Quivira

QUIVIRA – Quivira
Melodic Revolution Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital / Bandcamp – 2026

Vista la mia età anagrafica, è chiaro che la musica anni ’70 è per me un calderone dove attingere una miriade di emozioni. Ci sono cresciuto ed è per questo che malgrado l’evoluzione della musica (a volte riuscita, a volte no) resto sempre affascinato da questo tipo di sonorità. Ascoltando i Quivira oggi, ho avuto come una sorta di immersione a ritroso nel tempo, vuoi anche per l’ospite al violino Joe Deninzon, attuale membro dei Kansas, ma andiamo con ordine:
I Quivira sono un supergruppo e progetto Prog Rock americano formato da nomi di spicco della scena progressiva, Lisa LaRue (Lisa LaRue 2KX, RematriNation, Fedrico Fantacone), compositrice, tastierista e programmazioni.  Jake Livgren (Emerald City Council, Proto-Kaw), voce e polistrumentista.  John Baker (Forever Twelve, Mars Hollow, Little Girls), chitarre, basso e voce. Sorgono con la precisa volontà di unire sonorità evocative, passaggi atmosferici e dinamiche strumentali potenti alla narrazione storica e filosofica. Il nome stesso della band e dell'opera attinge al mito storico di Quivira, una delle leggendarie città d'oro cercate nel XVI secolo dal conquistador spagnolo Francisco Vázquez de Coronado. Ciò che trovò in realtà non furono palazzi dorati, ma le immense e sterminate praterie popolate dai popoli nativi, guidato e ingannato da una guida indigena nota come "Il Turco" (The Turk).
L’album stesso, rappresenta quindi un affascinante concept che intreccia la storia dell'esplorazione coloniale, il mito, l'ossessione umana per l'ignoto e il paesaggio sconfinato delle grandi pianure americane. Il filo conduttore del progetto riflette la ricerca dell’illusione attraverso la brama d'oro e la delusione di fronte alla cruda realtà geografica ed esistenziale, ma anche il contrasto culturale con l’impatto dei conquistadores spagnoli su un territorio incontaminato e la saggezza dei nativi che vedevano nella terra un valore ben diverso dall'oro.
Come ogni concept che si rispetti, inizia con l’immancabile intro per poi iniziare a tutti gli effetti con “The Benefits Of Breathing Quietly”, brano caratterizzato da dinamiche soft con sezioni melodiche rilassanti che sfociano in aperture chitarristiche più dense. Quiete e contemplazione.
“The Plains' Truth”, “La verità delle pianure”, il deserto e le praterie non offrono oro o inganni bensì solo la dura e innegabile realtà della natura. È la resa dei conti tra l'illusione europea e la piattezza infinita e reale del paesaggio nordamericano. Sua colonna sonora i ritmi incalzanti che richiamano la durezza della terra.
Ed è la volta della bellissima “Quivira Bound”, dove le dita scorrono velocemente sulle tastiere.  Ecco gli anni ’70 a cui ho fatto riferimento, quelli solari. In fondo la musica americana è storicamente aperta a questo tipo di soluzioni, poi quel violino… Segue “Moving Forward”, dove il concetto del dover andare avanti a tutti i costi, nonostante le difficoltà, la fatica della spedizione e la perdita dei punti di riferimento originali, è ben espresso.
Tonalità evocative con richiami a scale musicali etniche e aperture psichedeliche, sorrette da una sezione ritmica cangiante per “The Turk - Follow The Wind”, la guida nativa che condusse Coronado attraverso le pianure raccontando la leggenda di Quivira, probabilmente per sviare i conquistadores e proteggere il proprio popolo. Il brano celebra l'astuzia, il vento delle pianure e la libertà di chi conosce davvero la propria terra. Altro momento stupendo arriva da “Nothing Is Everything” e dal violino, una mini suite dilatata ed epica con lunghi passaggi strumentali, assoli espressivi e un climax di grande impatto. Un'altra traccia solare è “Carved From The Sun” a tutti gli effetti, ma ecco giungere in “Kicking Rocks” una sorpresa, Evan Stanley (figlio di Paul Stanley dei Kiss) autore dei momenti salienti di chitarra. Il brano è diretto, energico e vicino all'Alternative Rock, con un groove incisivo e un'andatura ritmica quasi sbarazzina.
Spettacolare la conclusione di “Prelude To Anywhere - Weekend Conquistadors”, finale strutturato in due momenti espressivi che mettono in risalto tutte le qualità della band. Ed è la chiusura del cerchio con un tocco d'ironia moderna ("Weekend Conquistadors"). Mettere a confronto l'arroganza dei vecchi conquistatori con le ambizioni superficiali dell'uomo contemporaneo. L'album si chiude con l'idea che ogni luogo può diventare il punto di partenza per una nuova ricerca; proprio un bel messaggio.
“Quivira” è un album che non si limita a inseguire l'oro delle vecchie leggende Prog, ma che trova la sua ricchezza nella qualità pura della materia sonora. Un ascolto raccomandato a chiunque ami il Progressive d'autore narrativo ed evocativo e, quasi mi dimenticavo, il cantante Jake Livgren è il nipote diretto di Kerry Livgren (Kansas). Buona scoperta. MS 

Versione Inglese: 

QUIVIRA – Quivira
Melodic Revolution Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026

