Mrs. Kite

MRS. KITE – Flickering Lights

Autoproduzione

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2020

Con l’album “Flickering Lights” Andiamo a conoscere una nuova realtà progressive europea, i Mrs. Kite. Nel 2019 vincono il premio "German Rock and Pop Prize" nella categoria "Best Progressive Band", eppure ancora oggi non sono famosi e neppure hanno una casa discografica.  Sono formati da Florian Schuch (voce, tastiere), Philipp Verenkotte (batteria), Ferdinand Schuch (chitarra, voce) e Lukas Preußer (basso) e sono un perfetto esempio di globalizzazione musicale moderna. Nella loro musica si innestano differenti culture e stili sia europei che americani, per farla breve si possono sintetizzare in un mix di sonorità alla Porcupine Tree, RPWL, Echolyn e Spock’s Beard.

Questo testimonia sia l’ampia cultura musicale dei componenti oltre che una preparazione tecnica invidiabile. Dopo il buon "A Closer Inspection" è la volta di questo nuovo album che vi dico subito porta ad un salto qualitativo maggiore. “Flickering Lights” è formato da dieci canzoni bene registrate e ricche di coralità.

Una attenzione particolare la dedicano alle melodie, musica da ricordare, e soprattutto da cantare e questo il Prog quando vuole lo sa fare, non sempre le cose complicate sono le più interessanti, anche perché alla fine di un ascolto qualcosa deve pur rimanere nella testa.

Certe coralità alla Porcupine Tree, comprese la voce filtrata sono spesso adoperate, mentre il cantato ricorda quello di Yogi Lang dei connazionali RPWL. E quindi avrete anche intuito che fra le note aleggiano anche influenze Pink Floyd, in effetti così è.

Le chitarre elettriche spesso grattugiano riff hard vicine quasi al Metal, ma tranquilli, qui trattasi esclusivamente di Progressive Rock e di grande qualità. La batteria ed il basso si intendono alla perfezione, anche nei passaggi spezzati e più complessi.

Non vado a descrivervi brano per brano l’evolversi del disco perché è ricco di sorprese e di bellissime melodie, un piacere da spillare in assoluta tranquillità, magari avanti ad un buon stereo o in cuffia, ma vi assicuro che di carne al fuoco ce n’è davvero molta. Fra i miei brani preferiti risulta “The Old Man”, anche se probabilmente troppo Porcupine style periodo centrale della band inglese.

Un disco che consiglio vivamente all’ascoltatore Prog aperto alle nuove sonorità più recenti e non all’integralista vintage il quale qui potrebbe trovare solo  alcuni buoni spunti ma non di più. Personalmente applaudo e non ci crederete ma rischiaccio il tasto play! Avevo nostalgia dei vecchi Porcupine Tree.

Il disco lo potete facilmente ascoltare e reperire sulla home page della band https://www.mrskite.de/ , non ve ne pentirete e sono altresì convinto che nel tempo sentiremo parlare più spesso dei Mrs. Kite. MS

Traumhaus

TRAUMHAUS – In Oculis Meis

Progressive Promotion Records

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2020

Di certo non si può dire che il progetto tedesco Traumhaus sia prolifico, ne è passata d’acqua sotto i ponti dopo il debutto del 2001 intitolato “Traumhaus”. Ad oggi “In Oculis Meis” è il quarto album in studio, il quinto se teniamo conto dell’ep “Ausgeliefert” del 2014. Pochi album nel tempo, ma tutti di ottima qualità.

Lo stile proposto riesce ad abbracciare un ampio bacino di pubblico, spaziando dal Progressive classico supportato da grandi tastiere, a momenti psichedelici ed altri più vicini al Metal Prog.

L’album focalizza i testi attorno all’argomento società moderna e la necessità per ogni individuo di affrontare i problemi. Trattate paure inconsce e strategie individuali per preservare il proprio equilibrio interiore, il tutto osservando ciò che accade nel mondo. Ecco che per una tematica così pesante, al limite dell’oscurità, servono suoni più duri, così che “In Oculis Meis” risulta essere un album più duro rispetto al passato.

La bellissima custodia dell’album è cartonata e all’interno contiene un libretto ricco di informazioni e testi. L’artwork dello stesso leader fondatore Alexander Weyland già del suo indirizza l’ascoltatore verso la musica, molto fosco con un occhio in primo piano che osserva. I cd contenuti all’interno sono due, il primo è cantato in lingua tedesca, il secondo in inglese. Otto i brani mentre il gruppo è composto da Alexander Weyland (tastiere, voce), Tobias Hampl (chitarra), Till Ottinger (basso) e Ray Gattner (batteria).

Un piano malinconico apre le danze nei due minuti di “The Awakening” e sin da subito risalta all’ascolto l’ottima produzione sonora, con un suono profondo e distinto. Roboante la ritmica, mentre la voce ricorda quella di Peter Gabriel. Una volta rotto il ghiaccio si parte per il viaggio con “Preserve & Understand”, il sound è al confine con il Metal Prog e con i suoi otto minuti abbondanti risulta essere fra i pezzi più lunghi dell’album. Molto orecchiabile il ritornello, un raggio di luce nel corridoio buio in cui ci siamo avventurati. Alcuni momenti strumentali possono richiamare i Porcupine Tree o i Neo Prog Pallas per chi li conoscesse.

Elettronica apre “Walk On Yourself”, canzone articolata con un mix passato e presente, il presente l’ho già citato, il passato si cela fra alcune reminiscenze Genesis. L’incedere ipnotico raggiunge l’apice con l’assolo delle tastiere e a seguire della chitarra. E proprio a proposito d’ipnotismo, “Escape” si presenta in maniera psichedelica fra Pink Floyd e Porcupine Tree, a seguire “So Many Ways”, la canzone più breve dell’album in quattro minuti abbondanti.

