Stefano Panunzi

STEFANO PANUNZI – Caravaggio
SP Music
Genere: Crossover Prog
Supporto: 2CD / Digital – 2026

Ricordo ancora con piacere la band italiana Fjieri nel 2009 con l’ottimo “Endless”, a seguire nel 2015 “Words Are All We Have”. Fra i fondatori del nucleo ci sono Nicola Lori e Stefano Panunzi, per un Art Rock eccellente aperto a partiture Neo Prog. Il tastierista romano Stefano Panunzi nel corso degli anni ha collaborato con Jakko Jakszyk (King Crimson — ha co-scritto due brani dell'album 'Secrets & Lies' di Jakszyk), Mick Karn (Japan), Gavin Harrison (Porcupine Tree, King Crimson, The Pineapple Thief), Tim Bowness (No-Man), Richard Barbieri (Japan, Porcupine Tree), Markus Reuter (The Crimson ProjeKct), Nicola Alesini, Robby Aceto ed altri ancora.
Ricca anche la carriera solista con cinque album che iniziano nel 2005 con “Timelines” sino ad arrivare al 2023 con il buon “Pages From The Sea”, qui recensito (https://nonsoloprogrock.blogspot.com/2023/04/stefano-panunzi.html) e che vi invito ad ascoltare.
Ritorna oggi con “Caravaggio”, un’opera in cui la musica e gli argomenti trattati si fondono in colori e chiaroscuri proprio come la pittura del noto artista. Qui si descrivono stati d'animo carichi di disperazione, amori tormentati, guerre, ricerca di sé e malesseri interiori, con la speranza di esorcizzare il tutto attraverso la musica.
Il Prog proposto è moderno, infarcito di parti Jazz e Ambient che si avvalgono dell’elettronica.
Il cast internazionale che circonda il tastierista è di alto prestigio e vede alle chitarre David Torn e Markus Reuter, ai fiati Theo Travis (noto per i suoi lavori con Steven Wilson e Robert Fripp) e Nicola Alesini, alle voci Tim Bowness (No-Man), Grice e 05Ric, e alla sezione ritmica Colin Edwin (ex Porcupine Tree), Fabio Trentini e Saro Cosentino. Un cast davvero stellare. La produzione è estremamente curata, pensata per creare un'esperienza d'ascolto immersiva che rifletta l'inquietudine e la bellezza dell'arte barocca.
Chiaramente il lavoro è così ampio che non posso permettermi la descrizione brano per brano, tuttavia posso segnalare le fasi salienti disco per disco, ad iniziare dal CD1, caratterizzato da una ricerca timbrica molto raffinata.
La title track apre l'album stabilendo il tono. È un pezzo evocativo dove le tastiere di Panunzi creano un tappeto quasi cinematografico, su cui si innestano le chitarre sperimentali di David Torn e la bella voce di Grice. Rappresenta visivamente l'ingresso in una galleria d'arte: un mix fra i Porcupine Tree più pacati e i No-Man.
“I No Longer Know Who You Are” sembra uscito da “Fear Of A Blank Planet”, uno strumentale profondo ed immersivo dove il basso di Fabio Trentini sale in cattedra. Ottima “Hidden Ties”, raffinata grazie al valore aggiunto del cantato di Tim Bowness e ai fiati di Theo Travis. Le chitarre sono affidate ancora una volta all’amico di vecchia data Nicola Lori. Infine segnalo “Ink Scars”, un pezzo quasi Ambient-Jazz dove il pianoforte di Stefano dialoga con "graffi" di chitarra elettrica, simulando quasi il rumore della penna (o del pennello) sulla carta.
Il CD 2 è caratterizzato da sperimentazione e spiritualità. “The Well” è un inizio ipnotico che trascina l'ascoltatore in un "pozzo" sonoro fatto di riverberi e loop. La struttura è meno lineare, più vicina al Progressive d'avanguardia.
“Tribal Innocence (Part 2)” prosegue un discorso iniziato in album precedenti. È un brano ritmicamente più complesso, dove le percussioni e il basso di Mick Karn creano un groove scuro e misterioso.
Splendida la ballata “I Cry For Love” con la tromba di Luca Calabrese, ma la chicca di questa seconda parte è “Sea Of Madness”, dove emerge la narrazione di Maria Peters.
Chiude “Gaza” in una sorta di requiem moderno; la scelta di un titolo così forte sottolinea l'intento dell'album di non essere solo un esercizio estetico, ma un riflesso del dolore del mondo reale.
Ascoltare “Caravaggio” è come restare immobili davanti a una tela che prende vita, un’immersione totale in un oceano di suoni dove la bellezza del Prog d’autore e l'oscurità del reale si fondono, lasciandoti addosso il brivido di un chiaroscuro che non si può spiegare, ma solo respirare. Consigliatissimo! MS

Versione Inglese:

STEFANO PANUNZI – Caravaggio
SP Music
Genre: Crossover Prog
Format: 2CD / Digital – 2026

I still fondly remember the Italian band Fjieri in 2009 with the excellent “Endless,” followed in 2015 by “Words Are All We Have.” Among the founding members are Nicola Lori and Stefano Panunzi, delivering excellent Art Rock open to Neo Prog structures. Over the years, Roman keyboardist Stefano Panunzi has collaborated with Jakko Jakszyk (King Crimson — having co-written two tracks on Jakszyk's 'Secrets & Lies' album), Mick Karn (Japan), Gavin Harrison (Porcupine Tree, King Crimson, The Pineapple Thief), Tim Bowness (No-Man), Richard Barbieri (Japan, Porcupine Tree), Markus Reuter (The Crimson ProjeKct), Nicola Alesini, Robby Aceto, and many others.
He also boasts a rich solo career with five albums, starting in 2005 with “Timelines” up to 2023 with the fine “Pages From The Sea,” reviewed here (https://nonsoloprogrock.blogspot.com/2023/04/stefano-panunzi.html), which I invite you to listen to.
He returns today with “Caravaggio,” a work in which the music and the themes explored blend into colors and chiaroscuro, much like the paintings of the famous artist. It describes moods filled with despair, tormented loves, wars, the search for self, and inner malaise, with the hope of exorcising it all through music.
The Prog offered here is modern, peppered with Jazz and Ambient elements that make use of electronics.
The international cast surrounding the keyboardist is of high prestige, featuring David Torn and Markus Reuter on guitars, Theo Travis (known for his work with Steven Wilson and Robert Fripp) and Nicola Alesini on woodwinds, Tim Bowness (No-Man), Grice, and 05Ric on vocals, and a rhythm section consisting of Colin Edwin (ex-Porcupine Tree), Fabio Trentini, and Saro Cosentino. A truly stellar lineup. The production is extremely polished, designed to create an immersive listening experience that reflects the restlessness and beauty of Baroque art.
Clearly, the work is so vast that I cannot afford a track-by-track description; however, I can highlight the key phases disc by disc, starting with CD1, characterized by a very refined tonal research.
The title track opens the album, setting the tone. It is an evocative piece where Panunzi's keyboards create an almost cinematic soundscape, joined by David Torn's experimental guitars and Grice's beautiful vocals. It visually represents the entrance into an art gallery: a mix between the calmer side of Porcupine Tree and No-Man.
“I No Longer Know Who You Are” feels like it could have come from “Fear Of A Blank Planet”: a deep and immersive instrumental where Fabio Trentini's bass takes center stage. Excellent is “Hidden Ties,” refined thanks to the added value of Tim Bowness's vocals and Theo Travis's woodwinds. The guitars are once again entrusted to long-time friend Nicola Lori. Finally, I would point out “Ink Scars,” an almost Ambient-Jazz piece where Stefano’s piano dialogues with "scratches" of electric guitar, almost simulating the sound of a pen (or brush) on paper.
CD 2 is characterized by experimentation and spirituality. “The Well” is a hypnotic beginning that drags the listener into a sonic "well" made of reverbs and loops. The structure is less linear, closer to avant-garde Progressive.
“Tribal Innocence (Part 2)” continues a discourse begun in previous albums. It is a rhythmically more complex track, where percussion and Mick Karn's bass create a dark and mysterious groove.
The ballad “I Cry For Love” with Luca Calabrese's trumpet is splendid, but the gem of this second part is “Sea Of Madness,” where Maria Peters' narration emerges.
It closes with “Gaza” in a sort of modern requiem; the choice of such a powerful title underlines the album's intent not to be merely an aesthetic exercise, but a reflection of the pain of the real world.
Listening to “Caravaggio” is like standing still before a canvas coming to life: a total immersion in an ocean of sounds where the beauty of auteur Prog and the darkness of reality merge, leaving you with the shiver of a chiaroscuro that cannot be explained, only breathed. Highly recommended! MS

