Alberto Rigoni - Michael Manring - Stuart Hamm

ALBERTO RIGONI – MICHAEL MANRING – STUART HAMM - Dystopia
Melodic Revolution Records
Genere: Progressive Rock strumentale
Supporto: CD / Digital / Bandcamp – 2026

Non capita spesso di imbattersi in un trio di bassisti, soprattutto se sono ottimi strumentisti già radicati nel campo musicale. Il trio composto da Alberto Rigoni, Michael Manring e Stuart Hamm rappresenta un vero e proprio "dream team" per chiunque ami il basso elettrico. Quando tre virtuosi di questo calibro si uniscono, il rischio è spesso quello di assistere a una mera esibizione di tecnica, in “Dystopia”, invece, i tre sono riusciti a mettere il virtuosismo al servizio dell'atmosfera, della composizione e di un tema narrativo ben preciso. Stuart Hamm è una leggenda vivente del basso Rock e Fusion, famoso per il suo lavoro rivoluzionario al fianco di chitarristi del calibro di Joe Satriani, Steve Vai e Eric Johnson, oltre che per le sue tecniche di two-handed tapping.
Michael Manring è nientemeno che l’allievo del celebre Jaco Pastorius, Manring. E’ un maestro indiscusso dell'espressività e del basso fretless, noto per il suo approccio innovativo allo strumento,  compreso l'uso frequente di accordature aperte alterate in tempo reale tramite le meccaniche D-Tuner.
Alberto Rigoni gode di fama internazionale, noto per la sua ricca discografia solista che spazia dal Prog Rock al Jazz Fusion e all'Ambient, oltre che per il suo ruolo nei TwinSpirits. Rigoni è poi la vera mente organizzativa e il collante di questo progetto. La genesi del progetto risale al periodo segnato dalla pandemia. Spinto dall'esigenza artistica di creare qualcosa di unico durante un momento di isolamento globale, ha contattato gli altri due musicisti per proporre un album incentrato unicamente sulle varie declinazioni del basso elettrico, arricchito da ritmiche e tastiere dove necessario. L'idea fondamentale non è quella di creare un disco di sfide di velocità, ma sperimentare con le frequenze, le tessiture sonore e le stratificazioni. Ciascun bassista ha portato la propria voce unica, Hamm l'energia e il senso melodico ritmico Rock, Manring il colore poetico, il canto del fretless e le atmosfere surreali, mentre Rigoni le fondamenta, i groove moderni e la struttura compositiva complessiva.
Ad affiancarli nel progetto si sono aggiunti ospiti d'eccezione come il batterista Thomas Lang e il chitarrista Marco Sfogli, conferendo al lavoro un impatto sonoro solido e potente.
“Dystopia”, suddiviso in nove tracce, descrive un viaggio attraverso un futuro e parte dalla nascita di una nuova era tecnologica, ed affronta la progressiva perdita di controllo dell'umanità a favore delle macchine e del disordine (l'entropia), per poi culminare nel collasso finale e inevitabile. Ogni traccia esplora una sfaccettatura di questa visione distopica ad iniziare da “Genesis”. Qui il basso di Rigoni stabilisce il groove di base, mentre Manring ed Hamm tessono le prime trame melodiche. L'atmosfera è carica di attesa, curiosità e una bellezza incontaminata.
L'elemento artificiale non è più solo uno strumento, ma comincia a risuonare ovunque in “Echoes Of The Machine”, dove ritmiche più rigide e cadenzate si alternano a interventi in tapping e suoni metallici distorti dei bassi, che simulano il pulsing del silicio e degli ingranaggi. All’ascolto, frangenti Brand X mi sovvengono alla memoria. “The Algorithm” rappresenta il controllo invisibile ma totale delle formule matematiche sulla vita umana. Musicalmente si traduce in incastri metrici precisi, su di una struttura calcolata al millimetro.
Segue “Entropia”, dove l’inizio rimanda a certi King Crimson. Qui il basso fretless di Manring sfrutta glissati e deviazioni tonali per dare la sensazione di un mondo che sta scivolando via dal controllo umano, dove il disordine aumenta inesorabilmente. Ed è con “Limbo” che invece l'umanità si trova bloccata in uno stato di stasi, sospesa tra il vecchio mondo che non c'è più e un futuro incerto. È una traccia dalle atmosfere più diradate, dove l'uso degli armonici e dei riverberi crea uno spazio sonoro etereo, malinconico e quasi privo di gravità.
Ed ecco la sorpresa, l'ingresso di Tim Alexander (batterista dei Primus) dà una scossa energetica devastante all'album. “Rinato dalle ceneri” segna il punto di svolta drammatico, perché  dopo il limbo, c'è un tentativo di ribellione. Il drumming inconfondibile di Alexander, poliritmico e potente, spinge i tre bassisti a dare il meglio di se stessi.
“Solar” porta un raggio di luce accecante e le frequenze si alzano, così la melodia si fa più aperta ed espansiva. Rappresenta una visione d'insieme del pianeta, fugace ma intensa, prima della resa dei conti finale.
“Ethereal Horizon” funge da interludio finale affidato ai quasi nove minuti di “Dystopia”, dove la musica si chiude su note imponenti ma cupe, lasciando l'ascoltatore con la definitiva sensazione di un futuro in cui l'oscurità ha preso il sopravvento.
In conclusione “Dystopia” è un viaggio cosmico e cupo che eleva il basso a strumento narrativo definitivo. Un gran lavoro di coordinazione, tecnica e atmosfera tutto da gustare! MS

Versione Inglese: 

ALBERTO RIGONI – MICHAEL MANRING – STUART HAMM - Dystopia
Melodic Revolution Records
Genre: Instrumental Progressive Rock
Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026

 

