L'Ira Del Baccano

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genere: Heavy Prog / Doom
Supporto: LP / CD / Bandcamp - 2026

Molti ascoltatori disdegnano il suono Hard o Metal perché ritenuto limitato e troppo “rumoroso”; non sono mie parole, ma un dato di fatto constatato nel tempo leggendo riviste e navigando nel web. Questo giudizio è superficiale perché, se vogliamo parlare di gusti personali, allora concordo sul fatto che possa non piacere il suono elettrico e spesso distorto; ma se parliamo di tecnica, allora c’è un errore di fondo. L’Hard non è mai rimasto fermo a crogiolarsi sugli allori, bensì si è aperto a contaminazioni che lo hanno avvicinato (soprattutto per l’uso delle tastiere) al Progressive Rock. Il discorso è analogo per il Metal, il Death Metal, il Doom e così via.
Proprio quest’ultimo stile è il territorio in cui navigano L’Ira Del Baccano, band che oggi con “The Praise Of Folly” giunge al quinto album ufficiale in studio. La scelta di comporre musica senza un cantato li relega in un settore ancor più di nicchia, lasciando voce soltanto agli strumenti.
Rispetto all’ultimo album del 2023, intitolato “Cosmic Evoked Potentials”, c’è un avvicendamento al basso: Gabriele Montemara prende il posto di Ivan Contini Bacchisio. Per il resto le basi rimangono le stesse: i leader Alessandro Santori (chitarre, loop, synth) e Roberto Maldera (chitarre, effetti, chitarra slide, synth), con Gianluca Giannasso (batteria).
Penetrare nel Doom Prog della band significa fare un vero e proprio trip sonoro; so bene che questo termine è alquanto inflazionato, però è la verità dei fatti.
Il disco è impreziosito dalla bellissima copertina di Michele Carnielli ed è stato masterizzato da Claudio Gruer presso il Pisi Studio. Da notare che gli strumenti principali sono stati registrati live in una sola ripresa.
Ma veniamo alla musica: il lato A dell’LP contiene un solo brano suddiviso in due parti, “The Praise Of Folly”, per una durata totale di ventuno minuti. Ciò che prevale è l’oscurità che grava spesso sopra il nostro immaginario, rapito dall’ascolto. Suoni profondi che si alternano a parti maggiormente elettriche, deformate in differenti stili e forme, rilasciano buoni riff che richiamano alla mente, nei tratti più Hard, i fasti dei grandi Black Sabbath. Se vogliamo parlare di influenze, aggiungerei i Pink Floyd per i tratti maggiormente spaziali assieme agli Hawkwind, e poi Rush e King Buffalo. Ottimo il lavoro della sezione ritmica, spesso ipnotica ma altamente raffinata e tecnica.
Il lato B contiene due brani: “Stigma” e “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. Quest’ultimo è un lamento doloroso, dove il mondo sembra sparire da sotto i piedi per sprofondare nel buio infinito: una sensazione che raramente si prova, se non negli incubi notturni. Tuttavia, trattandosi di Hard Prog, non mancano schiarite e cambi di tempo.
L’Ira Del Baccano, agli esordi, fu scoperta dal maestro del Doom Paolo Catena (ex Death SS), con il quale produssero un mini-LP con il nome primordiale di Loosin’ o’ Frequencies. Il bravo chitarrista ci vide lungo già allora, così come fece con l’altra band Prog, gli A Piedi Nudi, che vi consiglio di andare a scoprire.
Detto questo, “The Praise Of Folly” è l'ennesimo tassello importante non soltanto per la loro discografia, ma per tutto il panorama italico, il quale in questo 2026 sta già dando moltissime soddisfazioni. Un gran disco che sa rapirti la mente! MS

Versione Inglese:

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genre: Heavy Prog / Doom
Format: LP / CD / Bandcamp - 2026

Many listeners disdain Hard or Metal sounds because they consider them limited and too "noisy"; these are not my words, but a fact observed over time by reading magazines and browsing the web. This judgment is superficial because, while I agree that one might not personally like electric and often distorted sounds, there is a fundamental error when it comes to technique. Hard Rock has never sat idly by, resting on its laurels; instead, it has opened up to influences that have brought it closer to Progressive Rock (especially through the use of keyboards). The same applies to Metal, Death Metal, Doom, and so on.
This latter style is precisely the territory navigated by L’Ira Del Baccano, a band that now reaches its fifth official studio album with “The Praise Of Folly”. The choice to compose music without vocals relegates them to an even narrower niche, letting only the instruments speak.
Compared to their 2023 album, “Cosmic Evoked Potentials”, there is a change on bass: Gabriele Montemara takes over from Ivan Contini Bacchisio. Otherwise, the foundation remains the same: leaders Alessandro Santori (guitars, loops, synth) and Roberto Maldera (guitars, effects, slide guitar, synth), with Gianluca Giannasso (drums).
Delving into the band’s Doom Prog means taking a literal "sonic trip"; I am well aware that this term is somewhat overused, but it is the simple truth. The record is enhanced by Michele Carnielli's beautiful cover art and was mastered by Claudio Gruer at Pisi Studio. It is worth noting that the main instruments were recorded live in a single take.
But let’s get to the music: Side A of the LP contains a single track divided into two parts, “The Praise Of Folly”, with a total duration of twenty-one minutes. What prevails is a darkness that often looms over our imagination, captivated by the listening experience. Deep sounds alternating with more electric sections—deformed into different styles and shapes—release solid riffs that bring to mind the glory of the great Black Sabbath in the heavier passages. If we want to talk about influences, I would add Pink Floyd for the more "spacey" sections along with Hawkwind, followed by Rush and King Buffalo. The work of the rhythm section is excellent—often hypnotic, yet highly refined and technical.
Side B contains two tracks: “Stigma” and “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. The latter is a sorrowful lament, where the world seems to disappear from under your feet only to sink into infinite darkness: a sensation rarely felt outside of nocturnal nightmares. However, since this is Hard Prog, there is no shortage of "clearings" and time signature changes.
In their early days, L’Ira Del Baccano was discovered by Doom master Paolo Catena (ex-Death SS), with whom they produced a mini-LP under the original name Loosin’ o’ Frequencies. The talented guitarist showed great foresight back then, just as he did with the other Prog band A Piedi Nudi, which I recommend you check out.
That said, “The Praise Of Folly” is yet another important piece—not just for their discography, but for the entire Italian scene, which is already proving to be highly rewarding in this year 2026. A great record that knows how to seize your mind! MS

