Crown Lands

CROWN LANDS – Apocalypse
Inside Out / Sony Music
Genere: Hard Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Il buon vecchio Hard Prog dal profumo anni ’70 ancora riesce a farmi correre brividi sulla pelle, e se a farlo è una band attuale allora subentra anche una buone dose di sorpresa.
Il terzo album in studio del duo canadese Crown Lands, intitolato “Apocalypse”,  a mio avviso, segna il punto di massima maturità e ambizione della band.
Si formano in Ontario (Canada) nel 2015, dall'incontro tra due soli musicisti capaci di generare il muro di suono di una band intera, Cody Bowles (voce, batteria) e Kevin Comeau (chitarre, basso e tastiere/synth).
La loro musica attinge da band come Led Zeppelin e Rush, tanto che Bowles ha dalle sbalorditive estensioni in falsetto che ricordano Geddy Lee dei Rush e Robert Plant. Fin dagli esordi, il duo ha fuso l'Hard Rock e Blues Rock con il Progressive Rock titanico dei Rush, ma non sono semplici cloni. Bowles, che è di origine indigena Mi'kmaq, ha da sempre inserito nei testi tematiche profonde legate alla colonizzazione, al genocidio culturale canadese e alla comunione con la natura. Dopo lo straordinario successo di “Fearless” (2023) e la doppietta “Ritual I & II” (2025), oggi la band approda a questo concept fantascientifico totale dal titolo “Apocalypse”.
La trama racconta l'ascesa di Blackstar e del Syndicate, un regime militarista radicale nato dalla disperazione e dal collasso politico sotto il sole morente del pianeta Xurgon Prime. Quella che inizia come una spinta rivoluzionaria si trasforma presto in una spietata conquista intergalattica, che porta alla distruzione del pianeta Karagon e dei suoi leggendari Dragon Riders (Cavalieri dei Draghi). Più che glorificare la guerra, i testi analizzano i suoi cicli distruttivi. Alla fine, Blackstar torna a casa per trovare il proprio pianeta natale devastato dalla guerra civile, dimostrando come l'odio finisca sempre per nutrirsi di se stesso. È un'evidente metafora distopica ispirata alle visioni di Orwell e alle derive dei regimi autoritari odierni.
L'album si apre con “Proclamation I”,  una breve introduzione sinfonica e orchestrale che conduce a “Foot Soldiers Of The Syndicate”, traccia energica che mette in cattedra le qualità balistiche del duo. Eccezionale la prova vocale, ma questo lo avete certamente già capito.
Con “Through The Looking Glass” il duo cita apertamente Lewis Carroll, descrivendo l'inquietante scenario che segue la devastazione della guerra. Il brano inizia con una delicata ascesa acustica per poi esplodere in un Hard Rock anni '70/'80 drammatico e d'impatto. Ottimo il ritornello di facile memorizzazione.
A questo punto giunge il Rock diretto di “Blackstar”, compatto ed estremamente ritmico, guidato da una linea di basso pulsante e distorta suonata da Comeau che ruba la scena. Ha un tiro moderno nell'arrangiamento ma con lo spirito stradaiolo e Heavy di gruppi come Scorpions o White Stripes.
“The Fall” rallenta il ritmo ma aumenta il peso specifico della musica. Un mid tempo dominato da riff di chitarra pesantissimi dove i Crown Lands inseriscono armonie vocali stratificate molto ricche. Tanti i deja vu durante l’ascolto, ma va bene così.  La performance della batteria è monumentale e dona una sensazione di ineluttabilità.
Non può mancare la ballata di turno che qui porta il titolo di “The Revenants I”. Evocativa e crepuscolare, racconta la solitudine dei sopravvissuti che cavalcano nel freddo cosmico.
E come spesso si suol dire “Dulcis in fundo” con la suite di quasi venti minuti intitolata “Apocalypse”. Si apre con un intro spaziale dominato dai sintetizzatori Moog e da un pattern di batteria asimmetrico. La suite attraversa continui cambi di tempo e atmosfere, si passa da sezioni acustiche arricchite dal flauto Ney suonato da Bowles, a cavalcate Heavy Prog che richiamano da vicinissimo l'era “2112” dei Rush, fino a sfumature vicine al Prog italiano anni '70 (PFM) e ai King Crimson del periodo “Lizard”. La traccia chiude la narrazione descrivendo la follia della distruzione finale del mondo e il ritorno amaro di Blackstar, spegnendosi in un finale strumentale grandioso e teatrale. Da sola vale il prezzo del disco!
Una menzione a parte per la bellissima copertina di Quinn Henderson il quale abbandona le atmosfere puramente naturalistiche o mistiche dei lavori precedenti della band per abbracciare un'estetica che richiama la fantascienza classica degli anni '70 e '80, con un forte sapore da graphic novel pulp o da copertina dei vecchi romanzi Urania.
I Crown Lands probabilmente non portano nulla di nuovo nel panorama musicale, ma sanno emozionare con classe e melodie giuste, a me è piaciuto molto. MS

Versione Inglese: 

