Simone Cozzetto

SIMONE COZZETTO - Glass Cradle
Sincom Music
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

In questi ultimi anni, il genere Progressive Rock ha dedicato molta attenzione al problema dell’incomunicabilità umana, nonostante ci troviamo in un’era tecnologica che consente di comunicare con tutti. Molti sono i dischi al riguardo e anche il polistrumentista Simone Cozzetto sente di dover dire la sua in questo nuovo concept intitolato “Glass Cradle”. Il protagonista non riesce ad emergere e si crea una culla di vetro che è sia una protezione, sia, al tempo stesso, la sua prigione.
Con base a Roma, Cozzetto nasce nel 1991 e durante la sua carriera artistica vanta numerose collaborazioni importanti con artisti del calibro di Kee Marcello (ex Europe), Ludovico Piccinini (Cherry Five), Durga McBroom (Pink Floyd) e William Stravato. Ha rilasciato quattro album in studio: “Wide Eyes” (Goodfellas – 2016), “The Weight Of The Wind” (Sincom Music – 2020), “Oblivion” (Simone Cozzetto Sincom Music – 2023) e “Le Miroir” (Sincom Music – 2023).
In questo nuovo album, formato da sette canzoni, si avvale della collaborazione di altrettanti artisti noti nell’ambito, che rispondono ai nomi di Roberto Tiranti (Labyrinth) alla voce, Michael Trew alla voce, Frank Marino alla chitarra, Germana Noage alla voce, Ivo Di Traglia alla batteria, Massimo Pieretti alle tastiere, Matteo Palladini a chitarra e basso, Francesco Proietti e Alex Mevi agli strumenti vari.
Cozzetto nella sua musica fa largo uso di tempi dispari e strutture non lineari che richiamano i grandi maestri del genere, ma con un tocco fresco e moderno, dove la firma stilistica rimane la pulizia del fraseggio. Anche nei momenti più veloci e tecnici, la melodia non viene mai sacrificata in favore del virtuosismo fine a se stesso.
“Praetextum” è l’intro, dove il termine latino non è stato scelto a caso, il brano funge da velo sonoro, un’esplorazione di ciò che sta "davanti" alla verità o che serve da giustificazione alle nostre azioni. L’assolo di chitarra mette in cattedra il musicista, palesando tutte le sue ottime qualità tecniche.
La title track a seguire gode di un suono pulito e quasi liquido, disegnando arpeggi che richiamano la trasparenza del vetro citato nel titolo. In questa fase, la sensazione è quella di una fragile stasi.
Essendo in ambito Progressive Rock, ecco la prima mini suite dell’album intitolata “Isolation”, in questo brano Simone Cozzetto abbandona i grandi arrangiamenti stratificati per esplorare una dimensione più intima, quasi claustrofobica. È il pezzo che meglio cattura il senso di alienazione che può derivare dalla tecnologia o dal distacco emotivo. Il brano poggia su un loop di chitarra molto scarno, quasi ipnotico, che crea una sensazione di circolarità. È l'idea del pensiero che torna sempre su se stesso quando si è soli. Nuovamente la chitarra elettrica spazia sul pentagramma rilasciando grandi emozioni care soprattutto agli amanti dei Pink Floyd, specialmente nel finale.
In “No Way” i movimenti sono energici, prossimi al Progressive Metal e all’Hard Rock. Mentre il resto del disco gioca sulla trasparenza e la fragilità, “No Way” rappresenta il momento in cui il vetro della culla subisce un impatto violento. È la negazione del limite, il rifiuto di restare confinati in uno schema prestabilito. Ottima la prova vocale di Germana Noage e l’uso dei synth da parte di Massimo Pieretti.
È a questo punto che giunge l’opera cardine dell’intero album, ossia la suite di quasi venti minuti “The Sphinx”. Il riferimento alla Sfinge non è puramente estetico, perché la struttura del brano ricalca l'idea dell'enigma. È una suite divisa in più sezioni connesse tra loro, che richiede all'ascoltatore attenzione e abbandono. Si possono incontrare aperture Folk date dal flauto oppure parti psichedeliche e tutto quello che il Progressive Rock ha saputo insegnarci nel tempo. La bravura di Cozzetto sta proprio nel far propria questa esperienza, rielaborandola con la propria personalità. In “The Sphinx” c'è un dialogo paritario tra basso, batteria e tastiere, ed è il momento dell'album in cui la band respira come un unico organismo.
In “Embers” il suono si fa dilatato, ragionato, quasi crepuscolare. Le linee melodiche tendono a scendere verso il basso, come cenere che si deposita, trasmettendo un senso di rassegnazione serena piuttosto che di tristezza.
La chiusura spetta a “Framed”, una ballata Progressive Metal in cui Cozzetto usa molto lo staccato, e qui le note sono brevi, nitide, come pennellate decise su una tela. Splendido il finale.
“Glass Cradle” è quindi un prisma sonoro dove la forza del Prog incontra la fragilità del vetro, trasformando ogni nota in un riflesso sospeso tra sogno e realtà. Godibilissimo! MS

Versione Inglese: 

SIMONE COZZETTO - Glass Cradle
Sincom Music
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

