Neoprimitivi

NEOPRIMITIVI – Il Sangue E’ Pronto
42 Records
Genere: Krautrock
Supporto LP limited edition / Bandcamp – 2026

A Roma c’è una cellula impazzita che suona come un caterpillar il buon sano e vecchio Krautrock, e non nascondo il mio piacere nello scoprire che ancora oggi c’è chi s’incammina per questi sentieri.
Due album in meno di un anno, questo è il cammino dei giovanissimi Andrea Gonnellini (basso, sax), Martino Petrella (chitarra, vibrafono, balalaika), Pietro Rianna (pad elettronici), Flavio Gonnellini (Farfisa), Giacomo O’Neil (batteria), Eugenio Petrarca (ciaramella, conga, Moog Subharmonicon)  ed Emilia Wesolowska (voce). Nel 2025 fanno esordio con “Orgia Mistero” e subito attirano l’attenzione dei fans del genere infarcito di Psichedelia.
Il nome Neoprimitivi, suggerisce un chiaro contrasto filosofico e sonoro. C'è il richiamo a un ritorno alle origini, a un'energia primordiale, istintiva e priva di sovrastrutture (il primitivismo), che però viene filtrata attraverso la modernità e la consapevolezza del presente (il neo). Musicalmente, questo spesso si traduce in un sound viscerale, oscuro e d'impatto, che rifiuta la finta perfezione digitale a favore dell'urgenza espressiva.
“Il Sangue E’ Pronto” ha una forte valenza teatrale, quasi ritualistica o di stampo noir/distopico. Il sangue evoca la carne, il sacrificio, la passione o una ferita aperta, mentre l'essere pronto suggerisce l'imminenza di un evento catartico, di una rottura o di una narrazione cruda, che ben si sposa con certe tradizioni della scuola Rock e d'avanguardia più ombrosa del nostro Paese, almeno questo mi fa pensare.
Siamo al cospetto di un brano unico di trentotto minuti e mezzo suddiviso in capitoli: “L’Atto Di Uccidere”, “L’Estasi Del Corpo”, “La Nostra Fragile Ieraticità”, Il Sangue E’ Pronto”, “L’Estasi Dello Spirito”, e “Dove Finisce L’uomo E Quando Inizia Il Suo Padrone?”.
Qui abbiamo molta carne al fuoco ovviamente, proprio come in un brano Progressive Rock, la band in questo caso tocca sonorità che spaziano dalla Psichedelia, passando per il Jazz e molto altro, il tutto infarcito di oscurità, infatti l’idea nasce dalla visualizzazione e sonorizzazione live del film “Riti, Magie Nere E Segrete Orge Nel Trecento”, un sexy horror degli anni ‘70 di Renato Polselli.
La vastità delle strumentazioni, consentono al combo di spaziare a proprio piacimento nel pentagramma. Inizio oscuro… Pulsante… Narrato e in crescendo sino a cadere nel caos. Nella seconda metà si raggiunge il Jazz, seppure ipnotico. Il sax dona al tutto quel sentore di anni ’70, quando sigle televisive di gialli lasciavano all’ascoltatore una buona dose di suspense. A seguire cambi di ritmo e una sequenza di sorprese che lascio a voi scoprire.
Che bello vedere giovani ragazzi che sperimentano, ricercano e elaborano la storia con la propria personalità, il fatto mi fa sperare che in fondo al tunnel c’è luce! Andiamo così. MS

Versione Inglese:

NEOPRIMITIVI – Il Sangue E’ Pronto
42 Records
Genre: Krautrock
Format: Limited edition LP / Bandcamp – 2026

In Rome, there is a wild cell playing good old-fashioned Krautrock like a steamroller, and I make no secret of my delight in discovering that there are still people treading these paths today.
Two albums in less than a year—this is the journey of the very young Andrea Gonnellini (bass, sax), Martino Petrella (guitar, vibraphone, balalaika), Pietro Rianna (electronic pads), Flavio Gonnellini (Farfisa), Giacomo O’Neil (drums), Eugenio Petrarca (ciaramella, conga, Moog Subharmonicon), and Emilia Wesolowska (vocals). They made their debut in 2025 with "Orgia Mistero," immediately catching the attention of fans of the genre heavily laced with Psych.
The name Neoprimitivi suggests a clear philosophical and sonic contrast. There is a nod to a return to origins, to a primordial, instinctive energy stripped of superstructures (primitivism), which is nevertheless filtered through modernity and a contemporary awareness (neo). Musically, this often translates into a visceral, dark, and impactful sound that rejects fake digital perfection in favor of expressive urgency.
"Il Sangue E’ Pronto" (The Blood is Ready) has a strong theatrical quality, almost ritualistic or noir/dystopian in nature. Blood evokes the flesh, sacrifice, passion, or an open wound, while being "ready" suggests the imminence of a cathartic event, a rupture, or a raw narrative. This blends beautifully with certain traditions of the darker side of Italian rock and avant-garde—at least, that is what it makes me think.
We are in the presence of a single thirty-eight-and-a-half-minute track divided into chapters: "L’Atto Di Uccidere" (The Act of Killing), "L’Estasi Del Corpo" (The Ecstasy of the Body), "La Nostra Fragile Ieraticità" (Our Fragile Hieraticism), "Il Sangue E’ Pronto" (The Blood is Ready), "L’Estasi Dello Spirito" (The Ecstasy of the Spirit), and "Dove Finisce L’uomo E Quando Inizia Il Suo Padrone?" (Where Does Man End and When Does His Master Begin?).
Naturally, there is a lot of meat on the fire here; much like a Progressive Rock track, the band touches upon sounds ranging from Psychedelia to Jazz and much more, all steeped in darkness. In fact, the project was born from the live visual mapping and soundtracking of the film "Riti, Magie Nere E Segrete Orge Nel Trecento" (The Reincarnation of Isabel), a 1970s sexy-horror movie directed by Renato Polselli.
The vast array of instrumentation allows the combo to roam across the musical staff at will. It opens dark... Pulsing... Narrated, building up to a crescendo before collapsing into chaos. In the second half, it reaches Jazz territory, albeit of a hypnotic variety. The sax gives the whole piece that 1970s vibe, reminiscent of TV thriller theme songs that left the listener with a healthy dose of suspense. This is followed by rhythm changes and a sequence of surprises that I will leave for you to discover.
How beautiful it is to see young kids experimenting, researching, and reshaping history with their own personality. It gives me hope that there is light at the end of the tunnel! Keep it up. MS

Speciale Celtic Frost

 

