Mutazioni

MUTAZIONI – Autopsia Anima
Autoproduzione
Genere: Alternative Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Avrete notato anche voi che in ambito Rock e Pop, in Italia i gruppi , o come li chiamavano una volta “i complessi”, sono nel tempo quasi spariti. Non che i cantautori più impegnati abbiano subito sorte migliore, ma per fortuna nell’underground c’è sempre un filo di vento che denota la presenza di qualcuno che ha fatto di questa musica anche oggi un credo.
Molti ripercorrono le orme di uno stile magari già sentito, altri tentano di mettere del proprio analizzando sia il passato che il presente, il tutto filtrato attraverso la personalità evitando accuratamente l’AI.
I Mutazioni sono una band di Alternative Rock in continua mutazione che propone brani originali e come dicono loro, “influenzati dalle proprie influenze”. Esordiscono nel 2025 con l’album dal titolo omonimo, e a poca distanza di tempo rilasciano questo “Autopsia Anima”.
Il gruppo è formato da Alessandro Soncini (voce, testi), Emilio Pardo (chitarre), Carlo Mazzaccara (basso), Manuel Carbone (batteria, testi), e Filippo Terenzi (tastiere/synths, mix, mastering).
L'album si muove lungo un filo conduttore concettuale ben preciso, un percorso di decompressione e discesa verso l'ombra (Autopsia Anima, Peste Nera), che passa attraverso la tentazione e l'illusione (La Mela, Menzoniero), per poi cercare uno spiraglio di salvezza o di coscienza (Punti di Luce, Apnea) e chiudersi in uno stato di sospensione (Stazione di Passaggio).
Ed è proprio la title track ad aprire l’album con un sound vigoroso avvinghiato a quel Rock a cavallo fra ottimi riff di chitarra, e al movimento stesso degli anni ’80. Il testo affronta il tema della dissezione interiore, l'esame crudo e spietato dei propri fallimenti e delle proprie fragilità, trattando l'anima non come entità astratta, ma come materia da sezionare sul tavolo da gioco della vita.
Gradevole “La Mela” in cui il Rock sposa certe scelte care per esempio anche al nostro cantautore Nek. La mela rappresenta la tentazione primordiale, l'inganno luccicante della modernità. Il testo gioca con l'iconografia del peccato originale rivisitata in chiave contemporanea, il desiderio irrazionale di ciò che ci fa male e la consapevolezza della caduta.
Torna il Rock robusto con “Menzoniero”, la vera anima della band dove i testi mai banali s’incrociano con il piacere di vivere il Rock.
Il brano più strutturato dell’album s’intitola “Ordinaria Utopia” e si apre con una sezione introspettiva per poi svilupparsi in un crescendo dinamico con cambi di tempo e soli di chitarra/synth dal respiro nettamente Progressive. Il tema centrale è l'illusione della quotidianità. L'"utopia ordinaria" è il sogno di una vita perfetta o pacifica che si scontra regolarmente con la routine, le ipocrisie e le costrizioni della società moderna. “Peste Nera” è invece il momento più duro e aggressivo dell'album. Riff pesanti, ritmiche d'impatto e un'atmosfera opprimente come facevano i Litfiba negli anni ’80.
La svolta emotiva e luminosa del disco giunge attraverso “Punti Di Luce”, ed è la traccia della speranza e della consapevolezza.
“Apnea” si apre con un bel riff tagliente e riporta il tiro in ambito Rock al confine dell’Hard, mentre la chiusura spetta a “Stazione Di Passaggio”, movimento riflessivo e molto orecchiabile. Non c'è una vera conclusione o una meta finale, ma solo un luogo di transito in cui fare i conti con ciò che si è lasciato alle spalle e prepararsi al prossimo capitolo.
“Autopsia Anima” è un capitolo sincero di amore nei confronti di un genere che stenta a risalire a causa di una massiva proposta di brani odierni che lasciano il Rock in disparte a favore dell’AI e di altre tendenze che prediligono la leggerezza del “non pensare”. MS 

PER ASCOLTO: https://mutazioni.bandcamp.com/album/autopsia-anima

Versione Inglese: 

MUTAZIONI – Autopsia Anima
Self-released
Genre: Alternative Rock
Format: Bandcamp – 2026

You may have noticed as well that in the Rock and Pop sphere in Italy, bands—or "i complessi", as they used to be called—have almost disappeared over time. Not that the more politically and socially engaged singer-songwriters have met a better fate, but fortunately in the underground there is always a slight breeze indicating the presence of someone who has made this music a creed even today.
Many retrace the steps of a style that may have already been heard, while others try to contribute something of their own by analyzing both the past and the present, filtering it all through personality while carefully avoiding AI.
Mutazioni are an ever-evolving Alternative Rock band offering original tracks that are, as they put it, "influenced by their own influences." They debuted in 2025 with their self-titled album, and shortly thereafter they release this "Autopsia Anima".
The group consists of Alessandro Soncini (vocals, lyrics), Emilio Pardo (guitars), Carlo Mazzaccara (bass), Manuel Carbone (drums, lyrics), and Filippo Terenzi (keyboards/synths, mixing, mastering).
The album moves along a very specific conceptual thread, a path of decompression and descent into the shadows (Autopsia Anima, Peste Nera) that passes through temptation and illusion (La Mela, Menzoniero), before searching for a glimmer of salvation or awareness (Punti di Luce, Apnea) and closing in a state of suspension (Stazione di Passaggio).
And it is precisely the title track that opens the album with a vigorous sound clinging to that style of Rock bridging great guitar riffs and the movement of the '80s itself. The lyrics address the theme of inner dissection, the raw and ruthless examination of one's failures and vulnerabilities, treating the soul not as an abstract entity, but as matter to be dissected on the gaming table of life.
"La Mela" is pleasant, where Rock marries certain choices dear, for instance, to our own singer-songwriter Nek as well. The apple represents primordial temptation, the glittering deception of modernity. The lyrics play with the iconography of original sin revisited in a contemporary key, the irrational desire for what hurts us, and the awareness of the fall.
Robust Rock returns with "Menzoniero", the true soul of the band where lyrics that are never cliché intersect with the pleasure of living Rock.
The most structured track on the album is titled "Ordinaria Utopia", opening with an introspective section before developing into a dynamic crescendo featuring time signature changes and guitar/synth solos with a distinctly Progressive feel. The central theme is the illusion of everyday life. The "ordinary utopia" is the dream of a perfect or peaceful life that regularly clashes with routine, hypocrisies, and the constraints of modern society. "Peste Nera", on the other hand, is the heaviest and most aggressive moment of the album. Heavy riffs, impactful rhythms, and an oppressive atmosphere much like Litfiba used to do in the '80s.
The emotional and luminous turning point of the record arrives through "Punti Di Luce", representing the track of hope and awareness.
"Apnea" opens with a fine, sharp riff and brings the drive back into Rock territory bordering on Hard Rock, while the closing falls to "Stazione Di Passaggio", a reflective and very catchy movement. There is no true conclusion or final destination, but only a place of transit in which to reckon with what has been left behind and prepare for the next chapter.
"Autopsia Anima" is a sincere chapter of love toward a genre struggling to resurface due to a massive influx of contemporary songs that push Rock aside in favor of AI and other trends prioritizing the lightness of "not thinking." MS

