Un Album, Un Concept: "Thick As A Brick" dei Jethro Tull

 

UN ALBUM, UN CONCEPT

Jethro Tull – Thick As A Brick

Concept o beffa?

 
Oggi parliamo di uno dei più grandi paradossi della storia del Rock: “Thick As A Brick” (1972) dei Jethro Tull.  E’ considerato fra i caposaldi del "concept album" per eccellenza, ma è nato originariamente come una gigantesca parodia degli stessi!
Nel 1971 i Jethro Tull pubblicano “Aqualung” e la critica specializzata lo acclama subito come un "concept album" sulla religione e sulla società. Il leader della band, Ian Anderson, va su tutte le furie, perchè per lui era solo una raccolta di canzoni. Infastidito da quella che considerava la pretenziosità dei critici e di band come Yes o Emerson, Lake & Palmer, Anderson decide di prenderli tutti in giro: “"Se vogliono un concept album, gli darò la madre di tutti i concept album. Qualcosa di così esagerato, complesso e pomposo da rasentare l'assurdo.".
Il disco infatti è formato da un solo brano di quarantacinque minuti necessariamente suddiviso in due parti nel vinile, il lato A e il lato B.
Esso è ispirato dal surrealismo e dall'umorismo demenziale dei Monty Python, leggendario gruppo comico britannico, famosi per la loro comicità surreale, l'umorismo nonsense e l'influenza rivoluzionaria paragonabile a quella dei Beatles nel mondo della musica.

 
Per spingere la satira al massimo, l'album viene confezionato come se fosse un vero e proprio quotidiano locale di 12 pagine, il St. Cleve Chronicle and Linwell Advertiser.
L'articolo di prima pagina racconta la storia di Gerald Bostock (soprannominato "Little Milton"), un bambino prodigio di soli 8 anni che ha vinto un prestigioso premio letterario della Società per la Protezione dell'Infanzia grazie a un poema epico intitolato proprio “Thick As A Brick” che in italiano significa "Ottuso come un mattone".
Secondo l'articolo, il premio viene revocato all'ultimo minuto perché il testo del bambino contiene attacchi durissimi alla morale comune e perché il piccolo Gerald ha detto una parolaccia in diretta TV. I Jethro Tull dichiarano quindi nella finta rivista di aver preso il poema di questo bambino e di averlo messo in musica.
Ovviamente, Gerald Bostock non è mai esistito. È una totale invenzione di Ian Anderson, che ha scritto ogni singola parola del testo.

 
Nonostante l'intento satirico, le parole scritte da Anderson sono incredibilmente profonde, stratificate e poetiche. Il testo è una feroce critica alla società britannica dell'epoca, all'ipocrisia del sistema educativo, al militarismo e alla perdita dell'innocenza. Il fulcro del poema è la transizione dall'infanzia all'età adulta e come la società manipoli le giovani menti.

Il brano si apre con le iconiche note della chitarra acustica e del flauto:
"Really don't mind if you sit this one out. / My words but a whisper — your deafness a SHOUT."
(Non mi importa se decidi di non ascoltare. / Le mie parole sono solo un sussurro, la tua sordità un URLO.).
Anderson si rivolge subito ai critici e ai finti intellettuali e poco dopo introduce la frase che dà il titolo al disco:
 "And your wise men don't know how it feels / to be thick as a brick."
(E i vostri saggi non sanno cosa si provi / ad essere ottusi come un mattone.)
Qui c'è un paradosso filosofico: i "saggi" della società (politici, insegnanti, giudici) sono così intrappolati nelle loro sovrastrutture mentali da aver perso la spontaneità. Non sanno cosa significhi essere "semplici" (o ignoranti), e per questo non capiscono davvero il mondo.

 
"And the sand-castle virtues are all swept away / in the tidal destruction, the moral melee."
(E le virtù-castello di sabbia vengono spazzate via / nella distruzione della marea, nella mischia morale.)
Le regole morali che gli adulti insegnano ai bambini sono fragili come castelli di sabbia. Ogni nuova generazione, arrivando come una marea, distrugge i valori di quella precedente per costruirne di nuovi, altrettanto fragili.
 Successivamente Il testo si sposta sulla nascita di un bambino e sulle aspettative soffocanti che la società gli cuce addosso fin dal primo respiro:
 
"We'll make a man of him / put him to a trade."
(Ne faremo un uomo / lo avvieremo a un mestiere.)
Il neonato viene già visto come un futuro soldato o un ingranaggio del sistema economico. Non c'è spazio per l'individualità, il padre proietta sul figlio la propria idea di successo, costringendolo a conformarsi.
In più Anderson fa notare l'ipocrisia di chi idealizza la guerra, i poeti glorificano i soldati mentre questi ultimi combattono al fronte. Ma quando il vento politico cambia, gli stessi intellettuali condannano ciò che prima osannavano. Diventa una critica all'opportunismo delle classi dirigenti.
 
Verso la fine della suite, si chiude il cerchio biologico e sociale:
"Come on ye childhood heroes! / Won't you rise up from the glades?"
(Avanti, eroi della mia infanzia! / Non volete sorgere dalle radure?)
Il protagonista, ormai cresciuto, cerca disperatamente i vecchi fumetti e gli eroi idealizzati dell'infanzia simboli di purezza e giustizia, ma si rende conto che la vita reale ha distrutto quei miti.
L'amara conclusione è che il bambino ribelle, crescendo, ha finito per conformarsi. Ha accettato le regole del gioco, è diventato un adulto cinico ed è integrato nello stesso sistema che prima combatteva. È diventato, anche lui, "Thick As A Brick".
 
La cosa più divertente dell'intera operazione è che il piano di Ian Anderson fallì gloriosamente, perchè la satira era talmente raffinata, la musica talmente complessa ed eccezionale tra tempi dispari, assoli di organo Hammond e arrangiamenti orchestrali di David Palmer, che nessuno colse l'ironia.
Il pubblico e la critica presero l'album maledettamente sul serio, consacrandolo come uno dei capolavori assoluti del Rock Progressivo mondiale e portandolo al primo posto nelle classifiche americane! MS

Versione Inglese:

ONE ALBUM, ONE CONCEPT

Jethro Tull – Thick As A Brick

Concept or hoax?

