Guida alla Scuola Di Canterbury

GUIDA ALLA SCUOLA DI CANTERBURY

Di Massimo Salari

Wild Flowers -1965

 

In questo piccolo speciale voglio consigliare l’ascolto di un genere che nasce apparentemente datato e da "figli dei fiori", ma che in realtà ha molti proseliti ancora oggi: la Scuola di Canterbury. Un breve cenno storico e, a seguire, i consigli per l’ascolto.
La Scuola di Canterbury (o Canterbury Scene) non è un’accademia fisica, ma uno dei movimenti musicali più affascinanti, cerebrali e "inglesi" della storia del Rock. Nata tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70 nell'omonima cittadina del Kent, rappresenta l'incontro perfetto tra psichedelia, Jazz, Rock Progressivo e un senso dell'umorismo tipicamente britannico. Tutto ha inizio con un unico gruppo seminale: i Wilde Flowers (fondati nel 1964). Sebbene non abbiano mai pubblicato un album durante la loro attività, tra i loro ranghi sono passati quasi tutti i futuri giganti del genere: Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Pye Hastings e Richard Sinclair. Dallo scioglimento di questa band nacquero i due pilastri della scena: i Soft Machine (orientati verso la sperimentazione d'avanguardia e il jazz-rock) e i Caravan (più vicini alla melodia, al folk e a un prog pastorale). La musica di Canterbury è immediatamente riconoscibile per alcuni elementi distintivi: l'uso dell'organo Hammond (spesso un Lowrey o un Hammond) passato attraverso pedali fuzz per creare un suono graffiante ma caldo (tipico di Mike Ratledge o Dave Stewart); il grande uso di tempi dispari e strutture jazzistiche, pur mantenendo un'attitudine rock. In più, a differenza del Prog magniloquente (come quello degli Emerson, Lake & Palmer), la Scuola di Canterbury preferisce testi surreali, ironici, a tratti infantili o nonsense. La voce di Robert Wyatt, fragile e malinconica, ne è l'emblema. L'improvvisazione e una forte componente jazzistica permettono ai brani di dilatarsi in lunghe suite strumentali. 

La Scuola di Canterbury è stata fondamentale perché ha dimostrato che il Rock poteva essere colto e complesso senza diventare necessariamente pomposo o autocelebrativo. Ha influenzato il Jazz-Rock moderno, l'Avant-Prog (movimento RIO - Rock In Opposition) e persino gruppi indie moderni che amano l'uso di fiati e strutture non convenzionali. In definitiva, ascoltare la Scuola di Canterbury significa fare un viaggio in una provincia inglese onirica dove, tra una tazza di tè e un assolo di organo distorto, la musica diventa pura esplorazione intellettuale.

CONSIGLI PER L'ASCOLTO: 

Soft Machine: Il loro debutto omonimo e "Volume Two" sono capisaldi della psichedelia jazzata. Con l'album “Third”, la band raggiunse l'apice del Jazz-Rock sperimentale europeo.

Caravan: Rappresentano il lato più melodico. Il loro capolavoro è “In The Land Of Grey And Pink” (1971), un disco intriso di atmosfere fiabesche e tecnica sopraffina.

Con il passare degli anni, i musicisti iniziarono a scambiarsi continuamente di ruolo, creando formazioni leggendarie:

Gong: Fondati da Daevid Allen, portarono la scena verso lo spazio profondo ("Space Rock") e la mitologia hippy dei "Pot Head Pixies". Album consigliato: “Angel’s Egg”.
Hatfield And The North: Il supergruppo definitivo della scena. La loro musica è un puzzle incredibilmente complesso di incastri melodici. Album consigliato: “The Rotters' Club”.

National Health: La naturale prosecuzione degli Hatfield, ancora più vicini alla musica contemporanea e al Jazz fusion.

Egg: Un trio guidato dal tastierista Dave Stewart. La loro musica è rigorosa, quasi accademica, fortemente influenzata dalla musica classica contemporanea (Stravinskij) ma suonata con un'attitudine Rock.

Gilgamesh: Guidati dal tastierista Alan Gowen, rappresentano il lato più vicino alla Jazz fusion soffusa e raffinata. Hanno collaborato strettamente con i National Health.

Quiet Sun: La band giovanile di Phil Manzanera (poi chitarrista dei Roxy Music). Il loro album “Mainstream” è un gioiello di energia e tecnica, registrato anni dopo lo scioglimento originario.

Henry Cow: Pur essendo nati a Cambridge, sono strettamente legati alla scena. Rappresentano l'ala più politica, ostica e d'avanguardia. Se cerchi improvvisazione pura e strutture atonali, sono il punto di riferimento.

Matching Mole: Il gruppo fondato da Robert Wyatt dopo aver lasciato i Soft Machine. Il nome è un gioco di parole (calembour) sulla traduzione francese di Soft Machine: "Machine Molle". Il loro suono è un mix perfetto di malinconia e Jazz sperimentale.

Delivery: Una delle band formative della scena, in cui militavano Steve Miller e la cantante Pip Pyle. Furono il nucleo da cui nacquero poi molti altri progetti di Canterbury.

Khan: Un progetto di breve durata guidato dal chitarrista Steve Hillage (prima che si unisse ai Gong). Il loro unico album, “Space Shanty”, è un capolavoro di Prog chitarristico spaziale.

In Cahoots: Fondati dal chitarrista Phil Miller dopo l'esperienza con i National Health, hanno portato il suono di Canterbury fino agli anni '80 e '90, con un approccio molto orientato al Jazz moderno.

Bruford (primo periodo): Bill Bruford, storico batterista di Yes e King Crimson, per il suo primo album solista “Feels Good to Me” attinse a piene mani dai musicisti di Canterbury (Dave Stewart, Annette Peacock), creando un ponte tra il Prog "mainstream" e la scena del Kent.