“The New Morning” rovista sia nel panorama Metal Prog che Progressive Rock, un sottile filo sonoro li unisce facendo spaziare l’ascoltatore con la fantasia grazie all’incedere, dove la  somma dei due generi sfocia nell’AOR, specialmente nel tratto del ritornello. Quando gli assolo partono c’è di che godere. Misteriosa la strumentale “Understand & Preserve”, essa sa picchiare quando serve, l’anima più scura dei Traumhaus che nel pachidermico andamento richiama il suono nervoso di certi King Crimson, quelli più recenti. Il disco si chiude con il brano più lungo, quasi nove minuti di ottimo Prog dal titolo “X-Ray The Darkness”, anche il più sereno.

I Traumhaus fanno nuovamente centro, un disco ricco di emozioni e qualità che oramai si associa alla grandissima quantità delle produzioni edite dalla Progressive Promotion Records. Speriamo solo di non attendere altri sette anni prima di poter godere di questa maestosa musica.

Dell’album esiste anche una versione vinilica per collezionisti stampata in 250 copie. MS

The Worm Ouroboros

THE WORM OUROBOROS – Endless Way From You

Lizard Records

Genere: Progressive Rock/ Scuola Di Canterbury

Supporto: cd – 2019

Un altro bel colpo assestato dalla nostrana Lizard Records è quello di avere annoverato nelle file della propria scuderia i bielorussi The Worm Ouroboros. Si formano nel 2006 a Minsk combinando nella loro musica la Scena di Canterbury (Camel, Caravan, etc.) alla musica Folk. Sono bravi arrangiatori e fra le note scaturiscono melodie accuratamente orecchiabili che riescono ad accumunare molti amanti della musica anche di differenti generi. Non disdegnano passaggi neppure nel classico.

Esordiscono discograficamente nel 2013 (dopo due demo ep) come quartetto con Sergey Gvozdyukevich (tastiere, chitarra, flauto, basso, voce), Vladimir Sobolevsky (chitarra), Alexey Zapolsky (basso) e Eugene Zarkhin (batteria) con l’album “Of Things That Never Were” (Fading Records). Il gruppo tuttavia si regge attorno alle figure di Gvozdyukevich e Sobolevsky, i quali dopo sei anni ritornano in studio questa volta in formazione trio con un nuovo batterista, Mikhail Kinchin. Il risultato è “Endless Way From You”.

Il disco si presenta in una veste cartonata molto semplice e dal color pastello, perfetto specchio per la musica proposta. Nove le tracce ad iniziare dalla mini suite di quattordici minuti “Cycles”, strumentale elegante e raffinato. Il flauto (questa volta non alla Jethro Tull) e la chitarra acustica aprono ad uno scenario decisamente solare e rilassato e ci si trova a volteggiare con la fantasia in alto come dei droni che riprendono il panorama sottostante. Una musica semplice che sa però dove andare a parare, mi ricorda molto “Flower In Asphalt” dei tedeschi Rousseau ed ovviamente i già citati Caravan e Camel.

L’inizio pianistico di “Clouds To Owings Mills potrebbe benissimo risiedere in “Uomo Di Pezza” oppure in “Storia O Leggenda” delle nostrane Orme. Un mellotron dona ancora più fascino vintage all’ascolto. La musica cresce di intensità per poi ricalare in un sentiero fresco e boscoso disegnato dal suono del flauto. E’ la chitarra elettrica ad alzare ulteriormente i toni, degno finale per un brano che a mio gusto è fra i migliori dell’album.

“Stone And Lydia” ha un ritmo maggiore ed una struttura più semplice rispetto a quanto abbiamo ascoltato sino ad ora. Segue “Quest Of The Kingfisher”, qui si aggiungono anche i timpani di Alexandra Gankova, la quale suona anche il vibrafono nella successiva “Muralidaran”, canzone sostenuta soprattutto dalle note del flauto.

Sino ad ora ho parlato di brani esclusivamente strumentali, in “Ascension” invece si può ascoltare la voce di Sergey  Gvozdyukevich. “The Reality You Can’t Stop Dreaming” è la seconda ed interessante mini suite che si apre con il fagotto dell’ospite Vitaly Appow, inutile dire che si articola in cambi di tempo e di umore. “The Whistler Shrill” è il secondo ed ultimo brano dove si può ascoltare la voce di  Gvozdyukevich, qui grazie ad una strumentazione classica, si può godere di interessanti innesti di generi, lo xilofono, l’oboe ed il fagotto sono gli artefici di questo aggiunto fascino.

Il disco si chiude con il brano più breve dell’album con i suoi quattro minuti dal titolo “Tràigh Bheasdaire”, fra il suono delle onde che si infrangono sulla spiaggia e un giro di tastiere ipnotico e quasi psichedelico.

La semplicità è un arma che appaga sempre, i bielorussi lo sanno è lo mettono in pratica, pur essendo degli ottimi strumentisti dotati di una buonissima tecnica strumentale, non si lasciano travolgere da inutili orpelli sonori. Un disco che mette semplicemente l’anima in serenità. MS

Enten Hitti

ENTEN HITTI – A Tutti Gli Uragani Che Ci Passarono Accanto

Lizard Records

Genere: Sperimentale

Supporto: cd – 2003 (ristampa Lizard 2020)

La sperimentazione e la voglia di unire differenti arti come la poesia, la letteratura e la musica spesso non sono esigenze, bensì piaceri veri e propri che scaturiscono spontaneamente dalla curiosità dell’uomo che sfocia nel volere comunicare nuove sensazioni.

