CASTANARC
- Forged By The Sun Khepra
Records Genere: Neo Prog Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026
Solo
chi ha vissuto di persona gli anni ’80 del Neo Prog può capire a pieno
l’emozione che ha provato un fan del Prog nel vedere tornare in auge il
moribondo Progressive Rock, interrottosi verso la fine degli anni ’70. Ci sono
stati dischi e band che hanno fatto la storia, anche se ovviamente non proprio
come i maestri e capisaldi dei tempi che furono (vedi Genesis, King Crimson,
Gentle Giant, Yes, ELP, ecc.). Tuttavia si sono comportati benissimo e, come al
sottoscritto, hanno saputo emozionare oltremodo riportando in auge le sonorità
di gruppi come Genesis, Pink Floyd e Camel, solo per fare tre nomi. Sto
parlando di Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night, Haze e Castanarc
su tutte. Ho
sempre creduto che il filone potesse avere vita breve, vista l’evoluzione
musicale che si è avuta negli anni ’90 nel Prog; eppure, fra tante fragorose
uscite differenti dettate dalle mode, il Neo Prog ha resistito e anche oggi ben
si comporta, con band come Arena, Magenta e molte altre ancora. Che lo stato di
salute sia buono lo si evince dal fatto che i capostipiti già nominati ancora
oggi suonano e hanno un numeroso seguito. Anche i Castanarc si sono saputi
sempre barcamenare con quella musica che ti entra dentro grazie all’uso di
tastiere magniloquenti, assoli di chitarra pinkfloydiani e tanta buona melodia. Per
chi non li conoscesse, i Castanarc sono inglesi (come tutti gli altri) e la
leadership della band è da sempre incardinata sul nucleo storico composto dal
tastierista David Powell (autore dei delicati ed elaborati intrecci armonici) e
dal cantante Mark Holiday, la cui vocalità timbrica ed espressiva richiama da
vicino le sfumature di Phil Collins, Dave Cousins degli Strawbs e Peter
Nicholls (IQ). Cinque gli album in studio dal 1984 sino al sopraggiungere di questo
nuovo “Forged By The Sun” dove, per la realizzazione, la formazione vede il
ritorno dello storico chitarrista Neil Duty e la presenza della sezione ritmica
composta da Charlie Morgan alla batteria e da Peter Robinson al basso
(purtroppo scomparso poco prima dell'uscita del disco, dopo aver completato le
sue parti). L'album beneficia inoltre della produzione e del mixaggio curati da
John Spence, che restituisce un suono moderno, pulito ma dalle dinamiche
nettamente analogiche e trasparenti. Tre i brani contenuti, di cui due suite;
la prima è la title track “Forged By The Sun”, di oltre diciotto minuti. Vi
dico subito che all’ascolto ho avuto personalmente più di un brivido, ma questo
fa capo a quanto anticipato in precedenza, ossia al fatto che ho vissuto gli
anni ’80 e quindi questo genere immutato sa colpirmi al cuore. Il
brano parte con intrecci di tastiera neoclassica che impostano un ritmo
incalzante, per poi evolversi in un alternarsi di sezioni orchestrali, stacchi
sinfonici e momenti di sospensione atmosferica. Verso il sesto minuto si apre
un segmento di rara delicatezza, dominato da sonorità ambient e tastiere
d'ispirazione Camel e Vangelis. I sintetizzatori di Powell fraseggiano con la
chitarra elettrica di Neil Duty, supportati da un basso melodico e mai
invasivo. Il
lirismo di Mark Holiday esplora il tema della rigenerazione, del tempo e
dell'elemento solare inteso come fucinatrice di vita e di coscienza. Le parole
richiamano immagini cosmiche e naturali, dove la figura umana cerca un punto
d'equilibrio e di purificazione attraverso la forgia del sole, superando le
oscurità della modernità. La
seconda suite è “Ceasefire For The Innocent”, con dentro tanti primi Pendragon
e Marillion. Ottime le coralità e i cambi umorali che ti immergono in quell’universo
leggermente malinconico prossimo allo stile di “A Trick Of The Tail” e “Wind
& Wuthering” dei Genesis, tanto per rendervi l’idea. Una gemma che da sola
vale il prezzo del disco. Il testo è un'invocazione alla pace e una riflessione
accorata sulle vittime predate dai conflitti e dalle ingiustizie. La
"tregua per gli innocenti" non è solo un auspicio geopolitico, ma una
necessità spirituale e un rifugio poetico dalla negatività della società
contemporanea. “Cue
Rain” funge da epilogo intimo e sognante. Dominato da un pianoforte etereo,
organo soft e vocals quasi sussurrate, si sviluppa come una ballata dal sapore
bucolico e vagamente Procol Harum / Folk Prog inglese. Vede la partecipazione
straordinaria di Dave Holley alla chitarra ospite, il cui tocco intriso di
sfumature Blues-Jazz impreziosisce la coda finale del pezzo. Il tema della
pioggia viene trattato non come elemento nostalgico o cupo, ma come benedizione
catartica. Il testo usa la metafora della pioggia per lavare via le tensioni e "invocare"
un senso di rinascita e sollievo, chiudendo l'album con una nota di serena
speranza. Non
ho altro da aggiungere, solo che mi sto asciugando qualche lacrima e non so se
sia soltanto per la musica o perché sono consapevole che sono passati più di quarant’anni….