Andrea Amici

ANDREA AMICI – Cosmic Odyssey
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Space Electronic / Strumentale
Supporto: Bandcamp – 2026

Nel navigare su Bandcamp, mi imbatto in questo lavoro solista di Andrea Amici, storico tastierista della band Neo Prog Leviathan. Sin da giovane studia organo classico e a diciannove anni entra nella band in cui suona tuttora. “Cosmic Odyssey” è dunque il secondo album solista di Amici. Molte volte ho adoperato la frase “il disco è un viaggio”; in questo caso lo è davvero, in quanto il concept strumentale tratta l’avventura di un ipotetico primo viaggio interstellare dell'umanità. Non è solo musica d'ambiente, quanto piuttosto una narrazione strutturata che cerca di tradurre in note il senso di meraviglia, il vuoto e la maestosità dello spazio profondo.
Ci sono strutture complesse e mutamenti di atmosfera che richiamano i giganti del genere (pensiamo a influenze alla Rick Wakeman o Keith Emerson, ma con un tocco più moderno). L'uso dei synth non è mai banale: serve a creare "texture" sonore ampie, quasi orchestrali. Tuttavia, nonostante la complessità tecnica, Andrea Amici mantiene sempre una forte componente melodica. Il pianoforte spesso funge da ancora emotiva tra i suoni più futuristici dei sintetizzatori.
I sei brani che compongono l’album iniziano ovviamente con il decollo (“Liftoff”), e stranamente mi vengono in mente certi Rockets che negli anni ’70 hanno comunque segnato un genere. Questo perché qui c’è elettronica, ma al servizio della melodia delle tastiere. Per la ritmica e altro, credo che si tratti di AI. Belle le arie e gli arrangiamenti, che donano corposità all’insieme. E via verso le stelle con il capitolo “Stellar Dreams”: i suoni fotografano l’oscurità dell’immensità che circonda i protagonisti. Qui il ritmo si distende. È un brano più onirico e melodico, dove emerge la vena sognante del compositore. Il pezzo viene avvolto da suoni morbidi e "riverberati" che evocano la meraviglia di trovarsi tra le stelle. Godibilissime le ampie aperture sinfoniche dal grande respiro.
Ma il pericolo è in agguato, ecco un buco nero, e “Black Hole Embrace” rappresenta il momento più oscuro e teso del disco. La musica si fa maggiormente dissonante e complessa. Amici usa timbri di sintetizzatore più aggressivi per rappresentare la forza "abbracciante" e distruttiva di un fenomeno del genere. C'è un senso di urgenza e di pericolo imminente fra le note. Una volta scampato il pericolo, si torna a una parvente calma con “Celestial Serenity”, il brano più lungo dell'album e probabilmente il suo centro spirituale. Dopo il caos del buco nero, questa traccia rappresenta la pace assoluta del vuoto cosmico. È un pezzo quasi meditativo, con progressioni armoniche molto larghe e solenni che mostrano la capacità di Amici di scrivere musica quasi "religiosa" nella sua grandiosità celestiale.
A questo punto arriva il colpo di scena, i naviganti s’imbattono in una civiltà aliena e, dopo un'iniziale incomprensione, riescono a stabilire un contatto. “Encounter With Extraterrestrial Life” è tendenzialmente un movimento molto Neo Prog. L'epilogo s’intitola “Homecoming”: i protagonisti ritornano a casa con una meravigliosa ricchezza di esperienze. Rispetto all'apertura maestosa, il ritorno ha un sapore più intimo e trionfale al tempo stesso. C'è un senso di risoluzione, i temi ascoltati durante l'odissea trovano una conclusione armoniosa. Il brano trasmette sollievo e la consapevolezza di aver compiuto un viaggio che ha cambiato il viaggiatore. Se amate le tastiere miste all'elettronica, qui avete pane per i vostri denti, anzi, per le vostre orecchie. Un lavoro piacevole in numerosi momenti, che merita sicuramente un ascolto. MS

 ASCOLTO: https://andreaamici.bandcamp.com/album/cosmic-odyssey

Versione Inglese: 

ANDREA AMICI – Cosmic Odyssey
Self-release
Genre: Progressive Rock / Space Electronic / Instrumental
Format: Bandcamp – 2026

