Marco "Zeus" Marchetti

MARCO “ZEUS” MARCHETTI – Sea Lands
DistroKid
Genere: Rock Progressivo
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Marco "Zeus" Marchetti è un chitarrista, compositore e polistrumentista italiano noto principalmente per la sua attività nel panorama Rock Progressivo e nella musica strumentale d'atmosfera. Spesso associato a progetti di ampio respiro concettuale, Marchetti unisce una spiccata perizia tecnica a una sensibilità compositiva che predilige la narrazione sonora. Le sue strutture melodiche attingono tanto dal sinfonismo Prog (Genesis, Steve Hackett, Camel) quanto dal Folk acustico e dalla Fusion moderna. La sua cifra stilistica risiede nel dialogo costante tra strumenti acustici e chitarre elettriche sostenute, utilizzate per creare veri e propri paesaggi sonori. L’artista definisce il suo genere/stile come “Emotional Landscape” (paesaggi sonori ed emozionali), con l'intento di evocare immagini e suggestioni visive attraverso la sola musica.
L'album “Sea Lands” si presenta come un viaggio concettuale ed esplorativo legato all'elemento marittimo, alle rotte verso terre inesplorate e alla solitudine del marinaio. Con una durata complessiva snella ma priva di momenti riempitivi, il disco fonde Folk, Progressive Rock e delicate sfumature ambientali.
Ne è subito prova la title track “Sea Lands”, composizione basata soprattutto sulla chitarra elettrica e con un dolce momento finale di piano, un vero e proprio scatto fotografico del paesaggio marino da cui scaturiscono serenità e bellezza.
“Terra Australis” ha un ritmo sostenuto ma mai invasivo, d'altronde una delle caratteristiche della musica di Marchetti è proprio la calma, in cui si evincono le lezioni del passato, specialmente quelle dei Camel.
Le onde si infrangono sulla spiaggia in “Pacific Waves”, brano al limite del Funky dove la chitarra introduce inizialmente il refrain per poi lasciare il ruolo di protagoniste alle tastiere. Non manca, comunque, un assolo di chitarra tecnico ma mai autoreferenziale.
La protagonista resta infatti la melodia, apprezzabile maggiormente nell’ottima “The Sailor”. Piccole schegge Neo Prog si affacciano di tanto in tanto, mentre l’andamento si mantiene pacato e riflessivo.
Il ritmo sale in “Kangaroo”, traccia dal sound spiccatamente anni ’80, altro tassello in cui tastiere e chitarra dialogano senza mai togliersi spazio a vicenda.
Nel mare ci si imbatte persino in un delfino nero, a cui Marchetti dà forma sonora in “Black Dolphin”, uno dei momenti migliori dell’intero album. All’ascolto si ha la sensazione che la chitarra dia voce effettiva al mammifero, rilasciando di tanto in tanto una sorta di sibilo.
La chiusura spetta a “Sea Lands Reprise”, una perfetta chiusura del cerchio in cui le atmosfere diventano cinematiche grazie all’uso di tastiere evocative.
In appena venticinque minuti, “Sea Lands” riesce a condensare un’esperienza d’ascolto immersiva e priva di fronzoli, confermando l'attitudine di Marco "Zeus" Marchetti per la creazione di veri e propri paesaggi emozionali. Rinunciando alla parola cantata per affidarsi completamente al potere narrativo del suono, l'album si adagia con equilibrio tra le sfumature della chitarra Rock e la fascinazione per l'ignoto, offrendo un viaggio sonoro breve ma denso di atmosfera. Un ascolto consigliato a chi ama perdersi in territori musicali contemplativi e a chi cerca nella musica strumentale una colonna sonora per le proprie rotte interiori. Tanta serenità. MS

Versione Inglese: 

MARCO “ZEUS” MARCHETTI – Sea Lands
DistroKid
Genre: Progressive Rock
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Marco "Zeus" Marchetti is an Italian guitarist, composer, and multi-instrumentalist known primarily for his work in the Progressive Rock scene and in atmospheric instrumental music. Often associated with wide-ranging conceptual projects, Marchetti combines remarkable technical skill with a compositional sensitivity that favors sonic storytelling. His melodic structures draw as much from Prog symphonism (Genesis, Steve Hackett, Camel) as they do from acoustic Folk and modern Fusion. His stylistic hallmark lies in the constant dialogue between acoustic instruments and sustained electric guitars, used to craft true soundscapes. The artist defines his genre/style as “Emotional Landscape,” with the intent of evoking images and visual suggestions through music alone.
The album “Sea Lands” presents itself as a conceptual and exploratory journey tied to the maritime element, to routes toward uncharted lands, and to the loneliness of the sailor. With a lean overall duration that is completely free of filler, the record blends Folk, Progressive Rock, and delicate ambient nuances.
Immediate proof of this is the title track “Sea Lands”, a composition based mainly on the electric guitar and featuring a sweet piano moment at the end: a true snapshot of the marine landscape from which serenity and beauty spring forth.
“Terra Australis” has a sustained yet never intrusive rhythm; after all, one of the characteristics of Marchetti's music is precisely a sense of calm, in which lessons from the past clearly emerge, especially those of Camel.
The waves crash onto the beach in “Pacific Waves”, a track bordering on Funky where the guitar initially introduces the refrain before leaving center stage to the keyboards. However, there is no shortage of a technical yet never self-indulgent guitar solo.
Indeed, melody remains the true protagonist, best appreciated in the excellent “The Sailor”. Small splinters of Neo-Prog surface from time to time, while the pace remains calm and reflective throughout.
The tempo picks up in “Kangaroo”, a track with a distinctly '80s sound, another piece where keyboards and guitar engage in a dialogue without ever crowding each other out.
In the sea, one even encounters a black dolphin, to which Marchetti gives musical form in “Black Dolphin”, one of the finest moments of the entire album. Upon listening, one gets the feeling that the guitar gives actual voice to the mammal, releasing a sort of hiss every now and then.
The closing falls to “Sea Lands Reprise”, a perfect full-circle moment where the atmospheres turn cinematic thanks to the use of evocative keyboards.
In just twenty-five minutes, “Sea Lands” manages to condense an immersive and no-frills listening experience, confirming Marco "Zeus" Marchetti's knack for creating true emotional landscapes. By renouncing the sung word to rely entirely on the narrative power of sound, the album settles comfortably between the nuances of Rock guitar and the fascination with the unknown, offering a brief yet atmosphere-dense musical journey. Highly recommended for those who love getting lost in contemplative musical territories and for anyone seeking a soundtrack for their inner journeys within instrumental music. Much serenity. MS