Versione Inglese:

A GUIDE TO THE CANTERBURY SCENE

 

By Massimo Salari

 Wild Flowers - 1965

 
In this short special, I want to recommend listening to a genre that may seem dated and a product of the "flower power" era, but which in reality still has many followers today: the Canterbury Scene. Here is a brief historical overview followed by some listening recommendations.
The Canterbury Scene is not a physical academy, but one of the most fascinating, cerebral, and "English" musical movements in the history of Rock. Born between the late '60s and early '70s in the town of the same name in Kent, it represents the perfect encounter between psychedelia, Jazz, Progressive Rock, and a typically British sense of humor. It all began with a single seminal group: the Wilde Flowers (founded in 1964). Although they never released an album during their activity, almost all the future giants of the genre passed through their ranks: Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Pye Hastings, and Richard Sinclair. From the dissolution of this band, the two pillars of the scene were born: Soft Machine (oriented toward avant-garde experimentation and jazz-rock) and Caravan (closer to melody, Folk, and a pastoral Prog). Canterbury music is immediately recognizable by several distinctive elements: the use of the Hammond organ (often a Lowrey or a Hammond) run through fuzz pedals to create a rasping yet warm sound (typical of Mike Ratledge or Dave Stewart); the extensive use of odd time signatures and jazz structures, while maintaining a rock attitude. Furthermore, unlike magniloquent Prog (such as that of Emerson, Lake & Palmer), the Canterbury Scene prefers surreal, ironic, and sometimes childish or nonsense lyrics. The voice of Robert Wyatt, fragile and melancholy, is its emblem. Improvisation and a strong jazz component allow the tracks to expand into long instrumental suites.
The Canterbury Scene was fundamental because it proved that Rock could be cultured and complex without necessarily becoming pompous or self-indulgent. It influenced modern Jazz-Rock, Avant-Prog (the RIO - Rock In Opposition movement), and even modern indie groups that favor the use of brass and unconventional structures. Ultimately, listening to the Canterbury Scene means taking a journey into a dreamlike English province where, between a cup of tea and a distorted organ solo, music becomes pure intellectual exploration.
 

LISTENING RECOMMENDATIONS:

 
Soft Machine: Their self-titled debut and "Volume Two" are milestones of jazzy psychedelia. With the album “Third”, the band reached the pinnacle of European experimental Jazz-Rock.
 
Caravan: They represent the more melodic side. Their masterpiece is “In The Land Of Grey And Pink” (1971), a record steeped in fairytale atmospheres and superb technique.
 
As the years went by, musicians began to constantly swap roles, creating legendary lineups:
 
Gong: Founded by Daevid Allen, they took the scene toward deep space ("Space Rock") and the hippy mythology of the "Pot Head Pixies". Recommended album: “Angel’s Egg”.
 
Hatfield And The North: The definitive supergroup of the scene. Their music is an incredibly complex puzzle of melodic intersections. Recommended album: “The Rotters' Club”.
 
National Health: The natural continuation of Hatfield, even closer to contemporary music and Jazz fusion.
 
Egg: A trio led by keyboardist Dave Stewart. Their music is rigorous, almost academic, strongly influenced by contemporary classical music (Stravinsky) but played with a Rock attitude.
 
Gilgamesh: Led by keyboardist Alan Gowen, they represent the side closest to soft and refined Jazz fusion. They collaborated closely with National Health.
 
Quiet Sun: The early band of Phil Manzanera (later the guitarist for Roxy Music). Their album “Mainstream” is a gem of energy and technique, recorded years after the original breakup.
 
Henry Cow: Although born in Cambridge, they are closely linked to the scene. They represent the more political, challenging, and avant-garde wing. If you are looking for pure improvisation and atonal structures, they are the gold standard.
 
Matching Mole: The group founded by Robert Wyatt after leaving Soft Machine. The name is a play on words (calembour) based on the French translation of Soft Machine: "Machine Molle". Their sound is a perfect mix of melancholy and experimental Jazz.
 
Delivery: One of the formative bands of the scene, featuring Steve Miller and singer Pip Pyle. They were the nucleus from which many other Canterbury projects were born.
 
Khan: A short-lived project led by guitarist Steve Hillage (before he joined Gong). Their only album, “Space Shanty”, is a masterpiece of spacey guitar-driven Prog.
 
In Cahoots: Founded by guitarist Phil Miller after his experience with National Health, they carried the Canterbury sound into the '80s and '90s with an approach heavily oriented toward modern Jazz.
 
Bruford (early period): Bill Bruford, the legendary drummer for Yes and King Crimson, drew heavily from Canterbury musicians (Dave Stewart, Annette Peacock) for his first solo album “Feels Good to Me”, creating a bridge between "mainstream" Prog and the Kent scene.

 

WISH

WISH - The Endless Winter
Autoproduzione
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / Digitale – 2026

