öOoOoOoOoOo

öOoOoOoOoOo – Samen
Aphatia Records
Genere: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Supporto: CD / 2016

Negli anni della musica Rock, esistono sorprese che non ti aspetti, e spesso queste giungono da band che si palesano e spariscono in un istante, come nel caso dei francesi öOoOoOoOoOo. Fanno musica difficile da etichettare, miscelando generi assolutamente incongruenti e questo spesso potrebbe condurre ad un pastrocchio inascoltabile se non ridicolo. Serve una buona dose di sregolatezza, follia, questo è vero, ma soprattutto tecnica strumentale, cultura musicale e un sapiente songwriting che riesca a bilanciare il tutto, e loro lo sanno .
Nel 2016 con “Samen” non spingono sull’acceleratore della condivisione e neppure della pubblicità, lasciando il prodotto in un oblio quasi da purgatorio, atto solamente a chi ama ricercare nel web o in alcune riviste che si spingono oltre la banalità. E’ per questo che sento di dover dare (anche per un solo istante), nuova luce a questo album che molto allora ha saputo sorprendermi.
Ma chi sono gli öOoOoOoOoOo, e da dove deriva il nome?
öOoOoOoOoOo è pronunciato e conosciuto anche semplicemente come "Chenille", ovvero bruco in francese, data la forma grafica del nome.
La band sorge dalle ceneri creative e dalla mente di due figure chiave della scena sperimentale francese, ad iniziare da Asphodel (Aurélie Raidron), una delle cantanti più versatili, teatrali e geniali del panorama underground. E’ nota per il suo lavoro nei Pin-Up Went Down, un altro duo Avant-garde cult. La sua estensione e abilità vocale reggono tranquillamente il confronto con mostri sacri come Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand invece è un polistrumentista eccezionale che in questo progetto si è occupato di chitarre, basso, tastiere, programmazioni e della composizione della quasi totalità delle basi musicali. A loro si è unito come turnista alla batteria Aymeric Thomas, mente della folle band Electro-grind/Avant-garde francese Pryapisme.
“Samen” non è un semplice album, ma come recita la copertina "Exhibition 2016/10", è una vera e propria mostra d'arte contemporanea. I testi scritti interamente da Asphodel, sono surreali, flussi di coscienza nevrotici, filastrocche inquietanti o riflessioni grottesche sulla psiche umana, spesso interpretati con voci diverse che simulano una personalità dissociata.
L’iniziale “Rules Of The Show” parte come un pezzo Rock Alternative quasi accessibile, per poi esplodere in sezioni ritmiche sincopate e possenti. Il testo introduce l'ascoltatore alla mostra, parlando delle regole del gioco sociale e dello spettacolo, dove l'apparenza e il calore ("Heat up here") nascondono l'alienazione.
Con “Fucking Freaking Futile Freddy” la band spinge sull'acceleratore dell'assurdo e vi troverete spesso a muovere la testa al ritmo Mathcore dove si fondono voci quasi growl a quella da cartone animato impazzito. Il brano segue la bizzarra e frustrante epopea di questo "Freddy", personaggio sterile e futile.
Il titolo “Meow Meow Frrru” non inganna, evoca movenze e versi felini, ma in chiave incubo psichedelico. Musicalmente flirta con la musica elettronica sperimentale e il Pop d'avanguardia. È un brano sensuale, bizzarro e disturbante, in cui la dualità del gatto, affettuoso ma predatore, riflette dinamiche umane di sottomissione e controllo.
Uno dei vertici dell’album porta il titolo di “No Guts = No Masters”, impreziosito dal violoncello di Raphaël Verguin. Il pezzo vanta un groove orchestrale e dondolante, quasi un "valzer metallico" che ricorda i Diablo Swing Orchestra, interrotto da sfuriate Black/Death Metal. Il testo è un inno cinico all'autodeterminazione.
Ancora sorretto dal violoncello, il successivo “Bark City (A Glimpse Of Something)” si muove su territori più cupi e atmosferici. C'è un costante senso di minaccia strisciante. Il testo dipinge una città distopica, la città dei latrati, metafora di un isolamento urbano in cui le persone ringhiano e comunicano come bestie anziché come esseri umani. Non esulano istanti sinestetici come in “Purple Tastes Like White” dove il titolo stesso significa "Il viola ha il sapore del bianco". Esplora la percezione distorta della realtà attraverso una struttura musicale frammentaria. Asphodel usa linee vocali jazzate e sognanti che improvvisamente collassano in grida laceranti, mimando il cortocircuito sensoriale di cui parla il testo. Fra i momenti più alti del disco formato da dodici brani, cito “I Hope You Sleep Well”, qui fa la sua comparsa il sassofono di Adrien Cailleteau. È una traccia dalle tinte noir e malinconiche, che culla l'ascoltatore in una finta ninna nanna. Sotto la superficie soffice e jazzata si nasconde un testo subdolo e passivo-aggressivo, un augurio di "buon sonno" che suona quasi come una minaccia o un addio definitivo.
Altresì stupefacente la conclusiva “Hemn Be Rho Ðie Samen”, una suite d'avanguardia spiazzante, un rituale sonoro che unisce atmosfere eteree alla Sigur Rós con sfuriate di un'intensità emotiva devastante. Il titolo e alcune sezioni usano un linguaggio inventato ed esoterico. È la perfetta chiusura del cerchio, la catarsi finale dopo il viaggio disturbante e schizofrenico all'interno della mostra d'arte dei Chenille.
Gli öOoOoOoOoOo hanno costruito un meraviglioso mostro di Frankenstein musicale dove i pezzi non dovrebbero stare insieme, eppure funzionano alla perfezione. Un album d'avanguardia monumentale che, a distanza di anni, continua a ridefinire il concetto stesso di “estremo”. MS

