Arca Progject

ARCA PROGJET – X02S!
Jolly Roger Records
Genere: Rock Progressivo / Cantautore
Supporto: CD / LP / Spotify – 2026

Dopo il fortunato debutto omonimo, la band capitanata da Sergio Toya (voce) e Alex Jorio (batteria) è tornata sulle scene con un concept album audace, e decisamente proiettato nel futuro, che gioca fin dal titolo con codici e atmosfere fantascientifiche e distopiche.
Ho sempre un grande piacere quando incrocio nella mia strada un album che sa bene equilibrare il fattore canzone con le strutture “progressive”, un poco come si faceva negli anni ’80 quando le grandi band come ad esempio i New Trolls oppure la PFM, Il Banco e Le Orme, riuscivano a fare canzoni orecchiabili ma con grande classe. Già “Ouagadougou” chiarisce il mio concetto oltre mille parole, gettandoci anche qualche sprazzo di Toto.
L’album formato da ben quindici brani, gode di una produzione  monumentale dove i muri di tastiere e le chitarre convivono perfettamente con la collaudata sezione ritmica. La voce di Toya, sempre teatrale, qui si fa più drammatica e interpretativa, adattandosi alla narrazione.
La sigla stessa del titolo fa da filo conduttore, una coordinata, un codice a barre esistenziale o il nome di un protocollo cibernetico. Sergio Toya, anche autore e interprete delle liriche, usa la metafora dello spazio profondo e della tecnologia per analizzare la solitudine e la deriva dell'uomo moderno. I testi dipingono una società dove l'identità viene frammentata, digitalizzata e catalogata (da cui, appunto, i codici numerici). C'è una critica sottile ma feroce alla perdita di contatto con la realtà. L'uomo moderno si culla nell'illusione di esplorare l'universo o di essere interconnesso, mentre in realtà è prigioniero di una gabbia virtuale.
Un altro tema forte è il confine sempre più labile tra l'intelligenza biologica e quella artificiale. I testi si interrogano su cosa ci renda davvero umani, le nostre fragilità, i nostri errori, il dolore. È un cantato in italiano fiero e maturo, che non ha paura di usare termini complessi o desueti per ricreare quell'atmosfera cerebrale e avvolgente che il concept richiede.
Anche “Puoi Volare” si adopera nello stesso territorio del brano di apertura, con un ritornello di facile memorizzazione e il solito ottimo frangente di chitarra circondata dagli immancabili synth.
C’è molta classe fra le note e gli Arca Progject non disdegnano puntate nell’AOR, come nella sentita strumentale “Escape Plan”, dove ogni passaggio trasuda di storia.
Sale il ritmo con “Il Passeur”, sicuramente un pezzo che ha una resa live alquanto elevata. Immaginate di ascoltare i Pooh più ricercati e tendenti al Prog e avrete “Mediterranea”, questo per testimoniare la cura e la dedizione verso la melodia da parte del quintetto.
A differenza del disco d'esordio del 2018 che faceva sfilare pesi massimi del calibro di Mauro Pagani, Gigi Venegoni e Arturo Vitale, in "X02S!" gli Arca Progjet hanno scelto una linea radicalmente diversa e decisamente più "da band".
L'approccio agli ospiti qui è ridotto all'osso, quasi nullo dal punto di vista strumentale. Una scelta precisa, legata alla natura stessa del disco, trattandosi di un concept album così compatto, cupo e focalizzato su sonorità elettroniche e synth-oriented, la band ha preferito blindare il proprio nucleo per mantenere estrema coerenza stilistica in tutte le 15 tracce.
C'è però una grandissima e fondamentale eccezione che salta all'occhio analizzando i crediti dell'album, ossia la presenza del co-vocalist Jacopo Siccardi.
Tutto l’album scorre nelle coordinate descritte, senza cali di tensione a testimonianza di una maturazione avvenuta e l’ascolto ne trae un grande vantaggio. E’ bello qualche volta cantare italiano nel Prog, non capita poi così spesso, lo dico perché dopo alcuni ascolti vi ritroverete a farlo anche voi assieme a loro. MS

Versione Inglese: 

ARCA PROGJET – X02S!
Jolly Roger Records
Genre: Progressive Rock / Singer-Songwriter
Format: CD / LP / Spotify – 2026

