L'Uovo Di Colombo

L’UOVO DI COLOMBO – L’Uovo Di Colombo
EMI
Genere: Progressive Jazz / Hard Prog
Supporto: LP / CD / Digital - 1973

Il Progressive Rock italiano negli anni ’70 ha rilasciato perle notevoli, più o meno note. Esistono band che hanno inciso solamente un disco, ma che hanno fatto la storia del movimento. Un fenomeno, questo, particolarmente singolare, in quanto dettato dalla legge momentanea della controcultura in cui ognuno doveva essere un individuo a sé stante e, quindi, non uguale a nessuno: tanta personalità e voglia di emergere.
Fra i dischi più ricercati in questo ambito, soprattutto dai collezionisti, vi è “L’Uovo Di Colombo” della band omonima.
Nati a Roma nel 1972, rappresentano uno dei tanti "supergruppi" meteorici dell'epoca che hanno lasciato un'impronta indelebile con un unico, monumentale album.
La band non era composta da novellini, ma da musicisti già attivi nella scena capitolina: Tony Tartarini, voce (proveniente dai Cherry Five); Enzo Volpini, tastiere e chitarra acustica (ex Flea on the Honey); Elio Volpini, basso e chitarra (anche lui dai Flea on the Honey, poi negli Etna) e Ruggero Stefani, batteria (ex Fholks, passerà poi ai Samadhi e ai Nova).
Pubblicato per l'etichetta EMI (serie Columbia), il disco è un perfetto esempio di come il Prog italiano sapesse mescolare la complessità classica con un'energia quasi Hard Rock. A differenza di altre band dell'epoca più sognanti o pastorali (come la PFM dei primi tempi), L'Uovo di Colombo puntava su un suono potente e ritmato, dominato dalle tastiere. Enzo Volpini fa un lavoro magistrale con l'organo Hammond e il sintetizzatore, creando intrecci che ricordano i The Nice o gli ELP, ma con una sensibilità melodica tipicamente italiana, mentre Elio Volpini e Ruggero Stefani formavano una delle basi ritmiche più solide e tecniche del periodo, capace di cambi di tempo repentini e incastri Jazz Rock. Dal canto suo, Tony Tartarini ha un timbro graffiante e potente, perfetto per i testi (scritti da Sergio Bardotti) che spaziano tra riflessioni esistenziali e immagini oniriche.
La copertina originale, con l'uovo bianco su sfondo nero, è diventata negli anni un oggetto di culto per i collezionisti di vinili, con quotazioni che spesso raggiungono cifre considerevoli per le prime stampe.
Il disco si apre con “L’Indecisione”, ed esplode con un riff di organo Hammond distorto e aggressivo, supportato da una sezione ritmica che lavora in modo sincopato. L'influenza di Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer) è evidente, ma filtrata da una grinta quasi Hard Rock. A metà brano, la composizione si apre a fughe tastieristiche dove Enzo Volpini dimostra un virtuosismo notevole, alternando momenti di tensione a risoluzioni armoniche più classiche. La voce di Tony Tartarini è uno degli elementi distintivi, qui il suo canto è teatrale, quasi rabbioso, perfetto per interpretare le liriche. Come suggerisce il titolo, il testo esplora il tormento interiore dell'uomo moderno, l'incapacità di scegliere e il peso delle responsabilità. È un grido contro l'immobilismo psicologico:
"E cerco di capire se è meglio andare o stare..."
In “Io”, come suggerisce il titolo, c’è un'indagine sulla propria identità. Non è un "io" narcisistico, ma un "io" fragile, smarrito, che cerca di definirsi rispetto al mondo esterno. Emerge una forte sensazione di solitudine intellettuale e spirituale. Il protagonista si guarda allo specchio e si interroga sul senso della propria esistenza in un mondo che sembra non avere risposte. È un brano che invecchia benissimo perché non è legato a una moda sonora passeggera, ma a un sentimento universale.
Con “Anja” si viene a conoscenza del lato più sperimentale della band, tra atmosfere oniriche e frammentate. Il testo è quasi impressionista; descrive una figura femminile sfuggente, forse una musa o un fantasma del passato. C'è un senso di fascinazione mista a timore.
“Vox Dei”, già dal titolo in latino, evoca immagini grandiose e sacrali. Non si tratta necessariamente di un pezzo religioso in senso stretto, ma piuttosto di una riflessione sulla potenza della parola, dell'autorità e della verità superiore. Nel contesto del Prog anni '70, il richiamo a temi filosofici e "alti" era quasi un obbligo, e L'Uovo di Colombo lo affronta con una maturità impressionante. Qui Enzo Volpini sale in cattedra: l'uso dell'organo Hammond non è solo d'accompagnamento, ma crea strutture quasi barocche che ricordano le fughe di Bach rivisitate in chiave Rock. I passaggi sono veloci, tecnici e imponenti.
“Turba” mette in evidenza le capacità tecniche e compositive della band in uno strumentale in cui l’Hard Rock si sposa con il Jazz Rock, a seguire “Consiglio”, brano che respira, con tempi meno serrati che permettono all'ascoltatore di immergersi nella melodia. Il testo è un invito, un dialogo tra due persone (o forse un dialogo interiore). È una sorta di incoraggiamento a non lasciarsi andare, a cercare la propria strada nonostante le difficoltà del mondo esterno.
In “Visione Della Morte” ogni nota serve a sottolineare il dramma e la solennità del tema trattato. Non viene descritta la morte in senso fisico, ma la sensazione del distacco, il momento del bilancio finale. Per la prima volta si fa buon uso di coralità.
I 24 secondi di “Scherzo” chiudono l’album.
Nonostante l'ottima accoglienza critica e la partecipazione a festival importanti (come quello di Villa Pamphili), la band si sciolse poco dopo l'uscita del disco nel 1973. Le ragioni furono le classiche divergenze artistiche e le chiamate da altri progetti: Elio Volpini tornò con i Flea (che diventarono gli Etna), mentre Ruggero Stefani continuò il suo viaggio nel Prog con i Samadhi.
È un album che oggi suona incredibilmente fresco, se amate le sonorità dominate dall'organo e le strutture ritmiche che non ti lasciano un attimo di tregua, è un ascolto obbligatorio.
A sorpresa la band, capitanata da Elio Volpini, ha fatto ritorno nel 2024 con l’album “Schiavi Del Tempo” (Ma.Ra.Cash Records) e una formazione completamente rinnovata. MS