Vabbè, comunque i Castanarc li portano benissimo! Chi ascolta il Neo Prog non
deve mancare questo album, assolutamente! MS
Versione Inglese:
CASTANARC - Forged By The Sun Khepra Records Genre: Neo Prog Format: LP / CD / Bandcamp – 2026
Only those who personally experienced the 80s Neo Prog
scene can fully understand the emotion a Prog fan felt seeing the dying
Progressive Rock—which had ground to a halt near the end of the 70s—come back
into favor. There were albums and bands that made history, even if obviously
not quite like the masters and cornerstones of times gone by (such as Genesis,
King Crimson, Gentle Giant, Yes, ELP, etc.). Nevertheless, they delivered
brilliantly and, just like for yours truly, managed to thrill beyond measure by
bringing back the sound of groups like Genesis, Pink Floyd, and Camel, just to
name three. I’m talking about Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night,
Haze, and Castanarc above all. I always believed the movement might be short-lived,
given the musical evolution Prog underwent in the 90s; yet, amid so many loud
and varied releases driven by trends, Neo Prog held its ground and still
performs well today, with bands like Arena, Magenta, and many others. That its
health remains strong is evident from the fact that the aforementioned pioneers
are still playing today and command a large following. Castanarc, too, have
always known how to navigate these waters with music that gets right under your
skin thanks to the use of magniloquent keyboards, Pink Floyd-esque guitar
solos, and plenty of great melody. For those unfamiliar with them, Castanarc are British
(like all the rest) and the band's leadership has always been anchored by its
historic core: keyboardist David Powell (creator of delicate, intricate
harmonic textures) and vocalist Mark Holiday, whose expressive and timbral
vocal style closely echoes the nuances of Phil Collins, Dave Cousins of The
Strawbs, and Peter Nicholls (IQ). Five studio albums have been released since
1984 up to the arrival of this new “Forged By The Sun” where, for its creation,
the lineup features the return of original guitarist Neil Duty and a rhythm
section made up of Charlie Morgan on drums and Peter Robinson on bass (who
sadly passed away shortly before the album's release, after completing his
parts). The album also benefits from production and mixing by John Spence,
delivering a modern, clean sound with distinctly analog and transparent
dynamics. It contains three tracks, two of which are epics; the first is the
title track, “Forged By The Sun”, spanning over eighteen minutes. I’ll tell you
right now that listening to it gave me more than a few chills, but that ties
back to what I mentioned earlier—having lived through the 80s, this timeless
genre knows how to hit me straight in the heart. The piece opens with intricate neoclassical keyboard
motifs that set an engaging pace, before evolving into alternating orchestral
sections, symphonic shifts, and moments of atmospheric suspension. Around the
six-minute mark, a segment of rare delicacy unfolds, dominated by ambient
textures and keyboards reminiscent of Camel and Vangelis. Powell’s synthesizers
interplay with Neil Duty’s electric guitar, supported by a melodic, never
intrusive bassline. Mark Holiday’s lyricism explores themes of
regeneration, time, and the solar element seen as a forge of life and
consciousness. The words evoke cosmic and natural imagery, where the human
figure seeks balance and purification through the sun's forge, rising above the
darkness of modernity. The second epic is “Ceasefire For The Innocent”,
packed with early Pendragon and Marillion vibes. Excellent vocal harmonies and
emotional shifts immerse you in a slightly melancholic universe close to the
style of Genesis’s “A Trick Of The Tail” and “Wind & Wuthering”, just to
give you an idea. A gem that alone is worth the price of admission. The lyrics
are an invocation for peace and a heartfelt reflection on the innocent victims
claimed by conflicts and injustice. The "ceasefire for the innocent"
is not merely a geopolitical wish, but a spiritual necessity and a poetic
refuge from the negativity of contemporary society. “Cue Rain” serves as an intimate, dreamlike epilogue.
Dominated by ethereal piano, soft organ, and near-whispered vocals, it unfolds as
a pastoral ballad with a touch of Procol Harum and British Folk Prog. It
features a special guest appearance by Dave Holley on lead guitar, whose
touch—steeped in Blues-Jazz nuances—embellishes the track's closing section.
The theme of rain is treated not as something gloomy or nostalgic, but as a
cathartic blessing. The lyrics use rain as a metaphor to wash away tension and
"summon" a sense of relief and rebirth, closing the album on a note
of serene hope. I have nothing left to add, except that I’m wiping
away a few tears and I’m not sure if it’s just because of the music or because
I’m acutely aware that over forty years have passed…. Ah well, Castanarc wear
them exceptionally well anyway! Anyone who listens to Neo Prog simply cannot
miss this album! MS
DAVINPORT
– The Great Awakening Autoproduzione Genere: Progressive Rock Supporto: Digital / Bandcamp – 2026
Prendono
sempre più piede nella musica Prog le autoproduzioni e le one-man band: questo
è il risultato della tecnologia che avanza e permette a tutti, a basso costo,
di avere uno studio in casa, oltre che del supporto dell’IA. I
risultati non sono sempre ottimali, perché in fin dei conti quello che conta
nella musica è l’emozione, oltre alle buone idee. Fare arte non è per tutti,
servono talento e studio, senza i quali non si arriva da nessuna parte.
Tuttavia, con questo sistema aumentano esponenzialmente le uscite discografiche
e, per la legge dei numeri, qualcuno riesce a produrre un buon lavoro. È
anche il caso di Davinport, progetto musicale synthwave/electronic/retrowave
ideato dal musicista e produttore britannico Dave Johnson (polistrumentista
noto anche per i suoi lavori in ambito elettronica/ambient). Il progetto
Davinport nasce come un'esplorazione sonora che unisce sonorità retrowave,
synth-pop, cinematiche e sfumature Progressive, caratterizzato dall'uso esteso
di sintetizzatori analogici e digitali, arpeggiatori e ritmiche martellanti di
matrice anni '80. Johnson
muove i primi passi nell'ambiente underground britannico, spaziando tra la
produzione di colonne sonore e la musica elettronica d'atmosfera. Con il
moniker Davinport sceglie di concentrarsi su una visione ben precisa, quella di
coniugare la nostalgia della synthwave anni '80 (richiamando influenze come
Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre e la scena modern retrowave stile Synth
Collective / NRW) con strutture composite e concettuali tipiche dell'elettronica
narrativa. L'album,
composto da 10 tracce, è costruito su un concept distopico-fantascientifico e
spirituale: la storia di una presa di coscienza collettiva e individuale
dell'umanità (il "Grande Risveglio") di fronte al declino tecnologico
e all'oppressione del tempo, fino alla ricerca di una trascendenza personale. “When
Giants Awake” apre con enfasi e magniloquenza attraverso uno strumentale ricco
di suoni, dove i "giganti" sono le grandi forze sopite della
coscienza umana o le antiche strutture del mondo che iniziano a tremare. Gli
anni ’80 sono davanti a noi con melodie di synth luminose ed energiche. Ciò
accade anche in “A New Dawning”, brano piacevolmente orecchiabile accompagnato
anche da parti vocali. Qui la presa di coscienza segna la prima alba di una
nuova era post-crisi. Il brano descrive la sensazione di uscire dall'oscurità e
vedere la realtà sotto una nuova luce, e la musica ne è un'ottima colonna
sonora grazie a quell’aria di positività. Più
articolata nella composizione è “Future Perfect”, fra arpeggi di genesiana
memoria e cambi d'umore. Questa suite elettronica esplora l'utopia futurista.
