Banco Del Mutuo Soccorso

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO – Greggio E Pericoloso
AMS Records /BTF
Genere: Rock Progressive / Strumentale
Supporto: CD / 2026 - (1981)

La AMS Records fornisce a tutti gli amanti del Rock Progressivo italiano , una vera chicca sepolta nel tempo e sto parlando di "Greggio e Pericoloso".  Non è un album tradizionale del Banco del Mutuo Soccorso, ma la colonna sonora rimasta totalmente inedita in formato fisico fino a pochissimo tempo fa, realizzata nel 1981 per l'omonima miniserie televisiva della RAI.
La serie TV in quattro puntate era l'adattamento del romanzo fanta economico e un po' apocalittico scritto nel 1975 dall'ingegnere e celebre divulgatore scientifico Roberto Vacca. La trama ruotava attorno a complotti politici, intrighi internazionali e speculazioni derivanti dalla scoperta che il petrolio, sul nostro pianeta, potesse essere una risorsa inesauribile.
I fratelli Vittorio e Gianni Nocenzi furono scritturati per comporre il commento sonoro di questo scenario industriale e cospiratorio.
Quindi attenzione, chi si aspetta le cavalcate sinfoniche di “Darwin!” o di “Io Sono Nato Libero” rimarrà spiazzato, così come chi pensa alle canzoni più Pop oriented di quel preciso periodo del Banco (“Urgentissimo” è del 1980, “Buone Notizie” del 1981).
Trattandosi di una colonna sonora descrittiva, il disco è ovviamente completamente strumentale. Non sentiremo quindi la voce celestiale e potente di Francesco Di Giacomo. Oltre ai fratelli Vittorio e Gianni Nocenzi, veri registi dell'opera alle tastiere e ai sintetizzatori, nelle sessioni si sente chiaramente il lavoro ritmico impresso da Rodolfo Maltese alle chitarre e da Pierluigi Calderoni alla batteria. È un Banco che sta abbandonando le complessità barocche degli anni '70 per asciugare il suono, e l'urgenza espressiva della colonna sonora permette loro di sperimentare soluzioni ritmiche quasi vicine alla Fusion e alla New Wave elettronica che in quel momento storico stavano prendendo il sopravvento.
Avendo carta bianca per commentare le immagini, il Banco si muove con un'incredibile sensazione di libertà. Le 12 tracce intitolate semplicemente “Titles” e poi dalla “Seq. 2” alla “Seq. 12”,  spaziano tra un Jazz Funk elettrico molto serrato, venature Krautrock, synth cosmici e trame elettroniche che dialogano con i classici fraseggi pianistici dei fratelli Nocenzi. C'è anche un uso massiccio e ritmico di percussioni e bonghi che rende il tutto molto cinematico e teso.
Il master dell'epoca, di proprietà della EMI Songs, è stato recuperato e stampato per la prima volta in assoluto in pochissime copie, un vero regalo per i collezionisti, edizione limitata a sole 300 copie in vinile nero 140 grammi, con un inserto 30x30 cm. Il CD è in edizione papersleeve limitata a 500 copie con un prezioso libretto di 12 pagine, mentre le note di copertina sono curate da una firma d'eccezione per il Rock italico: Mox Cristadoro ricostruisce minuziosamente tutta la storia di questa produzione perduta.
C'è un dettaglio filologico molto interessante per chi ama mappare la discografia della band, alcune delle intuizioni sonore e dei brevi frammenti elettronici abbozzati in queste dodici tracce strumentali sono stati in seguito rielaborati, sviluppati e riciclati all'interno di “Buone Notizie”.
Un tassello fondamentale per completare la discografia del Banco, che dimostra quanto la band fosse eclettica e capace di staccarsi dal proprio marchio di fabbrica per abbracciare le avanguardie elettroniche e Funk dei primi anni Ottanta. MS

Versione Inglese:

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO – Greggio E Pericoloso
AMS Records /BTF
Genre: Progressive Rock /
Instrumental
Format: CD / 2026 - (1981)