 

Today we are talking about one of the greatest paradoxes in rock history: "Thick As A Brick" (1972) by Jethro Tull. It is considered one of the ultimate touchstones of the "concept album," yet it was originally born as a massive parody of them!

 

In 1971, Jethro Tull released "Aqualung," and music critics immediately hailed it as a "concept album" about religion and society. The band's leader, Ian Anderson, was furious, because to him, it was just a collection of songs. Annoyed by what he considered the pretentiousness of critics and bands like Yes or Emerson, Lake & Palmer, Anderson decided to mock them all: "If they want a concept album, I’ll give them the mother of all concept albums. Something so over-the-top, complex, and pompous that it borders on the absurd."

 

In fact, the record consists of a single forty-five-minute track, which was necessarily split into two parts on the vinyl, Side A and Side B.

It was inspired by the surrealism and absurdist humor of Monty Python—the legendary British comedy troupe famous for their surreal comedy, nonsense humor, and a revolutionary influence comparable to that of The Beatles in the music world.

Monty Pyton

 

To push the satire to the limit, the album was packaged to look like an actual 12-page local newspaper, the St. Cleve Chronicle and Linwell Advertiser.

The front-page article tells the story of Gerald Bostock (nicknamed "Little Milton"), an 8-year-old child prodigy who won a prestigious literary prize from the Society for the Protection of Children thanks to an epic poem titled precisely "Thick As A Brick."

 

According to the article, the award was revoked at the last minute because the child's poem contained harsh attacks on common morality and because little Gerald used a swear word on live TV. In the fake newspaper, Jethro Tull claimed they had taken this child's poem and set it to music.

Of course, Gerald Bostock never existed. He was a total invention of Ian Anderson, who wrote every single word of the lyrics.

Despite the satirical intent, the words written by Anderson are incredibly deep, layered, and poetic. The lyrics are a fierce critique of British society at the time, the hypocrisy of the educational system, militarism, and the loss of innocence. The core of the poem is the transition from childhood to adulthood and how society manipulates young minds.

 

The track opens with the iconic notes of the acoustic guitar and flute:

"Really don't mind if you sit this one out. / My words but a whisper — your deafness a SHOUT."

Anderson immediately addresses the critics and fake intellectuals, and shortly after, he introduces the phrase that gives the album its title:

 

"And your wise men don't know how it feels / to be thick as a brick."

Here lies a philosophical paradox: society's "wise men" (politicians, teachers, judges) are so trapped in their mental superstructures that they have lost their spontaneity. They don't know what it feels like to be "simple" (or ignorant), and therefore, they don't truly understand the world.

 

"And the sand-castle virtues are all swept away / in the tidal destruction, the moral melee."

The moral rules that adults teach children are as fragile as sandcastles. Each new generation, arriving like a tide, destroys the values of the previous one to build new, equally fragile ones.

 

Later, the text shifts to the birth of a child and the suffocating expectations that society sews onto him from his very first breath:

 

"We'll make a man of him / put him to a trade."

The newborn is already seen as a future soldier or a cog in the economic system. There is no room for individuality; the father projects his own idea of success onto his son, forcing him to conform.

Furthermore, Anderson highlights the hypocrisy of those who idealize war: poets glorify soldiers while the latter fight on the front lines. But when the political wind changes, the very same intellectuals condemn what they previously praised. It becomes a critique of the opportunism of the ruling classes.

Toward the end of the suite, the biological and social circle closes:

 

"Come on ye childhood heroes! / Won't you rise up from the glades?"

The protagonist, now grown up, desperately searches for his old comic books and the idealized heroes of his youth—symbols of purity and justice—but realizes that real life has destroyed those myths.

The bitter conclusion is that the rebellious child, growing up, has ended up conforming. He has accepted the rules of the game, become a cynical adult, and integrated into the very system he used to fight. He, too, has become "Thick As A Brick."

 

The funniest part of the whole operation is that Ian Anderson's plan failed gloriously. The satire was so sophisticated, and the music so complex and exceptional—featuring odd time signatures, Hammond organ solos, and David Palmer's orchestral arrangements—that nobody caught the irony.

The public and critics took the album dead seriously, crowning it as one of the absolute masterpieces of global Progressive Rock and sending it straight to number one on the American charts! MS

Legacy Pilots

LEGACY PILOTS - Camera Obscura Vol. I & Vol. II
Just For Kicks Music
Genere: Symphonic Prog / Art Rock / Fusion
Supporto: CD / Vinyl / Digital – 2026

