Speciale Anekdoten

                                                         ANEKDOTEN

 
Se i King Crimson avessero deciso di trasferirsi in una baita sperduta tra le nevi svedesi per nutrire la propria malinconia a pane e distorsione, il risultato sarebbero stati gli Anekdoten.
Nati all'inizio degli anni '90 a Borlänge, Svezia, (inizialmente come cover band dei King Crimson chiamata King Edward), gli Anekdoten sono emersi insieme ai Landberk e agli Anglagård, dando vita a quella che viene chiamata la "Svedish Prog Renaissance". Mentre altri cercavano di imitare la pulizia dei Genesis, loro hanno scelto la via del fango, del basso pulsante e delle atmosfere plumbee. Hanno saputo trasformare l'influenza dei maestri in un linguaggio autonomo, viscerale e profondamente svedese.
La discografia degli Anekdoten non è solo una serie di album, è un'evoluzione biologica del suono.
A differenza di molte band Prog che cambiano membri come camicie, gli Anekdoten sono rimasti un blocco granitico per decenni.
Nicklas Barker: Non è il classico guitar hero. Il suo stile è fatto di feedback controllati, arpeggi ossessivi e una voce sottile, quasi fragile, che contrasta perfettamente con la potenza della musica.
Anna Sofi Dahlberg: È la vera arma segreta. Il suo uso del violoncello aggiunge una texture organica e cameristica che poche band Rock possono vantare. Quando passa al Mellotron, crea muri di suono che sembrano provenire da un'altra dimensione.
Jan Erik Liljeström: Il suo basso Rickenbacker è il cuore pulsante. Non si limita a seguire la batteria, ma dialoga costantemente con la chitarra, spesso prendendo il ruolo di strumento solista.
Peter Nordins: Un batterista che sa quando essere tellurico e quando essere invisibile. La sua precisione sui tempi complessi (5/4, 7/8) è naturale, mai forzata.

DISCOGRAFIA

 

Vemod (1993) – L'Urlo del Nord

L'esordio che scosse le fondamenta del Neo-Prog. Mentre il mondo guardava ai suoni digitali, gli Anekdoten rispolverarono il Mellotron 400 e il violoncello, creando un'atmosfera funerea e potente. È l'album della "malinconia svedese". C'è un senso di isolamento geografico che si trasforma in musica. L'influenza dei King Crimson (periodo ”Red”) è evidente, ma filtrata da una sensibilità nordica originale.
Il Suono è grezzo, analogico, dominato dal basso distorto di Jan Erik Liljeström. Le dinamiche passano da sussurri acustici a esplosioni sonore violente.
Brani Chiave: “Karelia” (un'epopea strumentale che definisce il loro stile) e “Thoughts In Absence”.

 

Nucleus (1995) – L'Apocalisse Sonora

Se “Vemod “era triste, “Nucleus” è arrabbiato. È considerato l'album più "difficile" e aggressivo della band. La produzione è più densa, quasi cacofonica in certi punti. Il Mellotron viene usato in modo atonale, creando dissonanze inquietanti. C'è un uso massiccio del flauto e del sassofono che aggiunge un sapore Jazz-Core. Un disco coraggioso che sfida l'ascoltatore. Qui la band si distacca dal paragone costante con i maestri del passato per creare un muro di suono che anticipa certe sonorità del Post-Metal.
Brani Chiave: “Nucleus” (una marcia industriale-Prog) e “Harvest” (una ballata spettrale che esplode in un finale catartico).
 

 

From Within (1999) – L'Equilibrio Perfetto

Dopo la tempesta di “Nucleus”, la band trova una sintesi. È l'album che molti fan considerano il loro capolavoro assoluto. Un viaggio introspettivo. La band impara a gestire il "silenzio" e le pause, rendendo i momenti di piena ancora più d’impatto. È un album notturno, perfetto per essere ascoltato in cuffia.
Le composizioni si fanno più fluide. C'è meno aggressività gratuita e più ricerca melodica. Il basso Rickenbacker è sempre protagonista, ma si sposa con tastiere più sognanti.
Brani Chiave: “Kiss Of Life” (ipnotica e circolare) e “From Within”.

 

Gravity (2003) – La Svolta Psichedelica

Un cambio di rotta significativo. La band accorcia i brani e si apre a influenze Shoegaze e Rock alternativo (alla Radiohead/Porcupine Tree). Più spaziale e meno cupo. Le chitarre di Nicklas Barker usano più riverbero e delay. Il violoncello scompare quasi del tutto per lasciare spazio a texture sintetiche e pianoforti. È il disco della "leggerezza" (per i loro standard). Dimostra che gli Anekdoten non sono prigionieri del genere Prog e sanno scrivere canzoni più dirette senza perdere la loro identità.
Brani Chiave: “Monolith” (un ritorno alle radici pesanti) e “Gravity”.

 

A Time of Day (2007) – Il Consolidamento

Un album che riassume tutte le anime della band: la furia degli inizi e la Psichedelia di “Gravity”.
Altissima qualità produttiva. È un disco maturo, estremamente solido, dove la tecnica strumentale è al servizio dell'atmosfera. Non cerca di scioccare, ma di avvolgere l'ascoltatore in un flusso continuo.
Brani Chiave: “The Great Unknown” e “In For a Ride”.

