Trasimeno Prog Festival 2026 - settima edizione

 

TRASIMENO PROG FESTIVAL 2026 – Settima edizione

 

A Castiglione Del Lago, dal 20 al 23 agosto, ritorna il fantastico Festival “Trasimeno Prog” che quest’anno giunge alla sua settima edizione.

Si svolgerà nuovamente nella cornice della Rocca Medievale di Castiglione del Lago, e la manifestazione è intitolata alla memoria di Riccardo Regi, musicista e giornalista, figura significativa per la comunità artistica locale.

Quattro le serate:

Giovedì 20 agosto, sarà affidata alla “Pink Floyd Night”, sul palco  gli umbri Drunk Side e i romani Ranestrane in una rivisitazione in cineconcerto del capolavoro “The Wall”.

Venerdì 21 agosto, vedrà le storiche Orme di Michi Dei Rossi. Si esibiranno in un concerto, intitolato “Trilogy Live (1971–1973)” e proporrà l’esecuzione integrale di tre lavori fondamentali della discografia del gruppo : “Collage”, “Uomo di pezza” e “Felona e Sorona”. L’apertura sarà affidata ai Known Physics, mentre l’ex cantante della PFM, Bernardo Lanzetti, sarà ospite della serata.

Sabato 22 agosto, sarà una serata dedicata al Progressive Italiano in chiave sinfonica. l’Orchestra Sinfonica Internazionale diretta dal maestro Leonardo Quadrini, verrà affiancata da ospiti di rilievo. Si esibirà anche la band La Cruna Del Lago.

Domenica 23 agosto sarà incentrata sul Progressive Jazz con gli storici Agorà che presenteranno in anteprima il loro nuovo album. Seguirà Tony Esposito in un progetto di rilettura dei propri esordi solisti con un omaggio a Pino Daniele.

Le serate saranno come da tradizione affiancate dalla fiera del disco in Piazza Gramsci, realizzata in collaborazione con Music Day Roma. Anche il sottoscritto parteciperà con i propri libri durante il corso delle manifestazioni.

Per tutti i dettagli, gli approfondimenti e la prenotazione dei biglietti, visitate la seguente pagina:  

 

https://www.facebook.com/events/1312060937558094

Versione Inglese: 

TRASIMENO PROG 2026 – Seventh Edition

In Castiglione del Lago, from August 20 to 23, the fantastic “Trasimeno Prog” Festival returns for its seventh edition.

Once again hosted within the scenic setting of the Medieval Fortress (Rocca Medievale) in Castiglione del Lago, this year's event is dedicated to the memory of Riccardo Regi—a musician, journalist, and deeply meaningful figure for the local artistic community.

The Four-Night Lineup:

• Thursday, August 20 – "Pink Floyd Night" Taking the stage will be the Umbrian band Drunk Side and Rome's own Ranestrane, performing a cine-concert reimagining of the masterpiece "The Wall".
• Friday, August 21 – Le Orme & Special Guests Featuring the historic Le Orme, led by Michi Dei Rossi. They will perform a concert titled "Trilogy Live (1971–1973)", featuring the complete live performance of three seminal albums from the group's discography: "Collage", "Uomo di pezza", and "Felona e Sorona". The evening will open with Known Physics, with a special guest appearance by former PFM frontman Bernardo Lanzetti.
• Saturday, August 22 – Symphonic Italian Prog A night dedicated to Italian Progressive Rock with a symphonic twist. The International Symphony Orchestra, conducted by Maestro Leonardo Quadrini, will be joined by prominent special guests. The band La Cruna Del Lago will also perform.
• Sunday, August 23 – Prog Jazz & Percussion The final night will center on Progressive Jazz with the legendary Agorà, who will be previewing their brand-new album. Following them, Tony Esposito will present a project revisiting his early solo career, including a tribute to Pino Daniele.

Record Fair & Book Signings

As per tradition, the evenings will be complemented by the Record Fair in Piazza Gramsci, organized in collaboration with Music Day Roma. I will also be participating throughout the event to showcase my books.

Tickets & Info: For full details, in-depth features, and ticket reservations, please visit the official event page: https://www.facebook.com/events/1312060937558094

Repetita Iuvant

REPETITA IUVANT – 3+2
Argonauta Records
Genere: Post Rock / Psichedelia
Supporto: LP – Bandcamp – 2026

Il trio spezzino Repetita Iuvant composto da Cristoforo Da Costa (chitarre, synth), Daniele Isetta (chitarre, synth) e Andrea Testa (batteria), prosegue e affina quel percorso concettuale e compositivo legato a una sorta di rigorosa "equazione matematica" e geometrica che ha caratterizzato la loro discografia sin dalla trilogia precedente (3, 3+1 e 7) e dal successivo EP “Square Root Of Two”.
Come suggerisce il nome stesso della band, la ripetizione ipnotica non è un limite, ma una forza creativa ed evolutiva. I motivi minimalisti iniziali si fratturano, si stratificano e si ricombinano gradualmente.
I brani abbandonano le strutture tradizionali della forma canzone in favore di un'architettura emotiva fatta di dinamiche spiccate, dove si passa da atmosfere rarefatte e dilatazioni quasi cinematografiche a improvvise esplosioni sonore angolari e viscerali.
I titoli, evocativi e criptici, lasciano ampio spazio all'immaginazione dell'ascoltatore, sposandosi perfettamente con la natura strumentale e priva di testi del disco. È un lavoro d'impatto sia cerebrale che viscerale, dove l'intreccio serrato delle due chitarre e l'elettronica sottile poggiano su pattern ritmici fluidi ma estremamente disciplinati.
“Calocybe”, la traccia che apre l'album, non è semplicemente una prima canzone, ma un vero e proprio manifesto programmatico dell'intero disco. Il titolo, che richiama il genere di funghi Calocybe (il cui esponente più famoso in Italia è il prelibato fungo prugnolo o fungo di San Giorgio), suggerisce fin da subito un immaginario legato alla terra, alla biologia, alla crescita organica e sotterranea, elementi che si riflettono perfettamente nella struttura musicale del brano.
Il brano si apre in modo sottile e ipnotico. Fedeli al dogma del loro nome, i Repetita Iuvant introducono una cellula melodica minimale, un ricamo di chitarra pulita che si ripete in modo circolare. È l'equivalente musicale di una spora che si deposita sul terreno, un elemento semplice che comincia a mettere radici, catturando immediatamente l'attenzione dell'ascoltatore e creando un'atmosfera sospesa, quasi cinematografica.
Segue “Indid”, titolo palindromo se non fosse per la lettera finale. Esso evoca un senso di astrazione matematica, quasi fosse una sigla o un codice scientifico, sposandosi perfettamente con il rigore concettuale del trio. Nel crescendo, le chitarre noise si intrecciano in un contrappunto millimetrico e non cercano la melodia d'impatto, ma lavorano per sottrazione e incastro: una chitarra traccia una linea ritmica e spigolosa, quasi Math Rock, mentre l'altra si inserisce negli spazi vuoti con suoni più acidi e riverberati.
Con "Majorana", i Repetita Iuvant firmano probabilmente il capitolo più affascinante, misterioso e denso dell'intero album. Il titolo è un esplicito e potentissimo omaggio a Ettore Majorana, il geniale e tormentato fisico teorico catanese svanito nel nulla nel 1938, le cui intuizioni sulla fisica delle particelle (come i fermioni di Majorana) continuano a sfidare la scienza moderna. La scelta di questo nome non è casuale, la musica stessa del brano si fa specchio del concetto di "scomparsa", di "materia oscura" e di un'equazione complessa che cerca una soluzione che forse non esiste.
Il brano si sviluppa su una durata importante e inizia in totale contrasto con la spigolosità della traccia precedente. L'incipit è immerso in un silenzio quasi siderale, dominato da droni ambientali e oscillazioni di sintetizzatori analogici. Le chitarre di Da Costa e Isetta entrano in punta di piedi, dilatate, cariche di riverbero e delay, evocando la solitudine di un laboratorio o l'immensità dello spazio profondo. È la rappresentazione sonora del mistero, con una melodia malinconica, fluttuante, che sembra cercare una direzione nel vuoto.
Verso la seconda metà del brano, la tensione accumulata collassa su se stessa. Il trio abbandona ogni freno minimalista e si scaglia in una Psichedelia altamente coinvolgente.
Con “Harenaria” la band mette sul tavolo tutte le carte a loro disposizione in nove minuti di musica stratificata ma allo stesso tempo ficcante. Il titolo sembra giocare con la radice latina della sabbia (arena, harena), evocando un immaginario desertico, arido, ma anche il concetto di un tempo che scorre inesorabile come granelli in una clessidra.
La chiusura spetta a “Cavanei” una mini suite di tredici minuti abbondanti in cui ci si ritrova spesso ad ascoltare ad occhi chiusi. Il brano riesce nell'impresa non facile di tirare le fila di un discorso complesso e stratificato, offrendo una via d'uscita emotiva a un disco che ha fatto della tensione il suo filo conduttore.
In “3+2”, la fredda precisione della matematica incontra la carne viva del Rock strumentale, dimostrando che anche dietro l'equazione più complessa può nascondersi un cuore che pulsa all'impazzata. Consigliati per chi ascolta Russian Circles, Caspian o Red Sparowes. MS 