Il progetto Legacy Pilots, guidato dal talentuoso polistrumentista, compositore e tastierista Frank Us, compie il suo passo più ambizioso pubblicando “Camera Obscura”, un monumentale lotto di musica diviso in due volumi distinti. Sebbene i due dischi mantengano una forte continuità concettuale basata sulla percezione della realtà che ci circonda (la "camera oscura" che capovolge le immagini del mondo esterno), le due parti mostrano sfaccettature musicali differenti: il “Volume I” regala momenti più melodici, sinfonici e d'ampio respiro, mentre il “Volume II” osa addentrarsi in territori più complessi, scuri ed eccentrici.
Come da tradizione per la band, la formazione assemblata da Frank Us (impegnato alle tastiere, chitarre e programmazioni) è a dir poco stellare, reclutando pesi massimi del Prog mondiale come Todd Sucherman (Styx), Marco Minnemann, Pete Trewavas (Marillion, Transatlantic), Lars Slowak, e prestando particolare cura alle parti vocali affidate a John Mitchell (Arena, Lonely Robot), Finally George e Jake Livgren (Emerald City Council).
Il primo volume mette in mostra la straordinaria maestria di Frank Us in cabina di arrangiamento, bilanciando elementi sinfonici vintage con spunti fusion e delicate aperture cantate.
La narrazione si apre con questa magnifica suite in tre parti intitolata “Midnight Tide Parts I-III” che mette subito in chiaro l'anima dell'album fondendo maestose trame di tastiera a passaggi jazzati leggeri e improvvisati. C'è anche spazio per un ospite d'eccezione, il leggendario Steve Morse (Deep Purple, Dixie Dregs), che firma un assolo di chitarra d'antologia nella prima parte.
“My Anchor” è un pezzo guidato dalla splendida voce di Liza. Una traccia emozionante, intima, retta dal drumming preciso di Todd Sucherman e dal basso di Lars Slowak.
Segue “Cloud City”, movimento interamente guidato dalle tastiere di Frank Us, dove il sinfonismo incontra la pulizia ritmica della Fusion.
“A Fleeting Echo” è invece uno dei vertici emotivi del disco, con la voce di Finally George e la chitarra solista di Seth Hankerson in cattedra. Il brano evoca atmosfere spaziali e riflessive sul posto dell'uomo nell'universo, muovendosi su dinamiche acustiche e sinfoniche di rara eleganza.
Gradevole “Time Never Pauses”, brano serrato, scandito dal ticchettio del tempo che non lascia spazio al riposo. Sorretto dalle geometrie ritmiche di Marco Minnemann e dal basso pulsante di Pete Trewavas, offre un'ottima prova corale con le voci di Finally George e la chitarra solista di Hankerson.
Il “Volume I” si conclude con “Afterglow” della quale esiste anche la versione Radio Edit , perfetta ed emozionante chiusura. La voce drammatica e profonda di John Mitchell si adagia su una melodia cullante e drammatica al tempo stesso.
E veniamo ora al “Volume II”, mentre il primo disco esplora la limpidezza della luce, questo gira la lente d'ingrandimento verso il lato più intricato, cerebrale e a tratti inquietante della mente umana.
“The Illusion Of Knowing”  è una maestosa suite di circa 15 minuti che rappresenta il fulcro creativo del secondo volume. Strutturata in movimenti (tra cui la splendida sezione “Scene 3 – Echoes Of Believe”), vede Jake Livgren alla voce e Seth Hankerson alla chitarra muoversi in un labirinto di cambi di tempo continui gestiti da Sucherman.
“Leave The Prison” ha anima, e spinge l'ascoltatore ad evadere dalle gabbie mentali delle opinioni altrui. Nell’album ci sono anche due brani che fondono il Jazz Rock e l'Art Rock e s’intitolano “So Obvious While Obscure “ e “I'm Running” dove Marco Minnemann e il basso di Lars Slowak frammentano il groove per supportare le linee vocali di Finally George, in una corsa ritmica travolgente.
“Fear Pt. Three (Continuation)” e  “Haunted House” hanno toni decisamente cupi e teatrali. In “Haunted House” (con Kai Weidle alla batteria) le tastiere di Frank Us ricreano tappeti Horror Prog e barocchi di grande effetto drammatico, mentre “Fear Pt. Three” ha molti punti in comune con la musica di Robert Fripp (King Crimson).
Con il dittico “Camera Obscura”, Frank Us firma l'opera definitiva dei Legacy Pilots. Il pregio immenso di questo lavoro è l'assoluta libertà di fruizione lasciata all'ascoltatore in cui si può scegliere il primo volume per un viaggio melodico e sinfonico, o il secondo per perdersi in meandri ritmici scuri e complessi. Nonostante la sfilata di ospiti altisonanti, la visione di Frank Us resta saldamente al centro di ogni nota, confezionando una produzione pulitissima, profonda nei testi e imponente negli arrangiamenti. Un bellissimo lavoro. MS

Versione Inglese: 

LEGACY PILOTS - Camera Obscura Vol. I & Vol. II
Just For Kicks Music
Genre: Symphonic Prog / Art Rock / Fusion
Format: CD / Vinyl / Digital – 2026

The Legacy Pilots project, led by the talented multi-instrumentalist, composer, and keyboardist Frank Us, takes its most ambitious step yet by releasing “Camera Obscura,” a monumental body of music divided into two distinct volumes. Although both records maintain a strong conceptual continuity based on the perception of the reality around us (the "camera obscura" that flips images of the outside world upside down), the two parts showcase different musical facets: “Volume I” delivers more melodic, symphonic, and wide-ranging moments, while “Volume II” dares to venture into more complex, dark, and eccentric territories.
As is tradition for the band, the lineup assembled by Frank Us (handling keyboards, guitars, and programming) is nothing short of stellar, recruiting world-class Prog heavyweights such as Todd Sucherman (Styx), Marco Minnemann, Pete Trewavas (Marillion, Transatlantic), and Lars Slowak, while paying meticulous attention to the vocal parts entrusted to John Mitchell (Arena, Lonely Robot), Finally George, and Jake Livgren (Emerald City Council).
The first volume showcases Frank Us's extraordinary mastery in the arranger's chair, balancing vintage symphonic elements with fusion cues and delicate vocal openings.
The narrative opens with a magnificent three-part suite titled “Midnight Tide Parts I-III,” which immediately clarifies the album's core identity by blending majestic keyboard textures with light, improvised jazz-tinged passages. There is also room for a very special guest, the legendary Steve Morse (Deep Purple, Dixie Dregs), who delivers an anthology-worthy guitar solo in the first part.
“My Anchor” is a track driven by the splendid vocals of Liza. It is an emotional, intimate song, anchored by Todd Sucherman’s precise drumming and Lars Slowak’s bass.
Next comes “Cloud City,” a movement entirely driven by Frank Us's keyboards, where symphonism meets the crisp rhythmic precision of Fusion.
On the other hand, “A Fleeting Echo” stands as one of the emotional peaks of the record, with Finally George’s vocals and Seth Hankerson’s lead guitar taking center stage. The track evokes spatial atmospheres and reflections on man's place in the universe, moving through acoustic and symphonic dynamics of rare elegance.
The pleasant “Time Never Pauses” is a tight, driving track, ticked away by the passing of time that leaves no room for rest. Sustained by Marco Minnemann’s rhythmic geometries and Pete Trewavas’s pulsing bass, it offers an excellent choral performance featuring the vocals of Finally George and Hankerson’s lead guitar.
“Volume I” concludes with “Afterglow” (which also includes a Radio Edit version), serving as a perfect and deeply moving closer. John Mitchell’s dramatic and profound vocals rest upon a melody that is simultaneously cradling and dramatic.
And now we come to “Volume II.” While the first disc explores the clarity of light, this one turns the magnifying glass toward the more intricate, cerebral, and at times unsettling side of the human mind.
“The Illusion Of Knowing” is a majestic, roughly 15-minute suite that represents the creative centerpiece of the second volume. Structured in movements (including the splendid section “Scene 3 – Echoes Of Believe”), it features Jake Livgren on vocals and Seth Hankerson on guitar navigating a labyrinth of continuous time-signature changes masterfully handled by Sucherman.
“Leave The Prison” has a profound soul, urging the listener to break free from the mental cages of other people's opinions. The album also features two tracks that seamlessly blend Jazz Rock and Art Rock, titled “So Obvious While Obscure” and “I'm Running,” where Marco Minnemann and Lars Slowak's bass fragment the groove to support Finally George's vocal lines in an overwhelming rhythmic race.
“Fear Pt. Three (Continuation)” and “Haunted House” carry decidedly dark and theatrical tones. In “Haunted House” (featuring Kai Weidle on drums), Frank Us's keyboards recreate horror-prog and baroque tapestries to great dramatic effect, while “Fear Pt. Three” shares many common threads with the music of Robert Fripp (King Crimson).
With the “Camera Obscura” diptych, Frank Us delivers the definitive work of Legacy Pilots. The immense merit of this release lies in the absolute freedom of choice left to the listener, who can pick the first volume for a melodic and symphonic journey, or the second to get lost in dark and complex rhythmic meanders. Despite the parade of high-profile guests, Frank Us's vision remains firmly at the center of every single note, delivering a pristine production, deep lyrics, and grand arrangements. A beautiful piece of work. MS