AMS Records provides all lovers of Italian Progressive Rock with a true gem buried in time, and I am talking about "Greggio e Pericoloso". This is not a traditional album by Banco del Mutuo Soccorso, but rather the soundtrack—which remained completely unreleased in physical format until very recently—created in 1981 for the RAI television miniseries of the same name.
The four-episode TV series was the adaptation of the sci-fi economic and somewhat apocalyptic novel written in 1975 by the engineer and famous science communicator Roberto Vacca. The plot revolved around political conspiracies, international intrigue, and speculation arising from the discovery that oil on our planet could be an inexhaustible resource.
The brothers Vittorio and Gianni Nocenzi were hired to compose the score for this industrial and conspiratorial scenario.
Therefore, beware: anyone expecting the symphonic rides of “Darwin!” or “Io Sono Nato Libero” will be caught off guard, as will anyone thinking of the more Pop-oriented songs of that precise period of Banco (“Urgentissimo” is from 1980, “Buone Notizie” from 1981).
Since this is a descriptive soundtrack, the record is obviously completely instrumental. We will not, therefore, hear the celestial and powerful voice of Francesco Di Giacomo. In addition to the brothers Vittorio and Gianni Nocenzi, the true directors of the work on keyboards and synthesizers, one can clearly hear in the sessions the rhythmic work impressed by Rodolfo Maltese on guitars and Pierluigi Calderoni on drums. It is a Banco that is abandoning the baroque complexities of the '70s to lean out their sound, and the expressive urgency of the soundtrack allows them to experiment with rhythmic solutions almost close to Fusion and electronic New Wave, which were taking over at that historical moment.
Having carte blanche to comment on the images, Banco moves with an incredible sense of freedom. The 12 tracks, titled simply “Titles” and then from “Seq. 2” to “Seq. 12”, range from a very tight electric Jazz Funk to Krautrock nuances, cosmic synths, and electronic textures that dialogue with the classic piano phrasings of the Nocenzi brothers. There is also a massive and rhythmic use of percussion and bongos that makes the whole thing very cinematic and tense.
The original master, owned by EMI Songs, has been recovered and pressed for the very first time ever in very few copies, a true gift for collectors: a limited edition of only 300 copies on 140-gram black vinyl, with a 30x30 cm insert. The CD is a papersleeve edition limited to 500 copies with a precious 12-page booklet, while the liner notes are curated by an exceptional name for Italian Rock: Mox Cristadoro meticulously reconstructs the entire history of this lost production.
There is a very interesting philological detail for those who love to map out the band's discography: some of the sonic insights and brief electronic fragments sketched in these twelve instrumental tracks were later reworked, developed, and recycled within “Buone Notizie”.
A fundamental piece to complete Banco's discography, which demonstrates how eclectic the band was and how capable they were of breaking away from their own trademark style to embrace the electronic and Funk avant-garde of the early Eighties. MS

Una Sana Malattia - Il Rock Progressivo

 UNA SANA MALATTIA – IL ROCK PROGRESSIVO

Mito e realtà, fra passato, presente e futuro

A cura di Alberto Voglini e Mauro Pini

Felici Editore

 
Come ben saprete, di libri riguardanti l’argomento “Rock Progressivo” ne sono usciti a centinaia, viene quindi spontaneo chiedersi cos’altro si potrebbe aggiungere all’argomento, ma questo sarebbe un concetto superficiale perché il genere non è solo musica, ma una attitudine in continua evoluzione. Essa prosegue con i tempi e quindi può tendere all’infinito, salvo le analisi di coloro che si soffermano a parlare solo degli anni del boom: i ’70.
Ma c’è anche chi approccia l’argomento con l’amore, la passione e la competenza di chi sin da ragazzino ha seguito l’evolversi dello scenario.
"Una Sana Malattia. Il Rock Progressivo" nasce dalla sinergia dei due autori Alberto Voglini e Mauro Pini, figure ben note nell'ambiente della critica e del collezionismo Prog in Italia.
Lo stile con cui affrontano il viaggio si distingue per essere rigoroso ma estremamente divulgativo ed emozionale. Nonostante l'approccio analitico e la precisione millimetrica nei dettagli storici e discografici, la scrittura mantiene sempre una forte carica di entusiasmo.
Il titolo stesso, "Una Sana Malattia", racchiude perfettamente l'essenza del saggio e l'approccio con cui affrontano l’argomento. Il Progressive Rock viene visto non semplicemente come un genere musicale, ma come una vera e propria "ossessione positiva" (una malattia sana, appunto), capace di rapire l'ascoltatore attraverso la complessità delle strutture, il lirismo delle composizioni e l'ambizione concettuale. È un tributo a quella passione viscerale che spinge appassionati e collezionisti a sviscerare ogni singola nota, copertina o formazione.
Quindi il volume non si limita a una fredda cronistoria enciclopedica, ma si sviluppa come un vero e proprio viaggio ragionato attraverso l'età dell'oro del genere e le sue successive evoluzioni.
Gli autori contestualizzano la nascita del movimento a cavallo tra la fine degli anni '60 e i primi anni '70, analizzando come il Rock si sia fuso con la musica classica, il Jazz, l'avanguardia e il Folk. Non esula l’aspetto sociologico in cui il Prog viene esaminato come specchio di un'epoca di grandi fermenti culturali e utopie. Ampio spazio è dedicato ai pilastri storici del genere, come King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, ELP, Jethro Tull, Gentle Giant, studiati sia sotto il profilo squisitamente musicale (tecnica, innovazioni strumentali, uso dei sintetizzatori e del Mellotron) sia dal punto di vista lirico e concettuale (i concept album, le tematiche mitologiche, fantasy o di critica sociale). Interessante soprattutto il focus dedicato all’Italia, culla fertile e originale di artisti. Vengono ripercorse le gesta di band leggendarie come PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, Le Orme, Area, e il Balletto di Bronzo, evidenziando la specificità del suono italiano, fortemente intriso di melodia mediterranea, tradizione classica e slancio teatrale. Molti gli ospiti che partecipano all’opera con la loro esperienza tra cui alcuni intervistati: Loris Furlan (Lizard Records), Stefano Olivieri, Tino Tozzi, Alessandro Corvaglia, Moreno Lenzi, Massimo Volpi, Lino Vairetti (Osanna), Luca Sparagna (Orme), Aligi Pasqualetto (Orme), Michele Bon (Orme), Michi Dei Rossi (Orme).
Uno dei punti di forza del testo è la sua utilità pratica per il lettore. Il volume è arricchito da approfondimenti, recensioni mirate e guide all'ascolto che aiutano sia il neofita a orientarsi tra capolavori imprescindibili, sia l'appassionato di lungo corso a riscoprire perle nascoste o gemme minori del panorama underground.
Nel vasto panorama di pubblicazioni sul Prog, "Una Sana Malattia" si ritaglia uno spazio importante perché riesce a fare sintesi unendo la precisione della saggistica musicale alla piacevolezza del racconto. È un libro consigliato sia a chi vuole capire perché, a distanza di oltre cinquant'anni, quelle complesse suite da venti minuti continuino a esercitare un fascino magnetico, sia a chi cerca una bussola autorevole per navigare tra i solchi di un genere che non ha mai smesso di osare. Ringrazio altresì per le citazioni nella bibliografia. Consigliato per una lettura snella e gradevole, magari anche in ferie. MS

