Änglagård

 

Speciale - Änglagård

Gli Änglagård sono una delle colonne portanti del Progressive Rock moderno. Nati in Svezia all'inizio degli anni '90, sono accreditati per aver letteralmente "salvato" o comunque rivitalizzato il genere sinfonico in un'epoca dominata dal Grunge e dal Pop sintetico di quel periodo.
Mentre il Neo Prog di Marillion, IQ, Pendragon e altri ha ridato attenzione al genere nei primi anni ’80 puntando su sonorità Pink Floyd, Genesis e Camel su tutti, questa seconda ondata ha punti di riferimento quali King Crimson e Genesis.
La band si è formata a Stoccolma nel 1991 su iniziativa di Tord Lindman (chitarra e voce) e Johan Högberg (basso). La loro missione era chiara: recuperare l'estetica e la complessità del Prog classico degli anni '70 ma con un'attitudine più scura, dinamica e tipicamente scandinava.
Il nome Änglagård significa "Corte degli Angeli" (o "Fattoria degli Angeli"), tratto da un celebre film svedese dell'epoca.
Sono famosi per il loro rifiuto categorico delle sonorità digitali degli anni '80/'90. Il loro arsenale include:
Mellotron, usato in modo massiccio per creare tappeti orchestrali spettrali.
Organo Hammond e Moog, per un suono caldo e organico, mentre il flauto traverso, suonato da Anna Holmgren, aggiunge un tocco pastorale e folcloristico.
La sezione ritmica è aggressiva, caratterizzata dal basso Rickenbacker "distorto" di Johan Brand e dalla batteria iper-tecnica di Mattias Olsson.
La musica proposta è un alternarsi estremo di momenti bucolici e delicati e esplosioni sonore quasi Heavy, con continui cambi di tempo e strutture non lineari.
Nonostante vari cambi di line-up e lunghi periodi di inattività, il nucleo storico rimane il cuore pulsante del progetto. 

Ad oggi, i membri principali sono:
Johan Brand (Högberg): Basso e pedali Taurus.
Jonas Engdegård: Chitarre.
Mattias Olsson: Batteria e percussioni (rientrato stabilmente dopo alcuni anni di assenza).
Anna Holmgren: Flauto e sassofono.
Oskar Forsberg / Staffan Lindroth: Nuovi innesti ai fiati e alle tastiere che completano la formazione live degli ultimi anni.

 

Hybris (Mellotronen - 1992)

 
È considerato un capolavoro assoluto del Prog mondiale. Contiene solo quattro tracce (più una bonus nella riedizione) di durata epica.
Il disco dimostra che è ancora possibile scrivere musica complessa e sinfonica con strumenti vintage senza risultare datati.
Fra tutti i brani spicca “Jordrök”, un tour de force strumentale che definisce perfettamente il loro stile. I continui cambi di tempo (poliritmie) e il dialogo serrato tra il flauto di Anna Holmgren e le chitarre distorte sono l’anima della composizione Non c'è canto, la musica narra una storia di mutamento stagionale e geologico.
In “Vandringar I Vilsenhet (Vagabondaggi in Tempo d'Inverno)” appare la voce di Tord Lindman (in svedese), usata quasi come uno strumento aggiunto, mai per dominare la scena. È il brano più folk e pastorale, con sezioni che ricordano la musica da camera, per poi sfociare in sezioni di tastiere che sembrano uscite da “In The Court Of The Crimson King”.
“Ifrån Klarhet Till Klarhet (Di Chiarezza in Chiarezza)” è il brano più "breve" ma forse il più dinamico. Mattias Olsson alla batteria non tiene quasi mai un tempo standard, ma commenta ogni nota con percussioni creative e un uso magistrale dei piatti.
Il gran finale spetta a “Kung Bore (Re Inverno)”, una suite che alterna momenti di estrema violenza sonora a pause di silenzio quasi religioso. Il finale è una delle progressioni più epiche del genere, dove il Mellotron (il suono degli archi campionati su nastro) crea un muro sonoro immenso che sembra crollare su se stesso. Senza questo album, probabilmente non avremmo avuto l'esplosione del Prog scandinavo moderno (Anekdoten, Landberk) e forse persino l'evoluzione Prog degli Opeth (Mikael Åkerfeldt è un fan dichiarato della band) sarebbe stata diversa. Nella riedizione del 2003 e in quelle successive, è stata aggiunta una traccia bonus intitolata “Gånglåt från Knapptibble”, un brano più ritmato e quasi "ballabile" (per i loro standard) registrato durante le stesse sessioni.

 

Epilog (Exergy Music -1994)

 
Il secondo album è interamente strumentale. È maggiormente introspettivo, oscuro e atmosferico rispetto al debutto, con una forte influenza della musica classica e del folklore svedese.
È un album fondamentale perchè profondamente diverso dal suo predecessore. Se con il primo disco gli Änglagård volevano dimostrare di saper suonare "più Prog dei classici", con “Epilog” hanno cercato una voce puramente artistica, slegata da ogni canone.
Qui la band decide di eliminare le voci di Tord Lindman (che infatti lasciò il gruppo poco dopo) per lasciare che fossero solo gli strumenti a parlare. Il suono è più asciutto e cristallino rispetto a “Hybris”, ogni nota di flauto e ogni vibrazione delle corde del basso sono isolate in un vuoto quasi spettrale.
I brani più importanti sono:
“Høstsejd (Incantesimo d'Autunno)” dove si passa da momenti di solitudine assoluta (un flauto solitario, un violoncello) a muri di suono orchestrali creati dal Mellotron che sembrano descrivere il crollo di una montagna.
Qui la batteria di Mattias Olsson diventa quasi percussione orchestrale, usando xilofoni e glockenspiel per arricchire la trama sonora.
In “Rösten (La Voce)”, nonostante il titolo, non c'è traccia di canto umano. È un brano angosciante, quasi "horror" in certi passaggi, che esplora l'uso del silenzio come strumento musicale. I cambi di tempo sono repentini e destabilizzanti.
“Sista Somrar (Ultime Estati)” è probabilmente il brano più malinconico. La melodia principale è struggente e mette in luce il lato melodico della band, pur mantenendo quella struttura a "incastro" tipica del loro stile.
In “Epilog”, l'influenza dei compositori del Nord Europa come Grieg o Sibelius è molto più marcata rispetto a quella dei King Crimson. Qui la band ha collaborato con veri musicisti d'arco (violino, viola, violoncello), fondendo il Rock con la musica colta in modo così simbiotico che è difficile distinguere dove finisca l'uno e inizi l'altra. Johan Brand utilizza il basso in modo ancora più "pieno", riempiendo i vuoti lasciati dalla mancanza della voce con linee melodiche che guidano l'intero album.
Il titolo non fu scelto a caso. La tensione creativa e la fatica monumentale per comporre e registrare musica di questa complessità portarono la band allo sfinimento. Poco dopo la pubblicazione di Epilog e un'apparizione leggendaria al festival Progfest a Los Angeles (documentata nel live Buried Alive), gli Änglagård si sciolsero.
Per quasi vent'anni, “Epilog” è rimasto il loro testamento: un disco ostico, che richiede molti ascolti per essere compreso, ma che premia l'ascoltatore con una profondità emotiva che pochi altri album prog hanno mai raggiunto.

