Supercanifradiciadespiaredosi

SUPERCANIFRADICIADESPIAREDOSI – La Muta
Aramis Records
Genere: Avant Prog / Experimental Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

A vent'anni dall'inizio della loro schizoide avventura, l'imprevedibile ed eclettica band trentina dei Supercanifradiciadespiaredosi ha firmato il proprio ritorno discografico con l'album "La Muta".
Dico subito che il disco rappresenta una tappa evolutiva e stilistica cruciale per una formazione che ha sempre fatto dell'irriverenza, della destrutturazione sonora e della sperimentazione basata su suoni primordiali e onomatopeici, i propri marchi di fabbrica.
Nei precedenti capitoli da “Mondo Cane” a “Geni Compresi”, fino alla recente ristampa in vinile della suite fantascientifica “Aggiovaggio”, la band si era imposta all'attenzione per quell'atipico e roboante assetto "senza chitarre" dominato da due bassi distorti e batteria, con "La Muta" il suono si apre a nuove stratificazioni, accogliendo contaminazioni elettroniche e arrangiamenti ritmico-percussivi curatissimi, pur mantenendo intatta la consueta matrice Avant Prog / Experimental Rock.
Il titolo stesso, "La Muta", gioca sulla consueta ambiguità semantica del gruppo ed evoca il cambio di pelle, ossia la muta biologica, una metamorfosi stilistica, il silenzio (l'essere muti), ma probabilmente anche il branco inteso come una muta di cani, richiamo diretto al loro iconico e lunghissimo nome.
Il disco si articola su ben 13 tracce, muovendosi sinergicamente tra graffianti schegge Rock/Metal, aperture sperimentali e sferzate ironiche. Il nucleo creativo del disco vede una parziale mutazione e un rimodellamento dei ruoli, pur mantenendo salda la visione storica del progetto, con Boris Saracco (voce, chitarre, composizione), Nicola Fontana (programming, synth, mixing engineer, composizione), e Renzo Meola (percussioni, batteria, composizione).
Un loro punto di forza risiede notoriamente nei testi, la band utilizza da sempre una tecnica di scrittura destrutturata fatta di accostamenti fonetici folli, giochi di parole, assonanze e una satira sociale tagliente e surreale, che ricorda da vicino l'approccio degli Area o degli Skiantos, riadattato in chiave Avant-Prog.
Il disco si apre con la sferzata di energia nervosa di “Sotto Carica”. Il testo descrive lo stato di perenne iperattività e ansia da prestazione imposto dalla società contemporanea. Essere "sotto carica" non è un segnale di forza, ma l'obbligo biologico e tecnologico di essere sempre connessi, performanti e pronti a scattare. Le parole scorrono veloci, quasi sincopate, assecondando il ritmo serrato del basso e della batteria.
Segue “Limo”, brano dalle atmosfere più fangose e melmose, proprio come il titolo suggerisce. Dal punto di vista lirico, esplora il concetto di stagnazione. La voce si fa più ipnotica e strisciante, muovendosi su tempi dispari e stratificazioni elettroniche. Intrigante il Metal Prog destrutturato di “The Sailor Hard III”, titolo squisitamente ironico che evoca l'estetica degli anime giapponesi storpiata in chiave bizzarra, dove si nasconde una satira affilata contro il voyeurismo e le perversioni della cultura Pop e del web.
Si tira il respiro con “Farloccobolario” ispirato dal libro di Enzo Valori,  movimento più cadenzato e disturbato a tratti da rapidi affondi elettrici.
Geniale “La Danza Del Mentre”, che si sviluppa su un pattern ritmico ipnotico e circolare, dove si  riflette perfettamente l'idea di un movimento continuo.
Con un titolo ingannevolmente rassicurante, “Fidarsi Degli Altri” introduce uno dei testi più cinici e disillusi dell'album, qui la band analizza la paranoia sociale, il crollo della solidarietà e la diffidenza sistematica che regola i rapporti umani contemporanei. Ottima l’interpretazione vocale malleabile a seconda della situazione, al limite del recitato. La ritmica è perfetta e coesa.
Un approccio maggiormente melodico deriva da “Ossidea”, un Hard Prog gradevole e spinto il tanto che basta per non sfociare nel Metal.
In “Fare Tardi” la band unisce una base ritmica geometrica e incalzante a una riflessione ironica ma malinconica sul tempo che sfugge.
Ed è la volta della title track, Avant Prog d'altissima scuola che mette in luce il lavoro di mix e mastering di Mauro Andreolli e Nicola Fontana.
Si fanno anche capate nel Math Rock microtonale in “Muta Paradossa” e il resto lo lascio scoprire a voi.
Nel disco figurano ospiti del calibro di Ulisse (voce), Libero (voce) e Mario Speziali (chitarra e cori).
In conclusione, "La Muta" si dimostra un disco coraggioso, una metamorfosi che non tradisce il passato Punk Progressivo e underground dei Supercani, ma ne certifica la maturità artistica nel panorama della musica sperimentale italiana. Bravi! MS

Versione Inglese: 

SUPERCANIFRADICIADESPIAREDOSI – La Muta
Aramis Records
Genre: Avant Prog / Experimental Rock
Format: CD / Digital – 2026