It isn't often that one comes across a trio of bassists, especially when they are exceptional musicians already well-established in the music scene. The trio composed of Alberto Rigoni, Michael Manring, and Stuart Hamm represents a true "dream team" for anyone who loves the electric bass. When three virtuosos of this caliber come together, the risk is often that of witnessing a mere display of technique; in “Dystopia”, however, the three have managed to place their virtuosity at the service of atmosphere, composition, and a very specific narrative theme. Stuart Hamm is a living legend of Rock and Fusion bass, famous for his groundbreaking work alongside guitarists of the caliber of Joe Satriani, Steve Vai, and Eric Johnson, as well as for his two-handed tapping techniques.
Michael Manring is none other than the student of the famous Jaco Pastorius. Manring is an undisputed master of expressiveness and the fretless bass, known for his innovative approach to the instrument, including the frequent use of open tunings altered in real time via D-Tuner pegs.
Alberto Rigoni enjoys an international reputation, known for his rich solo discography ranging from Prog Rock to Jazz Fusion and Ambient, as well as for his role in TwinSpirits. Rigoni is also the true organizational mind and the glue holding this project together. The origin of the project dates back to the period marked by the pandemic. Driven by the artistic need to create something unique during a time of global isolation, he reached out to the other two musicians to propose an album focused solely on the various expressions of the electric bass, enriched by rhythms and keyboards where necessary. The fundamental idea was not to create a record of speed duels, but rather to experiment with frequencies, sonic textures, and layering. Each bassist brought his own unique voice: Hamm providing the energy and melodic-rhythmic Rock sensibility, Manring contributing the poetic color, the singing fretless tones, and surreal atmospheres, while Rigoni laid down the foundations, modern grooves, and overall compositional structure.
They were joined in the project by exceptional guest musicians such as drummer Thomas Lang and guitarist Marco Sfogli, lending the work a solid and powerful sonic impact.
“Dystopia”, divided into nine tracks, describes a journey through a future starting from the birth of a new technological era, addressing humanity's gradual loss of control to machines and disorder (entropy), only to culminate in the final, inevitable collapse. Every track explores a different facet of this dystopian vision, beginning with “Genesis”. Here, Rigoni's bass establishes the foundation groove while Manring and Hamm weave the first melodic threads. The atmosphere is charged with anticipation, curiosity, and an unspoiled beauty.
The artificial element is no longer just a tool, but begins to resonate everywhere in “Echoes Of The Machine”, where stiffer, more cadenced rhythms alternate with tapping interventions and distorted metallic bass sounds that simulate the pulsing of silicon and gears. Upon listening, hints of Brand X come to mind. “The Algorithm” represents the invisible yet total control of mathematical formulas over human life. Musically, this translates into precise metric interlocking built upon a structure calculated to the millimeter.
Then comes “Entropia”, where the beginning brings certain King Crimson moments to mind. Here, Manring's fretless bass utilizes glissandos and tonal shifts to evoke the feeling of a world slipping away from human control, where disorder increases inexorably. And it is with “Limbo” that humanity finds itself stuck in a state of stasis, suspended between the old world that no longer exists and an uncertain future. It is a track with sparser atmospheres, where the use of harmonics and reverbs creates an ethereal, melancholy, and almost weightless sonic space.
And here is the surprise: the arrival of Tim Alexander (drummer for Primus) delivers a devastating surge of energy to the album. “Born from the Ashes” marks the dramatic turning point, because after the limbo, there is an attempt at rebellion. Alexander's unmistakable drumming—polyrhythmic and powerful—drives the three bassists to bring out their absolute best.
“Solar” brings a blinding ray of light as the frequencies rise, allowing the melody to become more open and expansive. It represents a sweeping view of the planet, fleeting yet intense, before the final reckoning.
“Ethereal Horizon” serves as a final interlude leading into the nearly nine minutes of “Dystopia”, where the music closes on imposing yet somber notes, leaving the listener with the definitive sense of a future where darkness has prevailed.
In conclusion, “Dystopia” is a cosmic and dark journey that elevates the bass to the ultimate narrative instrument. A great work of coordination, technique, and atmosphere to be thoroughly enjoyed! MS

 

Esthesis

ESTHESIS – Out Of Step
Misty Tones
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: LP / CD / Digital - 2025

Dico subito che “Out Of Step” dei francesi Esthesis è un album consigliato agli amanti di band come Porcupine Tree, The Pineapple Thief, Anathema e simili. Nascono nel 2019 a Tolosa dall'ispirazione di Aurélien Goude (voce, tastiere, composizione e programmazione). Fin dall'EP d'esordio “Raising Hands” (2019) e dal primo full-length “The Awakening” (2020), la band mette in chiaro la propria identità fatta di musica viscerale, atmosferica e basata sulle emozioni. Dopo la vittoria come Best Unsigned Act nel referendum di Prog Magazine nel 2020, e il successo critico di “Watching Worlds Collide” (2022), la band affina l'organico aprendosi a tour con grandi nomi della scena contemporanea (come Soen, Leprous e Crippled Black Phoenix).
La line up odierna è composta da Aurélien Goude (voce, tastiere, programmazioni),  Rémi Geyer (chitarra solista), Marc Anguill (basso), Arnaud Nicolau (batteria, programmazioni), e Mathilde Collet (cori e vocalismi d'atmosfera).
L'album riflette un senso d'alienazione urbana, disconnessione e ansia esistenziale. Il titolo stesso, "Out Of Step" (fuori tempo, fuori sincrono), descrive la sensazione di chi non riesce più a stare al passo con le aspettative della società moderna, la routine lavorativa e l'iper connettività digitale che finisce per soffocare l'individuo. l'album musicalmente, come già accennato, mescola strutture Crossover Prog alla Porcupine Tree e The Pineapple Thief, basi trip-hop/industrial e aperture intimiste di matrice Post Rock.
Il disco si apre con “Connection”, fatto di campionamenti che ricordano impulsi sonar, seguiti da un groove di basso ipnotico targato Marc Anguill. La traccia cresce lentamente con ritmiche mid-tempo quasi Trip Hop, un fischio malinconico in sottofondo e chitarre graffianti che esplodono nel ritornello. Qui la band analizza la paradossale solitudine della vita moderna notando che siamo sempre iper connessi alla rete ma incapaci di stabilire un contatto reale ed empatico con chi ci circonda, tema comune a molte band.
“The Frame” è una composizione d'atmosfera elegante, condotta dalle tastiere liquide di Goude e arricchita dai meravigliosi cori eterei di Mathilde Collet. Il brano accumula tensione dinamica fino a sfociare in uno splendido assolo di chitarra di Rémi Geyer. "La Cornice" rappresenta la gabbia della routine e della comfort zone. Il protagonista riflette sul desiderio e sulla paura di uscire dai margini prestabiliti della propria vita. Dopo il breve intermezzo musicale “Fractured #1”, è la volta della title track.  Si sviluppa come una suite dal sapore immaginifico, alternando momenti pianistici intimisti a spaventosi riff Hard Prog alla Steven Wilson. Il lavoro ritmico di batteria e basso è millimetrico e potente. Il testo esprime la consapevolezza di essere "fuori sincrono" rispetto al resto del mondo, trasformando questo senso di inadeguatezza in una scelta di libertà individuale.
“City Lights” è un brano notturno e urbano, caratterizzato da tastiere sognanti e una voce quasi sussurrata. L'atmosfera avvolgente ricorda il lato più malinconico degli Anathema o dei Blackfield. Le "luci della città" offrono una falsa promessa di calore e compagnia. Il protagonista vaga tra le strade buie illuminate dai neon, immerso nei propri pensieri, isolandosi dal caos sintetico della metropoli.
“Fractured #2”, secondo interludio strumentale e oscuro, introduce una sensazione di imminente tempesta emotiva che giunge con “Circus”, pezzo più aggressivo e ritmato del disco. Inizia con un beat Trip Hop/industrial per poi accelerare vertiginosamente e una prestazione vocale grintosa di Goude affiancato da Mathilde Collet. Di questo la band ne estrae un video ufficiale. E’ una dura satira della società vista come un "circo" di comparse, dove tutti recitano una parte per soddisfare le aspettative altrui, col rischio di perdere del tutto la stabilità mentale.
La conclusiva mini suite di quasi undici minuti intitolata “The Storm”, parte come un sussurro acustico ed etereo per poi far montare un'onda sonica d'urto. Susseguono sferzate Post Rock, tastiere magniloquenti e assoli laceranti di chitarra, portando il disco a un climax altamente drammatico. E’ la resa finale e il lavaggio di tutte le ansie accumulate, l'accettazione del proprio destino e la ricerca della pace interiore attraverso il caos.
In alcune edizioni dell’album c’è anche una bonus track intitolata “Abyss”, un ulteriore sfogo di oscurità e atmosfera. 
Se siete alla ricerca di un album capace di catturare l'alienazione dei nostri tempi senza mai perdere di vista il gusto per la grande melodia e la cura maniacale del dettaglio sonoro, questo disco è un ascolto indispensabile. Gli Esthesis hanno trovato la loro identità più autentica e, paradossalmente, proprio rimanendo “fuori sincrono” rispetto al resto del mondo, sono riusciti a realizzare il loro lavoro più centrato e a fuoco. MS