 

Chapters (2009) – Antologia e Inediti

Non è un album di studio canonico, ma una raccolta in due CD che merita menzione per la presenza di rarità e del brano “When I Fell”, fondamentale per capire la loro evoluzione melodica.

 

Until All the Ghosts Are Gone (2015) – L'Apice della Maturità

Uscito dopo otto anni di silenzio, questo album è un trionfo. È il disco che mette d'accordo vecchi e nuovi fan.
Grazie a ospiti come Theo Travis (sax/flauto) e Per Wiberg (organo), il suono è più stratificato che mai. Torna la complessità dei tempi dispari ma con una grazia melodica superiore. Un disco che suona "senza tempo". Tratta temi come la perdita e il passare degli anni con una dignità quasi sacrale. È il coronamento di una carriera coerente e di altissimo livello.
Brani Chiave: “If It All Comes Down To You” e la mastodontica “Until All The Ghosts Are Gone”.

 
Una delle particolarità degli Anekdoten è quindi la loro fedeltà assoluta alla strumentazione vintage. In un'epoca in cui i plugin software simulano tutto, loro hanno continuato a trasportare pesanti macchine elettromeccaniche (il Mellotron 400 pesa circa 55 kg) in tour.
 
Lo fanno perchè il Mellotron non è perfetto. Ha dei "difetti" nel trascinamento dei nastri che creano quel tipico suono fluttuante e spettrale. Gli Anekdoten cavalcano quell'imperfezione per renderla poesia.
In un mondo musicale spesso troppo levigato, mantengono una ruvidità analogica che è pura onestà intellettuale. Non hanno mai inseguito le classifiche, mantenendo un'integrità che li ha resi dei "culti" assoluti. Se ami il rock che non ha paura di essere complesso ma che ti colpisce dritto allo stomaco, loro sono la risposta.
 
"Gli Anekdoten non suonano il Progressive: lo abitano, come se fosse una casa vecchia e scricchiolante piena di fantasmi bellissimi."  MS

Versione inglese:

ANEKDOTEN

If King Crimson had decided to move to a remote cabin deep in the Swedish snow to feed their melancholy on nothing but bread and distortion, the result would have been Anekdoten.
Born in the early '90s in Borlänge, Sweden (initially as a King Crimson cover band called King Edward), Anekdoten emerged alongside Landberk and Änglagård, sparking what became known as the "Swedish Prog Renaissance." While others sought to mimic the polished sheen of Genesis, they chose the path of sludge, pulsing bass, and leaden atmospheres. They successfully transformed the influence of the masters into an autonomous, visceral, and profoundly Swedish musical language.
The Anekdoten discography is not just a series of albums; it is a biological evolution of sound. Unlike many Prog bands that change members like shirts, Anekdoten has remained a monolithic unit for decades:
Nicklas Barker: Not your classic guitar hero. His style is built on controlled feedback, obsessive arpeggios, and a thin, almost fragile voice that provides a perfect contrast to the power of the music.
Anna Sofi Dahlberg: The true secret weapon. Her use of the cello adds an organic, chamber-music texture that few rock bands can boast. When she switches to the Mellotron, she creates walls of sound that seem to emanate from another dimension.
Jan Erik Liljeström: His Rickenbacker bass is the beating heart. He doesn't just follow the drums; he constantly dialogues with the guitar, often stepping into a lead instrumental role.
Peter Nordins: A drummer who knows when to be tectonic and when to be invisible. His precision with complex time signatures (5/4, 7/8) feels natural, never forced.

 

DISCOGRAPHY

 

Vemod (1993) – The Northern Cry

The debut that shook the foundations of Neo-Prog. While the world looked toward digital sounds, Anekdoten dusted off the Mellotron 400 and the cello, creating a funereal and powerful atmosphere. This is the album of "Swedish melancholy"—a sense of geographic isolation transformed into music. The influence of King Crimson (specifically the Red era) is evident but filtered through an original Nordic sensibility.
The Sound: Raw, analog, dominated by Liljeström's distorted bass. Dynamics shift from acoustic whispers to violent sonic explosions.
Key Tracks: “Karelia” (an instrumental epic defining their style) and “Thoughts In Absence.”
 

Nucleus (1995) – The Sonic Apocalypse

If Vemod was sad, Nucleus is angry. It is considered the band's most "difficult" and aggressive album. The production is denser, bordering on cacophonous at points. The Mellotron is used atonally, creating haunting dissonances. Heavy use of flute and saxophone adds a Jazz-Core flavor. It is a brave record that challenges the listener, moving away from past comparisons to create a wall of sound that foreshadows Post-Metal.
Key Tracks: “Nucleus” (an industrial-Prog march) and “Harvest” (a ghostly ballad that explodes into a cathartic finale).
 

