Brass Camel

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genere: Heavy Prog / Eclectic Prog
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

Come dicevano i mitici Monty Python negli anni ’70: “Ed ora qualcosa di completamente diverso…” e da dove se non dal Canada?
Qui avviso subito tutti gli amanti del genio Frank Zappa, i Brass Camel sono per voi! Ma c’è anche di più e lo scopriremo analizzando il loro terzo album “Brass Camel”.
Intanto loro sono originari di Vancouver (British Columbia) e sono capitanati dal polistrumentista, cantante e chitarrista Daniel Sveinson. Sveinson, attivo fin da giovanissimo sulla scena rock locale (spesso definito un vero e proprio enfant prodige della sei corde), ha fondato il progetto con la precisa intenzione di unire la complessità formale e l'ambizione del Progressive Rock anni '70 a ritmiche Funk, Heavy Blues e una spiccata teatralità Art Rock.
La formazione comprende Daniel Sveinson (chitarre, voce), Curtis Arsenault (basso, voce), Aubrey Ellefson (tastiere, voce) e Wyatt Gilson (batteria e percussioni), con gli ospiti Dylan Lammie (chitarra leslie) e Cat Madden (voce in “What Are You Going To Do”).
Non solo Frank Zappa, il sound dei Brass Camel cita maestri del Prog come Gentle Giant, Yes, Rush, ma anche Queen e i primi Spock’s Beard, innestando queste strutture ritmiche complesse e i cori polifonici su intelaiature Funk e grooves sincopati che ammiccano al Rock d'autore e alla Fusion moderna. L'intensa attività dal vivo, con oltre 100 date all'attivo prima della pubblicazione del disco, ha permesso al quintetto di sviluppare un'intesa dinamica e un sound d'impronta analogica e "live in studio".
Siamo al cospetto di un concept album incentrato su un unico brano di quarantacinque minuti suddiviso in dieci tracce a partire da “You’ve Got Time”, una riflessione sulla percezione del tempo nella quotidianità moderna. Il testo evidenzia il paradosso tra l'ossessione per le scadenze e lo spreco del tempo in distrazioni superficiali, invitando a riappropriarsi del proprio tempo prima che scada. Daniel Sveinson guida l'incipit con un riff di chitarra in tempo dispari, supportato dal lavoro di basso di Curtis Arsenault. Le tastiere di Aubrey Ellefson forniscono tessiture vintage, mentre l'arrangiamento vocale sfoggia stratificazioni di controcanti e armonie polifoniche di chiarissima estrazione Gentle Giant-iana. Uno dei punti di forza della band sono proprio le coralità, oltre che l’interpretazione variegata e sentita, a tratti teatrale.
Attaccata prosegue il groove “What Are You Going To Do?”: qui Zappa è saccheggiato alla grande a partire dai ritmi Funk Rock. La sezione centrale devia in tempi dispari sincopati e incastri virtuosistici tra synth e chitarra solista prima di esplodere nel ritornello. Una bomba sonora.
Sopraggiunge “Why Bother?”, con riferimenti ai Queen e alcuni passaggi alla Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” è elaborata, ma la band riesce a far passare il tutto come se fosse facile come bere un bicchiere d’acqua, e questo grazie alle doti tecnico-strumentali a loro disposizione. Il testo tratta il resoconto di un fallimento condiviso (una relazione, una partnership o un'impresa). Il tono non è solo d'amarezza, ma rimarca la dignità di aver provato fino in fondo senza risparmiare energie.
In “Ice Cold” si entra nell’Hard Prog di matrice Led Zeppelin e si affrontano il distacco emotivo, la calcolata freddezza e l'opportunismo di certi individui nelle dinamiche interpersonali e professionali. Il personaggio "Ice Cold" viene ritratto con spiccata teatralità.
Il concept si spezza ed è la volta di “Careful What You Wish For”, un altro mix di generi che in alcuni frangenti incontra le ritmiche del piano dei Supertramp. Il pezzo è una rilettura del classico ammonimento morale sulle ambizioni sfrenate, la conquista di ciò che si desiderava a tutti i costi spesso rivela risvolti inattesi, problematici o distruttivi.
“Everybody Loves A Scandal” ha il profumo degli anni ’70 più ricercati ed è ancora una volta prossima alle scelte corali e vocali in stile Zappa. Il testo vuole essere una satira pungente nei confronti della voyeuristica attrazione della società per i pettegolezzi, i drammi privati e il declino delle figure pubbliche nei media e sui social network.
La band sale in cattedra strumentalmente in “Catch Us If You Can”, un'esplosione di sonorità e scelte che a tratti riescono a spiazzare l’ascoltatore. Inno alla libertà.
In pieno stile Brass Camel è “Last Call”, mentre la conclusiva “This Is Goodbye” ha negli arrangiamenti di tastiera e nei tempi dilatati l’asso nella manica e saluta l'ascoltatore, lasciando aperta la strada ai futuri sviluppi stilistici.
Avete capito bene: è un disco ricolmo di storia, strumenti, voci, melodie e virtuosismi. Soltanto attenzione per chi non è avvezzo ai raggi di questa musica, perché si rischia l’insolazione. MS

Versione Inglese:

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genre: Heavy Prog / Eclectic Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