CELTIC FROST: IL FREDDO GLACIALE DELLA SVIZZERA 

Storia di una band che ha influenzato il Black Metal Nordico

C’è un paradosso geografico e culturale che attraversa la storia del Metal estremo. Se si pensa alle origini del genere, la mente corre subito alla fuliggine industriale di Birmingham o alle foreste incendiate della Norvegia. Eppure, uno dei cataclismi estetici più sismici e influenti di sempre è nato nell’hinterland di Zurigo, tra le montagne e l’ordine apparente della Svizzera degli anni '80. Un luogo dove il silenzio e il perbenismo provinciale potevano trasformarsi in una gabbia soffocante. È da quel vuoto, da quel senso di totale isolamento, che si è sprigionato il "freddo svizzero" dei Celtic Frost: non una semplice band, ma un laboratorio d’avanguardia che ha preso il metallo più grezzo e lo ha elevato ad arte colta, drammatica e visionaria.
Al centro di questo universo cupo si staglia la figura tormentata di Thomas Gabriel Fischer, alias Tom G. Warrior. Un musicista guidato da un'urgenza espressiva quasi dolorosa, capace di trasformare le proprie zone d'ombra in un manifesto sonoro immortale.

Tom G. Warrior

Dalle ceneri del disprezzo: il big bang Hellhammer

Per capire il freddo dei Celtic Frost, bisogna prima scendere nella cripta degli Hellhammer. All'inizio degli anni '80, Tom Warrior e il bassista Martin Eric Ain (figura monumentale e colto braccio destro di Tom, purtroppo scomparso nel 2017) sono solo due ragazzi considerati "pazzi" o "incapaci" dalla comunità locale. La stampa Metal dell'epoca li recensisce con parole impietose, definendoli "la peggior band del mondo".
Ma quegli insulti sono benzina sul fuoco. Gli Hellhammer suonano un metallo primitivo, fangoso, sintonizzato sulle frequenze più oscure dei Venom ma privo di qualsiasi ironia Rock 'n' Roll. C'è solo nichilismo. Quando nel 1984 quel progetto collassa sotto il peso dei propri limiti tecnici, Warrior e Ain capiscono che la brutalità fine a se stessa non basta più. Vogliono qualcosa di superiore. Dalle ceneri degli Hellhammer nascono i Celtic Frost, la fenice nera del metal elvetico.

L'estetica dell'abisso: "Morbid Tales" e "To Mega Therion"

Il debutto avviene nel 1984 con l'EP “Morbid Tales”,

seguito l'anno successivo dal monumentale “To Mega Therion”. 

È qui che la leggenda prende forma. Il sound dei Celtic Frost è un monolite, i riff di chitarra di Warrior hanno una distorsione unica, satura, che sembra raschiare il cemento. Ogni traccia è scandita da quel grugnito, quel leggendario "Ugh!" gutturale che diventerà il marchio di fabbrica di Tom, un grido ancestrale che rompe il silenzio della ragione.
Ma è l'approccio intellettuale a fare la differenza. I Celtic Frost non parlano di cliché satanici da fumetto, bensì attingono alla letteratura classica, alla storia antica, all'esoterismo di Aleister Crowley. Per la copertina di “To Mega Therion”, la band compie un colpo di genio artistico: ottiene la collaborazione del visionario connazionale H.R. Giger (il premio Oscar per gli effetti visivi di Alien), che concede il suo dipinto Satan I. La musica viscerale dei Frost trova il suo specchio perfetto nelle forme biomeccaniche e disturbanti di Giger. Il Metal estremo esce dalle cantine e rivendica un posto nelle gallerie d'arte contemporanea.

"We came from total isolation. We had to create our own world because the world around us didn't want us." — Tom G. Warrior

Il coraggio dell'eresia: "Into The Pandemonium"

Il capolavoro del 1987, “Into The Pandemonium”, è il disco del coraggio assoluto, ma anche della rottura interna. Tom Warrior e Martin Ain rifiutano di farsi rinchiudere nel recinto dell'Heavy Metal classico. In un'epoca in cui il genere cercava la velocità e la tecnica pura, i Celtic Frost introducono elementi mai sentiti prima:
Voci femminili liriche e struggenti (Tristesses de la Lune).
Sezioni di fiati, timpani sinfonici e arrangiamenti classici (Rex Irae).
Influenze pesanti della New Wave e del Gothic Rock britannico (come la celebre e straniante cover di Mexican Radio dei Wall of Voodoo).
La Noise Records, la loro etichetta, è terrorizzata. Il pubblico purista grida al tradimento. Eppure, con quel disco pionieristico, i Celtic Frost stavano letteralmente inventando il Gothic Metal e l'Avant-Garde Metal. Hanno dimostrato che l'oscurità non si misura solo in battiti al minuto, ma nella profondità dell'atmosfera.
Il gelo e il disgelo: la caduta e l'ultimo, monumentale respiro

Ogni grande tragedia greca prevede una caduta rovinosa. 

Per i Celtic Frost, quella caduta ha un nome: “Cold Lake” (1988). Priva di Martin Ain, la band devia inspiegabilmente verso un Hard Rock/Glam plastificato, adottando persino un look cotonato che cancella anni di estetica oscura. Un passo falso macroscopico che quasi distrugge la loro reputazione, solo parzialmente recuperata con il più dignitoso “Vanity/Nemesis” (1990), prima dell'inevitabile scioglimento nel 1993. 

Il freddo svizzero sembrava essersi sciolto, evaporato nel dimenticatoio.

Ma i veri miti sanno come risorgere dalle proprie ceneri. 

Nel 2006, dopo sedici anni di silenzio discografico, accade l'impensabile: Warrior e Ain si ritrovano e pubblicano “Monotheist”.

 

Non è un'operazione nostalgia, non è il tentativo di scimmiottare i fasti degli anni '80: il disco è un buco nero. È un album monolitico, lentissimo, pesantissimo, intriso di un Doom opprimente e di un nichilismo claustrofobico. Brani come “A Dying God Coming Into Human Flesh” o la suite “Synagoga Satanae” mostrano una band che non ha perso un briciolo della sua aura spaventosa; il ghiaccio si era solo stratificato, diventando un ghiacciaio perenne. Sarà il loro canto del cigno perfetto, prima dello scioglimento definitivo nel 2008.