Il tutto viene offerto ad un pubblico attento, riservato e dal palato fine. Non necessariamente bisogna catalogare sempre la musica in stili o generi, chi vi scrive però deve dare dei punti di riferimento a chi non sta ascoltando ma semplicemente leggendo, quindi mi sento di incorporare questo disco dei milanesi Enten Hitti nel contenitore della musica sperimentale.

Gli Enten Hitti si formano agli inizi degli anni ‘90 da un idea di Pierangelo Pandiscia e Gino Ape inizialmente come laboratorio sonoro dedito a sonorità elettroniche, frangenti etnici e musica cantautoriale.

Si intersecano anche con il mondo del teatro e la musicoterapia, un senso da dare ai suoni legato anche alla recitazione, ad un elucubrante  senso della ricerca di ciò che non è stato ancora provato. Elettronica e suoni del mondo, un innesto quantomeno rischioso per due generi che sembrano essere quasi agli antipodi, eppure il gioco gode di un fascino speciale. Anche l’oggettistica viene introdotta nella musica degli Enten Hitti, dalle pietre ad un nocciolo di pesca che può diventare un flauto, oppure una conchiglia che si presta ad essere uno strumento a fiato, ossa e semi essiccati. La musica intesa come linguaggio ma anche come memoria dell’uomo, un viaggio introspettivo che ritroviamo in questa ristampa di “A Tutti Gli Uragani Che Ci Passarono Accanto” , originariamente uscito nel 2003. Il disco è il quinto in studio, mentre ad oggi sono giunti alla registrazione di otto album. Le performance sonore entrano in sintonia con l’ambiente, con gli oggetti ed il contesto che circonda chi partecipa alla prestazione sonora.

Il disco è suddiviso in nove tracce per una durata complessiva di cinquanta minuti e si coadiuva della presenza di special guest come Giampaolo Verga (violino), Stefano Nosari (contrabbasso), Adriana Pulejo (voce) e Simona Barbera (voce).

La musica scaturisce da improvvisazioni per poi essere elaborata con sensazioni del momento, ispirate da tutto ciò che circonda i musicisti stessi.

Si inizia con “Casa Dei Pensieri”, arabeggiante, folk, cantilenante con la voce di Simona Barbera. “Luna Di Pietra” narra con le percussioni e la voce un immagine eterea della nostra esistenza, sensazioni fisiche associate alla musica. “C’è Il Sole Nella Strada”  fotografa  malinconia, un rapporto difficile con l’arco della giornata ed il sole stesso che porta il narratore protagonista ad uscire di casa solo al tramonto. La notte che concilia ed avvolge i pensieri.

“Le Mani D’Africa” è più cantautorale, dedito alla formula canzone rispetto all’andamento degli altri brani contenuti nell’album, ed è l’ultimo brano cantato da Simona Barbera.

”Vento Lento” è interpretato da Adriana Pulejo, un lento intimo e profondo. Qui la sperimentazione è presente, lucida e ponderata, il caso non è contemplato. Se posso permettermi un paragone estero, lo attribuisco a certe sonorità dei No Man, duo composto da Steven Wilson e Tim Bowness. Più intensa e solare “Necramor”, un crescendo di suoni intrigante come la voce di Pulejo. Un pianoforte sembra far sgocciolare le note proprio come fa l’acqua quando ricade su se stessa e non a caso il brano si chiama “Figlia Dell’Acqua E Del Sole Del Mattino”. Leggiadria e gioia si propagano durante l’ascolto. “Non Vorrei Crepare” è uno dei movimenti più ricercati del disco, per chi vi scrive anche il più bello e sentito, la musica si interseca con la mente e tutto ciò che la circonda. La voce sussurrata completa l’opera. Chiude “Dea Mangiamele”, davvero distante dal contesto sino ad ora ascoltato. La scuola Battiato traccia un solco netto nel brano.

Questo è “A Tutti Gli Uragani Che Ci Passarono Accanto”, un viaggio mentale per persone che non hanno paura di essere accompagnate in lidi mai esplorati. Per chi dalla musica esige qualcosa di più. MS

Desert Session Home Edition

DESERT SESSION HOME EDITON – Phase 1

Autoproduzione

Genere: Rock – Prog Metal – Progressive Rock

Supporto: Bandcamp – 2020

Anno nefasto, pandemia mondiale e tutto quello che purtroppo già conoscete attorno alla vicenda Covid-19. Non soltanto va a modificare i nostri atteggiamenti quotidiani, ma anche il modo di fare e concepire la musica.

Io ritengo personalmente che questo sia l’anno zero per la distribuzione della musica, nasce oggi un  nuovo modo di proporla e di farne uso, gli artisti vendono performance su facebook ed altri lo fanno anche gratuitamente. L’impossibilità di fare assembramenti di persone e quindi di vietare ai locali i concerti, portano il musicista ad adattarsi alla situazione. Il settore musicale dunque è quello più colpito dalla pandemia, una crisi immane che nessuno si sarebbe mai potuto immaginare e la necessità di mangiare è comunque naturale ed impellente. Non che prima di questo evento la musica andasse alla grande, tuttavia c’era un approccio quantomeno differente, specialmente in sede live. I dischi non si vendono quasi più, gli amanti del supporto ottico o vinilico restano relegati ad una figura di una certa età, i canali mediatici prendono il sopravvento, oggi più che mai.

Ecco allora che ad aprile del 2020 ci si arrangia, si ha voglia di gridare e di esternare la forza di reagire la volontà ferrea di tornare alla normalità al più presto possibile.