For Listening: https://mutazioni.bandcamp.com/album/autopsia-anima

Onségen Ensemble

ONSÉGEN ENSEMBLE – A Tale
Karisma Records
Genere: Heavy Prog / Folk Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Il fascino del nord Europa è un fatto appurato, la meravigliosa natura in cui è sommerso, conduce artisticamente parlando, a realizzare lavori concatenati ad esso, alla sua oscurità e freddezza. Noi italici, che siamo avvinghiati alla solarità, subiamo particolarmente questo fascino proveniente da una cultura decisamente distante dalla nostra. La Finlandia, così come la Svezia e la Norvegia, è patria di grandi artisti dediti al Progressive Rock, così tanto da apportare negli anni ’90 nuova linfa ad un genere più o meno agonizzante. Anglagard, Anekdoten, Landberk, Ageness, Fruitcake, The Flower Kings, Sinkadus… I nomi sarebbero a centinaia, ma oggi veniamo ai nostri tempi con Onségen Ensemble.
Nati nel nord della Finlandia nella zona di Oulu/Hiukkavaara, a metà degli anni 2000, gli Onségen Ensemble non sono una band nel senso tradizionale del termine, ma un vero e proprio collettivo artistico in costante mutamento.  La loro filosofia si basa su una struttura fluida, un nucleo stabile di musicisti circondato da collaboratori ed ospiti che cambiano di album in album, portando ogni volta nuovi strumenti, voci e prospettive. Questa totale libertà stilistica ha permesso loro di evolversi senza rimanere intrappolati nei dogmi di un unico genere musicale.  Prima di arrivare ad “A Tale”, la formazione ha tracciato un percorso solido attraverso quattro capitoli discografici quali “Awalaï” (2016), “Duel” (2018), “Fear” (2020), e l’album fortemente apprezzato per le sue contaminazioni Jazz “Realms” (2022). La formazione attuale è composta da Heikki Hallanoro (percussioni), Tuuli Jartti (violino), Merja Järvelin (cori, artwork), Esa Juujärvi (basso, voce), Samuli Lindberg (batteria), Joni Mäkelä (chitarra), Vilma Pesola (voce), Mikko Vuorela (flauto, armonica), Jarmo Väärä (tromba).
Con “A Tale”, la produzione è stata affidata a Niko Lehdontie, noto per il suo lavoro con realtà di spicco della psichedelia e dell'underground finlandese come Oranssi Pazuzu e Kairon; IRSE!, che ha saputo donare all'album un sottile e ipnotico tocco psichedelico, perfettamente bilanciato da una profonda grazia melodica. A differenza dei dischi Rock tradizionali, qui la musica è prevalentemente strumentale e d'atmosfera, arricchita da vocalizzi evocativi, canti corali o minimali trame testuali usati come veri e propri strumenti aggiuntivi.
Il tema centrale attorno a cui ruota l'intero album è la pace. Il collettivo stesso lo ha descritto così:  "La pace in molti modi sembra l'unico valore che ha ancora un significato reale nel mondo di oggi. La pace è diversità, ciò che spesso non osiamo essere.". I "testi" e i titoli delle canzoni non raccontano quindi storie lineari, ma funzionano come suggestioni poetiche e filosofiche. È un viaggio lirico che affronta il contrasto primordiale tra luce e oscurità, la ricerca di un rifugio interiore e la malinconia legata a come l'essere umano ferisca e calpesti il concetto stesso di armonia e natura. L'album si sviluppa su una durata di circa 42 minuti divisa in 7 tracce, caratterizzate da un suono incredibilmente caldo, organico e stratificato, arricchito da flauti, violini, trombe e percussioni tribali. “Garden Of Celestials” è il brano d'apertura e trasporta immediatamente l'ascoltatore nello spazio cosmico. L'atmosfera è oscura, eterea e solenne. Le trame sonore si stratificano lentamente creando la sensazione di un viaggio notturno o di un'introduzione rituale verso un giardino mitologico. “To Be Led By The Lost” è struggente e a tratti tetra, dove riemergono con forza le radici Jazz della band. Gli arrangiamenti dei fiati si intrecciano a una sezione ritmica deliziosamente malinconica, costruendo una tensione emotiva che cresce minuto dopo minuto. In “A Thought” regna una dimensione di pace e introspezione più pura. Il pezzo si distingue per una qualità quasi tribale e cerimoniale, guidata da percussioni calde e da voci avvolgenti che sembrano sollevarsi per cullarci. Fra i pezzi che ho maggiormente apprezzato c’è “The Word”, costruito su un riff di chitarra magnetico e ripetitivo che crea dipendenza. Su questa base, l'ensemble si diverte a giocare con sfumature che richiamano lo stile delle colonne sonore Spaghetti Western (alla Ennio Morricone), dilatando e manipolando il motivo principale in modo imprevedibile. Molto bella anche la conclusiva “Crystal Waters Of Spring”, qui a sorpresa, la band introduce stupende e avvolgenti sonorità orientali che stravolgono la narrazione.
Chiudete gli occhi e lasciatevi guidare, perchè “A Tale” è il suono prezioso di un'armonia che credevamo perduta. MS