L'eredità sotto la neve

Oggi, l'ombra dei Celtic Frost si allunga su tutto il panorama della musica estrema moderna. Senza le loro intuizioni, non avremmo avuto la seconda ondata del Black Metal norvegese (band come Darkthrone, Mayhem ed Emperor hanno sempre dichiarato il loro debito totale verso Tom Warrior). Non avremmo avuto il Gothic Metal intimista di Paradise Lost, Tiamat o Moonspell, né le sperimentazioni libere del Metal d'avanguardia. I Celtic Frost hanno preso il freddo della loro terra, l'isolamento della loro giovinezza e i tormenti della mente umana, trasformandoli in una leggenda di pietra e suono. Hanno dimostrato che si può essere estremi rimanendo poeti, e che l'oscurità, se cavalcata con genio, può diventare un'arte senza tempo.
 
 

ANEDDOTI

 
 
Dietro l’aura di freddo distacco intellettuale, misticismo e oscurità monolitica dei Celtic Frost si nasconde una storia costellata di aneddoti incredibili. Tom G. Warrior e Martin Eric Ain erano due ventenni eccentrici, squattrinati e testardi, cresciuti in un isolamento rurale che ha generato situazioni al limite del surreale.
Ecco alcuni degli aneddoti più iconici, bizzarri e significativi sulla band:

La "peggior band del mondo" e le recensioni usate come carta da parati

Ai tempi degli Hellhammer (la band pre-Celtic Frost), Tom e Martin erano letteralmente il bersaglio preferito della critica musicale, specialmente della rivista britannica Metal Forces, che li stroncò senza pietà definendo la loro musica "il punto più basso mai raggiunto dall'umanità in termini di rumore". Invece di abbattersi, i due presero quelle recensioni distruttive, le fotocopiarono in decine di copie e ci tappezzarono interamente le pareti della loro sala prove a Birchwil. Ogni volta che imbracciavano gli strumenti, suonavano guardando in faccia il disprezzo dei critici. Fu proprio quella rabbia a forgiare il sound di “Morbid Tales”.

Il "furto" dell'opera di H.R. Giger (e la sorpresa finale)

La storia di come la band ottenne il dipinto Satan I di H.R. Giger per la copertina di “To Mega Therion” è leggendaria. Tom Warrior, grandissimo fan del creatore di Alien, decise di scrivergli una lettera nel 1984, spedendola alla cieca al suo indirizzo di Zurigo. Insieme alla lettera allegò una cassetta di “Morbid Tales”. Tom non si aspettava nulla, convinto che un artista premio Oscar non avrebbe mai degnato di uno sguardo due ragazzini metallari.
Invece, Giger rispose personalmente. Non solo disse che la loro musica gli piaceva perché era "estremamente viscerale", ma rifiutò qualsiasi compenso in denaro, cedendo i diritti del dipinto gratuitamente perché colpito dal loro coraggio. Giger divenne poi un mentore per Tom, e la loro collaborazione si rinnovò anni dopo con i Triptykon.

 L'origine del leggendario "Ugh!" di Tom G. Warrior

Il grugnito gutturale di Tom Warrior (l'"Ugh!" o "Ough!") è probabilmente il gancio vocale più famoso della storia del Metal estremo. Ma come è nato? Tom ha raccontato che nei primi anni '80 l'influenza dei Venom era fortissima, e Cronos usava spesso grugniti animaleschi. Tuttavia, Tom voleva qualcosa che non suonasse come un ruggito Rock 'n' Roll, ma come l'ultimo respiro di un uomo che viene colpito allo stomaco o che sta per essere giustiziato. Lo provò in cantina da solo, al buio, finché non trovò la tonalità giusta: un misto di frustrazione repressa, violenza fisica e teatralità.

Povertà estrema: cenare con un cubetto di dado da brodo

Oggi i Celtic Frost sono venerati come dèi protettori del Metal d'avanguardia, ma a metà degli anni '80 la Noise Records passava loro budget ridicoli. Durante le registrazioni di “To Mega Therion” e “Into The Pandemonium” a Berlino, la band viveva in condizioni di indigenza totale. Tom Warrior ha confessato che ci sono stati giorni in cui lui e Martin Ain non avevano letteralmente i soldi per un pasto caldo. Per ingannare la fame, compravano un pacchetto di dadi da brodo Maggi, ne scioglievano uno nell'acqua calda del rubinetto e quella era la loro cena, prima di tornare in studio a registrare brani di una complessità orchestrale inaudita.

Il mistero e il rimpianto di Cold Lake

Il disco Glam/Hard Rock “Cold Lake” (1988) rimane uno dei suicidi artistici più clamorosi della storia della musica. Per anni i fan si sono chiesti cosa fosse passato per la testa di Tom Warrior. L'aneddoto dietro quel cambio di look (capelli cotonati, magliette attillate) è quasi tragicomico: Tom era rimasto solo, manipolato da un nuovo chitarrista e dal management che gli dicevano che il Metal estremo era morto e che dovevano fare "come i Mötley Crüe" per sopravvivere.
Tom odia così tanto quel disco che, quando la Noise Records ristampò il catalogo della band negli anni 2000, lui impose il veto assoluto sulla ristampa di “Cold Lak”e. Ha dichiarato: "È una macchia d'infamia. Preferirei che la gente masterizzasse illegalmente i miei dischi piuttosto che vedere quel CD nei negozi. Se potessi viaggiare nel tempo, andrei nel 1988 solo per spaccare la chitarra in testa a me stesso".

Il "sequestro" dei master di Into the Pandemonium

Durante la registrazione del loro capolavoro sperimentale “Into The Pandemonium”, i rapporti con il boss della Noise Records, Karl-Ulrich Walterbach, arrivarono al punto di rottura. Walterbach odiava le canzoni: sentiva pezzi d'avanguardia, archi, voci femminili e la cover synth-pop di “Mexican Radio” e urlava che la band stava buttando via i suoi soldi.
Capendo che l'etichetta avrebbe potuto manomettere il disco o rifiutarsi di pubblicarlo, Tom Warrior e Martin Ain misero in atto un piano: rubarono fisicamente i nastri master dei canali di registrazione dallo studio di Berlino e li nascosero in un appartamento segreto, ricattando l'etichetta. O il disco usciva esattamente come volevano loro, o quei nastri sarebbero spariti per sempre. Vinse la band.

Versione Inglese:

CELTIC FROST: THE GLACIAL COLD OF SWITZERLAND

The Story of a Band That Influenced Nordic Black Metal

 
There is a geographical and cultural paradox running through the history of extreme Metal. When thinking about the origins of the genre, the mind immediately drifts to the industrial soot of Birmingham or the burning forests of Norway. Yet, one of the most seismic and influential aesthetic cataclysms ever was born in the hinterland of Zurich, amidst the mountains and the apparent order of 1980s Switzerland. A place where silence and provincial respectability could turn into a suffocating cage. It is from that void, from that sense of total isolation, that the "Swiss cold" of Celtic Frost unleashed itself: not just a band, but an avant-garde laboratory that took the rawest metal and elevated it to sophisticated, dramatic, and visionary art.
 