While browsing Bandcamp, I came across this solo work by Andrea Amici, the longtime keyboardist of the Neo-Prog band Leviathan. He studied classical organ from a young age and joined the band at nineteen, where he still plays today. “Cosmic Odyssey” is thus Amici's second solo album. Many times I have used the phrase “the album is a journey”; in this case, it truly is, as the instrumental concept deals with the adventure of a hypothetical first interstellar voyage for humanity. It is not just ambient music, but rather a structured narrative that seeks to translate into notes the sense of wonder, the void, and the majesty of deep space.
There are complex structures and atmospheric shifts that recall the giants of the genre (one thinks of influences like Rick Wakeman or Keith Emerson, but with a more modern touch). The use of synths is never cliché: it serves to create vast, almost orchestral sonic "textures." However, despite the technical complexity, Andrea Amici always maintains a strong melodic component. The piano often acts as an emotional anchor amidst the more futuristic sounds of the synthesizers.
The six tracks that make up the album naturally begin with the takeoff (“Liftoff”), and strangely, certain Rockets come to mind, who in the 70s nonetheless defined a genre. This is because here there is electronics, but at the service of the keyboards' melody. For the rhythm and other elements, I believe AI was used. The melodies and arrangements are beautiful, giving body to the whole. And off towards the stars with the chapter “Stellar Dreams”: the sounds photograph the darkness of the immensity surrounding the protagonists. Here the rhythm eases. It is a more dreamlike and melodic track, where the composer’s visionary vein emerges. The piece is enveloped in soft, "reverberated" sounds that evoke the wonder of being among the stars. The wide, sweeping symphonic openings are thoroughly enjoyable.
But danger is lurking—enter a black hole—and “Black Hole Embrace” represents the darkest and most tense moment of the record. The music becomes more dissonant and complex. Amici uses more aggressive synthesizer timbres to represent the "embracing" and destructive force of such a phenomenon. There is a sense of urgency and imminent danger between the notes. Once the danger is escaped, we return to a seeming calm with “Celestial Serenity,” the longest track on the album and probably its spiritual center. After the chaos of the black hole, this track represents the absolute peace of the cosmic void. It is an almost meditative piece, with very broad and solemn harmonic progressions that showcase Amici's ability to write almost "religious" music in its celestial grandeur.
At this point comes the plot twist: the voyagers encounter an alien civilization and, after an initial misunderstanding, manage to establish contact. “Encounter With Extraterrestrial Life” is essentially a very Neo-Prog movement. The epilogue is titled “Homecoming”: the protagonists return home with a wonderful wealth of experiences. Compared to the majestic opening, the return has a flavor that is both more intimate and triumphant at the same time. There is a sense of resolution; the themes heard during the odyssey find a harmonious conclusion. The track conveys relief and the awareness of having completed a journey that has changed the traveler. If you love keyboards mixed with electronics, here is plenty of food for your thought—or rather, for your ears. A pleasant work in many moments that certainly deserves a listen. MS 

https://andreaamici.bandcamp.com/album/cosmic-odyssey

Celeste

CELESTE - Prince Of One Day
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Esistono dischi e band nel campo del Rock Progressivo Italiano che hanno fatto la storia pur non diventando delle vere e proprie icone. Un esempio lo abbiamo con gli ottimi Celeste di Ciro Perrino, i quali nel 1976 pubblicano un album che, tra gli appassionati più incalliti, è diventato un vero e proprio classico: quel “Principe Di Un Giorno” che, attraverso il suo sound color pastello, tanto ha saputo emozionare.
Sebbene “Principe Di Un Giorno” sia uscito nel '76, le canzoni furono composte nel 1973 e registrate tra il '74 e il '75. In questo 2026 ricorre il cinquantesimo anniversario e Perrino pensa di donare una nuova veste all’album attraverso interventi non di poco conto, come ad esempio nel cantato.
In origine il disco doveva essere in inglese e con voce femminile, ma il progetto non andò in porto per motivi legati alla cantante dell'epoca, che non fu in grado di ricoprire fino in fondo il suo ruolo; è per questo che oggi l’autore e compositore corre ai ripari, non solo per donare al lavoro un suono più moderno, bensì per ricollocarlo nella sua giusta dimensione originale. Per la realizzazione si avvale della voce di Siobhán Owen. La copertina, allora "total white", prende quindi colore a documentare un nuovo passaggio, una testimonianza tardiva di come avrebbe dovuto essere in realtà quel progetto.
La voce di Perrino, di conseguenza, viene tagliata dal disco per lasciare spazio a quella della cantante soprano australiana. Altresì viene apportata una nuova masterizzazione da parte di Marco Canepa per donare maggiore corposità al suono. Ma non finisce qui, a fine anno, sempre per la ricorrenza del cinquantesimo, “Prince Of One Day” verrà reinterpretato con una versione completamente risuonata dall'attuale band che ha realizzato nel 2025 l’ottimo “Anima Animus”: Enzo Cioffi (batteria), Francesco Bertone (basso), Marco Moro (flauto), Mauro Vero (chitarre) e Ciro Perrino (mellotron, tastiere, synth, flauto, cori, percussioni).
Nel caso di “Prince Of One Day”, invece, il gruppo è quello originale composto da Giorgio Battaglia (basso, chitarra, xilofono, cori), Leonardo Lagorio (chitarra, tastiere, sax, flauto, cori), Mariano Schiavolini (chitarra, tastiere, violino, cori) e appunto Ciro Perrino.
Il disco è un mix perfetto tra la musica classica, il folk pastorale e i momenti più calmi dei King Crimson (periodo “In the Court Of The Crimson King”) e della Premiata Forneria Marconi. Il risultato finale ne esce altamente migliorato e in veste internazionalizzata, a conferma che se allora fosse stato realizzato in questo modo, sicuramente oggi saremmo qui a raccontare un'altra storia. Bellissima la voce della Owen, perfettamente incastonata nel contesto.
Il titolo “Prince Of One Day” non è solo una traduzione, ma riflette l'intera estetica del gruppo, la celebrazione della bellezza effimera e della natura, temi che nel 2026 conservano un fascino immutato e quasi terapeutico. È un disco perfetto da ascoltare al tramonto o in cuffia per staccare dal caos moderno. Ora attendo con curiosità la nuova versione. MS

ASCOLTO:

https://celeste4.bandcamp.com/album/celeste-prince-of-one-day

Versione Inglese:

CELESTE - Prince Of One Day
Self-produced
Genre: Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

 
There are records and bands within the Italian Progressive Rock scene that have made history without necessarily becoming mainstream icons. We have a perfect example with the excellent Celeste, led by Ciro Perrino, who in 1976 released an album that has become a true classic among die-hard fans: “Principe Di Un Giorno,” a work that has moved so many with its pastel-colored sound.
Although “Principe Di Un Giorno” was released in '76, the songs were composed in 1973 and recorded between '74 and '75. Now, in 2026, marking the fiftieth anniversary, Perrino has decided to give the album a new look through significant changes, most notably in the vocals. Originally, the record was intended to be in English with a female voice, but the project fell through due to issues with the singer at the time, who was unable to fully fulfill her role. This is why today the author and composer is making amends, not only to give the work a more modern sound but to restore it to its rightful, original vision. For this production, he enlists the voice of Siobhán Owen. The cover art, originally "total white," now takes on color to document a new transition—a belated testament to what the project was actually meant to be.
Consequently, Perrino’s own vocals have been removed from the disc to make room for the Australian soprano. Additionally, a new mastering by Marco Canepa has been applied to give the sound greater body. But it doesn’t end there: at the end of the year, again for the fiftieth anniversary, “Prince Of One Day” will be reinterpreted with a version completely re-recorded by the current band that produced the excellent “Anima Animus” in 2025: Enzo Cioffi (drums), Francesco Bertone (bass), Marco Moro (flute), Mauro Vero (guitars), and Ciro Perrino (mellotron, keyboards, synth, flute, backing vocals, percussion).
In the case of this “Prince Of One Day,” however, the lineup is the original one consisting of Giorgio Battaglia (bass, guitar, xylophone, backing vocals), Leonardo Lagorio (guitar, keyboards, sax, flute, backing vocals), Mariano Schiavolini (guitar, keyboards, violin, backing vocals), and Ciro Perrino himself.
The album is a perfect mix of classical music, pastoral folk, and the calmer moments of King Crimson (the “In the Court Of The Crimson King” era) and Premiata Forneria Marconi. The final result is highly improved and presented in an international guise, confirming that if it had been released this way back then, we would surely be telling a different story today. Owen’s voice is beautiful, perfectly nestled within the context.
The title “Prince Of One Day” is not just a translation, but reflects the group's entire aesthetic: the celebration of ephemeral beauty and nature, themes that in 2026 retain an unchanged and almost therapeutic charm. It is a perfect record to listen to at sunset or on headphones to disconnect from modern chaos. Now, I eagerly await the new version. MS

