RED
SAND - A World Without War OSKAR Records Genere: Neo Prog Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026
Come
sarebbe bello un mondo senza guerre, ma finché l’uomo penserà soltanto ai soldi
ed al potere, non ne verremo mai fuori. Il titolo del nuovo album (il
tredicesimo) dei canadesi Red Sand è un buon auspicio e un augurio a tutti noi. I
Red Sand, guidati dal chitarrista e compositore Simon Caron, rappresentano una
delle realtà più solide e coerenti della scena Neo Prog canadese (e in
particolare del Québec). Nati nei primi anni 2000, la loro musica affonda le
radici nella tradizione del Progressive Rock classico degli anni '70 e del Neo
Prog britannico degli anni '80 (Marillion dell'era Fish, Pendragon, IQ etc.). Il
progetto prende ufficialmente forma con l'album d'esordio “Mirror Of Insanity”
(2005), caratterizzato dal timbro vocale ed espressivo del cantante originale
Hëmel e dalle melodie liriche della chitarra di Caron. Nel corso degli anni la
formazione ha vissuto diversi avvicendamenti, ma Simon Caron ha mantenuto fermo
il timbro stilistico della band attraverso assoli di chitarra fortemente
emotivi e prolungati (spesso in stile David Gilmour), trame di tastiera
avvolgenti e strutture narrative estese. L'album
“A World Without War” si inserisce perfettamente in questa linea evolutiva,
portando al centro un tema concettuale cupo e purtroppo sempre attuale: il
conflitto umano, le sue cause morali, il peso dell'isolamento e la fragile
speranza di un mondo libero dalle guerre. So
già cosa attendermi dalla loro musica nei sei brani dell’album, li ho sempre
seguiti perché ligi alle regole, anche le copertine degli album sono in pieno
stile dettagliato (quasi Naïf) del Neo Prog, quindi sicuramente non mi
deluderanno, ma andiamo a vedere se sarà così. Il
brano “Stories Of Liars” apre l'album puntando l'indice contro l'ipocrisia dei
leader politici e dei manipolatori della verità. Le "storie dei
bugiardi" rappresentano la propaganda che precede e giustifica ogni
conflitto armato. Un inizio drammatico di tastiere fa da intro per poi lasciare
entrare gli strumenti con energia. Ed è subito la chitarra elettrica a salire
in cattedra, sopra una ritmica perfetta e movimentata fra cambi di tempo e di
stile. Il ritornello musicale si stampa inesorabilmente nella mente, il Neo
Prog in effetti è così. Finita
questa cavalcata è la volta di “I'll Be Alone”, qui la progressione armonica si
fa più malinconica e rarefatta, fra Pink Floyd (grazie anche alla slide) e
Marillion. Il brano cresce con dinamica costante fino a sfociare in un passaggio
centrale drammatico, coronato da un assolo di chitarra dai toni elegiaci che
richiama lo stile espressivo di Steve Rothery e Andy Latimer. Semplicemente
splendido! La
prima suite dell’album porta il titolo “The Ballad Of Edgar And Chelsea”, in
quasi 12 minuti i Red Sand mettono in mostra l'intero campionario del Neo Prog
più classico. L'inizio è pacato, quasi acustico, per poi sviluppare continui
cambi di tempo e di atmosfere. Si alternano sezioni sinfoniche dominate dalle
tastiere e da parti cantate dense di pathos. I testi narrano la storia
personale spezzata dalla guerra. Edgar e Chelsea incarnano la tragedia degli
affetti troncati: l'innocenza dell'amore giovanile distrutta dalla brutalità
degli eventi e dalla chiamata alle armi. Ma
ecco il fulcro dell’intero album, “A World Without War”, una mostruosa suite di
oltre 20 minuti che affronta la desolazione del presente e la ricerca utopica
di una pace duratura. Il testo riflette sulla follia ciclica della storia e sul
bisogno di riscatto spirituale dell'umanità. Ci sono richiami ai Genesis, Pink
Floyd epoca “Wish You Were Here”, Pendragon e Camel, il tutto legato dalla
personalità dei tre musicisti che in realtà ne hanno da vendere. Segue
“A World Of Change”, malinconica ballata acustica che mi rimanda a Clive Nolan
(Pendragon), toccante e sentita dagli artisti stessi, specialmente nel cantato.
E si finisce con “Torpille”: il brano funge da epilogo e da amara riflessione
conclusiva. Il titolo richiama il senso di abbattimento e la sensazione di
essere colpiti al cuore ("torpillé") dall'impossibilità di cambiare
la natura distruttiva dell'uomo, un poco come la mia considerazione iniziale
che ha fatto da preambolo alla recensione. Un assolo di chitarra struggente mi
trafigge l’anima, non riesco più ad aprire gli occhi durante l’ascolto, e
questa amici miei è la magia del Neo Prog. Sì,
i Red Sand non mi hanno deluso ancora una volta, ma in fondo già lo sapevo,
perché la classe non è acqua. Peccato per chi non li capisce. MS
RED
SAND - A World Without War OSKAR
Records Genre:
Neo Prog Format:
LP / CD / Bandcamp – 2026
How wonderful a world without war would be, but as
long as man thinks only of money and power, we will never get out of it. The
title of the new album (their thirteenth) by Canadian band Red Sand is a good
omen and a wish for all of us. Red Sand, led by guitarist and composer Simon Caron,
represent one of the most solid and consistent acts on the Canadian Neo Prog
scene (and particularly in Québec). Formed in the early 2000s, their music is deeply
rooted in the classic 70s Progressive Rock tradition and 80s British Neo Prog
(Fish-era Marillion, Pendragon, IQ, etc.). The project officially took shape with their debut
album “Mirror Of Insanity” (2005), featuring the expressive vocal tone of original
singer Hëmel and the lyrical melodies of Caron's guitar. Over the years, the
line-up has undergone several changes, but Simon Caron has maintained the
band's distinctive stylistic hallmark through deeply emotional and extended
guitar solos (often in the style of David Gilmour), enveloping keyboard
textures, and expansive narrative structures. The album “A World Without War” fits perfectly into
this evolutionary path, focusing on a dark and sadly ever-timely conceptual
theme: human conflict, its moral causes, the weight of isolation, and the
fragile hope for a world free of war. I already know what to expect from their music across
the album's six tracks; I've always followed them because they stick to the
rules—even their album artwork is in the fully detailed (almost Naïve) Neo Prog
style. So they certainly won't disappoint me, but let's see if that holds true. The track “Stories Of Liars” opens the album by
pointing the finger at the hypocrisy of political leaders and
truth-manipulators. The "stories of liars" represent the propaganda
that precedes and justifies every armed conflict. A dramatic keyboard opening
serves as an introduction before bringing the rest of the instruments in with
energy. Immediately, the electric guitar takes center stage over a flawless,
dynamic rhythm section featuring shifts in time signature and style. The
musical chorus sticks relentlessly in your mind—that's Neo Prog for you. Once this ride is over, it’s time for “I'll Be Alone”.
