Nati
nella scena Indie underground di Capri, i PacificSquiers hanno costruito la
propria identità attorno all'uso creativo delle chitarre elettriche unite a
sintesi analogica e drum machine soffuse. Il
progetto nasce con l'intento di fondere le atmosfere nostalgiche della West
Coast con la malinconia e le tessiture sonore tipiche della scena Shoegaze
britannica degli anni '90 ispirata a band come Slowdive e Cocteau Twins. Con il
passare del tempo, la band ha affinato un approccio produttivo
"do-it-yourself" (DIY), facendo della produzione casalinga ma
dettagliata un punto di forza estetico. Il
nome fa un chiaro riferimento alle celebri chitarre Squier, marchio economico
ma storico della Fender, uno strumento iconico per l'intera scena Indie, Shoegaze
e Alternative Rock fin dagli anni '80 e '90 per l'accessibilità e l'attitudine
"garage". L'aggettivo “Pacific” serve a bilanciare la componente
chitarristica con un'estetica visiva e sonora legata all'oceano, alle maree,
alla dilatazione e alle atmosfere sognanti tipiche del Dream Pop. In
questo breve EP su Bandcamp intitolato “Dreaming Unyending”, ci sono tre brani
suonati da Luca Esposito (chitarra, tastiere, produzione, composizione),
Anghatengh (voce, arrangiamenti, scrittura), Michele Nastro (basso) e Mariano
Celentano (batteria). Presto
l’intero album sarà edito. “Near
The Sea” dura un minuto e mezzo ed è suonato soprattutto con il piano. Molto
lento e nostalgico, introduce l’ascoltatore nello stato d’animo più appropriato
per l’ascolto. Arpeggi
di chitarra su un tappeto di tastiere introducono la voce di Anghatengh in “Dear
Stranger”, singolo che sarà dell’album. Il pezzo sale d’intensità sino a
graffiare con la voce gridata ma pur sempre drammatica e perfettamente
incastonata nel contesto. “Timelapse
Of Us” invece alza l’intensità corale ed entra nel mondo del Shoegaze,
dimostrando tutte le capacità balistiche e compositive della band. Con
“Dreaming Unyending”, i PacificSquiers dimostrano una maturità espressiva non
comune nel panorama indipendente, bilanciando sapientemente le asperità
Shoegaze con la delicatezza del Dream Pop. Nonostante le dimensioni contenute
della release, il gruppo riesce a costruire un microcosmo coerente, aereo e
viscerale. Un tassello discografico che conferma la bontà della loro visione
artistica e lascia la curiosità di scoprire dove li porterà l’intero album. In
attesa… MS.
Born in the underground Indie scene of Capri,
PacificSquiers have built their identity around the creative use of electric
guitars combined with analog synthesis and muted drum machines. The project was born with the intent to fuse nostalgic
West Coast vibes with the melancholy and sonic textures typical of the '90s
British Shoegaze scene, inspired by bands like Slowdive and Cocteau Twins. Over
time, the band has refined a "do-it-yourself" (DIY) production
approach, turning home-based yet detailed production into an aesthetic
strength. The name makes a clear reference to the famous Squier
guitars—Fender's budget-friendly yet historic brand—an iconic instrument for
the entire Indie, Shoegaze, and Alternative Rock scene since the '80s and '90s
due to its accessibility and "garage" attitude. The adjective
“Pacific” serves to balance the guitar-driven side with a visual and sonic
aesthetic tied to the ocean, tides, spatial expansion, and the dreamy
atmospheres typical of Dream Pop. In this short EP on Bandcamp titled “Dreaming
Unyending”, there are three tracks played by Luca Esposito (guitar, keyboards,
production, composition), Anghatengh (vocals, arrangements, songwriting),
Michele Nastro (bass), and Mariano Celentano (drums). Soon the full album will be released. “Near The Sea” lasts a minute and a half and is played
mostly on the piano. Very slow and nostalgic, it introduces the listener to the
most appropriate mood for listening. Guitar arpeggios over a bed of keyboards introduce
Anghatengh's voice in “Dear Stranger”, a single that will feature on the
upcoming album. The track builds in intensity until it scrapes through with
raw, screamed yet dramatic vocals that are perfectly embedded in the context. “Timelapse Of Us”, on the other hand, raises the
choral intensity and enters the world of Shoegaze, showcasing all of the band's
technical and songwriting prowess. With “Dreaming Unyending”, PacificSquiers demonstrate
an expressive maturity that is uncommon in the independent scene, skillfully
balancing Shoegaze rough edges with Dream Pop delicacy. Despite the compact
size of the release, the group manages to build a coherent, airy, and visceral
microcosm. A recording piece that confirms the strength of their artistic
vision and leaves one curious to discover where the full album will take them. Waiting…
MS.