Elektradrive

ELEKTRADRIVE – Live!
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Hard Rock Melodico
Supporto: 2CD – 2026

Non c’è nulla da fare, l’Hard Rock melodico dal vivo ha una marcia in più e fa capire perché questa musica non avrà mai fine. Se a farlo poi è una band storica come la torinese Elektradrive, allora gli ingredienti giusti per una perfetta riuscita ci sono tutti.
Non ricordo a memoria un live di una band italiana uscito in doppio CD, e “Live!” nasce per celebrare i quarant'anni di carriera della band, la cui avventura discografica è iniziata nei primi anni Ottanta. Dopo una pausa durata circa un decennio, nel 2023 gli Elektradrive decidono di rimettersi in gioco e, cosa fondamentale, di riunire la formazione originale. Ecco dunque Simone Falovo (chitarra, cori), Elio Maugeri (voce, cori), Stefano Turolla (basso, cori), Alex Jorio (batteria, cori) e Eugenio Manassero (tastiere, cori), cimentarsi nuovamente in un Hard Rock melodico e AOR, capaci all'epoca di conquistare anche la critica internazionale.
Il materiale che compone le tracce è stato catturato durante le intense serate della reunion tra il 2023 e il 2024, in particolare durante i concerti dedicati anche al 35° anniversario di “Due”. Come dichiarato dal chitarrista e membro fondatore Simone Falovo, le venti tracce incluse nel doppio CD sono state volutamente pubblicate senza sovraincisioni o correzioni in studio (no overdubbing). La band ha voluto consegnare ai fan una fotografia autentica, umana e pulsante, accettando anche le piccole imperfezioni fisiologiche di un vero concerto Rock, per questo si respira aria pura e coinvolgente. Il materiale audio è stato affidato alle mani esperte di Simone Falovo stesso, che si è occupato del mixaggio e del mastering presso i Fandango Studios. Questo ha permesso di mantenere il suono esattamente come la band voleva che fosse percepito, ossia potente, nitido, ma senza quella laccatura artificiale tipica di molti live moderni. Il basso di Stefano Turolla e la cassa di Alex Jorio spingono molto, restituendo la dinamica di un club o di un festival Rock.
I venti brani che compongono la testimonianza, fungono da perfetto compendio storico, andando a pescare equamente dai loro quattro celebrati album in studio e persino dagli esordi assoluti.
Il CD 1 parte proprio dalle radici, con l'intro “Take Off” che sfocia nella potente “Secret Of The Holy Grave” e nella successiva “Lord Of The Rings”, entrambe tratte dal debutto “Over The Space” del 1986.
Il glorioso passato AOR vede ampio spazio attraverso le gemme estratte da “Due” (1989), tra cui spicca l'epica “A Man That Got No Heart”, scelta anche come singolo videoclip promozionale per lanciare il live, e ballate d'alta scuola come “Still Remember”, dove emerge il sopraffino lavoro solista di Falovo.
Per gli anni ’90 tanta carne al fuoco, da “Big City” (1993) vengono riproposti classici d'impatto come “The Riot Of The Young Guns” e la splendida ballad “Lucille”, che mettono in mostra la pulizia dei cori polifonici, da sempre marchio di fabbrica della band. E poi due chicche imperdibili, la recente “Dirty War Of Bloody Angels” tratta da “Living 4 del 2009 e soprattutto il ripescaggio di “Brainstorm”, il loro primissimo e storico singolo d'esordio datato 1984.
Il sound complessivo del live beneficia del contrasto naturale tra le tastiere precise di Massanero (eccellente l'intro "meccanica" di “Time Machine”) e i riff quadrati di Falovo, sorretti da una sezione ritmica monumentale e dalla voce sempre graffiante e comunicativa di Maugeri. Una delle sorprese più grandi per gli addetti ai lavori è stata la performance vocale di Elio Maugeri. Spesso i cantanti storici della scena Hard Heavy tendono ad abbassare l'accordatura dei brani dal vivo per proteggere le corde vocali sulle note più alte. Gli Elektradrive hanno scelto di suonare i pezzi nelle tonalità originali, e Maugeri regge l'impatto con una ruvidità e un'estensione impressionanti, specialmente sui brani più ostici di “Due” e “Over The Space”.
Questo doppio lavoro firmato Andromeda Relix non vuole essere un documento nostalgico, ma la prova tangibile della vitalità e della maturità artistica intatta di una band che ha scritto pagine indelebili del Rock duro italiano.
Non fatevelo sfuggire per nessun motivo, perché per affrontare la vita serve energia e freschezza e gli Elektradrive sanno come ricaricarvi. Musica per tutti i palati! MS