Twenty years after the beginning of their schizoid adventure, the unpredictable and eclectic band from Trentino, SupercanifradiciadespiaREDosi, marks their recording return with the album "La Muta".
Let me say right away that the record represents a crucial evolutionary and stylistic milestone for a line-up that has always made irreverence, sonic deconstruction, and experimentation based on primordial and onomatopoeic sounds their signature trademarks.
In previous chapters, from “Mondo Cane” to “Geni Compresi”, up to the recent vinyl reissue of the sci-fi suite “Aggiovaggio”, the band had drawn attention for that atypical and thundering "no-guitars" line-up dominated by two distorted basses and drums. With "La Muta", the sound opens up to new stratifications, welcoming electronic contaminations and meticulously crafted rhythmic-percussive arrangements, while keeping their usual Avant Prog / Experimental Rock matrix fully intact.
The title itself, "La Muta", plays on the group's customary semantic ambiguity and evokes the shedding of skin (biologically, a molt; stylistically, a metamorphosis), silence (being mute), but probably also the pack, intended as a pack of hounds (una muta di cani), a direct nod to their iconic, extremely long name.
The album is structured across 13 tracks, moving synergistically between biting Rock/Metal shards, experimental openings, and ironical lashes. The creative core of the album sees a partial mutation and a reshaping of roles, while keeping the historical vision of the project steadfast, featuring Boris Saracco (vocals, guitars, composition), Nicola Fontana (programming, synths, mixing engineer, composition), and Renzo Meola (percussion, drums, composition).
One of their well-known strengths lies in the lyrics: the band has always used a deconstructed writing technique made of crazy phonetic combinations, wordplay, assonances, and a sharp, surreal social satire that closely recalls the approach of Area or Skiantos, readapted in an Avant-Prog key.
The record opens with the jolt of nervous energy of “Sotto Carica”. The lyrics describe the state of perennial hyperactivity and performance anxiety imposed by contemporary society. Being "under charge" (sotto carica / fully charged) is not a sign of strength, but a biological and technological obligation to always be connected, performing, and ready to snap. The words flow fast, almost syncopated, following the tight rhythm of the bass and drums.
This is followed by “Limo”, a track with a muddier and more sludgy atmosphere, just as the title suggests (Silt). From a lyrical standpoint, it explores the concept of stagnation. The vocals become more hypnotic and crawling, moving over odd time signatures and electronic layering. The deconstructed Metal Prog of “The Sailor Hard III” is intriguing; an exquisitely ironic title that evokes the aesthetic of Japanese anime warped in a bizarre fashion, hiding a sharp satire against voyeurism and the perversions of Pop and web culture.
You can catch your breath with “Farloccobolario”, inspired by Enzo Valori's book, featuring a more cadenced movement that is occasionally disrupted by rapid electric thrusts.
Genial is “La Danza Del Mentre”, which develops over a hypnotic and circular rhythmic pattern, perfectly reflecting the idea of continuous movement.
With a deceptively reassuring title, “Fidarsi Degli Altri” (Trusting Others) introduces one of the most cynical and disillusioned lyrics on the album; here, the band analyzes social paranoia, the collapse of solidarity, and the systematic distrust that rules contemporary human relationships. Excellent vocal performance, malleable depending on the situation, bordering on spoken word. The rhythm section is flawless and cohesive.
A more melodic approach stems from “Ossidea”, an enjoyable piece of Hard Prog pushed just enough not to spill over into Metal.
“Fare Tardi” (Being Late); here the band combines a geometric and pressing rhythmic base with an ironic yet melancholic reflection on slipping time.
And then it's time for the title track, top-tier Avant Prog that highlights the mixing and mastering work of Mauro Andreolli and Nicola Fontana.
They also make forays into microtonal Math Rock in “Muta Paradossa”, and I will leave the rest for you to discover.
The album features guests of the caliber of Ulisse (vocals), Libero (vocals), and Mario Speziali (guitar and backing vocals).
In conclusion, "La Muta" proves to be a brave album, a metamorphosis that does not betray the Punk Progressive and underground past of the Supercani, but certifies their artistic maturity within the landscape of Italian experimental music. Well done! MS

Delirium I.P.G.

DELIRIUM I.P.G. - Sesta Strada Lungo il Tempo
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: LP / CD – 2026

