Legacy Pilots

LEGACY PILOTS - Camera Obscura Vol. I & Vol. II
Just For Kicks Music
Genere: Symphonic Prog / Art Rock / Fusion
Supporto: CD / Vinyl / Digital – 2026

Il progetto Legacy Pilots, guidato dal talentuoso polistrumentista, compositore e tastierista Frank Us, compie il suo passo più ambizioso pubblicando “Camera Obscura”, un monumentale lotto di musica diviso in due volumi distinti. Sebbene i due dischi mantengano una forte continuità concettuale basata sulla percezione della realtà che ci circonda (la "camera oscura" che capovolge le immagini del mondo esterno), le due parti mostrano sfaccettature musicali differenti: il “Volume I” regala momenti più melodici, sinfonici e d'ampio respiro, mentre il “Volume II” osa addentrarsi in territori più complessi, scuri ed eccentrici.
Come da tradizione per la band, la formazione assemblata da Frank Us (impegnato alle tastiere, chitarre e programmazioni) è a dir poco stellare, reclutando pesi massimi del Prog mondiale come Todd Sucherman (Styx), Marco Minnemann, Pete Trewavas (Marillion, Transatlantic), Lars Slowak, e prestando particolare cura alle parti vocali affidate a John Mitchell (Arena, Lonely Robot), Finally George e Jake Livgren (Emerald City Council).
Il primo volume mette in mostra la straordinaria maestria di Frank Us in cabina di arrangiamento, bilanciando elementi sinfonici vintage con spunti fusion e delicate aperture cantate.
La narrazione si apre con questa magnifica suite in tre parti intitolata “Midnight Tide Parts I-III” che mette subito in chiaro l'anima dell'album fondendo maestose trame di tastiera a passaggi jazzati leggeri e improvvisati. C'è anche spazio per un ospite d'eccezione, il leggendario Steve Morse (Deep Purple, Dixie Dregs), che firma un assolo di chitarra d'antologia nella prima parte.
“My Anchor” è un pezzo guidato dalla splendida voce di Liza. Una traccia emozionante, intima, retta dal drumming preciso di Todd Sucherman e dal basso di Lars Slowak.
Segue “Cloud City”, movimento interamente guidato dalle tastiere di Frank Us, dove il sinfonismo incontra la pulizia ritmica della Fusion.
“A Fleeting Echo” è invece uno dei vertici emotivi del disco, con la voce di Finally George e la chitarra solista di Seth Hankerson in cattedra. Il brano evoca atmosfere spaziali e riflessive sul posto dell'uomo nell'universo, muovendosi su dinamiche acustiche e sinfoniche di rara eleganza.
Gradevole “Time Never Pauses”, brano serrato, scandito dal ticchettio del tempo che non lascia spazio al riposo. Sorretto dalle geometrie ritmiche di Marco Minnemann e dal basso pulsante di Pete Trewavas, offre un'ottima prova corale con le voci di Finally George e la chitarra solista di Hankerson.
Il “Volume I” si conclude con “Afterglow” della quale esiste anche la versione Radio Edit , perfetta ed emozionante chiusura. La voce drammatica e profonda di John Mitchell si adagia su una melodia cullante e drammatica al tempo stesso.
E veniamo ora al “Volume II”, mentre il primo disco esplora la limpidezza della luce, questo gira la lente d'ingrandimento verso il lato più intricato, cerebrale e a tratti inquietante della mente umana.
“The Illusion Of Knowing”  è una maestosa suite di circa 15 minuti che rappresenta il fulcro creativo del secondo volume. Strutturata in movimenti (tra cui la splendida sezione “Scene 3 – Echoes Of Believe”), vede Jake Livgren alla voce e Seth Hankerson alla chitarra muoversi in un labirinto di cambi di tempo continui gestiti da Sucherman.
“Leave The Prison” ha anima, e spinge l'ascoltatore ad evadere dalle gabbie mentali delle opinioni altrui. Nell’album ci sono anche due brani che fondono il Jazz Rock e l'Art Rock e s’intitolano “So Obvious While Obscure “ e “I'm Running” dove Marco Minnemann e il basso di Lars Slowak frammentano il groove per supportare le linee vocali di Finally George, in una corsa ritmica travolgente.
“Fear Pt. Three (Continuation)” e  “Haunted House” hanno toni decisamente cupi e teatrali. In “Haunted House” (con Kai Weidle alla batteria) le tastiere di Frank Us ricreano tappeti Horror Prog e barocchi di grande effetto drammatico, mentre “Fear Pt. Three” ha molti punti in comune con la musica di Robert Fripp (King Crimson).
Con il dittico “Camera Obscura”, Frank Us firma l'opera definitiva dei Legacy Pilots. Il pregio immenso di questo lavoro è l'assoluta libertà di fruizione lasciata all'ascoltatore in cui si può scegliere il primo volume per un viaggio melodico e sinfonico, o il secondo per perdersi in meandri ritmici scuri e complessi. Nonostante la sfilata di ospiti altisonanti, la visione di Frank Us resta saldamente al centro di ogni nota, confezionando una produzione pulitissima, profonda nei testi e imponente negli arrangiamenti. Un bellissimo lavoro. MS

Versione Inglese: 

LEGACY PILOTS - Camera Obscura Vol. I & Vol. II
Just For Kicks Music
Genre: Symphonic Prog / Art Rock / Fusion
Format: CD / Vinyl / Digital – 2026