Here, the harmonic progression becomes more melancholic and sparse, hovering
between Pink Floyd (thanks in part to the slide guitar) and Marillion. The
track builds with steady dynamics until it culminates in a dramatic central
passage, crowned by an elegiac guitar solo reminiscent of the expressive style
of Steve Rothery and Andy Latimer. Simply splendid! The album's first suite bears the title “The Ballad Of
Edgar And Chelsea”. In nearly 12 minutes, Red Sand showcase the full showcase
of classic Neo Prog. The beginning is gentle, almost acoustic, before
developing continuous shifts in tempo and atmosphere. Symphonic sections
dominated by keyboards alternate with vocal passages rich in pathos. The lyrics
tell a personal story shattered by war: Edgar and Chelsea embody the tragedy of
severed affection—the innocence of young love destroyed by the brutality of
events and the call to arms. And then comes the centerpiece of the entire album, “A
World Without War”, a monstrous suite of over 20 minutes addressing the
desolation of the present and the utopian search for lasting peace. The lyrics
reflect on history's cyclical folly and humanity's need for spiritual
redemption. There are nods to Genesis, Pink Floyd during the “Wish You Were
Here” era, Pendragon, and Camel, all held together by the distinct personality
of the three musicians, who truly have skill to spare. Next is “A World Of Change”, a melancholic acoustic
ballad that brings to mind Clive Nolan (Pendragon), touching and deeply felt by
the artists themselves, especially in the vocals. And it closes with
“Torpille”: the track serves as an epilogue and a bitter final reflection. The
title evokes a sense of being struck down and the feeling of being hit right in
the heart ("torpillé") by the impossibility of changing man's
destructive nature—much like my opening thoughts that served as a preamble to
this review. A poignant guitar solo pierces my soul; I can no longer open my
eyes as I listen, and this, my friends, is the magic of Neo Prog. Yes, Red Sand haven't disappointed me once again, but deep
down I already knew that, because true class never fades. A pity for those who
don't get them. MS
OK GOODNIGHT – Stop/Go Autoproduzione / Kscope Genere: Progressive Metal Supporto: CD / Bandcamp – 2026
Questo
è quello che mi piace ascoltare oggi nel Progressive Metal, non più i soliti
copia-incolla nei confronti dei maestri (anche se qualche richiamo ci sta
sempre bene), bensì un'evoluzione di innesti con materiale e sonorità
giustamente moderne. Poi, finalmente, anche una voce femminile (e che voce)! Sto
parlando della band americana (Boston) Ok Goodnight, formata da Casey Lee
Williams (testi, voce, cori), Martín De Lima (tastiere, chitarre,
orchestrazioni, cori), Augusto Bussio (batteria, chitarre, cori) e Peter De
Reyna (basso, cori), con la partecipazione straordinaria di Eve (solo
chitarra), Ella Wilhelmina (sax, sax soprano, clarinetto, flauto) e Rodolfo
Moreno (sax). Musicalmente
parlando, gli Ok Goodnight combinano il virtuosismo Prog Metal a sonorità Djent
moderne e grandi linee melodiche. Ogni singolo brano ha una ricerca strutturale
davvero articolata e curata in ogni minimo particolare; il tutto viene
ulteriormente esaltato da una tecnica strumentale di certo superiore alla media
di queste uscite, soprattutto per ciò che riguarda la ritmica. Dieci
i mondi sonori contenuti, tutti differenti fra di loro, di certo in
quarantasette minuti di musica non ci si annoia. I
testi lavorano sul concetto di dualità emotiva e dinamica, sulla continua
oscillazione tra momenti di stasi contemplativa (Stop) e accelerazioni di
energia e virtuosismo (Go). Le liriche, curate da Casey Lee Williams, esplorano
il senso di vulnerabilità, la pressione sociale, la ricerca di identità e
l'ansia quotidiana della vita moderna. L’apertura
di “No Sound” è affidata ad atmosfere eteree prima di esplodere in groove di
basso infettivi suonati da Peter De Reyna e riff sincopati. La voce di Casey
Lee Williams spazia con disinvoltura da registri vulnerabili ad acuti
graffianti. E lo stupore già ci ghermisce. Il "nessun suono" descrive
l'incapacità di comunicare il proprio dolore e il silenzio interiore che precede
una crisi personale. Il
primo singolo estratto dall’album s’intitola “22” ed è caratterizzato da
metriche dispari tipiche del Prog Metal. Esso unisce la raffinatezza tecnica
delle tastiere e delle chitarre di De Lima e Bussio a un ritornello Pop
Alternative di grande impatto. Vi ritroverete come sulle montagne russe. Il
Djent ci sorprende in “Top Of The Bottom”, assieme a un lavoro ritmico serrato
di batteria. Si alternano strofe tese ad aperture armoniche spalancate dove si
riflette sul paradosso di accontentarsi di piccoli successi superficiali pur
rimanendo in una condizione di disagio emotivo. Si
cambia registro con “The Game”, inizialmente delicata per poi sfociare in una
performance vocale teatrale ed espressiva fra cambi di tempo improvvisi e
interventi elettronici a supporto. Il testo usa la metafora del gioco per
criticare le regole sociali e lavorative imposte. Racconta la frustrazione del
doversi conformare per compiacere le aspettative altrui. Ma
le sorprese continuano imperterrite con “Spiral”, un crescendo drammatico che
inizia con toni intimisti per poi avvitarsi in un vortice di arrangiamenti
complessi. La spirale è quella mentale, quando il flusso di pensieri negativi
ricade in un circolo vizioso. Il pezzo è a tratti di alta classe. “Call
Me Away” è un breve interludio etereo centrato su arrangiamenti delicati e
sulla sola voce di Casey Lee, che esprime un disperato desiderio di fuga e di
ricerca di serenità al di fuori del caos quotidiano. Ammaliante come una
Jessica Rabbit di turno. C’è
anche un movimento altamente intricato e “progressivo” dal titolo “The Show”,
Rock teatrale e Prog contemporaneo con dinamiche marcate ed eccentriche, tanto
per non farsi mancare niente. Ancora
ritmiche in grande evidenza in “Humpty Dumpty ("Some Body!")”,
caratterizzato da continui stop-and-go che richiamano direttamente il titolo
dell'album. Altra bella sorpresa è “The People”, godetene sia il cantato che le
coralità. In conclusione giunge “Where I'm From”, inizialmente raffinato e
quasi World per poi mutare progressivamente come oramai la band ci ha abituati. Questo
terzo album della band è un disco fresco, viscerale, tecnicamente impeccabile
ma sempre al servizio dell'emozione e del racconto umano. Ascolto obbligato. MS
Versione Inglese:
OK GOODNIGHT – Stop/Go Self-released / Kscope Genre: Progressive Metal Format: CD / Bandcamp – 2026
This is what I love listening to in Progressive Metal
today: no more of the usual copy-pasting from the masters (even if a few nods
are always welcome), but rather an evolution of influences blended with rightly
modern sounds and material. And finally, a female lead voice too (and what a
voice)! I am talking about the American band (from Boston) Ok
Goodnight, formed by Casey Lee Williams (lyrics, lead vocals, backing vocals),
Martín De Lima (keyboards, guitars, orchestrations, backing vocals), Augusto
Bussio (drums, guitars, backing vocals), and Peter De Reyna (bass, backing
vocals), with special guest appearances by Eve (lead guitar solo), Ella