As the legendary Monty Python used to say back in the ’70s: “And now for something completely different…” and where else could it come from if not Canada?
Right off the bat, a heads-up to all lovers of Frank Zappa's genius: Brass Camel are for you! But there is even more to it, as we will discover by analyzing their third album, “Brass Camel”.
Hailing from Vancouver (British Columbia), the band is led by multi-instrumentalist, lead vocalist, and guitarist Daniel Sveinson. Active on the local rock scene from a very young age (and often defined as a true six-string child prodigy), Sveinson founded the project with the clear intention of blending the formal complexity and ambition of ’70s Progressive Rock with Funk rhythms, Heavy Blues, and a distinct Art Rock theatricality.
The lineup features Daniel Sveinson (guitars, vocals), Curtis Arsenault (bass, vocals), Aubrey Ellefson (keyboards, vocals), and Wyatt Gilson (drums and percussion), along with guests Dylan Lammie (Leslie guitar) and Cat Madden (vocals on “What Are You Going To Do”).
It's not just Frank Zappa: Brass Camel's sound quotes Prog masters like Gentle Giant, Yes, and Rush, but also Queen and early Spock’s Beard, grafting these complex rhythmic structures and polyphonic vocal harmonies onto Funk frameworks and syncopated grooves that nod to refined songwriting and modern Fusion. Their intense live activity—with over 100 shows under their belt prior to releasing the record—has allowed the quintet to develop a dynamic chemistry and an analog, "live-in-the-studio" sound.
We find ourselves before a concept album centered on a single forty-five-minute piece divided into ten tracks, starting with “You’ve Got Time”, a reflection on the perception of time in modern daily life. The lyrics highlight the paradox between an obsession with deadlines and wasting time on superficial distractions, urging us to reclaim our time before it runs out. Daniel Sveinson leads the opening with an odd-meter guitar riff, backed by Curtis Arsenault's basswork. Aubrey Ellefson's keyboards provide vintage textures, while the vocal arrangement showcases layers of counterpoints and polyphonic harmonies of clear Gentle Giant descent. Indeed, one of the band's greatest strengths lies in its vocal harmonies, as well as its varied, heartfelt, and at times theatrical delivery.
Flowing seamlessly, the groove of “What Are You Going To Do?” takes over: here Zappa is heavily pillaged, starting right from the Funk Rock rhythms. The midsection veers into syncopated odd time signatures and virtuosic interchanges between synth and lead guitar before exploding into the chorus. A sonic powerhouse.
Then comes “Why Bother?”, featuring nods to Queen and a few passages reminiscent of Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” is elaborate, yet the band manages to make it all sound effortless, thanks to the technical and instrumental chops at their disposal. The lyrics chronicle a shared failure (a relationship, a partnership, or an endeavor). The tone isn't merely bitter; it highlights the dignity of having tried all the way without holding anything back.
In “Ice Cold”, we step into Led Zeppelin-esque Hard Prog, dealing with emotional detachment, calculated coldness, and the opportunism of certain individuals in interpersonal and professional dynamics. The "Ice Cold" character is portrayed with striking theatrical flair.
The concept breaks, giving way to “Careful What You Wish For”, another genre blend that in certain moments crosses paths with Supertramp-style piano rhythms. The track is a reinterpretation of the classic moral warning about unchecked ambitions: achieving what was desired at all costs often reveals unexpected, problematic, or destructive consequences.
“Everybody Loves A Scandal” carries the scent of the most refined ’70s rock and once again stays close to Zappa-style vocal and choral arrangements. The lyrics serve as a biting satire aimed at society's voyeuristic fascination with gossip, private drama, and the downfall of public figures across media and social networks.
Instrumentally, the band puts on a masterclass in “Catch Us If You Can”, an explosion of sound and stylistic choices that occasionally manage to catch the listener off guard. An anthem to freedom.
“Last Call” is delivered in full Brass Camel fashion, while the closing track, “This Is Goodbye”, holds its ace in the hole with its keyboard arrangements and spacious time signatures, bidding farewell to the listener and leaving the door open for future stylistic developments.
You heard it right: this is a record packed with history, instruments, vocals, melodies, and virtuosity. Just a word of caution for those unaccustomed to the rays of this music, as you might risk a sunburn. MS

Confusion Field

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Autoproduzione / Rockshots Records
Genere: Heavy Prog / Post Prog Moderno
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Amanti di Steven Wilson e company, ecco a voi il ritorno del progetto finlandese Confusion Field intitolato “Resilience Remains”.
Confusion Field è guidato dal polistrumentista, compositore e cantante finlandese Tomi Kankeinen. Originario di Oulu, Kankeinen vanta un lungo percorso nella scena musicale finnica, con trascorsi che abbracciano Heavy Metal, Hard Rock e Synth-Pop, sfociati poi nella naturale inclinazione verso il Post Prog Moderno.
Affiancato dal batterista Jani "Inkeri" Aho e dal tastierista/produttore Petteri Claesson, il progetto nasce con l'intento di fondere l'impatto ritmico e le sonorità chitarristiche del New Prog/Prog Metal (sulla scia di Porcupine Tree, Riverside e Steven Wilson) con trame di sintetizzatori moderne, sintetizzando melodia ed energia d'impatto.
“Resilience Remains” è il terzo album in studio dopo gli ottimi “Disconnection Complete” (2021) e “Future Impact Of Past Diversions” (2023), molto apprezzati sia dalla critica che dal pubblico (una prova l’avete su Prog Archives). L'album esplora tematiche esistenziali e psicologiche come la resistenza interiore, l'alienazione moderna, il sovraccarico informativo e la ricerca di identità di fronte al caos collettivo.
Rimango piacevolmente colpito in positivo dall’apertura dell’album “Maintain The Uncertainty”, che oltre ad essere il primo singolo, è un insieme di sonorità rapite dal passato e approfondite nel presente, con un condimento sonoro tipico di Wilson. La struttura alterna momenti rarefatti, guidati dalla voce pulita ed espressiva di Kankeinen, a fiammate d'impatto con assoli di chitarra fluidi e ben bilanciati. Nel testo si affronta l'incertezza come stato necessario dell'esistenza. Piuttosto che cercare certezze dogmatiche o facili risposte, il testo invita ad "abbracciare il dubbio", inteso come unico strumento reale per mantenere la mente aperta ed evitare il controllo sociale.
Curato negli arrangiamenti, il secondo singolo “Conjuring Conflict” gode di un ritornello davvero accattivante e di un incedere arioso oltre che energico. Vuole essere una riflessione sulla polarizzazione dei rapporti umani e sulla tendenza dei media e della società contemporanea a "evocare il conflitto" per profitto o controllo. Il testo descrive l'attrito costante generato dalle incomprensioni pilotate.
Il Post Prog Moderno vive anche di arie malinconiche (e ad esempio i Riverside ci hanno costruito sopra una carriera) ed è anche il caso di “Sea Of Irrelevance”, che parte con una chitarra pulita ed effetti di tastiera spaziali per poi sviluppare un crescendo emozionale supportato da un basso profondo e pulsante. È l'inquietudine di sentirsi sommersi da un "mare di irrilevanza", dove il rumore di fondo della quotidianità e del mondo digitale rischia di cancellare il valore e la memoria delle singole azioni umane. E a proposito del nominato Steven Wilson, provate ad ascoltare “Blame Gravity”.
Ci sono brani che si avvicinano di più alla formula canzone diretta come “Is That All?”, una domanda aperta sul senso del compimento. Raggiunti determinati scopi o superati determinati ostacoli, ci si chiede se la vita si riduca solo a questo o se esista un livello ulteriore di consapevolezza.
Repentino cambio di rotta con tinte quasi Cyberpunk/Industrial Progressive in “A New Code”: la necessità di riscrivere il proprio "codice" morale ed emotivo per sopravvivere in un mondo in rapida trasformazione. Un tema di rinascita e riprogrammazione interiore per spezzare vecchi schemi nocivi.
Immaginate ora di unire la New Wave al Metal, il risultato è “The Echo Collector”, a cui non mancano neppure incursioni nel Neo Prog!
“Restricted Area” e la conclusiva “Graceful Deceit” chiudono al meglio l’album, dove l'inganno aggraziato ("Graceful Deceit") è la costante illusione di controllo che ci costruiamo attorno. Il testo sottolinea che, nonostante le illusioni e le cadute, ciò che rimane alla fine è proprio la resilienza (Resilience Remains).
Con “Resilience Remains”, i Confusion Field non cercano di rivoluzionare i canoni del Progressive Rock moderno, ma dimostrano una straordinaria maturità nel maneggiare la materia. Io ho apprezzato numerose arie che mi hanno fatto volare alto con la fantasia, e ciò mi basta. MS 