 

Versione Inglese:

öOoOoOoOoOo – Samen
Apathia Records
Genre: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Media: CD / 2016

In the years of Rock music, there are surprises you just don't expect, and these often come from bands that appear and vanish in an instant, as is the case with the French outfit öOoOoOoOoOo. They make music that is hard to label, blending absolutely incongruous genres, and this could often lead to an unlistenable, if not ridiculous, mess. It requires a good dose of wildness and madness, that is true, but above all, instrumental technique, musical culture, and a clever songwriting capable of balancing everything, and they know it.
In 2016, with “Samen”, they did not push on the accelerator of sharing or advertising, leaving the product in a nearly purgatorial oblivion, suitable only for those who love to research the web or certain magazines that venture beyond banality. This is why I feel the need to give (even if just for a moment) new light to this album which, back then, managed to surprise me so much.
But who are öOoOoOoOoOo, and where does the name come from?
öOoOoOoOoOo is pronounced and also known simply as "Chenille", meaning caterpillar in French, due to the graphic shape of the name.
The band arose from the creative ashes and minds of two key figures in the French experimental scene, starting with Asphodel (Aurélie Raidron), one of the most versatile, theatrical, and brilliant singers on the underground scene. She is known for her work in Pin-Up Went Down, another cult Avant-garde duo. Her range and vocal ability easily hold their own against sacred monsters like Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand, on the other hand, is an exceptional multi-instrumentalist who, in this project, handled guitars, bass, keyboards, programming, and the composition of almost all the musical backing tracks. Joining them as a session drummer was Aymeric Thomas, the mastermind behind the crazy French Electro-grind/Avant-garde band Pryapisme.
“Samen” is not just a simple album, but as the cover states, "Exhibition 2016/10", it is a true contemporary art exhibition. The lyrics, written entirely by Asphodel, are surreal, neurotic streams of consciousness, unsettling nursery rhymes, or grotesque reflections on the human psyche, often performed with different voices that simulate a dissociated personality.
The opening track, “Rules Of The Show”, starts like a nearly accessible Alternative Rock piece, only to explode into syncopated and powerful rhythmic sections. The lyrics introduce the listener to the exhibition, speaking of the rules of the social game and the show, where appearance and heat ("Heat up here") hide alienation.
With “Fucking Freaking Futile Freddy”, the band pushes on the accelerator of the absurd, and you will often find yourself nodding your head to the Mathcore rhythm, where near-growled vocals merge with those of a cartoon character gone mad. The song follows the bizarre and frustrating epic of this "Freddy", a sterile and futile character.
The title “Meow Meow Frrru” does not deceive; it evokes feline movements and sounds, but in a psychedelic nightmare key. Musically, it flirts with experimental electronic music and avant-garde Pop. It is a sensual, bizarre, and disturbing track, in which the duality of the cat, affectionate yet predatory, reflects human dynamics of submission and control.
One of the album's peaks bears the title of “No Guts = No Masters”, embellished by the cello of Raphaël Verguin. The piece boasts an orchestrally swaying groove, almost a "metallic waltz" reminiscent of Diablo Swing Orchestra, interrupted by Black/Death Metal outbursts. The lyrics are a cynical hymn to self-determination.
Still supported by the cello, the subsequent “Bark City (A Glimpse Of Something)” moves into darker, more atmospheric territories. There is a constant sense of creeping menace. The lyrics paint a dystopian city, the city of barking, a metaphor for urban isolation where people growl and communicate like beasts rather than human beings. Synesthetic moments are not excluded, as in “Purple Tastes Like White”, where the title itself means "Il viola ha il sapore del bianco". It explores the distorted perception of reality through a fragmented musical structure. Asphodel uses jazzy, dreamy vocal lines that suddenly collapse into wrenching screams, mimicking the sensory short-circuit the lyrics speak of. Among the highest moments of this twelve-track record, I mention “I Hope You Sleep Well”, where Adrien Cailleteau's saxophone makes its appearance. It is a track with noir and melancholy hues, which cradles the listener in a fake lullaby. Beneath the soft, jazzy surface lies a subtle, passive-aggressive lyric, a wish for a "good sleep" that sounds almost like a threat or a final farewell.
Equally astonishing is the closing track, “Hemn Be Rho Ðie Samen”, a baffling avant-garde suite, a sonic ritual that combines ethereal atmospheres in the style of Sigur Rós with outbursts of devastating emotional intensity. The title and certain sections use an invented, esoteric language. It is the perfect closing of the circle, the final catharsis after the disturbing and schizophrenic journey inside Chenille's art exhibition.
öOoOoOoOoOo have built a wonderful musical Frankenstein's monster where the pieces shouldn't fit together, yet they work to perfection. A monumental avant-garde album that, years later, continues to redefine the very concept of “extreme”. MS

