Karcius

KARCIUS - Black Soul Sickness
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

I canadesi Karcius sono una band sempre in evoluzione, per questo interpretano al meglio il significato moderno del termine “Progressive”. Formatisi a Montreal nel 2001, giungono con “Black Soul Sickness” al settimo album in studio; la formazione oggi è composta da Sylvain Auclair (voce, basso), Thomas Brodeur (batteria), Sébastien Cloutier (tastiere) e Simon L'Espérance (chitarra). Sono il perfetto esempio di come il passato possa essere perfettamente inglobato nel presente, attraverso richiami agli anni d’oro grazie all’uso delle tastiere e parti robuste come il Metal dei Porcupine Tree.
L'album è descritto dalla band stessa come un'odissea cinematografica attraverso l'architettura fragile della psiche umana. Rispetto ai capitoli precedenti, “Black Soul Sickness” vira verso territori decisamente più oscuri e introspettivi, affrontando temi come la perdita e il lutto, l'ossessione e il trauma, la rinascita e la ricerca della verità interiore. La band ha altresì dichiarato di aver dato priorità all'emozione rispetto al tecnicismo puro, cercando di creare un'opera che "parli al cuore perché viene dal cuore".
Si passa da momenti di quasi silenzio e delicatezza (pianoforte, mellotron) a esplosioni sonore intense e pesanti. Interamente autoprodotto e mixato dal chitarrista Simon L'Espérance, il disco garantisce un controllo creativo totale che si traduce in un sound molto organico e "umano". Nonostante la complessità tipica del genere, i brani evitano l'esibizionismo tecnico fine a se stesso, preferendo strutture narrative che guidano l'ascoltatore attraverso un climax emotivo.
L’album si apre subito con una suite intitolata “Wallow”, a testimonianza della volontà di immergersi nel filone della musica da ascoltare e non da “mordi e fuggi”. Inizia con un'atmosfera sospesa, dominata dal pianoforte di Sébastien Cloutier e da un sound design minimale curato da Thomas Brodeur. La voce di Sylvain Auclair entra in modo quasi sussurrato, trasmettendo un senso di vulnerabilità e isolamento. Il pezzo cresce gradualmente, qui entra in gioco il lavoro di chitarra di Simon L'Espérance, che intreccia arpeggi puliti a riff pesanti e sincopati. Il basso di Auclair diventa pulsante, creando un muro sonoro che simboleggia il peso schiacciante della depressione o del lutto. La sezione finale è un'esplosione di puro Progressive Metal. I Karcius abbandonano la cautela per una sezione strumentale complessa, dove i tempi dispari della batteria si fondono con assoli di chitarra carichi di feedback, portando l'ascoltatore verso una risoluzione quasi liberatoria, seppur malinconica. Il testo esplora il paradosso del dolore: quel momento in cui la sofferenza diventa così familiare da trasformarsi quasi in un rifugio sicuro, impedendo però ogni movimento verso il futuro.
“Out Of Nothing” è il singolo dell’album, il titolo stesso, "Dal nulla", suggerisce il tema della creazione e della resilienza. Mentre il resto dell'album scava nel dolore, questo brano parla della capacità dell'animo umano di rigenerarsi quando tutto sembra perduto. È il momento del disco in cui la "malattia dell'anima" trova una forma di cura o, almeno, una via d'uscita. A differenza delle atmosfere dilatate di “Wallow”, qui domina un ritmo incalzante. La sezione ritmica è granitica, con un basso distorto che guida il pezzo e rimanda a certe sonorità dei Muse più pesanti o dei Big Wreck. Sylvain Auclair offre qui una delle sue performance più versatili, passa da un cantato melodico e quasi sognante nelle strofe a un registro graffiante e potente nel ritornello, che è incredibilmente orecchiabile per gli standard del Progressive Rock.
Segue “Darkest Heir”, un pezzo che potrebbe benissimo rientrare nella discografia degli Haken. Si tira un attimo il fiato con “Slow Down Son”, che funge da cuore emotivo del disco, una ballata progressiva che si distingue per la sua profonda umanità. Il testo è una sorta di lettera aperta, un consiglio paterno (o ancestrale) rivolto a chi sta correndo troppo velocemente verso l'autodistruzione. È un invito a fermarsi, a respirare e a osservare le proprie ferite invece di scappare da esse.
In “Rise” si parla della risalita metodica. Il testo affronta la fatica di ricostruire la propria identità ed è un inno alla resilienza, ma privo di retorica banale. La band sottolinea che risorgere è un lavoro sporco, difficile e spesso doloroso. C'è un uso molto interessante di poliritmie che danno l'idea di un ingranaggio che ricomincia a girare, inizialmente con fatica e poi con una fluidità inarrestabile. Le tastiere di Sébastien Cloutier qui si fanno orchestrali, mentre l'uso dei sintetizzatori non è mai invasivo, ma serve a sollevare il brano nei ritornelli, creando quell'effetto di "ascesa" evocato dal titolo.
“Awakening The Spirit” ha un inizio quasi in stile Radiohead e brilla per la sua eleganza, oltre che per un arrangiamento dalle atmosfere mistiche alla Steven Wilson.
La chiusura spetta a “Dusting My Coat” e, se l'album fosse un film, questa sarebbe la scena finale in cui il protagonista, dopo aver attraversato tempeste e abissi, si ferma sulla porta, si scuote la polvere di dosso e guarda verso l'orizzonte. Il cuore della traccia è l'intreccio tra una chitarra acustica dal suono molto naturale e la voce di Sylvain Auclair, che qui suona quasi stanca ma profondamente serena. In gran parte del brano la sezione ritmica è assente, sottolineando il senso di solitudine positiva e di pace ritrovata.
Se sei un fan di gruppi come Porcupine Tree, Opeth o Big Wreck, questo album dei Karcius rappresenta probabilmente una delle uscite più significative del panorama Prog di quest'anno. MS

Versione Inglese:

KARCIUS - Black Soul Sickness
Self-release
Genre: Modern Post-Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

