NICOLA
LORI - Around The Earth NL
Music / Burning Shed Genere:
Art Rock / Progressive Rock Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Nel
2009 rimasi felicemente folgorato da uno dei debutti discografici italiani di
Neo Prog più interessanti che mi siano mai capitati: l’album era “Endless” e la
band portava il nome di Fjieri. La line-up era stellare, con Elio Lori (basso),
Nicola Lori (chitarra), Stefano Panunzi (tastiere), Angelo Strizzi (batteria,
percussioni), Haco (voce), Mick Karn (basso), Tim Bowness (voce), Gavin
Harrison (batteria), Richard Barbieri (tastiere), Andrea Chimenti, Peter
Chilvers, Nicola Alesini… In definitiva, una superband! La
chitarra era affidata a Nicola Lori, l’artista che oggi ci propone il nuovo
album “Around The Earth”. Anche in questo caso ci sono straordinari musicisti,
da John Mitchell (Kino, Frost*, Arena, It Bites, Asia & Lonely Robot) a
Craig Blundell (Steven Wilson, Steve Hackett, Lonely Robot), Colin Edwin (ex
Porcupine Tree, O.R.k.), Michael Bearpark (No-Man, Peter Chilvers, Tim
Bowness), Paolo Fresu (Paolo Fresu Quintet, Trio P.A.F.), Luca Calabrese
(Richard Barbieri, Grice), Nicola Alesini (David Sylvian, Claudio Lolli),
Danilo Cherni (Antonello Venditti, Goblin Rebirth), Fabio Anile (Agostino
Marangolo, Keith Lowe e Stephan Thelen), Luca Fareri e Angelo Strizzi (Fjieri). Nicola
Lori dal 2004 lavora come bassista-chitarrista-tastierista agli album solisti
di Stefano Panunzi, mentre nel 2024 esordisce da solista con “Urban Vision” (NL
Music). In
questo album, Lori espande la propria estetica musicale portando al centro un
Progressive Rock atmosferico, crepuscolare ed ermetico, viscerale e intimista.
Dal punto di vista stilistico, l'opera intreccia il Neo Prog ed eleganti trame
Art Rock con delicate parentesi ambient, venature Jazz Fusion e trame
chitarristiche liquide e fortemente evocative (con evidenti richiami alle
lezioni di David Gilmour, Robert Fripp e Steven Wilson). Lo
strumentale “Beyond The Borders” apre il disco fungendo da vera e propria
soglia sonica. Una traccia prevalentemente strumentale e introduttiva,
caratterizzata da synth analogici soffusi, arpeggi di chitarra pulita carichi
di delay e un crescendo ritmico cangiante. La chitarra solista di Lori traccia
linee melodiche malinconiche ed espanse, creando un senso di spazio infinito.
L’ascoltatore è subito rapito dalla classe del movimento, variegato e
impreziosito dagli interventi del sax. “Last
Evening” rappresenta uno dei pilastri dell'album, strutturato su un passo cadenzato
e avvolgente. Troviamo una sezione ritmica liquida su cui si innestano tappeti
di tastiere calde e un lavoro di chitarra elettrica dal fraseggio elegante, con
assoli intensi che richiamano la scuola Neoprogressiva britannica più
raffinata. Come suggerisce il titolo, la narrazione si colloca nel momento del
crepuscolo o nella consapevolezza della fine di una fase della vita. Il testo
dipinge l'immagine di un'ultima sera vissuta nella riflessione nostalgica,
sospesa tra il rimpianto di ciò che è stato e la quieta accettazione
dell'imminente oscurità o del cambiamento. Il
tono del disco si fa più scuro e teso con “Dangerous Night”; qui la
composizione fa leva su riff di chitarra più spigolosi, un basso profondo e
pulsante e dinamiche d'impatto chiaroscurali, in stile Porcupine Tree. Le
tastiere aggiungono un'atmosfera quasi da suspense-thriller, spezzando la
linearità melodica con cambi di tempo improvvisi e sovrapposizioni timbriche.
La "notte pericolosa" è una metafora delle ombre dell'anima, delle paure
irrazionali e dei dubbi che riaffiorano quando il mondo esterno tace. Il testo
esplora la sensazione di vulnerabilità, il senso di minaccia interiore e la
lotta per non farsi inghiottire dal buio della mente. Giunge
ora una parentesi di luce ed equilibrio melodico all'interno dell'opera grazie
a “My Happiness”, una ballad Art Rock ricca di pathos. Notevole la sensibilità
nell'uso delle armonie, dove la chitarra ed il sax cantano con toni caldi ed
espressivi. Ed
è la volta della title track, “Around The Earth”, composizione ad ampio respiro
dove Progressive Rock, dilatazioni ambient e passaggi sinfonici si fondono
perfettamente. I cambi di tempo, le sovrapposizioni di chitarra e synth e il
crescendo sonoro dimostrano tutta la maturità compositiva ed esecutiva di
Nicola Lori. Una vera e propria chicca. Il testo osserva il pianeta Terra da
una prospettiva rialzata e distaccata, quasi cosmica. Abbraccia una visione
olistica e filosofica, quella dell’'essere umano è solo una minima parte di un
ciclo universale. Ruotare "attorno alla Terra" diventa il simbolo del
viaggio della vita, della rotazione perenne delle emozioni e della ricerca di
un senso di appartenenza globale. Un
inizio introspettivo e psichedelico ci accoglie in “Fly Now”, una delicata
composizione supportata dal caldo suono del basso e del sax, un connubio che
sfocia nel Jazz moderno e intimistico. “Only
Words” riflette sull'inadeguatezza e sul limite del linguaggio umano attraverso
una musica spaziale e un cantato sentito e sostenuto, tutto molto fluttuante…
Space Prog! “The
Moon Rise” vede il tocco della chitarra misurato, sognante e ricco di
riverberi, mentre la chiusura dell’album è in mano a “Where Frost Remains”,
avvolgente struttura dalle tinte fortemente malinconiche ed evocative. Il
"gelo che rimane" simboleggia le cicatrici indelebili dell'anima, i
ricordi o i dolori che nemmeno il tempo riesce del tutto a cancellare. Oggi
più che mai c’è bisogno di aria nuova nel mondo del Progressive Rock, e “Around
The Earth” è un bilanciato insieme di stili che va a percorrere un nuovo
sentiero collocato al confine tra passato e presente. Grazie Nicola Lori, ci
voleva proprio! MS
Versione Inglese:
NICOLA
LORI - Around The Earth NL
Music / Burning Shed Genre:
Art Rock / Progressive Rock Format:
CD / Bandcamp – 2026
Back in 2009, I was happily blown away by one of the
most interesting Italian Neo-Prog debuts I have ever encountered: the album was
“Endless” and the band went by the name of Fjieri. The line-up was stellar,
featuring Elio Lori (bass), Nicola Lori (guitar), Stefano Panunzi (keyboards),
Angelo Strizzi (drums, percussion), Haco (vocals), Mick Karn (bass), Tim
Bowness (vocals), Gavin Harrison (drums), Richard Barbieri (keyboards), Andrea
Chimenti, Peter Chilvers, Nicola Alesini… In short, a true supergroup! Guitar duties were entrusted to Nicola Lori, the very
artist who today presents his new album “Around The Earth”. Here again, we find
an extraordinary cast of musicians, ranging from John Mitchell (Kino, Frost*,
Arena, It Bites, Asia & Lonely Robot) to Craig Blundell (Steven Wilson,
Steve Hackett, Lonely Robot), Colin Edwin (ex-Porcupine Tree, O.R.k.), Michael
Bearpark (No-Man, Peter Chilvers, Tim Bowness), Paolo Fresu (Paolo Fresu
Quintet, Trio P.A.F.), Luca Calabrese (Richard Barbieri, Grice), Nicola Alesini
(David Sylvian, Claudio Lolli), Danilo Cherni (Antonello Venditti, Goblin
Rebirth), Fabio Anile (Agostino Marangolo, Keith Lowe, Stephan Thelen), Luca