Following their successful self-titled debut, the band led by Sergio Toya (vocals) and Alex Jorio (drums) returns to the scene with a bold concept album. Decidedly projected into the future, the record plays with sci-fi and dystopian codes and atmospheres right from its title.
It is always a great pleasure for me to come across an album that knows exactly how to balance the "song" factor with progressive structures—much like what was done in the 1980s when great bands such as New Trolls, PFM, Banco, and Le Orme managed to craft catchy songs with immense class. Right off the bat, "Ouagadougou" clarifies my point better than a thousand words, even throwing in a few flashes of Toto.
Comprising a whopping fifteen tracks, the album boasts a monumental production where walls of keyboards and guitars coexist perfectly with the well-tested rhythm section. Toya's vocals, always theatrical, become more dramatic and interpretative here, adapting seamlessly to the narrative.
The title's acronym itself acts as the guiding thread—a coordinate, an existential barcode, or the name of a cybernetic protocol. Sergio Toya, who also wrote and performed the lyrics, uses the metaphor of deep space and technology to analyze the loneliness and drift of modern man.
Fragmented Identity: The lyrics paint a society where identity is fragmented, digitalized, and cataloged (hence, precisely, the numerical codes).
A Virtual Cage: There is a subtle yet fierce critique of losing touch with reality. Modern man cradles himself in the illusion of exploring the universe or being interconnected, while in reality, he is a prisoner of a virtual cage.
Man vs. Machine: Another powerful theme is the increasingly blurred line between biological and artificial intelligence. The lyrics question what truly makes us human—our fragilities, our mistakes, our pain.
This is sung in a proud and mature Italian, unafraid of using complex or obsolete terms to recreate that cerebral, enveloping atmosphere required by the concept.
"Puoi Volare" operates in the same territory as the opening track, featuring an easily memorable chorus and the usual excellent guitar section surrounded by unavoidable synths. There is a lot of class between the notes, and Arca Progjet do not shy away from ventures into AOR, as seen in the heartfelt instrumental "Escape Plan," where every passage exudes history.
The pace picks up with "Il Passeur," which is bound to have a very powerful impact live. Imagine listening to Pooh at their most refined and prog-leaning, and you will get "Mediterranea"—a true testament to the quintet's care and dedication to melody.
Unlike their 2018 debut album, which featured heavyweights of the caliber of Mauro Pagani, Gigi Venegoni, and Arturo Vitale, on X02S! Arca Progjet have chosen a radically different, decidedly more "band-oriented" direction.
The approach to guests here is stripped to the bone, almost non-existent from an instrumental standpoint. This was a precise choice tied to the very nature of the record: dealing with a concept album so compact, dark, and focused on electronic, synth-oriented sounds, the band preferred to lock down their core nucleus to maintain extreme stylistic consistency across all 15 tracks.
The Exception: There is, however, one huge and fundamental exception that stands out when looking at the album credits: the presence of co-vocalist Jacopo Siccardi.
The entire album flows within these described coordinates without any drop in tension, testifying to a reached maturity that greatly benefits the listening experience. It is nice to sing along in Italian in Prog rock for a change; it doesn't happen all that often. I say this because, after a few listens, you will find yourself doing it right along with them. MS

Code 18

CODE 18 - Two Places
Unicorn Digital
Genere: Neo-Prog / Symphonic Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

A sei anni di distanza dal convincente esordio “Human Error!” (uscito nel 2020), la band quebecchese dei Code 18 torna sulla scena con il suo atteso secondo capitolo discografico, intitolato "Two Places". Il progetto, fondato originariamente nel 2008, mantiene ben salda la propria spina dorsale grazie a un nucleo a tre che vede il leader e polistrumentista Johnny Maz alle tastiere (già noto per il suo lavoro con i Huis), JF Rémillard alle chitarre e il carismatico Bönz alle linee di basso e alla voce principale. Per questo capitolo, la formazione è completata stabilmente da Martin Plante alla batteria e Bobby St-Louis al basso.
Il disco di debutto aveva richiesto una gestazione lunghissima, mentre in “Two Places” si avverte una coesione interna decisamente superiore, frutto di un'alchimia di gruppo ormai matura. Musicalmente ci muoviamo nei territori di un maestoso Rock Progressivo Sinfonico/Neo-Prog di matrice tipicamente canadese, che strizza l'occhio a giganti come Genesis, Arena ed UK, ma che sa inserire sfumature moderne e graffianti capaci di evocare persino suggestioni alla Porcupine Tree o soluzioni elettroniche alla Vangelis.
L'album si sviluppa lungo 8 tracce che compongono un affascinante mosaico sonoro partendo dalle atmosfere introduttive di “Prelude”, un'apertura strumentale cinematografica dominata dalle tastiere di Johnny Maz che prepara il terreno alla chitarra di JF Rémillard. Con “Polyrhythm” ed “Evacuation” la band mette in mostra tutta la propria perizia tecnica, qui i continui cambi di tempo sono millimetrici e sorretti da una sezione ritmica pulsante, lasciando spazio a ricami melodici e assoli di sintetizzatore mai fini a se stessi.
Il cuore emotivo dell'album si respira in tracce come “The Old House” e “Allors Je Cherche”, movimenti in cui le tastiere creano tappeti orchestrali d'altri tempi su cui la chitarra di Rémillard può piazzare assoli intrisi di pathos ed eleganza. I toni si fanno più complessi e a tratti cupi nella corrosiva “The Lovers, The Incompetent And The Asshole”, un brano dal titolo provocatorio e dalle strutture articolate, seguito dalla sognante ma inquieta “Moving In A Peach Nightmare”.
Il finale è affidato alla doppietta composta da “A New Soul” e dalla suite di chiusura “Justice”, una traccia epica che riassume l'anima del disco fondendo momenti intimi guidati dal pianoforte a monumentali esplosioni sinfoniche, chiudendo il cerchio in modo trionfale.
“Two Places” è la conferma che i Code 18 non sono più soltanto una scommessa o un side-project, ma una solida realtà del panorama Prog d'oltreoceano. Johnny Maz si conferma un arrangiatore sopraffino, capace di dare centralità alle tastiere senza mai soffocare il lavoro monumentale della chitarra di Rémillard o la graffiante espressività vocale di Bönz (spesso in stile Arena). Un album maturo, pulito nella produzione e profondo nei contenuti, caldamente consigliato a chiunque ami il Progressive sinfonico moderno che sa emozionare. MS

