CONFUSION
FIELD - Resilience Remains Autoproduzione
/ Rockshots Records Genere:
Heavy Prog / Post Prog Moderno Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Amanti
di Steven Wilson e company, ecco a voi il ritorno del progetto finlandese
Confusion Field intitolato “Resilience Remains”. Confusion
Field è guidato dal polistrumentista, compositore e cantante finlandese Tomi
Kankeinen. Originario di Oulu, Kankeinen vanta un lungo percorso nella scena
musicale finnica, con trascorsi che abbracciano Heavy Metal, Hard Rock e
Synth-Pop, sfociati poi nella naturale inclinazione verso il Post Prog Moderno. Affiancato
dal batterista Jani "Inkeri" Aho e dal tastierista/produttore Petteri
Claesson, il progetto nasce con l'intento di fondere l'impatto ritmico e le
sonorità chitarristiche del New Prog/Prog Metal (sulla scia di Porcupine Tree,
Riverside e Steven Wilson) con trame di sintetizzatori moderne, sintetizzando
melodia ed energia d'impatto. “Resilience
Remains” è il terzo album in studio dopo gli ottimi “Disconnection Complete”
(2021) e “Future Impact Of Past Diversions” (2023), molto apprezzati sia dalla
critica che dal pubblico (una prova l’avete su Prog Archives). L'album esplora
tematiche esistenziali e psicologiche come la resistenza interiore,
l'alienazione moderna, il sovraccarico informativo e la ricerca di identità di
fronte al caos collettivo. Rimango
piacevolmente colpito in positivo dall’apertura dell’album “Maintain The
Uncertainty”, che oltre ad essere il primo singolo, è un insieme di sonorità
rapite dal passato e approfondite nel presente, con un condimento sonoro tipico
di Wilson. La struttura alterna momenti rarefatti, guidati dalla voce pulita ed
espressiva di Kankeinen, a fiammate d'impatto con assoli di chitarra fluidi e
ben bilanciati. Nel testo si affronta l'incertezza come stato necessario
dell'esistenza. Piuttosto che cercare certezze dogmatiche o facili risposte, il
testo invita ad "abbracciare il dubbio", inteso come unico strumento
reale per mantenere la mente aperta ed evitare il controllo sociale. Curato
negli arrangiamenti, il secondo singolo “Conjuring Conflict” gode di un
ritornello davvero accattivante e di un incedere arioso oltre che energico.
Vuole essere una riflessione sulla polarizzazione dei rapporti umani e sulla
tendenza dei media e della società contemporanea a "evocare il
conflitto" per profitto o controllo. Il testo descrive l'attrito costante
generato dalle incomprensioni pilotate. Il
Post Prog Moderno vive anche di arie malinconiche (e ad esempio i Riverside ci
hanno costruito sopra una carriera) ed è anche il caso di “Sea Of Irrelevance”,
che parte con una chitarra pulita ed effetti di tastiera spaziali per poi
sviluppare un crescendo emozionale supportato da un basso profondo e pulsante.
È l'inquietudine di sentirsi sommersi da un "mare di irrilevanza",
dove il rumore di fondo della quotidianità e del mondo digitale rischia di
cancellare il valore e la memoria delle singole azioni umane. E a proposito del
nominato Steven Wilson, provate ad ascoltare “Blame Gravity”. Ci
sono brani che si avvicinano di più alla formula canzone diretta come “Is That
All?”, una domanda aperta sul senso del compimento. Raggiunti determinati scopi
o superati determinati ostacoli, ci si chiede se la vita si riduca solo a
questo o se esista un livello ulteriore di consapevolezza. Repentino
cambio di rotta con tinte quasi Cyberpunk/Industrial Progressive in “A New
Code”: la necessità di riscrivere il proprio "codice" morale ed
emotivo per sopravvivere in un mondo in rapida trasformazione. Un tema di
rinascita e riprogrammazione interiore per spezzare vecchi schemi nocivi. Immaginate
ora di unire la New Wave al Metal, il risultato è “The Echo Collector”, a cui
non mancano neppure incursioni nel Neo Prog! “Restricted
Area” e la conclusiva “Graceful Deceit” chiudono al meglio l’album, dove
l'inganno aggraziato ("Graceful Deceit") è la costante illusione di
controllo che ci costruiamo attorno. Il testo sottolinea che, nonostante le
illusioni e le cadute, ciò che rimane alla fine è proprio la resilienza
(Resilience Remains). Con
“Resilience Remains”, i Confusion Field non cercano di rivoluzionare i canoni
del Progressive Rock moderno, ma dimostrano una straordinaria maturità nel
maneggiare la materia. Io ho apprezzato numerose arie che mi hanno fatto volare
alto con la fantasia, e ciò mi basta. MS
Versione Inglese:
CONFUSION
FIELD - Resilience Remains Self-Released
/ Rockshots Records Genre:
Heavy Prog / Modern Post Prog Format:
CD / Bandcamp – 2026
To all fans of Steven Wilson and company, here is the
return of the Finnish project Confusion Field titled “Resilience Remains”. Confusion Field is led by Finnish
multi-instrumentalist, composer, and singer Tomi Kankeinen. Hailing from Oulu,
Kankeinen boasts a long journey in the Finnish music scene, with a background
spanning Heavy Metal, Hard Rock, and Synth-Pop, which eventually merged into
his natural inclination towards Modern Post Prog. Joined by drummer Jani "Inkeri" Aho and
keyboardist/producer Petteri Claesson, the project was born with the intention
of blending the rhythmic impact and guitar textures of New Prog/Prog Metal (in
the vein of Porcupine Tree, Riverside, and Steven Wilson) with modern
synthesizer arrangements, synthesizing melody and punchy energy. “Resilience Remains” is their third studio album
following the excellent “Disconnection Complete” (2021) and “Future Impact Of
Past Diversions” (2023), both highly praised by critics and fans alike (you can
find proof on Prog Archives). The album explores existential and psychological
themes such as inner resilience, modern alienation, information overload, and
the search for identity in the face of collective chaos. I am pleasantly impressed by the album's opening
track, “Maintain The Uncertainty”, which, besides being the first single, is a
fusion of sounds borrowed from the past and expanded in the present, infused
with a flavor typical of Wilson. The structure alternates between atmospheric,
subtle moments—guided by Kankeinen's clean and expressive vocals—and impactful
bursts featuring fluid, well-balanced guitar solos. The lyrics address
uncertainty as a necessary state of existence. Rather than seeking dogmatic
certainties or easy answers, the song invites us to "embrace doubt",
seen as the only real tool to keep an open mind and avoid social control. Meticulously arranged, the second single “Conjuring
Conflict” features a genuinely catchy chorus alongside an airy yet energetic