Fareri, and Angelo Strizzi (Fjieri). Since 2004, Nicola Lori has worked as a bassist,
guitarist, and keyboardist on Stefano Panunzi’s solo albums, making his own
solo debut in 2024 with “Urban Vision” (NL Music). On this album, Lori expands his musical aesthetic,
bringing to the forefront an atmospheric, twilight, and hermetic Progressive
Rock that is both visceral and intimate. Stylistically, the work weaves
Neo-Prog and elegant Art Rock textures with delicate ambient passages, hints of
Jazz Fusion, and fluid, deeply evocative guitar work (with clear nods to the
lineage of David Gilmour, Robert Fripp, and Steven Wilson). The instrumental track “Beyond The Borders” opens the
album, acting as a genuine sonic doorway. A predominantly instrumental and
introductory piece, it is characterized by soft analog synths, clean guitar
arpeggios drenched in delay, and a shifting rhythmic crescendo. Lori’s lead
guitar traces expansive, melancholy melodic lines, creating a sense of infinite
space. The listener is immediately captivated by the elegance of its movement,
which is varied and enriched by saxophone touches. “Last Evening” stands as one of the pillars of the
record, built upon a mid-tempo, enveloping groove. We find a fluid rhythm
section supporting layers of warm keyboards and elegant electric guitar
phrasing, featuring intense solos that recall the finest British
Neo-Progressive school. True to its title, the narrative is set at twilight or
within the awareness of a life phase drawing to a close. The lyrics paint the
picture of a final evening spent in nostalgic reflection, suspended between
regret for what was and a quiet acceptance of the impending darkness or change. The tone turns darker and more tense with “Dangerous
Night”; here, the composition relies on sharper guitar riffs, a deep, pulsating
bass, and stark chiaroscuro dynamics reminiscent of Porcupine Tree. The
keyboards lend an almost suspense-thriller atmosphere, breaking up melodic
linearity with sudden time signature changes and overlapping timbres. The
"dangerous night" serves as a metaphor for the shadows of the soul,
irrational fears, and doubts that resurface when the outside world falls
silent. The text explores feelings of vulnerability, an inner sense of threat,
and the struggle against being consumed by the mind's darkness. A moment of light and melodic balance arrives with “My
Happiness”, an Art Rock ballad rich in pathos. Notable for its delicate
harmonic sensitivity, both the guitar and saxophone sing with warm, expressive
tones. Then comes the title track, “Around The Earth”, a
sweeping composition where Progressive Rock, ambient expansions, and symphonic
passages blend seamlessly. Time signature shifts, layered guitars and synths,
and a building sonic peak demonstrate the full compositional and performance
maturity of Nicola Lori. A genuine gem. The text views planet Earth from a raised,
detached, almost cosmic vantage point, embracing a holistic and philosophical
vision where humanity is but a tiny fraction of a universal cycle. Orbiting
"around the Earth" becomes a symbol for life's journey, the endless
rotation of emotions, and the search for a sense of global belonging. An introspective, psychedelic opening greets us in
“Fly Now”, a delicate piece supported by the warm tones of the bass and
saxophone—a combination that flows into intimate modern jazz. “Only Words” reflects on the inadequacy and limits of
human language through spacey music and heartfelt, soaring vocals, creating a
floating atmosphere… Space Prog at its finest! “The Moon Rise” features a measured, dreamlike guitar
touch rich in reverb, while the album's closing rests in the hands of “Where
Frost Remains”, an enveloping piece with deeply melancholic and evocative hues.
The "frost that remains" symbolizes the indelible scars of the
soul—memories or pains that not even time can fully erase. Today, more than ever, the world of Progressive Rock
needs fresh air, and “Around The Earth” delivers a balanced blend of styles,
paving a new path right on the frontier between past and present. Thank you,
Nicola Lori—this was just what we needed! MS
THE
TANGENT – Was White
Knight Records Genere:
Eclectic Prog Supporto:
2CD / Bandcamp 2026
Andy
Tillison è sempre stato, nel circuito del Rock Progressivo, una mente
illuminata. Ha saputo ritagliarsi un posto d’onore fra le band più importanti
del filone grazie al suo progetto The Tangent sin dal 2002, facendo così parte
della scena più moderna e comunque attenta al passato, con tutti gli
ingredienti del caso che variano dai maestri degli anni ’70 (Emerson, Lake
& Palmer, Yes, Genesis, Gentle Giant, Pink Floyd, King Crimson) al sound
più moderno del Neo Prog, comprese le lunghe suite. Si
è sempre saputo circondare di artisti di grande valore e popolarità, rendendo
la sua proposta sempre fresca nel corso degli anni. Tuttavia non ha mai raccolto
quanto seminato, pur con album di enorme valenza compositiva, si è limitato a
far parte di un gruppo al confine fra il grande successo e la nicchia; questo è
accaduto soprattutto in Italia, dove il Rock ha sempre stentato a entrare nelle
classifiche. Con quattordici lunghi album alle spalle, compreso questo nuovo
doppio album “Was”, ha fatto sempre la gioia dei cultori più raffinati. “Was”
è un'altra perla che si contraddistingue dal piattume odierno oramai
conquistato dall’IA, un lavoro professionale e ricco di grandi spunti melodici
misti alla tecnica strumentale apportata dalla nuova band di cui si è saputo
circondare, formata da Luke Machin (già It Bites ed altri alla chitarra, cori),
John Jowitt (già IQ, Frost, Arena e molti altri al basso e cori), Theo Travis
(già Soft Machine, Gong, Tangent e molti altri al sax, flauto), Steve Roberts
(batteria, percussioni) e Rob Groucutt (già Rain, Freedom to Glide alle
tastiere e cori). Il primo CD è formato da tre brani, mentre il secondo da sei. E
proprio per dimostrare che anche oggi Tillison non si cura delle mode, apre il
doppio album con la title track di oltre ventidue minuti. Essa è classicamente
caratterizzata da dinamiche mutevoli: partenze ritmiche incalzanti guidate
dalle tastiere di Tillison, assoli di synth e organo Hammond, passaggi di sax e
flauto jazzati e stacchi sinfonici di grande respiro. Una sinfonia moderna che
potremmo oramai definire anche “New Classic”. Si riflette sul significato del
tempo trascorso e su come il mondo e le persone cambino. "Was" (ciò
che era) guarda a un'epoca passata con una combinazione di nostalgia e
disincanto, analizzando come gli ideali della giovinezza si scontrino spesso
con la realtà del presente. A seguire “Follow The River”, ballabile e dal
sentore anni ’70. Il fiume è una metafora classica del corso della vita e
invita a lasciarsi scorrere, ad accettare l'inevitabile flusso degli eventi e
la direzione che il destino prende, trovando un momento di quiete e riflessione
a metà dell'opera. La
seconda suite di venti minuti che conclude il primo CD è l’ennesima perla
sonora elegante e mutevole, ricca di buoni assoli strumentali ed eclettici.