From Within (1999) – The Perfect Balance

After the storm of Nucleus, the band found a synthesis. Many fans consider this their absolute masterpiece—an introspective journey. The band learned to master silence and pauses, making the full-throttle moments even more impactful. It is a nocturnal album, perfect for headphone listening. The compositions are more fluid, with less gratuitous aggression and more melodic exploration.
Key Tracks: “Kiss Of Life” (hypnotic and circular) and “The Sun Absolute.”
 

Gravity (2003) – The Psychedelic Turning Point

A significant change in direction. The band shortened the songs and opened up to Shoegaze and alternative rock influences (reminiscent of Radiohead or Porcupine Tree). It feels more spatial and less bleak. Nicklas Barker’s guitars use more reverb and delay, while the cello almost entirely disappears to make room for synthetic textures and pianos. It is the record of "lightness" (by their standards), proving they aren't prisoners of the Prog genre.
Key Tracks: “Monolith” (a return to heavy roots) and “Gravity.”
 

A Time of Day (2007) – Consolidation

An album that summarizes all the band's souls: the fury of the early days mixed with the psychedelia of Gravity. It features extremely high production quality—a mature, solid record where instrumental technique serves the atmosphere. It doesn't try to shock, but rather to envelop the listener in a continuous flow.
Key Tracks: “The Great Unknown” and “In For a Ride.”
 

Chapters (2009) – Anthology and Rarities

Not a canonical studio album, but a 2-CD collection worth mentioning for its rarities and the track “When I Fell,” which is fundamental to understanding their melodic evolution.
 

Until All the Ghosts Are Gone (2015) – The Height of Maturity

Released after eight years of silence, this album is a triumph that unites old and new fans. Thanks to guests like Theo Travis (sax/flute) and Per Wiberg (organ), the sound is more layered than ever. The complexity of odd time signatures returns, but with superior melodic grace. It sounds "timeless," treating themes of loss and the passing years with sacred dignity.
Key Tracks: “If It All Comes Down To You” and the gargantuan “Until All The Ghosts Are Gone.”
 
One of Anekdoten’s defining traits is their absolute loyalty to vintage instrumentation. In an era where software plugins simulate everything, they have continued to haul heavy electromechanical machines (a Mellotron 400 weighs about 55 kg) on tour.
They do this because the Mellotron is imperfect. It has "flaws" in its tape-pulling mechanism that create that signature fluttering, ghostly sound. Anekdoten leans into that imperfection to turn it into poetry. In a musical world that is often too polished, they maintain an analog grittiness that represents pure intellectual honesty. They have never chased the charts, maintaining an integrity that has turned them into absolute cult icons.
If you love rock that isn't afraid to be complex but still hits you straight in the gut, they are the answer.
"Anekdoten don't just play Progressive rock: they inhabit it, as if it were a creaky old house full of beautiful ghosts."

Avkrvst

AVKRVST - Waving At The Sky
InsideOut Music
Genere: Heavy Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2025

Gli Avkrvst (pronunciato "Aukrust") sono una delle rivelazioni più luminose del panorama Progressive moderno. Con il loro debutto "The Deep Unbound" avevano già scosso le fondamenta del genere, ma è con "Waving at the Sky" che la band norvegese ridefinisce il proprio spazio sonoro.
La loro storia non è quella di una band nata per caso, ma il coronamento di un'amicizia lunga vent'anni. Il nucleo pulsante è formato da Simon Bergseth e Martin Altemark. I due iniziarono a scrivere musica insieme a soli 7 anni. Questa sinergia quasi telepatica è il segreto della loro coesione sonora. Cresciuti tra le foreste e le atmosfere malinconiche della Norvegia, hanno assorbito l'eredità del Prog classico (Pink Floyd, King Crimson) fondendola con la durezza del metal moderno e l'eleganza dei Porcupine Tree e degli Opeth.
Dopo aver firmato con la prestigiosa InsideOut Music, la band ha dimostrato di non voler essere una semplice "copia" dei grandi maestri, ma una voce originale capace di alternare momenti di estrema delicatezza a esplosioni di pura potenza sonora.
Ma veniamo al disco in questione: se il primo album era un'immersione nell'oscurità e nell'abisso, “Waving At The Sky” sposta lo sguardo verso l'alto, ma non per questo risulta meno denso o complesso.
E’ un trionfo di dinamica, la produzione è cristallina, permettendo a ogni strumento di respirare, le chitarre passano da arpeggi acustici riverberati a riff distorti che sfiorano il Progressive Death Metal. Le tastiere non sono mai un semplice riempitivo, ma creano scenari cinematografici che ricordano le colonne sonore degli anni '70, mentre la voce di Bergseth offre una performance versatile, capace di passare da un falsetto etereo a un growl potente (seppur usato con estrema parsimonia), mantenendo sempre una forte carica emotiva.
L'album può essere letto come un'opera tripartita, le prime tracce stabiliscono il mood. Le strutture ritmiche sono dispari e complesse, tipiche del genere, ma sempre sorrette da una melodia memorabile, infatti Jonas Sjöblom utilizza tempi dispari (come il 7/8 o il 5/4) senza mai perdere il senso del ritmo. È tecnica al servizio del feeling.
Le tracce centrali sono maggiormente sperimentali, dove band osa di più. Il Timbro del basso è profondo, quasi "gommoso", fondamentale per reggere le strutture complesse. Troviamo suite che superano i 10 minuti dove il gruppo si lancia in improvvisazioni controllate e cambi di tempo repentini, mantenendo però una narrazione coerente. La terza parte gode di un finale è epico e catartico.
Molti testi riflettono sulla sensazione di essere piccoli di fronte all'universo, un tema tipicamente scandinavo. Il "salutare il cielo" (Waving At The Sky) può essere interpretato in due modi: come un atto di speranza (un saluto a ciò che verrà) o come un gesto di rassegnazione (un addio prima di sprofondare).
"Waving At The Sky" conferma che gli Avkrvst non sono una meteora. È un album maturo, stratificato e profondamente onesto. È un ascolto obbligato per chiunque ami il Progressive che sa essere sia cerebrale che viscerale. MS