Wish

WISH - The Endless Winter
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Altra band molto interessante del panorama Progressivo italiano porta il nome di Wish.
Nascono a Roma nel lontano settembre 1992, muovendo i primi passi in modo parziale ma focalizzandosi fin da subito sulla forma del "concept album" con liriche in lingua inglese. La svolta identitaria e la stabilità arrivano nel 1997, quando si consolida la line-up storica guidata da Piergiorgio Franceschelli (voce), Salvatore Patti (tastiere), Graziano Brufani (basso), Giorgio Simonetti (chitarre) e Massimo Mercurio (batteria).
Dopo aver costruito il proprio quartier generale e studio di registrazione, il BbBox, la band ha debuttato sulla lunga distanza solo nel 2019 con “Stay Here My Friends”, un album incentrato sul valore universale diell'amicizia che ricevette ottimi riscontri a livello internazionale.
La genesi di “The Endless Winter” è iniziata quasi subito, nel 2019, concepita inizialmente come una riflessione storica sulla memoria attraverso viaggi fisici della band nelle trincee e sui luoghi dello sbarco in Normandia. Tuttavia, i drammatici sviluppi geopolitici degli ultimi anni hanno trasformato questo sguardo al passato in una dolorosa e violentissima metafora della contemporaneità.
L'album si sviluppa su 8 tracce, muovendosi tra dinamiche Art Rock e inizia con l’immancabile intro qui intitolato “Pointe Du Hoc”. Tappeti di tastiere cinematografiche ed effetti sonori evocano il rumore del mare, del vento e un senso di desolazione imminente, mentre la chitarra di Simonetti tratteggia note sospese. Il titolo fa riferimento al celebre punto di sbarco in Normandia e posiziona geograficamente, oltre che concettualmente, l'ascoltatore sulla scogliera, simbolo del sacrificio e dell'inizio dell'inferno. E si parte con la mini suite di undici minuti “Comandante Nino” divisa in quattro sezioni distinte (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). Parte con un riff di chitarra malinconico supportato da tastiere sinfoniche di stampo Crossover Prog, per poi evolversi in strappi ritmici più serrati guidati dal basso di Brufani. La voce di Franceschelli recita e canta con distacco emotivo, interpretando la stanchezza di un veterano. I cambi di tempo drammatici sorreggono le quattro sezioni, sfociando nel finale in un assolo di chitarra straziante. La figura del "Comandante Nino", è quella di un partigiano combattente. Il testo affronta la disillusione di chi ha vissuto la trincea e la perdita, la consapevolezza che in guerra l'anima diventa un lusso insostenibile e si è solo "un corpo che corre per sopravvivere". Il finale “We Are All Died” suggella l'idea che, a prescindere da chi vinca, la guerra uccide interiormente tutti i partecipanti.
In “Collapsing” fanno capolino similitudini con l’approccio musicale di Steven Wilson, il tutto sempre filtrato dalla personalità della band. Liricamente è un focus sul crollo psicologico dei soldati sotto i bombardamenti e, su scala più ampia, sul collasso dei valori primari della civiltà moderna, che sembra aver tradito gli ideali per cui le vecchie generazioni hanno sanguinato. Un altro brano estremamente teatrale è “The Four Rooms”; inizia in modo claustrofobico, con pianoforte e voce in evidenza per poi arricchirsi di trame acustiche e sfociare in un Rock Progressivo sinfonico e marziale. La transizione verso l'atto finale rallenta i battiti, spegnendosi in un'atmosfera acustica e rarefatta. Uno dei brani che ho maggiormente apprezzato porta il titolo “I Watch You From Afar”, una ballad Progressiva di rara bellezza lirica, dominata dalle chitarre e da arrangiamenti tastieristici caldi, ma intrisi di profonda malinconia. Cresce gradualmente in intensità emotiva con un crescendo epico che ricorda le migliori pagine del prog romantico britannico e a tratti delle nostrane Orme. In questo contesto sonoro, i testi sono dedicati alle famiglie rimaste a casa e a chi ha perso i propri cari. È il punto di vista di chi non c'è più (o di chi è costretto a rimanere lontano al fronte) che osserva da lontano le vite spezzate di chi è rimasto ad aspettare invano. Un brano di una forte carica straziante e umana.
“This Land” è un breve frammento acustico e intimista. La chitarra acustica di Simonetti accompagna la voce nuda di Franceschelli, creando un ponte Folk Prog pastorale, una riflessione sulla terra intesa come identità violata. Altro interludio strumentale teso è “On The Trail”, mentre “This Life” riassume la cifra stilistica del disco. Unisce la melodia struggente e l'eclettismo dei Wish, lasciando che la sezione ritmica di Brufani e Mercurio distenda il tempo per un ultimo, liberatorio assolo di Simonetti. Il testo lascia uno spiraglio alle nuove generazioni. È la rabbia che si trasforma in speranza e nella voglia di lottare di nuovo per la libertà e per quegli ideali calpestati, offrendo una catarsi finale dopo oltre cinquanta minuti di sofferenza e crudo realismo.
“The Endless Winter” è un disco raffinato, ragionato, vissuto in ogni suo lato caratteriale, dove le emozioni non sono di certo rarefatte ma compatte in un discorso sonoro e lirico unico per efficienza. Da ascoltare con calma e attenzione. MS