Versione Inglese: 

REPETITA IUVANT – 3+2
Argonauta Records
Genre: Post Rock / Psychedelia
Format: LP – Bandcamp – 2026

The La Spezia-based trio Repetita Iuvant, featuring Cristoforo Da Costa (guitars, synths), Daniele Isetta (guitars, synths), and Andrea Testa (drums), continues and refines the conceptual and compositional path rooted in a sort of rigorous, geometric "mathematical equation" that has defined their discography since their previous trilogy (3, 3+1, and 7) and the subsequent EP Square Root Of Two.
As the band's name implies, hypnotic repetition is not a limitation but an evolutionary, creative force. The initial minimalist motifs fracture, layer, and gradually recombine.
The tracks abandon traditional song structures in favor of an emotional architecture driven by stark dynamics, shifting from rarefied atmospheres and almost cinematic expansions to sudden, angular, and visceral sonic explosions.
The evocative, cryptic titles leave ample room for the listener’s imagination, blending seamlessly with the album's instrumental, lyric-less nature. It is a work of both cerebral and visceral impact, where the tightly interwoven guitars and subtle electronics rest upon fluid yet extremely disciplined rhythmic patterns.
“Calocybe,” the album's opening track, is not merely a first song, but a true programmatic manifesto for the entire record. The title, referencing the mushroom genus Calocybe (whose most famous representative in Italy is the prized St. George's mushroom), immediately suggests an imagery linked to the earth, biology, and organic, underground growth—elements that are perfectly reflected in the musical structure of the piece.
The track opens in a subtle, hypnotic fashion. True to the dogma of their name, Repetita Iuvant introduce a minimal melodic cell, a clean guitar embellishment that repeats circularly. It is the musical equivalent of a spore settling on the soil—a simple element that begins to take root, instantly capturing the listener's attention and creating a suspended, almost cinematic atmosphere.
Next comes “Indid,” a title that would be a palindrome if not for its final letter. It evokes a sense of mathematical abstraction, almost like an acronym or a scientific code, pairing perfectly with the trio's conceptual rigor. As it builds, noise guitars intertwine in a millimetric counterpoint; rather than chasing an impactful melody, they work through subtraction and interlocking patterns. One guitar traces an angular, rhythmic line akin to Math Rock, while the other steps into the empty spaces with more acidic, reverb-drenched sounds.
With "Majorana," Repetita Iuvant deliver what is likely the most fascinating, mysterious, and dense chapter of the entire album. The title is an explicit and incredibly powerful homage to Ettore Majorana, the brilliant and tormented theoretical physicist from Catania who vanished into thin air in 1938, and whose insights into particle physics (such as Majorana fermions) continue to challenge modern science. The choice of this name is far from accidental; the music itself becomes a mirror for the concepts of "disappearance," "dark matter," and a complex equation seeking a solution that perhaps does not exist.
The track unfolds over a substantial duration and begins in stark contrast to the angularity of the preceding song. The intro is immersed in an almost outer-space silence, dominated by ambient drones and fluctuating analog synthesizers. The guitars of Da Costa and Isetta enter on tiptoe—dilated, heavy with reverb and delay—evoking the loneliness of a laboratory or the vastness of deep space. It is the sonic representation of mystery, featuring a melancholy, floating melody that seems to search for a direction in the void.
Toward the second half of the track, the accumulated tension collapses under its own weight. The trio abandons all minimalist restraint and plunges into a highly immersive psychedelia.
With “Harenaria,” the band lays all their cards on the table across nine minutes of music that is both deeply layered and punchy. The title seems to play on the Latin root for sand (arena, harena), conjuring desert-like, arid imagery, as well as the concept of time ticking away inexorably like grains in an hourglass.
The closing slot belongs to “Cavanei,” a mini-suite lasting well over thirteen minutes, during which you will frequently find yourself listening with your eyes closed. The track succeeds in the far-from-easy task of tying together the threads of a complex, multi-layered discourse, offering an emotional breakthrough to an album that made tension its guiding theme.
In 3+2, the cold precision of mathematics meets the raw flesh of instrumental Rock, proving that an intensely beating heart can hide even behind the most complex equation.
Recommended for fans of Russian Circles, Caspian, or Red Sparowes. MS

Ataraxia

ATARAXIA - Sylfaera The Fair
The Circle Music
Genere: Folk
Supporto: CD / LP / DD – 2026

La musica Folk sa farti perdere in ambientazioni bucoliche, se poi queste sono nordiche allora il panorama si fa alquanto intrigante e oscuro. Noi in Italia abbiamo una band di Modena che ha saputo cogliere tutta l’essenza di questa magia, trasformandola in realtà, loro si chiamano Ataraxia e hanno una carriera annosa alle spalle (dal 1985) corredata di ben trenta album in studio, il che la dice lunga sul seguito di pubblico che meritatamente si sono guadagnati. Il termine greco Ataraxia (usato da Epicuro e Pirrone) indica la perfetta tranquillità dell'anima, la liberazione dalle passioni e dai turbamenti. La band non intende la propria musica come intrattenimento o sfogo di pathos emotivo fine a se stesso; per loro comporre ed eseguire musica è un atto sacro, un rituale moderno volto a raggiungere un "equilibrio vibrante", una catarsi che riconnette l'ascoltatore con le forze primordiali della natura e della memoria storica.
“Sylfaera The Fair” oggi ha una valenza speciale perché va a chiudere una trilogia concettuale e spirituale iniziata nel 2022 con “Pomegranate (The Chant Of The Elementals)” e proseguita nel 2024 con “Centaurea”.
Il cuore narrativo del disco ruota attorno a una "Compagnia" di pipes (la cornamusa irlandese), bouzouki, flauti (low e high whistles), tastiere, chitarre classiche ed elettriche, sorrette da percussioni tribali, timpani e bodhrán.
Il nucleo fondamentale della band è rimasto lo stesso per oltre trent'anni, una coesione rarissima nel panorama musicale: Francesca Nicoli (voce, flauti, testi), Vittorio Vandelli (chitarre, programmazioni, timpani) e Giovanni Pagliari (tastiere, piano, sintetizzatori, cori); a loro si affiancano spesso eccellenti collaboratori come violoncellisti o suonatori di strumenti antichi, sia in studio che per i suggestivi "rituali live".
Tutto il disco è evocativo, le sonorità richiamano paesaggi nordici e glaciali, dove il suono profondo dei corni di guerra introduce l'ascoltatore a una dimensione arcaica.
Meravigliosa l’interpretazione vocale da parte di Francesca Nicoli in tutti i passaggi e il disco scorre in queste ambientazioni favolose; solo una menzione a parte per “Llawarra”, scelta non a caso come singolo. Ha un incedere fiero, quasi cavalleresco e medievale, fortemente guidato dalle uilleann pipes (le cornamuse) e da percussioni tribali come il bodhrán. È il momento in cui la Compagnia compie l'azione decisiva, muovendosi con determinazione verso il portale dimensionale.
In generale, “Sylfaera The Fair” è un lavoro denso, teatrale e magico, perfetto per chi ha amato il loro percorso storico e vuole perdersi in atmosfere senza tempo. MS