The Canadians Karcius are a band in constant evolution, perfectly embodying the modern meaning of the term “Progressive.” Formed in Montreal in 2001, they reach their seventh studio album with “Black Soul Sickness”; the current lineup consists of Sylvain Auclair (vocals, bass), Thomas Brodeur (drums), Sébastien Cloutier (keyboards), and Simon L'Espérance (guitar). They are the perfect example of how the past can be seamlessly integrated into the present, blending golden-era keyboard flourishes with heavy, robust sections reminiscent of Porcupine Tree’s metal side.
The album is described by the band as a cinematic odyssey through the fragile architecture of the human psyche. Compared to previous chapters, “Black Soul Sickness” veers into decidedly darker and more introspective territories, tackling themes such as loss and grief, obsession and trauma, rebirth, and the search for inner truth. The band has also stated that they prioritized emotion over pure technicality, striving to create a work that "speaks to the heart because it comes from the heart."
The music shifts from moments of near-silence and delicacy (piano, mellotron) to intense, heavy sonic explosions. Entirely self-produced and mixed by guitarist Simon L'Espérance, the record ensures total creative control, resulting in a very organic and "human" sound. Despite the complexity typical of the genre, the songs avoid technical exhibitionism for its own sake, favoring narrative structures that lead the listener through an emotional climax.
The album opens immediately with a suite titled “Wallow,” testifying to a commitment to immersive music meant for deep listening rather than a “hit-and-run” approach. It begins with a suspended atmosphere, dominated by Sébastien Cloutier’s piano and minimal sound design curated by Thomas Brodeur. Sylvain Auclair’s vocals enter almost in a whisper, conveying a sense of vulnerability and isolation. The track grows gradually; this is where Simon L'Espérance’s guitar work comes in, weaving clean arpeggios with heavy, syncopated riffs. Auclair’s bass becomes pulsing, creating a sonic wall that symbolizes the crushing weight of depression or grief. The final section is an explosion of pure Progressive Metal. Karcius cast caution aside for a complex instrumental segment where odd time signatures on the drums merge with feedback-laden guitar solos, leading the listener toward a resolution that is almost liberating, yet melancholic. The lyrics explore the paradox of pain: that moment when suffering becomes so familiar it turns into a sort of safe haven, yet prevents any movement toward the future.
“Out Of Nothing” is the album's single; the title itself suggests the theme of creation and resilience. While the rest of the album delves into pain, this track speaks of the human soul's capacity to regenerate when all seems lost. it is the moment in the record where the "sickness of the soul" finds a form of healing or, at the very least, a way out. Unlike the expansive atmospheres of “Wallow,” an insistent rhythm dominates here. The rhythm section is rock-solid, with a distorted bass driving the piece, evoking the heavier sounds of Muse or Big Wreck. Sylvain Auclair delivers one of his most versatile performances, shifting from melodic, almost dreamlike singing in the verses to a gritty, powerful register in the chorus, which is incredibly catchy by Progressive Rock standards.
Next is “Darkest Heir,” a track that could easily fit into Haken’s discography. The listener gets a brief breather with “Slow Down Son,” which serves as the emotional heart of the record—a progressive ballad distinguished by its profound humanity. The lyrics are a sort of open letter, a fatherly (or ancestral) piece of advice addressed to someone rushing too fast toward self-destruction. It is an invitation to stop, breathe, and observe one's wounds instead of running away from them.
In “Rise,” the theme is one of methodical ascent. The lyrics deal with the struggle of rebuilding one's identity; it is an anthem to resilience, yet devoid of hollow rhetoric. The band emphasizes that rising again is a dirty, difficult, and often painful job. There is a very interesting use of polyrhythms that give the impression of a gear starting to turn again—initially with effort, then with unstoppable fluidity. Sébastien Cloutier’s keyboards become orchestral here, while the use of synthesizers is never invasive, serving instead to lift the song during the choruses and creating the "ascent" effect evoked by the title.
“Awakening The Spirit” features an intro almost in the style of Radiohead, shining for its elegance as well as an arrangement with mystical atmospheres reminiscent of Steven Wilson.
The closing task falls to “Dusting My Coat.” If the album were a movie, this would be the final scene where the protagonist, after crossing storms and abysses, stands at the doorway, dusts off his coat, and looks toward the horizon. The heart of the track is the interplay between a very natural-sounding acoustic guitar and Sylvain Auclair’s vocals, which sound almost weary yet deeply serene. Throughout most of the song, the rhythm section is absent, highlighting the sense of positive solitude and rediscovered peace.
If you are a fan of bands like Porcupine Tree, Opeth, or Big Wreck, this album by Karcius likely represents one of the most significant releases in this year's Prog landscape. MS

Lateral Blast

LATERAL BLAST – Lemniscata
Autoproduzione
Genere: Cantautore / Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Prosegue nel suolo italico l’avanzata dei cantautori Prog e questo non può che farmi personalmente piacere. I Lateral Blast sono un progetto di Leonardo Angelucci, cantautore romano classe 1991. Dopo le prime esperienze con band Rock e Prog tra il 2011 e il 2016, intraprende la carriera solista pubblicando nel 2017 l’EP “Contemporaneamente” per Alka Record Label, affermandosi da subito con premi, riconoscimenti e un’intensa attività live in tutta Italia. Nel 2018 esce “Questo Frastuono Immenso”, suo album d’esordio, prodotto da Manuele Fusaroli. Il disco ha anche passaggi su Rai Radio 1 e video anteprime su Repubblica.it. Vincitore della Biennale MArteLive 2019 e del premio Nuovo IMAIE per il tour nazionale, è anche finalista di Musicultura e Arezzo Wave Lazio. Questo, a grandi linee, il curriculum dell’artista.
Nel 2016 i Lateral Blast realizzano “La Luna Nel Pozzo”, un lavoro che li pone all’attenzione del pubblico, e oggi fanno ritorno con “Lemniscata”, un concept davvero interessante composto da dodici tracce che ora andremo ad analizzare.
Innanzitutto il disco narra di uno scienziato e del suo viaggio che inizia nella finestra di una stanza per poi oltrepassare (come il Voyager) i confini del nostro sistema solare; ma attenzione, non è soltanto un percorso spaziale, bensì un'indagine sulle prospettive umane. Ogni pianeta incrociato diventa un argomento fra astronomia, storia e mito, mentre il tutto viene esaltato dall’opera di copertina del pittore bolognese Vito Giarrizzo, realizzata appositamente per questo progetto. L’opera è frutto del lavoro di Leonardo Angelucci (chitarra, cori), Rosaceleste Zumpano (voce), Matteo Troiani (basso), Alessandro Ippoliti (tastiere), Tommaso Guerrieri (batteria) e Antonello D’Angeli (chitarra), dove Il Sole è inteso come la forza gravitazionale dell'amore, la Terra è legata ai piaceri viscerali e Giove è concepito come il giudizio divino.
Il disco è stato anticipato dal singolo “Rifugio”, uscito a marzo 2026, descritto come un viaggio emotivo dentro la fragilità umana e il senso di smarrimento.
“La Finestra” rappresenta il punto di osservazione, la soglia tra il microcosmo (l'intimità domestica, i pensieri personali) e il macrocosmo (lo spazio infinito, il Sistema Solare). Il brano racconta quel momento di sospensione in cui ci si ferma a guardare fuori, magari di notte, cercando una connessione tra le proprie piccole paure e l'immensità dell'universo. Musicalmente basato su tastiere e chitarre, specialmente nel finale, è un movimento ricco di cambi di tempo e profondità tipicamente Prog.
“Il Sole” esplora l'ambivalenza dei legami profondi e la necessità di calore e luce contrapposta al rischio di annullarsi o rimanere scottati dalla potenza dell'altro. È un brano di Rock Progressivo moderno che abbandona per un attimo il mistero per celebrare la presenza.
Quando si giunge a “Mercurio”, le atmosfere iniziali si fanno meditate per poi esplodere in uno strumentale ricco di riferimenti al passato fra Genesis e Prog Folk, grazie all’utilizzo del flauto.
Con “Passione” la Zumpano sale in cattedra in una ballata ampia in cui le parole dipingono immagini forti, legate al desiderio, alla carne e all'inevitabilità di farsi travolgere da ciò che ci rende vivi, mentre in “L’Altalena” giocano con sonorità che sfiorano il Ragtime e un raffinato Dark Swing, mantenendo però quella spigolosità Rock tipica del loro DNA. Dal punto di vista vocale, il brano richiede una forte dose di espressività teatrale.
Il disco è quindi davvero variegato, senza un momento di stanca, e “Dove Sei” cambia nuovamente scenario esplorando il tema della lontananza, della perdita e della ricerca dell'altro, in cui la forte carica nostalgica e malinconica viene sottolineata dalla voce di Angelucci.
Pubblicato inizialmente come singolo nel lontano 2019, “1666” è associato al grande incendio di Londra del 1666. Musicalmente mette in pratica un mix fra cantautorato, Folk e Progressive Rock.
È la volta di “Tempo”; qui la sfida di descrivere il tempo viene raccolta attraverso soluzioni ritmiche e d'arrangiamento molto mirate. La sezione ritmica (basso e batteria) si fa metronomica, quasi a voler simulare il battito cardiaco o il ticchettio di un orologio, creando una tensione costante che fa da spina dorsale alla traccia. Ottimo l’uso del flauto che dona istanti rilassanti dal sapore vintage.
“Satelliti” gioca sulla metafora dei corpi celesti che non brillano di luce propria, ma orbitano incessantemente attorno a un centro di gravità, descritti dal connubio voce e pianoforte.
Torna la bella voce di Rosaceleste in “Rifugio”, in cui si parla di vulnerabilità, ma anche della forza che si trova nell'accettare i propri limiti. Il brano evita le esplosioni sonore violente, preferendo un crescendo emotivo graduale, guidato dalla sezione ritmica che pulsa in modo discreto ma solido.
Ed ecco “Plutone”, dall’andamento Blues, che affronta il tema della fine, del distacco e dell'accettazione dell'ombra. Il brano non rinuncia alla spinta Rock, ma la declina in un incedere pesante, solenne, quasi Prog Metal in certi passaggi chitarristici. È un pezzo strutturato, dove i cambi di tempo non servono a stupire per virtuosismo, ma a sottolineare il senso di smarrimento e la discesa negli abissi.
Tutto si conclude con l’ottima title track, una coccola sonora di rara bellezza. “Lemniscata” è quindi un’audace odissea Rock tra le geometrie del cosmo e i labirinti dell'anima, dove il Progressive teatrale si fa specchio di un eterno ritorno. MS