Versione Inglese: 

ESTHESIS – Out Of Step
Misty Tones
Genre: Modern Post Prog
Format: LP / CD / Digital - 2025

I will say right away that “Out Of Step” by the French band Esthesis is a highly recommended album for fans of bands like Porcupine Tree, The Pineapple Thief, Anathema, and the like. They were formed in 2019 in Toulouse through the vision of Aurélien Goude (vocals, keyboards, composition, and programming). Right from their debut EP “Raising Hands” (2019) and their first full-length “The Awakening” (2020), the band made their identity clear: visceral, atmospheric music driven by emotion. After winning Best Unsigned Act in Prog Magazine's 2020 readers' poll and receiving critical acclaim for “Watching Worlds Collide” (2022), the band refined their lineup while touring alongside major names of the contemporary scene (such as Soen, Leprous, and Crippled Black Phoenix).
Today's lineup features Aurélien Goude (vocals, keyboards, programming), Rémi Geyer (lead guitar), Marc Anguill (bass), Arnaud Nicolau (drums, programming), and Mathilde Collet (backing vocals and atmospheric vocalisms).
The album reflects a sense of urban alienation, disconnection, and existential anxiety. The title itself, "Out Of Step", describes the feeling of no longer being able to keep up with the expectations of modern society, the work routine, and the digital hyper-connectivity that ultimately suffocates the individual. Musically, as already mentioned, the album blends Crossover Prog structures akin to Porcupine Tree and The Pineapple Thief, trip-hop/industrial foundations, and intimate Post Rock passages.
The record opens with “Connection”, built on samples reminiscent of sonar pulses, followed by an hypnotic bass groove courtesy of Marc Anguill. The track slowly builds with near-Trip Hop mid-tempo rhythms, a melancholic whistle in the background, and biting guitars that explode in the chorus. Here, the band analyzes the paradoxical solitude of modern life, noting that we are constantly hyper-connected to the web yet incapable of establishing a real, empathetic connection with those around us—a theme common to many bands.
“The Frame” is an elegant, atmospheric composition led by Goude's fluid keyboards and enriched by Mathilde Collet's wonderful, ethereal backing vocals. The piece builds dynamic tension until it culminates in a splendid guitar solo by Rémi Geyer. "The Frame" represents the cage of routine and the comfort zone. The protagonist reflects on the desire and the fear of stepping outside the predefined boundaries of his life.
After the brief musical interlude “Fractured #1”, it is time for the title track. It unfolds like an imaginative suite, alternating intimate piano moments with formidable Steven Wilson-esque Hard Prog riffs. The rhythmic work on drums and bass is precise and powerful. The lyrics express the awareness of being "out of step" with the rest of the world, turning this sense of inadequacy into a choice of individual freedom.
“City Lights” is a nocturnal, urban track characterized by dreamy keyboards and near-whispered vocals. The enveloping atmosphere recalls the most melancholic side of Anathema or Blackfield. The "city lights" offer a false promise of warmth and companionship. The protagonist wanders through dark streets illuminated by neon lights, immersed in his own thoughts, isolating himself from the synthetic chaos of the metropolis.
“Fractured #2”, a dark second instrumental interlude, introduces a feeling of an impending emotional storm that arrives with “Circus”, the album's most aggressive and uptempo track. It starts with a Trip Hop/industrial beat before accelerating dramatically, featuring a gritty vocal performance by Goude alongside Mathilde Collet. The band released an official video for this track. It is a harsh satire of a society seen as a "circus" of extras, where everyone acts a part to satisfy others' expectations, running the risk of completely losing mental stability.
The closing mini-suite of nearly eleven minutes, titled “The Storm”, starts like an acoustic, ethereal whisper before building an overwhelming sonic wave. Post Rock surges, magniloquent keyboards, and searing guitar solos follow, bringing the album to a highly dramatic climax. It is the final surrender and the purging of all accumulated anxieties, the acceptance of one's destiny, and the search for inner peace through chaos.
On some editions of the album there is also a bonus track titled “Abyss”, a further outburst of darkness and atmosphere.
If you are looking for an album capable of capturing the alienation of our times without ever losing sight of a taste for great melody and a obsessive attention to sonic detail, this record is an essential listen. Esthesis have found their most authentic identity and, paradoxically, by remaining “out of step” with the rest of the world, they have managed to create their most focused and centered work yet. MS

 