Given my age, it is clear that 70s music is for me a cauldron from which to draw a myriad of emotions. I grew up with it, and that is why, despite the evolution of music (sometimes successful, sometimes not), I remain forever fascinated by this type of sound. Listening to Quivira today felt like a plunge back in time, partly due to the guest violinist Joe Deninzon, current member of Kansas, but let’s take things in order:
Quivira are an American Prog Rock supergroup and project formed by prominent names from the progressive scene: Lisa LaRue (Lisa LaRue 2KX, RematriNation, Federico Fantacone), composer, keyboardist, and programmer; Jake Livgren (Emerald City Council, Proto-Kaw), vocals and multi-instrumentalist; John Baker (Forever Twelve, Mars Hollow, Little Girls), guitars, bass, and vocals. They emerged with the precise intent of combining evocative sounds, atmospheric passages, and powerful instrumental dynamics with historical and philosophical storytelling. The very name of the band and the work draws from the historical myth of Quivira, one of the legendary cities of gold sought in the 16th century by the Spanish conquistador Francisco Vázquez de Coronado. What he actually found were not golden palaces, but the vast and boundless prairies populated by native peoples, guided and deceived by an indigenous guide known as "The Turk".
The album itself thus represents a fascinating concept that weaves together the history of colonial exploration, myth, human obsession with the unknown, and the boundless landscape of the American Great Plains. The central theme of the project reflects the pursuit of illusion through the lust for gold and the disillusionment when facing raw geographical and existential reality, as well as the cultural clash with the impact of the Spanish conquistadors on an untouched territory and the wisdom of the natives who saw in the land a value far different from gold.
Like any respectable concept album, it begins with the inevitable intro before truly getting underway with “The Benefits Of Breathing Quietly”, a track characterized by soft dynamics with relaxing melodic sections that open up into denser guitar passages. Quiet and contemplation.
“The Plains' Truth”, “The truth of the plains”, the desert and prairies offer no gold or deceptions, only the harsh and undeniable reality of nature. It is the reckoning between European illusion and the infinite, real flatness of the North American landscape. Its soundtrack is driven by pressing rhythms that recall the harshness of the earth.
Then comes the beautiful “Quivira Bound”, where fingers glide swiftly across the keyboards. Here are the 70s I referred to—the bright, uplifting side. After all, American music is historically open to these kinds of arrangements, and then that violin… Next is “Moving Forward”, where the concept of having to push forward at all costs—despite the hardships, the exhaustion of the expedition, and the loss of original bearings—is clearly conveyed.
Evocative tones with nods to ethnic scales and psychedelic passages, supported by a shifting rhythm section for “The Turk - Follow The Wind”, the native guide who led Coronado across the plains spinning the legend of Quivira, likely to mislead the conquistadors and protect his people. The track celebrates cunning, the wind of the plains, and the freedom of those who truly know their land. Another wonderful moment arrives with “Nothing Is Everything” and its violin, an expanded and epic mini-suite with long instrumental passages, expressive solos, and a high-impact climax. Another genuinely bright track is “Carved From The Sun”, but then comes a surprise in “Kicking Rocks”: Evan Stanley (son of Paul Stanley of Kiss), who delivers the guitar highlights. The track is direct, energetic, and close to Alternative Rock, featuring an incisive groove and an almost jaunty rhythmic pace.
Spectacular is the conclusion with “Prelude To Anywhere - Weekend Conquistadors”, a finale structured in two expressive movements that highlight all the band's qualities. It brings full circle the narrative with a touch of modern irony ("Weekend Conquistadors"), contrasting the arrogance of the conquistadors of old with the superficial ambitions of contemporary man. The album closes with the idea that any place can become the starting point for a new search; a truly fine message.
“Quivira” is an album that does not merely chase the gold of old Prog legends, but finds its richness in the pure quality of the musical material itself. A recommended listen for anyone who loves narrative and evocative classic-style Progressive rock and, I almost forgot, lead singer Jake Livgren is the direct nephew of Kerry Livgren (Kansas). Happy discovering. MS

The Vicious Head Society

THE VICIOUS HEAD SOCIETY - Call Of The Void
Crime Records
Genere: Progressive Metal
Supporto: 2LP / CD / Bandcamp – 2026

Dietro il nome The Vicious Head Society c'è la mente del polistrumentista e compositore irlandese Graham Keane (originario di Kilkenny). Dopo anni trascorsi nella scena underground, Keane ha lanciato il progetto nel 2017 con l'album “Abject Tomorrow”, accostato dalla critica a colossi del metallo progressivo come Symphony X, Dream Theater e Ayreon.
Piuttosto che formare una band con una line up fissa, Keane scrive e arrangia l'intera opera per poi circondarsi di ospiti ed esecutori di altissimo livello in grado di dare forma alla sua visione musicale; un modus operandi caro ad altri grandi compositori, come Arjen Anthony Lucassen del progetto Ayreon, solo per fare un esempio.
Rispetto ai primi lavori, più legati al Prog Sinfonico e a concept sci-fi, “Call Of The Void” segna una svolta più cupa, moderna e introspettiva. Il titolo riprende il fenomeno psicologico dell'«appel du vide», il breve e inspiegabile impulso di saltare mentre si è di fronte a un precipizio, usandolo come metafora per esplorare depressione, isolamento, autodistruzione e la ricerca di una luce interiore. Per questo album Keane ha reclutato Nathan Max alla voce (capace di passare da puliti melodici a passaggi più graffianti), il virtuoso Klemen Markelj alla batteria, Matheus Manente al basso e Nahuel Ramos ai synth. Gli ospiti rispondono invece ai nomi di Paul Phillips (basso), Pat Byrne (basso), Alec Noonan (cori), Wilmer Waarbroek (voce), Bertrand Juve (sax) e Sareeta (violino).
L'album è concepito come un lungo viaggio emotivo di oltre 50 minuti, dosato sapientemente tra brani d'impatto e composizioni fiume.
“Fractured” ha chitarre a 7 corde con riff ritmici e incisivi, sorrette da synth atmosferici. La struttura alterna strofe tese a un ritornello di grande respiro melodico, un Prog Metal gradevole anche per le orecchie meno preparate al suono distorto e possente. Il testo introduce il tema della frammentazione mentale e rappresenta il momento in cui l'equilibrio interiore di una persona si spezza sotto la pressione dell'ansia e del trauma. Keane alza i toni in “The Edge Of Time”, dove la sezione ritmica sale in cattedra con continui cambi di tempo e tempi dispari, mentre le tastiere duettano con la chitarra solista.
“Holding On To Forever” presenta il lato più intimo del progetto, pur tendendo verso l’inevitabile crescendo sonoro d’impatto. Le fasi strumentali sono pulite e mai caotiche, così come le parti vocali, impreziosite da coralità ed effetti. Il brano riflette sul peso del passato e sull'incapacità di lasciar andare ricordi o legami oramai svaniti, nella disperata pretesa di rendere eterno ciò che era destinato a finire.
Tutto scorre sui binari del genere senza mai annoiare, grazie anche ad arrangiamenti ben composti. Tuttavia vorrei spendere due parole per la suite conclusiva “Distant Lights Of Home”, vera e propria gemma dell’album. Essa riesce ad alternare fasi tipiche del Prog Metal con la sinfonia e l’opera, una finestra sulla musica di grande impatto emotivo, dove non si disdegnano neppure i brevissimi interventi in growl.
Ciò che funziona in “Call Of The Void” è proprio la varietà degli intenti senza mai cadere nella trappola del già sentito, un obiettivo non semplice dato che il genere è spesso relegato alla tecnica pura e a passaggi strumentali di alta fattura ma talvolta simili tra loro… Lo hanno fatto in molti. Qui The Vicious Head Society dimostra grande attenzione e spesso ci riesce, per un risultato che ha davvero personalità. Tanta carne al fuoco, ma con sapori ben distinti e per nulla bruciati. MS