Versione Inglese: 

ONSÉGEN ENSEMBLE – A Tale
Karisma Records
Genre: Heavy Prog / Folk Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

The allure of Northern Europe is an established fact; the wonderful nature in which it is immersed leads, artistically speaking, to the creation of works deeply linked to it, to its darkness and coldness. We Italics, who are clung to sunniness, are particularly subject to this fascination coming from a culture that is decidedly distant from ours. Finland, just like Sweden and Norway, is home to great artists dedicated to Progressive Rock, so much so that in the 90s they brought new life to a genre that was more or less agonizing. Änglagård, Anekdoten, Landberk, Ageness, Fruitcake, The Flower Kings, Sinkadus… The names could be in the hundreds, but today we come to our times with Onségen Ensemble.
Born in northern Finland in the Oulu/Hiukkavaara area in the mid-2000s, Onségen Ensemble are not a band in the traditional sense of the term, but a true artistic collective in constant mutation. Their philosophy is based on a fluid structure, a stable core of musicians surrounded by collaborators and guests who change from album to album, bringing new instruments, voices, and perspectives each time. This total stylistic freedom has allowed them to evolve without remaining trapped in the dogmas of a single musical genre. Before arriving at “A Tale”, the line-up traced a solid path through four discographical chapters such as “Awalaï” (2016), “Duel” (2018), “Fear” (2020), and the highly appreciated album for its Jazz contaminations “Realms” (2022). The current line-up consists of Heikki Hallanoro (percussion), Tuuli Jartti (violin), Merja Järvelin (backing vocals, artwork), Esa Juujärvi (bass, vocals), Samuli Lindberg (drums), Joni Mäkelä (guitar), Vilma Pesola (vocals), Mikko Vuorela (flute, harmonica), Jarmo Väärä (trumpet).
With “A Tale”, the production was entrusted to Niko Lehdontie, known for his work with prominent entities of the Finnish psychedelic and underground scene such as Oranssi Pazuzu and Kairon; IRSE!, who was able to give the album a subtle and hypnotic psychedelic touch, perfectly balanced by a profound melodic grace. Unlike traditional Rock records, the music here is predominantly instrumental and atmospheric, enriched by evocative vocalizations, choral chants, or minimal textual textures used as real additional instruments.
The central theme around which the entire album revolves is peace. The collective itself described it as follows: "Peace in many ways seems to be the only value that still has real meaning in today's world. Peace is diversity, what we often do not dare to be.". The "lyrics" and the song titles do not therefore tell linear stories, but function as poetic and philosophical suggestions. It is a lyrical journey that addresses the primordial contrast between light and darkness, the search for an inner refuge, and the melancholy linked to how human beings wound and trample upon the very concept of harmony and nature. The album develops over a duration of about 42 minutes divided into 7 tracks, characterized by an incredibly warm, organic, and layered sound, enriched by flutes, violins, trumpets, and tribal percussion. “Garden Of Celestials” is the opening track and immediately transports the listener into cosmic space. The atmosphere is dark, ethereal, and solemn. The sonic textures layer slowly, creating the feeling of a night journey or a ritual introduction towards a mythological garden. “To Be Led By The Lost” is poignant and at times bleak, where the band's Jazz roots re-emerge with strength. The brass arrangements intertwine with a deliciously melancholic rhythm section, building an emotional tension that grows minute by minute. In “A Thought” a dimension of purer peace and introspection reigns. The piece stands out for an almost tribal and ceremonial quality, guided by warm percussion and enveloping voices that seem to lift up to cradle us. Among the pieces I appreciated the most is “The Word”, built on a magnetic and repetitive guitar riff that is highly addictive. On this basis, the ensemble enjoys playing with nuances that recall the style of Spaghetti Western soundtracks (à la Ennio Morricone), dilating and manipulating the main motif in an unpredictable way. Very beautiful is also the concluding “Crystal Waters Of Spring”, where surprisingly, the band introduces wonderful and enveloping oriental sonorities that completely overturn the narrative.
Close your eyes and let yourself be guided, because “A Tale” is the precious sound of a harmony we thought was lost. MS

  

GTO

GTO – Boomer
Music Force / Egea Music Distribution
Genere: Rock / Folk
Supporto: CD – 2026

