Gianni Venturi / Felice Del Gaudio

GIANNI VENTURI / FELICE DEL GAUDIO – Sciamantrica
Etichetta: PMS Studio
Genere: Cantautorale / Sperimentale
Supporto: Digital / CD – 2026

Accade spesso di constatare come, in una composizione, il peso specifico delle parole sia determinante, in altri contesti, esse preferiscono adagiarsi su argomentazioni più effimere. Resta tuttavia incontrovertibile che musica e verbo costituiscano un binomio inscindibile, laddove la partitura incontra testi di natura poetica, l’opera si ammanta di una seducente magia.
Quando il discorso verte sulla sperimentazione e sulla ricerca vocale e letteraria, uno dei nomi di maggior rilievo del panorama italico è certamente quello di Gianni Venturi. Protagonista di innumerevoli progetti e produzioni soliste, viene così descritto nelle sue note biografiche: “Nato in una casa di musicisti con origini gitane da parte di madre, inizia a scrivere da giovanissimo, e la sua prima pubblicazione presenta la prefazione di Roberto Roversi, di cui è stato allievo. Ha fondato insieme a Salvatore Jemma e Maurizio Maldini la rivista poetica I quaderni del Masaorita, e alcuni dei suoi testi sono reperibili al Museo della Poesia di Modena, in alcune università americane e in diverse antologie. Oltre alle varie pubblicazioni incide numerosi dischi: con gli Altare Thotemico, il Progetto MOLOCH con Lucien Moreau, il progetto Mantra Informatico ed il progetto Qohelet con Alessandro Seravalle. Da sempre lavora con il suono e la parola, essendo un ricercatore vocale, e unisce la poesia a sonorità che avvolgono i versi e si fondono in un tutt’uno.”.
Oggi, Venturi firma una nuova opera dal titolo “Sciamantrica”, forse l'apice della sua longeva militanza artistica, realizzata in sodalizio con Felice Del Gaudio. Di quest'ultimo, le biografie riportano: “Felice Del Gaudio, bassista e contrabbassista, nato a Lagonegro ma residente a Bologna dal 1984, si è diplomato in musica Jazz presso il conservatorio Adria Nella. Nel corso della sua carriera ha collaborato con: Paul Wertico, Lucio Dalla, Quartetto Archi Opera di Berlino, Henghel Gualdi, Pier Giorgio Farina, Raphael Gualazzi, Daniele Di Bonaventura, Biagio Antonacci, Sherrita Duran, Ginger Brew, Amii Stewart, Andrea Griminelli, Claudio Lolli, Jim Campilongo… Ha pubblicato 6 metodi per lo studio del basso, un DVD didattico, ha al suo attivo più di 150 registrazioni discografiche e 7 album come solista e leader. Ha anche suonato in diversi festival di musica in Europa e nel mondo.”.
Espletate le dovute presentazioni, giungiamo al fulcro del lavoro: la musica.
L’album si dipana attraverso nove tracce, inaugurate da “Preghiera Per Gaza”. Qui la voce intensa di Venturi si profonde in una vibrante interpretazione di un testo graffiante, focalizzato sulle tragiche vicissitudini della martoriata striscia di terra. Trame sonore dalle tinte arabeggianti ne definiscono l'atmosfera drammatica: “C’è sempre una madre rannicchiata nel dolore, non c’è bandiera che non sia insanguinata”.
Il violoncello tesse la trama della breve “Avrei Voluto Ridere”, istantanea di un pensiero assorto nella dolente introspezione dell’essere. La caratura poetica è qui altissima, toccante nella sua disarmante intensità.
Il vigore ritmico aumenta in “La Terra è Mia”, un inno a Madre Natura capace di resilienza nonostante l’ingrato agire umano. Le liriche si confermano incisive e prive di filtri.
Più complessa nell’architettura è “La Caverna Di Platone”, dove emergono quei vocalizzi sciamanici che sono il fulcro della ricerca di Venturi. Sottili fraseggi d'archi sottolineano la potenza dei versi, mentre un assolo di contrabbasso, intenso ed emotivo, punge con la medesima forza del recitato. L’elettronica interviene a supporto di “Caro Hermann”, brano incastonato in un’estetica psichedelica che aderisce con maggior rigore alla forma-canzone. Raffinate coralità in sottofondo donano profondità all’arrangiamento.
Restando in territori psichedelici, un sitar introduce “Fili Di Luce”, prima di cedere il passo a sonorità rarefatte speculari ai testi. Frammenti di quotidianità vengono filtrati attraverso la lente della memoria, con una metrica peculiare sospesa tra narrazione e canto. “Socrate” rivolge uno sguardo sprezzante e rabbioso alla politica, mentre “Ho Paura Della Pecora” adotta un incedere più pacato, pur mantenendo quell'approccio vocale rapsodico, distante dalle convenzioni metriche razionali.
La chiusura è affidata a “L’Amore E’ Un Codice Binario”, traccia che suggella il connubio tra i due artisti in un movimento intenso, dove la simbiosi tra voce e percussioni si rivela l'arma vincente.
 “Sciamantrica” si configura come l’ennesimo capitolo di poesia in musica, concepito con profonda dedizione. È un’opera sospesa tra reminiscenze e riflessioni analitiche capaci di scuotere l'ascoltatore.
Gli autori si congedano con un interrogativo cruciale: “L’arte deve massificarsi o è la massa che può essere educata all’arte?”. È un quesito che mi sta particolarmente a cuore, da decenni sostengo che l'atto creativo rischi la sterilità se privo di un pubblico educato alla ricezione. È imperativo riavvicinare l’ascoltatore a questo modus operandi, elevandolo dal mero e fugace “sentire”. Si è smarrita la cultura del tempo dedicato a sé stessi, un tempo serio e sereno: solo attraverso questo recupero la musica potrà salvarsi.
Al loro dubbio rispondo con convinzione: “E’ la massa che deve essere educata all’arte”, poiché l’arte non contempla confini né dogmi; è indomabile in quanto espressione pura dell'emozione. Non può essere massificata senza perdere la sua stessa essenza, cesserebbe di essere il viatico del pensiero individuale per ridursi a un prodotto "generico", standardizzato da una massa di automi (IA inclusa).
A Venturi e Del Gaudio rivolgo, dunque, un immenso ringraziamento. MS 