Versione Inglese:

AVKRVST – Waving At The Sky
Label: InsideOut Music
Genre: Heavy Prog
Format: LP / CD / Digital – 2025

Avkrvst (pronounced "Aukrust") are one of the brightest revelations of the modern Progressive scene. With their debut, "The Deep Unbound", they had already shaken the foundations of the genre, but it is with "Waving At The Sky" that the Norwegian band truly redefines their sonic space.
Their story is not that of a band formed by chance, but the culmination of a twenty-year friendship. The beating heart of the project consists of Simon Bergseth and Martin Altemark, who began writing music together at just seven years old. This almost telepathic synergy is the secret behind their sonic cohesion. Raised amidst the forests and melancholic atmospheres of Norway, they have absorbed the heritage of classic Prog (Pink Floyd, King Crimson), blending it with the grit of modern Metal and the elegance of Porcupine Tree and Opeth.
After signing with the prestigious InsideOut Music, the band proved they are not merely a "copy" of the great masters, but an original voice capable of alternating moments of extreme delicacy with explosions of pure sonic power.
Turning to the album in question: if their first record was an immersion into darkness and the abyss, "Waving At The Sky" shifts the gaze upward, though it is no less dense or complex for it. It is a triumph of dynamics; the production is crystalline, allowing every instrument to breathe. The guitars transition from reverberated acoustic arpeggios to distorted riffs bordering on Progressive Death Metal. The keyboards are never mere filler, creating cinematic soundscapes reminiscent of 1970s soundtracks, while Bergseth’s vocals deliver a versatile performance—moving from ethereal falsettos to powerful growls (albeit used with extreme restraint), always maintaining a strong emotional charge.
The album can be read as a tripartite work. The opening tracks establish the mood; the rhythmic structures are odd and complex, typical of the genre, yet always supported by memorable melodies. Indeed, Jonas Sjöblom utilizes odd time signatures (such as $7/8$ or $5/4$) without ever losing the sense of rhythm. It is technique at the service of feeling.
The central tracks are more experimental, where the band dares to push further. The bass tone is deep, almost "rubbery," which is fundamental for anchoring the complex structures. We find suites exceeding 10 minutes where the group launches into controlled improvisations and sudden tempo changes, all while maintaining a coherent narrative. The third part culminates in an epic and cathartic finale.
Many lyrics reflect on the sensation of being small in the face of the universe—a typically Scandinavian theme. "Waving At The Sky" can be interpreted in two ways: as an act of hope (a wave to what is to come) or as a gesture of resignation (a goodbye before sinking)."Waving At The Sky" confirms that Avkrvst are no flash in the pan. It is a mature, layered, and deeply honest album. It is an essential listen for anyone who loves Progressive music that manages to be both cerebral and visceral. MS

Perchè ascoltare Progressive Rock

 

PERCHE’ ASCOLTARE PROGRESSIVE ROCK

Di Massimo Salari

 
Nella musica e nell'editoria si è molto parlato del genere Progressive Rock, dato per morto da molti alla fine del 1978 ma successivamente risorto dalle proprie ceneri grazie al Neo Prog (sempre inglese).
Nel tempo è stato etichettato in molti modi, addirittura musica per dinosauri; ha diviso il pubblico sul proprio significato suddividendolo in sottogeneri, insomma molta confusione attorno al Progressive Rock e ettolitri d’inchiostro versati per parlarne, ma in pochi si sono chiesti il perché si ascolta questa musica, specialmente oggi.
Personalmente la vedo così:
Il Progressive Rock (o "Prog") non è solo un genere musicale; è quasi una sfida intellettuale e sensoriale. Se sei abituato alla struttura classica "strofa-ritornello" della radio, il Prog potrebbe sembrarti alieno all'inizio, ma è proprio qui che risiede il suo fascino.
È Musica "Senza Limiti" dove le regole non esistono. Una canzone può durare 2 minuti o 20 minuti (pensa a Echoes dei Pink Floyd o Supper's Ready dei Genesis).
I musicisti fondono insieme: Rock e Blues, Musica Classica (strutture sinfoniche), Jazz (improvvisazione e ritmi complessi), Heavy Metal, Folk e altri generi ancora.
Una prerogativa importante deriva dal fatto che allena l'orecchio e il Cervello. Il pop moderno è spesso prevedibile, il Prog, invece, usa tempi dispari (come il 5/4 o il 7/8) che spezzano il ritmo consueto. Ascoltarlo è come risolvere un puzzle sonoro, ti costringe a prestare attenzione e a non dare nulla per scontato.
In più racconta storie incredibili ed è anche teatrale. Molti album sono Concept Album, ovvero dischi che raccontano un'unica grande storia dall'inizio alla fine. È l'equivalente musicale di un romanzo fantasy o di un film di fantascienza. Esempio: “The Wall” dei Pink Floyd o “2112” dei Rush.
E’ facilmente riconoscibile soprattutto grazie al virtuosismo tecnico. Se ami vedere qualcuno che padroneggia il proprio strumento ai limiti dell'umano, il Prog è il tuo regno. Tastiere multistrato, assoli di chitarra epici e batterie che sembrano polipi in azione. Gruppi come gli Yes, i King Crimson, Gentle Giant o gli ELP hanno ridefinito cosa significa "saper suonare".
 