Versione Inglese: 

WISH - The Endless Winter
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Another very interesting band on the Italian Progressive scene goes by the name of Whis.
They were born in Rome back in September 1992, taking their first partial steps but focusing right from the start on the "concept album" format with English lyrics. The identity breakthrough and stability arrived in 1997, when the historic line-up solidified, led by Piergiorgio Franceschelli (vocals), Salvatore Patti (keyboards), Graziano Brufani (bass), Giorgio Simonetti (guitars), and Massimo Mercurio (drums).
After building their own headquarters and recording studio, the BbBox, the band made their full-length debut only in 2019 with “Stay Here My Friends”, an album centered on the universal value of friendship that received excellent international feedback.
The genesis of “The Endless Winter” began almost immediately, in 2019, initially conceived as a historical reflection on memory through the band's physical journeys to the trenches and the Normandy landing sites. However, the dramatic geopolitical developments of recent years have transformed this look at the past into a painful and violent metaphor for contemporary times.
The album unfolds across 8 tracks, moving within Art Rock dynamics and opening with the inevitable intro, here titled “Pointe Du Hoc”. Layers of cinematic keyboards and sound effects evoke the sound of the sea, the wind, and a sense of impending desolation, while Simonetti's guitar sketches suspended notes. The title refers to the famous Normandy landing point and positions the listener geographically, as well as conceptually, on the cliff—a symbol of sacrifice and the beginning of hell. And we kick off with the eleven-minute mini-suite “Comandante Nino”, divided into four distinct sections (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). It starts with a melancholy guitar riff supported by Crossover Prog-style symphonic keyboards, before evolving into tighter rhythmic breaks driven by Brufani bass. Franceschelli's vocals declaim and sing with emotional detachment, portraying the weariness of a veteran. The dramatic tempo changes support the four sections, culminating in a heartbreaking guitar solo at the end. The figure of "Comandante Nino" is that of a partisan fighter. The lyrics address the disillusionment of those who have experienced the trenches and loss, the awareness that in war the soul becomes an unsustainable luxury and one is just "a body running to survive". The finale “We Are All Died” seals the idea that, regardless of who wins, war kills all participants from within.
In “Collapsing”, similarities with Steven Wilson's musical approach pop up, everything always filtered through the band's own personality. Lyrically, it is a focus on the psychological collapse of soldiers under bombardment and, on a larger scale, on the collapse of the primary values of modern civilization, which seems to have betrayed the ideals for which older generations bled. Another extremely theatrical track is “The Four Rooms”; it begins in a claustrophobic way, with piano and vocals in the foreground, before enriching itself with acoustic textures and flowing into a martial and symphonic Progressive Rock. The transition towards the final act slows down the heartbeat, fading into a rarefied and acoustic atmosphere. One of the tracks I appreciated the most is titled “I Watch You From Afar”, a Progressive ballad of rare lyrical beauty, dominated by guitars and warm keyboard