Siobhán Owen

For listening:

https://celeste4.bandcamp.com/album/celeste-prince-of-one-day

Mauro Pelosi

MAURO PELOSI – Mauro Pelosi
Universal Music Group (cd) - Polydor Records (lp)
Genere: Cantautore
Supporto: cd – 1977

Ho scelto il terzo album per parlare del cantautore romano, successivamente trasferitosi a Milano, Mauro Pelosi. Il terzo perché ha radici ormai profonde, inestirpabili. Il carattere e la personalità dell’artista sono rodati e noti agli ascoltatori degli anni ‘70. In realtà l’esordio discografico risale al lontano 1972, con l’album dal titolo “La Stagione Per Morire” (Polydor Records), un disco che coglie di sorpresa molti addetti ai lavori, in quanto già radicato in un pessimismo che diventerà nel tempo il suo leitmotiv. Un cantautore impegnato, come si soleva dire in gergo, contemporaneo di Claudio Rocchi, Claudio Lolli, Alan Sorrenti, De André, Guccini e molti altri ancora. Segue nel 1973 un album a sua volta molto bello, dal titolo “Al Mercato Degli Uomini Piccoli” (Polydor Records), per poi latitare dai negozi di dischi fino al 1977, anno non proprio brillante per questo genere che comunque va ad attingere anche in quel calderone di nome Rock Progressivo.
“Mauro Pelosi” è arrangiato nuovamente da Pinuccio Pirazzoli, ormai suo fido amico, e gode della collaborazione di artisti come Edoardo Bennato, che suona l'armonica a bocca in “L'investimento”, Bamby Fossati (Garybaldi), Lucio Fabbri al violino in “Una Lecca Lecca D’Oro” e Ricky Belloni dei New Trolls alle chitarre. I testi sono bellissime poesie, riflessioni di vita vissuta, quasi sempre amare, nelle quali coesistono paure, insicurezza e amore.
Un disco drammatico, dove la voce è dolce e allo stesso tempo graffiante e incisiva, tuttavia l’iniziale “La Bottiglia” musicalmente si alterna fra tristezza e un quasi Reggae. Esplicativo il testo: “Ti regalerò una bottiglia vuota perché non ho mai avuto un giardino incantato”. “Luna Park” non è distante dal brano precedente: in esso aleggia una nota di malinconia dettata dalla narrazione di una vita abbastanza triste che stride con la musica da luna park che fa da accompagnamento. Importanti i ritornelli. Dolcissima con chitarra arpeggiata “Ho Trovato Un Posto”, supportata da arrangiamenti semplici ma efficaci. Molti di voi all’ascolto potrebbero sentenziare che De André in confronto è un allegro buontempone, ma anche Pelosi sa divertirsi a modo suo come in “Una Lecca Lecca D’Oro”. Azioni umane ne “L’investimento”, depressione in “Una Casa Piena Di Stracci”, mentre “Alle 4 Di Mattina” gode di un piano che sgocciola note ariose sopra la voce irritata e perentoria di Pelosi. Un grande interprete di testi importanti, riesce a modulare la voce in maniera anche sorprendente come nello stupendo finale dal titolo bizzarro “Ho Fatto La Cacca”. Questo brano è un capolavoro per rabbia, ironia amara e musica. “Compagni miei dal 68 ad oggi quanti Blue Jeans c’hanno venduto. Voglio essere un cane, di quelli che fanno l’amore in mezzo alla strada tra la faccia schifata dei passanti, circondato da bambini liberi, ed altri cani come me… e tutti insieme, tutti quanti insieme andare in giro….. A MORDERE!”. Dovete ascoltare però come viene cantata.
Questo album, come dicevo in precedenza, esce in un momento “no” per il genere e non raccoglie i dovuti frutti, quasi un fallimento. Per questo lo amo, lo sento anche più mio, e anche io con lui vado in giro… a mordere. MS

Versione Inglese:

MAURO PELOSI – Mauro Pelosi
Universal Music Group (CD) - Polydor Records (LP)
Genre: Singer-songwriter
Format: CD – 1977

I have chosen the third album to talk about Mauro Pelosi, the Roman singer-songwriter who later moved to Milan. I chose the third one because its roots are now deep and unerring. The artist's character and personality were well-established and known to listeners of the 1970s. In reality, his recording debut dates back to 1972 with the album titled “La Stagione Per Morire” (Polydor Records), a record that caught many industry insiders by surprise, as it was already rooted in a pessimism that would become his leitmotiv over time. He was a "committed" singer-songwriter, as they used to say in the jargon of the time, a contemporary of Claudio Rocchi, Claudio Lolli, Alan Sorrenti, De André, Guccini, and many others. This was followed in 1973 by another beautiful album titled “Al Mercato Degli Uomini Piccoli” (Polydor Records), before he vanished from record stores until 1977—a year that wasn't exactly brilliant for this genre, which nevertheless drew from the melting pot known as Progressive Rock.
“Mauro Pelosi” is once again arranged by Pinuccio Pirazzoli, by then his trusted friend, and features collaborations with artists such as Edoardo Bennato, who plays the harmonica in “L'investimento”, Bamby Fossati (Garybaldi), Lucio Fabbri on violin in “Una Lecca Lecca D’Oro”, and Ricky Belloni of New Trolls on guitars. The lyrics are beautiful poems, reflections on life experience—almost always bitter—in which fears, insecurity, and love coexist.
A dramatic record, where the voice is sweet yet simultaneously raspy and incisive; however, the opening track “La Bottiglia” alternates musically between sadness and a sort of Reggae. The lyrics are self-explanatory: “I will give you an empty bottle because I never had an enchanted garden.” “Luna Park” is not far removed from the previous track: a note of melancholy hovers within it, dictated by the narration of a rather sad life that clashes with the carnival music serving as accompaniment. The choruses are significant. “Ho Trovato Un Posto” is incredibly sweet with its arpeggiated guitar, supported by simple but effective arrangements. Upon listening, many of you might judge that De André is a cheerful prankster by comparison, but Pelosi also knows how to have fun in his own way, as heard in “Una Lecca Lecca D’Oro”. We find human actions in “L’investimento” and depression in “Una Casa Piena Di Stracci”, while “Alle 4 Di Mattina” features a piano that drips airy notes over Pelosi’s irritated and peremptory vocals. A great interpreter of important lyrics, he manages to modulate his voice in surprising ways, as in the stunning finale with the bizarre title “Ho Fatto La Cacca”. This track is a masterpiece of anger, bitter irony, and music. “My comrades, from '68 to today, how many pairs of blue jeans have they sold us? I want to be a dog, one of those that makes love in the middle of the street amidst the disgusted faces of passers-by, surrounded by free children and other dogs like me… and all together, everyone together, going around….. TO BITE!”. You must, however, hear how it is sung.
This album, as I mentioned before, was released during a "down" moment for the genre and did not reap the expected rewards—it was almost a failure. That is why I love it; I feel it is even more mine, and I too go around with him… to bite. MS