At the center of this bleak universe stands the tormented figure of Thomas Gabriel Fischer, alias Tom G. Warrior. A musician driven by an almost painful expressive urgency, capable of transforming his own dark places into an immortal sonic manifesto.
 

From the ashes of contempt: the Hellhammer big bang

 
To understand the cold of Celtic Frost, one must first descend into the crypt of Hellhammer. In the early 1980s, Tom Warrior and bassist Martin Eric Ain (a monumental figure and Tom's cultured right-hand man, who sadly passed away in 2017) were just two kids considered "crazy" or "incompetent" by the local community. The Metal press of the era reviewed them with merciless words, calling them "the worst band in the world."
But those insults were fuel to the fire. Hellhammer played a primitive, muddy metal, tuned to the darkest frequencies of Venom but stripped of any Rock 'n' Roll irony. There was only nihilism. When that project collapsed in 1984 under the weight of its own technical limitations, Warrior and Ain understood that brutality for its own sake was no longer enough. They wanted something superior. From the ashes of Hellhammer, Celtic Frost was born—the black phoenix of Swiss metal.
 

The aesthetics of the abyss: Morbid Tales and To Mega Therion

 
The debut came in 1984 with the EP “Morbid Tales,” followed the next year by the monumental “To Mega Therion.” It is here that the legend took shape. Celtic Frost's sound was a monolith; Warrior’s guitar riffs had a unique, saturated distortion that seemed to scrape against concrete. Every track was punctuated by that grunt, that legendary guttural "Ugh!" which would become Tom's trademark—an ancestral cry shattering the silence of reason.
But it was the intellectual approach that made the difference. Celtic Frost did not deal in comic-book Satanic clichés; instead, they drew from classical literature, ancient history, and the esotericism of Aleister Crowley. For the cover of “To Mega Therion,” the band pulled off an artistic stroke of genius, securing a collaboration with their visionary compatriot H.R. Giger (the Oscar winner for the visual effects of Alien), who granted them his painting Satan I. The visceral music of Frost found its perfect mirror in Giger's disturbing, biomechanical shapes. Extreme Metal stepped out of the basements and claimed a place in contemporary art galleries.
 
"We came from total isolation. We had to create our own world because the world around us didn't want us." — Tom G. Warrior
 

The courage of heresy: Into the Pandemonium

 
The 1987 masterpiece, “Into The Pandemonium,” was an album of absolute courage, but also of internal friction. Tom Warrior and Martin Ain refused to be penned into the enclosure of classic Heavy Metal. In an era where the genre was chasing pure speed and technique, Celtic Frost introduced elements never heard before:
 
Operatic, poignant female vocals (Tristesses de la Lune).
 
Horn sections, symphonic timpani, and classical arrangements (Rex Irae).
 
Heavy influences from New Wave and British Gothic Rock (such as the famous and alienating cover of Mexican Radio by Wall of Voodoo).
 
Noise Records, their label, was terrified. The purist audience cried betrayal. And yet, with that pioneering record, Celtic Frost were literally inventing Gothic Metal and Avant-Garde Metal. They proved that darkness is not measured merely in beats per minute, but in the depth of the atmosphere.
 

The freeze and the thaw: the fall and the final, monumental breath

 
Every great Greek tragedy involves a ruinous fall. For Celtic Frost, that fall had a name: “Cold Lake” (1988). Deprived of Martin Ain, the band inexplicably veered toward a plasticized Hard Rock/Glam, even adopting a teased hair look that erased years of dark aesthetics. A massive misstep that nearly destroyed their reputation, only partially recovered with the more dignified “Vanity/Nemesis” (1990), before their inevitable split in 1993. The Swiss cold seemed to have thawed, evaporating into oblivion.

 
But true myths know how to rise from their own ashes. In 2006, after sixteen years of recording silence, the unthinkable happened: Warrior and Ain reunited and released “Monotheist.”
 
It was not a nostalgia trip, nor an attempt to mimic the glories of the '80s: the album was a black hole. It was monolithic, incredibly slow, painfully heavy, and steeped in oppressive Doom and claustrophobic nihilism. Tracks like “A Dying God Coming into Human Flesh” or the suite “Synagoga Satanae” showed a band that hadn't lost a shred of its frightening aura; the ice had merely stratified, becoming a permanent glacier. It would be their perfect swan song before their final definitive split in 2008.
 

The legacy beneath the snow

 
Today, the shadow of Celtic Frost stretches across the entire landscape of modern extreme music. Without their insights, we would not have had the second wave of Norwegian Black Metal (bands like Darkthrone, Mayhem, and Emperor have always declared their total debt to Tom Warrior). We would not have had the intimate Gothic Metal of Paradise Lost, Tiamat, or Moonspell, nor the free experimentation of avant-garde Metal. Celtic Frost took the cold of their homeland, the isolation of their youth, and the torments of the human mind, transforming them into a legend of stone and sound. They proved that one can be extreme while remaining a poet, and that darkness, if ridden with genius, can become timeless art.
 

ANECDOTES

 
Behind the aura of cold intellectual detachment, mysticism, and monolithic darkness of Celtic Frost lies a history filled with incredible anecdotes. Tom G. Warrior and Martin Eric Ain were two eccentric, penniless, and stubborn twenty-year-olds, raised in a rural isolation that generated situations bordering on the surreal.
Here are some of the most iconic, bizarre, and significant anecdotes about the band:
 

The "worst band in the world" and reviews used as wallpaper

 
During the days of Hellhammer (the pre-Celtic Frost band), Tom and Martin were literally the favorite target of music critics, especially the British magazine Metal Forces, which slammed them mercilessly, defining their music as "the lowest point ever reached by humanity in terms of noise." Instead of getting discouraged, the two took those destructive reviews, photocopied dozens of copies, and completely wallpapered the walls of their rehearsal space in Birchwil. Every time they picked up their instruments, they played while staring directly into the contempt of the critics. It was precisely that rage that forged the sound of “Morbid Tales.”
 