Versione Inglese:

THE VICIOUS HEAD SOCIETY - Call Of The Void
Crime Records
Genre: Progressive Metal
Format: 2LP / CD / Bandcamp – 2026

Behind the name The Vicious Head Society is the mind of Irish multi-instrumentalist and composer Graham Keane (originally from Kilkenny). After years spent in the underground scene, Keane launched the project in 2017 with the album “Abject Tomorrow”, praised by critics alongside progressive metal giants like Symphony X, Dream Theater, and Ayreon.
Rather than forming a band with a fixed line-up, Keane writes and arranges the entire work before surrounding himself with top-tier guests and performers capable of shaping his musical vision; a modus operandi dear to other great composers, such as Arjen Anthony Lucassen of the Ayreon project, just to give an example.
Compared to his earlier works, which were more tied to Symphonic Prog and sci-fi concepts, “Call Of The Void” marks a darker, more modern, and introspective turn. The title refers to the psychological phenomenon of the «appel du vide», the brief and inexplicable urge to jump when standing at the edge of a cliff, using it as a metaphor to explore depression, isolation, self-destruction, and the search for an inner light. For this album, Keane recruited Nathan Max on vocals (capable of shifting from melodic cleans to grittier passages), the virtuous Klemen Markelj on drums, Matheus Manente on bass, and Nahuel Ramos on synths. The guest list features Paul Phillips (bass), Pat Byrne (bass), Alec Noonan (backing vocals), Wilmer Waarbroek (vocals), Bertrand Juve (sax), and Sareeta (violin).
The album is conceived as a long emotional journey of over 50 minutes, skillfully balanced between hard-hitting tracks and epic, sprawling compositions.
“Fractured” features 7-string guitars with punchy, rhythmic riffs, supported by atmospheric synths. The structure alternates tense verses with a soaring, melodic chorus, delivering Prog Metal that remains enjoyable even for ears less accustomed to heavy, distorted sounds. The lyrics introduce the theme of mental fragmentation, representing the moment an individual's inner balance shatters under the pressure of anxiety and trauma. Keane steps up the intensity in “The Edge Of Time”, where the rhythm section takes center stage with constant time-signature changes and odd meters, while the keyboards duet with the lead guitar.
“Holding On To Forever” showcases the more intimate side of the project, while still building toward an inevitably powerful sonic crescendo. The instrumental sections are clean and never chaotic, much like the vocal parts, which are enriched by harmonies and effects. The track reflects on the weight of the past and the inability to let go of faded memories or bonds, in a desperate attempt to make eternal what was destined to end.
Everything flows smoothly along the genre's tracks without ever getting dull, thanks to well-crafted arrangements. However, I would like to say a few words about the closing suite “Distant Lights Of Home”, a true gem of the album. It manages to alternate classic Prog Metal sections with symphonic and operatic elements—a window into deeply impactful music where even brief growled vocals find a fitting place.
What works in “Call Of The Void” is precisely the variety of intent without ever falling into the trap of the cliché, a challenging goal given that the genre is often relegated to pure technique and high-caliber instrumental passages that can sometimes sound alike… Many have done it. Here, The Vicious Head Society demonstrates great care and often succeeds, delivering a result that truly possesses personality. Plenty of irons in the fire, but with distinct, unburnt flavors. MS

Moonrise

MOONRISE – No Rewind
Island Music Studio
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / Digital / Bandcamp – 2026

