Diego Sapignoli (drums, vibraphone).
The album is introduced by the title track, “Tiny Space,” whose video previews a sonic journey exploring the pain of emotional loss and the will to heal. In just over three minutes, the artist emerges as if from a soft 1960s psychedelic cloud, guided by dreamy, graceful melodies. This is followed by “Egoverse,” a song built on a few notes and nearly whispered instruments, where Kalweit’s voice plays with different registers without ever overreaching. The central theme is the desire for self-assertion clashing with insecurity, resulting in a kind of self-censorship.
The desire to get back into the game after a heartbreak and the need to regain self-confidence drive “Heavenly Thoughts,” a melancholy ballad always leaning toward psychedelic nuances. As the listening progresses, the tempo picks up, flowing into an urgent Post-Punk enriched by echo effects and electronic inserts. On the same thematic wave is “Call An Ambulance,” where the sound becomes minimal to give maximum prominence to the lyrics.
The tone shifts with “Ten Pins,” a building track that uses bowling as an allegory for the collapse of a conflicted relationship. Keyboards then accompany the melancholic “Soft Shoulder,” exploring fragilities reminiscent of certain Radiohead atmospheres, while “Crystal Clear” celebrates post-breakup rebirth with a vigor close to PJ Harvey's style, enhanced by backing vocals and distant sounds that provide depth.
The record then prepares the listener for a new season of life with “Fumbling Through February”: the month of February becomes a metaphor for spring preparing beneath the frost. The track is pleasant and delicate, yet maintains the album's psychedelic imprint. In “International Intrigue Time Zone,” the author relies on instinct to trace a sensual path where losing control becomes pleasurable. This is one of the most experimental moments of the album, characterized by electronic solutions and excellent vocal interplay.
The closing is entrusted to “Bullet Holes,” two minimal minutes with a martial feel. Georgeanne Kalweit’s talent lies in her ability to combine strong, private themes with music that serves as a perfect narrator of emotions, laid bare without unnecessary frills. She gets straight to the point, allowing us to feel the emotion alongside her—which, after all, is the very essence of music. MS

(Exit 20 / 03 / 2026)

Blondiefox

BLONDIEFOX – Senza Universo
Eu Records / Defox Records
Genere: Rock Alternativo
Supporto: CD – 2024

Oggi siamo abituati a subire la musica.
No, non voglio fare un preambolo pessimistico o quantomeno nostalgico da vecchio boomer, ma è la cruda realtà delle cose. Le mode passano da sempre, gli artisti vengono imposti dai media e quant’altro conosciamo a menadito per un risultato impalpabile che non lascia segno del proprio passaggio negli anni. Se a questo si aggiunge che la musica oggi è liquida, allora siamo davvero consapevoli che la situazione sta sfuggendo di mano (per non parlare dell’IA). Per questo sono felice quando ancora mi imbatto in piccole etichette che, come salmoni contro corrente, si adoperano per far uscire musica sia in supporto ottico che vinilico.
In questo contesto, seppure soltanto in CD, si adopera anche il duo Blondiefox, formato da Mirko DeFox Galliazzo (voce) e Paul Blondie Gidoni (chitarra, basso, tastiere, cori), anche Axe Hero e successivamente X-Hero. Assieme a loro partecipano Roberto Benna e Aldo Menti alle chitarre.
Lo scenario è quello del Rock accattivante e a tratti ricercato, cantato in italiano e con testi interessanti. L’interno del disco cita: “Candele spente che io riaccenderò. Pietre nella memoria dei nomi inciderò. La terra stringo, sollevo avanti a te. Il ricordo, il rimorso, d’esser vivo, d’esser morto”.
Le undici canzoni sono state registrate a Valdagno nei White Studios nel 1997 e rimasterizzate da Pretty Master EQ in Alaska nel 2022.
“Save Your Life” inizia il percorso con caparbietà e intensità, a tratti adiacente al mondo dei Litfiba, dove la personalità vocale di Galliazzo, comunque distante da quella di Piero Pelù, gioca un ruolo di primo piano. La scena resta vigorosa con “Il Triste Canto Dell’Uomo Bianco”, dove le chitarre elettriche disegnano riff e assolo godibili. Momenti introspettivi giungono da “Unico Vero Peccato”, dai testi toccanti, dove la voce e le tastiere conducono verso un cantautorato elegante di facile fruizione. La title track è cadenzata nell’incedere, rispettosa della formula canzone supportata da interventi di cori. Il pezzo evidenzia la conoscenza del duo riguardo al mondo della musica italiana attraverso una classe decisamente spontanea.
Con “Close Your Eyes” s’intravedono momenti Prog a disposizione della melodia tipicamente mediterranea, un connubio interessante che fa del pezzo uno dei frangenti più interessanti dell’album. Sale il ritmo con “Domani O Forse Mai”, per poi tornare nel pacato con l’ottima “Mama”, altra composizione ricercata e ben interpretata dalla voce di Mirko DeFox Galliazzo.
“Che Te” ha schegge di anni ’70 e ’80, altra vetrina per voce e tastiere che sfociano in un crescendo dove la chitarra elettrica fa da splendido suggello. Una curiosa parentesi sonora strumentale giunge dall’elettronica e dal basso di “Burocratias”, che fa staffetta a “L’anima Gratuita Crudeltà”, pezzo Rock di facile memorizzazione.
Il disco si conclude con “Palenque”, altro strumentale in cui l’elettronica segna un passo costante.
Per diritto di cronaca, devo sottolineare che nel disco tutte le parti della batteria sono elettroniche.
“Senza Universo” è un lavoro variegato e scorrevole, fra passaggi tipici della nostra cultura italica e la voglia di sperimentare, di certo un approccio non del tutto scontato per quello che concerne il nostro intendere la formula canzone. Piacevole. MS