Il titolo gioca con la grammatica e con l'idea di un "futuro
perfetto" promesso dalla tecnologia, evidenziando tuttavia la sottile
linea tra utopia e controllo totalitario. Le tastiere, ancora una volta, sono
in evidenza. “Victorius”
rappresenta la vittoria dello spirito umano sulle catene dell'omologazione e
della manipolazione, e lo fa attraverso un movimento arioso e ricco di
sonorità, quasi in modalità The Flower Kings, dove la chitarra riesce a ritagliarsi
un posto in vetrina. A
questo punto giunge “New Beginnings”, un momento di pausa e ripartenza con una
traccia più breve e atmosferica, quasi un interludio riflessivo. Racconta la
ricostruzione interiore: l'accettazione del passato per poter gettare le basi
di una nuova vita. Essa conduce al brano più lungo dell’album con i suoi quasi
nove minuti, dal titolo “Time Slips Away”. Siamo nel Prog ricercato, a tratti
delicato, dove la consapevolezza della mortalità e di come la vita scorra via
mentre si è presi dalle illusioni del mondo materiale è dettagliatamente
rappresentata dal suono. Ancora
tracce di Genesis in “Monuments”: Johnson dimostra di conoscere la storia di
questa musica e di saperla plasmare a proprio piacimento. Concludono l’album “I
Walk Alone”, “Telepathic Frequencies” e “Night Runner”, altre composizioni
curate e nuovamente ricche di sonorità gradevoli. Nonostante
l'impalcatura retrowave potesse far pensare all'ennesimo esercizio di stile
guidato dalla solita nostalgia per gli anni '80, “The Great Awakening” dimostra
di avere un'anima ben più complessa e strutturata, e Davinport firma un lavoro
maturo, capace di far convivere l'impatto cinematografico dei sintetizzatori
con un'architettura concettuale profonda e mai banale. Non ci troviamo di
fronte a un semplice ascolto da sottofondo per una corsa notturna, ma a un vero
e proprio viaggio narrativo brano per brano, dove l'elettronica torna a farsi
materia concettuale e sognante. Un disco lucido, avvolgente ed estremamente
consigliato a chi cerca nella synthwave una terza dimensione di ascolto. MS
Versione Inglese:
DAVINPORT
– The Great Awakening Self-released Genre:
Progressive Rock Format:
Digital / Bandcamp – 2026
Self-releases and one-man bands are gaining more and
more ground in Prog music: this is the result of advancing technology that
allows everyone to have a low-cost home studio, alongside the support of AI. The results are not always optimal, because at the end
of the day, what truly matters in music is emotion, in addition to good ideas.
Making art is not for everyone: it takes talent and study, without which you
get nowhere. However, with this system, record releases are increasing
exponentially, and by the law of numbers, someone manages to produce a good
piece of work. This is also the case with Davinport, a
synthwave/electronic/retrowave musical project created by British musician and
producer Dave Johnson (a multi-instrumentalist also known for his work in the
electronic/ambient field). The Davinport project was born as a sonic
exploration combining retrowave, synth-pop, cinematic atmospheres, and
Progressive nuances, characterized by the extensive use of analog and digital
synthesizers, arpeggiators, and driving 80s-style rhythms. Johnson took his first steps in the British
underground scene, ranging from soundtrack production to atmospheric electronic
music. Under the moniker Davinport, he chooses to focus on a very precise
vision: combining 80s synthwave nostalgia (drawing influence from Tangerine
Dream, Jean-Michel Jarre, and the modern retrowave scene in the style of Synth
Collective / NRW) with complex, conceptual structures typical of narrative
electronics. The album, consisting of 10 tracks, is built around a
dystopian, sci-fi, and spiritual concept: the story of a collective and
individual awakening of humanity (the "Great Awakening") in the face
of technological decline and the oppression of time, leading up to the search
for personal transcendence. “When Giants Awake” opens with emphasis and grandeur
through a sound-rich instrumental, where the "giants" represent the
dormant forces of human consciousness or the ancient structures of the world
beginning to shake. The 80s lie straight ahead with bright, energetic synth
melodies. This also occurs in “A New Dawning”, an agreeably catchy track
accompanied by vocal parts. Here, the awakening marks the first dawn of a new
post-crisis era. The song describes the sensation of emerging from darkness and
seeing reality in a new light, with the music serving as a fine soundtrack
thanks to its sense of positivity. More intricate in its composition is “Future Perfect”,
featuring arpeggios reminiscent of Genesis alongside shifting moods. This
electronic suite explores futuristic utopia. The title plays on grammar and the
concept of a "future perfect" promised by technology, while
highlighting the fine line between utopia and total control. Keyboards, once
again, take center stage. “Victorius” represents the victory of the human spirit
over the chains of homogenization and manipulation, doing so through an airy,
sonically rich movement—almost in the vein of The Flower Kings—where the guitar
manages to carve out a spotlight for itself. At this point comes “New Beginnings”, a moment of
pause and restart with a shorter, atmospheric track, serving almost as a
reflective interlude. It recounts inner reconstruction: accepting the past in
order to lay the foundations for a new life. This leads into the album’s longest
track at nearly nine minutes, titled “Time Slips Away”. Here we are in refined,
at times delicate Prog, where the awareness of mortality—and how life slips
away while we are consumed by the illusions of the material world—is vividly
portrayed through sound. More traces of Genesis appear in “Monuments”: Johnson
proves he knows the history of this music and knows how to shape it to his
liking. Closing the album are “I Walk Alone”, “Telepathic Frequencies”, and
“Night Runner”, further well-crafted compositions rich in pleasant sonorities. Even though the retrowave framework might suggest just
another stylistic exercise driven by typical 80s nostalgia, “The Great
