I Santoni

I SANTONI - Noi: I Santoni
Car Juke Box / Mellow Records (1995) / Akarma (2001)
Genere: Pop Rock /Progressive Rock
Supporto: LP / CD – 1972

Per l’Italia gli anni ’70 sono sicuramente il periodo in cui il Rock ha perseverato di più. Essendo un genere che non nasce da noi, ma bensì in America e successivamente portato all’estremo successo dall’Inghilterra, un decennio di cosiddetti “complessi” è quindi da considerarsi un grande risultato. Si, perché in verità non lo abbiamo nel DNA; sia il Rock che i suoi derivati, sono sempre stati rivolti ad un pubblico di nicchia, mentre gli anni ’70 hanno accolto un grande pubblico. Diciamoci la verità, noi siamo un popolo in cui il sole ha avuto la propria valenza, apportando alla musica gioia, melodia di facile assimilazione e molto meno ai riff di chitarra. Consideriamo che il Rock proviene dal Blues e che nasce come canto di protesta, cosa che noi italiani non abbiamo nella cultura. Ecco quindi che negli anni ’70 si palesano una marea di esempi in cui il Rock si mette a braccetto con la sonorità tipica italica donando risultati ibridi ma a volte  anche interessanti.
E’ anche il caso dei fiorentini I Santoni.
Nati alla fine degli anni Sessanta, sono guidati dalle tastiere e dalla voce di Bruno Mosti . Iniziano la loro avventura muovendosi nel circuito delle balere e dei festival locali. Il loro sound originario è fortemente debitore del tardo Beat italiano, ma l'ingresso in formazione dei fiati di Franco Bettazzi e Giorgio Gorini sposta progressivamente l'asse verso coloriture Jazz Rock e intuizioni barocche.
Nel 1972 riescono a incidere il loro unico 33 giri “Noi: I Santoni” per la CAR Juke Box fondata da Carlo Alberto Rossi. Purtroppo, a causa di una distribuzione pessima e dei limitati mezzi economici dell'etichetta, l'album passa quasi del tutto inosservato all'epoca. Il gruppo suona molto dal vivo, spingendosi anche in Francia e Svizzera, ma la mancanza di riscontri commerciali li porta allo scioglimento nel 1974. Come spesso accade nel Rock Progressivo italiano, il disco è stato sottratto all'oblio decenni dopo grazie al collezionismo internazionale e alle storiche ristampe della Mellow Records (1995) e della Akarma (2001/2003), che ne hanno decretato lo status di piccolo "culto", soprattutto in Giappone e nel Nord Europa.
Musicalmente non è un concept album strutturato a lunghe suite, ma si sviluppa attraverso nove tracce relativamente brevi. Venendo al mio preambolo, Il cuore pulsante del disco è l'assenza della chitarra elettrica solista (quando invece la chitarra era il simbolo del Rock), sostituita ritmicamente da sporadici interventi acustici. La scena è interamente dominata da due elementi: L'organo Hammond e il pianoforte di Bruno Mosti, che dettano i chiaroscuri barocchi e le progressioni classicheggianti.  I flauti traversi e i sassofoni, donano al disco un sapore pastorale e vagamente Jethro Tull-iano, alternato a spunti fiabeschi e Folk jazzati.  La voce di Mosti è teatrale, viscerale, tipicamente "settantiana", e sorregge testi che oscillano tra il pacifismo, la fuga dalla civiltà industriale, i traumi della guerra e il sogno utopico hippy.
Non vi faccio una analisi di ogni singolo brano perché in allegato avete il link per l’intero ascolto per farvene una personale idea, resta il fatto che questo era il modus operandi di moltissime band italiane del periodo.
Quindi “Noi: I Santoni” non ha la complessità tecnica o l'avanguardia spinta dei grandi colossi del Rock Progressivo Italiano del 1972, ma possiede un'autenticità artigianale, un calore melodico e un uso dei fiati che lo rendono una fotografia poetica e preziosissima di un'Italia musicale che non c'è più e che (a mio avviso) non tornerà mai più in quanto non ci sarà più il contesto sociale adeguato. MS

Versione Inglese: 

I SANTONI - Noi: I Santoni
Car Juke Box / Mellow Records (1995) / Akarma (2001)
Genre: Pop Rock / Progressive Rock
Format: LP / CD – 1972

For Italy, the 1970s were definitely the period in which Rock persevered the most. Since it is a genre that did not originate here, but rather in America and was subsequently brought to extreme success by England, a decade of so-called “complessi” (bands) is therefore to be considered a great achievement. Yes, because in truth we do not have it in our DNA; both Rock and its derivatives have always been aimed at a niche audience, whereas the 1970s welcomed a large crowd. Let’s face it, we are a people where the sun has had its own significance, bringing joy and easily digestible melodies to music, and much less so to guitar riffs. Let’s consider that Rock comes from the Blues and was born as a chant of protest, something that we Italians do not have in our culture. Thus, in the 1970s, a multitude of examples appeared in which Rock walked hand in hand with the typical Italian sound, yielding hybrid but at times also interesting results.
This is also the case for the Florentine band I Santoni.
Born at the end of the 1960s, they were led by the keyboards and vocals of Bruno Mosti. They began their adventure moving through the circuit of local dance halls and festivals. Their original sound was heavily indebted to late Italian Beat, but the entry of Franco Bettazzi and Giorgio Gorini on woodwinds and horns progressively shifted the axis towards Jazz Rock colorations and baroque intuitions.
In 1972, they managed to record their only 33 rpm record “Noi: I Santoni” for CAR Juke Box, founded by Carlo Alberto Rossi. Unfortunately, due to terrible distribution and the label's limited financial means, the album went almost entirely unnoticed at the time. The group played live extensively, even pushing into France and Switzerland, but the lack of commercial feedback led to their disbandment in 1974. As often happens in Italian Progressive Rock, the record was rescued from oblivion decades later thanks to international collecting and the historic reissues by Mellow Records (1995) and Akarma (2001/2003), which sealed its status as a small "cult" item, especially in Japan and Northern Europe.
Musically, it is not a concept album structured in long suites, but develops through nine relatively short tracks. Returning to my preamble, the beating heart of the record is the absence of the lead electric guitar (whereas the guitar was the ultimate symbol of Rock), replaced rhythmically by sporadic acoustic interventions. The scene is entirely dominated by two elements: Bruno Mosti's Hammond organ and piano, which dictate the baroque chiaroscuro and classical-leaning progressions; the concert flutes and saxophones, which give the record a pastoral and vaguely Jethro Tull-esque flavor, alternating with fairytale touches and jazzy Folk. Mosti's voice is theatrical, visceral, typically "seventies-style", and supports lyrics that oscillate between pacifism, flight from industrial civilization, the traumas of war, and the utopian hippie dream.
I will not provide an analysis of every single track because attached you have the link for the entire listen to form your own personal opinion; the fact remains that this was the modus operandi of a great many Italian bands of the period.
Therefore, “Noi: I Santoni” does not possess the technical complexity or the extreme avant-garde of the great giants of 1972 Italian Progressive Rock, but it possesses an artisanal authenticity, a melodic warmth, and a use of wind instruments that make it a poetic and priceless photograph of a musical Italy that no longer exists and that (in my opinion) will never return, as there will never be the right social context again. MS