Versione Inglese: 

L’UOVO DI COLOMBO – L’Uovo Di Colombo
EMI
Genre: Progressive Jazz / Hard Prog
Format: LP / CD / Digital - 1973

Italian Progressive Rock in the 1970s released remarkable gems, both well-known and obscure. There are bands that recorded only one album but nonetheless made history within the movement. This is a particularly singular phenomenon, driven by the transient laws of the counterculture where everyone sought to be a distinct individual and, therefore, like no one else: a wealth of personality and a desire to stand out.
Among the most sought-after records in this field, especially by collectors, is “L’Uovo Di Colombo” by the band of the same name.
Born in Rome in 1972, they represent one of the many meteoric "supergroups" of the era that left an indelible mark with a single, monumental album.
The band was not composed of novices, but of musicians already active in the Roman scene: Tony Tartarini, vocals (formerly of Cherry Five); Enzo Volpini, keyboards and acoustic guitar (ex-Flea on the Honey); Elio Volpini, bass and guitar (also ex-Flea on the Honey, later with Etna); and Ruggero Stefani, drums (ex-Fholks, later moving on to Samadhi and Nova).
Released on the EMI label (Columbia series), the record is a perfect example of how Italian Prog could blend classical complexity with an almost Hard Rock energy. Unlike other bands of the time that were more dreamy or pastoral (such as early PFM), L’Uovo di Colombo focused on a powerful and rhythmic sound, dominated by keyboards. Enzo Volpini does a masterful job with the Hammond organ and synthesizer, creating textures reminiscent of The Nice or ELP, but with a typically Italian melodic sensibility, while Elio Volpini and Ruggero Stefani formed one of the most solid and technical rhythmic sections of the period, capable of sudden time signature changes and Jazz Rock patterns. For his part, Tony Tartarini has a gritty and powerful timbre, perfect for the lyrics (written by Sergio Bardotti) which range from existential reflections to dreamlike imagery.
The original cover, featuring a white egg on a black background, has become a cult object for vinyl collectors over the years, with early pressings often reaching considerable prices.
The album opens with “L’Indecisione,” exploding with a distorted and aggressive Hammond organ riff, supported by a rhythm section working in syncopated fashion. The influence of Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer) is evident, but filtered through an almost Hard Rock grit. Midway through the track, the composition opens up into keyboard fugues where Enzo Volpini demonstrates remarkable virtuosity, alternating moments of tension with more classical harmonic resolutions. Tony Tartarini's voice is one of the distinctive elements; here his singing is theatrical, almost angry, perfect for interpreting the lyrics. As the title suggests, the text explores the inner torment of modern man, the inability to choose, and the weight of responsibility. It is a cry against psychological stagnation:
"And I try to understand if it's better to go or to stay..."
In “Io,” as the title suggests, there is an investigation into one's own identity. It is not a narcissistic "I," but a fragile, lost "I" seeking to define itself against the outside world. A strong sense of intellectual and spiritual loneliness emerges. The protagonist looks in the mirror and questions the meaning of his existence in a world that seems to offer no answers. It is a song that ages beautifully because it is not tied to a fleeting sonic fashion, but to a universal sentiment.
With “Anja,” we encounter the band's more experimental side, amidst dreamlike and fragmented atmospheres. The lyrics are almost impressionistic; they describe an elusive female figure, perhaps a muse or a ghost from the past. There is a sense of fascination mixed with fear.
“Vox Dei,” starting with its Latin title, evokes grandiose and sacred imagery. It is not necessarily a religious piece in the strict sense, but rather a reflection on the power of the word, authority, and higher truth. In the context of '70s Prog, referencing philosophical and "high" themes was almost a requirement, and L’Uovo di Colombo approaches it with impressive maturity. Here, Enzo Volpini takes center stage: the use of the Hammond organ is not merely accompaniment, but creates almost Baroque structures reminiscent of Bach's fugues revisited in a Rock key. The passages are fast, technical, and imposing.
“Turba” highlights the band's technical and compositional skills in an instrumental where Hard Rock marries Jazz Rock, followed by “Consiglio,” a track that breathes, with less frantic tempos that allow the listener to immerse themselves in the melody. The lyrics are an invitation, a dialogue between two people (or perhaps an inner dialogue). It is a kind of encouragement not to give up, to find one's own path despite the difficulties of the outside world.
In “Visione Della Morte,” every note serves to emphasize the drama and solemnity of the subject matter. It does not describe death in a physical sense, but the sensation of detachment—the moment of the final reckoning. For the first time, good use is made of choral harmonies.
The 24 seconds of “Scherzo” close the album.
Despite excellent critical reception and participation in major festivals (such as the one at Villa Pamphili), the band broke up shortly after the album's release in 1973. The reasons were the classic artistic differences and calls from other projects: Elio Volpini returned to Flea (who became Etna), while Ruggero Stefani continued his journey in Prog with Samadhi.
It is an album that still sounds incredibly fresh today; if you love organ-driven sounds and rhythmic structures that don't give you a moment's rest, it is mandatory listening.
In a surprise move, the band, led by Elio Volpini, returned in 2024 with the album “Schiavi Del Tempo” (Ma.Ra.Cash Records) and a completely renewed lineup. MS

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Mariano Bulligan

MARIANO BULLIGAN - VII Stazione – Hiroshima
Lizard Records / The Jellyfish Label
Genere: Contemporanea / Rock Progressivo
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