Finalmente una band che approfondisce l’immensa forza di adattamento alla vita di un intera generazione, quella nata negli anni ’60: I cosiddetti Boomer. Sono coloro passati per un infanzia creativa, fra giochi manuali, lavoro duro e soprattutto hanno saputo stare al passo con i tempi. Potremmo definirli, in modo scherzoso, dei veri e propri supereroi.
Non a caso tale argomento viene sviscerato da una band che ha quell’età anagrafica, ma che soprattutto ha ascoltato sin da giovani una ottima musica, il Rock quando era il Rock!
I GTO si formano a San Leo Bastia in provincia di Perugia nell’anno 1993. Hanno costruito negli anni un’identità musicale trascinante e inconfondibile, spesso definita "glocal", ossia una sintesi esplosiva tra il Folk d'autore italiano, il Rock, i ritmi balcanici, le influenze caraibiche (Ska e Reggae) e le sonorità americane. Agli esordi vengono notati a “Rockin' Umbria” dove aprono per Willy DeVille e nel 1998 vincono “Arezzo Wave” con il brano “Fiori Nel Fiume”. Sulla spinta di tour incessanti in Italia e in Europa, compreso un tour nel Regno Unito, pubblicano album fondamentali come “GTOCLUB” (2002), “GTOSPECIAL” 2007, contenente il singolo cult “La Sposa” e “Mondiàl” (2010). Le loro canzoni finiscono in colonne sonore di film indipendenti e serie TV europee. Celebrano i vent'anni di carriera con “Little Italy”, prodotto da Leonardo "Fresco" Beccafichi e rappresentano l'Umbria all'EXPO di Milano nel 2015. Nel 2023 festeggiano i trent'anni di attività con il doppio cd antologico “Go GTO Go (1993-2023)”. Oggi sono tornati con il progetto e il tour “Boomer”. Questo album è un manifesto di maturità, un viaggio tra autoironia generazionale, storie da bar, ritratti sociali e tanta energia acustica ed elettrica.
Ed ecco immediatamente un inno generazionale ad aprire il percorso, la title track “Boomer” con il suo movimento Ska. Il testo cita Pasolini, Fellini, i dischi in vinile, i Beatles, Bob Dylan, l'estate dell'amore e i ricordi dei Mondiali. Non è un lamento passatista, ma la presa di coscienza di una generazione cresciuta con le utopie degli anni '60/'70 che cercava risposte e ha capito "che risposta non c'è". Quel “Bum, bum, Boomer” del ritornello è perfettamente adatto per la sessione live, immediato e trascinante sorretto da una sezione ritmica incalzante che trasforma la memoria in una festa.
Un altro amarcord è la “Gita Del Quinto” fra ritmi popolari e sonorità fisarmoniche acustiche dal sapore itinerante, perfette per restituire l'atmosfera di un pullman in viaggio. Il testo descrive le prime trasgressioni, le cotte scolastiche e la sensazione di libertà imperfetta tipica dei diciotto anni.
Raggrupperei ora tre brani, “Bella Bellissima”, “Se Tu Non Avessi Me” e “Oscar”, ballate calde e mid-tempo, dove la voce solista si appoggia su intrecci di chitarre acustiche, organo e ritmiche morbide. Sono la sfaccettatura più cantautorale e intima del disco dove si parla di relazioni non convenzionali, di figure al margine della società e di sentimenti quotidiani vissuti con genuinità.
Sia “Giamaica” che “Gin And Tonic” invece rappresentano l'anima più leggera e festosa della band, fatta di evasione, notti d'estate, brindisi e voglia di staccare la spina. Dominano le ritmiche in levare (Ska e Reggae), con una sezione fiati brillante che richiama l'atmosfera dei loro storici concerti nelle piazze.
Ed ecco giungere i GTO ad apporre uno sguardo sul “da dove veniamo”, quella musica che è stata l’inizio di tutta la fase moderna, ossia il Blues e lo fanno attraverso l’omaggio a “Robert Johnson” che non può essere che un riuscito innesto tra il Roots Blues americano e la sensibilità Folk Rock mediterranea della band, dove chitarre ruvide ed energia da strada si fondono.
Simpatico il Punk Folk di “TSO (Trattamento Sanitario Obbligatorio)”, un brano satirico e graffiante che ribalta il concetto di follia, in una società nevrotica e omologata, chi è davvero il pazzo da ricoverare?
Uno sguardo all’America Rock con “New York City”, mentre “Pirata” narra la storia di un uomo che si innamora di una donna su una musica cantautorale dal profumo anni ’70.
“Storia Di Chiara”  è una ballata acustica nostalgica che ricorda un amica di scuola e a questo punto giungono due bonus track, “Orgoglio” cantata dall’ospite Maria Elisa Bernardini e “Straniera” con Angelique”, entrambe eleganti e molto orecchiabili. Quest’ultima è un racconto delicato sull'incontro con il diverso, le radici geografiche e l'emigrazione, temi da sempre cari al songwriting dei GTO. E’ un tessuto Etno Folk avvolgente, guidato da strumenti acustici e da un arrangiamento che mescola melodie nostrane e influenze multiculturali.
In conclusione, “Boomer” è un disco che trasmette molta allegria ed adatto per molteplici occasioni, come per esempio un bel viaggio in macchina. L'album riesce a far ballare riflettendo sul tempo che passa, confermando la band umbra come una garanzia di musica popolare d'autore. MS

Versione Inglese: 

GTO – Boomer
Music Force / Egea Music Distribution
Genre: Rock / Folk
Format: CD – 2026

Finally, a band that delves into the immense adaptive strength to life of an entire generation, the one born in the '60s: the so-called Boomers. They are the ones who went through a creative childhood filled with hand-made games, hard work, and above all, knew how to keep up with the times. We could playfully define them as true superheroes.
It is no coincidence that this topic is thoroughly explored by a band of that age group, but above all, one that listened to excellent music from a young age—Rock when it was Rock!
GTO was formed in San Leo Bastia in the province of Perugia in the year 1993. Over the years, they have built a compelling and unmistakable musical identity, often described as "glocal"—an explosive synthesis of Italian singer-songwriter Folk, Rock, Balkan rhythms, Caribbean influences (Ska and Reggae), and American sounds. Early in their career, they were noticed at “Rockin' Umbria,” where they opened for Willy DeVille, and in 1998, they won “Arezzo Wave” with the track “Fiori Nel Fiume”. Driven by relentless touring in Italy and Europe, including a UK tour, they released landmark albums such as “GTOCLUB” (2002), “GTOSPECIAL” 2007 (featuring the cult single “La Sposa”), and “Mondiàl” (2010). Their songs ended up on the soundtracks of independent films and European TV series. They celebrated their twenty-year career with “Little Italy,” produced by Leonardo "Fresco" Beccafichi, and represented Umbria at the Milan EXPO in 2015. In 2023, they celebrated thirty years of activity with the double anthological CD “Go GTO Go (1993-2023)”. Today they are back with the project and tour “Boomer”. This album is a manifesto of maturity, a journey through generational self-irony, bar stories, social portraits, and plenty of acoustic and electric energy.
And here immediately is a generational anthem opening the tracklist: the title track “Boomer” with its Ska groove. The lyrics reference Pasolini, Fellini, vinyl records, the Beatles, Bob Dylan, the summer of love, and memories of the World Cup. It is not a nostalgic lament, but the realization of a generation that grew up with the utopias of the '60s/'70s, seeking answers and understanding "che risposta non c'è" (that there is no answer). That “Bum, bum, boomer” of the chorus is perfectly suited for live sessions—immediate and compelling, backed by a driving rhythm section that transforms memory into a celebration.
Another amarcord is “Gita Del Quinto”, blending popular rhythms and acoustic accordion sounds with a traveling flavor, perfect for capturing the atmosphere of a tour bus journey. The lyrics describe first transgressions, school crushes, and that sense of imperfect freedom typical of being eighteen.
I would now group three tracks: “Bella Bellissima”, “Se Tu Non Avessi Me”, and “Oscar”—warm, mid-tempo ballads where the lead vocal rests on woven acoustic guitars, organ, and smooth rhythms. They represent the more intimate, singer-songwriter side of the record, dealing with unconventional relationships, figures on the margins of society, and everyday feelings experienced with genuineness.
Both “Giamaica” and “Gin And Tonic”, on the other hand, represent the band's lighter, more festive soul—made of escapism, summer nights, toasts, and the desire to unplug. Offbeat rhythms (Ska and Reggae) dominate, accompanied by a bright horn section that recalls the atmosphere of their historic square concerts.
And here come GTO casting a glance at "where we come from"—the music that marked the beginning of the entire modern era: the Blues. They do so through a tribute to “Robert Johnson”, which is a successful blend of American Roots Blues and the band's Mediterranean Folk Rock sensibility, where gritty guitars and street energy fuse together.
The Punk Folk of “TSO (Trattamento Sanitario Obbligatorio)” is delightful—a satirical, biting track that turns the concept of madness on its head: in a neurotic, homogenized society, who is really the crazy one to be institutionalized?
A nod to American Rock comes with “New York City”, while “Pirata” tells the story of a man falling in love with a woman set to a singer-songwriter style music with a '70s feel.
“Storia Di Chiara” is a nostalgic acoustic ballad recalling a school friend, leading into two bonus tracks: “Orgoglio”, sung by guest Maria Elisa Bernardini, and “Straniera” featuring Angelique, both elegant and very catchy. The latter is a delicate tale about encountering the other, geographical roots, and emigration—themes long dear to GTO's songwriting. It features an enfolding Ethno Folk texture, guided by acoustic instruments and an arrangement that mixes Italian melodies with multicultural influences.
In conclusion, “Boomer” is an album that conveys great joy and is suitable for many occasions, such as a nice car ride. The album manages to get people dancing while reflecting on the passage of time, confirming the Umbrian band as a guaranteed benchmark for quality popular music. MS