CROWN LANDS – Apocalypse
Inside Out / Sony Music
Genre: Hard Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Good old '70s-flavored Hard Prog still manages to send shivers down my spine, and when it's delivered by a contemporary band, a healthy dose of surprise comes along with it.
The third studio album by the Canadian duo Crown Lands, titled “Apocalypse”, marks, in my opinion, the band's peak of maturity and ambition.
They formed in Ontario (Canada) in 2015, from the meeting of just two musicians capable of generating the wall of sound of a full band: Cody Bowles (vocals, drums) and Kevin Comeau (guitars, bass, and keyboards/synths).
Their music draws from bands like Led Zeppelin and Rush, so much so that Bowles possesses astonishing falsetto extensions reminiscent of Rush's Geddy Lee and Robert Plant. Right from their debut, the duo has fused Hard Rock and Blues Rock with the titanic Progressive Rock of Rush, but they are no mere clones. Bowles, who is of indigenous Mi'kmaq descent, has always infused the lyrics with deep themes related to colonization, the Canadian cultural genocide, and communion with nature. Following the extraordinary success of “Fearless” (2023) and the double release “Ritual I & II” (2025), today the band arrives at this total sci-fi concept album titled “Apocalypse”.
The plot chronicles the rise of Blackstar and the Syndicate, a radical militaristic regime born out of despair and political collapse beneath the dying sun of the planet Xurgon Prime. What begins as a revolutionary push soon transforms into a ruthless intergalactic conquest, leading to the destruction of the planet Karagon and its legendary Dragon Riders. Rather than glorifying war, the lyrics analyze its destructive cycles. Ultimately, Blackstar returns home only to find his own native planet devastated by civil war, proving how hatred always ends up feeding upon itself. It is an obvious dystopian metaphor inspired by Orwellian visions and the drift of modern-day authoritarian regimes.
The album opens with “Proclamation I”, a brief symphonic and orchestral introduction that leads into “Foot Soldiers Of The Syndicate”, an energetic track that puts the duo's bulletproof technical skills on full display. The vocal performance is exceptional, but you have certainly already figured that out.
With “Through The Looking Glass”, the duo openly quotes Lewis Carroll, describing the unsettling scenario that follows the devastation of war. The track begins with a delicate acoustic build-up before exploding into a dramatic, high-impact '70s/'80s Hard Rock style. The catchy, easy-to-remember chorus is excellent.
At this point comes the straightforward Rock of “Blackstar”, compact and extremely rhythmic, driven by a pulsating, distorted bassline played by Comeau that steals the show. It features a modern edge in its arrangement but carries the gritty, Heavy street-spirit of bands like Scorpions or White Stripes.
“The Fall” slows down the tempo but increases the specific gravity of the music. A mid-tempo track dominated by crushing guitar riffs where Crown Lands weave in highly rich, layered vocal harmonies. There are plenty of moments of déjà vu while listening, but that is perfectly fine. The drum performance is monumental, conveying a sense of inevitability.
The customary ballad cannot be missing, and here it bears the title of “The Revenants I”. Evocative and twilight-toned, it tells of the loneliness of the survivors riding through the cosmic cold.
And, as the saying goes, “Dulcis in fundo” with the nearly twenty-minute suite titled “Apocalypse”. It opens with a spacey intro dominated by Moog synthesizers and an asymmetric drum pattern. The suite moves through continuous shifts in time signatures and atmospheres, transitioning from acoustic sections enriched by the Ney flute played by Bowles, to Heavy Prog rides that closely recall Rush's “2112” era, all the way to nuances akin to '70s Italian Prog (PFM) and King Crimson during their “Lizard” period. The track closes the narrative by describing the madness of the world's final destruction and the bitter return of Blackstar, fading out into a grand, theatrical instrumental finale. This track alone is worth the price of the record!
A special mention goes to the beautiful cover art by Quinn Henderson, who abandons the purely naturalistic or mystical atmospheres of the band's previous works to embrace an aesthetic that recalls classic '70s and '80s science fiction, with a strong flavor of a pulp graphic novel or the cover art of vintage Urania novels.
Crown Lands probably do not bring anything brand new to the musical landscape, but they know how to move you with class and the right melodies. I liked it a lot. MS

Kosmos

KOSMOS – Käärmesormus
Autoproduzione
Genere: Progressive Folk
Supporto: Bandcamp – 2026