Versione Inglese:

BLONDIEFOX – Without Universe
Eu Records / Defox Records
Genre: Alternative Rock
Format: CD – 2024

Today we're used to being subjected to music.
No, I don't want to make a pessimistic or nostalgic preamble like an old boomer, but it's the harsh reality. Trends come and go, artists are imposed by the media and all that, and we know it all too well, resulting in an intangible outcome that leaves no mark over the years. If we add to this that music today is liquid, then we're really aware that the situation is getting out of hand (not to mention AI). That's why I'm happy when I still come across small labels that, like salmon swimming upstream, work hard to release music in both optical and vinyl formats.
In this context, albeit only on CD, the duo Blondiefox is also working hard, consisting of Mirko DeFox Galliazzo (vocals) and Paul Blondie Gidoni (guitar, bass, keyboards, backing vocals), also known from Axe Hero and later X-Hero. Joining them are Roberto Benna and Aldo Menti on guitars.
The scenario is that of catchy and sometimes sophisticated Rock, sung in Italian with interesting lyrics. The inside of the disc quotes: “Extinguished candles that I will relight. Stones in the memory of names I will etch. The earth I grasp, I lift up before you. The memory, the remorse, of being alive, of being dead.”
The eleven songs were recorded in Valdagno at White Studios in 1997 and remastered by Pretty Master EQ in Alaska in 2022.
“Save Your Life” starts the journey with determination and intensity, at times adjacent to the world of Litfiba, where Galliazzo's vocal personality, quite different from Piero Pelù's, plays a leading role. The scene remains vigorous with “Il Triste Canto Dell’Uomo Bianco”, where electric guitars draw enjoyable riffs and solos. Introspective moments come from “Unico Vero Peccato”, with touching lyrics where vocals and keyboards lead to an elegant songwriting style that's easy to appreciate. The title track is cadenced in its pace, respectful of the song formula supported by choir interventions. The piece highlights the duo's knowledge of the Italian music world through a decidedly spontaneous class.
With “Close Your Eyes”, Prog moments are glimpsed in the service of typically Mediterranean melody, an interesting combination that makes the piece one of the most interesting moments of the album. The rhythm picks up with “Domani O Forse Mai”, only to return to a calm pace with the excellent “Mama”, another sophisticated composition well-interpreted by Mirko DeFox Galliazzo's voice.
“Che Te” has shards of the '70s and '80s, another showcase for vocals and keyboards that culminate in a crescendo where electric guitar makes a splendid seal. A curious sonic instrumental parenthesis comes from the electronics and bass of “Burocratias”, which hands over to “L’anima Gratuita Crudeltà”, a Rock piece with easy memorability.
The disc concludes with “Palenque”, another instrumental where electronics mark a steady pace.
For the sake of accuracy, I must point out that in the disc, all drum parts are electronic.
“Without Universe” is a varied and smooth work, between passages typical of our Italic culture and the desire to experiment, certainly a not entirely predictable approach to what concerns our understanding of the song formula. Enjoyable. MS

Nosound

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genere: Psichedelico – Post Rock
Supporto: ep / Bandcamp – 2025