The Legacy Pilots project, led by the talented multi-instrumentalist, composer, and keyboardist Frank Us, takes its most ambitious step yet by releasing “Camera Obscura,” a monumental body of music divided into two distinct volumes. Although both records maintain a strong conceptual continuity based on the perception of the reality around us (the "camera obscura" that flips images of the outside world upside down), the two parts showcase different musical facets: “Volume I” delivers more melodic, symphonic, and wide-ranging moments, while “Volume II” dares to venture into more complex, dark, and eccentric territories.
As is tradition for the band, the lineup assembled by Frank Us (handling keyboards, guitars, and programming) is nothing short of stellar, recruiting world-class Prog heavyweights such as Todd Sucherman (Styx), Marco Minnemann, Pete Trewavas (Marillion, Transatlantic), and Lars Slowak, while paying meticulous attention to the vocal parts entrusted to John Mitchell (Arena, Lonely Robot), Finally George, and Jake Livgren (Emerald City Council).
The first volume showcases Frank Us's extraordinary mastery in the arranger's chair, balancing vintage symphonic elements with fusion cues and delicate vocal openings.
The narrative opens with a magnificent three-part suite titled “Midnight Tide Parts I-III,” which immediately clarifies the album's core identity by blending majestic keyboard textures with light, improvised jazz-tinged passages. There is also room for a very special guest, the legendary Steve Morse (Deep Purple, Dixie Dregs), who delivers an anthology-worthy guitar solo in the first part.
“My Anchor” is a track driven by the splendid vocals of Liza. It is an emotional, intimate song, anchored by Todd Sucherman’s precise drumming and Lars Slowak’s bass.
Next comes “Cloud City,” a movement entirely driven by Frank Us's keyboards, where symphonism meets the crisp rhythmic precision of Fusion.
On the other hand, “A Fleeting Echo” stands as one of the emotional peaks of the record, with Finally George’s vocals and Seth Hankerson’s lead guitar taking center stage. The track evokes spatial atmospheres and reflections on man's place in the universe, moving through acoustic and symphonic dynamics of rare elegance.
The pleasant “Time Never Pauses” is a tight, driving track, ticked away by the passing of time that leaves no room for rest. Sustained by Marco Minnemann’s rhythmic geometries and Pete Trewavas’s pulsing bass, it offers an excellent choral performance featuring the vocals of Finally George and Hankerson’s lead guitar.
“Volume I” concludes with “Afterglow” (which also includes a Radio Edit version), serving as a perfect and deeply moving closer. John Mitchell’s dramatic and profound vocals rest upon a melody that is simultaneously cradling and dramatic.
And now we come to “Volume II.” While the first disc explores the clarity of light, this one turns the magnifying glass toward the more intricate, cerebral, and at times unsettling side of the human mind.
“The Illusion Of Knowing” is a majestic, roughly 15-minute suite that represents the creative centerpiece of the second volume. Structured in movements (including the splendid section “Scene 3 – Echoes Of Believe”), it features Jake Livgren on vocals and Seth Hankerson on guitar navigating a labyrinth of continuous time-signature changes masterfully handled by Sucherman.
“Leave The Prison” has a profound soul, urging the listener to break free from the mental cages of other people's opinions. The album also features two tracks that seamlessly blend Jazz Rock and Art Rock, titled “So Obvious While Obscure” and “I'm Running,” where Marco Minnemann and Lars Slowak's bass fragment the groove to support Finally George's vocal lines in an overwhelming rhythmic race.
“Fear Pt. Three (Continuation)” and “Haunted House” carry decidedly dark and theatrical tones. In “Haunted House” (featuring Kai Weidle on drums), Frank Us's keyboards recreate horror-prog and baroque tapestries to great dramatic effect, while “Fear Pt. Three” shares many common threads with the music of Robert Fripp (King Crimson).
With the “Camera Obscura” diptych, Frank Us delivers the definitive work of Legacy Pilots. The immense merit of this release lies in the absolute freedom of choice left to the listener, who can pick the first volume for a melodic and symphonic journey, or the second to get lost in dark and complex rhythmic meanders. Despite the parade of high-profile guests, Frank Us's vision remains firmly at the center of every single note, delivering a pristine production, deep lyrics, and grand arrangements. A beautiful piece of work. MS

Elektradrive

ELEKTRADRIVE – Live!
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Hard Rock Melodico
Supporto: 2CD – 2026