Wilhelmina (sax, soprano sax, clarinet, flute), and Rodolfo Moreno (sax). Musically speaking, Ok Goodnight combine Prog Metal
virtuosity with modern Djent textures and great melodic lines. Every single
track features a truly articulate structural arrangement, crafted down to the
finest detail; all of this is further elevated by an instrumental technique
that is certainly well above the average for such releases, particularly when
it comes to the rhythm section. Ten distinct soundscapes are packed into this release,
each different from the next, ensuring that over the course of its forty-seven
minutes of music, there is never a dull moment. The lyrics revolve around the concept of emotional and
dynamic duality, oscillating constantly between moments of contemplative
stillness (Stop) and bursts of energy and virtuosity (Go). The lyrics, penned
by Casey Lee Williams, explore themes of vulnerability, social pressure, the
search for identity, and the daily anxiety of modern life. The opening track, “No Sound”, begins with ethereal
atmospheres before exploding into infectious bass grooves played by Peter De
Reyna and syncopated riffs. Casey Lee Williams' vocals range effortlessly from
vulnerable registers to rasping high notes. And amazement grips us right away.
The "no sound" describes the inability to communicate one's pain and
the inner silence that precedes a personal crisis. The first single taken from the album is titled “22”,
featuring odd time signatures typical of Prog Metal. It blends the technical
sophistication of De Lima's and Bussio's keyboards and guitars with a
high-impact Pop-Alternative chorus. You will find yourself on a rollercoaster
ride. Djent catches us by surprise in “Top Of The Bottom”,
alongside tight, driving drum work. Tense verses alternate with wide-open
harmonic sections, reflecting on the paradox of settling for superficial, minor
successes while remaining trapped in emotional distress. The mood shifts with “The Game”, initially delicate
before blossoming into a theatrical and expressive vocal performance amidst
sudden time changes and supporting electronic elements. The lyrics use the
metaphor of the game to critique imposed social and work rules, telling of the
frustration of having to conform to please others' expectations. Yet the surprises continue unabated with “Spiral”, a
dramatic crescendo that begins with intimate tones before spiraling into a
vortex of complex arrangements. The spiral is a mental one, where the flow of
negative thoughts falls back into a vicious cycle. The track is, at times,
sheer high class. “Call Me Away” is a brief, ethereal interlude centered
on delicate arrangements and Casey Lee’s solo vocals, expressing a desperate
desire for escape and a search for serenity away from daily chaos. As alluring
as a Jessica Rabbit of sorts. There is also a highly intricate and
"progressive" movement titled “The Show”, combining theatrical Rock
and contemporary Prog with marked and eccentric dynamics, just so nothing is
left out. Rhythms take center stage once again in “Humpty Dumpty
("Some Body!")”, characterized by continuous stop-and-go patterns
that directly echo the album's title. Another delightful surprise is “The
People”—enjoy both the lead vocals and the backing harmonies. Finally comes
“Where I'm From”, initially refined and almost World-inflected, before evolving
progressively in the way the band has now accustomed us to. This album by the band is a fresh, visceral,
technically flawless record that always remains at the service of emotion and
human storytelling. Essential listening. MS
FLOATING
WEEDS MUSIC - Beyond, Within Autoproduzione Genere: Psichedelia Ambient Supporto: Bandcamp – 2026
Sempre
più persone singole si avvicinano alla musica come one-man band, grazie anche
all’uso della tecnologia che permette di realizzare oggi un disco a basso costo.
Non sempre ciò è sinonimo di bassa qualità, perchè quando si ha qualcosa da
dire, le idee scaturiscono con vigore e spesso i risultati sono interessanti. In
questo caso, dietro al moniker Floating Weeds Music si trova il musicista e
compositore italiano Federico Fabrizi, attivo nell'ambito della ricerca sonora
indipendente. Il suo percorso musicale si caratterizza per un approccio
fortemente eclettico, che spazia dal Prog Rock d'avanguardia alla World Music
futuristica, passando per la Psichedelia e l'Ambient meditativa. Floating
Weeds Music è pensato come un laboratorio aperto in cui esplorare la
contaminazione tra strumenti classici ed elettrici, sintetizzatori ed elementi
etnici o rituali. La sua ricerca artistica si fonda su un profondo interesse
per le filosofie orientali, la spiritualità (Kundalini) e la sperimentazione
strutturale, creando paesaggi sonori immersivi dedicati al concetto di viaggio
interiore e dissoluzione dell'ego. Generalmente, fra le note scaturiscono
sintetizzatori atmosferici, ritmiche dub lente e profonde, linee di basso
avvolgenti, campionamenti etnici e strumenti tradizionali asiatici, creando un
viaggio sonoro immersivo. In
“Beyond, Within” ci sono otto tracce per oltre cinquanta minuti di musica. Fra
le strumentazioni utilizzate per la riuscita dell’album spiccano, oltre alle
classiche chitarre e via dicendo, anche tabla, sitar e bansuri. L’artista
si pone le domande: “Perché noi umani (almeno alcuni di noi) sentiamo il
bisogno di riconnetterci con uno stato di coscienza superiore?”, “Cos'è la
coscienza?”, “Esiste una realtà superiore? Questo mondo materiale è solo
un'illusione?”, tutto ciò fa da traino all’intero percorso. “She
Who Flows” è dedicata all'energia femminile della creazione (Shakti) e
rappresenta il flusso ininterrotto della vita. La figura femminile che scorre è
il simbolo del cambiamento e del fluire della coscienza che si abbandona al
divenire. Un basso dub calmo ed essenziale sostiene la traccia, mentre synth
morbidi ed echi dilatati ricreano l'incedere fluido di un fiume. La chitarra
elettrica rafforza il tutto, immergendo l’ascoltatore in un contesto
psichedelico. In
“Not Two” sembra di trovarsi in panorami estesi dove la struttura musicale
lavora per sottrazione, lasciando ampi spazi di silenzio e riverberazione. Il
titolo richiama direttamente l'esperienza della Non-Dualità (in sanscrito
Advaita, traducibile appunto con "Non Due"). Il testo e i
campionamenti vocali esplorano l'illusione della separazione tra l'osservatore
e il mondo esterno, dove non vi è divisione tra il sé e il tutto. La
title track crea una sensazione di espansione spaziale, mentre un groove dub
ipnotico guida l'ascolto verso una dimensione contemplativa e meditativa. Un
ascolto per l’anima. Il paradosso del titolo esplora il principio secondo cui
ciò che è "oltre" (il cosmo, il divino) si trova esattamente
all'interno della propria consapevolezza. È un invito a volgere lo sguardo
dall'esterno all'interno per scoprire la natura infinita della mente. Sonoramente
non distante giunge “The Coiled Snake”, fra misticismo e visceralità. Le
ritmiche suggeriscono un movimento lento, a spirale e ascendente. Il
riferimento diretto è alla Kundalini, l'energia primordiale rappresentata come
un serpente arrotolato alla base della spina dorsale. La musica descrive
simbolicamente la risalita di questa forza spirituale attraverso i centri