Ne è passata di acqua sotto i ponti da quel 2005, quando “Sol29” ha stupito tutti i fans dei Porcupine Tree. Il chitarrista, tastierista, compositore e cantante Giancarlo Erra ha saputo miscelare con parsimonia la Psichedelia con il sound minimal del Post Rock e negli anni rilascia sei album in studio con svariati singoli ed ep. L’ultimo lavoro risale all’anno 2018 (senza considerare l’album di transizione solista del 2021) e porta il titolo di “Allow Yourself”. Con questo prodigarsi, Erra riscuote l’attenzione di moltissimo pubblico e della critica, i quali costantemente tessono lodi per ogni singolo disco. C’è chi li accosta ai Sigur Rós, chi a Brian Eno, tuttavia l’impronta di Steven Wilson è maggiormente marcata, anche quella del progetto parallelo No Man con Tim Bowness, che compare guarda caso alla voce.
Anche la copertina dell’album realizzata dallo stesso Giancarlo Erra è minimale per lasciare interamente spazio al messaggio che si vuole passare, quello di un bambino che cammina con le mani in tasca e lo sguardo rivolto al basso e sotto il corrispettivo adulto avente lo stesso atteggiamento. Un percorso di vita in cui si denota il passaggio del tempo rilasciante le stesse problematiche da affrontare, e noi ne siamo “al centro”.
Da sottolineare il ritorno alle strumentazioni fisiche come ad esempio quello della batteria che rende il tutto più caldo e sincero. “Nothing We Gave” denota da subito l’approccio primordiale dello stile Nosound, diretto, etereo e inconfondibile. Il velo malinconico è il punto di forza della musica prossima alle atmosfere delle band suddette, e aggiungo i Pink Floyd.
Il suono di un piano morigeratamente ponderato introduce la title track “To The Core”, traccia che risplende la creatività di Erra in un crescendo agnostico alla ricerca di passaggi strumentali inutilmente astrusi. E’ quindi la chitarra elettrica nel finale a rilasciare un dialogo con l’anima intimamente mirato a uno struggente epilogo.
Il singolo dell’ep porta il titolo di “Worn-Out Parts”, qui l’approccio vocale si accosta a quello di Tom Yorke nei Radiohead, tutto diventa onirico grazie anche agli effetti eco delle voci. Questi brani hanno tutti una breve durata per mirare direttamente allo scopo senza perdersi in inutili fraseggi che potrebbero distogliere l’ascoltatore dal messaggio che Erra e soci vogliono passare. Con lui suonano Orazio Fabbri (basso), Paolo Vigliarolo (chitarre), Marco Berni (tastiere), e Daniele Michelacci (batteria). Ospite anche Louise Pigott ai cori.
Ancor più malinconica la piano e voce “Interrupt”, una perla sonora su cui socchiudere gli occhi e lasciarsi trasportare in una sorta di ipnotica nenia.
“Closure” suggella questo ep con classe, dove la cura per i particolari mette ancor più in luce l’essenzialità di questa musica.
Ascoltare i Nosound è sempre una esperienza gradevole, un passaggio fuori dei canoni strutturali a cui la musica moderna ci ha abituati, e se in più vi dico che il 100% del ricavato sarà devoluto all'appello umanitario del DEC Ucraina, allora un motivo in più per acquistare questo piccolo gioiello sonoro. MS 

Versione Inglese: 

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genre: Psychedelic – Post Rock
Support: EP / Bandcamp – 2025

A lot of water has flowed under the bridge since 2005, when "Sol29" amazed all Porcupine Tree fans. The guitarist, keyboardist, composer, and singer Giancarlo Erra has known how to blend Psychedelia with the minimal sound of Post Rock with parsimony, and over the years, he releases six studio albums with various singles and EPs. The last work dates back to 2018 (not considering the 2021 solo transition album) and is titled "Allow Yourself". With this work, Erra gains the attention of a lot of audience and critics, who constantly praise every single disc. Some compare them to Sigur Rós, others to Brian Eno, however, the imprint of Steven Wilson is more marked, as well as that of the parallel project No Man with Tim Bowness, who appears as a guest vocalist.
The album cover, also realized by Giancarlo Erra, is minimal to leave entirely space to the message that wants to be passed, that of a child walking with hands in pockets and gaze directed downwards and under the corresponding adult having the same attitude. A life path where the passage of time denotes the same problems to face, and we are "at the core".
It's worth noting the return to physical instrumentation, such as drums, which makes everything warmer and sincere. "Nothing We Gave" immediately denotes the primordial approach of the Nosound style, direct, ethereal, and unmistakable. The melancholic veil is the strong point of the music, close to the atmospheres of the aforementioned bands, and I add Pink Floyd.
The sound of a moderately pondered piano introduces the title track "To The Core", a track that shines with Erra's creativity in an agnostic crescendo in search of instrumental passages that are not unnecessarily abstruse. It's the electric guitar in the finale that releases a dialogue with the soul, intimately aimed at a poignant epilogue.
The single of the EP bears the title "Worn-Out Parts", where the vocal approach is similar to that of Tom Yorke in Radiohead, everything becomes dreamy thanks also to the echo effects of the voices. These tracks all have a short duration to aim directly at the purpose without getting lost in useless phrasing that could distract the listener from the message that Erra and co. want to pass. With him play Orazio Fabbri (bass), Paolo Vigliarolo (guitars), Marco Berni (keyboards), and Daniele Michelacci (drums). Guest vocalist is also Louise Pigott.
Even more melancholic is the piano and voice "Interrupt", a sound pearl on which to close your eyes and let yourself be carried away in a sort of hypnotic lament.
"Closure" seals this EP with class, where the care for details highlights even more the essentiality of this music.
Listening to Nosound is always a pleasant experience, a passage outside the structural canons to which modern music has accustomed us, and if I tell you that 100% of the proceeds will be donated to the DEC Ukraine humanitarian appeal, then there's one more reason to buy this small sonic jewel. MS