Quando ascolto ancora oggi dischi come “Sesta Strada Lungo Il Tempo”, capisco che il mio amore per il Rock Progressivo non potrà mai sopirsi. Se poi a realizzarlo è una band storica come i Delirium, allora il piacere mi si amplifica, e lo dico perché denoto una staffetta con il passato che fa intendere l'immortalità del genere. Infatti il logo cambia in Delirium I.P.G. (International Progressive Group) con l’innesto di nuove leve, sempre molto famose nel circuito, come Fabio Chighini (basso, voce), Alessandro Corvaglia (voce, tastiere, chitarra, cori), Michele Cusato (chitarra, cori) e Enrico Tixi (batteria, percussioni, cori). Con loro gli storici Ettore Vigo (tastiere, voce) e Martin Grice (fiati, cori), oltre che una nutrita serie di special guest che risponde ai nomi di Andrea Bottesini (voce narrante), Giulia Ermirio (viola), Alice Vigo (voce), Enrico Bianchi (cori), Raffaella Izzo (cori) e la The "Banda Deliranti Cantù" (Maurizio, Nello, Ludovico, Catia, Grazia, Silvana, Annunziata).
A livello concettuale e sonoro il disco si sviluppa come un vero e proprio concept album narrativo incentrato sullo scorrere inesorabile del tempo. La band sceglie di esplorare questa tematica focalizzando l'obiettivo su storie e figure ai margini della società, una scelta lirica profonda che dipinge quadri urbani e umani di grande impatto emotivo.
Il lavoro custodisce ed evolve il DNA storico della band. Non mancano i marchi di fabbrica che hanno reso celebri i Delirium fin dagli anni Settanta, come l'uso sapiente del flauto e arrangiamenti arricchiti da orchestrazioni e aperture sinfoniche, che creano un perfetto ponte tra il glorioso passato del Prog italiano e una produzione moderna.
Il concept non può avere migliore inizio se non con una suite di ventidue minuti, atta a eliminare ogni dubbio sull’appartenenza della band a un contesto storico intramontabile. È un susseguirsi di movimenti fluidi, parti sinfoniche, improvvise accelerazioni guidate dal flauto e aperture barocche di tastiere. Liricamente, è un viaggio profondo e drammatico all'interno delle debolezze umane e della codardia (la viltà, appunto), affrontato con un'intensità quasi teatrale. Solo questo vale il prezzo dell’album. Non si tratta di una musica debitrice a band straniere, bensì vive di una personalità tipicamente italiana, ossia mediterraneità e attenzione alle gradevoli melodie. Sempre fondamentale l’apporto del flauto di Grice.
Con “Io Clochard” si entra nel vivo della tematica legata agli ultimi e ai margini della società che accennavo prima. Il brano adotta una prospettiva in prima persona, dando voce a chi vive sulla strada. Musicalmente l'approccio si fa più intimo e toccante, ma non privo di quella tensione drammatica urbana che caratterizza il sound attuale della band, dove la melodia del flauto dialoga con arrangiamenti più cupi e realistici.
“Il Riposo Del Pirata” sposta l'immaginario verso l'avventura, la libertà e, forse, la fine di un lungo viaggio. La voce di Corvaglia si avvicina sempre più a quella di Bernardo Lanzetti e le reminiscenze PFM periodo “Paspartù” sono inevitabili.
“Del Ritorno La Strada” sembra ricollegarsi concettualmente sia a "Io Clochard" che al titolo stesso dell'album. La strada torna a essere protagonista, questa volta con l'idea del ritorno, del bilancio o del percorso a ritroso nel tempo. Il sound è molto compatto, con la sezione ritmica in grande evidenza a sorreggere ricchi intrecci chitarristici, tastieristici e di fiati. Una piccola capatina nel Jazz Prog.
Il brano che chiude l’opera s’intitola “Parole Nel Vento” ed è un altro movimento che lascia spazio alla formula canzone tipica, adatta per addentrarsi nel mondo Delirium.
Una menzione a parte per la bellissima cover di Alessandro Pozzi.
Per chi vi scrive, ad ora “Sesta Strada Lungo il Tempo” è il disco di Prog Italiano dell’anno, sarà dura detronizzarlo dalla mia mente. MS 

Versione Inglese:

DELIRIUM I.P.G. - Sesta Strada Lungo il Tempo
Black Widow Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD – 2026

When I still listen today to albums like “Sesta Strada Lungo Il Tempo”, I realize that my love for Progressive Rock can never fade. If, on top of that, it is created by a historic band like Delirium, then my pleasure is amplified, and I say this because I perceive a passing of the torch from the past that implies the immortality of the genre. In fact, the logo changes to Delirium I.P.G. (International Progressive Group) with the addition of new blood, always very well-known in the circuit, such as Fabio Chighini (bass, vocals), Alessandro Corvaglia (vocals, keyboards, guitar, backing vocals), Michele Cusato (guitar, backing vocals), and Enrico Tixi (drums, percussion, backing vocals). Joining them are veteran members Ettore Vigo (keyboards, vocals) and Martin Grice (woodwinds, backing vocals), as well as a large line-up of special guests including Andrea Bottesini (narrator), Giulia Ermirio (viola), Alice Vigo (vocals), Enrico Bianchi (backing vocals), Raffaella Izzo (backing vocals), and The "Banda Deliranti Cantù" (Maurizio, Nello, Ludovico, Catia, Grazia, Silvana, Annunziata).
Conceptually and sonically, the album unfolds as a true narrative concept album centered on the inexorable passing of time. The band chooses to explore this theme by focusing its lens on stories and figures on the fringes of society, a profound lyrical choice that paints urban and human pictures of great emotional impact.
This work preserves and evolves the band's historical DNA. There is no shortage of the trademarks that made Delirium famous since the 1970s, such as the skillful use of the flute and arrangements enriched by orchestrations and symphonic openings, creating a perfect bridge between the glorious past of Italian Prog and a modern production.
The concept could not have a better start than with a twenty-two-minute suite (“Schiavo Della Viltà”), designed to eliminate any doubt about the band's belonging to an everlasting historical context. It is a succession of fluid movements, symphonic parts, sudden flute-driven accelerations, and baroque keyboard openings. Lyrically, it is a deep and dramatic journey into human weakness and cowardice (viltà, indeed), approached with an almost theatrical intensity. This track alone is worth the price of the album. This is not music indebted to foreign bands; rather, it thrives on a typically Italian personality, namely Mediterranean flavor and attention to pleasant melodies. The contribution of Grice's flute remains essential throughout.
With “Io Clochard”, we enter the heart of the theme related to the underprivileged and those on the fringes of society that I mentioned earlier. The track adopts a first-person perspective, giving a voice to those who live on the street. Musically, the approach becomes more intimate and touching, yet not devoid of that urban dramatic tension that characterizes the band's current sound, where the melody of the flute dialogues with darker, more realistic arrangements.
“Il Riposo Del Pirata” shifts the imagery towards adventure, freedom, and perhaps the end of a long journey. Corvaglia's vocals draw closer and closer to those of Bernardo Lanzetti, and reminiscences of PFM during the “Paspartù” era are inevitable.
“Del Ritorno La Strada” seems conceptually linked to both "Io Clochard" and the album title itself. The street returns as the protagonist, this time with the idea of return, of taking stock, or of a journey backward through time. The sound is very compact, with the rhythm section in high evidence supporting rich guitar, keyboard, and woodwind textures. A short foray into Jazz Prog.
The track that closes the work is titled “Parole Nel Vento” and is another movement that leaves room for the typical song formula, well-suited for delving into the world of Delirium.
A special mention goes to the beautiful cover artwork by Alessandro Pozzi.
For this writer, as of now, “Sesta Strada Lungo il Tempo” is the Italian Prog album of the year; it will be hard to dethrone it from my mind. MS