drive. It serves as a reflection on the polarization of human relationships and
the tendency of modern media and society to "conjure conflict" for
profit or control. The text describes the constant friction generated by
engineered misunderstandings. Modern Post Prog also thrives on melancholic moods
(Riverside, for instance, built a career on them), and that is certainly the
case with “Sea Of Irrelevance”. Starting with clean guitar and spacey keyboard
effects, it builds into an emotional crescendo supported by a deep, pulsing
bassline. It captures the anxiety of feeling submerged in a "sea of
irrelevance", where the background noise of daily life and the digital
world threatens to erase the value and memory of individual human actions. And
speaking of Steven Wilson, give “Blame Gravity” a listen. Some tracks lean closer to a direct song format, such
as “Is That All?”, an open question about the sense of fulfillment. Once
certain goals are achieved or specific obstacles overcome, one wonders if life
is reduced to just this or if a higher level of awareness exists. A sudden shift in direction brings almost
Cyberpunk/Industrial Progressive shades in “A New Code”: the need to rewrite
one's own moral and emotional "code" to survive in a rapidly changing
world. A theme of rebirth and inner reprogramming to break harmful old
patterns. Now imagine combining New Wave with Metal: the result
is “The Echo Collector”, which even features touches of Neo Prog! “Restricted Area” and the closing track “Graceful
Deceit” wrap up the album at its best. Here, the graceful deceit
("Graceful Deceit") represents the constant illusion of control we
build around ourselves. The lyrics emphasize that, despite illusions and falls,
what ultimately endures is resilience itself (Resilience Remains). With “Resilience Remains”, Confusion Field do not
attempt to revolutionize the standards of modern Progressive Rock, but they
demonstrate extraordinary maturity in handling the genre. I personally enjoyed
numerous passages that allowed my imagination to soar, and for me, that is more
than enough. MS
ILAMB
- Trip To Heaven – Redux Autoproduzione Genere: Post Prog Moderno Supporto: Digital – 2026
La
vita è fatta di sogni, specialmente quando si è giovani, e il pensare al futuro
per volersi realizzare è un obiettivo dell’esistenza. È splendido quando si ha
al proprio fianco un genitore che avalla la tua volontà e che ti sostiene in
questo percorso fatto comunque di insidie, una mano tesa che dà fiducia, perché
la felicità rende l’uomo libero. Questo
è anche il concept dell’album “Trip To Heaven – Redux”, che rappresenta la
rilettura completa e la ri-attualizzazione sonora dell'opera uscita come album
di esordio nel 2016 del duo ILAMB. Il lavoro sfoggia un nuovo missaggio e
mastering per valorizzare la dinamica audio digitale, inserti di chitarra
riregistrati, sezioni acustiche arricchite e un bilanciamento delle frequenze
concepito per enfatizzare il contrasto tra parti intime e aperture sinfonico-Rock. ILAMB
è guidato dal polistrumentista, compositore e arrangiatore palermitano Davide
Agnello, che cura chitarre, tastiere, programmazioni, arrangiamenti e gran
parte del songwriting, avvalendosi di collaborazioni vocali e di sezione ritmica
nei singoli brani. L’introduzione
al percorso è affidata alla strumentale “Start”, con tastiere eteree e suoni
d'ambiente che preparano il terreno all'ascolto, creando un'atmosfera sospesa.
I richiami ai Pink Floyd sono evidenti soprattutto nello slide della chitarra e
negli effetti eco che la circondano. Essa conduce a “Son To Father”, altro
movimento etereo in cui il cantato esprime la consapevolezza del ragazzo
protagonista di non essere più una semplice ombra o un pensiero, ma un'anima
viva nel mondo grazie al padre. Così
“Father To Son” è complementare al precedente, mostrando una struttura più
solida e matura, sostenuta da una sezione ritmica maggiormente incisiva e
prossima nelle chitarre a “Dogs” sempre dei Pink Floyd, tanto per darvi un
punto di riferimento. Il testo riflette la responsabilità, la protezione, le
speranze e il timore di trasmettere le proprie fragilità alla generazione
successiva. A dir poco bellissimo il lungo solo finale, che farà la gioia di
chi ama questo sound sostenuto e sognante (me compreso). “King
Of The World”, nei suoi otto minuti abbondanti, si affaccia anche nel mondo dei
Porcupine Tree. Racconta l'onnipotenza illusoria della giovinezza e
dell'egocentrismo ("I want to run all day and see every place..."),
riflettendo l'ambizione smisurata e la sensazione di invincibilità che
caratterizzano una specifica fase della vita. Nella fase centrale il brano si
spezza e diventa psichedelico e avvolgente. È proprio qui che parte una fuga in
stile “Metanoia”, visto che ho nominato la band di Steven Wilson, ma con
tastiere Neo Prog a supporto, a testimonianza che comunque Agnello ha una
personalità ben definita. Un altro interludio psichedelico porta il titolo
“Encounter” e conduce a “Deep Inside”, introdotto da un solo di batteria. Il
basso si fa più presente mentre la chitarra rilascia riff elettrici drammatici
che potrebbero risiedere anche in “Deadwing” (Porcupine Tree). Se siete amanti
dei solo di chitarra adrenalinici, il brano fa al caso vostro; personalmente è
uno dei movimenti che ho maggiormente apprezzato, ottimo anche l'intervento dei
synth. “My
Imagination” emotivamente alza il tiro e riconduce ancora una volta il sound
nel mondo dei Pink Floyd più toccanti, in cui la chitarra elettrica rilascia un
altro lungo assolo da pelle d’oca. Il finale è affidato alla chitarra acustica…
E ho detto tutto. Il
terzo interludio s’intitola “Spring” ed è una ballata acustica a sua volta
toccante che mette in evidenza (se ancora ce ne fosse il bisogno) la sensibilità
melodica di Davide Agnello. Segue “Spring (Reprise)”, brano Rock in modalità
“The Division Bell” (Pink Floyd). Altro
brano dal forte impatto è “The Boy Becomes The Man”, ovviamente in crescendo
sonoro, che tratta il passaggio definitivo dall'innocenza della giovinezza alla
consapevolezza adulta, con l'accettazione dei propri limiti e delle
responsabilità. Dopo
il breve sound da carillon di “Toys”, è la volta di “It's The Life”, altra
perla melodica e sognante su cui lasciarsi trasportare. “Heaven”
rappresenta la catarsi, la pace ritrovata e la meta del viaggio (il
"cielo" inteso come stato di quiete spirituale e piena
riconciliazione con se stessi). Altamente Prog, il brano ha interventi sonori
che richiamano il flauto e quanto di sinfonico gli anni ’70 ci hanno donato.