The Sacred Tree

THE SACRED TREE – Reconciliation
Ma.Ra.Cash / Luminol Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Nati dall'unione di musicisti provenienti sia dalla scena jazzistica contemporanea che dal Rock sperimentale italiano, i The Sacred Tree si sono costituiti con un obiettivo preciso, quello di esplorare il legame ancestrale tra musica, spiritualità e natura.
Il nome stesso della band è un omaggio al "Cenno dell'Albero Sacro", un simbolo universale presente in moltissime culture indigene.
Il nucleo del loro manifesto artistico risiede nell'esplorazione dell'etnomusicologia e della spiritualità profonda, traendo una fortissima e dichiarata ispirazione dalla cultura, dalle tradizioni e dalla musica dei Nativi Americani.
La lavorazione dell'album è iniziata raccogliendo suggestioni legate ai canti spirituali, alle scale modali della tradizione dei popoli nativi e ai ritmi ipnotici legati ai rituali della terra, il tutto riletto attraverso la lente dell'improvvisazione jazzistica europea e le complesse strutture del Prog.
“Reconciliation” (Riconciliazione) si sviluppa quindi come una sorta di concept-album incentrato sulla necessità di risanare la frattura tra l'uomo moderno e la Terra, riabbracciando una visione olistica dell'esistenza.
Più che su testi cantati in forma canonica o narrativa, l'album vive di evocazioni, e musica esplicita seppur ricercata e bene arrangiata. Gli strumenti hanno voce, e a dargliela sono Lorenzo Colombo (sax), Nicola Puccetti (pianoforte), Tiziano Codoro (tromba), Gabriele Montanari (violoncello), Giovanni Zacchetti (batteria), e Toni Atrigna (basso).
“A Family Affair”  è una suite di quasi dieci minuti. Il titolo ("Una questione di famiglia") introduce una forte componente intima o di legame stretto all'interno del concept del disco, sviluppata attraverso una composizione strutturata che si prende tutto il tempo necessario per introdurre l'ascoltatore nelle atmosfere e nel sound dell'ensemble. La tromba mi rimanda schegge di Nucleus mentre i cambi di ritmo conducono inevitabilmente al classico percorso Progressive Rock.
Il secondo brano “Time To Say Goodbye”, mantiene la medesima importanza temporale del primo. Una traccia dal titolo fortemente evocativo e malinconico ("Il momento di dire addio"), che si snoda lungo una narrazione musicale complessa, dove le dinamiche sonore assecondano il tema del distacco, del congedo o della transizione. Nuovamente in evidenza il binomio dialogante dei fiati, questa volta in contrapposizione fra di loro ed immersi in una vena malinconica. Atmosfere ammalianti e carezzevoli.
Il fulcro centrale dell’opera è “The Octopus”, traccia più ambiziosa del disco in termini di minutaggio con oltre quindici minuti di durata. Esso rappresenta la vera e propria suite dell'album. Strutture del genere permettono alla band di esplorare cambi di tempo radicali, ampie sezioni strumentali, improvvisazioni e incastri ritmici complessi, trasformando il brano in un vero e proprio viaggio.
“Kothbiro” riprende la misura dei nove minuti abbondanti e si tratta di un termine di origine africana, reso celebre nella cultura Pop e World Music anche da Ayub Ogada, legato alla lingua Luo del Kenya, che significa letteralmente "la pioggia sta arrivando". La presenza di questo pezzo conferma la forte apertura della band verso elementi etnici, World e poliritmie ancestrali integrate nel loro tessuto Progressive Sperimentale.
Più snella e ritmata la conclusiva “Walk Like A Lion”, irresistibile nella cadenza.
In un panorama musicale spesso dominato dalla fretta, “Reconciliation” chiede tempo e ripaga l'ascoltatore restituendogli un senso di profonda riconnessione. Attraverso queste cinque tracce, i The Sacred Tree dimostrano che gli strumenti, quando hanno davvero una voce e qualcosa da raccontare, possono fare a meno della parola scritta per toccare corde universali. Un viaggio sonoro affascinante e maturo, che unisce idealmente l'Africa, le terre dei Nativi Americani e la sensibilità sperimentale italiana. Un esordio superbo che merita di essere vissuto, traccia dopo traccia, rigorosamente ad occhi chiusi. MS 

Versione Inglese: 

THE SACRED TREE – Reconciliation
Ma.Ra.Cash / Luminol Records
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Born from the union of musicians coming from both the contemporary jazz scene and Italian experimental Rock, The Sacred Tree were formed with a precise objective: to explore the ancestral bond between music, spirituality, and nature.
The band's name itself is a tribute to the "Sign of the Sacred Tree", a universal symbol found in many indigenous cultures.
The core of their artistic manifesto lies in the exploration of ethnomusicology and deep spirituality, drawing a very strong and declared inspiration from the culture, traditions, and music of Native Americans.
The making of the album began by gathering suggestions linked to spiritual chants, modal scales from the tradition of native peoples, and hypnotic rhythms tied to earth rituals, all reinterpreted through the lens of European jazz improvisation and the complex structures of Prog.
“Reconciliation” (Riconciliazione) thus develops as a sort of concept-album centered on the need to heal the rift between modern man and the Earth, embracing a holistic vision of existence.
Rather than on lyrics sung in a canonical or narrative form, the album thrives on evocations, and explicit yet refined and well-arranged music. The instruments have a voice, and giving it to them are Lorenzo Colombo (sax), Nicola Puccetti (piano), Tiziano Codoro (trumpet), Gabriele Montanari (cello), Giovanni Zacchetti (drums), and Toni Atrigna (bass).
“A Family Affair” is a suite of nearly ten minutes. The title ("Una questione di famiglia") introduces a strong intimate component or tight bond within the concept of the record, developed through a structured composition that takes all the time necessary to introduce the listener to the atmosphere and sound of the ensemble. The trumpet sends me shards of Nucleus, while the rhythm changes inevitably lead to the classic Progressive Rock path.
The second track, “Time To Say Goodbye”, maintains the same temporal importance as the first. A track with a highly evocative and melancholic title ("Il momento di dire addio"), which unfolds along a complex musical narrative, where the sound dynamics accommodate the theme of detachment, farewell, or transition. Once again, the dialogue of the two horn players is highlighted, this time in counterposition with one another and immersed in a melancholic vein. Bewitching and caressing atmospheres.
The central core of the work is “The Octopus”, the most ambitious track on the album in terms of running time, spanning over fifteen minutes. It represents the true suite of the album. Structures of this kind allow the band to explore radical tempo changes, extensive instrumental sections, improvisations, and complex rhythmic patterns, transforming the track into a true journey.
“Kothbiro” returns to the length of over nine minutes, and it is a term of African origin, made famous in Pop and World Music culture by Ayub Ogada as well, linked to the Luo language of Kenya, which literally means "the rain is coming". The presence of this piece confirms the band's strong openness toward ethnic elements, World music, and ancestral polyrhythms integrated into their Experimental Progressive fabric.
Sleeker and more rhythmic is the concluding “Walk Like A Lion”, irresistible in its cadence.
In a musical landscape often dominated by haste, “Reconciliation” demands time and rewards the listener by restoring a sense of deep reconnection. Through these five tracks, The Sacred Tree prove that instruments, when they truly have a voice and something to tell, can do without the written word to touch universal chords. A fascinating and mature sonic journey that ideally unites Africa, the lands of Native Americans, and Italian experimental sensitivity. A superb debut that deserves to be experienced, track after track, strictly with eyes closed. MS