Versione Inglese:

LATERAL BLAST – Lemniscata
Self-released
Genre: Singer-Songwriter / Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

The advance of Prog singer-songwriters continues on Italian soil, and this can only bring me personal pleasure. Lateral Blast is a project by Leonardo Angelucci, a Roman singer-songwriter born in 1991. Following his initial experiences with Rock and Prog bands between 2011 and 2016, he embarked on a solo career, releasing the EP “Contemporaneamente” in 2017 under the Alka Record Label, immediately establishing himself with awards, accolades, and intense live activity throughout Italy. In 2018, his debut album “Questo Frastuono Immenso,” produced by Manuele Fusaroli, was released. The record also received airplay on Rai Radio 1 and video premieres on Repubblica.it. Winner of the 2019 MArteLive Biennale and the Nuovo IMAIE award for his national tour, he was also a finalist at Musicultura and Arezzo Wave Lazio. This, in broad strokes, is the artist's curriculum.
In 2016, Lateral Blast released “La Luna Nel Pozzo,” a work that brought them to the public's attention, and today they return with “Lemniscata,” a truly interesting concept album composed of twelve tracks that we will now analyze.
First and foremost, the record tells the story of a scientist and his journey, which begins at the window of a room and then goes beyond the boundaries of our solar system (like the Voyager); but mind you, it is not merely a spatial journey, but rather an inquiry into human perspectives. Each planet encountered becomes a subject spanning astronomy, history, and myth, while the entire work is enhanced by the cover art of Bolognese painter Vito Giarrizzo, created specifically for this project. The work is the result of the efforts of Leonardo Angelucci (guitar, backing vocals), Rosaceleste Zumpano (vocals), Matteo Troiani (bass), Alessandro Ippoliti (keyboards), Tommaso Guerrieri (drums), and Antonello D’Angeli (guitar), where The Sun is understood as the gravitational force of love, Earth is linked to visceral pleasures, and Jupiter is conceived as divine judgment.
The album was preceded by the single “Rifugio,” released in March 2026, described as an emotional journey into human fragility and the sense of bewilderment.
“La Finestra” represents the point of observation, the threshold between the microcosm (domestic intimacy, personal thoughts) and the macrocosm (infinite space, the Solar System). The track recounts that moment of suspension when one stops to look outside, perhaps at night, seeking a connection between one's own small fears and the immensity of the universe. Musically based on keyboards and guitars, especially in the finale, it is a movement rich in time signature changes and a depth typical of Prog.
“Il Sole” explores the ambivalence of profound bonds and the need for warmth and light, contrasted with the risk of erasing oneself or getting burned by the power of the other. It is a modern Progressive Rock track that momentarily abandons mystery to celebrate presence.
When reaching “Mercurio,” the opening atmospheres become meditative before exploding into an instrumental rich in vintage references, shifting between Genesis and Prog Folk, thanks to the use of the flute.
With “Passione,” Zumpano takes center stage in an expansive ballad where the words paint powerful images tied to desire, the flesh, and the inevitability of being overwhelmed by what makes us alive, while in “L’Altalena” they play with sounds that border on Ragtime and a refined Dark Swing, yet maintaining that rock edge typical of their DNA. From a vocal standpoint, the track demands a heavy dose of theatrical expressiveness.
The record is therefore highly varied, without a single dull moment, and “Dove Sei” shifts the scenery once again, exploring the theme of distance, loss, and the search for the other, where the strong nostalgic and melancholic charge is highlighted by Angelucci's vocals.
Initially released as a single back in 2019, “1666” is associated with the Great Fire of London of 1666. Musically, it delivers a mix of singer-songwriter storytelling, Folk, and Progressive Rock.
Next up is “Tempo”; here, the challenge of describing time is met through very deliberate rhythmic and arrangement choices. The rhythmic section (bass and drums) becomes metronomic, almost simulating a heartbeat or the ticking of a clock, creating a constant tension that serves as the backbone of the track. Excellent use of the flute, which provides relaxing moments with a vintage flavor.
“Satelliti” plays on the metaphor of celestial bodies that do not shine with their own light but incessantly orbit around a center of gravity, depicted by the combination of vocals and piano.
The beautiful voice of Rosaceleste returns in “Rifugio,” a track that speaks of vulnerability, but also of the strength found in accepting one's limitations. The song avoids violent sonic explosions, preferring a gradual emotional crescendo guided by a rhythmic section that pulses discretely yet solidly.
And here is “Plutone,” with its Blues-driven pace, which addresses the theme of ending, detachment, and the acceptance of the shadow. The track does not surrender its Rock drive but rather declines it into a heavy, solemn gait, leaning almost toward Prog Metal in certain guitar passages. It is a structured piece where the time changes do not serve to flaunt virtuosity, but to underscore the sense of bewilderment and the descent into the abyss.
Everything concludes with the excellent title track, a sonic embrace of rare beauty. “Lemniscata” is thus a daring Rock odyssey between the geometries of the cosmos and the labyrinths of the soul, where theatrical Progressive becomes the mirror of an eternal return. MS

 

 

 

Deception Store

DECEPTION STORE - Osmosis
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Cantautore / Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

La qualità del Progressive Rock italiano negli ultimi anni si è alquanto elevata, soprattutto grazie a un'intelligente gestione fra quanto il passato ha saputo elargire e le nuove tendenze che inevitabilmente sorgono con il passare del tempo, delle mode e della tecnologia. Non è quindi la prima volta che mi imbatto in un disco che sa mettermi in pace con il mondo, coccolando il corpo ma soprattutto la mente. Sto parlando di “Osmosis”, progetto Deception Store dell’artista meranese Marco Pantozzi, il quale, a cinque anni di distanza dall’esordio intitolato “Pindaric Flights” (Ma.Ra.Cash Records), ritorna con questo album di dieci canzoni che si interroga su cosa rimanga quando l'incanto si rompe e ci si ritrova faccia a faccia con la realtà. Le chitarre sono decisamente ispirate da David Gilmour, accompagnate da molte tastiere e sonorità eteree. Per “Osmosis”, Pantozzi si ritrova a lavorare in Emilia-Romagna e per questo risultano coinvolti artisti di grande spessore del calibro di Gigi Cavalli Cocchi (batteria), Vincenzo Ricca (The Rome Pro(g)ject), Max Repetti, Arianna Caviati (voce) e Daniela Scarlatti (voce). L'album dura circa 43 minuti ed è stato registrato presso l'Elfo Studio di Piacenza sotto la guida di Alberto Callegari.
L’iniziale “Behind The Window” si distingue per una progressione dinamica molto curata e gode di un'atmosfera sospesa, quasi notturna, per poi evolversi in un corpo centrale più robusto. Non cerca la complessità fine a se stessa, ma punta tutto sulla narrazione sonora. I Pink Floyd fanno capolino con “Mare Tranquillitatis”, qui il riferimento al "Mare della Tranquillità" non è solo spaziale, ma filosofico. Musicalmente, il brano riesce a trasmettere quel senso di pace apparente che nasconde, sotto la superficie, una complessità tecnica notevole, specialmente negli incastri armonici tra le tastiere e le linee soliste. In “Partire” Deception Store si approccia al cantautorato caro a Ron e Dalla, pur restando sempre all'interno di atmosfere rilassanti. Ottimo il ritornello. “Fantasie Pindariche” riporta il movimento verso un Prog disteso, in questo caso dalle influenze vicine ai Porcupine Tree; l’uso delle coralità femminili apporta celestialità all’insieme.
La chitarra acustica arpeggiata e la voce di Pantozzi in “Arrendersi Mai” ci tuffano pienamente nel cantautorato colto degli anni ’70, salvo sorprenderci con una fase Rap che conferma il mio preambolo riguardante l'unione tra passato e futuro. “L’Emporio Dell’Inganno” ha un andamento quasi drammaturgico e fa uso di campionamenti vocali.
Fra i brani preferiti da chi vi scrive inserisco “Norvegian Fjord”, un momento in cui socchiudere gli occhi per volare via lontano, nella solennità dei fiordi norvegesi. È un brano che vive di respiri ampi, dove il vuoto tra le note è importante quanto il suono stesso. Le trame sonore sono stratificate in modo da restituire quella sensazione di ghiaccio e cristallinità che ci si aspetta da un paesaggio scandinavo. Il singolo dell’album è “Panta Rei”, sinuoso e suntuoso nel carattere, che sorprende per il perfetto connubio tra forma canzone e Post-Prog moderno.
Ed è la volta di “La Risposta A Tutto”, qui risiede una ricerca della linea melodica che sembra voler rassicurare l'ascoltatore in un buon dialogo fra tastiere e chitarra, mentre la chiusura spetta all’elegante “Raccontami Di Te”, in duetto con una voce femminile. Una ballata cantautorale toccante e ben bilanciata grazie ad arrangiamenti di fiati e a una qualità sonora eccellente. Per concludere, “Osmosis” è un album di "sottrazione e tensione", dove il minimalismo delle chitarre e la ricchezza dei sintetizzatori creano un tappeto sonoro crepuscolare. È un disco maturo che preferisce l'emozione autentica all'esibizionismo tecnico. C’è chi lo chiama Soft Prog, a me piace chiamarla semplicemente bella musica. MS