Versione Inglese: 

ATARAXIA - Sylfaera The Fair
The Circle Music
Genre: Folk
Format: CD / LP / DD – 2026

Folk music has the power to make you lose yourself in bucolic settings; when these are Nordic, the landscape becomes rather intriguing and dark. Here in Italy, we have a band from Modena that has managed to capture the entire essence of this magic, turning it into reality. Their name is Ataraxia, and they have a long-standing career behind them (since 1985) boasting no fewer than thirty studio albums—a fact that speaks volumes about the following they have deservedly earned. The Greek term Ataraxia (used by Epicurus and Pyrrho) indicates the perfect tranquility of the soul, liberation from passions and disturbances. The band does not view their music as mere entertainment or an outlet for emotional pathos as an end in itself; for them, composing and performing music is a sacred act, a modern ritual aimed at achieving a "vibrant balance," a catharsis that reconnects the listener with the primordial forces of nature and historical memory.
“Sylfaera The Fair” holds a special significance today because it closes a conceptual and spiritual trilogy that began in 2022 with “Pomegranate (The Chant Of The Elementals)” and continued in 2024 with “Centaurea”.
The narrative heart of the album revolves around a "Compagnia" [Company] of pipes (Irish bagpipes), bouzouki, flutes (low and high whistles), keyboards, classical and electric guitars, backed by tribal percussion, timpani, and bodhrán.
The core lineup of the band has remained the same for over thirty years, an extremely rare cohesion in the music scene: Francesca Nicoli (vocals, flutes, lyrics), Vittorio Vandelli (guitars, programming, timpani), and Giovanni Pagliari (keyboards, piano, synthesizers, backing vocals); they are often joined by excellent collaborators, such as cellists or players of ancient instruments, both in the studio and for their evocative "live rituals".
The entire album is evocative; the sounds recall Nordic and glacial landscapes, where the deep tone of war horns introduces the listener to an archaic dimension.
Francesca Nicoli’s vocal interpretation is wonderful throughout every passage, and the album flows beautifully through these fabulous settings. Only a special mention goes to “Llawarra”, chosen not by chance as a single. It has a proud, almost chivalric and medieval stride, strongly driven by uilleann pipes and tribal percussion like the bodhrán. It marks the moment when the Company takes decisive action, moving with determination toward the dimensional portal.
Overall, “Sylfaera The Fair” is a dense, theatrical, and magical work, perfect for those who have loved their historical journey and wish to lose themselves in timeless atmospheres. MS

  

Quando L'italia Salvò I Genesis

QUANDO L’ITALIA SALVO’ I GENESIS

 
 
Il legame tra i Genesis e l’Italia nei primi anni Settanta è una delle pagine più romantiche, intense e determinanti della storia del Rock Progressivo. Si può affermare, senza esagerazioni, che l’Italia ha letteralmente salvato la carriera dei Genesis, offrendo loro il successo, il sostentamento economico e il calore umano necessari per non sciogliersi, proprio mentre in patria venivano ignorati o guardati con sufficienza.

 
All'inizio del 1972, i Genesis erano una band sull'orlo del collasso finanziario, i loro primi tre album “From Genesis To Revelation”, “Trespass” e il fresco “Nursery Cryme”, avevano venduto pochissime copie nel Regno Unito. La band viaggiava stipata in un furgone scassato, suonando davanti a poche decine di spettatori nei pub inglesi, e i debiti con la casa discografica Charisma stavano diventando insostenibili.
Improvvisamente, arrivò una notizia incredibile dall'Europa continentale, in Italia, “Nursery Cryme” era balzato ai vertici delle classifiche dei dischi più venduti raggiungendo la quarta posizione, trainato da trasmissioni radiofoniche illuminate come quelle di Renzo Arbore e dal passaparola dei critici musicali della rivista Ciao 2001.
Il promoter italiano Maurizio Salvadori colse l'occasione al volo e organizzò il loro primo tour italiano per l'aprile del 1972.

 
Quando i cinque musicisti britannici atterrarono in Italia nell'aprile del '72 per la prima parte del tour che toccò città come Adria, Reggio Emilia, Roma, e Torino, si aspettavano la solita accoglienza tiepida. Invece lo shock fu totale. Ad Adria, ossia la prima tappa, si trovarono davanti a un palasport stracolmo, qui i musicisti pensarono inizialmente a un errore, credendo che tutta quella gente fosse lì per vedere qualcun altro. Quando salirono sul palco, vennero accolti da un boato assordante. I ragazzi italiani conoscevano a memoria ogni singola nota, ogni bizzarro testo di Peter Gabriel, ogni passaggio di batteria di Phil Collins.
Disse al riguardo Steve Hackett :  "In Inghilterra suonavamo nei club e la gente ci ascoltava sorseggiando birra. In Italia, la prima volta che salimmo sul palco, sembrava che fossimo i Beatles. C'erano migliaia di persone che urlavano. Fu lì che capimmo, per la prima volta, di essere diventati una vera band di successo.".

La domanda che molti critici si sono posti è: perché l'Italia capì i Genesis prima del resto del mondo?

La risposta risiede nella cultura musicale profonda del nostro Paese, siamo la patria del melodramma, dell'opera lirica, della grande tradizione classica e barocca. La proposta dei Genesis, fatta di suite lunghe e complesse, cambi di tempo drammatici, tastiere che sembravano organi da chiesa e un cantante che usava il corpo e le maschere come un attore d'opera , risuonò perfettamente con la sensibilità artistica italiana.
Inoltre, i Genesis arrivarono nel momento d'oro del Pop Progressivo italiano. Band nostrane come la Premiata Forneria Marconi (PFM), il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme stavano gettando le basi per il proprio successo, e l'arrivo dei Genesis funse da definitivo acceleratore culturale per l'intero movimento.

 

TOUR 1972

 
Il tour del 1972 diviso in due tranche, una ad aprile e una ad agosto fu costellato di episodi memorabili:
Durante la tappa romana al Piper Club e al Palasport, ai Genesis accadde un imprevisto potenzialmente disastroso, il loro furgone, contenente tutta la costosa e insostituibile strumentazione (compreso il raro e bizzarro Mellotron di Tony Banks), venne rubato. La band era disperata. Fortunatamente, grazie all'intervento tempestivo degli organizzatori locali e della polizia, il furgone fu ritrovato poche ore dopo in un vicolo, intatto. I ladri, probabilmente, non avevano idea di cosa ci fosse dentro o avevano capito che quel furto avrebbe fermato i loro nuovi idoli… Chissà.

I "problemi di stomaco" di Phil Collins
La cucina italiana fu una rivelazione per la band, abituata ai tristi toast inglesi da autogrill, ma creò anche qualche imprevisto. Si racconta che Phil Collins, folgorato dalla bontà dei primi piatti italiani, esagerò così tanto con il cibo e il vino locale da accusare forti dolori addominali prima di un concerto, costringendolo a una performance eroica dietro le pelli, sospinto solo dall'adrenalina del pubblico.

 
I "dialoghi" in italiano di Peter Gabriel
Peter Gabriel, da sempre uomo di grande sensibilità teatrale e comunicativa, non voleva che ci fossero barriere con il pubblico. Prima del tour, si fece tradurre i testi e le introduzioni surreali dei brani in italiano. Salì sul palco leggendo da foglietti spiegazzati scritti in un italiano maccheronico ma adorabile, conquistando definitivamente il cuore dei fan. 