Versione Inglese: 

CODE 18 - Two Places
Unicorn Digital
Genre: Neo-Prog / Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

Six years after their convincing debut “Human Error!” (released in 2020), Quebec-based outfit Code 18 return to the scene with their highly anticipated second studio chapter, titled "Two Places". The project, originally founded in 2008, firmly maintains its backbone thanks to a core trio featuring leader and multi-instrumentalist Johnny Maz on keyboards (already known for his work with Huis), JF Rémillard on guitars, and the charismatic Bönz on bass lines and lead vocals. For this chapter, the line-up is solidly completed by Martin Plante on drums and Bobby St-Louis on bass.
While their debut album required a very lengthy gestation period, “Two Places” showcases a vastly superior internal cohesion, the fruit of a now-mature band alchemy. Musically, we navigate the territories of a majestic Symphonic Progressive Rock/Neo-Prog with a typically Canadian imprint, nodding to giants like Genesis, Arena, and UK, while successfully injecting modern, edgy nuances capable of evoking suggestions of Porcupine Tree or electronic solutions akin to Vangelis.
The album unfolds across 8 tracks that form a fascinating sonic mosaic, starting with the introductory atmosphere of “Prelude”, a cinematic instrumental opener dominated by Johnny Maz's keyboards that sets the stage for JF Rémillard's guitar. With “Polyrhythm” and “Evacuation”, the band displays their full technical prowess; here, the continuous time-signature changes are millimetric and backed by a pulsing rhythmic section, leaving room for melodic textures and synthesizer solos that are never self-indulgent.
The emotional heart of the album can be felt in tracks like “The Old House” and “Allors Je Cherche”, movements where the keyboards create orchestral tapestries of yesteryear upon which Rémillard's guitar can deliver solos dripping with pathos and elegance. The tone grows more complex and at times dark in the biting “The Lovers, The Incompetent And The Asshole”, a track with a provocative title and intricate structures, followed by the dreamy yet restless “Moving In A Peach Nightmare”.
The finale is entrusted to the pairing of “A New Soul” and the closing suite “Justice”, an epic track that sums up the soul of the record by blending intimate piano-driven moments with monumental symphonic explosions, closing the circle in a triumphant fashion.
“Two Places” is confirmation that Code 18 are no longer just a gamble or a side-project, but a solid reality on the overseas Prog scene. Johnny Maz proves himself to be a superlative arranger, capable of giving centrality to the keyboards without ever suffocating the monumental guitar work of Rémillard or the gritty vocal expressiveness of Bönz (often reminiscent of Arena's style). A mature album, pristine in its production and deep in its content, warmly recommended to anyone who loves modern symphonic Progressive Rock that knows how to move you. MS

Trasimeno Prog Festival 2026 - settima edizione

 

TRASIMENO PROG FESTIVAL 2026 – Settima edizione

 

A Castiglione Del Lago, dal 20 al 23 agosto, ritorna il fantastico Festival “Trasimeno Prog” che quest’anno giunge alla sua settima edizione.

Si svolgerà nuovamente nella cornice della Rocca Medievale di Castiglione del Lago, e la manifestazione è intitolata alla memoria di Riccardo Regi, musicista e giornalista, figura significativa per la comunità artistica locale.

Quattro le serate:

Giovedì 20 agosto, sarà affidata alla “Pink Floyd Night”, sul palco  gli umbri Drunk Side e i romani Ranestrane in una rivisitazione in cineconcerto del capolavoro “The Wall”.

Venerdì 21 agosto, vedrà le storiche Orme di Michi Dei Rossi. Si esibiranno in un concerto, intitolato “Trilogy Live (1971–1973)” e proporrà l’esecuzione integrale di tre lavori fondamentali della discografia del gruppo : “Collage”, “Uomo di pezza” e “Felona e Sorona”. L’apertura sarà affidata ai Known Physics, mentre l’ex cantante della PFM, Bernardo Lanzetti, sarà ospite della serata.

Sabato 22 agosto, sarà una serata dedicata al Progressive Italiano in chiave sinfonica. l’Orchestra Sinfonica Internazionale diretta dal maestro Leonardo Quadrini, verrà affiancata da ospiti di rilievo. Si esibirà anche la band La Cruna Del Lago.

Domenica 23 agosto sarà incentrata sul Progressive Jazz con gli storici Agorà che presenteranno in anteprima il loro nuovo album. Seguirà Tony Esposito in un progetto di rilettura dei propri esordi solisti con un omaggio a Pino Daniele.

Le serate saranno come da tradizione affiancate dalla fiera del disco in Piazza Gramsci, realizzata in collaborazione con Music Day Roma. Anche il sottoscritto parteciperà con i propri libri durante il corso delle manifestazioni.