Segue l’immancabile crescendo. La
chiusura è affidata a “End Of Stars”, bucolica e straziante, con l’immancabile
chitarra elettrica che strizza l’occhio a “Marooned” (Pink Floyd). L'operazione
Redux di “Trip To Heaven” non è un semplice maquillage sonoro, ma una vera e propria
rifocalizzazione emotiva, il suono ne esce rinvigorito, le dinamiche respirano
e ogni traccia trova la giusta collocazione all'interno dell'architettura
dell'opera. È un disco che richiede un ascolto attento, intimo, preferibilmente
a luci soffuse e senza interruzioni, per lasciarsi trasportare lungo le tappe
di questo viaggio di crescita e riconciliazione. Vorresti non finisse mai. MS
Versione Inglese:
ILAMB
- Trip To Heaven – Redux Self-released Genre:
Modern Post-Prog Format:
Digital – 2026
Life is made of dreams, especially when you are young,
and thinking about the future to fulfill yourself is a core goal of existence.
It is wonderful to have a parent by your side who endorses your vision and
supports you along this path—a journey filled with pitfalls
nonetheless—offering a helping hand that inspires confidence, because happiness
sets humankind free. This is also the concept behind the album “Trip To
Heaven – Redux”, which represents a complete reinterpretation and sonic
updating of the duo ILAMB’s 2016 debut release. The work features a fresh mix
and master designed to enhance digital audio dynamics, re-recorded guitar
parts, enriched acoustic sections, and a frequency balance crafted to emphasize
the contrast between intimate passages and sweeping symphonic-rock openings. ILAMB is led by Palermitan multi-instrumentalist,
composer, and arranger Davide Agnello, who handles guitars, keyboards,
programming, arrangements, and most of the songwriting, while featuring guest
vocalists and rhythm sections across individual tracks. The introduction to this journey is entrusted to the
instrumental track “Start”, featuring ethereal keyboards and ambient sounds
that pave the way for the listening experience, creating a suspended
atmosphere. Pink Floyd influences are clear, particularly in the slide guitar
work and the surrounding delay effects. It leads into “Son To Father”, another
ethereal movement where the vocals convey the young protagonist's realization
that he is no longer just a shadow or a thought, but a living soul in the world
thanks to his father. Thus, “Father To Son” serves as a natural counterpart,
displaying a sturdier, more mature structure anchored by a punchier rhythm
section and guitars reminiscent of Pink Floyd's “Dogs”, just to give you a
point of reference. The lyrics reflect responsibility, protection, hopes, and
the fear of passing one's own vulnerabilities down to the next generation. The
long closing solo is simply sublime and will delight anyone who loves this
sustained, dreamlike sound (myself included). “King Of The World”, spanning over eight generous
minutes, also ventures into Porcupine Tree territory. It chronicles the
illusory omnipotence of youth and egocentrism ("I want to run all day and
see every place..."), reflecting the boundless ambition and feeling of
invincibility that define a specific stage of life. In its middle section, the
track breaks down, becoming psychedelic and atmospheric. It is precisely here
that a run in the vein of “Metanoia” kicks off—since I mentioned Steven
Wilson’s band—supported by Neo-Prog keyboards, proving that Agnello possesses a
well-defined artistic identity. Another psychedelic interlude titled
“Encounter” leads into “Deep Inside”, introduced by a drum solo. The bass takes
center stage while the guitar delivers dramatic electric riffs that wouldn't
feel out of place on Porcupine Tree's “Deadwing”. If you are a fan of
adrenaline-fueled guitar solos, this track is right up your alley; personally,
it is one of the movements I enjoyed the most, complemented by excellent synth
work. “My Imagination” raises the emotional stakes and once
again steers the sound toward the most touching side of Pink Floyd, featuring
another goosebump-inducing, extended guitar solo. The ending is left to the
acoustic guitar… Enough said. The third interlude is titled “Spring”, a deeply
moving acoustic ballad that highlights—if there were still any doubt—Davide
Agnello’s melodic sensitivity. This is followed by “Spring (Reprise)”, a rock
track leaning into “The Division Bell” territory. Another high-impact track is “The Boy Becomes The
Man”, building up through a dramatic musical crescendo to address the
definitive transition from youthful innocence to adult awareness, embracing
personal limits and responsibilities. After the brief, music-box-like soundscape of “Toys”,
it is time for “It's The Life”, another melodic, dreamlike gem to get lost in. “Heaven” represents catharsis, peace rediscovered, and
the destination of the journey (the "heaven" understood as a state of
spiritual tranquility and complete reconciliation with oneself). Highly
progressive in nature, the track features sonic textures echoing flutes and the
classic symphonic flourishes that the 1970s bestowed upon us, followed by an
inevitable crescendo. The closing is entrusted to “End Of Stars”, bucolic
and heartbreaking, with an ever-present electric guitar that tips its hat to
Pink Floyd's “Marooned”. The Redux treatment of “Trip To Heaven” is no mere
sonic facelift; it is a genuine emotional refocusing. The sound comes out
invigorated, the dynamics breathe, and every track finds its rightful place
within the work's overall architecture. It is an album that demands attentive,
intimate listening—preferably under dim lights and without interruptions—to let
yourself be carried away along the milestones of this journey of growth and
reconciliation. You'll wish it would never end. MS
LAST
KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias Somnus
Media Genere:
Progressive Rock Sinfonico Supporto: CD / Bandcamp – 2026
La
musica classica è sempre stata un fulcro centrale in moltissima della proposta
sonora moderna, tanto che il Progressive Rock ne fa sinfonia e ne arricchisce
il linguaggio che nel Rock stesso non sarà più chitarrocentrico. Fa
piacere imbattersi in progetti nei quali anche la storia medievale si va ad
allacciare a questo contesto, apportando un'ulteriore crescita creativa. I
Last Knight sono un progetto multinazionale di José Manuel Medina fondato nel
1997 e nel corso degli anni moltissimi musicisti si sono alternati all’interno
della line-up, tra cui Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp) o Maggie
Reilly. La discografia si concentra solitamente su concept storici, ad iniziare
da “Lord Of The Time” del 2001, a cui seguono altri cinque album compreso
questo “The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias” che
inizia una nuova trilogia di racconti. Ambientato durante la Reconquista nella
penisola iberica (711–1492 d.C.), tratta della nascita del Regno delle Asturie