Felona E Sorona - La storia

FELONA E SORONA 
Orme - 1973
La Lotta fra il bene e il male

Di Massimo Salari

La storia di Felona e Sorona dei lagunari Le Orme è ricca di aneddoti ma soprattutto di spontaneità. Un concept sorprendente anche per gli artisti stessi, i quali non si aspettavano un successo del genere da un album che a loro detta è stato scritto quasi di getto. Le Orme fanno parte del fatidico trio di Prog Italiano per eccellenza, infatti, quando si dice Prog in Italia s’intendono immediatamente la Premiata Forneria Marconi, il Banco Del Mutuo Soccorso e quindi Le Orme. La critica tuttavia, non ha mai riservato un amore viscerale nei confronti del trio - Pagliuca (tastiere) Tagliapietra (basso, chitarra) e De Rossi (batteria) -, spaccandosi in due fazioni, relegandoli spesso al terzo posto in classifica di gradimento fra i suddetti big. Il successo del quarantacinque giri Gioco Di Bimba, tratto dal fortunato Uomo Di Pezza (Philips – 1972), è stato per Le Orme un’arma a doppio taglio, fornendogli il successo della grande platea ma al tempo stesso distaccandoli da quella che è l’élite della musica colta, mai propensa alla scena commerciale di per sé. Nulla di più sbagliato, perché Le Orme hanno composto negli anni brani di elevata caratura sia tecnica che melodica, un connubio perfetto che ha spinto nel tempo molte persone ad avvicinarsi a questo genere musicale. Spesso sono stati paragonati agli Emerson Lake & Palmer, ma questo superficialmente, soltanto perché visti come trio, in realtà Tagliapietra (rilasciandomi un’intervista per il sito web ROCK IMPRESSIONS nel 2008), mi confessa che fra i loro punti di riferimento si trovano piuttosto i meno fortunati Quatermass. 

Bissare un successo come quello di Uomo Di Pezza non è semplice, e come si dice spesso, il ferro va battuto quando è caldo quindi il trio si getta anima e corpo nella stesura di questo nuovo album. C’è volontà di far vedere agli ascoltatori che a tutti gli effetti loro sono una band di Rock Progressivo, ecco dunque la scelta di un concept album dove l’insieme dei brani fa si che tutto il lato risulti come un pezzo unico, la cosiddetta suite tanto amata dai Prog fans. Va sottolineato che Felona e Sorona chiude la loro trilogia di album iniziata nel 1971 con Collage (Philips) e proseguita con il fortunato e già citato album Uomo Di Pezza (Philips – 1972). Storica la copertina del disco, con un dipinto del mantovano Lanfranco Frigeri intitolato I Pianeti Del Sogno rappresentante un uomo e una donna che lasciano adito a differenti interpretazioni. Frigeri è considerato uno dei padri del surrealismo italiano. Non meno importante è la produzione per mano di Gian Piero Reverberi. Felona e Sorona nasce e prende forma tra i viaggi, le cene e i Soundcheck nel tour del 1972 fatto assieme a Peter Hammill, in quel periodo fresco di scissione dai Van Der Graaf Generator. 

Il leader della band inglese, che ha il compito di aprire i concerti a Le Orme, resta impressionato dai movimenti di questa lunga suite tanto da pensare di farne una versione in lingua inglese per poi proporla a Tony Stratton-Smith della prestigiosa etichetta Charisma Records. Di certo entrare nel mercato del Regno Unito è premio ambito da tutti i musicisti italiani, e per fortuna il sogno si realizza, tanto da realizzare ben quindici concerti in due settimane, Marquee Club compreso. Venendo al concept vero e proprio, Felona e Sorona  come detto, sono due pianeti che girano nello stesso spazio ma inconsapevoli dell’esistenza l’uno dell’altro oltretutto distanti anni luce. Felona è ridente e solare, ricco di pace e amore, con bolle che aleggiano nel vento, un posto dove la serenità vive sovrana. Sorona (da sorrow, nome suggerito da Hammill che in italiano si traduce in “tristezza”) invece è piccolo, oscuro, e triste. Qui gli abitanti in uno stato abulico-vegetativo, girano senza sorriso come fantasmi. Ma in verità e a sorpresa, il grande protagonista della storia è Dio, o meglio l’Essere Supremo che regna nell’universo, esso purtroppo si sente ignorato dagli abitanti di Felona, i quali sembrano non interessarsi più alla sua esistenza, felici e contenti dell’egoistica situazione. Ed è così che l’onnipotente sceglie di porre lo sguardo di luce divina anche a Sorona sottraendola proprio al pianeta gemello. Tutto ciò fa si che non regni mai la tranquillità per entrambi, perché la luce di uno sarà inesorabilmente il buio per  l’altro. 

Il lato A del vinile narra Felona, suite composta da quattro movimenti a iniziare da Sospesi Nell’Incredibile, dove le tastiere di Pagliuca colloquiano con la ritmica ricercata di Dei Rossi. Sin dalle prime note s’intuisce la suddetta volontà della band di essere considerata a tutti gli effetti Progressive Rock. Regna nel pezzo enfasi in un crescendo che si stoppa su un giro armonico classicheggiante. Ed ecco giungere la bella e soave voce di Aldo Tagliapietra a narrare le vicissitudini del concept. L’ambiente bucolico è ben descritto nelle strofe E quando nasce l’alba sopra il mondo si sparge intorno alito di vita, le foglie color miele ne assorbono il calore. Rullate vigorose di batteria supportano le tastiere elettroniche mentre le atmosfere fanno viaggiare l’ascoltatore nel cosmo a occhi aperti. Raro riscontrare su un album registrato in studio un assolo di batteria seppur breve, qui ne sussiste un caso, il quale conduce a Felona. La felicità sgorga non soltanto dalle parole dei testi ma anche nel suono di campane. L’andamento da filastrocca con il quale è composto ,fa ritornare alla memoria il fortunato brano del 1972 Gioco Di Bimba.

"Una luce chiara si affaccia lentamente offre la visione di grandi bolle bianche… Non ci son segreti nelle sfere trasparenti, si specchiano nell’aria si contagiano la gioia, limpidi e sereni volano i pensieri le donne le cicale discorrono d’amore".