energetici (chakra). C’è anche un breve intermezzo strumentale dal titolo
“Naga”, in cui ci si immerge nella mitologia induista e buddista. Il brano
funge da ponte contemplativo e rituale per la seconda metà dell'album, che
riprende con “Naja Naja”, nome scientifico del cobra indiano. Non mutano le
atmosfere, sempre sostenute dal basso onnipresente, dalla tabla e dal sitar. La
voce emette un canto ipnotico che avvolge l’ascoltatore. Altro
viaggio profondo nell’io giunge dalla psichedelica (soprattutto nella chitarra)
“Together We Flow”, mentre la rarefatta “Samudra” chiude l’album senza togliere
o aggiungere altro all’insieme. “Beyond,
Within” possiede senza dubbio un fascino concettuale e una cura timbrica
indiscutibile, ma soffre di un'immobilità di fondo che trasforma il viaggio
interiore in una lunga attesa del primo evento dinamico. Un lavoro ideale da
mettere in sottofondo durante sessioni di yoga. Comunque interessante. MS
Versione Inglese:
FLOATING
WEEDS MUSIC - Beyond, Within Self-released Genre:
Ambient Psychedelia Format:
Bandcamp – 2026
More and more individuals are approaching music as a
one-man band, thanks in part to technologies that allow for low-cost album
production today. This is not always synonymous with low quality, because when
one has something to say, ideas spring forth with vigor and the results are
often intriguing. In this case, behind the moniker Floating Weeds Music
is Italian musician and composer Federico Fabrizi, who is active in independent
sound research. His musical path is characterized by a strongly eclectic
approach, ranging from avant-garde Prog Rock to futuristic World Music, by way
of Psychedelia and meditative Ambient. Floating Weeds Music is conceived as an open
laboratory in which to explore the fusion of classic and electric instruments,
synthesizers, and ethnic or ritualistic elements. His artistic research is
rooted in a deep interest in Eastern philosophies, spirituality (Kundalini),
and structural experimentation, creating immersive soundscapes dedicated to the
concepts of inner journeys and ego dissolution. Atmospheric synthesizers, slow
and deep dub rhythms, enveloping basslines, ethnic sampling, and traditional
Asian instruments generally flow between the notes, creating an immersive sonic
journey. In “Beyond, Within” there are eight tracks spanning
over fifty minutes of music. Among the instrumentation used to achieve the
album's sound, alongside classic guitars and so forth, tabla, sitar, and
bansuri stand out. The artist poses questions such as: “Why do we humans
(or at least some of us) feel the need to reconnect with a higher state of
consciousness?”, “What is consciousness?”, “Does a higher reality exist? Is
this material world just an illusion?”, all of which serve as driving forces
behind the entire journey. “She Who Flows” is dedicated to the feminine energy of
creation (Shakti) and represents the uninterrupted flow of life. The flowing
female figure symbolizes change and the stream of consciousness surrendering to
becoming. A calm, essential dub bassline anchors the track, while soft synths
and expanded echoes recreate the fluid progression of a river. The electric
guitar reinforces the whole, immersing the listener in a psychedelic context. In “Not Two,” one feels placed within vast panoramas
where the musical structure works by subtraction, leaving wide open spaces of
silence and reverberation. The title directly recalls the experience of
Non-Duality (in Sanskrit Advaita, which translates to "Not Two"). The
lyrics and vocal samples explore the illusion of separation between the
observer and the external world, where there is no division between the self
and the whole. The title track creates a sense of spatial expansion,
while a hypnotic dub groove guides the listener toward a contemplative,
meditative dimension. A listen for the soul. The paradox of the title explores
the principle that what lies "beyond" (the cosmos, the divine) is
found precisely "within" one's own awareness. It is an invitation to
turn one's gaze from the outside in to discover the infinite nature of the
mind. Sonically not far off comes “The Coiled Snake,”
hovering between mysticism and visceral intensity. The rhythms suggest a slow,
spiraling, ascending movement. The direct reference is to Kundalini, the
primordial energy represented as a coiled snake at the base of the spine. The
music symbolically describes the awakening of this spiritual force through the
energy centers (chakras). There is also a brief instrumental interlude titled
“Naga,” which immerses the listener in Hindu and Buddhist mythology. The track
acts as a contemplative, ritualistic bridge to the second half of the album,
which resumes with “Naja Naja,” the scientific name of the Indian cobra. The
atmosphere remains consistent, continuously sustained by the omnipresent
bassline, tabla, and sitar. The vocals deliver a hypnotic chant that enfolds
the listener. Another deep journey into the self comes from the
psychedelic (especially in the guitar work) “Together We Flow,” while the
rarefied “Samudra” closes the album without adding or subtracting anything
further from the whole. “Beyond, Within” undoubtedly possesses a conceptual
charm and indisputable timbral care, but it suffers from an underlying
stillness that turns the inner journey into a long wait for the first dynamic
event. An ideal work to put on in the background during yoga sessions. Still,
interesting. MS
MOBY
DICK – Moby Dick Akarma
Records Genere:
Hard Rock Supporto:
LP / Bandcamp – 1973 / 2001
Anche
noi in Italia abbiamo avuto nei primi anni ’70 i nostri Led Zeppelin
partenopei, anche se non ce ne siamo neppure accorti! È una storia strana che
tenterò di raccontarvi. Innanzi
tutto vi dico che l'album “Moby Dick” non è stato pubblicato negli anni '70 al
momento della sua registrazione, ma recuperato e distribuito decenni dopo
tramite varie etichette discografiche specializzate nel collezionismo e nelle
ristampe underground. La prima e più celebre pubblicazione ufficiale del
materiale d'archivio risale al 2001 ad opera della storica etichetta italiana
Akarma (sotto-etichetta della Comet Records), pubblicata sia in formato
LP/vinile (cat. AK 1028) sia in CD Digibook. Successivamente è stato ristampato
da Bull's-Eye (2009 / 2016) per il mercato americano ed europeo, e infine da
Sommor Records / Guerssen (2024–2026), etichetta spagnola specializzata in
Psichedelia, Hard Rock e Prog anni '60/'70. Per
quanto riguarda l'epoca originale (1973), gli unici due brani pubblicati in
formato 45 giri (“Free Wheelin Cat” e “Provisional Baby Hip”) uscirono per la
piccolissima etichetta indipendente campana A.B. Record (cat. AB 01). I
Moby Dick dunque rappresentano una delle gemme più affascinanti, elusive e
contorte del panorama dell'Hard Rock e Prog Blues italiano. Attivi nella fervida
e vulcanica scena partenopea, la stessa che vedeva germogliare e fiorire realtà
celebri come Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli Centrale e Uno, i
Moby Dick scelsero una via stilistica diretta, energetica e fortemente ancorata
al sound anglo-americano, orientata verso l'Hard Rock chitarristico con forti
sfumature Funk, Soul e Blues. La
band si forma a Napoli a cavallo tra la fine degli anni '60 e l'inizio dei '70.