COORDINATE – Undreamt Autoproduzione / CoordinateSoundStudio Genere:
Art Rock / Post Rock Supporto:
Digital / Bandcamp – 2026
I
Coordinate sono un progetto musicale nato a Roma dalla mente e dalla visione
artistica di Federico Magnanimi, polistrumentista, compositore e produttore
dell'opera.L'identità del gruppo si sviluppa attorno a un'interessante
combinazione di Post Rock/Metal, Art Rock, e musiche orchestrali. Elemento
caratterizzante dell'architettura sonora è il dualismo vocale tra la voce
femminile di Giulia Mastrosanti e quella maschile di Matteo Marazzi, che dona
ai brani una spiccata componente teatrale ed emotiva. Queste coordinate sonore
sono ad oggi una tendenza che in Italia sta prendendo campo, più del Progressive
Rock stesso, a testimonianza di voler comunque essere al passo con i tempi
seppur rispettando i suggerimenti del passato. “Undreamt”
è un concept album narrativo e allegorico formato da sette tracce più una bonus
track. Racconta la parabola di un uomo confinato su un'isola che, scorgendo
all'orizzonte una luce lontana ribattezzata Gammar, decide di gettarsi in mare
per raggiungerla a nuoto. Nel tentativo, travolto dalla tempesta, perde ogni
cosa. Tratto in salvo dalle correnti e restituito alla riva, ormai solo e privo
di illusioni, riesce finalmente ad aprire gli occhi e a scorgere l'imbarcazione
che era sempre stata lì ad attenderlo. “Gammar
I” è la traccia introduttiva d'atmosfera sostenuta dalle linee di basso di
Marco Fornari. Costruisce gradualmente una tensione avvolgente e rarefatta,
gettando le basi delle trame Post Rock e Progressive del disco e presenta lo
stato d'isolamento del protagonista sull'isola. Riconosce l'insoddisfazione per
il proprio stato e la nascita dell'ossessione per "Gammar", quel
bagliore lontano oltre l'oceano che promette una salvezza sconosciuta. In
“Gammar II” la batteria di Andrea Recchia si unisce al basso di Fornari per
strutturare una sezione ritmica più incisiva. Le voci di Mastrosanti e Marazzi
iniziano a intrecciarsi in un dialogo sempre più incalzante. Qui risiede il
momento della decisione, il protagonista matura la scelta di abbandonare le
certezze del proprio luogo sicuro ("I know I must leave my island, follow
the light that's been calling me") per inseguire la luce a costo di
rischiare tutto. Soave la voce di Giulia Mastrosanti che riesce a far scorrere
più di un brivido sulla pelle. Invece l’anima più “metallica” del duo fuoriesce
nel brano “Swim Across The Ocean I – Tempest”, dove l'intervento ospite di
Giacomo Bonfadini alla chitarra solista e alla voce in screaming, trasfigura il
brano in un assalto sonoro aggressivo. Il pezzo narra il tuffo in mare e
l'impatto con la tempesta spietata dell'oceano. Simboleggia la lotta contro le
avversità dell'ignoto e la perdita progressiva di ogni difesa fisica e mentale. Le
chitarre soliste di Damiano Tagliaferri e Alessandro Fontana introducono in “Swim Across The Ocean II – Deliverance”
tessiture più liriche e distese. L'aggressività del brano precedente lascia il
posto ad aperture orchestrali solenni. Ed è la fase della resa e della
liberazione interiore (Deliverance). Il naufrago, stremato e ormai consapevole
dell'impossibilità di sconfiggere il mare con la sola forza bruta, smette di
lottare e si lascia trasportare dalle correnti, così noi dall’ascolto. Il
brano più lungo del concept è “Sea Shore” con oltre nove minuti di musica. Un
affresco d'Art Rock che fluttua in delicati arpeggi di chitarra prima di
esplodere in una spinta drammatica di forte impatto emotivo. Qui si narra del
risveglio dopo la burrasca. Restituito dal mare alla battigia, il protagonista
giace svuotato di ogni illusione ma dotato di una lucida consapevolezza
("finally awake upon the shore"): il viaggio nel caos lo ha spogliato
di ciò che era superfluo. Segue
“Gammar III” che si riallaccia ai temi melodici della suite iniziale,
riproponendoli in chiave malinconica, quasi trasognata, chiudendo il cerchio
tematico legato all'utopia di Gammar. Ottimo ed emozionante l’uso del piano.Ora
la luce di Gammar non è più vista come una meta reale da raggiungere, ma come
un semplice espediente del destino servito a innescare il cambiamento
interiore. La
conclusiva “The Ship” è il momento catartico e corale che suggella il racconto
in un clima di ritrovata serenità ed espansione orchestrale.Sulla
spiaggia, l'uomo scorge finalmente la barca che era sempre stata lì ad
attenderlo. Capisce che i mezzi per salvarsi e per navigare non andavano
cercati nell'ossessione per l'ignoto, ma nella capacità di riconoscere le
risorse presenti attorno a sé. La
bonus track “Idiot” è un frangente caotico di 27 secondi di una devastazione
totale, una contro riflessione amara e autoironica sull'ottusità umana, su
quanto spesso si sia "idioti" nel rincorrere miraggi lontani
distruggendo quello che si ha già a disposizione. Tra
chiaroscuri vocali, chitarre sferzanti e tessiture orchestrali, “Undreamt” è un
disco che richiede attenzione, ma che ripaga ogni singolo ascolto con rara
intensità emotiva. Un tassello di rilievo per l’Art Rock ed il Post Rock
italiano di questo 2026. MS
Versione Inglese:
COORDINATE – Undreamt Self-released / CoordinateSoundStudio Genre: Art Rock / Post Rock Format: Digital / Bandcamp – 2026
Coordinate is a musical project born in Rome from the
mind and artistic vision of Federico Magnanimi, multi-instrumentalist,
composer, and producer of the work. The group's identity develops around an
interesting combination of Post Rock/Metal, Art Rock, and orchestral music. A
defining element of the sound architecture is the vocal dualism between the
female vocals of Giulia Mastrosanti and the male vocals of Matteo Marazzi,
which lends the tracks a marked theatrical and emotional component. These
musical coordinates are currently a growing trend in Italy, even more so than
Progressive Rock itself, bearing witness to a desire to keep up with the times
while still respecting the suggestions of the past. “Undreamt” is a narrative and allegorical concept
album consisting of seven tracks plus a bonus track. It tells the parabola of a
man confined to an island who, spotting a distant light on the horizon dubbed
Gammar, decides to jump into the sea to reach it by swimming. In the attempt,
overwhelmed by the storm, he loses everything. Rescued by the currents and
brought back to the shore, now alone and stripped of illusions, he finally
manages to open his eyes and see the vessel that had been there waiting for him
all along. “Gammar I” is the atmospheric introductory track
anchored by Marco Fornari's basslines. It gradually builds an enveloping,
ethereal tension, laying the foundation for the album's Post Rock and
Progressive textures, while presenting the protagonist's state of isolation on
the island. It acknowledges the dissatisfaction with his condition and the
birth of the obsession with "Gammar," that distant glow beyond the
ocean promising an unknown salvation. In “Gammar II” Andrea Recchia's drums join Fornari's
bass to structure a more incisive rhythm section. The vocals of Mastrosanti and
Marazzi begin to intertwine in an increasingly pressing dialogue. Here lies the
moment of decision: the protagonist comes to the choice of leaving the
certainty of his safe place ("I know I must leave my island, follow the
light that's been calling me") to chase the light at the risk of losing
everything. Giulia Mastrosanti's sweet voice manages to send more than a few shivers
down the spine. Conversely, the more “metallic” soul of the duo comes out in
the track “Swim Across The Ocean I – Tempest”, where the guest appearance of
Giacomo Bonfadini on lead guitar and screaming vocals transfigures the song
into an aggressive sonic assault. The piece narrates the plunge into the sea
and the impact with the ocean's ruthless storm. It symbolizes the struggle
against the adversity of the unknown and the gradual loss of all physical and
mental defenses. The lead guitars of Damiano Tagliaferri and Alessandro
Fontana introduce more lyrical and laid-back textures in “ Swim Across The
Ocean II – Deliverance”. The aggressiveness of the previous track gives way to
solemn orchestral openings. This is the phase of surrender and inner liberation
(Deliverance). The castaway, exhausted and now aware of the impossibility of
defeating the sea with brute force alone, stops fighting and lets himself be
carried by the currents, just as we are carried along while listening. The longest track on the concept is “Sea Shore” with
over nine minutes of music. An Art Rock fresco that floats on delicate guitar
arpeggios before exploding into a dramatic push of strong emotional impact.