 

Viljans Öga (Änglagård Records - 2012)

 
Dopo quasi vent'anni di silenzio (interrotti solo da brevi reunion live), la band torna con un terzo disco inaspettato. Nonostante il tempo trascorso, la band è riuscita nell'impresa quasi impossibile di riprendere esattamente da dove aveva lasciato, ma con una maturità esecutiva e una qualità di registrazione nettamente superiori. La band decide di proseguire sulla strada tracciata da “Epilog”, rendendo l'album completamente strumentale.
Pur essendo registrato con tecnologie moderne, il gruppo ha preteso l'uso esclusivo di strumenti vintage. Il risultato è un suono cristallino dove ogni dettaglio (e ce ne sono a migliaia) emerge con una chiarezza mai sentita prima.Gli arrangiamenti sono diventati ancora più "verticali", non ci sono solo chitarra, basso e batteria, ma un fitto intreccio di fiati, archi e percussioni esotiche.
L'album si articola in quattro lunghe composizioni, ognuna delle quali è un labirinto sonoro.
“Ur Vilande (Dal Riposo)” ha il titolo programmatico, la band in effetti si risveglia dal lungo letargo. L'inizio è delicato, quasi cameristico, ma evolve in una sezione ritmica sincopata che ricorda i Gentle Giant più estremi. Il finale è un crescendo di Mellotron che toglie il fiato, una sorta di "bentornati" trionfale.
“Sorgmantel (Mantello di Lutto / Vanessa Antiopa) “
Il titolo svedese si riferisce a una specie di farfalla, ma in realtà evoca immagini funebri.
Può considerarsi il brano più malinconico e tipicamente "scandinavo". Qui il flauto di Anna Holmgren e il violoncello creano trame struggenti, interrotte da improvvise fiammate di chitarra elettrica che mantengono alta la tensione.
“Snårdom (Regno dei Rovi)” E’il pezzo più aggressivo e caotico dell'album, qui il lavoro di Mattias Olsson alla batteria è semplicemente fuori scala. Utilizza una quantità enorme di percussioni (campanelli, gong, legni) rendendo il brano quasi una pièce di musica contemporanea prestata al Rock.
Conclude in un finale dinamico e a tratti quasi "grottesco" e teatrale “Lusta Dansar (La Lussuria Danza)” giocando molto sui contrasti tra il "pieno" e il "vuoto". Ci sono momenti di silenzio assoluto seguiti da esplosioni orchestrali che mettono alla prova qualsiasi impianto Hi-Fi.
La produzione è moderna ma il cuore resta analogico.
L'album è stato votato come miglior disco Prog del 2012 da quasi tutte le testate specializzate mondiali. È un'opera che non concede nulla alla commerciabilità: non ci sono ritornelli, non ci sono tempi facili. È pura esplorazione sonora che richiede (e merita) decine di ascolti per essere svelata interamente. La copertina, che raffigura una sorta di struttura organica/boschiva, riflette perfettamente la musica: intricata, naturale e leggermente inquietante.

Nel 1996 registrano il live “Buried Alive”

e nel 2014 “Prog På Svenska - Live In Japan”.

Per finire, gli Änglagård non sono una band da "sottofondo", richiedono un ascolto attivo e attento. Se amate le atmosfere di “In The Court Of The Crimson King” dei King Crimson o la complessità dei primi Genesis, ma cercate qualcosa di più malinconico e moderno, sono un ascolto obbligato. MS

Versione Inglese:

Änglagård

Änglagård are one of the cornerstones of modern Progressive Rock. Born in Sweden in the early '90s, they are credited with literally "saving" or otherwise revitalizing the symphonic genre in an era dominated by Grunge and the synthetic Pop of that period. While the Neo-Prog of Marillion, IQ, Pendragon, and others brought attention back to the genre in the early '80s by focusing on the sounds of Pink Floyd, Genesis, and Camel above all, this second wave has reference points such as King Crimson and Genesis. The band was formed in Stockholm in 1991 on the initiative of Tord Lindman (guitar and vocals) and Johan Högberg (bass). Their mission was clear: to recover the aesthetics and complexity of classic '70s Prog but with a darker, more dynamic, and typically Scandinavian attitude. The name Änglagård means "Court of Angels" (or "Angel Farm"), taken from a famous Swedish film of the time.   

They are famous for their categorical rejection of the digital sounds of the '80s/'90s. Their arsenal includes: Mellotron, used massively to create spectral orchestral layers. Hammond organ and Moog, for a warm and organic sound, while the transverse flute, played by Anna Holmgren, adds a pastoral and folkloric touch. The rhythmic section is aggressive, characterized by the "distorted" Rickenbacker bass of Johan Brand and the hyper-technical drumming of Mattias Olsson. The music offered is an extreme alternation of bucolic, delicate moments and almost Heavy sonic explosions, with continuous time signature changes and non-linear structures. Despite various line-up changes and long periods of inactivity, the historical core remains the beating heart of the project. 

To date, the main members are: Johan Brand (Högberg): Bass and Taurus pedals. Jonas Engdegård: Guitars. Mattias Olsson: Drums and percussion (returned permanently after a few years of absence). Anna Holmgren: Flute and saxophone. Oskar Forsberg / Staffan Lindroth: New additions on woodwinds and keyboards who complete the live line-up of recent years.   

Hybris (Mellotronen - 1992)   

It is considered an absolute masterpiece of world Prog. It contains only four tracks (plus a bonus in the re-release) of epic duration. The record demonstrates that it is still possible to write complex and symphonic music with vintage instruments without sounding dated. Among all the tracks, “Jordrök” stands out, an instrumental tour de force that perfectly defines their style. The continuous time changes (polyrhythms) and the tight dialogue between Anna Holmgren's flute and the distorted guitars are the soul of the composition. There are no vocals; the music tells a story of seasonal and geological change. 

In “Vandringar I Vilsenhet (Wanderings in Confusion)”, Tord Lindman's voice appears (in Swedish), used almost as an added instrument, never to dominate the scene. It is the most folk and pastoral track, with sections reminiscent of chamber music, only to flow into keyboard sections that seem to have come out of “In The Court Of The Crimson King”. 