È bello imbattersi ancora in lavori in cui la mente può volare alta e ammirare panorami incredibili.
In un mondo "mordi e fuggi" è davvero un’isola felice quella in cui ci conduce Mariano Bulligan con il suo “VII Stazione – Hiroshima”. L’album giunge dopo “Cybele & Attis” del 2024 e “Saudade” del 2025, ma attenzione: non si tratta di un nuovo lavoro, bensì della consacrazione in CD di un’opera realizzata digitalmente nel 2023.
Il disco nasce come colonna sonora dell'omonimo mediometraggio uscito nel 2021. Non è un semplice accompagnamento, ma un progetto autonomo che rielabora la tragedia atomica attraverso il legame tra Giappone e Friuli (terra d'origine di Bulligan).
Mariano Bulligan è un violoncellista e cantante che utilizza un set strumentale molto particolare per evocare atmosfere sospese tra memoria e distruzione: violoncello e violoncello elettrico, i Gong di Hiroshima (sculture sonore in bronzo create dallo scultore Luciano Ceschia nel 1961, che conferiscono al disco una vibrazione ancestrale e metallica), elettronica, lo Shakuhachi e i flauti suonati dalla polistrumentista Veronika Vitazkova, che aggiungono il tocco tradizionale giapponese.
L’artwork è di Gabriele Donada, mentre il libretto è a cura dello stesso Bulligan.
I due minuti e mezzo di “Good Morning Hiroshima & Nagasaki” immergono immediatamente l’ascoltatore in quel mondo fatto di colori e sensazioni, grazie a strumentazioni world, flauto compreso. Atmosfere pacate sono la base di questo movimento particolarmente toccante.
“It's a Long Way To Hiroshima (feat. Massimo Somaglino)” è un breve vocale di quaranta secondi che conduce a “Anime E Sensi, Di Colpa / Souls And Feelings, Of Guilty (feat. Veronika Vitazkova)”. Il titolo stesso suggerisce una riflessione profonda sul peso della coscienza umana di fronte alla distruzione. Qui la polistrumentista slovacca interviene con i suoi flauti etnici, in particolare lo Shakuhachi (il flauto d'ebano giapponese). Il timbro soffioso e ancestrale di questo strumento trasporta immediatamente l'ascoltatore nelle atmosfere del Giappone post-bellico, creando un ponte sonoro tra l'Occidente e l'Oriente.
In “Submersus Jacet Japhaon”, Mariano Bulligan compie un’operazione di "archeologia sonora" audace, unendo tre mondi apparentemente inconciliabili: la tradizione corale cristiana, la spiritualità giapponese e l'avanguardia violoncellistica. Qui il violoncello viene utilizzato con arcate lunghe e profonde che richiamano il lamento, creando un tappeto sonoro ipnotico e quasi rituale in un atto di sofferenza universale.
In “No Perdonin / We Don't Forgive”, l’autore adotta nel titolo il linguaggio friulano con le sue sonorità aspre e concrete, le quali conferiscono al messaggio un'urgenza e una verità che l'italiano o l'inglese difficilmente avrebbero restituito con la stessa forza. È il lamento di una terra (il Friuli) che parla a un'altra terra martoriata (il Giappone).
“La Scala / The Stairs” è un altro breve interludio che conduce a “Kokura Rain”, il brano più lungo dell’album grazie agli abbondanti otto minuti di durata. È uno dei momenti più narrativi e, paradossalmente, inquietanti dell'intero album. Il titolo fa riferimento a uno dei "quasi" della storia: Kokura era infatti l'obiettivo primario designato per lo sgancio della seconda bomba atomica, ma a causa delle avverse condizioni meteorologiche e della scarsa visibilità (la "pioggia" e le nubi sopra la città), l'equipaggio del B-29 dirottò verso l'obiettivo secondario, Nagasaki. Il violoncello lavora su frequenze medio-alte, quasi a simulare un lamento sottile che si confonde con il rumore bianco di fondo.
L’album si conclude con “Mr. Bulligun - Floating on a Sunken Sign”; a differenza di altre tracce dal sapore più "artigianale" e radicato nel territorio friulano, il pezzo vanta una cura sonora di respiro globale. Mixato a Londra da Marc Urselli, ingegnere del suono vincitore di tre Grammy (noto per le sue collaborazioni con icone dell'avanguardia come John Zorn, Laurie Anderson e Lou Reed), il brano risulta di una spazialità incredibile, dove ogni vibrazione e ogni riverbero elettronico sono definiti con estrema precisione. Inatteso il finale allegro con più voci ed effetti eco.
Non manca una bonus track, qui intitolata “Kimono Under My Skin”.
Bulligan ha la capacità di trasformare un evento tragico in un'esperienza estetica elevata; non è Prog nel senso classico dei tempi dispari o dei virtuosismi tecnici fini a se stessi, bensì si tratta di musica totale, dove l'improvvisazione controllata e la ricerca timbrica servono a narrare una storia. Un requiem elettroacustico di rara potenza che fonde il lamento del violoncello friulano con il respiro ancestrale del Giappone, trasformando le ceneri di Hiroshima in una preghiera d'avanguardia universale. MS

Versione Inglese: 

MARIANO BULLIGAN - VII Stazione – Hiroshima
Lizard Records / The Jellyfish Label
Genre: Contemporary / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