Here the story tells of the awakening after the storm. Brought back by the sea
to the shore, the protagonist lies emptied of all illusions but equipped with a
lucid awareness ("finally awake upon the shore"): the journey into
chaos has stripped him of everything that was superfluous. Next comes “Gammar III” which ties back to the melodic
themes of the initial suite, reinterpreting them in a melancholic, almost
dreamy key, closing the thematic circle tied to the utopia of Gammar. The use
of the piano is excellent and moving. Now the light of Gammar is no longer seen
as a real destination to reach, but as a simple device of fate used to trigger
an inner change. The concluding “The Ship” is the cathartic and choral
moment that seals the narrative in a climate of rediscovered serenity and
orchestral expansion. On the beach, the man finally spots the boat that had
been there waiting for him all along. He realizes that the means to save
himself and to navigate were not to be sought in the obsession with the
unknown, but in the ability to recognize the resources present around him. The bonus track “Idiot” is a chaotic 27-second moment
of total devastation, a bitter and self-deprecating counter-reflection on human
stupidity, on how often we are "idiots" chasing distant mirages while
destroying what we already have at our disposal. Between vocal chiaroscuros, slashing guitars, and
orchestral textures, “Undreamt” is an album that demands attention, but rewards
every single listen with rare emotional intensity. A notable piece of work for
Italian Art Rock and Post Rock in this 2026. MS
ALBERTO RIGONI – MICHAEL MANRING –
STUART HAMM - Dystopia Melodic
Revolution Records Genere:
Progressive Rock strumentale Supporto: CD / Digital / Bandcamp –
2026
Non
capita spesso di imbattersi in un trio di bassisti, soprattutto se sono ottimi
strumentisti già radicati nel campo musicale. Il trio composto da Alberto
Rigoni, Michael Manring e Stuart Hamm rappresenta un vero e proprio "dream
team" per chiunque ami il basso elettrico. Quando tre virtuosi di questo
calibro si uniscono, il rischio è spesso quello di assistere a una mera
esibizione di tecnica, in “Dystopia”, invece, i tre sono riusciti a mettere il
virtuosismo al servizio dell'atmosfera, della composizione e di un tema
narrativo ben preciso. Stuart Hamm è una leggenda vivente del basso Rock e Fusion,
famoso per il suo lavoro rivoluzionario al fianco di chitarristi del calibro di
Joe Satriani, Steve Vai e Eric Johnson, oltre che per le sue tecniche di two-handed
tapping. Michael
Manring è nientemeno che l’allievo del celebre Jaco Pastorius, Manring. E’ un
maestro indiscusso dell'espressività e del basso fretless, noto per il suo
approccio innovativo allo strumento,compreso
l'uso frequente di accordature aperte alterate in tempo reale tramite le
meccaniche D-Tuner. Alberto
Rigoni gode di fama internazionale, noto per la sua ricca discografia solista
che spazia dal Prog Rock al Jazz Fusion e all'Ambient, oltre che per il suo
ruolo nei TwinSpirits. Rigoni è poi la vera mente organizzativa e il collante
di questo progetto. La genesi del progetto risale al periodo segnato dalla
pandemia. Spinto dall'esigenza artistica di creare qualcosa di unico durante un
momento di isolamento globale, ha contattato gli altri due musicisti per
proporre un album incentrato unicamente sulle varie declinazioni del basso
elettrico, arricchito da ritmiche e tastiere dove necessario. L'idea
fondamentale non è quella di creare un disco di sfide di velocità, ma sperimentare
con le frequenze, le tessiture sonore e le stratificazioni. Ciascun bassista ha
portato la propria voce unica, Hamm l'energia e il senso melodico ritmico Rock,
Manring il colore poetico, il canto del fretless e le atmosfere surreali,
mentre Rigoni le fondamenta, i groove moderni e la struttura compositiva
complessiva. Ad
affiancarli nel progetto si sono aggiunti ospiti d'eccezione come il batterista
Thomas Lang e il chitarrista Marco Sfogli, conferendo al lavoro un impatto
sonoro solido e potente. “Dystopia”,
suddiviso in nove tracce, descrive un viaggio attraverso un futuro e parte
dalla nascita di una nuova era tecnologica, ed affronta la progressiva perdita
di controllo dell'umanità a favore delle macchine e del disordine (l'entropia),
per poi culminare nel collasso finale e inevitabile. Ogni traccia esplora una
sfaccettatura di questa visione distopica ad iniziare da “Genesis”. Qui il
basso di Rigoni stabilisce il groove di base, mentre Manring ed Hamm tessono le
prime trame melodiche. L'atmosfera è carica di attesa, curiosità e una bellezza
incontaminata. L'elemento
artificiale non è più solo uno strumento, ma comincia a risuonare ovunque in
“Echoes Of The Machine”, dove ritmiche più rigide e cadenzate si alternano a
interventi in tapping e suoni metallici distorti dei bassi, che simulano il
pulsing del silicio e degli ingranaggi. All’ascolto, frangenti Brand X mi
sovvengono alla memoria.“The Algorithm” rappresenta il controllo
invisibile ma totale delle formule matematiche sulla vita umana. Musicalmente
si traduce in incastri metrici precisi, su di una struttura calcolata al
millimetro. Segue
“Entropia”, dove l’inizio rimanda a certi King Crimson. Qui il basso fretless
di Manring sfrutta glissati e deviazioni tonali per dare la sensazione di un
mondo che sta scivolando via dal controllo umano, dove il disordine aumenta
inesorabilmente. Ed è con “Limbo” che invece l'umanità si trova bloccata in uno
stato di stasi, sospesa tra il vecchio mondo che non c'è più e un futuro
incerto.È una traccia dalle atmosfere più diradate, dove
l'uso degli armonici e dei riverberi crea uno spazio sonoro etereo, malinconico
e quasi privo di gravità. Ed
ecco la sorpresa, l'ingresso di Tim Alexander (batterista dei Primus) dà una
scossa energetica devastante all'album. “Rinato dalle ceneri” segna il punto di
svolta drammatico, perché dopo il limbo,
c'è un tentativo di ribellione. Il drumming inconfondibile di Alexander,
poliritmico e potente, spinge i tre bassisti a dare il meglio di se stessi. “Solar”
porta un raggio di luce accecante e le frequenze si alzano, così la melodia si
fa più aperta ed espansiva. Rappresenta una visione d'insieme del pianeta,
fugace ma intensa, prima della resa dei conti finale. “Ethereal
Horizon” funge da interludio finale affidato ai quasi nove minuti di “Dystopia”,
dove la musica si chiude su note imponenti ma cupe, lasciando l'ascoltatore con
la definitiva sensazione di un futuro in cui l'oscurità ha preso il
sopravvento. In
conclusione “Dystopia” è un viaggio cosmico e cupo che eleva il basso a
strumento narrativo definitivo. Un gran lavoro di coordinazione, tecnica e
atmosfera tutto da gustare! MS
Versione Inglese:
ALBERTO
RIGONI – MICHAEL MANRING – STUART HAMM - Dystopia Melodic Revolution Records Genre: Instrumental Progressive Rock Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026
It isn't often that one comes across a trio of
bassists, especially when they are exceptional musicians already
well-established in the music scene. The trio composed of Alberto Rigoni,
Michael Manring, and Stuart Hamm represents a true "dream team" for