“Ifrån Klarhet Till Klarhet (From Clarity To Clarity)” is the "shortest" track but perhaps the most dynamic. Mattias Olsson on drums almost never keeps a standard tempo, but comments on every note with creative percussion and a masterful use of cymbals. The grand finale belongs to “Kung Bore (King Bore)”, a suite that alternates moments of extreme sonic violence with pauses of almost religious silence. The ending is one of the most epic progressions in the genre, where the Mellotron (the sound of tape-sampled strings) creates an immense wall of sound that seems to collapse upon itself. Without this album, we probably wouldn't have had the explosion of modern Scandinavian Prog (Anekdoten, Landberk) and perhaps even the Prog evolution of Opeth (Mikael Åkerfeldt is a declared fan of the band) would have been different. In the 2003 re-release and subsequent ones, a bonus track titled “Gånglåt från Knapptibble” was added, a more rhythmic and almost "danceable" (by their standards) track recorded during the same sessions.   

Epilog (Exergy Music - 1994)   

The second album is entirely instrumental. It is more introspective, dark, and atmospheric than the debut, with a strong influence from classical music and Swedish folklore. It is a fundamental album because it is profoundly different from its predecessor. If with the first record Änglagård wanted to prove they could play "more Prog than the classics," with “Epilog” they sought a purely artistic voice, untethered from any canon. Here the band decided to eliminate the vocals of Tord Lindman (who indeed left the group shortly after) to let only the instruments speak. The sound is drier and more crystalline than in “Hybris”; every flute note and every vibration of the bass strings are isolated in an almost spectral void. The most important tracks are: “Høstsejd (Autumn Seance)” where one moves from moments of absolute solitude (a solitary flute, a cello) to orchestral walls of sound created by the Mellotron that seem to describe the collapse of a mountain. Here Mattias Olsson's drumming becomes almost orchestral percussion, using xylophones and glockenspiels to enrich the sonic texture. In “Rösten (The Voice)”, despite the title, there is no trace of human singing. It is an agonizing track, almost "horror-like" in certain passages, which explores the use of silence as a musical instrument. The tempo changes are sudden and destabilizing. “Sista Somrar (Last Summers)” is probably the most melancholic track. The main melody is poignant and highlights the band's melodic side, while maintaining that "interlocking" structure typical of their style. In “Epilog”, the influence of Northern European composers like Grieg or Sibelius is much more marked than that of King Crimson. Here the band collaborated with real string musicians (violin, viola, cello), fusing Rock with art music in such a symbiotic way that it is difficult to distinguish where one ends and the other begins. Johan Brand uses the bass in an even "fuller" way, filling the gaps left by the lack of vocals with melodic lines that drive the entire album. The title was not chosen by chance. The creative tension and monumental effort to compose and record music of this complexity led the band to exhaustion. Shortly after the release of Epilog and a legendary appearance at the Progfest festival in Los Angeles (documented in the live album Buried Alive), Änglagård disbanded. For nearly twenty years, “Epilog” remained their testament: a challenging record that requires many listens to be understood, but which rewards the listener with an emotional depth that few other prog albums have ever reached.   

Viljans Öga (Änglagård Records - 2012)   

After nearly twenty years of silence (interrupted only by brief live reunions), the band returned with an unexpected third record. Despite the time passed, the band succeeded in the almost impossible feat of picking up exactly where they had left off, but with a technical maturity and recording quality that were clearly superior. The band decided to continue on the path blazed by “Epilog”, making the album completely instrumental. Even though it was recorded with modern technology, the group insisted on the exclusive use of vintage instruments. The result is a crystalline sound where every detail (and there are thousands) emerges with a clarity never heard before. The arrangements have become even more "vertical"; there are not just guitar, bass, and drums, but a dense intertwining of woodwinds, strings, and exotic percussion. The album is divided into four long compositions, each of which is a sonic labyrinth. “Ur Vilande (From Resting)” has a programmatic title; the band effectively wakes up from a long hibernation. The beginning is delicate, almost chamber-like, but evolves into a syncopated rhythmic section reminiscent of the most extreme Gentle Giant. The finale is a breathtaking Mellotron crescendo, a sort of triumphal "welcome back." “Sorgmantel (Mourning Cloak / Vanessa Antiopa)” The Swedish title refers to a species of butterfly, but in reality, it evokes funerary images. It can be considered the most melancholic and typically "Scandinavian" track. Here Anna Holmgren's flute and the cello create poignant textures, interrupted by sudden flashes of electric guitar that keep the tension high. “Snårdom (Kingdom of Brambles)” is the most aggressive and chaotic piece on the album; here Mattias Olsson's drum work is simply off the charts. He uses an enormous amount of percussion (bells, gongs, woodblocks), making the track almost a piece of contemporary music lent to Rock. “Lusta Dansar (Lust Dances)” concludes in a dynamic and at times almost "grotesque" and theatrical finale, playing heavily on the contrasts between "full" and "empty." There are moments of absolute silence followed by orchestral explosions that test any Hi-Fi system. The production is modern but the heart remains analog. The album was voted best Prog record of 2012 by almost all specialized publications worldwide. It is a work that concedes nothing to commerciality: there are no choruses, no easy time signatures. It is pure sonic exploration that requires (and deserves) dozens of listens to be fully revealed. The cover, depicting a sort of organic/woodland structure, perfectly reflects the music: intricate, natural, and slightly unsettling. 

In 1996 they recorded the live album “Buried Alive” and in 2014 “Prog På Svenska - Live In Japan”. 

Finally, Änglagård is not a "background" band; they require active and attentive listening. If you love the atmospheres of King Crimson's “In The Court Of The Crimson King” or the complexity of early Genesis, but are looking for something more melancholic and modern, they are a mandatory listen. MS

Inner Vitriol

INNER VITRIOL – Semper Tacui
Hidden Stone Records
Genere: Progressive Metal
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