Non c’è nulla da fare, l’Hard Rock melodico dal vivo ha una marcia in più e fa capire perché questa musica non avrà mai fine. Se a farlo poi è una band storica come la torinese Elektradrive, allora gli ingredienti giusti per una perfetta riuscita ci sono tutti.
Non ricordo a memoria un live di una band italiana uscito in doppio CD, e “Live!” nasce per celebrare i quarant'anni di carriera della band, la cui avventura discografica è iniziata nei primi anni Ottanta. Dopo una pausa durata circa un decennio, nel 2023 gli Elektradrive decidono di rimettersi in gioco e, cosa fondamentale, di riunire la formazione originale. Ecco dunque Simone Falovo (chitarra, cori), Elio Maugeri (voce, cori), Stefano Turolla (basso, cori), Alex Jorio (batteria, cori) e Eugenio Manassero (tastiere, cori), cimentarsi nuovamente in un Hard Rock melodico e AOR, capaci all'epoca di conquistare anche la critica internazionale.
Il materiale che compone le tracce è stato catturato durante le intense serate della reunion tra il 2023 e il 2024, in particolare durante i concerti dedicati anche al 35° anniversario di “Due”. Come dichiarato dal chitarrista e membro fondatore Simone Falovo, le venti tracce incluse nel doppio CD sono state volutamente pubblicate senza sovraincisioni o correzioni in studio (no overdubbing). La band ha voluto consegnare ai fan una fotografia autentica, umana e pulsante, accettando anche le piccole imperfezioni fisiologiche di un vero concerto Rock, per questo si respira aria pura e coinvolgente. Il materiale audio è stato affidato alle mani esperte di Simone Falovo stesso, che si è occupato del mixaggio e del mastering presso i Fandango Studios. Questo ha permesso di mantenere il suono esattamente come la band voleva che fosse percepito, ossia potente, nitido, ma senza quella laccatura artificiale tipica di molti live moderni. Il basso di Stefano Turolla e la cassa di Alex Jorio spingono molto, restituendo la dinamica di un club o di un festival Rock.
I venti brani che compongono la testimonianza, fungono da perfetto compendio storico, andando a pescare equamente dai loro quattro celebrati album in studio e persino dagli esordi assoluti.
Il CD 1 parte proprio dalle radici, con l'intro “Take Off” che sfocia nella potente “Secret Of The Holy Grave” e nella successiva “Lord Of The Rings”, entrambe tratte dal debutto “Over The Space” del 1986.
Il glorioso passato AOR vede ampio spazio attraverso le gemme estratte da “Due” (1989), tra cui spicca l'epica “A Man That Got No Heart”, scelta anche come singolo videoclip promozionale per lanciare il live, e ballate d'alta scuola come “Still Remember”, dove emerge il sopraffino lavoro solista di Falovo.
Per gli anni ’90 tanta carne al fuoco, da “Big City” (1993) vengono riproposti classici d'impatto come “The Riot Of The Young Guns” e la splendida ballad “Lucille”, che mettono in mostra la pulizia dei cori polifonici, da sempre marchio di fabbrica della band. E poi due chicche imperdibili, la recente “Dirty War Of Bloody Angels” tratta da “Living 4 del 2009 e soprattutto il ripescaggio di “Brainstorm”, il loro primissimo e storico singolo d'esordio datato 1984.
Il sound complessivo del live beneficia del contrasto naturale tra le tastiere precise di Massanero (eccellente l'intro "meccanica" di “Time Machine”) e i riff quadrati di Falovo, sorretti da una sezione ritmica monumentale e dalla voce sempre graffiante e comunicativa di Maugeri. Una delle sorprese più grandi per gli addetti ai lavori è stata la performance vocale di Elio Maugeri. Spesso i cantanti storici della scena Hard Heavy tendono ad abbassare l'accordatura dei brani dal vivo per proteggere le corde vocali sulle note più alte. Gli Elektradrive hanno scelto di suonare i pezzi nelle tonalità originali, e Maugeri regge l'impatto con una ruvidità e un'estensione impressionanti, specialmente sui brani più ostici di “Due” e “Over The Space”.
Questo doppio lavoro firmato Andromeda Relix non vuole essere un documento nostalgico, ma la prova tangibile della vitalità e della maturità artistica intatta di una band che ha scritto pagine indelebili del Rock duro italiano.
Non fatevelo sfuggire per nessun motivo, perché per affrontare la vita serve energia e freschezza e gli Elektradrive sanno come ricaricarvi. Musica per tutti i palati! MS

Versione Inglese:

ELEKTRADRIVE – Live!
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Melodic Hard Rock
Format: 2CD – 2026

There is simply no way around it: melodic Hard Rock recorded live has an extra gear, making it perfectly clear why this music will never die. When it is delivered by a historic band like Turin's own Elektradrive, all the right ingredients for a flawless outcome are fully in place.
I cannot recall from memory a live album by an Italian band released as a double CD, and “Live!” was born to celebrate the band's forty-year career, a recording journey that began in the early 1980s. Following a hiatus that lasted about a decade, in 2023 Elektradrive decided to get back into the game and, crucially, to reunite the original lineup. And so, here are Simone Falovo (guitar, backing vocals), Elio Maugeri (lead vocals, backing vocals), Stefano Turolla (bass, backing vocals), Alex Jorio (drums, backing vocals), and Eugenio Manassero (keyboards, backing vocals), once again testing their mettle with a brand of melodic Hard Rock and AOR that, back in the day, was capable of winning over international critics as well.
The material making up the tracks was captured during the intense nights of the reunion between 2023 and 2024, particularly during the concerts also dedicated to the 35th anniversary of “Due”. As declared by guitarist and founding member Simone Falovo, the twenty tracks included in the double CD were deliberately released without studio overdubbing or corrections (no overdubbing). The band wanted to deliver an authentic, human, and pulsing snapshot to their fans, embracing even the small, physiological imperfections of a real Rock concert, which is exactly why the album breathes such a pure and engaging atmosphere. The audio material was entrusted to the expert hands of Simone Falovo himself, who handled the mixing and mastering at Fandango Studios. This allowed the sound to remain exactly as the band intended it to be heard: namely powerful and crisp, yet without that artificial, glossy finish typical of many modern live albums. Stefano Turolla's bass and Alex Jorio's kick drum punch right through, delivering the true dynamics of a Rock club or festival.
The twenty songs that make up this testimony serve as a perfect historical compendium, pulling equally from their four celebrated studio albums and even from their absolute earliest days.
CD 1 starts right from the roots, with the intro “Take Off” flowing into the powerful “Secret Of The Holy Grave” and the subsequent “Lord Of The Rings”, both taken from their 1986 debut “Over The Space”.
The glorious AOR past is given ample space through the gems extracted from “Due” (1989), most notably the epic “A Man That Got No Heart”—also chosen as the promotional video single to launch the live album—and high-class ballads like “Still Remember”, which highlights Falovo's exquisite solo work.
For the '90s era, there is plenty of fuel for the fire: from “Big City” (1993), hard-hitting classics such as “The Riot Of The Young Guns” and the splendid ballad “Lucille” are brought back, showcasing the pristine polyphonic backing vocals that have always been the band's trademark. On top of that, we get two unmissable gems: the recent “Dirty War Of Bloody Angels” taken from 2009's “Living 4”, and above all, the revival of “Brainstorm”, their very first and historic debut single dating back to 1984.
The live album's overall sound benefits from the natural contrast between Massanero's precise keyboards (such as the excellent, "mechanical" intro to “Time Machine”) and Falovo's tight, chunky riffs, all backed by a monumental rhythm section and Maugeri's ever-gritty, expressive vocals. One of the biggest surprises for insiders was the vocal performance of Elio Maugeri. Often, veteran singers in the Hard & Heavy scene tend to drop the tuning of songs live to protect their vocal cords on the higher notes. Elektradrive chose to play the tracks in their original keys, and Maugeri holds his ground with impressive grit and range, especially on the more demanding tracks from “Due” and “Over The Space”.
This double album released by Andromeda Relix is not meant to be a nostalgic document, but tangible proof of the undiminished vitality and artistic maturity of a band that has written indelible pages of Italian hard Rock.
Do not let this one slip away for any reason; facing life requires energy and freshness, and Elektradrive certainly know how to recharge your batteries. Music for all palates! MS