 

Ha senso ascoltarlo oggi?

 
 
Oggi ascoltare Prog ha più senso che mai. Se negli anni '70 era una rivoluzione contro la semplicità del Rock'N'Roll, oggi è l'antidoto perfetto alla "musica usa e getta" e all'attenzione frammentata tipica dell'era dei social.
È una forma di "Mindfulness" musicale, perché viviamo in un mondo di video da 15 secondi e playlist algoritmiche. Ascoltare un brano di 15 minuti è un atto di ribellione intellettuale. Ti costringe a rallentare, a concentrarti e a immergerti in un flusso narrativo. È l'equivalente del leggere un libro invece di scorrere i titoli su un feed.
Il Prog non è rimasto bloccato ai mantelli di velluto degli anni '70. Oggi vive in generi modernissimi: Metal Progressivo, band come i Tool o i Dream Theater hanno portato la complessità in territori pesanti.
Djent, gruppi come i Meshuggah o i Periphery usano la matematica ritmica del Prog per creare suoni futuristici.
Ma gli esempi potrebbero essere a centinaia.
Un altro fattore da non sottovalutare è la tecnologia che ha reso possibile l'impossibile.
Negli anni '70, registrare un album Prog richiedeva budget enormi e studi faraonici. Oggi, con un computer e il software giusto, un musicista può comporre orchestrazioni che avrebbero fatto impallidire i pionieri del genere. Questo ha portato a una nuova ondata di band indipendenti (come gli Haken o i Leprous) che stanno spingendo i confini ancora più in là.
Anche in Italia il genere è un patrimonio attivo, non è solo nostalgia. Mentre band storiche come la PFM, Orme o il Banco del Mutuo Soccorso continuano a produrre, c'è una scena underground italiana vivissima che è rispettata in tutto il mondo per la sua capacità di unire melodia mediterranea e strutture folli. Un esempio lampante lo avete proprio voi che ora avete visitato il mio blog con più di mille recensioni di gruppi italiani (e io sono da solo!).
Quindi, ascoltarlo oggi ha senso perché è una delle poche isole rimaste dove la complessità non è vista come un difetto, ma come un valore. In un'epoca che premia la semplicità estrema, il Prog celebra l'ambizione umana di fare qualcosa di difficile e straordinario.
In parole povere ascolti Progressive Rock quando vuoi che la musica smetta di essere un sottofondo e diventi un'esperienza.
Prog on! MS

Per approfondire gli argomenti, vi consiglio la mia bibliografia:

 

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013 (Arcana) 

METAL PROGRESSIVE ITALIANO (Arcana)

NEO PROG (Arcana)

POST PROG MODERNO (Arcana)

IL MEGLIO DEL BLOG NONSOLO PROGROCK 2015 / 2024 (Amazon)

Versione Inglese:

 WHY LISTEN TO PROGRESSIVE ROCK

By Massimo Salari

In both the music industry and publishing, much has been said about Progressive Rock. Many declared it dead by the end of 1978, only for it to rise from its own ashes thanks to Neo-Prog (again, hailing from England).
Over time, it has been labeled in many ways—even called "music for dinosaurs." It has divided audiences over its meaning and been splintered into countless subgenres. In short, there is much confusion surrounding Progressive Rock and hectoliters of ink have been spilled discussing it; yet, few have asked why people listen to this music, especially today.
Personally, I see it like this:
Progressive Rock (or "Prog") isn't just a musical genre; it is almost an intellectual and sensory challenge. If you are used to the classic "verse-chorus" structure of the radio, Prog might seem alien at first, but that is exactly where its charm lies.
It is "Limitless" Music where rules do not exist. A song can last 2 minutes or 20 minutes (think of Pink Floyd’s Echoes or Genesis’s Supper’s Ready). Musicians blend together: Rock and Blues, Classical music (symphonic structures), Jazz (improvisation and complex rhythms), Heavy Metal, Folk, and many other genres.
A major prerogative of the genre is that it trains the ear and the brain. Modern pop is often predictable; Prog, instead, utilizes odd time signatures (like $5/4$ or $7/8$) that break the usual rhythm. Listening to it is like solving a sonic puzzle; it forces you to pay attention and take nothing for granted.
Furthermore, it tells incredible stories and is inherently theatrical. Many albums are Concept Albums—records that tell a single grand story from beginning to end. It is the musical equivalent of a fantasy novel or a sci-fi film. Examples include Pink Floyd’s The Wall or Rush’s 2112.
It is easily recognizable, above all, thanks to technical virtuosity. If you love seeing someone master their instrument to the limits of human capability, Prog is your kingdom. Multi-layered keyboards, epic guitar solos, and drums that look like octopuses in action. Bands like Yes, King Crimson, Gentle Giant, or ELP redefined what it means to "know how to play."