Klee Orchestra

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Sperimentale
Supporto: Bandcamp / CD – 2026

Non è certo la prima volta che sottolineo l'attuale direzione della musica, in particolare la proliferazione di one-man band nel sottobosco indipendente, complice l'evoluzione tecnologica. Questa tendenza offre la possibilità di esprimersi con facilità e costi ridotti, permettendo all'artista di canalizzare la propria creatività senza filtri. Sebbene l'approccio nasca quasi sempre dalla passione per uno strumento o un genere specifico, questo modello permette finalmente di aggirare l'ostacolo, un tempo insormontabile, delle Major.
Nascono così, con frequenza quasi spontanea, progetti più o meno pubblicizzati su piattaforme dedicate come Bandcamp. Proprio qui mi sono imbattuto nei Klee Orchestra, progetto ideato dal giovane casertano Gianluca Zannone (classe 1985), qui impegnato con kalimba, theremin, chitarra, lama musicale, noise box, synth, batteria e percussioni.
Dopo i primi passi come batterista in gruppi locali quali Il Malpertugio e The Black Garden Circus, Zannone approda a un'identità priva di confini: un viaggio onirico e libero, volto a esteriorizzare il proprio mondo interiore.
Nell’album “Esercizio Di Retorica”, Gianluca si avvale della collaborazione di Ivan Franzini al basso e di Antonio Zannone alla chitarra solista in “Eco”, “Carioca” e “Olzon”. L’artwork è opera di Franz Murtas, la grafica di Mario Antinucci, mentre le registrazioni sono state effettuate presso lo Studio12 di Falciano del Massico (CE) a cura di Giovanni di Fusco.
“Auster” apre l'ascolto dimostrando un approccio vicino allo stile dei King Crimson post-“Red”, sorretto da un efficace giro armonico di basso. Le vocalità e gli inserti elettronici sono utilizzati in chiave sperimentale; la traccia chiarisce subito la volontà dell'autore di sfuggire all'omologazione attraverso suoni in loop e una ricerca timbrica costante, supportata da un'ottima sezione ritmica.
Con i suoi sei minuti, “Insonnia” è l'episodio più lungo del disco. Lungi dal ricalcare strutture canoniche, la composizione si dipana tra anelli psichedelici e una voce di fondo lontana che crea un effetto onirico altamente coinvolgente. Il refrain resta ipnotico e iterativo, mentre a metà percorso il ritmo si spezza, lasciando spazio a vuoti mentali simili a quelli esplorati dai Radiohead. Si percepiscono vocalizzi (probabilmente campionati al contrario) che richiamano le sperimentazioni di Demetrio Stratos, risolvendosi in una forma catartica quasi sciamanica.
“Carioca” poggia invece su una nenia infantile dal sapore horror, impreziosita dalla chitarra Post-Rock di Antonio Zannone. Con l'ingresso del resto della strumentazione, il significato muta pur mantenendo un'intrinseca sensazione di angoscia. Suggestioni vicine ai Goblin arrivano poi da “Atmosfera”, brano che non si discosta troppo dall'intento atmosferico del precedente.
La batteria apre invece “Movimento”, breve saggio della padronanza tecnica di Gianluca sul suo strumento principale; era da moltissimo tempo che non mi imbattevo in un assolo di batteria inserito con tale senso critico in un album. Per il resto, lascio alla vostra curiosità l'approfondimento su Bandcamp o YouTube.
In conclusione, Klee Orchestra è un progetto stimolante e tutt'altro che banale, ideale come colonna sonora per una serata fuori dagli schemi dove voi diventerete i protagonisti. MS

Versione Inglese:

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Self-release
Genre: Post-Rock / Experimental
Format: Bandcamp / CD – 2026

