TRANSQUEB – Maelstrom Autoproduzione Genere: Jazz Fusion / Rock Progressive Supporto: CD / Bandcamp - 2026
Il
genere Progressive Jazz ha una lunga storia alle spalle che parte dagli anni
’50; il nome è indissolubilmente legato alla figura del bandleader e pianista
Stan Kenton. Fu lui a coniare e rendere celebre questa espressione per
descrivere una forma di jazz orchestrale (big band) altamente sperimentale,
complessa e dissonante, che cercava di abbattere i confini tra la musica
afroamericana e le strutture della musica classica d'avanguardia europea. In
seguito, dalla fine degli anni ’60 (in Italia dal 1972), il termine
“Progressive” fu adottato per altra musica come il Rock, il Folk ecc., inteso
come attitudine e sperimentazione. Lo
ritroviamo ancora oggi in piena forma, molte sono le band che si cimentano in
questo ambito, apportando spesso nuove idee e buone soluzioni. Il Canada, poi,
è sempre stato attivo nel campo dell’innovazione sonora, basta citare i Rush
(Prog Metal) oppure, nel metal, i Voivod, tutte band che hanno mutato le
coordinate sonore dei rispettivi generi. Nell’era
moderna andiamo a conoscere la band TransQueb, originaria della regione di
Drummondville (Québec). Il nome deriva dal termine con cui viene storicamente
soprannominata la Highway 55, nota localmente proprio come "la Trans
Québec". Si sono formati come quintetto nella scena indipendente del
Québec, debuttando nel 2022 con l'album “Station”, acclamato dagli appassionati
di Prog per le complesse strutture metriche e la grande perizia tecnica.
L'identità del gruppo è fortemente legata al territorio e alla cultura locale,
elementi che vengono espressi in musica attraverso titoli di brani e concept
ispirati ad ambienti, strade, quartieri e suggestioni geografiche canadesi. Sono
formati da Maude Gauthier (sassofoni), Jeffrey Gagnon (chitarre), Raphaël Côté
(basso, sintetizzatori), Nicolas Gosselin (batteria, percussioni) e Francis
Grégoire (ospite in studio per piano e sintetizzatori). Questo
nuovo “Maelstrom” si compone di sei tracce interamente strumentali. Non
essendoci testo cantato, la narrazione e la componente testuale sono affidate
alla forza evocativa dei titoli e alle traiettorie armoniche, che raccontano un
ideale viaggio tra paesaggi naturali e scorci urbani del Québec. L’arpeggio
iniziale di “Dunes” rimanda ai Genesis degli anni ’70, ma tutto svanisce quando
subentrano il sax e il basso, portando il sound nella quiete della fusion più
calda ed emotiva. Basso e batteria tessono una trama sotterranea su cui la
chitarra elettrica disegna arpeggi caldi. Di base si possono estrapolare gli
anni ’70, quando questo genere ha vissuto il massimo della sua espressività. Prosegue
la fusion e il grande lavoro al sax da parte di Maude Gauthier in “Résonances”.
Denoto alcuni punti di congiunzione con i nostrani Agorà. Il titolo sviluppa
l'idea dell'eco e della risonanza acustica, dove i temi musicali vengono
ripresi, dilatati e fatti "rimbalzare" tra i vari strumenti. “Les
Cloches D'Ahuntsic” è un omaggio ad Ahuntsic, storico e vivace quartiere di
Montréal. La musica descrive il contrasto tra l'antico rintocco delle campane e
il ritmo frenetico della vita cittadina contemporanea. A
questo punto giunge la trilogia “Galion D'Argent” (Pt.1, Pt.2, Pt.3), che
rappresenta il fulcro dell’album sino alla fine. La prima parte è affidata agli
arpeggi acustici malinconici della chitarra, portando l’ascoltatore all’interno
del mondo Rock Progressivo. La seconda parte ha un motivo di rara eleganza,
dolce e morbido come il raso. La terza ed ultima parte vede la band
intraprendere un percorso più sperimentale e incisivo, con cambi di tempo e
soluzioni articolate. “Maelstrom”
conferma i TransQueb come una delle realtà più lucide e raffinate del moderno
panorama Jazz Prog canadese. Rinunciando alla trappola del virtuosismo fine a
se stesso, il quintetto di Drummondville firma un disco solido, coeso e dotato
di una straordinaria forza narrativa. Un ascolto dinamico che dimostra come il
Prog strumentale contemporaneo possa ancora trovare linfa vitale
nell'equilibrio tra rigore compositivo e pura evocazione d'atmosfera. Molto piacevole.
MS
Versione Inglese:
TRANSQUEB
– Maelstrom Self-released Genre:
Jazz Fusion / Progressive Rock Format:
CD / Bandcamp - 2026
The Progressive Jazz genre has a long history behind
it, dating back to the 1950s; its name is inextricably linked to bandleader and
pianist Stan Kenton. He was the one who coined and popularized this expression
to describe a highly experimental, complex, and dissonant form of orchestral
jazz (big band) that sought to break down the boundaries between
African-American music and the structures of European avant-garde classical
music. Later, from the late 1960s (in Italy from 1972), the term “Progressive”
was adopted for other genres such as Rock, Folk, etc., understood as an
attitude and a willingness to experiment. We still find it in fine form today: many bands
venture into this realm, often bringing new ideas and solid musical solutions.
Canada, moreover, has always been active in the field of sonic innovation—one
need only mention Rush (Prog Metal) or, in heavy metal, Voivod, all bands that
redefined the musical coordinates of their respective genres. In the modern era, we get to know TransQueb, a band hailing
from the Drummondville region of Québec. The name derives from the term
historically used as a nickname for Highway 55, known locally as "la Trans
Québec". Formed as a quintet within the Québec independent scene, they
debuted in 2022 with the album “Station”, acclaimed by Prog enthusiasts for its
complex time signatures and great technical proficiency. The group's identity
is deeply tied to their local land and culture—elements expressed in their
music through track titles and concepts inspired by Canadian landscapes, roads,
neighborhoods, and geographical imagery. The line-up consists of Maude Gauthier (saxophones),
Jeffrey Gagnon (guitars), Raphaël Côté (bass, synthesizers), Nicolas Gosselin
(drums, percussion), and Francis Grégoire (studio guest on piano and
synthesizers). This new release, “Maelstrom”, consists of six
entirely instrumental tracks. With no vocals present, the narrative and
"textual" dimensions are entrusted to the evocative power of the
titles and harmonic progressions, which tell the story of an ideal journey
through the natural landscapes and urban vistas of Québec. The opening arpeggio of “Dunes” recalls 1970s Genesis,
but it all fades away as the sax and bass enter, bringing the sound into the
calm of a warmer, more emotional Fusion. Bass and drums weave an underground
groove over which the electric guitar shapes warm arpeggios. At its core, one
can trace roots back to the 1970s, when this genre reached the peak of its
expressiveness. The fusion continues with stellar sax work by Maude
Gauthier on “Résonances”. I note a few points of connection with our homegrown
Agorà. The title develops the concept of echo and acoustic resonance, where
musical themes are revisited, expanded, and "bounced" back and forth
between the various instruments. “Les Cloches D'Ahuntsic” is a tribute to Ahuntsic, a
historic and vibrant district of Montréal. The music depicts the contrast
between the ancient chiming of bells and the frantic pace of contemporary city
life. At this point arrives the “Galion D'Argent” trilogy
(Pt.1, Pt.2, Pt.3), which serves as the core of the album through to the end.