Ogni nuovo capitolo discografico dei Kosmos, ensemble originario di Turku (Finlandia), è un piccolo evento per gli amanti del Prog Folk più raffinato e nostalgico. Con il loro sesto album, “Käärmesormus” (L'anello del serpente), la band consolida una proposta musicale totalmente priva di compromessi con le mode moderne, immergendosi in atmosfere decisamente più scure e mistiche rispetto al passato.
Nascono nei primi anni 2000 radunando musicisti ispirati dal Folk, dal Rock Progressivo e dalla Psichedelia dei primi anni Settanta. Fin dal debutto con “Tarinoita Voimasta” (2005), la band ha chiarito i propri punti cardinali attraverso un uso esclusivo della lingua finlandese, la voce eterea e malinconica di Päivi Kylmänen e un tappeto sonoro dominato dal fascino vintage del Mellotron, accompagnato da flauti, violini e chitarre acustiche.
Nel corso degli anni, attraverso lavori come “Polku” (2007) e “Salattu Maailma” (2013), i Kosmos hanno progressivamente integrato elementi psichedelici ed elettrici. I testi, scritti principalmente da Olli Valtonen, ruotano costantemente attorno al concetto di "altra realtà", esplorando dimensioni cosmiche, mistiche, fiabesche e spirituali. Oggi la band è composta da Päivi Kylmänen (voce), Kimmo Lähteenmäki (batteria, organo, mellotron, piano, synth ed effetti), Olli Valtonen (effetti), e Ismo Virta  (chitarra, basso, mellotron, organo, synth, piano, xilofono). Nella realizzazione di questo nuovo album, si avvalgono della collaborazione di Juha Kulmala (voce), Sini Palokangas (violino, sassofono), e Kari Riihimäki (chitarra).
Rispetto agli album precedenti, “Käärmesormus” rappresenta l’anima più cupa della band. Strutturalmente si divide in due parti, una prima dominata da un Dark Folk acustico, pastorale e d'atmosfera, e una seconda che spinge l'acceleratore su riff elettrici oscuri, crescendo epici e aperture psichedeliche sorrette da chitarre Rock, violino, sassofono e l'immancabile Mellotron.
Il disco si apre con un brano d'ampio respiro, “Ikimetsän Sydänmaa” e il suo canto di uccelli. Arpeggi introducono l'ascoltatore in un paesaggio sonoro tipicamente scandinavo (a me fanno venire in mente i Landberk). Il titolo si traduce come “Il cuore della foresta primordiale”. L'ispirazione è fortemente animista, il testo evoca la foresta non solo come luogo fisico, ma come entità spirituale antica, un tempio naturale inviolato in cui perdersi per ritrovare se stessi.
La linea vocale di Päivi è particolarmente dolce ma venata di una profonda e rassegnata tristezza in “Kuka Muistaa Voi”, ossia “Chi può ricordare”. Questa è una riflessione intima sul passare del tempo, sulle memorie destinate a sbiadire e sulle storie dimenticate che rimangono sepolte sotto la neve e il peso degli anni. Parti improvvisate di sax infarciscono il brano.
E la Psichedelia comincia a fare capolino in “Vanha Karma” restando celata in un velo sempre malinconico e scuro, amplificato dall’uso del violino. Il brano affronta il tema del destino e delle colpe cicliche che l'essere umano trascina con sé. Si respira un forte senso di fatalismo nordeuropeo.
Mellotron sognante e ipnotico in “Deja Vu”, per poi giungere ad uno dei vertici melodici della prima parte: “Tuuli Käy Lävitsein”. Si tratta di una splendida e personalissima rielaborazione in chiave Psych Folk finlandese del celebre brano tradizionale “Scarborough Fair” reso celebre nel mondo da Simon & Garfunkel. Questa versione è particolarmente toccante.
Il brevissimo frammento strumentale e recitato, cupo e minimale, “Korppi”, fa da perfetto ponte verso la seconda metà dell'album, nettamente più pesante. “Il corvo” è la figura mitologica per eccellenza nel folklore nordico, e funge da araldo di sventura o custode di segreti esoterici, preparando l'ascoltatore all'oscurità imminente. E’ a questo punto che la title track apre la sezione più elettrica e psichedelica dell'album  attraverso suoni  Heavy Prog dove i riff di chitarra elettrica sono cupi e pesanti, sorretti da un organo e un Mellotron monumentali e da una sezione ritmica cadenzata. Il testo gioca con l'iconografia dell'Uroboro (il serpente che si morde la coda). Esso rappresenta l'eternità, l'eterno ritorno e la gabbia ciclica dell'esistenza da cui è difficile scappare, tinta di sfumature magiche e occulte.
“Kielletyn Hedelmän Tarha” è un tuffo nella pece, guidato da una bellissima interazione tra il sassofono e le chitarre. Il mood oscilla continuamente tra il Jazz Prog e il Rock Psichedelico più acido.
La chiusura è affidata a “Kellokoski”, che è una località finlandese storicamente nota per il suo ospedale psichiatrico. Il testo affronta il dramma dell'isolamento, della perdita della ragione e del confine labile tra la pazzia e la percezione di quell'"altra realtà" tanto cara alla poetica della band. Una chiusura drammatica e toccante per un album convincente e rivolto sicuramente ad un pubblico preparato a questo tipo di andamento che ci strappa violentemente dalla luce per scaraventarci nel buio. MS 

Versione Inglese:

KOSMOS – Käärmesormus
Self-released
Genre: Progressive Folk
Medium: Bandcamp – 2026

Every new musical chapter by Kosmos, an ensemble originally from Turku (Finland), is a small event for lovers of the most refined and nostalgic Prog Folk. With their sixth album, “Käärmesormus” (The Snake Ring), the band consolidates a musical style totally free of compromises with modern trends, immersing themselves in atmospheres that are decidedly darker and more mystical than in the past.
They formed in the early 2000s, bringing together musicians inspired by Folk, Progressive Rock, and Psychedelia from the early seventies. Right from their debut with “Tarinoita Voimasta” (2005), the band made their focal points clear through the exclusive use of the Finnish language, the ethereal and melancholic voice of Päivi Kylmänen, and a soundscape dominated by the vintage charm of the Mellotron, accompanied by flutes, violins, and acoustic guitars.
Over the years, through works such as “Polku” (2007) and “Salattu Maailma” (2013), Kosmos have progressively integrated psychedelic and electric elements. The lyrics, mainly written by Olli Valtonen, constantly revolve around the concept of "altra realtà" (another reality), exploring cosmic, mystical, fairytale, and spiritual dimensions. Today the band consists of Päivi Kylmänen (vocals), Kimmo Lähteenmäki (drums, organ, mellotron, piano, synth, and effects), Olli Valtonen (effects), and Ismo Virta (guitar, bass, mellotron, organ, synth, piano, xylophone). In the making of this new album, they enlist the collaboration of Juha Kulmala (vocals), Sini Palokangas (violin, saxophone), and Kari Riihimäki (guitar).
Compared to previous albums, “Käärmesormus” represents the band's darkest soul. Structurally it is divided into two parts: a first half dominated by an acoustic, pastoral, and atmospheric Dark Folk, and a second half that steps on the gas with dark electric riffs, epic crescendos, and psychedelic openings supported by Rock guitars, violin, saxophone, and the ever-present Mellotron.
The record opens with a wide-ranging track, “Ikimetsän Sydänmaa”, and its birdsong. Arpeggios introduce the listener to a typically Scandinavian soundscape (they remind me of Landberk). The title translates as “The Heart of the Primeval Forest”. The inspiration is strongly animistic; the lyrics evoke the forest not just as a physical place, but as an ancient spiritual entity, an unviolated natural temple in which to lose oneself to find oneself again.
Päivi’s vocal line is particularly sweet yet veined with a deep and resigned sadness in “Kuka Muistaa Voi”, which means “Who Can Remember”. This is an intimate reflection on the passing of time, on memories destined to fade, and on forgotten stories that remain buried under the snow and the weight of the years. Improvised sax parts pepper the song.
And Psychedelia begins to peek through in “Vanha Karma”, remaining concealed in a shroud that is always melancholic and dark, amplified by the use of the violin. The track addresses the theme of destiny and the cyclical faults that human beings drag along with them. There is a strong sense of Northern European fatalism.
A dreamy and hypnotic Mellotron appears in “Deja Vu”, before reaching one of the melodic peaks of the first part: “Tuuli Käy Lävitsein”. This is a splendid and highly personal reinterpretation, in a Finnish Psych Folk key, of the famous traditional song “Scarborough Fair”, made world-famous by Simon & Garfunkel. This version is particularly touching.
The very brief instrumental and spoken fragment, dark and minimal, “Korppi”, serves as a perfect bridge to the second half of the album, which is distinctly heavier. “The Raven” is the mythological figure par excellence in Nordic folklore, and it acts as a harbinger of doom or keeper of esoteric secrets, preparing the listener for the impending darkness. It is at this point that the title track opens the more electric and psychedelic section of the album through Heavy Prog sounds, where the electric guitar riffs are dark and heavy, supported by a monumental organ and Mellotron and a rhythmic, cadenced rhythm section. The text plays with the iconography of the Ouroboros (the snake biting its own tail). It represents eternity, the eternal return, and the cyclical cage of existence from which it is difficult to escape, tinged with magical and occult overtones.
“Kielletyn Hedelmän Tarha” is a plunge into pitch black, guided by a beautiful interaction between the saxophone and the guitars. The mood constantly oscillates between Jazz Prog and the more acid Psychedelic Rock.
The closure is entrusted to “Kellokoski”, which is a Finnish locality historically known for its psychiatric hospital. The text addresses the drama of isolation, the loss of reason, and the blurred boundary between madness and the perception of that "altra realtà" so dear to the band's poetics. A dramatic and touching closure for a convincing album, definitely aimed at an audience prepared for this type of pacing, which violently tears us away from the light to hurl us into the dark. MS