Alterna momenti cupi e pesanti a passaggi funk fusion inattesi, cambi di tempo
complessi e intermezzi tastieristici virtuosi. “Was Not” affronta ciò che non
si è mai realizzato o ciò che è andato perduto. Il testo ha un taglio più
critico, sarcastico e politicizzato: analizza le promesse non mantenute della
società moderna, i fallimenti collettivi e le illusioni del progresso umano. Si
cambia registro nel secondo CD, a testimonianza del pozzo infinito d’idee che è
Tillison, “Ce Qu'était” è un'unica suite di quasi un'ora suddivisa in sei
movimenti, ad iniziare da “L'Aperitif”, aperta dolcemente dal pianoforte e
dall’intervento del flauto per poi mutare in sonorità Canterbury. Rappresenta
la preparazione e l'inizio del viaggio. Inquadra l'atmosfera conviviale di un
incontro, introducendo i temi della riflessione e del ricordo attorno a un
tavolo. Sale la tensione con “SteakDe Chevreuil Et Le Fermier”, e siamo sempre
nel classicismo ma stravagante, ritmato e pieno dell'ironia tipica dello stile
di Tillison. Presenta intrecci serrati tra basso e batteria, con assoli
pungenti di organo e synth in modalità EL&P. “Danse”
attinge ancora nella Scuola di Canterbury ed è raffinata oltre che
introspettiva, con un solo Jazz di chitarra elettrica assolutamente
travolgente. “La
Route Côtière” ritorna a guardarsi alle spalle, in quei suoni che negli anni
’70 hanno saputo emozionare, compresi ottimi interventi di sax e fiati.
L’andamento è mutevole pur preservando un binario sonoro di pacatezza e
serenità. “Multi
Partisanisme”, in oltre quindici minuti, mette ancora una volta in evidenza le
qualità compositive di Tillison, iniziando in maniera classica con tastiere che
evocano archi e oboe al seguito per poi voltare completamente pagina in
arrangiamenti Funky/Jazz e, ancora una volta, Canterbury sound. La
conclusione è affidata a “Laisses Moi Chanter” in The Flower Kings style, una
dichiarazione d'amore finale per la musica e per la libertà d'espressione. È il
riscatto dell'artista di fronte alle amarezze e alle trasformazioni del mondo;
la musica resta l'unico mezzo autentico per preservare la propria identità ed
esprimere ciò che è stato. Cosa
sa darci la vita per stare bene? Molte cose, tra le quali la musica, che se
saputa assimilare con il cuore e con la mente può farci stare molto meglio di
come stiamo. Ritagliatevi il tempo necessario per godere di questo mega-lavoro,
perché è terapeutico! Altro colossale tassello per il Prog moderno, grazie The
Tangent. MS
Versione Inglese:
THE
TANGENT – Was White
Knight Records Genre:
Eclectic Prog Format:
2CD / Bandcamp 2026
Andy Tillison has always been an enlightened mind
within the Progressive Rock circuit. He has managed to carve out a place of
honor among the most important bands in the genre thanks to his project The
Tangent since 2002, becoming part of the more modern scene that remains
attentive to the past, with all the necessary ingredients ranging from the
masters of the '70s (Emerson, Lake & Palmer, Yes, Genesis, Gentle Giant,
Pink Floyd, King Crimson) to the more modern Neo-Prog sound, including lengthy
epics. He has always known how to surround himself with
artists of great value and popularity, keeping his musical proposition fresh
over the years. However, he has never reaped what he sowed; despite albums of
immense compositional value, he has remained part of a group on the borderline
between big success and niche appeal. This has been especially true in Italy,
where rock has always struggled to break into the charts. With fourteen
full-length albums behind him, including this new double album “Was”, he has
consistently brought joy to the most refined listeners. “Was” is another gem that stands out from today's
flatness, which has now been conquered by AI. It is a professional work, rich
in great melodic ideas mixed with the instrumental technique brought by the new
band he has surrounded himself with, featuring Luke Machin (ex-It Bites and
others on guitar, backing vocals), John Jowitt (ex-IQ, Frost*, Arena, and many
others on bass, backing vocals), Theo Travis (ex-Soft Machine, Gong, Tangent,
and many others on sax, flute), Steve Roberts (drums, percussion), and Rob
Groucutt (ex-Rain, Freedom to Glide on keyboards, backing vocals). The first CD
consists of three tracks, while the second comprises six. And precisely to demonstrate that Tillison still
doesn't care about trends today, he opens the double album with the title
track, lasting over twenty-two minutes. It is classically characterized by
shifting dynamics: driving rhythmic starts led by Tillison's keyboards, synth
and Hammond organ solos, jazzy sax and flute passages, and expansive symphonic
breaks. A modern symphony that we could by now define as "New
Classic." It reflects on the meaning of passed time and on how the world
and people change. "Was" looks back at a bygone era with a
combination of nostalgia and disenchantment, analyzing how the ideals of youth
often collide with the reality of the present. Next up is “Follow The River”,
danceable and with a 70s feel. The river is a classic metaphor for the course
of life, inviting us to flow with it, to accept the inevitable turn of events
and the direction destiny takes, finding a moment of quiet reflection halfway
through the work. The second twenty-minute suite closing the first CD is
yet another elegant and ever-shifting sonic gem, packed with great, eclectic
instrumental solos. It alternates dark, heavy moments with unexpected
funk-fusion passages, complex time signature changes, and virtuous keyboard
interludes. “Was Not” addresses what was never realized or what has been lost.