In recent years, the Progressive Rock genre has dedicated much attention to the issue of human isolation, despite being in a technological era that allows us to communicate with everyone. There have been many records on this subject, and multi-instrumentalist Simone Cozzetto also feels the need to have his say in this new concept entitled “Glass Cradle.” The protagonist is unable to emerge and creates a glass cradle for himself, which is both a protection and, at the same time, his prison.
Based in Rome, Cozzetto was born in 1991 and, during his artistic career, has boasted numerous important collaborations with artists of the caliber of Kee Marcello (ex-Europe), Ludovico Piccinini (Cherry Five), Durga McBroom (Pink Floyd), and William Stravato. He has released four studio albums: “Wide Eyes” (Goodfellas – 2016), “The Weight Of The Wind” (Sincom Music – 2020), “Oblivion” (Simone Cozzetto Sincom Music – 2023), and “Le Miroir” (Sincom Music – 2023).
In this new album, consisting of seven songs, he makes use of the collaboration of as many well-known artists in the field, including Roberto Tiranti (Labyrinth) on vocals, Michael Trew on vocals, Frank Marino on guitar, Germana Noage on vocals, Ivo Di Traglia on drums, Massimo Pieretti on keyboards, Matteo Palladini on guitar and bass, and Francesco Proietti and Alex Mevi on various instruments.
In his music, Cozzetto makes extensive use of odd time signatures and non-linear structures that recall the great masters of the genre, but with a fresh and modern touch, where his stylistic signature remains the clarity of his phrasing. Even in the fastest and most technical moments, melody is never sacrificed in favor of virtuosity for its own sake.
“Praetextum” is the intro, where the Latin term was not chosen by chance; the track serves as a sonic veil, an exploration of what stands "before" the truth or serves as a justification for our actions. The guitar solo puts the musician center stage, revealing all his excellent technical qualities.
The title track follows, boasting a clean and almost liquid sound, weaving arpeggios that recall the transparency of the glass mentioned in the title. In this phase, the feeling is one of a fragile stasis.
Being in the Progressive Rock realm, here is the album's first mini-suite entitled “Isolation”; in this track, Simone Cozzetto abandons large, layered arrangements to explore a more intimate, almost claustrophobic dimension. It is the piece that best captures the sense of alienation that can derive from technology or emotional detachment. The song rests on a very sparse, almost hypnotic guitar loop that creates a feeling of circularity. It is the idea of thought constantly returning to itself when one is alone. Once again, the electric guitar roams across the staff, releasing great emotions especially dear to Pink Floyd fans, particularly in the finale.
In “No Way,” the movements are energetic, close to Progressive Metal and Hard Rock. While the rest of the record plays on transparency and fragility, “No Way” represents the moment when the glass of the cradle undergoes a violent impact. It is the negation of limits, the refusal to remain confined within a pre-established scheme. The vocal performance by Germana Noage and the use of synths by Massimo Pieretti are excellent.
It is at this point that the cornerstone of the entire album arrives: the nearly twenty-minute suite “The Sphinx.” The reference to the Sphinx is not purely aesthetic, because the structure of the piece reflects the idea of the enigma. It is a suite divided into several interconnected sections, requiring attention and surrender from the listener. One encounters Folk openings provided by the flute, or psychedelic parts and everything that Progressive Rock has taught us over time. Cozzetto's skill lies precisely in making this experience his own, reworking it with his own personality. In “The Sphinx,” there is an equal dialogue between bass, drums, and keyboards, and it is the moment in the album where the band breathes as a single organism.
In “Embers,” the sound becomes dilated, reasoned, almost twilight-like. The melodic lines tend to descend, like settling ash, conveying a sense of serene resignation rather than sadness.
The closing falls to “Framed,” a Progressive Metal ballad in which Cozzetto makes extensive use of staccato; here the notes are short and sharp, like decisive brushstrokes on a canvas. The finale is splendid.
“Glass Cradle” is therefore a sonic prism where the power of Prog meets the fragility of glass, transforming every note into a reflection suspended between dream and reality. Highly enjoyable! MS

 

 

 

Atabasca

ATABASCA – Atabasca
Killer Groove Records
Genere: Jazz-Funk / World Music / Psichedelico
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Gli Atabasca sono di Roma, attivi individualmente da oltre vent'anni sia sulla scena nazionale che internazionale. I tre musicisti Luca Mongia (chitarra, tasiere, voce), Paolo Mazziotti (basso, tasiere, voce), e Valerio Pompei (batteria, kalimba, voce) si sono uniti nel 2023 per creare un progetto che fonde esperienza, sperimentazione e libertà creativa. Il loro è un approccio aperto che lavora molto sull’improvvisazione, timbri acustici/elettronici e paesaggi sonori rarefatti.
Cosi’ descrivono gli artisti stessi il loro progetto: “Come un deserto che fiorisce tra le foreste sempreverdi dell'estremo nord del pianeta, un ambiente unico, alieno e dirompente.”.
Questo debutto s’intitola proprio “Atabasca” e contiene dieci brani che conducono in un percorso cinemantico in cui Funk, Psichedelia e Art Rock si fondono in una narrazione senza tempo sospesa tra ritmo e visione.
"Dune" è il brano manifesto degli Atabasca, estratto come primo singolo ed è la traccia che apre il disco. Parte con un’armonia ombrosa e malinconica su cui si posa una melodia di chitarra/breath soffiata fragile e sospesa. Il mood è intimo, rarefatto, quasi ECM. Il fischio di fondo relega il pezzo nell’ambiente cinematografico prossimo agli anni ’70. Il pezzo registrato in presa diretta in studio (come tutto l’album), prende il nome da un luogo reale, caro e familiare al trio. Diventa metafora di un territorio interiore fatto di attesa, movimento e trasformazione.
“Kundela Mawedi” ha un fascino senza tempo, la chitarra slide ne è la protagonista nella melodia gradevole e delicata.
“Paco” è ambientato in una scena Western  con basso e batteria molto secchi, che avanzano tipo cavalcata. Ancora gli anni ’70 si palesano grazie a lap steel e chitarra elettrica con riverbero alla Morricone.
Cambio di atmosfere in “Cameo”, attraverso un pattern ritmico leggero, sincopato, che richiama le musichette da carillon o le scatole musicali, dove il timbro cristallino della kalimba/piano a pollice dà quel senso di innocenza e nostalgia.
Si ritorna nel western con “Cacopulos”, in cui il titolo è un riferimento diretto al cinema: Eli Wallach nei panni di Cacopoulos nel film “I quattro dell’Ave Maria / Ace High” del 1968, spaghetti western di Giuseppe Colizzi con Terence Hill e Bud Spencer. Valerio Pompei pesta secco, tamburi molto presenti, quasi tribali. Teso, polveroso, incalzante, è il groove più dritto e aggressivo dell’album.
Ed è la volta di “Khettara”, il titolo viene da “khettara” / “qanat”, gli antichi sistemi di canali sotterranei usati in Nord Africa e Medio Oriente per portare acqua nel deserto. È già un indizio sul mood del brano. Il ritmo diventa ipnotico e circolare mentre Luca Mongia usa lap steel e chitarra con scale arabe/frigie, riverberi e delay che evocano il deserto. Prosegue il cammino in America con “Hell Dorado”, dove il titolo gioca con “El Dorado”, il mitico paese dell’oro, trasformandolo in “Hell Dorado” = l’inferno dorato. Questa è la loro lettura strumentale del sogno americano, ossia corsa all’oro, miraggi, velocità, eccesso. Dopo i deserti mediorientali di “Khettara”, qui si parte a tutta verso ovest. Il pezzo è il più Funk dell’album dove il basso di Paolo Mazziotti è in primo piano, sincopato e ciclico, con la batteria di Valerio Pompei che spinge dritta. “Funk-fueled” appunto.
In “Papambra” si possono apprezzare poliritmie, il cuore del pezzo sono gli incastri ritmici. La batteria di Valerio Pompei lavora per accenti spostati, mentre basso e chitarra costruiscono pattern che si incrociano ma non si pestano mai. Notturno, sospeso e ipnotico, il brano ha la kalimba che elargisce timbri cristallini, africani, da scatola musicale. Dal canto suo, il lap steel di Luca Mongia risponde con glissati liquidi e riverberati per un effetto finale meditativo.
A questo punto il pezzo conclusivo che s’intitola “Reprise”, lo si può ascoltare solamente nella versione digitale dell’album tratto da Bandcamp.
Di “Atabasca” esistono quindi più versioni, sia in CD che LP.
Atabasca è un atlante sonoro in presa diretta, dieci cartoline strumentali dove il deserto incontra la giungla, lo spaghetti western abbraccia l’afrobeat, e il silenzio vale quanto una nota.
Un film senza immagini, suonato dal vivo nel punto esatto dove Morricone incontra Khruangbin. MS