Matteo Mancuso

MATTEO MANCUSO – Route 96
Music Theories Recordings
Genere: Virtuoso / Rock-Blues
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

Di assi della chitarra elettrica la storia della musica è piena: chi più dotato tecnicamente, chi maggiormente propenso a valorizzare la composizione piuttosto che gettarsi a capofitto in scale velocissime e impossibili. Ecco che artisti dal tocco magico come Steve Vai, Joe Satriani, Al Di Meola, Joe Bonamassa e Jimi Hendrix fanno scuola, mentre chi ama l’alta velocità si affida al sound neoclassico di Y.J. Malmsteen o di Tony MacAlpine. Anche l’avvento di internet ha portato alla luce una miriade di axe man, tanto da risultare spesso tutti uguali. Personalmente adoro il tocco di David Gilmour oppure di Steve Hackett, solo per fare due nomi, e dico questo perché ritengo la personalità e la composizione importantissime per la riuscita di un disco che resista nel tempo e che non sia solo una vetrina anonima.
Con un debutto interessante intitolato “The Journey” (2023), il giovanissimo chitarrista palermitano si è imposto all'attenzione del grande pubblico con personalità; la carta vincente che gli permette di distinguersi rispetto a molti altri è la tecnica fingerpicking, o fingerstyle. Essa consiste nel pizzicare le corde senza l’ausilio di un plettro e ciò, per un principiante, risulta indubbiamente ostico. In parole povere, grazie all'uso di pollice, indice e medio (e talvolta l'anulare), riesce a eseguire passaggi solistici con una pulizia e una velocità che sarebbero proibitive per molti plettristi. Suonare senza plettro gli permette quindi di passare istantaneamente da arpeggi delicati a linee lead aggressive, mantenendo un controllo timbrico totale.
A tre anni di distanza dal debutto, è la volta di “Route 96”, lavoro presentato come una naturale evoluzione del suo sound. “Route 96” è un progetto più corale e compositivamente audace, con collaborazioni internazionali di altissimo livello. Assieme a Riccardo Oliva e Stefano India al basso, Gianluca Pellerito alla batteria, e Giuseppe Bruno alla batteria in “Warm Sunset”, Mancuso si affianca a ospiti del calibro di Antoine Boyer, Valeriy Stepanov e Steve Vai. Il suono è denso e curato; al riguardo Matteo ha dichiarato di aver lavorato molto sulla stratificazione delle chitarre per ottenere un sound "pieno" senza perdere la dinamica del tocco.
Assieme a Steve Vai parte il primo brano “Solar Wind”, un dialogo fra generazioni sotto un'armonia di alta classe e, scusate la ripetizione, “solare”. In “Fire And Harmony” è l’insieme che funziona: un dialogo strumentale equilibrato fra ripartenze e partiture di chitarra classica in stile Al Di Meola. Un esempio di quanto detto in precedenza, ossia il valorizzare la composizione al servizio di una tecnica mai soffocante. “Isla Feliz”, con Antoine Boyer, apre al gusto Gypsy Jazz e lo fa attraverso una tecnica sopraffina. Come suggerisce il titolo, “L.A. Blues One” è una rivisitazione moderna del linguaggio Blues con il fingerstyle, accattivante e ruffiano al punto giusto.
Richiami Prog si avvertono in “The Great Wall”, movimento fra i più ricercati e riusciti dell’album, a cui segue “Warm Sunset”, in cui si evocano i colori caldi di un tramonto mediterraneo. È una composizione Jazz-Fusion solare, rilassata ma estremamente sofisticata, con passaggi tecnici davvero elevati che richiamano Pat Metheny o Eric Johnson, fondendo il linguaggio jazzistico con un sound moderno e cristallino. In “Black Centurion” il chitarrista siciliano scatena tutta la sua potenza ritmica e la sua precisione "aliena". Qui il suono della chitarra è più saturo, costruito su un riff portante estremamente serrato, attraverso un uso massiccio di tempi dispari e sincopi che strizzano l'occhio al Prog Metal e alla Fusion più energica.
A questo punto ecco giungere un omaggio dichiarato allo stile di Eric Johnson, uno dei grandi idoli di Matteo: “In The Morning Light”, dove un andamento calmo, quasi meditativo, si sviluppa attraverso una melodia molto ariosa. Una melodia semplice ma nobile, che viene ripetuta e variata. Chiude la cover di “The Chicken” (Jaco Pastorius), una nuova versione dello storico standard qui arricchita dalle tastiere fenomenali di Stepanov… Irresistibile! Dopo l’ascolto di “Route 96” è inevitabile annoverare Matteo Mancuso fra le eccellenze italiche della musica in senso generale. Un disco che non lascia spazio a momenti di stanca e neppure a critiche di alcun genere; peccato per chi non lo ascolterà. MS

Versione Inglese:

MATTEO MANCUSO – Route 96
Music Theories Recordings
Genre: Virtuoso / Rock-Blues
Format: CD / LP / Digital – 2026