The first part is built around melancholy acoustic guitar arpeggios, drawing
the listener into the world of Progressive Rock. The second part features a theme
of rare elegance, soft and smooth as satin. The third and final part sees the
band embark on a more experimental and incisive path, driven by time changes
and intricate arrangements. “Maelstrom” confirms TransQueb as one of the most
lucid and refined acts in the modern Canadian Jazz Prog scene. Steering clear
of the trap of virtuosity for its own sake, the Drummondville quintet delivers
a solid, cohesive record endowed with extraordinary narrative power. A dynamic
listen that proves how contemporary instrumental Prog can still find vital
energy in the balance between compositional rigor and pure atmospheric
suggestion. Highly enjoyable. MS
KHATSATURJAN – Monologue Of Chronos Autoproduzione Genere: Progressive Rock Sinfonico Supporto: Digital / Spotify – 2026
Più
ascolto band Progressive Rock provenienti da tutto il mondo e più capisco come
l’avvento di internet abbia globalizzato la musica. Non è un fatto negativo se
usato con la giusta personalità, perché il poter ascoltare tutto arricchisce
culturalmente e si possono trarre molti vantaggi. La
band Khatsaturjan nasce nel 2000 a Vantaa, in Finlandia. Il nome si ispira
apertamente al celebre compositore armeno Aram Khachaturian (autore della
celebre “Danza Delle Sciabole”). In origine il gruppo nacque come progetto
estemporaneo per rielaborare in chiave Rock brani di musica classica sulla scia
di formazioni storiche quali Emerson, Lake & Palmer o Ekseption, inclusi
arrangiamenti di opere di Mussorgsky. Nel corso del tempo la formazione si è
evoluta verso la composizione di materiale originale, sviluppando una forma di
Symphonic/Eclectic Prog complessa e teatrale, caratterizzata da intricate strutture
tastieristiche (organo, sintetizzatori, clavicembalo), presenza del
violoncello, arrangiamenti polifonici e armonie vocali stratificate. I
membri fondatori e polistrumentisti che ne costituiscono il nucleo in studio
sono: Atte Kurri (voce, chitarre, basso, tastiere), Ilkka Piispala (voce,
batteria, tastiere, chitarra, basso) e Ilkka Saarikivi (voce, tastiere, basso,
violoncello). Nelle prime fasi e nei primi album era presente anche il
cantante/bassista Jaakko Koikkalainen. “Monologue
Of Chronos” è il quarto lavoro in studio, pubblicato a distanza di un decennio
dal precedente “Beast, Machine And Man” (2015, Musea Records). Quarantasette
minuti di musica distribuiti in sette brani, a partire da “Lessons (On Human
Obsolescence)” in cui l'arrangiamento varia continuamente con un dinamismo
spinto, passando da passaggi operistici e vocali a trame più moderne e
drammatiche. Le tastiere cambiano registro con frequenza (sintetizzatori
vintage e moderni), intrecciandosi con riff di chitarra più aggressivi ed elementi
ritmici in continuo mutamento. Buone le coralità con l'aggiunta di voce
femminile oltre ai controcanti in equilibrio fra Queen e Gentle Giant. Ecco la
globalizzazione, una volta ricordavo il Prog Finnico maggiormente oscuro (non
che fossero mancati ampi frangenti vivaci, intendiamoci), qui c’è tanto
materiale accostabile sia al Prog USA che UK. Il testo affronta la sensazione
di superamento dell'essere umano di fronte alla robotizzazione e
all'intelligenza artificiale, mettendo in discussione il valore dell'individuo
in una società guidata dall'automazione. “What
Was True” ha un inizio decisamente Neo Prog in stile anni ‘80/90; tutto
l’andamento mette in evidenza la cultura musicale dei Khatsaturjan, miscelando
stili e idee. Le coralità mi riportano alla mente gli americani Echolyn. Ottimo
il solo di chitarra elettrica. Il tema lirico ruota attorno al confine tra
realtà tangibile e simulazione digitale (con un forte parallelismo visivo e
concettuale con la realtà virtuale alla Matrix), ponendosi la domanda cruciale
sul valore della percezione: "Cosa è stato reale?" Un
pianoforte inizia “The Dystopian Spirit Of Club Energy”, gettando l’ascoltatore
nel mondo della musica classica, tuttavia dietro l’angolo c’è sempre la
sorpresa, altrimenti non saremmo qui a parlare di Progressive Rock, così che la
struttura muta passando a sonorità moderne e perfino elettroniche. Qui si parla
della perdita di identità e dell'alienazione all'interno di uno spazio sociale
"meccanizzato", dove l'energia umana viene canalizzata e spenta da
una routine distopica. Ed
è la volta di “Song Of Days”, uno dei picchi più alti dell’intero album, in cui
la band non traccia soltanto linee sinfoniche, bensì anche teatrali, basando
ancora una volta la forza dell’impatto nella voce. I silenzi sono importanti
quanto la musica, creando istanti di attesa che non vengono mai traditi dalle
tastiere. Intercalari di crescendo e calando rendono tutto molto fruibile ed
enfatico. Il brano è una riflessione sullo scorrere inesorabile dei giorni (il "Cronos"
del titolo dell'album) e sul bilancio esistenziale dell'uomo nel corso delle
diverse fasi della vita. Altri
sette minuti abbondanti di musica giungono da “DID Memoir”, con un'intro di
chitarra elettrica a dir poco toccante. A metà del percorso il pezzo entra in
una fase inaspettatamente giocosa e raffinata, con una chitarra in modalità
Genesis. Il titolo fa riferimento all'ipotesi della memoria frammentata o del
disturbo dissociativo d'identità (Dissociative Identity Disorder), ponendo
l'accento sulla percezione interiore del tempo e sulla molteplicità dei
ricordi. “The
Keepers Of Philosopher's Stone” ha tempi classici ed enormi coralità, tanto ben
di Dio per chi ama crogiolarsi in questi magnifici fasti. L’album
si conclude con “Mundus Meus (This World Of Mine)”, una mini suite di otto
minuti a dir poco gloriosa dove le tastiere ricoprono nuovamente il ruolo
maestro. È la chiusura concettuale del "monologo". L'individuo
rivendica il proprio micromondo interiore ("Questo mondo mio") come
unico rifugio possibile di fronte alla vastità e all'indifferenza del tempo e
dell'universo. In
un’epoca in cui il Progressive Rock tende spesso a rifugiarsi nel citazionismo
di maniera o in un’esibizione di tecnica fine a se stessa, “Monologue Of
Chronos” dimostra come il genere possa ancora essere materia viva, filosofica e
profondamente concettuale. Ascoltatelo e non ve ne pentirete. MS
Versione Inglese:
KHATSATURJAN
– Monologue Of Chronos Self-released Genre:
Symphonic Progressive Rock Format:
Digital / Spotify – 2026
The more I listen to Progressive Rock bands from all
over the world, the more I realize how the advent of the internet has
globalized music. This is not a negative thing if used with the right
personality, because being able to listen to everything enriches us culturally
and offers many benefits. The band Khatsaturjan was formed in 2000 in Vantaa,
Finland. The name is openly inspired by the famous Armenian composer Aram
Khachaturian (author of the celebrated “Sabre Dance”). Originally, the group
started as an impromptu project to rework classical music pieces in a Rock key,
following in the footsteps of historical bands such as Emerson, Lake &
Palmer or Ekseption, including arrangements of works by Mussorgsky. Over time,
the lineup evolved toward composing original material, developing a complex and
theatrical form of Symphonic/Eclectic Prog characterized by intricate keyboard
structures (organ, synthesizers, harpsichord), the presence of the cello,
polyphonic arrangements, and layered vocal harmonies. The founding members and multi-instrumentalists who
form the studio core are: Atte Kurri (lead vocals, guitars, bass, keyboards),
Ilkka Piispala (vocals, drums, keyboards, guitar, bass), and Ilkka Saarikivi
(vocals, keyboards, bass, cello). In the early stages and on the first albums,
singer/bassist Jaakko Koikkalainen was also present. “Monologue Of Chronos” is their fourth studio album,
released a decade after its predecessor, “Beast, Machine And Man” (2015, Musea
Records). Forty-seven minutes of music spread across seven tracks, starting
with “Lessons (On Human Obsolescence)”, in which the arrangement continually
shifts with high dynamism, moving from operatic and vocal passages to more
modern and dramatic textures. The keyboards change registers frequently
(vintage and modern synths), intertwining with more aggressive guitar riffs and
constantly evolving rhythmic elements. The vocal harmonies are strong,
complemented by the addition of female vocals alongside counter-melodies
balanced between Queen and Gentle Giant. Here lies globalization: I used to
remember Finnish Prog as darker (not that lively moments were lacking, mind
you), but here there is plenty of material reminiscent of both US and UK Prog.