arrangements, yet steeped in deep melancholy. It gradually builds in emotional intensity with an epic crescendo reminiscent of the best pages of British romantic prog and, at times, of our own Le Orme. In this sonic context, the lyrics are dedicated to the families left at home and to those who lost their loved ones. It is the point of view of those who are no longer here (or those forced to stay far away at the front) watching from afar the broken lives of those left behind waiting in vain. A track of strong heartbreaking and human charge.
“This Land” is a brief, intimate acoustic fragment. Simonetti's acoustic guitar accompanies Franceschelli's bare vocals, creating a pastoral Folk Prog bridge, a reflection on the land understood as a violated identity. Another tense instrumental interlude is “On The Trail”, while “This Life” summarizes the signature style of the record. It combines the poignant melody and eclecticism of Wish, letting Brufani and Mercurio's rhythm section stretch out the time for one last, liberating solo by Simonetti. The lyrics leave a glimmer of hope for the younger generations. It is anger transforming into hope and the desire to fight again for freedom and for those trampled ideals, offering a final catharsis after over fifty minutes of suffering and raw realism.

“The Endless Winter” is a refined, well-thought-out record, lived in every aspect of its character, where emotions are certainly not rarefied but compact within a sonic and lyrical discourse that is uniquely efficient. To be listened to calmly and carefully. MS

Dischi rari del Rock Progressivo Italiano

DISCHI RARI DEL ROCK PROGRESSIVO ITALIANO

Di Massimo Salari

Il Rock Progressivo Italiano (RPI) degli anni '70 è uno dei mercati più folli, desiderati e costosi al mondo per i collezionisti di vinile. All'epoca, molti di questi album stampati da etichette minuscole (come la Picci, la Kansas o la Bla Bla) vendettero pochissime copie, spesso poche centinaia. Oggi, la combinazione tra copertine elaborate (apribili, sagomate, a tre ante) e la scarsità di copie originali in condizioni Mint (M) o Near Mint (NM) ha spinto i prezzi alle stelle.

Ho fatto una ricerca accurata su internet, passando per Discogs e l’IA ed ecco una piccola panoramica delle quotazioni reali e storiche per le "prime stampe originali" dei titoli più rari e costosi in assoluto.

 

Il Club dei 4.000€ e oltre (I "Sacri Graal")

 

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.500€
• Perché costa così tanto: Dietro lo pseudonimo Cherry Five si nascondevano i primissimi Goblin (prima del successo di Profondo Rosso). Cantato in inglese, l'album è un capolavoro prog-sinfonico influenzato dai Genesis. Pochissime copie stampate all'epoca e una richiesta internazionale (soprattutto dal Giappone) spaventosa.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.000€
• Perché costa così tanto: Uscito per la piccolissima etichetta romana Picci. Un mix incredibile di hard-prog e sfumature jazz, con una splendida copertina apribile. Trovare una copia originale intatta, senza scritte o usura sulla delicata copertina, è un'impresa quasi impossibile.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Quotazione stimata: 3.000€ – 3.800€ (Se completo di poster originale)
• Perché costa così tanto: Tecnicamente italo-tedeschi, ma il disco è italianissimo per produzione. Famoso per la provocatoria copertina con i membri della band nudi. Se la copia include il rarissimo poster interno, la cifra schizza immediatamente verso la fascia più alta del mercato.