anyone who loves the electric bass. When three virtuosos of this caliber come
together, the risk is often that of witnessing a mere display of technique; in
“Dystopia”, however, the three have managed to place their virtuosity at the
service of atmosphere, composition, and a very specific narrative theme. Stuart
Hamm is a living legend of Rock and Fusion bass, famous for his groundbreaking
work alongside guitarists of the caliber of Joe Satriani, Steve Vai, and Eric
Johnson, as well as for his two-handed tapping techniques. Michael Manring is none other than the student of the
famous Jaco Pastorius. Manring is an undisputed master of expressiveness and
the fretless bass, known for his innovative approach to the instrument,
including the frequent use of open tunings altered in real time via D-Tuner
pegs. Alberto Rigoni enjoys an international reputation,
known for his rich solo discography ranging from Prog Rock to Jazz Fusion and
Ambient, as well as for his role in TwinSpirits. Rigoni is also the true
organizational mind and the glue holding this project together. The origin of
the project dates back to the period marked by the pandemic. Driven by the
artistic need to create something unique during a time of global isolation, he
reached out to the other two musicians to propose an album focused solely on
the various expressions of the electric bass, enriched by rhythms and keyboards
where necessary. The fundamental idea was not to create a record of speed
duels, but rather to experiment with frequencies, sonic textures, and layering.
Each bassist brought his own unique voice: Hamm providing the energy and
melodic-rhythmic Rock sensibility, Manring contributing the poetic color, the
singing fretless tones, and surreal atmospheres, while Rigoni laid down the foundations,
modern grooves, and overall compositional structure. They were joined in the project by exceptional guest
musicians such as drummer Thomas Lang and guitarist Marco Sfogli, lending the
work a solid and powerful sonic impact. “Dystopia”, divided into nine tracks, describes a
journey through a future starting from the birth of a new technological era,
addressing humanity's gradual loss of control to machines and disorder
(entropy), only to culminate in the final, inevitable collapse. Every track explores
a different facet of this dystopian vision, beginning with “Genesis”. Here,
Rigoni's bass establishes the foundation groove while Manring and Hamm weave
the first melodic threads. The atmosphere is charged with anticipation,
curiosity, and an unspoiled beauty. The artificial element is no longer just a tool, but
begins to resonate everywhere in “Echoes Of The Machine”, where stiffer, more
cadenced rhythms alternate with tapping interventions and distorted metallic
bass sounds that simulate the pulsing of silicon and gears. Upon listening,
hints of Brand X come to mind. “The Algorithm” represents the invisible yet
total control of mathematical formulas over human life. Musically, this
translates into precise metric interlocking built upon a structure calculated
to the millimeter. Then comes “Entropia”, where the beginning brings
certain King Crimson moments to mind. Here, Manring's fretless bass utilizes
glissandos and tonal shifts to evoke the feeling of a world slipping away from
human control, where disorder increases inexorably. And it is with “Limbo” that
humanity finds itself stuck in a state of stasis, suspended between the old
world that no longer exists and an uncertain future. It is a track with sparser
atmospheres, where the use of harmonics and reverbs creates an ethereal,
melancholy, and almost weightless sonic space. And here is the surprise: the arrival of Tim Alexander
(drummer for Primus) delivers a devastating surge of energy to the album. “Born
from the Ashes” marks the dramatic turning point, because after the limbo,
there is an attempt at rebellion. Alexander's unmistakable
drumming—polyrhythmic and powerful—drives the three bassists to bring out their
absolute best. “Solar” brings a blinding ray of light as the
frequencies rise, allowing the melody to become more open and expansive. It
represents a sweeping view of the planet, fleeting yet intense, before the
final reckoning. “Ethereal Horizon” serves as a final interlude leading
into the nearly nine minutes of “Dystopia”, where the music closes on imposing
yet somber notes, leaving the listener with the definitive sense of a future
where darkness has prevailed. In conclusion, “Dystopia” is a cosmic and dark journey
that elevates the bass to the ultimate narrative instrument. A great work of
coordination, technique, and atmosphere to be thoroughly enjoyed! MS
ESTHESIS
– Out Of Step Misty
Tones Genere: Post Prog Moderno Supporto: LP / CD / Digital - 2025
Dico
subito che “Out Of Step” dei francesi Esthesis è un album consigliato agli
amanti di band come Porcupine Tree, The Pineapple Thief, Anathema e simili.Nascono
nel 2019 a Tolosa dall'ispirazione di Aurélien Goude (voce, tastiere,
composizione e programmazione). Fin dall'EP d'esordio “Raising Hands” (2019) e
dal primo full-length “The Awakening” (2020), la band mette in chiaro la
propria identità fatta di musica viscerale, atmosferica e basata sulle emozioni.Dopo
la vittoria come Best Unsigned Act nel referendum di Prog Magazine nel 2020, e
il successo critico di “Watching Worlds Collide” (2022), la band affina
l'organico aprendosi a tour con grandi nomi della scena contemporanea (come
Soen, Leprous e Crippled Black Phoenix). La
line up odierna è composta da Aurélien Goude (voce, tastiere, programmazioni), Rémi Geyer (chitarra solista), Marc Anguill
(basso), Arnaud Nicolau (batteria, programmazioni), e Mathilde Collet (cori e
vocalismi d'atmosfera). L'album
riflette un senso d'alienazione urbana, disconnessione e ansia esistenziale. Il
titolo stesso, "Out Of Step" (fuori tempo, fuori sincrono), descrive
la sensazione di chi non riesce più a stare al passo con le aspettative della
società moderna, la routine lavorativa e l'iper connettività digitale che
finisce per soffocare l'individuo. l'album musicalmente, come già accennato, mescola
strutture Crossover Prog alla Porcupine Tree e The Pineapple Thief, basi
trip-hop/industrial e aperture intimiste di matrice Post Rock. Il
disco si apre con “Connection”, fatto di campionamenti che ricordano impulsi
sonar, seguiti da un groove di basso ipnotico targato Marc Anguill. La traccia
cresce lentamente con ritmiche mid-tempo quasi Trip Hop, un fischio malinconico
in sottofondo e chitarre graffianti che esplodono nel ritornello. Qui la band analizza
la paradossale solitudine della vita moderna notando che siamo sempre iper connessi
alla rete ma incapaci di stabilire un contatto reale ed empatico con chi ci circonda,
tema comune a molte band. “The
Frame” è una composizione d'atmosfera elegante, condotta dalle tastiere liquide
di Goude e arricchita dai meravigliosi cori eterei di Mathilde Collet. Il brano
accumula tensione dinamica fino a sfociare in uno splendido assolo di chitarra
di Rémi Geyer."La Cornice" rappresenta la
gabbia della routine e della comfort zone. Il protagonista riflette sul
desiderio e sulla paura di uscire dai margini prestabiliti della propria vita.