The lyrics address the feeling of human obsolescence in the face of
robotization and artificial intelligence, questioning the value of the individual
in an automation-driven society. “What Was True” opens with a distinctly 80s/90s-style
Neo Prog intro; the entire track highlights Khatsaturjan’s musical culture by
blending styles and ideas. The vocal arrangements bring to mind the American
band Echolyn. Excellent electric guitar solo. The lyrical theme revolves around
the boundary between tangible reality and digital simulation (with a strong
visual and conceptual parallel to Matrix-like virtual reality), asking the
crucial question about the value of perception: "What was true?" A piano opens “The Dystopian Spirit Of Club Energy”,
plunging the listener into the world of classical music. However, a surprise is
always around the corner—otherwise we wouldn't be talking about Progressive
Rock—so the structure shifts toward modern, even electronic sounds. Here, the
lyrics deal with the loss of identity and alienation within a
"mechanized" social space, where human energy is channeled and
extinguished by a dystopian routine. Next comes “Song Of Days”, one of the absolute peaks
of the entire album, where the band traces not only symphonic but also
theatrical lines, once again grounding the impact in the vocals. The silences
are as important as the music, creating moments of anticipation that are never
betrayed by the keyboards. Alternating crescendos and decrescendos make
everything engaging and emphatic. The track is a reflection on the relentless
passage of days (the "Chronos" of the album's title) and man's
existential balance sheet across the different stages of life. Another solid seven minutes of music come with “DID
Memoir”, featuring a deeply touching electric guitar intro. Midway through, the
piece enters an unexpectedly playful and refined phase, with a guitar in true
Genesis mode. The title refers to the hypothesis of fragmented memory or
Dissociative Identity Disorder (DID), emphasizing the inner perception of time
and the multiplicity of memories. “The Keepers Of Philosopher's Stone” boasts classical
time signatures and sweeping vocal arrangements—a real treat for those who love
to bask in such magnificent splendor. The album concludes with “Mundus Meus (This World Of
Mine)”, an eight-minute mini-suite that is nothing short of glorious, where the
keyboards once again take center stage. It serves as the conceptual closure of
the "monologue." The individual reclaims their inner micromorld
("This world of mine") as the only possible refuge against the
vastness and indifference of time and the universe. In an era where Progressive Rock often tends to retreat
into formulaic homage or technical display for its own sake, “Monologue Of
Chronos” proves that the genre can still be a living, philosophical, and deeply
conceptual medium. Give it a listen and you won't regret
it. MS
Lullabies
For The Marooned Seacrest
Outpost Genere: Crossover Prog Supporto: Bandcamp – 2026
Si
può fare musica per lo spirito anche se non si toccano tematiche religiose, con
quelle sonorità che ti toccano l’anima e ti isolano da ciò che ti circonda. I
ViaMedia escono con il secondo album in studio intitolato “Lullabies For The
Marooned”, dove si approfondisce il tema dell'isolamento, dell'abbandono, del
naufragio esistenziale e della ricerca di un porto sicuro nelle tempeste della
vita. ViaMedia
è un progetto multinazionale che incarna la quintessenza del Rock Progressivo
moderno e contaminato, muovendosi con disinvoltura tra sonorità Art Rock,
venature Jazz Rock ed echi Neo Prog, arricchiti da un'attenta cura per le
atmosfere e le narrazioni liriche. Nascono dall'unione di musicisti provenienti
da diverse estrazioni e aree geografiche, accomunati dal desiderio di fondere
strutture musicali complesse con una spiccata sensibilità melodica. Il gruppo
trae il proprio nome dalla ricerca di una "via di mezzo" espressiva,
un equilibrio sapiente tra virtuosismo tecnico e immediatezza emozionale, tra
sperimentazione e forma canzone. Provenienti
dal Regno Unito e dalla Norvegia, i ViaMedia sono formati da Karl Yngvar Dale
(voce, basso, contrabbasso, tastiere, chitarra acustica) e Tore Dimmestøl
(voce, chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, concertina, effetti). Per la
riuscita di questo concept si avvalgono della collaborazione di musicisti del
calibro di Gunnar Halle (tromba), Tore Ljøkelsøy (batteria), Hugh Midford
(violino), Chris Forrest (clarinetto) e Henley String Quartet & Aberystwyth
String Quartet (archi). Dieci
le canzoni, a partire da “Everything Is Quiet Now”, composizione d'impostazione
delicata e sognante. Chitarre acustiche e soffusi tappeti di tastiera creano
un'atmosfera sospesa, che cresce gradualmente con l'ingresso di una sezione
ritmica discreta ma dinamica. Il testo esplora la calma apparente che segue una
grande tempesta emotiva. Il "silenzio" del titolo non è solo pace, ma
anche quel senso di vuoto e smarrimento che si prova subito dopo la fine di una
crisi. Anche
“Commodore Anson” possiede quelle arie sognanti arricchite dagli archi capaci
di catapultarci negli anni ’70. Una ballata che vuole essere un omaggio
figurato alla storicità del viaggio di esplorazione navale. La figura del
Commodore Anson diventa la metafora del navigatore solitario che sfida
l'ignoto, affrontando le avversità del mare e il peso delle decisioni estreme. “Weight
Of The World” alza il ritmo spostando l’epicentro negli anni ’80, un brano dal
respiro drammatico e dall'incedere maestoso. Le linee di basso ben definite