La formazione storica vedeva figurare musicisti dotati di una tecnica formidabile
e di un tiro ritmico eccezionale: Enzo Granato (chitarra solista e voce guida,
mente creatrice e autore principale), Tonino Esposito (basso), Lino Muoio
(batteria e percussioni) e Piero Framond (tastiere, presente nelle fasi
successive e nelle registrazioni estese). Inseriti
nel vivacissimo circuito live campano del periodo, parteciparono ad alcuni dei
più importanti festival Pop e Avant-Garde dell'epoca, facendosi notare per
l'impatto dirompente dal vivo. Nonostante la qualità formidabile del loro
repertorio, la band non riuscì a pubblicare un LP ufficiale all'epoca. La
stampa Akarma comprende dieci canzoni e basta ascoltare la prima, “Two Timing
Girl”, per comprendere quanto la band sia ispirata da Plant, Page e soci. Il
brano si apre con un riff d'impatto affilato ed energico, fortemente debitore
dell'Hard Rock britannico di marca Free, Humble Pie e appunto, primi Led
Zeppelin. La sezione ritmica di Esposito (non il famoso di “Kalimba De Luna”) e
Muoio macina un groove serrato in 4/4, mentre la chitarra di Granato stacca
accordi aggressivi e si lancia in un assolo acido e distorto. Il testo narra la
classica vicenda del tradimento e del doppio gioco affettivo
("two-timing"). Il registro lirico è quello tipico del Rock'n'Roll
viscerale con tanto di rabbia, delusione ed emancipazione da una relazione tossica
con una donna infedele. “Free
Wheelin Cat”, pubblicato originariamente come lato A del 45 giri del 1973, è un
pezzo sorretto da una linea di basso pulsante e rotonda. Il sapore è
spiccatamente Funk Rock, con un uso ritmico della chitarra wah-wah che richiama
le atmosfere americane alla Grand Funk Railroad o James Gang. Per
il resto l’album si aggira attorno a quanto descritto con buone soluzioni e
ritmiche elevate. In
definitiva, l'album omonimo dei Moby Dick è la fotografia nitida e potente di
quello che avrebbe potuto essere e non è stato. Un disco che non pecca di alcun
complesso d'inferiorità verso i mostri sacri dell'Hard Blues anglosassone
dell'epoca e che dimostra quanto la Napoli dei primi anni '70 fosse un
calderone creativo ben più ampio del solo prog sinfonico o del Napoli Centrale
style. Un recupero interessante per chiunque voglia comprendere fino in fondo
le diramazioni più viscerali, polverose e autentiche del Rock italiano
d'archivio. Sorprendente! MS
Versione Inglese:
MOBY
DICK – Moby Dick Akarma
Records Genre:
Hard Rock Format:
LP / Bandcamp – 1973 / 2001
Even here in Italy, back in the early '70s, we had our
very own Neapolitan Led Zeppelin, even if we didn't even notice! It's a strange
story that I will try to tell you. First of all, let me tell you that the album “Moby
Dick” was not released in the '70s at the time of its recording, but was
retrieved and distributed decades later through various record labels
specializing in collecting and underground reissues. The first and most famous
official release of this archival material dates back to 2001 by the historic
Italian label Akarma (a sub-label of Comet Records), issued both in LP/vinyl
format (cat. AK 1028) and as a CD Digibook. Subsequently, it was reissued by
Bull's-Eye (2009 / 2016) for the American and European markets, and finally by
Sommor Records / Guerssen (2024–2026), a Spanish label specialized in '60s/'70s
Psychedelia, Hard Rock, and Prog. As for the original era (1973), the only two tracks
released as a 7" single (“Free Wheelin Cat” and “Provisional Baby Hip”)
came out on the tiny independent label A.B. Record (cat. AB 01) from Campania. Moby Dick therefore represent one of the most
fascinating, elusive, and intricate gems of the Italian Hard Rock and Prog
Blues scene. Active in the fervent and volcanic Neapolitan scene—the very same
that saw famous acts like Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli
Centrale, and Uno sprout and flourish—Moby Dick chose a direct, energetic
stylistic path strongly anchored in the Anglo-American sound, oriented toward
guitar-driven Hard Rock with heavy Funk, Soul, and Blues overtones. The band formed in Naples between the late '60s and
early '70s. The historic lineup featured musicians endowed with formidable
technique and exceptional rhythmic drive: Enzo Granato (lead guitar and lead
vocals, mastermind and main songwriter), Tonino Esposito (bass), Lino Muoio
(drums and percussion), and Piero Framond (keyboards, present in later phases
and extended recordings). Embedded in the vibrant local live circuit of the
period, they took part in some of the most important Pop and Avant-Garde
festivals of the time, making a name for themselves through their explosive
live impact. Despite the formidable quality of their repertoire, the band
failed to release an official LP back then. The Akarma pressing includes ten tracks, and listening
to the first one, “Two Timing Girl”, is enough to understand how deeply the
band was inspired by Plant, Page, and company. The track opens with a sharp,
high-impact, energetic riff, heavily indebted to British Hard Rock in the vein
of Free, Humble Pie, and indeed, early Led Zeppelin. The rhythm section of
Esposito (not the famous one of “Kalimba De Luna” fame) and Muoio grinds out a
tight 4/4 groove, while Granato's guitar chops aggressive chords and launches
into an acidic, distorted solo. The lyrics tell the classic tale of betrayal
and emotional double-dealing ("two-timing"). The lyrical tone is
typical of visceral Rock'n'Roll, complete with anger, disappointment, and empowerment
from a toxic relationship with an unfaithful woman. “Free Wheelin Cat”, originally released as the A-side
of the 1973 7" single, is a track driven by a pulsing, round bassline. The
flavor is distinctly Funk Rock, featuring a rhythmic use of the wah-wah guitar
that recalls American vibes akin to Grand Funk Railroad or James Gang. For the rest, the album revolves around what has been
described, offering good musical solutions and high-octane rhythms. Ultimately, Moby Dick's self-titled album is a sharp,
powerful snapshot of what could have been and never was. A record that suffers
from no inferiority complex whatsoever toward the sacred monsters of
Anglo-Saxon Hard Blues of that era, proving how early '70s Naples was a
creative cauldron far broader than just symphonic prog or the Napoli Centrale
style. An interesting retrieval for anyone wishing to fully grasp the most
visceral, dusty, and authentic offshoots of archival Italian Rock. Surprising!