Ci sono dischi che si ascoltano e dischi che si attraversano come un campo di battaglia: “The Endless Winter” appartiene a questa seconda categoria, un’opera dove la polvere della storia si mescola al gelo dell'anima.
La band romana Wish si fonda nel 1992 e, dopo vari cambi di formazione, si stabilizza nel 1997. Realizzano il loro unico album “Stay Here My Friends” nel 2019; il pubblico del Progressive Rock apprezza, ma deve attendere ben sette anni per ascoltare un nuovo concept.
L’album tratta il dramma e la disumanità delle guerre e la band così descrive l’opera: “Questo album ha avuto un lungo percorso e la scrittura dei brani ha avuto inizio nel 2019, poche settimane dopo la pubblicazione del nostro primo album “Stay Here My Friends”. Il disco era nato come il racconto del passato e come la presa d’atto di vivere in una società che ha tradito valori, per noi fondamentali, per i quali in tanti hanno combattuto. In questi ultimi anni invece questo passato si è attualizzato in modo drammatico, come probabilmente non era nemmeno prevedibile. Siamo angosciati, delusi, arrabbiati e lo scenario mondiale che si è sviluppato ci riporta in modo violento, purtroppo e dolorosamente, alle storie che abbiamo raccontato in questo disco. In questi ultimi anni le nuovissime generazioni stanno subendo una violenza rara, fuori dal comune e come logica conseguenza sono giovani che hanno voglia di lottare di nuovo per i loro ideali. Una nota che, nella disperazione del momento, infonde molta speranza.”.
Esplicativo il titolo, il lungo inverno non è altro che il grigiore dei conflitti.
Otto i brani proposti, contenenti anche due mini-suite che palesano uno spostamento stilistico verso l’Art Rock contemporaneo, che personalmente amo definire Post-Prog moderno.
La band oggi è formata da Piergiorgio Franceschelli (voce), Massimo Mercurio (batteria), Salvatore Patti (tastiere, cori) e Giorgio Simonetti (chitarre, basso, cori); con loro ci sono ospiti che rispondono ai nomi di Graziano Brufani (basso), Susanna Felicetti (flauto) e Umberto Ugoberti (fisarmonica).
L’apertura spetta a “Pointe Du Hoc”, il riferimento storico allo sbarco in Normandia imposta immediatamente un sound epico, fatto di campionamenti ambientali che richiamano la costa francese. Solo il flauto di Felicetti mitiga l’ambiente. Ed ecco la prima mini-suite intitolata “Comandante Nino”, a seguire la parabola di una figura eroica e tragica. Voce e piano accompagnano verso il crescendo sonoro passando attraverso il Neo Prog degli anni ’80, trasportando l’ascoltatore al centro degli eventi. Il pezzo mostra una band al culmine della propria tecnica compositiva, capace di legare quattro movimenti diversi con un unico filo conduttore tematico senza mai risultare frammentaria. Suggestivo il passaggio del Mellotron.
In “Collapsing” i Wish mettono in musica il momento in cui le difese interiori cedono. È la presa di coscienza che tutto ciò che consideravamo solido è, in realtà, fragile. La musica è inizialmente cupa, con arpeggio di chitarra e cantato; a seguire, un breve outro di pianoforte conduce a un crescendo sonoro drammatico e ricco di cambi di tempo. Richiami ai Marillion dell'era Fish si possono apprezzare di tanto in tanto.
La seconda mini-suite è “The Four Rooms”, un segmento più introspettivo e claustrofobico che rappresenta la prigionia o forse l'elaborazione del trauma post-bellico. Quattro i movimenti al suo interno: “The Cellar”, “A Thin Light”, “Battlefield” e “Healing/Resignation”. La melodia si distende in un inno solenne con ottimi solo di chitarra, mentre il finale sfuma in un tappeto di synth caldi, lasciando l'ascoltatore in uno stato di catarsi sospesa.
Il pianoforte inizia “I Watch You From Afar”, brano che affronta il tema dell'impotenza. Se dovessi descriverlo con un'immagine, sarebbe quella di qualcuno che osserva una terra desolata dall'alto di una cima innevata, troppo lontano per intervenire, ma abbastanza vicino per soffrire.
A differenza di altri brani dell'album, “I Watch You From Afar” non esplode in un riff Rock, ma si gonfia gradualmente creando un'intensità che non aggredisce, ma avvolge. La performance vocale è la più vulnerabile del disco; non c'è rabbia, solo una malinconia rassegnata che culmina in un finale strumentale sospeso.
“This Land” usufruisce ulteriormente di una pacatezza supportata solamente da un arpeggio insistito di chitarra, prossimo al mondo dei Porcupine Tree, e ci conduce a “On The Trail”. Il brano, ricco di synth, può essere interpretato come il ritorno a casa di un soldato dopo la guerra o, forse, come l'ultimo cammino simbolico verso l'aldilà.
Spetta a “This Life” la conclusione, che guarda alla totalità dell'esistenza. C'è un senso di pace che permea ogni nota, è il momento in cui il protagonista capisce che ogni ferita, ogni "inverno infinito", fa parte della trama complessa di questa vita. Ancora una volta buono l’uso del flauto e della chitarra elettrica, che si lancia in un solo capace di richiamare certi Pink Floyd.
Al termine di questo ascolto, resta addosso il freddo delle trincee e il calore della memoria. “The Endless Winter” non è solo un album, è il monumento sonoro che i Wish hanno eretto per non permettere alla storia di scivolare nel silenzio. MS

PER ASCOLTO: https://bandcamp.com/private/B8R90YE1

Versione Inglese: 

WISH - The Endless Winter
Self-release
Genre: Neo-Prog
Format: CD / Digital – 2026

There are albums you listen to and albums you cross like a battlefield: “The Endless Winter” belongs to this second category, a monumental work where the dust of history blends with the frost of the soul.
The Roman band Wish was founded in 1992 and, after various line-up changes, stabilized in 1997. They released their only previous album, “Stay Here My Friends,” in 2019; the Progressive Rock audience appreciated it, but had to wait a full seven years to hear a new concept.
The album deals with the drama and inhumanity of war, and the band describes the work as follows: “This album has had a long journey, and the songwriting began in 2019, just a few weeks after the release of our first album ‘Stay Here My Friends.’ The record was born as a tale of the past and as an acknowledgment of living in a society that has betrayed values—fundamental to us—for which so many fought. In recent years, however, this past has become dramatically relevant in a way that was likely unpredictable. We are distressed, disappointed, and angry; the global scenario that has developed brings us back violently, unfortunately and painfully, to the stories we told in this record. In these last few years, the newest generations are enduring a rare, extraordinary violence, and as a logical consequence, they are young people who want to fight for their ideals once again. A note that, amidst the desperation of the moment, instills a great deal of hope.”
The title is self-explanatory: the long winter is nothing other than the grayness of conflict.
Eight tracks are offered, including two mini-suites that reveal a stylistic shift toward contemporary Art Rock, which I personally like to define as modern Post-Prog.
The band today consists of Piergiorgio Franceschelli (vocals), Massimo Mercurio (drums), Salvatore Patti (keyboards, backing vocals), and Giorgio Simonetti (guitars, bass, backing vocals); they are joined by guests such as Graziano Brufani (bass), Susanna Felicetti (flute), and Umberto Ugoberti (accordion).
The opening belongs to “Pointe Du Hoc”: the historical reference to the Normandy landings immediately sets an epic sound, made of environmental samples that recall the French coast. Only Felicetti’s flute mitigates the atmosphere. This is followed by the first mini-suite titled “Comandante Nino,” which follows the parable of a heroic and tragic figure. Voice and piano lead toward a sonic crescendo, passing through 1980s Neo-Prog and transporting the listener to the center of events. The piece shows a band at the peak of its compositional technique, capable of linking four different movements with a single thematic thread without ever feeling fragmented. The Mellotron passage is particularly atmospheric.
In “Collapsing,” Wish put to music the moment when internal defenses give way. It is the realization that everything we considered solid is, in reality, fragile. The music is initially somber, with a guitar arpeggio and vocals; a brief piano outro follows, leading to a dramatic sonic crescendo rich in time signature changes. Echoes of Fish-era Marillion can be appreciated from time to time.
The second mini-suite is “The Four Rooms,” a more introspective and claustrophobic segment representing imprisonment or perhaps the processing of post-war trauma. It contains four movements: “The Cellar,” “A Thin Light,” “Battlefield,” and “Healing/Resignation.” The melody unfolds into a solemn hymn with excellent guitar solos, while the finale fades into a carpet of warm synths, leaving the listener in a state of suspended catharsis.
The piano begins “I Watch You From Afar,” a track that addresses the theme of helplessness. If I were to describe it with an image, it would be that of someone watching a desolate land from atop a snowy peak: too far to intervene, but close enough to suffer.
Unlike other tracks on the album, “I Watch You From Afar” does not explode into a rock riff but swells gradually, creating an intensity that does not attack but envelops. The vocal performance is the most vulnerable on the record; there is no anger, only a resigned melancholy that culminates in a suspended instrumental finale.
“This Land” further utilizes a calmness supported solely by an insistent guitar arpeggio close to the world of Porcupine Tree, leading us into “On The Trail.” This synth-rich track can be interpreted as a soldier's return home after the war, or perhaps as a final symbolic journey toward the afterlife.
The conclusion is left to “This Life,” which looks at the totality of existence. There is a sense of peace permeating every note; it is the moment the protagonist understands that every wound, every "endless winter," is part of the complex tapestry of this life. Once again, there is good use of the flute and electric guitar, the latter launching into a solo reminiscent of certain Pink Floyd moments.
At the end of this listening experience, the cold of the trenches and the warmth of memory linger: “The Endless Winter” is not just an album, it is the sonic monument that Wish have erected to prevent history from slipping into silence. MS