Versione Inglese: 

WHEN ITALY SAVED GENESIS

The bond between Genesis and Italy in the early 1970s is one of the most romantic, intense, and defining chapters in the history of Progressive Rock. It can be argued, without exaggeration, that Italy literally saved Genesis' career, offering them the success, financial lifeline, and human warmth needed to keep them from breaking up, just as they were being ignored or looked down upon back home.
 
At the beginning of 1972, Genesis were a band on the brink of financial collapse. Their first three albums—“From Genesis To Revelation”, “Trespass”, and the newly released “Nursery Cryme”—had sold very few copies in the UK. The band travelled crammed into a beat-up van, playing in front of just a few dozen spectators in English pubs, and their debts to the Charisma record label were becoming unsustainable.
Suddenly, incredible news arrived from continental Europe: in Italy, “Nursery Cryme” had leapt to the top of the bestseller charts, reaching the number four spot. This surge was driven by enlightened radio broadcasts, such as those by Renzo Arbore, and by word of mouth among music critics from Ciao 2001 magazine.
Italian promoter Maurizio Salvadori seized the opportunity and organized their very first Italian tour for April 1972.
 
When the five British musicians landed in Italy in April '72 for the first leg of the tour—which visited cities like Adria, Reggio Emilia, Rome, and Turin—they expected the usual lukewarm reception. Instead, the shock was absolute. In Adria, the opening stop, they found themselves facing a packed sports arena. At first, the musicians thought there had been a mistake, believing that all those people were there to see someone else. When they took the stage, they were greeted by a deafening roar. The Italian youth knew every single note, every bizarre Peter Gabriel lyric, and every Phil Collins drum fill by heart.
Steve Hackett said regarding this: "In England, we used to play clubs and people would listen to us while sipping beer. In Italy, the first time we stood on stage, it felt like we were The Beatles. There were thousands of people screaming. It was then that we realized, for the very first time, that we had become a genuinely successful band."
 
The question many critics have asked themselves is: why did Italy understand Genesis before the rest of the world?
 
The answer lies in the deep-rooted musical culture of our country; we are the homeland of melodrama, opera, and the great classical and baroque traditions. Genesis’ musical vision—made of long, intricate suites, dramatic time signature changes, keyboards that sounded like church organs, and a frontman who used his body and masks like an opera actor—resonated perfectly with the Italian artistic sensibility.
Furthermore, Genesis arrived during the golden age of Italian Progressive Pop. Homegrown bands like Premiata Forneria Marconi (PFM), Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme were laying the foundations for their own success, and the arrival of Genesis acted as the ultimate cultural accelerator for the entire movement.

 

THE 1972 TOUR

The 1972 tour, split into two legs (one in April and one in August), was punctuated by memorable episodes:
 
The stolen van in Rome
During their Roman stop at the Piper Club and the Palasport, Genesis hit a potentially disastrous setback: their van, containing all their expensive and irreplaceable equipment (including Tony Banks' rare and temperamental Mellotron), was stolen. The band was devastated. Fortunately, thanks to the swift intervention of local organizers and the police, the van was found intact a few hours later in an alleyway. The thieves probably had no idea what was inside, or perhaps they realized that the theft would have grounded their new idols... Who knows.
 
Phil Collins' "stomach troubles"
Italian cuisine was a revelation for the band, who were used to dismal English motorway service station toasties, but it also caused a few hiccups. Story goes that Phil Collins, struck by the sheer deliciousness of Italian first courses, overindulged so much on local food and wine that he suffered severe abdominal pains right before a concert. This forced him into a heroic performance behind the drum kit, driven purely by the crowd's adrenaline.
 
Peter Gabriel's "dialogues" in Italian
Peter Gabriel, always a man of great theatrical and communicative sensitivity, did not want any barriers between himself and the audience. Before the tour, he had the songs' lyrics and surreal introductions translated into Italian. He took the stage reading from crumpled sheets of paper written in a broken but endearing Italian, winning over the hearts of the fans once and for all.

Aether

AETHER – III
Luminol Records
Genere: Progressive Rock / Jazz / Ambient
Supporto: CD / Spotify / Bandcamp – 2026

I milanesi Aether sono molto ispirati, in quattro anni rilasciano tre album in studio, “Aether” (2023), “Trans​-​Neptunian Objects” (2024) e oggi il terzo capitolo intitolato proprio “III”. In tutto questo gioca un ruolo fondamentale l’amalgama fra i componenti, ossia quell’intesa in cui a volte basta uno sguardo durante una jam per farne nascere un brano vero e proprio.
Andrea Ferrari (chitarra, tastiere), Andrea Grumelli (basso), Andrea Serino (chitarra, tastiere), e Matteo Ravelli (batteria, elettronica), proseguono imperterriti nel loro modo filosofico di concepire la musica fatto di Jazz Prog moderno di scuola nord europea, di Post Rock dettato dagli incastri ritmici complessi, uso dell'elettronica e dei synth, e dalla sperimentazione.
I musicisti registrano spesso improvvisando insieme nella stessa stanza, dando all'album un feeling estremamente organico e vivo, lontano dalle produzioni Prog fredde o iper-editate al computer. Il dialogo tra la chitarra eclettica di Ferrari e il Fender Rhodes di Serino crea paesaggi sonori ipnotici, che sanno essere delicati ma anche improvvisamente distorti e vicini al sound di King Crimson o dei Soft Machine.
Chiaramente avete capito che i sei brani contenuti nell’album non seguono la classica struttura "strofa-ritornello", ma si sviluppano come dei veri e propri flussi di coscienza sonori o paesaggi astratti. Il basso e la batteria incastrano ritmi che diventano dispari e imprevedibili, richiamando il Math Rock moderno o le trame serrate dei King Crimson degli anni '80 e '90.
Quindi di base i Aether hanno un sound viscerale, "grezzo" nel senso nobile del termine, e organico. Si percepiscono i respiri dei musicisti nella stanza, le dinamiche che cambiano in base a come un membro della band risponde all'input dell'altro.
“Oort Cloud” è il brano perfetto per entrare nel loro mood. Inizia con trame di sintetizzatore molto dilatate e spaziali (un'eredità del precedente Trans-Neptunian Objects), per poi stabilizzarsi su un tempo medio guidato dal Fender Rhodes di Serino. La chitarra di Ferrari fluttua pulita, creando un'atmosfera sospesa, quasi cinematografica, prima che la sezione ritmica inizi a stratificare il pezzo. Interessante l’uso del flauto da parte dell’ospite Rosarita Crisafi che dona all’insieme un senso di appartenenza vintage.
Segue un omaggio alla celebre e burocratica razza aliena “Vogon”, tratto dalla fantascienza ironica di “Guida Galattica Per Gli Autostoppisti. Il basso di Grumelli diventa pulsante e aspro, e la batteria di Ravelli detta incastri ritmici serrati. È un pezzo che sorprenderà gli estimatori di Area e Demetrio Stratos grazie all’intervento vocale di Claudio Milano. Personalmente ho apprezzato moltissimo il solo serrato e vigoroso della chitarra elettrica.
Si rallenta e si gioca di fioretto in “Cinq Teintes, Quatre Cadres”, muovendosi su territori vicini al Jazz nordeuropeo più colto ed elegante. Il brano vive di dinamiche accennate, lunghi silenzi, note di piano elettrico lasciate risuonare e ricami di chitarra d'ambiente. Nei suoi quasi nove minuti, il pezzo cambia "cornice" diverse volte, crescendo d'intensità in modo fluido e naturale, come in una vera suite.
Non esula nell’album il momento intimo, “La Mélancolie Du Petit Prince” è guidato da una forte componente melodica dettata dagli intrecci del pianoforte con il caldo suono del basso. Tuttavia sorvola nella mente un senso di malinconia e di nuvolosità che non dispiace per nulla, perché anche in giornate piovose si colgono sensazioni piacevoli che si stampano nella mente.
In fondo siamo nel mondo generico del Progressive Rock e il perché ce lo ricorda “Panta Rei”, brano che fluisce e si trasforma continuamente. È forse la traccia in cui si avverte di più la natura da "live in studio" o da jam session evoluta del quartetto. Inizia in sordina e si sviluppa in un crescendo ipnotico, dove il basso e la batteria creano un groove circolare e ossessivo su cui tastiere e chitarra si lanciano in assoli e interazioni libere, catturando una straordinaria freschezza analogica. Spettacolare movimento!
“III” si conclude con un suite di oltre dieci minuti, “Swerve” dove risiede tutto il mondo Aether. l'elettronica minimale d'apertura, le fughe fusion più serrate, i momenti di astrazione psichedelica e un finale rock potente ed espansivo. Un brano lunghissimo che non stanca mai proprio grazie alla capacità dei quattro di far respirare la musica senza mai eccedere nel tecnicismo fine a se stesso.
Il Jazz Rock si fa cosmico con ” III”, e dipinge  un viaggio strumentale ipnotico, sospeso tra il rigore geometrico dei King Crimson e la libertà sconfinata di una jam notturna. Discone! MS