 

La Fascia d'Oro (Tra i 1.500€ e i 3.000€)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Quotazione stimata: 2.500€ – 3.000€
• Perché costa così tanto: Il prog più oscuro, esoterico e gotico mai registrato in Italia, dominato dall'organo da chiesa e dalla voce di Fiamma Dallo Spirito. Stampato privatamente in pochissime copie (si dice solo qualche centinaio), l'originale ha un valore immenso.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Quotazione stimata: 2.000€ – 2.500€
• Perché costa così tanto: Musicalmente sublime, ma a far schizzare il prezzo è la leggendaria copertina apribile a tre ante (triple gatefold) disegnata da Adriano Marangoni (quella con la colomba e le bombe). Trovare la struttura di cartone perfettamente conservata e senza strappi è rarissimo.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Quotazione stimata: 1.800€ – 2.300€
• Perché costa così tanto: Solo una manciata di copie stampate dall'etichetta Kansas per questo gioiello di prog sinfonico malinconico e raffinato. Nel mercato collezionistico internazionale è uno dei pezzi più cercati in assoluto.

 

I Grandi Classici Rari (Tra i 1.000€ e i 1.500€)

 

Ecco dischi di band più note ma le cui prime stampe originali con copertine specifiche mantengono cifre a quattro zeri:

 

Artista / Titolo	Etichetta / Anno	Quotazione (Mint/NM)	Elemento di Rarità
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	1.200€ – 1.400€	Il loro primo album, stampato in pochissime copie rispetto al successivo Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	1.300€ – 1.500€	Rarissimo heavy-prog piemontese, pochissimi passaggi sul mercato.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	1.000€ – 1.300€	Prima stampa con copertina apribile testurizzata e l'iconico collage.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	800€ – 1.100€	Solo se ha la celebre copertina a forma di salvadanaio sagomato con la linguetta intatta.

 

Regola d'oro del collezionismo Prog: Nel mercato del RPI, la differenza tra una copia VG (Very Good) e una Mint (Perfetta) può variare anche del 70% del valore. Le quotazioni sopra indicate si riferiscono esclusivamente a copie originali dell'epoca, complete di tutti gli inserti e in condizioni eccellenti. Le centinaia di ristampe successive (Akarma, BTF, Vinyl Magic) valgono mediamente tra i 20€ e i 40€.

Versione Inglese:

RARE ITALIAN PROGRESSIVE ROCK RECORDS

By Massimo Salari

1970s Italian Progressive Rock (RPI) is one of the craziest, most sought-after, and most expensive markets in the world for vinyl collectors. At the time, many of these albums were released by tiny labels (such as Picci, Kansas, or Bla Bla) and sold very few copies, often just a few hundred. Today, the combination of elaborate artwork (gatefold, shaped, or triple-gatefold covers) and the extreme scarcity of original copies in Mint (M) or Near Mint (NM) condition has driven prices through the roof.

I have conducted thorough research online, cross-referencing Discogs and AI data, and here is an overview of the actual and historical market values for the "first original pressings" of the rarest and most expensive titles of all time.

The €4,000+ Club (The "Holy Grails")

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Estimated Value: €3,500 – €4,500
• Why it costs so much: Hidden behind the pseudonym Cherry Five were the very early members of Goblin (before their breakthrough success with Profondo Rosso). Sung in English, this album is a symphonic-prog masterpiece heavily influenced by Genesis. With very few copies pressed back then, international demand (especially from Japan) is staggering.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Estimated Value: €3,500 – €4,000
• Why it costs so much: Released by the tiny Roman label Picci, this is an incredible blend of hard-prog and jazz undertones, housed in a stunning gatefold cover. Finding an intact original copy without writing or ring-wear on its delicate sleeve is an almost impossible feat.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Estimated Value: €3,000 – €3,800 (If complete with the original poster)
• Why it costs so much: Technically an Italian-German line-up, but the record is entirely Italian in terms of production. It is famous for its provocative cover art featuring the band members naked. If a copy includes the ultra-rare inner poster, the price immediately skyrockets toward the highest tier of the market.
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The Golden Range (Between €1,500 and €3,000)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Estimated Value: €2,500 – €3,000
• Why it costs so much: The darkest, most esoteric, and gothic progressive rock ever recorded in Italy, dominated by church organ and the haunting vocals of Fiamma Dallo Spirito. Privately pressed in a micro-run (rumored to be just a few hundred copies), an original is of immense value today.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Estimated Value: €2,000 – €2,500
• Why it costs so much: Musically sublime, but what truly drives the price up is the legendary triple-gatefold cover designed by Adriano Marangoni (the one featuring the dove and the bombs). Finding the cardboard structure perfectly preserved without splits or tears is exceptionally rare.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Estimated Value: €1,800 – €2,300
• Why it costs so much: Only a handful of copies were pressed by the Kansas label for this melancholic and refined symphonic-prog gem. It remains one of the most relentlessly hunted pieces in the international collecting scene.