UN ALBUM UN CONCEPT - "Operation: Mindcrime" - Queensryche

 

UN ALBUM UN CONCEPT:

Queensryche – “Operation: Mindcrime”

Il “The Wall” Dell’Heavy Metal

 

Nel 1987 i Queensrÿche venivano dal successo sotterraneo ma solido di “Rage For Order” (1986), un album fortemente influenzato dal Synth Rock e dal look Glam futuristico, che però aveva lasciato una parte della band e del management poco convinta. Chris DeGarmo (chitarra) e Geoff Tate (voce) volevano qualcosa di più profondo e viscerale.
L'ispirazione per la storia colpì Tate mentre si trovava a Montreal, in Canada. Frequentando alcuni ambienti di attivisti politici e leggendo molto sui sistemi di condizionamento mentale e sul terrorismo di stato, iniziò a delineare la figura del Dr. X. La band si isolò poi nei Le Studio a Morin-Heights (famosi per aver ospitato i Rush), in mezzo ai boschi canadesi, un ambiente perfetto per concentrarsi e dare al disco quell'atmosfera fredda, paranoica e claustrofobica.
Il vero colpo di genio a livello di suono fu la conferma del produttore britannico Peter Collins, il quale non era un produttore metal classico perchè aveva un orecchio Pop Rock molto raffinato e spinse la band a lavorare sulla forma canzone, rendendo i pezzi memorabili e immediati nonostante la complessità della trama.
Fu proprio lui a capire che l'album doveva suonare come un film per le orecchie. Per i dialoghi, i rumori di fondo (i passi, le porte che si chiudono, la siringa, i cori da stadio di Anarchy-X) vennero assunti dei veri doppiatori. La voce del Dr. X venne affidata all'attore Anthony Valentine, mentre per il ruolo cruciale di Sister Mary fu ingaggiata Pamela Moore, che fino ad allora cantava principalmente Pop e Soul. La Moore non aveva idea di cosa fosse il Progressive Metal, ma la sua interpretazione drammatica in Suite Sister Mary rimarrà nella storia.
Per legare il tutto e dare enfasi orchestrale ai momenti più drammatici, la band chiamò Michael Kamen, famoso per le colonne sonore di "Die Hard", "Arma Letale" e per aver lavorato con i Pink Floyd su "The Wall". Kamen arrangiò i violoncelli e gli archi oscuri in “Suite Sister Mary” ed “Electric Requiem”, elevando l'opera da semplice disco rock a vera e propria colonna sonora sinfonica.
Quando “Operation: Mindcrime” uscì nel maggio del 1988, l'accoglienza non fu unanime e immediata, bensì a combustione lenta. Consideriamo che in quell’anno il mercato dell'Heavy Metal americano era dominato da due estremi, il Glam/Hair Metal californiano (Mötley Crüe, Poison, i primi Guns N' Roses) incentrato su feste e divertimento, e il Thrash Metal emergente (Metallica, Megadeth) violento e d'impatto.
I nostri invece cosa fanno? Arrivarono sul mercato con un concept cerebrale, cupo, politico, che parlava di tossicodipendenza, lavaggio del cervello, preti corrotti e assassini di stato!
Negli Stati Uniti, le radio inizialmente fecero fatica a passarlo perchè i brani erano troppo legati tra loro e non si prestavano al facile ascolto. A salvare le sorti commerciali dell'album e a trasformarlo nel successo platino che è oggi, fu la rotazione massiccia su MTV. I video di “Eyes Of A Stranger” e, soprattutto, la power ballad d'impatto “I Don't Believe In Love” (che ricevette anche una nomination ai Grammy Awards nel 1990) iniziarono a girare incessantemente. Il pubblico rimase affascinato dal look della band, dalla potenza della voce di Geoff Tate e dalla complessità della trama. E il successo a seguire fu planetario!

 

LA STORIA BRANO PER BRANO

 

 

La storia si sviluppa nell'America degli anni '80, cinica, corrotta e dominata dal consumismo e dalle disuguaglianze. In questo scenario si muovono tre figure principali:
Nikki: Il protagonista. Un giovane tossicodipendente, frustrato dalla società e manipolabile, alla ricerca di uno scopo nella vita.
Dr. X: Il burattinaio. Un leader carismatico, occulto e demagogo che guida un'organizzazione sotterranea che punta a rovesciare l'ordine costituito attraverso il terrorismo.
Sister Mary (Suor Mary): Una ex prostituta salvata dalla strada e convertita in suora dal Dr. X, che la usa sia per i propri bisogni sia per tenere legato a sé Nikki.
 
1. I Remember Now
L'album si apre in medias res, sentiamo i rumori di un ospedale. Nikki si trova in uno stato quasi catatonico su un letto, piantonato dalla polizia. Un'infermiera gli fa un'iniezione. Non appena la donna esce, la mente di Nikki si sblocca: i ricordi iniziano a riaffiorare. “I remember now...”

 
2. Anarchy-X
Un breve e potente strumentale marziale. Rappresenta visivamente e musicalmente l'ascesa del movimento del Dr. X. È la colonna sonora del lavaggio del cervello collettivo e del caos stradale.

 
3. Revolution Calling
Nikki ricorda come è iniziato tutto. Era stanco dell'ingiustizia sociale, dei politici corrotti e della povertà. Incontra il Dr. X, che gli offre una finta soluzione, ossia una rivoluzione per ripulire il sistema. Nikki ci casca con tutte le scarpe, diventando il braccio armato dell'organizzazione.