 

Galasphere 347

GALASPHERE 347 - The Syntax Of Things
Etichetta: Chaos Records
Genere: Progressive Rock
Formato: LP / CD / Digital – 2026

A otto anni di distanza dall'esordio omonimo, il supergruppo anglo-scandinavo Galasphere 347 torna con idee cristalline e una schiera di ospiti d'eccezione: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex "IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford e Pete Smith.
Il nucleo della band vede schierati Stephen James Bennett (voce, chitarre e tastiere analogiche, celebre per l'uso dell'ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flauto e programmazione) e Mattias Olsson (batteria ed "exotica" elettrica).
Se il debutto si presentava come una suite spaziale divisa in tre tracce, "The Syntax Of Things" sceglie una struttura più articolata ma altrettanto epica, composta da sette movimenti che richiamano la mitologia greca nei sottotitoli. I riferimenti a divinità come Eris, Nyx e Persefone non servono a narrare miti classici, bensì a personificare stati emotivi: la discordia interna in "Broken Bones (Eris)", l'oscurità del pensiero in "Nighthawks (Nyx)" e la rinascita ciclica in "Persephone (Kore)".
L'album è un trionfo di Mellotron, sintetizzatori Moog e Gizmotron, ma evita la trappola della semplice nostalgia. La produzione è limpida e spinge il sound verso territori Krautrock e Dark Wave, creando un'atmosfera densa e talvolta claustrofobica.
L'apertura di "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" suggerisce inizialmente un Prog moderno che vira repentinamente verso sonorità beatlesiane.
La vera sorpresa arriva però con "Life As An Architect (Hestia)", una mini-suite di dieci minuti caratterizzata da un finale pirotecnico, in cui il flauto di Einarsen dialoga con l'enfasi del Mellotron in modo micidiale.
Il livello qualitativo resta altissimo con "Broken Bones (Eris)", brano impreziosito dagli interventi di Riis alla chitarra, Jowitt al basso e Clifford al sax. Anche in questo caso è la chiusura a regalare le emozioni più forti, grazie a un’impronta chitarristica marcatamente "pinkfloydiana". Segue "Nighthawks (Nyx)", una ballata soave e introspettiva che punta tutto sull'ottimo dialogo tra piano e voce, mentre "Persephone (Kore)" recupera il ritmo con tastiere in stile "Genesis", rispettando i canoni più puri del genere.
La title track, "The Syntax Of Things", suggerisce che la vita non sia fatta solo di eventi, ma del modo in cui li colleghiamo tra loro (la "grammatica" dell'esistenza). Nonostante i toni cupi, il finale affidato alla chitarra di Bjørn Riis evoca una catarsi e la possibilità di un futuro oltre la perdita; il tutto sviluppato in oltre dieci minuti di musica ricercata ma accessibile.
Chiude il disco "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — termine gallese che indica la nostalgia per un luogo o un tempo mai esistiti — sigillando un lavoro capace di emozionare profondamente. Un ritorno in pompa magna, destinato a girare spesso nel mio stereo. MS

 

  

Versione Inglese:

GALASPHERE 347 - "The Syntax Of Things"
Label: Chaos Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

Eight years after their self-titled debut, the Anglo-Scandinavian supergroup Galasphere 347 returns with a crystal-clear vision and a stellar lineup of guest musicians: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex-"IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford, and Pete Smith.
The core of the band features Stephen James Bennett (vocals, guitars, and analog keyboards, renowned for his use of the ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flute and programming), and Mattias Olsson (drums and electric "exotica"). While their debut was a spatial suite divided into three long tracks, "The Syntax Of Things" opts for a more complex yet equally epic structure, consisting of seven movements that invoke Greek mythology in their subtitles. These references to deities such as Eris, Nyx, and Persephone are not intended to recount classical myths, but rather to personify emotional states: internal discord in "Broken Bones (Eris)", the darkness of thought in "Nighthawks (Nyx)", and cyclic rebirth in "Persephone (Kore)".
The album is a triumph of Mellotron, Moog synthesizers, and the Gizmotron, yet it skillfully avoids the trap of mere nostalgia. The production is pristine, pushing the sound toward Krautrock and Dark Wave territories, creating an atmosphere that is dense and, at times, claustrophobic.
The opening of "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" initially suggests a modern Prog style that suddenly pivots toward Beatlesque sonorities. However, the first real surprise arrives with "Life As An Architect (Hestia)", a ten-minute mini-suite characterized by a pyrotechnic finale where Einarsen’s flute dialogues fiercely with the emphasis of the Mellotron. Truly lethal.
The quality remains exceptionally high with "Broken Bones (Eris)", a track embellished by Riis’s guitar work, Jowitt’s bass, and Clifford’s saxophone. Once again, the finale provides the most powerful emotions, thanks to a markedly "Pink Floydian" guitar touch—unsurprising given Riis’s background with "Airbag". This is followed by "Nighthawks (Nyx)", a suave and introspective ballad that centers on an excellent dialogue between piano and vocals, while "Persephone (Kore)" picks up the pace with "Genesis-style" keyboards, honoring the purest canons of the genre.
The title track, "The Syntax Of Things", suggests that life is not merely a series of events, but the way in which we connect them (the "grammar" of existence). Despite the often somber tones, the finale—entrusted to Bjørn Riis’s guitar—evokes a sense of catharsis and the possibility of a future beyond loss; all developed across ten minutes of sophisticated yet accessible music.
The record closes with "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — a Welsh term indicating a deep longing for a home or a time that perhaps never existed — sealing a work capable of profound emotion. A grand return, destined to spend a lot of time on my turntable. MS