Versione Inglese:

ATABASCA – Atabasca
Killer Groove Records
Genre: Jazz-Funk / World Music / Psychedelic
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

Atabasca are from Rome, individually active for over twenty years on both the national and international scenes. The three musicians Luca Mongia (guitar, keyboards, vocals), Paolo Mazziotti (bass, keyboards, vocals), and Valerio Pompei (drums, kalimba, vocals) came together in 2023 to create a project that merges experience, experimentation, and creative freedom. Theirs is an open approach that leans heavily on improvisation, acoustic/electronic timbres, and rarefied soundscapes.
This is how the artists themselves describe their project: “Like a desert blooming within the evergreen forests of the planet’s far north, a unique, alien, disruptive environment.”
This debut is titled Atabasca and contains ten tracks that lead you through a cinematic journey where Funk, Psychedelia, and Art Rock fuse into a timeless narrative suspended between rhythm and vision.
“Dune” is Atabasca’s manifesto track, released as the first single and the album opener. It starts with a shadowy, melancholic harmony over which a fragile, suspended breath/guitar melody settles. The mood is intimate, rarefied, almost ECM. The background whistle places the piece in a cinematic space close to the 1970s. The track, recorded live in the studio (like the entire album), takes its name from a real place, dear and familiar to the trio. It becomes a metaphor for an inner territory made of waiting, movement, and transformation.
“Kundela Mawedi” has a timeless charm; the slide guitar leads with a pleasant, delicate melody.
“Paco” is set in a Western scene with very dry bass and drums that advance like a horseback ride. The ’70s reappear again thanks to lap steel and electric guitar with Morricone-style reverb.
The atmosphere shifts in “Cameo,” through a light, syncopated rhythmic pattern that recalls music-box or carillon tunes, where the crystalline timbre of the kalimba/thumb piano adds a sense of innocence and nostalgia.
We return to the western with “Cacopoulos,” whose title is a direct cinema reference: Eli Wallach as Cacopoulos in the 1968 spaghetti western I quattro dell’Ave Maria / Ace High by Giuseppe Colizzi with Terence Hill and Bud Spencer. Valerio Pompei hits hard, drums very present, almost tribal. Tense, dusty, driving—it’s the straightest, most aggressive groove on the album.
Then comes “Khettara.” The title comes from “khettara” / “qanat,” the ancient underground canal systems used in North Africa and the Middle East to bring water to the desert. It’s already a clue to the track’s mood. The rhythm becomes hypnotic and circular while Luca Mongia uses lap steel and guitar with Arabic/Phrygian scales, reverbs, and delays that evoke the desert.
The journey continues to America with “Hell Dorado,” where the title plays on “El Dorado,” the mythical city of gold, turning it into “Hell Dorado” = the golden hell. This is their instrumental reading of the American dream: gold rush, mirages, speed, excess. After the Middle Eastern deserts of “Khettara,” here we take off full speed toward the west. The piece is the funkiest on the album, with Paolo Mazziotti’s bass front and center, syncopated and cyclical, and Valerio Pompei’s drums pushing straight ahead. “Funk-fueled,” indeed.
In “Papambra” you can appreciate polyrhythms; the heart of the piece is the rhythmic interplay. Valerio Pompei’s drums work with displaced accents, while bass and guitar build patterns that intersect without ever stepping on each other. Nocturnal, suspended, and hypnotic, the track features the kalimba delivering crystalline, African, music-box timbres. Luca Mongia’s lap steel answers with liquid, reverberated glissandos for a final meditative effect.
At this point, the closing piece titled “Reprise” can only be heard on the digital version of the album from Bandcamp.
So, multiple versions of Atabasca exist, both on CD and LP.
Atabasca is a live-recorded sonic atlas: ten instrumental postcards where desert meets jungle, spaghetti western embraces afrobeat, and silence is worth as much as a note.
A film without images, played live at the exact point where Morricone meets Khruangbin. MS

Malesh

MALESH - To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels
Autoproduzione
Genere: World Doom Progressive
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