The lyrics have a more critical, sarcastic, and politicized edge: analyzing the
unfulfilled promises of modern society, collective failures, and the illusions
of human progress. The tone shifts on the second CD, testifying to the
infinite well of ideas that is Tillison. “Ce Qu'était” is a single suite
lasting nearly an hour, divided into six movements, starting with “L'Aperitif”,
gently opened by piano and flute before shifting into Canterbury-style
textures. It represents the preparation and the start of the journey, setting
the convivial atmosphere of a gathering and introducing themes of reflection
and memory around a table. Tension rises with “Steak De Chevreuil Et Le
Fermier”, still within classicism but whimsical, rhythmic, and full of the
irony typical of Tillison's style. It features tight interactions between bass
and drums, alongside biting organ and synth solos in ELP mode. “Danse” draws once again from the Canterbury School
and is refined as well as introspective, featuring an absolutely overwhelming
jazz electric guitar solo. “La Route Côtière” returns to looking back at those
sounds that thrilled listeners in the 1970s, including excellent sax and brass
contributions. The pace is fluid and changing, while remaining on a track of
calm and serenity. “Multi Partisanisme”, at over fifteen minutes,
highlights Tillison's compositional prowess once again, starting in a classical
fashion with keyboards evoking strings and oboe, before completely turning the
page into funky/jazz arrangements and, once again, the Canterbury sound. The conclusion is entrusted to “Laisses Moi Chanter”
in The Flower Kings style, a final declaration of love for music and freedom of
expression. It represents the artist's redemption in the face of the bitterness
and transformations of the world; music remains the only authentic means to
preserve one's identity and express what once was. What can life give us to make us feel good? Many
things, including music—which, if absorbed with heart and mind, can make us
feel much better than we do. Take the time you need to enjoy this mega-work,
because it is therapeutic! Another colossal milestone for modern Prog. Thank
you, The Tangent. MS
CLIVE
NOLAN - Song Of The Winter Throne Låve
Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion Genere: Opera Rock / Progressive
Rock Sinfonico Supporto: LP / CD / Digital / DVD –
2026
Clive
Nolan è il tastierista Neo Prog per eccellenza, con una carriera alle spalle
davvero annosa iniziata negli anni ’80 con i Pendragon e tuttora in auge, a cui
sono seguiti moltissimi altri progetti come Shadowland, Arena, Strangers On A
Train, Casino, Caamora, Imaginaerium e molti altri ancora. Il suo stile
inconfondibile ha fatto scuola per altri tastieristi ed è considerato dalla
critica uno dei più ispirati compositori di opere Rock che nel tempo sono state
anche rappresentate in teatro e in costume. Questo
2026 per lui è un anno di grande ispirazione, dopo il mastodontico quadruplo CD
“The Mortal Light” che vi consiglio di ascoltare, è la volta di “Song Of The
Winter Throne (The Saga Of Hakon Hakonsson)”. L’album, suddiviso in quattordici
tracce (nel vinile ci sono quattro canzoni in più: “Strings And Necks”, “In The
Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial Mix)” e “The Narration - Fireside Mix”),
riprende le atmosfere orchestrali caratteristiche del Rock opera di Nolan,
fondendo Progressive Rock, orchestrazioni sinfoniche e narrazione epico-storica
ispirata alle saghe nordiche del Medioevo norvegese (in particolare alla storia
delle guerre civili norvegesi e alle gesta dei Birkebeiner). Il cast
partecipante è davvero spaziale e ci suonano: Clive Nolan (tastiere,
programming), Mirko Sangrigoil (batteria, chitarre), Stig André Clason
(chitarre), Morten L Clason (flauto), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa), Karl
Groom (chitarra) e Arnfinn Isaksen (basso). Al microfono cantano: Gemma Ashley
(Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie
Barnett (Freja) e Ross Andrews (narratore); in più c’è un coro di trentasette
elementi chiamato The Winter Warriors. Di
quest'opera esistono differenti versioni per collezionisti, dal CD al doppio CD
con bonus track, DVD e 2LP in versione normale e anche limitata di colore blu.
Essendo una Rock opera, ovviamente si ha la sensazione durante l’ascolto di
trovarsi davanti a un film vero e proprio, di questo oramai Nolan è un maestro
indiscusso. Il
narrato di “Born In Shadow” introduce la leggenda su tastiere oscure, arpeggi
cupi e sovrapposizioni orchestrali lente che creano un senso di presagio e gelo
nordico. “The
Woman From Varteig” è incentrato sulla figura di Inga di Varteig (madre del
futuro re Håkon Håkonsson). Il testo descrive il suo dolore, la sua
determinazione e la devozione materna nel proteggere il figlio illegittimo ed
erede al trono dalle fazioni rivali. Musicalmente si presenta altamente
melodico e struggente, focalizzato su un'orchestrazione di archi e
sintetizzatori dolci ma malinconici, con una potente linea vocale solista
femminile e drammatica per opera di Christina Both (Magenta). Si
entra nel vivo con “Wolves Gather”, dall’incedere marziale. I “lupi che si
radunano” rappresentano le fazioni nemiche (i Bagler) che danno la caccia al
piccolo erede. La metafora dei lupi incarna la spietatezza dei pretendenti al
trono rivali. Buono il duetto vocale fra Natalie Barnett e Gemma Ashley, così
come le melodie ancora una volta epiche e di facile presa emotiva. Folate
di Progressive Rock in “Flight Of The Birkebeiners”, in un incedere travolgente
che ricorda la cavalcata e il movimento di uno sciatore nella tempesta. È il
leggendario viaggio dei guerrieri Birkebeiner nel 1206, che portarono in salvo
il piccolo erede re a bordo degli sci attraverso le montagne innevate. “The
Hidden Prince”, interpretata da Ryan Morgan, è cadenzata e coralmente
affascinante, mentre il testo riflette sulla vera identità del bambino che deve
crescere in segreto, protetto e celato al mondo fino a quando non sarà pronto a
rivendicare la corona. Ed è la volta di “Ritual Of Faith”, traccia corale dal
forte sapore rinascimentale/gregoriano mescolato con tastiere Neo Prog.
Un'atmosfera solenne e sacra che riflette sul calvario della prova del ferro
infuocato (Jernbyrd) a cui la madre Inga si sottopone per dimostrare la
legittimità del sangue reale del figlio davanti alla Chiesa e ai nobili. “The
Puppet Crown” è la denuncia degli intrighi di corte dove i reggenti e i nobili
tentano di manovrare il regno utilizzando un re fantoccio prima dell'ascesa del
vero sovrano. Strumentazioni medievali si alternano alla chitarra elettrica che
richiama il sound della band Arena. Un
movimento drammatico giunge con “Fractured Throne”, fra lente ritmiche e
coralità struggenti, il tutto per descrivere al meglio il regno spaccato in due
dalla guerra civile, il caos politico e il prezzo di sangue pagato dalla
popolazione per le ambizioni dei potenti. A
questo punto giunge uno dei movimenti più incisivi dell’album, “The Sword And
The Fire”, il quale rappresenta lo scontro aperto e la battaglia decisiva. Il
fuoco e la spada diventano gli unici strumenti per purificare il regno e
forgiare la pace. Finita la battaglia, un raggio di sole e la conta dei morti
per “A Kingdom Rejoices”, un'apertura in tonalità maggiore con cornamuse,
flauti sintetici e un coro maestoso che dona una sensazione di trionfo e
sollievo. Ottimo il finale delle chitarre elettriche su cui poter ballare in
una veste tipicamente folkloristica di quei tempi. Il
re ormai insediato deve proiettare il suo potere sui mari, consolidando i
confini del regno e la flotta reale nel gelido Nord: “Storms And Wrecks” è
quindi tempestosa, ricca di dissonanze controllate, cambi improvvisi di
dinamica, tamburi rullanti e synth aggressivi. Altro
frangente ricco di coralità epiche e duetti vocali giunge dall’ottima “The King
In The Mist”, un momento di introspezione del sovrano che guarda al passato, ai