Red Sun

RED SUN - Songs From Hidden Places
Subsound Records
Genere: Rock psichedelico
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

I Red Sun nascono ad Albone, un piccolo paese adagiato tra le colline di Piacenza e l'Appennino Emiliano. Fin dagli esordi, la formazione è rimasta un solido e compatto power trio strumentale composto da Stefano "Eno" Dusi (chitarra), Mirco Dugaria (basso) e Federico Rivoli (batteria, sintetizzatori).
Per i loro primi tre album culminati nel 2024 con “From Sunset To Dawn”, i nostri si sono mossi su binari prettamente strumentali, muovendosi dallo Stoner Rock di stampo desertico ("desert rock") fino a territori psichedelici più dilatati, arricchiti da synth e theremin. La svolta arriva nel 2025, quando la band decide di espandere i propri confini e inserisce in pianta stabile la cantante Elisa Brusati (già voce della rock band milanese Noema) mentre i testi vengono affidati al batterista Federico Rivoli. Con l'ingresso di Elisa, la musica dei Red Sun non si è semplicemente appoggiata a una linea vocale, ma ha trovato una dimensione molto più ampia, occulta ed eterea, paragonata da alcuni critici alle atmosfere mistiche di Tool o A Perfect Circle.
Ed oggi è la volta di “Songs From Hidden Places”, dove Il filo conduttore dei testi e delle atmosfere risiede proprio nel titolo "luoghi nascosti" (hidden places). Questi sono i rifugi mentali e fisici in cui l'essere umano cerca riparo per rigenerarsi dalle fatiche e dalle peripezie della vita. Musicalmente, il disco è un perfetto bilanciamento tra riff granitici alla Kyuss, digressioni Space Rock, incursioni elettroniche e lisergiche. Infatti la traccia d’apertura “Hidden Places” mette subito in chiaro le cose ed è una jam psichedelica ad altissimo tasso lisergico. Strati di suono si sovrappongono in modo ipnotico ma controllato. La voce di Elisa entra in punta di piedi, non come una frontwoman classica, ma come un vero e proprio strumento atmosferico che fluttua sopra i riff.
“Details From The Past” è un brano decisamente più duro e d'impatto in cui la sezione ritmica di Federico e Mirco si fa cupa e serrata, mentre le parole scavano nei ricordi e nei traumi del passato, trasformandoli in energia sonora.
La band spinge l'acceleratore sulla fantascienza vintage anni '70 in “Sleeping Brain”. I sintetizzatori e le digressioni psichedeliche disegnano un viaggio mentale alienante, sorretto da un battito lento e ipnotico. Rappresenta perfettamente lo stato d'animo di una mente che si isola dalla realtà. Il testo è fortemente metaforico ed affronta lo stato di alienazione, l'apatia e l'isolamento mentale descrivendo la sensazione di avere il "cervello addormentato", ovvero quel meccanismo di difesa psicologica che si attiva quando la realtà esterna diventa troppo pesante da sopportare.
La traccia più diretta dell’album è “The Hidden Truth”, dominata da riff di chitarra granitici che rimandano direttamente ai deserti californiani della Sky Valley. Un pezzo potente in cui la voce di Elisa si fa più incisiva e sincera. Le liriche parlano della ricerca e dell'accettazione di una verità interiore, spesso scomoda e per questo rimasta a lungo sepolta nell'ombra. È una presa di coscienza coraggiosa in cui le illusioni crollano per fare spazio alla cruda e sincera realtà di ciò che si è davvero.
Le atmosfere si fanno più cupe e pesanti con “All Things Are Written There”, lambendo territori vicini al Doomgaze. I synth ambientali creano un muro di suono claustrofobico ma affascinante, mentre il testo evoca un senso di ineluttabilità e destino.
C’è anche una traccia di transizione ricca di groove ed elettronica evocativa: “A Hidden Bond”. È probabilmente la traccia più luminosa o quantomeno speranzosa del disco. Le parole esplorano l'empatia e le connessioni invisibili (i "legami nascosti") che uniscono gli esseri umani. Racconta di come, persino nell'isolamento più profondo dei propri rifugi personali, esista un filo invisibile che ci connette a qualcun altro e che funge da ancora di salvataggio nei momenti di totale smarrimento.
La conclusione del viaggio è lisergica e strumentalmente curata, “The Secret Dope” è un pezzo ipnotico e irresistibile nel ritmo, in modalità Quantum Fantay. Le poche linee testuali agiscono come un mantra liberatorio che accompagna l'ascoltatore verso un senso di purificazione finale prima del silenzio. Per chi vi scrive è il miglio brano dell’intero lavoro.
In definitiva “Songs From Hidden Places” è un rituale psichedelico di catarsi e isolamento, perfetto per chi cerca nella musica pesante non solo l'impatto dei decibel, ma anche una profonda via di fuga mentale. MS 

Versione Inglese:

RED SUN - Songs From Hidden Places
Subsound Records
Genre: Psychedelic rock
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