Il Progressive Metal dalle tinte fosche è un genere che sta guadagnando sempre più spazio, specialmente dopo l’affermazione di band come Opeth, Soen, Porcupine Tree e Tool (nella loro sfaccettatura più metallica alla "Deadwing"). Queste realtà arricchiscono un panorama che, in passato, era territorio indiscusso delle sonorità tecniche e sinfoniche dei Dream Theater.
Si delinea così uno scenario differente, il cui fascino cresce grazie all'apporto culturale di formazioni non nordiche. Un esempio eccellente sono i bolognesi Inner Vitriol, capaci di infondere nel contesto la nostra mediterraneità e la tradizione del Prog italiano.
Il gruppo nasce nel 2007 da un'idea di Francesco Lombardo (basso) e Michele Panepinto (batteria) con il nome originario di Vitriol. Le loro composizioni presentano un'abbondanza di tempi complessi e virtuosismi jazzistici, alternando passaggi rilassanti a momenti decisamente pesanti. Dopo la pubblicazione di un EP omonimo nel 2010 e dell’album "Into The Silence I Sink" nel 2012,  incentrato sui temi del silenzio e dell'incomunicabilità, la formazione odierna vede l'innesto di Gabriele Gozzi (voce) e Michele Di Lauro (chitarra).
"Semper Tacui" è un concept album composto da sei brani e impreziosito da due ospiti d'eccezione: Andy Kuntz, cantante dei Vanden Plas, e Geoff Tate, leggendario frontman degli storici Queensrÿche. L'opera è focalizzata sul tempo, inteso come una forza inarrestabile e a tratti violenta, come suggerito dal singolo "Waterfall", in cui lo scorrere cronologico non è un fiume, ma una cascata scoscesa.
La produzione del disco è estremamente curata, i suoni nitidi permettono di distinguere ogni sfumatura del basso spesso dinamico e protagonista, e delle trame chitarristiche. La voce di Gabriele Gozzi rappresenta uno dei punti di forza dell'ensemble, versatile e naturale, l'interprete passa con disinvoltura da toni caldi e confidenziali a momenti di grande potenza.
"Broken And Dragged" introduce l’ascoltatore nelle atmosfere dell’album in soli tre minuti, evidenziando immediatamente le capacità compositive del combo e traghettando verso "On A Cold Floor". Quest'ultimo brano, della durata di quasi dieci minuti e arricchito dalla voce di Andy Kuntz, colpisce duramente per intensità e pressione emotiva.
Il singolo "Waterfall" abbraccia la scena con delicatezza e profondità d’intenti, offrendo un esempio lampante dell'evoluzione del genere attraverso il DNA mediterraneo. Successivamente, "Weaker And Fading" aggiunge dinamicità ritmica con tempi spezzati, pur mantenendo quel cantato sussurrato caratteristico della band. L’intervento di Geoff Tate, in questo frangente, è da brividi.
Ancor più profonda risulta "Upon The First Ray Of My Last Sun", vero climax emotivo che porta a compimento il viaggio introspettivo iniziato con le prime tracce. Il titolo stesso, una potente antitesi, suggerisce un’epifania finale, quell'istante di estrema lucidità che precede la fine di una fase vitale o di un’esistenza. Musicalmente, il pezzo riflette una sensazione di "fine imminente ma gloriosa", sostenuta da un lavoro di basso e batteria fondamentale che funge da battito cardiaco. Se negli altri brani emerge la lotta contro il tempo, qui regna una forma di pace tragica e la consapevolezza che ogni ciclo debba chiudersi per acquisire senso.
"I See The Flames" rappresenta il crollo finale, l'incendio che divora i resti. Concludere un album denso come "Semper Tacui" non era semplice, ma questa traccia riesce a trasformare la malinconia in un'energia distruttiva e, paradossalmente, purificatrice. Le chitarre abbandonano le aperture melodiche per farsi spesse e ossessive, con richiami quasi Dark Thrash che comunicano l'urgenza del titolo.
In definitiva, "Semper Tacui" è un disco che richiede ascolti ripetuti per essere compreso appieno. Non è "musica di sottofondo", ma un cammino sonoro che esige attenzione e partecipazione emotiva. Attraverso questo mix di sonorità passate e moderne, l’Italia dimostra di essere protagonista assoluta del Progressive Metal attuale e non una semplice comprimaria. MS

Versione Inglese:

INNER VITRIOL – Semper Tacui
 Hidden Stone Records
Genre: Progressive Metal
Format: LP / CD / Digital – 2026

Dark-tinged Progressive Metal is a genre that is steadily gaining ground, especially following the rise of bands such as Opeth, Soen, Porcupine Tree, and Tool (specifically in their heavier facet, reminiscent of "Deadwing"). These acts enrich a landscape that was previously the undisputed territory of the technical and symphonic sounds of Dream Theater.
This shift presents a different scenario, whose appeal grows thanks to the cultural contribution of non-Northern formations. An excellent example is the Bologna-based Inner Vitriol, capable of infusing the context with our Mediterranean essence and the Italian Prog tradition.
The group was formed in 2007 from an idea by Francesco Lombardo (bass) and Michele Panepinto (drums), originally under the name Vitriol. Their compositions feature an abundance of complex time signatures and jazz-influenced virtuosity, alternating between relaxing passages and decidedly heavy moments. Following the release of a self-titled EP in 2010 and the 2012 album "Into The Silence I Sink", which focused on themes of silence and the inability to communicate, the current lineup is completed by Gabriele Gozzi (vocals) and Michele Di Lauro (guitar).
"Semper Tacui" is a concept album consisting of six tracks and enhanced by two exceptional guests: Andy Kuntz, lead singer of Vanden Plas, and Geoff Tate, the legendary frontman of the historic Queensrÿche. The work is focused on time, understood as an unstoppable and at times violent force, as suggested by the single "Waterfall," where the chronological flow is not a river, but a steep waterfall.
The production of the record is extremely refined; the crisp sounds allow every nuance of the bass, often dynamic and prominent, and the guitar textures to be distinguished. Gabriele Gozzi’s voice represents one of the ensemble's strengths; versatile and natural, the performer moves effortlessly from warm, intimate tones to moments of great power.
"Broken And Dragged" introduces the listener to the album's atmosphere in just three minutes, immediately highlighting the combo's compositional skills and leading into "On A Cold Floor." This latter track, lasting nearly ten minutes and enriched by Andy Kuntz's vocals, hits hard with its intensity and emotional pressure.
The single "Waterfall" embraces the scene with delicacy and depth of intent, offering a clear example of how the genre is evolving through our Mediterranean DNA. Subsequently, "Weaker And Fading" adds rhythmic dynamism with broken tempos, while maintaining the whispered vocals characteristic of the band. Geoff Tate’s intervention in this passage is spine-tingling.
Even more profound is "Upon The First Ray Of My Last Sun," a true emotional climax that completes the introspective journey begun with the opening tracks. The title itself, a powerful antithesis, suggests a final epiphany: that instant of extreme clarity preceding the end of a life phase or an existence. Musically, the piece reflects a sensation of an "imminent but glorious end," supported by essential bass and drum work that functions as a heartbeat. While a struggle against time emerges in other tracks, here a form of tragic peace reigns, along with the realization that every cycle must close to acquire meaning.
"I See The Flames" represents the final collapse, the fire that devours the remains. Closing an album as dense as "Semper Tacui" was no simple feat, but this track succeeds by transforming melancholy into a destructive and, paradoxically, purifying energy. The guitars abandon melodic openings to become thick and obsessive, with near-Dark Thrash echoes that communicate the urgency of the title.
Ultimately, "Semper Tacui" is a record that requires repeated listens to be fully understood. It is not "background music," but a sonic journey that demands attention and emotional involvement. Through this mix of past and modern sounds, Italy fully demonstrates its role as a leading protagonist in today's Progressive Metal scene, rather than a mere bystander. MS