 

FOR LISTENING:   https://bandcamp.com/private/B8R90YE1

 

 

 

 

Stefano Panunzi

STEFANO PANUNZI – Caravaggio
SP Music
Genere: Crossover Prog
Supporto: 2CD / Digital – 2026

Ricordo ancora con piacere la band italiana Fjieri nel 2009 con l’ottimo “Endless”, a seguire nel 2015 “Words Are All We Have”. Fra i fondatori del nucleo ci sono Nicola Lori e Stefano Panunzi, per un Art Rock eccellente aperto a partiture Neo Prog. Il tastierista romano Stefano Panunzi nel corso degli anni ha collaborato con Jakko Jakszyk (King Crimson — ha co-scritto due brani dell'album 'Secrets & Lies' di Jakszyk), Mick Karn (Japan), Gavin Harrison (Porcupine Tree, King Crimson, The Pineapple Thief), Tim Bowness (No-Man), Richard Barbieri (Japan, Porcupine Tree), Markus Reuter (The Crimson ProjeKct), Nicola Alesini, Robby Aceto ed altri ancora.
Ricca anche la carriera solista con cinque album che iniziano nel 2005 con “Timelines” sino ad arrivare al 2023 con il buon “Pages From The Sea”, qui recensito (https://nonsoloprogrock.blogspot.com/2023/04/stefano-panunzi.html) e che vi invito ad ascoltare.
Ritorna oggi con “Caravaggio”, un’opera in cui la musica e gli argomenti trattati si fondono in colori e chiaroscuri proprio come la pittura del noto artista. Qui si descrivono stati d'animo carichi di disperazione, amori tormentati, guerre, ricerca di sé e malesseri interiori, con la speranza di esorcizzare il tutto attraverso la musica.
Il Prog proposto è moderno, infarcito di parti Jazz e Ambient che si avvalgono dell’elettronica.
Il cast internazionale che circonda il tastierista è di alto prestigio e vede alle chitarre David Torn e Markus Reuter, ai fiati Theo Travis (noto per i suoi lavori con Steven Wilson e Robert Fripp) e Nicola Alesini, alle voci Tim Bowness (No-Man), Grice e 05Ric, e alla sezione ritmica Colin Edwin (ex Porcupine Tree), Fabio Trentini e Saro Cosentino. Un cast davvero stellare. La produzione è estremamente curata, pensata per creare un'esperienza d'ascolto immersiva che rifletta l'inquietudine e la bellezza dell'arte barocca.
Chiaramente il lavoro è così ampio che non posso permettermi la descrizione brano per brano, tuttavia posso segnalare le fasi salienti disco per disco, ad iniziare dal CD1, caratterizzato da una ricerca timbrica molto raffinata.
La title track apre l'album stabilendo il tono. È un pezzo evocativo dove le tastiere di Panunzi creano un tappeto quasi cinematografico, su cui si innestano le chitarre sperimentali di David Torn e la bella voce di Grice. Rappresenta visivamente l'ingresso in una galleria d'arte: un mix fra i Porcupine Tree più pacati e i No-Man.
“I No Longer Know Who You Are” sembra uscito da “Fear Of A Blank Planet”, uno strumentale profondo ed immersivo dove il basso di Fabio Trentini sale in cattedra. Ottima “Hidden Ties”, raffinata grazie al valore aggiunto del cantato di Tim Bowness e ai fiati di Theo Travis. Le chitarre sono affidate ancora una volta all’amico di vecchia data Nicola Lori. Infine segnalo “Ink Scars”, un pezzo quasi Ambient-Jazz dove il pianoforte di Stefano dialoga con "graffi" di chitarra elettrica, simulando quasi il rumore della penna (o del pennello) sulla carta.
Il CD 2 è caratterizzato da sperimentazione e spiritualità. “The Well” è un inizio ipnotico che trascina l'ascoltatore in un "pozzo" sonoro fatto di riverberi e loop. La struttura è meno lineare, più vicina al Progressive d'avanguardia.
“Tribal Innocence (Part 2)” prosegue un discorso iniziato in album precedenti. È un brano ritmicamente più complesso, dove le percussioni e il basso di Mick Karn creano un groove scuro e misterioso.
Splendida la ballata “I Cry For Love” con la tromba di Luca Calabrese, ma la chicca di questa seconda parte è “Sea Of Madness”, dove emerge la narrazione di Maria Peters.
Chiude “Gaza” in una sorta di requiem moderno; la scelta di un titolo così forte sottolinea l'intento dell'album di non essere solo un esercizio estetico, ma un riflesso del dolore del mondo reale.
Ascoltare “Caravaggio” è come restare immobili davanti a una tela che prende vita, un’immersione totale in un oceano di suoni dove la bellezza del Prog d’autore e l'oscurità del reale si fondono, lasciandoti addosso il brivido di un chiaroscuro che non si può spiegare, ma solo respirare. Consigliatissimo! MS