Versione Inglese:

GIANNI VENTURI / FELICE DEL GAUDIO – Sciamantrica
Label: PMS Studio
Genre: Singer-Songwriter / Experimental
Format: Digital / CD – 2026

It is often observed that in a composition, the specific weight of words is decisive; in other contexts, they prefer to settle upon more ephemeral arguments. It remains, however, incontrovertible that music and the word constitute an inseparable duo; where the score meets texts of a poetic nature, the work clothes itself in a seductive magic.
When the discussion turns to experimentation and vocal and literary research, one of the most prominent names on the Italian scene is certainly that of Gianni Venturi. A protagonist of countless projects and solo productions, he is described in his biographical notes as follows: “Nato in una casa di musicisti con origini gitane da parte di madre, inizia a scrivere da giovanissimo, e la sua prima pubblicazione presenta la prefazione di Roberto Roversi, di cui è stato allievo. Ha fondato insieme a Salvatore Jemma e Maurizio Maldini la rivista poetica I quaderni del Masaorita, e alcuni dei suoi testi sono reperibili al Museo della Poesia di Modena, in alcune università americane e in diverse antologie. Oltre alle varie pubblicazioni incide numerosi dischi: con gli Altare Thotemico, il Progetto MOLOCH con Lucien Moreau, il progetto Mantra Informatico ed il progetto Qohelet con Alessandro Seravalle. Da sempre lavora con il suono e la parola, essendo un ricercatore vocale, e unisce la poesia a sonorità che avvolgono i versi e si fondono in un tutt’uno.”.
Today, Venturi signs a new work titled “Sciamantrica,” perhaps the pinnacle of his long-standing artistic militancy, created in partnership with Felice Del Gaudio. Regarding the latter, biographies report: “Felice Del Gaudio, bassista e contrabbassista, nato a Lagonegro ma residente a Bologna dal 1984, si è diplomato in musica Jazz presso il conservatorio Adria Nella. Nel corso della sua carriera ha collaborato con: Paul Wertico, Lucio Dalla, Quartetto Archi Opera di Berlino, Henghel Gualdi, Pier Giorgio Farina, Raphael Gualazzi, Daniele Di Bonaventura, Biagio Antonacci, Sherrita Duran, Ginger Brew, Amii Stewart, Andrea Griminelli, Claudio Lolli, Jim Campilongo… Ha pubblicato 6 metodi per lo studio del basso, un DVD didattico, ha al suo attivo più di 150 registrazioni discografiche e 7 album come solista e leader. Ha anche suonato in diversi festival di musica in Europa e nel mondo.”.
The necessary introductions having been made, we come to the core of the work: the music. The album unfolds across nine tracks, inaugurated by “Preghiera Per Gaza.” Here, Venturi’s intense voice pours into a vibrant interpretation of a biting text, focused on the tragic vicissitudes of the martyred strip of land. Sound textures with Middle Eastern hues define its dramatic atmosphere: “C’è sempre una madre rannicchiata nel dolore, non c’è bandiera che non sia insanguinata”.
The cello weaves the plot of the brief “Avrei Voluto Ridere,” a snapshot of a thought absorbed in the sorrowful introspection of being. The poetic stature here is supreme, touching in its disarming intensity. The rhythmic vigor increases in “La Terra è Mia,” a hymn to Mother Nature capable of resilience despite ungrateful human behavior; the lyrics prove incisive and unfiltered.
More complex in its architecture is “La Caverna Di Platone,” where those shamanic vocalisms that are the centerpiece of Venturi’s research emerge. Subtle string phrasings underscore the power of the verses, while an intense and emotional double bass solo stings with the same force as the spoken word. Electronics intervene to support “Caro Hermann,” a piece embedded in a psychedelic aesthetic that adheres more strictly to the song-form; refined background choral arrangements grant depth to the whole.
 
Remaining in psychedelic territories, a sitar introduces “Fili Di Luce,” before yielding to rarefied sounds that mirror the lyrics. Fragments of daily life are filtered through the lens of memory, with a peculiar meter suspended between narration and singing. “Socrate” casts a scornful and angry gaze at politics, while “Ho Paura Della Pecora” adopts a calmer pace, yet maintains that rhapsodic vocal approach, distant from rational metric conventions.
The closing is entrusted to “L’Amore E’ Un Codice Binario,” a track that seals the artistic union between the two performers in an intense movement, where the symbiosis between voice and percussion proves to be the winning weapon.
 “Sciamantrica” stands as yet another chapter of poetry in music, conceived with profound dedication. It is a work suspended between reminiscences and analytical reflections capable of shaking the listener.
The authors take their leave with a crucial question: “L’arte deve massificarsi o è la massa che può essere educata all’arte?”. This is a question particularly close to my heart; for decades I have maintained that the creative act risks sterility if deprived of an audience educated in reception. It is imperative to bring the listener back to this modus operandi, elevating them from mere and fleeting “hearing.” The culture of time dedicated to oneself—a serious and serene time—has been lost: only through this recovery can music be saved.
To their doubt, I respond with conviction: “E’ la massa che deve essere educata all’arte,” for art contemplates neither boundaries nor dogmas; it is indomable as a pure expression of emotion. It cannot be massified without losing its very essence; it would cease to be the vehicle of individual thought only to be reduced to a "generic" product, standardized by a mass of automatons (AI included).
To Venturi and Del Gaudio, I therefore offer an immense thank you. MS

Curiosità sulla band Porcupine Tree

 Curiosità sulla band PORCUPINE TREE

 
I Porcupine Tree sono una delle band più affascinanti e "cerebrali" del panorama Progressive Rock moderno. Nati quasi per scherzo dalla mente di Steven Wilson, si sono evoluti da un progetto solista lo-fi a una macchina da guerra del rock tecnico.

 

Nati da una "Fake News"

All'inizio, i Porcupine Tree non esistevano affatto. Steven Wilson creò una finta biografia di una leggendaria band psichedelica degli anni '70, inventando nomi di membri assurdi e una discografia immaginaria. Registrò delle cassette a casa sua e le spedì in giro spacciandole per rarità di questo gruppo "perduto". Lo scherzo ebbe così tanto successo che dovette trasformarlo in un progetto reale.