 
4. Operation: Mindcrime
Viene svelato il piano. Il Dr. X ha sviluppato un sistema di controllo mentale basato sulla dipendenza da eroina di Nikki e su condizionamenti psicologici. Basta la parola d'ordine  "Mindcrime" per trasformare Nikki in un assassino robotico privo di volontà, pronto a uccidere i bersagli politici indicati dal Dottore.

 
5. Speak
Nikki esegue i primi omicidi politici. È convinto di agire per il bene comune, di dare voce a chi non ce l'ha. La musica è serrata, riflette il fanatismo e l'adrenalina delle prime missioni.

 
6. Spreading The Disease
Il pezzo approfondisce la struttura corrotta che circonda il Dr. X. Qui viene introdotta Sister Mary. Scopriamo che il Dr. X la sfrutta e finanzia la sua chiesa in cambio di favori. Nikki incontra Mary: due anime spezzate e abusate dallo stesso predatore finiscono inevitabilmente per legarsi.

 
7. The Mission
Nikki è ormai un killer esperto, ma inizia a mostrare i primi cedimenti emotivi. Dopo ogni omicidio torna in camera sua a consumare la sua dose, tormentato dai sensi di colpa. Trova conforto solo nelle visite a Mary, perchè tra i due sta nascendo un amore puro, l'unica cosa pulita in un mondo di fango.

 
8. Suite Sister Mary
Il giro di boa e il capolavoro drammatico dell'album (oltre 10 minuti).
Il Dr. X si accorge che il legame tra Nikki e Mary è pericoloso. Nikki sta riacquistando la sua umanità. Il Dottore lo convoca, gli passa la dose e pronuncia la parola d'ordine. L'ordine è agghiacciante: “devi uccidere sia il prete della parrocchia (Padre William) sia la stessa Mary”.
Il protagonista si reca da lei. C'è un tesissimo duetto lirico (interpretato da Geoff Tate e Pamela Moore). Lui le confessa tutto, ma non riesce a ucciderla. Decide di ribellarsi al Dr. X e lascia Mary, promettendole che tornerà dopo aver chiuso i conti con il Dottore.

 
9. The Needle Lies
Nikki affronta il Dr. X. Gli dice che è fuori dai giochi e che non ucciderà mai più, ma il Dr. X ride di lui e gli ricorda una dura verità, ossia che la sua fedeltà non è ideologica, ma chimica. “La siringa non mente”. Nikki è un tossicodipendente e senza il Dottore non avrà la sua dose, così scappa, disperato e in preda alla crisi d'astinenza.

 
10. Electric Requiem
Un brano breve e cupo. Nikki, strafatto e delirante, torna da Mary per fuggire con lei. Ma quando entra nella chiesa, fa la scoperta più terribile, Mary è morta, apparentemente soffocata dal suo stesso rosario.

 
11. Breaking The Silence
Sconvolto dal dolore, Nikki perde completamente la ragione e corre per le strade della città urlando il nome di Mary. Il silenzio nella sua testa si è rotto per sempre; non c'è più il controllo del Dr. X, c'è solo la follia della perdita.

 
12. I Don't Believe In Love
La polizia lo cattura mentre vaga in stato confusionale con l'arma del delitto in mano. Viene accusato dell'omicidio di Mary e di tutti i delitti politici della "Operation Mindcrime". In questo brano, Nikki erige una barriera di cinismo per non impazzire e dichiara di non credere più nell'amore, perché l'amore porta solo dolore e distruzione.

 
13. Waiting For 22
Un breve intermezzo strumentale malinconico che scandisce il tempo che passa. Rappresenta l'attesa di Nikki in cella o in manicomio (il "22" potrebbe riferirsi alla stanza o al reparto psichiatrico).

 
14. My Empty Room
Nikki è chiuso nella sua stanza d'ospedale. Guarda il vuoto. Isolatissimo, capisce di essere stato usato da tutti: dal sistema, dal Dr. X, e che la sua intera rivoluzione era solo una tragica menzogna. Resta solo il vuoto.

 
15. Eyes Of A Stranger
Il finale grandioso.
Il cerchio si chiude. Nikki si guarda allo specchio ma non si riconosce. Nei suoi stessi occhi vede solo lo sguardo di uno sconosciuto, un assassino. I ricordi sono riemersi del tutto, la consapevolezza di ciò che ha fatto lo travolge e la traccia sfuma esattamente con gli stessi suoni ospedalieri dell'inizio dell'album. L'infermiera ripete la stessa identica battuta della prima traccia: “I remember now”. Nikki è condannato a un loop eterno di senso di colpa e follia.

 

Chi ha ucciso Sister Mary?

Questo è il grande mistero che i fan hanno discusso per anni. L'album lascia la questione aperta, ma ci sono tre teorie principali:
Il Dr. X: Ha mandato un altro killer a finire il lavoro dopo il rifiuto di Nikki.
Il suicidio: Mary, non vedendo via d'uscita dalla sua vita di abusi, si è tolta la vita.
Nikki stesso: In preda al lavaggio del cervello o a un blackout da droga, l'ha uccisa senza rendersene conto o senza volerlo ricordare. Solo il sequel "Operation: Mindcrime II" uscito nel 2006 svelerà una verità specifica, ma per l'album originale del '88 il fascino sta proprio in questa ambiguità hitchcockiana.
 
Il Metal Prog non fu più lo stesso: Capolavoro!