Hällas

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: LP / CD / Digital - 2026

Ho avuto il piacere di conoscere gli svedesi Hällas nel 2017 con l’album “Excerpts From A Future Past”... E che disco! Da allora li ho sempre seguiti, apprezzando anche i successivi “Conundrum” (2020) e “Isle Of Wisdom” (2022). La band ama definire la propria proposta “Adventure Rock” e non ha tutti i torti, specialmente in questo nuovo lavoro intitolato “Panorama”.
L'idea del concept album legato al personaggio del cavaliere è un elemento ricorrente nella loro storia (iniziata con l’EP omonimo), spesso approfondito nelle interviste e su portali come Prog Archives. Hällas, dunque, non è una semplice mascotte, ma il protagonista di una narrazione frammentata che trasforma i dischi in capitoli di una saga fantasy/sci-fi. Si tratta di un cavaliere errante, un eroe tragico che vive in un mondo dove il confine tra medioevo e fantascienza distopica è quasi inesistente. Lungi dall'essere il classico paladino senza macchia, è una figura malinconica, descritta come l'ultimo difensore di un ordine ormai decaduto.
Quale musica serve per tessere le lodi di un simile protagonista? Si potrebbe pensare a qualcosa di puramente epico; in effetti non mancano tratti solenni, ma qui siamo al cospetto soprattutto di Progressive Rock, Hard Rock anni ’70 e Space Rock. La voce di Tommy Alexandersson è acida e roca, molto simile a quella di Peter Gabriel (non a caso il cantante fa uso del face painting). La formazione è completata da Rickard Swahn (chitarra), Marcus Petersson (chitarra), Nicklas Malmqvist (tastiere) e Kasper Eriksson (batteria).
La suite iniziale, “Above The Continuum”, mette in tavola in ventuno minuti tutte le carte a disposizione del gruppo: dall’approccio a tratti recitativo di Alexandersson ai soli di chitarra tipicamente nordici, capaci di evocare atmosfere grevi. Le tastiere, d'altro canto, donano la sopraccitata epicità. Il brano è come un viaggio interstellare a bordo di un castello volante.
L’andamento muta con “Face Of An Angel”; scandito dal ritmo di un galoppo, il pezzo sfoggia chitarre gemelle e synth vintage. Secondo singolo estratto dall’album, risulta un movimento orecchiabile e facile da ricordare. A seguire troviamo il primo estratto, “The Emissary”, dove l’Hard Rock si palesa con decisione pur mantenendo un cantato prossimo allo stile di Gabriel. Ottima la fase strumentale, trascinante e ben congeniata nel dialogo tra tastiere e chitarre.
Un pianoforte malinconico apre invece “Bestiaus”, il momento più onirico e psichedelico dell'intero lavoro. Il titolo sembra richiamare una creatura mitologica, forse una distorsione del latino bestia o un riferimento a una lingua immaginaria.
“At The Summit” conclude il concept inizialmente con un intreccio di chitarre acustiche dai fasti medievali, per poi tramutare in una risoluzione trionfale: il protagonista raggiunge finalmente un punto di osservazione privilegiato. Dalla cima, le battaglie e le sofferenze del passato appaiono piccole e distanti, lasciando spazio a un senso di accettazione del destino, tema carissimo alla band. Il gruppo utilizza spesso questo pezzo in sede live verso la fine della scaletta, proprio per la sua capacità di trascinare il pubblico verso un finale epico.
“Panorama” è un ottimo disco analogico con i piedi in due staffe: il passato e il presente. Per molti potrebbe rappresentare una splendida sorpresa; dategli un ascolto. MS

Versione Inglese:

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genre: Crossover Prog
Format: LP / CD / Digital - 2026

I had the pleasure of discovering the Swedish band Hällas back in 2017 with the album “Excerpts From A Future Past”... and what a record it was! I have followed them ever since, appreciating their subsequent releases, “Conundrum” (2020) and “Isle Of Wisdom” (2022). The band likes to define their music as “Adventure Rock,” and they aren't wrong, especially regarding this new work titled “Panorama.”
The concept album idea centered on a knight character is a recurring element in their history (which began with their self-titled EP), often explored in interviews and on portals like Prog Archives. Hällas, therefore, is not a simple mascot but the protagonist of a fragmented narrative that transforms their records into chapters of a fantasy/sci-fi saga. He is a knight-errant, a tragic hero living in a world where the boundary between the Middle Ages and dystopian science fiction is almost non-existent. Far from being a classic, stainless paladin, he is a melancholic figure, described as the last defender of a now-decayed order.
What kind of music is needed to weave the deeds of such a protagonist? One might expect something purely epic; indeed, solemn passages are not lacking, but here we are primarily in the presence of Progressive Rock, '70s Hard Rock, and Space Rock. Tommy Alexandersson’s voice is acidic and raspy, very similar to Peter Gabriel’s (it is no coincidence that the singer also uses face painting). The lineup is completed by Rickard Swahn (guitar), Marcus Petersson (guitar), Nicklas Malmqvist (keyboards), and Kasper Eriksson (drums).
The opening suite, “Above The Continuum,” lays all the band's cards on the table across twenty-one minutes: from Alexandersson’s occasionally recitative approach to typically Nordic guitar solos that evoke heavy atmospheres. The keyboards, on the other hand, provide the aforementioned sense of epicness. The track feels like an interstellar journey aboard a flying castle.
The pace changes with “Face Of An Angel”; driven by a galloping rhythm, the piece features twin guitars and vintage synths. As the second single extracted from the album, it is a catchy and memorable movement. This is followed by the first lead single, “The Emissary,” where Hard Rock manifests decisively while maintaining a vocal style close to Gabriel's. The instrumental phase is excellent—engaging and well-crafted through a dialogue between keyboards and guitars.
A melancholic piano opens “Bestiaus,” the most dreamlike and psychedelic moment of the entire work. The title seems to recall a mythological creature, perhaps a distortion of the Latin bestia or a reference to an imaginary language.
“At The Summit” concludes the concept, initially with an interplay of acoustic guitars reminiscent of medieval splendor, before transforming into a triumphant resolution: the protagonist finally reaches a privileged vantage point. From the peak, the battles and sufferings of the past appear small and distant, giving way to a sense of accepting one's destiny—a theme very dear to the band. The group often uses this track in a live setting toward the end of the setlist, precisely for its ability to pull the audience into an epic finale.
“Panorama” is a great analog record with its feet in two worlds: the past and the present. For many, it could represent a wonderful surprise; give it a listen. MS