Il Rock In Italia

 IL ROCK IN ITALIA

Carmine Capasso - Giorgio "Fico" Piazza

CARMINE CAPASSO / GIORGIO FICO PIAZZA – Vi Suoniamo Una Storia
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock / Pop Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Se ci si innamora della musica e si pensa di prendere in mano per la prima volta uno strumento, spesso ciò accade perchè si resta colpiti da alcune canzoni. Tutti hanno pagato questo pedaggio, è nella natura delle cose, poi c’è chi è divenuto famoso e chi meno, resta il fatto che anche grandi artisti amano cimentarsi in ciò che li ha spinti a suonare. Chiamiamola pure una valvola di sfogo, oppure il piacere di tornare a certe radici e quando due grandi musicisti italiani si incontrano e si scambiano queste sensazioni, allora il risultato è quantomeno piacevole.
Divertente il caso di Carmine Capasso e Giorgio Fico Piazza (ex PFM), un incontro fra due generazioni che si ritrovano al cospetto della storia del Rock Progressivo italiano. Se a tutto questo aggiungiamo che l’album “Vi Suoniamo Una Storia” è registrato dal vivo, allora noterete che le vibrazioni positive aumenteranno d’intensità. Ma veniamo agli artisti, Giorgio "Fico" Piazza è lo  storico e leggendario bassista della prima era del Prog italiano assieme alla Premiata Forneria Marconi. Nel corso della sua lunghissima carriera ha collaborato anche con giganti come Lucio Battisti e Demetrio Stratos. Carmine Capasso  è un chitarrista, cantante e produttore poliedrico, noto per la sua militanza nella storica band The Trip. Possiede una forte cifra stilistica che unisce una profonda sensibilità cantautorale a un virtuosismo chitarristico mai fine a se stesso. Il sodalizio con Piazza nasce proprio da una forte affinità elettiva e dalla voglia di non far morire la narrazione vibrante degli anni '60 e '70, riattualizzandola.
Dal punto di vista musicale, il live mette in mostra una chimica pazzesca. Le trame chitarristiche e la voce di Capasso si appoggiano sulle fondamenta solide, calde e inconfondibili del basso di Piazza. La band che li accompagna dal vivo arricchisce il tessuto sonoro con tappeti di tastiere, hammond, moog e una sezione ritmica dinamica, tipica del Prog sinfonico e del Rock classico.
Per farvi capire cosa vi attende, questa è la scaletta musicale: “Neve Nera”, “Una Valigia Di Perché”, “Enigma”, “Monna Lisa”, “Il Buono, Il Brutto E Il Cattivo”, “Apache”, “ Una Bambolina che Fa No, No, No” “Il Tempo Di Morire”, “21st Century Schizoid Man”, “La Carrozza Di Hans”, “Lucky Man”, “Impressioni Di Settembre”, “È Festa”. Avrete sicuramente notato la varietà di stili che passano dal cantautorato del grandissimo e mai troppo citato Ivan Graziani (Monna Lisa) o di Lucio Battisti (Il Tempo Di Morire) al repertorio storico PFM con tre grandi classici (La Carrozza Di Hans, Impressioni Di Settembre, E’ Festa) e anche un cenno al pre-PFM con i Quelli di “Una Bambolina Che Fa No, No, No”. Non manca la musica cinematografica del maestro Ennio Morricone (Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo), la storia del Prog con i King Crimson (21st Century Schizoid Man) o gli Emerson Lake e Palmer con il classico “Lucky Man”. Un altro brano preso di mira da molteplici chitarristi è l’intramontabile “Apache” dei The Shadows (1960), ricordo al riguardo anche una ottima versione dei Rockets. E poi ci sono brani tratti dall’opera di Carmine Capasso “Assenza Di Gravità”  e sono “Neve Nera” e “Una Valigia Di Perché”.
Ciò che trasuda dai pezzi non è soltanto la tecnica strumentale eccelsa, bensì l’amore e la dedizione dei due artisti nel vestire questi brani con rispetto e nuova materia. Basta ascoltare la complessa “La Carrozza Di Hans” per capire bene di che pasta sono fatti questi signori del Prog.
Si, Capasso e Piazza ci hanno raccontato una storia e noi l’abbiamo ascoltata sia nel tempo che oggi dalle loro mani, e allora capisci perché si ama questa musica immortale. Un disco da possedere per ricordare da dove veniamo e per avere un buon riassunto della nostra fantastica musica italiana. MS