It is wonderful to still come across works where the mind can soar high and admire such incredible vistas.
In a "hit-and-run" world, the place where Mariano Bulligan leads us with his “VII Stazione – Hiroshima” is a true happy island. The album follows 2024's “Cybele & Attis” and 2025's “Saudade,” but take note: this is not a new work, but rather the consecration on CD of an opera originally released digitally in 2023.
The record originated as the soundtrack for the 2021 medium-length film of the same name. It is not a mere accompaniment, but an autonomous project that reimagines the atomic tragedy through the bond between Japan and Friuli (Bulligan's homeland).
Mariano Bulligan is a cellist and singer who utilizes a very distinctive instrumental set to evoke atmospheres suspended between memory and destruction: cello and electric cello, the Hiroshima Gongs (bronze sound sculptures created by sculptor Luciano Ceschia in 1961, which lend the album an ancestral and metallic vibration), electronics, the Shakuhachi, and flutes played by multi-instrumentalist Veronika Vitazkova, which add a traditional Japanese touch.
The artwork is by Gabriele Donada, while the booklet was curated by Bulligan himself.
The two and a half minutes of “Good Morning Hiroshima & Nagasaki” immediately immerse the listener in that world of colors and sensations, thanks to world instrumentation, flute included. Calm atmospheres form the basis of this particularly touching movement.
“It's a Long Way To Hiroshima (feat. Massimo Somaglino)” is a brief forty-second vocal that leads into “Anime E Sensi, Di Colpa / Souls And Feelings, Of Guilty (feat. Veronika Vitazkova).” The title itself suggests a profound reflection on the weight of human conscience in the face of destruction. Here, the Slovak multi-instrumentalist intervenes with her ethnic flutes, specifically the Shakuhachi (the Japanese bamboo flute). The breathy and ancestral timbre of this instrument immediately transports the listener into the atmosphere of post-war Japan, creating a sonic bridge between West and East.
In “Submersus Jacet Japhaon,” Mariano Bulligan performs a bold feat of "sonic archaeology," uniting three seemingly irreconcilable worlds: the Christian choral tradition, Japanese spirituality, and avant-garde cello. Here, the cello is used with long, deep bowings that evoke a lament, creating a hypnotic and almost ritualistic soundscape in an act of universal suffering.
In “No Perdonin / We Don't Forgive,” the author employs the Friulian language in the title; its harsh and concrete sonorities bestow the message with an urgency and truth that Italian or English could hardly have conveyed with the same force. It is the lament of one land (Friuli) speaking to another ravaged land (Japan).
“La Scala / The Stairs” is another short interlude leading to “Kokura Rain,” the longest track on the album with its generous eight-minute duration. It is one of the most narrative and, paradoxically, unsettling moments of the entire record. The title refers to one of history's "near-misses": Kokura was indeed the primary target designated for the dropping of the second atomic bomb, but due to adverse weather conditions and poor visibility (the "rain" and clouds over the city), the B-29 crew diverted to the secondary objective, Nagasaki. The cello works on mid-high frequencies, almost simulating a thin wail that blends into the background white noise.
The album concludes with “Mr. Bulligun - Floating on a Sunken Sign”; unlike other tracks with a more "handcrafted" feel rooted in the Friulian territory, this piece boasts a global-scale sonic production. Mixed in London by Marc Urselli, a three-time Grammy-winning sound engineer (known for his collaborations with avant-garde icons like John Zorn, Laurie Anderson, and Lou Reed), the track results in incredible spatiality, where every vibration and electronic reverb is defined with extreme precision. The cheerful ending with multiple voices and echo effects is unexpected.
There is also a bonus track titled “Kimono Under My Skin.”
Bulligan possesses the ability to transform a tragic event into an elevated aesthetic experience; this is not "Prog" in the classic sense of odd time signatures or technical virtuosity for its own sake, but rather "total music," where controlled improvisation and timbral research serve to narrate a story. An electroacoustic requiem of rare power that blends the lament of the Friulian cello with the ancestral breath of Japan, transforming the ashes of Hiroshima into a universal avant-garde prayer. MS

Magenta

MAGENTA – Tarot
Tigermoth Records
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / DVD / Bandcamp - 2026

Uno dei nomi più altisonanti del moderno Neo Prog è sicuramente quello dei gallesi Magenta. Formatisi a Cardiff nel 2001, sin dal debutto con Revolutions (2001) hanno saputo mettersi in luce agli occhi della critica di settore e del pubblico. La voce di Christina Booth è da sempre il marchio di fabbrica della band, dedita a melodie orecchiabili ma mai banali. L’uso della tecnica strumentale è eccellente, una costante che ha accompagnato tutti i loro dieci album in studio.
Oggi ritornano con "Tarot", avvalendosi di ospiti di grande rilievo come Nick D'Virgilio (batteria), Peter Jones e Steve Balsamo (cori), Katie Axelsen (flauto) e Sam Baxter (oboe). La formazione attuale vede Christina Booth alla voce, Robert Reed alle tastiere e chitarra e Chris Fry alla chitarra.
Come suggerisce il titolo, l'intero album è costruito attorno alla figura dei Tarocchi. Non è la prima volta che il mondo del Prog esplora questo tema, ma i Magenta lo fanno dedicando ogni traccia a uno specifico Arcano Maggiore. Ogni brano cerca di catturarne l'essenza psicologica ed emotiva: dalla spensieratezza di The Fool alla solennità di The High Priestess. I testi, curati come di consueto da Steve Reed, offrono una lettura introspettiva e quasi filosofica dei simboli.
I dieci brani che compongono l’album si aprono con "The Lovers", una canzone arrangiata magistralmente in cui Christina dimostra perché è una delle voci più ammirate del genere. La sua interpretazione riesce a trasmettere un senso di calore e protezione, pur mantenendo una fragilità che si sposa perfettamente con il tema della carta degli Amanti. "Etude 1" è un breve interludio acustico di chitarra in stile Mike Oldfield che conduce a "The Magician". Nell'album sono presenti quattro interludi che si inframezzano tra le canzoni, un espediente che richiama quanto fatto dagli Arena con la serie Crying For Help.
In The Magician, la voce funge da guida spirituale, sinuosa e quasi ipnotica nelle strofe, si apre in un ritornello epico e solare che simboleggia l'atto della creazione. La musica, ricca di cambi di tempo, lascia ampio spazio ai duelli tra la chitarra solista (caratterizzata dal tipico sustain lirico alla Steve Hackett/David Gilmour) e i sintetizzatori di Reed.
"The World" è una mini-suite di quasi dieci minuti, solare e vicina all’universo dei Flower Kings. Rappresentando l'ultima carta degli Arcani Maggiori, il brano incarna il successo, la realizzazione e la chiusura di un cerchio; è progettato per lasciare l'ascoltatore con un senso di pace, grazie a un incedere molto armonioso.
Seguono altri dieci minuti di puro Neo Prog con "Strength". In questo brano i Magenta esplorano non la forza bruta, ma quella interiore: il coraggio di affrontare i propri demoni e la capacità di domare la "bestia" che risiede in ognuno di noi (proprio come nell'iconografia classica della carta, dove una donna ammansisce un leone). Si tratta di una delle tracce più robuste dell'album dove la sezione ritmica è molto presente, con un basso pulsante e riff di chitarra più incisivi rispetto alla solarità del brano precedente. Splendida la parte centrale.
"The Empress" presenta un’atmosfera più greve, pur rimarcando i sentieri stilistici della traccia precedente. Anche qui, gli ottimi arrangiamenti restano in primo piano. Chiude la title track, qui il testo riflette sull'idea che le carte siano solo specchi della nostra anima, che non predicono un futuro immutabile ma rivelano ciò che abbiamo già dentro. È un brano che parla di libero arbitrio attraverso la metafora del gioco, una ballata soave e sentita.
Se hai amato lavori come Seven o Metamorphosis, troverai in Tarot quella stessa magia, filtrata attraverso una produzione ancora più curata e una ricerca melodica che sembra non esaurirsi mai. MS