For listening: https://kosmos-finland.bandcamp.com/album/k-rmesormus

öOoOoOoOoOo

öOoOoOoOoOo – Samen
Aphatia Records
Genere: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Supporto: CD / 2016

Negli anni della musica Rock, esistono sorprese che non ti aspetti, e spesso queste giungono da band che si palesano e spariscono in un istante, come nel caso dei francesi öOoOoOoOoOo. Fanno musica difficile da etichettare, miscelando generi assolutamente incongruenti e questo spesso potrebbe condurre ad un pastrocchio inascoltabile se non ridicolo. Serve una buona dose di sregolatezza, follia, questo è vero, ma soprattutto tecnica strumentale, cultura musicale e un sapiente songwriting che riesca a bilanciare il tutto, e loro lo sanno .
Nel 2016 con “Samen” non spingono sull’acceleratore della condivisione e neppure della pubblicità, lasciando il prodotto in un oblio quasi da purgatorio, atto solamente a chi ama ricercare nel web o in alcune riviste che si spingono oltre la banalità. E’ per questo che sento di dover dare (anche per un solo istante), nuova luce a questo album che molto allora ha saputo sorprendermi.
Ma chi sono gli öOoOoOoOoOo, e da dove deriva il nome?
öOoOoOoOoOo è pronunciato e conosciuto anche semplicemente come "Chenille", ovvero bruco in francese, data la forma grafica del nome.
La band sorge dalle ceneri creative e dalla mente di due figure chiave della scena sperimentale francese, ad iniziare da Asphodel (Aurélie Raidron), una delle cantanti più versatili, teatrali e geniali del panorama underground. E’ nota per il suo lavoro nei Pin-Up Went Down, un altro duo Avant-garde cult. La sua estensione e abilità vocale reggono tranquillamente il confronto con mostri sacri come Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand invece è un polistrumentista eccezionale che in questo progetto si è occupato di chitarre, basso, tastiere, programmazioni e della composizione della quasi totalità delle basi musicali. A loro si è unito come turnista alla batteria Aymeric Thomas, mente della folle band Electro-grind/Avant-garde francese Pryapisme.
“Samen” non è un semplice album, ma come recita la copertina "Exhibition 2016/10", è una vera e propria mostra d'arte contemporanea. I testi scritti interamente da Asphodel, sono surreali, flussi di coscienza nevrotici, filastrocche inquietanti o riflessioni grottesche sulla psiche umana, spesso interpretati con voci diverse che simulano una personalità dissociata.
L’iniziale “Rules Of The Show” parte come un pezzo Rock Alternative quasi accessibile, per poi esplodere in sezioni ritmiche sincopate e possenti. Il testo introduce l'ascoltatore alla mostra, parlando delle regole del gioco sociale e dello spettacolo, dove l'apparenza e il calore ("Heat up here") nascondono l'alienazione.
Con “Fucking Freaking Futile Freddy” la band spinge sull'acceleratore dell'assurdo e vi troverete spesso a muovere la testa al ritmo Mathcore dove si fondono voci quasi growl a quella da cartone animato impazzito. Il brano segue la bizzarra e frustrante epopea di questo "Freddy", personaggio sterile e futile.
Il titolo “Meow Meow Frrru” non inganna, evoca movenze e versi felini, ma in chiave incubo psichedelico. Musicalmente flirta con la musica elettronica sperimentale e il Pop d'avanguardia. È un brano sensuale, bizzarro e disturbante, in cui la dualità del gatto, affettuoso ma predatore, riflette dinamiche umane di sottomissione e controllo.
Uno dei vertici dell’album porta il titolo di “No Guts = No Masters”, impreziosito dal violoncello di Raphaël Verguin. Il pezzo vanta un groove orchestrale e dondolante, quasi un "valzer metallico" che ricorda i Diablo Swing Orchestra, interrotto da sfuriate Black/Death Metal. Il testo è un inno cinico all'autodeterminazione.
Ancora sorretto dal violoncello, il successivo “Bark City (A Glimpse Of Something)” si muove su territori più cupi e atmosferici. C'è un costante senso di minaccia strisciante. Il testo dipinge una città distopica, la città dei latrati, metafora di un isolamento urbano in cui le persone ringhiano e comunicano come bestie anziché come esseri umani. Non esulano istanti sinestetici come in “Purple Tastes Like White” dove il titolo stesso significa "Il viola ha il sapore del bianco". Esplora la percezione distorta della realtà attraverso una struttura musicale frammentaria. Asphodel usa linee vocali jazzate e sognanti che improvvisamente collassano in grida laceranti, mimando il cortocircuito sensoriale di cui parla il testo. Fra i momenti più alti del disco formato da dodici brani, cito “I Hope You Sleep Well”, qui fa la sua comparsa il sassofono di Adrien Cailleteau. È una traccia dalle tinte noir e malinconiche, che culla l'ascoltatore in una finta ninna nanna. Sotto la superficie soffice e jazzata si nasconde un testo subdolo e passivo-aggressivo, un augurio di "buon sonno" che suona quasi come una minaccia o un addio definitivo.
Altresì stupefacente la conclusiva “Hemn Be Rho Ðie Samen”, una suite d'avanguardia spiazzante, un rituale sonoro che unisce atmosfere eteree alla Sigur Rós con sfuriate di un'intensità emotiva devastante. Il titolo e alcune sezioni usano un linguaggio inventato ed esoterico. È la perfetta chiusura del cerchio, la catarsi finale dopo il viaggio disturbante e schizofrenico all'interno della mostra d'arte dei Chenille.
Gli öOoOoOoOoOo hanno costruito un meraviglioso mostro di Frankenstein musicale dove i pezzi non dovrebbero stare insieme, eppure funzionano alla perfezione. Un album d'avanguardia monumentale che, a distanza di anni, continua a ridefinire il concetto stesso di “estremo”. MS