Versione Inglese: 

CARMINE CAPASSO / GIORGIO FICO PIAZZA – Vi Suoniamo Una Storia
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock / Pop Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

If you fall in love with music and think about picking up an instrument for the first time, it often happens because you are struck by certain songs. Everyone has paid this toll, it is in the nature of things; then there are those who became famous and those who didn't, but the fact remains that even great artists love to try their hand at what drove them to play. Let's call it an outlet, or the pleasure of returning to certain roots, and when two great Italian musicians meet and exchange these feelings, then the result is at the very least pleasant.
Amusing is the case of Carmine Capasso and Giorgio Fico Piazza (formerly of PFM), a meeting between two generations who find themselves in the presence of the history of Italian Progressive Rock. If we add to all this that the album “Vi Suoniamo Una Storia” is recorded live, then you will notice that the positive vibrations increase in intensity.
But let's come to the artists: Giorgio "Fico" Piazza is the historic and legendary bassist of the first era of Italian Prog along with Premiata Forneria Marconi. Over the course of his very long career, he has also collaborated with giants like Lucio Battisti and Demetrio Stratos. Carmine Capasso is a versatile guitarist, singer, and producer, known for his militancy in the historic band The Trip. He possesses a strong stylistic signature that combines a deep singer-songwriter sensibility with a guitar virtuosity that is never an end in itself. The partnership with Piazza was born precisely from a strong elective affinity and the desire not to let the vibrant narrative of the 60s and 70s die, updating it.
From a musical point of view, the live show displays an incredible chemistry. Capasso's guitar textures and voice rest on the solid, warm, and unmistakable foundations of Piazza's bass. The band accompanying them live enriches the sonic fabric with layers of keyboards, hammond, moog, and a dynamic rhythmic section, typical of symphonic Prog and classic Rock.
To let you understand what awaits you, this is the tracklist: “Neve Nera”, “Una Valigia Di Perché”, “Enigma”, “Monna Lisa”, “Il Buono, Il Brutto E Il Cattivo”, “Apache”, “ Una Bambolina che Fa No, No, No” “Il Tempo Di Morire”, “21st Century Schizoid Man”, “La Carrozza Di Hans”, “Lucky Man”, “Impressioni Di Settembre”, “È Festa”. You will surely have noticed the variety of styles ranging from the songwriting of the great and never too frequently cited Ivan Graziani (Monna Lisa) or Lucio Battisti (Il Tempo Di Morire) to the historic PFM repertoire with three great classics (La Carrozza Di Hans, Impressioni Di Settembre, E’ Festa) and even a nod to the pre-PFM era with I Quelli's “Una Bambolina Che Fa No, No, No”. There is no shortage of cinematic music by maestro Ennio Morricone (Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo), Prog history with King Crimson (21st Century Schizoid Man) or Emerson Lake and Palmer with the classic “Lucky Man”. Another track targeted by multiple guitarists is the timeless “Apache” by The Shadows (1960)—I also recall an excellent version by the Rockets in this regard. And then there are tracks taken from Carmine Capasso's work “Assenza Di Gravità”, which are “Neve Nera” and “Una Valigia Di Perché”.
What exudes from the tracks is not just excellent instrumental technique, but rather the love and dedication of the two artists in dressing these songs with respect and new substance. You just need to listen to the complex “La Carrozza Di Hans” to understand well what these gentlemen of Prog are made of. Yes, Capasso and Piazza told us a story and we listened to it both back in the day and today from their hands, and then you understand why people love this immortal music. A record to own to remember where we come from and to have a good summary of our fantastic Italian music. MS

Considerazione non musicale: Dovè andata l'Italia?

DOV’E’ ANDATA L’ITALIA?

Di Massimo Salari

Geograficamente non ci siamo mossi.

Ma che fine ha fatto l’Italia della personalità Made In Italy, delle grandi menti, dell’arte, della produzione industriale?

Sparita?

Tutto è iniziato con l’ingresso in Europa, un caso o no, non sta a me a deciderlo ma alle grandi menti, io in questo piccolo post voglio focalizzare solo ciò che vedo. Uno sfogo…Mettiamola così.

Oggi siamo per le aziende solo un numero da contrattino sottopagato. Un cacciavite in un cassetto, dove il giovane non impara e il vecchio lavora al posto suo. Capisco la difficoltà delle aziende, ma questo modus operandi è totale, non locale, e non c’è nessuno che si adopera differentemente.

Radicato!

Lo stato vede le persone e le famiglie solo come mucche da mungere. Tante promesse farlocche, tante parole, e più parlano e promettono e più l’italiano paga. Zitto ovviamente. Certo, questo non da ora, non è questione di bandiere politiche (esistono più?),  ma accade da tempo.

Radicato!

L’arte e la cultura con l’avvento di AI e della contaminazione globale data dai media (imposizioni) hanno inaridito i settori rendendoli semplicemente inutili e banali. Il processo è iniziato lentamente negli anni ’80, poi l’avvento di internet ha accelerato il fenomeno.

Radicato!

Non ci sono i soldi per chi studia e sperimenta nei laboratori, non ci sono i soldi per la ricerca e lo sviluppo, si tolgono soldi alla scuola, non da ora ma da decenni.

Radicato!

Un esempio di questo distacco dall’Italia che fù  è la nazionale di calcio, la quale sono tre mondiali che salta. Ho scelto il calcio come esempio perché è uno dei sport in cui l’Italia mette più soldi. Tanti soldi e niente mondiali… Nessun attaccamento alla maglia neppure qui.

Radicato!

Ora mi fermo qui, ma sapete quanto è duro sradicare? E’ più facile fare spallucce (finchè ci sono i soldi di babbo) e far finta che tutto vada bene, per questo siamo spariti e non ce ne siamo neppure accorti.

Siamo ombre.

Qualcuno dirà che tutto questo non è vero o troppo pessimistico, altri diranno “populistia”, ebbene io ho 62 anni e la mia vita l’ho vissuta al meglio delle mie capacità. Ho visto cosa è stato meglio, l’ho vissuto, respirato, lottato… Quindi pensate e ditemi ora ciò che volete, ho un ricordo di un'altra Italia e queste non sono chiacchiere ma fatti di vita.