Arthur

ARTHUR - Where We Lay Our Scene
Autoproduzione
Genere: Heavy Prog Psichedelico
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Sempre più esordi nell’ambito Progressive Rock (e non soltanto) si autoproducono sul portale Bandcamp, oramai divenuto un punto di riferimento per molti appassionati di questo genere di musica. Sono i tempi moderni dove il supporto fisico va sempre calando, salvo qualche sporadico e accanito appassionato che ancora ama collezionare dischi. I dati tendono a raccontare che oggi la gente compera molti vinili e CD, alternando cifre più o meno credibili, ma è divenuto impossibile credere effettivamente a cosa si legge nel web, per cui vi consiglio di prendere tutto ciò con il beneficio dell’inventario.
Quello che invece è realtà è il numero delle band italiane che nascono sotto la bandiera della musica dei tempi che furono, seppur apportando del proprio attraverso la personalità , tanto da far divenire il termine Progressive Rock difficile da comprendere. Se siete più curiosi, al riguardo ho scritto il libro “Post Prog Moderno” edito da Arcana.
Una nuova band nel contesto proviene da Biella e si chiama Arthur. Nascono  nel 2018, e sono formati dall'incontro di tre musicisti nell'orbita della scuola di musica Dyapason:  Elia Guidetti (chitarra, sintetizzatori, narrazione), Simone Bongiovanni (basso, tastiere, sintetizzatori, narrazione), e Simone Guidetti (batteria, percussioni, narrazione). Uniti da una profonda passione per il Rock Progressivo, il Rock Psichedelico e la musica per immagini, gli Arthur attingono alla lezione dei grandi maestri del genere passando attraverso le trame articolate dei Rush e dei King Crimson all'impianto melodico degli Yes, rielaborando il tutto con una sensibilità compositiva fresca e moderna. “Where We Lay Our Scene” è un concept album completamente strumentale ispirato dal celebre Prologo shakespeariano di Romeo e Giulietta ("In fair Verona, where we lay our scene...").
Come ogni album a tema, inizia con il classico “Overture” anticipato dall’intro “The Curtain Falls”. L’impatto drammatico introduce i temi ricorrenti dell'album con la chitarra dialogante attraverso una sezione ritmica solida e dinamica, alternando aperture sinfoniche e accelerazioni Progressive. Segue un altro breve intro dal titolo “Announcement” che simula il bando di corte o la chiamata alle armi prima del grande evento “Gran Galà”,  pezzo vivo ed eclettico dove il Rock è assoluto protagonista. Il basso di Bongiovanni ricama linee melodiche portanti, sostenuto da continui cambi di tempo della batteria. Segue “Fuga In E Strano”, qui il ritmo diventa maggiormente serrato, mentre il titolo ironico gioca sul doppio senso tra la forma contrappuntistica classica (la fuga) e l'azione del fuggire, costruita attorno alla tonalità di Mi (E). Ricca di incastri metrici serrati e arpeggi obliqui di chitarra. E’ un momento di rottura, una fuga concitata o un inseguimento labirintico attraverso territori sconosciuti.
Altra traccia breve è “Bonfire Lit”, che conduce a “            Notte: Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, un momento di sospensione, riposo e meditazione attorno al fuoco prima della battaglia finale. “Notte: La Bestia, Pt. 2” è un cambio di registro che si sviluppa su riff pesanti, tempi dispari e sonorità cupe vicine al Progressive Metal e al Rock Psichedelico più acido. Qui il risveglio della minaccia e lo scontro diretto con l'elemento oscuro ("La Bestia") nel cuore della notte. La chiusura spetta ad una mini suite di dieci minuti intitolata “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divisa in quattro sezioni distinte, mostra la maturità compositiva del trio tra esplosioni Hard Prog, riprese di temi precedenti e un articolato finale sinfonico. Esso narra la battaglia finale, i ricordi del passato che affiorano durante il combattimento ("Suspence And Memories") e il tragico ed eroico compimento del destino del protagonista ("Last Stand").
“Where We Lay Our Scene” si rivela quindi un esordio coraggioso e fresco, in cui gli Arthur dimostrano che non servono le parole per raccontare una grande storia. Con una spiccata maturità nell'intrecciare trame strumentali eleganti e strappi Hard Prog, il trio biellese firma una prova solida e priva di fronzoli, confermando come la scena indipendente italiana sappia ancora sfornare realtà capaci di guardare alla tradizione con occhi moderni. Un nome da tenere assolutamente d'occhio. MS

Ascolto BANDCAMP: https://thearturproject.bandcamp.com/album/where-we-lay-our-scene

Versione Inglese: 

ARTHUR - Where We Lay Our Scene
Self-released
Genre: Heavy Psychedelic Prog
Format: Digital / Bandcamp – 2026

More and more debuts in the Progressive Rock sphere (and beyond) are self-released on the Bandcamp platform, which has now become a point of reference for many fans of this music genre. These are modern times where physical formats are constantly decreasing, except for a few sporadic and die-hard enthusiasts who still love collecting records. The data tends to suggest that today people buy a lot of vinyls and CDs, alternating more or less credible figures, but it has become impossible to actually believe what one reads on the web, so I advise you to take all of this with a pinch of salt.
What is real, however, is the number of Italian bands born under the flag of the music of bygone times, even while bringing something of their own through their personality, so much so that the term Progressive Rock has become difficult to define. If you are curious, on this subject I wrote the book "Post Prog Moderno" published by Arcana.
A new band in this context comes from Biella and is called Arthur. Formed in 2018, they were born from the meeting of three musicians within the orbit of the Dyapason music school: Elia Guidetti (guitar, synthesizers, narration), Simone Bongiovanni (bass, keyboards, synthesizers, narration), and Simone Guidetti (drums, percussion, narration). United by a deep passion for Progressive Rock, Psychedelic Rock, and music for images, Arthur draw from the lesson of the great masters of the genre, moving from the intricate textures of Rush and King Crimson to the melodic structure of Yes, reworking it all with a fresh and modern compositional sensibility. “Where We Lay Our Scene” is a completely instrumental concept album inspired by the famous Shakespearean Prologue to Romeo and Juliet ("In fair Verona, where we lay our scene...").
Like any themed album, it starts with the classic “Overture” preceded by the intro “The Curtain Falls”. The dramatic impact introduces the album's recurring themes, with the guitar dialoguing through a solid and dynamic rhythm section, alternating symphonic openings and Progressive accelerations. Next comes another short intro entitled “Announcement”, simulating the court proclamation or the call to arms before the big event “Gran Galà”, a lively and eclectic track where Rock is the absolute protagonist. Bongiovanni's bass weaves main melodic lines, supported by the drums' continuous time changes. Followed by “Fuga In E Strano”, here the rhythm becomes tighter, while the ironic title plays on the double meaning between the classical contrapuntal form (the fugue) and the action of fleeing, built around the key of E. Rich in tight metric interlockings and oblique guitar arpeggios, it represents a moment of disruption, a rushed escape, or a labyrinthine pursuit through unknown territories.
Another short track is “Bonfire Lit”, leading to “Notte: Riposo Al Chiaro Di Luna (Pt 1)”, a moment of suspension, rest, and meditation around the fire before the final battle. “Notte: La Bestia, Pt. 2” is a change of pace that develops over heavy riffs, odd time signatures, and dark sounds close to Progressive Metal and more acidic Psychedelic Rock, portraying the awakening of the threat and the direct clash with the dark element ("La Bestia") in the heart of the night. The closing is entrusted to a ten-minute mini-suite titled “Arthur Last Stand: i. Epilogue, ii. The Battlefield, iii. Suspence and Memories, iv Induction”. Divided into four distinct sections, it shows the compositional maturity of the trio between Hard Prog explosions, reprises of previous themes, and an articulated symphonic finale. It narrates the final battle, the memories of the past that surface during combat ("Suspence And Memories"), and the tragic and heroic fulfillment of the protagonist's destiny ("Last Stand").
“Where We Lay Our Scene” turns out to be a courageous and fresh debut, in which Arthur prove that words are not needed to tell a great story. With a remarkable maturity in weaving elegant instrumental textures and Hard Prog bursts, the Biella trio delivers a solid, no-nonsense effort, confirming how the Italian independent scene can still produce acts capable of looking at tradition with modern eyes. A name to definitely keep an eye on. MS