Versione Inglese:

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Self-Released / Rockshots Records
Genre: Heavy Prog / Modern Post Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

To all fans of Steven Wilson and company, here is the return of the Finnish project Confusion Field titled “Resilience Remains”.
Confusion Field is led by Finnish multi-instrumentalist, composer, and singer Tomi Kankeinen. Hailing from Oulu, Kankeinen boasts a long journey in the Finnish music scene, with a background spanning Heavy Metal, Hard Rock, and Synth-Pop, which eventually merged into his natural inclination towards Modern Post Prog.
Joined by drummer Jani "Inkeri" Aho and keyboardist/producer Petteri Claesson, the project was born with the intention of blending the rhythmic impact and guitar textures of New Prog/Prog Metal (in the vein of Porcupine Tree, Riverside, and Steven Wilson) with modern synthesizer arrangements, synthesizing melody and punchy energy.
“Resilience Remains” is their third studio album following the excellent “Disconnection Complete” (2021) and “Future Impact Of Past Diversions” (2023), both highly praised by critics and fans alike (you can find proof on Prog Archives). The album explores existential and psychological themes such as inner resilience, modern alienation, information overload, and the search for identity in the face of collective chaos.
I am pleasantly impressed by the album's opening track, “Maintain The Uncertainty”, which, besides being the first single, is a fusion of sounds borrowed from the past and expanded in the present, infused with a flavor typical of Wilson. The structure alternates between atmospheric, subtle moments—guided by Kankeinen's clean and expressive vocals—and impactful bursts featuring fluid, well-balanced guitar solos. The lyrics address uncertainty as a necessary state of existence. Rather than seeking dogmatic certainties or easy answers, the song invites us to "embrace doubt", seen as the only real tool to keep an open mind and avoid social control.
Meticulously arranged, the second single “Conjuring Conflict” features a genuinely catchy chorus alongside an airy yet energetic drive. It serves as a reflection on the polarization of human relationships and the tendency of modern media and society to "conjure conflict" for profit or control. The text describes the constant friction generated by engineered misunderstandings.
Modern Post Prog also thrives on melancholic moods (Riverside, for instance, built a career on them), and that is certainly the case with “Sea Of Irrelevance”. Starting with clean guitar and spacey keyboard effects, it builds into an emotional crescendo supported by a deep, pulsing bassline. It captures the anxiety of feeling submerged in a "sea of irrelevance", where the background noise of daily life and the digital world threatens to erase the value and memory of individual human actions. And speaking of Steven Wilson, give “Blame Gravity” a listen.
Some tracks lean closer to a direct song format, such as “Is That All?”, an open question about the sense of fulfillment. Once certain goals are achieved or specific obstacles overcome, one wonders if life is reduced to just this or if a higher level of awareness exists.
A sudden shift in direction brings almost Cyberpunk/Industrial Progressive shades in “A New Code”: the need to rewrite one's own moral and emotional "code" to survive in a rapidly changing world. A theme of rebirth and inner reprogramming to break harmful old patterns.
Now imagine combining New Wave with Metal: the result is “The Echo Collector”, which even features touches of Neo Prog!
“Restricted Area” and the closing track “Graceful Deceit” wrap up the album at its best. Here, the graceful deceit ("Graceful Deceit") represents the constant illusion of control we build around ourselves. The lyrics emphasize that, despite illusions and falls, what ultimately endures is resilience itself (Resilience Remains).
With “Resilience Remains”, Confusion Field do not attempt to revolutionize the standards of modern Progressive Rock, but they demonstrate extraordinary maturity in handling the genre. I personally enjoyed numerous passages that allowed my imagination to soar, and for me, that is more than enough. MS

 