Versione Inglese:

AETHER – III
Luminol Records
Genre: Progressive Rock / Jazz / Ambient
Format: CD / Spotify / Bandcamp – 2026

Milan-based band Aether are highly inspired: in four years, they have released three studio albums—“Aether” (2023), “Trans-Neptunian Objects” (2024), and today, their third chapter titled simply “III.” In all of this, the chemistry among the members plays a fundamental role—that kind of understanding where, during a jam session, a single glance is sometimes enough to give birth to a fully-fledged track.
Andrea Ferrari (guitar, keyboards), Andrea Grumelli (bass), Andrea Serino (guitar, keyboards), and Matteo Ravelli (drums, electronics) forge ahead undeterred in their philosophical approach to music. It is a style built on modern Northern European-school Progressive Jazz, Post-Rock dictated by complex rhythmic intersections, the use of electronics and synths, and experimentation.
The musicians often record while improvising together in the same room, giving the album an extremely organic, live feel that stands far apart from cold or hyper-computer-edited Progressive productions. The dialogue between Ferrari’s eclectic guitar and Serino’s Fender Rhodes creates hypnotic soundscapes that can be delicate, yet suddenly distorted and close to the sound of King Crimson or Soft Machine.
Clearly, you will have gathered that the six tracks on the album do not follow the classic "verse-chorus" structure, but instead develop like genuine sonic streams of consciousness or abstract landscapes. The bass and drums lock into rhythms that become odd and unpredictable, recalling modern Math Rock or the tight textures of 1980s and 1990s King Crimson.
Fundamentally, then, Aether possess a visceral sound—"raw" in the noblest sense of the word—and organic. You can sense the musicians breathing in the room, the dynamics shifting based on how one band member responds to another’s input.
 “Oort Cloud” is the perfect track to ease into their mood. It opens with highly dilated, spacey synthesizer textures (a legacy of the previous Trans-Neptunian Objects), before settling into a mid-tempo groove driven by Serino’s Fender Rhodes. Ferrari’s guitar floats cleanly, creating a suspended, almost cinematic atmosphere before the rhythm section begins to layer the piece. The use of flute by guest musician Rosarita Crisafi is interesting, giving the whole arrangement a vintage sense of belonging.
Next comes a tribute to the famous, bureaucratic alien race “Vogon,” drawn from the ironic sci-fi of The Hitchhiker's Guide to the Galaxy. Grumelli’s bass becomes pulsing and harsh, while Ravelli’s drums dictate tight rhythmic patterns. This is a piece that will surprise fans of Area and Demetrio Stratos, thanks to a vocal contribution from Claudio Milano. Personally, I highly appreciated the tight, vigorous electric guitar solo.
Things slow down for some fencing-style finesse in “Cinq Teintes, Quatre Cadres,” moving into territories close to the most cultured and elegant Northern European Jazz. The track thrives on understated dynamics, long silences, electric piano notes left to resonate, and ambient guitar embroidery. Across its nearly nine minutes, the piece changes "frame" several times, growing in intensity in a fluid, natural way, just like a true suite.
The album does not lack an intimate moment; “La Mélancolie Du Petit Prince” is guided by a strong melodic component dictated by the intertwining of the piano with the warm sound of the bass. However, a sense of melancholy and cloudiness drifts through the mind—and it is not at all unwelcome, because even on rainy days, one can capture pleasant sensations that imprint themselves on the memory.
Ultimately, we are within the overarching world of Progressive Rock, and “Panta Rei” reminds us why, as a track that continuously flows and transforms. It is perhaps the track where the quartet’s "live-in-studio" nature or evolved jam-session spirit is most palpable. It starts quietly and develops into a hypnotic crescendo, where bass and drums create a circular, obsessive groove over which keyboards and guitar launch into solos and free interactions, capturing an extraordinary analog freshness. A spectacular movement!
“III” concludes with a suite of over ten minutes, “Swerve,” which houses the entire Aether universe: the minimal electronic opening, the tighter fusion escapades, moments of psychedelic abstraction, and a powerful, expansive rock finale. It is a very long track that never gets tiring, precisely because of the quartet's ability to let the music breathe without ever overindulging in technicality for its own sake.
With “III,” Jazz Rock turns cosmic, painting a hypnotic instrumental journey suspended between the geometric rigor of King Crimson and the boundless freedom of a late-night jam. A killer album!
MS

Deus Ex Machina, il Prog latino

DEUS EX MACHINA

Di Max Salari

 
Nel panorama italico del Progressive Rock abbiamo ascoltato molta qualità e tanta storia. Generalmente quando si nomina questo genere, vengono alla mente i soliti noti degli anni ’70 che, giustamente, hanno reso questo panorama unico e grandioso anche agli occhi del mondo. Eppure anche negli anni ’80 e ’90 abbiamo avuto band clamorose, purtroppo il problema è che sono uscite nel momento in cui il genere ha stentato a riprendere. Malgrado tutto si sono fatte largo a spallate nel contesto e alcune hanno lasciato un segno indelebile, poi si sa… Il tempo è sempre galantuomo.
Una di queste si chiama Deus Ex Machina:

Sono indubbiamente una delle realtà più straordinarie, colte e rigorose del panorama Progressive e Jazz Rock italiano (e internazionale) degli ultimi trentacinque anni. Nati a Bologna alla fine degli anni '80, hanno saputo tracciare un percorso unico, dove la complessità strabiliante della musica si sposa perfettamente con una scelta lirica radicale e affascinante: l'uso del latino per tutti i loro testi.
La formazione base è composta nel 1991 da Mauro Collina (chitarra), Alessandro Porreca (basso), Luigi Ricciadiello (tastiere), Marco Matteuzzi (batteria, percussioni), Alessandro Bonetti (violino), e Alberto Piras (voce).
Lungi dall'essere un mero espediente intellettualistico o una bizzarria goliardica, il latino nei Deus Ex Machina è uno strumento ritmico e fonetico essenziale, dove la durezza, le inversioni e la metrica della lingua classica si incastrano alla perfezione con i tempi dispari e le continue sincopi della loro musica, creando un impatto espressivo primordiale e modernissimo al tempo stesso.
Definire il loro stile semplicemente come "Prog" è riduttivo. La proposta dei Deus Ex Machina è un Jazz Prog Fusion iper-tecnico, violentemente energetico e totalmente refrattario alle melodie facili o rassicuranti, consigliato agli amanti degli Area e di Frank Zappa. Piras è la ciliegina sulla torta grazie alla sua voce poderosa e pulita. Possiede un'estensione impressionante e una potenza drammatica fuori dal comune. Non si limita a cantare in latino, lo declama, lo urla, lo frammenta in vocalizzi acrobatici che ricordano la libertà espressiva di Stratos, senza mai perdere il controllo dell'intonazione su strutture ritmiche che farebbero tremare i polsi a chiunque.