Red Sun were born in Albone, a small village nestled between the hills of Piacenza and the Emilian Apennines. Since their inception, the lineup has remained a solid and compact instrumental power trio consisting of Stefano "Eno" Dusi (guitar), Mirco Dugaria (bass), and Federico Rivoli (drums, synthesizers).
For their first three albums, culminating in 2024 with “From Sunset To Dawn”, our protagonists moved along purely instrumental tracks, shifting from desert-style Stoner Rock ("desert rock") to more expansive psychedelic territories, enriched by synths and theremin. The turning point came in 2025, when the band decided to expand their boundaries and permanently brought in singer Elisa Brusati (former voice of the Milanese rock band Noema), while the lyrics were entrusted to drummer Federico Rivoli. With Elisa's entry, Red Sun's music did not simply lean on a vocal line, but found a much broader, occult, and ethereal dimension, compared by some critics to the mystical atmospheres of Tool or A Perfect Circle.
And today it is the turn of “Songs From Hidden Places”, where the common thread of the lyrics and atmospheres lies precisely in the title "luoghi nascosti" (hidden places). These are the mental and physical refuges where human beings seek shelter to regenerate from the hardships and vicissitudes of life. Musically, the album is a perfect balance between monolithic Kyuss-style riffs, Space Rock digressions, electronic and lysergic incursions. In fact, the opening track “Hidden Places” immediately makes things clear and is a highly lysergic psychedelic jam. Layers of sound overlap in a hypnotic yet controlled manner. Elisa's voice enters on tiptoe, not like a classic frontwoman, but as a true atmospheric instrument floating above the riffs.
“Details From The Past” is a decidedly harder and more impactful track in which Federico and Mirco's rhythm section becomes dark and tight, while the words dig into memories and past traumas, transforming them into sonic energy.
The band pushes the accelerator on vintage '70s science fiction in “Sleeping Brain”. Synthesizers and psychedelic digressions design an alienating mental journey, supported by a slow and hypnotic beat. It perfectly represents the state of mind of a consciousness isolating itself from reality. The text is highly metaphorical and addresses the state of alienation, apathy, and mental isolation, describing the feeling of having a "cervello addormentato" (sleeping brain), that psychological defense mechanism triggered when external reality becomes too heavy to bear.
The most direct track on the album is “The Hidden Truth”, dominated by monolithic guitar riffs that point directly to the Californian deserts of Sky Valley. A powerful piece where Elisa's voice becomes more incisive and sincere. The lyrics speak of searching for and accepting an inner truth, often uncomfortable and for this reason buried in the shadows for a long time. It is a courageous awakening in which illusions collapse to make room for the raw and honest reality of who you truly are.
The atmospheres become darker and heavier with “All Things Are Written There”, bordering on territories close to Doomgaze. Ambient synths create a claustrophobic yet fascinating wall of sound, while the lyrics evoke a sense of inevitability and destiny.
There is also a transition track rich in groove and evocative electronics: “A Hidden Bond”. It is probably the brightest or at least most hopeful track on the album. The words explore empathy and the invisible connections (the "legami nascosti") that unite human beings. It tells how, even in the deepest isolation of one's personal shelters, an invisible thread exists that connects us to someone else and acts as a lifeline in moments of utter bewilderment.
The conclusion of the journey is lysergic and instrumentally polished, “The Secret Dope” is a track with a hypnotic and irresistible rhythm, in Quantum Fantay style. The few textual lines act as a liberating mantra that accompanies the listener toward a sense of final purification before the silence. For the writer, it is the best track of the entire work.
Ultimately, “Songs From Hidden Places” is a psychedelic ritual of catharsis and isolation, perfect for those who look to heavy music not only for the impact of decibels, but also for a profound mental escape. MS

Corte Dei Miracoli

CORTE DEI MIRACOLI – Corte Dei Miracoli
Grog Records / AMS / Seven Seas / Vinyl Magic
Genere: Rock Progressivo
Supporto: LP / CD – 1976

Arrivato fuori tempo massimo, quando le multinazionali stavano già chiudendo i rubinetti al genere per fare spazio alla Target-Disco e al Punk, questo disco è una perla assoluta, sfarzoso, romantico, dominato da un intreccio monumentale di tastiere e privo (o quasi) di chitarre elettriche.
La band si forma a Savona nel 1973, ma la gestazione del disco è lunga e travagliata. I Corte dei Miracoli nascono inizialmente con una formazione a due tastiere che comprende Alessio Feltri e il talentuoso pianista Jazz Riccardo Zegna (che in seguito diventerà un nome di spicco del Jazz italiano), supportati da una solida sezione ritmica con Gabriele Siri al basso e Flavio Scogna alla batteria. Ai testi e alla produzione lavora l'esterno Mauro Scogna.
Dopo una lunga gavetta live in Liguria e vari cambi di formazione, la band attira l'attenzione di un padrino d'eccezione quel Vittorio De Scalzi fondatore dei New Trolls. De Scalzi li porta nei suoi storici Studio G di Genova, produce il loro esordio e li firma per la sua etichetta indipendente, la Grog Records.
Nonostante la qualità eccelsa, le vendite sono scarse a causa di una distribuzione limitata e del mutato clima musicale. Subito dopo l'uscita, la band si scioglie, lasciando un solo, preziosissimo testamento in studio, salvo ritrovarli nel 1992 con “Dimensione Onirica”, raccolta di demo datati 1973/74 rispolverati dalla Mellow Records.
Il nome stesso del gruppo evoca i bassifondi parigini medievali descritti da Victor Hugo in “Notre-Dame De Paris”, un luogo dove i mendicanti fingevano infermità di giorno e guarivano miracolosamente di notte.
I testi del disco, scritti da Mauro Scogna, riflettono questa estetica sospesa tra il letterario, il fiabesco e l'onirico, con forti tinte crepuscolari ed esoteriche. La voce potente, lirica e a tratti melodrammatica di Graziano Zippo, uno dei cantanti più tecnici e sottovalutati del Prog italiano, dà corpo a queste visioni.
L'intero album si sviluppa come un velato concept spirituale e psicologico. Si passa dall'attesa messianica di una rinascita umana alla fine dei tempi (“...E Verrà L'uomo”), al misticismo del sole come fonte di verità (“Verso Il sole”), fino a esplorazioni della psiche umana e della notte, vista come momento di ritualità magica e misteriosa (“Il Rituale Notturno”).
La suite conclusiva, “I Due Amanti”, riprende esplicitamente le atmosfere drammatiche e romantiche di stampo ottocentesco, parlando d'amore, morte e solitudine morale.
Musicalmente, i Corte dei Miracoli scelgono quindi una strada ben precisa, niente chitarra elettrica, l'unico accenno di sei corde in tutto il disco è un arpeggio acustico suonato da Vittorio De Scalzi nei primi secondi del brano d'apertura “… E Verrà L’Uomo”.
Tutto il resto è un'architettura sonora maestosa retta dalla doppia tastiera di Feltri e Zegna. I due tastieristi non si sovrappongono mai in modo caotico, ma si dividono i compiti con una classe cristallina, uno stende imponenti tappeti sinfonici e barocchi (Mellotron, organo Hammond, sintetizzatori analogici Moog e String Ensemble), mentre l'altro cesella ricami pianistici di chiara estrazione classica e jazzistica.
Nota di merito per Gabriele Siri (basso) e Flavio Scogna (batteria). Non si limitano a tenere il tempo, ma creano una trama intricata e mobilissima, indispensabile per non far risultare il muro di tastiere troppo statico o stucchevole.
I Corte dei Miracoli hanno saputo fotografare l'attimo fuggente in cui il Rock sinfonico italiano ha raggiunto la massima maturità tecnica, poco prima di scomparire dai radar commerciali. Chi ama il suono delle tastiere vintage e le atmosfere romantico-decadenti non può assolutamente prescindere da questo ascolto. MS 