La Polonia ha sempre dimostrato di essere un'attenta ascoltatrice di Neo Prog, non a caso gruppi storici come Pendragon e molti altri hanno sempre realizzato live in questi territori, usufruendo di un nutrito pubblico di fan. Ma non sono soltanto passivi ascoltatori, basti pensare a band come Collage, Millenium, Satellite, Quidam, Riverside, Abraxas e Believe, tutte dotate di uno spiccato gusto per la melodia, oltre che di una tecnica strumentale mai fine a se stessa.
Un'altra realtà radicata nel tempo è quella di Kamil Konieczniak, polistrumentista già attivo con i Millenium, qui sotto il nome di Moonrise.
I Moonrise nascono nel 2008 a Trzebinia e, dopo il debutto acclamato con l'album “The Light Of The Moon” (2008), Konieczniak pubblica altri tre album di buona fattura atmosferica e melodica. Quello che ho sempre apprezzato di questo artista è la capacità di apportare nella propria musica un perfetto equilibrio fra passato e presente, rispettando gli insegnamenti di band come Pink Floyd, Camel e Genesis e controbilanciandoli con la propria visione, fatta di suoni moderni oggi cari a gruppi come Riverside o Steven Wilson, oltre che al classico Neo Prog anni ’80.
Per questo nuovo album intitolato “No Rewind”, l’artista beneficia della carismatica voce di Anna Batko (Hipgnosis, Albion e tRKproject), del cantante Marcin Staszek e della chitarra di Marcin Kruczek, autore di un bellissimo assolo nel brano “Friends Of Blood”.
In tutte le canzoni le atmosfere sono rilassate, per poi lanciarsi in crescendo emotivi di facile presa. Il titolo dell'album, “No Rewind” (“Senza possibilità di riavvolgere”), chiarisce il filo conduttore dell'opera affrontando la consapevolezza che il tempo scorre in una sola direzione, spingendo l'essere umano a fare i conti con scelte, errori, relazioni passate e con la ricerca di un senso nel presente.
“Two Roads” apre l’album con una progressione di tastiere atmosferiche che introducono un riff di chitarra elettrica pulito ed espressivo. Il ritmo è moderato ma incalzante, sorretto da una sezione ritmica solida che valorizza il timbro caldo di Anna Batko. L’apice lo si raggiunge nel solo di chitarra, che resta in perfetto equilibrio fra Pink Floyd e Porcupine Tree. Le due strade rappresentano le decisioni che definiscono il nostro futuro, il testo riflette sulla paura di sbagliare percorso e sulla rassegnazione nel capire che ogni scelta comporta una rinuncia irreversibile.
Siamo sempre in campo Progressive Rock, per cui non mancano le suite (o mini suite) come nel caso di “Shadows In The Dark”, apprezzabile anche per un ascoltatore di Metal Prog pur non contenendo chitarre distorte, ma ritmiche spezzate e decise. Molto bello il ritornello! Il brano affronta le paure inconsce e i dubbi che riaffiorano nei momenti di solitudine. Chiaramente esistono frangenti vicini anche al mondo dei Marillion e dei già citati Pendragon, il tutto amplificato dalla propria personale visione della musica e “Single Game” è qui a dimostrarlo. Il gioco solitario è la metafora di chi affronta la vita e i rapporti personali con egoismo, rifiutando la condivisione per paura di mettersi a nudo.
Effetti elettronici entrano a supporto di “Cheaters”, mostrandoci una visione maggiormente futuristica della musica dei Moonrise, un po' come hanno saputo fare ultimamente i connazionali Riverside. A seguire c'è “When We Played By Heart”, una ballad riflessiva ed emozionante. La strumentazione è essenziale nei primi minuti, per poi arricchirsi gradualmente con l'ingresso di un assolo di chitarra dal forte impatto emotivo, come solo questa musica sa fare. Il testo narra di un'incursione nella nostalgia dell'infanzia e della giovinezza, quando le decisioni si prendevano col cuore e non formate o filtrate dalla razionalità e dalla disillusione adulta. Dopo la breve e toccante traccia strumentale “Silent Rooms”, è la volta di “Friends Of Blood”, gemma sonora ricca di tutto quanto detto sino ad ora. Il concetto dei fratelli di sangue viene sviscerato attraverso l'esplorazione dei legami indissolubili, della lealtà e delle ferite condivise nel corso degli anni.
Chiude la suite “All About You”, una vera e propria traccia faro del Neo Prog polacco. La conclusione poetica lascia aperta una porta verso la speranza e la consapevolezza del proprio vissuto.
Per concludere, “No Rewind” rimane uno dei punti più alti della produzione di Kamil Konieczniak, un lavoro altamente raffinato e vivamente consigliato! MS

Versione Inglese:

MOONRISE – No Rewind
Island Music Studio
Genre: Neo Prog
Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026

Poland has always proven to be an attentive audience for Neo-Prog; it is no coincidence that historic bands like Pendragon and many others have frequently performed live in these territories, enjoying a sizable fan base. However, they are not merely passive listeners: just think of bands such as Collage, Millenium, Satellite, Quidam, Riverside, Abraxas, and Believe, all endowed with a striking flair for melody as well as instrumental technique that is never an end in itself.
Another long-standing fixture on the scene is Kamil Konieczniak, a multi-instrumentalist previously active with Millenium, performing here under the name Moonrise.
Moonrise was formed in 2008 in Trzebinia, and following their acclaimed debut album “The Light Of The Moon” (2008), Konieczniak released three more albums of solid atmospheric and melodic craftsmanship. What I have always appreciated about this artist is his ability to bring a perfect balance between past and present to his music, respecting the lessons of bands like Pink Floyd, Camel, and Genesis while counterbalancing them with his own vision—crafted from modern sounds reminiscent of contemporary acts like Riverside or Steven Wilson, alongside classic '80s Neo-Prog.
For this new album entitled “No Rewind”, the artist benefits from the charismatic vocals of Anna Batko (Hipgnosis, Albion, and tRKproject), singer Marcin Staszek, and the guitar work of Marcin Kruczek, who contributes a beautiful solo on the track “Friends Of Blood”.
Across all the songs, the atmospheres remain relaxed before launching into easily engaging emotional crescendos. The title of the album, “No Rewind”, clarifies the work's central theme, confronting the realization that time flows in only one direction, urging human beings to reckon with choices, mistakes, past relationships, and the search for meaning in the present.
“Two Roads” opens the album with a progression of atmospheric keyboards that introduce a clean, expressive electric guitar riff. The rhythm is moderate yet driving, supported by a solid rhythm section that enhances Anna Batko's warm vocal timbre. The climax is reached in the guitar solo, which strikes a fine balance between Pink Floyd and Porcupine Tree. The two roads represent the decisions that define our future; the lyrics reflect on the fear of taking the wrong path and the resignation of understanding that every choice carries an irreversible compromise.
We remain firmly in Progressive Rock territory, so there is no shortage of suites (or mini-suites), as in the case of “Shadows In The Dark”—a track that even Progressive Metal listeners can appreciate, despite lacking distorted guitars, thanks to its sharp, syncopated rhythms. The chorus is wonderful!
The song addresses subconscious fears and the doubts that resurface in moments of solitude. Naturally, there are passages close to the sonic world of Marillion and the aforementioned Pendragon, but everything is elevated by his personal musical vision, and “Single Game” is here to prove it. The "solitary game" serves as a metaphor for those who approach life and personal relationships with selfishness, rejecting shared intimacy out of fear of exposing themselves.
Electronic effects step in to support “Cheaters”, showcasing a more futuristic vision for Moonrise's music—much like their compatriots Riverside have done recently. Up next is “When We Played By Heart”, a reflective and moving ballad. The instrumentation remains minimal in the first few minutes before gradually building up with the entrance of a deeply emotional guitar solo, as only this genre can deliver. The lyrics tell of a journey into the nostalgia of childhood and youth, when decisions were made from the heart, unfiltered by adult rationality or disillusionment. After the brief and touching instrumental track “Silent Rooms”, comes “Friends Of Blood”, a sonic gem packed with everything discussed so far. The concept of blood brothers is explored through the lens of unbreakable bonds, loyalty, and wounds shared over the years.
Closing the album is the suite “All About You”, a true flagship track of Polish Neo-Prog. Its poetic conclusion leaves a door open to hope and the conscious acceptance of one's lived experience.
In conclusion, “No Rewind” stands as one of the highest points in Kamil Konieczniak's catalog—a highly refined effort and warmly recommended! MS