Il governo indottrina emendamenti al popolo quotidianamente, forte dell’appoggio di scienziati e medici, mentre il popolo inizialmente entusiasta nel restare a casa, dopo un mese cede psicologicamente e comincia a voler uscire a tutti i costi. La strada per venire fuori da questa situazione sarà lunga e suddivisa in fasi, mentre vi sto scrivendo siamo quasi entrati nella fase due.

 Un gruppo di artisti si uniscono per fare musica e lasciare la loro testimonianza su questo accadimento, intitolandolo proprio “Phase 1”. Il prodotto viene proposto su bandcamp ed il ricavato è devoluto a favore della Croce Rossa Italiana.

Così gli artisti coinvolti descrivono su Bandcamp il loro progetto: “L’isolamento domestico forzato dovuto alle misure di contenimento dell’emergenza Covid-19 porta un centinaio di musiciste e musicisti italiani a riunirsi in un “ranch” virtuale e a comporre 9 brani, nati dall’urgenza di continuare ad esprimersi attraverso la propria arte, mantenendo il proprio stile e mettendolo al servizio degli altri. 9 brani nati in un mese da contributi scritti e registrati singolarmente da ogni musicista a casa propria, poi raccolti e missati da Riccardo Pasini, ideatore del progetto.”.

Riccardo Pasini è un tecnico del suono ravennate che ha prodotto grandi dischi come quelli degli Ephel Duath e dei Nero Di Marte.

Gli artisti coinvolti sono: Emilio Albertoni, Andrea Allodoli, Agnese Alteri, Samuele Anconelli, Mohammed Ashraf, Enrico Baraldi, Max Barbieri, Luca Bartolini, Matteo Bassoli, Nicola Benetti, Mattia Bertolassi, Valerio Biagini, Gabriele Bombardini, Filippo Bravi, Peter Cadonici, Caterina Cardinali, Andrea Carella, Andrea Carletti, Eric Castiglia, Simone Cattani, Matteo Cavaciocchi, Francesco Fresco Cellini, Valentina Cicognani, Gianmarco Ciotti, Fausto Civenni, Mauro Chiulli, Mauro Crescini, Alessandro De Lorenzi, Elena Ferragotto, Cristina Ferretti, Andrea Fioravanti, Giacomo Gastaldi, Luca Gelmini, Angelo Girardello, Giovanni Grandi, Andrea Grasso, Stefano Gritti, Michey Grug, Stefano Iori, Tatiana Lassandro, Carlo Leone, Daniele Lipparini, Gianluca Lo Presti, Michele Marchiani, Filippo Martignano, Francesca Viola Mazzoni, Giacomo Mazzu, Gruno Balli, Daniele Medici, Franco Naddei, Michelangelo Naldini, Emanuele Nanni, Andrea Napolitano, Ignazio Nistic, Luca Pansera, Andrea Para, Francesco Maria Pasi, Luca Pasini, Riccardo Pasini, Stefano Penazzi, Daniele Pollio, Mauro Pulga, Silvia Raggetti, Massimiliano Rassu, Francesco Ronchi, Adolfo Rosolia, Diego Ruggeri, Mario Sabadelli, Paolo Sanchi, Alex Semprini, Andrea Solimene, Ronny Taccola, Cristiano Tommasini, Emilio Torreggiani, Alessandro Trere, Gian Maria Vannoni, Andrea Vasumini, Matteo Virga, Niccolò Maria Zanzi.

La musica proposta è dunque variegata, quasi tutti i brani sono di media e lunga durata superiori ai dieci minuti, salvo pochi casi. Prog nervoso quasi in stile King Crimson con influenze psichedeliche in “Quarantine”, elettronica iniziale in “Distorta Dimensione” per poi passare ad un suono greve, al limite del Metal, esso ben descrive il periodo di reclusione domestica che si sta passando.

“From Soul To Bones” ha un armonizzazione anni ’70, sembra un tributo al mondo di Ennio Morricone, fischio western compreso per poi svilupparsi acidamente in un contesto più moderno e Rock. “Spleen Milieu” prosegue il passaggio in un mondo psichedelico nervoso, quasi disturbato, proprio come l’animo. Non sembrano distanti certi Radiohead.

“L’Invenzione” ha un elettronica ambient di base con un incedere in crescendo. “La Distanza Nel Silenzio” ne segue l’andamento, sempre elettronica e con un senso di fastidio  e disagio fra le note. La musica veste bene il concetto del momento che stiamo vivendo.

“Branchie​/​Il Bacio” è greve nel suo guscio Metal Prog dalle sfumature Post Rock. Mutevole nel prosieguo, interessante e noir. “L’Istinto” si alterna fra Radiohead (gli ultimi) e Prog. Il brano è cantato. Si chiude con “In Solitude”, brano più Heavy Metal del gruppo di canzoni. Sfonda e si lascia ascoltare con piacere.

Chi vuole ascoltare musica diversa e allo stesso tempo fare un opera buona, può andare al seguente indirizzo: https://desertsessionhomeedition.bandcamp.com  MS

Euphoria Station

EUPHORIA STATION - The Reverie Suite

Reverie Suite Records

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2019

A Los Angeles esiste una stazione dove ferma il treno dell’euforia, della gioia e del piacere, quello di condividere la buona musica, la fermata si chiama Euphoria Station. I capostazione sono due, la cantante Saskia Binder e il chitarrista Hoyt Binder, essi si incontrano ad Hollywood, in California e danno vita a questa collaborazione musicale nel 2015. La passione per il Prog degli anni ’60 e per il  Rock anni ’70 è grande e viene esternata nelle composizioni acustiche a venire.

Molto interessante il debutto discografico del 2017, “One Heart” dove si parla di amore e passione per la vita. Qui gli artisti si avvalgono della collaborazione di importanti special guest come Chris Quirarte (Redemption) alla batteria, Paulo Gustavo al basso e Mike Farrell alle tastiere.