La facilità con cui il trio trova soluzioni orecchiabili al limite del Pop inteso come brano commerciale è sorprendente, così la capacità di incastonarlo in un contesto  di musica sperimentale. Tutto sembra apparentemente semplice ma, in effetti, se si analizza con attenzione, ancora una volta siamo al cospetto di ricercatezza. Altro breve frangente sonoro è il quasi ecclesiastico La Solitudine Di Chi Protegge Il Mondo. Il Supremo esclama: "Qui sovrana ormai è la serenità. Non c’è nessuno che ha più bisogno di me". Ed ecco dunque arrivare L’Equilibrio grazie al volgere dello sguardo verso Sorona, e per un attimo i due pianeti si equivalgono, uno perde luce, l’altro la riceve. Brano muscolare in cui Le Orme mettono sul tavolo tutte le carte a disposizione. Splendida la conclusione con l’affermazione di Dio: "Io rivolgerò lo sguardo verso chi aspetta un gesto mio per dare un senso alla sua vita". Note sgocciolate da un pianoforte fanno da suggello alla parola “vita” sostenuta dalla cristallina voce di Tagliapietra. 

A questo punto lo splendido rito del giradischi ci costringe a girare la facciata nel lato B dove si parla di Sorona, suite suddivisa in cinque movimenti. Ed è proprio il pianeta oscuro a iniziare le danze che si fanno immediatamente cupe con la descrizione del suolo abitativo, esso è spettrale composto di terra grigia, nere paludi, aride canne ingiallite e vecchie città in oblio avvolte da una densa nebbia. Ovviamente anche la musica si basa su sonorità grevi, mentre Aldo intercala lentamente le parole donando al verso una pesantezza ulteriore. Ed ecco l’Attesa Inerte della luce divina, la ritmica batte come un cuore agitato e ansioso degli eventi, Un’improvvisa luce s’avvicina… Ora è qui. 

Ritratto Di Un Mattino è il brano che mette d’accordo tutti, sia gli amanti della canzone che della ricerca, splendide le vocalità con cui vengono narrate le parole: La felicità non puoi trovarla in te ma nell’amore che agli altri un giorno darai. La musica apre a un nuovo mondo di speranza, all’ascolto sembra quasi di sentire il tepore del sole batterci sul volto, mentre occhi abituati all’oscurità si stringono per non far entrare tutta di una volta troppa fastidiosa luce. Per un istante, giusto quello che intercorre nello spostamento dello sguardo del Divino fra un pianeta e l’altro, le vite di entrambi si equivalgono ma non dura molto tempo, mentre Sorona esulta, Felona inizia il lento declino. A breve l’equilibrio finisce. La conclusione è affidata al pezzo strumentale Ritorno Al Nulla, pesantemente drammatico, inesorabilmente ripetitivo come un macigno rotolante in un loop sonoro dove la batteria ricopre un ruolo nuovamente fondamentale. L’opera cosmica è conclusa e lascia dentro l’ascoltatore una sensazione di completezza e sazietà. In definitiva la morale di Felona e Sorona è quella di un cerchio che si chiude, il classico cerchio della vita, dove noi semplici umani siamo sempre in attesa di un nuovo giorno. 

Il 1973 per il Progressive Rock italiano è un anno importante, fatto di grandi album realizzati attraverso le immaginazioni, le inventive, il coraggio di osare ma soprattutto dell’essere noi stessi, perché l’individuo è entità a sé stante. Tutto questo porta a una sana competizione nell’arte e a risultati oltre che variegati anche sorprendenti, ed è il caso di Felona e Sorona, opera fra le vette più alte della musica italiana in senso generale.  MS

Versione Inglese: 

FELONA E SORONA
Le Orme - 1973
The Struggle Between Good and Evil

By Massimo Salari

The story behind Felona e Sorona by the Venetian group Le Orme is rich in anecdotes, but above all, in spontaneity. It is a concept album that surprised even the artists themselves, who did not expect such success from a record that, by their own account, was written almost on the spot. Le Orme are part of the quintessential trio of Italian Prog; indeed, when speaking of Prog in Italy, one immediately thinks of Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme. Critics, however, never reserved a deep affection for the trio—Pagliuca (keyboards), Tagliapietra (bass, guitar), and Dei Rossi (drums)—splitting into two factions and often relegating them to third place in popularity behind the aforementioned heavyweights. The success of the single Gioco di Bimba, taken from the fortunate Uomo di Pezza (Philips – 1972), was a double-edged sword for Le Orme: it granted them mainstream popularity while distancing them from the elite of highbrow music, which was never inclined toward the commercial scene. Nothing could be further from the truth, as Le Orme composed songs over the years of high technical and melodic caliber—a perfect blend that prompted many people to approach this musical genre over time. They were often compared to Emerson, Lake & Palmer, but only superficially because they were a trio. In reality, Tagliapietra confessed (in an interview given to the website ROCK IMPRESSIONS in 2008) that their reference points included the less fortunate Quatermass instead.

Repeating a success like Uomo di Pezza was no easy feat. As the saying goes, you must strike while the iron is hot, so the trio threw themselves heart and soul into writing this new album. There was a desire to show listeners that they were, in every sense, a Progressive Rock band. Hence, the choice of a concept album where the tracks flow seamlessly, making the entire side feel like a single piece—the beloved suite so cherished by Prog fans. It should be noted that Felona e Sorona closes their trilogy of albums that began in 1971 with Collage (Philips) and continued with the fortunate, previously mentioned Uomo di Pezza (Philips – 1972). The album cover is historic, featuring a painting by the Mantuan artist Lanfranco Frigeri titled I Pianeti del Sogno ("The Planets of Dreams"), portraying a man and a woman that leaves room for various interpretations. Frigeri is considered one of the fathers of Italian Surrealism. Equally important was the production by Gian Piero Reverberi. Felona e Sorona took shape during travels, dinners, and soundchecks on their 1972 tour alongside Peter Hammill, who had recently split from Van der Graaf Generator at the time.

The leader of the English band, tasked with opening concerts for Le Orme, was so impressed by the movements of this long suite that he considered creating an English-language version to pitch to Tony Stratton-Smith of the prestigious Charisma Records label. Entering the UK market was certainly a coveted prize for any Italian musician, and fortunately, the dream came true, leading to fifteen concerts in two weeks, including a date at the Marquee Club. As for the concept itself, Felona e Sorona, as mentioned, are two planets orbiting the same space, unaware of each other's existence and light-years apart. Felona is bright and sunny, rich in peace and love, with bubbles floating in the wind—a place where serenity reigns supreme. Sorona (from sorrow, a name suggested by Hammill), on the other hand, is small, dark, and sad. Here, the inhabitants wander around in an abulic, vegetative state without smiles, like ghosts. Yet, surprisingly, the true protagonist of the story is God—or rather, the Supreme Being who reigns over the universe. Unfortunately, he feels ignored by the inhabitants of Felona, who no longer seem to care about his existence, happy and content in their selfish state. Thus, the Almighty chooses to turn his gaze of divine light toward Sorona, taking it away from its twin planet. Consequently, tranquility never reigns for both at the same time, because the light of one inevitably means darkness for the other.