Does it make sense to listen to it today?

Today, listening to Prog makes more sense than ever. If in the '70s it was a revolution against the simplicity of Rock 'N' Roll, today it is the perfect antidote to "disposable music" and the fragmented attention span typical of the social media era.
It is a form of musical "Mindfulness." Because we live in a world of 15-second videos and algorithmic playlists, listening to a 15-minute track is an act of intellectual rebellion. It forces you to slow down, to focus, and to immerse yourself in a narrative flow. It is the equivalent of reading a book instead of scrolling through headlines on a feed.
Prog didn't get stuck in the velvet capes of the 1970s. Today, it lives on in cutting-edge modern genres:
Progressive Metal: Bands like Tool or Dream Theater have brought complexity into "heavy" territories.
Djent: Groups like Meshuggah or Periphery use the rhythmic mathematics of Prog to create futuristic sounds.
(And there are hundreds of other examples.)
Another factor not to be underestimated is technology, which has made the impossible possible. In the '70s, recording a Prog album required enormous budgets and pharaonic studios. Today, with a computer and the right software, a musician can compose orchestrations that would have made the pioneers of the genre pale in comparison. This has led to a new wave of independent bands (like Haken or Leprous) who are pushing the boundaries even further.
Even in Italy, the genre is an active heritage, not just nostalgia. While historic bands like PFM, Le Orme, or Banco del Mutuo Soccorso continue to produce, there is a vibrant Italian underground scene respected worldwide for its ability to blend Mediterranean melody with insane structures. A clear example is right here: you have visited my blog, which features over a thousand reviews of Italian groups (and I do it all alone!).
So, listening to it today makes sense because it is one of the few remaining islands where complexity is not seen as a flaw, but as a value. In an era that rewards extreme simplicity, Prog celebrates the human ambition to create something difficult and extraordinary.
Simply put: you listen to Progressive Rock when you want music to stop being background noise and start being an experience.
Prog on! MS

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To delve deeper into these topics, I recommend my bibliography:

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013 (Arcana) 

METAL PROGRESSIVE ITALIANO (Arcana)

NEO PROG (Arcana)

POST PROG MODERNO (Arcana)

IL MEGLIO DEL BLOG NONSOLO PROGROCK 2015 / 2024 (Amazon)

L'Ira Del Baccano

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genere: Heavy Prog / Doom
Supporto: LP / CD / Bandcamp - 2026

Molti ascoltatori disdegnano il suono Hard o Metal perché ritenuto limitato e troppo “rumoroso”; non sono mie parole, ma un dato di fatto constatato nel tempo leggendo riviste e navigando nel web. Questo giudizio è superficiale perché, se vogliamo parlare di gusti personali, allora concordo sul fatto che possa non piacere il suono elettrico e spesso distorto; ma se parliamo di tecnica, allora c’è un errore di fondo. L’Hard non è mai rimasto fermo a crogiolarsi sugli allori, bensì si è aperto a contaminazioni che lo hanno avvicinato (soprattutto per l’uso delle tastiere) al Progressive Rock. Il discorso è analogo per il Metal, il Death Metal, il Doom e così via.
Proprio quest’ultimo stile è il territorio in cui navigano L’Ira Del Baccano, band che oggi con “The Praise Of Folly” giunge al quinto album ufficiale in studio. La scelta di comporre musica senza un cantato li relega in un settore ancor più di nicchia, lasciando voce soltanto agli strumenti.
Rispetto all’ultimo album del 2023, intitolato “Cosmic Evoked Potentials”, c’è un avvicendamento al basso: Gabriele Montemara prende il posto di Ivan Contini Bacchisio. Per il resto le basi rimangono le stesse: i leader Alessandro Santori (chitarre, loop, synth) e Roberto Maldera (chitarre, effetti, chitarra slide, synth), con Gianluca Giannasso (batteria).
Penetrare nel Doom Prog della band significa fare un vero e proprio trip sonoro; so bene che questo termine è alquanto inflazionato, però è la verità dei fatti.
Il disco è impreziosito dalla bellissima copertina di Michele Carnielli ed è stato masterizzato da Claudio Gruer presso il Pisi Studio. Da notare che gli strumenti principali sono stati registrati live in una sola ripresa.
Ma veniamo alla musica: il lato A dell’LP contiene un solo brano suddiviso in due parti, “The Praise Of Folly”, per una durata totale di ventuno minuti. Ciò che prevale è l’oscurità che grava spesso sopra il nostro immaginario, rapito dall’ascolto. Suoni profondi che si alternano a parti maggiormente elettriche, deformate in differenti stili e forme, rilasciano buoni riff che richiamano alla mente, nei tratti più Hard, i fasti dei grandi Black Sabbath. Se vogliamo parlare di influenze, aggiungerei i Pink Floyd per i tratti maggiormente spaziali assieme agli Hawkwind, e poi Rush e King Buffalo. Ottimo il lavoro della sezione ritmica, spesso ipnotica ma altamente raffinata e tecnica.
Il lato B contiene due brani: “Stigma” e “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. Quest’ultimo è un lamento doloroso, dove il mondo sembra sparire da sotto i piedi per sprofondare nel buio infinito: una sensazione che raramente si prova, se non negli incubi notturni. Tuttavia, trattandosi di Hard Prog, non mancano schiarite e cambi di tempo.
L’Ira Del Baccano, agli esordi, fu scoperta dal maestro del Doom Paolo Catena (ex Death SS), con il quale produssero un mini-LP con il nome primordiale di Loosin’ o’ Frequencies. Il bravo chitarrista ci vide lungo già allora, così come fece con l’altra band Prog, gli A Piedi Nudi, che vi consiglio di andare a scoprire.
Detto questo, “The Praise Of Folly” è l'ennesimo tassello importante non soltanto per la loro discografia, ma per tutto il panorama italico, il quale in questo 2026 sta già dando moltissime soddisfazioni. Un gran disco che sa rapirti la mente! MS