Ilamb

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digital – 2026

La vita è fatta di sogni, specialmente quando si è giovani, e il pensare al futuro per volersi realizzare è un obiettivo dell’esistenza. È splendido quando si ha al proprio fianco un genitore che avalla la tua volontà e che ti sostiene in questo percorso fatto comunque di insidie, una mano tesa che dà fiducia, perché la felicità rende l’uomo libero.
Questo è anche il concept dell’album “Trip To Heaven – Redux”, che rappresenta la rilettura completa e la ri-attualizzazione sonora dell'opera uscita come album di esordio nel 2016 del duo ILAMB. Il lavoro sfoggia un nuovo missaggio e mastering per valorizzare la dinamica audio digitale, inserti di chitarra riregistrati, sezioni acustiche arricchite e un bilanciamento delle frequenze concepito per enfatizzare il contrasto tra parti intime e aperture sinfonico-Rock.
ILAMB è guidato dal polistrumentista, compositore e arrangiatore palermitano Davide Agnello, che cura chitarre, tastiere, programmazioni, arrangiamenti e gran parte del songwriting, avvalendosi di collaborazioni vocali e di sezione ritmica nei singoli brani.
L’introduzione al percorso è affidata alla strumentale “Start”, con tastiere eteree e suoni d'ambiente che preparano il terreno all'ascolto, creando un'atmosfera sospesa. I richiami ai Pink Floyd sono evidenti soprattutto nello slide della chitarra e negli effetti eco che la circondano. Essa conduce a “Son To Father”, altro movimento etereo in cui il cantato esprime la consapevolezza del ragazzo protagonista di non essere più una semplice ombra o un pensiero, ma un'anima viva nel mondo grazie al padre.
Così “Father To Son” è complementare al precedente, mostrando una struttura più solida e matura, sostenuta da una sezione ritmica maggiormente incisiva e prossima nelle chitarre a “Dogs” sempre dei Pink Floyd, tanto per darvi un punto di riferimento. Il testo riflette la responsabilità, la protezione, le speranze e il timore di trasmettere le proprie fragilità alla generazione successiva. A dir poco bellissimo il lungo solo finale, che farà la gioia di chi ama questo sound sostenuto e sognante (me compreso).
“King Of The World”, nei suoi otto minuti abbondanti, si affaccia anche nel mondo dei Porcupine Tree. Racconta l'onnipotenza illusoria della giovinezza e dell'egocentrismo ("I want to run all day and see every place..."), riflettendo l'ambizione smisurata e la sensazione di invincibilità che caratterizzano una specifica fase della vita. Nella fase centrale il brano si spezza e diventa psichedelico e avvolgente. È proprio qui che parte una fuga in stile “Metanoia”, visto che ho nominato la band di Steven Wilson, ma con tastiere Neo Prog a supporto, a testimonianza che comunque Agnello ha una personalità ben definita. Un altro interludio psichedelico porta il titolo “Encounter” e conduce a “Deep Inside”, introdotto da un solo di batteria. Il basso si fa più presente mentre la chitarra rilascia riff elettrici drammatici che potrebbero risiedere anche in “Deadwing” (Porcupine Tree). Se siete amanti dei solo di chitarra adrenalinici, il brano fa al caso vostro; personalmente è uno dei movimenti che ho maggiormente apprezzato, ottimo anche l'intervento dei synth.
“My Imagination” emotivamente alza il tiro e riconduce ancora una volta il sound nel mondo dei Pink Floyd più toccanti, in cui la chitarra elettrica rilascia un altro lungo assolo da pelle d’oca. Il finale è affidato alla chitarra acustica… E ho detto tutto.
Il terzo interludio s’intitola “Spring” ed è una ballata acustica a sua volta toccante che mette in evidenza (se ancora ce ne fosse il bisogno) la sensibilità melodica di Davide Agnello. Segue “Spring (Reprise)”, brano Rock in modalità “The Division Bell” (Pink Floyd).
Altro brano dal forte impatto è “The Boy Becomes The Man”, ovviamente in crescendo sonoro, che tratta il passaggio definitivo dall'innocenza della giovinezza alla consapevolezza adulta, con l'accettazione dei propri limiti e delle responsabilità.
Dopo il breve sound da carillon di “Toys”, è la volta di “It's The Life”, altra perla melodica e sognante su cui lasciarsi trasportare.
“Heaven” rappresenta la catarsi, la pace ritrovata e la meta del viaggio (il "cielo" inteso come stato di quiete spirituale e piena riconciliazione con se stessi). Altamente Prog, il brano ha interventi sonori che richiamano il flauto e quanto di sinfonico gli anni ’70 ci hanno donato. Segue l’immancabile crescendo.
La chiusura è affidata a “End Of Stars”, bucolica e straziante, con l’immancabile chitarra elettrica che strizza l’occhio a “Marooned” (Pink Floyd).
L'operazione Redux di “Trip To Heaven” non è un semplice maquillage sonoro, ma una vera e propria rifocalizzazione emotiva, il suono ne esce rinvigorito, le dinamiche respirano e ogni traccia trova la giusta collocazione all'interno dell'architettura dell'opera. È un disco che richiede un ascolto attento, intimo, preferibilmente a luci soffuse e senza interruzioni, per lasciarsi trasportare lungo le tappe di questo viaggio di crescita e riconciliazione. Vorresti non finisse mai. MS 

Versione Inglese:

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Self-released
Genre: Modern Post-Prog
Format: Digital – 2026