ad opera di Don Pelayo dopo la battaglia di Covadonga (722 d.C.), primo nucleo
della resistenza cristiana contro l'espansione del Califfato e punto di
partenza della formazione dei futuri regni di León, Galizia e Navarra
(Pamplona). Il
progetto dunque è alquanto ambizioso e ricco di musicisti che vado in ordine ad
elencare: Jose Manuel Medina (voce, tutti gli strumenti), Marc Atkinson (voce e
cori), Mariano Gardella (voce e cori), Deibys Artigas (voce e cori), Rafael
Pacha (chitarre, violino, percussioni, mandolino, flauto), Pablo Lato (basso),
Nelson Pombal (chitarre), Kheiro Lamri (chitarre), Troy Donockley (whistles),
Victor Adebisi (violino), Ian Palmer (batteria) e la The Somnus Symphony
Orchestra & Choir. Il
minutaggio è alquanto esteso: 71 minuti di musica suddivisa in 15 brani. Ovviamente
si parte con un'overture, anzi, “The Grand Overture”, un brano interamente
strumentale sinfonico. Utilizza strati di tastiere, orchestrazioni synth,
chitarre elettriche e ritmi dinamici per presentare i temi musicali ricorrenti
dell'album. “In
The Middle Ages” è invece un brano di Rock Progressivo classico dove le
chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano con synth e organo. Sviluppa
una melodia vocale principale fluida con cambi di tempo centrali e narra la
vita quotidiana, le incertezze e la dura realtà della penisola iberica
all'inizio del Medioevo, introducendo il clima di scontro imminente tra diverse
culture e fedi. Tuttavia credetemi che non è assolutamente il caso di fare
un'analisi per ogni singolo movimento sonoro in quanto il contesto lo avete
compreso e vi annoiereste nel leggere, siamo sempre fra grandi melodie e tanta
sinfonia; ma devo sottolineare la bellezza di almeno tre brani che fanno di
questo concept un grande disco: “War”, decisamente Hard Rock dal sapore
vintage, e la suite “The Kingdom Of Leon”, fulcro dell’album assieme alla
seconda “The Kingdom Of Galicia”. Essa alterna sezioni sinfoniche, assoli di
tastiera in pieno stile prog settantiano, momenti acustici e imponenti
crescendo orchestrali. Narra l'espansione delle Asturie verso sud, la
traslazione della capitale e la nascita del potente Regno di León, cuore
politico della Reconquista. I
Last Knight dimostrano ancora una volta come il Prog Rock sinfonico sappia
farsi eccellente veicolo di narrazione storica. Tra fughe orchestrali, ricami
folk celtico-iberici e repentine vette elettrificate, il disco restituisce
tutta l'epicità e la drammaticità della nascita dei regni di Spagna. Un ascolto
denso, colto e profondamente immersivo, consigliato a tutti gli amanti delle
grandi architetture concettuali. Quando la musica diventa film per la mente, i
Last Knight ne sono ottimi registi. MS
Versione Inglese:
LAST
KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias Somnus
Media Genre:
Symphonic Progressive Rock Format:
CD / Bandcamp – 2026
Classical music has always been a central core in much
of modern musical output, so much so that Progressive Rock turns it into
symphony, enriching a language that within Rock itself is no longer strictly
guitar-centric. It is a pleasure to come across projects in which
medieval history ties into this context as well, bringing further creative
growth. Last Knight is an international project led by José
Manuel Medina, founded in 1997. Over the years, many musicians have rotated
through the lineup, including Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp), and
Maggie Reilly. Their discography typically focuses on historical concept
albums, starting with "Lord Of The Time" in 2001, followed by five
other albums including this "The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I:
Reconquista Asturias," which begins a new trilogy of stories. Set during
the Reconquista in the Iberian Peninsula (711–1492 AD), it deals with the birth
of the Kingdom of Asturias led by Don Pelayo after the Battle of Covadonga (722
AD)—the initial core of Christian resistance against the expansion of the
Caliphate and the starting point for the formation of the future kingdoms of
León, Galicia, and Navarre (Pamplona). The project is therefore quite ambitious and rich in
musicians, whom I will list in order: Jose Manuel Medina (vocals, all
instruments), Marc Atkinson (lead and backing vocals), Mariano Gardella (lead
and backing vocals), Deibys Artigas (lead and backing vocals), Rafael Pacha (guitars,
violin, percussion, mandolin, flute), Pablo Lato (bass), Nelson Pombal
(guitars), Kheiro Lamri (guitars), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi
(violin), Ian Palmer (drums), and The Somnus Symphony Orchestra & Choir. The running time is fairly extensive: 71 minutes of
music divided into 15 tracks. Naturally, it begins with an overture—or rather, “The
Grand Overture”—an entirely instrumental symphonic track. It uses layers of
keyboards, synth orchestrations, electric guitars, and dynamic rhythms to
introduce the recurring musical themes of the album. “In The Middle Ages” is instead a classic Progressive
Rock track where acoustic and electric guitars intertwine with synths and
organ. It develops a fluid lead vocal melody with mid-track time changes and
narrates daily life, the uncertainties, and the harsh reality of the Iberian Peninsula at the beginning of the Middle Ages,
introducing the atmosphere of impending conflict between different cultures and
faiths. However, believe me, there is no need to analyze every single musical
movement, as you have already grasped the context and would get bored reading
it—we are consistently surrounded by great melodies and rich symphonies. Still,
I must highlight the beauty of at least three tracks that make this concept a
great album: “War,” which is decidedly vintage-flavored Hard Rock, and the
suite “The Kingdom Of Leon,” the centerpiece of the album alongside the second
suite, “The Kingdom Of Galicia.” It alternates symphonic sections, 70s-style
prog keyboard solos, acoustic passages, and majestic orchestrations in a
building crescendo. It tells the story of the southward expansion of Asturias,
the relocation of the capital, and the birth of the powerful Kingdom of León,
the political heart of the Reconquista. Last Knight prove once again how symphonic Prog Rock
can serve as an excellent vehicle for historical storytelling. Between
orchestrations, Celtic-Iberian folk flourishes, and sudden electrified peaks,
the record conveys all the epic scale and drama surrounding the birth of the
kingdoms of Spain. A dense, cultured, and deeply immersive listen, recommended
to all lovers of grand conceptual structures. When music turns into a film for
the mind, Last Knight serve as excellent directors. MS
PALLAS
- A Song For Tomorrow Esoteric
Antenna Genere: Neo Prog Supporto: LP / CD / Digital – 2026
I
Pallas fanno parte della scena storica degli anni ’80 in ambito Neo Prog
assieme a Marillion, IQ, Pendragon ecc. Mi ricordo che fu devastante l’ascolto