Dopo il breve intermezzo musicale “Fractured #1”, è la volta della title track.
Si sviluppa come una suite dal sapore immaginifico,
alternando momenti pianistici intimisti a spaventosi riff Hard Prog alla Steven
Wilson. Il lavoro ritmico di batteria e basso è millimetrico e potente.Il
testo esprime la consapevolezza di essere "fuori sincrono" rispetto
al resto del mondo, trasformando questo senso di inadeguatezza in una scelta di
libertà individuale. “City
Lights” è un brano notturno e urbano, caratterizzato da tastiere sognanti e una
voce quasi sussurrata. L'atmosfera avvolgente ricorda il lato più malinconico
degli Anathema o dei Blackfield. Le "luci della città" offrono una
falsa promessa di calore e compagnia. Il protagonista vaga tra le strade buie
illuminate dai neon, immerso nei propri pensieri, isolandosi dal caos sintetico
della metropoli. “Fractured
#2”, secondo interludio strumentale e oscuro, introduce una sensazione di
imminente tempesta emotiva che giunge con “Circus”, pezzo più aggressivo e
ritmato del disco. Inizia con un beat Trip Hop/industrial per poi accelerare
vertiginosamente e una prestazione vocale grintosa di Goude affiancato da
Mathilde Collet. Di questo la band ne estrae un video ufficiale. E’ una dura
satira della società vista come un "circo" di comparse, dove tutti
recitano una parte per soddisfare le aspettative altrui, col rischio di perdere
del tutto la stabilità mentale. La
conclusiva mini suite di quasi undici minuti intitolata “The Storm”, parte come
un sussurro acustico ed etereo per poi far montare un'onda sonica d'urto. Susseguono
sferzate Post Rock, tastiere magniloquenti e assoli laceranti di chitarra,
portando il disco a un climax altamente drammatico. E’ la resa finale e il
lavaggio di tutte le ansie accumulate, l'accettazione del proprio destino e la
ricerca della pace interiore attraverso il caos. In
alcune edizioni dell’album c’è anche una bonus track intitolata “Abyss”, un
ulteriore sfogo di oscurità e atmosfera. Se
siete alla ricerca di un album capace di catturare l'alienazione dei nostri
tempi senza mai perdere di vista il gusto per la grande melodia e la cura
maniacale del dettaglio sonoro, questo disco è un ascolto indispensabile. Gli
Esthesis hanno trovato la loro identità più autentica e, paradossalmente,
proprio rimanendo “fuori sincrono” rispetto al resto del mondo, sono riusciti a
realizzare il loro lavoro più centrato e a fuoco. MS
Versione Inglese:
ESTHESIS – Out Of Step Misty Tones Genre: Modern Post Prog Format: LP / CD / Digital - 2025
I will say right away that “Out Of Step” by the French
band Esthesis is a highly recommended album for fans of bands like Porcupine
Tree, The Pineapple Thief, Anathema, and the like. They were formed in 2019 in
Toulouse through the vision of Aurélien Goude (vocals, keyboards, composition,
and programming). Right from their debut EP “Raising Hands” (2019) and their
first full-length “The Awakening” (2020), the band made their identity clear:
visceral, atmospheric music driven by emotion. After winning Best Unsigned Act
in Prog Magazine's 2020 readers' poll and receiving critical acclaim for
“Watching Worlds Collide” (2022), the band refined their lineup while touring
alongside major names of the contemporary scene (such as Soen, Leprous, and
Crippled Black Phoenix). Today's lineup features Aurélien Goude (vocals,
keyboards, programming), Rémi Geyer (lead guitar), Marc Anguill (bass), Arnaud
Nicolau (drums, programming), and Mathilde Collet (backing vocals and atmospheric
vocalisms). The album reflects a sense of urban alienation,
disconnection, and existential anxiety. The title itself, "Out Of
Step", describes the feeling of no longer being able to keep up with the
expectations of modern society, the work routine, and the digital
hyper-connectivity that ultimately suffocates the individual. Musically, as
already mentioned, the album blends Crossover Prog structures akin to Porcupine
Tree and The Pineapple Thief, trip-hop/industrial foundations, and intimate
Post Rock passages. The record opens with “Connection”, built on samples
reminiscent of sonar pulses, followed by an hypnotic bass groove courtesy of
Marc Anguill. The track slowly builds with near-Trip Hop mid-tempo rhythms, a
melancholic whistle in the background, and biting guitars that explode in the
chorus. Here, the band analyzes the paradoxical solitude of modern life, noting
that we are constantly hyper-connected to the web yet incapable of establishing
a real, empathetic connection with those around us—a theme common to many
bands. “The Frame” is an elegant, atmospheric composition led
by Goude's fluid keyboards and enriched by Mathilde Collet's wonderful,
ethereal backing vocals. The piece builds dynamic tension until it culminates
in a splendid guitar solo by Rémi Geyer. "The Frame" represents the
cage of routine and the comfort zone. The protagonist reflects on the desire
and the fear of stepping outside the predefined boundaries of his life. After the brief musical interlude “Fractured #1”, it
is time for the title track. It unfolds like an imaginative suite, alternating
intimate piano moments with formidable Steven Wilson-esque Hard Prog riffs. The
rhythmic work on drums and bass is precise and powerful. The lyrics express the
awareness of being "out of step" with the rest of the world, turning
this sense of inadequacy into a choice of individual freedom. “City Lights” is a nocturnal, urban track
characterized by dreamy keyboards and near-whispered vocals. The enveloping
atmosphere recalls the most melancholic side of Anathema or Blackfield. The
"city lights" offer a false promise of warmth and companionship. The
protagonist wanders through dark streets illuminated by neon lights, immersed