Versione Inglese:

DECEPTION STORE - Osmosis
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Singer-Songwriter / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

The quality of Italian Progressive Rock has risen significantly in recent years, thanks above all to an intelligent management of what the past has bestowed and the new trends that inevitably emerge with the passing of time, fashions, and technology. It is therefore not the first time I have come across a record that manages to put me at peace with the world, pampering the body but, above all, the mind. I am talking about “Osmosis,” a project by Deception Store from the Merano-based artist Marco Pantozzi, who, five years after his debut titled “Pindaric Flights” (Ma.Ra.Cash Records), returns with this ten-track album that ponders what remains when the enchantment breaks and one finds themselves face to face with reality. The guitars are decidedly inspired by David Gilmour, accompanied by plenty of keyboards and ethereal soundscapes. For “Osmosis,” Pantozzi worked in Emilia-Romagna, involving high-caliber artists such as Gigi Cavalli Cocchi (drums), Vincenzo Ricca (The Rome Pro(g)ject), Max Repetti, Arianna Caviati (vocals), and Daniela Scarlatti (vocals). The album lasts about 43 minutes and was recorded at Elfo Studio in Piacenza under the guidance of Alberto Callegari.
The opener “Behind The Window” stands out for its well-crafted dynamic progression and enjoys a suspended, almost nocturnal atmosphere, before evolving into a more robust central body. It does not seek complexity for its own sake but focuses entirely on sonic storytelling. Pink Floyd peeks through with “Mare Tranquillitatis”: here, the reference to the "Sea of Tranquility" is not only spatial but philosophical. Musically, the piece succeeds in conveying that sense of apparent peace that hides, beneath the surface, a remarkable technical complexity, especially in the harmonic interplay between keyboards and solo lines. In “Partire,” Deception Store approaches a style of songwriting reminiscent of Ron and Dalla, while remaining within relaxing atmospheres. The chorus is excellent. “Fantasie Pindariche” brings the movement back toward a relaxed Prog, in this case with influences close to Porcupine Tree; the use of female choruses adds a celestial quality to the whole.
The arpeggiated acoustic guitar and Pantozzi’s voice in “Arrendersi Mai” plunge us fully into the sophisticated singer-songwriter style of the 70s, only to surprise us with a Rap section that confirms my preamble regarding the union of past and future. “L’Emporio Dell’Inganno” has an almost dramaturgical flow and makes use of vocal samples. Among the favorite tracks of this writer is “Norvegian Fjord,” a moment to close one's eyes and fly far away into the solemnity of the Norwegian fjords. It is a song that lives on wide breaths, where the space between the notes is as important as the sound itself. The sonic textures are layered to return that sensation of "ice" and "crystallinity" expected from a Scandinavian landscape. The album's single is “Panta Rei,” sinuous and sumptuous in character, surprising for its perfect blend of song structure and modern Post-Prog.
Then comes “La Risposta A Tutto,” which features a search for a melodic line that seems to reassure the listener through a fine dialogue between keyboards and guitar, while the closing is left to the elegant “Raccontami Di Te,” a duet with a female voice. A touching and well-balanced singer-songwriter ballad, thanks to brass arrangements and excellent sound quality. In conclusion, “Osmosis” is an album of "subtraction and tension," where the minimalism of the guitars and the richness of the synthesizers create a twilight sonic carpet. It is a mature record that prefers authentic emotion over technical exhibitionism. Some call it Soft Prog; I like to call it, quite simply, beautiful music. MS

Kerygmatic Project

KERYGMATIC PROJECT - A Bolt From The Blue
Ma. Ra. Cash Records
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Essendo io cresciuto fra gli anni ’70 e gli ’80, ho potuto apprezzare appieno l’evoluzione del genere sino a giungere, nei primi anni ’80, al Neo Prog. Orfano del Prog classico, in quel periodo mi sono legato a quelle band che potremmo definire a loro volta “storiche”, come Marillion, IQ, Pallas, Pendragon ecc. In Italia il fenomeno è giunto quasi in sordina, a parte casi come gli alessandrini Arcansiel e poco più, ma di questo ho già parlato nel mio libro “Neo Prog” (Arcana).
Nel tempo il genere si è saputo evolvere, assorbendo le influenze circostanti dettate dalle mode e dalla tecnologia, che nel frattempo è cambiata notevolmente. Giungendo agli anni 2000, in Italia i fenomeni sono molteplici, fra i quali spicca la band Kerygmatic Project, formatasi nel 1998 e composta da Marco Campagnolo (tastiere), Danilo Nobili (batteria) e Samuele Tadini (voce, basso, chitarra).
Il termine 'Kerygmatic', che deriva da 'Kerygma', ha due significati fondamentali: il primo, di origine greca, significa 'messaggio' o, più precisamente, 'proclamazione'; il secondo indica il primo esempio di predicazione cristiana. Nell'antichità, all'interno della comunità d'origine, il termine designava il nucleo stesso del Cristianesimo.
Musicalmente, nonostante la complessità strutturale, la band mantiene sempre un'anima Pop Rock accessibile, in un mix fra Genesis e Marillion. Rispetto ai lavori precedenti, l'album integra una maggiore presenza di elementi elettronici e synth-wave, pur mantenendo salde le radici nel Neo Prog.
Dopo aver rilasciato nel tempo cinque album, “A Bolt From The Blue” rappresenta il loro sesto sigillo in studio e segna un'evoluzione significativa per il gruppo. Il titolo stesso suggerisce l'idea di un evento improvviso e inaspettato, un "fulmine a ciel sereno" che scuote la realtà.
I loro testi spaziano spesso tra filosofia, attualità e introspezione psicologica. L'album si apre con la title track, che curiosamente è uno dei brani più brevi (02:23), questo suggerisce che funga da vera e propria scossa iniziale, un'introduzione strumentale o un manifesto sonoro rapido che prepara il terreno per i pezzi più complessi.
Fra i brani più interessanti cito “Regeneration”, il più lungo con i suoi otto minuti; in pieno stile Neo Prog, qui la band ha lo spazio per esplorare cambi di tempo e atmosfere stratificate, iniziando pacatamente con voce e tastiere per poi dipanarsi in fughe più articolate. “The Real Loser Liar” e “Money, Power & Sex” sembrano formare un blocco tematico forte, probabilmente legato a una critica verso l'ipocrisia sociale e l'avidità. Si passa poi da titoli duri a momenti apparentemente più melodici o narrativi come “I Can't Keep My Eyes Off You” e la chiusura cinematografica di “Sunset Boulevard”. Grazie a Samuele Tadini e Danilo Nobili, la sezione ritmica non è mai banale, specialmente in tracce come “The S.High School Open Day”.
In un mercato musicale spesso dominato da brani "usa e getta", i Kerygmatic Project continuano a difendere il formato album come opera d'arte unitaria. Se amate il Rock che richiede attenzione ma che sa anche emozionare al primo ascolto, "A Bolt From The Blue" è sicuramente una delle uscite che potrebbero interessarvi. MS