Ispirati dalla bellezza del sud-ovest dell'America a partire da Sequoia in California e dalle esperienze di vita di Saskia, il duo Euphoria Station ritornano nel 2019 a trattare il Rock con la loro gentile eleganza che li contraddistingue con “The Reverie Suite”. L’album è composto da dodici canzoni, e nel realizzarle il duo si avvale della partecipazione della The Americana Daydream Revival Orchestra, formata da Ronald Van Deurzen (tastiere), Trevor Lloyd (strumenti a corda), Tollak Ollestad (armonica), Rebecca Kleinman (flauto), Paulo Gustavo (basso), Chris Quirarte (batteria), Mike Disarro (armonie di sottofondo) e Bobby Albright (percussioni).

Anche la copertina del disco lascia presagire influenze Folk, che in effetti non mancano, richiamando il sound di gruppi storici come Kansas e Jethro Tull su tutti. All’interno del disco si trova scritta una considerazione importante anche per la chiave di lettura dell’album: “Solo noi possiamo vedere attraverso gli occhi di un bambino. Una finestra, una finestra aperta dove tutti i nostri sogni diventano realtà”.

La lunga durata dell’album che supera i settantuno minuti non è sinonimo di pesantezza o d’inutile prolissità, piuttosto essa ben arrangiata e variegata, si lascia ascoltare in maniera gradevole.

Apre la strumentale “Prelude/ She’s Calling” ed ecco stagliarsi avanti alla nostra immaginazione proprio quel binario dritto del treno che parte dalla stazione. Il Folk con le classiche sonorità americane non è comunque scontato, grazie ad una struttura Prog con i consueti cambi di tempo e un insieme di strumentazioni che possono far venire alla mente molti gruppi, a partire dagli Echolyn ai Spock’s Beard, sempre comunque band dalle origini americane.

Flauto iniziale e arpeggi di chitarra per “Reverie”, bene interpretata da Saskia, una canzone solare e calda nella sua semplicità.

“One My Way” mostra la cultura musicale del duo ad ampio raggio, spaziando dal Rock al Blues passando per il Folk, brano gradevole e ben strutturato, fra i migliori dell’album. La parte centrale con l’armonica a bocca mi riporta ai tempi dei Canned Heat. “Heartbeat” emotivamente va in crescendo, con un inizio molto pop per le melodie voci e chitarra,  nel tempo raggiunte dal flauto che dona al tutto un aurea più dolce.

Torna il Rock elettrico in “Bridge Of Dreams” il quale grazie al violino rimanda ai tempi gloriosi dei Kansas. Quello che tuttavia funziona nelle canzoni degli Euphoria Station sono le melodie orecchiabili di facile memorizzazione.

“Queen Of Hearts” è un esempio di come siano stati importanti gli anni ‘70 per la musica Rock e il suo futuro.  Nel divertirsi a cambiare certe regole iniziarono nei ’60 i Beatles e qualche sprazzo (anche se magari in maniera inconscia), lo si può estrapolare dal contesto durante l’ascolto del brano. Questo è uno strumentale Prog a tutti gli effetti, uno dei massimi picchi dell’album.

Quasi dieci minuti per “Paradise Road”, qui si scomoda anche il maestro Elton John per certi interventi strutturali. Il piano sia all’inizio che nella fase centrale della canzone la racconta giusta. Personalmente ci sento anche qualcosa dei Supertramp, questo nella fase dell’armonica. Tutti questi accostamenti a grandi nomi della musica comunque non vorrei portasse a dire che il duo in questione sono solo dei semplici esecutori, perché in realtà sono dei bravi compositori e hanno anche una loro personalità ben definita. Tutto questo serve soltanto per dare paletti di comprensione a chi sta leggendo e non ascoltando.

La prova di carattere giunge da “Move On”, con un riff importante e molta energia positiva, canzone che potrebbe benissimo essere il singolo dell’album. Segue un pezzo molto acustico, sentito e rilassante intitolato “Seasons”, l’intervento del flauto lo innalza notevolmente. La canzone più breve si intitola “Reprise” ed è un altro lento di poco più di tre minuti, voce e piano. Il treno riparte e sembra sentirlo sbuffare fra le note di “Remind Me”  che traina l’ascoltatore sino alla conclusiva “Content”, altro tassello melodico di questo puzzle sonoro vario ed educato.

In conclusione “The Reverie Suite” è un disco molto piacevole, ricco di storia e di belle emozioni, cosa si desidera solitamente da un disco? Vedete voi. MS

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Anno nuovo Blog nuovo, anche nella grafica dei loghi grazie a Eleonora Salari.

AUGURI A TUTTI PER UN 2020 DI OTTIMA MUSICA  (e la salute ovviamente).

Marco Grieco

MARCO GRIECO – Nothing Personal

Musical Box Entertainment Association / CD Baby

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd - 2020

Marco Grieco è un vulcano di idee, un artista a tutto tondo, compositore, autore, regista, scrittore, cantante, polistrumentista, cineasta e scenografo virtuale. Noto in campo musicale anche come MacroMarco, è autore del buon album “Il Pianeta Degli Uomini Liberi” (AMS, Vinyl Magic) nel 2009. Vince anche premi letterari per le sue opere  scritte, come il premio "Parole In Corsa".

Ma veniamo al Marco Grieco musicista: amante del Progressive Rock e della musica in generale, nei suoi dischi suona tutti gli strumenti e canta in inglese, anche in questo ultimo lavoro intitolato “Nothing Personal”.