Versione Inglese:

ELEKTRADRIVE – Live!
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Melodic Hard Rock
Format: 2CD – 2026

There is simply no way around it: melodic Hard Rock recorded live has an extra gear, making it perfectly clear why this music will never die. When it is delivered by a historic band like Turin's own Elektradrive, all the right ingredients for a flawless outcome are fully in place.
I cannot recall from memory a live album by an Italian band released as a double CD, and “Live!” was born to celebrate the band's forty-year career, a recording journey that began in the early 1980s. Following a hiatus that lasted about a decade, in 2023 Elektradrive decided to get back into the game and, crucially, to reunite the original lineup. And so, here are Simone Falovo (guitar, backing vocals), Elio Maugeri (lead vocals, backing vocals), Stefano Turolla (bass, backing vocals), Alex Jorio (drums, backing vocals), and Eugenio Manassero (keyboards, backing vocals), once again testing their mettle with a brand of melodic Hard Rock and AOR that, back in the day, was capable of winning over international critics as well.
The material making up the tracks was captured during the intense nights of the reunion between 2023 and 2024, particularly during the concerts also dedicated to the 35th anniversary of “Due”. As declared by guitarist and founding member Simone Falovo, the twenty tracks included in the double CD were deliberately released without studio overdubbing or corrections (no overdubbing). The band wanted to deliver an authentic, human, and pulsing snapshot to their fans, embracing even the small, physiological imperfections of a real Rock concert, which is exactly why the album breathes such a pure and engaging atmosphere. The audio material was entrusted to the expert hands of Simone Falovo himself, who handled the mixing and mastering at Fandango Studios. This allowed the sound to remain exactly as the band intended it to be heard: namely powerful and crisp, yet without that artificial, glossy finish typical of many modern live albums. Stefano Turolla's bass and Alex Jorio's kick drum punch right through, delivering the true dynamics of a Rock club or festival.
The twenty songs that make up this testimony serve as a perfect historical compendium, pulling equally from their four celebrated studio albums and even from their absolute earliest days.
CD 1 starts right from the roots, with the intro “Take Off” flowing into the powerful “Secret Of The Holy Grave” and the subsequent “Lord Of The Rings”, both taken from their 1986 debut “Over The Space”.
The glorious AOR past is given ample space through the gems extracted from “Due” (1989), most notably the epic “A Man That Got No Heart”—also chosen as the promotional video single to launch the live album—and high-class ballads like “Still Remember”, which highlights Falovo's exquisite solo work.
For the '90s era, there is plenty of fuel for the fire: from “Big City” (1993), hard-hitting classics such as “The Riot Of The Young Guns” and the splendid ballad “Lucille” are brought back, showcasing the pristine polyphonic backing vocals that have always been the band's trademark. On top of that, we get two unmissable gems: the recent “Dirty War Of Bloody Angels” taken from 2009's “Living 4”, and above all, the revival of “Brainstorm”, their very first and historic debut single dating back to 1984.
The live album's overall sound benefits from the natural contrast between Massanero's precise keyboards (such as the excellent, "mechanical" intro to “Time Machine”) and Falovo's tight, chunky riffs, all backed by a monumental rhythm section and Maugeri's ever-gritty, expressive vocals. One of the biggest surprises for insiders was the vocal performance of Elio Maugeri. Often, veteran singers in the Hard & Heavy scene tend to drop the tuning of songs live to protect their vocal cords on the higher notes. Elektradrive chose to play the tracks in their original keys, and Maugeri holds his ground with impressive grit and range, especially on the more demanding tracks from “Due” and “Over The Space”.
This double album released by Andromeda Relix is not meant to be a nostalgic document, but tangible proof of the undiminished vitality and artistic maturity of a band that has written indelible pages of Italian hard Rock.
Do not let this one slip away for any reason; facing life requires energy and freshness, and Elektradrive certainly know how to recharge your batteries. Music for all palates! MS