Versione Inglese:

ONE ALBUM, ONE CONCEPT:

Queensrÿche – “Operation: Mindcrime”

Heavy Metal’s “The Wall”

In 1987, Queensrÿche were coming off the underground yet solid success of “Rage For Order” (1986), an album heavily influenced by Synth Rock and a futuristic Glam look. However, it had left part of the band and management somewhat unconvinced. Chris DeGarmo (guitar) and Geoff Tate (vocals) wanted something deeper and more visceral.
The inspiration for the story struck Tate while he was in Montreal, Canada. By hanging around political activist circles and reading extensively about mental conditioning systems and state terrorism, he began to outline the figure of Dr. X. The band then isolated themselves at Le Studio in Morin-Heights (famous for hosting Rush) deep in the Canadian woods—a perfect environment to focus and give the record that cold, paranoid, and claustrophobic atmosphere.
The real stroke of genius regarding the sound was the confirmation of British producer Peter Collins. He wasn’t a conventional metal producer; he possessed a highly refined Pop Rock ear and pushed the band to work on the song structures, making the tracks memorable and immediate despite the complexity of the plot.
It was Collins himself who understood that the album needed to sound like a movie for the ears. Real voice actors were hired for the dialogues and background noises (footsteps, slamming doors, the syringe, the stadium-like chants on Anarchy-X). The voice of Dr. X was assigned to actor Anthony Valentine, while for the crucial role of Sister Mary, they recruited Pamela Moore, who until then had mainly sung Pop and Soul. Moore had no idea what Progressive Metal was, but her dramatic performance in Suite Sister Mary will go down in history.
To tie everything together and add orchestral emphasis to the most dramatic moments, the band called in Michael Kamen, famous for the soundtracks of Die Hard and Lethal Weapon, as well as for his work with Pink Floyd on The Wall. Kamen arranged the cellos and dark strings in “Suite Sister Mary” and “Electric Requiem”, elevating the work from a simple rock record to a true symphonic soundtrack.
When “Operation: Mindcrime” was released in May 1988, its reception was not unanimous or immediate, but rather a slow burn. We must consider that in that year, the American Heavy Metal market was dominated by two extremes: Californian Glam/Hair Metal (Mötley Crüe, Poison, early Guns N' Roses) centered on partying and fun, and the emerging Thrash Metal (Metallica, Megadeth), violent and high-impact.
What did our guys do instead? They hit the market with a cerebral, dark, political concept album that dealt with drug addiction, brainwashing, corrupt priests, and state-sponsored assassins!
In the United States, radio stations initially struggled to play it because the tracks were too interconnected and didn't lend themselves to easy listening. What saved the album's commercial fortunes and transformed it into the platinum success it is today was its massive rotation on MTV. The videos for “Eyes Of A Stranger” and, above all, the impactful power ballad “I Don't Believe In Love” (which even received a Grammy Award nomination in 1990) began to air incessantly. The public was fascinated by the band's look, the power of Geoff Tate's voice, and the complexity of the plot. The subsequent success was global!
 

THE STORY TRACK BY TRACK

The story unfolds in 1980s America—cynical, corrupt, and dominated by consumerism and inequality. Three main figures move within this scenario:
Nikki: The protagonist. A young drug addict, frustrated by society and easily manipulated, searching for a purpose in life.
Dr. X: The puppet master. A charismatic, shadowy, demagogic leader who heads an underground organization aiming to overthrow the established order through terrorism.
Sister Mary: An ex-prostitute saved from the streets and converted into a nun by Dr. X, who uses her both for his own needs and to keep Nikki tied to him.

 

1. I Remember Now

The album opens in medias res; we hear hospital noises. Nikki is in a near-catatonic state on a bed, guarded by the police. A nurse gives him an injection. As soon as the woman leaves, Nikki's mind unlocks: memories begin to resurface. “I remember now...”

 2. Anarchy-X

A brief and powerful martial instrumental. It visually and musically represents the rise of Dr. X's movement. It is the soundtrack to collective brainwashing and street chaos.

 3. Revolution Calling

Nikki remembers how it all started. He was tired of social injustice, corrupt politicians, and poverty. He meets Dr. X, who offers him a fake solution: a revolution to clean up the system. Nikki falls for it hook, line, and sinker, becoming the armed wing of the organization.

 4. Operation: Mindcrime

The plan is revealed. Dr. X has developed a mind-control system based on Nikki's heroin addiction and psychological conditioning. The code word "Mindcrime" is all it takes to turn Nikki into a mindless, robotic assassin, ready to eliminate the political targets indicated by the Doctor.

 5. Speak

Nikki carries out his first political assassinations. He is convinced he is acting for the common good, giving a voice to the voiceless. The music is tight, reflecting the fanaticism and adrenaline of the early missions.

 6. Spreading the Disease

The track delves into the corrupt structure surrounding Dr. X. Here, Sister Mary is introduced. We discover that Dr. X exploits her and funds her church in exchange for favors. Nikki meets Mary: two broken souls abused by the same predator inevitably end up bonding.

 7. The Mission

Nikki is now an experienced killer, but he begins to show the first signs of emotional cracking. After every assassination, he returns to his room to consume his dose, tormented by guilt. He finds solace only in his visits to Mary, as a pure love is blossoming between the two—the only clean thing in a world of filth.

 8. Suite Sister Mary

The turning point and the dramatic masterpiece of the album (over 10 minutes long).
Dr. X realizes that the bond between Nikki and Mary is dangerous; Nikki is regaining his humanity. The Doctor summons him, hands over his dose, and utters the code word. The order is chilling: “You must kill both the parish priest (Father William) and Mary herself.”
The protagonist goes to her. A highly tense operatic duet follows (performed by Geoff Tate and Pamela Moore). He confesses everything to her but cannot bring himself to kill her. He decides to rebel against Dr. X and leaves Mary, promising her that he will return after settling scores with the Doctor.

 9. The Needle Lies

Nikki confronts Dr. X. He tells him he is out of the game and will never kill again, but Dr. X laughs at him and reminds him of a harsh truth: his loyalty is not ideological, it is chemical. “The needle lies.” Nikki is an addict, and without the Doctor, he won't get his fix. He runs away, desperate and in the throes of withdrawal.