Black Reflex

BLACK REFLEX – Zero Dawn
Andromeda Relix
Genere: Heavy Metal
Supporto: CD – 2026

Posso dire, a ragion veduta, che l’Italia nel tempo ha saputo portare avanti con orgoglio la bandiera dell’Heavy Metal, lasciando sempre viva la fiaccola dell’interesse. È vero che siamo tendenzialmente esterofili, tuttavia sappiamo riconoscere la valenza delle nostre band che nel tempo si sono date la staffetta. Tutto ciò grazie anche a riviste di settore, canali web, ma soprattutto alla professionalità e al coraggio di case discografiche nostrane che, come salmoni, hanno saputo risalire le forti acque del mainstream. Una di queste è l’Andromeda Relix di Gianni Della Cioppa. Sempre attenta al territorio, soprattutto locale (Veneto), ha dato voce a numerose bellissime realtà, una delle più recenti si chiama Black Reflex e si è formata a Vicenza nel 2018.
Dopo l’ottimo esordio datato 2021 intitolato proprio “Black Reflex”, c’è ancora pane per i denti degli affamati di sonorità Iron Maiden, Anthrax e In Flames in questo nuovo come-back intitolato “Zero Dawn”.
I creatori del progetto Giovanni Angiolin (ex H.Kristal, Arthur Falcone, ecc.) alla batteria, e il chitarrista Davide “Ian” Valle (ex X Hero, Crisalide), si coadiuvano di musicisti come Mirko Dorian Fabris (chitarra), Bruno Collareda (basso), ma soprattutto della cantante Francesca Battistini, collaboratrice della storica band White Skull e figura centrale del progetto.
In “Zero Dawn” ci propongono nove brani di metallo colante, con uno sguardo al passato ma con i piedi nel presente, realizzando un lavoro potente e allo stesso tempo fresco nelle sonorità. Il bellissimo ed oscuro artwork sa immergere l’ascoltatore perfettamente nel contesto sonoro (in riflessione). I testi, pur mantenendo quell'attitudine energica tipica del genere, affrontano dinamiche molto umane, come la rivalsa personale, la disillusione, la ricerca di una propria dimensione e il superamento delle gabbie mentali.
“Come To Real Life” è subito un invito diretto e privo di fronzoli a svegliarsi dal torpore. Parla della necessità di abbandonare le illusioni, le dipendenze che siano tecnologiche, mentali o relazionali, e le proiezioni fittizie per tornare a impattare con la realtà cruda e tangibile. Vivere la vita vera, con tutti i suoi rischi. La ritmica potente e roboante riesce a spingere il sound tagliente delle chitarre e la bella voce di Francesca in lidi Iron Maiden e dintorni. Ottimi i solo di chitarra!
L’Hard ‘n’ Heavy di “I Feel The Fool” esplora l'amara sensazione di essersi fidati delle persone sbagliate o di aver investito energie in situazioni fallimentari. Quel momento di consapevolezza in cui ci si guarda allo specchio e ci si sente, appunto, dei "pazzi" o degli ingenui. C'è però una forte dose di autoironia e la rabbia giusta per voltare pagina. NWOBHM e presente, un ottimo connubio.
Una delle tracce più intime del lavoro s’intitola “I’ll Be Your Home”, senza perdere assolutamente di potenza. A tratti mi ricordano i Metal Church di “The Dark”, mentre il testo parla di protezione, supporto e legami indissolubili. Offrire se stessi come un "rifugio" sicuro per qualcuno che sta attraversando tempeste personali. Un brano che mette al centro l'empatia e la vicinanza emotiva. Chicca metallica.
L’Up-tempo di “Life Is Now” apporta positività all’insieme declamando che il passato è andato, il futuro è incerto e l'unico momento che conta davvero per agire e cambiare le cose è il presente. Un inno a non rimandare la propria felicità. Squarci di sole specialmente nel ritornello. Decisamente malleabile l’approccio vocale di Francesca Battistini.
La band torna a tuonare con il Thrash Dark cadenzato di “Nowhere Noway”, un pugno in faccia che racconta una situazione di stallo totale, quel senso di claustrofobia esistenziale dove sembra non esserci né una direzione da prendere, né una via d'uscita possibile. Si è davanti a un muro di gomma!
Uno dei migliori ritornelli lo si può godere in “I Won't Let You Fall In”, brano aperto dall’arpeggio di chitarra e con il basso al seguito. Delicato nell’incedere, riesce a esaltare le qualità canore porgendo nel testo una mano tesa nel momento del bisogno assoluto. Una promessa solenne di non permettere a una persona cara di scivolare nel baratro.
Riscatto ed orgoglio in “Time To Be Mine”: rasoiato e ben strutturato, il pezzo si affaccia negli anni ’80 con consapevolezza ma anche con un pizzico di Paradise Lost! Invece atmosfera tesa e graffiante per “Nobody Talk”, una critica all'ipocrisia comunicativa e al silenzio complice o indifferente che spesso si respira nei contesti sociali. La musica e l'urlo Rock diventano l'unico modo per rompere l'omertà della quotidianità e concedetemi di dire che li capisco alla grande.
E si conclude con “Escaping From The Nightmare”, epica e possente, è un degno suggello per questo lavoro dalle mille sfaccettature.
La forza di “Zero Dawn” risiede nella sua capacità di far convivere la spinta elettrica del genere con un percorso lirico intimo e a tratti catartico. Un disco maturo, capace di far riflettere oltre che di far battere il piede. Viva il Metal italiano! MS

https://www.facebook.com/reel/1659289698730251

Versione Inglese:

BLACK REFLEX – Zero Dawn
Andromeda Relix
Genre: Heavy Metal
Format: CD – 2026

With good reason, I can say that over time Italy has been able to proudly carry the Heavy Metal banner, always keeping the torch of interest alive. It is true that we tend to prefer foreign music, yet we know how to recognize the value of our own bands that have passed the baton over the years. All this is also thanks to music magazines, web channels, but above all to the professionalism and courage of homegrown record labels that, like salmon, have managed to swim up the strong waters of the mainstream. One of these is Gianni Della Cioppa's Andromeda Relix. Always attentive to the territory, especially locally (Veneto), it has given a voice to numerous beautiful realities; one of the most recent is called Black Reflex, formed in Vicenza in 2018.
After their excellent debut in 2021 entitled simply “Black Reflex”, there is still plenty for fans of Iron Maiden, Anthrax, and In Flames sounds to sink their teeth into on this new come-back album, “Zero Dawn”.
The creators of the project, Giovanni Angiolin (ex-H.Kristal, Arthur Falcone, etc.) on drums, and guitarist Davide “Ian” Valle (ex-X Hero, Crisalide), are backed by musicians like Mirko Dorian Fabris (guitar), Bruno Collareda (bass), and above all singer Francesca Battistini, a collaborator of the historic band White Skull and a central figure of the project.
In “Zero Dawn” they offer us nine tracks of molten metal, with a look to the past but with feet firmly planted in the present, delivering a work that is both powerful and fresh in its sound. The beautiful and dark artwork perfectly immerses the listener into the sonic context (in reflection). The lyrics, while maintaining that energetic attitude typical of the genre, face very human dynamics, such as personal revenge, disillusionment, the search for one's own dimension, and overcoming mental cages.
“Come To Real Life” is immediately a direct and no-nonsense invitation to wake up from torpor. It speaks of the need to abandon illusions, dependencies—whether technological, mental, or relational—and fictitious projections to return to impacting raw and tangible reality. Living real life, with all its risks. The powerful and thundering rhythm section manages to push the sharp sound of the guitars and Francesca’s beautiful voice into Iron Maiden territories and surroundings. Excellent guitar solos!
The Hard 'n' Heavy of “I Feel The Fool” explores the bitter feeling of having trusted the wrong people or having invested energy in failing situations. That moment of awareness when you look in the mirror and feel, precisely, like a "fool" or naive. There is, however, a strong dose of self-irony and just the right amount of anger to turn the page. NWOBHM and the present: a great combination.
One of the most intimate tracks of the work is titled “I’ll Be Your Home”, without losing any power whatsoever. At times they remind me of Metal Church during “The Dark” era, while the lyrics speak of protection, support, and unbreakable bonds. Offering oneself as a safe "refuge" for someone going through personal storms. A track that puts empathy and emotional closeness at the center. A metal gem.
The Up-tempo of “Life Is Now” brings positivity to the whole, proclaiming that the past is gone, the future is uncertain, and the only moment that really matters to act and change things is the present. An anthem to not postpone one's happiness. Flashes of sunlight, especially in the chorus. Francesca Battistini's vocal approach is decidedly versatile.
The band returns to thunder with the syncopated Dark Thrash of “Nowhere Noway”, a punch in the face that tells of a situation of total stalemate, that sense of existential claustrophobia where there seems to be neither a direction to take nor a possible way out. You are up against a rubber wall!
One of the best choruses can be enjoyed in “I Won't Let You Fall In”, a song opened by a guitar arpeggio with the bass following right behind. Delicate in its pacing, it manages to enhance the vocal qualities while offering, in the lyrics, a helping hand in the moment of absolute need. A solemn promise not to let a loved one slip into the abyss.
Redemption and pride in “Time To Be Mine”: sharp and well-structured, the track looks back to the '80s with awareness but also with a touch of Paradise Lost! On the other hand, there is a tense and gritty atmosphere in “Nobody Talk”, a critique of communicative hypocrisy and the complicit or indifferent silence that is often breathed in social contexts. The music and the Rock scream become the only way to break the omertà of daily life—and allow me to say that I understand them completely.
And it concludes with “Escaping From The Nightmare”: epic and mighty, it is a worthy seal for this multi-faceted work.
The strength of “Zero Dawn” lies in its ability to bring together the electric drive of the genre with an intimate and at times cathartic lyrical journey. A mature album, capable of making you reflect as well as making you tap your foot. Long live Italian Metal! MS

Bernardo Lanzetti

BERNARDO LANZETTI – Inseguendo Il Maestro
Internazional distr. Warner
Genere: Progressive Rock / cantautore
Supporto: CD / Digital – 2026