I Malesh sono una delle realtà più intriganti e fuori dagli schemi del panorama alternativo italiano contemporaneo. Nati come un progetto devoto alla sperimentazione sonora, hanno saputo evolversi in un collettivo capace di fondere Art-Rock, Psichedelia e influenze World Music.
Con base a Roma, il loro album debutto "Hermitage" è stato rilasciato a ottobre 2020, mentre nel novembre 2021 è la volta di  “La Danse Des Heures”.
L’ensemble è composto da Pablo Monterisi (chitarra, basso, mandolino, flauto, piano, tastiere, voce) e Martino Petrella (chitarra, basso, balalaika, mandolino, xilofono, voce), con Leonardo Pucci (batteria) e Damiano Tata (samples).
In questo nuovo album “To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels”, Il titolo cita la "Nubicuculia" (Cloud-Cuckoo Land) di Aristofane, un regno sospeso tra cielo e terra, ma lo rielabora in chiave moderna. Le "Color Wheels" (ruote dei colori) rappresentano il movimento ciclico, la percezione visiva che diventa suono.
"In Wanton Arethusa's Azur'd Armes" è l’incantesimo d’apertura del disco, un brano che agisce come una soglia magica tra la realtà e il mondo onirico dei Malesh. Con i suoi 3 minuti e 33 secondi (una durata quasi simbolica, perfetta nella sua brevità), non cerca la progressione epica del brano successivo, ma serve a resettare l'udito dell'ascoltatore. Citazioni barocche e mitologiche, richiamano la ninfa Aretusa (simbolo di trasformazione e d'acqua che scorre sotterranea per poi riemergere) e sembra rubato a un verso di fine '500.
“The Wyrd Canticle” invece non segue una progressione lineare, ma sembra avvitarsi su se stesso. Inizia con un fraseggio ipnotico, quasi un mantra, che cresce lentamente attraverso strati di feedback e percussioni. Perfettamente incastonato nel contesto il flauto che riporta ad ambientazioni pastorali in stile vecchi Genesis.
Segue “Old New Sun”, il titolo è un ossimoro perfetto che suggerisce qualcosa di ciclico, un sole che è "antico" perché eterno, ma "nuovo" ogni volta che sorge. Coralità rilassanti accompagnano questo momento acustico in un mare di quiete dove la chitarra è protagonista assieme allo xilofono.
In “Archimandrite's Cantharus” persiste una densità quasi claustrofobica, in esso c'è un senso di riverbero che suggerisce le pareti di pietra di un monastero o di una cripta. La musica avanza con un incedere processionale, lento ma inesorabile. Intorno alla metà del brano, la tensione accumulata si rompe. Quel "capo dell'ovile" (l'Archimandrita) sembra perdere il controllo della sua cerimonia. Le chitarre si fanno più pesanti e noise, trasformando la preghiera in un baccanale elettrico. È uno dei momenti più fisici e violenti di tutto l'album.
Invece “Erasering” è il momento più enigmatico e destrutturato dell'intero disco. Con una durata breve rispetto ai brani che lo precedono, agisce come un buco nero sonoro, un atto di sabotaggio intenzionale che la band compie sulla propria stessa opera. L'ascolto è volutamente disturbante. Crea un senso di vuoto e di attesa, ed  è quella sensazione che si prova quando si cerca di ricordare un sogno che sta svanendo.
“Tarahumara/Rere Beteame” è un binomio potente: i Tarahumara (o Rarámuri) sono il popolo del Chihuahua celebre per la resistenza sovrumana nella corsa, mentre "Rere Beteame" è un'espressione che rimanda alla profondità della terra o a chi "vive sotto". Il pezzo è costruito su una pulsazione percussiva incessante e ipnotica. Non è un tempo Rock standard, ma un battito che imita la corsa di lunga durata, quella trance cinetica tipica dei Tarahumara. È un brano che non sembra voler arrivare a una meta, ma celebra l'atto stesso del muoversi. I Malesh qui usano strumenti che suonano organici e legnosi. Si sentono echi di flauti processati e corde che vibrano come se fossero fatte di tendini, il tutto immerso in un soundscape che evoca il calore allucinogeno del deserto.
Ed è il momento di “Piroga”, musicalmente, il pezzo è costruito su un tempo dondolante, dove le chitarre dei Malesh abbandonano ogni spigolosità.
La title track “To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels” è una suite tripartita con tutte le carte che la band si trova in mano. Inizio ipnotico addolcito dal flauto, per poi passare nella ruota dei colori dove ogni strumento ne rappresenta uno diverso. Il finale è una lenta caduta libera, dove la frenesia si placa e rimane un tappeto malinconico.
La chiusura spetta a “Hay Bale Hymn” e come suggerisce il termine "Hymn", il tono è solenne ma spogliato di ogni artificio. Il pezzo è degno termine per uno spiraglio di luce e prosperità in cui il folclore prende campo.
In conclusione, i Malesh dimostrano con “To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels” di essere una realtà dalla forte personalità in cui i suoni prendono il posto delle parole. Da seguire attentamente.  MS 

Versione Inglese: 

MALESH – To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels
Self-produced
Genre: World Doom Progressive
Format: CD / Bandcamp – 2026

Malesh are one of the most intriguing and unconventional acts on the contemporary Italian alternative scene. Born as a project devoted to sonic experimentation, they've evolved into a collective capable of fusing Art-Rock, Psychedelia, and World Music influences.
Based in Rome, their debut album Hermitage was released in October 2020, followed by La Danse Des Heures in November 2021.
The ensemble consists of Pablo Monterisi (guitar, bass, mandolin, flute, piano, keyboards, vocals) and Martino Petrella (guitar, bass, balalaika, mandolin, xylophone, vocals), with Leonardo Pucci (drums) and Damiano Tata (samples).
On this new album To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels, the title references Aristophanes’ "Nephelococcygia" (Cloud-Cuckoo Land), a realm suspended between heaven and earth, but reworks it with a modern twist. The "Color Wheels" represent cyclical motion, visual perception turned into sound.
"In Wanton Arethusa's Azur'd Armes" is the album’s opening spell, a track that acts as a magical threshold between reality and Malesh’s oneiric world. At 3 minutes and 33 seconds—a near-symbolic, perfectly concise length—it doesn’t aim for the epic progression of the following track, but instead resets the listener’s ears. Baroque and mythological references invoke the nymph Arethusa (a symbol of transformation and water flowing underground only to re-emerge) and feel lifted from a late 1500s verse.
“The Wyrd Canticle”, by contrast, doesn’t follow a linear progression but seems to spiral in on itself. It opens with a hypnotic, almost mantra-like phrasing that slowly builds through layers of feedback and percussion. The flute, perfectly set within the context, recalls pastoral atmospheres reminiscent of early Genesis.
Next comes “Old New Sun”. The title is a perfect oxymoron suggesting something cyclical: a sun that’s “ancient” because it’s eternal, yet “new” each time it rises. Soothing choral passages accompany this acoustic moment in a sea of calm, where guitar takes center stage alongside the xylophone.
In “Archimandrite's Cantharus”, an almost claustrophobic density persists. There’s a sense of reverb that suggests the stone walls of a monastery or crypt. The music advances with a slow but inexorable processional gait. Around the halfway point, the accumulated tension breaks. The "head of the flock" (the Archimandrite) seems to lose control of his ceremony. The guitars grow heavier and noisier, turning prayer into an electric bacchanal. It’s one of the most physical and violent moments on the whole album.
“Erasering”, on the other hand, is the most enigmatic and deconstructed moment of the entire record. Shorter than the tracks that precede it, it acts like a sonic black hole—an act of intentional sabotage the band commits against its own work. The listening experience is deliberately unsettling. It creates a sense of emptiness and anticipation, like trying to recall a dream that’s fading away.
“Tarahumara/Rere Beteame” is a powerful pairing: the Tarahumara (or Rarámuri) are the people of Chihuahua famed for their superhuman endurance running, while "Rere Beteame" is an expression that refers to the depths of the earth or to those "who live below". The piece is built on a relentless, hypnotic percussive pulse. It’s not a standard rock beat, but a rhythm that mimics long-distance running—the kinetic trance typical of the Tarahumara. It’s a track that doesn’t seem to aim for a destination, but instead celebrates the very act of moving. Here, Malesh use instruments that sound organic and wooden. You hear echoes of processed flutes and strings vibrating as if made of sinew, all immersed in a soundscape that evokes the hallucinatory heat of the desert.
Then comes “Piroga”. Musically, the piece is built on a swaying tempo where Malesh’s guitars abandon all sharp edges.
The title track “To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels” is a tripartite suite playing every card the band holds. It begins hypnotically, softened by flute, then moves into the wheel of colors where each instrument represents a different hue. The finale is a slow freefall, where the frenzy subsides and only a melancholic tapestry remains.
The closer, “Hay Bale Hymn”, lives up to the term "Hymn": solemn in tone yet stripped of all artifice. The piece is a fitting end, offering a glimpse of light and prosperity where folklore takes center stage.
In conclusion, with “To The Cloud-Cuckoo Land Of Color Wheels”, Malesh prove themselves to be a band with a strong personality where sounds take the place of words. One to watch closely. MS