Different Light

DIFFERENT LIGHT - Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)
Shaded Moon Records
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / Digital / Bandcamp – 2026

E’ sempre appagante imbattersi con band che ancora oggi fanno musica con intelligenza, sto parlando dei storici maltesi Different Light.
Si formano verso la fine degli anni '90 su iniziativa del tastierista, cantante e compositore Trevor Tabone. Fin dagli esordi con l'album “All Modern Conveniences” (2000), il progetto ha evidenziato una forte vocazione per un Rock Progressivo elegante, figlio della tradizione britannica che varia dalle melodie trascinanti dei Marillion e dei IQ fino alle complessità strutturali di Spock's Beard e Porcupine Tree. Negli anni successivi la band ha attraversato vari cambi di formazione e un trasferimento operativo nella Repubblica Ceca (Praga), fattore che ha rigenerato il gruppo fornendo nuova linfa creativa. Con l'ingresso di musicisti del calibro del chitarrista David Bárta e del bassista Petr "Biava" Jirásko, la band trova così una straordinaria coesione tecnica. La discografia, che consiglio di andare a reperire, è formata da quattro album, dove “Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)” è il quinto sigillo da studio.
“Binary Suns (part 2)” rappresenta il naturale ed attesissimo completamento del dittico concettuale avviato nel 2020 con la prima parte. Con “Binary Suns (part 1)” la band aveva fissato standard elevatissimi di Neo Prog moderno, ricco di contrappunti melodici, passaggi sinfonici e liriche introspettive, questa seconda parte spinge ancora più oltre la frammentazione strutturale e la tensione emotiva, organizzandosi attorno a vere e proprie suite a tracce iper-articolate.
Per farvi rendere conto della complessità dell’opera vi pongo i brani e la durata:  “Mindspeaker” (20:41), “The Syncretist” (12:30), “A Fool's Errand” (7:12), “Constant Silver Lining” (10:53), “The Stalker Talks” (10:10) e “Last Call” (3:13).
La prima lunga suite “Mindspeaker”  affronta il tema della comunicazione interiore, dell'illusione e della trappola della psiche, il tutto sopra un percorso noto e caro a tutti gli amanti del Neo Prog che spazia dalle innumerevoli tastiere ai numerosi cambi umorali. Il titolo cita il famoso e nefasto sciroppo ottocentesco a base di morfina per bambini. È una metafora delle soluzioni facili e tossiche offerte dalla società per sedare il dolore emotivo. L’andamento iniziale è cadenzato in stile Beatles per poi variare in una melodia tastieristica delicata e ben eseguita dalla voce di Trevor Tabone. Molti Spock’s Beard e cavalcate sonore Genesiane a seguito. Infine la morale del brano è che nonostante il dolore, il lavoro di comprensione di sé stessi resta l'unica reale fatica fatta per amore.
La seconda suite “The Syncretist”  si apre con le immancabili tastiere synth e chitarre a seguito, immergendo l’ascoltatore negli anni ’90, quando il Neo Prog rialza la testa con band come Arena, Shadowland ed altre ancora. Qui una dura critica all'omologazione e a come le ideologie o i social privino l'individuo della propria anima originale. La chiusura è melodica e intima, un augurio sommesso e malinconico di sopravvivenza legata all’equilibrio interiore.
“A Fool's Errand” è movimentata e più solare rispetto a quanto ascoltato sino ad ora, avvicinandosi addirittura all’AOR con un bellissimo solo di chitarra elettrica.
La terza suite “Constant Silver Lining” è un'ironica riflessione sul mito moderno del vivere il proprio sogno, che spesso si rivela solo una routine patinata. Solenne l’inizio che apre la strada ad ogni ben di Dio che si può apprezzare nel Neo Prog articolato. La forza dei Different Light risiede proprio nelle belle melodie facili da ricordare e cantare assieme a loro, un fattore da non sottovalutare!
“The Stalker Talks” è un'altra gemma sonora raffinata e ben arrangiata, mentre la chiusura spetta ai tre minuti di “Last Call”, un'elegante traccia di chiusura, intima ed essenziale, guidata dal pianoforte e da una chitarra delicatissima che si spegne gradualmente. E’ “L'ultima chiamata”, il congedo dal concept album, una presa di coscienza finale e un invito a riagganciare con il mondo illusorio per tornare alla realtà.
“Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)” nel mio taccuino di viaggio, si candida a essere una delle uscite Neo Prog più intelligenti, coese e suggestive degli ultimi tempi. Un lavoro imprescindibile per chiunque consideri il Progressive Rock non come un esercizio di stile nostalgico, ma come una lente d'ingrandimento per esplorare le complessità dell'animo umano. Da avere. MS 

Versione Inglese:

DIFFERENT LIGHT - Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)
Shaded Moon Records
Genre: Neo Prog
Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026