Life is made of dreams, especially when you are young, and thinking about the future to fulfill yourself is a core goal of existence. It is wonderful to have a parent by your side who endorses your vision and supports you along this path—a journey filled with pitfalls nonetheless—offering a helping hand that inspires confidence, because happiness sets humankind free.
This is also the concept behind the album “Trip To Heaven – Redux”, which represents a complete reinterpretation and sonic updating of the duo ILAMB’s 2016 debut release. The work features a fresh mix and master designed to enhance digital audio dynamics, re-recorded guitar parts, enriched acoustic sections, and a frequency balance crafted to emphasize the contrast between intimate passages and sweeping symphonic-rock openings.
ILAMB is led by Palermitan multi-instrumentalist, composer, and arranger Davide Agnello, who handles guitars, keyboards, programming, arrangements, and most of the songwriting, while featuring guest vocalists and rhythm sections across individual tracks.
The introduction to this journey is entrusted to the instrumental track “Start”, featuring ethereal keyboards and ambient sounds that pave the way for the listening experience, creating a suspended atmosphere. Pink Floyd influences are clear, particularly in the slide guitar work and the surrounding delay effects. It leads into “Son To Father”, another ethereal movement where the vocals convey the young protagonist's realization that he is no longer just a shadow or a thought, but a living soul in the world thanks to his father.
Thus, “Father To Son” serves as a natural counterpart, displaying a sturdier, more mature structure anchored by a punchier rhythm section and guitars reminiscent of Pink Floyd's “Dogs”, just to give you a point of reference. The lyrics reflect responsibility, protection, hopes, and the fear of passing one's own vulnerabilities down to the next generation. The long closing solo is simply sublime and will delight anyone who loves this sustained, dreamlike sound (myself included).
“King Of The World”, spanning over eight generous minutes, also ventures into Porcupine Tree territory. It chronicles the illusory omnipotence of youth and egocentrism ("I want to run all day and see every place..."), reflecting the boundless ambition and feeling of invincibility that define a specific stage of life. In its middle section, the track breaks down, becoming psychedelic and atmospheric. It is precisely here that a run in the vein of “Metanoia” kicks off—since I mentioned Steven Wilson’s band—supported by Neo-Prog keyboards, proving that Agnello possesses a well-defined artistic identity. Another psychedelic interlude titled “Encounter” leads into “Deep Inside”, introduced by a drum solo. The bass takes center stage while the guitar delivers dramatic electric riffs that wouldn't feel out of place on Porcupine Tree's “Deadwing”. If you are a fan of adrenaline-fueled guitar solos, this track is right up your alley; personally, it is one of the movements I enjoyed the most, complemented by excellent synth work.
“My Imagination” raises the emotional stakes and once again steers the sound toward the most touching side of Pink Floyd, featuring another goosebump-inducing, extended guitar solo. The ending is left to the acoustic guitar… Enough said.
The third interlude is titled “Spring”, a deeply moving acoustic ballad that highlights—if there were still any doubt—Davide Agnello’s melodic sensitivity. This is followed by “Spring (Reprise)”, a rock track leaning into “The Division Bell” territory.
Another high-impact track is “The Boy Becomes The Man”, building up through a dramatic musical crescendo to address the definitive transition from youthful innocence to adult awareness, embracing personal limits and responsibilities.
After the brief, music-box-like soundscape of “Toys”, it is time for “It's The Life”, another melodic, dreamlike gem to get lost in.
“Heaven” represents catharsis, peace rediscovered, and the destination of the journey (the "heaven" understood as a state of spiritual tranquility and complete reconciliation with oneself). Highly progressive in nature, the track features sonic textures echoing flutes and the classic symphonic flourishes that the 1970s bestowed upon us, followed by an inevitable crescendo.
The closing is entrusted to “End Of Stars”, bucolic and heartbreaking, with an ever-present electric guitar that tips its hat to Pink Floyd's “Marooned”.
The Redux treatment of “Trip To Heaven” is no mere sonic facelift; it is a genuine emotional refocusing. The sound comes out invigorated, the dynamics breathe, and every track finds its rightful place within the work's overall architecture. It is an album that demands attentive, intimate listening—preferably under dim lights and without interruptions—to let yourself be carried away along the milestones of this journey of growth and reconciliation. You'll wish it would never end. MS

Last Knight

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

La musica classica è sempre stata un fulcro centrale in moltissima della proposta sonora moderna, tanto che il Progressive Rock ne fa sinfonia e ne arricchisce il linguaggio che nel Rock stesso non sarà più chitarrocentrico.
Fa piacere imbattersi in progetti nei quali anche la storia medievale si va ad allacciare a questo contesto, apportando un'ulteriore crescita creativa.
I Last Knight sono un progetto multinazionale di José Manuel Medina fondato nel 1997 e nel corso degli anni moltissimi musicisti si sono alternati all’interno della line-up, tra cui Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp) o Maggie Reilly. La discografia si concentra solitamente su concept storici, ad iniziare da “Lord Of The Time” del 2001, a cui seguono altri cinque album compreso questo “The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias” che inizia una nuova trilogia di racconti. Ambientato durante la Reconquista nella penisola iberica (711–1492 d.C.), tratta della nascita del Regno delle Asturie ad opera di Don Pelayo dopo la battaglia di Covadonga (722 d.C.), primo nucleo della resistenza cristiana contro l'espansione del Califfato e punto di partenza della formazione dei futuri regni di León, Galizia e Navarra (Pamplona).
Il progetto dunque è alquanto ambizioso e ricco di musicisti che vado in ordine ad elencare: Jose Manuel Medina (voce, tutti gli strumenti), Marc Atkinson (voce e cori), Mariano Gardella (voce e cori), Deibys Artigas (voce e cori), Rafael Pacha (chitarre, violino, percussioni, mandolino, flauto), Pablo Lato (basso), Nelson Pombal (chitarre), Kheiro Lamri (chitarre), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violino), Ian Palmer (batteria) e la The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
Il minutaggio è alquanto esteso: 71 minuti di musica suddivisa in 15 brani.
Ovviamente si parte con un'overture, anzi, “The Grand Overture”, un brano interamente strumentale sinfonico. Utilizza strati di tastiere, orchestrazioni synth, chitarre elettriche e ritmi dinamici per presentare i temi musicali ricorrenti dell'album.
“In The Middle Ages” è invece un brano di Rock Progressivo classico dove le chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano con synth e organo. Sviluppa una melodia vocale principale fluida con cambi di tempo centrali e narra la vita quotidiana, le incertezze e la dura realtà della penisola iberica all'inizio del Medioevo, introducendo il clima di scontro imminente tra diverse culture e fedi. Tuttavia credetemi che non è assolutamente il caso di fare un'analisi per ogni singolo movimento sonoro in quanto il contesto lo avete compreso e vi annoiereste nel leggere, siamo sempre fra grandi melodie e tanta sinfonia; ma devo sottolineare la bellezza di almeno tre brani che fanno di questo concept un grande disco: “War”, decisamente Hard Rock dal sapore vintage, e la suite “The Kingdom Of Leon”, fulcro dell’album assieme alla seconda “The Kingdom Of Galicia”. Essa alterna sezioni sinfoniche, assoli di tastiera in pieno stile prog settantiano, momenti acustici e imponenti crescendo orchestrali. Narra l'espansione delle Asturie verso sud, la traslazione della capitale e la nascita del potente Regno di León, cuore politico della Reconquista.
I Last Knight dimostrano ancora una volta come il Prog Rock sinfonico sappia farsi eccellente veicolo di narrazione storica. Tra fughe orchestrali, ricami folk celtico-iberici e repentine vette elettrificate, il disco restituisce tutta l'epicità e la drammaticità della nascita dei regni di Spagna. Un ascolto denso, colto e profondamente immersivo, consigliato a tutti gli amanti delle grandi architetture concettuali. Quando la musica diventa film per la mente, i Last Knight ne sono ottimi registi. MS