Alessandro Seravalle

ALESSANDRO SERAVALLE – Quaderni
Lizard Records / Open Mind / Zeit Interference
Genere: Elettronica / Sperimentale
Supporto: CD / Digital – 2026

Ho scritto moltissimo sulle opere di Alessandro Seravalle (noto leader dei Garden Wall), un musicista assolutamente unico nel panorama, attento sia alla sperimentazione che alla ricerca elettronica adatta a dialogare con l’ascoltatore.
“Quaderni”, formato da sette brani, rappresenta un capitolo molto intimo e sperimentale nella discografia dell'artista e con lui partecipano il fratello Gian Pietro Seravalle (ritmi, missaggio e mastering) e Marzia Postogna (voce narrante).
Qui Seravalle utilizza un arsenale che fonde elettronica pura, onde sinusoidali e manipolazioni sonore, creando paesaggi che oscillano tra l'ambient colto e il rumorismo controllato.
L’apertura spetta a “Bambino”, quasi una "fotografia sonora" dell'infanzia intesa non come periodo nostalgico, ma come stato mentale di scoperta e vulnerabilità. Musicalmente, si muove su texture elettroniche sottili. Si percepisce un uso sapiente dei silenzi e di suoni "concreti" (piccoli rumori metallici o sintetici) che evocano la curiosità tipica di un bambino che esplora un ambiente ignoto. La melodia è accennata, mai invadente, lasciando spazio a un'atmosfera sospesa. Mi da come la sensazione che sia l'ingresso dell'individuo nel mondo, il momento in cui l'essere appare prima di essere mediato dalla cultura o dalla razionalità adulta. Il pezzo punta quindi a toccare una corda intima, preparando il terreno per le riflessioni filosofiche e territoriali dei brani successivi.
Segue “Ancora Zwischen Dasein”, il titolo stesso è un affascinante groviglio linguistico che mescola l'italiano ("Ancora"), il tedesco ("Zwischen" - tra/in mezzo e "Dasein" - Esserci) per descrivere una condizione di sospensione.
Il termine Dasein è il perno della filosofia di Martin Heidegger in “Essere E Tempo”, utilizzandolo, Seravalle non fa solo un esercizio di stile, ma colloca l'ascoltatore in una dimensione esistenziale precisa, quella dell'uomo gettato nel mondo che cerca di dare un senso alla propria presenza. Lo "Zwischen" (il "tra") suggerisce che non siamo ancora arrivati a una conclusione, ma siamo in un eterno stato di transizione. Si percepisce una tensione tra suoni elettronici freddi, quasi glaciali, e momenti di calore umano o acustico che faticano a emergere. In questo pezzo, Alessandro Seravalle agisce proprio come l'uomo sperimentale di cui parla spesso nelle sue note di produzione, un artista che non si limita a suonare, ma che indaga la realtà attraverso il suono. Non è un brano da ascoltare come sottofondo, ma un'esperienza che interroga l'ascoltatore sulla propria posizione nel presente.
In “Pachea A Sarvignan” il riferimento geografico è esplicito. Sarvignan è Cervignano del Friuli, centro nevralgico della Bassa Friulana e luogo profondamente legato all'identità dell'autore. Un pezzo visionario e cristallino.
La “Saggezza Vegetale” suggerisce una critica implicita all'antropocentrismo. La traccia è un sound design che sembra quasi respirare. Quando la natura ha una frequenza. Si torna nel territorio con “Arbui Ta Fumata (Bassa Friulana)”, in lingua friulana il titolo si traduce come "Alberi nella nebbia", dove tappeti sintetici fluttuano costantemente, dando l'idea dell'impalpabilità della nebbia. Nonostante l'atmosfera possa sembrare cupa, c'è una sorta di bellezza malinconica, una luce fioca che cerca di bucare la coltre grigia.
Giunge ora lo zigzagare sonoro di “Skepsis”, che deriva dal greco skepsis (esame, riflessione, ricerca), il termine da cui ha origine la parola "scetticismo". Qui il narrato di Marzia Postogna cavalca i suoni senza punti di riferimento armonici certi, riflettendo musicalmente la condizione dello scettico che sospende il giudizio. Infine “Io?”, un pezzo che evoca solitudine, ma non necessariamente tristezza e Alessandro Seravalle porta a compimento il suo esperimento: l'osservatore diventa l'osservato.
“Quaderni”, dove la complessità non risiede nella velocità d'esecuzione, ma nella stratificazione dei suoni e nell'emotività dei frammenti elettronici. Introspettivo. MS

Versione Inglese: 

ALESSANDRO SERAVALLE – Quaderni
Lizard Records / Open Mind / Zeit Interference
Genre: Electronic / Experimental
Format: CD / Digital – 2026