Per Ascolto: https://maracashrecords.bandcamp.com/album/a-bolt-from-the-blue

Versione Inglese: 

KERYGMATIC PROJECT - A Bolt From The Blue
Ma. Ra. Cash Records
Genre: Neo Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Having grown up between the '70s and '80s, I was able to fully appreciate the evolution of the genre until reaching, in the early '80s, Neo Prog. Left orphaned by classic Prog, during that period I bonded with those bands that we might now define as "historic" in their own right, such as Marillion, IQ, Pallas, Pendragon, etc. In Italy, the phenomenon arrived almost quietly, apart from cases like Arcansiel from Alessandria and little else, but I have already discussed this in my book “Neo Prog” (Arcana).
Over time, the genre has managed to evolve, absorbing surrounding influences dictated by trends and technology, which in the meantime has changed significantly. Moving into the 2000s, there are numerous phenomena in Italy, among which the band Kerygmatic Project stands out. Formed in 1998, the group is composed of Marco Campagnolo (keyboards), Danilo Nobili (drums), and Samuele Tadini (vocals, bass, guitar).
The term 'Kerygmatic', which derives from 'Kerygma', has two fundamental meanings: the first, of Greek origin, means 'message' or, more precisely, 'proclamation'; the second indicates the first example of Christian preaching. In antiquity, within the original community, the term designated the very core of Christianity.
Musically, despite the structural complexity, the band always maintains an accessible Pop Rock soul, in a mix between Genesis and Marillion. Compared to previous works, the album integrates a greater presence of electronic and synth-wave elements, while keeping its roots firmly planted in Neo Prog. After releasing five albums over time, “A Bolt From The Blue” represents their sixth studio seal and marks a significant evolution for the group. The title itself suggests the idea of a sudden and unexpected event, a "bolt from the blue" that shakes reality.
Their lyrics often range between philosophy, current events, and psychological introspection. The album opens with the title track, which curiously is one of the shortest songs (02:23); this suggests it serves as a true initial "jolt," an instrumental introduction or a quick sonic manifesto that prepares the ground for the more complex pieces.
Among the most interesting tracks, I mention “Regeneration”, the longest at eight minutes; in full Neo Prog style, here the band has the space to explore time signature changes and layered atmospheres, starting quietly with vocals and keyboards before unfolding into more articulated sections. “The Real Loser Liar” and “Money, Power & Sex” seem to form a strong thematic block, likely linked to a critique of social hypocrisy and greed. It then shifts from harsh titles to moments that are seemingly more melodic or narrative, such as “I Can't Keep My Eyes Off You” and the cinematic closing of “Sunset Boulevard”. Thanks to Samuele Tadini and Danilo Nobili, the rhythm section is never predictable, especially in tracks like “The S.High School Open Day”.
In a music market often dominated by "disposable" tracks, Kerygmatic Project continues to defend the album format as a unified work of art. If you love Rock that requires attention but also knows how to thrill at first listen, "A Bolt From The Blue" is certainly one of the releases that might interest you. MS

FOR LISTENING: https://maracashrecords.bandcamp.com/album/a-bolt-from-the-blue

Cellar Noise

CELLAR NOISE - Panic Loves Telling Lies
AMS Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Sono passati ben sette anni dall’ottimo “Nautilus” della band milanese Cellar Noise, e vedere il ritorno del quintetto con “Panic Loves Telling Lies” mi fa tirare un sospiro di sollievo, in quanto ho sempre reputato il combo una bellissima realtà italica per il genere Prog.
Tuttavia non si è al cospetto del solito Prog anni ’70, quanto piuttosto davanti a un assorbimento della storia assimilata e ricostruita attraverso strutture e sonorità più moderne. Ecco quindi innesti di Post Prog Moderno (Riverside, Porcupine Tree, ecc.) con Metal Prog e l’enfasi annosa delle tastiere che riconducono spesso ai tempi che furono, assieme ai bei solo di chitarra elettrica. La band, quindi, muta leggermente per puntare su sonorità più robuste rispetto al suo passato.
La formazione è rimasta la stessa, con Francesco Lovari (voce), Alessandro Palmisano (chitarra), Niccolò Gallani (tastiere), Loris Bersan (basso) ed Eric Bersan (batteria, percussioni).
Il terzo album dei Cellar Noise è incentrato sull'esperienza di essere intrappolati nella propria mente; qui il titolo, "Panic Loves Telling Lies", suggerisce un'esplorazione psicologica profonda. L'album ruota attorno ai temi della percezione distorta, dell'ansia moderna e di come le nostre paure interiori riescano a manipolare la realtà oggettiva. È un lavoro introspettivo che alterna momenti di claustrofobia sonora a aperture melodiche liberatorie.
I Cellar Noise fanno largo uso di synth analogici e texture ambient che si intrecciano con il classico suono dell'organo Hammond e del Mellotron. Le tracce sono lunghe e articolate, con frequenti cambi di tempo, ma mantengono sempre un forte senso della melodia, evitando di diventare un mero esercizio di tecnica. Per un album più “metallico” serve una produzione maggiormente cristallina e il risultato, anche in un accurato ascolto in cuffia, è soddisfacente.
“Wasted Potential” è un inizio coraggioso. Invece di un'intro strumentale classica, la band punta su un titolo che evoca subito un senso di rimpianto o di aspettative tradite. Musicalmente è un brano energico che mette subito in chiaro il nuovo sound. Francesco Lovari è un ottimo cantante, oltre che abile interprete di testi non proprio banali.
Tutto l’album si aggira su alte vette qualitative, tuttavia, vorrei rendere merito al brano “Caged”: se il resto del disco esplora le "bugie" che ci raccontiamo, questa traccia affronta il momento in cui quelle bugie diventano una prigione.
Qui la sezione ritmica dei Cellar Noise diventa serrata. Il tempo dispari (tipico del Prog) riflette l'agitazione del sentirsi intrappolati. La voce si fa più graffiante e meno eterea. Intorno al sesto minuto, il brano esplode. È qui che i Cellar Noise spingono sull'acceleratore con un intreccio tra chitarra elettrica e tastiere che ricorda le grandi suite degli anni '70, ma con una distorsione e una cattiveria sonora molto contemporanea. “Caged” parla della paralisi decisionale, il testo descrive la sensazione di essere osservati e giudicati, ma la svolta sta nel finale: la gabbia non è chiusa dall'esterno, ma dall'interno. Il "panico" di cui parla il titolo dell'album qui si manifesta come una forza che blocca i movimenti e soffoca la voce.
I Cellar Noise hanno dimostrato con questo lavoro di non essere solo nostalgici del passato, ma di saper evolvere il genere Progressive rendendolo attuale e carico di emotività. “Panic Loves Telling Lies” è un album che richiede più ascolti per essere assimilato appieno, ma che ripaga l'ascoltatore con una ricchezza di dettagli sonori raramente riscontrabile oggi.
"Un viaggio attraverso le crepe della mente umana, dove la musica diventa l'unica bussola affidabile." Bellissimo! MS 

Versione Inglese:

CELLAR NOISE - Panic Loves Telling Lies
AMS Records
Genre: Modern Post-Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