MS
CASTANARC
- Forged By The Sun Khepra
Records Genere: Neo Prog Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026
Solo
chi ha vissuto di persona gli anni ’80 del Neo Prog può capire a pieno
l’emozione che ha provato un fan del Prog nel vedere tornare in auge il
moribondo Progressive Rock, interrottosi verso la fine degli anni ’70. Ci sono
stati dischi e band che hanno fatto la storia, anche se ovviamente non proprio
come i maestri e capisaldi dei tempi che furono (vedi Genesis, King Crimson,
Gentle Giant, Yes, ELP, ecc.). Tuttavia si sono comportati benissimo e, come al
sottoscritto, hanno saputo emozionare oltremodo riportando in auge le sonorità
di gruppi come Genesis, Pink Floyd e Camel, solo per fare tre nomi. Sto
parlando di Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night, Haze e Castanarc
su tutte. Ho
sempre creduto che il filone potesse avere vita breve, vista l’evoluzione
musicale che si è avuta negli anni ’90 nel Prog; eppure, fra tante fragorose
uscite differenti dettate dalle mode, il Neo Prog ha resistito e anche oggi ben
si comporta, con band come Arena, Magenta e molte altre ancora. Che lo stato di
salute sia buono lo si evince dal fatto che i capostipiti già nominati ancora
oggi suonano e hanno un numeroso seguito. Anche i Castanarc si sono saputi
sempre barcamenare con quella musica che ti entra dentro grazie all’uso di
tastiere magniloquenti, assoli di chitarra pinkfloydiani e tanta buona melodia. Per
chi non li conoscesse, i Castanarc sono inglesi (come tutti gli altri) e la
leadership della band è da sempre incardinata sul nucleo storico composto dal
tastierista David Powell (autore dei delicati ed elaborati intrecci armonici) e
dal cantante Mark Holiday, la cui vocalità timbrica ed espressiva richiama da
vicino le sfumature di Phil Collins, Dave Cousins degli Strawbs e Peter
Nicholls (IQ). Cinque gli album in studio dal 1984 sino al sopraggiungere di questo
nuovo “Forged By The Sun” dove, per la realizzazione, la formazione vede il
ritorno dello storico chitarrista Neil Duty e la presenza della sezione ritmica
composta da Charlie Morgan alla batteria e da Peter Robinson al basso
(purtroppo scomparso poco prima dell'uscita del disco, dopo aver completato le
sue parti). L'album beneficia inoltre della produzione e del mixaggio curati da
John Spence, che restituisce un suono moderno, pulito ma dalle dinamiche
nettamente analogiche e trasparenti. Tre i brani contenuti, di cui due suite;
la prima è la title track “Forged By The Sun”, di oltre diciotto minuti. Vi
dico subito che all’ascolto ho avuto personalmente più di un brivido, ma questo
fa capo a quanto anticipato in precedenza, ossia al fatto che ho vissuto gli
anni ’80 e quindi questo genere immutato sa colpirmi al cuore. Il
brano parte con intrecci di tastiera neoclassica che impostano un ritmo
incalzante, per poi evolversi in un alternarsi di sezioni orchestrali, stacchi
sinfonici e momenti di sospensione atmosferica. Verso il sesto minuto si apre
un segmento di rara delicatezza, dominato da sonorità ambient e tastiere
d'ispirazione Camel e Vangelis. I sintetizzatori di Powell fraseggiano con la
chitarra elettrica di Neil Duty, supportati da un basso melodico e mai
invasivo. Il
lirismo di Mark Holiday esplora il tema della rigenerazione, del tempo e
dell'elemento solare inteso come fucinatrice di vita e di coscienza. Le parole
richiamano immagini cosmiche e naturali, dove la figura umana cerca un punto
d'equilibrio e di purificazione attraverso la forgia del sole, superando le
oscurità della modernità. La
seconda suite è “Ceasefire For The Innocent”, con dentro tanti primi Pendragon
e Marillion. Ottime le coralità e i cambi umorali che ti immergono in quell’universo
leggermente malinconico prossimo allo stile di “A Trick Of The Tail” e “Wind
& Wuthering” dei Genesis, tanto per rendervi l’idea. Una gemma che da sola
vale il prezzo del disco. Il testo è un'invocazione alla pace e una riflessione
accorata sulle vittime predate dai conflitti e dalle ingiustizie. La
"tregua per gli innocenti" non è solo un auspicio geopolitico, ma una
necessità spirituale e un rifugio poetico dalla negatività della società
contemporanea. “Cue
Rain” funge da epilogo intimo e sognante. Dominato da un pianoforte etereo,
organo soft e vocals quasi sussurrate, si sviluppa come una ballata dal sapore
bucolico e vagamente Procol Harum / Folk Prog inglese. Vede la partecipazione
straordinaria di Dave Holley alla chitarra ospite, il cui tocco intriso di
sfumature Blues-Jazz impreziosisce la coda finale del pezzo. Il tema della
pioggia viene trattato non come elemento nostalgico o cupo, ma come benedizione
catartica. Il testo usa la metafora della pioggia per lavare via le tensioni e "invocare"
un senso di rinascita e sollievo, chiudendo l'album con una nota di serena
speranza. Non
ho altro da aggiungere, solo che mi sto asciugando qualche lacrima e non so se
sia soltanto per la musica o perché sono consapevole che sono passati più di quarant’anni….