Il ritorno de Il Giardino Dei Semplici

 

Bianco e nero: il ritorno dell’album di culto del Neapolitan Power

 
La Warner Music Italy ha rilanciato un importante disco de Il Giardino dei Semplici, che ha fatto la storia della musica napoletana d’avanguardia dei primi anni ottanta: "B/N (Bianco E Nero)".
L’album è stato ripubblicato in vinile bianco, ed è stato parallelamente reso disponibile in digitale, rimasterizzato a 24 bit. Non è comunque il suo primo revival discografico: già sul finire degli anni novanta, aveva beneficiato di una lussuosa reissue in CD, mirata al mercato giapponese.
Originariamente immesso sul mercato dalla WEA Italiana il 27 settembre 1979, il disco si rivelò subito come una pietra miliare del Neapolitan/Napule’s Power, capace di catalizzare, a livello nazionale, l’attenzione sull’intero movimento. Precedette di sei mesi il terzo album di Pino Daniele, Nero a metà.
Per questo lavoro, il Giardino dei Semplici si avvalse della produzione di Claudio Cavallaro e degli arrangiamenti del maestro Vince Tempera. I brani inediti erano scritti da Gianni Averardi (testi) e Gianfranco Caliendo (musiche), i due fondatori della band. La lineup del gruppo, all’epoca, era: Gianfranco Caliendo (voce solista, chitarre), Luciano Liguori (voce solista, basso), Andrea Arcella (tastiere, cori), Gianni Averardi (batteria, percussioni, cori).
Cantato interamente in vernacolo partenopeo, il disco era una miscela esplosiva di pop, rock, disco e funk, e raccontava di una Napoli che oscillava tra splendore e oscurità, condannata a vivere sospesa tra meraviglia e malinconia, ma anche capace di rivendicare se stessa e combattere.
L’album entrò, dopo diversi mesi, nella Top 20 della classifica di TV Sorrisi e Canzoni, e vendette circa 100.000 copie. Il brano Silvie divenne, a sorpresa, un grande successo nei paesi scandinavi, e fu persino reinterpretato dalla popstar finlandese Katri Helena.
Nel 1980, il Giardino dei Semplici si imbarcò in un lungo e spettacolare tour teatrale, vestendo caratteristici costumi bianconeri e presentando sul palco un’enorme maschera di Pulcinella, dotata di occhi “laser” rotanti, che sovrastava una riproduzione del Vesuvio. La conclusione della fortunata tournée fu sancita da tre consecutivi concerti sold out al Palapartenope di Napoli. La band ebbe modo di promozionare l’album anche nell’ambito del Cantagiro, a quel tempo trasmesso dalla Rai, in uno stadio San Paolo invaso da una vastissima folla di spettatori.
Come ha raccontato Gianfranco Caliendo, iconico frontman del complesso dal 1974 al 2012, a Rolling Stone Italia e all’autore Stefano Di Trapani, in un’intervista recente: “Il bianco e nero rappresenta sinteticamente le contraddizioni della nostra città. Il bianco è quello della nostra storia, della nostra cultura, del nostro patrimonio musicale, della nostra generosità, della nostra creatività. Il nero è quello che leggiamo sui giornali tutti i giorni, il nero è la camorra, la strafottenza e l’indifferenza. Nella canzone Pulcinella va…, ad esempio, Pulcinella va in giro per la città per svegliare le coscienze della gente, per invogliarla a ribellarsi e ad accorgersi di ciò che succede intorno”. Il musicista ha ripercorso la genesi e la storia dell’album nel suo libro autobiografico, Memorie di un Capellone – Luci ed ombre di un successo anni 70, edito dalla IacobelliEditore, con prefazione di Giorgio Verdelli.

 
 
Vinile:
https://shop.warnermusic.it/products/b-n-vinile-bianco-edizione-limitata
 
Spotify:
https://open.spotify.com/intl-it/album/1QG3wjE9QMmowBCQvEtzTf
 
 
Qobuz - remaster a 24 bit:
https://play.qobuz.com/album/g489hwjfhmp9b

 

L'Ombra Della Sera

L’OMBRA DELLA SERA – Segreti In Nero
Black Widow Records
Genere: Dark Progressive Rock
Supporto: 2LP / CD / Digital – 2026