 

L'ossessione per il numero "8"

C'è un dettaglio curioso nell'album In Absentia (2002). Se guardi i titoli delle tracce e i testi, c'è un'ossessione ricorrente per il numero 8 e per i pattern ritmici complessi. Non solo, ma il disco segna il passaggio definitivo a sonorità più pesanti grazie all'amicizia tra Wilson e Mikael Åkerfeldt (leader degli Opeth).

 

Gavin Harrison: Il batterista dei batteristi

Gavin Harrison, entrato nella band nel 2002, è considerato uno dei migliori batteristi al mondo. È famoso per la sua "illusione ritmica" e per la precisione chirurgica. Quando si unì ai Porcupine Tree, imparò l'intero repertorio in pochissimo tempo, aggiungendo una complessità poliritmica che ha cambiato per sempre il sound della band.

 

Il misterioso significato del nome

Cosa significa "L'albero dell'istrice"? In realtà, Wilson ha ammesso più volte che il nome è completamente privo di senso. Lo scelse durante il periodo della "finta band" perché suonava strano e psichedelico, un po' come i nomi dei gruppi della scena di Canterbury (tipo i Soft Machine). 

 

Una pausa durata 12 anni

Dopo il tour di The Incident nel 2010, la band è svanita nel nulla senza un annuncio ufficiale di scioglimento. Wilson si è dedicato alla sua carriera solista di enorme successo, lasciando i fan nel dubbio per oltre un decennio. Il ritorno nel 2021 con Closure/Continuation è stato tenuto in segreto per anni: i membri si vedevano periodicamente per scrivere musica senza dirlo a nessuno, nemmeno ai loro manager.

 

Connessioni Cinematografiche

Wilson è un enorme fan del cinema, e questo si riflette nei video e nelle atmosfere della band. L'album Deadwing (2005) è basato su una sceneggiatura cinematografica scritta da Wilson insieme al regista Mike Bennion. Il film non è mai stato realizzato, ma la musica ne descrive perfettamente la trama noir-soprannaturale.

 

L'importanza dell'Italia

I Porcupine Tree hanno un legame speciale con l'Italia. Siamo stati uno dei primi paesi a "capire" la loro musica e a riempire i club negli anni '90. Non a caso, uno dei loro live album più famosi, Coma Divine, è stato registrato interamente a Roma nel 1997.

 

Il provino "impossibile" di Gavin Harrison

Quando Chris Maitland lasciò la band, Steven Wilson chiamò Gavin Harrison. Gavin non conosceva bene il gruppo, così Steven gli mandò i demo di quello che sarebbe diventato In Absentia.L'aneddoto racconta che Gavin si presentò in studio e suonò la batteria su "The Sound of Muzak" (un brano con un tempo complesso in $7/4$). Lo fece con una naturalezza tale che Steven e il tastierista Richard Barbieri si guardarono e capirono immediatamente che il livello della band si era appena alzato di dieci gradini. Molte delle parti di batteria definitive che senti sul disco sono, in realtà, le sue prime take di prova.

 

Richard Barbieri e il "non-assolo"

Richard Barbieri, ex tastierista dei Japan, ha un approccio unico: odia gli assoli di tastiera virtuosistici.
Un aneddoto famoso tra i fan riguarda il suo modo di lavorare: Richard può passare ore, se non giorni, a manipolare una singola manopola di un sintetizzatore analogico per creare un "paesaggio sonoro" che si sente appena nel mix, piuttosto che suonare una scala veloce. Questo ha creato il contrasto perfetto con la chitarra di Wilson, dando ai Porcupine Tree quel suono spaziale e stratificato.

 

La "maledizione" di “Arriving Somewhere But Not Here”

Questo brano è uno dei capolavori della band (quasi 13 minuti di durata). Durante le registrazioni di Deadwing, Steven Wilson voleva un assolo di chitarra che suonasse "alieno". Invitò Mikael Åkerfeldt (Opeth) a suonarlo.
Mikael arrivò in studio, registrò l'assolo e, mentre tornava a casa, ebbe un piccolo incidente d'auto. Scherzando, i due dissero che l'assolo era così cupo e potente da aver alterato la realtà circostante. Se ascolti bene i cori spettrali nel brano, quelli sono quasi tutti di Mikael.

 

Il concerto "senza scarpe"

Se hai mai visto un live dei Porcupine Tree (o di Wilson solista), avrai notato che Steven suona sempre completamente scalzo.
Non è un vezzo New Age: l'aneddoto tecnico è che Steven ha bisogno di sentire fisicamente i pedali della chitarra e le pedaliere sotto i piedi per avere un controllo millimetrico sugli effetti. Inoltre, ha dichiarato che stare scalzo lo aiuta a sentirsi più "connesso" con il palco e meno distratto dal peso delle scarpe durante i lunghi tour.

 

L'album "Voyage 34" e l'esperimento chimico

Voyage 34 è un intero album composto da un'unica suite strumentale che narra un "bad trip" da LSD.
L'aneddoto divertente è che, nonostante il brano sia diventato un inno della cultura ambient/trance anni '90, Steven Wilson ha sempre dichiarato di non aver mai fatto uso di droghe in vita sua. Ha scritto uno dei pezzi "stoner" più iconici della storia della musica basandosi puramente sulla sua immaginazione e su vecchi dischi dei Pink Floyd.

 

I messaggi subliminali in “Fear Of A Blank Planet”

L'album del 2007 è un concept sull'alienazione giovanile e l'abuso di tecnologia. Per rendere il disco ancora più inquietante, la band ha inserito dei suoni quasi impercettibili e frequenze disturbanti tra le tracce.
Inoltre, nella canzone "Way Out of Here", collabora Robert Fripp (il leggendario leader dei King Crimson). L'aneddoto vuole che Fripp abbia registrato i suoi "Soundscapes" (strati di suoni elettronici chitarristici) in una sola sessione, lasciando la band a bocca aperta per la densità sonora prodotta.