Awakening” reveals a far more complex and structured soul. Davinport delivers a
mature work capable of combining the cinematic impact of synthesizers with a
deep, never cliché conceptual architecture. We are not dealing with simple
background listening for a late-night drive, but with a genuine track-by-track
narrative journey, where electronic music returns to being conceptual,
dreamlike matter. A lucid, enveloping album, highly recommended for anyone
seeking a third dimension of listening within synthwave. MS
KWADRAT – Mechanizm Gad Records Genere: Progressive Jazz / Fusion Supporto: CD / Digital – 2026
Si
sa che la musica come linguaggio non ha confini, per questo a volte capita di
poter ascoltare un genere musicale che, seppur non nato in un determinato paese,
viene comunque rappresentato al meglio. Ciò non accade soltanto con l’avvento
di internet il quale ha provveduto a globalizzare molta musica dando la
possibilità a tutti di poter ascoltare tantissimo materiale, ma anche negli
anni ’70, per esempio quando il Jazz Rock di gruppi come Perigeo, Arti &
Mestieri, Agorà (per fare nomi italiani) davano sfoggio della propria caratura. La
Polonia in ambito Progressive Rock è sempre stata attiva, basti pensare a
gruppi come Collage oppure i Quidam, soprattutto nel Neo Prog, ma ci sono delle
sorprese dietro l’angolo, ecco che i Kwadrat propongono un Jazz Rock strumentale
intriso di classicismo e buona tecnica. L'album
“Mechanizm” è una raccolta di registrazioni d'archivio pubblicata dalla label
specializzata Gad Records. Raccoglie i primi brani in studio incisi dalla band
per Polskie Radio Katowice all'inizio della loro carriera (tra la fine degli
anni '70 e l'inizio degli anni '80), molti dei quali finora inediti su CD o mai
pubblicati nel formato originale. Si
fondano a Katowice verso la fine degli anni '70. Emersi nell'ambito del
movimento polacco Muzyka Młodej Generacji (Musica della Giovane Generazione),
si fecero notare nel 1979 durante il festival Pop Session a Sopot. Guidati
da complessi intrecci strumentali, il loro stile si caratterizza per solismi di
chitarra virtuosi, cambi di tempo serrati e l'uso distintivo delle tastiere e
della viola. Sebbene la band abbia pubblicato un solo album in studio LP
all'epoca (“Polowanie Na Leśniczego” nel 1981) e un singolo da 7" per
l'etichetta Tonpress, il loro lavoro d'archivio è riconosciuto tra i capitoli
più affascinanti della scena fusion ed est-europea dell'epoca. La
formazione è composta da Teodor Danysz (tastiere), Ryszard Wegrzyn (chitarra), Adam
Otreba (chitarra), Jacek Gazda (basso), Michal Giercuszkiewicz (batteria), e Wieslaw
Susfal (violino). “Polowanie
Na Leśniczego” originariamente pubblicato come singolo nel 1979, è dominato da
un ritmo sostenuto, riff di chitarra aggressivi e un lavoro di basso in
evidenza. Tanto classicismo a bagaglio e una scelta delle melodie davvero “europea”
e centrata. Ottimo il lavoro del violino. Vedrete che i movimenti riusciranno a
trovare una sistemazione nella vostra mente e saranno difficili da dimenticare. “Quasimodo”
rappresenta al meglio il lato Jazz Rock del gruppo, palesando un incedere
cadenzato e ipnotico sopra al quale il violino si esprime al meglio gettando l’ascoltatore
in pieni anni ’70. La composizione è complessa e articolata con atmosfere cupe
e dinamiche cangianti. L’uomo
con la barba “Brodacz” in tre minuti invece, si focalizzata su tempi dispari e
incastri ritmici serrati tra batteria e basso. La chitarra diventa protagonista
con un assolo al fulmicotone e dialoga in botta e risposta con il violino. La
brevissima title track conduce a “Krzaczek”, folle corsa nel Rock’n Roll sempre
dallo stampo Jazz. Irresistibile all’ascolto, vedrete che vi ritroverete a
muovere come minimo i piedi a tempo. Più
seriosa “Boy Friend”, impegnata fra synth sorretti da una ritmica pulita e
presente. Fra
le mie preferite segnalo “Ładna pogoda w Sopocie”, tanto materiale storico a
bagaglio, Qui ci sono concentrati anni di musica Jazz Rock. “Adaś”
è un'altra fuga strumentale che potrebbe benissimo uscire da un album dei
Perigeo (con qualche scheggia di Area) per poi passare a “Wasz Beret”, quasi
sette minuti di durata in cui la band sale veramente in cattedra seppur non
risultando mai auto-compiacente. Forse il pezzo più Rock dell’intero album. Chiudono
due bonus track: ”Polowanie Na Leśniczego (Wersja II)” e “Krzaczek (Wersja II)”. In
conclusione, “Mechanizm” raccoglie l'essenza più pura, dinamica e strumentale
dei Kwadrat. Tra riff affilati, tastiere d'epoca e un'interazione ritmica
impeccabile, questo lavoro d'archivio dimostra come il sound della band di
Katowice non abbia perso un solo grammo del suo fascino originale. Musica
senza tempo e una ottima occasione per scoprirli (o ri-scoprirli). MS
Versione Inglese:
KWADRAT – Mechanizm Gad Records Genre: Progressive Jazz / Fusion Format: CD / Digital – 2026
It is well known that music as a language has no
borders, which is why it sometimes happens to listen to a musical genre that,
even if not born in a specific country, is nonetheless represented at its best.
This does not happen only with the advent of the internet, which has globalized
much of music, giving everyone the opportunity to listen to a vast amount of
material, but also back in the '70s, for example when the Jazz Rock of bands
like Perigeo, Arti & Mestieri, Agorà (to name a few Italian ones) showcased
their high caliber. Poland has always been active in the Progressive Rock
scene, just think of bands like Collage or Quidam, especially within Neo Prog,
but there are surprises right around the corner. Thus, Kwadrat propose an
instrumental Jazz Rock steeped in classicism and fine technique. The album “Mechanizm” is a collection of archival
recordings released by the specialized label Gad Records. It gathers the band's
first studio tracks recorded for Polskie Radio Katowice at the beginning of
their career (between the late '70s and early '80s), many of which were
previously unreleased on CD or never published in their original format. They were formed in Katowice towards the late '70s.