Sono già passati quattordici anni dall'affascinante debutto omonimo del supergruppo L’Ombra Della Sera, formato da Fabio Zuffanti (Finisterre, Höstsonaten, "La Curva Di Lesmo", "La Maschera Di Cera", ecc.) al basso, Andrea Orlando alla batteria e Agostino Macor alle tastiere e orchestrazioni. Questa volta la squadra si amplia con esponenti di spicco del mondo del Progressive Rock italiano, come il cantante e tastierista Alessandro Corvaglia ("La Maschera Di Cera", "Delirium", Höstsonaten, ecc.) e Martin Grice ("Fabio Zuffanti Band", "Delirium", ecc.) al sax e al flauto.
Trattasi dunque di Rock Progressivo, e ben sappiamo che il genere ha vissuto il massimo dello splendore nei primi anni ’70, quando la "giovane mamma RAI" mandava in onda i classici sceneggiati a puntate che tenevano incollate le famiglie davanti alla televisione. Immaginiamo ora questi due contesti intersecarsi fra loro, un genere musicale articolato che si approccia a decantare le gesta dei più famosi programmi dell'epoca; di certo l’insieme assume un fascino assolutamente unico nel panorama musicale. Questi spettacoli in bianco e nero trattavano argomenti che variavano dall’horror al noir, passando per l’esoterismo, i misteri e la fantascienza, ecco quindi che la fantasia del Prog Rock ben si sposa con il contesto.
L’idea viene sviluppata dai L’Ombra Della Sera, che non a caso hanno scelto il proprio nome estrapolandolo da uno dei telefilm più noti di quegli anni. Tutto questo viene rivisitato con uno sguardo adulto, frutto della consapevolezza e dell'esperienza odierne, rilasciando canzoni che ben descrivono le atmosfere di quei piccoli capolavori. Qualche nome? "Gamma" (1975), "Ritratto Di Donna Velata" (1975), "Il Segno Del Comando" (1971), "La Traccia Verde" (1975), "L’Amaro Caso Della Baronessa Di Carini" (1975), "A Come Andromeda" (1972) e altre ancora.
L'album non è solo una raccolta di cover, ma una reinterpretazione in chiave Prog/Psych delle colonne sonore di celebri sceneggiati "del brivido" dove l'obiettivo è proprio quello di ricreare quel senso di mistero e sottile angoscia che caratterizzava la TV italiana di quegli anni. Il gruppo utilizza strumentazione vintage proprio per mantenere l'autenticità del suono dell'epoca, con strumenti come Mellotron, Minimoog, organo Hammond e Fender Rhodes. I temi originali sono stati quindi rielaborati e arricchiti di nuove atmosfere, con un'impronta culturale dettata da band come Van Der Graaf Generator, King Crimson, Genesis e altri maestri di allora.
La prima cover è "Albert E L'uomo Nero", andato in onda sulla RAI nel 1976 (precisamente in tre puntate). La storia ruota attorno ad Albert, un bambino di circa dieci anni che vive in una villa isolata con il padre e la matrigna. È un ragazzino solitario, appassionato di disegno, che inizia a sostenere di vedere un misterioso "Uomo Nero" aggirarsi per la casa e il giardino. Lo sceneggiato esplora il tema del divario tra il mondo degli adulti (razionale, freddo) e quello dei bambini (fatto di simboli e paure ancestrali). La regia di Dino Partesano puntava molto sui silenzi, sulle inquadrature lunghe e su una fotografia cupa. La musica richiama quelle nenie create ad arte da band come i Goblin. Splendido il lavoro di Martin Grice al flauto e al sax!
Sobbalzi al cuore durante l’ascolto di "Gamma", uno dei sceneggiati più importanti di sempre, con una colonna sonora leggendaria di Enrico Simonetti (padre di Claudio dei Goblin). Qui Agostino Macor (tastiere e orchestrazioni) interpreta il tema legato a Jean Delay, giovane al quale viene effettuato un rivoluzionario trapianto di cervello.
"Ritratto Di Donna Velata" è un capolavoro del gotico archeologico ambientato in una Toscana nebbiosa e misteriosa (principalmente tra Volterra e Firenze), dove il passato etrusco sembra non voler restare sepolto. È lo sceneggiato che ha trasformato le urne cinerarie e le necropoli in oggetti da incubo per un'intera generazione. Anche qui le melodie originali vengono esaltate dalle tastiere e da un'orchestrazione di base assolutamente indovinata. Indelebile il refrain malinconico che ha sempre contraddistinto il brano.
Si passa poi a "Fantastic Fly" ("Racconti Fantastici"), uno dei momenti più sperimentali e visivamente bizzarri della TV italiana, tratta dai racconti di Edgar Allan Poe. La sigla (eseguita allora dagli Steps) divenne un vero tormentone. Con il suo ritmo disco-elettronico e quel fischio ipnotico, creava un contrasto stridente e affascinante con le atmosfere macabre di Poe.
Altra leggenda è "A Come Andromeda": qui entriamo nel territorio della fantascienza pura, quella "adulta" e filosofica che ha tenuto l'Italia col fiato sospeso per cinque puntate. È il remake dell'omonimo originale della BBC scritto da Fred Hoyle e John Elliot, ma la versione italiana diretta da Vittorio Cottafavi è diventata, se possibile, ancora più iconica. Un radiotelescopio intercetta un segnale proveniente dalla costellazione di Andromeda, non è un semplice rumore, ma un flusso di dati binari. La musica composta da Mario Bertolazzi è un altro pezzo di storia. Quel tema di flauto dolce, così bucolico e malinconico, contrastava violentemente con la freddezza del computer e del laboratorio, creando un senso di "nostalgia del futuro" assolutamente unico.
In "La Traccia Verde", giallo parapsicologico legato al mondo della botanica, la musica è di Berto Pisano, qui esaltata dai fiati di Martin.
A seguire, un classico senza tempo: "La Ballata Di Carini". Neogotico siciliano, lo sceneggiato è un incontro perfetto tra il giallo investigativo, il dramma storico ambientato nell’Ottocento e la leggenda popolare. La sigla è uno dei pilastri della memoria collettiva italiana. Composta da Romolo Grano e cantata da Gigi Proietti (nella versione della sigla finale), la ballata riprende i cantastorie siciliani. Qui Corvaglia si supera in un'interpretazione sentita e perfetta sotto ogni punto di vista.
Ma, musicalmente parlando, il centro di quest'opera è la suite di diciannove minuti "Le Venti Giornate Di Torino", ispirata a uno dei romanzi più inquietanti e profetici della letteratura italiana, scritto da Giorgio De Maria nel 1977. Qui il collettivo sonoro mostra le capacità acquisite, l'intesa e la professionalità, esaltando il nostrano Progressive Rock come non mai fra orchestrazioni e parti psichedeliche di grande impatto.
"Cento Campane" è il "Re" del gotico romano, tratto dal capolavoro "Il Segno Del Comando" e cantata allora da Lando Fiorini (e in una versione più orchestrale da Nico dei Gabbiani): un classico della musica italiana interpretato ancora una volta magistralmente da Alessandro Corvaglia. Il Mellotron dona all’insieme un fascino altamente personalizzato.
Chiude "A Blue Shadow", altro grande classico composto da Berto Pisano che faceva da sigla e da tema portante allo sceneggiato "Ho Incontrato Un'Ombra" (1974), diretto dal solito maestro Daniele D'Anza. Martin Grice sale nuovamente in cattedra e le atmosfere si tingono di giallo.
Ascoltando "Segreti In Nero" sono riaffiorati in me ricordi indelebili ed emozionanti, vista la mia veneranda età che mi ha permesso di viverli di persona. Già soltanto per questo dovrei dire grazie a L’Ombra Della Sera, ma devo necessariamente aggiungervi la capacità artistica di questi musicisti, che sono un vero e proprio bene prezioso per la musica italiana e non solo. Uno squarcio del patrimonio della nostra cultura, assolutamente da possedere. MS

Tratta dall'album "L'Ombra Della Sera" (2012) 

 

Versione Inglese: 

L’OMBRA DELLA SERA – Segreti In Nero
Black Widow Records
Genre: Dark Progressive Rock
Format: 2LP / CD / Digital – 2026