 

Lo scontro con la tecnologia

Nonostante la loro musica sia iper-prodotta, i Porcupine Tree hanno sempre avuto un rapporto conflittuale con la modernità. In un famoso aneddoto durante un tour, Wilson chiese al pubblico di mettere via i telefoni, dicendo: "Se guardate il concerto attraverso uno schermo da 5 pollici, non state vivendo la realtà, state guardando un documentario scadente su voi stessi". Questa filosofia ha poi portato alla creazione del brano "Sound of Muzak", che critica duramente l'industria musicale moderna.
 
 
Se volete sapere la storia sulla band da me elaborata integralmente, potete leggerla nel mio libro edito da Arcana “POST PROG MODERNO”. MS

Versione Inglese:

Fun Facts about the band PORCUPINE TREE

Porcupine Tree is one of the most fascinating and "cerebral" bands in the modern Progressive Rock scene. Born almost as a joke from the mind of Steven Wilson, they evolved from a lo-fi solo project into a technical rock powerhouse.

Born from "Fake News"

In the beginning, Porcupine Tree didn’t exist at all. Steven Wilson created a fake biography for a legendary 1970s psychedelic band, inventing absurd member names and an imaginary discography. He recorded cassettes at home and sent them out, passing them off as rarities from this "lost" group. The prank was so successful that he eventually had to turn it into a real project.

The Obsession with the Number "8"

There is a curious detail in the album In Absentia (2002). If you look at the track titles and lyrics, there is a recurring obsession with the number 8 and complex rhythmic patterns. Furthermore, the record marks a definitive shift toward heavier sounds, thanks to the friendship between Wilson and Mikael Åkerfeldt (leader of Opeth).

Gavin Harrison: The Drummer’s Drummer

Gavin Harrison, who joined the band in 2002, is considered one of the best drummers in the world. He is famous for his "rhythmic illusions" and surgical precision. When he joined Porcupine Tree, he learned the entire repertoire in a very short time, adding a polyrhythmic complexity that changed the band's sound forever.

The Mysterious Meaning of the Name

What does "Porcupine Tree" mean? In reality, Wilson has admitted several times that the name is completely meaningless. He chose it during the "fake band" period because it sounded strange and psychedelic, much like the names of groups from the Canterbury scene (such as Soft Machine).

A 12-Year Break

Following The Incident tour in 2010, the band vanished into thin air without an official announcement of a breakup. Wilson dedicated himself to his highly successful solo career, leaving fans in doubt for over a decade. Their return in 2021 with Closure/Continuation was kept secret for years: the members met periodically to write music without telling anyone, not even their managers.

Cinematic Connections

Wilson is a massive cinema fan, and this is reflected in the band's videos and atmospheres. The album Deadwing (2005) is based on a screenplay written by Wilson along with director Mike Bennion. While the film was never made, the music perfectly describes its noir-supernatural plot.

The Importance of Italy

Porcupine Tree shares a special bond with Italy. It was one of the first countries to "get" their music and fill clubs back in the 90s. It’s no coincidence that one of their most famous live albums, Coma Divine, was recorded entirely in Rome in 1997.

Gavin Harrison’s "Impossible" Audition

When Chris Maitland left the band, Steven Wilson called Gavin Harrison. Gavin wasn't very familiar with the group, so Steven sent him the demos for what would become In Absentia. As the story goes, Gavin showed up at the studio and played drums on "The Sound of Muzak" (a song with a complex time signature of $7/4$). He did it so naturally that Steven and keyboardist Richard Barbieri looked at each other and immediately realized the band's caliber had just jumped up ten notches. Many of the final drum parts you hear on the record are, in fact, his first practice takes.

Richard Barbieri and the "Non-Solo"

Richard Barbieri, formerly of the band Japan, has a unique approach: he hates virtuosic keyboard solos. A famous anecdote among fans involves his work ethic: Richard can spend hours, if not days, manipulating a single knob on an analog synthesizer to create a "soundscape" that is barely heard in the mix, rather than playing a fast scale. This created the perfect contrast to Wilson's guitar, giving Porcupine Tree that spatial, layered sound.

The "Curse" of "Arriving Somewhere But Not Here"

This track is one of the band's masterpieces (lasting nearly 13 minutes). During the recording of Deadwing, Steven Wilson wanted a guitar solo that sounded "alien." He invited Mikael Åkerfeldt (Opeth) to play it. Mikael arrived at the studio, recorded the solo, and on his way home, he had a minor car accident. Joking about it later, the two said the solo was so dark and powerful that it had altered the surrounding reality. If you listen closely to the ghostly backing vocals in the song, they are almost all Mikael's.

The "Shoeless" Concert

If you’ve ever seen Porcupine Tree live (or Wilson as a solo artist), you’ve noticed that Steven always performs completely barefoot. This isn't a New Age quirk; the technical reason is that Steven needs to physically feel the guitar pedals and boards under his feet for millimetric control over the effects. Additionally, he has stated that being barefoot helps him feel more "connected" to the stage and less distracted by the weight of shoes during long tours.

The "Voyage 34" Album and the Chemical Experiment

Voyage 34 is an entire album consisting of a single instrumental suite narrating a "bad trip" on LSD. The funny anecdote is that, despite the track becoming an anthem for the 90s ambient/trance culture, Steven Wilson has always claimed to have never used drugs in his life. He wrote one of the most iconic "stoner" pieces in music history based purely on his imagination and old Pink Floyd records.

Subliminal Messages in "Fear Of A Blank Planet"

The 2007 album is a concept piece about youth alienation and technology abuse. To make the record even more unsettling, the band inserted nearly imperceptible sounds and disturbing frequencies between tracks. Furthermore, the song "Way Out of Here" features a collaboration with Robert Fripp (the legendary leader of King Crimson). Legend has it that Fripp recorded his "Soundscapes" (layers of electronic guitar sounds) in a single session, leaving the band speechless at the sheer density of the sound produced.