Emerging within the Polish movement Muzyka Młodej Generacji (Music of the Young
Generation), they came to prominence in 1979 during the Pop Session festival in
Sopot. Driven by intricate instrumental interplay, their
style is characterized by virtuous guitar solos, tight time signature changes,
and the distinctive use of keyboards and viola. Although the band released only
one studio LP album at the time (“Polowanie Na Leśniczego” in 1981) and a 7"
single for the Tonpress label, their archival work is recognized among the most
fascinating chapters of the Eastern European fusion scene of the era. The line-up consists of Teodor Danysz (keyboards),
Ryszard Wegrzyn (guitar), Adam Otreba (guitar), Jacek Gazda (bass), Michal
Giercuszkiewicz (drums), and Wieslaw Susfal (violin). “Polowanie Na Leśniczego”, originally released as a
single in 1979, is dominated by a sustained tempo, aggressive guitar riffs, and
prominent bass work. A wealth of classicism in their background and a truly
“European”, well-targeted choice of melodies. Excellent violin work. You will
see that the musical movements will find a place in your mind and will be hard
to forget. “Quasimodo” best represents the Jazz Rock side of the
group, displaying a cadenced and hypnotic stride over which the violin
expresses itself at its best, casting the listener straight back into the full
'70s. The composition is complex and articulated, featuring dark atmospheres
and changing dynamics. “The Man with the Beard” (“Brodacz”), in just three
minutes, focuses instead on odd time signatures and tight rhythmic interlocks
between drums and bass. The guitar takes center stage with a lightning-fast solo
and engages in a call-and-response dialogue with the violin. The very short
title track leads into “Krzaczek”, a wild ride into Rock’n Roll, still with a
Jazz imprint. Irresistible to listen to, you'll find yourself at the very least
tapping your feet to the beat. More serious is “Boy Friend”, engaged among synths
supported by a clean, present rhythm section. Among my favorites, I would highlight “Ładna pogoda w
Sopocie”, with so much historical material in its luggage. Years of Jazz Rock
music are concentrated here. “Adaś” is another instrumental flight that could
easily come out of a Perigeo album (with a few splinters of Area), moving then
to “Wasz Beret”, nearly seven minutes long, where the band truly steps up to
the lectern without ever appearing self-indulgent. Perhaps the most Rock track
of the entire album. Closing the album are two bonus tracks: “Polowanie Na
Leśniczego (Wersja II)” and “Krzaczek (Wersja II)”. In conclusion, “Mechanizm” gathers the purest, most
dynamic, and instrumental essence of Kwadrat. Between razor-sharp riffs,
vintage keyboards, and flawless rhythmic interaction, this archival release
proves how the Katowice band's sound hasn't lost a single gram of its original
charm. Timeless music and a great opportunity to discover (or
re-discover) them. MS
KOLM
– Yūgen Kolm
/ Entheoscape Records Genere:
Post Prog Moderno / Alternative Metal Supporto: 2LP / CD / Bandcamp –
2026
Di
certo sulla band Tool si può dire di tutto e il contrario di tutto, ma non che
non siano stati influenti per la scena Metal e Progressive, perché ne hanno
fatti di proseliti! Il
genere può piacere o meno, sappiamo che è alienante, ipnotico, rabbioso e allo
stesso tempo atmosferico, quello stile che ti entra nel cervello e scava a
fondo. Sono sempre stati avanti coi tempi con quei suoni puliti e roboanti,
tanto da diventare un punto di riferimento per un vasto numero di artisti. Fra
i suddetti proseliti ci sono gli statunitensi (Santa Monica/Los Angeles) Kolm. Sono
formati da Matheus Canteri (chitarra e voce), Miko Rivas (basso) e Otan Vargas
(batteria e percussioni) e si distinguono proprio per una ricerca sonora
fortemente d'atmosfera, costruita su poliritmie, tessiture chitarristiche
ipnotiche ed estesi tempi dispari. Se
volete, potete approfondire i loro album di spessore come “Entheomorph” (EP, 2018)
e l’ottimo “Umbra” (2018), così avrete già un quadro corretto della situazione. Ma
veniamo all’ultimo “Yūgen”, composto da nove tracce. Il
termine giapponese Yūgen indica una grazia profonda e misteriosa, la percezione
dell'universo che suscita reazioni emotive troppo profonde ed evocative per
essere espresse a parole. L'album è quindi un concept sonoro incentrato sulla
connessione organica e cosmica, la trasformazione interiore e il ciclo naturale
di decadimento e rinascita. “Mycelia”
apre con un intro psichedelico per poi intraprendere il classico percorso con
incastri tribali, prima che la chitarra esploda in riff pesanti e sincopati. La
voce è sostenuta nelle parole ed è piacevole per tonalità. I richiami a
“Schism” dei Tool sono davvero molto evidenti. Il micelio, la rete fungina
sotterranea che connette la vita vegetale, fa da metafora alla coscienza
collettiva e all'interconnessione invisibile della materia. Suoni
in modalità Hang introducono “Olēka”. Qui, nella fase pacata e melodica, si
possono accostare anche ai Soen, ma il brano prende (come da stile) un altro
percorso e vive di continui saliscendi dinamici, alternando strofe rarefatte a
ritornelli densi di distorsione. Il titolo si riallaccia al senso di
consapevolezza della delicatezza del tempo. I versi esplorano la transitività
delle esperienze umane e la necessità di radicamento nel presente. A
questo punto sopraggiunge un breve strumentale di raccordo intitolato “Signal:
Becoming”, che conduce a “The Reach”, brano guidato da metri dispari rigorosi e
cambi umorali. Bello lo stop psichedelico d’atmosfera a metà del brano. Il
basso roboante di Rivas apre la mini suite di dieci minuti “Symbiosis”, dove la
simbiosi viene intesa come coesistenza necessaria. Le liriche analizzano il
rapporto duale tra l'uomo e la natura, evidenziando la dipendenza reciproca tra
luce e ombra. La musica parte con tessiture quasi Post Rock per svilupparsi in
sezioni Heavy Prog dove basso e batteria dialogano in poliritmie serrate: la
forza dei Kolm. Si
affronta l'atto della creazione spirituale ed artistica che sorge dal vuoto o
dal caos interiore in “Ex Nihilo”, ma francamente qualche sbadiglio comincia a
partire, in quanto si varia poco rispetto ai brani precedenti e anche a quelli
a seguire. È
chiaro che “Yūgen” è un bell’album, ma mi sento di consigliarlo solamente agli
amanti delle band descritte e del Post Prog Moderno; ci sono cambi repentini e
continui, tuttavia si batte troppo su certi stilemi che fanno da canovaccio a
tutto il percorso sonoro. MS
Versione Inglese:
KOLM
– Yūgen Kolm
/ Entheoscape Records Genre:
Modern Post-Prog / Alternative Metal Format:
2LP / CD / Bandcamp – 2026
You can certainly say anything and everything about
the band Tool, but definitely not that they haven't been influential for the
Metal and Progressive scene, because they have gained quite a following! You may like the genre or not: we know it is
alienating, hypnotic, angry, and at the same time atmospheric—that style that