sacrifici fatti per la corona e al peso della solitudine che il potere porta
con sé. Grandioso
il finale (e non poteva essere altrimenti): “The Winter Throne” è un'esplosione
di suoni, con tutto l’armamentario in possesso di Nolan che viene esibito in
una traccia che non fa prigionieri. È il coronamento definitivo del "Trono
d'Inverno". La storia si chiude con il compimento del destino, lasciando
una legacy duratura nella storia e nel mito. In
definitiva, “Song Of The Winter Throne” è un lavoro maestoso, denso di pathos e
tecnicamente ineccepibile. Clive Nolan firma un concept album epico e
avvincente, dove narrazione storica e Neo Prog sinfonico si fondono in un
equilibrio impeccabile. Assolutamente da godere, anche per il CD2 di bonus
track che lascio a voi scoprire se siete curiosi. Magistrale! MS
Versione Inglese:
CLIVE
NOLAN - Song Of The Winter Throne Låve
Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion Genre:
Rock Opera / Symphonic Progressive Rock Format:
LP / CD / Digital / DVD – 2026
Clive Nolan is the quintessential Neo-Prog
keyboardist, with a long and distinguished career that began in the 1980s with
Pendragon and continues to thrive today, followed by numerous other projects
such as Shadowland, Arena, Strangers On A Train, Casino, Caamora, Imaginaerium,
and many more. His unmistakable style has influenced countless other keyboard
players, and critics regard him as one of the most inspired composers of Rock
operas—several of which have also been staged in theaters with full period
costumes. 2026 is turning out to be a year of great inspiration
for him: after the monumental four-CD set “The Mortal Light” (which I highly
recommend listening to), comes “Song Of The Winter Throne (The Saga Of Hakon
Hakonsson)”. Divided into fourteen tracks (the vinyl edition includes four
additional songs: “Strings And Necks”, “In The Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial
Mix)”, and “The Narration - Fireside Mix”), the album revisits the orchestral
atmospheres characteristic of Nolan’s Rock operas, blending Progressive Rock,
symphonic orchestrations, and epic-historical storytelling inspired by the
Norse sagas of medieval Norway—specifically the story of the Norwegian civil
wars and the deeds of the Birkebeiners. The line-up is truly stellar: Clive
Nolan (keyboards, programming), Mirko Sangrigoil (drums, guitars), Stig André
Clason (guitars), Morten L Clason (flute), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa),
Karl Groom (guitar), and Arnfinn Isaksen (bass). On vocals, we find Gemma
Ashley (Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie
Barnett (Freja), and Ross Andrews (narrator), joined by a 37-piece choir named
The Winter Warriors. Collector editions abound, ranging from the standard
CD to a double CD with bonus tracks, DVD, and 2LP in both standard black and a
limited blue vinyl release. Being a Rock opera, listening to it naturally feels
like watching a movie unfold before your eyes—a craft in which Nolan is now an
undisputed master. The spoken narration on “Born In Shadow” introduces
the legend over dark keyboards, somber arpeggios, and slow orchestral layers
that evoke a sense of foreboding and Nordic chill. “The Woman From Varteig” focuses on the figure of Inga
of Varteig (mother of the future king Håkon Håkonsson). The lyrics describe her
grief, determination, and maternal devotion in protecting her illegitimate son
and heir to the throne from rival factions. Musically, it is highly melodic and
poignant, built around string orchestrations and sweet yet melancholic
synthesizers, featuring a powerful and dramatic female lead vocal performance
by Christina Both (Magenta). Things get underway in earnest with “Wolves Gather”
and its martial pace. The “gathering wolves” represent the enemy factions (the
Baglers) hunting down the young heir, serving as a metaphor for the
ruthlessness of rival claimants to the throne. The vocal duet between Natalie
Barnett and Gemma Ashley works very well, as do the melodies—once again epic
and emotionally engaging. Gusts of Progressive Rock sweep through “Flight Of The
Birkebeiners”, driven by a thrilling momentum that brings to mind horseback
riders and a skier navigating a blizzard. It tells the story of the legendary
1206 journey of the Birkebeiner warriors, who carried the young royal heir to
safety on skis across snow-covered mountains. “The Hidden Prince”, sung by Ryan Morgan, is mid-tempo
and chorally captivating, with lyrics reflecting on the true identity of the
child growing up in secret—protected and hidden from the world until he is
ready to claim the crown. Next comes “Ritual Of Faith”, a choral track with a
strong Renaissance/Gregorian flavor blended with Neo-Prog keyboards. Its
solemn, sacred atmosphere mirrors the ordeal of the iron trial (Jernbyrd) that
mother Inga undergoes to prove her son's royal lineage before the Church and
the nobility. “The Puppet Crown” exposes the court intrigues where
regents and nobles attempt to manipulate the realm using a puppet king before
the rightful sovereign ascends. Medieval instrumentation alternates with
electric guitar work reminiscent of Arena's sound. A dramatic turn arrives with “Fractured Throne”,
featuring slow rhythms and poignant choral arrangements to portray a kingdom
torn apart by civil war, political chaos, and the bloody toll exacted on the
populace by the ambitions of the powerful. At this point comes one of the most striking moments
on the album, “The Sword And The Fire”, representing open conflict and the
decisive battle. Fire and sword become the sole instruments to cleanse the
kingdom and forge peace. Once the battle subsides, a ray of sunlight shines
through the body count on “A Kingdom Rejoices”, opening in a major key with
bagpipes, synthetic flutes, and a majestic choir that brings a sense of triumph
and relief. The electric guitar finale is excellent, inviting you to dance in a
style typical of folk celebrations of that era. With the king now established, he must project his
power across the seas, consolidating the kingdom's borders and royal fleet in
the frozen North: “Storms And Wrecks” is appropriately tempestuous, packed with
controlled dissonances, sudden dynamic shifts, rolling drums, and aggressive
synths. Another highlight rich in epic choral arrangements and
vocal duets comes with the excellent “The King In The Mist”, an introspective
moment for the sovereign as he reflects on the past, the sacrifices made for
the crown, and the burden of loneliness that power entails. The finale is grand (as it could only be): “The Winter
Throne” is an explosion of sound, showcasing the full range of Nolan’s musical
arsenal in a track that takes no prisoners. It is the ultimate culmination of
the "Winter Throne". The story draws to a close with destiny
fulfilled, leaving behind a lasting legacy in history and myth. Ultimately, “Song Of The Winter Throne” is a majestic
work, dense with pathos and technically flawless. Clive Nolan delivers an epic,
captivating concept album where historical storytelling and symphonic Neo-Prog
merge in flawless balance. An absolute joy to listen to, including the bonus
CD2 that I'll leave for you to explore if you're curious. Masterful!
MS
ALEX
MARI – Origins Lethal
Song / Atomic Stuff Promotion Genere: Melodic Metal / Prog Metal Supporto: Digital – 2026
Un
altro genere musicale che nel tempo non vede mai la parola fine è il Metal
melodico. Spesso a braccetto con l’AOR, oppure con il Metal Prog, ha sempre
saputo emozionare soprattutto durante i ritornelli di facile memorizzazione.
Serve anche la tecnica per esporre al meglio le composizioni, una prerogativa
che contraddistingue il Metal Prog. Alex
Mari è un vocalist e polistrumentista originario
di Ferrara ed è attivo da anni nella scena Rock, Hard Rock e Progressive italiana
e internazionale. È il frontman e cantante della band Progressive Rock Barock
Project e co-fondatore della formazione AOR/Melodic Rock, Night Pleasure Hotel.