Fourteen years have already passed since the fascinating self-titled debut of the supergroup L’Ombra Della Sera, featuring Fabio Zuffanti (Finisterre, Höstsonaten, "La Curva Di Lesmo", "La Maschera Di Cera", etc.) on bass, Andrea Orlando on drums, and Agostino Macor on keyboards and orchestrations. This time, the team expands to include prominent figures from the world of Italian Progressive Rock, such as singer and keyboardist Alessandro Corvaglia ("La Maschera Di Cera", "Delirium", Höstsonaten, etc.) and Martin Grice ("Fabio Zuffanti Band", "Delirium", etc.) on sax and flute.
We are talking about Progressive Rock, a genre that saw its greatest splendor in the early '70s, when the "young mamma RAI" (Italy's national broadcaster) aired classic serialized dramas—known as sceneggiati—that kept families glued to their television sets. Imagine these two worlds intersecting: a complex musical genre approaching the task of celebrating the most famous programs of that era. The result carries a charm that is absolutely unique in the musical landscape. These black-and-white shows dealt with themes ranging from horror to noir, including esotericism, mystery, and science fiction; thus, the imagination of Prog Rock blends perfectly with this context.
The idea was developed by L’Ombra Della Sera, who—not by chance—chose their name by taking it from one of the most famous TV thrillers of those years. All of this is revisited through an adult lens, born from modern awareness and experience, releasing songs that perfectly describe the atmospheres of those small masterpieces. A few titles? "Gamma" (1975), "Ritratto Di Donna Velata" (1975), "Il Segno Del Comando" (1971), "La Traccia Verde" (1975), "L’Amaro Caso Della Baronessa Di Carini" (1975), "A Come Andromeda" (1972), and more.
The album is not just a collection of covers, but a Prog/Psych reinterpretation of the soundtracks from famous "thriller" sceneggiati. The goal is precisely to recreate that sense of mystery and subtle anguish that characterized Italian TV in those years. The group uses vintage instrumentation to maintain the authenticity of the era's sound, featuring instruments such as the Mellotron, Minimoog, Hammond organ, and Fender Rhodes. The original themes have been reworked and enriched with new atmospheres, with a cultural imprint influenced by bands like Van der Graaf Generator, King Crimson, Genesis, and other masters of the time.
The first cover is "Albert E L'uomo Nero", which aired on RAI in 1976 (in three episodes). The story revolves around Albert, a boy of about ten living in an isolated villa with his father and stepmother. He is a lonely child, passionate about drawing, who begins to claim he sees a mysterious "Bogeyman" (Uomo Nero) lurking around the house and garden. The drama explores the divide between the adult world (rational, cold) and the world of children (made of symbols and ancestral fears). Dino Partesano's direction focused heavily on silence, long shots, and somber photography. The music recalls those artfully crafted lullabies by bands like Goblin. Martin Grice's work on flute and sax is splendid!
A literal heartbeat skip occurs while listening to "Gamma", one of the most important sceneggiati ever, featuring a legendary soundtrack by Enrico Simonetti (father of Claudio from Goblin). Here, Agostino Macor (keyboards and orchestrations) interprets the theme related to Jean Delay, a young man who undergoes a revolutionary brain transplant.
"Ritratto Di Donna Velata" is a masterpiece of archaeological gothic set in a misty, mysterious Tuscany (mainly between Volterra and Florence), where the Etruscan past refuses to stay buried. It is the show that turned cinerary urns and necropolises into objects of nightmares for an entire generation. Here too, the original melodies are enhanced by keyboards and a perfectly executed foundational orchestration. The melancholic refrain that has always distinguished the piece remains indelible.
Next is "Fantastic Fly" ("Racconti Fantastici"), one of the most experimental and visually bizarre moments of Italian TV, based on the stories of Edgar Allan Poe. The theme song (originally performed by Steps) became a massive hit. With its disco-electronic rhythm and that hypnotic whistle, it created a striking and fascinating contrast with Poe's macabre atmospheres.
Another legend is "A Come Andromeda", where we enter the territory of pure science fiction—"adult" and philosophical sci-fi that kept Italy in suspense for five episodes. It is a remake of the BBC original written by Fred Hoyle and John Elliot, but the Italian version directed by Vittorio Cottafavi became, if possible, even more iconic. A radiotelescope intercepts a signal from the Andromeda constellation; it is not mere noise, but a stream of binary data. The music composed by Mario Bertolazzi is another piece of history. That recorder flute theme, so bucolic and melancholic, contrasted violently with the coldness of the computer and the lab, creating a completely unique sense of "future nostalgia."
In "La Traccia Verde", a parapsychological thriller linked to the world of botany, the music is by Berto Pisano, elevated here by Martin’s wind instruments. This is followed by a timeless classic: "La Ballata Di Carini". A Sicilian neo-gothic tale, the drama is a perfect encounter between the investigative mystery, the 19th-century historical drama, and folk legend. The theme song is a pillar of Italian collective memory. Composed by Romolo Grano and sung by Gigi Proietti (in the final credits version), the ballad echoes Sicilian folk storytellers; here, Corvaglia excels in a heartfelt and perfect interpretation.
Musically speaking, however, the heart of this work is the nineteen-minute suite "Le Venti Giornate Di Torino", inspired by one of the most unsettling and prophetic novels in Italian literature, written by Giorgio De Maria in 1977. Here, the sonic collective showcases their acquired skill, synergy, and professionalism, exalting Italian Progressive Rock like never before through orchestrations and high-impact psychedelic parts.
"Cento Campane" is the "King" of Roman Gothic, taken from the masterpiece "Il Segno Del Comando" and originally sung by Lando Fiorini (and in a more orchestral version by Nico dei Gabbiani). It is a classic of Italian music, masterfully interpreted once again by Alessandro Corvaglia. The Mellotron gives the ensemble a highly personalized charm.
Closing the album is "A Blue Shadow", another great classic composed by Berto Pisano that served as the theme for the sceneggiato "Ho Incontrato Un'Ombra" (1974), directed by the usual master Daniele D'Anza. Martin Grice takes center stage once again, and the atmosphere turns to shades of "giallo."
Listening to "Segreti In Nero", indelible and moving memories resurfaced in me, given my venerable age which allowed me to experience them firsthand. For this alone, I should thank L’Ombra Della Sera, but I must also add the artistic prowess of these musicians, who are a true treasure for Italian music and beyond. A glimpse into the heritage of Italian culture, absolutely essential to own. MS

 

 Tratta dall'album "L'Ombra Della Sera" (2012) 

Fabio Anile

FABIO ANILE - “Minutiae”
RareNoise Records
Genere: Avanguardia / Rock
Supporto: CD / LP / Bandcamp - 2026