It is certainly not the first time I have highlighted the current direction of music, specifically the proliferation of one-man bands within the independent underground, fueled by technological evolution. This trend offers the chance to express oneself with ease and at a lower cost, allowing artists to channel their unfiltered creativity. While this approach almost always stems from a passion for a specific instrument or genre, this model finally allows for bypassing the once-insurmountable obstacle of major labels.
As a result, projects—more or less publicized—are popping up almost spontaneously on dedicated platforms like Bandcamp. It was there that I came across Klee Orchestra, a project conceived by the young Caserta-born artist Gianluca Zannone (born 1985), who here plays kalimba, theremin, guitar, musical saw, noise box, synth, drums, and percussion. After his early steps as a drummer in local bands such as Il Malpertugio and The Black Garden Circus, Zannone has arrived at a borderless identity: a free, dreamlike journey aimed at externalizing his inner world.
In the album “Esercizio Di Retorica”, Gianluca enlists the collaboration of Ivan Franzini on bass and Antonio Zannone on lead guitar in “Eco”, “Carioca”, and “Olzon”. The artwork is by Franz Murtas, graphics by Mario Antinucci, while the recordings were held at Studio12 in Falciano del Massico (CE), curated by Giovanni di Fusco.
“Auster” opens the listen, demonstrating an approach close to the post-“Red” era of King Crimson, supported by an effective harmonic bass line. Vocals and electronic inserts are used experimentally; the track immediately clarifies the author's desire to escape standardization through looped sounds and constant tonal research, backed by an excellent rhythm section.
At six minutes long, “Insonnia” is the record's longest episode. Far from following canonical structures, the composition unfolds through psychedelic rings and a distant background voice that creates a highly engaging, dreamlike effect. The refrain remains hypnotic and iterative, while midway through, the rhythm breaks, giving way to mental voids similar to those explored by Radiohead. One can perceive vocalizations (likely sampled in reverse) that recall the experimentation of Demetrio Stratos, resolving into an almost shamanic catharsis.
“Carioca” instead rests on a childlike nursery rhyme with a horror-like flavor, embellished by Antonio Zannone's post-rock guitar. As the rest of the instrumentation enters, the meaning shifts while maintaining an intrinsic sense of anguish. Suggestions close to Goblin then emerge from “Atmosfera”, a piece that does not stray far from the atmospheric intent of its predecessor.
Conversely, the drums open “Movimento”, a brief essay on Gianluca’s technical mastery of his primary instrument; it had been a very long time since I encountered a drum solo integrated into an album with such critical purpose. For the rest, I leave it to your curiosity to explore further on Bandcamp or YouTube.
In conclusion, Klee Orchestra is a stimulating and far-from-trivial project, ideal as a soundtrack for an unconventional evening where you become the protagonists. MS

  

Carmine Capasso & Friends

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock / Rock Progressivo
Supporto: Digital – 2025