dell’album “The Sentinel” nel 1984, con quella splendida copertina gatefold in
stile Roger Dean (Yes): una ventata di aria fresca per chi in quel periodo era
in astinenza di Rock Progressivo. Tante tastiere epiche e un senso spiccato
della drammaticità, elevato all’ennesima potenza dalla voce recitativa di Euan Lowson. Ne
sono passati di anni e, dopo stop e ripartenze, la band ha saputo mantenere uno
standard qualitativo costante malgrado i vari cambi di lineup. Altro gioiellino
fu il ritorno negli anni ’90 con “Beat The Drum” (1998) e anche l’ottimo “The
Cross & The Crucible”, album che vi consiglio vivamente di andare a
riscoprire, in essi c'è l’essenza stessa del Neo Prog. Nove
gli album in studio compreso questo “A Song For Tomorrow”, da cui ripongo alte
aspettative visto che al microfono si vede il ritorno dello storico Alan Reed. Il
senso di drammaticità è ancora intatto (anche troppo) nelle dieci canzoni
contenute nell’album, mentre la formazione è composta da Alan Reed (voce),
Niall Mathewson (chitarra, percussioni, voce), Graeme Murray (basso, voce) e
Ronnie Brown (tastiere, percussioni, voce), con l’ospite nella title track
della cantante Natasha O'Neal. Ve
la faccio breve e non ci giro molto intorno: lo stile cambia, anche se si
denotano sempre le qualità classiche della band. I suoni diventano più
futuristici, i brani più semplici, la voce (maledizione) in alcuni casi è
filtrata e non raggiunge più quelle vette a cui ci aveva abituati, salvo alcuni
rarissimi casi. Tanto
cuore affossato però da un poco di stanca compositiva, dove mi mancano quelle
poderose sinfonie e quei solo di chitarra che contraddistinguono sia la band
sia il Neo Prog stesso. Anche il concept non è nuovo nell’ambito, la classica
devastazione e la rinascita di una nuova civiltà. Ho
apprezzato “Aspiration”, ballata Prog guidata da chitarra acustica e aperture
atmosferiche di grande respiro. Esistono
brani Heavy Prog come “Rushing Headlong”, che descrive la corsa folle
dell'umanità verso la propria autodistruzione, l'inseguimento cieco del
progresso tecnologico e del guadagno economico senza fermarsi a considerarne le
conseguenze, ma non bastano ad alzare l’attenzione dell’ascoltatore,
generalmente assopita in altri movimenti stanchi e già sentiti. Sento
altresì di salvare la conclusiva “Inside Outside”, una riflessione sulla
dualità della mente umana, la contrapposizione tra il mondo interiore (i
pensieri, i sentimenti, i valori) e il mondo esterno (la realtà sociale, le
apparenze, le pressioni della vita). Probabilmente
questa della pacatezza generale (che poi diventa lagna) e della ricerca vocale
modificata è stata proprio una scelta dettata da quello che oggi i Pallas si
sentono di essere (giustamente), ma personalmente mi ha deluso, perché mancano
i crescendo a cui la band nel tempo ci ha abituati (dove sono finite le
chitarre?) e capite voi che quando si mangia bene, passare al panino non è gran
cosa. Non un album brutto, assolutamente, ma loro sono i Pallas… diavolo! MS
Versione Inglese:
PALLAS
- A Song For Tomorrow Esoteric
Antenna Genre:
Neo Prog Format:
LP / CD / Digital – 2026
Pallas are part of the historic 1980s Neo Prog scene
alongside Marillion, IQ, Pendragon, etc. I remember listening to the album “The
Sentinel” back in 1984 as a mind-blowing experience, with that splendid Roger
Dean-style gatefold cover (Yes): a breath of fresh air for anyone starving for
Progressive Rock at the time. Plenty of epic keyboards and a keen sense of
drama, elevated to the extreme by Alan Reed's theatrical vocals. Years have passed and, after stops and restarts, the
band has managed to maintain a consistent standard of quality despite various
line-up changes. Another little gem was their '90s comeback with “Beat The
Drum” (1998), as well as the excellent “The Cross & The Crucible”—albums I
highly recommend you go back and rediscover, as the very essence of Neo Prog
lies within them. Nine studio albums in total, including this “A Song
For Tomorrow”, for which I had high expectations given the return of historic
frontman Euan Lowson on vocals. The sense of drama is still intact (perhaps even too
much so) across the ten tracks on the album, with a line-up featuring Alan Reed
(vocals), Niall Mathewson (guitar, percussion, vocals), Graeme Murray (bass,
vocals), and Ronnie Brown (keyboards, percussion, vocals), alongside guest
singer Natasha O'Neal on the title track. To cut a long story short and get straight to the
point: the style changes, even though the band's classic qualities are still
noticeable. The sounds become more futuristic, the songs simpler, and the
vocals (damn it!) are filtered in some cases, no longer reaching the heights we
were used to, except on a few rare occasions. Plenty of heart, unfortunately weighed down by a bit
of compositional fatigue, where I miss those powerful symphonies and guitar
solos that define both the band and Neo Prog itself. Even the concept isn't new
to the genre: the classic destruction and rebirth of a new civilization. I appreciated “Aspiration”, a Prog ballad driven by
acoustic guitar and wide, atmospheric openings. There are Heavy Prog tracks like “Rushing Headlong”,
which describes humanity's mad rush toward self-destruction—the blind pursuit
of technological progress and economic gain without stopping to consider the
consequences—but they aren't enough to revive the listener's attention, which
remains mostly lulled by other tired, overly familiar passages. I also feel like saving the closing track, “Inside
Outside”, a reflection on the duality of the human mind: the contrast between
the inner world (thoughts, feelings, values) and the outer world (social
reality, appearances, life's pressures). This overall calmness (which borders on a whine) and
the search for modified vocals was probably a deliberate choice based on what
Pallas feel like being today (and rightly so), but personally it disappointed
me. It lacks the crescendos the band has accustomed us to over time (where have
the guitars gone?), and you'll understand that when you're used to fine dining,
settling for a sandwich isn't great. Not a bad album, absolutely not, but they
are Pallas… damn it! MS
LUNEAR
- There Is Always Next Time Autoproduzione Genere: Crossover Prog Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Cambio
di rotta per la band francese Lunear nel quinto album in studio “There Is
Always Next Time”, che conduce il Prog Rock verso la più memorizzabile formula
canzone. I Lunear sono formati da Paul J. No (voce solista, tastiere), Seb
Bournier (batteria, voce) e JP Benadjer (chitarre, basso, voce). Pur vivendo in
diverse città europee (Barcellona, Avignone e Digione), i tre musicisti hanno
creato una band collaborativa unica, scrivendo e registrando quasi interamente
a distanza tramite Internet. Il
debutto del 2018 intitolato “Many Miles Away” ci ha presentato una band con