Il disco è suddiviso in nove tracce ad iniziare da “Last Chance”, canzone che si apre in stile Genesis con le tastiere in primo piano per poi procedere in coralità vocali alla Yes, i giochi sono già chiari. L’autore dimostra molto rispetto per il passato ed un buon bagaglio culturale al riguardo. L’enfasi è elevata, grandeur palesata con gioia e solarità.

In un ritmo spezzato subentra “The Eden”, tutto apparentemente molto semplice, in realtà c’è molta ricerca anche negli arrangiamenti, così le melodie sono orecchiabili anche se inevitabilmente possono far scaturire deja vu, ma questo è dato dal genere che resta circoscritto a certi stilemi.

Più aggressiva la title track “Nothing Personal”, proseguono i giochi vocali, non solo Yes, ma anche Gentle Giant. Per chi li conoscesse Grieco mi ricorda qualcosa dei lavori dei Magellan e dei Cairo.

La chitarra acustica apre la ballata “Am I Sleeping”, dolce e toccante nella sua apertura con ingresso tastiere e batteria. Il brano è messo al posto giusto nel momento giusto a spezzare l’ascolto, il Prog spesso è composto da tanto materiale che va spezzato per non rischiare di cadere in  una overdose di sonorità. La chitarra elettrica invece ricorda qualche assolo dei Pink Floyd senza strafare.

Uno dei momenti più belli del disco arriva da ”Falling Dreams”, Spock’s Beard a carico. Segue “Waiting Four” con un intro di piano davvero gradevole. Il brano è fra i più ricercati, molta carne al fuoco, per chi vi scrive è il più apprezzato, giusto equilibrio fra ricerca e buone melodie. Amo molto il finale, fra assolo di chitarra elettrica e crescendo sonoro.

La breve e pianistica “Waves” fa navigare fra le note in un aria dal profumo “Genesiano”, anima dell’artista coinvolto a pieno in questo progetto importante e vetrina per le sue doti tecniche.

“Hertics” è più drammatica, così nell’incedere ad aprirsi con le chitarre è il mondo dei Pink Floyd.

A chiudere la mini suite di quasi quindici minuti intitolata “Winter”, un riassunto delle capacità compositive e tecniche di Marco. Ancora una volta si può godere di un bel momento pianistico al centro del brano, compresa della psichedelia.

“Nothing Personal” è un disco consigliato a tutti gli amanti dei gruppi che ho citato, ma anche a coloro che si vogliono addentrare in questo infinito mondo musicale, ricco di emozioni e influenze che sembrano non essere relegate ad una data precisa, tanto sono sincere e quindi mai potranno passare di moda. MS

Quel Che Disse Il Tuono

QUEL CHE DISSE IL TUONO – Il Velo Dei Riflessi

AMS Records

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2020

Di certo non si può dire che il genere Progressive Rock non abbia portato con se anche nel 2020 i nomi stravaganti delle band. Gli anni ’70 furono notoriamente un fiorire di Locanda Delle Fate, Banco Del Mutuo Soccorso, Premiata Forneria Marconi, Quella Vecchia Locanda, Il Rovescio Della Medaglia, Balletto Di Bronzo etc. etc. Questo darsi un nome decisamente non scontato è nella lirica e nel dna del genere, vero e proprio sinonimo della musica proposta.

Oggi veniamo a conoscenza di una nuova band nel circuito RPI (Rock Progressivo Italiano) i Quel Che Disse Il Tuono. Dalla loro biografia si può leggere che “Il progetto nasce nel gennaio 2019 dall’incontro artistico di Francesca Zanetta (chitarra e string machines, ex Unreal City) con Roberto “Berna” Bernasconi (basso e voce solista) e Alessio Del Ben (batteria, tastiere e cori). Il trio viene presto raggiunto da Niccolò Gallani (pianoforte, tastiere, flauto e cori, già tastierista dei Cellar Noise).”.

Ebbene anche loro fanno parte delle nuove leve che uniscono il classico prog sinfonico degli anni ’70 (strumentazione annessa), al sound del Rock moderno di oggi. Per fare questo ovviamente ci si mette dentro del proprio. In qualche maniera si può affermare con convinzione che il RPI è vivo e vegeto, sempre alimentato da nuova linfa. Il debutto in analisi è impegnativo ed importante in quanto concept album, così ancora dalla biografia della band riguardo alla storia narrata: “Il Velo Dei Riflessi è un concept album nel quale vi è un protagonista che si trova, in medias res, da solo in

una sala a lui sconosciuta, circondato da grossi specchi rovinati. In ogni specchio è intrappolata una figura umana che si scopre essere nient’altro che la personificazione di un tratto di personalità del protagonista stesso, fino a questo momento non accettata, repressa, nascosta e considerata alla stregua di un’immonda deviazione. Al procedere della narrazione si apprende come ogni tratto di personalità patologico sia di fatto diventato alla stregua di una coscienza a parte, senziente e desiderosa di poter uscire dalla prigione dello specchio in cui è intrappolata da tutta la vita per riunirsi al protagonista. L’uomo non può quindi fare a meno che accettare questa nuova realtà e accorgersi di come non sia mai stato da solo, ma che tutti i soggetti spettrali e decadenti ora di fronte a lui, abbiamo sempre fatto parte di ciò che ha sempre riconosciuto come il proprio essere”.

Quello che poi succederà lo lascio alla vostra curiosità nell’ascolto.

Il disco è suddiviso in cinque tracce, ad iniziare da “Il Paradigma Dello Specchio (Primo Specchio)”. Subito suoni di flauto e Mellotron, immergono l’ascoltatore nel passato. La chitarra di Francesca Zanetta ripercorre sentieri passati con rinnovata freschezza, mentre le tastiere ricoprono un ruolo importante. Non da meno la ritmica impiegata in vari passaggi e controtempi impegnativi. La voce è quella che rispecchia la media delle band Prog italiane, sufficiente e basilare. Probabilmente in questo caso un poco più di enfasi non avrebbe guastato vista la teatralità del brano, tuttavia nel contesto ci può stare. Le Orme fanno capolino di tanto in tanto.