Versione Inglese: 

CORTE DEI MIRACOLI – Corte Dei Miracoli
Grog Records / AMS / Seven Seas / Vinyl Magic
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD – 1976

Arriving past the genre's prime, at a time when major labels were already cutting off funding for progressive rock to make room for Euro-Disco and Punk, this album is an absolute gem—sumptuous, romantic, dominated by a monumental intertwining of keyboards, and completely (or almost) devoid of electric guitars.
The band formed in Savona in 1973, but the album's gestation was long and troubled. Corte dei Miracoli initially started with a dual-keyboard lineup featuring Alessio Feltri and the talented jazz pianist Riccardo Zegna (who would later become a prominent figure in Italian jazz), backed by a solid rhythm section with Gabriele Siri on bass and Flavio Scogna on drums. External collaborator Mauro Scogna worked on the lyrics and production.
After a long period of playing live gigs across Liguria and undergoing several lineup changes, the band caught the attention of an exceptional godfather: Vittorio De Scalzi, the founder of New Trolls. De Scalzi brought them into his historic Studio G in Genoa, produced their debut, and signed them to his independent label, Grog Records.
Despite its outstanding quality, sales were poor due to limited distribution and the shifting musical climate. Right after its release, the band split up, leaving behind a single, invaluable studio testament—until they resurfaced in 1992 with Dimensione Onirica, a collection of demos from 1973/74 unearthed by Mellow Records.
The group's very name evokes the medieval Parisian slums described by Victor Hugo in The Hunchback of Notre-Dame, a place where beggars feigned infirmities by day and "miraculously healed" by night.
The album's lyrics, written by Mauro Scogna, reflect this aesthetic suspended between the literary, the fairytale-like, and the dreamlike, with strong twilight and esoteric undertones. The powerful, lyrical, and at times melodramatic voice of Graziano Zippo—one of the most technical and underrated vocalists in Italian Prog—gives substance to these visions.
The entire album unfolds as a veiled spiritual and psychological concept. It moves from the messianic expectation of a human rebirth at the end of time ("...E Verrà L'uomo"), to the mysticism of the sun as a source of truth ("Verso Il sole"), and finally to explorations of the human psyche and the night, viewed as a time of magical and mysterious ritualism ("Il Rituale Notturno").
The closing suite, "I Due Amanti," explicitly revisits 19th-century-style dramatic and romantic atmospheres, dealing with love, death, and moral loneliness.
Musically, Corte dei Miracoli chose a very specific path: no electric guitar. The only hint of six strings on the entire record is an acoustic arpeggio played by Vittorio De Scalzi during the opening seconds of the first track, "...E Verrà L’Uomo".
Everything else is a majestic sonic architecture sustained by the dual keyboards of Feltri and Zegna. The two keyboardists never overlap chaotically; instead, they divide their duties with crystal-clear elegance—one laying down imposing symphonic and baroque textures (Mellotron, Hammond organ, Moog analog synthesizers, and String Ensemble), while the other carves out piano embellishments deeply rooted in classical and jazz traditions.
A special mention goes to Gabriele Siri (bass) and Flavio Scogna (drums). They don't just keep time; they create an intricate, highly dynamic groove that is absolutely essential to keep the wall of keyboards from feeling too static or overbearing.
Corte dei Miracoli managed to capture the fleeting moment when Italian symphonic rock reached its peak technical maturity, just before vanishing from commercial radars. For anyone who loves the sound of vintage keyboards and romantic-decadent atmospheres, this album is an absolute must-listen. MS

Silver Horses

SILVER HORSES – Weird Tales
Elevate Records
Genere: Hard Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Nulla da fare, quando ascolto l’Hard Rock anche a distanza di tempo, mi rendo conto che la mia passione con l’età non è minimamente scalfita; resta sempre un grande piacere, vuoi perché è energia, ma soprattutto una bella valvola di sfogo.
Voglio quindi parlarvi della nuova uscita “Weird Tales” della band italo inglese fondata nel 2011 dal chitarrista italiano Gianluca Galli. Inizialmente nota per aver coinvolto Tony Martin, storico cantante dei Black Sabbath. Il loro sound fonde il classico Hard Rock anni '70 con influenze moderne, rievocando sonorità alla Led Zeppelin e Whitesnake. L'album giunge a breve distanza dalle fatiche più recenti come “Electric Omega” e il successivo “Perspectives” e si configura non come una rottura epocale, bensì come la prosecuzione naturale e l'evoluzione di un discorso Hard Rock mai nostalgico. Il disco mette da parte la grammatica più immediata o stereotipata del genere per addentrarsi in territori dominati da un fascino più notturno, dalle tinte surreali e gotiche, ridefinendo il sound della band attraverso una produzione dall’ampio respiro.
Oggi sono formati da Jacopo "Jack" Meille (voce), Gianluca Galli (chitarre), Andrea Castelli (basso), e Matteo "Bona" Bonini (batteria).
Invece di affidarsi al solito assalto frontale di riff d'impatto “Weird Tales”, che nel titolo omaggia la celebre rivista pulp fanta-horror, predilige la costruzione di micro universi narrativi. Le dodici tracce che compongono l'ossatura del disco si aprono gradualmente, lasciando spazio a venature Blues e suggestioni visionarie.
Dopo l’immancabile e breve preludio intitolato “Intro”, il disco parte con “Keep On Running”, trascinato da una ritmica solida guidata da Castelli e Bonini. Il pezzo mostra il lato più energico e stradale dei Silver Horses e sfoggia un ritornello niente male. Il testo esorta alla resilienza, all'andare avanti e al non fermarsi malgrado le ombre che tentano di rallentare la corsa.
Uno dei singoli dell’album s’intitola “Dark Ages” e musicalmente rallenta il passo, sfiorando andature Doom e pesanti di scuola sabbathiana. Il testo ha una forte impronta di critica e riflessione sul presente. Evoca un tempo non troppo lontano in cui l'umanità distingueva chiaramente il bene dal male, mentre oggi i venti della paura sembrano stringersi attorno alle libertà personali, paventando l'avvento di un nuovo medioevo sociale e spirituale. Nonostante la disillusione, emerge un messaggio di profonda unione e speranza nel finale.
Il chitarrismo di Galli si fa più essenziale in “Different Keys” sostenuto da un buon riff tagliente. La voce di Jack Meille segue le trame armoniche con un'intensità narrativa molto trattenuta, quasi confidenziale, mentre il testo scava nella complessità delle relazioni umane e nei diversi modi di decifrare la mente altrui.
Altri brani che tengo a sottolineare sono “Facing The Mirror”, singolo apripista dell’album ruvido e tuttavia  attento alle buone melodie, e “Heading For The Deep”, un tuffo nelle radici più Blues e viscerali del gruppo. L'arrangiamento si fa fangoso e denso, mentre la performance vocale di Meille tocca corde profondamente sofferte ed espressive, ricalcando un testo che metaforicamente descrive la discesa negli abissi interiori prima della risalita.
C’è anche una traccia al confine del Progressive Rock e s’intitola “The Architectures Of The Sky”, con i Led Zeppelin molto presenti.
In definitiva, “Weird Tales” è un album solido ed elegante, che dimostra come l'Hard Rock di stampo classico possa ancora evolversi ed esprimere concetti profondi nel 2026. Piacevolissimo! MS 