Blacksmith Tales

BLACKSMITH TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma
Aereostella / Immaginifica
Genere: Metal Progressive / Neo Prog
Supporto: CD / Digital – 2026

Il connubio Metal Progressive e Neo Prog è epico, rilascia sonorità enfatiche e ricche di patos, bene lo sanno i friulani Blacksmith Tales.
Nascono negli anni '90 come progetto concettuale e compositivo guidato dal tastierista, pianista e compositore David Del Fabro. Fin dalle origini, la band ha orientato la propria ricerca verso un Rock Progressivo sinfonico e teatrale, ricco di stratificazioni sonore (con un forte accento sull'uso di tastiere vintage come Hammond, Minimoog e Mellotron), contaminato da venature Prog Metal, citazioni Folk ed elementi etnici.
Dopo la maturazione del materiale e la pubblicazione dell'ambizioso concept d'esordio “The Dark Presence” (2021), la formazione si è consolidata e affinata nell'attività dal vivo, arrivando a questa release che ne testimonia sia la continua evoluzione in studio che la forza espressiva sul palcoscenico. La lineup attuale vede David Del Fabro (pianoforte e tastiere),  Luca Zanon (tastiere e pianoforte), Stefano Sbrignadello (voce principale),  Beatrice Demori (voce), Marco Falanga  (chitarre e basso), Simone Morettin (batteria) e Alessandro Jacobi  (basso nelle sessioni live).
Il lavoro si divide idealmente e strutturalmente in due parti distinte ma complementari, ossia la nuova opera in studio, la mastodontica “Dark Ages Suite”, e una selezione Live in Roma registrata durante il prestigioso concerto di apertura alla Premiata Forneria Marconi (PFM) del 30 dicembre 2024.
La suite di venti minuti “Dark Ages Suite” è in apertura e si muove sul solco della grande tradizione del Prog epico caro a Clive Nolan e anche ai suoi Arena. Inizia con un'atmosfera sospesa e d'ambiente, guidata da intrecci di pianoforte, moog e tastiere, per poi aprirsi a fughe sinfoniche dal respiro barocco, cambi di tempo serrati e improvvise accelerazioni chitarristiche. L'uso delle due voci (maschile e femminile) intrecciate crea una spiccata drammaturgia sonora. La band dimostra di essere in grande forma! Il nucleo concettuale ruota attorno all'intima alienazione e al disorientamento dell'uomo contemporaneo. L' "Età Oscura" (Dark Ages) non è solo un riferimento storico, ma una metafora del presente, una società ipertecnologica ma priva di coordinate spirituali, in cui l'individuo cerca una via di fuga dall'oscurità interiore e sociale.
I brani dal vivo catturano l'energia della band su uno dei palchi più importanti della capitale, proponendo rivisitazioni energiche del loro repertorio ad iniziare da “Hamlet's Mill Overture”, pezzo strumentale  ad alto impatto. Tappeti di sinth, riff di chitarra elettrica in evidenza e una sezione ritmica dinamica introducono lo spettatore nello show con un sapore nettamente sinfonico e marziale come solo il Metal Prog sa fare.
Ottimamente registrato, il live prosegue con “Key To The Temple”, traccia caratterizzata da un riffing più deciso e da un incedere vicino al Prog Metal sinfonico, bilanciato da aperture melodiche guidate dal pianoforte e da cori vocali avvolgenti. Ottima padronanza vocale dal vivo da parte di Stefano Sbrignadello. Il testo affronta la ricerca della conoscenza profonda e la soglia simbolica (la chiave del tempio) che l'uomo deve varcare per accedere a una consapevolezza superiore, superando i propri limiti dogmatici.
Giunge ora una canzone cantata in italiano, “C’è Casa A 30 Miglia”, episodio che mostra il lato più intimista e cantautoriale della band, dove la componente Prog incontra la tradizione del Rock Progressivo Italiano anni '70. Arrangiamento dominato dal pianoforte, con un crescendo emotivo guidato dalla chitarra solista. Esso tratta il tema del ritorno, della distanza e del valore della propria terra d'origine o di un rifugio affettivo verso cui convergere nei momenti di smarrimento.
A questo punto  è la volta di un estratto riarrangiato della suite “Possessed By Time” presente sul primo disco. Dal vivo acquista grande immediatezza attraverso il dialogo tra organo Hammond e chitarra con continui saliscendi dinamici, fino al delicato controcanto vocale femminile. E’ un momento che mette in luce anche il lato Folk della band.
Il finale di concerto con “Dance Of The Stars” è travolgente e festoso. Struttura ritmica complessa con tempi dispari che si intrecciano a trame di tastiere vintage e a un assolo di chitarra di grande liricità.
In conclusione, “Dark Ages Suite & Live in Roma” si conferma un’opera matura e sfaccettata, capace di bilanciare la drammaturgia complessa della composizione in studio con la freschezza e la potenza espressiva della dimensione live. I Blacksmith Tales dimostrano non solo di saper maneggiare con rara maestria il linguaggio del Progressive Rock sinfonico, ma di saperlo plasmare con sensibilità. Un ascolto imprescindibile per chiunque cerchi nel Prog contemporaneo qualcosa che vada ben oltre la semplice perizia tecnica. MS 

Versione Inglese:

BLACKSMITH TALES – Dark Ages Suite & Live In Roma
Aereostella / Immaginifica
Genre: Progressive Metal / Neo Prog
Format: CD / Digital – 2026