Versione Inglese:

STEFANO PANUNZI – Caravaggio
SP Music
Genre: Crossover Prog
Format: 2CD / Digital – 2026

I still fondly remember the Italian band Fjieri in 2009 with the excellent “Endless,” followed in 2015 by “Words Are All We Have.” Among the founding members are Nicola Lori and Stefano Panunzi, delivering excellent Art Rock open to Neo Prog structures. Over the years, Roman keyboardist Stefano Panunzi has collaborated with Jakko Jakszyk (King Crimson — having co-written two tracks on Jakszyk's 'Secrets & Lies' album), Mick Karn (Japan), Gavin Harrison (Porcupine Tree, King Crimson, The Pineapple Thief), Tim Bowness (No-Man), Richard Barbieri (Japan, Porcupine Tree), Markus Reuter (The Crimson ProjeKct), Nicola Alesini, Robby Aceto, and many others.
He also boasts a rich solo career with five albums, starting in 2005 with “Timelines” up to 2023 with the fine “Pages From The Sea,” reviewed here (https://nonsoloprogrock.blogspot.com/2023/04/stefano-panunzi.html), which I invite you to listen to.
He returns today with “Caravaggio,” a work in which the music and the themes explored blend into colors and chiaroscuro, much like the paintings of the famous artist. It describes moods filled with despair, tormented loves, wars, the search for self, and inner malaise, with the hope of exorcising it all through music.
The Prog offered here is modern, peppered with Jazz and Ambient elements that make use of electronics.
The international cast surrounding the keyboardist is of high prestige, featuring David Torn and Markus Reuter on guitars, Theo Travis (known for his work with Steven Wilson and Robert Fripp) and Nicola Alesini on woodwinds, Tim Bowness (No-Man), Grice, and 05Ric on vocals, and a rhythm section consisting of Colin Edwin (ex-Porcupine Tree), Fabio Trentini, and Saro Cosentino. A truly stellar lineup. The production is extremely polished, designed to create an immersive listening experience that reflects the restlessness and beauty of Baroque art.
Clearly, the work is so vast that I cannot afford a track-by-track description; however, I can highlight the key phases disc by disc, starting with CD1, characterized by a very refined tonal research.
The title track opens the album, setting the tone. It is an evocative piece where Panunzi's keyboards create an almost cinematic soundscape, joined by David Torn's experimental guitars and Grice's beautiful vocals. It visually represents the entrance into an art gallery: a mix between the calmer side of Porcupine Tree and No-Man.
“I No Longer Know Who You Are” feels like it could have come from “Fear Of A Blank Planet”: a deep and immersive instrumental where Fabio Trentini's bass takes center stage. Excellent is “Hidden Ties,” refined thanks to the added value of Tim Bowness's vocals and Theo Travis's woodwinds. The guitars are once again entrusted to long-time friend Nicola Lori. Finally, I would point out “Ink Scars,” an almost Ambient-Jazz piece where Stefano’s piano dialogues with "scratches" of electric guitar, almost simulating the sound of a pen (or brush) on paper.
CD 2 is characterized by experimentation and spirituality. “The Well” is a hypnotic beginning that drags the listener into a sonic "well" made of reverbs and loops. The structure is less linear, closer to avant-garde Progressive.
“Tribal Innocence (Part 2)” continues a discourse begun in previous albums. It is a rhythmically more complex track, where percussion and Mick Karn's bass create a dark and mysterious groove.
The ballad “I Cry For Love” with Luca Calabrese's trumpet is splendid, but the gem of this second part is “Sea Of Madness,” where Maria Peters' narration emerges.
It closes with “Gaza” in a sort of modern requiem; the choice of such a powerful title underlines the album's intent not to be merely an aesthetic exercise, but a reflection of the pain of the real world.
Listening to “Caravaggio” is like standing still before a canvas coming to life: a total immersion in an ocean of sounds where the beauty of auteur Prog and the darkness of reality merge, leaving you with the shiver of a chiaroscuro that cannot be explained, only breathed. Highly recommended! MS

Andrea Amici

ANDREA AMICI – Cosmic Odyssey
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Space Electronic / Strumentale
Supporto: Bandcamp – 2026