 

LA DISCOGRAFIA IN STUDIO

Gladium Caeli (Drums Edizioni Musicali / Kaliphonia – 1991 / 1994)

 
Pubblicato originariamente nel 1991 questo lavoro non è semplicemente il loro album d'esordio ma è il manifesto programmatico, un'autentica opera Rock che ha ridefinito i confini del sinfonismo e della fusion d'avanguardia in Italia nei primi anni Novanta.
Immaginate una band esordiente che si presenta sul mercato con un concept strutturato, brani dalla complessità a tratti disarmante e testi cantati interamente in latino… Di per se un debutto incredibile. È l'album che fece gridare al miracolo la critica specializzata dell'epoca, tracciando una linea di demarcazione netta rispetto al Neo Prog più derivativo e romantico di quegli anni. Dal punto di vista prettamente musicale, Gladium Caeli è un terremoto energetico. Sebbene la componente Jazz-Rock/Fusion che caratterizzerà i lavori successivi sia già presente (soprattutto nell'interplay funambolico tra violino e chitarra), qui c'è una forte e drammatica componente sinfonica. Qualcuno descrisse l'impatto di questo lavoro come se la solennità mitologica di Richard Wagner incontrasse le asperità geometriche dei King Crimson epoca “Red”, il tutto filtrato dall'estro ritmico di Frank Zappa.
L'uso dei sintetizzatori d'epoca e dell'organo crea trame fitte e oscure, su cui il violino di Bonetti disegna arabeschi impazziti e la chitarra di Collina scarica riff taglienti.
L'album non concede un attimo di tregua e si sviluppa attraverso pezzi lunghi e articolati, dove i cambi di tempo e di atmosfera sono continui. Nella tracklist spiccano veri e propri monumenti sonori fra i quali cito: “Expergi”, “Arbor”, “Gladium Caeli”, e “Omnia Evolvitur Sed Potest Mutari”.

Deus Ex Machina (Kaliphonia – 1992)

 
In questo secondo capitolo si assiste a una mutazione genetica cruciale, la band abbandona in parte quelle frammentazioni e quelle aperture puramente sinfonico-romantiche dell'esordio per abbracciare un sound molto più compatto, spigoloso e d'avanguardia. È il disco che li proietta definitivamente verso territori Hard Fusion e Jazz Prog, con un'attitudine che scardina i cliché del progressive classico degli anni Novanta. Dal punto di vista della formazione, questo album segna un passaggio fondamentale, dietro le pelli siede per la prima volta Claudio Trotta. Il suo ingresso non è un semplice cambio di personale, ma una rivoluzione ritmica, dove la sua batteria, precisissima ma dotata di una potenza e di un dinamismo quasi dionisiaci, diventa il motore perfetto per assecondare le partiture sempre più geometriche e complesse della band, creando un interplay devastante con il basso di Alessandro Porreca.
Ogni brano si sviluppa attorno a un nucleo tematico forte, una singola idea portante che viene poi sviscerata, decostruita e riarrangiata con una cura maniacale per i dettagli.
Il risultato è un disco apparentemente più ostico e dissonante al primo ascolto, ma straordinariamente coeso. Le atmosfere si fanno più tese e scure, quasi a lambire l'avanguardia e il rock iconoclasta degli Area o dei King Crimson più duri.
Con questo album, i Deus Ex Machina chiarirono al mondo che il Rock Progressivo degli anni '90 poteva essere qualcosa di totalmente diverso, non nostalgia degli anni '70, ma una musica proiettata nel futuro, colta, ostica, fieramente indipendente e dotata di un'energia esecutiva quasi dionisiaca.

De Repubblica (Kaliphonia – 1995)

 
 
Nel 1995 i Deus Ex Machina pubblicano quello che, per consenso unanime di critica e pubblico, è considerato il loro zenit creativo e un capolavoro assoluto del Prog moderno: “De Republica”.
Qui la spinta Hard Fusion geometrica dell'album omonimo e la magniloquenza sinfonica dell'esordio trovano qui una sintesi miracolosa. Non a caso è il disco che li ha sdoganati definitivamente all'estero, consolidando la loro fama di unici e legittimi eredi di quella stagione gloriosa e senza compromessi che negli anni '70 fu guidata dagli Area.
Il titolo non lascia spazio a dubbi, l'album è un concept liberamente ispirato al “De Re Publica” di Cicerone, ma riletto con una sensibilità contemporanea. Dal punto di vista esecutivo, De Republica è un vero e proprio saggio di bravura, dove la sezione ritmica formata da Alessandro Porreca e Claudio Trotta, ancora una volta compie autentici miracoli di equilibrismo su metriche impossibili e continui stop-and-go. Sopra questo motore micidiale, le tastiere di Luigi Ricciardiello, la chitarra di Maurino Collina e il violino di Alessandro Bonetti tessono trame di una densità spaventosa, dialogando e rincorrendosi in contrappunti che uniscono l'energia del Rock alla complessità della musica d'avanguardia. Su tutto, domina la voce teatrale, stentorea e drammatica di Alberto Piras, la cui performance in questo disco tocca vette interpretative che ricordano la totale libertà espressiva e l'uso dello strumento-voce tipico di Demetrio Stratos.
 

Equilibrismo Da Insofferenza (Kaliphonia – 1998)

È un album dominato, come suggerisce il titolo stesso, da un costante senso di precarietà e di sfida, un camminare sul filo del rasoio sospesi tra un Jazz Rock d'assalto e l'avanguardia più radicale.
Qui risiede una parziale asciugatura delle trame tastieristiche più sinfoniche a favore di un sound più secco, quasi "live in studio", dove ogni strumento è esposto nella sua cruda realtà.
Non ci sono quasi più punti di riferimento o metriche lineari a cui aggrapparsi, il tempo viene continuamente dilatato, spezzato e ricomposto. Su questa griglia ritmica instabile, il violino di Alessandro Bonetti e la chitarra di Maurino Collina si muovono come lame, disegnando contrappunti sghembi, spigolosi, debitori tanto della musica contemporanea quanto del Rock più iconoclasta (vedi King Crimson periodo “Discipline”).
In questo contesto di perenne "insofferenza" e tensione, la performance di Alberto Piras si fa ancora più acrobatica ed esasperata. Il latino non è più solo la lingua del concept colto, ma diventa pura materia fonetica da plasmare. Piras urla, sussurra, frantuma le sillabe, si lancia in vocalizzi schizoidi che sfidano le leggi della fisica polmonare, perfettamente integrato nei continui stop-and-go della band.
Equilibrismo da un'estremità all'altra è un disco fiero, ostico e spiazzante. Non è un ascolto facile e, all'epoca della sua uscita, divise anche una parte del pubblico Progressive più tradizionalista, ma  distanza di tempo rimane una testimonianza clamorosa di coraggio artistico. “Equilibrismo Da Insofferenza” resta un fermo immagine di una band all'apice della propria perizia tecnica che, invece di adagiarsi sulla formula vincente di “De Republica”, sceglie la strada più difficile, preferendo l'instabilità del filo teso alla sicurezza del terreno conosciuto. Sicuramente un album di puro e intransigente artigianato sonoro.

 

Cinque (Cuneiform Records – 2002)

 
 
La grande novità di questo album risiede nell'arricchimento della tavolozza sonora. Accanto al nucleo storico formato da Alberto Piras (voce), Maurino Collina (chitarra), Alessandro Bonetti (violino), Claudio Trotta (batteria) e Alessandro Porreca (basso), fa il suo ingresso stabile alle tastiere Fabrizio Puglisi, musicista di estrazione squisitamente jazzistica.
Ma il vero valore aggiunto è la presenza di una vera e propria sezione fiati (con ospiti al sax e alla tromba). Questo inserimento sposta l'asse del sound strizzando l'occhio ai grandi ensemble della Scena di Canterbury come i National Health o i Hatfield And The North e al Frank Zappa orchestrale di “Grand Wazoo”. Di conseguenza il sound si fa più ricco, stratificato, accattivante e dinamico.
Si può godere altresì della voce di Alberto Piras che compie un lavoro straordinario, pur mantenendo i suoi proverbiali acuti e la declamazione teatrale in latino, si concede linee melodiche più aperte, quasi liriche, assecondando la natura più solare e d'ampio respiro dei brani. L'interplay tra il violino di Bonetti, la chitarra di Collina e i nuovi ricami pianistici di Puglisi crea un tessuto fusion di eleganza sopraffina.
“Cinque” è il disco che ha consacrato i Deus Ex Machina oltreoceano. La distribuzione e la promozione della Cuneiform Records permisero alla band di essere invitata come nome di punta al NEARfest nel 2002 (uno dei festival di Progressive Rock più importanti al mondo, negli Stati Uniti), dove la loro esibizione lasciò il pubblico americano letteralmente sbalordito.