The combination of Progressive Metal and Neo Prog is epic, releasing emphatic sounds rich in pathos, as the Friulian band Blacksmith Tales well know.
They were formed in the 1990s as a conceptual and compositional project led by keyboardist, pianist, and composer David Del Fabro. Since their origins, the band has oriented their research toward a symphonic and theatrical Progressive Rock, rich in sonic layering (with a strong emphasis on the use of vintage keyboards such as Hammond, Minimoog, and Mellotron), cross-pollinated by Prog Metal nuances, Folk references, and ethnic elements.
After the maturation of their material and the release of their ambitious debut concept album “The Dark Presence” (2021), the lineup consolidated and refined itself through live performance, leading to this release which bears witness to both their continuous studio evolution and their expressive power on stage. The current lineup features David Del Fabro (piano and keyboards), Luca Zanon (keyboards and piano), Stefano Sbrignadello (lead vocals), Beatrice Demori (vocals), Marco Falanga (guitars and bass), Simone Morettin (drums), and Alessandro Jacobi (bass in live sessions).
The work is ideally and structurally divided into two distinct yet complementary parts: namely the new studio work, the mammoth “Dark Ages Suite”, and a Live in Roma selection recorded during their prestigious opening performance for Premiata Forneria Marconi (PFM) on December 30, 2024.
The twenty-minute suite “Dark Ages Suite” opens the record and moves along the lines of the great epic Prog tradition dear to Clive Nolan and his band Arena. It begins with a suspended, ambient atmosphere led by interwoven piano, Moog, and keyboards, before opening up into symphonic fugues with a baroque breath, tight time changes, and sudden guitar accelerations. The use of two interwoven voices (male and female) creates a striking sonic drama. The band proves to be in great form! The conceptual core revolves around the intimate alienation and disorientation of contemporary man. The "Dark Ages" is not merely a historical reference, but a metaphor for the present—a hyper-technological society devoid of spiritual coordinates, in which the individual seeks an escape route from inner and social darkness.
The live tracks capture the band's energy on one of the capital's most important stages, offering energetic reinterpretations of their repertoire, starting with “Hamlet's Mill Overture”, a high-impact instrumental track. Synth pads, prominent electric guitar riffs, and a dynamic rhythm section introduce the listener to the show with a distinctly symphonic and martial flavor as only Prog Metal can deliver.
Excellently recorded, the live performance continues with “Key To The Temple”, a track characterized by more decisive riffing and a pace close to symphonic Prog Metal, balanced by melodic openings led by the piano and enveloping vocal harmonies. Excellent live vocal mastery by Stefano Sbrignadello. The lyrics address the search for deep knowledge and the symbolic threshold (the key to the temple) that man must cross to access a higher awareness, overcoming his own dogmatic limits.
Now comes a song sung in Italian, “C’è Casa A 30 Miglia”, an episode that shows the band's more intimate, singer-songwriter side, where the Prog component meets the tradition of 1970s Italian Progressive Rock. An arrangement dominated by the piano, featuring an emotional crescendo led by the lead guitar. It deals with the theme of return, distance, and the value of one's homeland or emotional sanctuary to converge upon during moments of bewilderment.
At this point, it is time for a rearranged excerpt of the suite “Possessed By Time”, originally featured on their first album. Live, it gains great immediacy through the dialogue between Hammond organ and guitar with continuous dynamic rises and falls, up to the delicate female vocal counterpoint. It is a moment that also highlights the band's Folk side.
The concert finale with “Dance Of The Stars” is overwhelming and festive. A complex rhythmic structure with odd time signatures weaves together vintage keyboard textures and a lyrical guitar solo.
In conclusion, “Dark Ages Suite & Live in Roma” proves to be a mature and multifaceted work, capable of balancing the complex drama of studio composition with the freshness and expressive power of the live dimension. Blacksmith Tales demonstrate not only that they can handle the language of symphonic Progressive Rock with rare mastery, but also that they know how to shape it with sensitivity. An essential listen for anyone seeking something in contemporary Prog that goes far beyond simple technical skill. MS

 

 

 

Haken

HAKEN - In A Fever Dream
Inside Out
Genere: Metal Progressive
Supporto: EP / CD / Digital – 2026

Oramai conosciamo bene la band inglese Haken, ma un cenno storico ci sta sempre bene: Nati a Londra nel 2007 su iniziativa del chitarrista/tastierista Richard Henshall e del cantante Ross Jennings, gli Haken si sono affermati come uno dei nomi più innovativi della scena Prog Metal contemporanea. Con gli album d'esordio “Aquarius” (2010) e “Visions” (2011), la band ha mostrato forti influenze di Dream Theater, Gentle Giant e Yes, per poi consacrarsi a livello internazionale con il capolavoro “The Mountain” (2013). Album come “Affinity” (2016), la duologia concettuale “Vector” (2018) / “Virus” (2020) e il recente “Fauna” (2023) hanno progressivamente introdotto sonorità Djent, contaminazioni synthwave ed elementi decisamente più pesanti e moderni.
Dopo l'addio dello storico tastierista Diego Tejeida (sostituito dal ritorno di Pete Jones), la band ha affrontato all'inizio del 2026 la separazione dal chitarrista Charlie Griffiths e dal bassista Conner Green. Per “In A Fever Dream”, il nucleo rimasto, Ross Jennings, Richard Henshall, Raymond Hearne e Pete Jones,  ha avvertito l'esigenza di condensare la propria urgenza espressiva in un EP cupo, viscerale e compatto, avvalendosi del contributo al basso di Adam "Nolly" Getgood e Bryan Beller e della produzione di George Lever.
L'EP ha una durata complessiva di circa 26 minuti distribuiti su 5 brani. Dal punto di vista lirico, l'opera esplora temi di smarrimento, disorientamento esistenziale e rielaborazione del cambiamento, come l'esperienza surreale di trovarsi bloccati in un incubo lucido (a fever dream) da cui si tenta di riemergere.
“In A Fever Dream” apre l'EP ponendo subito in chiaro le basi del nuovo corso. Inizia con arpeggi di synth ombrosi firmati da Pete Jones e riff di chitarra in accordatura ribassata firmati da Henshall. L'incedere è lento, atmosferico e quasi ipnotico, per poi esplodere in una sezione centrale ritmicamente complessa e sincopata dove la batteria di Ray Hearne guida cambi di tempo serrati. Esso rappresenta l'ingresso nella dimensione onirica distorta dove i versi descrivono la sensazione di perdere il controllo della realtà circostante e di sentirsi estranei persino a se stessi, una chiara metafora del senso di spaesamento provato di fronte ai grandi scossoni della vita.
Il singolo di punta dell’EP è “Delirium”, brano diretto, tirato e decisamente aggressivo che richiama le sonorità più pesanti di Vector e Virus. Si distingue per ritmiche d'impatto e uno spiccato dinamismo, in cui spiccano per la prima volta delle vocals quasi Post Hardcore sfumate ad accompagnare il canto pulito di Jennings. Il delirio descritto è l'incapacità di scindere i ricordi lucidi dalle allucinazioni provocate dalla febbre/trauma. Il ritornello è rabbioso e liberatorio, esprimendo il bisogno impellente di spezzare la spirale di paranoia.
Il brano più breve del lotto con i suoi tre minuti e mezzo è “Eclipsed By You”, dominato da un lavoro di tastiere dal gusto retro futurista e da linee di basso fluide e penetranti. Esso si muove su territori più sperimentali e dal groove spiccato. L'eclissi a cui fa riferimento il titolo simboleggia l'ombra ingombrante proiettata dalle aspettative esterne o dalle persone del passato. È una riflessione sulla perdita di identità e sulla fatica necessaria per ritrovare la propria voce.
“Bleeding Sky” invece è pubblicato come uno dei primi estratti dell'EP, e mette al centro melodie vocali struggenti sovrapposte a riff chitarristici taglienti. L'atmosfera è malinconica ma aperta, con un crescendo drammatico nella sezione finale dove le stratificazioni armoniche raggiungono l'apice. Il "cielo che sanguina" è l'immagine visiva della fine di un'era. C'è una forte componente di accettazione del dolore e del lutto emotivo, con la consapevolezza che le ferite sono indispensabili per avviare qualsiasi processo di guarigione.
L'apice compositivo dell'opera è la conclusiva “Lotus”. Parte con una suite acustica elettronica intima e cadenzata per poi svilupparsi in un classico impianto Progressive Rock articolato e avvolgente. Le linee soliste di Henshall e Jones dialogano tra loro creando un finale epico, meno cupo e più arioso rispetto al resto del disco. Il fiore di loto, tradizionalmente simbolo di rinascita che germoglia dal fango, chiude il cerchio narrativo. Dopo la febbre, il delirio e il senso di soffocamento, la traccia finale esprime una sensazione di catarsi e speranza: il risveglio dal sogno e la volontà di proiettarsi verso il futuro.
Infine “In A Fever Dream” sintetizza perfettamente il momento di transizione degli Haken. Pur riducendo leggermente i tecnicismi esasperati del passato a favore di maggiore groove, aggressività e pathos, la band dimostra una straordinaria capacità di reinventarsi senza perdere la propria matrice Prog. Interessante. MS 