Versione Inglese:

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Classical music has always been a central core in much of modern musical output, so much so that Progressive Rock turns it into symphony, enriching a language that within Rock itself is no longer strictly guitar-centric.
It is a pleasure to come across projects in which medieval history ties into this context as well, bringing further creative growth.
Last Knight is an international project led by José Manuel Medina, founded in 1997. Over the years, many musicians have rotated through the lineup, including Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp), and Maggie Reilly. Their discography typically focuses on historical concept albums, starting with "Lord Of The Time" in 2001, followed by five other albums including this "The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias," which begins a new trilogy of stories. Set during the Reconquista in the Iberian Peninsula (711–1492 AD), it deals with the birth of the Kingdom of Asturias led by Don Pelayo after the Battle of Covadonga (722 AD)—the initial core of Christian resistance against the expansion of the Caliphate and the starting point for the formation of the future kingdoms of León, Galicia, and Navarre (Pamplona).
The project is therefore quite ambitious and rich in musicians, whom I will list in order: Jose Manuel Medina (vocals, all instruments), Marc Atkinson (lead and backing vocals), Mariano Gardella (lead and backing vocals), Deibys Artigas (lead and backing vocals), Rafael Pacha (guitars, violin, percussion, mandolin, flute), Pablo Lato (bass), Nelson Pombal (guitars), Kheiro Lamri (guitars), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violin), Ian Palmer (drums), and The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
The running time is fairly extensive: 71 minutes of music divided into 15 tracks.
Naturally, it begins with an overture—or rather, “The Grand Overture”—an entirely instrumental symphonic track. It uses layers of keyboards, synth orchestrations, electric guitars, and dynamic rhythms to introduce the recurring musical themes of the album.
“In The Middle Ages” is instead a classic Progressive Rock track where acoustic and electric guitars intertwine with synths and organ. It develops a fluid lead vocal melody with mid-track time changes and narrates daily life, the uncertainties, and the harsh reality of the Iberian
Peninsula at the beginning of the Middle Ages, introducing the atmosphere of impending conflict between different cultures and faiths. However, believe me, there is no need to analyze every single musical movement, as you have already grasped the context and would get bored reading it—we are consistently surrounded by great melodies and rich symphonies. Still, I must highlight the beauty of at least three tracks that make this concept a great album: “War,” which is decidedly vintage-flavored Hard Rock, and the suite “The Kingdom Of Leon,” the centerpiece of the album alongside the second suite, “The Kingdom Of Galicia.” It alternates symphonic sections, 70s-style prog keyboard solos, acoustic passages, and majestic orchestrations in a building crescendo. It tells the story of the southward expansion of Asturias, the relocation of the capital, and the birth of the powerful Kingdom of León, the political heart of the Reconquista.
Last Knight prove once again how symphonic Prog Rock can serve as an excellent vehicle for historical storytelling. Between orchestrations, Celtic-Iberian folk flourishes, and sudden electrified peaks, the record conveys all the epic scale and drama surrounding the birth of the kingdoms of Spain. A dense, cultured, and deeply immersive listen, recommended to all lovers of grand conceptual structures. When music turns into a film for the mind, Last Knight serve as excellent directors. MS

Pallas

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

I Pallas fanno parte della scena storica degli anni ’80 in ambito Neo Prog assieme a Marillion, IQ, Pendragon ecc. Mi ricordo che fu devastante l’ascolto dell’album “The Sentinel” nel 1984, con quella splendida copertina gatefold in stile Roger Dean (Yes): una ventata di aria fresca per chi in quel periodo era in astinenza di Rock Progressivo. Tante tastiere epiche e un senso spiccato della drammaticità, elevato all’ennesima potenza dalla voce recitativa di Euan Lowson.
Ne sono passati di anni e, dopo stop e ripartenze, la band ha saputo mantenere uno standard qualitativo costante malgrado i vari cambi di lineup. Altro gioiellino fu il ritorno negli anni ’90 con “Beat The Drum” (1998) e anche l’ottimo “The Cross & The Crucible”, album che vi consiglio vivamente di andare a riscoprire, in essi c'è l’essenza stessa del Neo Prog.
Nove gli album in studio compreso questo “A Song For Tomorrow”, da cui ripongo alte aspettative visto che al microfono si vede il ritorno dello storico Alan Reed.
Il senso di drammaticità è ancora intatto (anche troppo) nelle dieci canzoni contenute nell’album, mentre la formazione è composta da Alan Reed (voce), Niall Mathewson (chitarra, percussioni, voce), Graeme Murray (basso, voce) e Ronnie Brown (tastiere, percussioni, voce), con l’ospite nella title track della cantante Natasha O'Neal.
Ve la faccio breve e non ci giro molto intorno: lo stile cambia, anche se si denotano sempre le qualità classiche della band. I suoni diventano più futuristici, i brani più semplici, la voce (maledizione) in alcuni casi è filtrata e non raggiunge più quelle vette a cui ci aveva abituati, salvo alcuni rarissimi casi.
Tanto cuore affossato però da un poco di stanca compositiva, dove mi mancano quelle poderose sinfonie e quei solo di chitarra che contraddistinguono sia la band sia il Neo Prog stesso. Anche il concept non è nuovo nell’ambito, la classica devastazione e la rinascita di una nuova civiltà.
Ho apprezzato “Aspiration”, ballata Prog guidata da chitarra acustica e aperture atmosferiche di grande respiro.
Esistono brani Heavy Prog come “Rushing Headlong”, che descrive la corsa folle dell'umanità verso la propria autodistruzione, l'inseguimento cieco del progresso tecnologico e del guadagno economico senza fermarsi a considerarne le conseguenze, ma non bastano ad alzare l’attenzione dell’ascoltatore, generalmente assopita in altri movimenti stanchi e già sentiti.
Sento altresì di salvare la conclusiva “Inside Outside”, una riflessione sulla dualità della mente umana, la contrapposizione tra il mondo interiore (i pensieri, i sentimenti, i valori) e il mondo esterno (la realtà sociale, le apparenze, le pressioni della vita).
Probabilmente questa della pacatezza generale (che poi diventa lagna) e della ricerca vocale modificata è stata proprio una scelta dettata da quello che oggi i Pallas si sentono di essere (giustamente), ma personalmente mi ha deluso, perché mancano i crescendo a cui la band nel tempo ci ha abituati (dove sono finite le chitarre?) e capite voi che quando si mangia bene, passare al panino non è gran cosa. Non un album brutto, assolutamente, ma loro sono i Pallas… diavolo! MS