Vi dico subito che generalmente non recensisco album di cover, tantomeno se escono in formato digitale, al quale non attribuisco molta importanza rispetto a quanto faccio per un CD o un vinile. La mia non vuole essere una critica nei confronti della musica liquida; sono consapevole che bisogna adeguarsi ai tempi, alla velocità e alla praticità delle cose. È solo che amo ancora stare seduto davanti al mio stereo... Tutto qui (c'è chi ha detto boomer, immagino).
Nel caso di Carmine Capasso, però, devo inevitabilmente fare un'eccezione, perché quando un lavoro è fatto con la testa e soprattutto con il cuore, non può essere ignorato.
Come nello stile del suo amico Marco Bernard, il chitarrista campano, per la realizzazione di questo album si supporta di un numero consistente di special guest.
"The Best Is Yet To Come" vede al proprio interno scorrere ben sedici canzoni che spaziano fra differenti stili sonori, dall'Hard Rock al Progressive Rock, passando per il cantautorato, il Rock e il Neo Prog. Sono canzoni che hanno fatto parte della formazione stilistica di Capasso, scelte non a caso, per questo "Il bello deve ancora venire".
Colui che siede spesso alla batteria vicino a Capasso è Ovidio Catanzano, così come alle tastiere Costantino Taglialatela.
L'apertura spetta a "Lady" di Beck, Bogert & Appice, dove un certo Jeff Beck con la sezione ritmica dei Vanilla Fudge disegna una piccola parte del Rock. Qui Antonio Colaruotolo suona il basso e il pezzo è da brividi! Carmine Capasso mette in mostra le sue doti tecniche.
"We All Need Some Light" è della super band Prog Rock Transatlantic, una ballata che solo un Neal Morse (ex Spock's Beard) ispirato può scrivere assieme a Roine Stolt (The Flower King, Kaipa), Mike Portnoy (Dream Theater) e Pete Trewavas (Marillion). Al basso Roberto De Rosa. L'assolo di Capasso è pressoché perfetto.
Con "White Room" dei Cream si fa un balzo nel tempo a quel "Wheels Of Fire" pubblicato nel 1968. Il basso qui viene suonato da Tony Alemanno. Il pezzo acquista freschezza elargita con grande rispetto dell'originale; il discorso è analogo per "Badge".
Un balzo nell'Hard Rock con "Bad Reputation" dei Thin Lizzy, un movimento dove la ritmica ricopre un ruolo primario. Tuttavia, è la chitarra eterna protagonista di questo intramontabile stile sonoro, qui con tanta materia dentro!
Uno dei maggiori punti di riferimento per Carmine è Ivan Graziani, la chitarra Rock italiana per eccellenza (non nascondo che è anche il mio). "Il Chitarrista" è nomen omen. Splendidamente eseguita, mi ha emozionato molto, perché Ivan è il poeta di provincia e Capasso ne ha assorbito bene la sua lezione stilistica.
Altro capolavoro è "Starless" dei King Crimson. Capite bene che andare a suonare certi mostri sacri può essere un'arma a doppio taglio, ma non per chi ha nelle mani la sapienza della materia. Questo è un ulteriore motivo per cui mi sono sentito di fare una recensione a questo disco di cover. Antonio Liccardi alla batteria, Dino Fiore al basso, Ivan Santovito alle tastiere mellotron e Marek Arnold al sax eseguono il brano come meglio non potrebbero. Brividi!
Si passa al tecnico con "Light Years" (Chick Corea Elektric Band), divertimento allo stato puro, per poi tornare all'Hard Rock dei Deep Purple, questa volta analizzati attraverso la ballata "Soldier Of Fortune", una coccola per il cuore.
Viene dato spazio anche al Rock più moderno ma con una base storica importante, quella dei Beatles. La band chiamata in causa è Oasis, ed il brano è "Don't Look Back In Anger", un classico senza tempo.
Un maestro della musica Heavy Metal mondiale è Ronnie James Dio; Capasso di lui va ad eseguire "Holy Driver", un pezzo che ogni metallaro degno di questo appellativo non deve disconoscere! Cantato alla perfezione e suonato come pochi sanno ripetere, il brano è uno dei migliori riusciti di tutto l'album, vuoi per intensità che per tecnica. Sep Sarno è alle tastiere, Ralf Reiche al basso e Many Stürner alla voce.
Successivamente si cambia genere, passando per il Neo Prog di "Kayleigh", tratto dal monumentale "Misplaced Childhood" dei Marillion. Impressionante l'interpretazione di Alessandro Corvaglia, pressoché perfetta, così come tutta l'esecuzione fedele al brano originale.
Ritorno all'Hard Rock mondiale attraverso uno dei brani più iconici, quell'"Hells Bells" che non solo ha dato successo agli AC/DC, ma anche a un genere intero. Many Stürner è al microfono e i brividi scorrono inevitabilmente sulla pelle! E rimanendo in tema, ci spostiamo dall'Australia all'America con i Kiss (R.I.P. Ace Frehley) e l'indimenticabile "Detroit Rock City" che tanti fan ha fatto sognare. Davide Schiavi ne è perfetto vocalist.
Ed è la volta di "Anthem" dei canadesi Rush, presente anche nel secondo disco del doppio album "Moby Dick" di Marco Bernard. Una performance qui cantata ancora una volta da Davide Schiavi, molto coerente all'originale.
Il disco si conclude con "Land Of Confusion" dei Genesis, non il solito brano Prog estrapolato dalla discografia immensa della band dei tempi che furono, piuttosto del periodo più recente. Ancora una volta Corvaglia mostra il meglio di se.
Concludendo, "The Best Is Yet To Come" documenta tutte le basi poliedriche con cui Carmine Capasso ha basato la sua passione per la musica e la chitarra. Oserei dire che sono più che solide, anche perché coincidono con le mie e spero anche con quelle di molti di voi. Dategli un ascolto perché merita! MS.