Versione Inglese:

HAKEN - In A Fever Dream
Inside Out
Genre: Progressive Metal
Format: EP / CD / Digital – 2026

By now, we know the English band Haken well, but a historical note is always fitting: Formed in London in 2007 on the initiative of guitarist/keyboardist Richard Henshall and vocalist Ross Jennings, Haken have established themselves as one of the most innovative names in the contemporary Prog Metal scene. With their debut albums “Aquarius” (2010) and “Visions” (2011), the band showed strong influences from Dream Theater, Gentle Giant, and Yes, before earning international acclaim with the masterpiece “The Mountain” (2013). Albums like “Affinity” (2016), the conceptual duology “Vector” (2018) / “Virus” (2020), and the recent “Fauna” (2023) have progressively introduced Djent sounds, synthwave influences, and decidedly heavier, more modern elements.
Following the departure of longtime keyboardist Diego Tejeida (replaced by the return of Pete Jones), the band faced the separation from guitarist Charlie Griffiths and bassist Conner Green at the beginning of 2026. For “In A Fever Dream”, the remaining core—Ross Jennings, Richard Henshall, Raymond Hearne, and Pete Jones—felt the need to condense their expressive urgency into a dark, visceral, and compact EP, calling upon the bass contributions of Adam "Nolly" Getgood and Bryan Beller, along with the production of George Lever.
The EP has a total running time of about 26 minutes spread across 5 tracks. Lyrically, the work explores themes of feeling lost, existential disorientation, and processing change, much like the surreal experience of being trapped in a lucid nightmare (a fever dream) from which one tries to emerge.
“In A Fever Dream” opens the EP, immediately establishing the foundation for this new direction. It starts with shadowy synth arpeggios by Pete Jones and down-tuned guitar riffs by Henshall. The pace is slow, atmospheric, and almost hypnotic, before exploding into a rhythmically complex and syncopated central section where Ray Hearne's drums drive tight time signature changes. It represents the entry into a distorted dream dimension where the lyrics describe the feeling of losing control over surrounding reality and feeling like a stranger even to oneself—a clear metaphor for the sense of disorientation experienced when facing life's major upheavals.
The lead single of the EP is “Delirium”, a direct, driven, and decidedly aggressive track that recalls the heavier sounds of Vector and Virus. It stands out for its impactful rhythms and striking dynamism, featuring subtle, near-Post Hardcore vocals for the first time backing Jennings' clean singing. The delirium described is the inability to separate lucid memories from hallucinations caused by fever/trauma. The chorus is angry and cathartic, expressing the urgent need to break free from the spiral of paranoia.
The shortest track of the bundle at three and a half minutes is “Eclipsed By You”, dominated by retro-futuristic keyboard work and fluid, penetrating basslines. It moves through more experimental territories with a distinct groove. The eclipse referenced in the title symbolizes the towering shadow cast by external expectations or people from the past. It is a reflection on the loss of identity and the effort required to find one's own voice again.
“Bleeding Sky”, on the other hand, was released as one of the EP's first singles, centering around poignant vocal melodies layered over sharp guitar riffs. The atmosphere is melancholic yet open, building to a dramatic crescendo in the final section where harmonic layering reaches its peak. The "bleeding sky" serves as a visual image for the end of an era. There is a strong component of accepting pain and emotional grief, grounded in the realization that wounds are essential to initiating any healing process.
The compositional peak of the work is the closing track, “Lotus”. It begins as an intimate, mid-tempo acoustic-electronic suite before developing into an intricate, enveloping Progressive Rock arrangement. The lead lines of Henshall and Jones engage in dialogue, creating an epic finale that is less dark and more airy compared to the rest of the record. The lotus flower, traditionally a symbol of rebirth sprouting from the mud, brings the narrative full circle. After the fever, the delirium, and the feeling of suffocation, the final track conveys a sense of catharsis and hope: the awakening from the dream and the resolve to step forward into the future.
Ultimately, “In A Fever Dream” perfectly encapsulates Haken's transitional moment. While slightly dialing back the extreme technicality of the past in favor of more groove, aggression, and pathos, the band demonstrates a remarkable ability to reinvent themselves without losing their core Prog identity. Interesting.
MS

Una Suite: Supper's Ready

 

UNA SUITE: SUPPER’S READY

Genesis 1972

Quante volte abbiamo parlato ed ascoltato la suite per eccellenza del Rock Progressivo di tutti i tempi “Supper’s Ready” dei Genesis. Essa ha fatto scuola a migliaia di altre band e ad un sistema che ancora oggi non cenna di esistere. Ma cosa ha voluto significare veramente nel teso e nell’approccio alla musica? In questo piccolo speciale NONSOLO PROGROCK tenta di fare chiarezza su alcuni aspetti del brano.
Pubblicata nel 1972 all'interno dell'album “Foxtrot”, "Supper's Ready" è considerata una delle pietre miliari indiscutibili del Rock Progressivo. Con i suoi 23 minuti di durata divisi in 7 sezioni collegate, è una suite monumentale che fonde allegoria biblica, satira sociale, surrealismo, mitologia classica e un’esperienza personale profondamente angosciante.
Per comprendere l'opera, occorre calarla nell'atmosfera della Gran Bretagna dei primi anni '70:
Il 1972 è un anno d'oro per il Prog britannico (con capolavori di Yes, ELP, Jethro Tull). I musicisti non cercano più la semplice canzone pop da tre minuti, ma concepiscono gli album come opere sinfoniche strutturate, capaci di esplorare temi filosofici ed letterari complessi.
Svanito l'entusiasmo della "Summer of Love" e del '68, gli anni '70 si aprono con incertezza economica, tensioni sociali e l'ombra costante della Guerra Fredda e della minaccia nucleare. Il senso di imminente apocalisse presente nel brano riflette questo clima di precarietà collettiva.
Durante il tour di “Foxtrot”, Peter Gabriel iniziò a indossare costumi iconici per interpretare le varie sezioni della suite (la testa di volpe, l'abito rosso, la maschera del "Magog"). Questa dimensione teatrale rese i Genesis una delle band dal vivo più scenografiche del pianeta.
Il nucleo emotivo nasce da un episodio reale vissuto da Peter Gabriel. Una notte, mentre si trovava con la moglie Jill e il loro tour manager Richard Macphail in una stanza sottotetto a Kensington, Jill entrò in una sorta di stato di trance catatonica. Gabriel raccontò di aver percepito una presenza maligna nella stanza, vedendo persino le volti delle persone trasformarsi.
Per scacciare quell'atmosfera d'orrore improvvisò una croce con dei candelabri. L'evento lasciò un segno profondo nel cantante, spingendolo a riflettere sullo scontro spirituale tra le forze della luce e delle tenebre.
Il testo segue il viaggio spirituale di due amanti che vengono separati da forze cosmiche, attraversano un mondo distorto e apocalittico, e infine assistono al trionfo finale del Bene.
 