Ha lavorato a lungo come corista e collaboratore al fianco di Michele Luppi
(Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). Nella sua attività live e di studio
vanta esibizioni e partecipazioni con fornamzioni come Secret Sphere, Markonee
e Ophiura. Con
Origins, Alex firma un'opera in cui cura personalmente voce, chitarre, basso,
tastiere, programmazioni e arrangiamenti. Alla batteria figurano Paolo Caridi
(Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) e Gianluca "Mr. Pisu"
Pisana (Night Pleasure Hotel), oltre ad ospiti come Igor Gallerani (Ophiura)
alle tastiere in “Resurrection”, Valentina Piccinini alla voce in “Visions”,
Leonardo “Big Leo” alla voce in “Ancestral Whispers” e Lisa Cavalieri D’Oro
alla voce in “Forgotten”. L'album è stato mixato e masterizzato da Roberto
Priori presso il Pri Studio di Bologna. In
realtà questo debutto discografico nasce dalla decisione di Alex di rivisitare
e trasformare i primi brani che aveva scritto tra la fine degli anni ’90 e
l’inizio degli anni 2000, mentre suonava nelle band O.D.U. e Ophiura. Non è una
semplice riedizione, bensì una vera e propria trasformazione. I brani sono
stati completamente riarrangiati, registrati ex novo e reinterpretati
attraverso un suono più maturo. Un ritorno alle origini ma senza nostalgia. Fatte
le dovute presentazioni, passiamo alla musica anticipata da tre singoli:
“Resurrection”, “Aenigma” e “Ancestral Whispers”. Si
inizia con “Back To The Origins Pt. 1”, un'intro atmosferica ed evocativa dove
le tastiere preparano l'ascoltatore all'ingresso nel disco che prosegue con
“Letters From Hell”, dall'impatto Hard & Heavy deciso, guidato da ritmiche
serrate e riff di chitarra aggressivi. La voce di Alex è quella già nota agli
amanti delle band citate, ossia pulita, malleabile e recitativa. Il brano vuole
essere un viaggio interiore nei momenti più bui dell'anima, rappresentati
simbolicamente come "lettere dall'inferno", da cui emerge la volontà
di spezzare le catene delle proprie angosce. Ed
è la volta del primo singolo “Resurrection”, melodico e dalla struttura Metal
Prog, dove la ritmica si sbizzarrisce in varianti apprezzabili. Il testo è incentrato
sul concetto di riscatto e rinascita personale: cadere, toccare il fondo e
ritrovare la forza per rialzarsi più forti di prima. Il
secondo singolo estratto “Aenigma” è caratterizzato a sua volta da cambi di
tempo, intrecci di tastiere e un lavoro di chitarra articolato. Il punto di
forza risiede nel ritornello, aperto e arioso. È una riflessione sul mistero
dell'esistenza e sulle risposte che l'uomo cerca costantemente senza mai
trovare una verità assoluta, vivendo sospeso nel dubbio. Il
terzo singolo “Ancestral Whispers” è una bellissima ballata atmosferica e
profonda, costruita su arrangiamenti di tastiere e chitarre arpeggiate,
impreziosita dal duetto vocale con Leonardo Big Leo. Ispirato al libro “Molte
Vite, Un Solo Amore” di Brian Weiss, esplora l'idea metafisica delle anime
gemelle che continuano a cercarsi e a rincontrarsi attraverso differenti epoche
ed esistenze. A
questo punto ci si catapulta dentro al mondo AOR con “Let Our Dreams Be Free”,
dove i synth sono ben presenti e richiamano le sonorità classiche degli anni
'80. Un inno alla libertà di espressione, all'importanza di inseguire le
proprie aspirazioni e di non lasciarsi imbrigliare dai condizionamenti sociali. “True
Illusion” ha un inizio introspettivo attraverso arpeggi di chitarra, tastiere e
la voce cristallina di Alex, ma a metà il ritmo parte serrato ed entra a pieno
titolo nel Metal melodico trascinante e ben arrangiato con tastiere sinfoniche.
Qui si analizza il confine ambiguo tra realtà e percezione digitale o illusoria,
ponendo l'accento su quanto spesso ci si innamori di maschere o apparenze
ingannevoli. Uno
dei pezzi che ho maggiormente apprezzato è “Visions”; curato in ogni
particolare, è complesso e sinfonico, dove la matrice Progressive dei Barock
Project emerge in modo evidente negli arrangiamenti e nei cambi di atmosfera.
La voce di Valentina Piccinini è la ciliegina sulla torta. Trattasi
dell'esperienza del sogno e della visione come chiave di lettura della realtà,
un momento in cui l'inconscio rivela desideri e paure taciute durante il
giorno. Traccia
intimista e struggente è “Forgotten”. La canzone è impostata prevalentemente su
pianoforte e voce nella prima parte, per poi emergere in un crescendo Rock
emotivo guidato da un assolo di chitarra malinconico. Dettato dalla nostalgia e
dal dolore dell'abbandono, racconta la sensazione di essere stati dimenticati
dalle persone o dai luoghi che un tempo rappresentavano "casa". Ed
è la volta di “I Am”, grintosa quanto basta e ritmata con bassi in evidenza e
un'impronta Hard Rock pura e diretta. Il testo è una dichiarazione d'identità
forte e senza filtri: l'accettazione completa di se stessi, dei propri difetti
e della propria storia, senza bisogno di scuse o approvazioni esterne. Con
“Apocalypse” si entra nel momento più epico e cupo dell'album, caratterizzato
da riff pesanti, orchestrazioni maestose e linee vocali drammatiche e teatrali.
Una metafora sul declino della società moderna, sull'isolamento emotivo e sulla
necessità di una distruzione "catartica" per poter ricostruire
qualcosa di autentico. “Back
To The Origins Pt. 2” chiude concettualmente il disco riprendendo i temi
musicali dell'introduzione, sviluppandoli in una suite strumentale di sapore
Prog Rock che riassume la palette sonora dell'opera. Ottima
anche la bonus track “Sospiri Ancestrali”, ripresa acustica di “Ancestral
Whispers” ricantata in italiano, con la partecipazione vocale di Gianluca
"Mr. Pisu" Pisana. Mantiene il tema delle vite passate e del legame
indissolubile tra le anime, trasposto nella musicalità della lingua italiana.