Soen

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genere: Metal Progressive
Supporto: CD / LP / Digital - 2026

I Soen sono emersi nel 2010 come una sorta di "supergruppo" d'élite, inizialmente noti per la presenza del leggendario batterista Martin Lopez (ex-Opeth) e del bassista Steve Di Giorgio. La loro evoluzione storica è stata un viaggio affascinante: partiti con il debutto “Cognitive” (2012), sono stati spesso etichettati come cloni dei Tool, un paragone che hanno poi smantellato disco dopo disco. Con il passare degli anni e l'ingresso del chitarrista Cody Ford, la band ha raffinato un sound unico che fonde la potenza del Metal Progressivo con una sensibilità melodica quasi introspettiva, guidata dalla voce vellutata e intensa di Joel Ekelöf.
“Reliance” è il settimo sigillo dei Soen, uscito il 16 gennaio 2026, e rappresenta un punto di arrivo cruciale per la band svedese. Storicamente, il gruppo è passato attraverso una metamorfosi straordinaria, partendo dalle radici Prog-Metal intricate dei primi anni 2010 per approdare oggi a un suono che è pura "essenza": brani più compatti, quasi tutti sotto i cinque minuti, ma carichi di una tensione emotiva che pochi altri sanno gestire.
In questo lavoro, la formazione composta dal nucleo storico Martin Lopez e Joel Ekelöf, insieme a Cody Ford, Stefan Stenberg e Lars Enok Åhlund, perfeziona la formula già esplorata in “Memorial” (2023), spingendosi però verso una produzione ancora più nitida e dinamica curata da Alexander Backlund. L'album si apre con la potenza di "Primal", un pezzo che mette subito in chiaro l'intento del disco: riff pesanti e sincopati che si risolvono in ritornelli di una bellezza melodica disarmante, dove Ekelöf dimostra di essere una delle voci più mature del panorama Rock contemporaneo.
Brani come "Mercenary" e "Discordia" affrontano temi sociali e psicologici complessi, parlando di tradimento, corruzione e della lotta per restare umani in un mondo digitale che ci vorrebbe divisi, mentre pezzi come "Indifferent" mostrano il lato più vulnerabile e spogliato della band, affidandosi a pianoforte e interpretazioni quasi confessionali.
La sezione ritmica di Lopez resta il cuore pulsante, capace di rendere "facili" tempi dispari e incastri che altrove risulterebbero ostici, mentre Cody Ford regala assoli che non cercano mai la velocità fine a se stessa, ma preferiscono il feeling "gilmouriano", come si avverte chiaramente nella splendida chiusura di "Vellichor".
Sebbene alcuni fan della prima ora possano lamentare l'abbandono delle strutture lunghe e labirintiche di “Cognitive”, “Reliance” è la testimonianza di una band che ha trovato la fiducia (appunto, la "reliance") totale nei propri mezzi espressivi, scegliendo la qualità del messaggio e l'impatto emotivo diretto sopra ogni virtuosismo superfluo.
È un disco che non inventa nuovi generi, ma che nobilita l'Heavy Rock moderno portandolo a una dimensione poetica e catartica raramente raggiunta dai loro colleghi. MS

Versione Inglese: 

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genre: Progressive Metal
Format: CD / LP / Digital - 2026

Soen emerged in 2010 as a sort of elite "supergroup," initially known for the presence of legendary drummer Martin Lopez (ex-Opeth) and bassist Steve Di Giorgio. Their historical evolution has been a fascinating journey: starting with their debut “Cognitive” (2012), they were often labeled as Tool clones—a comparison they dismantled album after album. Over the years, and with the addition of guitarist Cody Ford, the band has refined a unique sound that blends the power of Progressive Metal with an almost introspective melodic sensitivity, guided by the velvety and intense vocals of Joel Ekelöf.
“Reliance” is Soen’s seventh seal, released on January 16, 2026, and represents a crucial milestone for the Swedish band. Historically, the group has undergone an extraordinary metamorphosis, moving from the intricate Prog-Metal roots of the early 2010s to arrive today at a sound that is pure "essence": more compact tracks, nearly all under five minutes, yet charged with an emotional tension that few others can manage.
In this work, the lineup consisting of the core duo Martin Lopez and Joel Ekelöf, alongside Cody Ford, Stefan Stenberg, and Lars Enok Åhlund, perfects the formula already explored in “Memorial” (2023), while pushing toward an even sharper and more dynamic production handled by Alexander Backlund. The album opens with the power of "Primal," a track that immediately clarifies the record's intent: heavy, syncopated riffs that resolve into choruses of disarming melodic beauty, where Ekelöf proves to be one of the most mature voices in the contemporary Rock scene.
Tracks like "Mercenary" and "Discordia" tackle complex social and psychological themes, speaking of betrayal, corruption, and the struggle to remain human in a digital world that seeks to divide us, while pieces like "Indifferent" showcase the band's most vulnerable and stripped-back side, relying on piano and almost confessional performances.
Lopez's rhythm section remains the beating heart, capable of making odd time signatures and patterns that would be daunting elsewhere seem "easy," while Cody Ford delivers solos that never chase speed for its own sake, preferring a "Gilmouresque" feeling, as clearly heard in the splendid closing of "Vellichor."
Although some early fans might lament the abandonment of the long, labyrinthine structures of “Cognitive,” “Reliance” is a testament to a band that has found total confidence (indeed, "reliance") in its expressive means, choosing message quality and direct emotional impact over any superfluous virtuosity. It is a record that doesn't reinvent genres but ennobles modern Heavy Rock, elevating it to a poetic and cathartic dimension rarely reached by their peers. MS

Dove Sta Andando Oggi La Musica?