Per tutti i dettagli, gli approfondimenti e la prenotazione dei biglietti, visitate la seguente pagina:  

 

https://www.facebook.com/events/1312060937558094

Versione Inglese: 

TRASIMENO PROG 2026 – Seventh Edition

In Castiglione del Lago, from August 20 to 23, the fantastic “Trasimeno Prog” Festival returns for its seventh edition.

Once again hosted within the scenic setting of the Medieval Fortress (Rocca Medievale) in Castiglione del Lago, this year's event is dedicated to the memory of Riccardo Regi—a musician, journalist, and deeply meaningful figure for the local artistic community.

The Four-Night Lineup:

• Thursday, August 20 – "Pink Floyd Night" Taking the stage will be the Umbrian band Drunk Side and Rome's own Ranestrane, performing a cine-concert reimagining of the masterpiece "The Wall".
• Friday, August 21 – Le Orme & Special Guests Featuring the historic Le Orme, led by Michi Dei Rossi. They will perform a concert titled "Trilogy Live (1971–1973)", featuring the complete live performance of three seminal albums from the group's discography: "Collage", "Uomo di pezza", and "Felona e Sorona". The evening will open with Known Physics, with a special guest appearance by former PFM frontman Bernardo Lanzetti.
• Saturday, August 22 – Symphonic Italian Prog A night dedicated to Italian Progressive Rock with a symphonic twist. The International Symphony Orchestra, conducted by Maestro Leonardo Quadrini, will be joined by prominent special guests. The band La Cruna Del Lago will also perform.
• Sunday, August 23 – Prog Jazz & Percussion The final night will center on Progressive Jazz with the legendary Agorà, who will be previewing their brand-new album. Following them, Tony Esposito will present a project revisiting his early solo career, including a tribute to Pino Daniele.

Record Fair & Book Signings

As per tradition, the evenings will be complemented by the Record Fair in Piazza Gramsci, organized in collaboration with Music Day Roma. I will also be participating throughout the event to showcase my books.

Tickets & Info: For full details, in-depth features, and ticket reservations, please visit the official event page: https://www.facebook.com/events/1312060937558094

Repetita Iuvant

REPETITA IUVANT – 3+2
Argonauta Records
Genere: Post Rock / Psichedelia
Supporto: LP – Bandcamp – 2026

Il trio spezzino Repetita Iuvant composto da Cristoforo Da Costa (chitarre, synth), Daniele Isetta (chitarre, synth) e Andrea Testa (batteria), prosegue e affina quel percorso concettuale e compositivo legato a una sorta di rigorosa "equazione matematica" e geometrica che ha caratterizzato la loro discografia sin dalla trilogia precedente (3, 3+1 e 7) e dal successivo EP “Square Root Of Two”.
Come suggerisce il nome stesso della band, la ripetizione ipnotica non è un limite, ma una forza creativa ed evolutiva. I motivi minimalisti iniziali si fratturano, si stratificano e si ricombinano gradualmente.
I brani abbandonano le strutture tradizionali della forma canzone in favore di un'architettura emotiva fatta di dinamiche spiccate, dove si passa da atmosfere rarefatte e dilatazioni quasi cinematografiche a improvvise esplosioni sonore angolari e viscerali.
I titoli, evocativi e criptici, lasciano ampio spazio all'immaginazione dell'ascoltatore, sposandosi perfettamente con la natura strumentale e priva di testi del disco. È un lavoro d'impatto sia cerebrale che viscerale, dove l'intreccio serrato delle due chitarre e l'elettronica sottile poggiano su pattern ritmici fluidi ma estremamente disciplinati.
“Calocybe”, la traccia che apre l'album, non è semplicemente una prima canzone, ma un vero e proprio manifesto programmatico dell'intero disco. Il titolo, che richiama il genere di funghi Calocybe (il cui esponente più famoso in Italia è il prelibato fungo prugnolo o fungo di San Giorgio), suggerisce fin da subito un immaginario legato alla terra, alla biologia, alla crescita organica e sotterranea, elementi che si riflettono perfettamente nella struttura musicale del brano.
Il brano si apre in modo sottile e ipnotico. Fedeli al dogma del loro nome, i Repetita Iuvant introducono una cellula melodica minimale, un ricamo di chitarra pulita che si ripete in modo circolare. È l'equivalente musicale di una spora che si deposita sul terreno, un elemento semplice che comincia a mettere radici, catturando immediatamente l'attenzione dell'ascoltatore e creando un'atmosfera sospesa, quasi cinematografica.
Segue “Indid”, titolo palindromo se non fosse per la lettera finale. Esso evoca un senso di astrazione matematica, quasi fosse una sigla o un codice scientifico, sposandosi perfettamente con il rigore concettuale del trio. Nel crescendo, le chitarre noise si intrecciano in un contrappunto millimetrico e non cercano la melodia d'impatto, ma lavorano per sottrazione e incastro: una chitarra traccia una linea ritmica e spigolosa, quasi Math Rock, mentre l'altra si inserisce negli spazi vuoti con suoni più acidi e riverberati.
Con "Majorana", i Repetita Iuvant firmano probabilmente il capitolo più affascinante, misterioso e denso dell'intero album. Il titolo è un esplicito e potentissimo omaggio a Ettore Majorana, il geniale e tormentato fisico teorico catanese svanito nel nulla nel 1938, le cui intuizioni sulla fisica delle particelle (come i fermioni di Majorana) continuano a sfidare la scienza moderna. La scelta di questo nome non è casuale, la musica stessa del brano si fa specchio del concetto di "scomparsa", di "materia oscura" e di un'equazione complessa che cerca una soluzione che forse non esiste.
Il brano si sviluppa su una durata importante e inizia in totale contrasto con la spigolosità della traccia precedente. L'incipit è immerso in un silenzio quasi siderale, dominato da droni ambientali e oscillazioni di sintetizzatori analogici. Le chitarre di Da Costa e Isetta entrano in punta di piedi, dilatate, cariche di riverbero e delay, evocando la solitudine di un laboratorio o l'immensità dello spazio profondo. È la rappresentazione sonora del mistero, con una melodia malinconica, fluttuante, che sembra cercare una direzione nel vuoto.
Verso la seconda metà del brano, la tensione accumulata collassa su se stessa. Il trio abbandona ogni freno minimalista e si scaglia in una Psichedelia altamente coinvolgente.
Con “Harenaria” la band mette sul tavolo tutte le carte a loro disposizione in nove minuti di musica stratificata ma allo stesso tempo ficcante. Il titolo sembra giocare con la radice latina della sabbia (arena, harena), evocando un immaginario desertico, arido, ma anche il concetto di un tempo che scorre inesorabile come granelli in una clessidra.
La chiusura spetta a “Cavanei” una mini suite di tredici minuti abbondanti in cui ci si ritrova spesso ad ascoltare ad occhi chiusi. Il brano riesce nell'impresa non facile di tirare le fila di un discorso complesso e stratificato, offrendo una via d'uscita emotiva a un disco che ha fatto della tensione il suo filo conduttore.
In “3+2”, la fredda precisione della matematica incontra la carne viva del Rock strumentale, dimostrando che anche dietro l'equazione più complessa può nascondersi un cuore che pulsa all'impazzata. Consigliati per chi ascolta Russian Circles, Caspian o Red Sparowes. MS 