Nel navigare su Bandcamp, mi imbatto in questo lavoro solista di Andrea Amici, storico tastierista della band Neo Prog Leviathan. Sin da giovane studia organo classico e a diciannove anni entra nella band in cui suona tuttora. “Cosmic Odyssey” è dunque il secondo album solista di Amici. Molte volte ho adoperato la frase “il disco è un viaggio”; in questo caso lo è davvero, in quanto il concept strumentale tratta l’avventura di un ipotetico primo viaggio interstellare dell'umanità. Non è solo musica d'ambiente, quanto piuttosto una narrazione strutturata che cerca di tradurre in note il senso di meraviglia, il vuoto e la maestosità dello spazio profondo.
Ci sono strutture complesse e mutamenti di atmosfera che richiamano i giganti del genere (pensiamo a influenze alla Rick Wakeman o Keith Emerson, ma con un tocco più moderno). L'uso dei synth non è mai banale: serve a creare "texture" sonore ampie, quasi orchestrali. Tuttavia, nonostante la complessità tecnica, Andrea Amici mantiene sempre una forte componente melodica. Il pianoforte spesso funge da ancora emotiva tra i suoni più futuristici dei sintetizzatori.
I sei brani che compongono l’album iniziano ovviamente con il decollo (“Liftoff”), e stranamente mi vengono in mente certi Rockets che negli anni ’70 hanno comunque segnato un genere. Questo perché qui c’è elettronica, ma al servizio della melodia delle tastiere. Per la ritmica e altro, credo che si tratti di AI. Belle le arie e gli arrangiamenti, che donano corposità all’insieme. E via verso le stelle con il capitolo “Stellar Dreams”: i suoni fotografano l’oscurità dell’immensità che circonda i protagonisti. Qui il ritmo si distende. È un brano più onirico e melodico, dove emerge la vena sognante del compositore. Il pezzo viene avvolto da suoni morbidi e "riverberati" che evocano la meraviglia di trovarsi tra le stelle. Godibilissime le ampie aperture sinfoniche dal grande respiro.
Ma il pericolo è in agguato, ecco un buco nero, e “Black Hole Embrace” rappresenta il momento più oscuro e teso del disco. La musica si fa maggiormente dissonante e complessa. Amici usa timbri di sintetizzatore più aggressivi per rappresentare la forza "abbracciante" e distruttiva di un fenomeno del genere. C'è un senso di urgenza e di pericolo imminente fra le note. Una volta scampato il pericolo, si torna a una parvente calma con “Celestial Serenity”, il brano più lungo dell'album e probabilmente il suo centro spirituale. Dopo il caos del buco nero, questa traccia rappresenta la pace assoluta del vuoto cosmico. È un pezzo quasi meditativo, con progressioni armoniche molto larghe e solenni che mostrano la capacità di Amici di scrivere musica quasi "religiosa" nella sua grandiosità celestiale.
A questo punto arriva il colpo di scena, i naviganti s’imbattono in una civiltà aliena e, dopo un'iniziale incomprensione, riescono a stabilire un contatto. “Encounter With Extraterrestrial Life” è tendenzialmente un movimento molto Neo Prog. L'epilogo s’intitola “Homecoming”: i protagonisti ritornano a casa con una meravigliosa ricchezza di esperienze. Rispetto all'apertura maestosa, il ritorno ha un sapore più intimo e trionfale al tempo stesso. C'è un senso di risoluzione, i temi ascoltati durante l'odissea trovano una conclusione armoniosa. Il brano trasmette sollievo e la consapevolezza di aver compiuto un viaggio che ha cambiato il viaggiatore. Se amate le tastiere miste all'elettronica, qui avete pane per i vostri denti, anzi, per le vostre orecchie. Un lavoro piacevole in numerosi momenti, che merita sicuramente un ascolto. MS

 ASCOLTO: https://andreaamici.bandcamp.com/album/cosmic-odyssey

Versione Inglese: 

ANDREA AMICI – Cosmic Odyssey
Self-release
Genre: Progressive Rock / Space Electronic / Instrumental
Format: Bandcamp – 2026

While browsing Bandcamp, I came across this solo work by Andrea Amici, the longtime keyboardist of the Neo-Prog band Leviathan. He studied classical organ from a young age and joined the band at nineteen, where he still plays today. “Cosmic Odyssey” is thus Amici's second solo album. Many times I have used the phrase “the album is a journey”; in this case, it truly is, as the instrumental concept deals with the adventure of a hypothetical first interstellar voyage for humanity. It is not just ambient music, but rather a structured narrative that seeks to translate into notes the sense of wonder, the void, and the majesty of deep space.
There are complex structures and atmospheric shifts that recall the giants of the genre (one thinks of influences like Rick Wakeman or Keith Emerson, but with a more modern touch). The use of synths is never cliché: it serves to create vast, almost orchestral sonic "textures." However, despite the technical complexity, Andrea Amici always maintains a strong melodic component. The piano often acts as an emotional anchor amidst the more futuristic sounds of the synthesizers.
The six tracks that make up the album naturally begin with the takeoff (“Liftoff”), and strangely, certain Rockets come to mind, who in the 70s nonetheless defined a genre. This is because here there is electronics, but at the service of the keyboards' melody. For the rhythm and other elements, I believe AI was used. The melodies and arrangements are beautiful, giving body to the whole. And off towards the stars with the chapter “Stellar Dreams”: the sounds photograph the darkness of the immensity surrounding the protagonists. Here the rhythm eases. It is a more dreamlike and melodic track, where the composer’s visionary vein emerges. The piece is enveloped in soft, "reverberated" sounds that evoke the wonder of being among the stars. The wide, sweeping symphonic openings are thoroughly enjoyable.
But danger is lurking—enter a black hole—and “Black Hole Embrace” represents the darkest and most tense moment of the record. The music becomes more dissonant and complex. Amici uses more aggressive synthesizer timbres to represent the "embracing" and destructive force of such a phenomenon. There is a sense of urgency and imminent danger between the notes. Once the danger is escaped, we return to a seeming calm with “Celestial Serenity,” the longest track on the album and probably its spiritual center. After the chaos of the black hole, this track represents the absolute peace of the cosmic void. It is an almost meditative piece, with very broad and solemn harmonic progressions that showcase Amici's ability to write almost "religious" music in its celestial grandeur.
At this point comes the plot twist: the voyagers encounter an alien civilization and, after an initial misunderstanding, manage to establish contact. “Encounter With Extraterrestrial Life” is essentially a very Neo-Prog movement. The epilogue is titled “Homecoming”: the protagonists return home with a wonderful wealth of experiences. Compared to the majestic opening, the return has a flavor that is both more intimate and triumphant at the same time. There is a sense of resolution; the themes heard during the odyssey find a harmonious conclusion. The track conveys relief and the awareness of having completed a journey that has changed the traveler. If you love keyboards mixed with electronics, here is plenty of food for your thought—or rather, for your ears. A pleasant work in many moments that certainly deserves a listen. MS 