 

DOVE STA ANDANDO OGGI LA MUSICA?

 

 

Questa è una domanda che ci stiamo ponendo un poco tutti, sia per preoccupazione per un esercito di professionisti intenti nel proprio lavoro che vedono minato dall’avvento dell’IA, sia per la qualità delle uscite.
In effetti la musica oggi, nel 2026, si trova in un momento di trasformazione radicale che non riguarda solo "cosa" ascoltiamo, ma "come" lo creiamo e lo viviamo. Siamo nel pieno di una transizione dove la tecnologia è onnipresente, ma proprio per questo sta scatenando una reazione contraria verso l'autenticità. Sta andando verso una polarizzazione: da un lato avremo una produzione massiva, veloce e algoritmica per il consumo distratto; dall'altro, una scena "resistente" fatta di artigianato sonoro, partecipazione emotiva e ritorno al contatto umano.
 
Ecco i tre binari principali su cui si sta muovendo:
 
1 -  La "Tsunami" dell'Intelligenza Artificiale
L'IA non è più una novità, ma un elemento strutturale. Circa un terzo dei brani pubblicati quotidianamente (che sono ormai oltre 120.000 al giorno) è generato interamente o parzialmente da algoritmi.
Per esempio, la "musica farmaceutica" per dormire, studiare o allenarsi è ormai dominata dall'IA, separandosi nettamente dalla musica "artistica".
Ma c’è una risposta umana come reazione, sta nascendo l'etichetta "Human Made". Gli ascoltatori cercano sempre di più il difetto, l'emozione imperfetta e il carisma che un software non può (ancora) replicare.
 
2 -  Il Ritorno al "Fisico" e all'Esperienza
Mentre lo streaming diventa saturo di contenuti "spam" o di bassa qualità, il pubblico sta riscoprendo il valore del supporto fisico e dell'evento dal vivo.
Oltre il Vinile: Anche CD e cassette sono tornati a essere oggetti di culto, non per la qualità sonora in sé, ma come simbolo di appartenenza a una "tribù" musicale.
Anche i live non sono più solo esibizioni, ma esperienze immersive. Festival come il Primavera Sound o il Sziget puntano su line-up che mescolano leggende (come i The Cure, in tour proprio quest'anno) a icone della Gen Z.
 
3 -  La Fine delle "Superstar Globali"?
Il mercato si sta frammentando. Il divario tra le pochissime superstar (alla Taylor Swift) e la miriade di artisti indipendenti si sta allargando, ma con una novità:
Gli artisti indipendenti stanno smettendo di inseguire l'algoritmo di Spotify per concentrarsi su comunità ristrette ma fedelissime (i "superfan") su piattaforme come Bandcamp o tramite canali diretti (D2C).
 
CURIOSITA’:  Nel 2026 si parla molto di "Musica di Protesta 2.0", dove gli artisti tornano a usare testi impegnati per rispondere alle ansie sociali e climatiche, un po' come accadeva negli anni '70, ma con i suoni dell'elettronica moderna.

Versione Inglese:

WHERE IS MUSIC HEADING TODAY?

 
This is a question many of us are asking, driven both by concern for the "army" of professionals whose livelihoods are threatened by the rise of AI, and by the overall quality of new releases.
Indeed, in 2026, music is undergoing a radical transformation that affects not only what we listen to, but how we create and experience it. We are in the midst of a transition where technology is omnipresent; however, this very ubiquity is sparking a backlash in favor of authenticity. We are moving toward a polarization: on one hand, mass-produced, fast, and algorithmic content for distracted consumption; on the other, a "resistant" scene built on sonic craftsmanship, emotional engagement, and a return to human connection.
 
Here are the three main tracks on which the industry is moving:
 
1. The AI "Tsunami"

AI is no longer a novelty; it is a structural element. Approximately one-third of the tracks published daily (which have now surpassed 120,000 per day) are generated entirely or partially by algorithms.
For instance, "pharmaceutical music" for sleeping, studying, or working out is now dominated by AI, creating a clear divide from "artistic" music.
However, there is a human reaction: the "Human Made" label is emerging. Listeners are increasingly seeking out flaws, imperfect emotions, and the charisma that software cannot (yet) replicate.

2. The Return to the "Physical" and the Experience

As streaming becomes saturated with "spam" or low-quality content, the public is rediscovering the value of physical media and live events.
Beyond Vinyl: Even CDs and cassettes have returned as cult objects—not necessarily for the sound quality itself, but as a symbol of belonging to a musical "tribe."
Similarly, live shows are no longer just performances but immersive experiences. Festivals like Primavera Sound or Sziget focus on line-ups that blend legends (such as The Cure, touring this very year) with Gen Z icons.
 
3. The End of "Global Superstars"?

The market is fragmenting. The gap between a few mega-stars (the Taylor Swifts of the world) and the myriad of independent artists is widening, but with a twist:
Independent artists are stopping the chase after Spotify's algorithms to focus on small but fiercely loyal communities ("superfans") on platforms like Bandcamp or through direct-to-consumer (D2C) channels.
 
FUN FACT: In 2026, there is much talk about "Protest Music 2.0," where artists are returning to socially and climatically conscious lyrics to address modern anxieties—much like in the 1970s, but reimagined through the lens of modern electronic soundscapes.