It is always rewarding to come across bands that still make music with intelligence today, and I am speaking of the historical Maltese band Different Light.
They formed towards the end of the 90s on the initiative of keyboardist, singer, and composer Trevor Tabone. Ever since their debut with the album “All Modern Conveniences” (2000), the project highlighted a strong calling for an elegant Progressive Rock, a child of the British tradition ranging from the sweeping melodies of Marillion and IQ to the structural complexities of Spock's Beard and Porcupine Tree. In subsequent years the band went through various line-up changes and an operational relocation to the Czech Republic (Prague), a factor that regenerated the group by providing new creative fuel. With the entry of musicians of the caliber of guitarist David Bárta and bassist Petr "Biava" Jirásko, the band thus found extraordinary technical cohesion. Their discography, which I recommend checking out, consists of four albums, with “Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)” standing as their fifth studio effort.
“Binary Suns (part 2)” represents the natural and highly anticipated completion of the conceptual diptych initiated in 2020 with the first part. While with “Binary Suns (part 1)” the band had set exceptionally high standards of modern Neo Prog, rich in melodic counterpoints, symphonic passages, and introspective lyrics, this second part pushes structural fragmentation and emotional tension even further, organizing itself around true hyper-articulated multi-track suites.
To give you an idea of the complexity of the work, here are the tracks and their durations: “Mindspeaker” (20:41), “The Syncretist” (12:30), “A Fool's Errand” (7:12), “Constant Silver Lining” (10:53), “The Stalker Talks” (10:10), and “Last Call” (3:13).
The first long suite, “Mindspeaker”, addresses the theme of inner communication, illusion, and the trap of the psyche, all set over a path well-known and dear to all Neo Prog lovers, ranging from countless keyboards to numerous shifts in mood. The title cites the famous and ill-fated nineteenth-century morphine-based syrup for children. It is a metaphor for the easy, toxic solutions offered by society to dull emotional pain. The initial momentum is cadenced in a Beatles-like style, only to transition into a delicate keyboard melody well-executed by Trevor Tabone's vocals. Plenty of Spock’s Beard and Genesis-esque sonic rides follow. Ultimately, the moral of the track is that despite the pain, the work of understanding oneself remains the only true labor of love.
The second suite, “The Syncretist”, opens with the inevitable synth keyboards followed by guitars, immersing the listener in the 90s, when Neo Prog raised its head with bands like Arena, Shadowland, and others. Here lies a harsh critique of conformity and how ideologies or social media rob the individual of their original soul. The closing is melodic and intimate, a subdued and melancholic wish for survival tied to inner balance.
“A Fool's Errand” is lively and brighter compared to what has been heard so far, even approaching AOR with a beautiful electric guitar solo.
The third suite, “Constant Silver Lining”, is an ironic reflection on the modern myth of living one's dream, which often turns out to be merely a polished routine. The solemn beginning opens the way to every blessing one can appreciate in articulated Neo Prog. Different Light's strength lies precisely in their beautiful melodies, easy to remember and sing along to—a factor not to be underestimated!
“The Stalker Talks” is another refined, well-arranged sonic gem, while the closure is left to the three minutes of “Last Call”, an elegant closing track, intimate and essential, guided by piano and an extremely delicate guitar that gradually fades away. It is “The Last Call”, the farewell to the concept album, a final realization, and an invitation to disconnect from the illusory world to return to reality.
“Binary Suns (Part 2 - Alternate Reality)”, in my travel notebook, stands as a candidate for one of the most intelligent, cohesive, and evocative Neo Prog releases of recent times. An essential work for anyone who considers Progressive Rock not as a nostalgic exercise in style, but as a magnifying glass to explore the complexities of the human soul. A must-have. MS

ESP Project

ESP PROJECT – Extra Sensory Perception
Sunn Creative
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Digital / Bandcamp – 2026

Con la bella copertina di Cheryl Stringall, tornano a impreziosire la loro già ricca discografia gli  ESP Project con il nuovo album “Extra Sensory Perception”.
Nascono nel 2015 nel Regno Unito per iniziativa del compositore, chitarrista e produttore Tony Lowe e del batterista Mark Brzezicki, noto per il suo lavoro con Big Country, Procol Harum e Ultravox. Inizialmente concepiti come supergruppo Progressivo sotto la sigla ESP (Extra Sensory Progression) con il folgorante esordio “Invisible Din” (2016), che vedeva la partecipazione di nomi illustri come David Cross (King Crimson) e David Jackson (Van der Graaf Generator), il progetto ha evoluto la propria identità negli anni successivi. Grazie all'album “22 Layers Of Sunlight” (2018), il gruppo ribattezzato temporaneamente ESP 2.0, ha accolto alla voce solista Peter Coyle, celebre ex frontman del gruppo Synth Pop / New Wave The Lotus Eaters. La sua vocalità sognante, intimista e poetica è diventata il marchio di fabbrica del sound di Tony Lowe, caratterizzato da un Crossover sofisticato tra Rock Progressivo sinfonico, atmosfere Ambient, venature New Wave e arrangiamenti orchestrali di ampio respiro. 
L'album “Extra Sensory Perception”, il decimo della loro discografia, segna la riunione del triumvirato d'oro della formazione: Tony Lowe (chitarre, tastiere, basso, produzione), Peter Coyle (testi e voce solista) e Mark Brzezicki (batteria e percussioni). Un lavoro che richiama nel titolo la matrice originaria del progetto, focalizzandosi sui fenomeni della percezione extrasensoriale, la fisica quantistica, il viaggio interiore e la riconnessione spirituale con la natura.
L'esperienza parte da “Into Molecular” e viene descritta come un disciogliersi a livello molecolare, dove il corpo fisico cede il passo ad un'energia pura e fluida che si fonde con l'universo circostante. Ecco quindi che la musica è ricca di tappeti di tastiere avvolgenti e setosi, ricami di chitarra elettrica pulita e una sezione ritmica felpata guidata dalle spazzole e dai groove misurati di Brzezicki. L'arrangiamento cresce gradualmente in un climax sinfonico con sfumature orchestrali e un assolo di chitarra lirico, di chiara matrice gilmouriana.
In “Time Slips Sideways” il lavoro di basso di Lowe è rigoroso ed energico, sostenendo una melodia vocale calda e vellutata. Il tema centrale è la relatività della percezione del tempo. La mente, staccandosi dalle lancette dell'orologio, scivola in dimensioni parallele dove i ricordi, il presente e il futuro coesistono contemporaneamente.
“Imagination” invece, è una mini suite di dieci minuti dove l’inizio è affidato ad una ballata atmosferica per poi svilupparsi attraverso varie fasi dinamiche, intercalando passaggi delicati a improvvisi cambi di registro. La performance vocale di Coyle è espressiva, librandosi su un tappeto sonoro ricco di sfumature Prog e dettagli percussivi raffinati.
Il brano più conciso ed essenziale della scaletta è “A Beam Of Light” e, come suggerisce il titolo, il lirismo evoca un raggio di luce che squarcia la nebbia o l'oscurità interiore. È un inno alla speranza, all'illuminazione improvvisa e alla chiarezza d'intenti quando ci si sente smarriti nel caos quotidiano. La musica ne è perfetta colonna sonora. I restanti quattro brani proseguono su questo binario, fra alti e bassi emotivi arricchiti da passaggi Prog a tratti sognanti.
Grazie all'equilibrio tra la produzione millimetrica e multistrato di Tony Lowe, la sensibilità vocale e poetica di Peter Coyle e la pulsione ritmica inconfondibile di Mark Brzezicki, l'album evita le trappole dell'esibizionismo tecnico per focalizzarsi su atmosfere, melodia e emotività. Un'opera sofisticata, ideale per chi apprezza il Prog melodico, le sonorità Crossover e gli spazi contemplativi. Ce ne fossero di album come questo… MS