gets into your brain and digs deep. They have always been ahead of their time
with those clean and thundering sounds, so much so that they became a benchmark
for a vast number of artists. Among these followers are the Americans (Santa
Monica/Los Angeles) Kolm. They consist of Matheus Canteri (guitar and vocals),
Miko Rivas (bass), and Otan Vargas (drums and percussion), and they stand out
precisely for their heavily atmospheric sound design, built on polyrhythms,
hypnotic guitar textures, and extended odd time signatures. If you like, you can dive deeper into their impressive
releases such as “Entheomorph” (EP, 2018) and the excellent “Umbra” (2018), so
you will already have a clear picture of the situation. But let's come to their latest release, “Yūgen”,
consisting of nine tracks. The Japanese term Yūgen denotes a deep and mysterious
grace—a perception of the universe that evokes emotional reactions too profound
and suggestive to be expressed in words. The album is therefore a sound concept
centered on organic and cosmic connection, inner transformation, and the
natural cycle of decay and rebirth. “Mycelia” opens with a psychedelic intro before
embarking on the classic path with tribal interlockings, right before the
guitar explodes into heavy, syncopated riffs. The vocals feature sustained
phrasing and a pleasing tone. The nods to Tool's “Schism” are very evident
indeed. Mycelium, the underground fungal network connecting plant life, serves
as a metaphor for collective consciousness and the invisible interconnection of
matter. Hang drum-like sounds introduce “Olēka”. Here, in its
calm and melodic phase, they could even be compared to Soen, but the track
takes (as per their style) a different path and thrives on continuous dynamic
shifts, alternating rarefied verses with distortion-heavy choruses. The title
connects back to a sense of awareness regarding the delicacy of time. The
lyrics explore the transience of human experiences and the need for grounding
in the present moment. At this point comes a brief linking instrumental
titled “Signal: Becoming”, which leads into “The Reach”, a track driven by
strict odd meters and mood shifts. The atmospheric, psychedelic breakdown in
the middle of the song is a great touch. Rivas's thundering bass opens the ten-minute
mini-suite “Symbiosis”, where symbiosis is understood as a necessary
coexistence. The lyrics analyze the dual relationship between humanity and
nature, highlighting the mutual dependence between light and shadow. The music
begins with almost Post-Rock textures to develop into Heavy Prog sections where
bass and drums engage in tight polyrhythms: the true strength of Kolm. The act of spiritual and artistic creation arising
from the void or inner chaos is addressed in “Ex Nihilo”, but frankly, a few
yawns start to set in, as there is little variation compared to the preceding
tracks—and those that follow. It is clear that “Yūgen” is a fine album, but I feel
like recommending it only to fans of the aforementioned bands and Modern
Post-Prog; there are sudden and continuous changes, yet it relies a bit too
heavily on certain stylistic tropes that serve as a blueprint for the entire
sonic journey. MS
Con
“Liminality”, la band americana Sonus Umbra, in auge da oltre trent'anni,
raggiunge il ragguardevole traguardo del nono album in studio. L’album
riflette pienamente il marchio di fabbrica della band, con atmosfere scure, ritmiche
complesse, interplay intricato e l'inconfondibile impronta del basso di Nasser
abbinato al lavoro chitarristico di Tim McCaskey. “Liminality” oltretutto segna
il loro ritorno ai testi cantati, schierando l'ensemble più numeroso che la
formazione abbia presentato da anni: Steve Katsikas (voce solista, tastiere,
sassofono), Luis Nasser (basso, sound design), Tim McCaskey (chitarra acustica
ed elettrica), Rich Poston (chitarra elettrica ed acustica), Thor Bremer
(batteria, percussioni), Steve Royce (flauto, voce) e David Keller
(violoncello). Nel
proprio sound la band ha saputo sempre bilanciare melodie orecchiabili con la
tecnica, risultato non sempre semplice da mettere in pratica. Il concept viene
scritto da Luis Nasser durante e dopo una prolungata degenza in terapia
intensiva; il materiale è stato ideato o registrato mentre si trovava
ricoverato. Sette i brani divisi in due capitoli, 53 minuti sonori strutturati
come un'unica narrazione dal mondo dei vivi verso l'aldilà. L’album
si apre in maniera pulsante con gli otto minuti di “Electronic Death Music Pt
1”, dove la voce recita i versi crudi: “Terapia intensiva, priva di radici e
spietata, dove si fermano le mani fredde. Succhiano il tuo sangue mentre
affondi nella caverna sterile”. All’ascolto si estrapolano momenti vicini al
Peter Gabriel solista. Ottima la fase strumentale, grazie anche all’intervento
del sax. Anche
“Patient Spider” supera gli otto minuti ed entra in pieno mondo Prog anni ’70:
il flauto iniziale è un'immersione emotiva davvero profonda. Dolcezza ma anche
oscurità in un andamento greve che lascia spazio alla fuga strumentale di
chitarre, mentre il ritmo sale e muta come il genere vuole. Una canzone
toccante e oscura nel testo, di cui riporto un estratto: “Il freddo bacio della
morte ha rivelato una cosa, una cicatrice così grande. La ragnatela è una rete
di bugie, io indosso una corona, ma non sono un re”. Subentra
il violoncello in “Rubicon”, altro andamento variegato in cui si possono
estrapolare molte radici Prog che la storia ci ha consegnato. Il
"superamento del Rubicone" rappresenta il punto di non ritorno, la
scelta irreversibile di superare un limite interiore o esistenziale. Ed è la
volta della imponente “Phantasmagoria”, uno strumentale con flauto in cattedra
in cui gli strumenti si fondono fra cambi di tempo importanti e chitarre
elettriche energiche. Per chi vi scrive questo è uno dei momenti più alti
dell’intero concept, nove minuti di tanto ben di Dio per un fan del Prog. Un
riff elettrico apre “Uniquely Human”, altra mini suite di quasi dieci minuti
che combina sezioni melodiche malinconiche con improvvisi stacchi ritmici
complessi. Il basso di Luis Nasser sostiene le linee portanti, lasciando spazio
a soli di chitarra ed estensioni atmosferiche di synth. I Sonus Umbra
dimostrano ulteriormente di essere in ottima forma. Più
solare “Pain Is Beauty”, anche se gli intrecci armonici non toccano mai la
banalità. Il disco si chiude con “Hole In A Hole” e lascia un senso di
sospensione, coerentemente con il concetto di soglia "liminale". Tra
le pareti sterili di un reparto d'ospedale e il richiamo delle ombre, Luis
Nasser e i suoi compagni hanno estratto una materia sonora viva, imperfetta e
proprio per questo unicamente umana. “Liminality” mantiene esattamente ciò che
promette il suo titolo: ci lascia sospesi su quel varco dove la sofferenza si
fa insegnamento e la musica si trasforma nell'ultimo, potente baluardo contro
l'oblio. Consigliato agli amanti del Prog in generale, anche di scuola Genesis.