The Clash with Technology

Despite their music being hyper-produced, Porcupine Tree has always had a conflicted relationship with modernity. In a famous anecdote during a tour, Wilson asked the audience to put away their phones, saying: "If you're watching the concert through a 5-inch screen, you aren't living reality—you're watching a bad documentary about yourselves." This philosophy eventually led to the creation of the song "The Sound of Muzak," which harshly criticizes the modern music industry. MS

 

Pittura e Progressive Rock

 PITTURA E PROGRESSIVE ROCK

 
Musica e immagine sono legate fra di loro per numerosi motivi.
Se dovessi indicare un'unica corrente che incarna l'essenza del Progressive Rock, non avrei dubbi: il Surrealismo.
Mentre altri generi musicali possono essere associati al Realismo (il Blues) o all'Espressionismo (il Punk), il Prog condivide con il Surrealismo lo stesso DNA: il desiderio di fondere il sogno con la realtà, l'uso di una tecnica accademica rigorosa per rappresentare soggetti impossibili e la frammentazione della narrazione lineare.
Tuttavia, il Prog è un genere troppo stratificato per una sola etichetta. Mi piace suddividerlo in tre "anime" pittoriche:

 

Il Surrealismo (L'Anima Visionaria)

Autori come Salvador Dalí o René Magritte sono i padri spirituali del Prog perché il Surrealismo prende elementi reali (uno strumento musicale, un orologio, un corpo umano) e li inserisce in contesti assurdi o paesaggi onirici.
 
Una suite dei Genesis come "Supper's Ready" è un quadro di Dalí in musica: immagini bizzarre, cambi di scena improvvisi e una sensazione di "realtà aumentata" dove l'inconscio prende il sopravvento.

 

Il Barocco (L'Anima Strutturale)

Se guardiamo alla complessità delle composizioni, il Prog è profondamente Barocco (pensiamo a Caravaggio per i chiaroscuri o a Bernini per il dinamismo).

Caravaggio

Bernini

Il Prog rifiuta il minimalismo, cerca l'orrore vacui (la paura del vuoto), riempiendo ogni secondo di note, contrappunti e variazioni, proprio come una chiesa barocca è carica di fregi e decorazioni.
 
I virtuosismi dei Gentle Giant o degli ELP sono l'equivalente sonoro di una cupola affrescata in prospettiva: una costruzione tecnica incredibile che serve a creare meraviglia.

 L'Illustrazione Fantasy e il Simbolismo (L'Anima Estetica)

Non si può parlare di Prog senza citare l'arte di Roger Dean (le copertine degli Yes) o di Paul Whitehead (Genesis, Van der Graaf Generator).

Roger Dean

Paul Whitehad

Qui l'arte pittorica diventa l'estensione visiva del suono. Paesaggi fluttuanti, creature mitologiche e architetture impossibili definiscono l'immaginario del genere.
È il Simbolismo di fine '800 (come quello di Gustave Moreau) trasportato nell'era spaziale: l'idea che la pittura debba evocare un mondo "altro", spirituale e lontano dalla quotidianità.
 
Se il Progressive Rock fosse un quadro, sarebbe probabilmente un mosaico barocco dipinto da un surrealista all'interno di un tempio simbolista.

 
Ma la copertina Prog per eccellenza è quella della band King Crimson per l’album “In The Court Of The Crimson King”, quel volto urlante (di Barry Godber) è puro Espressionismo, quasi un richiamo a L'Urlo di Munch, ma applicato a una struttura musicale complessa e ragionata. È il momento in cui l'emozione violenta incontra la matematica del Rock.

Io ho giocato con il mio modo di vedere questa musica abbinata a certa arte, voi invece come la vedete? MS

Versione Inglese: 

PAINTING AND PROGRESSIVE ROCK

Music and image are intertwined for numerous reasons. If I had to pinpoint a single movement that embodies the essence of Progressive Rock, I would have no doubt: Surrealism.
 While other musical genres can be associated with Realism (Blues) or Expressionism (Punk), Prog shares the same DNA as Surrealism: the desire to merge dreams with reality, the use of rigorous academic technique to represent impossible subjects, and the fragmentation of linear narrative.
 However, Prog is too multilayered for a single label. I like to subdivide it into three pictorial "souls":
 

Surrealism (The Visionary Soul)

Artists like Salvador Dalí or René Magritte are the spiritual fathers of Prog because Surrealism takes real elements (a musical instrument, a clock, a human body) and places them in absurd contexts or dreamlike landscapes.
 A Genesis suite like "Supper's Ready" is a Dalí painting set to music: bizarre imagery, sudden scene changes, and a sense of "augmented reality" where the unconscious mind takes control.

 

The Baroque (The Structural Soul)

If we look at the complexity of the compositions, Prog is profoundly Baroque (think of Caravaggio for the chiaroscuro or Bernini for the dynamism).
Prog rejects minimalism; it seeks horror vacui (the fear of empty space), filling every second with notes, counterpoints, and variations, just as a Baroque church is laden with friezes and decorations. The virtuosity of Gentle Giant or ELP is the sonic equivalent of a frescoed dome painted in perspective: an incredible technical construction designed to inspire wonder.

 

Fantasy Illustration and Symbolism (The Aesthetic Soul)

One cannot discuss Prog without mentioning the art of Roger Dean (Yes covers) or Paul Whitehead (Genesis, Van der Graaf Generator).

 Here, pictorial art becomes the visual extension of sound. Floating landscapes, mythological creatures, and impossible architectures define the genre's imagery. It is late 19th-century Symbolism (such as that of Gustave Moreau) transported into the space age: the idea that painting must evoke an "other" world—spiritual and far removed from everyday life.
 
If Progressive Rock were a painting, it would likely be a Baroque mosaic painted by a Surrealist inside a Symbolist temple.
 
Yet, the quintessential Prog cover remains King Crimson’s In The Court Of The Crimson King. That screaming face (by Barry Godber) is pure Expressionism, almost a callback to Munch’s The Scream, but applied to a complex and reasoned musical structure. It is the moment where violent emotion meets the mathematics of Rock.
 