Versione Inglese:

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genre: Heavy Prog / Doom
Format: LP / CD / Bandcamp - 2026

Many listeners disdain Hard or Metal sounds because they consider them limited and too "noisy"; these are not my words, but a fact observed over time by reading magazines and browsing the web. This judgment is superficial because, while I agree that one might not personally like electric and often distorted sounds, there is a fundamental error when it comes to technique. Hard Rock has never sat idly by, resting on its laurels; instead, it has opened up to influences that have brought it closer to Progressive Rock (especially through the use of keyboards). The same applies to Metal, Death Metal, Doom, and so on.
This latter style is precisely the territory navigated by L’Ira Del Baccano, a band that now reaches its fifth official studio album with “The Praise Of Folly”. The choice to compose music without vocals relegates them to an even narrower niche, letting only the instruments speak.
Compared to their 2023 album, “Cosmic Evoked Potentials”, there is a change on bass: Gabriele Montemara takes over from Ivan Contini Bacchisio. Otherwise, the foundation remains the same: leaders Alessandro Santori (guitars, loops, synth) and Roberto Maldera (guitars, effects, slide guitar, synth), with Gianluca Giannasso (drums).
Delving into the band’s Doom Prog means taking a literal "sonic trip"; I am well aware that this term is somewhat overused, but it is the simple truth. The record is enhanced by Michele Carnielli's beautiful cover art and was mastered by Claudio Gruer at Pisi Studio. It is worth noting that the main instruments were recorded live in a single take.
But let’s get to the music: Side A of the LP contains a single track divided into two parts, “The Praise Of Folly”, with a total duration of twenty-one minutes. What prevails is a darkness that often looms over our imagination, captivated by the listening experience. Deep sounds alternating with more electric sections—deformed into different styles and shapes—release solid riffs that bring to mind the glory of the great Black Sabbath in the heavier passages. If we want to talk about influences, I would add Pink Floyd for the more "spacey" sections along with Hawkwind, followed by Rush and King Buffalo. The work of the rhythm section is excellent—often hypnotic, yet highly refined and technical.
Side B contains two tracks: “Stigma” and “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. The latter is a sorrowful lament, where the world seems to disappear from under your feet only to sink into infinite darkness: a sensation rarely felt outside of nocturnal nightmares. However, since this is Hard Prog, there is no shortage of "clearings" and time signature changes.
In their early days, L’Ira Del Baccano was discovered by Doom master Paolo Catena (ex-Death SS), with whom they produced a mini-LP under the original name Loosin’ o’ Frequencies. The talented guitarist showed great foresight back then, just as he did with the other Prog band A Piedi Nudi, which I recommend you check out.
That said, “The Praise Of Folly” is yet another important piece—not just for their discography, but for the entire Italian scene, which is already proving to be highly rewarding in this year 2026. A great record that knows how to seize your mind! MS

 

Galasphere 347

GALASPHERE 347 - The Syntax Of Things
Etichetta: Chaos Records
Genere: Progressive Rock
Formato: LP / CD / Digital – 2026