The "theft" of H.R. Giger's artwork (and the final surprise)

 
The story of how the band obtained H.R. Giger's painting Satan I for the cover of “To Mega Therion” is legendary. Tom Warrior, a massive fan of the Alien creator, decided to write him a letter in 1984, sending it blindly to his address in Zurich. Along with the letter, he enclosed a cassette of “Morbid Tales.” Tom expected nothing, convinced that an Academy Award-winning artist would never spare a glance for two metalhead kids.
Instead, Giger replied personally. Not only did he say that he liked their music because it was "extremely visceral," but he refused any financial compensation, granting the rights to the painting for free because he was impressed by their courage. Giger later became a mentor to Tom, and their collaboration was renewed years later with Triptykon.
 

The origin of Tom G. Warrior's legendary "Ugh!"

 
Tom Warrior’s guttural grunt (the "Ugh!" or "Ough!") is probably the most famous vocal hook in the history of extreme Metal. But how was it born? Tom shared that in the early '80s, the influence of Venom was incredibly strong, and Cronos often used animalistic grunts. However, Tom wanted something that didn't sound like a Rock 'n' Roll roar, but like the last breath of a man being punched in the stomach or about be executed. He practiced it alone in the basement, in the dark, until he found the right tone: a mix of repressed frustration, physical violence, and theatricality.
 

Extreme poverty: dining on a bouillon cube

 
Today Celtic Frost are revered as patron gods of avant-garde Metal, but in the mid-1980s, Noise Records provided them with ridiculous budgets. During the recording of “To Mega Therion” and “Into The Pandemonium” in Berlin, the band lived in conditions of total destitution. Tom Warrior confessed that there were days when he and Martin Ain literally did not have the money for a hot meal. To cheat their hunger, they would buy a pack of Maggi bouillon cubes, dissolve one in hot tap water, and that was their dinner before heading back into the studio to record tracks of unprecedented orchestral complexity.
 

The mystery and regret of Cold Lake

 
The Glam/Hard Rock album “Cold Lake” (1988) remains one of the most staggering artistic suicides in music history. For years, fans wondered what had gone through Tom Warrior's mind. The anecdote behind that change of look (teased hair, tight t-shirts) is almost tragicomic: Tom had been left alone, manipulated by a new guitarist and management who told him that extreme Metal was dead and that they had to act "like Mötley Crüe" to survive.
Tom hates that album so much that when Noise Records reissued the band's catalog in the 2000s, he imposed an absolute veto on the reissue of “Cold Lake.” He stated: "It's a stain of infamy. I would rather have people illegally bootleg my records than see that CD in stores. If I could time travel, I would go back to 1988 just to smash my guitar over my own head."
 

The "hijacking" of the Into the Pandemonium master tapes

 
During the recording of their experimental masterpiece “Into The Pandemonium,” relations with Noise Records boss Karl-Ulrich Walterbach reached a breaking point. Walterbach hated the songs: he heard avant-garde pieces, strings, female vocals, and the synth-pop cover of “Mexican Radio,” and screamed that the band was throwing his money away.
Realizing that the label might tamper with the record or refuse to release it, Tom Warrior and Martin Ain executed a plan: they physically stole the multi-track master tapes from the Berlin studio and hid them in a secret apartment, blackmailing the label. Either the album would come out exactly as they wanted, or those tapes would disappear forever. The band won.

Quantum Fantay

QUANTUM FANTAY - The Butterfly EffeX
Progressive Promotion Records
Genere: Psychedelic/Space Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

I belgi Quantum Fantay sono tornati con il loro decimo album in studio, intitolato "The Butterfly EffeX" .
Questa nuova uscita non fa che confermare la band formata da Pete Mush (synths), Tom Tee (chitarra), Jaro (basso), e Jazzper Coulier (batteria), come uno dei punti di riferimento europei dello Space Rock e del Progressive strumentale. Rispetto al passato, però, c'è una maturità diversa, meno caos psichedelico fine a se stesso e molta più attenzione alla struttura dei brani e alla coesione narrativa.
L'album è composto da 8 tracce interamente strumentali che si muovono fluide tra cavalcate cosmiche e momenti decisamente più sinfonici ad iniziare dalla mini suite “Return To Xaia” che parte con tastiere atmosferiche e strutture elettroniche dilatate, per poi evolversi in un groove ritmico serrato ed epico. È il brano che stabilisce le coordinate dell'intero disco incentrato su un viaggio nello spazio profondo.
Con “Phoenix” la band spinge l'acceleratore sul versante Symphonic Prog. I cambi di tempo sono millimetrici e l'uso del flauto (suonato dall'ospite Charles Sla) intrecciato ai sintetizzatori crea una densità dinamica pazzesca, dove ogni strumento ha il suo spazio per cantare. Nella loro discografia probabilmente questo è uno dei movimenti maggiormente “Progressivi” mai composti.
Introdotto da cinguettii di uccelli e synth luccicanti, “Vernal Equinox” evoca da vicino lo spirito della Kosmische Musik tedesca originaria. C'è una tensione costante che cresce fino a esplodere in una progressione guidata da flauto e assoli di chitarra davvero ispirati. Questa è la magia della musica senza parole che attraverso i suoni sa farti immaginare ciò che vuoi, facendoti entrare a pieno titolo dentro l’opera stessa.
Uno dei brani più ipnotici dell’album è “Xemuta”, dove le linee di basso profonde di Jaro e l'uso intelligente degli effetti creano un'atmosfera quasi meditativa. Esso dimostra come la band sappia gestire perfettamente anche i tempi più lenti e riflessivi.
“Xellestial Dream” è una traccia arricchita dal calore del violoncello di Lyssa Toyimbo. È forse il momento più emotivo e struggente del disco, in cui la melodia si adagia su un tappeto sonoro sognante. A lunghi tratti il brano risulta addirittura commovente.
Il pezzo più corto s’intitola “Xcelleration” ma è anche il più aggressivo. È una sferzata di Heavy Space Rock puro, grazie a riff di chitarra ruvidi, colpi di synth taglienti e continui scambi virtuosistici tra le tastiere di Pete Mush e la chitarra che tengono il ritmo indiavolato dall'inizio alla fine.
Si torna a respirare con “Xtra Hop” , movimento aperto, guidato da un basso pulsante che lascia libera di fluttuare la mente. Sembra quasi un dialogo improvvisato in orbita.
La perfetta chiusura del cerchio è  “Quantum X”, la quale riassume l'anima dell'album fondendo l'elettronica pura con un Rock Progressivo robusto, cambi di tempo continui e un finale che proietta l'ascoltatore verso il futuro della band.
"The Butterfly EffeX" è un ottimo esempio di come si possa fare Space Rock nel 2026 senza suonare nostalgici o ripetitivi. Pete Mush (mente del progetto) ha confezionato un mix pulitissimo in cui la precisione millimetrica della batteria di Jazzper Coulier e del basso sorregge ricami melodici mai banali.
Se state cercando un disco da ascoltare a occhi chiusi, capace di farvi viaggiare senza bisogno di parole, l'effetto farfalla dei Quantum Fantay vi catturerà sicuramente. MS 