Versione Inglese:

MAGENTA – Tarot
Tigermoth Records
Genre: Neo-Prog
Format: CD / DVD / Bandcamp - 2026

One of the most prominent names in modern Neo-Prog is undoubtedly the Welsh band Magenta. Formed in Cardiff in 2001, they have consistently stood out to both critics and fans since their debut with Revolutions (2001). Christina Booth’s vocals have always been the band’s trademark, delivering melodies that are catchy yet never predictable. Their instrumental technicality is excellent—a constant that has defined all ten of their studio albums.
They return today with Tarot, featuring high-profile guests such as Nick D'Virgilio (drums), Peter Jones and Steve Balsamo (backing vocals), Katie Axelsen (flute), and Sam Baxter (oboe). The current lineup features Christina Booth on vocals, Robert Reed on keyboards and guitar, and Chris Fry on guitar.
As the title suggests, the entire album is built around the figures of the Tarot. While this isn't the first time the Prog world has explored this theme, Magenta approaches it by dedicating each track to a specific Major Arcanum. Every song seeks to capture the psychological and emotional essence of the card: from the carefree nature of The Fool to the solemnity of The High Priestess. The lyrics, penned as usual by Steve Reed, offer an introspective and almost philosophical interpretation of these symbols.
The ten tracks comprising the album open with "The Lovers," a masterfully arranged song where Christina demonstrates why she is one of the genre’s most admired voices. Her performance conveys a sense of warmth and protection while maintaining a fragility that perfectly suits the theme of the Lovers card. "Etude 1" is a brief acoustic guitar interlude in the style of Mike Oldfield, leading into "The Magician." There are four such interludes interspersed throughout the album, a device reminiscent of Arena’s Crying For Help series.
In "The Magician," the vocals act as a spiritual guide—sinuous and almost hypnotic in the verses, then opening into an epic, bright chorus symbolizing the act of creation. The music, rich with time signature changes, leaves ample room for duels between the lead guitar (featuring that lyrical sustain typical of Steve Hackett or David Gilmour) and Reed’s synthesizers.
"The World" is a nearly ten-minute mini-suite, bright and reminiscent of the Flower Kings' musical universe. As the final card of the Major Arcana, the track embodies success, fulfillment, and the closing of a circle; it is designed to leave the listener with a sense of peace through its very harmonious pace.
Another ten minutes of pure Neo-Prog follow with "Strength." In this piece, Magenta explores inner strength rather than brute force: the courage to face one’s demons and the ability to tame the "beast" within (mirroring the card’s classical iconography of a woman taming a lion). This is one of the album’s more robust tracks, featuring a prominent rhythm section with a pulsing bass and sharper guitar riffs compared to the sunnier tones of the previous track. The middle section is magnificent.
"The Empress" presents a heavier atmosphere while following the stylistic paths set by the preceding track. Once again, the excellent arrangements take center stage. The album concludes with the title track; here, the lyrics reflect on the idea that the cards are merely mirrors of our souls—they do not predict an unchangeable future but reveal what we already carry inside. It is a song about free will told through the metaphor of the game, a gentle and heartfelt ballad.
If you loved works like Seven or Metamorphosis, you will find that same magic in Tarot, now filtered through even more refined production and a melodic search that seems never-ending.
MS

Karcius

KARCIUS - Black Soul Sickness
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