Diaspro

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Il 2026 per il Rock Progressivo italiano si è aperto con vigore e diverse sorprese. Molte le produzioni già edite, alcune delle quali firmate da giovani formazioni al debutto: un segnale che non può che stupire e far piacere agli appassionati.
Tra queste realtà spiccano i Diaspro. Il nome stesso (una pietra dura nota per le venature e la resistenza) riflette la natura della loro proposta: solida, stratificata e preziosa.
Il gruppo, composto da Dante Campora (voce), Marcello Chiaraluce (chitarra), Giovanni Giordano (chitarra), Andrea Manuelli (tastiere), Bruce Muirhead (basso) e Luca Grosso (batteria), narra attraverso undici tracce un sogno che funge da terapia dopo una delusione amorosa. Chiaraluce, leader del progetto, ha iniziato il percorso compositivo in autonomia, circondandosi successivamente degli altri musicisti per dare vita alla band, onorando il sound del "sacro trittico" del Prog nazionale: PFM, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme.
“Introduzione”, breve strumentale classicheggiante, proietta l’ascoltatore in questo mondo evocando atmosfere simili ad “Appena un po’” della PFM, conducendo poi a “Piccola Stazione”. Quest'ultima è una struttura sonora consapevole delle lezioni del passato (Genesis inclusi); il cantato in italiano sfoggia testi mai banali, ma è soprattutto l'architettura musicale, con i suoi cambi di tempo e i frangenti melodici tipicamente mediterranei, a colpire. Le chitarre si lanciano in assoli ispirati, mentre le tastiere arricchiscono il suono con enfasi, ingredienti essenziali per questo stile intramontabile.
Con i suoi abbondanti sette minuti, “Piccola Stazione” risulta il brano più esteso dell’album.
L'estetica degli anni ’70 aleggia costantemente, nonostante siano presenti intarsi più moderni incastonati di tanto in tanto, come in “Verso La Città Grande”. Ancora una volta, la Premiata Forneria Marconi resta il punto di riferimento principale.
La delicatezza pianistica di “Salto In Alto” è toccante, impreziosita dal violino; la cura per la melodia è fondamentale per i Diaspro, che puntano alla sostanza senza perdersi in sterili virtuosismi.
Si passa a ritmi bossa nova in “Per Salire Su”, ma il mutamento stilistico è sempre dietro l'angolo, sfociando in un Hard Prog sorprendente dove la prova vocale di Campora si attesta su alti livelli, lasciando intravedere l'influenza del Banco nel finale.
Divertente e giocosa è “Piano Rialzato”, un'altalena tra sonorità circensi e richiami ai Genesis, a testimonianza di una fantasia compositiva radicata.
Notevole l'efficacia narrativa di “Verso La Tana Del Gelso”, traccia strumentale tra le più riuscite, che presenta una band coesa e immersa in continui cambi d'umore e di stile.
L’album procede all'unisono come una lunga suite suddivisa in piccoli istanti: “Totem”, “Gelso”, “Inferno” e “Senza Di Me” appaiono collegati e maturi.
L’esperienza di Chiaraluce emerge in ogni nota di questo esordio, che ci presenta una realtà da seguire con estrema attenzione. Siamo al cospetto di un eccellente esempio di Progressive Rock italiano, ricco di idee e di una tecnica sempre al servizio di melodie di facile assimilazione. “Diaspro” scorre piacevolmente, lasciando nell’ascoltatore il desiderio di nuovi capitoli. Un abbondante "antipasto" di trenta minuti caldamente consigliato ai più famelici. MS

Versione Inglese:

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genre: Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

For Italian Progressive Rock, 2026 has opened with great vigor and several surprises. Many productions have already been released, some of which are by young bands making their debut—a sign that can only astonish and delight fans of the genre. Among these emerging realities, Diaspro stands out. The name itself (a hard stone known for its veins and resistance) reflects the nature of their music: solid, layered, and precious.
The group—composed of Dante Campora (vocals), Marcello Chiaraluce (guitar), Giovanni Giordano (guitar), Andrea Manuelli (keyboards), Bruce Muirhead (bass), and Luca Grosso (drums)—narrates a dream across eleven tracks that serves as therapy following a romantic disappointment. Chiaraluce, the project’s leader, began the compositional journey independently before surrounding himself with other musicians to bring the band to life, honoring the sound of the "holy trinity" of Italian Prog: PFM, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme.
“Introduzione,” a brief classical-style instrumental, projects the listener into this world by evoking atmospheres similar to PFM’s “Appena un po’,” leading into “Piccola Stazione.” The latter is a sonic structure well-aware of the lessons of the past (Genesis included); the Italian vocals showcase lyrics that are never trivial, but it is primarily the musical architecture—with its time signature changes and typically Mediterranean melodic passages—that hits the mark. The guitars launch into inspired solos while the keyboards enrich the sound with emphasis, both essential ingredients for this timeless style. At over seven minutes long, “Piccola Stazione” is the most extensive track on the album.
The 1970s aesthetic lingers constantly, despite the occasional presence of more modern flourishes, as heard in “Verso La Città Grande.” Once again, Premiata Forneria Marconi remains the primary point of reference. The pianistic delicacy of “Salto In Alto” is touching, embellished by the violin; a focus on melody is fundamental for Diaspro, who aim for substance without getting lost in sterile virtuosity.
The music shifts to bossa nova rhythms in “Per Salire Su,” but a stylistic change is always around the corner, flowing into a surprising Hard Prog where Campora’s vocal performance reaches high levels, revealing glimpses of Banco's influence in the finale. “Piano Rialzato” is fun and playful, a seesaw between circus-like sounds and echoes of Genesis, testifying to a deeply rooted compositional imagination.
The narrative effectiveness of “Verso La Tana Del Gelso” is remarkable; it is one of the most successful instrumental tracks, presenting a cohesive band immersed in continuous shifts of mood and style. The album proceeds in unison like a long suite divided into small moments: “Totem,” “Gelso,” “Inferno,” and “Senza Di Me” appear interconnected and mature.
Chiaraluce’s experience emerges in every note of this debut, which introduces us to a reality that should be followed with close attention. We are in the presence of an excellent example of Italian Progressive Rock, rich in ideas and technique always placed at the service of easily accessible melodies. “Diaspro” flows pleasantly, leaving the listener wishing for new chapters. A generous thirty-minute "appetizer" highly recommended for the most ravenous among you. MS