Imparis (Cuneiform Records – 2008)

 
 
E’ un progetto ibrido (CD + DVD) concepito per catturare la band in una dimensione a loro congeniale, quella del live, arricchita però da materiale d'archivio inedito e da nuove registrazioni in studio. Il titolo stesso, “Imparis”, gioca sulla natura asimmetrica dispari della loro musica e sulla straordinarietà di questa pubblicazione.
La parte audio è un vero e proprio gioiello per i collezionisti e gli appassionati, il nucleo centrale è costituito dalle registrazioni live effettuate durante il loro trionfale tour in Giappone nel 2005, precisamente al Taro Mitani.
Il DVD allegato è un documento storico di valore inestimabile e contiene la ripresa integrale del concerto al NEARfest 2002 negli Stati Uniti, estratti del concerto in Giappone e interviste e filmati di backstage che svelano il lato più umano, ironico e zappiano dei musicisti bolognesi, da sempre lontani dagli atteggiamenti divistici.

 

Devoto (Cuneiform Records – 2016)

 
 
Con “Devoto” si chiude (almeno per il momento) la parabola discografica dei Deus Ex Machina. Esso è una sontuosa sintesi di trent'anni di carriera e dimostra come il tempo non abbia minimamente scalfito l'ardore e l'intransigenza artistica della band, capace di tornare sulle scene con una freschezza, una potenza e una lucidità compositiva che hanno lasciato sbalorditi critica e appassionati. L’album compie una decisa inversione di rotta dal punto di vista degli arrangiamenti, a sorpresa si presentano meno fiati.
Alle tastiere, come ospite d'eccezione, troviamo il prezioso apporto di Stefano Passini, ma il baricentro del sound si sposta nuovamente verso un'attitudine marcatamente Rock, elettrica e dinamica. C'è meno opulenza orchestrale e molta più corda, pelle e legno, un sound asciutto, potente, dove ogni strumento viaggia a livelli di interplay spaventosi. Il termine "Devoto" racchiude in sé l'essenza profonda di questa band, è la devozione totale, la fedeltà assoluta a un'idea di musica colta, artigianale, priva di compromessi con le mode o con il mercato.

 
Nel mezzo di questa carriera i Deus Ex Machina escono con due altri lavori: l’EP “Diacronia Metronomiche” (Kaliphonia – 1996) e l’LP ad edizione limitata  “Non Est Ars Quae Ad Effectum Casus Venit” (Kaliphonia Records – 1997).

 

 
Quando la band si scioglie, i singoli membri non restano con le mani in mano, il batterista Claudio Trotta, ad esempio, è da sempre iperattivo nel panorama Jazz, d'avanguardia e nella musica contemporanea (ha suonato con i Testadeporcu, ensemble di sonorizzazioni di film muti e collaborato con diverse formazioni Jazz/Core), così come gli altri musicisti continuano a coltivare la propria immensa tecnica in contesti paralleli, fusion o d'insegnamento.
I Deus Ex Machina rappresentano l'anima più fiera, intransigente e colta del Rock Progressivo italiano, una band che non ha mai accettato compromessi commerciali e che ha dimostrato come una lingua "morta" possa diventare straordinariamente viva, pulsante e Rock. MS

Versione Inglese: 

DEUS EX MACHINA

Experimental and Latin-tinged Italian Prog

Max Salari

 
Within the Italian Progressive Rock landscape, we have listened to immense quality and a wealth of history. Generally, when this genre is mentioned, the usual suspects of the 1970s come to mind—bands that rightfully made this scene unique and magnificent, even in the eyes of the world. Yet, we also had spectacular bands in the '80s and '90s. Unfortunately, the problem was that they emerged at a time when the genre was struggling to find its footing again. Despite everything, they fought their way into the scene, and some left an indelible mark. Then again, as they say... time is always a gentleman.
One of these bands is called Deus Ex Machina.

They are undoubtedly one of the most extraordinary, cultured, and rigorous entities in the Italian (and international) Progressive and Jazz-Rock scene of the last thirty-five years. Born in Bologna at the end of the 1980s, they mapped out a unique path where the staggering complexity of the music perfectly weds a radical and fascinating lyrical choice: the use of Latin for all their lyrics.
The core lineup was formed in 1991 by Mauro Collina (guitar), Alessandro Porreca (bass), Luigi Ricciardiello (keyboards), Marco Matteuzzi (by drums, percussion), Alessandro Bonetti (violin), and Alberto Piras (vocals).
Far from being a mere intellectual gimmick or a lighthearted eccentricity, Latin in Deus Ex Machina is an essential rhythmic and phonetic tool. The harshness, inversions, and metrics of the classical language lock perfectly into the odd time signatures and constant syncopations of their music, creating an expressive impact that is simultaneously primordial and deeply modern.
Defining their style simply as "Prog" is reductive. Deus Ex Machina’s proposition is an hyper-technical, violently energetic Jazz-Prog-Fusion that is totally refractory to easy or comforting melodies—highly recommended for lovers of Area and Frank Zappa. Piras is the icing on the cake, thanks to his powerful and clean voice. He possesses an impressive range and an uncommon dramatic power. He does not just sing in Latin; he declaims it, shouts it, and shatters it into acrobatic vocalizations that recall the expressive freedom of Demetrio Stratos, without ever losing pitch control over rhythmic structures that would make anyone's wrists tremble.

 

THE STUDIO DISCOGRAPHY

 

Gladium Caeli (Drums Edizioni Musicali / Kaliphonia – 1991 / 1994)

 
 
Originally released in 1991, this work is not simply their debut album but their programmatic manifesto—an authentic Rock opera that redefined the boundaries of symphonism and avant-garde fusion in Italy during the early 1990s.
Imagine a debut band entering the market with a structured concept, tracks of an at times disarming complexity, and lyrics sung entirely in Latin... an incredible debut in its own right. It was the album that made the specialized critics of the era cry "miracle," drawing a sharp line of demarcation against the more derivative and romantic Neo-Prog of those years.
From a purely musical standpoint, Gladium Caeli is an energetic earthquake. Although the Jazz-Rock/Fusion component that would characterize their later works is already present (especially in the funambulistic interplay between violin and guitar), there is a strong and dramatic symphonic component here. Some described the impact of this work as if the mythological solemnity of Richard Wagner met the geometric harshness of Red-era King Crimson, all filtered through the rhythmic wit of Frank Zappa.
The use of vintage synthesizers and organ creates dense, dark textures over which Bonetti’s violin draws frantic arabesques and Collina’s guitar unleashes sharp riffs. The album offers no respite, developing through long, articulate tracks with continuous shifts in tempo and atmosphere. Standing out within the tracklist are true sonic monuments, among which I mention: "Expergi", "Arbor", "Gladium Caeli", and "Omnia Evolvitur Sed Potest Mutari".