Black Reflex

BLACK REFLEX – Zero Dawn
Andromeda Relix
Genere: Heavy Metal
Supporto: CD – 2026

Posso dire, a ragion veduta, che l’Italia nel tempo ha saputo portare avanti con orgoglio la bandiera dell’Heavy Metal, lasciando sempre viva la fiaccola dell’interesse. È vero che siamo tendenzialmente esterofili, tuttavia sappiamo riconoscere la valenza delle nostre band che nel tempo si sono date la staffetta. Tutto ciò grazie anche a riviste di settore, canali web, ma soprattutto alla professionalità e al coraggio di case discografiche nostrane che, come salmoni, hanno saputo risalire le forti acque del mainstream. Una di queste è l’Andromeda Relix di Gianni Della Cioppa. Sempre attenta al territorio, soprattutto locale (Veneto), ha dato voce a numerose bellissime realtà, una delle più recenti si chiama Black Reflex e si è formata a Vicenza nel 2018.
Dopo l’ottimo esordio datato 2021 intitolato proprio “Black Reflex”, c’è ancora pane per i denti degli affamati di sonorità Iron Maiden, Anthrax e In Flames in questo nuovo come-back intitolato “Zero Dawn”.
I creatori del progetto Giovanni Angiolin (ex H.Kristal, Arthur Falcone, ecc.) alla batteria, e il chitarrista Davide “Ian” Valle (ex X Hero, Crisalide), si coadiuvano di musicisti come Mirko Dorian Fabris (chitarra), Bruno Collareda (basso), ma soprattutto della cantante Francesca Battistini, collaboratrice della storica band White Skull e figura centrale del progetto.
In “Zero Dawn” ci propongono nove brani di metallo colante, con uno sguardo al passato ma con i piedi nel presente, realizzando un lavoro potente e allo stesso tempo fresco nelle sonorità. Il bellissimo ed oscuro artwork sa immergere l’ascoltatore perfettamente nel contesto sonoro (in riflessione). I testi, pur mantenendo quell'attitudine energica tipica del genere, affrontano dinamiche molto umane, come la rivalsa personale, la disillusione, la ricerca di una propria dimensione e il superamento delle gabbie mentali.
“Come To Real Life” è subito un invito diretto e privo di fronzoli a svegliarsi dal torpore. Parla della necessità di abbandonare le illusioni, le dipendenze che siano tecnologiche, mentali o relazionali, e le proiezioni fittizie per tornare a impattare con la realtà cruda e tangibile. Vivere la vita vera, con tutti i suoi rischi. La ritmica potente e roboante riesce a spingere il sound tagliente delle chitarre e la bella voce di Francesca in lidi Iron Maiden e dintorni. Ottimi i solo di chitarra!
L’Hard ‘n’ Heavy di “I Feel The Fool” esplora l'amara sensazione di essersi fidati delle persone sbagliate o di aver investito energie in situazioni fallimentari. Quel momento di consapevolezza in cui ci si guarda allo specchio e ci si sente, appunto, dei "pazzi" o degli ingenui. C'è però una forte dose di autoironia e la rabbia giusta per voltare pagina. NWOBHM e presente, un ottimo connubio.
Una delle tracce più intime del lavoro s’intitola “I’ll Be Your Home”, senza perdere assolutamente di potenza. A tratti mi ricordano i Metal Church di “The Dark”, mentre il testo parla di protezione, supporto e legami indissolubili. Offrire se stessi come un "rifugio" sicuro per qualcuno che sta attraversando tempeste personali. Un brano che mette al centro l'empatia e la vicinanza emotiva. Chicca metallica.
L’Up-tempo di “Life Is Now” apporta positività all’insieme declamando che il passato è andato, il futuro è incerto e l'unico momento che conta davvero per agire e cambiare le cose è il presente. Un inno a non rimandare la propria felicità. Squarci di sole specialmente nel ritornello. Decisamente malleabile l’approccio vocale di Francesca Battistini.
La band torna a tuonare con il Thrash Dark cadenzato di “Nowhere Noway”, un pugno in faccia che racconta una situazione di stallo totale, quel senso di claustrofobia esistenziale dove sembra non esserci né una direzione da prendere, né una via d'uscita possibile. Si è davanti a un muro di gomma!
Uno dei migliori ritornelli lo si può godere in “I Won't Let You Fall In”, brano aperto dall’arpeggio di chitarra e con il basso al seguito. Delicato nell’incedere, riesce a esaltare le qualità canore porgendo nel testo una mano tesa nel momento del bisogno assoluto. Una promessa solenne di non permettere a una persona cara di scivolare nel baratro.
Riscatto ed orgoglio in “Time To Be Mine”: rasoiato e ben strutturato, il pezzo si affaccia negli anni ’80 con consapevolezza ma anche con un pizzico di Paradise Lost! Invece atmosfera tesa e graffiante per “Nobody Talk”, una critica all'ipocrisia comunicativa e al silenzio complice o indifferente che spesso si respira nei contesti sociali. La musica e l'urlo Rock diventano l'unico modo per rompere l'omertà della quotidianità e concedetemi di dire che li capisco alla grande.
E si conclude con “Escaping From The Nightmare”, epica e possente, è un degno suggello per questo lavoro dalle mille sfaccettature.
La forza di “Zero Dawn” risiede nella sua capacità di far convivere la spinta elettrica del genere con un percorso lirico intimo e a tratti catartico. Un disco maturo, capace di far riflettere oltre che di far battere il piede. Viva il Metal italiano! MS

https://www.facebook.com/reel/1659289698730251

Versione Inglese:

BLACK REFLEX – Zero Dawn
Andromeda Relix
Genre: Heavy Metal
Format: CD – 2026

With good reason, I can say that over time Italy has been able to proudly carry the Heavy Metal banner, always keeping the torch of interest alive. It is true that we tend to prefer foreign music, yet we know how to recognize the value of our own bands that have passed the baton over the years. All this is also thanks to music magazines, web channels, but above all to the professionalism and courage of homegrown record labels that, like salmon, have managed to swim up the strong waters of the mainstream. One of these is Gianni Della Cioppa's Andromeda Relix. Always attentive to the territory, especially locally (Veneto), it has given a voice to numerous beautiful realities; one of the most recent is called Black Reflex, formed in Vicenza in 2018.
After their excellent debut in 2021 entitled simply “Black Reflex”, there is still plenty for fans of Iron Maiden, Anthrax, and In Flames sounds to sink their teeth into on this new come-back album, “Zero Dawn”.
The creators of the project, Giovanni Angiolin (ex-H.Kristal, Arthur Falcone, etc.) on drums, and guitarist Davide “Ian” Valle (ex-X Hero, Crisalide), are backed by musicians like Mirko Dorian Fabris (guitar), Bruno Collareda (bass), and above all singer Francesca Battistini, a collaborator of the historic band White Skull and a central figure of the project.
In “Zero Dawn” they offer us nine tracks of molten metal, with a look to the past but with feet firmly planted in the present, delivering a work that is both powerful and fresh in its sound. The beautiful and dark artwork perfectly immerses the listener into the sonic context (in reflection). The lyrics, while maintaining that energetic attitude typical of the genre, face very human dynamics, such as personal revenge, disillusionment, the search for one's own dimension, and overcoming mental cages.
“Come To Real Life” is immediately a direct and no-nonsense invitation to wake up from torpor. It speaks of the need to abandon illusions, dependencies—whether technological, mental, or relational—and fictitious projections to return to impacting raw and tangible reality. Living real life, with all its risks. The powerful and thundering rhythm section manages to push the sharp sound of the guitars and Francesca’s beautiful voice into Iron Maiden territories and surroundings. Excellent guitar solos!
The Hard 'n' Heavy of “I Feel The Fool” explores the bitter feeling of having trusted the wrong people or having invested energy in failing situations. That moment of awareness when you look in the mirror and feel, precisely, like a "fool" or naive. There is, however, a strong dose of self-irony and just the right amount of anger to turn the page. NWOBHM and the present: a great combination.
One of the most intimate tracks of the work is titled “I’ll Be Your Home”, without losing any power whatsoever. At times they remind me of Metal Church during “The Dark” era, while the lyrics speak of protection, support, and unbreakable bonds. Offering oneself as a safe "refuge" for someone going through personal storms. A track that puts empathy and emotional closeness at the center. A metal gem.
The Up-tempo of “Life Is Now” brings positivity to the whole, proclaiming that the past is gone, the future is uncertain, and the only moment that really matters to act and change things is the present. An anthem to not postpone one's happiness. Flashes of sunlight, especially in the chorus. Francesca Battistini's vocal approach is decidedly versatile.
The band returns to thunder with the syncopated Dark Thrash of “Nowhere Noway”, a punch in the face that tells of a situation of total stalemate, that sense of existential claustrophobia where there seems to be neither a direction to take nor a possible way out. You are up against a rubber wall!
One of the best choruses can be enjoyed in “I Won't Let You Fall In”, a song opened by a guitar arpeggio with the bass following right behind. Delicate in its pacing, it manages to enhance the vocal qualities while offering, in the lyrics, a helping hand in the moment of absolute need. A solemn promise not to let a loved one slip into the abyss.
Redemption and pride in “Time To Be Mine”: sharp and well-structured, the track looks back to the '80s with awareness but also with a touch of Paradise Lost! On the other hand, there is a tense and gritty atmosphere in “Nobody Talk”, a critique of communicative hypocrisy and the complicit or indifferent silence that is often breathed in social contexts. The music and the Rock scream become the only way to break the omertà of daily life—and allow me to say that I understand them completely.
And it concludes with “Escaping From The Nightmare”: epic and mighty, it is a worthy seal for this multi-faceted work.
The strength of “Zero Dawn” lies in its ability to bring together the electric drive of the genre with an intimate and at times cathartic lyrical journey. A mature album, capable of making you reflect as well as making you tap your foot. Long live Italian Metal! MS