Versione Inglese:

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Digital – 2026

Pallas are part of the historic 1980s Neo Prog scene alongside Marillion, IQ, Pendragon, etc. I remember listening to the album “The Sentinel” back in 1984 as a mind-blowing experience, with that splendid Roger Dean-style gatefold cover (Yes): a breath of fresh air for anyone starving for Progressive Rock at the time. Plenty of epic keyboards and a keen sense of drama, elevated to the extreme by Alan Reed's theatrical vocals.
Years have passed and, after stops and restarts, the band has managed to maintain a consistent standard of quality despite various line-up changes. Another little gem was their '90s comeback with “Beat The Drum” (1998), as well as the excellent “The Cross & The Crucible”—albums I highly recommend you go back and rediscover, as the very essence of Neo Prog lies within them.
Nine studio albums in total, including this “A Song For Tomorrow”, for which I had high expectations given the return of historic frontman Euan Lowson on vocals.
The sense of drama is still intact (perhaps even too much so) across the ten tracks on the album, with a line-up featuring Alan Reed (vocals), Niall Mathewson (guitar, percussion, vocals), Graeme Murray (bass, vocals), and Ronnie Brown (keyboards, percussion, vocals), alongside guest singer Natasha O'Neal on the title track.
To cut a long story short and get straight to the point: the style changes, even though the band's classic qualities are still noticeable. The sounds become more futuristic, the songs simpler, and the vocals (damn it!) are filtered in some cases, no longer reaching the heights we were used to, except on a few rare occasions.
Plenty of heart, unfortunately weighed down by a bit of compositional fatigue, where I miss those powerful symphonies and guitar solos that define both the band and Neo Prog itself. Even the concept isn't new to the genre: the classic destruction and rebirth of a new civilization.
I appreciated “Aspiration”, a Prog ballad driven by acoustic guitar and wide, atmospheric openings.
There are Heavy Prog tracks like “Rushing Headlong”, which describes humanity's mad rush toward self-destruction—the blind pursuit of technological progress and economic gain without stopping to consider the consequences—but they aren't enough to revive the listener's attention, which remains mostly lulled by other tired, overly familiar passages.
I also feel like saving the closing track, “Inside Outside”, a reflection on the duality of the human mind: the contrast between the inner world (thoughts, feelings, values) and the outer world (social reality, appearances, life's pressures).
This overall calmness (which borders on a whine) and the search for modified vocals was probably a deliberate choice based on what Pallas feel like being today (and rightly so), but personally it disappointed me. It lacks the crescendos the band has accustomed us to over time (where have the guitars gone?), and you'll understand that when you're used to fine dining, settling for a sandwich isn't great. Not a bad album, absolutely not, but they are Pallas… damn it! MS

Lunear

LUNEAR - There Is Always Next Time
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Cambio di rotta per la band francese Lunear nel quinto album in studio “There Is Always Next Time”, che conduce il Prog Rock verso la più memorizzabile formula canzone. I Lunear sono formati da Paul J. No (voce solista, tastiere), Seb Bournier (batteria, voce) e JP Benadjer (chitarre, basso, voce). Pur vivendo in diverse città europee (Barcellona, Avignone e Digione), i tre musicisti hanno creato una band collaborativa unica, scrivendo e registrando quasi interamente a distanza tramite Internet.
Il debutto del 2018 intitolato “Many Miles Away” ci ha presentato una band con forti influenze Genesis, Marillion, Steven Wilson e Pink Floyd, abbracciando al contempo influenze Pop melodiche di artisti come Keane, Muse, Depeche Mode e Prince. Nel tempo hanno quindi affinato lo stile e la personalità, giungendo oggi ad un esatto equilibrio melodico.
Ecco dunque abbandonate in parte le suite concettuali e le influenze marcatamente anni '70 del lavoro precedente (“From Above”). Otto i brani contenuti per oltre cinquanta minuti di musica che si aprono con “Tom & Colin”, canzone dal ritornello piacevole e dall’andamento progressivo nell’intento, fra cambi di suoni e ritmi tuttavia relegati a certa storia del passato. Semplice e funzionale l’impatto vocale di Paul J. No senza mai fare il passo più lungo della gamba. Il pezzo esplora il tema dell'amicizia, non la solita storia d'amore, ma il lento consumarsi e il dissolversi del legame viscerale tra due persone (Tom e Colin) con il passare degli anni.
Il singolo “One Day” ha una spiccata sensibilità Pop Prog e naviga in atmosfere morbide su un letto di tastiere e pianoforte. È un inno alla speranza e alla contemplazione. Attraverso l'immagine metaforica di strade aperte e orizzonti solitari, il testo analizza il bisogno umano di credere che "un giorno" le cose troveranno la loro giusta collocazione.
Per ascoltare un pezzo marcatamente Rock bisogna giungere a “I'll Remember This”, una deviazione energica e quasi inattesa. Il brano costruisce la sua impalcatura su un riff incisivo ed elettrico che strizza l'occhio anche alla Disco Music anni '80, sostenuto da una sezione ritmica incalzante. Qui la band riflette sull'impatto istantaneo di certi ricordi: momenti apparentemente insignificanti del passato che rimangono scolpiti nella memoria in modo indelebile, plasmandoci a nostra insaputa.
E a proposito di anni ’80, “Pool Balls” non si distanzia molto dal periodo, con atmosfere dal sapore Neo Prog e Synth Pop raffinato. Qui si utilizza una metafora letteraria originale, quella del biliardo e della fisica newtoniana applicati al concetto di libero arbitrio e determinismo. Le persone sono come palle da biliardo, colpite dalle decisioni altrui e destinate a scontrarsi in traiettorie imprevedibili.
La malinconica “Rain” tuttavia ci ricorda che i Lunear hanno una base Prog Rock ancora solida ed evidente. Si parte con toni soffusi per poi cambiare passo a metà traccia, lasciando spazio a un'espansione instrumental dove chitarra e tastiere dialogano in un crescendo drammatico. La pioggia diventa il simbolo catartico del lavaggio delle colpe e della malinconia. Le liriche affrontano il peso emotivo dell'isolamento e la necessità di lasciar fluire il dolore per poter ripartire.
Sale il ritmo con “The Wilderness Within”, momento Indie Prog più tirato e guidato dalle chitarre di Benadjer. Con le sue tensioni ritmiche e un'impronta Rock più diretta, spezza la sognante e complessa atmosfera lasciata da “Rain”.
Ed ecco a questo punto giungere la suite di quattordici minuti “Christmas Flowers”, il vertice compositivo ed emotivo dell'album. Gli assoli di chitarra e organo nascono in modo organico e la struttura si sviluppa con naturalezza, senza mai risultare un mero esercizio di stile. Qui sì che il Prog sale in cattedra. Si narra il lento declino e la dissoluzione di una comunità rurale e di una famiglia, vista attraverso il rituale del ritorno a casa per le feste natalizie e la malinconica assenza dei fiori sulle tavole. Un racconto verista e toccante sugli affetti familiari e il passare del tempo.
La chiusura acustica ed essenziale è nelle mani di “Next Time”; strumentata semplicemente con chitarra acustica, voce, basso e tamburello, riprende la melodia che era stata accennata a cappella nell'introduzione di “Tom & Colin”. Un'accettazione finale con un velo di rimpianto ("Riflettiamo sui rimpianti e su tutto ciò che abbiamo lasciato incompiuto"). Il messaggio chiave dell'intero lavoro: c'è sempre una "prossima volta" per perdonarsi e ricominciare.
Con “There Is Always Next Time”, i Lunear riescono nell'impresa di bilanciare le ambizioni del Rock Progressivo con la sensibilità di una scrittura Pop Art raffinata e accessibile e credetemi che non è cosa semplice. Album gradevole e scorrevole. MS