I canadesi Karcius sono una band sempre in evoluzione, per questo interpretano al meglio il significato moderno del termine “Progressive”. Formatisi a Montreal nel 2001, giungono con “Black Soul Sickness” al settimo album in studio; la formazione oggi è composta da Sylvain Auclair (voce, basso), Thomas Brodeur (batteria), Sébastien Cloutier (tastiere) e Simon L'Espérance (chitarra). Sono il perfetto esempio di come il passato possa essere perfettamente inglobato nel presente, attraverso richiami agli anni d’oro grazie all’uso delle tastiere e parti robuste come il Metal dei Porcupine Tree.
L'album è descritto dalla band stessa come un'odissea cinematografica attraverso l'architettura fragile della psiche umana. Rispetto ai capitoli precedenti, “Black Soul Sickness” vira verso territori decisamente più oscuri e introspettivi, affrontando temi come la perdita e il lutto, l'ossessione e il trauma, la rinascita e la ricerca della verità interiore. La band ha altresì dichiarato di aver dato priorità all'emozione rispetto al tecnicismo puro, cercando di creare un'opera che "parli al cuore perché viene dal cuore".
Si passa da momenti di quasi silenzio e delicatezza (pianoforte, mellotron) a esplosioni sonore intense e pesanti. Interamente autoprodotto e mixato dal chitarrista Simon L'Espérance, il disco garantisce un controllo creativo totale che si traduce in un sound molto organico e "umano". Nonostante la complessità tipica del genere, i brani evitano l'esibizionismo tecnico fine a se stesso, preferendo strutture narrative che guidano l'ascoltatore attraverso un climax emotivo.
L’album si apre subito con una suite intitolata “Wallow”, a testimonianza della volontà di immergersi nel filone della musica da ascoltare e non da “mordi e fuggi”. Inizia con un'atmosfera sospesa, dominata dal pianoforte di Sébastien Cloutier e da un sound design minimale curato da Thomas Brodeur. La voce di Sylvain Auclair entra in modo quasi sussurrato, trasmettendo un senso di vulnerabilità e isolamento. Il pezzo cresce gradualmente, qui entra in gioco il lavoro di chitarra di Simon L'Espérance, che intreccia arpeggi puliti a riff pesanti e sincopati. Il basso di Auclair diventa pulsante, creando un muro sonoro che simboleggia il peso schiacciante della depressione o del lutto. La sezione finale è un'esplosione di puro Progressive Metal. I Karcius abbandonano la cautela per una sezione strumentale complessa, dove i tempi dispari della batteria si fondono con assoli di chitarra carichi di feedback, portando l'ascoltatore verso una risoluzione quasi liberatoria, seppur malinconica. Il testo esplora il paradosso del dolore: quel momento in cui la sofferenza diventa così familiare da trasformarsi quasi in un rifugio sicuro, impedendo però ogni movimento verso il futuro.
“Out Of Nothing” è il singolo dell’album, il titolo stesso, "Dal nulla", suggerisce il tema della creazione e della resilienza. Mentre il resto dell'album scava nel dolore, questo brano parla della capacità dell'animo umano di rigenerarsi quando tutto sembra perduto. È il momento del disco in cui la "malattia dell'anima" trova una forma di cura o, almeno, una via d'uscita. A differenza delle atmosfere dilatate di “Wallow”, qui domina un ritmo incalzante. La sezione ritmica è granitica, con un basso distorto che guida il pezzo e rimanda a certe sonorità dei Muse più pesanti o dei Big Wreck. Sylvain Auclair offre qui una delle sue performance più versatili, passa da un cantato melodico e quasi sognante nelle strofe a un registro graffiante e potente nel ritornello, che è incredibilmente orecchiabile per gli standard del Progressive Rock.
Segue “Darkest Heir”, un pezzo che potrebbe benissimo rientrare nella discografia degli Haken. Si tira un attimo il fiato con “Slow Down Son”, che funge da cuore emotivo del disco, una ballata progressiva che si distingue per la sua profonda umanità. Il testo è una sorta di lettera aperta, un consiglio paterno (o ancestrale) rivolto a chi sta correndo troppo velocemente verso l'autodistruzione. È un invito a fermarsi, a respirare e a osservare le proprie ferite invece di scappare da esse.
In “Rise” si parla della risalita metodica. Il testo affronta la fatica di ricostruire la propria identità ed è un inno alla resilienza, ma privo di retorica banale. La band sottolinea che risorgere è un lavoro sporco, difficile e spesso doloroso. C'è un uso molto interessante di poliritmie che danno l'idea di un ingranaggio che ricomincia a girare, inizialmente con fatica e poi con una fluidità inarrestabile. Le tastiere di Sébastien Cloutier qui si fanno orchestrali, mentre l'uso dei sintetizzatori non è mai invasivo, ma serve a sollevare il brano nei ritornelli, creando quell'effetto di "ascesa" evocato dal titolo.
“Awakening The Spirit” ha un inizio quasi in stile Radiohead e brilla per la sua eleganza, oltre che per un arrangiamento dalle atmosfere mistiche alla Steven Wilson.
La chiusura spetta a “Dusting My Coat” e, se l'album fosse un film, questa sarebbe la scena finale in cui il protagonista, dopo aver attraversato tempeste e abissi, si ferma sulla porta, si scuote la polvere di dosso e guarda verso l'orizzonte. Il cuore della traccia è l'intreccio tra una chitarra acustica dal suono molto naturale e la voce di Sylvain Auclair, che qui suona quasi stanca ma profondamente serena. In gran parte del brano la sezione ritmica è assente, sottolineando il senso di solitudine positiva e di pace ritrovata.
Se sei un fan di gruppi come Porcupine Tree, Opeth o Big Wreck, questo album dei Karcius rappresenta probabilmente una delle uscite più significative del panorama Prog di quest'anno. MS

Versione Inglese:

KARCIUS - Black Soul Sickness
Self-release
Genre: Modern Post-Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

The Canadians Karcius are a band in constant evolution, perfectly embodying the modern meaning of the term “Progressive.” Formed in Montreal in 2001, they reach their seventh studio album with “Black Soul Sickness”; the current lineup consists of Sylvain Auclair (vocals, bass), Thomas Brodeur (drums), Sébastien Cloutier (keyboards), and Simon L'Espérance (guitar). They are the perfect example of how the past can be seamlessly integrated into the present, blending golden-era keyboard flourishes with heavy, robust sections reminiscent of Porcupine Tree’s metal side.
The album is described by the band as a cinematic odyssey through the fragile architecture of the human psyche. Compared to previous chapters, “Black Soul Sickness” veers into decidedly darker and more introspective territories, tackling themes such as loss and grief, obsession and trauma, rebirth, and the search for inner truth. The band has also stated that they prioritized emotion over pure technicality, striving to create a work that "speaks to the heart because it comes from the heart."
The music shifts from moments of near-silence and delicacy (piano, mellotron) to intense, heavy sonic explosions. Entirely self-produced and mixed by guitarist Simon L'Espérance, the record ensures total creative control, resulting in a very organic and "human" sound. Despite the complexity typical of the genre, the songs avoid technical exhibitionism for its own sake, favoring narrative structures that lead the listener through an emotional climax.
The album opens immediately with a suite titled “Wallow,” testifying to a commitment to immersive music meant for deep listening rather than a “hit-and-run” approach. It begins with a suspended atmosphere, dominated by Sébastien Cloutier’s piano and minimal sound design curated by Thomas Brodeur. Sylvain Auclair’s vocals enter almost in a whisper, conveying a sense of vulnerability and isolation. The track grows gradually; this is where Simon L'Espérance’s guitar work comes in, weaving clean arpeggios with heavy, syncopated riffs. Auclair’s bass becomes pulsing, creating a sonic wall that symbolizes the crushing weight of depression or grief. The final section is an explosion of pure Progressive Metal. Karcius cast caution aside for a complex instrumental segment where odd time signatures on the drums merge with feedback-laden guitar solos, leading the listener toward a resolution that is almost liberating, yet melancholic. The lyrics explore the paradox of pain: that moment when suffering becomes so familiar it turns into a sort of safe haven, yet prevents any movement toward the future.
“Out Of Nothing” is the album's single; the title itself suggests the theme of creation and resilience. While the rest of the album delves into pain, this track speaks of the human soul's capacity to regenerate when all seems lost. it is the moment in the record where the "sickness of the soul" finds a form of healing or, at the very least, a way out. Unlike the expansive atmospheres of “Wallow,” an insistent rhythm dominates here. The rhythm section is rock-solid, with a distorted bass driving the piece, evoking the heavier sounds of Muse or Big Wreck. Sylvain Auclair delivers one of his most versatile performances, shifting from melodic, almost dreamlike singing in the verses to a gritty, powerful register in the chorus, which is incredibly catchy by Progressive Rock standards.
Next is “Darkest Heir,” a track that could easily fit into Haken’s discography. The listener gets a brief breather with “Slow Down Son,” which serves as the emotional heart of the record—a progressive ballad distinguished by its profound humanity. The lyrics are a sort of open letter, a fatherly (or ancestral) piece of advice addressed to someone rushing too fast toward self-destruction. It is an invitation to stop, breathe, and observe one's wounds instead of running away from them.
In “Rise,” the theme is one of methodical ascent. The lyrics deal with the struggle of rebuilding one's identity; it is an anthem to resilience, yet devoid of hollow rhetoric. The band emphasizes that rising again is a dirty, difficult, and often painful job. There is a very interesting use of polyrhythms that give the impression of a gear starting to turn again—initially with effort, then with unstoppable fluidity. Sébastien Cloutier’s keyboards become orchestral here, while the use of synthesizers is never invasive, serving instead to lift the song during the choruses and creating the "ascent" effect evoked by the title.
“Awakening The Spirit” features an intro almost in the style of Radiohead, shining for its elegance as well as an arrangement with mystical atmospheres reminiscent of Steven Wilson.
The closing task falls to “Dusting My Coat.” If the album were a movie, this would be the final scene where the protagonist, after crossing storms and abysses, stands at the doorway, dusts off his coat, and looks toward the horizon. The heart of the track is the interplay between a very natural-sounding acoustic guitar and Sylvain Auclair’s vocals, which sound almost weary yet deeply serene. Throughout most of the song, the rhythm section is absent, highlighting the sense of positive solitude and rediscovered peace.
If you are a fan of bands like Porcupine Tree, Opeth, or Big Wreck, this album by Karcius likely represents one of the most significant releases in this year's Prog landscape. MS