forti influenze Genesis, Marillion, Steven Wilson e Pink Floyd, abbracciando al
contempo influenze Pop melodiche di artisti come Keane, Muse, Depeche Mode e
Prince. Nel tempo hanno quindi affinato lo stile e la personalità, giungendo
oggi ad un esatto equilibrio melodico. Ecco
dunque abbandonate in parte le suite concettuali e le influenze marcatamente
anni '70 del lavoro precedente (“From Above”). Otto i brani contenuti per oltre
cinquanta minuti di musica che si aprono con “Tom & Colin”, canzone dal
ritornello piacevole e dall’andamento progressivo nell’intento, fra cambi di
suoni e ritmi tuttavia relegati a certa storia del passato. Semplice e
funzionale l’impatto vocale di Paul J. No senza mai fare il passo più lungo
della gamba. Il pezzo esplora il tema dell'amicizia, non la solita storia
d'amore, ma il lento consumarsi e il dissolversi del legame viscerale tra due
persone (Tom e Colin) con il passare degli anni. Il
singolo “One Day” ha una spiccata sensibilità Pop Prog e naviga in atmosfere
morbide su un letto di tastiere e pianoforte. È un inno alla speranza e alla
contemplazione. Attraverso l'immagine metaforica di strade aperte e orizzonti
solitari, il testo analizza il bisogno umano di credere che "un giorno"
le cose troveranno la loro giusta collocazione. Per
ascoltare un pezzo marcatamente Rock bisogna giungere a “I'll Remember This”,
una deviazione energica e quasi inattesa. Il brano costruisce la sua
impalcatura su un riff incisivo ed elettrico che strizza l'occhio anche alla
Disco Music anni '80, sostenuto da una sezione ritmica incalzante. Qui la band
riflette sull'impatto istantaneo di certi ricordi: momenti apparentemente
insignificanti del passato che rimangono scolpiti nella memoria in modo indelebile,
plasmandoci a nostra insaputa. E
a proposito di anni ’80, “Pool Balls” non si distanzia molto dal periodo, con
atmosfere dal sapore Neo Prog e Synth Pop raffinato. Qui si utilizza una
metafora letteraria originale, quella del biliardo e della fisica newtoniana
applicati al concetto di libero arbitrio e determinismo. Le persone sono come
palle da biliardo, colpite dalle decisioni altrui e destinate a scontrarsi in
traiettorie imprevedibili. La
malinconica “Rain” tuttavia ci ricorda che i Lunear hanno una base Prog Rock
ancora solida ed evidente. Si parte con toni soffusi per poi cambiare passo a
metà traccia, lasciando spazio a un'espansione instrumental dove chitarra e
tastiere dialogano in un crescendo drammatico. La pioggia diventa il simbolo
catartico del lavaggio delle colpe e della malinconia. Le liriche affrontano il
peso emotivo dell'isolamento e la necessità di lasciar fluire il dolore per
poter ripartire. Sale
il ritmo con “The Wilderness Within”, momento Indie Prog più tirato e guidato
dalle chitarre di Benadjer. Con le sue tensioni ritmiche e un'impronta Rock più
diretta, spezza la sognante e complessa atmosfera lasciata da “Rain”. Ed
ecco a questo punto giungere la suite di quattordici minuti “Christmas
Flowers”, il vertice compositivo ed emotivo dell'album. Gli assoli di chitarra
e organo nascono in modo organico e la struttura si sviluppa con naturalezza,
senza mai risultare un mero esercizio di stile. Qui sì che il Prog sale in
cattedra. Si narra il lento declino e la dissoluzione di una comunità rurale e
di una famiglia, vista attraverso il rituale del ritorno a casa per le feste
natalizie e la malinconica assenza dei fiori sulle tavole. Un racconto verista
e toccante sugli affetti familiari e il passare del tempo. La
chiusura acustica ed essenziale è nelle mani di “Next Time”; strumentata
semplicemente con chitarra acustica, voce, basso e tamburello, riprende la
melodia che era stata accennata a cappella nell'introduzione di “Tom &
Colin”. Un'accettazione finale con un velo di rimpianto ("Riflettiamo sui
rimpianti e su tutto ciò che abbiamo lasciato incompiuto"). Il messaggio
chiave dell'intero lavoro: c'è sempre una "prossima volta" per
perdonarsi e ricominciare. Con
“There Is Always Next Time”, i Lunear riescono nell'impresa di bilanciare le
ambizioni del Rock Progressivo con la sensibilità di una scrittura Pop Art
raffinata e accessibile e credetemi che non è cosa semplice. Album gradevole e
scorrevole. MS
Versione Inglese:
LUNEAR
- There Is Always Next Time Self-released Genre:
Crossover Prog Format:
CD / Bandcamp – 2026
A change of course for the French band Lunear on their
fifth studio album “There Is Always Next Time”, guiding Prog Rock toward a more
memorable song-oriented format. Lunear consists of Paul J. No (lead vocals, keyboards),
Seb Bournier (drums, vocals), and JP Benadjer (guitars, bass, vocals). Despite
living in different European cities (Barcelona, Avignon, and Dijon), the three
musicians have created a uniquely collaborative band, writing and recording
almost entirely remotely via the Internet. Their 2018 debut, titled “Many Miles Away”, introduced
us to a band with strong Genesis, Marillion, Steven Wilson, and Pink Floyd
influences, while simultaneously embracing melodic Pop accents from artists
like Keane, Muse, Depeche Mode, and Prince. Over time, they have refined their
style and personality, arriving today at a precise melodic balance. Thus, the conceptual suites and markedly '70s
influences of their previous work (“From Above”) are partly set aside. The eight
tracks contained within offer over fifty minutes of music, opening with “Tom
& Colin”—a song with a catchy chorus and a progressive intention in its
approach, featuring shifts in sound and rhythm that nevertheless pay homage to
past traditions. Paul J. No’s vocal delivery is simple and effective, never
overreaching. The track explores the theme of friendship: not the typical love
story, but the slow wearing away and dissolving of a deep bond between two
people (Tom and Colin) as the years go by. The single “One Day” features a distinct Pop Prog
sensibility and navigates smooth atmospheres built upon a bed of keyboards and
piano. It is a hymn to hope and contemplation. Through the metaphorical imagery
of open roads and lonely horizons, the lyrics analyze the human need to believe
that "one day" things will fall into place. To hear a distinctly Rock track, one must reach “I'll
Remember This”, an energetic and almost unexpected departure. The song builds
its structure around an incisive, electric riff that winks at '80s Disco Music,
backed by a driving rhythm section. Here the band reflects on the instantaneous
impact of certain memories: seemingly insignificant moments from the past that
remain indelibly carved in our minds, shaping us without our knowing. And speaking of the '80s, “Pool Balls” doesn't stray
far from that era, showcasing refined Neo Prog and Synth Pop vibes. Here, an
original literary metaphor is employed—that of billiards and Newtonian physics
applied to the concepts of free will and determinism. People are like pool