Versione Inglese:

LUNEAR - There Is Always Next Time
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

A change of course for the French band Lunear on their fifth studio album “There Is Always Next Time”, guiding Prog Rock toward a more memorable song-oriented format. Lunear consists of Paul J. No (lead vocals, keyboards), Seb Bournier (drums, vocals), and JP Benadjer (guitars, bass, vocals). Despite living in different European cities (Barcelona, Avignon, and Dijon), the three musicians have created a uniquely collaborative band, writing and recording almost entirely remotely via the Internet.
Their 2018 debut, titled “Many Miles Away”, introduced us to a band with strong Genesis, Marillion, Steven Wilson, and Pink Floyd influences, while simultaneously embracing melodic Pop accents from artists like Keane, Muse, Depeche Mode, and Prince. Over time, they have refined their style and personality, arriving today at a precise melodic balance.
Thus, the conceptual suites and markedly '70s influences of their previous work (“From Above”) are partly set aside. The eight tracks contained within offer over fifty minutes of music, opening with “Tom & Colin”—a song with a catchy chorus and a progressive intention in its approach, featuring shifts in sound and rhythm that nevertheless pay homage to past traditions. Paul J. No’s vocal delivery is simple and effective, never overreaching. The track explores the theme of friendship: not the typical love story, but the slow wearing away and dissolving of a deep bond between two people (Tom and Colin) as the years go by.
The single “One Day” features a distinct Pop Prog sensibility and navigates smooth atmospheres built upon a bed of keyboards and piano. It is a hymn to hope and contemplation. Through the metaphorical imagery of open roads and lonely horizons, the lyrics analyze the human need to believe that "one day" things will fall into place.
To hear a distinctly Rock track, one must reach “I'll Remember This”, an energetic and almost unexpected departure. The song builds its structure around an incisive, electric riff that winks at '80s Disco Music, backed by a driving rhythm section. Here the band reflects on the instantaneous impact of certain memories: seemingly insignificant moments from the past that remain indelibly carved in our minds, shaping us without our knowing.
And speaking of the '80s, “Pool Balls” doesn't stray far from that era, showcasing refined Neo Prog and Synth Pop vibes. Here, an original literary metaphor is employed—that of billiards and Newtonian physics applied to the concepts of free will and determinism. People are like pool balls, struck by the decisions of others and destined to collide along unpredictable trajectories.
The melancholic “Rain”, however, reminds us that Lunear still retains a solid and evident Prog Rock foundation. It begins with muted tones before shifting gears halfway through, opening up into an instrumental expansion where guitar and keyboards engage in a dramatic dialogue. The rain becomes a cathartic symbol for washing away guilt and melancholy. The lyrics confront the emotional weight of isolation and the need to let pain flow in order to move forward again.
The tempo picks up with “The Wilderness Within”, a punchier Indie Prog moment driven by Benadjer's guitars. With its rhythmic tensions and a more direct Rock imprint, it breaks the dreamy, complex atmosphere left behind by “Rain”.
And at this point comes the fourteen-minute suite “Christmas Flowers”, the album's compositional and emotional peak. The guitar and organ solos emerge organically, and the structure develops naturally without ever feeling like a mere exercise in technical skill. Here, Prog truly takes center stage. It narrates the slow decline and dissolution of a rural community and a family, seen through the ritual of returning home for the Christmas holidays and the melancholic absence of flowers on the tables. A touching, realist tale about family bonds and the passage of time.
The essential, acoustic closure is left to “Next Time”; arranged simply with acoustic guitar, vocals, bass, and tambourine, it reprises the melody hinted at a cappella in the introduction to “Tom & Colin”. A final acceptance touched by a veil of regret ("We reflect on regrets and everything we left unfinished"). The key message of the entire work: there is always a "next time" to forgive oneself and start anew.
With “There Is Always Next Time”, Lunear succeeds in balancing the ambitions of Progressive Rock with the accessibility of refined Pop Art songwriting—and believe me, that is no easy feat. An enjoyable and smooth-flowing album. MS