Bellissima. In
conclusione, “Origins” non è soltanto una prova di forza tecnica o una semplice
vetrina per le eccellenti qualità vocali di Alex Mari, ma un debutto solista
maturo, viscerale e profondamente sincero. È un lavoro organico che non si
limita a citare i grandi maestri del genere, ma che rivendica con orgoglio la
propria identità, confermando Mari come una delle voci e delle menti più
poliedriche e interessanti del panorama Rock e Metal contemporaneo. Un ascolto
raccomandato non solo agli estimatori dei Barock Project e delle sue tante
collaborazioni, ma a chiunque sia ancora alla ricerca di musica suonata con il
cuore, la pancia e un'indiscussa classe cristallina. MS
Versione Inglese:
ALEX
MARI – Origins Lethal
Song / Atomic Stuff Promotion Genre:
Melodic Metal / Prog Metal Format:
Digital – 2026
Another musical genre that never sees the end of the
line over time is Melodic Metal. Often walking hand in hand with AOR, or with
Prog Metal, it has always known how to evoke strong emotions, especially
through its catchy, memorable choruses. Excellent technical proficiency is also
required to best present these compositions—a hallmark that defines Prog Metal. Alex Mari is a vocalist and
multi-instrumentalist from Ferrara, Italy, who has been active for years in the
Italian and international Rock, Hard Rock, and Progressive scenes. He is the
lead singer and frontman of the Progressive Rock band Barock Project and
co-founder of the AOR/Melodic Rock outfit Night Pleasure Hotel. He has worked
extensively as a backing vocalist and collaborator alongside Michele Luppi
(Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). In his live and studio work, he
boasts performances and guest appearances with acts such as Secret Sphere,
Markonee, and Ophiura. With Origins, Alex delivers a work in which he personally
handled vocals, guitars, bass, keyboards, programming, and arrangements. Drums
are played by Paolo Caridi (Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) and
Gianluca "Mr. Pisu" Pisana (Night Pleasure Hotel), alongside guest
appearances such as Igor Gallerani (Ophiura) on keyboards in “Resurrection”,
Valentina Piccinini on vocals in “Visions”, Leonardo “Big Leo” on vocals in
“Ancestral Whispers”, and Lisa Cavalieri D’Oro on vocals in “Forgotten”. The
album was mixed and mastered by Roberto Priori at Pri Studio in Bologna. In truth, this debut album stems from Alex's decision
to revisit and transform the very first songs he wrote between the late '90s
and early 2000s while playing in the bands O.D.U. and Ophiura. It is no mere
reissue, but a full-fledged transformation. The tracks have been completely
rearranged, re-recorded from scratch, and reinterpreted through a more mature
sound—a return to origins, but without nostalgia. With the introductions out of the way, let's move on
to the music, which was preceded by three singles: “Resurrection”, “Aenigma”,
and “Ancestral Whispers”. It kicks off with “Back To The Origins Pt. 1”, an
atmospheric and evocative intro where keyboards prepare the listener for the
journey into the record. It continues with “Letters From Hell”, featuring a
decisive Hard & Heavy punch driven by tight rhythms and aggressive guitar
riffs. Alex's voice is the one already familiar to fans of the aforementioned
bands—clean, versatile, and theatrical. The track is intended as an inner journey
through the darkest moments of the soul, symbolically represented as
"letters from hell," from which the desire to break the chains of
one's own anxieties emerges. Then comes the first single, “Resurrection”, melodic
and built upon a Prog Metal structure, where the rhythm section delights in
engaging variations. The lyrics center on the concept of redemption and
personal rebirth: falling, hitting rock bottom, and finding the strength to
rise again stronger than before. The second single, “Aenigma”, is characterized by time
signature changes, intricate keyboard layers, and articulate guitar work. Its
strong point lies in the open, soaring chorus. It is a reflection on the
mystery of existence and the answers humanity constantly seeks without ever
finding an absolute truth, living suspended in doubt. The third single, “Ancestral Whispers”, is a gorgeous,
atmospheric, and deep ballad built around keyboard arrangements and arpeggiated
guitars, enriched by a vocal duet with Leonardo Big Leo. Inspired by Brian
Weiss's book Only Love Is Real (published in Italian as Molte Vite, Un Solo
Amore), it explores the metaphysical concept of soulmates who continue to seek
and find each other across different eras and lifetimes. At this point, we plunge straight into the world of
AOR with “Let Our Dreams Be Free”, where synths feature prominently and recall
the classic '80s sound—an anthem to freedom of expression, the importance of
pursuing one's aspirations, and refusing to be bound by social constraints. “True Illusion” opens introspectively with guitar
arpeggios, keyboards, and Alex's crystal-clear vocals, before the tempo picks
up mid-track, diving full force into driving, well-arranged Melodic Metal
topped with symphonic keyboards. Here, the ambiguous line between reality and
digital or illusory perception is analyzed, highlighting how often we fall in
love with masks or deceptive appearances. One of the tracks I appreciated most is “Visions”;
meticulous in every detail, it is complex and symphonic, where the Progressive
DNA of Barock Project clearly shines through the arrangements and atmospheric
shifts. Valentina Piccinini's guest vocals are the icing on the cake. It deals
with the experience of dreams and visions as a key to interpreting reality—a
moment when the subconscious reveals desires and fears kept quiet during the
day. An intimate and poignant track is “Forgotten”. The
song is primarily built around piano and vocals in the first half, before
rising into an emotional Rock crescendo led by a melancholy guitar solo. Driven
by nostalgia and the pain of abandonment, it tells the story of feeling
forgotten by the people or places that once felt like "home." Then comes “I Am”, punchy enough and rhythmic, with
prominent basslines and a pure, direct Hard Rock stamp. The lyrics are a bold,
unfiltered declaration of identity: full acceptance of oneself, one's flaws,
and one's story, without the need for excuses or external approval. With “Apocalypse”, we reach the most epic and dark
moment of the record, characterized by heavy riffs, majestic orchestrations,
and dramatic, theatrical vocal lines. It serves as a metaphor for the decline
of modern society, emotional isolation, and the necessity of a
"cathartic" destruction in order to rebuild something genuine. “Back To The Origins Pt. 2” conceptually closes the
album by reprising the musical themes of the intro, expanding them into a Prog
Rock-flavored instrumental suite that summarizes the album's tonal palette. Also excellent is the bonus track “Sospiri
Ancestrali”, an acoustic rendition of “Ancestral Whispers” re-sung in Italian,
featuring guest vocals by Gianluca "Mr. Pisu" Pisana. It retains the
theme of past lives and the unbreakable bond between souls, transposed into the
musicality of the Italian language. Beautiful. In conclusion, Origins is not merely a display of
technical prowess or a simple showcase for Alex Mari's stellar vocal abilities,
but a mature, visceral, and deeply sincere solo debut. It is a cohesive work
that does not settle for merely quoting the great masters of the genre, but
proudly claims its own identity, confirming Mari as one of the most versatile
and interesting voices and minds in the contemporary Rock and Metal scene. A
highly recommended listen not only for fans of Barock Project and his many
collaborations, but for anyone still searching for music played with heart,
gut, and undeniable, crystal-clear class. MS
Come
dicevano i mitici Monty Python negli anni ’70: “Ed ora qualcosa di
completamente diverso…” e da dove se non dal Canada? Qui
avviso subito tutti gli amanti del genio Frank Zappa, i Brass Camel sono per
voi! Ma c’è anche di più e lo scopriremo analizzando il loro terzo album “Brass
Camel”. Intanto
loro sono originari di Vancouver (British Columbia) e sono capitanati dal
polistrumentista, cantante e chitarrista Daniel Sveinson. Sveinson, attivo fin
da giovanissimo sulla scena rock locale (spesso definito un vero e proprio
enfant prodige della sei corde), ha fondato il progetto con la precisa
intenzione di unire la complessità formale e l'ambizione del Progressive Rock
anni '70 a ritmiche Funk, Heavy Blues e una spiccata teatralità Art Rock. La
formazione comprende Daniel Sveinson (chitarre, voce), Curtis Arsenault (basso,
voce), Aubrey Ellefson (tastiere, voce) e Wyatt Gilson (batteria e
percussioni), con gli ospiti Dylan Lammie (chitarra leslie) e Cat Madden (voce
in “What Are You Going To Do”). Non
solo Frank Zappa, il sound dei Brass Camel cita maestri del Prog come Gentle
Giant, Yes, Rush, ma anche Queen e i primi Spock’s Beard, innestando queste
strutture ritmiche complesse e i cori polifonici su intelaiature Funk e grooves
sincopati che ammiccano al Rock d'autore e alla Fusion moderna. L'intensa
attività dal vivo, con oltre 100 date all'attivo prima della pubblicazione del
disco, ha permesso al quintetto di sviluppare un'intesa dinamica e un sound
d'impronta analogica e "live in studio". Siamo
al cospetto di un concept album incentrato su un unico brano di quarantacinque
minuti suddiviso in dieci tracce a partire da “You’ve Got Time”, una
riflessione sulla percezione del tempo nella quotidianità moderna. Il testo
evidenzia il paradosso tra l'ossessione per le scadenze e lo spreco del tempo
in distrazioni superficiali, invitando a riappropriarsi del proprio tempo prima
che scada. Daniel Sveinson guida l'incipit con un riff di chitarra in tempo
dispari, supportato dal lavoro di basso di Curtis Arsenault. Le tastiere di
Aubrey Ellefson forniscono tessiture vintage, mentre l'arrangiamento vocale
sfoggia stratificazioni di controcanti e armonie polifoniche di chiarissima
estrazione Gentle Giant-iana. Uno dei punti di forza della band sono proprio le
coralità, oltre che l’interpretazione variegata e sentita, a tratti teatrale. Attaccata
prosegue il groove “What Are You Going To Do?”: qui Zappa è saccheggiato alla grande
a partire dai ritmi Funk Rock. La sezione centrale devia in tempi dispari
sincopati e incastri virtuosistici tra synth e chitarra solista prima di
esplodere nel ritornello. Una bomba sonora. Sopraggiunge
“Why Bother?”, con riferimenti ai Queen e alcuni passaggi alla Spock’s Beard.