I’ve shared how I play with the vision of this music paired with certain art—but how do you see it? MS

Änglagård

 

Speciale - Änglagård

Gli Änglagård sono una delle colonne portanti del Progressive Rock moderno. Nati in Svezia all'inizio degli anni '90, sono accreditati per aver letteralmente "salvato" o comunque rivitalizzato il genere sinfonico in un'epoca dominata dal Grunge e dal Pop sintetico di quel periodo.
Mentre il Neo Prog di Marillion, IQ, Pendragon e altri ha ridato attenzione al genere nei primi anni ’80 puntando su sonorità Pink Floyd, Genesis e Camel su tutti, questa seconda ondata ha punti di riferimento quali King Crimson e Genesis.
La band si è formata a Stoccolma nel 1991 su iniziativa di Tord Lindman (chitarra e voce) e Johan Högberg (basso). La loro missione era chiara: recuperare l'estetica e la complessità del Prog classico degli anni '70 ma con un'attitudine più scura, dinamica e tipicamente scandinava.
Il nome Änglagård significa "Corte degli Angeli" (o "Fattoria degli Angeli"), tratto da un celebre film svedese dell'epoca.
Sono famosi per il loro rifiuto categorico delle sonorità digitali degli anni '80/'90. Il loro arsenale include:
Mellotron, usato in modo massiccio per creare tappeti orchestrali spettrali.
Organo Hammond e Moog, per un suono caldo e organico, mentre il flauto traverso, suonato da Anna Holmgren, aggiunge un tocco pastorale e folcloristico.
La sezione ritmica è aggressiva, caratterizzata dal basso Rickenbacker "distorto" di Johan Brand e dalla batteria iper-tecnica di Mattias Olsson.
La musica proposta è un alternarsi estremo di momenti bucolici e delicati e esplosioni sonore quasi Heavy, con continui cambi di tempo e strutture non lineari.
Nonostante vari cambi di line-up e lunghi periodi di inattività, il nucleo storico rimane il cuore pulsante del progetto. 

Ad oggi, i membri principali sono:
Johan Brand (Högberg): Basso e pedali Taurus.
Jonas Engdegård: Chitarre.
Mattias Olsson: Batteria e percussioni (rientrato stabilmente dopo alcuni anni di assenza).
Anna Holmgren: Flauto e sassofono.
Oskar Forsberg / Staffan Lindroth: Nuovi innesti ai fiati e alle tastiere che completano la formazione live degli ultimi anni.

 

Hybris (Mellotronen - 1992)

 
È considerato un capolavoro assoluto del Prog mondiale. Contiene solo quattro tracce (più una bonus nella riedizione) di durata epica.
Il disco dimostra che è ancora possibile scrivere musica complessa e sinfonica con strumenti vintage senza risultare datati.
Fra tutti i brani spicca “Jordrök”, un tour de force strumentale che definisce perfettamente il loro stile. I continui cambi di tempo (poliritmie) e il dialogo serrato tra il flauto di Anna Holmgren e le chitarre distorte sono l’anima della composizione Non c'è canto, la musica narra una storia di mutamento stagionale e geologico.
In “Vandringar I Vilsenhet (Vagabondaggi in Tempo d'Inverno)” appare la voce di Tord Lindman (in svedese), usata quasi come uno strumento aggiunto, mai per dominare la scena. È il brano più folk e pastorale, con sezioni che ricordano la musica da camera, per poi sfociare in sezioni di tastiere che sembrano uscite da “In The Court Of The Crimson King”.
“Ifrån Klarhet Till Klarhet (Di Chiarezza in Chiarezza)” è il brano più "breve" ma forse il più dinamico. Mattias Olsson alla batteria non tiene quasi mai un tempo standard, ma commenta ogni nota con percussioni creative e un uso magistrale dei piatti.
Il gran finale spetta a “Kung Bore (Re Inverno)”, una suite che alterna momenti di estrema violenza sonora a pause di silenzio quasi religioso. Il finale è una delle progressioni più epiche del genere, dove il Mellotron (il suono degli archi campionati su nastro) crea un muro sonoro immenso che sembra crollare su se stesso. Senza questo album, probabilmente non avremmo avuto l'esplosione del Prog scandinavo moderno (Anekdoten, Landberk) e forse persino l'evoluzione Prog degli Opeth (Mikael Åkerfeldt è un fan dichiarato della band) sarebbe stata diversa. Nella riedizione del 2003 e in quelle successive, è stata aggiunta una traccia bonus intitolata “Gånglåt från Knapptibble”, un brano più ritmato e quasi "ballabile" (per i loro standard) registrato durante le stesse sessioni.

 

Epilog (Exergy Music -1994)

 
Il secondo album è interamente strumentale. È maggiormente introspettivo, oscuro e atmosferico rispetto al debutto, con una forte influenza della musica classica e del folklore svedese.
È un album fondamentale perchè profondamente diverso dal suo predecessore. Se con il primo disco gli Änglagård volevano dimostrare di saper suonare "più Prog dei classici", con “Epilog” hanno cercato una voce puramente artistica, slegata da ogni canone.
Qui la band decide di eliminare le voci di Tord Lindman (che infatti lasciò il gruppo poco dopo) per lasciare che fossero solo gli strumenti a parlare. Il suono è più asciutto e cristallino rispetto a “Hybris”, ogni nota di flauto e ogni vibrazione delle corde del basso sono isolate in un vuoto quasi spettrale.
I brani più importanti sono:
“Høstsejd (Incantesimo d'Autunno)” dove si passa da momenti di solitudine assoluta (un flauto solitario, un violoncello) a muri di suono orchestrali creati dal Mellotron che sembrano descrivere il crollo di una montagna.
Qui la batteria di Mattias Olsson diventa quasi percussione orchestrale, usando xilofoni e glockenspiel per arricchire la trama sonora.
In “Rösten (La Voce)”, nonostante il titolo, non c'è traccia di canto umano. È un brano angosciante, quasi "horror" in certi passaggi, che esplora l'uso del silenzio come strumento musicale. I cambi di tempo sono repentini e destabilizzanti.
“Sista Somrar (Ultime Estati)” è probabilmente il brano più malinconico. La melodia principale è struggente e mette in luce il lato melodico della band, pur mantenendo quella struttura a "incastro" tipica del loro stile.
In “Epilog”, l'influenza dei compositori del Nord Europa come Grieg o Sibelius è molto più marcata rispetto a quella dei King Crimson. Qui la band ha collaborato con veri musicisti d'arco (violino, viola, violoncello), fondendo il Rock con la musica colta in modo così simbiotico che è difficile distinguere dove finisca l'uno e inizi l'altra. Johan Brand utilizza il basso in modo ancora più "pieno", riempiendo i vuoti lasciati dalla mancanza della voce con linee melodiche che guidano l'intero album.
Il titolo non fu scelto a caso. La tensione creativa e la fatica monumentale per comporre e registrare musica di questa complessità portarono la band allo sfinimento. Poco dopo la pubblicazione di Epilog e un'apparizione leggendaria al festival Progfest a Los Angeles (documentata nel live Buried Alive), gli Änglagård si sciolsero.
Per quasi vent'anni, “Epilog” è rimasto il loro testamento: un disco ostico, che richiede molti ascolti per essere compreso, ma che premia l'ascoltatore con una profondità emotiva che pochi altri album prog hanno mai raggiunto.