“Figli Dell’Uomo (Secondo Specchio)”, come il primo brano è della durata di quasi dieci minuti. Più ponderato e ricercato, il gruppo da ampio spazio alle melodie, su quelle si che noi italiani siamo maestri. Qui anche la voce di Roberto Bernasconi va in crescendo emotivo, palesando quell’enfasi a cui mi riferivo in precedenza e tutto assume un aurea maggiormente intensa. Passaggi barocchi ricordano anche certi Gentle Giant e ancora Orme.

“Chi Ti Chiama Accanto (Terzo Specchio)” è emozionante sotto molti aspetti, nella placida melodia, nel solo di chitarra sostenuto, nel piano e nel flauto. Tanto bagaglio culturale esposto fra le note da parte dei giovani musicisti. Più vigoroso e Hard “Il Bastone E Il Serpente (Quarto Specchio)”, bello nella ritmica dove il basso riesce a farsi notare in maniera decisa e convincente. Intriganti i passaggi più oscuri. Per chi li dovesse conoscere si possono paragonare ai svedesi Sinkadus. Il disco si conclude con la suite “Loro Sono Me (Catarsi)”degno epilogo del tutto e sunto delle caratteristiche descritte della band. Ai cultori della musica dico altresì che oltre al formato cd esiste anche il vinile 33 giri.

I Quel Che Disse Il Tuono dimostrano di essere una band coesa e se si considera che “Il Velo Dei Riflessi”  è un esordio, oltre ricordare che si sono formati da meno di un anno, allora si può tranquillamente annotare il nome della band nel taccuino delle promesse. Aspettiamo nuovi sviluppi, tuttavia se il buongiorno si vede dal mattino il PRI può dormire sonni tranquilli. Complimenti. MS

Polis

POLIS – Weltklang

Progressive Promotion Records

Distribuzione: G.T. Music

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2020

Avere la sensazione di essere dentro gli anni ’70 nel 2020 è una emozione che capita raramente di provare. Essa scaturisce quando si ascolta un disco vintage, ma più raramente quando si è all’ascolto di un disco concepito e registrato oggi. Questo è a mio gusto personale un pregio, così come è piacevole ascoltare quella psichedelia dettata anche dalle erbe che quella volta tanto andavano di moda per elaborare certe percezioni. La musica che si sostituisce ad una droga è la quadratura del cerchio. La mente va spesso ingannata, come lo si fa con la masturbazione, pensando di essere in un vero e proprio rapporto fisico a discapito della realtà, che in definitiva punta semplicemente dritta all’egoistico risultato finale. Questo è quello che conta, lo scopo emozionale.

I Polis sono una comunità tedesca e cantano in tedesco, hanno base in un vecchio edificio industriale, con pavimenti in legno e pannelli su pareti e soffitti. Anche la strumentazione è vintage, l’Hammond B3 ha sempre un suo certo fascino, così le chitarre che fuoriescono da un vecchio amplificatore. Hanno all’attivo tre album, e “Weltklang” è proprio il terzo, dopo “Sein” prodotto sei anni fa. L’artwork che accompagna il disco in versione cartonata, ben descrive le sensazioni che si provano durante l’ascolto. L’essenza del tempo passato con immagini ingiallite e comunque immerse nella natura, con la band presa di spalle a torso nudo, proprio per godere al meglio del contatto con la natura, è un perfetto viatico.

Non tanto per la musica proposta ma per l’approccio ad essa, mi fanno tornare alla memoria i svedesi Anglagard. Nelle otto tracce contenute nell’album fuoriescono inevitabilmente i richiami a gruppi come Pink Floyd, ed Uriah Heep su tutti. I Polis sono così vintage che anche la durata del cd è favorevole al supporto vinilico con i suoi 40 minuti.

Chitarre grevi aprono “Tropfen”, il mondo si mette in stand by mentre tutto attorno assume un significato inconsistente. Musica semplice, diretta, che il tempo ha forgiato per essere considerata una materia eterna. Brano strepitoso e contagioso.

“Gedanken” prosegue con il suo incedere monolitico, le chitarre aprono di tanto in tanto spiragli di luce per un paesaggio ipoteticamente arioso e spazioso. La fantasia non ha freni durante l’ascolto del brano che a sua volta non esula di cambi di tempo e d’umore, in perfetto stile Prog per indole. Buoni anche i giochi vocali. Più sognante “Leben”, canzone più lunga dell’album con sette minuti abbondanti di musica. Non nascondo che ha rilasciato in me residui di Landberk, altra band svedese che adoro, anche per la veste del suono della chitarra. Questo brano lo consiglio a tutti gli amanti della musica in senso generale.

Un breve strumentale dal titolo “Abendlied”, una sorta di ninna nanna, accompagna all’ascolto di “Sehnsucht”, brano più strutturato e con un cantato gradevole nella melodia.

Tutto “Weltklang” scorre via con piacere.

La musica è un fatto mentale, le sensazioni che scaturiscono all’ascolto risiedono nel nostro esistere, nella memoria che ha fotografato le nostre situazioni esistenziali e queste vengono sollecitate dall’ascolto di questo album che in effetti palesa qualcosa di magico. MS

Rick Miller

RICK MILLER – Belief In The Machine

Progressive Promotion Records

Distribuzione: G.T.Music

Genere: Progressive Rock

Formato: cd – 2020

L’artista e polistrumentista canadese Rick Miller ha una discografia veramente cospicua, “Belief In The Machine” è il quattordicesimo album da studio. Esordisce discograficamente nel 1983 con “Starsong”, un album di successo viste le oltre 30.000 copie vendute. Disco dopo disco, l’artista si avvicina sempre di più al Rock Progressivo di stampo Genesis, Pink Floyd e Moody Blues.