balls, struck by the decisions of others and destined to collide along
unpredictable trajectories. The melancholic “Rain”, however, reminds us that
Lunear still retains a solid and evident Prog Rock foundation. It begins with muted
tones before shifting gears halfway through, opening up into an instrumental
expansion where guitar and keyboards engage in a dramatic dialogue. The rain
becomes a cathartic symbol for washing away guilt and melancholy. The lyrics
confront the emotional weight of isolation and the need to let pain flow in
order to move forward again. The tempo picks up with “The Wilderness Within”, a
punchier Indie Prog moment driven by Benadjer's guitars. With its rhythmic
tensions and a more direct Rock imprint, it breaks the dreamy, complex
atmosphere left behind by “Rain”. And at this point comes the fourteen-minute suite
“Christmas Flowers”, the album's compositional and emotional peak. The guitar
and organ solos emerge organically, and the structure develops naturally
without ever feeling like a mere exercise in technical skill. Here, Prog truly
takes center stage. It narrates the slow decline and dissolution of a rural
community and a family, seen through the ritual of returning home for the
Christmas holidays and the melancholic absence of flowers on the tables. A
touching, realist tale about family bonds and the passage of time. The essential, acoustic closure is left to “Next
Time”; arranged simply with acoustic guitar, vocals, bass, and tambourine, it
reprises the melody hinted at a cappella in the introduction to “Tom &
Colin”. A final acceptance touched by a veil of regret ("We reflect on
regrets and everything we left unfinished"). The key message of the entire
work: there is always a "next time" to forgive oneself and start
anew. With “There Is Always Next Time”, Lunear succeeds in
balancing the ambitions of Progressive Rock with the accessibility of refined
Pop Art songwriting—and believe me, that is no easy feat. An enjoyable and
smooth-flowing album. MS
Mr.
Bison - The Garden Of Forgotten Dreams Heavy
Psych Sounds Genere:
Heavy Rock/Psichedelico/Prog Stoner Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026
Noi
italiani negli ultimi anni siamo diventati molto bravi a suonare lo Stoner, se
poi ci andiamo ad intrecciare altri generi come l’Hard Rock, la Psichedelia e
il Prog, allora il risultato finale diventa davvero dotato di grande
personalità. I
toscani Mr. Bison si formano nel 2009 a Cecina (Livorno) ed esordiscono nel
2012 con “We'll Be Brief”, ma si impongono all'attenzione con “Asteroid”
(2016), iniziando ad allargare l'orizzonte verso strutture più narrative. Solo
con “Holy Oak” (2018) e soprattutto con il concept marittimo “Seaward” (2020)
affinano l'elemento psichedelico e la componente Progressive. Con
l'ingresso dei synth e l'arricchimento della formazione (tra cui l'apporto dei
fratelli Salvadori), la band incide “Echoes From The Universe” (2024), virando
con decisione verso lo Space Rock, il Prog moderno e il Post-Rock lisergico. La
line-up attuale è composta da Matteo Barsacchi (chitarra, synth), Matteo
Sciocchetto (voc, basso, chitarra), Davide Salvadori (chitarra, synth) e
Lorenzo Salvadori (batteria). Questo
nuovo “The Garden Of Forgotten Dreams” lavora attorno al concetto del
"Giardino" come rifugio metaforico dell'anima, un luogo magico dove
le aspirazioni accantonate, i sogni dimenticati e le luci/ombre interiori non
appassiscono, ma rimangono custoditi in attesa di essere riscoperti. Il lavoro
è curato e registrato da Matteo Barsacchi presso il Blotch Recording Studio in
Toscana, con missaggio a cura di Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlino) e
masterizzazione gestita da Carl Saff a Chicago. L’apertura
di “Cosmic Tide” è di grande impatto e parte da riff cadenzati di chiara
matrice Stoner/Space Rock per poi spalancarsi su dinamiche epiche e
psichedeliche. L'intreccio tra sintetizzatori e chitarre sature crea la
sensazione di collisione con un'onda cosmica. Il testo rappresenta la
mareggiata iniziale, la forza esterna (o interiore) che sradica l'individuo dal
rumore quotidiano e lo trascina verso la soglia del "Giardino". Il
tema è il flusso dell'esistenza e la spinta a non opporre resistenza al
cambiamento. Le
architetture sonore della title track si fanno cinematografiche, con trame di
synth atmosferici e arpeggi avvolgenti che esplodono in maestosi muri di
chitarra. È il cuore concettuale dell'opera, l'ingresso nel luogo dove ogni
desiderio inespresso vegeta come un fiore silenzioso. La lirica invita a
riscoprire parti di sé ritenute perdute e ad accettare il proprio vissuto senza
rimpianti. Buona la prova vocale, così come appare ben oliata e funzionale la
coppia ritmica di basso e batteria. Negli
oltre sette minuti del brano “Bright Shadow” si gioca sull'equilibrio tra
oscurità e luminosità. L'approccio attinge a piene mani dal Prog e dal Post Rock,
alternando sezioni ipnotiche/ambient ad accelerate ritmiche dal grande respiro
melodico. Qualche scheggia di Tool si infilza con efficacia nel pezzo. Più
serrato e diretto nei tempi, “Astray” che riprende l'energia graffiante del
periodo Stoner/Heavy Rock della band, pur mantenendo un ricamo di tastiere che
ne amplia la spazialità. Nel testo si tratta lo smarrimento, il momento in cui
si perde la rotta (letteralmente "fuori strada"). È la
rappresentazione lirica del dubbio, passaggio obbligato prima di poter davvero
ritrovare la propria verità interiore. Ed
è la volta di “Turn To Stone”, movimento altamente psichedelico ricco di echi
di chitarra e di grande spazialità. Qui si evoca la sensazione di
pietrificazione e blocco di fronte al dolore o ai giudizi del mondo esterno, ma
anche il rifugio nella stasi per proteggere la propria fragilità. Fra
i momenti più Prog dell’album si trova “The Sunrise”, caratterizzato da un
lavoro di synth e chitarra dal carattere sognante che simula l'aumentare
graduale della luce. È il risveglio all'interno del Giardino dove la notte cede
il passo al mattino e si avverte un forte senso di speranza, di conciliazione e
di chiarezza sul proprio percorso. I
Mr. Bison alzano i decibel in “River Moan”, canzone che pone lo sguardo anche
verso il passato Hard Rock, dove il "lamento del fiume" diventa il
simbolo del tempo che scorre inesorabile, portando via le scorie del passato ma
lavando anche le ferite. L'acqua si trasforma così in un elemento di
purificazione morale. Il
brano di chiusura “Old Hue” riassume perfettamente tutte le anime del disco, la
potenza Stoner, la ricercatezza Prog e gli scenari ambient-space. Il finale si
sviluppa in un crescendo orchestrato con grande maturità compositiva. Si esce
dal Giardino non cambiati radicalmente, ma finalmente riappacificati con le
sfumature della propria storia. Tra
muri di chitarre, architetture sinfoniche di tastiere e una sezione ritmica
impeccabile, “The Garden Of Forgotten Dreams” consacra definitivamente i Mr.