Versione Inglese:

QUANTUM FANTAY - The Butterfly EffeX
Progressive Promotion Records
Genre: Psychedelic/Space Rock
Format: CD / Digital – 2026

Belgian outfit Quantum Fantay are back with their tenth studio album, titled "The Butterfly EffeX".
This new release firmly confirms the band—consisting of Pete Mush (synths), Tom Tee (guitar), Jaro (bass), and Jazzper Coulier (drums)—as one of Europe's leading benchmarks for Space Rock and instrumental Progressive Rock. Compared to their past works, however, there is a different kind of maturity here: less psychedelic chaos for its own sake, and much more focus on track structure and narrative cohesion.
The album features 8 entirely instrumental tracks that flow smoothly between cosmic rides and decidedly more symphonic moments, starting with the mini-suite “Return To Xaia”. It opens with atmospheric keyboards and spacious electronic textures before evolving into a tight, epic rhythmic groove. This is the track that sets the coordinates for the entire record, centering around a journey into deep space.
With “Phoenix”, the band pushes the accelerator on the Symphonic Prog side. The time-signature changes are millimetric, and the use of the flute (played by guest musician Charles Sla) intertwined with the synthesizers creates an insane dynamic density, where every instrument is given its own space to sing. In their entire discography, this is probably one of the most "Progressive" movements they have ever composed.
Introduced by bird chirping and shimmering synths, “Vernal Equinox” closely evokes the spirit of original German Kosmische Musik. There is a constant tension that builds up until it explodes into a progression driven by flute and truly inspired guitar solos. This is the magic of wordless music, which uses sound to let you imagine whatever you want, drawing you fully into the artwork itself.
One of the most hypnotic tracks on the album is “Xemuta”, where Jaro’s deep bass lines and the clever use of effects create an almost meditative atmosphere. It proves how perfectly the band can handle slower, more reflective tempos.
“Xellestial Dream” is a track enriched by the warmth of Lyssa Toyimbo’s cello. It is perhaps the most emotional and poignant moment on the record, where the melody rests upon a dreamy sonic blanket. For long stretches, the track is deeply moving, almost bringing one to tears.
The shortest piece is titled “Xcelleration”, but it is also the most aggressive. It is a burst of pure Heavy Space Rock, thanks to gritty guitar riffs, sharp synth stabs, and continuous virtuoso trade-offs between Pete Mush's keyboards and the guitar, keeping up a frantic pace from start to finish.
We catch our breath again with “Xtra Hop”, an open movement driven by a pulsing bass that leaves the mind free to float. It feels almost like an improvised dialogue in orbit.
The perfect closing of the circle is “Quantum X”, which sums up the album's core identity by blending pure electronics with robust Progressive Rock, continuous time-signature changes, and a finale that projects the listener towards the future of the band.
"The Butterfly EffeX" is an excellent example of how to make Space Rock in 2026 without sounding nostalgic or repetitive. Pete Mush (the mastermind behind the project) has delivered a pristine mix where the millimetric precision of Jazzper Coulier's drums and the bass supports melodic arrangements that are never cliché.
If you are looking for an album to listen to with your eyes closed, capable of making you travel without the need for words, Quantum Fantay's butterfly effect will surely captivate you. MS

Fiesta Alba

FIESTA ALBA – Drops Of Sunshine In The City Of Spectres
Neontoaster Multimedia Dept / www.altopiani.it
Genere: Math Rock / Elettronica
Supporto: CD – Digital – 2026

In questo periodo vanno molto di moda le band con la maschera, grazie anche ai canadesi Angine De Poitrine, ma da noi è già da qualche anno che girano i Fiesta Alba, discograficamente attivi dal 2024, quando realizzarono il loro EP d’esordio. Non fanno musica microtonale, ma si tratta pur sempre di Math Rock, per di più fantasioso e ricco di contaminazioni.
Notoriamente vicini alle periferie e ai ghetti del mondo, i Fiesta Alba trasformano questa tensione in musica, da qui nasce anche la necessità di indossare maschere da lottatori di Lucha Libre.
Dopo il buon “Pyrotechnic Babel” del 2025, è la volta di questo EP di ventitré minuti intitolato “Drops Of Sunshine In The City Of Spectres”, dove la ricerca sonora prosegue imperterrita fra influenze di Battles e King Crimson, passando per Brian Eno, Steve Reich e moltissimi altri.
Il gruppo è formato da Octagon (chitarre, composizioni), Dos Caras (synth, produzione e arrangiamenti), Fishman (basso), Sangre Azteca (chitarra live), Paltamayo (violino) ed El Mistico (batteria nel brano “Kinder Egg Surprise”). Con loro ci sono diversi ospiti, che andrò a nominare durante la descrizione delle cinque tracce.
Il titolo dell’EP racchiude la visione di una “Città di spettri” in cui il mondo si macchia di conflitti, disumanità e conformismo; malgrado tutto, però, la positività è l’ultima a morire.
Il DNA sonoro della band fuoriesce immediatamente durante il brano d’apertura “City Of Spectres II” attraverso riff minimali, drum’n’bass e una ritmica a 165 bpm. Il tutto si fonde con partiture chitarristiche che ricordano i King Crimson più nervosi. Musica in loop, a tratti ipnotica.
I cinque minuti di “Inch By Inch” vedono l’ospite Diego Pandiscia alla voce. L’elettronica accosta il brano al Krautrock, mentre le chitarre campionate fanno il resto. Tutto molto minimale (archi compresi), ma dannatamente efficace!
In “Uncontacted” il ritmo sale e si passa alla voce femminile, quella di Tiziana Lo Conte. Atmosfere tribali ci immergono nel cuore dell’Amazzonia, dove gli abitanti non hanno ancora avuto contatti con la civiltà cosiddetta moderna. I testi che sentite non sono comprensibili in quanto espressi in una lingua inventata. Questo è uno dei frangenti più Prog in assoluto, inteso proprio come approccio alla ricerca, dove il Math Rock si sposa con l’elettronica e i continui cambi di tempo.
Si passa ora al Beat elettronico con effetti di chitarra in “City Of Spectres I”, dove la bella voce di Alessandra Plini narra lo smarrimento di questa civiltà moderna e del conformismo. Il sound, volutamente disturbante, sposa alla perfezione la causa. Ammaliante.
La chiusura spetta a “Kinder Egg Surprise”, visione afro-spiritualista di cosa possano contenere i memorabili ovetti di cioccolata. Qui la voce narrante è di Slavoj Žižek, uno dei pensatori più feroci dell’Occidente, mentre il brano, decisamente ballabile, è cantato in chiave Techno-funky da una voce neurale.
Questo EP ci restituisce il fantastico mondo dei Fiesta Alba nel migliore dei modi, un connubio non banale, curatissimo negli arrangiamenti e nella qualità dei suoni, dove ogni tassello non è mai messo a caso, bensì s’incastra alla perfezione con il messaggio da esporre. Lasciatevi trasportare senza indugio e scoprirete anche voi che il Math Rock non è soltanto un freddo circuito di soluzioni geometriche, ma è ricco di sorprese. E se a farle è una band italiana, c’è di che esserne orgogliosi. MS 