“Can't Say We Didn't Try” è elaborata, ma la band riesce a far passare il tutto
come se fosse facile come bere un bicchiere d’acqua, e questo grazie alle doti
tecnico-strumentali a loro disposizione. Il testo tratta il resoconto di un
fallimento condiviso (una relazione, una partnership o un'impresa). Il tono non
è solo d'amarezza, ma rimarca la dignità di aver provato fino in fondo senza
risparmiare energie. In
“Ice Cold” si entra nell’Hard Prog di matrice Led Zeppelin e si affrontano il
distacco emotivo, la calcolata freddezza e l'opportunismo di certi individui
nelle dinamiche interpersonali e professionali. Il personaggio "Ice
Cold" viene ritratto con spiccata teatralità. Il
concept si spezza ed è la volta di “Careful What You Wish For”, un altro mix di
generi che in alcuni frangenti incontra le ritmiche del piano dei Supertramp.
Il pezzo è una rilettura del classico ammonimento morale sulle ambizioni
sfrenate, la conquista di ciò che si desiderava a tutti i costi spesso rivela
risvolti inattesi, problematici o distruttivi. “Everybody
Loves A Scandal” ha il profumo degli anni ’70 più ricercati ed è ancora una
volta prossima alle scelte corali e vocali in stile Zappa. Il testo vuole
essere una satira pungente nei confronti della voyeuristica attrazione della
società per i pettegolezzi, i drammi privati e il declino delle figure
pubbliche nei media e sui social network. La
band sale in cattedra strumentalmente in “Catch Us If You Can”, un'esplosione
di sonorità e scelte che a tratti riescono a spiazzare l’ascoltatore. Inno alla
libertà. In
pieno stile Brass Camel è “Last Call”, mentre la conclusiva “This Is Goodbye”
ha negli arrangiamenti di tastiera e nei tempi dilatati l’asso nella manica e
saluta l'ascoltatore, lasciando aperta la strada ai futuri sviluppi stilistici. Avete
capito bene: è un disco ricolmo di storia, strumenti, voci, melodie e
virtuosismi. Soltanto attenzione per chi non è avvezzo ai raggi di questa
musica, perché si rischia l’insolazione. MS
As the legendary Monty Python used to say back in the
’70s: “And now for something completely different…” and where else could it
come from if not Canada? Right off the bat, a heads-up to all lovers of Frank
Zappa's genius: Brass Camel are for you! But there is even more to it, as we
will discover by analyzing their third album, “Brass Camel”. Hailing from Vancouver (British Columbia), the band is
led by multi-instrumentalist, lead vocalist, and guitarist Daniel Sveinson.
Active on the local rock scene from a very young age (and often defined as a
true six-string child prodigy), Sveinson founded the project with the clear
intention of blending the formal complexity and ambition of ’70s Progressive
Rock with Funk rhythms, Heavy Blues, and a distinct Art Rock theatricality. The lineup features Daniel Sveinson (guitars, vocals),
Curtis Arsenault (bass, vocals), Aubrey Ellefson (keyboards, vocals), and Wyatt
Gilson (drums and percussion), along with guests Dylan Lammie (Leslie guitar)
and Cat Madden (vocals on “What Are You Going To Do”). It's not just Frank Zappa: Brass Camel's sound quotes
Prog masters like Gentle Giant, Yes, and Rush, but also Queen and early Spock’s
Beard, grafting these complex rhythmic structures and polyphonic vocal
harmonies onto Funk frameworks and syncopated grooves that nod to refined
songwriting and modern Fusion. Their intense live activity—with over 100 shows
under their belt prior to releasing the record—has allowed the quintet to
develop a dynamic chemistry and an analog, "live-in-the-studio"
sound. We find ourselves before a concept album centered on a
single forty-five-minute piece divided into ten tracks, starting with “You’ve
Got Time”, a reflection on the perception of time in modern daily life. The
lyrics highlight the paradox between an obsession with deadlines and wasting
time on superficial distractions, urging us to reclaim our time before it runs
out. Daniel Sveinson leads the opening with an odd-meter guitar riff, backed by
Curtis Arsenault's basswork. Aubrey Ellefson's keyboards provide vintage
textures, while the vocal arrangement showcases layers of counterpoints and
polyphonic harmonies of clear Gentle Giant descent. Indeed, one of the band's
greatest strengths lies in its vocal harmonies, as well as its varied,
heartfelt, and at times theatrical delivery. Flowing seamlessly, the groove of “What Are You Going
To Do?” takes over: here Zappa is heavily pillaged, starting right from the
Funk Rock rhythms. The midsection veers into syncopated odd time signatures and
virtuosic interchanges between synth and lead guitar before exploding into the
chorus. A sonic powerhouse. Then comes “Why Bother?”, featuring nods to Queen and
a few passages reminiscent of Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” is
elaborate, yet the band manages to make it all sound effortless, thanks to the
technical and instrumental chops at their disposal. The lyrics chronicle a
shared failure (a relationship, a partnership, or an endeavor). The tone isn't
merely bitter; it highlights the dignity of having tried all the way without
holding anything back. In “Ice Cold”, we step into Led Zeppelin-esque Hard
Prog, dealing with emotional detachment, calculated coldness, and the
opportunism of certain individuals in interpersonal and professional dynamics.
The "Ice Cold" character is portrayed with striking theatrical flair. The concept breaks, giving way to “Careful What You
Wish For”, another genre blend that in certain moments crosses paths with
Supertramp-style piano rhythms. The track is a reinterpretation of the classic
moral warning about unchecked ambitions: achieving what was desired at all
costs often reveals unexpected, problematic, or destructive consequences. “Everybody Loves A Scandal” carries the scent of the
most refined ’70s rock and once again stays close to Zappa-style vocal and
choral arrangements. The lyrics serve as a biting satire aimed at society's
voyeuristic fascination with gossip, private drama, and the downfall of public
figures across media and social networks. Instrumentally, the band puts on a masterclass in
“Catch Us If You Can”, an explosion of sound and stylistic choices that
occasionally manage to catch the listener off guard. An anthem to freedom. “Last Call” is delivered in full Brass Camel fashion,
while the closing track, “This Is Goodbye”, holds its ace in the hole with its
keyboard arrangements and spacious time signatures, bidding farewell to the
listener and leaving the door open for future stylistic developments. You heard it right: this is a record packed with
history, instruments, vocals, melodies, and virtuosity. Just a word of caution
for those unaccustomed to the rays of this music, as you might risk a sunburn. MS