Side A of the vinyl tells the story of Felona, a suite composed of four movements, starting with Sospesi nell’Incredibile, where Pagliuca's keyboards converse with Dei Rossi's refined rhythm section. From the very first notes, one senses the band's desire to be considered Progressive Rock in every respect. Emphasis reigns in a crescendo that pauses on a classical harmonic progression. Then comes the beautiful, soft voice of Aldo Tagliapietra, recounting the events of the concept. The bucolic environment is vividly described in the lines: "And when dawn rises over the world, the breath of life spreads around, the honey-colored leaves absorb its warmth." Vigorous drum rolls support the electronic keyboards while the atmosphere allows the listener to travel through the cosmos with open eyes. It is rare to find a drum solo—even a brief one—on a studio album, but here is an instance that leads directly into Felona. Happiness flows not only from the lyrics but also from the chime of bells. Its nursery-rhyme structure recalls the successful 1972 track Gioco di Bimba.

"A bright light slowly emerges, offering the sight of large white bubbles... There are no secrets in the transparent spheres, they mirror each other in the air, spreading joy; clear and serene, thoughts fly, women and cicadas speak of love."

The ease with which the trio finds catchy solutions on the verge of commercial Pop is surprising, as is their ability to embed them within an experimental music context. Everything appears simple on the surface, but upon careful analysis, refined craftsmanship is once again evident. Another brief musical passage is the almost ecclesiastical La Solitudine di Chi Protegge il Mondo. The Supreme Being exclaims: "Here, serenity reigns supreme now. There is no one who needs me anymore." And so comes L’Equilibrio, thanks to God turning his gaze toward Sorona. For a moment, the two planets are equalized—one loses light, the other receives it. It is a muscular track in which Le Orme lay all their cards on the table. The conclusion is splendid, with God's statement: "I will turn my gaze toward those waiting for a gesture of mine to give meaning to their life." Dripping piano notes seal the word "life," sustained by Tagliapietra's crystal-clear vocals.

At this point, the splendid ritual of the turntable forces us to flip to Side B, which focuses on Sorona, a suite divided into five movements. It is the dark planet itself that begins the proceedings, which immediately turn somber with the description of its terrain: a spectral land composed of gray earth, black swamps, barren yellowed reeds, and forgotten old cities shrouded in dense fog. Naturally, the music is grounded in heavy sounds, while Aldo slowly interlaces the words, giving the verse an even heavier weight. Then comes L’Attesa Inerte for divine light; the rhythm beats like an anxious heart expecting events: "A sudden light approaches... Now it is here."

Ritratto di un Mattino is the track that satisfies everyone—both lovers of traditional songs and experimental searchers alike. The vocals carrying the words are splendid: "Happiness cannot be found within yourself, but in the love you will one day give to others." The music opens up to a new world of hope; listening to it feels almost like feeling the sun's warmth on your face, while eyes accustomed to darkness squint to avoid taking in too much harsh light all at once. For an instant—just the moment it takes for the Divine gaze to shift between planets—the lives of both are equal, but it does not last long. As Sorona rejoices, Felona begins its slow decline. Soon, the balance ends. The conclusion is entrusted to the instrumental track Ritorno al Nulla, heavily dramatic and relentlessly repetitive like a boulder rolling in a sound loop where the drums once again play a fundamental role. The cosmic work is complete, leaving the listener with a feeling of completeness and satisfaction. Ultimately, the moral of Felona e Sorona is that of a full circle—the classic circle of life, where we simple humans are always waiting for a new day.

For Italian Progressive Rock, 1973 was an important year, filled with great albums created through imagination, inventiveness, the courage to dare, and above all, being true to oneself, because the individual is a standalone entity. All of this led to healthy competition in art and results that were as varied as they were surprising. Such is the case with Felona e Sorona, a work that stands among the highest peaks of Italian music in general. MS

 

Quando il Prog ha incontrato l'AOR e il Pop

 

QUANDO IL PROG HA INCONTRATO L'AOR E IL POP 

All’alba degli anni ’80, il panorama musicale mondiale si ritrovò profondamente mutato. L’esplosione del Punk prima e della New Wave poi imponeva un imperativo immediato, quello di semplificare, asciugare, andare al punto. Per i giganti del Rock Progressivo, abituati a suite da venti minuti, tempi dispari ed escursioni sinfoniche, si aprì un bivio fondamentale, quello di rimanere ancorati alla propria identità originale a rischio di marginalizzazione, oppure ridisegnare la propria formula sonora per adattarsi alla radiofonia moderna e al mercato americano.
La transizione non è stata un processo omogeneo, ma si è declinata attraverso diverse sfumature creative e strategiche, per esempio, commercialmente parlando, i Genesis con l'uscita di “Duke” (1980) e soprattutto “Abacab” (1981), 

                                

hanno operato una delle transizioni più di successo della storia del Rock. Riducendo le strutture complesse a favore di incastri ritmici lineari, synth pop raffinato e ganci melodici immediati. La band tuttavia ha conquistato le classifiche globali senza perdere l'eleganza compositiva. Anche a livello lirico sono state abbandonate le metafore surreali e le narrazioni mitologiche di Gabriel, perchè i testi di Phil Collins si sono focalizzati sulle relazioni interpersonali e su dinamiche emotive quotidiane.
L'uso della drum machine (la celebre Roland CR-78 su “Duchess”) e l'adozione del suono asciutto delle tastiere e dei synth anni '80 (Prophet-5 e Synclavier) hanno sostituito le stratificazioni di Mellotron e chitarre acustiche a 12 corde. Il risultato è un suono essenziale, pulsante e privo di orpelli.

 

L'innesto AOR

 
Nel 1982, l'esordio omonimo degli Asia (formati da membri di Yes, King Crimson, ELP e The Buggles) ha ridefinito il concetto di "Arena Rock". Brani come “Heat Of The Moment” hanno preso il virtuosismo e la perizia tecnica del prog e li hanno compressi in formato radiofonico da quattro minuti.
Poi ci fu anche la modernizzazione sonora di una delle band icone del Prog, ossia gli Yes. L'album “90125” (1983) e il singolo “Owner Of A Lonely Heart”, guidati dalla produzione innovativa di Trevor Horn e dalle chitarre di Trevor Rabin, hanno dimostrato come il marchio Yes potesse essere proiettato nel Pop Rock moderno mantenendo una spiccata complessità negli arrangiamenti vocali e di studio. 