Seven years have passed since the excellent “Nautilus” by the Milanese band Cellar Noise, and seeing the quintet’s return with “Panic Loves Telling Lies” makes me breathe a sigh of relief, as I have always considered the combo a beautiful Italian gem within the Prog genre.
However, we are not in the presence of the usual 70s-style Prog, but rather an absorption of history, assimilated and reconstructed through more modern structures and sounds. Hence the infusions of Modern Post-Prog (Riverside, Porcupine Tree, etc.) with Prog Metal and the long-standing emphasis on keyboards that often lead back to days gone by, along with fine electric guitar solos. The band, therefore, shifts slightly to aim for more robust sounds compared to its past.
The lineup remains the same, featuring Francesco Lovari (vocals), Alessandro Palmisano (guitar), Niccolò Gallani (keyboards), Loris Bersan (bass), and Eric Bersan (drums, percussion).
Cellar Noise’s third album is centered on the experience of being trapped within one's own mind; here the title, “Panic Loves Telling Lies,” suggests a profound psychological exploration. The album revolves around themes of distorted perception, modern anxiety, and how our inner fears manage to manipulate objective reality. It is an introspective work that alternates moments of sonic claustrophobia with liberating melodic openings.
Cellar Noise makes extensive use of analog synths and ambient textures that intertwine with the classic sound of the Hammond organ and Mellotron. The tracks are long and articulate, with frequent time signature changes, yet they always maintain a strong sense of melody, avoiding becoming a mere exercise in technique. For a more “metallic” album, a crystal-clear production is required, and the result—even during an accurate listen through headphones—is satisfying.
“Wasted Potential” is a courageous start. Instead of a classic instrumental intro, the band bets on a title that immediately evokes a sense of regret or betrayed expectations. Musically, it is an energetic track that immediately makes the new sound clear. Francesco Lovari is an excellent singer, as well as a skilled interpreter of lyrics that are anything but cliché.
The entire album moves across high peaks of quality; however, I would like to give credit to the track “Caged”: if the rest of the record explores the "lies" we tell ourselves, this track confronts the moment when those lies become a prison.
Here, Cellar Noise’s rhythm section becomes tight. The odd time signature (typical of Prog) reflects the agitation of feeling trapped. The vocals become grittier and less ethereal. Around the sixth minute, the song explodes. It is here that Cellar Noise steps on the gas with an intertwining of electric guitar and keyboards reminiscent of the great suites of the 70s, but with a very contemporary distortion and sonic bite. “Caged” speaks of decisional paralysis; the lyrics describe the feeling of being watched and judged, but the turning point lies in the finale: the cage is not locked from the outside, but from within. The "panic" mentioned in the album title manifests here as a force that blocks movement and stifles the voice.
With this work, Cellar Noise has proven they are not just nostalgic for the past, but capable of evolving the Progressive genre, making it current and emotionally charged. “Panic Loves Telling Lies” is an album that requires multiple listens to be fully assimilated, but it rewards the listener with a richness of sonic detail rarely found today.
"A journey through the cracks of the human mind, where music becomes the only reliable compass." Beautiful! MS

I Libri Di Massimo "Max" Salari

 

I LIBRI DI MASSIMO SALARI

 

 

Non sono capace di farmi pubblicità, ma a questo punto della mia storia bibliografica credo che sia il momento di parlare delle mie opere vista la quantità delle uscite.

Ho scritto otto libri (nove con il nuovo romanzo che uscirà quest’anno e che ne parlerò a tempo debito), sei musicali e due con storie romanzate. Premetto che sono tutti ordinabili su Amazon e nelle librerie, ma se volete potete richiederli direttamente a me all’indirizzo:

 salari.massimo@virgilio.it

 

 

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013

(Arcana – 2018)

 

E’ considerato dalla critica una delle opere di riferimento più complete per comprendere cosa sia successo al genere in Italia dopo l'epoca d'oro degli anni '70. Mentre la bibliografia sul Prog italiano degli anni '70 è vastissima, il periodo successivo è stato spesso ignorato o liquidato come "decadenza". Io ribalto questa prospettiva, dimostrando che tra il 1980 e il 2013 il genere non è morto, ma si è evoluto, trasformato e rifugiato nell'underground, producendo lavori di altissima qualità.

Il libro è un'opera monumentale che funge sia da saggio storico che da enciclopedia consultabile e si divide principalmente in:

Analisi Storica: Il racconto del passaggio dai difficili anni '80 (il periodo del "riflusso" e della New Wave) fino alla rinascita dei primi anni '90 e al consolidamento nel nuovo millennio.

Schede dei Gruppi: Una rassegna vastissima di band, dalle più note (come la Nuova Era, i Finisterre, o gli Höstsonaten) a realtà più oscure ma significative. Le band trattate sono in ordine di debutto discografico anno per anno.

Così dice la critica: “Massimo Salari scrive con la passione del collezionista e la precisione del critico. Non è un libro "accademico" e freddo; si percepisce la conoscenza diretta della scena, derivante anche dalla sua lunga attività come critico musicale e collaboratore di riviste e siti specializzati (come Flash Magazine o Rock Hard).

Il libro vince il premio “Macchina Da Scrivere” (Toast Records) nella sezione “Migliore enciclopedia dell’anno”.

 

 

METAL PROGRESSIVE ITALIANO – La Storia E I Fondamentali Stranieri

(Arcana – 2019)

 

Dopo il successo del volume sul Rock Progressivo, sono tornato nel 2019 con "Metal Progressive Italiano" (edito da Arcana), un'opera che colma un altro vuoto storiografico importante nella saggistica musicale del nostro Paese. Considerato la costola del libro precedente, in questo caso si approfondiscono le band Metal Prog regione per regione. Ci sono interviste ai protagonisti e il meglio della discografia mondiale per una discoteca completa sull’argomento.

Il volume si presenta come un saggio enciclopedico, organizzato per facilitare sia la lettura continua che la consultazione rapida.

Racconto come si è passati dai pionieri che sperimentavano negli anni '80 (spesso in bilico tra Heavy classico e tentazioni tecniche) all'esplosione mondiale degli anni '90.

Le schede delle band sono il cuore del libro. Vengono analizzati centinaia di gruppi, dai nomi di calibro internazionale (come i DGM, gli Eldritch, i Vision Divine o i Labyrinth) a formazioni più di nicchia o sperimentali.

Per ogni band non c'è solo la biografia, ma un'analisi critica dei lavori più rappresentativi, aiutando il lettore a capire l'importanza di determinati album nell'economia del genere.

Così si è espressa la critica: “L'autore evidenzia come le band italiane abbiano spesso aggiunto un tocco di "teatralità" e una cura per la melodia che le differenzia dai colossi americani (come i Dream Theater) o nord-europei.

Il libro sfida l'idea che il Metal sia solo "rumore", mettendo in luce l'altissima preparazione tecnica e la profondità dei testi degli artisti trattati.

Salari non dimentica le radici, spiegando come il Metal Progressive sia, per molti versi, l'erede spirituale del Rock Progressivo degli anni '70, condividendone il desiderio di non porsi limiti creativi.

L’autore inoltre ha una capacità rara di scovare demo, EP rari e formazioni dimenticate, rendendo il libro un tesoro per i collezionisti. Nonostante l'approccio enciclopedico, la prosa è fluida e trasmette la passione viscerale dell'autore per la materia. In un'epoca di streaming selvaggio, avere una bussola critica che indichi "cosa ascoltare assolutamente" è un valore aggiunto notevole.”.

Il libro vince il premio “Macchina Da Scrivere” (Toast Records) nella voce “Migliore enciclopedia dell’anno”

 

NEO PROG – Storia E Discografia Essenziale

(Arcana – 2020)

  

Mentre i libri precedenti si concentravano sulla scena italiana, qui l'orizzonte si allarga a livello internazionale, pur mantenendo un occhio di riguardo per l'Italia.

Il libro parte da una premessa fondamentale: definire il Neo-Prog. Qui spiego come, tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, mentre il Punk e la New Wave dominavano le classifiche, una nuova generazione di musicisti cercava di recuperare l'eredità dei giganti (Genesis, Yes, Pink Floyd, Camel), ma con un approccio più diretto, melodico e moderno.

Parlo della storia e di band come Marillion, IQ, Pallas, Pendragon e Twelfth Nightche  hanno dato vita al movimento.

La sezione discografica è la parte più corposa e preziosa. Seleziono e recensisco i dischi considerati "pietre miliari", offrendo al lettore una discografia essenziale per costruire una collezione ragionata.