sorreggono un intreccio di tastiere orchestrali e assoli di chitarra carichi di
pathos. Qui emerge la sensazione di oppressione e la responsabilità emotiva che
spesso gravano sull'individuo moderno. È il racconto del fardello interiore che
trasforma ogni decisione in una potenziale ancora di fondo. Ci
si cala nel Neo Prog di matrice White Willow con “Dead Man's Chest”, un Dark
Prog con linee vocali espressive e dissonanze controllate che mantengono alta
la tensione espressiva. Fra
le composizioni più interessanti del disco c’è “Oyster”, una canzone dal ritmo
ballabile e quindi ancor più immersa negli anni ’80. La struttura è fluida, con
sezioni strumentali ampie che consentono a ciascun elemento della band di
mettere in luce la propria sensibilità eclettica. L'ostrica è utilizzata come
allegoria della protezione interiore: una scorza dura sviluppata per difendere
la propria vulnerabilità (la perla), nata ed evoluta attraverso il dolore e
l'isolamento. La
ninna nanna sognante “Lullaby” oscilla costantemente tra calma apparente e
improvvise aperture dinamiche. L'arrangiamento dei sintetizzatori crea un
panorama sonoro avvolgente e nostalgico, mentre il testo si sviluppa come un
canto consolatorio rivolto a chi si sente tagliato fuori dal mondo, offrendo
una dolce quanto malinconica via di fuga attraverso la dimensione del sogno e
dell'immaginazione. “4Ever
Gone” sembra un mix fra i Jethro Tull acustici e i primi Pink Floyd di Syd
Barrett, mentre una tromba apre “Losing Paradise”, altro movimento
contemplativo e ben arrangiato in cui il paradiso sognato o cercato si rivela
fragile o illusorio, costringendo il protagonista a fare i conti con la cruda
realtà della propria condizione di naufrago. Altra
perla scura ed affascinante è “Eyes Of Fate”, mentre la conclusione spetta a
“Marooned”, la quale si apre melodicamente per poi crescere elettricamente. In
definitiva, “Lullabies For The Marooned” si rivela molto più di un semplice
racconto su un naufragio d'altri tempi: è un porto sicuro per l'ascoltatore. I
ViaMedia hanno saputo tessere un arazzo sonoro dove la malinconia
dell'isolamento trova conforto in melodie avvolgenti e arrangiamenti
cameristici di rara eleganza. Un'opera che chiede la giusta predisposizione
d'animo e il tempo necessario per essere assimilata, ma che ripaga svelando,
ascolto dopo ascolto, il fascino intimo di una tempesta interiore placata
soltanto dalla musica. MS
Lullabies
For The Marooned Seacrest
Outpost Genre:
Crossover Prog Format:
Bandcamp – 2026
Music can resonate deeply with the human spirit even
without tackling religious themes, especially when built on soundscapes that
touch the soul and detach you from the world around you. ViaMedia return with
their second studio album, Lullabies For The Marooned, an exploration of
isolation, abandonment, existential shipwreck, and the search for a safe harbor
amid life's storms. ViaMedia is a multinational project embodying the
essence of modern, eclectic progressive rock, moving seamlessly between art
rock sonorities, jazz-rock nuances, and neo-prog echoes, all enhanced by a
meticulous care for atmospheric textures and lyrical storytelling. Hailing from
diverse backgrounds and geographical origins, the band members are united by a
desire to blend complex musical structures with a strong melodic sensibility.
The group derives its name from the pursuit of an expressive "middle
way"—a thoughtful balance between technical virtuosity and emotional
immediacy, between experimentation and songcraft. Based in the UK and Norway, ViaMedia consists of Karl
Yngvar Dale (vocals, bass, double bass, keyboards, acoustic guitar) and Tore
Dimmestøl (vocals, electric and acoustic guitars, keyboards, concertina,
effects). To bring this concept to life, they enlisted high-caliber guest
musicians including Gunnar Halle (trumpet), Tore Ljøkelsøy (drums), Hugh
Midford (violin), Chris Forrest (clarinet), and the Henley String Quartet
alongside the Aberystwyth String Quartet (strings). The album features ten tracks, beginning with
“Everything Is Quiet Now”, a delicate and dreamlike opening composition.
Acoustic guitars and soft keyboard layers weave a suspended atmosphere that
gradually expands with the entrance of a subtle yet dynamic rhythm section. The
lyrics explore the deceptive calm following a major emotional upheaval; the
"silence" of the title represents not merely peace, but also the sense
of void and disorientation felt right after a crisis subsides. “Commodore Anson” retains those dreamlike airs,
enriched by string arrangements capable of catapulting the listener back to the
1970s. This ballad serves as a figurative homage to historical naval exploration,
where the figure of Commodore Anson becomes a metaphor for the solitary
navigator defying the unknown, facing maritime adversity and the weight of
grave decisions. “Weight Of The World” picks up the pace, shifting its
stylistic epicenter into the 1980s with a dramatic sweep and majestic stride.
Well-defined basslines support an intricate web of orchestral keyboards and
pathos-filled guitar solos. Here, the feeling of oppression and emotional
burden that so often weighs upon the modern individual takes center stage—a
tale of internal struggle that turns every choice into a potential heavy
anchor. The record delves into White Willow-esque neo-prog
with “Dead Man's Chest”, a dark prog track featuring expressive vocal lines and
controlled dissonances that maintain a high level of dramatic tension. Among the album's most intriguing moments is “Oyster”,
driven by a danceable rhythm that immerses it even further in 80s aesthetics.