MS
With “Liminality”, the American band Sonus Umbra,
active for over thirty years, reaches the remarkable milestone of their ninth
studio album. The record fully reflects the band’s signature sound,
featuring dark atmospheres, complex rhythms, intricate interplay, and the
unmistakable touch of Nasser’s bass paired with Tim McCaskey’s guitar work.
Furthermore, “Liminality” marks their return to sung lyrics, deploying the
largest ensemble the lineup has presented in years: Steve Katsikas (lead
vocals, keyboards, saxophone), Luis Nasser (bass, sound design), Tim McCaskey
(acoustic and electric guitar), Rich Poston (electric and acoustic guitar),
Thor Bremer (drums, percussion), Steve Royce (flute, vocals), and David Keller
(cello). In their sound, the band has always managed to strike
a balance between accessible melodies and technical prowess—a result that is
not always easy to put into practice. The concept was written by Luis Nasser
during and after a prolonged stay in intensive care; the material was conceived
or recorded while he was hospitalized. Seven tracks divided into two chapters,
spanning 53 musical minutes structured as a single narrative from the world of
the living toward the afterlife. The album opens pulsingly with the eight-minute
“Electronic Death Music Pt 1”, where the vocals recite the raw lines: “ICU,
rootless and stark, where the cold hands stop. Suck your blood as you sink into
the sterile cave.” Upon listening, one can pick up moments reminiscent of solo
Peter Gabriel. The instrumental section is excellent, thanks in part to the
saxophone's contribution. “Patient Spider” also exceeds eight minutes and steps
fully into the 70s Prog world: the opening flute offers a truly profound
emotional immersion. Sweetness combined with darkness in a heavy tempo that
leaves room for an instrumental guitar flight, while the rhythm builds and
shifts as the genre demands. A touching song with a dark lyric, from which I
quote an excerpt: “The cold kiss of death revealed one thing, a scar so big.
The web is a net of lies, I wear a crown, but I'm no king.” The cello steps in on “Rubicon”, another multifaceted
track where one can trace many of the Prog roots that history has handed down
to us. "Crossing the Rubicon" represents the point of no return, the
irreversible choice to cross an inner or existential threshold. Then comes the
imposing “Phantasmagoria”, an instrumental centered around the flute where the
instruments blend amidst major time changes and energetic electric guitars. For
this writer, this is one of the highest points of the entire concept—nine
minutes of absolute delight for any Prog fan. An electric riff opens “Uniquely Human”, another
mini-suite of nearly ten minutes that combines melancholic melodic sections
with sudden, complex rhythmic shifts. Luis Nasser’s bass anchors the
foundation, making room for guitar solos and atmospheric synth textures. Sonus
Umbra prove once again that they are in prime form. More luminous is “Pain Is Beauty”, even if its
harmonic voicings never veer into cliché. The album closes with “Hole In A
Hole”, leaving a sense of suspension that aligns seamlessly with the concept of
a "liminal" threshold. Between the sterile walls of a hospital ward and the
call of the shadows, Luis Nasser and his bandmates have extracted a living,
imperfect soundscape—one that is, for that very reason, uniquely human.
“Liminality” delivers exactly what its title promises: it leaves us suspended
over that threshold where suffering becomes a lesson and music transforms into
the final, powerful bulwark against oblivion. Highly recommended for fans of
Prog in general, including the Genesis tradition. MS
PATTERN-SEEKING
ANIMALS – Grimalkin Giant
Electric Pea Records Genere:
Crossover Prog Supporto: LP / CD / Digital – 2026
Amanti
della band Americana Spock’s Beard, questa recensione è soprattutto per voi. “Grimalkin”
è il sesto album in studio del gruppo californiano Pattern-Seeking Animals, formatosi
a Los Angeles come evoluzione e costola artistica dei Spock's Beard. I membri
fondatori condividono un lungo percorso comune:
John Boegehold è produttore, tastierista, polistrumentista e storico
autore dei brani per i Spock's Beard, la mente creativa principale del
progetto. Ted Leonard è chitarrista e voce solista già frontman di Spock's
Beard e Enchant. Dave Meros è bassista
dal suono potente e ben definito, storico pilastro dei Spock's Beard. Infine, ma non per ultimo, Jimmy Keegan, batterista
ed espressivo corista (ex Spock's Beard). Nati
originariamente per dare uno sbocco discografico al copioso materiale composto
da Boegehold che non trovava spazio nella band madre, i Pattern-Seeking Animals
hanno sviluppato un'identità autonoma, caratterizzata da un Prog moderno,
melodico, orchestrale e focalizzato sulla forma canzone anziché sul virtuosismo
fine a se stesso. Il
titolo “Grimalkin” fa riferimento al termine arcaico/folclorico per indicare un
vecchio gatto domestico o una creatura misteriosa associata alla stregoneria.
Musicalmente, l'album consolida il Crossover Prog tipico della band,
bilanciando elementi sinfonici tradizionali anni '70 (Mellotron, organo) a
sonorità ed elementi etnici. Liricamente, i testi affrontano temi legati alla
natura percettiva della realtà, alla fuga, alla perdita di orientamento
spaziale/temporale e alla ricerca di un senso di appartenenza. I
brani sono generalmente dalla durata consistente, e lo si evince sin dal primo “Maybe
All A Dream” di quasi nove minuti, caratterizzato da cambi di tempo in 7/4,
atmosfere instabili, drum rolls e armonizzazioni vocali ricche. Tanto materiale
Spock’s ma altrettanta è la spiccata personalità dei Pattern-Seeking Animals, di
conseguenza non proprio un copia incolla della band madre. Bellissimo il frangente
pacato con un assolo di chitarra strappacuore. Il testo
riflette sul confine sottile tra percezione reale e illusione interiore. Anche
il consistente “A Flower Yet To Grow” non si distanzia molto dalle coordinate
del predecessore, Prog sinfonico melodico è introdotto da un'apertura di
pianoforte prima di svilupparsi in un groove solido guidato dal basso di Meros.