Versione Inglese: 

REPETITA IUVANT – 3+2
Argonauta Records
Genre: Post Rock / Psychedelia
Format: LP – Bandcamp – 2026

The La Spezia-based trio Repetita Iuvant, featuring Cristoforo Da Costa (guitars, synths), Daniele Isetta (guitars, synths), and Andrea Testa (drums), continues and refines the conceptual and compositional path rooted in a sort of rigorous, geometric "mathematical equation" that has defined their discography since their previous trilogy (3, 3+1, and 7) and the subsequent EP Square Root Of Two.
As the band's name implies, hypnotic repetition is not a limitation but an evolutionary, creative force. The initial minimalist motifs fracture, layer, and gradually recombine.
The tracks abandon traditional song structures in favor of an emotional architecture driven by stark dynamics, shifting from rarefied atmospheres and almost cinematic expansions to sudden, angular, and visceral sonic explosions.
The evocative, cryptic titles leave ample room for the listener’s imagination, blending seamlessly with the album's instrumental, lyric-less nature. It is a work of both cerebral and visceral impact, where the tightly interwoven guitars and subtle electronics rest upon fluid yet extremely disciplined rhythmic patterns.
“Calocybe,” the album's opening track, is not merely a first song, but a true programmatic manifesto for the entire record. The title, referencing the mushroom genus Calocybe (whose most famous representative in Italy is the prized St. George's mushroom), immediately suggests an imagery linked to the earth, biology, and organic, underground growth—elements that are perfectly reflected in the musical structure of the piece.
The track opens in a subtle, hypnotic fashion. True to the dogma of their name, Repetita Iuvant introduce a minimal melodic cell, a clean guitar embellishment that repeats circularly. It is the musical equivalent of a spore settling on the soil—a simple element that begins to take root, instantly capturing the listener's attention and creating a suspended, almost cinematic atmosphere.
Next comes “Indid,” a title that would be a palindrome if not for its final letter. It evokes a sense of mathematical abstraction, almost like an acronym or a scientific code, pairing perfectly with the trio's conceptual rigor. As it builds, noise guitars intertwine in a millimetric counterpoint; rather than chasing an impactful melody, they work through subtraction and interlocking patterns. One guitar traces an angular, rhythmic line akin to Math Rock, while the other steps into the empty spaces with more acidic, reverb-drenched sounds.
With "Majorana," Repetita Iuvant deliver what is likely the most fascinating, mysterious, and dense chapter of the entire album. The title is an explicit and incredibly powerful homage to Ettore Majorana, the brilliant and tormented theoretical physicist from Catania who vanished into thin air in 1938, and whose insights into particle physics (such as Majorana fermions) continue to challenge modern science. The choice of this name is far from accidental; the music itself becomes a mirror for the concepts of "disappearance," "dark matter," and a complex equation seeking a solution that perhaps does not exist.
The track unfolds over a substantial duration and begins in stark contrast to the angularity of the preceding song. The intro is immersed in an almost outer-space silence, dominated by ambient drones and fluctuating analog synthesizers. The guitars of Da Costa and Isetta enter on tiptoe—dilated, heavy with reverb and delay—evoking the loneliness of a laboratory or the vastness of deep space. It is the sonic representation of mystery, featuring a melancholy, floating melody that seems to search for a direction in the void.
Toward the second half of the track, the accumulated tension collapses under its own weight. The trio abandons all minimalist restraint and plunges into a highly immersive psychedelia.
With “Harenaria,” the band lays all their cards on the table across nine minutes of music that is both deeply layered and punchy. The title seems to play on the Latin root for sand (arena, harena), conjuring desert-like, arid imagery, as well as the concept of time ticking away inexorably like grains in an hourglass.
The closing slot belongs to “Cavanei,” a mini-suite lasting well over thirteen minutes, during which you will frequently find yourself listening with your eyes closed. The track succeeds in the far-from-easy task of tying together the threads of a complex, multi-layered discourse, offering an emotional breakthrough to an album that made tension its guiding theme.
In 3+2, the cold precision of mathematics meets the raw flesh of instrumental Rock, proving that an intensely beating heart can hide even behind the most complex equation.
Recommended for fans of Russian Circles, Caspian, or Red Sparowes. MS