Its fluid structure features expansive instrumental passages that allow each
member to showcase their eclectic musicality. The oyster acts as an allegory
for internal defense: a tough shell developed to shield one's vulnerability
(the pearl), born and forged through pain and solitude. The dreamlike lullaby “Lullaby” constantly sways
between apparent serenity and sudden dynamic swells. Ambient synthesizer
arrangements create an enveloping, nostalgic soundscape, while the lyrics
unfold as a consoling chant for those who feel alienated from the world,
offering a sweet yet melancholic escape into dreams and imagination. “4Ever Gone” feels like a cross between acoustic
Jethro Tull and Syd Barrett-era Pink Floyd, whereas a trumpet introduces
“Losing Paradise”—another contemplative, finely arranged movement where the
sought-after paradise proves fragile or illusory, forcing the protagonist to
confront the stark reality of their stranded condition. Another dark and captivating gem arrives with “Eyes Of
Fate”, leading into the closing track “Marooned”, which opens melodically
before building into an electric crescendo. Ultimately, Lullabies For The Marooned proves to be
far more than a simple tale of an ancient shipwreck: it is a safe harbor for
the listener. ViaMedia have woven a sonic tapestry where the melancholy of
isolation finds comfort in sweeping melodies and chamber arrangements of rare
elegance. It is a work that demands the right mindset and time to be fully
digested, but one that rewards the listener by revealing, spin after spin, the
intimate beauty of an inner storm calmed only by music. MS
STORIA E VOLTI DEL JAZZ PROG
ITALIANO: LA DIAGONALE IMPROVVISATA
Di
Massimo Salari
Perigeo
Questo breve speciale è ovviamente incompleto di tutte le band che hanno reso famoso il genere per motivi di lunghezza, tuttavia ecco un buon sunto dell'accaduto per chi volesse iniziare il percorso:
Tra
la fine degli anni ’60 e la metà degli anni ’70, l’Italia fu teatro di uno dei
movimenti musicali più vivaci d’Europa. Mentre il Rock Progressivo di matrice
sinfonica guadagnava le vette delle classifiche, parallela e sotterranea si
sviluppava una corrente diversa, contaminata e altamente tecnica: il Jazz Rock. Il
Prog classico guardava alla musica classica europea, al romanticismo e al Folk,
il Jazz Prog attingeva a piene mani dalla rivoluzione elettrica di Miles Davis
(Bitches Brew), dalle esplosioni timbriche della Mahavishnu Orchestra e dalla
libertà espressiva della Canterbury Scene, innestandole nel fermento sociale e
culturale del nostro Paese. Il
fenomeno non nacque per caso, e si sviluppò dall'incontro tra due mondi
distinti, i virtuosi del Conservatorio e
del Jazz di sala con musicisti dalla formazione solida, stanchi degli schemi
rigidi del Jazz tradizionale o delle orchestre d'accompagnamento pop, e i
festival all'aperto (da Parco Lambro a Villa Pamphili). Erano i circoli del
proletariato giovanile e le etichette indipendenti (Cramps, Numero Uno, IT) che
cercavano sonorità di rottura.Il risultato fu un suono viscerale,
tecnico e spesso politico, capace di spaziare dalla Fusion più raffinata
all'avanguardia pura. Potremmo
catalogarli così:
1.L'Anima
Fusion e Mediterranea (Il virtuosismo strutturato) 2.L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)
L'Anima
Fusion e Mediterranea
Questo
filone prediligeva la precisione esecutiva, l'interlocking ritmico e la ricerca
del groove, arricchendo la lezione americana con sensibilità melodica latina e
mediterranea. Alcuni
esempi noti giungono da I PERGIGEO, guidati dal contrabbassista Giovanni
Tommaso, con musicisti del calibro di Franco D'Andrea e Bruno Biriaco. Questi
rappresentano il punto più alto del Jazz Rock italiano strutturato. Album come “Azimut”
(1972) e “Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere” (1973) coniugano una perizia tecnica
impeccabile a strutture Prog complesse ma fruibili. Oppure
dai NAPOLI CENTRALE,
che sono la risposta partenopea guidata da James Senese e
Franco Del Prete. Qui il Jazz Rock si tinge di anima popolare, veracità urbana
e impegno sociale, fondendo sax viscerale, ritmiche Funk-Prog e dialetto
napoletano.
Da
sottolineare gli AGORA’
band della regione Marche fondata nel 1974 a Serra San
Quirico, che rappresentano una delle parabole più affascinanti e atipiche della
scena. Sostenuti da una padronanza tecnica fuori dal comune, fondono un Jazz Rock
intimista, meditativo e mediterraneo, privo dell'aggressività tipica dell'Hard
Fusion dell'epoca.Debuttarono con un album registrato dal
vivo al celebre Festival di Montreux nel luglio del 1975, un caso rarissimo per
un gruppo italiano agli esordi. Brani come “Penetrazione” e la suite “Serra S.
Quirico” mostrano un interplay raffinato guidato dal sassofono soprano di
Ovidio Urbani, dalle tastiere elettriche di Roberto Bacchiocchi e dalla
chitarra di Renato Gasparini.Il secondo lavoro in studio “Agorà
2” (1976) confermò la classe del quintetto, arricchendo le sonorità con
elementi etnici e strutture compositive ancora più liriche e flautate.
Proseguiranno la carriera sino ad oggi in attesa del nuovo album del
cinquantenario.
Non
da meno i fiorentini BELLA BAND
seppure rilascino un solo album dal titolo
omonimo nel 1978 per l’etichetta Cramps. Vedeva tra le sue file il tastierista
Riccardo Cioni e il batterista Mauro Sarti, già nei Campo di Marte e
rappresentavano il momento in cui il Jazz Rock incontrava la complessità del Prog
d'avanguardia. L'album
omonimo “Bella Band” è un lavoro dal virtuosismo travolgente ma mai fine a se
stesso. Brani come “Porotopostrippa Sul Pero” e “Faidadiesis” evidenziano tempi
dispari frenetici, interventi di fiati (sax, flauto, clarinetto) e
sintetizzatori spinti al limite, unendo l'impostazione stilistica della Cramps
(Area, Arti e Mestieri) con un'agilità ritmica quasi zappaiana.
L'Anima
Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)
In
questo versante, il Jazz diventa sinonimo di scomposizione, improvvisazione
radicale e rottura degli schemi formali. Due gli esempi più eclatanti e di
successo: AREA e ARTI E MESTIERI.
Gli
AREA (International POP Group)
sono una vera e propria anomalia nel panorama
mondiale. Con la voce sbalorditiva di Demetrio Stratos (polifonie), il
pianoforte di Patrizio Fariselli e la chitarra di Paolo Tofani, fusero Free Jazz,
etno-musica balcanica, elettronica sperimentale e ideologia di sinistra (“Arbeit
Macht Frei”, “Crac!”). Moltissima sperimentazione strutturale e di risveglio
per le coscienze, un connubio per “svegliare” le masse anche in maniera
provocatoria, specialmente in sede live.
Gli
ARTI E MESTIERI
sono invece diretti dalla formidabile batteria di Furio Chirico
e dalle tastiere di Beppe Crovella. I torinesi produssero un Jazz Rock
fulmineo, iper-tecnico e altamente sinfonico, documentato in capolavori come “Tilt”
(1974) e “Giro Di Valzer Per Domani” (1975).
La
continuità del Jazz Prog: Le band post-anni '70 e contemporanee
Verso
la fine degli anni '70, col mutare del clima politico e l'avvento della Disco
Music e della New Wave, la stagione d'oro del Jazz Prog si avviò al tramonto.
Tuttavia, la sua eredità ha continuato a irrorare la musica italiana, dalla
scena Canterbury piemontese e milanese degli anni '80 fino ai gruppi
indipendenti contemporanei che continuano a recuperare la lezione degli Area e
del Perigeo.Il cordone ombelicale tra Jazz e Rock Progressivo non
si è mai spezzato, grazie a etichette dedicate come Lizard Records, Black
Widow, Mellow Records, Moonjune, Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music ed
altre ancora.
Qui
solo alcune delle band che hanno reso possibile il proseguimento del genere:
CALLIOPE: Anni '80 / '90 (Piemonte). Nati con una
matrice Neo Prog sinfonica, hanno inserito ritmiche e soluzioni fiatistiche di
stampo chiaramente Jazz Rock grazie alla presenza di ex membri di Arti e
Mestieri. Consigliato: “La Terra Dei Gioielli” (1995)
DEUS
EX MACHINA: Anni '90 - oggi (Bologna) Una
delle band più travolgenti e tecnicamente mostruose del panorama mondiale.