The Great Rare Classics (Between €1,000 and €1,500)

These are records by more widely recognized bands, yet their first original pressings with specific cover variations still command four-figure prices:

Artist / Title	Label / Year	Valuation (Mint/NM)	Element of Rarity
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	€1,200 – €1,400	Their debut album, pressed in far fewer numbers compared to their subsequent masterpiece Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	€1,300 – €1,500	Ultra-rare heavy-prog from Piedmont; it almost never surfaces on the market.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	€1,000 – €1,300	First pressing featuring the textured gatefold sleeve and the iconic collage artwork.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	€800 – €1,100	Only if it features the famous moneybox-shaped sleeve with the pop-up tab completely intact.

The Golden Rule of Prog Collecting: In the RPI market, the price gap between a VG (Very Good) copy and a Mint (Perfect) one can vary by up to 70% of the total value. The valuations listed above refer exclusively to period-correct original copies, complete with all original inserts and in top-tier condition. The hundreds of subsequent reissues (Akarma, BTF, Vinyl Magic) are generally worth between €20 and €40.

 

VIII Strada

VIII STRADA – Città Totale
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock / Progressive Metal
Supporto: 2CD / Bandcamp – 2026

Ho decantato sin dagli esordi discografici datati 2008 con “La Leggenda Della Grande Porta”, le qualità della band lombarda  (Milano) VIII Strada, ritenendola una ventata fresca per il panorama nostrano. Nel 2015 consolidano la loro impronta stilistica virando verso sonorità più moderne e graffianti, vicine al Progressive Metal, con l'album “Babylon”. Con grande piacere li ritrovo oggi con questa monumentale opera suddivisa in due CD: il primo mostra la band live assieme alla cover di “Canzone D’Amore” delle Orme e due inediti in studio: “Città Totale” e “Quale primavera”. Il secondo CD riporta per intero l’album d’esordio rimasterizzato “La Leggenda Della Grande Porta”.
Gli VIII Strada oggi sono: Tito Vizzuso (voce), Davide Zigliani (chitarre), Sergio Merlino (basso), Sigfrido Percich (batteria), mentre le parti tastieristiche sono affidate a Silvano Negrinelli.
Il live inizia con forza e grande intento attraverso una mini suite di dieci minuti che vede i brani “Preludio a Eclypse / Eclipse Anulaire / Deguello” tratti dall’album “Babylon” (2015). Le tastiere sinfoniche di Negrinelli si intrecciano con riff di chitarra serrati e una sezione ritmica geometrica e potente. È il manifesto del loro lato più Prog Metal, fatto di continui cambi di tempo e virtuosismi mai fini a se stessi. La narrazione è affidata interamente all'evocazione sonora, un climax drammatico che prepara l'ascoltatore a un viaggio intenso.
Dallo stesso album è tratta “1403, Storia In Firenze”, uno dei cavalli di battaglia della band. Molto dinamico, vive di contrasti tra momenti più acustici e aperture orchestrali. Il testo racconta una vicenda intima e reale calata nel contesto della Firenze rinascimentale, esplorando l'animo umano, il destino e il legame profondo con l'arte e i luoghi del passato.
“Ulysses” live acquista teatralità e il mito di Ulisse rivive ancora. La voce di Tito Vizzuso sale in cattedra mostrando una grande estensione e drammaticità interpretativa, supportata da arrangiamenti cupi e maestosi.
Toccante la versione cover di “Canzone D’amore” della band lagunare Orme, gli VIII Strada riescono a indossare il brano come un vestito tagliato per l’occasione. E veniamo agli inediti in studio ad iniziare proprio dalla title track “Città Totale”; qui la band spinge sull'acceleratore della modernità dove le tastiere dialogano con chitarre affilate, pur mantenendo quell'eleganza melodica tipicamente italiana nei ritornelli. Esso vuole essere una critica e al contempo un quadro distopico delle metropoli moderne. La “Città Totale” rappresenta l'alienazione urbana, la frenesia che annulla l'individuo e la perdita del contatto umano a favore dell'iper-connessione e del cemento. Un grido di ribellione emotiva per ritrovare se stessi.
Il secondo inedito porta il titolo di “Quale Primavera” e si muove su coordinate più intimiste, dove la band sperimenta con sfumature Hard Rock melodiche senza rinunciare ai tempi dispari. L'interscambio tra i musicisti è fluido e maturo grazie anche all’apporto di Tito Vizzuso e Silvano Negrinelli alle tastiere.
Il secondo CD, come già detto, riporta l’album d’esordio suonato in maniera rodata,  ed il tempo sembra non averlo scalfito, grazie anche ad un buon lavoro di rimasterizzazione.
In conclusione, "Città Totale" non è un semplice riempitivo, ma una vera e propria dichiarazione d'intenti degli VIII Strada. La scelta di abbinare il fuoco delle registrazioni live e i nuovi brani all'eleganza rimasterizzata de “La Leggenda Della Grande Porta”, crea un ponte perfetto tra il Prog sinfonico delle origini e il moderno e graffiante volto attuale della band. Gran bella realtà. MS