Music history is full of guitar aces: some are more technically gifted, while others are more inclined to emphasize composition rather than diving headlong into lightning-fast, impossible scales. Thus, artists with a "magic touch" like Steve Vai, Joe Satriani, Al Di Meola, Joe Bonamassa, and Jimi Hendrix set the standard, while those who crave high speed turn to the neoclassical sound of Y.J. Malmsteen or Tony MacAlpine. The advent of the internet has also brought to light a myriad of "axe men," often resulting in a sea of sameness. Personally, I adore the touch of David Gilmour or Steve Hackett, just to name two, and I say this because I consider personality and composition essential for the success of a record—one that stands the test of time rather than being just an anonymous showcase.
With an interesting debut titled “The Journey” (2023), the young Palermitan guitarist established himself before the general public with great personality. The winning card that allows him to stand out from many others is his fingerpicking, or fingerstyle, technique. This consists of plucking the strings without the aid of a pick, which is undoubtedly daunting for a beginner. Simply put, through the use of his thumb, index, and middle fingers (and sometimes the ring finger), he manages to execute solo passages with a clarity and speed that would be prohibitive for many flatpickers. Playing without a pick thus allows him to switch instantaneously from delicate arpeggios to aggressive lead lines while maintaining total tonal control.
Three years after his debut, it is time for “Route 96,” a work presented as a natural evolution of his sound. “Route 96” is a more choral and compositionally bold project, featuring high-level international collaborations. Alongside Riccardo Oliva and Stefano India on bass, Gianluca Pellerito on drums, and Giuseppe Bruno on drums for “Warm Sunset,” Mancuso is joined by top-tier guests such as Antoine Boyer, Valeriy Stepanov, and Steve Vai. The sound is dense and polished; in this regard, Matteo stated that he worked extensively on layering guitars to achieve a "full" sound without losing the dynamics of his touch.
The album kicks off with Steve Vai on the first track, “Solar Wind,” a dialogue between generations set against a high-class and—forgive the repetition—“sunny” harmony. In “Fire And Harmony,” it is the ensemble that works: a balanced instrumental dialogue between restarts and classical guitar scores in the style of Al Di Meola. This is an example of what I mentioned earlier—prioritizing composition at the service of a technique that is never stifling. “Isla Feliz,” featuring Antoine Boyer, opens up to a Gypsy Jazz flavor through superlative technique. As the title suggests, “L.A. Blues One” is a modern reimagining of the Blues language via fingerstyle, catchy and charming in all the right ways.
Prog influences are felt in “The Great Wall,” one of the most sophisticated and successful movements of the album, followed by “Warm Sunset,” which evokes the warm colors of a Mediterranean sunset. It is a sunny Jazz-Fusion composition, relaxed yet extremely sophisticated, featuring very high-level technical passages that recall Pat Metheny or Eric Johnson, blending jazz language with a modern, crystalline sound. In “Black Centurion,” the Sicilian guitarist unleashes all his rhythmic power and "alien" precision. Here, the guitar sound is more saturated, built on an extremely tight main riff using a heavy dose of odd time signatures and syncopations that nod to Prog Metal and more energetic Fusion.
At this point comes a declared homage to the style of Eric Johnson, one of Matteo's great idols: “In The Morning Light,” where a calm, almost meditative pace develops through a very airy melody. A simple yet noble melody that is repeated and varied. The album closes with a cover of “The Chicken” (Jaco Pastorius), a new version of the historic standard, here enriched by Stepanov's phenomenal keyboards… Irresistible! After listening to “Route 96,” it is inevitable to count Matteo Mancuso among the Italian excellences of music in general. A record that leaves no room for dull moments or criticisms of any kind; a pity for those who won't listen to it. MS

Taxology

TAXOLOGY - A Deep Dive In The Colourful And Mysterious Garden Of Mr. Taxology
NOS Records
Genere: Rock Psichedelico / Sinfonico
Supporto: CD / Digital – 2026

Quando generalmente mi si presenta un disco dal titolo così lungo, penso che dietro l’angolo si trovino gli anni ’70. Mi sbaglierò con i Taxology? Andiamo ad approfondire questo debutto discografico proveniente dalla Puglia, precisamente da Taranto.
Il duo, composto dai giovanissimi Andrea Rizzi (tastiere, chitarra, mandolino, viola, voci) e Giuseppe Bitonte (chitarra, basso, tastiere, sax, voci), si forma nel 2024 e ha concepito il disco come un vero e proprio "erbario musicale". Ogni traccia prende il nome da una specie vegetale (utilizzando la nomenclatura scientifica) e funge da metafora per esplorare stati emotivi o paesaggi interiori. Nelle quindici tracce proposte attingono effettivamente dagli anni ’70, non soltanto dalla psichedelia di stampo pinkfloydiano, bensì anche dalle orchestrazioni Prog e da quel Pop (così si chiamava allora) che potremmo definire cinematico. Con loro suona una nutrita lista di special guest che vanno a formare una vera e propria orchestra con tanto di archi, flauto, clarinetti, sassofono e sitar.
Fra i brani, Bruno Vergari presta la voce narrante divenendo il custode del giardino e introduce l’ascoltatore nel pieno del concept, in un'architettura narrativa tanto rigorosa quanto sognante. Non è solo un album, ma un vero e proprio dispositivo d'ascolto immersivo che trasforma la musica in un'esperienza multisensoriale, fondendo botanica, filosofia e introspezione.
Sia chiaro, il giardino di Mr. Taxology non è un luogo fisico, ma una proiezione della mente umana e, come in un giardino reale, l'interiorità è composta da zone curate e luminose alternate ad angoli incolti, d'ombra e misteriosi. La preparazione tecnica della band emerge in passaggi strumentali complessi, cambi di tempo e armonie sofisticate, frugando anche nel mondo del Jazz Rock. “Mandragora Caulescens“ è il singolo che anticipa l'album. Essendo la mandragora una pianta legata storicamente al mito e alla magia, il brano riflette questa dualità. Musicalmente è un pezzo strumentale dove le chitarre e le tastiere creano un'atmosfera sospesa tra il sogno e l'inquietudine. La struttura è fluida, ricca di dettagli timbrici che richiamano il "manierismo contemporaneo" e il Prog degli anni '70.
“Introductio Ad Hortum” si presenta immediatamente con un sitar in un contesto fumoso e distorto, tanto per mettere subito in chiaro l’intento sonoro a cui si va incontro. Esso lascia il campo a “Azadirachta Excelsa”, aperta su sonorità a tratti solari e ben curate da effetti stereo ottimamente congeniati. Le chitarre in stile Pink Floyd hanno effetti eco e i suoni divengono dilatati, formando immagini che potrebbero benissimo essere parte della colonna sonora di un telefilm anni ’70.
Dopo il singolo citato è la volta di “Aceranthus Sagittatus”, un minuto in cui la musica mette in evidenza la pianta curativa cinese in un'estasi sonora dall’ampio spettro. Segue “094”: qui il Pop è impegnato in un caleidoscopio sonoro dal riff di facile memorizzazione. La musica diventa sostanza, quasi tattile, grazie soprattutto alla buona ritmica di fondo. “Michelia Aenea” è una pianta arborea sempreverde appartenente alla famiglia delle Magnoliaceae. È originaria delle regioni montuose del sud-est asiatico, in particolare delle foreste pluviali della Cina meridionale. Le sue proprietà spaziano dall'ambito ornamentale a quello industriale e terapeutico. La musica ne descrive l’essenza attraverso interventi acustici di chitarra e ambientazioni altamente sofisticate in cui la mente può spaziare e immaginarne il contesto. Il piano e i flauti innalzano di molto il livello qualitativo del movimento, sempre immerso negli anni ’70.
A seguire “The Garden”, dal sentore Prog nordico, breve, rilassante ma anche intenso. A questo punto giunge il trittico di “Flower”: il primo brano è incentrato su una ritmica accattivante, sempre aleggiante in un fluido psichedelico; il secondo ha schegge di Jazz Rock, mentre il terzo è una diapositiva bucolica esaltata dal lavoro delle tastiere di Wladimiro Rizzi.
Fra le migliori tracce dell’intero concept risulta “Clara Lunaris” che, a differenza delle altre piante, non esiste in natura. Si tratta di una creazione artistica o narrativa diventata virale sul web, spesso associata a immagini spettacolari generate dall'intelligenza artificiale o tramite computer grafica. La musica ne è la perfetta colonna sonora, mutante, delicata e colorata, fra violoncelli e flauto. Sale il ritmo in “Daphne Mezereum”, conosciuta comunemente come Fior di stecco o Mezereo; l’oscurità che l’ammanta ne mette in evidenza la pericolosa tossicità. In “Celtis Australis” torna la narrazione per lasciare poi il campo a “Mellow”, altro momento prossimo al vecchio Prog svedese. Chiude la policromia di “Pieris Japonica”, pianta che sembra quasi voler "giocare a travestirsi". È un arbusto sempreverde della famiglia delle Ericaceae (la stessa di azalee e rododendri) ed è una delle scelte preferite per chi vuole un giardino che cambi colore drasticamente senza troppa fatica.
E questo giardino è quello della mente, un luogo in cui lasciarsi andare per sognare a occhi aperti… La sa lunga questo fantomatico Mr. Taxology! MS 