Ataraxia

ATARAXIA - Sylfaera The Fair
The Circle Music
Genere: Folk
Supporto: CD / LP / DD – 2026

La musica Folk sa farti perdere in ambientazioni bucoliche, se poi queste sono nordiche allora il panorama si fa alquanto intrigante e oscuro. Noi in Italia abbiamo una band di Modena che ha saputo cogliere tutta l’essenza di questa magia, trasformandola in realtà, loro si chiamano Ataraxia e hanno una carriera annosa alle spalle (dal 1985) corredata di ben trenta album in studio, il che la dice lunga sul seguito di pubblico che meritatamente si sono guadagnati. Il termine greco Ataraxia (usato da Epicuro e Pirrone) indica la perfetta tranquillità dell'anima, la liberazione dalle passioni e dai turbamenti. La band non intende la propria musica come intrattenimento o sfogo di pathos emotivo fine a se stesso; per loro comporre ed eseguire musica è un atto sacro, un rituale moderno volto a raggiungere un "equilibrio vibrante", una catarsi che riconnette l'ascoltatore con le forze primordiali della natura e della memoria storica.
“Sylfaera The Fair” oggi ha una valenza speciale perché va a chiudere una trilogia concettuale e spirituale iniziata nel 2022 con “Pomegranate (The Chant Of The Elementals)” e proseguita nel 2024 con “Centaurea”.
Il cuore narrativo del disco ruota attorno a una "Compagnia" di pipes (la cornamusa irlandese), bouzouki, flauti (low e high whistles), tastiere, chitarre classiche ed elettriche, sorrette da percussioni tribali, timpani e bodhrán.
Il nucleo fondamentale della band è rimasto lo stesso per oltre trent'anni, una coesione rarissima nel panorama musicale: Francesca Nicoli (voce, flauti, testi), Vittorio Vandelli (chitarre, programmazioni, timpani) e Giovanni Pagliari (tastiere, piano, sintetizzatori, cori); a loro si affiancano spesso eccellenti collaboratori come violoncellisti o suonatori di strumenti antichi, sia in studio che per i suggestivi "rituali live".
Tutto il disco è evocativo, le sonorità richiamano paesaggi nordici e glaciali, dove il suono profondo dei corni di guerra introduce l'ascoltatore a una dimensione arcaica.
Meravigliosa l’interpretazione vocale da parte di Francesca Nicoli in tutti i passaggi e il disco scorre in queste ambientazioni favolose; solo una menzione a parte per “Llawarra”, scelta non a caso come singolo. Ha un incedere fiero, quasi cavalleresco e medievale, fortemente guidato dalle uilleann pipes (le cornamuse) e da percussioni tribali come il bodhrán. È il momento in cui la Compagnia compie l'azione decisiva, muovendosi con determinazione verso il portale dimensionale.
In generale, “Sylfaera The Fair” è un lavoro denso, teatrale e magico, perfetto per chi ha amato il loro percorso storico e vuole perdersi in atmosfere senza tempo. MS

Versione Inglese: 

ATARAXIA - Sylfaera The Fair
The Circle Music
Genre: Folk
Format: CD / LP / DD – 2026