Versione Inglese:

SILVER HORSES – Weird Tales
Elevate Records
Genre: Hard Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

There is no way around it, when I listen to Hard Rock, even after a long time, I realize that my passion hasn't been chipped away at all by age; it always remains a great pleasure, whether because it is pure energy, but above all, a great safety valve.
I want to talk to you about the new release “Weird Tales” by the Italian-British band founded in 2011 by Italian guitarist Gianluca Galli. Initially known for involving Tony Martin, the historic singer of Black Sabbath. Their sound blends classic '70s Hard Rock with modern influences, evoking the sounds of Led Zeppelin and Whitesnake. The album arrives a short time after their most recent efforts like “Electric Omega” and the subsequent “Perspectives”, and it presents itself not as an epochal break, but rather as the natural continuation and evolution of a Hard Rock discourse that is never nostalgic. The record sets aside the more immediate or stereotyped grammar of the genre to venture into territories dominated by a more nocturnal charm, with surreal and gothic tones, redefining the band's sound through a wide-ranging production.
Today they are formed by Jacopo "Jack" Meille (vocals), Gianluca Galli (guitars), Andrea Castelli (bass), and Matteo "Bona" Bonini (drums).
Instead of relying on the usual frontal assault of high-impact riffs, “Weird Tales”, which pays homage in its title to the famous sci-fi/horror pulp magazine, prefers the construction of micro-narrative universes. The twelve tracks that make up the backbone of the record open up gradually, leaving room for Blues undertones and visionary suggestions.
After the inevitable and short prelude titled “Intro”, the record kicks off with “Keep On Running”, driven by a solid rhythmic section led by Castelli and Bonini. The track shows the more energetic and street-level side of Silver Horses and features quite a good chorus. The lyrics urge resilience, moving forward and not stopping despite the shadows that try to slow down the race.
One of the album's singles is titled “Dark Ages” and musically slows down the pace, bordering on heavy Sabbath-esque Doom tempos. The lyrics have a strong tone of criticism and reflection on the present. It evokes a time not too far gone when humanity clearly distinguished good from evil, whereas today the winds of fear seem to tighten around personal freedoms, fearing the advent of a new social and spiritual dark age. Despite the disillusionment, a message of deep unity and hope emerges in the end.
Galli's guitar work becomes more essential in “Different Keys”, supported by a good, sharp riff. Jack Meille's vocals follow the harmonic textures with a very restrained, almost confidential narrative intensity, while the lyrics delve into the complexity of human relationships and the different ways of deciphering the minds of others.
Other tracks I want to highlight are “Facing The Mirror”, the album's gritty yet melody-conscious lead single, and “Heading For The Deep”, a dive into the group's most visceral and Blues roots. The arrangement becomes muddy and dense, while Meille's vocal performance touches deeply pained and expressive chords, mirroring lyrics that metaphorically describe the descent into internal abysses before rising again.
There is also a track bordering on Progressive Rock titled “The Architectures Of The Sky”, with Led Zeppelin's influence being very prominent.
Ultimately, “Weird Tales” is a solid and elegant album, which proves how classic-style Hard Rock can still evolve and express deep concepts in 2026. Highly enjoyable! MS

Banco Del Mutuo Soccorso

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO – Greggio E Pericoloso
AMS Records /BTF
Genere: Rock Progressive / Strumentale
Supporto: CD / 2026 - (1981)