 10. Electric Requiem

A short, somber track. Nikki, high and delirious, returns to Mary to escape with her. But when he enters the church, he makes the most terrible discovery: Mary is dead, apparently choked by her own rosary.

 11. Breaking the Silence

Shattered by grief, Nikki completely loses his mind and runs through the city streets screaming Mary's name. The silence in his head has broken forever; Dr. X's control is gone, replaced only by the madness of loss.

 12. I Don't Believe in Love

The police capture him while he wanders in a daze, holding the murder weapon. He is accused of Mary's murder and all the political crimes of "Operation Mindcrime". In this song, Nikki builds a wall of cynicism to keep from going insane, declaring that he no longer believes in love, because love only brings pain and destruction.

 13. Waiting for 22

A brief, melancholic instrumental interlude that marks the passing of time. It represents Nikki's wait in a prison cell or an asylum (the "22" could refer to the room or the psychiatric ward).

 14. My Empty Room

Nikki is locked in his hospital room, staring into space. Completely isolated, he realizes he was used by everyone: by the system, by Dr. X, and that his entire revolution was just a tragic lie. Only emptiness remains.

 15. Eyes of a Stranger

The grand finale.
The circle closes. Nikki looks at himself in the mirror but does not recognize himself. In his own eyes, he sees only the gaze of a stranger—a killer. His memories have fully resurfaced, the awareness of what he has done overwhelms him, and the track fades out with the exact same hospital sounds from the beginning of the album. The nurse repeats the very same line from the first track: “I remember now”. Nikki is condemned to an eternal loop of guilt and madness.

 

Who killed Sister Mary?

This is the great mystery that fans have debated for years. The album leaves the question open, but there are three main theories:
Dr. X: He sent another hitman to finish the job after Nikki's refusal.
Suicide: Mary, seeing no way out of her abusive life, took her own life.
Nikki himself: Brainwashed or during a drug blackout, he killed her without realizing it or without wanting to remember it. Only the sequel “Operation: Mindcrime II”, released in 2006, would reveal a specific truth, but for the original '88 album, the charm lies precisely in this Hitchcockian ambiguity.

 Masterpiece!

Cowards

COWARDS – Can You Hear Me?
Bloody Sound
Genere: Noise / Post Punk
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

Il power trio di Recanati è pronto a tornare. A poco più di un anno dall'ottimo e catartico “God Hates Cowards” uscito a febbraio 2025, i Cowards hanno fissato la release del loro nuovo lavoro sulla lunga distanza, intitolato "Can You Hear Me?", per il prossimo 19 giugno 2026, sempre sotto l'egida della fedele etichetta indipendente marchigiana Bloody Sound.
Il disco precedente rappresentava una ripartenza dolorosa e viscerale purtroppo segnata dalla tragica scomparsa del batterista fondatore Peppe Carella e dall'esigenza di esorcizzare i propri demoni interiori, questo nuovo capitolo segna invece un'importante evoluzione sia lirica che sonora.
Luca Piccinini (voce, chitarra), Giulia Tanoni (voce, basso) e Michele Prosperi (batteria) scelgono di allargare lo sguardo dal piano prettamente individuale e personale a quello collettivo. Il disagio, l'ansia e le tensioni non sono più visti solo come ombre del singolo, ma come il riflesso e la risposta emotiva alle condizioni sistemiche e sociali del nostro tempo.
Dal punto di vista sonoro, la band rimane saldamente ancorata alle sue radici radicate negli anni '90, muovendosi in quel territorio affascinante in cui coesistono Noise Rock e Post Punk spigoloso e abrasivo. Non esulano stratificazioni chitarristiche figlie dello Shoegaze e neppure echi di Grunge.
All’ascolto la vera cifra stilistica di questo album sembra essere la gestione dei contrasti, un suono crudo e saturo che fa da contraltare all'alternanza vocale tra Luca e Giulia, perennemente in bilico tra estrema fragilità e urgenza espressiva.
A tracciare la rotta del disco ci ha pensato il singolo di lancio "Fear Of Fear", pubblicato a maggio.
«La paura fa paura, ci limita e ci condiziona. Ma è una tigre di carta, basta affrontarla per sconfiggerla.».
Il pezzo affronta la paura non come un sentimento passeggero, ma come un meccanismo sociale e mentale autosufficiente che si autoalimenta fino a paralizzarci. Musicalmente si sviluppa su una sezione ritmica serrata, ipnotica e insistente, sorretta da un muro di chitarre instabile e denso che esplode nei momenti di massima tensione emotiva.
L’album composto di otto canzoni, si apre invece con “Devils” che ha il compito di spalancare violentemente le porte del loro nuovo universo sonoro. Qui la band gioca con feedback di chitarra o linee di basso sature e pulsanti prima che la batteria di Michele Prosperi detti un tempo serrato e inquieto. Le chitarre di Luca Piccinini sono taglienti, stratificate e sorrette da una distorsione acida. I "Devils" dei Cowards sono i condizionamenti esterni, le pressioni della società contemporanea, l'alienazione e i falsi idoli che la quotidianità ci impone e che finiscono per logorarci dall'interno.
Dopo il singolo è la volta di “Tell Me”, qui i battiti rallentano spostando le coordinate su un terreno molto più intimo, obliquo e ipnotico. Luca Piccinini mette momentaneamente da parte le rasoiate Post Punk per lavorare su arpeggi liquidi, saturazioni dilatate ed effetti (delay, riverberi) che creano un tappeto sonoro avvolgente e quasi psichedelico. Michele Prosperi e Giulia Tanoni abbandonano la frenesia dei brani precedenti per assestarsi su un mid-tempo circolare, un calore pulsante che culla l'ascoltatore pur mantenendo una costante sensazione di sottile inquietudine. Il brano parla di incomunicabilità, isolamento e della ricerca di un contatto autentico.
Segue “9 Minutes”, il brano più lungo dell’album grazie ai suoi otto minuti abbondanti e musicalmente siamo di fronte all'episodio più ambizioso e strutturato, una sorta di mini suite dove il power trio esaspera la dinamica "piano/forte" tipica del Post Rock più viscerale e del Grunge di matrice Seattle. Nella seconda metà, il pezzo esplode in un muro di suono Noise Rock impressionante. Le chitarre si saturano completamente diventando una colata di feedback e distorsioni, mentre la sezione ritmica picchia duro senza sconti. Non c'è più spazio per la melodia eterea, solo per un'urgenza espressiva totale e devastante.
In “Mad World” il movimento è guidato da un riff di chitarra ossessivo e fangoso, il basso è gonfio e saturo di overdrive. Il "mondo matto" dei Cowards è una società schizofrenica, iper-connessa ma profondamente disumanizzata, dove l'empatia sembra essere diventata un lusso e dove siamo costantemente bombardati da stimoli, performance richieste e conflitti. Non c'è moralismo nel testo, ma una lucida e amara constatazione, ossia che l'assurdità è diventata la nuova normalità.
“Bad Trip” è un incubo a occhi aperti che si traduce in una delle tracce più destabilizzanti, ipnotiche e disturbanti dell’album. Sicuramente live ha una presa davvero trascinante.
“Your Party Is Gravy” e “No Return” chiudono un disco che è una botta alla mente, la risposta Noise a un mondo che ha smesso di ascoltare. MS