in his own thoughts, isolating himself from the synthetic chaos of the
metropolis. “Fractured #2”, a dark second instrumental interlude,
introduces a feeling of an impending emotional storm that arrives with
“Circus”, the album's most aggressive and uptempo track. It starts with a Trip
Hop/industrial beat before accelerating dramatically, featuring a gritty vocal
performance by Goude alongside Mathilde Collet. The band released an official
video for this track. It is a harsh satire of a society seen as a
"circus" of extras, where everyone acts a part to satisfy others'
expectations, running the risk of completely losing mental stability. The closing mini-suite of nearly eleven minutes,
titled “The Storm”, starts like an acoustic, ethereal whisper before building
an overwhelming sonic wave. Post Rock surges, magniloquent keyboards, and
searing guitar solos follow, bringing the album to a highly dramatic climax. It
is the final surrender and the purging of all accumulated anxieties, the
acceptance of one's destiny, and the search for inner peace through chaos. On some editions of the album there is also a bonus
track titled “Abyss”, a further outburst of darkness and atmosphere. If you are looking for an album capable of capturing
the alienation of our times without ever losing sight of a taste for great
melody and a obsessive attention to sonic detail, this record is an essential
listen. Esthesis have found their most authentic identity and, paradoxically,
by remaining “out of step” with the rest of the world, they have managed to
create their most focused and centered work yet. MS
ARTHUR
- Where We Lay Our Scene Autoproduzione Genere: Heavy Prog Psichedelico Supporto: Digital / Bandcamp – 2026
Sempre
più esordi nell’ambito Progressive Rock (e non soltanto) si autoproducono sul
portale Bandcamp, oramai divenuto un punto di riferimento per molti
appassionati di questo genere di musica. Sono i tempi moderni dove il supporto
fisico va sempre calando, salvo qualche sporadico e accanito appassionato che
ancora ama collezionare dischi. I dati tendono a raccontare che oggi la gente
compera molti vinili e CD, alternando cifre più o meno credibili, ma è divenuto
impossibile credere effettivamente a cosa si legge nel web, per cui vi
consiglio di prendere tutto ciò con il beneficio dell’inventario. Quello
che invece è realtà è il numero delle band italiane che nascono sotto la
bandiera della musica dei tempi che furono, seppur apportando del proprio
attraverso la personalità , tanto da far divenire il termine Progressive Rock
difficile da comprendere. Se siete più curiosi, al riguardo ho scritto il libro
“Post Prog Moderno” edito da Arcana. Una
nuova band nel contesto proviene da Biella e si chiama Arthur. Nascono nel 2018, e sono formati dall'incontro di tre
musicisti nell'orbita della scuola di musica Dyapason:Elia Guidetti (chitarra, sintetizzatori, narrazione),
Simone Bongiovanni (basso, tastiere, sintetizzatori, narrazione), e Simone
Guidetti (batteria, percussioni, narrazione).Uniti da una
profonda passione per il Rock Progressivo, il Rock Psichedelico e la musica per
immagini, gli Arthur attingono alla lezione dei grandi maestri del genere passando
attraverso le trame articolate dei Rush e dei King Crimson all'impianto
melodico degli Yes, rielaborando il tutto con una sensibilità compositiva
fresca e moderna. “Where We Lay Our Scene” è un concept album completamente
strumentale ispirato dal celebre Prologo shakespeariano di Romeo e Giulietta
("In fair Verona, where we lay our scene..."). Come
ogni album a tema, inizia con il classico “Overture” anticipato dall’intro “The
Curtain Falls”. L’impatto drammatico introduce i temi ricorrenti dell'album con
la chitarra dialogante attraverso una sezione ritmica solida e dinamica,
alternando aperture sinfoniche e accelerazioni Progressive. Segue un altro
breve intro dal titolo “Announcement”che simula il bando di
corte o la chiamata alle armi prima del grande evento “Gran Galà”, pezzo vivo ed eclettico dove il Rock è
assoluto protagonista. Il basso di Bongiovanni ricama linee melodiche portanti,
sostenuto da continui cambi di tempo della batteria. Segue “Fuga In E Strano”,
qui il ritmo diventa maggiormente serrato, mentre il titolo ironico gioca sul
doppio senso tra la forma contrappuntistica classica (la fuga) e l'azione del
fuggire, costruita attorno alla tonalità di Mi (E). Ricca di incastri metrici
serrati e arpeggi obliqui di chitarra. E’ un momento di rottura, una fuga
concitata o un inseguimento labirintico attraverso territori sconosciuti. Altra
traccia breve è “Bonfire Lit”, che conduce a “Notte:
Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, un momento di sospensione, riposo e
meditazione attorno al fuoco prima della battaglia finale. “Notte: La Bestia,
Pt. 2” è un cambio di registro che si sviluppa su riff pesanti, tempi dispari e
sonorità cupe vicine al Progressive Metal e al Rock Psichedelico più acido. Qui
il risveglio della minaccia e lo scontro diretto con l'elemento oscuro
("La Bestia") nel cuore della notte. La chiusura spetta ad una mini
suite di dieci minuti intitolata “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The
Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divisa in quattro
sezioni distinte, mostra la maturità compositiva del trio tra esplosioni Hard Prog,
riprese di temi precedenti e un articolato finale sinfonico. Esso narra la
battaglia finale, i ricordi del passato che affiorano durante il combattimento
("Suspence And Memories") e il tragico ed eroico compimento del
destino del protagonista ("Last Stand"). “Where
We Lay Our Scene” si rivela quindi un esordio coraggioso e fresco, in cui gli
Arthur dimostrano che non servono le parole per raccontare una grande storia.