Vabbè, comunque i Castanarc li portano benissimo! Chi ascolta il Neo Prog non
deve mancare questo album, assolutamente! MS
Versione Inglese:
CASTANARC - Forged By The Sun Khepra Records Genre: Neo Prog Format: LP / CD / Bandcamp – 2026
Only those who personally experienced the 80s Neo Prog
scene can fully understand the emotion a Prog fan felt seeing the dying
Progressive Rock—which had ground to a halt near the end of the 70s—come back
into favor. There were albums and bands that made history, even if obviously
not quite like the masters and cornerstones of times gone by (such as Genesis,
King Crimson, Gentle Giant, Yes, ELP, etc.). Nevertheless, they delivered
brilliantly and, just like for yours truly, managed to thrill beyond measure by
bringing back the sound of groups like Genesis, Pink Floyd, and Camel, just to
name three. I’m talking about Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night,
Haze, and Castanarc above all. I always believed the movement might be short-lived,
given the musical evolution Prog underwent in the 90s; yet, amid so many loud
and varied releases driven by trends, Neo Prog held its ground and still
performs well today, with bands like Arena, Magenta, and many others. That its
health remains strong is evident from the fact that the aforementioned pioneers
are still playing today and command a large following. Castanarc, too, have
always known how to navigate these waters with music that gets right under your
skin thanks to the use of magniloquent keyboards, Pink Floyd-esque guitar
solos, and plenty of great melody. For those unfamiliar with them, Castanarc are British
(like all the rest) and the band's leadership has always been anchored by its
historic core: keyboardist David Powell (creator of delicate, intricate
harmonic textures) and vocalist Mark Holiday, whose expressive and timbral
vocal style closely echoes the nuances of Phil Collins, Dave Cousins of The
Strawbs, and Peter Nicholls (IQ). Five studio albums have been released since
1984 up to the arrival of this new “Forged By The Sun” where, for its creation,
the lineup features the return of original guitarist Neil Duty and a rhythm
section made up of Charlie Morgan on drums and Peter Robinson on bass (who
sadly passed away shortly before the album's release, after completing his
parts). The album also benefits from production and mixing by John Spence,
delivering a modern, clean sound with distinctly analog and transparent
dynamics. It contains three tracks, two of which are epics; the first is the
title track, “Forged By The Sun”, spanning over eighteen minutes. I’ll tell you
right now that listening to it gave me more than a few chills, but that ties
back to what I mentioned earlier—having lived through the 80s, this timeless
genre knows how to hit me straight in the heart. The piece opens with intricate neoclassical keyboard
motifs that set an engaging pace, before evolving into alternating orchestral
sections, symphonic shifts, and moments of atmospheric suspension. Around the
six-minute mark, a segment of rare delicacy unfolds, dominated by ambient
textures and keyboards reminiscent of Camel and Vangelis. Powell’s synthesizers
interplay with Neil Duty’s electric guitar, supported by a melodic, never
intrusive bassline. Mark Holiday’s lyricism explores themes of
regeneration, time, and the solar element seen as a forge of life and
consciousness. The words evoke cosmic and natural imagery, where the human
figure seeks balance and purification through the sun's forge, rising above the
darkness of modernity. The second epic is “Ceasefire For The Innocent”,
packed with early Pendragon and Marillion vibes. Excellent vocal harmonies and
emotional shifts immerse you in a slightly melancholic universe close to the
style of Genesis’s “A Trick Of The Tail” and “Wind & Wuthering”, just to
give you an idea. A gem that alone is worth the price of admission. The lyrics
are an invocation for peace and a heartfelt reflection on the innocent victims
claimed by conflicts and injustice. The "ceasefire for the innocent"
is not merely a geopolitical wish, but a spiritual necessity and a poetic
refuge from the negativity of contemporary society. “Cue Rain” serves as an intimate, dreamlike epilogue.
Dominated by ethereal piano, soft organ, and near-whispered vocals, it unfolds as
a pastoral ballad with a touch of Procol Harum and British Folk Prog. It
features a special guest appearance by Dave Holley on lead guitar, whose
touch—steeped in Blues-Jazz nuances—embellishes the track's closing section.
The theme of rain is treated not as something gloomy or nostalgic, but as a
cathartic blessing. The lyrics use rain as a metaphor to wash away tension and
"summon" a sense of relief and rebirth, closing the album on a note
of serene hope. I have nothing left to add, except that I’m wiping
away a few tears and I’m not sure if it’s just because of the music or because
I’m acutely aware that over forty years have passed…. Ah well, Castanarc wear
them exceptionally well anyway! Anyone who listens to Neo Prog simply cannot
miss this album! MS
DAVINPORT
– The Great Awakening Autoproduzione Genere: Progressive Rock Supporto: Digital / Bandcamp – 2026
Prendono
sempre più piede nella musica Prog le autoproduzioni e le one-man band: questo
è il risultato della tecnologia che avanza e permette a tutti, a basso costo,
di avere uno studio in casa, oltre che del supporto dell’IA. I
risultati non sono sempre ottimali, perché in fin dei conti quello che conta
nella musica è l’emozione, oltre alle buone idee. Fare arte non è per tutti,
servono talento e studio, senza i quali non si arriva da nessuna parte.
Tuttavia, con questo sistema aumentano esponenzialmente le uscite discografiche
e, per la legge dei numeri, qualcuno riesce a produrre un buon lavoro. È
anche il caso di Davinport, progetto musicale synthwave/electronic/retrowave
ideato dal musicista e produttore britannico Dave Johnson (polistrumentista
noto anche per i suoi lavori in ambito elettronica/ambient). Il progetto
Davinport nasce come un'esplorazione sonora che unisce sonorità retrowave,
synth-pop, cinematiche e sfumature Progressive, caratterizzato dall'uso esteso
di sintetizzatori analogici e digitali, arpeggiatori e ritmiche martellanti di
matrice anni '80. Johnson
muove i primi passi nell'ambiente underground britannico, spaziando tra la
produzione di colonne sonore e la musica elettronica d'atmosfera. Con il
moniker Davinport sceglie di concentrarsi su una visione ben precisa, quella di
coniugare la nostalgia della synthwave anni '80 (richiamando influenze come
Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre e la scena modern retrowave stile Synth
Collective / NRW) con strutture composite e concettuali tipiche dell'elettronica
narrativa. L'album,
composto da 10 tracce, è costruito su un concept distopico-fantascientifico e
spirituale: la storia di una presa di coscienza collettiva e individuale
dell'umanità (il "Grande Risveglio") di fronte al declino tecnologico
e all'oppressione del tempo, fino alla ricerca di una trascendenza personale. “When
Giants Awake” apre con enfasi e magniloquenza attraverso uno strumentale ricco
di suoni, dove i "giganti" sono le grandi forze sopite della
coscienza umana o le antiche strutture del mondo che iniziano a tremare. Gli
anni ’80 sono davanti a noi con melodie di synth luminose ed energiche. Ciò
accade anche in “A New Dawning”, brano piacevolmente orecchiabile accompagnato
anche da parti vocali. Qui la presa di coscienza segna la prima alba di una
nuova era post-crisi. Il brano descrive la sensazione di uscire dall'oscurità e
vedere la realtà sotto una nuova luce, e la musica ne è un'ottima colonna
sonora grazie a quell’aria di positività. Più
articolata nella composizione è “Future Perfect”, fra arpeggi di genesiana
memoria e cambi d'umore. Questa suite elettronica esplora l'utopia futurista.