Versione Inglese:

COWARDS – Can You Hear Me?
Bloody Sound
Genre: Noise / Post Punk
Format: LP / CD / Digital – 2026

The power trio from Recanati is ready to return. Just over a year after the excellent and cathartic “God Hates Cowards”—released in February 2025—Cowards have set the release date for their new full-length effort, titled "Can You Hear Me?", for this coming June 19, 2026, once again under the aegis of their loyal, Marche-based independent label Bloody Sound.
While their previous record represented a painful and visceral restart, unfortunately marked by the tragic passing of founding drummer Peppe Carella and the need to exorcise their inner demons, this new chapter marks an important evolution in both lyrics and sound.
Luca Piccinini (vocals, guitar), Giulia Tanoni (vocals, bass), and Michele Prosperi (drums) choose to broaden their gaze from a purely individual, personal level to a collective one. Hardship, anxiety, and tension are no longer seen merely as the shadows of the individual, but as the reflection of and emotional response to the systemic and social conditions of our time.
From a sonic standpoint, the band remains firmly anchored to its roots in the '90s, moving within that fascinating territory where Noise Rock and sharp, abrasive Post-Punk coexist. There is no shortage of guitar layering born out of Shoegaze, nor echoes of Grunge. Upon listening, the true stylistic hallmark of this album seems to be the management of contrasts—a raw, saturated sound acting as a counterweight to the alternating vocals between Luca and Giulia, perennately balanced between extreme fragility and expressive urgency.
Steering the course of the record was the lead single "Fear Of Fear", published in May.
«Fear is scary, it limits and conditions us. But it is a paper tiger; you just have to face it to defeat it.»
The track tackles fear not as a fleeting feeling, but as a self-sustaining social and mental mechanism that feeds on itself until it paralyzes us. Musically, it develops over a tight, hypnotic, and insistent rhythm section, backed by an unstable, dense wall of guitars that explodes in moments of maximum emotional tension.
The album, composed of eight songs, opens instead with “Devils”, which has the task of violently throwing open the doors to their new sonic universe. Here, the band plays with guitar feedback or saturated, pulsating basslines before Michele Prosperi's drums dictate a tight, restless tempo. Luca Piccinini's guitars are sharp, layered, and sustained by an acidic distortion. Cowards' "Devils" are the external conditioning, the pressures of contemporary society, the alienation, and the false idols that daily life imposes on us, which end up wearing us down from the inside.
Following the single, it is time for “Tell Me”. Here, the beats slow down, shifting the coordinates toward a much more intimate, oblique, and hypnotic terrain. Luca Piccinini temporarily sets aside his Post-Punk razor cuts to work on liquid arpeggios, dilated saturations, and effects (delay, reverb) that create an enveloping, almost psychedelic soundscape. Michele Prosperi and Giulia Tanoni abandon the frenzy of the previous tracks to settle into a circular mid-tempo, a pulsating warmth that cradles the listener while maintaining a constant sense of subtle unease. The song speaks of a breakdown in communication, isolation, and the search for an authentic connection.
Next comes “9 Minutes”, the longest track on the album at just over eight minutes. Musically, we are facing the most ambitious and structured episode—a sort of mini-suite where the power trio exacerbates the "loud/quiet" dynamics typical of the most visceral Post-Rock and Seattle-style Grunge. In the second half, the piece explodes into an awesome wall of Noise Rock sound. The guitars saturate completely, becoming a downpour of feedback and distortion, while the rhythm section hits hard without compromise. There is no more room for ethereal melody, only for a total and devastating expressive urgency.
In “Mad World”, the movement is driven by an obsessive, muddy guitar riff, with the bass swollen and saturated with overdrive. Cowards' "mad world" is a schizophrenic, hyper-connected yet deeply dehumanized society, where empathy seems to have become a luxury and where we are constantly bombarded by stimuli, performance demands, and conflicts. There is no moralism in the lyrics, but rather a lucid, bitter realization: that absurdity has become the new normal.
“Bad Trip” is an open-eyed nightmare that translates into one of the most destabilizing, hypnotic, and disturbing tracks on the album. It will surely have a truly gripping hold live.
“Your Party Is Gravy” and “No Return” close a record that is a blow to the mind—the Noise response to a world that has stopped listening. MS