https://andreaamici.bandcamp.com/album/cosmic-odyssey

Celeste

CELESTE - Prince Of One Day
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Esistono dischi e band nel campo del Rock Progressivo Italiano che hanno fatto la storia pur non diventando delle vere e proprie icone. Un esempio lo abbiamo con gli ottimi Celeste di Ciro Perrino, i quali nel 1976 pubblicano un album che, tra gli appassionati più incalliti, è diventato un vero e proprio classico: quel “Principe Di Un Giorno” che, attraverso il suo sound color pastello, tanto ha saputo emozionare.
Sebbene “Principe Di Un Giorno” sia uscito nel '76, le canzoni furono composte nel 1973 e registrate tra il '74 e il '75. In questo 2026 ricorre il cinquantesimo anniversario e Perrino pensa di donare una nuova veste all’album attraverso interventi non di poco conto, come ad esempio nel cantato.
In origine il disco doveva essere in inglese e con voce femminile, ma il progetto non andò in porto per motivi legati alla cantante dell'epoca, che non fu in grado di ricoprire fino in fondo il suo ruolo; è per questo che oggi l’autore e compositore corre ai ripari, non solo per donare al lavoro un suono più moderno, bensì per ricollocarlo nella sua giusta dimensione originale. Per la realizzazione si avvale della voce di Siobhán Owen. La copertina, allora "total white", prende quindi colore a documentare un nuovo passaggio, una testimonianza tardiva di come avrebbe dovuto essere in realtà quel progetto.
La voce di Perrino, di conseguenza, viene tagliata dal disco per lasciare spazio a quella della cantante soprano australiana. Altresì viene apportata una nuova masterizzazione da parte di Marco Canepa per donare maggiore corposità al suono. Ma non finisce qui, a fine anno, sempre per la ricorrenza del cinquantesimo, “Prince Of One Day” verrà reinterpretato con una versione completamente risuonata dall'attuale band che ha realizzato nel 2025 l’ottimo “Anima Animus”: Enzo Cioffi (batteria), Francesco Bertone (basso), Marco Moro (flauto), Mauro Vero (chitarre) e Ciro Perrino (mellotron, tastiere, synth, flauto, cori, percussioni).
Nel caso di “Prince Of One Day”, invece, il gruppo è quello originale composto da Giorgio Battaglia (basso, chitarra, xilofono, cori), Leonardo Lagorio (chitarra, tastiere, sax, flauto, cori), Mariano Schiavolini (chitarra, tastiere, violino, cori) e appunto Ciro Perrino.
Il disco è un mix perfetto tra la musica classica, il folk pastorale e i momenti più calmi dei King Crimson (periodo “In the Court Of The Crimson King”) e della Premiata Forneria Marconi. Il risultato finale ne esce altamente migliorato e in veste internazionalizzata, a conferma che se allora fosse stato realizzato in questo modo, sicuramente oggi saremmo qui a raccontare un'altra storia. Bellissima la voce della Owen, perfettamente incastonata nel contesto.
Il titolo “Prince Of One Day” non è solo una traduzione, ma riflette l'intera estetica del gruppo, la celebrazione della bellezza effimera e della natura, temi che nel 2026 conservano un fascino immutato e quasi terapeutico. È un disco perfetto da ascoltare al tramonto o in cuffia per staccare dal caos moderno. Ora attendo con curiosità la nuova versione. MS

ASCOLTO:

https://celeste4.bandcamp.com/album/celeste-prince-of-one-day

Versione Inglese:

CELESTE - Prince Of One Day
Self-produced
Genre: Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

 
There are records and bands within the Italian Progressive Rock scene that have made history without necessarily becoming mainstream icons. We have a perfect example with the excellent Celeste, led by Ciro Perrino, who in 1976 released an album that has become a true classic among die-hard fans: “Principe Di Un Giorno,” a work that has moved so many with its pastel-colored sound.
Although “Principe Di Un Giorno” was released in '76, the songs were composed in 1973 and recorded between '74 and '75. Now, in 2026, marking the fiftieth anniversary, Perrino has decided to give the album a new look through significant changes, most notably in the vocals. Originally, the record was intended to be in English with a female voice, but the project fell through due to issues with the singer at the time, who was unable to fully fulfill her role. This is why today the author and composer is making amends, not only to give the work a more modern sound but to restore it to its rightful, original vision. For this production, he enlists the voice of Siobhán Owen. The cover art, originally "total white," now takes on color to document a new transition—a belated testament to what the project was actually meant to be.
Consequently, Perrino’s own vocals have been removed from the disc to make room for the Australian soprano. Additionally, a new mastering by Marco Canepa has been applied to give the sound greater body. But it doesn’t end there: at the end of the year, again for the fiftieth anniversary, “Prince Of One Day” will be reinterpreted with a version completely re-recorded by the current band that produced the excellent “Anima Animus” in 2025: Enzo Cioffi (drums), Francesco Bertone (bass), Marco Moro (flute), Mauro Vero (guitars), and Ciro Perrino (mellotron, keyboards, synth, flute, backing vocals, percussion).
In the case of this “Prince Of One Day,” however, the lineup is the original one consisting of Giorgio Battaglia (bass, guitar, xylophone, backing vocals), Leonardo Lagorio (guitar, keyboards, sax, flute, backing vocals), Mariano Schiavolini (guitar, keyboards, violin, backing vocals), and Ciro Perrino himself.
The album is a perfect mix of classical music, pastoral folk, and the calmer moments of King Crimson (the “In the Court Of The Crimson King” era) and Premiata Forneria Marconi. The final result is highly improved and presented in an international guise, confirming that if it had been released this way back then, we would surely be telling a different story today. Owen’s voice is beautiful, perfectly nestled within the context.
The title “Prince Of One Day” is not just a translation, but reflects the group's entire aesthetic: the celebration of ephemeral beauty and nature, themes that in 2026 retain an unchanged and almost therapeutic charm. It is a perfect record to listen to at sunset or on headphones to disconnect from modern chaos. Now, I eagerly await the new version. MS

Siobhán Owen

For listening:

https://celeste4.bandcamp.com/album/celeste-prince-of-one-day

Mauro Pelosi

MAURO PELOSI – Mauro Pelosi
Universal Music Group (cd) - Polydor Records (lp)
Genere: Cantautore
Supporto: cd – 1977