Sfrutta stacchi ritmici ed eleganti passaggi di Mellotron, affrontando il tema
delle potenzialità inespresse e della crescita personale. “Jade
Skyӏ
più raccolto e attento alla forma canzone rispetto quanto ascoltato sino ad
ora, così la breve “Things I Don't Do” di neanche tre minuti in cui la band
mostra il lato più intimistico, fra fraseggi di piano e voce.Il
testo esplora con lieve ironia le rinunce, i rimpianti e i confini personali. Le
strutture complesse riprendono con “Break Away”, con ottimi assoli di chitarra
di Ted Leonard. Il brano tratta la necessità morale di spezzare le catene e
sconfiggere la stasi. Fiati
accolgono “Traveler On The Wrong Road Home” in un andamento dal saporemediorientale.
Qui c’è lo smarrimento di chi tenta di tornare indietro pur sapendo che la
"casa" non esiste più. Altra mini suite di otto minuti è “Slowly
Falls The Flying Man”, qui gli archi conferiscono una caratteristica
prettamente sinfonica e ricercata negli arrangiamenti, in questo i Pattern-Seeking
Animals sono maestri.È una metafora del declino inevitabile
dopo un momento di grande elevazione. La
chiusura è intima e speranzosa ed è affidata a “I Dream The World”, un finale
più lento e melodico, dominato dalla voce calda di Leonard, che chiude il
cerchio concettuale aperto dalla traccia d'apertura lasciando un messaggio di
ricostruzione interiore. “Grimalkin”
dimostra come i Pattern-Seeking Animals non siano più da tempo una semplice
costola dei Spock's Beard, ma un’entità con una propria, chiarissima identità
espressiva. John Boegehold e soci confezionano un lavoro maturo, equilibrato e
privo di autocompiacimento, capace di far convivere l'impatto melodico con la
complessità delle strutture Progressive. Per chiunque cerchi un Prog Rock
contemporaneo elegante, raffinato e ricco di sfumature emotive, questo è un ascolto
imprescindibile. MS
Versione Inglese:
PATTERN-SEEKING ANIMALS – Grimalkin Giant Electric Pea Records Genre: Crossover Prog Format: LP / CD / Digital – 2026
Lovers of the American band Spock’s Beard, this review
is especially for you. “Grimalkin” is the sixth studio album by the
Californian group Pattern-Seeking Animals, formed in Los Angeles as an
evolution and artistic offshoot of Spock's Beard. The founding members share a
long history together: John Boegehold is a producer, keyboardist,
multi-instrumentalist, and long-time songwriter for Spock's Beard, acting as
the main creative mind behind the project. Ted Leonard is the guitarist and
lead vocalist, previously frontman for Spock's Beard and Enchant. Dave Meros is
a bassist with a powerful and well-defined sound, a historic pillar of Spock's
Beard. Last but not least, Jimmy Keegan, drummer and expressive backing
vocalist (ex-Spock's Beard). Originally born to provide a recording outlet for the
copious material composed by Boegehold that found no room within the parent
band, Pattern-Seeking Animals have developed an autonomous identity,
characterized by modern, melodic, and orchestrally rich Prog focused on song
structure rather than virtuosity for its own sake. The title “Grimalkin” refers to the archaic/folklore
term for an old domestic cat or a mysterious creature associated with
witchcraft. Musically, the album consolidates the band's signature Crossover
Prog, balancing traditional 70s symphonic elements (Mellotron, organ) with world
music textures and nuances. Lyrically, the tracks address themes related to the
perceptual nature of reality, escape, the loss of spatial and temporal
orientation, and the search for a sense of belonging. The tracks are generally substantial in length, as
evidenced right from the opener “Maybe All A Dream”, running nearly nine
minutes and featuring 7/4 time signature shifts, unstable atmospheres, drum
rolls, and rich vocal harmonies. There is plenty of Spock’s material here, but
just as much of Pattern-Seeking Animals' distinct personality, resulting in
something far from a carbon copy of the parent band. The quiet passage
featuring a heart-wrenching guitar solo is absolute perfection. The lyrics
reflect on the fine line between real perception and inner illusion. The substantial “A Flower Yet To Grow” does not stray
far from the coordinates of its predecessor; this melodic symphonic Prog piece
is introduced by an opening piano motif before developing into a solid groove
driven by Meros' bass. It leverages rhythmic breaks and elegant Mellotron
passages while addressing the theme of unfulfilled potential and personal
growth. “Jade Sky” is more understated and focused on song
structure compared to what has been heard so far, much like the brief “Things I
Don't Do”—clocking in under three minutes—where the band displays its more
intimate side through piano phrasing and vocals. The lyrics explore sacrifices,
regrets, and personal boundaries with subtle irony. Complex structures resume with “Break Away”, boasting
excellent guitar solos by Ted Leonard. The track deals with the moral necessity
of breaking free from chains and overcoming stagnation. Brass instruments welcome “Traveler On The Wrong Road
Home” with a Middle Eastern-flavored tempo. Here lies the bewilderment of
someone trying to turn back while knowing that "home" no longer
exists. Another eight-minute mini-suite is “Slowly Falls The Flying Man”, where
strings lend a purely symphonic and sophisticated quality to the
arrangements—an area where Pattern-Seeking Animals are true masters. It serves
as a metaphor for the inevitable decline following a moment of great elevation. The closing is intimate and hopeful, entrusted to “I
Dream The World”—a slower, melodic finale dominated by Leonard's warm vocals
that closes the conceptual circle opened by the title track, leaving behind a
message of inner reconstruction. “Grimalkin” proves that Pattern-Seeking Animals have
long ceased to be a mere offshoot of Spock's Beard, standing instead as an
entity with its own crystal-clear expressive identity. John Boegehold and
company deliver a mature, balanced, and unpretentious work capable of blending
melodic impact with the complexity of Progressive structures. For anyone
seeking elegant, refined contemporary Prog Rock packed with emotional nuance,
this is an essential listen. MS