 

Deus Ex Machina (Kaliphonia – 1992)

 
 
In this second chapter, we witness a crucial genetic mutation. The band partly abandons the fragmentation and purely symphonic-romantic openings of the debut to embrace a much more compact, edgy, and avant-garde sound. This is the record that definitively propels them into Hard-Fusion and Jazz-Prog territories, with an attitude that dismantles the clichés of classic 1990s progressive rock.
From a lineup perspective, this album marks a fundamental transition: sitting behind the skins for the first time is Claudio Trotta. His entry is not a simple change of personnel but a rhythmic revolution. His drumming—extremely precise yet endowed with an almost Dionysian power and dynamism—becomes the perfect engine to drive the band's increasingly geometric and complex scores, creating a devastating interplay with Alessandro Porreca’s bass.
Each track develops around a strong thematic core, a single driving idea that is then dissected, deconstructed, and rearranged with a maniacal attention to detail. The result is an album that seems more demanding and dissonant on first listen, yet is extraordinarily cohesive. The atmospheres grow more tense and dark, almost bordering on the avant-garde and iconoclastic rock of Area or the heaviest King Crimson.
With this album, Deus Ex Machina made it clear to the world that 1990s Progressive Rock could be something entirely different: not nostalgia for the '70s, but a music projected into the future—cultured, challenging, fiercely independent, and charged with an almost Dionysian executive energy.

De Republica (Kaliphonia – 1995)

 
 
 In 1995, Deus Ex Machina released what is universally considered by critics and audiences alike to be their creative zenith and an absolute masterpiece of modern Prog: De Republica. Here, the geometric Hard-Fusion drive of the self-titled album and the symphonic grandiosity of the debut find a miraculous synthesis. Unsurprisingly, it is the record that definitively broke them abroad, consolidating their reputation as the sole and legitimate heirs to that glorious, uncompromising season led by Area in the 1970s.
The title leaves no room for doubt; the album is a concept piece freely inspired by Cicero's De Re Publica, but reinterpreted with a contemporary sensibility. Performance-wise, De Republica is a true masterclass. The rhythmic section of Alessandro Porreca and Claudio Trotta once again performs authentic miracles of balancing over impossible time signatures and continuous stop-and-go patterns.
Above this lethal engine, Luigi Ricciardiello’s keyboards, Maurino Collina’s guitar, and Alessandro Bonetti’s violin weave textures of staggering density, dialoguing and chasing each other in counterpoints that unite the energy of Rock with the complexity of avant-garde music. Above it all dominates the theatrical, stentorian, and dramatic voice of Alberto Piras, whose performance on this record reaches interpretive peaks reminiscent of the total expressive freedom and vocal-instrumentation typical of Demetrio Stratos.
 

 

Equilibrismo Da Insofferenza (Kaliphonia – 1998)

 
 
 
As the title itself suggests, this album is dominated by a constant sense of precariousness and defiance—a tightrope walk suspended between an aggressive Jazz-Rock and the most radical avant-garde. Here lies a partial drying up of the more symphonic keyboard textures in favor of a drier, almost "live in the studio" sound, where every instrument is exposed in its raw reality.
There are almost no reference points or linear metrics to hold onto; time is continually stretched, shattered, and put back together. On this unstable rhythmic grid, Alessandro Bonetti’s violin and Maurino Collina’s guitar move like blades, drawing skewed, angular counterpoints that owe as much to contemporary classical music as they do to iconoclastic Rock (see Discipline-era King Crimson).
In this context of perennial "insofferenza" (intolerance/restlessness) and tension, Alberto Piras’s performance becomes even more acrobatic and exasperated. Latin is no longer just the language of a cultured concept; it becomes pure phonetic matter to be molded. Piras screams, whispers, crushes syllables, and launches into schizoid vocalizations that defy the laws of pulmonary physics, perfectly integrated into the band's continuous stop-and-gos.
Equilibrismo Da Insofferenza  is a proud, challenging, and unsettling record. It is not an easy listen and, at the time of its release, it even divided a portion of the more traditionalist Progressive audience. However, with the passage of time, it remains a striking testament to artistic courage. Equilibrismo Da Insofferenza stands as a freeze-frame of a band at the peak of its technical prowess that, instead of coasting on the winning formula of De Republica, chooses the harder path, preferring the instability of the high wire to the safety of familiar ground. It is, without a doubt, an album of pure and intransigent sonic craftsmanship.

 

Cinque (Cuneiform Records – 2002)

 
 
The great novelty of this album lies in the enrichment of the sonic palette. Alongside the historic core of Alberto Piras (vocals), Maurino Collina (guitar), Alessandro Bonetti (violin), Claudio Trotta (drums), and Alessandro Porreca (bass), Fabrizio Puglisi—a musician of an exquisitely jazz background—makes his permanent entry on keyboards.
But the true added value is the presence of a full-fledged horn section (featuring guest players on saxophone and trumpet). This addition shifts the axis of the sound, tipping its hat to the great ensembles of the Canterbury Scene, such as National Health or Hatfield and the North, and the orchestral Frank Zappa of The Grand Wazoo. Consequently, the sound becomes richer, more layered, captivating, and dynamic.
One can also marvel at the voice of Alberto Piras, who delivers an extraordinary performance. While maintaining his proverbial high notes and theatrical Latin declamation, he allows himself more open, almost lyrical melodic lines, accommodating the brighter, more wide-ranging nature of the tracks. The interplay between Bonetti's violin, Collina's guitar, and Puglisi's new pianistic embroideries creates a fusion tapestry of superlative elegance.
Cinque is the album that consecrated Deus Ex Machina overseas. The distribution and promotion by Cuneiform Records allowed the band to be invited as a marquee headliner at NEARfest in 2002 (one of the world's premier Progressive Rock festivals, held in the United States), where their performance left the American audience literally stunned.

 

Imparis (Cuneiform Records – 2008)

 
 
This is a hybrid project (CD + DVD) designed to capture the band in their most congenial dimension: the live environment, enriched however by unreleased archival material and new studio recordings. The title itself, Imparis, plays on the asymmetric, "odd" nature of their music and the extraordinary character of this release.
The audio portion is a true gem for collectors and enthusiasts; the core consists of live recordings captured during their triumphant 2005 tour of Japan, specifically at the Taro Mitani.
The accompanying DVD is a historical document of invaluable worth. It features the full concert footage from NEARfest 2002 in the United States, excerpts from the Japan concert, alongside interviews and backstage footage that reveal the more human, ironic, and Zappa-esque side of the Bolognese musicians, who have always steered clear of diva-like attitudes.

 Devoto (Cuneiform Records – 2016)

With Devoto, the discographic arc of Deus Ex Machina draws to a close (at least for the time being). It serves as a sumptuous synthesis of a thirty-year career and proves that time has not in the least eroded the band's artistic fervor and intransigence. They proved capable of returning to the scene with a freshness, power, and compositional lucidity that left both critics and fans astonished.
The album takes a sharp turn in terms of arrangements; surprisingly, fewer horns are featured. On keyboards, as an exceptional guest, we find the invaluable contribution of Stefano Passini, but the center of gravity of the sound shifts back toward a decidedly Rock, electric, and dynamic attitude. There is less orchestral opulence and much more string, skin, and wood—a dry, powerful sound where every instrument operates at staggering levels of interplay.
The term "Devoto" (Devoted) encompasses the profound essence of this band: it is total devotion, absolute fidelity to an idea of cultured, handcrafted music, free from compromises with trends or the market.
 
In the midst of this career, Deus Ex Machina also released two other works: the EP Diacronie Metronomiche (Kaliphonia – 1996) and the limited-edition LP Non Est Ars Quae Ad Effectum Casus Venit (Kaliphonia Records – 1997).
 
When the band enters periods of inactivity, the individual members do not sit idle. Drummer Claudio Trotta, for instance, has always been hyperactive in the Jazz, avant-garde, and contemporary music scenes (playing with Testadeporcu, an ensemble specializing in silent film soundtracks, and collaborating with various Jazz/Core outfits), just as the other musicians continue to cultivate their immense technique in parallel fusion contexts or through teaching.
Deus Ex Machina represent the proudest, most uncompromising, and cultured soul of Italian Progressive Rock—a band that never accepted commercial compromises and demonstrated how a "dead" language could become extraordinarily alive, pulsing, and Rock.