I have written extensively about the works of Alessandro Seravalle (the renowned leader of Garden Wall), a musician who is absolutely unique on the scene, attentive both to experimentation and to electronic research designed to engage in a dialogue with the listener.
“Quaderni,” consisting of seven tracks, represents a very intimate and experimental chapter in the artist's discography. He is joined by his brother Gian Pietro Seravalle (rhythms, mixing, and mastering) and Marzia Postogna (narrating voice).
Here, Seravalle utilizes an arsenal that blends pure electronics, sine waves, and sound manipulations, creating landscapes that oscillate between sophisticated ambient and controlled noise.
The opening is entrusted to “Bambino,” almost a "sound photograph" of childhood intended not as a nostalgic period, but as a mental state of discovery and vulnerability. Musically, it moves across subtle electronic textures. One perceives a skillful use of silence and "concrete" sounds (small metallic or synthetic noises) that evoke the typical curiosity of a child exploring an unknown environment. The melody is hinted at, never intrusive, leaving room for a suspended atmosphere. It gives me the sensation of an individual’s entry into the world—the moment in which being appears before being mediated by culture or adult rationality. The piece thus aims to touch an intimate chord, paving the way for the philosophical and territorial reflections of the subsequent tracks.
“Ancora Zwischen Dasein” follows; the title itself is a fascinating linguistic tangle that mixes Italian ("Ancora" - Still/Again), and German ("Zwischen" - between/in-between and "Dasein" - Being-there/Existence) to describe a condition of suspension.
The term Dasein is the pivot of Martin Heidegger's philosophy in Being and Time. By utilizing it, Seravalle does more than a mere stylistic exercise; he places the listener in a precise existential dimension—that of the human "thrown" into the world, seeking to give meaning to their own presence. The "Zwischen" (the "between") suggests that we have not yet reached a conclusion, but are in an eternal state of transition. One senses a tension between cold, almost glacial electronic sounds and moments of human or acoustic warmth that struggle to emerge. In this piece, Alessandro Seravalle acts precisely as the "experimental man" he often mentions in his production notes: an artist who does not limit himself to playing, but who investigates reality through sound. It is not a track to be heard as background music, but an experience that questions the listener regarding their own position in the present.
In “Pachea A Sarvignan,” the geographical reference is explicit. Sarvignan is Cervignano del Friuli, the nerve center of the Bassa Friulana region and a place deeply tied to the author's identity. A visionary and crystalline piece.
“Saggezza Vegetale” suggests an implicit critique of anthropocentrism. The track features a sound design that almost seems to breathe—when nature finds its frequency. We return to the local territory with “Arbui Ta Fumata (Bassa Friulana)”; in the Friulian dialect, the title translates to "Trees in the Mist," where synthetic pads float constantly, conveying the impalpability of fog. Although the atmosphere may seem bleak, there is a kind of melancholy beauty—a dim light trying to pierce through the gray shroud.
Now comes the sonic zigzagging of “Skepsis,” derived from the Greek skepsis (examination, reflection, research), the term from which the word "skepticism" originates. Here, Marzia Postogna’s narration rides over sounds devoid of certain harmonic reference points, musically reflecting the condition of the skeptic who suspends judgment. Finally, “Io?” is a piece that evokes solitude, but not necessarily sadness, as Alessandro Seravalle brings his experiment to fruition: the observer becomes the observed.
“Quaderni” is an album where complexity lies not in the speed of execution, but in the layering of sounds and the emotionality of electronic fragments.
Introspective. MS

 

 

Perchè oggi la musica non ci piace?

 PERCHE’ OGGI LA MUSICA NON CI PIACE?

Di Massimo Max salari

 
Guardando le classifiche oggi, sembra che la complessità musicale e i testi profondi siano stati sostituiti da autotune a palla e basi ripetitive.
Tuttavia, dire che la musica di oggi è "brutta" in senso assoluto è un po' riduttivo. Ci sono ragioni sociologiche, tecnologiche ed economiche precise dietro questo cambiamento. Ecco perché la società italiana (e non solo) si è orientata verso questi suoni:
E’ "Fast Food Music", nell'era di Spotify, la musica viene consumata come un contenuto social, così la soglia dell'attenzione è crollata. Una canzone deve "acchiappare" nei primi 30 secondi, altrimenti l'utente skippa. Questo porta a strutture semplicistiche e ritornelli martellanti.
Le piattaforme tendono a suggerire brani simili a quelli già ascoltati, creando una sorta di omogeneizzazione del gusto dove tutto finisce per suonare un po' uguale.
Un tempo, per incidere un disco, servivano un’etichetta, uno studio costoso e musicisti preparati. Oggi, basta un computer e una connessione internet per produrre e distribuire un pezzo da una cameretta. Chiunque ha voce, quindi manca quella "selezione all'ingresso" che un tempo garantiva un certo standard qualitativo tecnico e artistico. Ricordiamoci sempre che la musica è lo specchio dei tempi.
Ieri la musica era spesso aspirazionale o politica, ossia cercava il "poeta" che spiegasse il mondo.
Oggi molta (come la Trap) è estetica e identitaria. I giovani non cercano necessariamente la "bella melodia", ma un suono che rappresenti il loro gergo, il loro senso di alienazione o il desiderio di riscatto economico materiale.

Di conseguenza molta musica non è fatta per essere "ascoltata" con attenzione, ma per essere usata come sottofondo per i video di TikTok.
In questi contesti, la profondità del testo è secondaria rispetto al beat o alla viralità di una singola frase.
Tuttavia la "bella musica" in Italia esiste ancora e sempre ci sarà. C’è una scena indie, Jazz e cantautorale vivissima, solo che non la trovi in cima alla classifica Top 50 - Italia. Bisogna solo fare un po' più di fatica per andare a scovarla, superando il muro dei trend del momento.
Il paradosso è che in un'epoca in cui abbiamo l'intera storia della musica mondiale in tasca, ironicamente finiamo per ascoltare tutti le stesse dieci canzoni spinte dall'algoritmo.
Quando avevi pochi vinili o CD, li ascoltavi fino a consumarli. Leggevi i libretti, cercavi di capire chi avesse suonato il basso, entravi "dentro" l'opera. Oggi invece, l’ascolto è passivo, la musica è diventata un rumore di fondo. Non siamo noi a cercare la musica, ma lasciamo che sia lei a venirci incontro tramite playlist pre-confezionate ("Caffè del mattino", "Focus", "Hits del momento").

Amiamo la pappa pronta perché informarsi richiede uno sforzo (leggere recensioni, scavare nelle discografie, studiare i contesti). Se la società è abituata a contenuti di 15 secondi, un album di 40 minuti sembra un impegno insormontabile.
E attenzione, senza informazione, non c'è paragone. Se un ragazzo non ha mai ascoltato il De André di "Creuza De Mä" o la complessità dei Pink Floyd, non ha i parametri per capire che il testo del trapper di turno è povero. Ecco che ci si accontenta del minimo indispensabile.
 

E subentra un nemico: La pigrizia

 
L'algoritmo è il miglior amico della pigrizia. Ci dà quello che sa già che ci piace, evitandoci lo "shock" del nuovo o del difficile. Ma la cultura è fatta di shock, di scoperte che all'inizio possono risultare ostiche ma che poi ti arricchiscono. Dedicare tempo a se stessi significa anche selezionare ciò di cui ci nutriamo. Se mangiamo solo "cibo spazzatura" musicale perché è comodo e vicino, alla fine perdiamo il gusto per i sapori complessi.
È un circolo vizioso, meno ci informiamo, più l'industria produce musica banale; più la musica è banale, meno siamo stimolati a informarci.
E’ una forma di analfabetismo emotivo e culturale, se non siamo più in grado di ascoltare un disco di sei minuti senza distrarci, come possiamo pretendere di ascoltare una persona che ha un’opinione diversa dalla nostra?
Il legame tra la "brutta musica", le fake news e l'incapacità di dialogare è lo stesso, la superficialità come linea di minor resistenza.
 