Bernardo Lanzetti

BERNARDO LANZETTI – Inseguendo Il Maestro
Internazional distr. Warner
Genere: Progressive Rock / cantautore
Supporto: CD / Digital – 2026

La storia della musica italiana è ricca di grandi voci, meno nel Progressive Rock (a parte i soliti noti), una pecca che non abbiamo mai saputo sanare neppure nel tempo. Fra i più importanti vocalist in questo genere c’è Bernardo Lanzetti, sul quale è stato scritto e detto moltissimo. Cinquant’anni di carriera non sono li per caso!
“Inseguendo Il Maestro” non è altro che un nuovo perfetto tassello che va ad impreziosire il puzzle della sua strepitosa carriera.
Ciò che salta subito all’orecchio è la scelta linguistica, perchè l'album è composto di 10 brani cantati interamente in italiano. Per un artista che ha legato moltissimo del suo successo storico all'inglese (si pensi agli album internazionali della PFM come “Chocolate Kings” o “Jet Lag” e ai lavori con gli Acqua Fragile), questa scelta sottolinea la volontà di mettere al centro la parola, la profondità poetica e una comunicazione più diretta con le proprie radici.
Il titolo stesso dell'album funge da manifesto programmatico. Come dichiarato dallo stesso Lanzetti:
"Si può essere veramente originali e comunicativi anche rispettando i maestri del passato e muovendosi continuamente alla ricerca di raggiungere nobili obiettivi sfuggenti e luoghi dell'anima prima nascosti.". 
L'album presenta una scaletta molto equilibrata dal punto di vista della scrittura, otto brani inediti, nati da una nuova chiave compositiva in cui Lanzetti ha cercato la perfetta fusione tra melodia, ricerca armonica ed espressività e due nuove versioni di canzoni che aveva originariamente composto e scritto in passato per Ornella Vanoni, qui riarrangiate e reinterpretate in prima persona.
A livello musicale, l’autore non abbandona la sua matrice originaria legata al Progressive Rock e all'Art Rock, ma la declina in una veste più matura e focalizzata sulla forma canzone.
Un ruolo centrale in questo disco lo gioca la chitarra, il cantante ha sviluppato per l'album un approccio non convenzionale allo strumento, non utilizzandolo per virtuosismi fini a se stessi, ma trasformandolo in un vero e proprio tessuto espressivo che supporta la sua inconfondibile voce, da sempre caratterizzata da quel vibrato unico e da una forte teatralità drammatica.
Suonano nell’album: Bernardo Lanzetti (voce), Tommy Bradascio, Raffaele Contorni, Giovanni Massari, Lele Melotti (batteria), Dario Mazzoli (basso), Fabrizio “Bicio” Leo, Bernardo Lanzetti, Marco Vecchio, Luca Verde (chitarra), Antonio Benetto, Roberto Binetti, Nicola Manniello (tastiere) Giancarlo Porro (sax), Sebastiano Maretti, Paolo Raineri, Mauro Vergimigli (fiati), Alberto Callegari, Dario Mazzoli, Giovanni Massari (percussioni), Bernardo Lanzetti, Wilma Milani, Dario Mazzoli, Marco Vecchio (cori).
La title track che apre l'album definisce il concept dell'opera. È un brano dal forte impatto simbolico che parla di ricerca, ispirazione e del cammino artistico e umano, costantemente teso verso un ideale o una guida spirituale e professionale. La forma canzone richiama sia gli anni ’70 che ’80, la storia delle melodie nostrane.
“Amato Canto” è una dedica alla musica stessa, vista come rifugio e compagna di vita. Le chitarre elettriche donano al brano una ruvidità maggiore mitigata solamente dai bei cori femminili.
Firmato nei testi da Lanzetti insieme a Ornella Vanoni, “Non Andare” è una ballata crepuscolare ed emozionante che affronta il tema del distacco, dell'abbandono e della supplica romantica, dove la caratteristica voce di Bernardo tocca corde molto intime.
Scritto in collaborazione con il tastierista e compositore Vic Ricca, “Boom Boomer” si stacca per un tono più ironico ed energico. Gioca con ironia e un pizzico di disincanto sulle dinamiche generazionali contemporanee e sullo scontro temporale vissuto da chi appartiene a quella precisa epoca. Un bel Rockaccio.
Più distesa e melodica “Quanti Baci” dal sapore anni ’60 e l'attenzione si sposta sulle piccole cose e sui gesti quotidiani d'affetto.
Più introspettivo “Brandelli”, dove si scava nella frammentarietà dei ricordi e delle esperienze che compongono l'identità di un uomo. Tuttavia sempre di buon Rock vigoroso si tratta. Qui ottimi gli arrangiamenti dei fiati.
Con un inizio Blues, “Mai Dire Mai” è un inno alla resilienza e alla speranza che si sviluppa su un arrangiamento in crescendo. Ed ecco giungere il secondo brano firmato con Ornella Vanoni, “Ombre In Attesa”, pezzo dalle atmosfere sofisticate e quasi cinematografiche con schegge di Ivan Graziani.
Segue “Sono Le Parole”, composto musicalmente insieme a Francesco Taulino, mette al centro il peso, la bellezza e il pericolo della comunicazione verbale. Si focalizza su come le parole possano unire o dividere in modo definitivo. La chiusura invece spetta a “Un Salto Nel Buio”, un finale suggestivo che parla di coraggio, del futuro e dell'accettazione dell'ignoto, sigillando l'album con un'atmosfera sospesa e affascinante.
Che dire ancora… Siamo davvero sulle tracce del maestro! MS 