Rimedi? A bizzeffe, ma sareste disposti a rinunciare ai vostri telefoni, tv, a leggere, a manifestare, a non accontentarsi di ciò che ci dicono e ci propinano? Ho fiducia nei giovani, non sono come molti li descrivono, ma non saranno più tempi per me.

Cantava Gaber: “Io non mi sento italiano, ma per fortuna o purtroppo lo sono”. Ecco fatto.

Ciao Italia.

 Versione Inglese:

WHERE HAS ITALY GONE?

Geographically, we haven't moved. But what happened to the Italy of "Made in Italy" personality, of great minds, of art, of industrial production? Gone?

It all started with joining Europe—whether that’s a coincidence or not isn't for me to decide, but for the great minds. In this short post, I just want to focus on what I see. An outburst… let’s put it that way.

Today, for companies, we are nothing more than a number attached to a underpaid little contract. A screwdriver in a drawer, where the young person doesn't learn and the old person works in their place. I understand the difficulties companies face, but this modus operandi is universal, not local, and there is no one acting differently. Deeply rooted!

The state views people and families merely as milk cows. So many fake promises, so many words, and the more they speak and promise, the more the average Italian pays. Silently, of course.

Granted, this hasn't just started now, it's not a matter of political party flags (do they even exist anymore?), but it has been happening for a long time. Deeply rooted!

With the advent of AI and the global contamination brought by the media (impositions), art and culture have dried up these sectors, rendering them simply useless and mundane. The process began slowly in the 1980s, and then the rise of the internet accelerated the phenomenon. Deeply rooted!

There is no money for those who study and experiment in labs, there is no money for research and development, and money is being taken away from schools—not just now, but for decades. Deeply rooted!

An example of this detachment from the Italy that once was is the national football team, which has missed three World Cups in a row. I chose football as an example because it's one of the sports Italy pours the most money into. A lot of money and no World Cups… No dedication to the jersey here either. Deeply rooted!

Now I'll stop here, but do you know how hard it is to eradicate something like this? It's easier to shrug your shoulders (as long as dad's money is still there) and pretend that everything is fine—that's why we have vanished and didn't even notice. We are shadows.

Some will say that all of this isn't true or that it's too pessimistic; others will call it "populist." Well, I am 62 years old and I have lived my life to the best of my abilities. I saw what was better, I lived it, breathed it, fought for it… So think what you want and tell me whatever you like now, but I have the memory of a different Italy, and these aren't just empty words, but real-life facts.

Remedies? Plenty. But would you be willing to give up your phones, your TVs, to read, to protest, to stop settling for what they tell us and feed us? I have faith in young people—they aren't how many describe them—but these won't be my times anymore.

As Gaber used to sing: "I don't feel Italian, but fortunately or unfortunately, I am." There you have it.

Goodbye, Italy.

Asceta

ASCETA - The Fool Leading The Blind
Lizard Records
Genere: RIO / Avant Prog
Supporto: CD / Digital – 2026

Anche il Cile ha saputo nel tempo regalare piccolo gemme in ambito Progressive Rock, basta citare gli attuali Aisles e Hidalgo, oppure se guardiamo negli anni ’70 i Los Jaivas ed i Congreso. Oggi si aggiungono gli Asceta, attivi sin dal 2020. Propongono una musica che i meno esperti ma attenti ascoltatori, potrebbero denominare “colta”, ossia quella che oltre ai tempi dispari aggiunge Jazz e ricerca strutturale avanguardistica.
Il nucleo della band di Santiago ruota attorno a musicisti di formazione classica e jazzisti d'avanguardia, guidati dall'estro compositivo del chitarrista e principale compositore Rodrigo Maccioni. Gli Asceta nascono quindi con l'intento di abbattere i confini tra la rigidità della musica scritta (da camera) e l'imprevedibilità dell'improvvisazione Jazz, il tutto filtrato attraverso la lente pesante e distorta del Rock Progressivo più spigoloso e spesso Crimsoniano. Il loro debutto omonimo, uscito nel 2021, aveva già impressionato gli addetti ai lavori per la capacità di far dialogare strumenti tradizionalmente Rock (chitarra elettrica, basso, batteria) con legni e ottoni (clarinetto, flauto, tromba). Oggi con “The Fool Leading The Blind” firmano la propria consacrazione. Il titolo dell'album si ispira alla celebre parabola "La parabola dei ciechi" di Pieter Bruegel il Vecchio, un'allegoria della condizione umana, della cecità spirituale e del caos politico-sociale contemporaneo, temi particolarmente sentiti nel Cile post rivolte sociali del 2019.
Per questa opera, Rodrigo Maccioni (chitarra elettrica, tastiere, flauto) riunisce un ensemble eccezionale formato da Alfonso Vergara (clarinetti), Cristián Peralta (violoncello), Arianne Guerra (viola), Eduardo Rubio (basso), Leonardo Saavedra (batteria, percussioni), Jorge Bugueño(piano elettrico), Alejandro Vera (fagotto), e Pascal Montenegro (corno inglese).
La title track di apertura è una monumentale suite di oltre ventuno minuti. Si tratta di un vero e proprio viaggio espressionista in più movimenti. Il brano inizia con atmosfere rarefatte e cameristiche, dove la viola di Arianne Guerra e il violoncello di Cristián Peralta intessono trame malinconiche e tese. Lentamente, la chitarra elettrica di Maccioni e la sezione ritmica trasformano il pezzo in una cavalcata Jazz Prog spigolosa e geometrica, che ricorda le vette dei Present o degli Univers Zero. I cambi di tempo sono continui, ma la transizione tra le sezioni orchestrali guidate da corno inglese e fagotto e quelle prettamente Rock, è straordinariamente fluida e drammatica.
“When They Arrive” invece si sviluppa su un'atmosfera di attesa e minaccia latente. Il piano elettrico di Jorge Bugueño e i clarinetti creano un tappeto sonoro cupo e misterioso, prima che il basso pulsante di Eduardo Rubio detti una marcia destabilizzante. La chitarra si lancia in arpeggi dissonanti di scuola Robert Fripp (periodo King Crimson anni '70). C'è un forte senso immaginifico in questa traccia, come se fosse la colonna sonora di un thriller psicologico d'altri tempi.
Con i suoi quasi sei minuti, “Temple Of Mirrors” è Il pezzo più breve del disco, ma non per questo meno denso. È un labirinto sonoro dominato da continui contrappunti e incastri millimetrici tra i legni (fagotto, corno inglese) e gli archi. La musica rimbalza da uno strumento all'altro proprio come un raggio di luce in un tempio di specchi, creando un effetto di disorientamento controllato. La batteria di Leonardo Saavedra compie qui un lavoro magistrale, frammentando il tempo senza mai far perdere il groove profondo del brano.
Segue “Everything Stopped”, e come suggerisce il titolo, il brano gioca sul contrasto tra stasi e movimento. Inizia con momenti di sospensione quasi immobile, dove i singoli strumenti sembrano emettere note isolate nel vuoto. Progressivamente, la tensione accumulata in questi silenzi esplode in sezioni di Avant Prog. È una delle tracce più dinamiche ed emotive dell'intero lotto.
La chiusura spetta a “Memento Mori (Remember That You Will Die)”, ed è una riflessione solenne e spettrale sulla mortalità. Con lo scorrere dei minuti, il brano si trasforma in una maestosa e oscura marcia guidata dal violoncello e dal piano elettrico, arricchita da innesti di sintetizzatore dal sapore cosmico. È il perfetto climax per un album che esplora la cecità e la fragilità umana, spegnendosi in un finale di straordinaria e drammatica bellezza cameristica.
Se amate band come Henry Cow, Univers Zero, Present, i King Crimson del periodo 1973-1974 o il Jazz Core moderno dei Zu, “The Fool Leading The Blind” è un ascolto imprescindibile che dimostra quanto la scena d'avanguardia cilena sia viva e straordinariamente creativa. MS 