Versione Inglese:

ESP PROJECT – Extra Sensory Perception
Sunn Creative
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Digital / Bandcamp – 2026

With Cheryl Stringall's beautiful cover art, ESP Project return to embellish their already rich discography with their new album “Extra Sensory Perception”.
They were formed in 2015 in the UK on the initiative of composer, guitarist, and producer Tony Lowe and drummer Mark Brzezicki, known for his work with Big Country, Procol Harum, and Ultravox. Initially conceived as a Progressive supergroup under the acronym ESP (Extra Sensory Progression) with their dazzling debut “Invisible Din” (2016)—which featured illustrious names such as David Cross (King Crimson) and David Jackson (Van der Graaf Generator)—the project evolved its identity in the following years. Thanks to the album “22 Layers Of Sunlight” (2018), the group, temporarily renamed ESP 2.0, welcomed lead vocalist Peter Coyle, the famous former frontman of the Synth Pop / New Wave band The Lotus Eaters. His dreamy, intimate, and poetic vocals became the trademark of Tony Lowe's sound, characterized by a sophisticated Crossover between symphonic Progressive Rock, Ambient atmospheres, New Wave nuances, and sweeping orchestral arrangements.
The album “Extra Sensory Perception”, the tenth in their discography, marks the reunion of the lineup's golden triumvirate: Tony Lowe (guitars, keyboards, bass, production), Peter Coyle (lyrics and lead vocals), and Mark Brzezicki (drums and percussion). A work whose title recalls the original core of the project, focusing on the phenomena of extrasensory perception, quantum physics, the inner journey, and a spiritual reconnection with nature.
The experience starts with “Into Molecular” and is described as a dissolving on a molecular level, where the physical body gives way to a pure, fluid energy that merges with the surrounding universe. Consequently, the music is rich in enveloping, silky keyboard pads, clean electric guitar embroidery, and a plush rhythm section guided by Brzezicki's brushes and measured grooves. The arrangement gradually builds into a symphonic climax with orchestral shades and a lyrical guitar solo of clear Gilmouresque inspiration.
In “Time Slips Sideways”, Lowe's bass work is tight and energetic, supporting a warm and velvety vocal melody. The central theme is the relativity of time perception. The mind, detaching itself from the hands of the clock, slips into parallel dimensions where memories, the present, and the future coexist simultaneously.
“Imagination”, on the other hand, is a ten-minute mini-suite that opens as an atmospheric ballad before developing through various dynamic phases, alternating delicate passages with sudden shifts in register. Coyle's vocal performance is expressive, soaring over a soundscape rich in Prog nuances and refined percussive details.
The most concise and essential track on the playlist is “A Beam Of Light” and, as the title suggests, the lyricism evokes a beam of light cutting through the fog or inner darkness. It is a hymn to hope, sudden enlightenment, and clarity of intent when feeling lost in everyday chaos. The music serves as its perfect soundtrack. The remaining tracks continue along this path, through emotional highs and lows enriched by at times dreamy Prog passages.
Thanks to the balance between Tony Lowe's precise, multi-layered production, Peter Coyle's vocal and poetic sensitivity, and Mark Brzezicki's unmistakable rhythmic drive, the album avoids the traps of technical showmanship to focus on atmosphere, melody, and emotion. A sophisticated work, ideal for those who appreciate melodic Prog, Crossover sounds, and contemplative spaces. If only there were more albums like this… MS

Sandro Piras (Arcadelt) una vita per la batteria

 SANDRO PIRAS, UNA VITA PER LA BATTERIA

NONSOLO PROGROCK incontra Sandro Piras, uno dei batteristi più interessanti della scena Progressive Rock Italiana:

La tua attrazione per la musica è stata molto precoce. Come si sono sviluppate le basi della tua carriera?

Ho sviluppato una grande passione per la musica e il ritmo fin da piccolissimo; in casa avevamo tantissimi dischi di generi musicali differenti e questo mi ha permesso di apprezzare fin da subito le varie sfaccettature del mondo musicale. A 8 anni ho iniziato a studiare seriamente batteria in Sardegna, dove sono nato, dedicandomi a generi come Pop e Rock ed a più complessi come la Fusion, Jazz e Progressive. Questo studio costante mi ha permesso di salire sui primi palchi dal vivo già all'età di 11 anni, avviando così un percorso professionale che è diventato rapidamente al centro della mia vita.

A 19 anni hai fatto una scelta importante: lasciare la Sardegna e trasferirti a Roma. Com'è andato quel momento di svolta?

È stato un passaggio fondamentale. Trasferirmi a Roma mi ha permesso di immergermi in un ambiente musicale estremamente stimolante e di accedere a percorsi formativi di alto livello. In due anni ho conseguito il diploma in batteria jazz all'Università della Musica con il massimo dei voti (10/10), per poi proseguire la formazione al Saint Louis College of Music e accedere successivamente al prestigioso Conservatorio "Santa Cecilia".

Al Conservatorio "Santa Cecilia" hai studiato con maestri del calibro di Roberto Gatto ed Ettore Fioravanti. Che valore ha avuto questa formazione?

Studiare sotto la guida di maestri come Roberto Gatto ed Ettore Fioravanti è stata un'esperienza straordinaria che ha segnato profondamente la mia crescita artistica e umana. Con il Maestro Gatto ho conseguito la laurea triennale con 110/110, e con il Maestro Fioravanti la specialistica in Discipline Musicali Jazz con 110 e lode. Studiare a stretto contatto con loro mi ha aiutato ad affinare la tecnica, approfondire il linguaggio jazzistico e acquisire una consapevolezza musicale molto più profonda.

Questa preparazione si è tradotta anche nella scrittura del tuo metodo didattico, "Tecnica – Rudimenti ed applicazioni", e in diverse masterclass.