Versione Inglese:

FIESTA ALBA – Drops Of Sunshine In The City Of Spectres
Neontoaster Multimedia Dept / www.altopiani.it
Genre: Math Rock / Electronica
Format: CD – Digital – 2026

Masked bands are very fashionable these days, thanks in part to Canada's Angine De Poitrine, but Fiesta Alba have been around over here for a few years now, discographically active since 2024 when they released their debut EP. They don't play microtonal music, but it is still very much Math Rock—and a rather imaginative one at that, rich in cross-genre influences.
Known for their affinity with the world's suburbs and ghettos, Fiesta Alba channel this tension into music, which also explains their choice to wear Lucha Libre wrestler masks.
Following 2025's solid “Pyrotechnic Babel”, it is now time for this twenty-three-minute EP titled “Drops Of Sunshine In The City Of Spectres”. Here, their sonic exploration continues undeterred, moving through Battles and King Crimson influences, while nodding to Brian Eno, Steve Reich, and many others.
The line-up features Octagon (guitars, compositions), Dos Caras (synth, production and arrangements), Fishman (bass), Sangre Azteca (live guitar), Paltamayo (violin), and El Mistico (drums on the track “Kinder Egg Surprise”). They are joined by several guests, whom I will mention during the breakdown of the five tracks.
The title of the EP encapsulates the vision of a "City of Spectres" where the world is stained by conflict, inhumanity, and conformism; yet, despite everything, positivity is the last to die.
The band's sonic DNA emerges immediately during the opening track “City Of Spectres II”: through minimal riffs, drum'n'bass, and a 165 bpm rhythm, everything blends with guitar textures reminiscent of the most twitchy, edgy King Crimson. Looped music, hypnotic at times.
The five minutes of “Inch By Inch” feature guest vocalist Diego Pandiscia. The electronics steer the track toward Krautrock, while sampled guitars do the rest. Everything is highly minimal (strings included), but damn effective!
In “Uncontacted” the tempo picks up as we switch to a female voice, that of Tiziana Lo Conte. Tribal atmospheres immerse us into the heart of the Amazon, where the inhabitants have not yet had any contact with so-called modern civilization. The lyrics you hear are unintelligible, as they are delivered in an invented language. This is one of the most genuinely Prog moments on the record—intended precisely as an approach to experimentation—where Math Rock marries electronics and continuous time signature changes.
We then move on to an electronic beat with guitar effects in “City Of Spectres I”, where Alessandra Plini's beautiful voice narrates the bewilderment of this modern civilization and its conformism. The deliberately unsettling sound perfectly serves the cause. Captivating.
Closing the record is “Kinder Egg Surprise”, an Afro-spiritualist vision of what those memorable chocolate eggs might contain. Here, the narrating voice belongs to Slavoj Žižek, one of the West's most fierce thinkers, while the track, highly danceable, is sung in a Techno-funky style by a neural voice.
This EP delivers the fantastic world of Fiesta Alba in the best possible way: a far-from-predictable combination, meticulously crafted in its arrangements and sound quality, where no piece is ever placed at random, but rather fits perfectly with the message to be conveyed. Let yourself be carried away without hesitation: you too will discover that Math Rock is not just a cold circuit of geometric solutions, but is full of surprises. And when those surprises come from an Italian band, there is plenty to be proud of. MS

Deaf Beat Vanguard

DEAF BEAT VANGUARD - Libido-Induced Anabasis
Gymnocal Industries
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Vinile / Bandcamp – 2026