A mio modesto parere bisognerebbe iniziare da capo dalle scuole, insegnare l'ascolto non significherebbe solo far studiare Mozart o i Pink Floyd, ma educare alla pazienza. Ecco come questa "materia" potrebbe cambiare le cose:

 
Ascoltare un brano complesso educa il cervello a non pretendere una gratificazione istantanea. È l'opposto dello scrolling compulsivo. Insegnare a capire come una canzone (o una notizia) cerchi di manipolare le nostre emozioni. Se capisci il trucco dell'autotune o del ritmo ipnotico, diventi più critico. Perché l’'ascolto vero richiede di mettersi nei panni dell'altro, la musica "usa e getta" di oggi è spesso un monologo sull'ego; la grande cultura è invece un dialogo con l'universale.
Le fake news prosperano dove l'ascolto è morto. Credere a una bugia è comodo perché conferma i nostri pregiudizi e non ci richiede di approfondire.
Invece la realtà è complessa, richiede tempo, fatica e verifica.
La fake news è semplice, urlata, proprio come certi ritornelli che ci entrano in testa anche se non vogliamo.
Ripartire da capo significa smettere di considerare la musica e l'arte come "passatempi" e iniziare a vederle come esercizi di cittadinanza. Se non ascolto, non capisco; se non capisco, non scelgo; se non scelgo, qualcuno sceglie per me (che sia un algoritmo o un manipolatore di notizie).
Quindi serve necessariamente una sorta di "ecologia della mente" per ripulire l'inquinamento acustico e informativo che ci circonda.
Siamo pronti, come società, ad accettare il "silenzio" necessario per imparare di nuovo ad ascoltare, o siamo ormai troppo assuefatti dal rumore? MS

Versione Inglese:

WHY DON'T WE LIKE MUSIC TODAY?

By Massimo Max Salari

 
Looking at the charts today, it seems that musical complexity and profound lyrics have been replaced by cranked-up autotune and repetitive beats. However, saying that today's music is "bad" in an absolute sense is somewhat reductive. There are precise sociological, technological, and economic reasons behind this shift. Here is why Italian society (and beyond) has gravitated toward these sounds:
It is "Fast Food Music." In the era of Spotify, music is consumed like social media content, causing attention spans to plummet. A song must "hook" the listener within the first 30 seconds; otherwise, the user skips. This leads to simplistic structures and hammering choruses. Platforms tend to suggest tracks similar to those already heard, creating a sort of homogenization of taste where everything ends up sounding more or less the same.

In the past, recording an album required a label, an expensive studio, and trained musicians. Today, a computer and an internet connection are enough to produce and distribute a track from a bedroom. Everyone has a voice, so we lack that "entry selection" that once guaranteed a certain technical and artistic quality. Let us always remember that music is a mirror of the times.
Yesterday, music was often aspirational or political—it sought the "poet" to explain the world. Today, much of it (like Trap) is aesthetic and identity-driven. Young people aren't necessarily looking for a "beautiful melody," but rather a sound that represents their slang, their sense of alienation, or their desire for material economic redemption. Consequently, much music is not made to be listened to with attention, but to be used as a background for TikTok videos. In these contexts, the depth of the lyrics is secondary to the beat or the virality of a single phrase.
However, "beautiful music" still exists in Italy and always will. There is a vibrant indie, jazz, and songwriting scene; you just won't find it at the top of the "Top 50 - Italy" chart. You simply have to work a little harder to seek it out, breaking through the wall of current trends.
The paradox is that in an age where we have the entire history of world music in our pockets, we ironically end up listening to the same ten songs pushed by the algorithm. When you had only a few rare vinyls or CDs, you listened to them until they wore out. You read the liner notes, tried to understand who played the bass, and stepped "inside" the work. Today, however, listening is passive; music has become background noise. We no longer search for music; we let it come to us through pre-packaged playlists ("Morning Coffee," "Focus," "Top Hits").
We love to be "spoon-fed" because staying informed requires effort (reading reviews, digging through discographies, studying contexts). If society is used to 15-second content, a 40-minute album feels like an insurmountable commitment. And beware: without information, there is no basis for comparison. If a young person has never listened to De André’s Creuza de Mä or the complexity of Pink Floyd, they lack the parameters to understand that a typical trapper’s lyrics are poor. Thus, we settle for the bare minimum.

 

And an enemy takes over: Laziness.

 
The algorithm is laziness’s best friend. It gives us what it already knows we like, sparing us the "shock" of the new or the difficult. But culture is made of shocks—of discoveries that may seem difficult at first but ultimately enrich you. Dedicating time to oneself also means selecting what we feed on. If we only eat musical "junk food" because it’s convenient and nearby, we eventually lose the taste for complex flavors. It is a vicious cycle: the less we inform ourselves, the more the industry produces banal music; the more banal the music, the less we are stimulated to seek information.
It is a form of emotional and cultural illiteracy. If we are no longer able to listen to a six-minute record without getting distracted, how can we expect to listen to a person who holds a different opinion from our own? The link between "bad music," fake news, and the inability to engage in dialogue is the same: superficiality as the path of least resistance.
In my humble opinion, we should start over from the schools. Teaching how to listen wouldn't just mean studying Mozart or Pink Floyd, but educating for patience. Here is how this "subject" could change things:
Listening to a complex piece trains the brain not to demand instant gratification. It is the opposite of compulsive scrolling. It teaches us to understand how a song (or a news story) tries to manipulate our emotions. If you understand the trick behind the autotune or the hypnotic rhythm, you become more critical. True listening requires putting oneself in another's shoes; today's "disposable" music is often a monologue of the ego, whereas great culture is a dialogue with the universal.
Fake news thrives where listening has died. Believing a lie is comfortable because it confirms our prejudices and doesn't require us to dig deeper. Reality, instead, is complex; it requires time, effort, and verification. Fake news is simple and shouted—just like certain choruses that get stuck in our heads even when we don't want them to.
Starting over means ceasing to view music and art as mere "hobbies" and beginning to see them as exercises in citizenship. If I don't listen, I don't understand; if I don't understand, I don't choose; if I don't choose, someone else chooses for me (be it an algorithm or a manipulator of news). Therefore, we urgently need a sort of "ecology of the mind" to clear out the acoustic and informational pollution surrounding us.
Are we ready, as a society, to accept the "silence" necessary to learn how to listen again, or are we now too addicted to the noise? MS

Seddok

SEDDOK – Geometrie Nere 2
Lizard Records
Genere: Avant Prog
Supporto: CD / Digital – 2026