Fin dalla metà degli anni Novanta, il musicista e pianista siciliano Fabio Anile, trapiantato a Roma, è parte integrante del collettivo Chain Tape Collective, un gruppo di musicisti fondato verso la fine degli anni ’90 da Michael Klobuchar. In questo contesto, operando in modalità autonoma e volontaria, artisti provenienti da Europa e Stati Uniti collaborano alla realizzazione di numerosi dischi a tema ambientale. Anile ha partecipato al progetto con EnoLogica e, successivamente, attraverso la Looper’s Delight Community.
Questa esperienza gli ha permesso di entrare in contatto con numerosi artisti, tra cui il chitarrista sperimentale tedesco Michael Peters, Bernhard Wagner dei Sonar, Stephan Thelen, il batterista Agostino Marangolo (Goblin) e il contrabbassista Keith Lowe. Questi ultimi figurano anche nel disco di debutto solista che andiamo ad analizzare, intitolato “Minutiae”. Al progetto partecipano inoltre ospiti del calibro di Samuel Hällkvist (chitarra), Michael Peters (chitarra), Stephan Thelen (chitarra), Bernhard Wagner (chitarra), Jon Durant (chitarra) e Fabio Trentini (basso).
La proposta musicale si muove tra Rock e Avanguardia, in un equilibrio tra lirismo melodico italiano e minimalismo americano, il tutto è sorretto da una tematica riflessiva sul tempo nelle sue molteplici dimensioni e nel suo rapporto con la forma e la pratica musicale.
L’incipit di “Compás” mette in evidenza un approccio melodico al classicismo ponderato ed essenziale, dove il crescendo sonoro rappresenta la chiave di volta della composizione. Risulta fondamentale l’apporto degli archi e del contrabbasso, che conferiscono calore al brano in un omaggio all’unità ritmica della musica flamenca. Marangolo guida l’ensemble con maestria attraverso una ritmica spezzata che affonda le radici nel Jazz-Rock praticato al fianco di artisti come Napoli Centrale, Goblin e Perigeo.
“Dance”, già presentata in una versione per percussioni intonate con il Mannheimer Schlagwerk diretto dal Maestro Dennis Kuhn, esalta lo stile percussivo di Steve Reich, accostando la composizione a quella "cellula impazzita" degli anni ’80 chiamata King Crimson.
Fabio Anile non è il classico pianista dedito al virtuosismo tecnico fine a se stesso, la sua ricerca è interamente rivolta al suono "puro", al valore del silenzio e all'emozione raccolta. La toccante “Foglie Morte” ne è la cartina di tornasole: uno splendido esempio di cura del dettaglio.
“Mysterious Counterpoint” apre con pianoforte e contrabbasso un loop sonoro incessante in cui perdersi o restare ipnotizzati. Qui, ricerca e sperimentazione sono poste interamente al servizio della mente.
Personalmente, resto ammaliato dalla bellezza nostalgica di “More Than 12” e dal suo incedere Progressive Rock, che esalta la tecnica individuale dei singoli componenti. È il momento più marcatamente Rock ed elettrico dell’ensemble, una vera gemma sonora.
“Planet Nine (Orbits)” vede la partecipazione di Trentini al basso e richiama le atmosfere degli svizzeri Sonar, con le chitarre che prendono progressivamente il sopravvento.
I dieci minuti finali sono affidati a “Shifting Trains”, un brano con cui si vola nuovamente verso orizzonti cinematografici, va sans dire.
Molto bello ed elegante l’artwork di Petulia Mattioli, capace di rendere giustizia a una musica che, con pochi tocchi, sa entrare nell’anima scavando nei ricordi e nelle immagini temporali di ognuno di noi. Un disco di questo spessore è rigenerante per il corpo e per la mente. MS

Ascolto bandcamp: https://fabioanile.bandcamp.com/album/minutiae-3

Versione Inglese: 

FABIO ANILE – “Minutiae”
RareNoise Records
Genre: Avant-garde / Rock
Format: CD / LP / Bandcamp - 2026

Since the mid-nineties, the Sicilian musician and pianist Fabio Anile, now based in Rome, has been an integral part of the Chain Tape Collective, a group of musicians founded toward the end of the 90s by Michael Klobuchar. Within this framework, operating autonomously and voluntarily, artists from Europe and the United States collaborate on numerous ambient-themed albums. Anile contributed to the project with EnoLogica and, subsequently, through the Looper’s Delight Community.
This experience allowed him to connect with numerous artists, including German experimental guitarist Michael Peters, Bernhard Wagner of Sonar, Stephan Thelen, drummer Agostino Marangolo (Goblin), and bassist Keith Lowe. The latter two also feature on the solo debut album we are analyzing, titled “Minutiae”. The project further includes high-caliber guests such as Samuel Hällkvist (guitar), Michael Peters (guitar), Stephan Thelen (guitar), Bernhard Wagner (guitar), Jon Durant (guitar), and Fabio Trentini (bass).
The musical offering moves between Rock and Avant-garde, balancing Italian melodic lyricism with American minimalism; the entire work is underpinned by a reflective theme on time in its multiple dimensions and its relationship with musical form and practice.
The opening of “Compás” highlights a thoughtful and essential melodic approach to classicism, where the sonic crescendo serves as the composition's cornerstone. The contribution of the strings and double bass is fundamental, lending warmth to the piece in an homage to the rhythmic unity of flamenco music. Marangolo masterfully leads the ensemble through a broken rhythm that draws its roots from the Jazz-Rock he practiced alongside artists of the caliber of Napoli Centrale, Goblin, and Perigeo.
“Dance”, previously released in a version for pitched percussion with the Mannheimer Schlagwerk conducted by Maestro Dennis Kuhn, exalts the percussive style of Steve Reich, drawing the composition close to that "erratic cell" of the 1980s known as King Crimson.
Fabio Anile is not the typical pianist seeking technical virtuosity for its own sake; his research is entirely focused on "pure" sound, the value of silence, and gathered emotion. The touching “Foglie Morte” is the litmus test of this: a splendid example of attention to detail.
“Mysterious Counterpoint” opens with piano and double bass, creating an incessant sonic loop in which to get lost or remain hypnotized. Here, research and experimentation are placed entirely at the service of the mind.
Personally, I remain captivated by the nostalgic beauty of “More Than 12” and its Progressive Rock gait, which highlights the individual technique of each member. This is the ensemble's most markedly Rock and electric moment—a true sonic gem.
“Planet Nine (Orbits)” features Trentini on bass and recalls the atmosphere of the Swiss band Sonar, with the guitars gradually taking over.
The final ten minutes are entrusted to “Shifting Trains”, a track that soars once again toward cinematic horizons, va sans dire.
The artwork by Petulia Mattioli is very beautiful and elegant, doing justice to music that, with a few touches, knows how to enter the soul by digging into the memories and temporal images of each of us. An album of this depth is rejuvenating for both body and mind. MS

Listen Bandcamp: https://fabioanile.bandcamp.com/album/minutiae-3