Versione Inglese:

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Rock / Progressive Rock
Format: Digital – 2025

I'll be honest, I don't usually review cover albums, especially not digital ones, which I don't attribute much importance to compared to CDs or vinyls. My stance isn't a criticism of digital music; I'm just aware that times are changing, and convenience is key. I still enjoy sitting in front of my stereo, that's all (I guess some might call me a boomer).
However, with Carmine Capasso, I have to make an exception. When work is done with passion and dedication, it can't be ignored. Like his friend Marco Bernard, the Campano-born guitarist has assembled a talented group of special guests for this album.
"The Best Is Yet To Come" features 16 tracks that span different styles, from Hard Rock to Progressive Rock, Cantautorato, Rock, and Neo Prog. These songs have shaped Capasso's musical style, and their selection is deliberate. Capasso's long-time drummer Ovidio Catanzano and keyboardist Costantino Taglialatela are part of the lineup.
The album opens with "Lady" by Beck, Bogert & Appice, where Jeff Beck's guitar work shines alongside the Vanilla Fudge rhythm section. Antonio Colaruotolo's bassline is thrilling, and Carmine Capasso's technical skills are on full display.
The Transatlantic superband's "We All Need Some Light" is a beautiful ballad that showcases Neal Morse's songwriting skills. Roberto De Rosa handles the bass, and Capasso's solo is nearly perfect.
The album takes a trip back to 1968 with Cream's "White Room" from "Wheels Of Fire". Tony Alemanno's bass adds freshness to the track, while still respecting the original. The same can be said for "Badge".
Thin Lizzy's "Bad Reputation" is a hard rock standout, with a strong emphasis on rhythm and Capasso's guitar work. Ivan Graziani, a pioneer of Italian rock guitar, is a significant influence on Capasso, and "Il Chitarrista" is a beautiful tribute.
King Crimson's "Starless" is a masterpiece that requires skill and respect to cover. The lineup for this track includes Antonio Liccardi on drums, Dino Fiore on bass, Ivan Santovito on keyboards and mellotron, and Marek Arnold on sax. The result is breathtaking.
The album continues with Chick Corea's "Light Years", a fun and upbeat track, followed by Deep Purple's "Soldier Of Fortune", a heartfelt ballad. Oasis's "Don't Look Back In Anger" is another highlight, showcasing the band's ability to interpret modern rock with a classic twist.
Ronnie James Dio's "Holy Driver" is a heavy metal standout, with Sep Sarno on keyboards, Ralf Reiche on bass, and Many Stürner on vocals. The track is intense and technically impressive.
The album's Neo Prog segment features Marillion's "Kayleigh", with Alessandro Corvaglia's impressive vocals and a faithful rendition of the original. AC/DC's "Hells Bells" and Kiss's "Detroit Rock City" are both high-energy tracks that showcase the band's versatility.
The album concludes with Rush's "Anthem" and Genesis's "Land Of Confusion", both of which demonstrate Capasso's ability to interpret complex music. Overall, "The Best Is Yet To Come" showcases Carmine Capasso's passion for music and guitar, and it's definitely worth a listen. MS.
 
 
 

 
 

Paolo Pagliari

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Siamo stati tutti bambini, capaci di guardare il mondo con una prospettiva ricca di meraviglia e desiderio di scoperta. Crescendo, tendiamo a smarrire la purezza di quelle sensazioni sincere; sarebbe invece prezioso poter recuperare quella capacità di stupirsi.
Paolo Pagliari (voce, chitarre, basso, percussioni, tastiere) esplora questo tema attraverso un concept album denso di emozioni. Sebbene “Through The Eyes Of A Child” sia il suo esordio solista, non siamo di fronte a un esordiente: Pagliari è infatti, insieme a Gabriel Kiss, l'anima della band marchigiana The Old Castle, con cui ha inciso “Working Travellers”, “Storie Nascoste” (2001) e “Wistful” (2022). Musicoterapeuta con alle spalle numerose esperienze tra progetti pubblicitari e tribute band (Rolling Stones, Led Zeppelin e Pink Floyd), l'artista riversa qui tutto il suo bagaglio culturale.
In questo scrigno emotivo, Pagliari si avvale della collaborazione dell'amico Alberto Quacquarini alla batteria (anch'egli nei The Old Castle) e di numerosi ospiti: Sandrine Derouet (cori in “In The Shelter Of Your Eyes”), Leandro Pagliari (tamburello in “Camel Escape”), Doryan Pagliari (cori in “Stars In Your Eyes”), Wilson Pagliari (voce narrante in “Lune De Mer”), Luca Vittori (cori in “Father's Words” e “Light In The Night”), Irene Vittori (cori in “Light In The Night”) e Silvia Marques (cori in “Stars In Your Eyes”).
A prevalere è l'amore viscerale per il Progressive Rock, con frequenti richiami ai Pink Floyd: lo si avverte sin dal vociare dei bambini in “So Begin”, dotata di un'intro che non sfigurerebbe in “The Division Bell”. La musica, soffice e curata, gode di un tocco di chitarra morbido e ponderato, colonna sonora perfetta per un viaggio immaginifico dalle melodie capaci di toccare l'anima.
Il Rock proposto affonda le radici nella tradizione, mettendo in mostra la preparazione dell'artista attraverso temi di facile memorizzazione; ne è un esempio “Stars In Your Eyes”, che resta fedele all'universo di Gilmour e soci senza scostarsene di un millimetro. Un lieve cambio di registro si avverte in “Father’s Words”, che vira con delicatezza verso il Neo Prog. Il cantato è convincente: mai invasivo, risulta coinvolgente grazie a un'interpretazione quasi sussurrata. La sezione strumentale nella seconda parte del brano trasmette una profonda serenità.
La chitarra acustica apre la strumentale “Watching Through The Window On A Melancholic Rainy Day”, traccia leggera che cattura lo sguardo di un bimbo rapito dalla pioggia. Segue “Hold On!”, un passaggio Pop-Prog ben strutturato nelle coralità, diretto e gradevole. Ci si lascia poi incantare dalle sonorità "Genesiane" di “Lune De Mer”, per poi tornare in orbita Pink Floyd con “In The Shelter Of Your Eyes”. C’è spazio anche per il Canterbury sound dei Camel nella strumentale “Camel Escape”, mentre “Memory Box” omaggia lo stile dei Marillion.
Chiude in bellezza “Light In The Night”, sintesi perfetta della scuola di Pagliari, che con questo debutto riesce a emozionare e convincere in ogni passaggio. È un disco privo di cali di tensione, testimonianza di una padronanza compositiva eccellente. Una bellissima sorpresa che non dovrebbe mancare nello scaffale di ogni collezionista di Prog italiano. MS