A otto anni di distanza dall'esordio omonimo, il supergruppo anglo-scandinavo Galasphere 347 torna con idee cristalline e una schiera di ospiti d'eccezione: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex "IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford e Pete Smith.
Il nucleo della band vede schierati Stephen James Bennett (voce, chitarre e tastiere analogiche, celebre per l'uso dell'ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flauto e programmazione) e Mattias Olsson (batteria ed "exotica" elettrica).
Se il debutto si presentava come una suite spaziale divisa in tre tracce, "The Syntax Of Things" sceglie una struttura più articolata ma altrettanto epica, composta da sette movimenti che richiamano la mitologia greca nei sottotitoli. I riferimenti a divinità come Eris, Nyx e Persefone non servono a narrare miti classici, bensì a personificare stati emotivi: la discordia interna in "Broken Bones (Eris)", l'oscurità del pensiero in "Nighthawks (Nyx)" e la rinascita ciclica in "Persephone (Kore)".
L'album è un trionfo di Mellotron, sintetizzatori Moog e Gizmotron, ma evita la trappola della semplice nostalgia. La produzione è limpida e spinge il sound verso territori Krautrock e Dark Wave, creando un'atmosfera densa e talvolta claustrofobica.
L'apertura di "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" suggerisce inizialmente un Prog moderno che vira repentinamente verso sonorità beatlesiane.
La vera sorpresa arriva però con "Life As An Architect (Hestia)", una mini-suite di dieci minuti caratterizzata da un finale pirotecnico, in cui il flauto di Einarsen dialoga con l'enfasi del Mellotron in modo micidiale.
Il livello qualitativo resta altissimo con "Broken Bones (Eris)", brano impreziosito dagli interventi di Riis alla chitarra, Jowitt al basso e Clifford al sax. Anche in questo caso è la chiusura a regalare le emozioni più forti, grazie a un’impronta chitarristica marcatamente "pinkfloydiana". Segue "Nighthawks (Nyx)", una ballata soave e introspettiva che punta tutto sull'ottimo dialogo tra piano e voce, mentre "Persephone (Kore)" recupera il ritmo con tastiere in stile "Genesis", rispettando i canoni più puri del genere.
La title track, "The Syntax Of Things", suggerisce che la vita non sia fatta solo di eventi, ma del modo in cui li colleghiamo tra loro (la "grammatica" dell'esistenza). Nonostante i toni cupi, il finale affidato alla chitarra di Bjørn Riis evoca una catarsi e la possibilità di un futuro oltre la perdita; il tutto sviluppato in oltre dieci minuti di musica ricercata ma accessibile.
Chiude il disco "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — termine gallese che indica la nostalgia per un luogo o un tempo mai esistiti — sigillando un lavoro capace di emozionare profondamente. Un ritorno in pompa magna, destinato a girare spesso nel mio stereo. MS

 

  

Versione Inglese:

GALASPHERE 347 - "The Syntax Of Things"
Label: Chaos Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

Eight years after their self-titled debut, the Anglo-Scandinavian supergroup Galasphere 347 returns with a crystal-clear vision and a stellar lineup of guest musicians: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex-"IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford, and Pete Smith.
The core of the band features Stephen James Bennett (vocals, guitars, and analog keyboards, renowned for his use of the ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flute and programming), and Mattias Olsson (drums and electric "exotica"). While their debut was a spatial suite divided into three long tracks, "The Syntax Of Things" opts for a more complex yet equally epic structure, consisting of seven movements that invoke Greek mythology in their subtitles. These references to deities such as Eris, Nyx, and Persephone are not intended to recount classical myths, but rather to personify emotional states: internal discord in "Broken Bones (Eris)", the darkness of thought in "Nighthawks (Nyx)", and cyclic rebirth in "Persephone (Kore)".
The album is a triumph of Mellotron, Moog synthesizers, and the Gizmotron, yet it skillfully avoids the trap of mere nostalgia. The production is pristine, pushing the sound toward Krautrock and Dark Wave territories, creating an atmosphere that is dense and, at times, claustrophobic.
The opening of "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" initially suggests a modern Prog style that suddenly pivots toward Beatlesque sonorities. However, the first real surprise arrives with "Life As An Architect (Hestia)", a ten-minute mini-suite characterized by a pyrotechnic finale where Einarsen’s flute dialogues fiercely with the emphasis of the Mellotron. Truly lethal.
The quality remains exceptionally high with "Broken Bones (Eris)", a track embellished by Riis’s guitar work, Jowitt’s bass, and Clifford’s saxophone. Once again, the finale provides the most powerful emotions, thanks to a markedly "Pink Floydian" guitar touch—unsurprising given Riis’s background with "Airbag". This is followed by "Nighthawks (Nyx)", a suave and introspective ballad that centers on an excellent dialogue between piano and vocals, while "Persephone (Kore)" picks up the pace with "Genesis-style" keyboards, honoring the purest canons of the genre.
The title track, "The Syntax Of Things", suggests that life is not merely a series of events, but the way in which we connect them (the "grammar" of existence). Despite the often somber tones, the finale—entrusted to Bjørn Riis’s guitar—evokes a sense of catharsis and the possibility of a future beyond loss; all developed across ten minutes of sophisticated yet accessible music.
The record closes with "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — a Welsh term indicating a deep longing for a home or a time that perhaps never existed — sealing a work capable of profound emotion. A grand return, destined to spend a lot of time on my turntable. MS