Dal punto di vista economico, la svolta si è rivelata vincente. I tour negli stadi, i videoclip su MTV e la vendita di milioni di copie hanno garantito la sopravvivenza finanziaria e la rilevanza globale di formazioni che rischiavano l'estinzione commerciale.
Ma la critica e il pubblico storicamente si dividono: I detrattori hanno accusato le band di aver sacrificato la ricerca formale, la sperimentazione e la complessità lirica sull'altare del successo commerciale. I sostenitori evidenziano come scrivere Pop o AOR di classe richieda un'enorme perizia arrangiativa. Concentrare il talento di musicisti straordinari entro i confini della forma-canzone ha spesso prodotto capolavori di efficienza ed eleganza sonora.
Da sottolineare comunque che chi si è adoperato negli anni ’80 in questo percorso, ancora oggi suona, mentre altri non propensi a questo tipo di operazione, sono spariti. Ciò conferma che anche nella musica vale la teoria di Darwin: “Non è la specie più forte a sopravvivere, ma quella più pronta al cambiamento”.
 
La transizione tra anni '70 e '80 non è stata quindi una semplice resa al mercato, ma un momento di profonda trasformazione del linguaggio Rock, i cui echi sono rintracciabili ancora oggi nella produzione di molte band contemporanee. MS

Versione Inglese:

WHEN PROG MET AOR AND POP

 

Asia

At the dawn of the 1980s, the global music landscape found itself profoundly changed. The explosion of Punk first and New Wave second imposed an immediate imperative: to simplify, streamline, and get to the point. For Progressive Rock giants accustomed to twenty-minute suites, odd time signatures, and symphonic excursions, a fundamental crossroads emerged: to remain anchored to their original identity at the risk of marginalization, or to redesign their sonic formula to adapt to modern radio and the American market.
The transition was not a homogeneous process, but was expressed through different creative and strategic shades. For example, commercially speaking, Genesis, with the release of “Duke” (1980) and especially “Abacab” (1981), executed one of the most successful transitions in Rock history. By scaling back complex structures in favor of linear rhythmic arrangements, refined synth-pop, and immediate melodic hooks, the band conquered the global charts without losing its compositional elegance. At a lyrical level as well, Gabriel's surreal metaphors and mythological narratives were abandoned, as Phil Collins' lyrics focused on interpersonal relationships and everyday emotional dynamics.
The use of the drum machine (the famous Roland CR-78 on “Duchess”) and the adoption of the dry sound of 1980s keyboards and synths (Prophet-5 and Synclavier) replaced the dense layering of the Mellotron and 12-string acoustic guitars. The result is an essential, pulsating, and ornament-free sound.

Genesis

The AOR Insertion

 
In 1982, the self-titled debut by Asia (formed by members of Yes, King Crimson, ELP, and The Buggles) redefined the concept of "Arena Rock." Tracks like “Heat Of The Moment” took the virtuosity and technical expertise of prog and compressed them into a four-minute radio format.
Then came the sonic modernization of one of Prog's most iconic bands: Yes. The album “90125” (1983) and the single “Owner Of A Lonely Heart,” driven by the innovative production of Trevor Horn and the guitars of Trevor Rabin, demonstrated how the Yes brand could be projected into modern Pop Rock while maintaining a distinct complexity in vocal and studio arrangements.
From a financial perspective, the shift proved to be a winning one. Stadium tours, MTV music videos, and millions of copies sold guaranteed the financial survival and global relevance of acts that faced commercial extinction.
However, critics and audiences remain historically divided: Detractors accused the bands of sacrificing structural exploration, experimentation, and lyrical complexity on the altar of commercial success. Supporters highlight that writing high-class Pop or AOR requires immense arrangement skills. Concentrating the talent of extraordinary musicians within the boundaries of the standard song form often produced masterpieces of sonic efficiency and elegance.
It is worth emphasizing, nevertheless, that those who embarked on this path in the 1980s are still performing today, whereas others unwilling to undertake this type of operation have disappeared. This confirms that Darwin's theory applies to music as well: “It is not the strongest of the species that survives, but the one most adaptable to change.”
The transition between the 1970s and 1980s was therefore not a simple surrender to the market, but a moment of profound transformation in Rock language, the echoes of which can still be traced today in the output of many contemporary bands. MS
 

 

Advent Horizon

ADVENT HORIZON – Falling Together
Autoproduzione
Genere: Metal Progressive
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Un tempo, ascoltando le suite Progressive Rock o Prog Metal, consideravo normale imbattersi in brani articolati da trenta minuti, è la natura stessa del genere a chiederlo, per la felicità degli appassionati. Oggi invece, immersi in una società che ha perso la capacità di ascoltare con attenzione, credo che una suite sia un'opera destinata esclusivamente a un pubblico di nicchia. In parole povere, si tratta di un atto di coraggio discografico che spesso può nascere solo da un'autoproduzione. Emblematico è il caso del brano d'apertura di “Falling Together”, album della band americana Advent Horizon, la loro “In A Lone And Dreary World” si estende infatti per ben 19 minuti.
Chi sono gli Advent Horizon? Si sono costituiti nel 2008 a Salt Lake City (Utah, USA), fondati dal chitarrista cantante Rohn Avakean e dal tastierista, cantante, produttore Rian Lewis. La formazione si è poi consolidata con l'ingresso di Caden McBoss (basso), Mike Johnstone (batteria) e altri collaboratori di talento nel corso degli anni.
La band si è fatta strada nella scena Progressive Rock americana grazie alla capacità di unire il rigore esecutivo e i tempi dispari del Prog Metal a una spiccata sensibilità melodica e a una grande cura per l'aspetto vocale e produttivo. Esordiscono nel 2012 con “Immured” per poi maturare nel 2015 con “Stagehound”. La discografia segue un crescendo professionale con “A Cell to Call Home” (2023) e oggi con questo ottimo “Falling Together”.
Ho già detto della suite iniziale, spazia da momenti atmosferici e rarefatti alla Pink Floyd e Porcupine Tree a sezioni grintose (anche un brevissimo attimo di growl) con assoli di chitarra fluidi e riff incisivi. La struttura muta continuamente, alternando fasi intime a esplosioni orchestrali impreziositi dalla bellissima voce di Kristen McDonald che narra il senso di alienazione, smarrimento ed isolamento dell'individuo. Il “mondo solitario e desolato” è sia uno stato mentale sia una metafora della complessità e della freddezza della società moderna.
“Faith's Window” ha un inizio riflessivo ed intimo fra voce sussurrata e arpeggi di chitarra. Bella l’apertura del ritornello e l'intreccio tra tastiere e chitarra che creano una tessitura armonica ricca. La “finestra della fede” rappresenta la lente attraverso cui osserviamo la realtà e mettiamo in discussione le nostre credenze, muovendoci tra disillusione e speranza. Energica “Patience” con i suoi immancabili stop & go. La sezione ritmica del basso di Cason Wood e la batteria di Mike Lofgreen è perfettamente oliata, un motorino garantito per un percorso sonoro piacevole.
Segue “Past Life Parable” con piccoli rimandi alla fine degli anni ’80, quando il genere comincia a costruire solide fondamenta. La chitarra acustica apre “Gravity I”, strumentale che immediatamente si abbraccia con il cuore del Prog fans per poi giungere a “Gravity II”, classico Metal Prog raffinato e ampiamente solare. Il testo sviluppa il tema dell'accettazione e della resa alle forze della vita.
Il disco si conclude con “Animals”, una ballata Prog che da sola vale il prezzo dell’opera.
Con gli Advent Horizon hanno suonato gli ospiti Zach Boorman (chitarra, piano, synth, cori, percussioni), Doug Robinson (chitarra aggiunta in “In A Lone And Dreary World”), e Cressa and Griffin McDonald (cori in “Animals”).
“Falling Together” è un album maturo, coerente e ben bilanciato, in cui la perizia tecnica non va mai a scapito della cantabilità e dell'espressività emotiva, e questo non è un fattore da sottovalutare. MS 