Folk music has the power to make you lose yourself in bucolic settings; when these are Nordic, the landscape becomes rather intriguing and dark. Here in Italy, we have a band from Modena that has managed to capture the entire essence of this magic, turning it into reality. Their name is Ataraxia, and they have a long-standing career behind them (since 1985) boasting no fewer than thirty studio albums—a fact that speaks volumes about the following they have deservedly earned. The Greek term Ataraxia (used by Epicurus and Pyrrho) indicates the perfect tranquility of the soul, liberation from passions and disturbances. The band does not view their music as mere entertainment or an outlet for emotional pathos as an end in itself; for them, composing and performing music is a sacred act, a modern ritual aimed at achieving a "vibrant balance," a catharsis that reconnects the listener with the primordial forces of nature and historical memory.
“Sylfaera The Fair” holds a special significance today because it closes a conceptual and spiritual trilogy that began in 2022 with “Pomegranate (The Chant Of The Elementals)” and continued in 2024 with “Centaurea”.
The narrative heart of the album revolves around a "Compagnia" [Company] of pipes (Irish bagpipes), bouzouki, flutes (low and high whistles), keyboards, classical and electric guitars, backed by tribal percussion, timpani, and bodhrán.
The core lineup of the band has remained the same for over thirty years, an extremely rare cohesion in the music scene: Francesca Nicoli (vocals, flutes, lyrics), Vittorio Vandelli (guitars, programming, timpani), and Giovanni Pagliari (keyboards, piano, synthesizers, backing vocals); they are often joined by excellent collaborators, such as cellists or players of ancient instruments, both in the studio and for their evocative "live rituals".
The entire album is evocative; the sounds recall Nordic and glacial landscapes, where the deep tone of war horns introduces the listener to an archaic dimension.
Francesca Nicoli’s vocal interpretation is wonderful throughout every passage, and the album flows beautifully through these fabulous settings. Only a special mention goes to “Llawarra”, chosen not by chance as a single. It has a proud, almost chivalric and medieval stride, strongly driven by uilleann pipes and tribal percussion like the bodhrán. It marks the moment when the Company takes decisive action, moving with determination toward the dimensional portal.
Overall, “Sylfaera The Fair” is a dense, theatrical, and magical work, perfect for those who have loved their historical journey and wish to lose themselves in timeless atmospheres. MS

  

Quando L'italia Salvò I Genesis

QUANDO L’ITALIA SALVO’ I GENESIS

 
 
Il legame tra i Genesis e l’Italia nei primi anni Settanta è una delle pagine più romantiche, intense e determinanti della storia del Rock Progressivo. Si può affermare, senza esagerazioni, che l’Italia ha letteralmente salvato la carriera dei Genesis, offrendo loro il successo, il sostentamento economico e il calore umano necessari per non sciogliersi, proprio mentre in patria venivano ignorati o guardati con sufficienza.

 
All'inizio del 1972, i Genesis erano una band sull'orlo del collasso finanziario, i loro primi tre album “From Genesis To Revelation”, “Trespass” e il fresco “Nursery Cryme”, avevano venduto pochissime copie nel Regno Unito. La band viaggiava stipata in un furgone scassato, suonando davanti a poche decine di spettatori nei pub inglesi, e i debiti con la casa discografica Charisma stavano diventando insostenibili.
Improvvisamente, arrivò una notizia incredibile dall'Europa continentale, in Italia, “Nursery Cryme” era balzato ai vertici delle classifiche dei dischi più venduti raggiungendo la quarta posizione, trainato da trasmissioni radiofoniche illuminate come quelle di Renzo Arbore e dal passaparola dei critici musicali della rivista Ciao 2001.
Il promoter italiano Maurizio Salvadori colse l'occasione al volo e organizzò il loro primo tour italiano per l'aprile del 1972.

 
Quando i cinque musicisti britannici atterrarono in Italia nell'aprile del '72 per la prima parte del tour che toccò città come Adria, Reggio Emilia, Roma, e Torino, si aspettavano la solita accoglienza tiepida. Invece lo shock fu totale. Ad Adria, ossia la prima tappa, si trovarono davanti a un palasport stracolmo, qui i musicisti pensarono inizialmente a un errore, credendo che tutta quella gente fosse lì per vedere qualcun altro. Quando salirono sul palco, vennero accolti da un boato assordante. I ragazzi italiani conoscevano a memoria ogni singola nota, ogni bizzarro testo di Peter Gabriel, ogni passaggio di batteria di Phil Collins.
Disse al riguardo Steve Hackett :  "In Inghilterra suonavamo nei club e la gente ci ascoltava sorseggiando birra. In Italia, la prima volta che salimmo sul palco, sembrava che fossimo i Beatles. C'erano migliaia di persone che urlavano. Fu lì che capimmo, per la prima volta, di essere diventati una vera band di successo.".

La domanda che molti critici si sono posti è: perché l'Italia capì i Genesis prima del resto del mondo?

La risposta risiede nella cultura musicale profonda del nostro Paese, siamo la patria del melodramma, dell'opera lirica, della grande tradizione classica e barocca. La proposta dei Genesis, fatta di suite lunghe e complesse, cambi di tempo drammatici, tastiere che sembravano organi da chiesa e un cantante che usava il corpo e le maschere come un attore d'opera , risuonò perfettamente con la sensibilità artistica italiana.
Inoltre, i Genesis arrivarono nel momento d'oro del Pop Progressivo italiano. Band nostrane come la Premiata Forneria Marconi (PFM), il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme stavano gettando le basi per il proprio successo, e l'arrivo dei Genesis funse da definitivo acceleratore culturale per l'intero movimento.

 

TOUR 1972

 
Il tour del 1972 diviso in due tranche, una ad aprile e una ad agosto fu costellato di episodi memorabili:
Durante la tappa romana al Piper Club e al Palasport, ai Genesis accadde un imprevisto potenzialmente disastroso, il loro furgone, contenente tutta la costosa e insostituibile strumentazione (compreso il raro e bizzarro Mellotron di Tony Banks), venne rubato. La band era disperata. Fortunatamente, grazie all'intervento tempestivo degli organizzatori locali e della polizia, il furgone fu ritrovato poche ore dopo in un vicolo, intatto. I ladri, probabilmente, non avevano idea di cosa ci fosse dentro o avevano capito che quel furto avrebbe fermato i loro nuovi idoli… Chissà.