 

Versione Inglese:

öOoOoOoOoOo – Samen
Apathia Records
Genre: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Media: CD / 2016

In the years of Rock music, there are surprises you just don't expect, and these often come from bands that appear and vanish in an instant, as is the case with the French outfit öOoOoOoOoOo. They make music that is hard to label, blending absolutely incongruous genres, and this could often lead to an unlistenable, if not ridiculous, mess. It requires a good dose of wildness and madness, that is true, but above all, instrumental technique, musical culture, and a clever songwriting capable of balancing everything, and they know it.
In 2016, with “Samen”, they did not push on the accelerator of sharing or advertising, leaving the product in a nearly purgatorial oblivion, suitable only for those who love to research the web or certain magazines that venture beyond banality. This is why I feel the need to give (even if just for a moment) new light to this album which, back then, managed to surprise me so much.
But who are öOoOoOoOoOo, and where does the name come from?
öOoOoOoOoOo is pronounced and also known simply as "Chenille", meaning caterpillar in French, due to the graphic shape of the name.
The band arose from the creative ashes and minds of two key figures in the French experimental scene, starting with Asphodel (Aurélie Raidron), one of the most versatile, theatrical, and brilliant singers on the underground scene. She is known for her work in Pin-Up Went Down, another cult Avant-garde duo. Her range and vocal ability easily hold their own against sacred monsters like Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand, on the other hand, is an exceptional multi-instrumentalist who, in this project, handled guitars, bass, keyboards, programming, and the composition of almost all the musical backing tracks. Joining them as a session drummer was Aymeric Thomas, the mastermind behind the crazy French Electro-grind/Avant-garde band Pryapisme.
“Samen” is not just a simple album, but as the cover states, "Exhibition 2016/10", it is a true contemporary art exhibition. The lyrics, written entirely by Asphodel, are surreal, neurotic streams of consciousness, unsettling nursery rhymes, or grotesque reflections on the human psyche, often performed with different voices that simulate a dissociated personality.
The opening track, “Rules Of The Show”, starts like a nearly accessible Alternative Rock piece, only to explode into syncopated and powerful rhythmic sections. The lyrics introduce the listener to the exhibition, speaking of the rules of the social game and the show, where appearance and heat ("Heat up here") hide alienation.
With “Fucking Freaking Futile Freddy”, the band pushes on the accelerator of the absurd, and you will often find yourself nodding your head to the Mathcore rhythm, where near-growled vocals merge with those of a cartoon character gone mad. The song follows the bizarre and frustrating epic of this "Freddy", a sterile and futile character.
The title “Meow Meow Frrru” does not deceive; it evokes feline movements and sounds, but in a psychedelic nightmare key. Musically, it flirts with experimental electronic music and avant-garde Pop. It is a sensual, bizarre, and disturbing track, in which the duality of the cat, affectionate yet predatory, reflects human dynamics of submission and control.
One of the album's peaks bears the title of “No Guts = No Masters”, embellished by the cello of Raphaël Verguin. The piece boasts an orchestrally swaying groove, almost a "metallic waltz" reminiscent of Diablo Swing Orchestra, interrupted by Black/Death Metal outbursts. The lyrics are a cynical hymn to self-determination.
Still supported by the cello, the subsequent “Bark City (A Glimpse Of Something)” moves into darker, more atmospheric territories. There is a constant sense of creeping menace. The lyrics paint a dystopian city, the city of barking, a metaphor for urban isolation where people growl and communicate like beasts rather than human beings. Synesthetic moments are not excluded, as in “Purple Tastes Like White”, where the title itself means "Il viola ha il sapore del bianco". It explores the distorted perception of reality through a fragmented musical structure. Asphodel uses jazzy, dreamy vocal lines that suddenly collapse into wrenching screams, mimicking the sensory short-circuit the lyrics speak of. Among the highest moments of this twelve-track record, I mention “I Hope You Sleep Well”, where Adrien Cailleteau's saxophone makes its appearance. It is a track with noir and melancholy hues, which cradles the listener in a fake lullaby. Beneath the soft, jazzy surface lies a subtle, passive-aggressive lyric, a wish for a "good sleep" that sounds almost like a threat or a final farewell.
Equally astonishing is the closing track, “Hemn Be Rho Ðie Samen”, a baffling avant-garde suite, a sonic ritual that combines ethereal atmospheres in the style of Sigur Rós with outbursts of devastating emotional intensity. The title and certain sections use an invented, esoteric language. It is the perfect closing of the circle, the final catharsis after the disturbing and schizophrenic journey inside Chenille's art exhibition.
öOoOoOoOoOo have built a wonderful musical Frankenstein's monster where the pieces shouldn't fit together, yet they work to perfection. A monumental avant-garde album that, years later, continues to redefine the very concept of “extreme”. MS