 

Viljans Öga (Änglagård Records - 2012)

 
Dopo quasi vent'anni di silenzio (interrotti solo da brevi reunion live), la band torna con un terzo disco inaspettato. Nonostante il tempo trascorso, la band è riuscita nell'impresa quasi impossibile di riprendere esattamente da dove aveva lasciato, ma con una maturità esecutiva e una qualità di registrazione nettamente superiori. La band decide di proseguire sulla strada tracciata da “Epilog”, rendendo l'album completamente strumentale.
Pur essendo registrato con tecnologie moderne, il gruppo ha preteso l'uso esclusivo di strumenti vintage. Il risultato è un suono cristallino dove ogni dettaglio (e ce ne sono a migliaia) emerge con una chiarezza mai sentita prima.Gli arrangiamenti sono diventati ancora più "verticali", non ci sono solo chitarra, basso e batteria, ma un fitto intreccio di fiati, archi e percussioni esotiche.
L'album si articola in quattro lunghe composizioni, ognuna delle quali è un labirinto sonoro.
“Ur Vilande (Dal Riposo)” ha il titolo programmatico, la band in effetti si risveglia dal lungo letargo. L'inizio è delicato, quasi cameristico, ma evolve in una sezione ritmica sincopata che ricorda i Gentle Giant più estremi. Il finale è un crescendo di Mellotron che toglie il fiato, una sorta di "bentornati" trionfale.
“Sorgmantel (Mantello di Lutto / Vanessa Antiopa) “
Il titolo svedese si riferisce a una specie di farfalla, ma in realtà evoca immagini funebri.
Può considerarsi il brano più malinconico e tipicamente "scandinavo". Qui il flauto di Anna Holmgren e il violoncello creano trame struggenti, interrotte da improvvise fiammate di chitarra elettrica che mantengono alta la tensione.
“Snårdom (Regno dei Rovi)” E’il pezzo più aggressivo e caotico dell'album, qui il lavoro di Mattias Olsson alla batteria è semplicemente fuori scala. Utilizza una quantità enorme di percussioni (campanelli, gong, legni) rendendo il brano quasi una pièce di musica contemporanea prestata al Rock.
Conclude in un finale dinamico e a tratti quasi "grottesco" e teatrale “Lusta Dansar (La Lussuria Danza)” giocando molto sui contrasti tra il "pieno" e il "vuoto". Ci sono momenti di silenzio assoluto seguiti da esplosioni orchestrali che mettono alla prova qualsiasi impianto Hi-Fi.
La produzione è moderna ma il cuore resta analogico.
L'album è stato votato come miglior disco Prog del 2012 da quasi tutte le testate specializzate mondiali. È un'opera che non concede nulla alla commerciabilità: non ci sono ritornelli, non ci sono tempi facili. È pura esplorazione sonora che richiede (e merita) decine di ascolti per essere svelata interamente. La copertina, che raffigura una sorta di struttura organica/boschiva, riflette perfettamente la musica: intricata, naturale e leggermente inquietante.

Nel 1996 registrano il live “Buried Alive”

e nel 2014 “Prog På Svenska - Live In Japan”.

Per finire, gli Änglagård non sono una band da "sottofondo", richiedono un ascolto attivo e attento. Se amate le atmosfere di “In The Court Of The Crimson King” dei King Crimson o la complessità dei primi Genesis, ma cercate qualcosa di più malinconico e moderno, sono un ascolto obbligato. MS

Versione Inglese:

Änglagård

Änglagård are one of the cornerstones of modern Progressive Rock. Born in Sweden in the early '90s, they are credited with literally "saving" or otherwise revitalizing the symphonic genre in an era dominated by Grunge and the synthetic Pop of that period. While the Neo-Prog of Marillion, IQ, Pendragon, and others brought attention back to the genre in the early '80s by focusing on the sounds of Pink Floyd, Genesis, and Camel above all, this second wave has reference points such as King Crimson and Genesis. The band was formed in Stockholm in 1991 on the initiative of Tord Lindman (guitar and vocals) and Johan Högberg (bass). Their mission was clear: to recover the aesthetics and complexity of classic '70s Prog but with a darker, more dynamic, and typically Scandinavian attitude. The name Änglagård means "Court of Angels" (or "Angel Farm"), taken from a famous Swedish film of the time.   

They are famous for their categorical rejection of the digital sounds of the '80s/'90s. Their arsenal includes: Mellotron, used massively to create spectral orchestral layers. Hammond organ and Moog, for a warm and organic sound, while the transverse flute, played by Anna Holmgren, adds a pastoral and folkloric touch. The rhythmic section is aggressive, characterized by the "distorted" Rickenbacker bass of Johan Brand and the hyper-technical drumming of Mattias Olsson. The music offered is an extreme alternation of bucolic, delicate moments and almost Heavy sonic explosions, with continuous time signature changes and non-linear structures. Despite various line-up changes and long periods of inactivity, the historical core remains the beating heart of the project. 

To date, the main members are: Johan Brand (Högberg): Bass and Taurus pedals. Jonas Engdegård: Guitars. Mattias Olsson: Drums and percussion (returned permanently after a few years of absence). Anna Holmgren: Flute and saxophone. Oskar Forsberg / Staffan Lindroth: New additions on woodwinds and keyboards who complete the live line-up of recent years.   

Hybris (Mellotronen - 1992)   

It is considered an absolute masterpiece of world Prog. It contains only four tracks (plus a bonus in the re-release) of epic duration. The record demonstrates that it is still possible to write complex and symphonic music with vintage instruments without sounding dated. Among all the tracks, “Jordrök” stands out, an instrumental tour de force that perfectly defines their style. The continuous time changes (polyrhythms) and the tight dialogue between Anna Holmgren's flute and the distorted guitars are the soul of the composition. There are no vocals; the music tells a story of seasonal and geological change. 