I "problemi di stomaco" di Phil Collins
La cucina italiana fu una rivelazione per la band, abituata ai tristi toast inglesi da autogrill, ma creò anche qualche imprevisto. Si racconta che Phil Collins, folgorato dalla bontà dei primi piatti italiani, esagerò così tanto con il cibo e il vino locale da accusare forti dolori addominali prima di un concerto, costringendolo a una performance eroica dietro le pelli, sospinto solo dall'adrenalina del pubblico.

 
I "dialoghi" in italiano di Peter Gabriel
Peter Gabriel, da sempre uomo di grande sensibilità teatrale e comunicativa, non voleva che ci fossero barriere con il pubblico. Prima del tour, si fece tradurre i testi e le introduzioni surreali dei brani in italiano. Salì sul palco leggendo da foglietti spiegazzati scritti in un italiano maccheronico ma adorabile, conquistando definitivamente il cuore dei fan. 

Versione Inglese: 

WHEN ITALY SAVED GENESIS

The bond between Genesis and Italy in the early 1970s is one of the most romantic, intense, and defining chapters in the history of Progressive Rock. It can be argued, without exaggeration, that Italy literally saved Genesis' career, offering them the success, financial lifeline, and human warmth needed to keep them from breaking up, just as they were being ignored or looked down upon back home.
 
At the beginning of 1972, Genesis were a band on the brink of financial collapse. Their first three albums—“From Genesis To Revelation”, “Trespass”, and the newly released “Nursery Cryme”—had sold very few copies in the UK. The band travelled crammed into a beat-up van, playing in front of just a few dozen spectators in English pubs, and their debts to the Charisma record label were becoming unsustainable.
Suddenly, incredible news arrived from continental Europe: in Italy, “Nursery Cryme” had leapt to the top of the bestseller charts, reaching the number four spot. This surge was driven by enlightened radio broadcasts, such as those by Renzo Arbore, and by word of mouth among music critics from Ciao 2001 magazine.
Italian promoter Maurizio Salvadori seized the opportunity and organized their very first Italian tour for April 1972.
 
When the five British musicians landed in Italy in April '72 for the first leg of the tour—which visited cities like Adria, Reggio Emilia, Rome, and Turin—they expected the usual lukewarm reception. Instead, the shock was absolute. In Adria, the opening stop, they found themselves facing a packed sports arena. At first, the musicians thought there had been a mistake, believing that all those people were there to see someone else. When they took the stage, they were greeted by a deafening roar. The Italian youth knew every single note, every bizarre Peter Gabriel lyric, and every Phil Collins drum fill by heart.
Steve Hackett said regarding this: "In England, we used to play clubs and people would listen to us while sipping beer. In Italy, the first time we stood on stage, it felt like we were The Beatles. There were thousands of people screaming. It was then that we realized, for the very first time, that we had become a genuinely successful band."
 
The question many critics have asked themselves is: why did Italy understand Genesis before the rest of the world?
 
The answer lies in the deep-rooted musical culture of our country; we are the homeland of melodrama, opera, and the great classical and baroque traditions. Genesis’ musical vision—made of long, intricate suites, dramatic time signature changes, keyboards that sounded like church organs, and a frontman who used his body and masks like an opera actor—resonated perfectly with the Italian artistic sensibility.
Furthermore, Genesis arrived during the golden age of Italian Progressive Pop. Homegrown bands like Premiata Forneria Marconi (PFM), Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme were laying the foundations for their own success, and the arrival of Genesis acted as the ultimate cultural accelerator for the entire movement.

 

THE 1972 TOUR

The 1972 tour, split into two legs (one in April and one in August), was punctuated by memorable episodes:
 
The stolen van in Rome
During their Roman stop at the Piper Club and the Palasport, Genesis hit a potentially disastrous setback: their van, containing all their expensive and irreplaceable equipment (including Tony Banks' rare and temperamental Mellotron), was stolen. The band was devastated. Fortunately, thanks to the swift intervention of local organizers and the police, the van was found intact a few hours later in an alleyway. The thieves probably had no idea what was inside, or perhaps they realized that the theft would have grounded their new idols... Who knows.
 
Phil Collins' "stomach troubles"
Italian cuisine was a revelation for the band, who were used to dismal English motorway service station toasties, but it also caused a few hiccups. Story goes that Phil Collins, struck by the sheer deliciousness of Italian first courses, overindulged so much on local food and wine that he suffered severe abdominal pains right before a concert. This forced him into a heroic performance behind the drum kit, driven purely by the crowd's adrenaline.
 
Peter Gabriel's "dialogues" in Italian
Peter Gabriel, always a man of great theatrical and communicative sensitivity, did not want any barriers between himself and the audience. Before the tour, he had the songs' lyrics and surreal introductions translated into Italian. He took the stage reading from crumpled sheets of paper written in a broken but endearing Italian, winning over the hearts of the fans once and for all.