Versione Inglese:

TAXOLOGY - A Deep Dive In The Colourful And Mysterious Garden Of Mr. Taxology
NOS Records
Genre: Psychedelic / Symphonic Rock
Format: CD / Digital – 2026

When I am presented with an album with such a long title, I generally think the 1970s are waiting just around the corner. Will I be wrong about Taxology? Let's delve into this recording debut coming from Puglia, specifically from Taranto.
The duo, composed of the very young Andrea Rizzi (keyboards, guitar, mandolin, viola, vocals) and Giuseppe Bitonte (guitar, bass, keyboards, sax, vocals), formed in 2024 and conceived the record as a true "musical herbarium." Each track takes its name from a plant species (using scientific nomenclature) and serves as a metaphor to explore emotional states or interior landscapes. Across the fifteen tracks offered, they effectively draw from the '70s—not only from Pink Floyd-esque psychedelia but also from Prog orchestrations and that Pop (as it was called back then) that we might define as cinematic. They are joined by a large list of special guests who form a real orchestra, complete with strings, flute, clarinets, saxophone, and sitar.
Among the tracks, Bruno Vergari provides the narrating voice, becoming the guardian of the garden and leading the listener into the heart of the concept within a narrative architecture that is as rigorous as it is dreamy. It is not just an album, but a truly immersive listening device that transforms music into a multisensory experience, blending botany, philosophy, and introspection.
To be clear, Mr. Taxology's garden is not a physical place but a projection of the human mind; like in a real garden, the interiority is composed of well-tended, luminous areas alternating with uncultivated, shadowy, and mysterious corners. The band's technical prowess emerges in complex instrumental passages, time signature changes, and sophisticated harmonies, even rummaging through the world of Jazz Rock.
"Mandragora Caulescens" is the single preceding the album. As the mandrake is a plant historically linked to myth and magic, the track reflects this duality. Musically, it is an instrumental piece where guitars and keyboards create an atmosphere suspended between dreams and unease. The structure is fluid, rich in timbral details that recall "contemporary mannerism" and 1970s Prog.
"Introductio Ad Hortum" immediately introduces itself with a sitar in a smoky and distorted context, just to make the sonic intent clear right from the start. It gives way to "Azadirachta Excelsa," which opens with occasionally sunny sounds, well-crafted with excellently designed stereo effects. The Pink Floyd-style guitars feature echo effects and the sounds become dilated, forming images that could easily be part of a 1970s TV series soundtrack.
After the aforementioned single, it is the turn of "Aceranthus Sagittatus," a minute in which the music highlights the Chinese healing plant in a wide-spectrum sonic ecstasy. "094" follows: here, Pop is engaged in a sonic kaleidoscope with an easy-to-memorize riff. The music becomes substance, almost tactile, thanks above all to the solid underlying rhythm.
"Michelia Aenea" is an evergreen tree belonging to the Magnoliaceae family. It is native to the mountainous regions of Southeast Asia, particularly the rainforests of Southern China. Its properties range from ornamental to industrial and therapeutic. The music describes its essence through acoustic guitar interventions and highly sophisticated ambiances in which the mind can wander and imagine the context. The piano and flutes significantly elevate the quality level of the movement, which remains immersed in the '70s.
Next is "The Garden," with a Nordic Prog feel—brief, relaxing, yet intense. At this point comes the "Flower" triptych: the first track is centered on an engaging rhythm, always hovering in a psychedelic fluid; the second has shards of Jazz Rock, while the third is a bucolic snapshot enhanced by the keyboard work of Wladimiro Rizzi.
Among the best tracks of the entire concept is "Clara Lunaris" which, unlike the other plants, does not exist in nature. It is an artistic or narrative creation that went viral on the web, often associated with spectacular images generated by artificial intelligence or created through computer graphics. The music is its perfect soundtrack: mutant, delicate, and colorful, featuring cellos and flute.
The pace picks up in "Daphne Mezereum," commonly known as February Daphne or Mezereon; the darkness that cloaks it highlights its dangerous toxicity. In "Celtis Australis," the narration returns, eventually leaving the field to "Mellow," another moment close to old Swedish Prog. Closing the polychromy is "Pieris Japonica," a plant that almost seems to want to "play dress-up." It is an evergreen shrub of the Ericaceae family (the same as azaleas and rhododendrons) and is a favorite choice for those who want a garden that changes color drastically without much effort.
And this garden is that of the mind, a place in which to let go and daydream... this elusive Mr. Taxology certainly knows his stuff! MS

 

 