Ho scelto il terzo album per parlare del cantautore romano, successivamente trasferitosi a Milano, Mauro Pelosi. Il terzo perché ha radici ormai profonde, inestirpabili. Il carattere e la personalità dell’artista sono rodati e noti agli ascoltatori degli anni ‘70. In realtà l’esordio discografico risale al lontano 1972, con l’album dal titolo “La Stagione Per Morire” (Polydor Records), un disco che coglie di sorpresa molti addetti ai lavori, in quanto già radicato in un pessimismo che diventerà nel tempo il suo leitmotiv. Un cantautore impegnato, come si soleva dire in gergo, contemporaneo di Claudio Rocchi, Claudio Lolli, Alan Sorrenti, De André, Guccini e molti altri ancora. Segue nel 1973 un album a sua volta molto bello, dal titolo “Al Mercato Degli Uomini Piccoli” (Polydor Records), per poi latitare dai negozi di dischi fino al 1977, anno non proprio brillante per questo genere che comunque va ad attingere anche in quel calderone di nome Rock Progressivo.
“Mauro Pelosi” è arrangiato nuovamente da Pinuccio Pirazzoli, ormai suo fido amico, e gode della collaborazione di artisti come Edoardo Bennato, che suona l'armonica a bocca in “L'investimento”, Bamby Fossati (Garybaldi), Lucio Fabbri al violino in “Una Lecca Lecca D’Oro” e Ricky Belloni dei New Trolls alle chitarre. I testi sono bellissime poesie, riflessioni di vita vissuta, quasi sempre amare, nelle quali coesistono paure, insicurezza e amore.
Un disco drammatico, dove la voce è dolce e allo stesso tempo graffiante e incisiva, tuttavia l’iniziale “La Bottiglia” musicalmente si alterna fra tristezza e un quasi Reggae. Esplicativo il testo: “Ti regalerò una bottiglia vuota perché non ho mai avuto un giardino incantato”. “Luna Park” non è distante dal brano precedente: in esso aleggia una nota di malinconia dettata dalla narrazione di una vita abbastanza triste che stride con la musica da luna park che fa da accompagnamento. Importanti i ritornelli. Dolcissima con chitarra arpeggiata “Ho Trovato Un Posto”, supportata da arrangiamenti semplici ma efficaci. Molti di voi all’ascolto potrebbero sentenziare che De André in confronto è un allegro buontempone, ma anche Pelosi sa divertirsi a modo suo come in “Una Lecca Lecca D’Oro”. Azioni umane ne “L’investimento”, depressione in “Una Casa Piena Di Stracci”, mentre “Alle 4 Di Mattina” gode di un piano che sgocciola note ariose sopra la voce irritata e perentoria di Pelosi. Un grande interprete di testi importanti, riesce a modulare la voce in maniera anche sorprendente come nello stupendo finale dal titolo bizzarro “Ho Fatto La Cacca”. Questo brano è un capolavoro per rabbia, ironia amara e musica. “Compagni miei dal 68 ad oggi quanti Blue Jeans c’hanno venduto. Voglio essere un cane, di quelli che fanno l’amore in mezzo alla strada tra la faccia schifata dei passanti, circondato da bambini liberi, ed altri cani come me… e tutti insieme, tutti quanti insieme andare in giro….. A MORDERE!”. Dovete ascoltare però come viene cantata.
Questo album, come dicevo in precedenza, esce in un momento “no” per il genere e non raccoglie i dovuti frutti, quasi un fallimento. Per questo lo amo, lo sento anche più mio, e anche io con lui vado in giro… a mordere. MS

Versione Inglese:

MAURO PELOSI – Mauro Pelosi
Universal Music Group (CD) - Polydor Records (LP)
Genre: Singer-songwriter
Format: CD – 1977

I have chosen the third album to talk about Mauro Pelosi, the Roman singer-songwriter who later moved to Milan. I chose the third one because its roots are now deep and unerring. The artist's character and personality were well-established and known to listeners of the 1970s. In reality, his recording debut dates back to 1972 with the album titled “La Stagione Per Morire” (Polydor Records), a record that caught many industry insiders by surprise, as it was already rooted in a pessimism that would become his leitmotiv over time. He was a "committed" singer-songwriter, as they used to say in the jargon of the time, a contemporary of Claudio Rocchi, Claudio Lolli, Alan Sorrenti, De André, Guccini, and many others. This was followed in 1973 by another beautiful album titled “Al Mercato Degli Uomini Piccoli” (Polydor Records), before he vanished from record stores until 1977—a year that wasn't exactly brilliant for this genre, which nevertheless drew from the melting pot known as Progressive Rock.
“Mauro Pelosi” is once again arranged by Pinuccio Pirazzoli, by then his trusted friend, and features collaborations with artists such as Edoardo Bennato, who plays the harmonica in “L'investimento”, Bamby Fossati (Garybaldi), Lucio Fabbri on violin in “Una Lecca Lecca D’Oro”, and Ricky Belloni of New Trolls on guitars. The lyrics are beautiful poems, reflections on life experience—almost always bitter—in which fears, insecurity, and love coexist.
A dramatic record, where the voice is sweet yet simultaneously raspy and incisive; however, the opening track “La Bottiglia” alternates musically between sadness and a sort of Reggae. The lyrics are self-explanatory: “I will give you an empty bottle because I never had an enchanted garden.” “Luna Park” is not far removed from the previous track: a note of melancholy hovers within it, dictated by the narration of a rather sad life that clashes with the carnival music serving as accompaniment. The choruses are significant. “Ho Trovato Un Posto” is incredibly sweet with its arpeggiated guitar, supported by simple but effective arrangements. Upon listening, many of you might judge that De André is a cheerful prankster by comparison, but Pelosi also knows how to have fun in his own way, as heard in “Una Lecca Lecca D’Oro”. We find human actions in “L’investimento” and depression in “Una Casa Piena Di Stracci”, while “Alle 4 Di Mattina” features a piano that drips airy notes over Pelosi’s irritated and peremptory vocals. A great interpreter of important lyrics, he manages to modulate his voice in surprising ways, as in the stunning finale with the bizarre title “Ho Fatto La Cacca”. This track is a masterpiece of anger, bitter irony, and music. “My comrades, from '68 to today, how many pairs of blue jeans have they sold us? I want to be a dog, one of those that makes love in the middle of the street amidst the disgusted faces of passers-by, surrounded by free children and other dogs like me… and all together, everyone together, going around….. TO BITE!”. You must, however, hear how it is sung.
This album, as I mentioned before, was released during a "down" moment for the genre and did not reap the expected rewards—it was almost a failure. That is why I love it; I feel it is even more mine, and I too go around with him… to bite. MS