Wish

WISH - The Endless Winter
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Altra band molto interessante del panorama Progressivo italiano porta il nome di Wish.
Nascono a Roma nel lontano settembre 1992, muovendo i primi passi in modo parziale ma focalizzandosi fin da subito sulla forma del "concept album" con liriche in lingua inglese. La svolta identitaria e la stabilità arrivano nel 1997, quando si consolida la line-up storica guidata da Piergiorgio Franceschelli (voce), Salvatore Patti (tastiere), Graziano Brufani (basso), Giorgio Simonetti (chitarre) e Massimo Mercurio (batteria).
Dopo aver costruito il proprio quartier generale e studio di registrazione, il BbBox, la band ha debuttato sulla lunga distanza solo nel 2019 con “Stay Here My Friends”, un album incentrato sul valore universale diell'amicizia che ricevette ottimi riscontri a livello internazionale.
La genesi di “The Endless Winter” è iniziata quasi subito, nel 2019, concepita inizialmente come una riflessione storica sulla memoria attraverso viaggi fisici della band nelle trincee e sui luoghi dello sbarco in Normandia. Tuttavia, i drammatici sviluppi geopolitici degli ultimi anni hanno trasformato questo sguardo al passato in una dolorosa e violentissima metafora della contemporaneità.
L'album si sviluppa su 8 tracce, muovendosi tra dinamiche Art Rock e inizia con l’immancabile intro qui intitolato “Pointe Du Hoc”. Tappeti di tastiere cinematografiche ed effetti sonori evocano il rumore del mare, del vento e un senso di desolazione imminente, mentre la chitarra di Simonetti tratteggia note sospese. Il titolo fa riferimento al celebre punto di sbarco in Normandia e posiziona geograficamente, oltre che concettualmente, l'ascoltatore sulla scogliera, simbolo del sacrificio e dell'inizio dell'inferno. E si parte con la mini suite di undici minuti “Comandante Nino” divisa in quattro sezioni distinte (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). Parte con un riff di chitarra malinconico supportato da tastiere sinfoniche di stampo Crossover Prog, per poi evolversi in strappi ritmici più serrati guidati dal basso di Brufani. La voce di Franceschelli recita e canta con distacco emotivo, interpretando la stanchezza di un veterano. I cambi di tempo drammatici sorreggono le quattro sezioni, sfociando nel finale in un assolo di chitarra straziante. La figura del "Comandante Nino", è quella di un partigiano combattente. Il testo affronta la disillusione di chi ha vissuto la trincea e la perdita, la consapevolezza che in guerra l'anima diventa un lusso insostenibile e si è solo "un corpo che corre per sopravvivere". Il finale “We Are All Died” suggella l'idea che, a prescindere da chi vinca, la guerra uccide interiormente tutti i partecipanti.
In “Collapsing” fanno capolino similitudini con l’approccio musicale di Steven Wilson, il tutto sempre filtrato dalla personalità della band. Liricamente è un focus sul crollo psicologico dei soldati sotto i bombardamenti e, su scala più ampia, sul collasso dei valori primari della civiltà moderna, che sembra aver tradito gli ideali per cui le vecchie generazioni hanno sanguinato. Un altro brano estremamente teatrale è “The Four Rooms”; inizia in modo claustrofobico, con pianoforte e voce in evidenza per poi arricchirsi di trame acustiche e sfociare in un Rock Progressivo sinfonico e marziale. La transizione verso l'atto finale rallenta i battiti, spegnendosi in un'atmosfera acustica e rarefatta. Uno dei brani che ho maggiormente apprezzato porta il titolo “I Watch You From Afar”, una ballad Progressiva di rara bellezza lirica, dominata dalle chitarre e da arrangiamenti tastieristici caldi, ma intrisi di profonda malinconia. Cresce gradualmente in intensità emotiva con un crescendo epico che ricorda le migliori pagine del prog romantico britannico e a tratti delle nostrane Orme. In questo contesto sonoro, i testi sono dedicati alle famiglie rimaste a casa e a chi ha perso i propri cari. È il punto di vista di chi non c'è più (o di chi è costretto a rimanere lontano al fronte) che osserva da lontano le vite spezzate di chi è rimasto ad aspettare invano. Un brano di una forte carica straziante e umana.
“This Land” è un breve frammento acustico e intimista. La chitarra acustica di Simonetti accompagna la voce nuda di Franceschelli, creando un ponte Folk Prog pastorale, una riflessione sulla terra intesa come identità violata. Altro interludio strumentale teso è “On The Trail”, mentre “This Life” riassume la cifra stilistica del disco. Unisce la melodia struggente e l'eclettismo dei Wish, lasciando che la sezione ritmica di Brufani e Mercurio distenda il tempo per un ultimo, liberatorio assolo di Simonetti. Il testo lascia uno spiraglio alle nuove generazioni. È la rabbia che si trasforma in speranza e nella voglia di lottare di nuovo per la libertà e per quegli ideali calpestati, offrendo una catarsi finale dopo oltre cinquanta minuti di sofferenza e crudo realismo.
“The Endless Winter” è un disco raffinato, ragionato, vissuto in ogni suo lato caratteriale, dove le emozioni non sono di certo rarefatte ma compatte in un discorso sonoro e lirico unico per efficienza. Da ascoltare con calma e attenzione. MS

Versione Inglese: 