La AMS Records fornisce a tutti gli amanti del Rock Progressivo italiano , una vera chicca sepolta nel tempo e sto parlando di "Greggio e Pericoloso".  Non è un album tradizionale del Banco del Mutuo Soccorso, ma la colonna sonora rimasta totalmente inedita in formato fisico fino a pochissimo tempo fa, realizzata nel 1981 per l'omonima miniserie televisiva della RAI.
La serie TV in quattro puntate era l'adattamento del romanzo fanta economico e un po' apocalittico scritto nel 1975 dall'ingegnere e celebre divulgatore scientifico Roberto Vacca. La trama ruotava attorno a complotti politici, intrighi internazionali e speculazioni derivanti dalla scoperta che il petrolio, sul nostro pianeta, potesse essere una risorsa inesauribile.
I fratelli Vittorio e Gianni Nocenzi furono scritturati per comporre il commento sonoro di questo scenario industriale e cospiratorio.
Quindi attenzione, chi si aspetta le cavalcate sinfoniche di “Darwin!” o di “Io Sono Nato Libero” rimarrà spiazzato, così come chi pensa alle canzoni più Pop oriented di quel preciso periodo del Banco (“Urgentissimo” è del 1980, “Buone Notizie” del 1981).
Trattandosi di una colonna sonora descrittiva, il disco è ovviamente completamente strumentale. Non sentiremo quindi la voce celestiale e potente di Francesco Di Giacomo. Oltre ai fratelli Vittorio e Gianni Nocenzi, veri registi dell'opera alle tastiere e ai sintetizzatori, nelle sessioni si sente chiaramente il lavoro ritmico impresso da Rodolfo Maltese alle chitarre e da Pierluigi Calderoni alla batteria. È un Banco che sta abbandonando le complessità barocche degli anni '70 per asciugare il suono, e l'urgenza espressiva della colonna sonora permette loro di sperimentare soluzioni ritmiche quasi vicine alla Fusion e alla New Wave elettronica che in quel momento storico stavano prendendo il sopravvento.
Avendo carta bianca per commentare le immagini, il Banco si muove con un'incredibile sensazione di libertà. Le 12 tracce intitolate semplicemente “Titles” e poi dalla “Seq. 2” alla “Seq. 12”,  spaziano tra un Jazz Funk elettrico molto serrato, venature Krautrock, synth cosmici e trame elettroniche che dialogano con i classici fraseggi pianistici dei fratelli Nocenzi. C'è anche un uso massiccio e ritmico di percussioni e bonghi che rende il tutto molto cinematico e teso.
Il master dell'epoca, di proprietà della EMI Songs, è stato recuperato e stampato per la prima volta in assoluto in pochissime copie, un vero regalo per i collezionisti, edizione limitata a sole 300 copie in vinile nero 140 grammi, con un inserto 30x30 cm. Il CD è in edizione papersleeve limitata a 500 copie con un prezioso libretto di 12 pagine, mentre le note di copertina sono curate da una firma d'eccezione per il Rock italico: Mox Cristadoro ricostruisce minuziosamente tutta la storia di questa produzione perduta.
C'è un dettaglio filologico molto interessante per chi ama mappare la discografia della band, alcune delle intuizioni sonore e dei brevi frammenti elettronici abbozzati in queste dodici tracce strumentali sono stati in seguito rielaborati, sviluppati e riciclati all'interno di “Buone Notizie”.
Un tassello fondamentale per completare la discografia del Banco, che dimostra quanto la band fosse eclettica e capace di staccarsi dal proprio marchio di fabbrica per abbracciare le avanguardie elettroniche e Funk dei primi anni Ottanta. MS

Versione Inglese:

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO – Greggio E Pericoloso
AMS Records /BTF
Genre: Progressive Rock /
Instrumental
Format: CD / 2026 - (1981)

AMS Records provides all lovers of Italian Progressive Rock with a true gem buried in time, and I am talking about "Greggio e Pericoloso". This is not a traditional album by Banco del Mutuo Soccorso, but rather the soundtrack—which remained completely unreleased in physical format until very recently—created in 1981 for the RAI television miniseries of the same name.
The four-episode TV series was the adaptation of the sci-fi economic and somewhat apocalyptic novel written in 1975 by the engineer and famous science communicator Roberto Vacca. The plot revolved around political conspiracies, international intrigue, and speculation arising from the discovery that oil on our planet could be an inexhaustible resource.
The brothers Vittorio and Gianni Nocenzi were hired to compose the score for this industrial and conspiratorial scenario.
Therefore, beware: anyone expecting the symphonic rides of “Darwin!” or “Io Sono Nato Libero” will be caught off guard, as will anyone thinking of the more Pop-oriented songs of that precise period of Banco (“Urgentissimo” is from 1980, “Buone Notizie” from 1981).
Since this is a descriptive soundtrack, the record is obviously completely instrumental. We will not, therefore, hear the celestial and powerful voice of Francesco Di Giacomo. In addition to the brothers Vittorio and Gianni Nocenzi, the true directors of the work on keyboards and synthesizers, one can clearly hear in the sessions the rhythmic work impressed by Rodolfo Maltese on guitars and Pierluigi Calderoni on drums. It is a Banco that is abandoning the baroque complexities of the '70s to lean out their sound, and the expressive urgency of the soundtrack allows them to experiment with rhythmic solutions almost close to Fusion and electronic New Wave, which were taking over at that historical moment.
Having carte blanche to comment on the images, Banco moves with an incredible sense of freedom. The 12 tracks, titled simply “Titles” and then from “Seq. 2” to “Seq. 12”, range from a very tight electric Jazz Funk to Krautrock nuances, cosmic synths, and electronic textures that dialogue with the classic piano phrasings of the Nocenzi brothers. There is also a massive and rhythmic use of percussion and bongos that makes the whole thing very cinematic and tense.
The original master, owned by EMI Songs, has been recovered and pressed for the very first time ever in very few copies, a true gift for collectors: a limited edition of only 300 copies on 140-gram black vinyl, with a 30x30 cm insert. The CD is a papersleeve edition limited to 500 copies with a precious 12-page booklet, while the liner notes are curated by an exceptional name for Italian Rock: Mox Cristadoro meticulously reconstructs the entire history of this lost production.
There is a very interesting philological detail for those who love to map out the band's discography: some of the sonic insights and brief electronic fragments sketched in these twelve instrumental tracks were later reworked, developed, and recycled within “Buone Notizie”.
A fundamental piece to complete Banco's discography, which demonstrates how eclectic the band was and how capable they were of breaking away from their own trademark style to embrace the electronic and Funk avant-garde of the early Eighties. MS