L’analisi:

 
“Lover's Leap”: Una tranquilla scena domestica tra due amanti si trasforma, guardando fuori dalla finestra, i volti cambiano e le ombre rivelano la presenza del male.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man” : Riguarda la satira sul potere e la religione. Compare un falso messia televangelista, un vigile urbano che promette la salvezza eterna in cambio di denaro e sottomissione. È una critica al dogmatismo e ai demagoghi.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Qui ci sono riferimenti al faraone Akhenaton e all'inquisizione. Viene descritta una battaglia cosmica dove l'umanità viene massacrata da eserciti meccanici.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citando il mito di Narciso, la sezione descrive il crollo della civiltà. I sopravvissuti si trasformano in statue di marmo, simbolo di egoismo e aridità spirituale.
 
“Willow Farm”: E’ un'improvvisa esplosione surreale e satirica (in stile Monty Python). Un mondo al contrario dove le persone diventano piante e la realtà è una farsa controllata.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In uno dei tempi musicali più celebri della storia del rock (9/8 con l'assolo di tastiera di Tony Banks), appare la Bestia dell’Apocalisse (Magog) insieme ai 666 draghi. È il culmine drammatico della suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Sulle note solenni di “Lover's Leap” rielaborate in chiave trionfale, appare la Nuova Gerusalemme. Il brano si chiude con il richiamo alla "Cena di Nozze dell'Agnello" (dal libro dell'Apocalisse di Giovanni).
 
Il titolo stesso, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), fa riferimento diretto al Capitolo 19 del Libro dell'Apocalisse, in cui si parla della "Cena delle Nozze dell'Agnello", il momento in cui Cristo si unisce definitivamente alla sua sposa (l'umanità redenta) dopo la sconfitta del male.
Nonostante le ambientazioni bizzarre e i giochi di parole tipici dello stile di Gabriel, il messaggio di fondo è profondamente umanista e spirituale: l'amore umano e la compassione sono gli unici strumenti capaci di guidare l'individuo attraverso la follia del mondo moderno, le illusioni del potere e l'oscurità spirituale. MS

Versione Inglese: 

A SUITE: SUPPER’S READY

Genesis - 1972

 
How many times have we spoken about and listened to the suite par excellence of all-time Progressive Rock, “Supper’s Ready” by Genesis. It set the standard for thousands of other bands and for a movement that still shows no sign of ceasing to exist today. But what did it truly mean in its lyrics and in its approach to music? In this short special, NONSOLO PROGROCK attempts to shed light on certain aspects of the track.
Released in 1972 on the album “Foxtrot”, "Supper's Ready" is considered one of the indisputable milestones of Progressive Rock. Clocking in at 23 minutes divided into 7 interconnected sections, it is a monumental suite that blends biblical allegory, social satire, surrealism, classical mythology, and a deeply distressing personal experience.
To understand the work, one must place it within the atmosphere of early 1970s Britain:
1972 was a golden year for British Prog (with masterpieces by Yes, ELP, Jethro Tull). Musicians were no longer looking for the simple three-minute pop song, but were conceiving albums as structured symphonic works, capable of exploring complex philosophical and literary themes.
With the enthusiasm of the "Summer of Love" and '68 having faded, the '70s opened with economic uncertainty, social tension, and the constant shadow of the Cold War and the nuclear threat. The sense of impending apocalypse present in the track reflects this atmosphere of collective precariousness.
During the “Foxtrot” tour, Peter Gabriel began wearing iconic costumes to interpret the various sections of the suite (the fox head, the red dress, the "Magog" mask). This theatrical dimension made Genesis one of the most visually spectacular live bands on the planet.
The emotional core stems from a real-life episode experienced by Peter Gabriel. One night, while staying with his wife Jill and their tour manager Richard Macphail in an attic room in Kensington, Jill entered a sort of catatonic trance state. Gabriel recounted perceiving an evil presence in the room, even seeing people's faces transform.
To drive away that atmosphere of horror, he improvised a cross using candleholders. The event left a deep mark on the singer, prompting him to reflect on the spiritual clash between the forces of light and darkness.
The lyrics follow the spiritual journey of two lovers who are separated by cosmic forces, traverse a distorted and apocalyptic world, and finally witness the ultimate triumph of Good.
 

The analysis:

 
“Lover's Leap”: A quiet domestic scene between two lovers is transformed; looking out the window, faces change and shadows reveal the presence of evil.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man”: Concerns satire on power and religion. A fake televangelist messiah appears—a traffic warden promising eternal salvation in exchange for money and submission. It is a critique of dogmatism and demagogues.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Here there are references to the pharaoh Akhenaten and the Inquisition. A cosmic battle is described where humanity is slaughtered by mechanical armies.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citing the myth of Narcissus, this section describes the collapse of civilization. The survivors turn into marble statues, symbolizing selfishness and spiritual sterility.
 
“Willow Farm”: This is a sudden surreal and satirical explosion (in the style of Monty Python). An upside-down world where people turn into plants and reality is a controlled farce.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In one of the most famous time signatures in rock history (9/8 with Tony Banks's keyboard solo), the Beast of the Apocalypse (Magog) appears along with the 666 dragons. It is the dramatic climax of the suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Over the solemn notes of “Lover's Leap” reworked in a triumphant key, the New Jerusalem appears. The track closes with a reference to the "Marriage Supper of the Lamb" (from the Book of Revelation by John).
 
The title itself, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), makes a direct reference to Chapter 19 of the Book of Revelation, which speaks of the "Marriage Supper of the Lamb"—the moment when Christ is definitively united with his bride (redeemed humanity) following the defeat of evil.
Despite the bizarre settings and wordplay typical of Gabriel's style, the underlying message is deeply humanist and spiritual: human love and compassion are the only tools capable of guiding the individual through the madness of the modern world, the illusions of power, and spiritual darkness.
MS