Il titolo gioca con la grammatica e con l'idea di un "futuro
perfetto" promesso dalla tecnologia, evidenziando tuttavia la sottile
linea tra utopia e controllo totalitario. Le tastiere, ancora una volta, sono
in evidenza. “Victorius”
rappresenta la vittoria dello spirito umano sulle catene dell'omologazione e
della manipolazione, e lo fa attraverso un movimento arioso e ricco di
sonorità, quasi in modalità The Flower Kings, dove la chitarra riesce a ritagliarsi
un posto in vetrina. A
questo punto giunge “New Beginnings”, un momento di pausa e ripartenza con una
traccia più breve e atmosferica, quasi un interludio riflessivo. Racconta la
ricostruzione interiore: l'accettazione del passato per poter gettare le basi
di una nuova vita. Essa conduce al brano più lungo dell’album con i suoi quasi
nove minuti, dal titolo “Time Slips Away”. Siamo nel Prog ricercato, a tratti
delicato, dove la consapevolezza della mortalità e di come la vita scorra via
mentre si è presi dalle illusioni del mondo materiale è dettagliatamente
rappresentata dal suono. Ancora
tracce di Genesis in “Monuments”: Johnson dimostra di conoscere la storia di
questa musica e di saperla plasmare a proprio piacimento. Concludono l’album “I
Walk Alone”, “Telepathic Frequencies” e “Night Runner”, altre composizioni
curate e nuovamente ricche di sonorità gradevoli. Nonostante
l'impalcatura retrowave potesse far pensare all'ennesimo esercizio di stile
guidato dalla solita nostalgia per gli anni '80, “The Great Awakening” dimostra
di avere un'anima ben più complessa e strutturata, e Davinport firma un lavoro
maturo, capace di far convivere l'impatto cinematografico dei sintetizzatori
con un'architettura concettuale profonda e mai banale. Non ci troviamo di
fronte a un semplice ascolto da sottofondo per una corsa notturna, ma a un vero
e proprio viaggio narrativo brano per brano, dove l'elettronica torna a farsi
materia concettuale e sognante. Un disco lucido, avvolgente ed estremamente
consigliato a chi cerca nella synthwave una terza dimensione di ascolto. MS
Versione Inglese:
DAVINPORT
– The Great Awakening Self-released Genre:
Progressive Rock Format:
Digital / Bandcamp – 2026
Self-releases and one-man bands are gaining more and
more ground in Prog music: this is the result of advancing technology that
allows everyone to have a low-cost home studio, alongside the support of AI. The results are not always optimal, because at the end
of the day, what truly matters in music is emotion, in addition to good ideas.
Making art is not for everyone: it takes talent and study, without which you
get nowhere. However, with this system, record releases are increasing
exponentially, and by the law of numbers, someone manages to produce a good
piece of work. This is also the case with Davinport, a
synthwave/electronic/retrowave musical project created by British musician and
producer Dave Johnson (a multi-instrumentalist also known for his work in the
electronic/ambient field). The Davinport project was born as a sonic
exploration combining retrowave, synth-pop, cinematic atmospheres, and
Progressive nuances, characterized by the extensive use of analog and digital
synthesizers, arpeggiators, and driving 80s-style rhythms. Johnson took his first steps in the British
underground scene, ranging from soundtrack production to atmospheric electronic
music. Under the moniker Davinport, he chooses to focus on a very precise
vision: combining 80s synthwave nostalgia (drawing influence from Tangerine
Dream, Jean-Michel Jarre, and the modern retrowave scene in the style of Synth
Collective / NRW) with complex, conceptual structures typical of narrative
electronics. The album, consisting of 10 tracks, is built around a
dystopian, sci-fi, and spiritual concept: the story of a collective and
individual awakening of humanity (the "Great Awakening") in the face
of technological decline and the oppression of time, leading up to the search
for personal transcendence. “When Giants Awake” opens with emphasis and grandeur
through a sound-rich instrumental, where the "giants" represent the
dormant forces of human consciousness or the ancient structures of the world
beginning to shake. The 80s lie straight ahead with bright, energetic synth
melodies. This also occurs in “A New Dawning”, an agreeably catchy track
accompanied by vocal parts. Here, the awakening marks the first dawn of a new
post-crisis era. The song describes the sensation of emerging from darkness and
seeing reality in a new light, with the music serving as a fine soundtrack
thanks to its sense of positivity. More intricate in its composition is “Future Perfect”,
featuring arpeggios reminiscent of Genesis alongside shifting moods. This
electronic suite explores futuristic utopia. The title plays on grammar and the
concept of a "future perfect" promised by technology, while
highlighting the fine line between utopia and total control. Keyboards, once
again, take center stage. “Victorius” represents the victory of the human spirit
over the chains of homogenization and manipulation, doing so through an airy,
sonically rich movement—almost in the vein of The Flower Kings—where the guitar
manages to carve out a spotlight for itself. At this point comes “New Beginnings”, a moment of
pause and restart with a shorter, atmospheric track, serving almost as a
reflective interlude. It recounts inner reconstruction: accepting the past in
order to lay the foundations for a new life. This leads into the album’s longest
track at nearly nine minutes, titled “Time Slips Away”. Here we are in refined,
at times delicate Prog, where the awareness of mortality—and how life slips
away while we are consumed by the illusions of the material world—is vividly
portrayed through sound. More traces of Genesis appear in “Monuments”: Johnson
proves he knows the history of this music and knows how to shape it to his
liking. Closing the album are “I Walk Alone”, “Telepathic Frequencies”, and
“Night Runner”, further well-crafted compositions rich in pleasant sonorities. Even though the retrowave framework might suggest just
another stylistic exercise driven by typical 80s nostalgia, “The Great
Awakening” reveals a far more complex and structured soul. Davinport delivers a
mature work capable of combining the cinematic impact of synthesizers with a
deep, never cliché conceptual architecture. We are not dealing with simple
background listening for a late-night drive, but with a genuine track-by-track
narrative journey, where electronic music returns to being conceptual,
dreamlike matter. A lucid, enveloping album, highly recommended for anyone
seeking a third dimension of listening within synthwave. MS