Versione Inglese:

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Self-released
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

We were all children once, capable of looking at the world with a perspective full of wonder and a desire for discovery. As we grow up, we tend to lose the purity of those sincere sensations; it would be precious, instead, to regain that capacity for awe.
Paolo Pagliari (vocals, guitars, dominance, percussion, keyboards) explores this theme through an emotionally dense concept album. Although “Through The Eyes Of A Child” is his solo debut, we are not dealing with a newcomer: Pagliari is, alongside Gabriel Kiss, the soul of the Marche-based band The Old Castle, with whom he recorded “Working Travellers”, “Storie Nascoste” (2001), and “Wistful” (2022). A music therapist with extensive experience in advertising projects and tribute bands (Rolling Stones, Led Zeppelin, and Pink Floyd), the artist pours his entire cultural background into this work.
In this emotional treasure chest, Pagliari enlists the collaboration of his friend Alberto Quacquarini on drums (also of The Old Castle) and numerous guests: Sandrine Derouet (backing vocals on “In The Shelter Of Your Eyes”), Leandro Pagliari (tambourine on “Camel Escape”), Doryan Pagliari (backing vocals on “Stars In Your Eyes”), Wilson Pagliari (narrator on “Lune De Mer”), Luca Vittori (backing vocals on “Father's Words” and “Light In The Night”), Irene Vittori (backing vocals on “Light In The Night”), and Silvia Marques (backing vocals on “Stars In Your Eyes”).
What prevails is a visceral love for Progressive Rock, with frequent nods to Pink Floyd: this is evident from the children's voices in “So Begin,” featuring an intro that wouldn't feel out of place on “The Division Bell.” The music, soft and polished, benefits from a smooth and thoughtful guitar touch—a perfect soundtrack for an imaginative journey with melodies capable of touching the soul.
The Rock presented here is rooted in tradition, showcasing the artist's expertise through easily memorable themes; “Stars In Your Eyes” is a prime example, remaining faithful to the universe of Gilmour and company without straying by a single millimeter. A slight change of pace is felt in “Father’s Words,” which delicately veers toward Neo-Prog. The vocals are convincing: never invasive, they remain engaging thanks to an almost whispered interpretation. The instrumental section in the second half of the track conveys a sense of profound serenity.
Acoustic guitar opens the instrumental “Watching Through The Window On A Melancholic Rainy Day,” a light track that captures the gaze of a child captivated by falling rain. This is followed by “Hold On!”, a Pop-Prog passage that is well-structured in its harmonies, direct, and pleasant. One is then enchanted by the "Genesis-esque" sounds of “Lune De Mer,” before returning to the Pink Floyd orbit with “In The Shelter Of Your Eyes.” There is also room for the Canterbury sound of Camel in the instrumental “Camel Escape,” while “Memory Box” pays homage to the style of Marillion.
“Light In The Night” closes the album beautifully—a perfect synthesis of Pagliari’s musical education. With this debut, he succeeds in moving and convincing the listener at every turn. It is a record without any lulls, a testament to truly excellent compositional mastery. A wonderful surprise that should not be missing from the shelf of any Italian Prog collector. MS