Il progetto Seddok nasce come una costola colta e oscura del panorama Avant-Prog / RIO (Rock In Opposition) italiano. Il nome stesso è un omaggio al cinema horror e fantascientifico di serie B (il Dr. Seddok del film “Seddok, l'erede di Satana”), sottolineando fin da subito un'estetica legata al mistero e alla deformazione.
La band si è formata attorno alla visione di A.T. La Morte (basso), Marco Nepi (chitarra) ed Enzo P. Zeder (sintetizzatori e batteria). Nel 2022 pubblicano il primo “Geometrie Nere”, un concept strumentale ispirato alle opere del pittore veneziano Emilio Vedova. Quel disco ha ridefinito il loro suono: greve, eclettico e privo di barriere, con influenze Zeuhl. Con il passare degli anni, il trio ha estremizzato le componenti elettroniche e industriali, arrivando alla pubblicazione del secondo volume intitolato “Geometrie Nere 2”. Se il primo volume era un tributo all'arte pittorica, questo secondo capitolo, si sposta verso territori più distopici e futuristi.
L'album prosegue la struttura a "movimenti" tipica del loro stile, espandendo però la tavolozza sonora.
Quattro i movimenti sonori che compongono l’album ad iniziare da “Movimento 0201”, un'apertura dominata dai sintetizzatori modulari di Zeder. Questo è un brano che costruisce una tensione lenta, quasi claustrofobica, introducendo l'ascoltatore in un ambiente sonoro totalmente sintetico. Il suono oscuro come la pece praticamente si getta nell’horrorifico. Il proseguimento trova quiete, ma una quiete cadenzata, spiritica…. Dannata.
In “Movimento 0202” entra in gioco la chitarra di Marco Nepi con riff spigolosi e matematici. La traccia è più dinamica e richiama le sonorità del Rock In Opposition più serrato. A differenza del Post Punk tradizionale, qui la ritmica è governata da una logica matematica e dispari. La batteria (o la drum machine processata) non segue un battito rassicurante, ma procede per scatti, fermate improvvise e ripartenze. È un ritmo che potremmo definire "meccanico-organico" e suona come un ingranaggio che sta per rompersi ma che, per qualche miracolo ingegneristico, continua a girare vorticosamente. La Chitarra di Marco Nepi è la vera protagonista di questo movimento. Non aspettatevi assoli o accordi aperti, qui la chitarra viene usata come uno strumento a percussione metallico. Produce riff taglienti, "grattati" e dissonanti che ricordano le geometrie dei King Crimson dell'era “Red”, ma filtrati attraverso una lente industrial molto più sporca. Il Basso di A.T. La Morte funge da collante, ma è un collante acido. Praticamente è una fuga claustrofobica.
“Movimento 0203” dopo un narrato inquietante e sussurrato, parte in un binario acido e a tratti psichedelico, esposto su una ritmica spezzata. È qui che emerge l'influenza dello Zeuhl, ma svuotato dalla sua componente operistica e riempito di nichilismo cibernetico.
Conclude “Movimento 0204”, qui i Seddok utilizzano questo finale per dire che, una volta esplorate tutte le geometrie (le regole, le strutture, le logiche matematiche), non resta che il ritorno al caos o al silenzio assoluto.
“Geometrie Nere 2” ha quindi un'architettura di cemento sonoro che sorge dalle macerie del Prog per farsi algoritmo carnale, dove il basso ossessivo e i sintetizzatori modulari disegnano il perimetro di un labirinto senza uscita, trasformando il silenzio in una minaccia matematica e la distorsione nell'unico linguaggio possibile per descrivere il collasso del futuro. Profondo. MS

Versione Inglese:

SEDDOK – Geometrie Nere 2
Lizard Records
Genre: Avant-Prog
Format: CD / Digital – 2026

The Seddok project was born as a sophisticated and dark offshoot of the Italian Avant-Prog / RIO (Rock In Opposition) scene. The name itself is an homage to B-movie horror and science fiction (Dr. Seddok from the film "Seddok, l'erede di Satana"), immediately emphasizing an aesthetic tied to mystery and deformation.
The band formed around the vision of A.T. La Morte (bass), Marco Nepi (guitar), and Enzo P. Zeder (synthesizers and drums). In 2022, they released the first "Geometrie Nere", an instrumental concept inspired by the works of Venetian painter Emilio Vedova. That record redefined their sound: heavy, eclectic, and barrier-free, with distinct Zeuhl influences. As the years passed, the trio pushed electronic and industrial components to the extreme, leading to the release of the second volume entitled "Geometrie Nere 2". While the first volume was a tribute to pictorial art, this second chapter shifts toward more dystopian and futuristic territories.
The album continues the structure of "movements" typical of their style, while expanding the sonic palette.
The album is composed of four sonic movements, starting with "Movimento 0201", an opening dominated by Zeder’s modular synthesizers. This track builds a slow, almost claustrophobic tension, introducing the listener to a totally synthetic soundscape. The pitch-black sound practically plunges into the horrific. Its progression finds a sense of quiet, but a rhythmic, spiritual... damned quiet.
In "Movimento 0202", Marco Nepi's guitar comes into play with angular and mathematical riffs. The track is more dynamic and recalls the tighter sounds of Rock In Opposition. Unlike traditional Post-Punk, the rhythm here is governed by a mathematical and odd-time logic. The drums (or processed drum machine) do not follow a reassuring beat but proceed through jolts, sudden stops, and restarts. It is a rhythm that could be defined as "mechanical-organic"; it sounds like a gear about to break that, by some engineering miracle, continues to spin dizzyingly. Marco Nepi's guitar is the true protagonist of this movement. Do not expect solos or open chords; here the guitar is used as a metallic percussion instrument. It produces sharp, "scratched," and dissonant riffs reminiscent of the geometries of Red-era King Crimson, but filtered through a much filthier industrial lens. A.T. La Morte’s bass acts as a glue, but an acidic one. In practice, it is a claustrophobic escape.
"Movimento 0203", after an unsettling and whispered narration, sets off on an acidic and at times psychedelic track, laid out over a broken rhythm. It is here that the Zeuhl influence emerges, yet stripped of its operatic component and filled with cybernetic nihilism.
The album concludes with "Movimento 0204". Here, Seddok use this finale to suggest that, once all geometries (the rules, the structures, the mathematical logics) have been explored, nothing remains but a return to chaos or absolute silence.
"Geometrie Nere 2" is thus an architecture of sonic concrete rising from the ruins of Prog to become a flesh-and-blood algorithm. Here, the obsessive bass and modular synthesizers draw the perimeter of a labyrinth with no exit, transforming silence into a mathematical threat and distortion into the only possible language to describe the collapse of the future.
Deep. MS