Versione Inglese:

ADVENT HORIZON – Falling Together
Self-released
Genre: Progressive Metal
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

Back in the day, listening to Progressive Rock or Prog Metal suites, I considered it normal to come across complex tracks lasting as long as thirty minutes; the very nature of the genre demands it, much to the delight of Prog enthusiasts. Today, however, immersed in a society that has lost the ability to listen attentively, I believe a suite is a work intended exclusively for a niche audience—in plain terms, an act of record-label courage that often can only stem from a self-release. Emblematic of this is the opening track of "Falling Together", the album by the American band Advent Horizon: their "In A Lone And Dreary World" extends for a whopping 19 minutes.
Who are Advent Horizon? They formed in 2008 in Salt Lake City (Utah, USA), founded by guitarist/vocalist Rohn Avakean and keyboardist/vocalist/producer Rian Lewis. The lineup later consolidated with the arrival of Caden McBoss (bass), Mike Johnstone (drums), and other talented collaborators over the years.
The band has made its mark on the American Progressive Rock scene thanks to its ability to blend the technical precision and odd time signatures of Prog Metal with a strong melodic sensitivity and great attention to vocal and production quality. They debuted in 2012 with "Immured", later maturing in 2015 with "Stagehound". Their discography follows a professional crescendo with "A Cell to Call Home" (2023) and today with this excellent "Falling Together".
I have already mentioned the opening suite; it ranges from atmospheric, rarefied moments reminiscent of Pink Floyd and Porcupine Tree to gritty sections (even a very brief moment of growling) with fluid guitar solos and incisive riffs. The structure is constantly shifting, alternating intimate moments with orchestral explosions embellished by the beautiful voice of Kristen McDonald, who narrates the individual's sense of alienation, disorientation, and isolation. The "lone and dreary world" is both a state of mind and a metaphor for the complexity and coldness of modern society.
"Faith's Window" has a reflective, intimate beginning featuring whispered vocals and guitar arpeggios. The opening of the chorus is lovely, as is the interplay between keyboards and guitar creating a rich harmonic texture. The "window of faith" represents the lens through which we view reality and question our beliefs, moving between disillusionment and hope. "Patience" is energetic with its inevitable stop-and-go patterns. The rhythm section of Cason Wood's bass and Mike Lofgreen's drums is perfectly oiled—a guaranteed engine for an enjoyable sonic journey.
Next is "Past Life Parable", with subtle nods to the late '80s when the genre was beginning to build solid foundations. Acoustic guitar opens "Gravity I", an instrumental that immediately wins over the heart of any Prog fan before leading into "Gravity II", a refined and intensely bright Prog Metal classic. The lyrics develop the theme of acceptance and surrender to the forces of life.
The album concludes with "Animals", a Prog ballad that is worth the price of admission all on its own.
Joining Advent Horizon on the record were guests Zach Boorman (guitar, piano, synth, backing vocals, percussion), Doug Robinson (additional guitar on "In A Lone And Dreary World"), and Cressa and Griffin McDonald (backing vocals on "Animals").
"Falling Together" is a mature, cohesive, and well-balanced album in which technical proficiency never comes at the expense of catchiness and emotional expressiveness—and that is certainly something not to be taken for granted. MS

Andrea Laszlo De Simone

ANDREA LASZLO DE SIMONE – Una Lunghissima Ombra
42 Records / Ekler'O'Shock
Genere: Cantautore / Art Rock
Supporto: 2LP / CD / Bandcamp – 2025

Essere personali in questi ultimi anni richiede uno sforzo notevole, sapendo che il mondo va avanti per mode in cui il “differente” ha poche chance. Venire a conoscenza di musicisti che mettono a nudo la propria anima senza pensare ad altro, fa ancora sperare che la creatività non è del tutto spenta.
E’ il caso di Andrea Laszlo De Simone e ascoltandolo, si può intuire il suo amore per gli anni passati e anche per la storia della musica in senso generale. Torinese, classe 1985, il cantautore rappresenta una figura eccentrica e pressoché unica nel panorama musicale italiano contemporaneo. Autodidatta, polistrumentista e artigiano del suono, parte dall'esperienza underground con i Nadàr Solo per poi intraprendere un percorso solista folgorante. Il suo stile si rifà alla grandiosità del Pop orchestrale e Psichedelico a cavallo tra i '60 e i '70 (Battisti/Mogol, Ennio Morricone, Alan Parsons, Beatles), rielaborato in una chiave fortemente autoriale e concettuale.
Dopo l'esordio “Uomo Donna” (2017) e la splendida suite “Immensità” (2019), che gli è valsa un enorme riconoscimento anche in Francia, De Simone si è progressivamente allontanato dalla dimensione live standard per dedicarsi a una ricerca intima nel suo studio, lavorando spesso sulla composizione e sincronizzazione di colonne sonore (come per “Le Règne Animal”).
“Una Lunghissima Ombra” rappresenta l'opera più organica e ambiziosa della sua produzione, strutturata come un doppio vinile da 17 tracce pensate per scorrere senza soluzione di continuità.
Il concept ruota attorno alla dualità tra luce e oscurità, dove l'ombra non è vissuta come presenza minacciosa, ma come forma di proiezione identitaria, il segno tangibile che attesta l'esistenza e la fragilità dell'essere umano di fronte al tempo. L'album è concepito con interludi strumentali (“Neon”, “Diffrazione”, “Spiragli”, “Rifrazione”) che collegano le varie sezioni, creando un'esperienza d'ascolto altamente immersiva.
“Il Buio / Ricordo Tattile / La Notte”  introducono le coordinate estetiche dell'album con archi imponenti, tastiere analogiche e cori stratificati. In “La Notte” affiora la riflessione esistenziale: “E ora sconvolto dal dolore / Abbandonato nella mia sventura / Se c'è qualcuno che non ha paura / Io prego mi soccorra... La notte cela i ladri e cela anche un fiore”. Qui l'oscurità diventa un luogo d'asilo dove paure e bellezza condividono lo stesso spazio invisibile. “Quando”, con la sua durata fluviale di quasi 8 minuti, dilata le strutture Pop avvicinandosi alla suite Prog orchestrale di matrice anni ‘70. Un tuffo nel passato, quello che ti fa volare e pensare.
Il cuore lirico del disco è “Aspetterò” e tratta il tema dell'attesa come condizione esistenziale, mentre “Per Te” è una dedica intima e commovente alla paternità. In “Un Momento Migliore”, il cantautore tocca il vertice della sua confessione umana:  “Forse ho mentito sempre o forse son troppo sincero / È da una fragile mente, o sono solo immaturo / O, più probabilmente, non voglio pensare al futuro / Perché sono quasi sicuro che sbaglierò per sempre”.
Altro punto di forza dell’album sono gli arrangiamenti, precisi e incastonati perfettamente nel contesto generale. Nella parte finale dell’album, la tensione orchestrale scioglie i nodi lirici. La title-track conclusiva sigilla l'opera riassumendo la presa di coscienza, trattando l'invecchiamento e il mutare delle cose che non sono sconfitte. Dal punto di vista dell'Art Rock, “Una Lunghissima Ombra” dimostra come si possa fare musica concettuale e arrangiamenti colti senza perdere la grazia melodica della tradizione italiana, ponendo De Simone tra i pochi capaci di raccogliere l'eredità dei grandi maestri degli anni '70 per declinarla nel contemporaneo. Spettacolare! MS