L'insegnamento è sempre stato un naturale complemento della mia attività di musicista. Ho iniziato a insegnare a 19 anni e negli anni ho curato rubriche didattiche per testate di settore come Grooveportal e Drum World. Il metodo "Tecnica – Rudimenti ed applicazioni" è nato proprio dall'esigenza di riordinare anni di studio rigoroso in un percorso chiaro e utile per gli studenti relativamente allo studio e perfezionamento della tecnica. Questa attività mi ha portato anche a tenere masterclass e in co-docenza con batteristi internazionali come John Macaluso e Mike Terrana, opportunità di confronto davvero preziose.

Arriviamo ora al tuo lavoro con la band Arcadelt, con loro hai inciso l'album "ARC8" per la Lizard Records e suonato in festival di grande rilievo. Che esperienza è stata?

Un'esperienza determinante e ricca di soddisfazioni. Il rock progressivo richiede grande precisione e sensibilità per le strutture complesse. Con l'uscita di ARC8 per la Lizard Records – un'etichetta storica per questo genere – abbiamo ricevuto una bellissima risposta sia dalla critica che dal pubblico. Portare la nostra musica dal vivo in festival dedicati come il Progressivamente Festival di Roma, il Caffeina JazzUP e il 2 Days Prog + 1 di Veruno, suonando davanti a un pubblico internazionale, è stato uno dei momenti più intensi della mia carriera.

Come session musician hai collaborato con autori come Vincenzo Incenzo e diversi altri artisti. Quali sono stati i momenti più significativi?

Ho sempre amato mettermi al servizio di progetti musicali differenti. La collaborazione con l'autore Vincenzo Incenzo e con le realtà di Fonopoli e Verba Manent mi ha dato l'opportunità di suonare in contesti di grande spessore, come la presentazione del disco di Tiziano Orecchio allo storico club "The Place" a Roma, l'evento "Fonopoli in Scena" a Lucca o la serata benefica "Notte per los Niños del Mar", dove abbiamo condiviso il palco con un grande chitarrista come Phil Palmer. Parallelamente, ho lavorato dal vivo e in studio con artisti provenienti da programmi televisivi come Amici e Saranno Famosi. Un altro momento emozionante è stato anche il potermi esibire nella prestigiosa cornice di Villa Borghese in trio Jazz.

Quali sono i tuoi prossimi passi e i progetti per il futuro?

Il mio obiettivo è espandere l'attività professionale negli Stati Uniti, dove sto attualmente definendo una serie di collaborazioni e progetti artistici. In particolare, sto strutturando opportunità di session work in studio, e come session musician. Il mercato americano rappresenta lo sbocco naturale per portare la mia esperienza in contesti internazionali di alto livello.

Versione Inglese: 

SANDRO PIRAS, A LIFE FOR THE DRUMS

NONSOLO PROGROCK meets Sandro Piras, one of the most interesting drummers on the Italian Progressive Rock scene:

Your attraction to music came very early on. How did the foundations of your career develop? I developed a great passion for music and rhythm from a very young age; at home, we had a lot of records across different genres, which allowed me to appreciate the various facets of the musical world right away. At age 8, I began studying drums seriously in Sardinia, where I was born, focusing on genres like Pop and Rock, as well as more complex ones like Fusion, Jazz, and Progressive. This constant study allowed me to step onto my first live stages at just 11 years old, launching a professional path that quickly became the center of my life.

At 19, you made an important decision: leaving Sardinia and moving to Rome. How did that turning point go? It was a fundamental transition. Moving to Rome allowed me to immerse myself in an extremely stimulating musical environment and access high-level training programs. Within two years, I earned a diploma in jazz drums from the Università della Musica with top marks (10/10), subsequently continuing my training at the Saint Louis College of Music and later entering the prestigious "Santa Cecilia" Conservatory.

At the "Santa Cecilia" Conservatory, you studied under masters of the caliber of Roberto Gatto and Ettore Fioravanti. What value did this training have? Studying under the guidance of masters like Roberto Gatto and Ettore Fioravanti was an extraordinary experience that deeply marked my artistic and personal growth. Under Master Gatto, I earned my bachelor's degree with 110/110, and under Master Fioravanti, my master's degree in Jazz Musical Disciplines with 110 cum laude. Studying in close contact with them helped me refine my technique, deepen my jazz vocabulary, and gain a much deeper musical awareness.

This preparation also translated into writing your instructional method, "Technique – Rudiments and Applications," and conducting various masterclasses. Teaching has always been a natural complement to my work as a musician. I started teaching at age 19, and over the years, I've curated educational columns for industry publications like Grooveportal and Drum World. The method "Technique – Rudiments and Applications" was born out of the need to organize years of rigorous study into a clear, useful path for students regarding the study and refinement of technique. This activity also led me to lead masterclasses, including co-teaching alongside international drummers like John Macaluso and Mike Terrana—truly invaluable opportunities for exchange.

Let's talk about your work with the band Arcadelt. With them, you recorded the album "ARC8" for Lizard Records and performed at major festivals. What was that experience like? A defining experience, rich with satisfaction. Progressive rock demands great precision and sensitivity for complex structures. With the release of ARC8 through Lizard Records—a landmark label for this genre—we received a wonderful response from both critics and the public. Bringing our music live to dedicated festivals such as the Progressivamente Festival in Rome, Caffeina JazzUP, and the 2 Days Prog + 1 in Veruno, playing in front of an international audience, was one of the most intense moments of my career.

As a session musician, you've collaborated with songwriters like Vincenzo Incenzo and various other artists. What were the most significant moments? I've always loved putting myself at the service of different musical projects. Collaborating with songwriter Vincenzo Incenzo and organizations like Fonopoli and Verba Manent gave me the opportunity to perform in high-profile contexts, such as the presentation of Tiziano Orecchio's album at the historic club "The Place" in Rome, the "Fonopoli in Scena" event in Lucca, or the charity evening "Notte per los Niños del Mar," where we shared the stage with a great guitarist like Phil Palmer. In parallel, I've worked live and in the studio with artists from TV shows like Amici and Saranno Famosi. Another thrilling moment was performing in the prestigious setting of Villa Borghese in a Jazz trio.

What are your next steps and plans for the future? My goal is to expand my professional activity to the United States, where I am currently finalizing a series of artistic projects and collaborations. In particular, I am structuring opportunities for studio session work as a session musician. The American market represents the natural outlet to bring my experience into high-level international contexts.