Lateral Blast

LATERAL BLAST – Lemniscata
Autoproduzione
Genere: Cantautore / Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Prosegue nel suolo italico l’avanzata dei cantautori Prog e questo non può che farmi personalmente piacere. I Lateral Blast sono un progetto di Leonardo Angelucci, cantautore romano classe 1991. Dopo le prime esperienze con band Rock e Prog tra il 2011 e il 2016, intraprende la carriera solista pubblicando nel 2017 l’EP “Contemporaneamente” per Alka Record Label, affermandosi da subito con premi, riconoscimenti e un’intensa attività live in tutta Italia. Nel 2018 esce “Questo Frastuono Immenso”, suo album d’esordio, prodotto da Manuele Fusaroli. Il disco ha anche passaggi su Rai Radio 1 e video anteprime su Repubblica.it. Vincitore della Biennale MArteLive 2019 e del premio Nuovo IMAIE per il tour nazionale, è anche finalista di Musicultura e Arezzo Wave Lazio. Questo, a grandi linee, il curriculum dell’artista.
Nel 2016 i Lateral Blast realizzano “La Luna Nel Pozzo”, un lavoro che li pone all’attenzione del pubblico, e oggi fanno ritorno con “Lemniscata”, un concept davvero interessante composto da dodici tracce che ora andremo ad analizzare.
Innanzitutto il disco narra di uno scienziato e del suo viaggio che inizia nella finestra di una stanza per poi oltrepassare (come il Voyager) i confini del nostro sistema solare; ma attenzione, non è soltanto un percorso spaziale, bensì un'indagine sulle prospettive umane. Ogni pianeta incrociato diventa un argomento fra astronomia, storia e mito, mentre il tutto viene esaltato dall’opera di copertina del pittore bolognese Vito Giarrizzo, realizzata appositamente per questo progetto. L’opera è frutto del lavoro di Leonardo Angelucci (chitarra, cori), Rosaceleste Zumpano (voce), Matteo Troiani (basso), Alessandro Ippoliti (tastiere), Tommaso Guerrieri (batteria) e Antonello D’Angeli (chitarra), dove Il Sole è inteso come la forza gravitazionale dell'amore, la Terra è legata ai piaceri viscerali e Giove è concepito come il giudizio divino.
Il disco è stato anticipato dal singolo “Rifugio”, uscito a marzo 2026, descritto come un viaggio emotivo dentro la fragilità umana e il senso di smarrimento.
“La Finestra” rappresenta il punto di osservazione, la soglia tra il microcosmo (l'intimità domestica, i pensieri personali) e il macrocosmo (lo spazio infinito, il Sistema Solare). Il brano racconta quel momento di sospensione in cui ci si ferma a guardare fuori, magari di notte, cercando una connessione tra le proprie piccole paure e l'immensità dell'universo. Musicalmente basato su tastiere e chitarre, specialmente nel finale, è un movimento ricco di cambi di tempo e profondità tipicamente Prog.
“Il Sole” esplora l'ambivalenza dei legami profondi e la necessità di calore e luce contrapposta al rischio di annullarsi o rimanere scottati dalla potenza dell'altro. È un brano di Rock Progressivo moderno che abbandona per un attimo il mistero per celebrare la presenza.
Quando si giunge a “Mercurio”, le atmosfere iniziali si fanno meditate per poi esplodere in uno strumentale ricco di riferimenti al passato fra Genesis e Prog Folk, grazie all’utilizzo del flauto.
Con “Passione” la Zumpano sale in cattedra in una ballata ampia in cui le parole dipingono immagini forti, legate al desiderio, alla carne e all'inevitabilità di farsi travolgere da ciò che ci rende vivi, mentre in “L’Altalena” giocano con sonorità che sfiorano il Ragtime e un raffinato Dark Swing, mantenendo però quella spigolosità Rock tipica del loro DNA. Dal punto di vista vocale, il brano richiede una forte dose di espressività teatrale.
Il disco è quindi davvero variegato, senza un momento di stanca, e “Dove Sei” cambia nuovamente scenario esplorando il tema della lontananza, della perdita e della ricerca dell'altro, in cui la forte carica nostalgica e malinconica viene sottolineata dalla voce di Angelucci.
Pubblicato inizialmente come singolo nel lontano 2019, “1666” è associato al grande incendio di Londra del 1666. Musicalmente mette in pratica un mix fra cantautorato, Folk e Progressive Rock.
È la volta di “Tempo”; qui la sfida di descrivere il tempo viene raccolta attraverso soluzioni ritmiche e d'arrangiamento molto mirate. La sezione ritmica (basso e batteria) si fa metronomica, quasi a voler simulare il battito cardiaco o il ticchettio di un orologio, creando una tensione costante che fa da spina dorsale alla traccia. Ottimo l’uso del flauto che dona istanti rilassanti dal sapore vintage.
“Satelliti” gioca sulla metafora dei corpi celesti che non brillano di luce propria, ma orbitano incessantemente attorno a un centro di gravità, descritti dal connubio voce e pianoforte.
Torna la bella voce di Rosaceleste in “Rifugio”, in cui si parla di vulnerabilità, ma anche della forza che si trova nell'accettare i propri limiti. Il brano evita le esplosioni sonore violente, preferendo un crescendo emotivo graduale, guidato dalla sezione ritmica che pulsa in modo discreto ma solido.
Ed ecco “Plutone”, dall’andamento Blues, che affronta il tema della fine, del distacco e dell'accettazione dell'ombra. Il brano non rinuncia alla spinta Rock, ma la declina in un incedere pesante, solenne, quasi Prog Metal in certi passaggi chitarristici. È un pezzo strutturato, dove i cambi di tempo non servono a stupire per virtuosismo, ma a sottolineare il senso di smarrimento e la discesa negli abissi.
Tutto si conclude con l’ottima title track, una coccola sonora di rara bellezza. “Lemniscata” è quindi un’audace odissea Rock tra le geometrie del cosmo e i labirinti dell'anima, dove il Progressive teatrale si fa specchio di un eterno ritorno. MS