Bison nell'élite del Rock Psichedelico contemporaneo. Un album ricco di
sfumature, coraggioso negli arrangiamenti e liricamente profondo, da assaporare
tutto d'un fiato. MS
Versione Inglese:
Mr.
Bison - The Garden Of Forgotten Dreams Heavy
Psych Sounds Genre:
Heavy Rock/Psychedelic/Prog Stoner Format:
LP / CD / Bandcamp – 2026
In recent years, we Italians have become very skilled
at playing Stoner rock; if we then interweave other genres like Hard Rock,
Psychedelia, and Prog, the final result becomes truly endowed with great
personality. The Tuscan band Mr. Bison formed in 2009 in Cecina
(Livorno) and made their debut in 2012 with “We'll Be Brief”, but caught wider
attention with “Asteroid” (2016), beginning to expand their horizons toward
more narrative structures. Only with “Holy Oak” (2018) and especially with the
maritime concept album “Seaward” (2020) did they refine their psychedelic
elements and Progressive component. With the introduction of synths and an expanded
line-up (including the contribution of the Salvadori brothers), the band
recorded “Echoes From The Universe” (2024), shifting decisively toward Space Rock,
modern Prog, and lysergic Post-Rock. The current line-up consists of Matteo
Barsacchi (guitar, synth), Matteo Sciocchetto (lead vocals, bass, guitar),
Davide Salvadori (guitar, synth), and Lorenzo Salvadori (drums). This new album, “The Garden Of Forgotten Dreams”,
revolves around the concept of the "Garden" as a metaphorical refuge
for the soul: a magical place where set-aside aspirations, forgotten dreams,
and inner lights and shadows do not wither, but remain preserved waiting to be
rediscovered. The work was produced and recorded by Matteo Barsacchi at Blotch
Recording Studio in Tuscany, mixed by Richard Behrens (Big Snuff Studio,
Berlin), and mastered by Carl Saff in Chicago. The opening track, “Cosmic Tide”, makes a huge impact,
starting from mid-tempo, rhythmic riffs of clear Stoner/Space Rock origin
before opening up into epic and psychedelic dynamics. The interplay between
synthesizers and saturated guitars creates the sensation of colliding with a
cosmic wave. The lyrics represent the initial storm surge—the external (or
internal) force that uproots the individual from daily noise and drags them to
the threshold of the "Garden." The theme is the flow of existence and
the impulse not to resist change. The sonic architecture of the title track turns
cinematic, with atmospheric synth textures and enveloping arpeggios exploding
into majestic walls of guitar. It is the conceptual heart of the album: the
entry into the place where every unexpressed desire vegetates like a silent
flower. The lyrics invite us to rediscover parts of ourselves thought to be
lost and to accept our past without regret. The vocal performance is strong,
and the bass-and-drums rhythm section proves to be well-oiled and effective. Clocking in at over seven minutes, “Bright Shadow”
plays on the balance between darkness and luminosity. The approach draws
heavily from Prog and Post-Rock, alternating hypnotic/ambient sections with
rhythmic accelerations of great melodic breath. A few splinters of Tool
effectively slice through the track. Tighter and more direct in tempo, “Astray” revives the
gritty energy of the band's Stoner/Heavy Rock period while retaining a delicate
weave of keyboards that broadens its spatiality. The text deals with
disorientation—the moment when one loses their way (literally
"astray"). It is the lyrical representation of doubt, a necessary
passage before truly finding one's inner truth. Next comes “Turn To Stone”, a highly psychedelic
movement rich in guitar echoes and vast spatiality. Here, it evokes the feeling
of petrification and paralysis in the face of pain or the judgments of the
outside world, as well as taking refuge in stillness to protect one's
fragility. Among the album's most Prog moments is “The Sunrise”,
characterized by dreamy synth and guitar work that simulates the gradual
increase of light. It is the awakening within the Garden, where night gives way
to morning and a strong sense of hope, reconciliation, and clarity regarding
one's journey is felt. Mr. Bison turn up the decibels in “River Moan”, a
track that also looks back toward their Hard Rock past, where the "moan of
the river" becomes a symbol of time flowing inexorably—carrying away the
debris of the past while also cleansing wounds. Water thus transforms into an
element of moral purification. The closing track, “Old Hue”, perfectly synthesizes
all the album's distinct souls: Stoner power, Prog sophistication, and
ambient-space scenery. The finale unfolds in a crescendo orchestrated with
great compositional maturity. One emerges from the Garden not radically
changed, but finally reconciled with the nuances of their own history. Amid walls of
guitars, symphonic keyboard architectures, and an impeccable rhythm section,
“The Garden Of Forgotten Dreams” definitively consecrates Mr. Bison among the elite
of contemporary Psychedelic Rock. An album rich in nuances, courageous in its
arrangements, and lyrically profound—to be savored all in one breath. MS