Versione Inglese: 

ANDREA LASZLO DE SIMONE – Una Lunghissima Ombra
42 Records / Ekler'O'Shock
Genre: Singer-Songwriter / Art Rock
Format: 2LP / CD / Bandcamp – 2025

Being personal in recent years requires a remarkable effort, knowing that the world moves forward through trends where the “different” has few chances. Coming to know musicians who lay their souls bare without thinking of anything else still gives hope that creativity is not entirely dead.
This is the case with Andrea Laszlo De Simone, and listening to him, one can sense his love for past decades and for music history in a general sense. Born in Turin in 1985, the singer-songwriter represents an eccentric and almost unique figure in the contemporary Italian music scene. Self-taught, a multi-instrumentalist, and a sound craftsman, he started from the underground experience with Nadàr Solo to then undertake a dazzling solo career. His style draws on the grandeur of orchestral and psychedelic Pop at the turn of the '60s and '70s (Battisti/Mogol, Ennio Morricone, Alan Parsons, Beatles), reworked in a strongly autorial and conceptual key.
After his debut “Uomo Donna” (2017) and the splendid suite “Immensità” (2019), which earned him huge recognition in France as well, De Simone gradually moved away from the standard live dimension to devote himself to an intimate research in his studio, often working on the composition and synchronization of soundtracks (such as for “Le Règne Animal”).
“Una Lunghissima Ombra” represents the most organic and ambitious work of his output, structured as a double vinyl featuring 17 tracks designed to flow seamlessly.
The concept revolves around the duality between light and darkness, where the shadow is not experienced as a threatening presence, but as a form of identity projection—the tangible sign that attests to the existence and fragility of human beings in the face of time. The album is conceived with instrumental interludes (“Neon”, “Diffrazione”, “Spiragli”, “Rifrazione”) connecting the various sections, creating a highly immersive listening experience.
“Il Buio / Ricordo Tattile / La Notte” introduce the aesthetic coordinates of the album with imposing strings, vintage analog keyboards, and layered choirs. In “La Notte” an existential reflection emerges: “And now distraught with pain / Abandoned in my misfortune / If there is someone who is not afraid / I pray they help me... The night hides thieves and hides a flower as well”. Here, darkness becomes a place of refuge where fears and beauty share the same invisible space. “Quando”, with its river-like duration of almost 8 minutes, expands Pop structures, approaching a '70s-style orchestral Prog suite. A plunge into the past—the kind that makes you fly and think.
The lyrical heart of the record is “Aspetterò”, dealing with the theme of waiting as an existential condition, while “Per Te” is an intimate and moving dedication to fatherhood. In “Un Momento Migliore”, the singer-songwriter reaches the peak of his human confession: “Maybe I’ve always lied or maybe I’m too honest / It’s from a fragile mind, or I’m just immature / Or, more likely, I don’t want to think about the future / Because I’m almost certain I’ll be wrong forever”.
Another strong point of the album is the arrangements: precise and fitted perfectly into the general context. In the final part of the album, the orchestral tension untangles the lyrical knots. The closing title-track seals the work by summarizing this newfound awareness, treating aging and the changing of things not as defeats. From an Art Rock perspective, “Una Lunghissima Ombra” proves how conceptual music and cultured arrangements can be made without losing the melodic grace of the Italian tradition, placing De Simone among the few capable of taking up the legacy of the great master musicians of the '70s to translate it into the contemporary age. Spectacular! MS