Versione Inglese:

LATERAL BLAST – Lemniscata
Self-released
Genre: Singer-Songwriter / Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

The advance of Prog singer-songwriters continues on Italian soil, and this can only bring me personal pleasure. Lateral Blast is a project by Leonardo Angelucci, a Roman singer-songwriter born in 1991. Following his initial experiences with Rock and Prog bands between 2011 and 2016, he embarked on a solo career, releasing the EP “Contemporaneamente” in 2017 under the Alka Record Label, immediately establishing himself with awards, accolades, and intense live activity throughout Italy. In 2018, his debut album “Questo Frastuono Immenso,” produced by Manuele Fusaroli, was released. The record also received airplay on Rai Radio 1 and video premieres on Repubblica.it. Winner of the 2019 MArteLive Biennale and the Nuovo IMAIE award for his national tour, he was also a finalist at Musicultura and Arezzo Wave Lazio. This, in broad strokes, is the artist's curriculum.
In 2016, Lateral Blast released “La Luna Nel Pozzo,” a work that brought them to the public's attention, and today they return with “Lemniscata,” a truly interesting concept album composed of twelve tracks that we will now analyze.
First and foremost, the record tells the story of a scientist and his journey, which begins at the window of a room and then goes beyond the boundaries of our solar system (like the Voyager); but mind you, it is not merely a spatial journey, but rather an inquiry into human perspectives. Each planet encountered becomes a subject spanning astronomy, history, and myth, while the entire work is enhanced by the cover art of Bolognese painter Vito Giarrizzo, created specifically for this project. The work is the result of the efforts of Leonardo Angelucci (guitar, backing vocals), Rosaceleste Zumpano (vocals), Matteo Troiani (bass), Alessandro Ippoliti (keyboards), Tommaso Guerrieri (drums), and Antonello D’Angeli (guitar), where The Sun is understood as the gravitational force of love, Earth is linked to visceral pleasures, and Jupiter is conceived as divine judgment.
The album was preceded by the single “Rifugio,” released in March 2026, described as an emotional journey into human fragility and the sense of bewilderment.
“La Finestra” represents the point of observation, the threshold between the microcosm (domestic intimacy, personal thoughts) and the macrocosm (infinite space, the Solar System). The track recounts that moment of suspension when one stops to look outside, perhaps at night, seeking a connection between one's own small fears and the immensity of the universe. Musically based on keyboards and guitars, especially in the finale, it is a movement rich in time signature changes and a depth typical of Prog.
“Il Sole” explores the ambivalence of profound bonds and the need for warmth and light, contrasted with the risk of erasing oneself or getting burned by the power of the other. It is a modern Progressive Rock track that momentarily abandons mystery to celebrate presence.
When reaching “Mercurio,” the opening atmospheres become meditative before exploding into an instrumental rich in vintage references, shifting between Genesis and Prog Folk, thanks to the use of the flute.
With “Passione,” Zumpano takes center stage in an expansive ballad where the words paint powerful images tied to desire, the flesh, and the inevitability of being overwhelmed by what makes us alive, while in “L’Altalena” they play with sounds that border on Ragtime and a refined Dark Swing, yet maintaining that rock edge typical of their DNA. From a vocal standpoint, the track demands a heavy dose of theatrical expressiveness.
The record is therefore highly varied, without a single dull moment, and “Dove Sei” shifts the scenery once again, exploring the theme of distance, loss, and the search for the other, where the strong nostalgic and melancholic charge is highlighted by Angelucci's vocals.
Initially released as a single back in 2019, “1666” is associated with the Great Fire of London of 1666. Musically, it delivers a mix of singer-songwriter storytelling, Folk, and Progressive Rock.
Next up is “Tempo”; here, the challenge of describing time is met through very deliberate rhythmic and arrangement choices. The rhythmic section (bass and drums) becomes metronomic, almost simulating a heartbeat or the ticking of a clock, creating a constant tension that serves as the backbone of the track. Excellent use of the flute, which provides relaxing moments with a vintage flavor.
“Satelliti” plays on the metaphor of celestial bodies that do not shine with their own light but incessantly orbit around a center of gravity, depicted by the combination of vocals and piano.
The beautiful voice of Rosaceleste returns in “Rifugio,” a track that speaks of vulnerability, but also of the strength found in accepting one's limitations. The song avoids violent sonic explosions, preferring a gradual emotional crescendo guided by a rhythmic section that pulses discretely yet solidly.
And here is “Plutone,” with its Blues-driven pace, which addresses the theme of ending, detachment, and the acceptance of the shadow. The track does not surrender its Rock drive but rather declines it into a heavy, solemn gait, leaning almost toward Prog Metal in certain guitar passages. It is a structured piece where the time changes do not serve to flaunt virtuosity, but to underscore the sense of bewilderment and the descent into the abyss.
Everything concludes with the excellent title track, a sonic embrace of rare beauty. “Lemniscata” is thus a daring Rock odyssey between the geometries of the cosmos and the labyrinths of the soul, where theatrical Progressive becomes the mirror of an eternal return. MS