Con una spiccata maturità nell'intrecciare trame strumentali eleganti e strappi
Hard Prog, il trio biellese firma una prova solida e priva di fronzoli,
confermando come la scena indipendente italiana sappia ancora sfornare realtà
capaci di guardare alla tradizione con occhi moderni. Un nome da tenere
assolutamente d'occhio. MS
ARTHUR - Where We Lay Our Scene Self-released Genre: Heavy Psychedelic Prog Format: Digital / Bandcamp – 2026
More and more debuts in the Progressive Rock sphere
(and beyond) are self-released on the Bandcamp platform, which has now become a
point of reference for many fans of this music genre. These are modern times
where physical formats are constantly decreasing, except for a few sporadic and
die-hard enthusiasts who still love collecting records. The data tends to
suggest that today people buy a lot of vinyls and CDs, alternating more or less
credible figures, but it has become impossible to actually believe what one
reads on the web, so I advise you to take all of this with a pinch of salt. What is real, however, is the number of Italian bands
born under the flag of the music of bygone times, even while bringing something
of their own through their personality, so much so that the term Progressive
Rock has become difficult to define. If you are curious, on this subject I
wrote the book "Post Prog Moderno" published by Arcana. A new band in this context comes from Biella and is
called Arthur. Formed in 2018, they were born from the meeting of three
musicians within the orbit of the Dyapason music school: Elia Guidetti (guitar,
synthesizers, narration), Simone Bongiovanni (bass, keyboards, synthesizers, narration),
and Simone Guidetti (drums, percussion, narration). United by a deep passion
for Progressive Rock, Psychedelic Rock, and music for images, Arthur draw from
the lesson of the great masters of the genre, moving from the intricate
textures of Rush and King Crimson to the melodic structure of Yes, reworking it
all with a fresh and modern compositional sensibility. “Where We Lay Our Scene”
is a completely instrumental concept album inspired by the famous Shakespearean
Prologue to Romeo and Juliet ("In fair Verona, where we lay our
scene..."). Like any themed album, it starts with the classic
“Overture” preceded by the intro “The Curtain Falls”. The dramatic impact
introduces the album's recurring themes, with the guitar dialoguing through a
solid and dynamic rhythm section, alternating symphonic openings and
Progressive accelerations. Next comes another short intro entitled
“Announcement”, simulating the court proclamation or the call to arms before
the big event “Gran Galà”, a lively and eclectic track where Rock is the
absolute protagonist. Bongiovanni's bass weaves main melodic lines, supported
by the drums' continuous time changes. Followed by “Fuga In E Strano”, here the
rhythm becomes tighter, while the ironic title plays on the double meaning between
the classical contrapuntal form (the fugue) and the action of fleeing, built
around the key of E. Rich in tight metric interlockings and oblique guitar
arpeggios, it represents a moment of disruption, a rushed escape, or a
labyrinthine pursuit through unknown territories. Another short track is “Bonfire Lit”, leading to
“Notte: Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, a moment of suspension, rest, and
meditation around the fire before the final battle. “Notte: La Bestia, Pt. 2”
is a change of pace that develops over heavy riffs, odd time signatures, and
dark sounds close to Progressive Metal and more acidic Psychedelic Rock,
portraying the awakening of the threat and the direct clash with the dark
element ("La Bestia") in the heart of the night. The closing is entrusted
to a ten-minute mini-suite titled “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The
Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divided into four
distinct sections, it shows the compositional maturity of the trio between Hard
Prog explosions, reprises of previous themes, and an articulated symphonic
finale. It narrates the final battle, the memories of the past that surface
during combat ("Suspence And Memories"), and the tragic and heroic
fulfillment of the protagonist's destiny ("Last Stand"). “Where We Lay Our Scene” turns out to be a courageous
and fresh debut, in which Arthur prove that words are not needed to tell a
great story. With a remarkable maturity in weaving elegant instrumental
textures and Hard Prog bursts, the Biella trio delivers a solid, no-nonsense
effort, confirming how the Italian independent scene can still produce acts
capable of looking at tradition with modern eyes. A
name to definitely keep an eye on. MS
BLACKSMITH
TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma Aereostella / Immaginifica Genere: Metal Progressive / Neo
Prog Supporto: CD / Digital – 2026
Il
connubio Metal Progressive e Neo Prog è epico, rilascia sonorità enfatiche e
ricche di patos, bene lo sanno i friulani Blacksmith Tales. Nascono
negli anni '90 come progetto concettuale e compositivo guidato dal tastierista,
pianista e compositore David Del Fabro. Fin dalle origini, la band ha orientato
la propria ricerca verso un Rock Progressivo sinfonico e teatrale, ricco di
stratificazioni sonore (con un forte accento sull'uso di tastiere vintage come
Hammond, Minimoog e Mellotron), contaminato da venature Prog Metal, citazioni Folk
ed elementi etnici. Dopo
la maturazione del materiale e la pubblicazione dell'ambizioso concept
d'esordio “The Dark Presence” (2021), la formazione si è consolidata e affinata
nell'attività dal vivo, arrivando a questa release che ne testimonia sia la
continua evoluzione in studio che la forza espressiva sul palcoscenico. La
lineup attuale vede David Del Fabro (pianoforte e tastiere), Luca Zanon (tastiere e pianoforte), Stefano
Sbrignadello (voce principale), Beatrice
Demori (voce), Marco Falanga (chitarre e
basso), Simone Morettin (batteria) e Alessandro Jacobi (basso nelle sessioni live). Il
lavoro si divide idealmente e strutturalmente in due parti distinte ma
complementari, ossia la nuova opera in studio, la mastodontica “Dark Ages Suite”,
e una selezione Live in Roma registrata durante il prestigioso concerto di
apertura alla Premiata Forneria Marconi (PFM) del 30 dicembre 2024. La
suite di venti minuti “Dark Ages Suite” è in apertura e si muove sul solco
della grande tradizione del Prog epico caro a Clive Nolan e anche ai suoi Arena.
Inizia con un'atmosfera sospesa e d'ambiente, guidata da intrecci di
pianoforte, moog e tastiere, per poi aprirsi a fughe sinfoniche dal respiro
barocco, cambi di tempo serrati e improvvise accelerazioni chitarristiche.
L'uso delle due voci (maschile e femminile) intrecciate crea una spiccata
drammaturgia sonora. La band dimostra di essere in grande forma!Il
nucleo concettuale ruota attorno all'intima alienazione e al disorientamento
dell'uomo contemporaneo. L' "Età Oscura" (Dark Ages) non è solo un
riferimento storico, ma una metafora del presente, una società ipertecnologica
ma priva di coordinate spirituali, in cui l'individuo cerca una via di fuga
dall'oscurità interiore e sociale. I
brani dal vivo catturano l'energia della band su uno dei palchi più importanti
della capitale, proponendo rivisitazioni energiche del loro repertorio ad
iniziare da “Hamlet's Mill Overture”, pezzo strumentale ad alto impatto. Tappeti di sinth, riff di
chitarra elettrica in evidenza e una sezione ritmica dinamica introducono lo
spettatore nello show con un sapore nettamente sinfonico e marziale come solo
il Metal Prog sa fare. Ottimamente
registrato, il live prosegue con “Key To The Temple”, traccia caratterizzata da
un riffing più deciso e da un incedere vicino al Prog Metal sinfonico,
bilanciato da aperture melodiche guidate dal pianoforte e da cori vocali
avvolgenti. Ottima padronanza vocale dal vivo da parte di Stefano Sbrignadello.