La storia della musica italiana è ricca di grandi voci, meno nel Progressive Rock (a parte i soliti noti), una pecca che non abbiamo mai saputo sanare neppure nel tempo. Fra i più importanti vocalist in questo genere c’è Bernardo Lanzetti, sul quale è stato scritto e detto moltissimo. Cinquant’anni di carriera non sono li per caso!
“Inseguendo Il Maestro” non è altro che un nuovo perfetto tassello che va ad impreziosire il puzzle della sua strepitosa carriera.
Ciò che salta subito all’orecchio è la scelta linguistica, perchè l'album è composto di 10 brani cantati interamente in italiano. Per un artista che ha legato moltissimo del suo successo storico all'inglese (si pensi agli album internazionali della PFM come “Chocolate Kings” o “Jet Lag” e ai lavori con gli Acqua Fragile), questa scelta sottolinea la volontà di mettere al centro la parola, la profondità poetica e una comunicazione più diretta con le proprie radici.
Il titolo stesso dell'album funge da manifesto programmatico. Come dichiarato dallo stesso Lanzetti:
"Si può essere veramente originali e comunicativi anche rispettando i maestri del passato e muovendosi continuamente alla ricerca di raggiungere nobili obiettivi sfuggenti e luoghi dell'anima prima nascosti.". 
L'album presenta una scaletta molto equilibrata dal punto di vista della scrittura, otto brani inediti, nati da una nuova chiave compositiva in cui Lanzetti ha cercato la perfetta fusione tra melodia, ricerca armonica ed espressività e due nuove versioni di canzoni che aveva originariamente composto e scritto in passato per Ornella Vanoni, qui riarrangiate e reinterpretate in prima persona.
A livello musicale, l’autore non abbandona la sua matrice originaria legata al Progressive Rock e all'Art Rock, ma la declina in una veste più matura e focalizzata sulla forma canzone.
Un ruolo centrale in questo disco lo gioca la chitarra, il cantante ha sviluppato per l'album un approccio non convenzionale allo strumento, non utilizzandolo per virtuosismi fini a se stessi, ma trasformandolo in un vero e proprio tessuto espressivo che supporta la sua inconfondibile voce, da sempre caratterizzata da quel vibrato unico e da una forte teatralità drammatica.
Suonano nell’album: Bernardo Lanzetti (voce), Tommy Bradascio, Raffaele Contorni, Giovanni Massari, Lele Melotti (batteria), Dario Mazzoli (basso), Fabrizio “Bicio” Leo, Bernardo Lanzetti, Marco Vecchio, Luca Verde (chitarra), Antonio Benetto, Roberto Binetti, Nicola Manniello (tastiere) Giancarlo Porro (sax), Sebastiano Maretti, Paolo Raineri, Mauro Vergimigli (fiati), Alberto Callegari, Dario Mazzoli, Giovanni Massari (percussioni), Bernardo Lanzetti, Wilma Milani, Dario Mazzoli, Marco Vecchio (cori).
La title track che apre l'album definisce il concept dell'opera. È un brano dal forte impatto simbolico che parla di ricerca, ispirazione e del cammino artistico e umano, costantemente teso verso un ideale o una guida spirituale e professionale. La forma canzone richiama sia gli anni ’70 che ’80, la storia delle melodie nostrane.
“Amato Canto” è una dedica alla musica stessa, vista come rifugio e compagna di vita. Le chitarre elettriche donano al brano una ruvidità maggiore mitigata solamente dai bei cori femminili.
Firmato nei testi da Lanzetti insieme a Ornella Vanoni, “Non Andare” è una ballata crepuscolare ed emozionante che affronta il tema del distacco, dell'abbandono e della supplica romantica, dove la caratteristica voce di Bernardo tocca corde molto intime.
Scritto in collaborazione con il tastierista e compositore Vic Ricca, “Boom Boomer” si stacca per un tono più ironico ed energico. Gioca con ironia e un pizzico di disincanto sulle dinamiche generazionali contemporanee e sullo scontro temporale vissuto da chi appartiene a quella precisa epoca. Un bel Rockaccio.
Più distesa e melodica “Quanti Baci” dal sapore anni ’60 e l'attenzione si sposta sulle piccole cose e sui gesti quotidiani d'affetto.
Più introspettivo “Brandelli”, dove si scava nella frammentarietà dei ricordi e delle esperienze che compongono l'identità di un uomo. Tuttavia sempre di buon Rock vigoroso si tratta. Qui ottimi gli arrangiamenti dei fiati.
Con un inizio Blues, “Mai Dire Mai” è un inno alla resilienza e alla speranza che si sviluppa su un arrangiamento in crescendo. Ed ecco giungere il secondo brano firmato con Ornella Vanoni, “Ombre In Attesa”, pezzo dalle atmosfere sofisticate e quasi cinematografiche con schegge di Ivan Graziani.
Segue “Sono Le Parole”, composto musicalmente insieme a Francesco Taulino, mette al centro il peso, la bellezza e il pericolo della comunicazione verbale. Si focalizza su come le parole possano unire o dividere in modo definitivo. La chiusura invece spetta a “Un Salto Nel Buio”, un finale suggestivo che parla di coraggio, del futuro e dell'accettazione dell'ignoto, sigillando l'album con un'atmosfera sospesa e affascinante.
Che dire ancora… Siamo davvero sulle tracce del maestro! MS 

Versione Inglese:

BERNARDO LANZETTI – Inseguendo Il Maestro
Internazional distr. Warner
Genre: Progressive Rock / singer-songwriter
Format: CD / Digital – 2026