Aria nuova nel Prog italiano, "Libido-Induced Anabasis" è il debut album dei Deaf Beat Vanguard, band che propone una miscela decisamente singolare, ironica e fuori dagli schemi.
La proposta musicale della band viaggia su coordinate decisamente crossover,  non è il classico sinfonico o del New Prog più canonico, ma bensì trattasi di un Funky Progressive Rock ad alto tasso di groove. La band contamina le strutture e i virtuosismi tipici del Prog con massicce dosi di Funk, Jazz Rock, Blues e spinte sperimentali, il tutto condito da un'attitudine teatrale, dissacrante e decisamente bizzarra.
Il disco è a tutti gli effetti un concept album incentrato su una delle figure più iconiche e abusate della letteratura e della musica: il Diavolo.
Tuttavia, l'approccio è picaresco e tragicomico. Satana viene calato nei panni di un protagonista in piena crisi d'identità, intrappolato in un ruolo stereotipato che ormai gli sta stretto. Il disco racconta quindi il suo assurdo viaggio e il disperato bisogno di uscire dai binari precostituiti per ritrovare la propria libertà. Questa narrazione visionaria e ironica si riflette perfettamente anche nell'artwork, curato da Anna Chiara Stagi (Stagah Artworks). La band è formata da Dest (voce), Gabriele Lazzerini (chitarra e theremin), Alessio Landi (basso e didgeridoo) e Thomas Berti (batteria).
L'album vede inoltre la partecipazione di diversi ospiti che arricchiscono il sound con fiati e sfumature diverse: Stefano Franceschini, Filippo Martignano, Mattia Salvatori, Maxx Blois Rosetti e Marco Capellazzi.
Il brano di apertura “Epitome Of Evil?” (scelto anche come primo singolo) introduce il nostro protagonista con un enorme punto interrogativo già nel titolo. Il testo mette in scena la crisi d'identità del Diavolo, stufo di essere dipinto come l'incarnazione assoluta del male. Dal punto di vista musicale, il pezzo è un manifesto dello stile della band, con una sezione ritmica serratissima e Funky, interrotta da un bridge centrale dalle forti tinte latine e Psichedeliche, che sottolinea la confusione mentale del protagonista. Ottima la prova vocale di Leonardi, malleabile a seconda della circostanza e su alte vette.
“Underworld Debauchery” si può tradurre come "Deboscia negli Inferi", e descrive la noia della classica routine infernale fatta di peccati stereotipati, torture banali e cliché. Il testo usa toni taglienti e grotteschi per mostrare come persino l'Inferno possa diventare un ufficio noioso se si perde la passione. Il sound qui si fa più pesante, quasi Funk Metal, con echi vicini allo stile dei Faith No More o degli Extreme alternando riff granitici a improvvisi stacchi sincopati.
A questo punto la title-track rappresenta la svolta narrativa, la "risalita" (Anabasi) guidata dalla libido, intesa qui nel senso più ampio di pulsione vitale, energia creativa e desiderio di evasione. Il testo racconta il momento in cui Satana decide di abbandonare il proprio trono sotterraneo per risalire verso la superficie e cercare la propria libertà. Musicalmente è uno dei pezzi più complessi del disco, con continui cambi di tempo tipicamente Progressive e un lavoro di basso notevole che sorregge una melodia vocale teatrale e istrionica.
Una volta arrivato nel mondo degli umani, il protagonista in “Candyshop” si ritrova immerso nelle tentazioni moderne. Il testo gioca sulla metafora del "negozio di caramelle", dove tutto è accessibile, artificiale e mercificato. C'è una forte critica ironica al consumismo e alla facilità con cui gli esseri umani si lasciano sedurre da piaceri effimeri, togliendo quasi il "lavoro" al Diavolo stesso. Il sound è ammiccante, ballabile, molto sexy nel groove, ma interrotto da deviazioni Avant Prog spiazzanti.
E poi si va incontro a brani scanzonati come “Poolside Blowout”,a  momenti filosofici come in “Das Auge, womit ich Gott sehe, ist dasselbe Auge, Womit Gott Mich Sieht” (citazione del mistico tedesco Meister Eckhart : "L'occhio con cui vedo Dio è lo stesso occhio con cui Dio vede me"), oppure liturgici nella teatralità come in “Kyre Eleison”, insomma tanta carne al fuoco da scoprire con calma.
In definitiva “Libido-Induced Anabasis” è la crisi mistica di Satana messa in musica, un crossover dissacrante tra strutture Prog, nevrosi moderne e un basso che pulsa di pura energia vitale. Benvenuti Deaf Beat Vanguard. MS 

Versione Inglese: 

DEAF BEAT VANGUARD - Libido-Induced Anabasis
Gymnocal Industries
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Vinyl / Bandcamp – 2026

A breath of fresh air in Italian Prog, "Libido-Induced Anabasis" is the debut album by Deaf Beat Vanguard, a band delivering a remarkably unique, ironic, and unconventional blend.
The band's musical direction steers through decidedly crossover coordinates; this is not your classic symphonic or traditional New Prog, but rather a high-groove Funky Progressive Rock. The band contaminates typical Prog structures and virtuosos with massive doses of Funk, Jazz Rock, Blues, and experimental impulses, all seasoned with a theatrical, irreverent, and downright bizarre attitude.
The record is, to all intents and purposes, a concept album centered on one of the most iconic and overused figures in literature and music: the Devil. However, the approach is picaresque and tragicomic. Satan is cast as a protagonist in the midst of a full-blown identity crisis, trapped in a stereotypical role that he has long outgrown. Thus, the album narrates his absurd journey and his desperate need to break away from pre-established tracks to rediscover his freedom. This visionary and ironic narrative is also perfectly reflected in the artwork, curated by Anna Chiara Stagi (Stagah Artworks).
The band consists of Gabriele Lazzerini (guitar), Alessio Landi (bass), Thomas Berti (drums), and Dest (vocals). The album also features several guests who enrich the sound with brass instruments and diverse nuances: Stefano Franceschini, Filippo Martignano, Mattia Salvatori, Maxx Blois Rosetti, and Marco Capellazzi.
The opening track, "Epitome Of Evil?" (also chosen as the first single), introduces our protagonist with a huge question mark right there in the title. The lyrics stage the Devil's identity crisis, tired of being depicted as the absolute incarnation of evil. Musically, the track is a manifesto of the band's style, featuring a tight, Funky rhythm section interrupted by a central bridge with strong Latin and Psychedelic undertones, highlighting the protagonist's mental confusion. Leonardi’s vocal performance is excellent—highly malleable depending on the circumstance and reaching impressive heights.
"Underworld Debauchery" describes the boredom of the classic infernal routine, made of stereotypical sins, banal tortures, and clichés. The lyrics use sharp, grotesque tones to show how even Hell can become a tedious office job if you lose the passion. Here, the sound gets heavier, almost Funk Metal, with echoes reminiscent of Faith No More or Extreme, alternating monolithic riffs with sudden, syncopated breaks.
At this point, the title track, "Libido-Induced Anabasis", represents the narrative turning point: a "ascent" (Anabasis) driven by libido, understood here in its broadest sense of vital impulse, creative energy, and the desire to escape. The lyrics recount the moment Satan decides to abandon his underground throne to ascend to the surface in search of his own freedom. Musically, it is one of the most complex tracks on the record, with continuous, typically Progressive time signature changes and remarkable bass work that supports a theatrical and histrionic vocal melody.
Once arrived in the human world, the protagonist finds himself immersed in modern temptations in "Candyshop". The lyrics play on the metaphor of the "candy store," where everything is accessible, artificial, and commodified. There is a strong, ironic critique of consumerism and the ease with which human beings allow themselves to be seduced by ephemeral pleasures, practically taking away the Devil's own "job." The sound is alluring, danceable, with a very sexy groove, yet interrupted by unsettling Avant-Prog deviations.
And then we head into lighthearted tracks like "Poolside Blowout", philosophical moments as in "Das Auge, womit ich Gott sehe, ist dasselbe Auge, Womit Gott Mich Sieht" (quoting the German mystic Meister Eckhart: "The eye with which I see God is the same eye with which God sees me"), or liturgical theatricality as in "Kyrie Eleison"—in short, plenty of substance to be discovered at a steady pace.
Ultimately, "Libido-Induced Anabasis" is Satan's mystical crisis set to music: an irreverent crossover of Prog structures, modern neuroses, and a bass line pulsing with pure, vital energy. Welcome, Deaf Beat Vanguard. MS