Fondono il Jazz Rock degli Area, il Prog sinfonico, e l'Hard Rock con la voce
pirotecnica di Alberto Piras (cantata in latino e italiano). Consigliati: “De
Republica” (1995), “Cinque” (2002)
ACCORDO
DEI CONTRARI: Anni 2000 - oggi (Bologna). Quartetto/quintetto strumentale di
altissimo livello. Uniscono Canterbury scene, Jazz Rock moderno, Soft Machine e
Mahavishnu con una visione compositiva rigorosa e organica. Consigliati: “Koinè”
(2007), “Kublai” (2014).
BAROCK
PROJECT: Anni 2000 - oggi (Emilia-Romagna). Pur collocandosi prevalentemente
nel sinfonico moderno, la loro matrice pianistica ed esecutiva incorpora
continui strappi e digressioni fusion e Jazz Rock di notevole perizia tecnica.
Consigliati: “Skyline” (2015), “Seven
Hands” (2017)
YUGEN:
Anni 2000 - oggi (Milano). Progetto guidato dal chitarrista e compositore
Francesco Zago. Collocati nell'area Avant-Prog / RIO (Rock in Opposition),
integrano una forte componente chamber-Jazz, avanguardia contemporanea e
scomposizioni ritmiche. Consigliati: “Labirinto D'Acqua” (2006), “Iridule”
(2010)
PROCOSMICO:
Recenti (Italia). Progetto contemporaneo che riprende il testimone della
Canterbury scene e del Jazz Rock strumentale con un taglio fresco, timbri
vintage e strutture fluide. Consigliato: “Procosmico” (2020)
MOGADOR:
Anni 2000 - oggi (Toscana). Progetto legato ad atmosfere calde e contaminati
tra Canterbury, Jazz Prog mediterraneo ed elementi sinfonici, dove flauto, sax
e tastiere dialogano costantemente. Consigliati: “Mogador” (2009), “Chapter 4”
(2018)
Versione Inglese:
HISTORY AND
FACES OF ITALIAN JAZZ PROG: THE IMPROVISED DIAGONAL
By Massimo
Salari
This short special feature is obviously incomplete
regarding all the bands that made the genre famous due to length constraints;
however, here is a good summary of what took place:
Between the late 1960s and the mid-1970s, Italy was
the stage for one of Europe's most vibrant musical movements. While
symphonic-inspired Progressive Rock was reaching the top of the charts, a
different, highly technical, and cross-pollinated movement was developing in
parallel underground: Jazz Rock. While classic Prog drew from European classical music,
Romanticism, and Folk, Jazz Prog pulled heavily from the electric revolution of
Miles Davis (Bitches Brew), the timbral explosions of the Mahavishnu Orchestra,
and the expressive freedom of the Canterbury Scene, embedding them into the
social and cultural ferment of Italy. This phenomenon did not happen by chance; it grew from
the meeting of two distinct worlds: Conservatory-trained virtuosos and lounge
jazz musicians with solid technical backgrounds, tired of the rigid patterns of
traditional Jazz or pop backing orchestras, alongside outdoor festivals (from
Parco Lambro to Villa Pamphili). These were the youth proletariat clubs and
independent record labels (Cramps, Numero Uno, IT) seeking groundbreaking
sounds. The result was a visceral, technical, and often political sound,
capable of ranging from the most refined Fusion to pure avant-garde. We could categorize them as follows:
The Fusion and Mediterranean Soul (Structured
Virtuosity) The Experimental and Political Soul (Radical
Avant-Garde)
The Fusion and
Mediterranean Soul
This stream favored executive precision, rhythmic
interlocking, and the pursuit of groove, enriching the American influence with
a Latin and Mediterranean melodic sensibility.
Notable examples come from PERIGEO, led by double
bassist Giovanni Tommaso, featuring musicians of the caliber of Franco D'Andrea
and Bruno Biriaco. They represent the high-water mark of structured Italian
Jazz Rock. Albums like Azimut (1972) and Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere
(1973) combine flawless technical mastery with complex yet accessible Prog
structures.
Another prime example is NAPOLI CENTRALE, the
Neapolitan response led by James Senese and Franco Del Prete. Here, Jazz Rock
takes on a popular soul, urban authenticity, and social engagement, fusing
visceral saxophone, Funk-Prog rhythms, and Neapolitan dialect.
Special mention goes to AGORÀ, a band from the Marche
region formed in 1974 in Serra San Quirico, representing one of the most
fascinating and atypical trajectories of the scene. Supported by extraordinary
technical command, they blended an intimate, meditative, and Mediterranean Jazz
Rock, free from the typical aggressiveness of the hard fusion of that era. They
debuted with an album recorded live at the famous Montreux Festival in July
1975—an extremely rare occurrence for a debut Italian band. Tracks like
"Penetrazione" and the "Serra S. Quirico" suite showcase a refined
interplay led by Ovidio Urbani's soprano saxophone, Roberto Bacchiocchi's
electric keyboards, and Renato Gasparini's guitar. Their second studio effort,
Agorà 2 (1976), confirmed the quintet's class, enriching their sound with
ethnic elements and even more lyrical, flute-driven compositional structures.
Their career continues to this day as they await their upcoming
50th-anniversary album.
Equally noteworthy are Florence's BELLA BAND, despite
releasing only a single self-titled album in 1978 on the Cramps label. Featuring
keyboardist Riccardo Cioni and drummer Mauro Sarti (formerly of Campo di
Marte), they represented the moment where Jazz Rock met the complexity of
avant-garde Prog.
The self-titled album Bella Band is a work of dazzling
virtuosity that is never self-serving. Tracks like "Porotopostrippa Sul
Pero" and "Faidadiesis" highlight frantic odd time signatures,
wind instrument interventions (sax, flute, clarinet), and synthesizers pushed
to the limit, combining the stylistic approach of Cramps (Area, Arti e
Mestieri) with an almost Zappa-esque rhythmic agility.
The Experimental
and Political Soul (Radical Avant-Garde)
On this side of the spectrum, Jazz becomes synonymous
with deconstruction, radical improvisation, and breaking away from formal
structures. The two most striking and successful examples are AREA and ARTI E
MESTIERI.
AREA (International POP Group) are a true anomaly on
the global stage. Featuring Demetrio Stratos's astonishing vocal work
(polyphonics), Patrizio Fariselli's piano, and Paolo Tofani's guitar, they
fused Free Jazz, Balkan ethno-music, experimental electronics, and leftist
ideology (Arbeit Macht Frei, Crac!). Packed with structural experimentation and
a drive for conscious awakening, it was a union designed to "wake up"
the masses, often in provocative ways, especially during live performances.
ARTI E MESTIERI, on the other hand, were driven by
Furio Chirico's formidable drumming and Beppe Crovella's keyboards. The
Turin-based group produced lightning-fast, hyper-technical, and highly
symphonic Jazz Rock, documented in masterpieces like Tilt (1974) and Giro Di
Valzer Per Domani (1975).