The history of Italian music is rich with great voices, less so in Progressive Rock (apart from the usual well-known names), a shortcoming we have never been able to remedy even over time. Among the most important vocalists in this genre is Bernardo Lanzetti, about whom a great deal has been written and said. Fifty years of career are not there by chance!
“Inseguendo Il Maestro” is nothing less than a perfect new piece that goes to embellish the puzzle of his amazing career.
What immediately jumps to the ear is the linguistic choice, because the album is composed of 10 tracks sung entirely in Italian. For an artist who has linked much of his historical success to English (think of PFM's international albums like “Chocolate Kings” or “Jet Lag” and the works with Acqua Fragile), this choice underlines the desire to put the word, the poetic depth and a more direct communication with his own roots at the center.
The title of the album itself serves as a programmatic manifesto. As stated by Lanzetti himself:
"One can be truly original and communicative even while respecting the masters of the past and continuously moving in search of reaching noble elusive goals and places of the soul previously hidden.".
The album presents a very balanced tracklist from the point of view of songwriting, eight unreleased tracks, born from a new compositional key in which Lanzetti sought the perfect fusion between melody, harmonic research and expressiveness, and two new versions of songs he had originally composed and written in the past for Ornella Vanoni, here rearranged and reinterpreted in the first person.
At a musical level, the author does not abandon his original matrix linked to Progressive Rock and Art Rock, but declines it in a more mature guise focused on the song form.
A central role in this record is played by the guitar, the singer has developed for the album an unconventional approach to the instrument, not using it for virtuosity for its own sake, but transforming it into a real expressive fabric that supports his unmistakable voice, always characterized by that unique vibrato and a strong dramatic theatricality.
Playing on the album: Bernardo Lanzetti (vocals), Tommy Bradascio, Raffaele Contorni, Giovanni Massari, Lele Melotti (drums), Dario Mazzoli (bass), Fabrizio “Bicio” Leo, Bernardo Lanzetti, Marco Vecchio, Luca Verde (guitar), Antonio Benetto, Roberto Binetti, Nicola Manniello (keyboards) Giancarlo Porro (sax), Sebastiano Maretti, Paolo Raineri, Mauro Vergimigli (horns), Alberto Callegari, Dario Mazzoli, Giovanni Massari (percussion), Bernardo Lanzetti, Wilma Milani, Dario Mazzoli, Marco Vecchio (backing vocals).
The title track that opens the album defines the concept of the work. It is a track with a strong symbolic impact that talks about research, inspiration and the artistic and human journey, constantly strained towards an ideal or a spiritual and professional guide. The song form recalls both the '70s and '80s, the history of our local melodies.
“Amato Canto” is a dedication to music itself, seen as a refuge and a life companion. The electric guitars give the song a greater roughness mitigated only by the beautiful female backing vocals.
Signed in the lyrics by Lanzetti together with Ornella Vanoni, “Non Andare” is a twilight and moving ballad that addresses the theme of separation, abandonment and romantic pleading, where Bernardo's characteristic voice touches very intimate chords.
Written in collaboration with keyboardist and composer Vic Ricca, “Boom Boomer” stands out for a more ironic and energetic tone. It plays with irony and a pinch of disenchantment on contemporary generational dynamics and the temporal clash experienced by those belonging to that precise era. A nice gritty Rock song.
More relaxed and melodic is “Quanti Baci” with a '60s flavor and the attention shifts to the small things and everyday gestures of affection.
More introspective is “Brandelli”, where he digs into the fragmentation of memories and experiences that make up a man's identity. However, it is still a matter of good vigorous Rock. Here the horn arrangements are excellent.
With a Blues beginning, “Mai Dire Mai” is an anthem to resilience and hope that develops on a crescendo arrangement. And here comes the second track signed with Ornella Vanoni, “Ombre In Attesa”, a piece with sophisticated and almost cinematic atmospheres with shards of Ivan Graziani.
Following is “Sono Le Parole”, composed musically together with Francesco Taulino, it puts at the center the weight, the beauty and the danger of verbal communication. It focuses on how words can definitively unite or divide. The closing instead belongs to “Un Salto Nel Buio”, a suggestive finale that talks about courage, the future and the acceptance of the unknown, sealing the album with a suspended and fascinating atmosphere.
What else to say… We are truly on the tracks of the master! MS

 

 

Dave Greenslade, il ricordo di un grande tastierista

 

DAVE GREENSLADE

Il ricordo di un grande tastierista

 

 
Dave John Greenslade, nato a Woking il 18 gennaio 1943 e scomparso di recente il 14 giugno 2026, è stato uno dei tastieristi e compositori più raffinati e personali della scena Progressive e Jazz Rock britannica. La sua impronta stilistica, legata all'uso magistrale dell'organo Hammond, del Mellotron e dei sintetizzatori, ha segnato profondamente la storia del Rock espressivo e colto degli anni '60 e '70.

Colosseum

 
Cresciuto in una famiglia che lo incoraggiò fin da piccolo a studiare il pianoforte, strinse già a tredici anni un sodalizio fondamentale con il batterista Jon Hiseman e il bassista Tony Reeves all'interno di un club giovanile di Eltham, nel sud-est di Londra. Con loro mosse i primi passi nel gruppo adolescenziale Wes Minster Five.
Dopo alcune brevi esperienze tra cui i Thunderbirds di Chris Farlowe e la Ram Jam Band di Geno Washington, la svolta arrivò nel dicembre 1968, insieme a Hiseman, Reeves e al sassofonista Dick Heckstall-Smith diede vita ai Colosseum, una delle primissime formazioni capaci di fondere in modo viscerale e tecnico il Jazz, il Blues e il nascente Rock Progressivo.
Nei Colosseum, Greenslade divenne una colonna portante. Fu proprio lui a comporre la monumentale "Valentyne Suite" 

di 17 minuti suddivisi in tre movimenti, traccia manifesto contenuta nell'omonimo album del 1969 che consacrò la band nell'olimpo del rock britannico. Rimase nel gruppo fino al loro primo scioglimento nel 1971, documentato dallo storico album “Colosseum Live”.

 

1972–1976

Dopo una parentesi di un anno con la Jazz Rock band If, Dave decise che era il momento di dare forma a una propria visione musicale. Nel 1972 richiamò l'amico Tony Reeves e, insieme al secondo tastierista Dave Lawson (ex Samurai) e al batterista Andrew McCulloch (già con King Crimson e Fields), fondò i Greenslade.
La particolarità assoluta della band risiedeva nella line-up, un gruppo Progressive totalmente privo di chitarristi, dove l'intera intelaiatura armonica e solista era retta dal dualismo tra le tastiere di Greenslade e quelle di Lawson.
Il progetto partorì quattro album in studio di grande spessore per la Warner Bros.:

 Greenslade (1973)

 Bedside Manners Are Extra (1973)

 Spyglass Guest (1974) 

Time And Tide (1975)

 
A causa di forti contrasti e problemi insormontabili con il management dell'epoca,la Gaff Management, l’artista scelse drasticamente di sciogliere la band all'inizio del 1976 per potersi liberare dai vincoli contrattuali.
Chiuso il capitolo della band, Greenslade pubblicò l'elegante debutto solista 

“Cactus Choir” (1976) e, nel 1979, diede vita al suo lavoro in proprio più ambizioso,

“The Pentateuch Of The Cosmogony”. Si trattava di un monumentale concept album strumentale interamente realizzato con un imponente arsenale di sintetizzatori, concepito in stretta simbiosi con l'omonimo libro illustrato dall'artista fantasy Patrick Woodroffe.
 