Un ampio spazio è dedicato all'era di Fish e alla successiva gestione Hogarth, analizzando come la band sia riuscita a portare il Prog nelle classifiche Pop senza svenderne l'anima.

Analizzo altresì il paradosso di un genere che è stato spesso accusato di essere "derivativo", ma che ha avuto il merito di tenere in vita il Rock Progressivo in un periodo in cui sembrava destinato all'estinzione.

Così la critica: “Il libro è arricchito da prefazioni e contributi che rendono la narrazione più corale, confermando Salari come uno dei critici più attenti a documentare non solo la musica "storica", ma anche quella che continua a evolversi nelle nicchie degli appassionati.

Se hai già letto i suoi libri sulla scena italiana, questo volume rappresenta il tassello mancante per capire come la "seconda ondata" del Prog abbia influenzato tutto ciò che ascoltiamo oggi in ambito Rock complesso.”.

La prefazione è di Loris Furlan (Lizard Records).

 

POST PROG MODERNO – L’Alba Di Una Nuova Era

(Arcana – 2022)

 

 

La musica rappresenta da sempre la società in cui viviamo al momento, ma c’è un genere in particolare che non si piega alle mode: il Progressive Rock. Artisti pionieri vanno alla ricerca di nuove sonorità e soluzioni tanto da divenire nei decenni veri e propri punti di riferimento per la musica del futuro. Il Progressive Rock con il tempo si distanzia fisiologicamente da se stesso e necessita quindi di una nuova collocazione. Gli anni Sessanta e Settanta sono stati fondamentali, ma la tecnologia evolve, e così inevitabilmente la nostra vita. Questo viaggio fra passato, presente e futuro narra di una nuova era e fissa un paletto necessario per non confondere più il significato di Progressive Rock: Post Prog Moderno. Nel libro segue uno sguardo ai pionieri, a chi ha influenzato i tempi moderni e al mondo sperimentale, quello che osa e muta l’evoluzione del Rock. Prefazione di Fabio Zuffanti.

Nel libro non uso il termine "Post-Prog" solo come un'etichetta temporale, ma come una categoria estetica. Si riferisce a quella musica che mantiene l'ambizione intellettuale e la complessità del Prog classico, abbandonando i cliché (come i lunghi assoli di tastiera o i testi fantasy) per abbracciare suoni elettronici, ambient, alternative rock e sperimentali.

Il libro analizza come il genere sia stato "decontestualizzato" e riassemblato. Tra i nomi trattati troviamo figure centrali come Steven Wilson (e i Porcupine Tree), considerati i traghettatori del Prog nel nuovo millennio. E poi Anathema, Opeth, Tool, The Pineapple Thief, Airbag, Sigur Rós, i Godspeed You! E moltissime altre.

Il libro esplora come il Prog si sia fuso con il Jazz d'avanguardia e l'elettronica colta (come nel caso degli Ulver o dei Gazpacho).

Anche in questo volume, non dimentico la nostra penisola, segnalando progetti che stanno portando il Prog italiano fuori dai vecchi schemi (come gli Anomaly o formazioni legate alla scena sperimentale).

Analisi dettagliate di band e artisti che hanno rotto gli schemi e consigli per l’ascolto, una selezione ragionata di album fondamentali per chi vuole avventurarsi in territori sonori meno battuti.

Così la critica: “È la guida definitiva per chi è stanco di ascoltare sempre i classici degli anni '70 e vuole scoprire musica prodotta negli ultimi 10-15 anni.

 Per capire il mercato attuale, Salari spiega come la musica progressiva oggi viaggi su canali diversi (Bandcamp, etichette indipendenti specializzate come Kscope) e come sia diventata una musica globale.

Per l'approccio critico l'autore non si limita a elencare dischi, ma cerca di tracciare un filo conduttore tra la Psichedelia, il Prog e la modernità liquida dei nostri giorni.

 

 

IL MEGLIO DEL BLOG NONSOLO PROGROCK

10 Anni di Rock Progressivo Italiano 2015 - 2024

(Arcana – 2025)

 

 

E’ il seguito del mio primo libro, però il decennio mancante è analizzato attraverso le recensioni edite nel mio blog. L’opera gigantesca supera le 600 pagine a colori. Quindi in questo volume viene analizzata la scena del Rock Progressivo italiano nel decennio 2015 - 2024 attraverso le recensioni. In esso anche speciali e considerazioni dell'autore.

In questa lettura ricca di protagonisti, si evince l'evoluzione del genere di questo periodo. Oltre 250 recensioni affrontano differenti stili che infarciscono il mondo del Rock Progressivo, estrapolate da altre migliaia che compongono il blog. Mi soffermo sul fenomeno italiano che nel tempo si dimostra mai sopito nella sua esistenza decennale. Una mini enciclopedia per i più appassionati.

 

 

I PROTAGONISTI DELLA MUSICA – Fra Cultura E Curiosità

Massimo Salari e Fabio Bianchi (Amazon 2025)

 

 

Qui esco dai confini specialistici del Rock Progressivo per abbracciare una visione più ampia e divulgativa della musica, collaborando con Fabio Bianchi.

Il libro si discosta dalla struttura enciclopedica dei suoi lavori precedenti per adottare un taglio più narrativo, focalizzato sul lato umano e culturale dei grandi nomi della musica dando grande spazio alle curiosità e alla regione Marche.

Il sottotitolo, "Fra Cultura e Curiosità", chiarisce subito l'intento degli autori, non si tratta di un semplice elenco di discografie, ma di un viaggio nei retroscena, esplorando come la musica abbia influenzato la società e viceversa.

Aneddoti e "dietro le quinte" con fatti curiosi e spesso poco noti che hanno segnato le carriere dei protagonisti.

In analisi artisti iconici che hanno cambiato la storia del Rock e non solo, toccando tutti i generi che spaziano dalla Musica classica al Blues, Jazz, Rock, Reggae, Metal, New Wave, Pop e così via per tutti i generi musicali noti.

La mia sinergia con Fabio Bianchi permette di avere un doppio punto di vista, unendo la precisione del critico musicale alla capacità di analisi culturale.

Essendo un'uscita tramite Amazon, il libro risponde a una logica di indipendenza editoriale che ci permette di di muoverci con grande libertà. E’ scritto per essere letto sia in modo sequenziale che "saltando" da un protagonista all'altro.

È il libro ideale per chi vuole avere argomenti interessanti da condividere durante una conversazione tra appassionati, andando oltre i soliti dati tecnici. Aiuta a capire come la musica di ieri sia collegata alla cultura di oggi, rendendo giustizia a quegli artisti che sono stati veri e propri "agenti del cambiamento".

In breve, è un libro che celebra la musica come fenomeno umano, perfetto per chi cerca una lettura stimolante che sappia mescolare il rigore della ricerca con il gusto della narrazione pop.

 

I ROMANZI:

 

LA ZONA DELLA GIUSTIZIA

(Amazon– 2024)

  

Un gruppo di persone si risvegliano alla spicciolata in un luogo non familiare, fra boschi, grotte e terre brulle.

Un ricominciare l’esistenza in branco, come nell’era dell’uomo primitivo.

Questa zona è piena di pericoli ed imprevisti. La sopravvivenza è turbata da esseri strani e agenti atmosferici avversi. La memoria degli abitanti è controllata, così certi desideri vengono repressi. Da chi?

La permanenza nella Zona è circoscritta nell’arco temporale di un mese, dopo di che i protagonisti verranno prelevati per essere portati dove?

Max è il personaggio della storia che racconta la sua avventura ricca di colpi di scena, scoperte e domande esistenziali. Le risposte non sempre saranno di nostro gradimento.

La sopravvivenza è ostica, così il traguardo resta un punto lontano ed incognito.

Perché Max e i suoi compagni si trovano in queste condizioni? Un finale travolgente e inatteso svela l’arcano.

La storia mette in evidenza tutta le fragilità dell’uomo moderno, l’argomento viene trattato sia in ottica pessimistica che ottimistica e non esulo il descrivere un mondo violento.

Come amo sottolineare,"questo è quello che ci meritiamo".

Uno sguardo fantasioso e terribile rivolto a un futuro prossimo su cui riflettere.