The Continuity
of Jazz Prog: Post-1970s and Contemporary Bands
Towards the end of the 1970s, as the political climate
shifted and Disco Music and New Wave emerged, the golden era of Jazz Prog began
to sunset. However, its legacy continued to nourish Italian music, from the
Piedmontese and Milanese Canterbury scene of the 1980s to contemporary
independent groups that continue to draw from the lessons of Area and Perigeo.
The umbilical cord between Jazz and Progressive Rock was never severed, thanks
to dedicated labels such as Lizard Records, Black Widow, Mellow Records, Moonjune,
Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music, and others.
Here are just a few of the bands that made the genre's
continuation possible:
CALLIOPE: 1980s / 1990s (Piedmont). Emerging from a
symphonic Neo-Prog root, they incorporated Jazz Rock-style rhythms and horn
arrangements thanks to the presence of former members of Arti e Mestieri. Recommended:
La Terra Dei Gioielli (1995)
DEUS
EX MACHINA: 1990s – present (Bologna). One of the most overwhelming and technically monstrous
bands on the global scene. They fuse Area's Jazz Rock, symphonic Prog, and Hard
Rock with Alberto Piras's pyrotechnic vocals (sung in Latin and Italian). Recommended:
De Republica (1995), Cinque (2002)
ACCORDO
DEI CONTRARI: 2000s – present (Bologna). An instrumental quartet/quintet of the highest order.
They merge the Canterbury scene, modern Jazz Rock, Soft Machine, and Mahavishnu
with a rigorous and organic compositional vision. Recommended: Koinè (2007),
Kublai (2014)
BAROCK PROJECT: 2000s – present (Emilia-Romagna).
While primarily rooted in modern symphonic Prog, their piano-driven execution
constantly incorporates fusion and Jazz Rock breaks and digressions of
remarkable technical skill. Recommended: Skyline (2015), Seven Hands (2017)
YUGEN: 2000s – present (Milan). A project led by
guitarist and composer Francesco Zago. Positioned within Avant-Prog / RIO (Rock
in Opposition), they integrate a strong chamber-jazz component, contemporary
avant-garde, and rhythmic deconstructions. Recommended: Labirinto D'Acqua
(2006), Iridule (2010)
PROCOSMICO: Recent (Italy). A contemporary project
picking up the torch of the Canterbury scene and instrumental Jazz Rock with a
fresh approach, vintage tones, and fluid structures. Recommended:
Procosmico (2020)
MOGADOR: 2000s – present (Tuscany). A project tied to
warm atmospheres and cross-pollinations between Canterbury, Mediterranean Jazz
Prog, and symphonic elements, where flute, sax, and keyboards maintain a
constant dialogue. Recommended: Mogador (2009), Chapter 4
(2018)
ARCTIC PLANT – Absolute Power Autoproduzione Genere: Crossover Prog / Metal Prog Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Questa
volta è la Germania (Bayreuth) a proporci un album di Progressive Rock
infarcito di classicismi con richiami ai King Crimson, Yes e Camel. Una bella
sorpresa per tutti coloro che cercano nella musica qualcosa di più articolato
in cui crogiolarsi. Arctic
Plant è il progetto di Philipp Rexilius giunto con “Absolute Power” al suo
quarto capitolo, un disco complesso con fughe che possono far tornare in mente
i primi Spock’s Beard. Dopo un passato giovanile come batterista in formazioni
e band locali, si è affermato come polistrumentista e compositore autodidatta
orientato verso il Crossover Prog e il Progressive Rock sinfonico e
concettuale. Nel 2013/2014 ha dato vita ad Arctic Plant, la sua one-man band e
solido progetto solista. Nel contesto di Arctic Plant, Rexilius cura in prima
persona ogni fase della creazione musicale: compone le musiche, scrive i testi,
suona tutti gli strumenti (chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, synth,
basso e batteria/programmazioni), registra le voci e si occupa dell'intero
processo di mixing e produzione. Solo alcune voci sono affidate agli ospiti
Andreas Ludwig (voce in “The Priest”), Ewa Wieczorek (voce in “The Rebel”) e
Michael Kuchenbrod (voce in “Men's Choir”). “Absolute
Power” è un imponente concept album di critica sociale e distopica.
L'ispirazione concettuale dell'opera nasce da una riflessione sulle reti
neurali, sui Large Language Models, sull'impatto dei social network e sulla
progressiva delega del pensiero critico alle tecnologie d'intelligenza
artificiale e di controllo di massa. Il disco vuole essere un monito a non
rinunciare all'indipendenza di pensiero di fronte ai meccanismi di
manipolazione, propaganda, morale di facciata e tecnocrazia. Come
il genere generalmente richiede, si apre con una suite di venti minuti
abbondanti intitolata “Brave New World”. Un tuffo immediato nella musica
classica moderna, come quella ispirata dai Pink Floyd con “Atom Heart Mother”,
per poi lanciarsi irrefrenabilmente in intricati tempi dispari, riff di
chitarra d'impronta Heavy, assoli melodici e maestose aperture di tastiera.
Belle anche le coralità. Un pezzo che scorre via in un attimo, a testimonianza
che l’attenzione dell’ascoltatore non viene mai meno. Il testo è un chiaro
riferimento all'opera huxleyana e alla letteratura distopica: una società
apparentemente pacifica e automatizzata, ma del tutto asservita al controllo
dell'algoritmo e della tecnologia, dove la libertà individuale viene
anestetizzata in cambio di un falso senso di sicurezza. Piacevole
la ballata successiva “Moral Highground”, soffice, gentile e dalle aperture
vocali ariose. Il testo affronta il tema dell'ipocrisia politica e sociale,
analizzando come chi detiene il potere (tecnologico o istituzionale) utilizzi
la superiorità morale di facciata per reprimere il dissenso ed esigere
conformismo. Tuona
la chitarra elettrica in un andamento Metal Prog virtuosistico in “Manifesto”,
brano rigoroso con ritmi marziali, stacchi di tastiera dal sapore Neo Prog e un
uso stratificato di synth e cori che creano un'atmosfera fredda e solenne, come
a tratti la voce robotica che enuncia i dogmi e le verità ufficiali imposte
alla massa, in cui l'obbedienza viene presentata come l'unica virtù possibile. Fra
i momenti più drammatici e intimistici c’è “Who Are You?”, in cui un lamento si
allaccia alle tastiere di fondo che descrivono un ambiente oscuro dove
l’individuo si guarda allo specchio e si interroga sulla propria identità
residua, chiedendosi cosa sia rimasto della propria umanità autentica dopo
l'omologazione al sistema. A
questo punto giunge la seconda suite “Insurgency”, con il classicismo sinfonico
e le scorribande sonore associabili alla colonna sonora di un film ad alta
intensità, caratterizzata da fughe di chitarra epica e cambi repentini ancora
una volta prossimi agli Spock’s Beard. Il testo descrive l'atto di ribellione
attiva da parte di chi rifiuta di conformarsi, la lotta materiale e psicologica
per spezzare il controllo. Per chi vi scrive questo è uno dei momenti più alti
dell’intera opera. Cori
epici aprono “Superbia And Plunge”, traccia chiaramente divisa in due momenti
dinamici. La prima sezione (Superbia) è caratterizzata da sonorità pompose,
accordi maestosi e riff imponenti; la seconda (Plunge) vira verso tonalità
caotiche, dissonanti e discendenti, con tanto di interventi in growl. Il finale
si apre alla solarità con un solo di chitarra che scalda il cuore. Il brano
affronta la tracotanza dei tiranni e delle strutture di potere, raccontando