WISH - The Endless Winter
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Another very interesting band on the Italian Progressive scene goes by the name of Whis.
They were born in Rome back in September 1992, taking their first partial steps but focusing right from the start on the "concept album" format with English lyrics. The identity breakthrough and stability arrived in 1997, when the historic line-up solidified, led by Piergiorgio Franceschelli (vocals), Salvatore Patti (keyboards), Graziano Brufani (bass), Giorgio Simonetti (guitars), and Massimo Mercurio (drums).
After building their own headquarters and recording studio, the BbBox, the band made their full-length debut only in 2019 with “Stay Here My Friends”, an album centered on the universal value of friendship that received excellent international feedback.
The genesis of “The Endless Winter” began almost immediately, in 2019, initially conceived as a historical reflection on memory through the band's physical journeys to the trenches and the Normandy landing sites. However, the dramatic geopolitical developments of recent years have transformed this look at the past into a painful and violent metaphor for contemporary times.
The album unfolds across 8 tracks, moving within Art Rock dynamics and opening with the inevitable intro, here titled “Pointe Du Hoc”. Layers of cinematic keyboards and sound effects evoke the sound of the sea, the wind, and a sense of impending desolation, while Simonetti's guitar sketches suspended notes. The title refers to the famous Normandy landing point and positions the listener geographically, as well as conceptually, on the cliff—a symbol of sacrifice and the beginning of hell. And we kick off with the eleven-minute mini-suite “Comandante Nino”, divided into four distinct sections (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). It starts with a melancholy guitar riff supported by Crossover Prog-style symphonic keyboards, before evolving into tighter rhythmic breaks driven by Brufani bass. Franceschelli's vocals declaim and sing with emotional detachment, portraying the weariness of a veteran. The dramatic tempo changes support the four sections, culminating in a heartbreaking guitar solo at the end. The figure of "Comandante Nino" is that of a partisan fighter. The lyrics address the disillusionment of those who have experienced the trenches and loss, the awareness that in war the soul becomes an unsustainable luxury and one is just "a body running to survive". The finale “We Are All Died” seals the idea that, regardless of who wins, war kills all participants from within.
In “Collapsing”, similarities with Steven Wilson's musical approach pop up, everything always filtered through the band's own personality. Lyrically, it is a focus on the psychological collapse of soldiers under bombardment and, on a larger scale, on the collapse of the primary values of modern civilization, which seems to have betrayed the ideals for which older generations bled. Another extremely theatrical track is “The Four Rooms”; it begins in a claustrophobic way, with piano and vocals in the foreground, before enriching itself with acoustic textures and flowing into a martial and symphonic Progressive Rock. The transition towards the final act slows down the heartbeat, fading into a rarefied and acoustic atmosphere. One of the tracks I appreciated the most is titled “I Watch You From Afar”, a Progressive ballad of rare lyrical beauty, dominated by guitars and warm keyboard arrangements, yet steeped in deep melancholy. It gradually builds in emotional intensity with an epic crescendo reminiscent of the best pages of British romantic prog and, at times, of our own Le Orme. In this sonic context, the lyrics are dedicated to the families left at home and to those who lost their loved ones. It is the point of view of those who are no longer here (or those forced to stay far away at the front) watching from afar the broken lives of those left behind waiting in vain. A track of strong heartbreaking and human charge.
“This Land” is a brief, intimate acoustic fragment. Simonetti's acoustic guitar accompanies Franceschelli's bare vocals, creating a pastoral Folk Prog bridge, a reflection on the land understood as a violated identity. Another tense instrumental interlude is “On The Trail”, while “This Life” summarizes the signature style of the record. It combines the poignant melody and eclecticism of Wish, letting Brufani and Mercurio's rhythm section stretch out the time for one last, liberating solo by Simonetti. The lyrics leave a glimmer of hope for the younger generations. It is anger transforming into hope and the desire to fight again for freedom and for those trampled ideals, offering a final catharsis after over fifty minutes of suffering and raw realism.

“The Endless Winter” is a refined, well-thought-out record, lived in every aspect of its character, where emotions are certainly not rarefied but compact within a sonic and lyrical discourse that is uniquely efficient. To be listened to calmly and carefully. MS

Dischi rari del Rock Progressivo Italiano

DISCHI RARI DEL ROCK PROGRESSIVO ITALIANO

Di Massimo Salari

Il Rock Progressivo Italiano (RPI) degli anni '70 è uno dei mercati più folli, desiderati e costosi al mondo per i collezionisti di vinile. All'epoca, molti di questi album stampati da etichette minuscole (come la Picci, la Kansas o la Bla Bla) vendettero pochissime copie, spesso poche centinaia. Oggi, la combinazione tra copertine elaborate (apribili, sagomate, a tre ante) e la scarsità di copie originali in condizioni Mint (M) o Near Mint (NM) ha spinto i prezzi alle stelle.

Ho fatto una ricerca accurata su internet, passando per Discogs e l’IA ed ecco una piccola panoramica delle quotazioni reali e storiche per le "prime stampe originali" dei titoli più rari e costosi in assoluto.

 

Il Club dei 4.000€ e oltre (I "Sacri Graal")

 

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.500€
• Perché costa così tanto: Dietro lo pseudonimo Cherry Five si nascondevano i primissimi Goblin (prima del successo di Profondo Rosso). Cantato in inglese, l'album è un capolavoro prog-sinfonico influenzato dai Genesis. Pochissime copie stampate all'epoca e una richiesta internazionale (soprattutto dal Giappone) spaventosa.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.000€
• Perché costa così tanto: Uscito per la piccolissima etichetta romana Picci. Un mix incredibile di hard-prog e sfumature jazz, con una splendida copertina apribile. Trovare una copia originale intatta, senza scritte o usura sulla delicata copertina, è un'impresa quasi impossibile.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Quotazione stimata: 3.000€ – 3.800€ (Se completo di poster originale)
• Perché costa così tanto: Tecnicamente italo-tedeschi, ma il disco è italianissimo per produzione. Famoso per la provocatoria copertina con i membri della band nudi. Se la copia include il rarissimo poster interno, la cifra schizza immediatamente verso la fascia più alta del mercato.