 

Primaluce

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Autoproduzione
Genere: Progressive Metal
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Dopo il successo di “Dark Mirrors” (2025) e “Metamors” (2025), tornano immediatamente i Primaluce, formazione capitanata dal polistrumentista Stefano Primaluce, a testimonianza di un momento di grande ispirazione creativa.
Attraverso dinamiche mutevoli, “Way Of Perfection” si sviluppa come un concept album che esplora la tensione tra disciplina e istinto, controllo e liberazione, precisione ed emozione. Il lavoro affronta il superamento dei propri limiti e l’eterna lotta tra luce e ombra. La line-up che ha inciso il disco vede Stefano Primaluce (chitarre ritmiche, tastiere, cori, programmazione) affiancato da Andrea Rocchi (chitarra solista e acustica), Marco Adami (basso), Michele Avella (batteria) e Falco alla voce.
Come il genere impone, le dodici tracce variano da mid-tempo diretti a composizioni articolate; non stupisce, dunque, riscontrare sonorità care a icone come Dream Theater e Fates Warning. Nonostante l’uso di tempi dispari e la complessità tecnica, il gruppo non rinuncia mai alla "forma canzone" e a ritornelli piuttosto aperti. In questo contesto, l'uso delle tastiere risulta fondamentale per tessere tappeti sonori che conferiscono profondità ai riff di chitarra più serrati.
Gli oltre sette minuti di “The Wind Remains” mettono subito in mostra l’intera perizia tecnica a disposizione del quintetto, grazie a un sound pulito e ben prodotto. La prova vocale di Falco appare ispirata, chiara e ben modulata a seconda della circostanza, mentre l'inciso risulta decisamente accattivante.
Mitragliate di batteria introducono “Back Into The Blue”, che evolve poi verso scenari più solari: il titolo suggerisce un ritorno a una dimensione introspettiva, quasi malinconica ma rigenerante.
Coerentemente con il proprio nome, “The Turning Of The Circle” (giro del cerchio) non rappresenta solo una figura geometrica, ma una potente metafora sulla vita, il tempo e l'esperienza umana. Il brano funge da vero viaggio ciclico, sia nella struttura musicale che nel concetto filosofico, esplorando l'idea che nulla finisca davvero, ma si trasformi: ogni fine è il seme di un nuovo inizio.
L’importanza data dalla band alle melodie corali emerge chiaramente anche in “Countdown At Dawn”. Altra vetrina di notevoli capacità tecniche è “Running Out Of Yesterday”, mentre “Heart Of The Moment” attinge dalla scena americana, sfiorando territori quasi AOR. Per incontrare un episodio più marcatamente Prog (grazie all’uso sapiente di piano e tastiere), bisogna attendere la ballata “When The Light Returns”. Il testo affronta il tema della resilienza: se “Back Into The Blue” rappresentava l'immersione e “The Turning Of The Circle” la consapevolezza del ciclo, questo brano incarna il momento della rinascita. La "luce" citata non è solo l'alba, ma la comprensione che giunge dopo un periodo di sofferenza.
L’album prosegue fedele allo stile del progetto, fatta eccezione per “Echoes Of Tomorrow”, traccia più ricercata che narra la responsabilità del presente: il futuro non è un'entità astratta, ma il risultato delle azioni che compiamo oggi. Una menzione a parte merita la conclusiva “Where The Water Meets The Stone”, dove la voce e i cambi d'atmosfera raggiungono livelli eccellenti.
Con questo lavoro, i Primaluce regalano un piccolo gioiello, candidandosi tra le realtà più significative della nostra scena. Un disco che metterà d’accordo gli amanti di queste sonorità, offrendo al contempo un'ottima occasione ai neofiti per avvicinarsi a un genere capace di stupire.
MS

Versione Inglese:

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Self-release
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Following the success of “Dark Mirrors” (2025) and “Metamors” (2025), Primaluce makes an immediate return. Led by multi-instrumentalist Stefano Primaluce, the band proves to be in a moment of great creative inspiration.
Through shifting dynamics, “Way Of Perfection” unfolds as a concept album exploring the tension between discipline and instinct, control and liberation, precision and emotion. The work tackles the overcoming of one's limits and the eternal struggle between light and shadow. The line-up featured on the record includes Stefano Primaluce (rhythm guitars, keyboards, backing vocals, programming), joined by Andrea Rocchi (lead and acoustic guitars), Marco Adami (bass), Michele Avella (drums), and Falco on vocals.
As the genre demands, the twelve tracks range from straightforward mid-tempos to intricate compositions; it is no surprise, then, to find echoes of icons such as Dream Theater and Fates Warning. Despite the use of odd time signatures and technical complexity, the group never abandons the "song form" or relatively open choruses. In this context, the keyboards are essential in weaving sonic textures that add depth to the tighter guitar riffs.
The seven-plus minutes of “The Wind Remains” immediately showcase the quintet’s full technical prowess, supported by a clean and well-produced sound. Falco’s vocal performance is inspired, clear, and well-modulated to suit the mood, while the hook is decidedly catchy. Drum volleys introduce “Back Into The Blue,” which then evolves into brighter soundscapes: the title suggests a return to an introspective dimension, almost melancholic yet regenerating.
Consistent with its name, “The Turning Of The Circle” represents more than just a geometric shape; it is a powerful metaphor for life, time, and the human experience. The song serves as a true cyclic journey, both in its musical structure and philosophical concept, exploring the idea that nothing truly ends, but rather transforms: every end is the seed of a new beginning.
The band’s emphasis on choral melodies clearly emerges in “Countdown At Dawn.” Another showcase of remarkable technical skill is “Running Out Of Yesterday,” while “Heart Of The Moment” draws from the American scene, almost touching upon AOR territory. For a more markedly Progressive moment (thanks to the skillful use of piano and keyboards), one must wait for the ballad “When The Light Returns.” The lyrics deal with the theme of resilience: if “Back Into The Blue” represented immersion and “The Turning Of The Circle” the awareness of the cycle, this track embodies the moment of rebirth. The "light" mentioned is not merely the dawn, but the clarity that arrives after a period of suffering.
The album continues faithful to the project's core style, with the exception of “Echoes Of Tomorrow,” a more sophisticated track narrating the responsibility of the present: the future is not an abstract entity, but the result of the actions we take today. A special mention goes to the closing track “Where The Water Meets The Stone,” where the vocals and atmospheric shifts reach excellent levels.
With this work, Primaluce delivers a small gem, establishing themselves among the most significant acts of our scene. It is a record that will satisfy fans of these sounds while offering a great opportunity for newcomers to discover a genre that still knows how to surprise. MS