La sua musica è incentrata soprattutto attorno alle emozioni forti date dalle melodie semplici e toccanti, come spesso hanno saputo fare i Pink Floyd in alcuni storici assolo di chitarra, così Steve Hackett. La media qualitativa delle  produzioni è ampiamente elevata, in una costanza invidiabile per molti altri artisti. C’è addirittura una maturazione ulteriore, una ricerca attenta per le atmosfere, soprattutto espressa nei momenti strumentali. Miller ha passione e competenza, un connubio davvero importante per chi è di questo mestiere.

“Belief In TheMachine” è composto da dieci brani ed una bonus track, fra canzoni semplici e mini suite, a cominciare da “Correct To The Core”. Un approccio psichedelico apre il brano fra incedere di basso e di percussioni, un percorso Pinkfloidiano era “The Wall” e dintorni. Miller è un artista intelligente, capisce dove la musica deve andare a parare, la mente si apre e si lascia penetrare senza neanche accorgersene.

Molto spesso non servono grandi scorpacciate di tecniche autocelebrative, neppure liriche logorroiche, bensì un equilibrio ben molto più semplice, ma questo risiede  nel sapere di chi considera la musica soltanto un bene per l’anima oltre che per il corpo.

“That Inward Eye”  è un breve strumentale nostalgico, fra arpeggi di chitarra e flauto, quello di Sarah Young. Nel disco compaiono altri special guest, Mateusz Swoboda al violoncello, Barry Haggarty alla chitarra Stratocaster e Will alla batteria e percussioni.

Resto colpito dalle melodie di “The Need To believe”, Steven Wilson sembra aver avuto un'altra vittima. Tutto lineare, senza impennate.

“Prelude To The rial” è un frangente rumoristico/psichedelico supportato oltre che dai synth, dal violoncello. Uno strumentale con assolo di chitarra che fa parte dei momenti d’atmosfera a cui mi riferivo in precedenza.

La malinconia regna anche in “That Inward Eye”, arie soavi e un cantato quasi sussurrato come Miller ci ha solitamente abituati. Il percorso giunge ai dieci minuti di “The Trial”, un sunto dell’intero lavoro che bene veste l’anima dell’artista. Oserei per certi versi definire l’album Belief In The Machine” un disco cinematografico per il susseguirsi di immagini che lascia creare durante l’ascolto.

La bonus track è un momento di chitarra elettrica ben eseguito e concepito.

Niente di più che quanto detto, un altro disco di  Rick Miller che scalda il cuore, senza mai alzare la voce, prerogativa per pochi e sicuramente disco che piace a chi ama Pink Floyd e certi Porcupine Tree. MS

Force Of Progress

FORCE OF PROGRESS – A Secret Place

Progressive Promotion Records

Distribuzione: G.T. Music

Genere: Progressive Rock/Metal progressive

Supporto: cd – 2020

A tre anni di distanza dal debutto intitolato “Calculated Risk” (Progressive Promotion Records), ritornano i Force Of Progress con il loro Prog Rock strumentale al limite del Metal. Formazione che vince non si tocca, per cui Hanspeter Hess (The Healing Road) alle tastiere, Dominik Wimmer (Sweety Chicky Jam) alla batteria, tastiere e chitarra, Chris Grundmann (Cynity) alle tastiere, chitarra e basso, e Markus Roth (Marquette, Horizontal Ascension) alle tastiere, chitarra e basso, restano ben saldi ai loro posti.

Sette brani tutti di medio-lunga durata, a partire dai quasi sei minuti al brano di dodici, il progressive rock si sa, è anche questo.

Il fattore Metal è abbastanza evidente, specie su scale veloci alla Dream Theater, così l’incedere granitico della chitarra distorta che fa da base ritmica. Ciò lo si può ascoltare sin dall’iniziale “The Hand Sculpted Heart”. La musica esprime uno stato d’animo triste, quasi catastrofico per certi versi, proprio uno scenario come ben descrive l’artwork ad opera di Jef De Corte e Tama66 (Pixabay). Tuttavia le tastiere hanno lo scopo di rasserenare molto le atmosfere, rientrando nei canoni del classico Neo Prog anni ’80. I Force Of Progress alternano nella musica differenti stili, anche il funky ed il jazz come in “The Perfect Element”, dove una tromba subentra sopra una ritmica spensierata, spezzata soltanto dai variegati cambi umorali del brano. Un vortice emozionale davvero importante, una giostra, ogni minuto del brano incolla l’ascoltatore avanti allo stereo. Una menzione a parte anche per l’incisione, pulita e ben equilibrata.

“New Reality” è il brano più breve dell’album, un macigno iniziale roboante e poi un viaggio nel mondo dei Dream Theater.

Un passaggio nel Prog totale lo si ha in “Circus Maximus”, qui si hanno tutti gli ingredienti del caso. Un mix di situazioni più o meno note, assemblate con sapienza e professionalità. La title track “A Secret Place” è una canzone orecchiabile nell’incedere, il piano disegna fughe, “The Steps To The Precipice” è altrettanto ricca di controtempi e tasti d’avorio in cattedra. La chitarra si comporta solamente da ritmica e supporto. A chiudere “Agressor”, più ruvida e greve.

La musica è un linguaggio e dove le parole non arrivano più, essa subentra nella carenza e i Force Of Progress conoscono molto bene questa lingua, la parlano perfettamente. MS