Finale a sorpresa!

 

STORIE (QUASI) FANTASTICHE

(Amazon – 2025)

 

Il sottile filo che unisce la realtà alla fantasia, la paura all’orrore, l’amore all’odio è così impercettibile che spesso non sappiamo neppure distinguerlo.

Cinque storie raccontano la fragilità dell’uomo e le sue paure, ambientate in altrettanti luoghi con stili differenti che spaziano dal fantasy all'horror, passando per il noir, il tutto nel mio stile inconfondibile.

L’opera contiene anche “La Zona Della Giustizia”.

Versione Inglese:

THE BOOKS OF MASSIMO SALARI

I am not one for self-promotion, but at this stage of my bibliographic journey, given the number of releases, I believe it is time to speak about my work.

 

I have written eight books (nine, including the new novel coming out this year, which I will discuss in due course): six dedicated to music and two featuring fictional stories. All of them can be ordered on Amazon and in bookstores, but if you prefer, you can request them directly from me at: salari.massimo@virgilio.it

 

 

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013

(Arcana – 2018)

 

Critics consider this one of the most complete reference works for understanding what happened to the genre in Italy after the "Golden Age" of the 1970s. While the bibliography on 70s Italian Prog is vast, the subsequent period has often been ignored or dismissed as a "decadence." I overturn this perspective, demonstrating that between 1980 and 2013, the genre did not die; instead, it evolved, transformed, and took refuge in the underground, producing works of the highest quality.

The book is a monumental work that serves as both a historical essay and a searchable encyclopedia. It is divided into:

Historical Analysis: The story of the transition from the difficult 1980s (the period of "reflux" and New Wave) to the rebirth of the early 90s and consolidation in the new millennium.

Band Profiles: A vast review of bands, from the most famous (such as Nuova Era, Finisterre, or Höstsonaten) to obscure but significant acts. The bands are listed year-by-year based on their recording debut.

From the critics: “Massimo Salari writes with the passion of a collector and the precision of a critic. It is not a cold, 'academic' book; one feels the direct knowledge of the scene, stemming from his long career as a music critic for specialized magazines and websites (such as Flash Magazine or Rock Hard).”

Award: Winner of the “Macchina Da Scrivere” (Toast Records) award for “Best Encyclopedia of the Year.”

 

METAL PROGRESSIVE ITALIANO – History and Foreign Essentials

(Arcana – 2019)

 

Following the success of the Progressive Rock volume, I returned in 2019 with an work that fills another major historiographical gap in our country's music literature. Considered a "sister book" to the previous one, this volume explores Italian Prog Metal bands region by region. It features interviews with key figures and a curated list of the world's best discography for a complete library on the subject.

The volume is organized as an encyclopedic essay designed for both continuous reading and quick reference.

It traces the journey from the pioneers experimenting in the 80s (often balancing classic Heavy Metal with technical ambitions) to the global explosion of the 90s.

The band profiles are the heart of the book, analyzing hundreds of groups, from international names (DGM, Eldritch, Vision Divine, Labyrinth) to niche or experimental formations.

Each profile includes a critical analysis of their most representative works, helping the reader understand the importance of specific albums within the genre.

From the critics: “The author highlights how Italian bands often added a touch of 'theatricality' and a care for melody that sets them apart from American giants (like Dream Theater) or North Europeans. The book challenges the idea that Metal is just 'noise,' highlighting the high technical skill and lyrical depth of the artists. Salari has a rare ability to unearth demos, rare EPs, and forgotten bands, making the book a treasure for collectors. Despite the encyclopedic approach, the prose is fluid and conveys a visceral passion.”

Award: Winner of the “Macchina Da Scrivere” (Toast Records) award for “Best Encyclopedia of the Year.”

 

NEO PROG – History and Essential Discography

(Arcana – 2020)

 

While my previous books focused on the Italian scene, here the horizon expands internationally, though still keeping a watchful eye on Italy. The book starts with a fundamental premise: defining Neo-Prog. I explain how, between the late 70s and early 80s, while Punk and New Wave dominated the charts, a new generation of musicians sought to reclaim the legacy of the giants (Genesis, Yes, Pink Floyd, Camel) with a more direct, melodic, and modern approach.

I cover the history of bands like Marillion, IQ, Pallas, Pendragon, and Twelfth Night, who gave birth to the movement.

The discography section is the most substantial part. I select and review "milestone" records, offering an essential list to build a reasoned collection.

Ample space is dedicated to the Fish era and the subsequent Hogarth years, analyzing how the band brought Prog into the Pop charts without selling its soul.

I also analyze the paradox of a genre often accused of being "derivative," yet credited with keeping Progressive Rock alive when it seemed destined for extinction.

Preface by Loris Furlan (Lizard Records).

 

MODERN POST PROG – The Dawn of a New Era

(Arcana – 2022)

 

Music has always represented the society we live in, but one genre refuses to bend to fashion: Progressive Rock. Pioneering artists search for new sounds and solutions, becoming benchmarks for the music of the future. Over time, Progressive Rock physiologically distanced itself from its origins and required a new classification.

This journey between past, present, and future narrates a new era and sets a necessary boundary: Modern Post Prog. In this book, I don't use "Post-Prog" as a mere chronological label, but as an aesthetic category. It refers to music that maintains the intellectual ambition of classic Prog while abandoning clichés (like long keyboard solos or fantasy lyrics) to embrace electronic, ambient, alternative rock, and experimental sounds.

Featured Artists: Steven Wilson (and Porcupine Tree), the "ferrymen" of Prog into the new millennium, as well as Anathema, Opeth, Tool, The Pineapple Thief, Airbag, Sigur Rós, Godspeed You! Black Emperor, and many others.

Exploration of how Prog merged with avant-garde Jazz and sophisticated Electronica (e.g., Ulver, Gazpacho).

Preface by Fabio Zuffanti.

 

THE BEST OF THE NONSOLO PROGROCK BLOG

10 Years of Italian Progressive Rock 2015 - 2024

(Arcana – 2025)

 

This is the sequel to my first book, but here the "missing decade" is analyzed through reviews published on my blog. This massive work exceeds 600 pages in full color. The scene is analyzed through over 250 reviews covering different styles within the Prog world, along with specials and author considerations. It is a mini-encyclopedia for the most dedicated fans, highlighting a scene that has remained vibrant and never dormant.

MUSIC PROTAGONISTS – Between Culture and Curiosities

Massimo Salari and Fabio Bianchi (Amazon – 2025)

Here, I step outside the specialized borders of Progressive Rock to embrace a broader, more informative vision of music, collaborating with Fabio Bianchi. The book adopts a narrative tone, focusing on the human and cultural side of music's great names, with significant space dedicated to curiosities and the Marche region.

It is a journey behind the scenes, exploring how music has influenced society and vice versa.

Featuring anedoctes and little-known facts from icons across Classical, Blues, Jazz, Rock, Reggae, Metal, New Wave, and Pop.

The synergy with Fabio Bianchi combines musical criticism with cultural analysis.

Designed to be read sequentially or by "jumping" from one protagonist to another.

 

THE NOVELS:

 

THE JUSTICE ZONE (La Zona della Giustizia)

(Amazon – 2024)

 

A group of people wake up one by one in an unfamiliar place—among woods, caves, and barren lands. It is a restart of existence in a pack, like the era of primitive man. This zone is full of dangers; survival is disturbed by strange beings and adverse weather. Memories are controlled, and certain desires are repressed. By whom?

Max, the narrator, recounts an adventure full of twists and existential questions. The story highlights the fragility of modern man, viewed through both pessimistic and optimistic lenses. As I like to say: "This is what we deserve." A imaginative and terrible look at a near future. Surprise ending!

 

(ALMOST) FANTASTIC STORIES (Storie Quasi Fantastiche)

(Amazon – 2025)

 

The thin line that connects reality to fantasy, fear to horror, and love to hate is so imperceptible that we often cannot distinguish it. Five stories recount the fragility of man and his fears, set in five different locations with styles ranging from Fantasy to Horror and Noir, all in my unmistakable style.

This volume also contains "The Justice Zone."