Big Big Train

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Inside Out Music
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

Parlare dei Big Big Train significa immergersi in una delle storie più resilienti e nobili del Progressive Rock moderno. Nati nel 1990 nel Dorset, la band ha attraversato decenni di cambiamenti, passando da un timido esordio influenzato dai Genesis a una consacrazione internazionale avvenuta negli anni 2010. La loro è una musica di paesaggi rurali, ingegneria vittoriana e narrazioni squisitamente britanniche. Dopo la tragica e improvvisa scomparsa dello storico frontman David Longdon nel 2021, il gruppo ha saputo onorare il suo lascito trovando in Alberto Bravin una nuova voce capace di traghettare il "Grande Treno" verso una nuova era di splendore, mantenendo intatta quella capacità di far piangere e sognare contemporaneamente.
Con l'album "Woodcut", i Big Big Train non si limitano a confermare la propria maestria, ma firmano un manifesto di pura bellezza pastorale e complessità emotiva.
Il disco si apre con la maestosità di "The Gorse Bush", un brano che funge da ponte tra la terra e il cielo, dove gli arrangiamenti di ottoni (ormai marchio di fabbrica del gruppo) si intrecciano con trame di chitarra acustica cristalline.
La voce di Bravin brilla per controllo e calore in "Skylark", un pezzo che sembra spiccare il volo grazie a una sezione ritmica solida ma agilissima, capace di mutare tempo senza mai spezzare l'incanto melodico.
La title track, "Woodcut", è il cuore pulsante dell'opera: una suite in miniatura che racchiude tutto ciò che amiamo del Prog: narrazione mitologica, assoli di synth mozzafiato e quel senso di meraviglia per le piccole storie della natura.
C'è una malinconia dolce che attraversa "Silver Moon", dove il violino di Clare Lindley danza con una grazia antica, portandoci in una dimensione fuori dal tempo.
Non mancano i momenti di potenza tecnica, come in "Iron and Rust", dove la band spinge sull'acceleratore mostrando i muscoli senza mai scadere nell'autocelebrazione, mentre la chiusura affidata a "The Last Beacon" è un commiato epico che lascia l'ascoltatore con un senso di pace profonda e la certezza che, finché ci saranno i Big Big Train, il Rock Progressivo continuerà a essere una casa sicura per chi cerca profondità e umanità.
"Woodcut" non è solo un album, è una conferma di vita, un'opera che profuma di boschi bagnati dalla pioggia e di un futuro tutto da scrivere. MS

Versione Inglese:

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Label: InsideOut Music
Genre: Progressive Rock
Format: CD / LP / Digital – 2026

To speak of Big Big Train is to immerse oneself in one of the most resilient and noble stories of modern Progressive Rock. Founded in 1990 in Dorset, the band has navigated decades of evolution, moving from a modest debut influenced by Genesis to international acclaim in the 2010s. Theirs is a music of rural landscapes, Victorian engineering, and exquisitely British narratives. Following the tragic and sudden passing of longtime frontman David Longdon in 2021, the group has honored his legacy by finding in Alberto Bravin a new voice capable of steering the "Great Train" toward a new era of splendor, keeping intact that unique ability to move the listener to tears and dreams simultaneously.
With the album "Woodcut", Big Big Train do more than simply confirm their mastery; they deliver a manifesto of pure pastoral beauty and emotional complexity.
The record opens with the majesty of "The Gorse Bush", a track that acts as a bridge between earth and sky, where the brass arrangements—now a trademark of the group—intertwine with crystalline acoustic guitar textures. Bravin’s vocals shine with control and warmth in "Skylark", a piece that seems to take flight thanks to a solid yet incredibly agile rhythm section, capable of shifting time signatures without ever breaking the melodic spell.
The title track, "Woodcut", is the beating heart of the work: a miniature suite that encapsulates everything we love about Prog: mythological storytelling, breathtaking synth solos, and that sense of wonder for the small stories of nature. There is a sweet melancholy running through "Silver Moon", where Clare Lindley’s violin dances with an ancient grace, transporting us to a dimension outside of time.
Moments of technical prowess are not lacking, such as in "Iron and Rust", where the band pushes the accelerator and flexes their muscles without ever lapsing into self-indulgence. Meanwhile, the closing track, "The Last Beacon", is an epic farewell that leaves the listener with a profound sense of peace and the certainty that, as long as Big Big Train exists, Progressive Rock will remain a safe harbor for those seeking depth and humanity.
"Woodcut" is not just an album; it is a confirmation of life—a work that breathes the scent of rain-soaked woods and a future yet to be written. MS