Una Sana Malattia - Il Rock Progressivo

 UNA SANA MALATTIA – IL ROCK PROGRESSIVO

Mito e realtà, fra passato, presente e futuro

A cura di Alberto Voglini e Mauro Pini

Felici Editore

 
Come ben saprete, di libri riguardanti l’argomento “Rock Progressivo” ne sono usciti a centinaia, viene quindi spontaneo chiedersi cos’altro si potrebbe aggiungere all’argomento, ma questo sarebbe un concetto superficiale perché il genere non è solo musica, ma una attitudine in continua evoluzione. Essa prosegue con i tempi e quindi può tendere all’infinito, salvo le analisi di coloro che si soffermano a parlare solo degli anni del boom: i ’70.
Ma c’è anche chi approccia l’argomento con l’amore, la passione e la competenza di chi sin da ragazzino ha seguito l’evolversi dello scenario.
"Una Sana Malattia. Il Rock Progressivo" nasce dalla sinergia dei due autori Alberto Voglini e Mauro Pini, figure ben note nell'ambiente della critica e del collezionismo Prog in Italia.
Lo stile con cui affrontano il viaggio si distingue per essere rigoroso ma estremamente divulgativo ed emozionale. Nonostante l'approccio analitico e la precisione millimetrica nei dettagli storici e discografici, la scrittura mantiene sempre una forte carica di entusiasmo.
Il titolo stesso, "Una Sana Malattia", racchiude perfettamente l'essenza del saggio e l'approccio con cui affrontano l’argomento. Il Progressive Rock viene visto non semplicemente come un genere musicale, ma come una vera e propria "ossessione positiva" (una malattia sana, appunto), capace di rapire l'ascoltatore attraverso la complessità delle strutture, il lirismo delle composizioni e l'ambizione concettuale. È un tributo a quella passione viscerale che spinge appassionati e collezionisti a sviscerare ogni singola nota, copertina o formazione.
Quindi il volume non si limita a una fredda cronistoria enciclopedica, ma si sviluppa come un vero e proprio viaggio ragionato attraverso l'età dell'oro del genere e le sue successive evoluzioni.
Gli autori contestualizzano la nascita del movimento a cavallo tra la fine degli anni '60 e i primi anni '70, analizzando come il Rock si sia fuso con la musica classica, il Jazz, l'avanguardia e il Folk. Non esula l’aspetto sociologico in cui il Prog viene esaminato come specchio di un'epoca di grandi fermenti culturali e utopie. Ampio spazio è dedicato ai pilastri storici del genere, come King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, ELP, Jethro Tull, Gentle Giant, studiati sia sotto il profilo squisitamente musicale (tecnica, innovazioni strumentali, uso dei sintetizzatori e del Mellotron) sia dal punto di vista lirico e concettuale (i concept album, le tematiche mitologiche, fantasy o di critica sociale). Interessante soprattutto il focus dedicato all’Italia, culla fertile e originale di artisti. Vengono ripercorse le gesta di band leggendarie come PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, Le Orme, Area, e il Balletto di Bronzo, evidenziando la specificità del suono italiano, fortemente intriso di melodia mediterranea, tradizione classica e slancio teatrale. Molti gli ospiti che partecipano all’opera con la loro esperienza tra cui alcuni intervistati: Loris Furlan (Lizard Records), Stefano Olivieri, Tino Tozzi, Alessandro Corvaglia, Moreno Lenzi, Massimo Volpi, Lino Vairetti (Osanna), Luca Sparagna (Orme), Aligi Pasqualetto (Orme), Michele Bon (Orme), Michi Dei Rossi (Orme).
Uno dei punti di forza del testo è la sua utilità pratica per il lettore. Il volume è arricchito da approfondimenti, recensioni mirate e guide all'ascolto che aiutano sia il neofita a orientarsi tra capolavori imprescindibili, sia l'appassionato di lungo corso a riscoprire perle nascoste o gemme minori del panorama underground.
Nel vasto panorama di pubblicazioni sul Prog, "Una Sana Malattia" si ritaglia uno spazio importante perché riesce a fare sintesi unendo la precisione della saggistica musicale alla piacevolezza del racconto. È un libro consigliato sia a chi vuole capire perché, a distanza di oltre cinquant'anni, quelle complesse suite da venti minuti continuino a esercitare un fascino magnetico, sia a chi cerca una bussola autorevole per navigare tra i solchi di un genere che non ha mai smesso di osare. Ringrazio altresì per le citazioni nella bibliografia. Consigliato per una lettura snella e gradevole, magari anche in ferie. MS

Versione Inglese: 

UNA SANA MALATTIA – IL ROCK PROGRESSIVO
A cura di Alberto Voglini e Mauro Pini
Felici Editore
 

As you well know, hundreds of books regarding the topic of “Rock Progressivo” have been released, so it comes naturally to wonder what else could be added to the subject; however, this would be a superficial concept because the genre is not just music, but an ever-evolving attitude. It moves forward with the times and can therefore tend toward infinity, except for the analyses of those who pause to speak only of the boom years: the '70s.
But there are also those who approach the subject with the love, passion, and competence of someone who has followed the evolution of the scene since they were a kid.
"Una Sana Malattia. Il Rock Progressivo" was born from the synergy of the two authors Alberto Voglini and Mauro Pini, well-known figures in the environment of Prog criticism and collecting in Italy.
The style with which they face this journey stands out for being rigorous yet extremely informative and emotional. Despite the analytical approach and the pinpoint precision in historical and discographical details, the writing always maintains a strong charge of enthusiasm.
The title itself, "Una Sana Malattia", perfectly encapsulates the essence of the essay and the approach with which they tackle the subject. Progressive Rock is seen not simply as a musical genre, but as a true "ossessione positiva" (a healthy illness, indeed), capable of captivating the listener through the complexity of the structures, the lyricism of the compositions, and the conceptual ambition. It is a tribute to that visceral passion that drives enthusiasts and collectors to dissect every single note, cover art, or lineup.
Therefore, the volume is not limited to a cold encyclopedic chronicle, but develops as a true reasoned journey through the golden age of the genre and its subsequent evolutions.The authors contextualize the birth of the movement between the late '60s and early '70s, analyzing how Rock merged with classical music, Jazz, avant-garde, and Folk. It does not exclude the sociological aspect, in which Prog is examined as a mirror of an era of great cultural ferment and utopias. Ample space is dedicated to the historical pillars of the genre, such as King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, ELP, Jethro Tull, and Gentle Giant, which are examined both from an exquisitely musical perspective (technique, instrumental innovations, the use of synthesizers and the Mellotron) and from a lyrical and conceptual point of view (concept albums, as well as mythological, fantasy, or socially critical themes). Particularly interesting is the focus on Italy, a fertile and original cradle of artists. The journey retraces the deeds of legendary bands like PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, Le Orme, Area, and Il Balletto di Bronzo, highlighting the uniqueness of the Italian sound, deeply infused with Mediterranean melody, classical tradition, and theatrical flair. Numerous guests contribute to the work with their expertise, including several interviewees: Loris Furlan (Lizard Records), Stefano Olivieri, Tino Tozzi, Alessandro Corvaglia, Moreno Lenzi, Massimo Volpi, Lino Vairetti (Osanna), Luca Sparagna (Orme), Aligi Pasqualetto (Orme), Michele Bon (Orme), and Michi Dei Rossi (Orme).One of the strengths of the text is its practical utility for the reader.  One of the strengths of the text is its practical utility for the reader. The volume is enriched with insights, targeted reviews, and listening guides that help both the neophyte orient themselves among essential masterpieces, and the long-time enthusiast rediscover hidden pearls or minor gems of the underground scene. In the vast landscape of publications on Prog, "Una Sana Malattia" carves out an important space because it manages to create a synthesis, combining the precision of musical non-fiction with the pleasantness of the narrative. It is a book recommended both to those who want to understand why, more than fifty years later, those complex twenty-minute suites continue to exert a magnetic fascination, and to those looking for an authoritative compass to navigate the grooves of a genre that has never stopped daring. Thanks also for the citations in the bibliography.  For a lean and enjoyable read, perhaps even while on holiday. MS