l'arroganza dell'autorità che, convinta del proprio controllo totale, non si
accorge del proprio inevitabile ed imminente crollo. Adiacente
è “The Final Kneeling”, altra cavalcata Metal Prog epica, cupa e profonda dove
le chitarre pesanti e i synth oscuri avanzano a ritmo cadenzato, trasmettendo
un senso di oppressione e resa imminente. Analizza le conseguenze devastanti
dello scontro, è il momento in cui si contano i danni, evidenziando il prezzo
umano e le ferite inflitte dalla lotta contro un potere sovrastante. Infine
ecco l’epilogo sinfonico di ampio respiro intitolato “Ascend Thy Throne”,
costruito con aperture melodiche, crescendo d'organo e synth. Abbattuto un
sistema autoritario, si pone l'eterno interrogativo su chi occuperà il nuovo
trono e se la storia sia destinata inesorabilmente a ripetersi. In
ultima analisi, la quarta prova in studio di Arctic Plant si rivela come un
affresco sonoro di rara coerenza e ambizione. Tra suite fiume da oltre venti
minuti, passaggi acustici di toccante introspezione ed esplosioni heavy di
grande impatto, “Absolute Power” mette a nudo i paradossi dell'era digitale e
le sottili tirannie del nostro presente. Phil Rexilius gestisce ogni singolo
dettaglio produttivo con una visione lucida e priva di compiacimenti,
regalandoci un’opera che richiede tempo e attenzione, ma che ripaga
l'ascoltatore con una profondità emotiva e concettuale non comune. Un disco
potente, ammonitore e necessario. MS
Versione Inglese:
ARCTIC
PLANT – Absolute Power Self-released Genre:
Crossover Prog / Prog Metal Format:
CD / Bandcamp – 2026
This time it is Germany (Bayreuth) bringing us a
Progressive Rock album packed with classicism, echoing the likes of King
Crimson, Yes, and Camel. A delightful surprise for anyone seeking something
more intricate to immerse themselves in. Arctic Plant is the project of Philipp Rexilius, now
reaching its fourth chapter with “Absolute Power”—a complex record with
instrumental runs reminiscent of early Spock’s Beard. Following a youth spent
as a drummer in local bands and line-ups, he established himself as a
self-taught multi-instrumentalist and composer focused on Crossover Prog as
well as symphonic and conceptual Progressive Rock. In 2013/2014, he gave life
to Arctic Plant, his one-man band and solid solo project. Within Arctic Plant, Rexilius
personally oversees every stage of musical creation: he composes the music,
writes the lyrics, plays all instruments (electric and acoustic guitars,
keyboards, synths, bass, and drums/programming), records the vocals, and
handles the entire mixing and production process. Only a few vocal parts are
entrusted to guests: Andreas Ludwig (vocals on “The Priest”), Ewa Wieczorek
(vocals on “The Rebel”), and Michael Kuchenbrod (vocals on “Men's Choir”). “Absolute Power” is an imposing concept album centered
on social and dystopian critique. The work's conceptual inspiration stems from
reflections on neural networks, Large Language Models, the impact of social
media, and the gradual delegation of critical thinking to artificial
intelligence technologies and mass control mechanisms. The record serves as a
warning against surrendering independent thought to mechanisms of manipulation,
propaganda, superficial morality, and technocracy. As the genre typically demands, it opens with an epic
suite lasting over twenty minutes titled “Brave New World.” An immediate plunge
into modern classical music—reminiscent of Pink Floyd’s approach on “Atom Heart
Mother”—before launching uncontrollably into intricate odd time signatures,
heavy-tinged guitar riffs, melodic solos, and majestic keyboard sweeps. The
vocal harmonies are equally impressive. It is a track that flies by, proving
that the listener’s attention never wanes. The lyrics are a clear nod to
Huxley’s work and dystopian literature: an apparently peaceful, automated
society that is entirely subservient to algorithmic and technological control,
where individual freedom is numbed in exchange for a false sense of security. The following ballad, “Moral Highground,” is pleasant,
soft, gentle, and features airy vocal openings. The lyrics tackle the theme of
political and social hypocrisy, analyzing how those in power (whether
technological or institutional) use a facade of moral superiority to suppress
dissent and demand conformity. Electric guitars thunder with a virtuosic Prog Metal
momentum in “Manifesto,” a rigorous track featuring martial rhythms, Neo-Prog
keyboard breaks, and a layered use of synths and choirs that create a cold,
solemn atmosphere—much like the robotic voice that intermittently proclaims the
official dogmas and truths imposed on the masses, where obedience is presented
as the sole virtue. Among the most dramatic and intimate moments is “Who
Are You?”, where a vocal lament intertwines with background keyboards to
portray a dark setting in which the individual gazes into the mirror and
questions their remaining identity, asking what authentic humanity is left
after conforming to the system. At this point arrives the second suite, “Insurgency,”
bringing symphonic classicism and sonic escapades akin to a high-intensity film
soundtrack, driven by epic guitar runs and sudden shifts that once again bring
early Spock’s Beard to mind. The lyrics describe the act of active rebellion by
those who refuse to conform, detailing the physical and psychological struggle
to break free from control. For this reviewer, it stands as one of the highest
points of the entire work. Epic choirs open “Superbia And Plunge,” a track
distinctly split into two dynamic movements. The first section (Superbia) is
defined by pompous soundscapes, majestic chords, and imposing riffs; the second
(Plunge) shifts toward chaotic, dissonant, and descending tones, complete with
growling vocals. The ending opens up to brightness with a heart-warming guitar
solo. The song addresses the arrogance of tyrants and power structures,
depicting the hubris of authority that, convinced of its total control, fails
to notice its inevitable and impending collapse. Adjacent is “The Final Kneeling,” another epic, dark,
and deep Prog Metal ride where heavy guitars and dark synths advance at a
measured cadence, conveying a sense of oppression and imminent surrender. It
examines the devastating consequences of the conflict—the moment of counting
the cost, highlighting the human toll and the wounds inflicted by battling an
overwhelming force. Finally comes the broad symphonic epilogue titled
“Ascend Thy Throne,” built on melodic openings, organ crescendos, and synth
layers. With an authoritarian system overthrown, it poses the eternal question
of who will occupy the new throne and whether history is inevitably destined to
repeat itself. Ultimately, the fourth studio effort from Arctic Plant
proves to be a sonic canvas of rare coherence and ambition. Spanning
twenty-minute epic suites, touchingly introspective acoustic passages, and
high-impact heavy outbursts, “Absolute Power” exposes the paradoxes of the
digital age and the subtle tyrannies of our present day. Phil Rexilius manages
every single production detail with a lucid, uncompromised vision, delivering a
work that requires time and attention, but rewards the listener with uncommon
emotional and conceptual depth. A powerful, cautionary,
and necessary record. MS