Versione Inglese: 

VIII STRADA – Città Totale
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock / Progressive Metal
Format: 2CD / Bandcamp – 2026

Ever since their 2008 recording debut with “La Leggenda Della Grande Porta”, I have praised the qualities of the Lombard band (Milan) VIII Strada, considering them a breath of fresh air for our local scene. In 2015, they consolidated their stylistic imprint, shifting towards modern and sharper sounds close to Progressive Metal with the album “Babylon”. It is with great pleasure that I find them again today with this monumental work divided into two CDs: the first presents the band live along with a cover of Le Orme's “Canzone D’Amore” and two unreleased studio tracks: “Città Totale” and “Quale primavera”. The second CD includes their debut album “La Leggenda Della Grande Porta” in its entirety, fully remastered.
Today, VIII Strada are: Tito Vizzuso (vocals), Davide Zigliani (guitars), Sergio Merlino (bass), Sigfrido Percich (drums), while keyboard duties are handled by Silvano Negrinelli.
The live set begins with strength and great purpose through a ten-minute mini-suite featuring the tracks “Preludio a Eclypse / Eclipse Anulaire / Deguello” taken from the album “Babylon” (2015). Negrinelli's symphonic keyboards intertwine with tight guitar riffs and a geometric, powerful rhythm section. It is the manifesto of their most Prog Metal side, built upon continuous time signature changes and virtuosity that is never an end in itself. The narrative is left entirely to sonic evocation, a dramatic climax that prepares the listener for an intense journey.
From the same album comes “1403, Storia In Firenze”, one of the band's workhorses. Highly dynamic, it thrives on contrasts between more acoustic moments and orchestral openings. The lyrics tell an intimate and real story set in the context of Renaissance Florence, exploring the human soul, destiny, and a deep connection with the art and places of the past.
“Ulysses” live gains theatricality, and the myth of Ulysses lives once more. Tito Vizzuso's vocals take center stage, showing great range and dramatic interpretation, supported by dark and majestic arrangements.
The cover version of “Canzone D’amore” by the Venetian band Le Orme is touching; VIII Strada manage to wear the song like a custom-tailored suit for the occasion.
And we come to the unreleased studio tracks, starting right from the title track “Città Totale”; here the band steps on the accelerator of modernity, where keyboards dialogue with sharp guitars while still maintaining that typically Italian melodic elegance in the choruses. It aims to be a critique and, at the same time, a dystopian picture of modern metropolises. “Città Totale” represents urban alienation, the frenzy that nullifies the individual, and the loss of human contact in favor of hyper-connectivity and concrete. A cry of emotional rebellion to find oneself again.
The second unreleased track is titled “Quale Primavera” and moves along more intimate lines, where the band experiments with melodic Hard Rock nuances without giving up odd time signatures. The interplay between the musicians is fluid and mature, thanks also to the contribution of Tito Vizzuso and Silvano Negrinelli on keyboards.
The second CD, as previously mentioned, presents the debut album played in a well-seasoned manner, and time seems to have left it unscathed, thanks also to a fine remastering job.
In conclusion, "Città Totale" is not a mere filler, but a true statement of intent by VIII Strada. The choice to combine the fire of the live recordings and the new tracks with the remastered elegance of “La Leggenda Della Grande Porta” creates a perfect bridge between the symphonic Prog of their origins and the modern, sharp current face of the band. A truly great musical reality. MS