 

La Fascia d'Oro (Tra i 1.500€ e i 3.000€)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Quotazione stimata: 2.500€ – 3.000€
• Perché costa così tanto: Il prog più oscuro, esoterico e gotico mai registrato in Italia, dominato dall'organo da chiesa e dalla voce di Fiamma Dallo Spirito. Stampato privatamente in pochissime copie (si dice solo qualche centinaio), l'originale ha un valore immenso.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Quotazione stimata: 2.000€ – 2.500€
• Perché costa così tanto: Musicalmente sublime, ma a far schizzare il prezzo è la leggendaria copertina apribile a tre ante (triple gatefold) disegnata da Adriano Marangoni (quella con la colomba e le bombe). Trovare la struttura di cartone perfettamente conservata e senza strappi è rarissimo.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Quotazione stimata: 1.800€ – 2.300€
• Perché costa così tanto: Solo una manciata di copie stampate dall'etichetta Kansas per questo gioiello di prog sinfonico malinconico e raffinato. Nel mercato collezionistico internazionale è uno dei pezzi più cercati in assoluto.

 

I Grandi Classici Rari (Tra i 1.000€ e i 1.500€)

 

Ecco dischi di band più note ma le cui prime stampe originali con copertine specifiche mantengono cifre a quattro zeri:

 

Artista / Titolo	Etichetta / Anno	Quotazione (Mint/NM)	Elemento di Rarità
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	1.200€ – 1.400€	Il loro primo album, stampato in pochissime copie rispetto al successivo Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	1.300€ – 1.500€	Rarissimo heavy-prog piemontese, pochissimi passaggi sul mercato.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	1.000€ – 1.300€	Prima stampa con copertina apribile testurizzata e l'iconico collage.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	800€ – 1.100€	Solo se ha la celebre copertina a forma di salvadanaio sagomato con la linguetta intatta.

 

Regola d'oro del collezionismo Prog: Nel mercato del RPI, la differenza tra una copia VG (Very Good) e una Mint (Perfetta) può variare anche del 70% del valore. Le quotazioni sopra indicate si riferiscono esclusivamente a copie originali dell'epoca, complete di tutti gli inserti e in condizioni eccellenti. Le centinaia di ristampe successive (Akarma, BTF, Vinyl Magic) valgono mediamente tra i 20€ e i 40€.

Versione Inglese:

RARE ITALIAN PROGRESSIVE ROCK RECORDS

By Massimo Salari

1970s Italian Progressive Rock (RPI) is one of the craziest, most sought-after, and most expensive markets in the world for vinyl collectors. At the time, many of these albums were released by tiny labels (such as Picci, Kansas, or Bla Bla) and sold very few copies, often just a few hundred. Today, the combination of elaborate artwork (gatefold, shaped, or triple-gatefold covers) and the extreme scarcity of original copies in Mint (M) or Near Mint (NM) condition has driven prices through the roof.

I have conducted thorough research online, cross-referencing Discogs and AI data, and here is an overview of the actual and historical market values for the "first original pressings" of the rarest and most expensive titles of all time.

The €4,000+ Club (The "Holy Grails")

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Estimated Value: €3,500 – €4,500
• Why it costs so much: Hidden behind the pseudonym Cherry Five were the very early members of Goblin (before their breakthrough success with Profondo Rosso). Sung in English, this album is a symphonic-prog masterpiece heavily influenced by Genesis. With very few copies pressed back then, international demand (especially from Japan) is staggering.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Estimated Value: €3,500 – €4,000
• Why it costs so much: Released by the tiny Roman label Picci, this is an incredible blend of hard-prog and jazz undertones, housed in a stunning gatefold cover. Finding an intact original copy without writing or ring-wear on its delicate sleeve is an almost impossible feat.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Estimated Value: €3,000 – €3,800 (If complete with the original poster)
• Why it costs so much: Technically an Italian-German line-up, but the record is entirely Italian in terms of production. It is famous for its provocative cover art featuring the band members naked. If a copy includes the ultra-rare inner poster, the price immediately skyrockets toward the highest tier of the market.
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The Golden Range (Between €1,500 and €3,000)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Estimated Value: €2,500 – €3,000
• Why it costs so much: The darkest, most esoteric, and gothic progressive rock ever recorded in Italy, dominated by church organ and the haunting vocals of Fiamma Dallo Spirito. Privately pressed in a micro-run (rumored to be just a few hundred copies), an original is of immense value today.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Estimated Value: €2,000 – €2,500
• Why it costs so much: Musically sublime, but what truly drives the price up is the legendary triple-gatefold cover designed by Adriano Marangoni (the one featuring the dove and the bombs). Finding the cardboard structure perfectly preserved without splits or tears is exceptionally rare.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Estimated Value: €1,800 – €2,300
• Why it costs so much: Only a handful of copies were pressed by the Kansas label for this melancholic and refined symphonic-prog gem. It remains one of the most relentlessly hunted pieces in the international collecting scene.

The Great Rare Classics (Between €1,000 and €1,500)

These are records by more widely recognized bands, yet their first original pressings with specific cover variations still command four-figure prices:

Artist / Title	Label / Year	Valuation (Mint/NM)	Element of Rarity
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	€1,200 – €1,400	Their debut album, pressed in far fewer numbers compared to their subsequent masterpiece Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	€1,300 – €1,500	Ultra-rare heavy-prog from Piedmont; it almost never surfaces on the market.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	€1,000 – €1,300	First pressing featuring the textured gatefold sleeve and the iconic collage artwork.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	€800 – €1,100	Only if it features the famous moneybox-shaped sleeve with the pop-up tab completely intact.

The Golden Rule of Prog Collecting: In the RPI market, the price gap between a VG (Very Good) copy and a Mint (Perfect) one can vary by up to 70% of the total value. The valuations listed above refer exclusively to period-correct original copies, complete with all original inserts and in top-tier condition. The hundreds of subsequent reissues (Akarma, BTF, Vinyl Magic) are generally worth between €20 and €40.