Palmer Generator

PALMER GENERATOR – Corpo Celeste
Bloody Sound
Genere: Rock Psichedelico / Post Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Se sei un fan delle sonorità che ti fanno sentire come se fossi sospeso nel vuoto cosmico mentre qualcuno prende a calci un amplificatore, allora fermati a leggere la recensione del disco "Corpo Celeste" della band marchigiana Palmer Generator. Si tratta di una sinfonia Post Rock suddivisa in quattro movimenti. Michele Palmieri (basso), Mattia Palmieri (batteria) e Tommaso Palmieri (chitarra) sono padre, figlio e zio e provengono da Jesi (Ancona). “Corpo Celeste” è il loro sesto album in studio dopo “Shapes” (2014), “Discipline” (2016), “Natura” (2018), “PGTGS” (2020) e “Ventre” (2023).
Con la grafica curata da Mattia Palmieri e le foto di Danilo Copparoni, il disco si muove su un asse molto preciso in cui non bisogna aspettarsi i soliti crescendo eterei alla “Explosions In The Sky” (band Post Rock del Texas famosa nell’ambito), perché qui c'è una base ritmica che picchia duro… quasi metallica. Altresì, v'è una costante sensazione di viaggio, data dall'uso magistrale dei feedback e delle saturazioni della chitarra. I tempi non sono mai banali, persistono incastri ritmici che tradiscono una precisione quasi chirurgica dietro l'apparente caos sonoro.
Il titolo “Corpo Celeste” non è casuale, l'album evoca immagini di spazi aperti, corpi celesti (appunto) e solitudine cosmica. Tuttavia, non si tratta di una calma contemplativa, è più simile alla sensazione di trovarsi vicino a un buco nero. C'è una tensione costante, un senso di urgenza che attraversa tutte le tracce. Il tutto è completamente strumentale, ma la voce risiede negli strumenti, la chitarra non si limita a eseguire riff, ma assume il ruolo del narratore, mentre i feedback e i riverberi agiscono come sospiri o grida distorte. Così le variazioni dinamiche (il passaggio dal piano al forte) costruiscono la sintassi della storia, creando momenti di tensione, riflessione o liberazione violenta.
Il disco si apre con “Corpo Celeste (Parte 1)”, un Rock strumentale cangiante dove la melodia non è mai scontata e la tensione cresce lentamente. Qui il trio stabilisce il tono del viaggio. Segue “Interludio”, un attimo di respiro in cui i motori si spengono e si fluttua nel vuoto assoluto, una sorta di punto di equilibrio tra il "corpo" (la materia) e il "celeste" (l'etereo). I tempi si allungano e la sezione ritmica si fa meno serrata, lasciando spazio a trame sonore più sottili. C'è un uso molto sapiente dei pedali e degli effetti, mentre la chitarra crea tappeti sonori che ricordano quasi certe colonne sonore sci-fi minimaliste.
“Corpo Celeste (Parte II)” riprende il discorso interrotto, portando le dinamiche verso vette più psichedeliche e rumorose; è la parte in cui il viaggio spaziale si fa maggiormente turbolento. Il brano ha un sapore quasi Progressive o Alternative Rock anni '90. Non c'è solo un accumulo di volume, ma una ricerca di incastri ritmici che rendono l'ascolto imprevedibile. Immagina di guardare un documentario in timelapse sulla formazione di una stella, all'inizio ci sono il silenzio e la polvere, poi un'accelerazione improvvisa, calore, luce accecante e infine un'esplosione controllata.
La quarta e conclusiva parte s’intitola “Coda” ed è una summa di tutto ciò che si è ascoltato fino ad ora. Se i pezzi precedenti hanno esplorato vari angoli della loro galassia sonora, “Coda” ne raccoglie i detriti e li compatta in un blocco unico. C’è un tema portante che si ripete, caricandosi di tensione a ogni giro. Man mano che il brano procede, la chitarra aggiunge strati di distorsione e feedback, mentre la batteria si fa più insistente, quasi ossessiva. C'è una certa malinconia in questo brano, un senso di inevitabilità, proprio come alla fine di un viaggio.
In conclusione, “Corpo Celeste” ti lascia con quel ronzio nelle orecchie tipico dei loro live, costringendoti a restare in silenzio per qualche secondo una volta finita la musica. Bel trip. MS 

Versione Inglese:

PALMER GENERATOR – Corpo Celeste
Bloody Sound
Genre: Psychedelic Rock / Post-Rock
Format: CD / Digital – 2026

If you are a fan of sounds that make you feel as if you were suspended in a cosmic vacuum while someone kicks an amplifier, then stop and read this review of the album "Corpo Celeste" by the Marche-based band Palmer Generator. It is a Post-Rock symphony divided into four movements. Michele Palmieri (bass), Mattia Palmieri (drums), and Tommaso Palmieri (guitar) are father, son, and uncle, hailing from Jesi (Ancona). “Corpo Celeste” is their sixth studio album, following “Shapes” (2014), “Discipline” (2016), “Natura” (2018), “PGTGS” (2020), and “Ventre” (2023).
With artwork curated by Mattia Palmieri and photography by Danilo Copparoni, the record moves along a very precise axis where you shouldn't expect the usual ethereal crescendos typical of “Explosions In The Sky” (the famous Texan Post-Rock band), because here the rhythm section hits hard… almost metallic. Furthermore, there is a constant sensation of a "journey," given by the masterful use of feedback and guitar saturation. The time signatures are never mundane; there are persistent rhythmic interlockings that betray an almost surgical precision behind the apparent sonic chaos.
The title “Corpo Celeste” (Celestial Body) is no coincidence; the album evokes images of open spaces, celestial bodies (indeed), and cosmic solitude. However, it is not a contemplative calm; it is more akin to the sensation of being near a black hole. There is a constant tension, a sense of urgency that runs through every track. The work is entirely instrumental, yet the voice resides within the instruments; the guitar does not limit itself to playing riffs but assumes the role of the "narrator," while feedback and reverb act as sighs or distorted screams. Thus, the dynamic variations (the shift from piano to forte) construct the syntax of the story, creating moments of tension, reflection, or violent liberation.
The record opens with “Corpo Celeste (Parte 1)”, a shimmering instrumental Rock piece where the melody is never predictable and the tension builds slowly. Here, the trio sets the tone for the journey. Next is “Interludio”, a moment of respite where the engines shut off and you float in absolute emptiness—a sort of balance point between the "body" (matter) and the "celestial" (the ethereal). The tempo stretches and the rhythm section becomes less tight, leaving room for subtler sonic textures. There is a very clever use of pedals and effects, while the guitar creates soundscapes that almost recall certain minimalist sci-fi soundtracks.
“Corpo Celeste (Parte II)” picks up the interrupted conversation, pushing the dynamics toward more psychedelic and noisy peaks; this is the part where the space travel becomes most turbulent. The track has an almost 90s Progressive or Alternative Rock flavor. It’s not just an accumulation of volume, but a search for rhythmic patterns that make the listening experience unpredictable. Imagine watching a time-lapse documentary on the formation of a star: at first, there is silence and dust, then a sudden acceleration, heat, blinding light, and finally, a controlled explosion.
The fourth and final part is titled “Coda”, and it is a summation of everything heard so far. If the previous tracks explored various corners of their sonic galaxy, “Coda” gathers the debris and compacts it into a single block. There is a recurring main theme that builds tension with every loop.
As the track progresses, the guitar adds layers of distortion and feedback, while the drums become more insistent, almost obsessive. There is a certain melancholy in this piece, a sense of inevitability, much like the end of a journey.
In conclusion, “Corpo Celeste” leaves you with that ringing in your ears typical of their live shows, forcing you to remain in silence for a few seconds once the music ends. A beautiful trip. MS