Il testo affronta la ricerca della conoscenza profonda e la soglia simbolica
(la chiave del tempio) che l'uomo deve varcare per accedere a una
consapevolezza superiore, superando i propri limiti dogmatici. Giunge
ora una canzone cantata in italiano, “C’è Casa A 30 Miglia”, episodio che
mostra il lato più intimista e cantautoriale della band, dove la componente Prog
incontra la tradizione del Rock Progressivo Italiano anni '70. Arrangiamento
dominato dal pianoforte, con un crescendo emotivo guidato dalla chitarra
solista. Esso tratta il tema del ritorno, della distanza e del valore della
propria terra d'origine o di un rifugio affettivo verso cui convergere nei
momenti di smarrimento. A
questo punto è la volta di un estratto
riarrangiato della suite “Possessed By Time” presente sul primo disco. Dal vivo
acquista grande immediatezza attraverso il dialogo tra organo Hammond e
chitarra con continui saliscendi dinamici, fino al delicato controcanto vocale
femminile. E’ un momento che mette in luce anche il lato Folk della band. Il finale
di concerto con “Dance Of The Stars” è travolgente e festoso. Struttura ritmica
complessa con tempi dispari che si intrecciano a trame di tastiere vintage e a
un assolo di chitarra di grande liricità. In
conclusione, “Dark Ages Suite & Live in Roma” si conferma un’opera matura e
sfaccettata, capace di bilanciare la drammaturgia complessa della composizione
in studio con la freschezza e la potenza espressiva della dimensione live. I
Blacksmith Tales dimostrano non solo di saper maneggiare con rara maestria il
linguaggio del Progressive Rock sinfonico, ma di saperlo plasmare con sensibilità.
Un ascolto imprescindibile per chiunque cerchi nel Prog contemporaneo qualcosa
che vada ben oltre la semplice perizia tecnica. MS
Versione Inglese:
BLACKSMITH TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma Aereostella
/ Immaginifica Genre:
Progressive Metal / Neo Prog Format:
CD / Digital – 2026
The combination of Progressive Metal and Neo Prog is
epic, releasing emphatic sounds rich in pathos, as the Friulian band Blacksmith
Tales well know. They were formed in the 1990s as a conceptual and
compositional project led by keyboardist, pianist, and composer David Del
Fabro. Since their origins, the band has oriented their research toward a
symphonic and theatrical Progressive Rock, rich in sonic layering (with a
strong emphasis on the use of vintage keyboards such as Hammond, Minimoog, and
Mellotron), cross-pollinated by Prog Metal nuances, Folk references, and ethnic
elements. After the maturation of their material and the release
of their ambitious debut concept album “The Dark Presence” (2021), the lineup
consolidated and refined itself through live performance, leading to this
release which bears witness to both their continuous studio evolution and their
expressive power on stage. The current lineup features David Del Fabro (piano
and keyboards), Luca Zanon (keyboards and piano), Stefano Sbrignadello (lead
vocals), Beatrice Demori (vocals), Marco Falanga (guitars and bass), Simone
Morettin (drums), and Alessandro Jacobi (bass in live sessions). The work is ideally and structurally divided into two
distinct yet complementary parts: namely the new studio work, the mammoth “Dark
Ages Suite”, and a Live in Roma selection recorded during their prestigious
opening performance for Premiata Forneria Marconi (PFM) on December 30, 2024. The twenty-minute suite “Dark Ages Suite” opens the
record and moves along the lines of the great epic Prog tradition dear to Clive
Nolan and his band Arena. It begins with a suspended, ambient atmosphere led by
interwoven piano, Moog, and keyboards, before opening up into symphonic fugues
with a baroque breath, tight time changes, and sudden guitar accelerations. The
use of two interwoven voices (male and female) creates a striking sonic drama.
The band proves to be in great form! The conceptual core revolves around the
intimate alienation and disorientation of contemporary man. The "Dark
Ages" is not merely a historical reference, but a metaphor for the
present—a hyper-technological society devoid of spiritual coordinates, in which
the individual seeks an escape route from inner and social darkness. The live tracks capture the band's energy on one of
the capital's most important stages, offering energetic reinterpretations of
their repertoire, starting with “Hamlet's Mill Overture”, a high-impact instrumental
track. Synth pads, prominent electric guitar riffs, and a dynamic rhythm
section introduce the listener to the show with a distinctly symphonic and
martial flavor as only Prog Metal can deliver. Excellently recorded, the live performance continues with
“Key To The Temple”, a track characterized by more decisive riffing and a pace
close to symphonic Prog Metal, balanced by melodic openings led by the piano
and enveloping vocal harmonies. Excellent live vocal mastery by Stefano
Sbrignadello. The lyrics address the search for deep knowledge and the symbolic
threshold (the key to the temple) that man must cross to access a higher
awareness, overcoming his own dogmatic limits. Now comes a song sung in Italian, “C’è Casa A 30
Miglia”, an episode that shows the band's more intimate, singer-songwriter
side, where the Prog component meets the tradition of 1970s Italian Progressive
Rock. An arrangement dominated by the piano, featuring an emotional crescendo
led by the lead guitar. It deals with the theme of return, distance, and the
value of one's homeland or emotional sanctuary to converge upon during moments
of bewilderment. At this point, it is time for a rearranged excerpt of
the suite “Possessed By Time”, originally featured on their first album. Live,
it gains great immediacy through the dialogue between Hammond organ and guitar
with continuous dynamic rises and falls, up to the delicate female vocal
counterpoint. It is a moment that also highlights the band's Folk side. The concert finale with “Dance Of The Stars” is
overwhelming and festive. A complex rhythmic structure with odd time signatures
weaves together vintage keyboard textures and a lyrical guitar solo. In conclusion, “Dark Ages Suite & Live in Roma”
proves to be a mature and multifaceted work, capable of balancing the complex
drama of studio composition with the freshness and expressive power of the live
dimension. Blacksmith Tales demonstrate not only that they can handle the
language of symphonic Progressive Rock with rare mastery, but also that they
know how to shape it with sensitivity. An essential listen for anyone seeking
something in contemporary Prog that goes far beyond simple technical skill. MS