Versione Inglese:

BERNARDO LANZETTI – Inseguendo Il Maestro
Internazional distr. Warner
Genre: Progressive Rock / singer-songwriter
Format: CD / Digital – 2026

The history of Italian music is rich with great voices, less so in Progressive Rock (apart from the usual well-known names), a shortcoming we have never been able to remedy even over time. Among the most important vocalists in this genre is Bernardo Lanzetti, about whom a great deal has been written and said. Fifty years of career are not there by chance!
“Inseguendo Il Maestro” is nothing less than a perfect new piece that goes to embellish the puzzle of his amazing career.
What immediately jumps to the ear is the linguistic choice, because the album is composed of 10 tracks sung entirely in Italian. For an artist who has linked much of his historical success to English (think of PFM's international albums like “Chocolate Kings” or “Jet Lag” and the works with Acqua Fragile), this choice underlines the desire to put the word, the poetic depth and a more direct communication with his own roots at the center.
The title of the album itself serves as a programmatic manifesto. As stated by Lanzetti himself:
"One can be truly original and communicative even while respecting the masters of the past and continuously moving in search of reaching noble elusive goals and places of the soul previously hidden.".
The album presents a very balanced tracklist from the point of view of songwriting, eight unreleased tracks, born from a new compositional key in which Lanzetti sought the perfect fusion between melody, harmonic research and expressiveness, and two new versions of songs he had originally composed and written in the past for Ornella Vanoni, here rearranged and reinterpreted in the first person.
At a musical level, the author does not abandon his original matrix linked to Progressive Rock and Art Rock, but declines it in a more mature guise focused on the song form.
A central role in this record is played by the guitar, the singer has developed for the album an unconventional approach to the instrument, not using it for virtuosity for its own sake, but transforming it into a real expressive fabric that supports his unmistakable voice, always characterized by that unique vibrato and a strong dramatic theatricality.
Playing on the album: Bernardo Lanzetti (vocals), Tommy Bradascio, Raffaele Contorni, Giovanni Massari, Lele Melotti (drums), Dario Mazzoli (bass), Fabrizio “Bicio” Leo, Bernardo Lanzetti, Marco Vecchio, Luca Verde (guitar), Antonio Benetto, Roberto Binetti, Nicola Manniello (keyboards) Giancarlo Porro (sax), Sebastiano Maretti, Paolo Raineri, Mauro Vergimigli (horns), Alberto Callegari, Dario Mazzoli, Giovanni Massari (percussion), Bernardo Lanzetti, Wilma Milani, Dario Mazzoli, Marco Vecchio (backing vocals).
The title track that opens the album defines the concept of the work. It is a track with a strong symbolic impact that talks about research, inspiration and the artistic and human journey, constantly strained towards an ideal or a spiritual and professional guide. The song form recalls both the '70s and '80s, the history of our local melodies.
“Amato Canto” is a dedication to music itself, seen as a refuge and a life companion. The electric guitars give the song a greater roughness mitigated only by the beautiful female backing vocals.
Signed in the lyrics by Lanzetti together with Ornella Vanoni, “Non Andare” is a twilight and moving ballad that addresses the theme of separation, abandonment and romantic pleading, where Bernardo's characteristic voice touches very intimate chords.
Written in collaboration with keyboardist and composer Vic Ricca, “Boom Boomer” stands out for a more ironic and energetic tone. It plays with irony and a pinch of disenchantment on contemporary generational dynamics and the temporal clash experienced by those belonging to that precise era. A nice gritty Rock song.
More relaxed and melodic is “Quanti Baci” with a '60s flavor and the attention shifts to the small things and everyday gestures of affection.
More introspective is “Brandelli”, where he digs into the fragmentation of memories and experiences that make up a man's identity. However, it is still a matter of good vigorous Rock. Here the horn arrangements are excellent.
With a Blues beginning, “Mai Dire Mai” is an anthem to resilience and hope that develops on a crescendo arrangement. And here comes the second track signed with Ornella Vanoni, “Ombre In Attesa”, a piece with sophisticated and almost cinematic atmospheres with shards of Ivan Graziani.
Following is “Sono Le Parole”, composed musically together with Francesco Taulino, it puts at the center the weight, the beauty and the danger of verbal communication. It focuses on how words can definitively unite or divide. The closing instead belongs to “Un Salto Nel Buio”, a suggestive finale that talks about courage, the future and the acceptance of the unknown, sealing the album with a suspended and fascinating atmosphere.
What else to say… We are truly on the tracks of the master! MS