Beppe Cunico

BEPPE CUNICO - Flexible Chaos
Dischi Soviet Studio
Genere: Cantautore / Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Beppe Cunico è un chitarrista, compositore e polistrumentista italiano attivo da anni nell'ambito del Rock Progressivo, della musica strumentale d'autore e del Fusion Prog. Formatosi attraverso uno studio approfondito della chitarra elettrica ed acustica, Cunico ha sviluppato uno stile stilisticamente trasversale, influenzato dai grandi maestri della chitarra Prog ed eclettica come Allan Holdsworth, Steve Hackett, Robert Fripp e David Gilmour e dal grande bagaglio del Prog italiano storico e contemporaneo.
Oltre all'attività solista, Beppe Cunico ha prestato la sua chitarra e la sua sensibilità compositiva a svariati progetti del sottobosco Progressive ed Art Rock, ma anche con Nek, Subsonica e molti altri, distinguendosi per un approccio al suono mai banale con una predilezione per le architetture complesse, l'uso sapiente del contrappunto chitarristico, il fraseggio liquido e una ricerca continua del "caos ordinato" (concetto che trova la sua massima sintesi proprio nella titolazione di questo lavoro).
Dice l’autore nel suo sito ufficiale: “La musica è il linguaggio universale dell'anima, un caleidoscopio di emozioni che danza tra le note e risuona nel cuore di chi l'ascolta”, e la sua musica riflette a pieno questo concetto.
Il nuovo album “Flexible Chaos”, si sviluppa come un percorso concettuale diviso tra composizioni strumentali di pura ricerca timbrica e brani cantati in italiano e in inglese, creando un contrasto dinamico tra intimismo lirico e aperture virtuosiste. Il musicista vicentino racconta molto, anche il malessere adolescenziale e il baratro della depressione nelle dodici tracce che compongono l’album, ad iniziare dall’intro “Intrigue”, strumentale vigoroso e intenso.
In “The Dirt Under Your Feet” la chitarra viene spinta su suoni caldi e distorti, sfociando in assoli dal forte sapore Hard Fusion. La “terra sotto i piedi” è sia ciò che si calpesta con superbia, sia la realtà cruda da cui non si può fuggire.
“Noi Che Creiamo Arte” è un movimento variegato con voice phone annesso, Cunico non nasconde l’amore per la musica di Steven Wilson e dei Pink Floyd anche se il brano, pur mantenendo una scia di drammaticità, è molto vicino al mondo del cantautorato, quello più Rock. E’ la chitarra a spingere verso questi colossi della musica. “Universo Parallelo” è un viaggio interiore ed evasivo dove la musica apre a differenti soluzioni, anche ariose.
L’elettronica viene in aiuto all’inizio di “Al Di Là Dell’Oscurità”, altro robusto movimento Rock e orecchiabile nell’andamento.
Arriva anche la ballata con “Il Graffio Delle Corde”, non convenzionale nella composizione rispetto i lentoni che spesso si ascoltano negli album Rock, bene articolata e arrangiata. Qui si che i Porcupine Tree sono presenti!
Con “Essere” si ha un'indagine ontologica sulla natura dell'esistenza, e una presentazione della cultura musicale a disposizione dettata da numerose influenze messe in gioco, anche molto Hard.
“Waiting For Dawn” gode di un bellissimo assolo di chitarra per poi giungere a “Sealner” e al pianistico intro. Anche in questo caso, non esulano alti e bassi sonori con annessi cambi di tempo.
“A Smile On A Child Face” è una dedica all'innocenza e alla purezza dello sguardo infantile, capacità che l'adulto perde ma che la musica può momentaneamente rievocare. Fra le canzoni che ho più apprezzato c’è “Insane”, introspettiva e allo stesso momento florida. Chiudono i quasi dieci minuti della title track,  esplorazione Progressive strumentale e cantata, in cui convivono sezioni intricate alla Holdsworth/Gentle Giant, aperture sinfoniche e momenti di grande pathos chitarristico.
Tra il rigore delle metriche dispari e il respiro di melodie aperte al cielo, “Flexible Chaos” riesce nel suo intento più difficile, quello di dare una forma coerente al disordine dell'anima. Beppe Cunico graffia le corde ed esplora l'ombra e la luce con la sensibilità dei grandi narratori della chitarra. Quando l'ultima nota della title track si dissolve, resta la sensazione di aver compiuto un viaggio interiore necessario. E l'arte, in fondo, serve esattamente a questo. MS 

Versione Inglese: 

BEPPE CUNICO - Flexible Chaos
Soviet Studio Records
Genre: Singer-Songwriter / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Beppe Cunico is an Italian guitarist, composer, and multi-instrumentalist who has been active for years in Progressive Rock, auteur instrumental music, and Fusion Prog. Formed through an in-depth study of both electric and acoustic guitar, Cunico has developed a stylistically cross-cutting approach, influenced by the great masters of Prog and eclectic guitar such as Allan Holdsworth, Steve Hackett, Robert Fripp, and David Gilmour, as well as the rich heritage of historical and contemporary Italian Prog.
In addition to his solo work, Beppe Cunico has lent his guitar and compositional sensitivity to various projects in the Progressive and Art Rock underground, as well as collaborating with Nek, Subsonica, and many others. He distinguishes himself through a sound concept that is never mundane, marked by a preference for complex architectures, a skillful use of guitar counterpoint, fluid phrasing, and a continuous search for "ordered chaos" (a concept that finds its ultimate expression in the title of this work).
As the author states on his official website: “Music is the universal language of the soul, a kaleidoscope of emotions that dances between notes and resonates in the heart of the listener”, and his music fully reflects this concept.
The new album “Flexible Chaos” unfolds as a conceptual journey split between instrumental compositions focused on pure timbral research and tracks sung in Italian and English, creating a dynamic contrast between lyrical intimacy and virtuoso openings. The musician from Vicenza shares a great deal, including teenage angst and the abyss of depression across the twelve tracks that make up the record, starting with the intro “Intrigue”, a vigorous and intense instrumental.
In “The Dirt Under Your Feet”, the guitar is pushed into warm, distorted tones, resulting in solos with a strong Hard Fusion flavor. The “dirt under your feet” is both what is stepped on with arrogance and the raw reality from which one cannot escape.
“Noi Che Creiamo Arte” is a varied movement accompanied by a voice note. Cunico makes no secret of his love for the music of Steven Wilson and Pink Floyd, even though the song, while maintaining a vein of drama, sits very close to the realm of rock-oriented singer-songwriter tradition. It is the guitar that drives the piece toward these giants of music. “Universo Parallelo” is an evasive, inner journey where the music opens up to different, even airy solutions.
Electronics come to the fore at the beginning of “Al Di Là Dell’Oscurità”, another robust Rock movement with a catchy tempo.
Then comes the ballad with “Il Graffio Delle Corde”, unconventional in its composition compared to the slow tracks often heard on Rock albums, well-articulated and arranged. Porcupine Tree's presence is definitely felt here!
With “Essere”, we find an ontological inquiry into the nature of existence, alongside a display of his musical culture driven by numerous influences at play, including very heavy ones.
“Waiting For Dawn” features a beautiful guitar solo before leading into “Sealner” and its piano-led intro. Here too, the track is not short of sonic shifts and time signature changes.
“A Smile On A Child Face” is a tribute to the innocence and purity of a child's gaze—a capacity that adults lose, but which music can temporarily evoke. Among my favorite tracks is “Insane”, introspective yet vibrant at the same time. Closing the album is the nearly ten-minute title track, a Progressive exploration both instrumental and vocal, where intricate Holdsworth/Gentle Giant-style sections coexist with symphonic openings and moments of great guitar pathos.
Between the rigor of odd meters and the breath of sky-bound melodies, “Flexible Chaos” achieves its most difficult objective: giving coherent form to the disorder of the soul. Beppe Cunico scratches the strings and explores shadow and light with the sensitivity of the great guitar storytellers. When the final note of the title track fades away, what remains is the feeling of having completed a necessary inner journey. And art, after all, is meant for exactly this. MS