Versione Inglese: 

ASCETA - The Fool Leading The Blind
Lizard Records
Genre: RIO / Avant Prog
Format: CD / Digital – 2026

Over time, Chile has also been able to deliver little gems in the Progressive Rock field, just mention the current Aisles and Hidalgo, or if we look back to the '70s, Los Jaivas and Congreso. Today, Asceta, active since 2020, join their ranks. They offer music that less experienced but attentive listeners might call “cultured”, meaning the kind that, in addition to odd time signatures, incorporates Jazz and avant-garde structural research.
The core of the Santiago band revolves around classically trained musicians and avant-garde jazz players, led by the creative flair of guitarist and main composer Rodrigo Maccioni. Asceta were thus born with the intent of tearing down the boundaries between the rigidity of written (chamber) music and the unpredictability of Jazz improvisation, all filtered through the heavy, distorted lens of the most angular and often Crimson-esque Progressive Rock. Their self-titled debut, released in 2021, had already impressed insiders with its ability to make traditionally Rock instruments (electric guitar, bass, drums) dialogue with woodwinds and brass (clarinet, flute, trumpet). Today, with “The Fool Leading The Blind”, they seal their consecration. The album title is inspired by the famous parable "La parabola dei ciechi" (The Parable of the Blind) by Pieter Bruegel the Elder, an allegory of the human condition, spiritual blindness, and contemporary politico-social chaos—themes particularly deeply felt in Chile following the social uprisings of 2019.
For this work, Rodrigo Maccioni (electric guitar, keyboards, flute) gathers an exceptional ensemble made up of Alfonso Vergara (clarinets), Cristián Peralta (cello), Arianne Guerra (viola), Eduardo Rubio (bass), Leonardo Saavedra (drums, percussion), Jorge Bugueño (electric piano), Alejandro Vera (bassoon), and Pascal Montenegro (English horn).
The opening title track is a monumental suite of over twenty-one minutes. It is a true expressionist journey in multiple movements. The piece begins with rarefied, chamber-like atmospheres, where Arianne Guerra's viola and Cristián Peralta's cello weave melancholy and tense textures. Slowly, Maccioni's electric guitar and the rhythm section transform the piece into an angular and geometric Jazz Prog ride, reminiscent of the heights of Present or Univers Zero. The time signature changes are continuous, but the transition between the orchestral sections led by English horn and bassoon and the purely Rock ones is extraordinarily fluid and dramatic.
“When They Arrive”, on the other hand, develops over an atmosphere of anticipation and latent threat. Jorge Bugueño's electric piano and the clarinets create a dark and mysterious soundscape before Eduardo Rubio's pulsing bass dictates a destabilizing march. The guitar launches into Robert Fripp-school dissonant arpeggios (70s King Crimson era). There is a strong imaginative sense in this track, as if it were the soundtrack to a psychological thriller from another era.
At nearly six minutes long, “Temple Of Mirrors” is the shortest track on the record, but no less dense. It is a sonic labyrinth dominated by continuous counterpoints and millimetric interlockings between the woodwinds (bassoon, English horn) and the strings. The music bounces from one instrument to another just like a ray of light in a temple of mirrors, creating an effect of controlled disorientation. Leonardo Saavedra's drumming does a masterful job here, fragmenting the time without ever losing the deep groove of the piece.
“Everything Stopped” follows, and as the title suggests, the piece plays on the contrast between stasi and movement. It begins with moments of almost motionless suspension, where individual instruments seem to emit isolated notes into the void. Progressively, the tension accumulated in these silences explodes into Avant Prog sections. It is one of the most dynamic and emotional tracks of the entire batch.
The closing falls to “Memento Mori (Remember That You Will Die)”, which is a solemn and spectral reflection on mortality. As the minutes tick by, the piece transforms into a majestic and dark march led by the cello and the electric piano, enriched by synthesizer injections with a cosmic flavor. It is the perfect climax for an album that explores human blindness and fragility, fading out into a finale of extraordinary and dramatic chamber beauty.
If you love bands like Henry Cow, Univers Zero, Present, King Crimson of the 1973-1974 period, or the modern Jazz Core of Zu, “The Fool Leading The Blind” is an essential listen that proves just how alive and extraordinarily creative the Chilean avant-garde scene is. MS