In “Vandringar I Vilsenhet (Wanderings in Confusion)”, Tord Lindman's voice appears (in Swedish), used almost as an added instrument, never to dominate the scene. It is the most folk and pastoral track, with sections reminiscent of chamber music, only to flow into keyboard sections that seem to have come out of “In The Court Of The Crimson King”. 

“Ifrån Klarhet Till Klarhet (From Clarity To Clarity)” is the "shortest" track but perhaps the most dynamic. Mattias Olsson on drums almost never keeps a standard tempo, but comments on every note with creative percussion and a masterful use of cymbals. The grand finale belongs to “Kung Bore (King Bore)”, a suite that alternates moments of extreme sonic violence with pauses of almost religious silence. The ending is one of the most epic progressions in the genre, where the Mellotron (the sound of tape-sampled strings) creates an immense wall of sound that seems to collapse upon itself. Without this album, we probably wouldn't have had the explosion of modern Scandinavian Prog (Anekdoten, Landberk) and perhaps even the Prog evolution of Opeth (Mikael Åkerfeldt is a declared fan of the band) would have been different. In the 2003 re-release and subsequent ones, a bonus track titled “Gånglåt från Knapptibble” was added, a more rhythmic and almost "danceable" (by their standards) track recorded during the same sessions.   

Epilog (Exergy Music - 1994)   

The second album is entirely instrumental. It is more introspective, dark, and atmospheric than the debut, with a strong influence from classical music and Swedish folklore. It is a fundamental album because it is profoundly different from its predecessor. If with the first record Änglagård wanted to prove they could play "more Prog than the classics," with “Epilog” they sought a purely artistic voice, untethered from any canon. Here the band decided to eliminate the vocals of Tord Lindman (who indeed left the group shortly after) to let only the instruments speak. The sound is drier and more crystalline than in “Hybris”; every flute note and every vibration of the bass strings are isolated in an almost spectral void. The most important tracks are: “Høstsejd (Autumn Seance)” where one moves from moments of absolute solitude (a solitary flute, a cello) to orchestral walls of sound created by the Mellotron that seem to describe the collapse of a mountain. Here Mattias Olsson's drumming becomes almost orchestral percussion, using xylophones and glockenspiels to enrich the sonic texture. In “Rösten (The Voice)”, despite the title, there is no trace of human singing. It is an agonizing track, almost "horror-like" in certain passages, which explores the use of silence as a musical instrument. The tempo changes are sudden and destabilizing. “Sista Somrar (Last Summers)” is probably the most melancholic track. The main melody is poignant and highlights the band's melodic side, while maintaining that "interlocking" structure typical of their style. In “Epilog”, the influence of Northern European composers like Grieg or Sibelius is much more marked than that of King Crimson. Here the band collaborated with real string musicians (violin, viola, cello), fusing Rock with art music in such a symbiotic way that it is difficult to distinguish where one ends and the other begins. Johan Brand uses the bass in an even "fuller" way, filling the gaps left by the lack of vocals with melodic lines that drive the entire album. The title was not chosen by chance. The creative tension and monumental effort to compose and record music of this complexity led the band to exhaustion. Shortly after the release of Epilog and a legendary appearance at the Progfest festival in Los Angeles (documented in the live album Buried Alive), Änglagård disbanded. For nearly twenty years, “Epilog” remained their testament: a challenging record that requires many listens to be understood, but which rewards the listener with an emotional depth that few other prog albums have ever reached.   

Viljans Öga (Änglagård Records - 2012)   

After nearly twenty years of silence (interrupted only by brief live reunions), the band returned with an unexpected third record. Despite the time passed, the band succeeded in the almost impossible feat of picking up exactly where they had left off, but with a technical maturity and recording quality that were clearly superior. The band decided to continue on the path blazed by “Epilog”, making the album completely instrumental. Even though it was recorded with modern technology, the group insisted on the exclusive use of vintage instruments. The result is a crystalline sound where every detail (and there are thousands) emerges with a clarity never heard before. The arrangements have become even more "vertical"; there are not just guitar, bass, and drums, but a dense intertwining of woodwinds, strings, and exotic percussion. The album is divided into four long compositions, each of which is a sonic labyrinth. “Ur Vilande (From Resting)” has a programmatic title; the band effectively wakes up from a long hibernation. The beginning is delicate, almost chamber-like, but evolves into a syncopated rhythmic section reminiscent of the most extreme Gentle Giant. The finale is a breathtaking Mellotron crescendo, a sort of triumphal "welcome back." “Sorgmantel (Mourning Cloak / Vanessa Antiopa)” The Swedish title refers to a species of butterfly, but in reality, it evokes funerary images. It can be considered the most melancholic and typically "Scandinavian" track. Here Anna Holmgren's flute and the cello create poignant textures, interrupted by sudden flashes of electric guitar that keep the tension high. “Snårdom (Kingdom of Brambles)” is the most aggressive and chaotic piece on the album; here Mattias Olsson's drum work is simply off the charts. He uses an enormous amount of percussion (bells, gongs, woodblocks), making the track almost a piece of contemporary music lent to Rock. “Lusta Dansar (Lust Dances)” concludes in a dynamic and at times almost "grotesque" and theatrical finale, playing heavily on the contrasts between "full" and "empty." There are moments of absolute silence followed by orchestral explosions that test any Hi-Fi system. The production is modern but the heart remains analog. The album was voted best Prog record of 2012 by almost all specialized publications worldwide. It is a work that concedes nothing to commerciality: there are no choruses, no easy time signatures. It is pure sonic exploration that requires (and deserves) dozens of listens to be fully revealed. The cover, depicting a sort of organic/woodland structure, perfectly reflects the music: intricate, natural, and slightly unsettling. 

In 1996 they recorded the live album “Buried Alive” and in 2014 “Prog På Svenska - Live In Japan”. 

Finally, Änglagård is not a "background" band; they require active and attentive listening. If you love the atmospheres of King Crimson's “In The Court Of The Crimson King” or the complexity of early Genesis, but are looking for something more melancholic and modern, they are a mandatory listen. MS