Gli anni ’80 e ‘90

 
Durante gli anni '80 e l'inizio dei '90, Greenslade si allontanò parzialmente dai riflettori discografici per diventare uno dei compositori di colonne sonore e sigle televisive più richiesti della BBC lavorando a serie come “Gangsters”, “Bird Of Prey” e “A Very Peculiar Practice”.
Il ritorno alla ribalta sul fronte puramente Rock avvenne nel 1994 grazie all'amicizia e alla collaborazione con il celebre scrittore fantasy Terry Pratchett. Greenslade compose infatti “From The Discworld”, 

un intero album ispirato alle bizzarre storie del Mondo Disco.

Sempre nel 1994, in occasione della festa a sorpresa per il suo cinquantesimo compleanno, Dave si ritrovò a parlare con i vecchi compagni dei Colosseum. Quell'incontro fortuito riaccese la scintilla, così la storica formazione si riunì, tornando a calcare i palchi di tutto il mondo e a pubblicare nuovo materiale in modo stabile fino al concerto d'addio del 2015.
 
Nel frattempo, all'inizio degli anni 2000, Dave aveva anche riesumato brevemente il marchio Greenslade per l'album 

“Large Afternoon” (2000) e per alcuni tour, prima di dedicarsi al suo ultimo lavoro solista in studio, 

“Routes/Roots”, uscito nel 2011. Quando i Colosseum si sono nuovamente ricostituiti nel 2020, Greenslade ha scelto di non farne parte, lasciando dietro di sé un'eredità artistica immensa, celebrata da tutti gli appassionati di tastiere e architetture Progressive.
La causa e le circostanze esatte della morte, non sono state rese note pubblicamente dalla famiglia.
R.I.P. grande Dave! MS

Versione Inglese:

DAVE GREENSLADE

The remembrance of a great keyboardist

 

Dave John Greenslade, born in Woking on January 18, 1943, and recently passed away on June 14, 2026, was one of the finest and most distinctive keyboardists and composers of the British Progressive and Jazz Rock scene. His stylistic signature, deeply rooted in the masterful use of the Hammond organ, Mellotron, and synthesizers, left a profound mark on the history of expressive and sophisticated Rock from the '60s and '70s.
Raised in a family that encouraged him from an early age to study the piano, he formed a fundamental artistic partnership at just thirteen years old with drummer Jon Hiseman and bassist Tony Reeves at a youth club in Eltham, south-east London. Together, they took their first musical steps in the teenage band Wes Minster Five.
After a few brief experiences, including Chris Farlowe’s Thunderbirds and Geno Washington’s Ram Jam Band, the turning point arrived in December 1968: together with Hiseman, Reeves, and saxophonist Dick Heckstall-Smith, he gave birth to Colosseum, one of the very first line-ups capable of viscerally and technically fusing Jazz, Blues, and nascent Progressive Rock.
Within Colosseum, Greenslade became a cornerstone. It was he who composed the monumental 17-minute "Valentyne Suite" divided into three movements, a manifesto track featured on the 1969 album of the same name that established the band in the Olympus of British rock. He remained with the group until their first breakup in 1971, documented by the legendary live album “Colosseum Live”.

 

1972–1976

After a one-year stint with the Jazz Rock band If, Dave decided it was time to shape his own musical vision. In 1972, he called back his old friend Tony Reeves and, along with second keyboardist Dave Lawson (formerly of Samurai) and drummer Andrew McCulloch (previously with King Crimson and Fields), founded Greenslade.
The absolute peculiarity of the band lay in its line-up: a Progressive rock group completely devoid of guitarists, where the entire harmonic and solo framework was sustained by the dualism between Greenslade's and Lawson's keyboards.
The project spawned four high-caliber studio albums for Warner Bros.:
 
Greenslade (1973)
 
Bedside Manners Are Extra (1973)

 
Spyglass Guest (1974) 

 
Time And Tide (1975)

 
Due to severe conflicts and insurmountable issues with the management of the era, Gaff Management, the artist made the drastic choice to disband the group in early 1976 in order to free himself from contractual obligations.
After closing the chapter on the band, Greenslade released his elegant solo debut “Cactus Choir” (1976) and, in 1979, brought to life his most ambitious solo endeavor, “The Pentateuch Of The Cosmogony”. This was a monumental, fully instrumental concept album created entirely with a massive arsenal of synthesizers, conceived in close symbiosis with the illustrated book of the same name by fantasy artist Patrick Woodroffe.
 

’80 & ‘90 years

 
Throughout the '80s and early '90s, Greenslade partially stepped away from the recording spotlight to become one of the most sought-after composers of soundtracks and television themes for the BBC, working on series such as “Gangsters”, “Bird Of Prey”, and “A Very Peculiar Practice”.
His return to the rock forefront occurred in 1994 thanks to his friendship and collaboration with the famous fantasy author Terry Pratchett. Indeed, Greenslade composed “From The Discworld”, an entire album inspired by the whimsical stories of the Discworld universe.
Also in 1994, during a surprise party for his fiftieth birthday, Dave reconnected with his old bandmates from Colosseum. That chance meeting reignited the spark, so the historic line-up reunited, returning to stages worldwide and consistently releasing new material until their farewell concert in 2015.
 
Meanwhile, in the early 2000s, Dave briefly resurrected the Greenslade moniker for the album “Large Afternoon” (2000) and several tours, before dedicating himself to his final studio solo work, “Routes/Roots”, released in 2011. When Colosseum reconstituted once again in 2020, Greenslade chose not to take part, leaving behind an immense artistic legacy celebrated by all lovers of progressive arrangements and keyboards.
The exact cause and circumstances of his death have not been publicly disclosed by his family.
R.I.P. great Dave! MS