Versione Inglese: 

UNA SANA MALATTIA – IL ROCK PROGRESSIVO
A cura di Alberto Voglini e Mauro Pini
Felici Editore
 

As you well know, hundreds of books regarding the topic of “Rock Progressivo” have been released, so it comes naturally to wonder what else could be added to the subject; however, this would be a superficial concept because the genre is not just music, but an ever-evolving attitude. It moves forward with the times and can therefore tend toward infinity, except for the analyses of those who pause to speak only of the boom years: the '70s.
But there are also those who approach the subject with the love, passion, and competence of someone who has followed the evolution of the scene since they were a kid.
"Una Sana Malattia. Il Rock Progressivo" was born from the synergy of the two authors Alberto Voglini and Mauro Pini, well-known figures in the environment of Prog criticism and collecting in Italy.
The style with which they face this journey stands out for being rigorous yet extremely informative and emotional. Despite the analytical approach and the pinpoint precision in historical and discographical details, the writing always maintains a strong charge of enthusiasm.
The title itself, "Una Sana Malattia", perfectly encapsulates the essence of the essay and the approach with which they tackle the subject. Progressive Rock is seen not simply as a musical genre, but as a true "ossessione positiva" (a healthy illness, indeed), capable of captivating the listener through the complexity of the structures, the lyricism of the compositions, and the conceptual ambition. It is a tribute to that visceral passion that drives enthusiasts and collectors to dissect every single note, cover art, or lineup.
Therefore, the volume is not limited to a cold encyclopedic chronicle, but develops as a true reasoned journey through the golden age of the genre and its subsequent evolutions.The authors contextualize the birth of the movement between the late '60s and early '70s, analyzing how Rock merged with classical music, Jazz, avant-garde, and Folk. It does not exclude the sociological aspect, in which Prog is examined as a mirror of an era of great cultural ferment and utopias. Ample space is dedicated to the historical pillars of the genre, such as King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, ELP, Jethro Tull, and Gentle Giant, which are examined both from an exquisitely musical perspective (technique, instrumental innovations, the use of synthesizers and the Mellotron) and from a lyrical and conceptual point of view (concept albums, as well as mythological, fantasy, or socially critical themes). Particularly interesting is the focus on Italy, a fertile and original cradle of artists. The journey retraces the deeds of legendary bands like PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, Le Orme, Area, and Il Balletto di Bronzo, highlighting the uniqueness of the Italian sound, deeply infused with Mediterranean melody, classical tradition, and theatrical flair. Numerous guests contribute to the work with their expertise, including several interviewees: Loris Furlan (Lizard Records), Stefano Olivieri, Tino Tozzi, Alessandro Corvaglia, Moreno Lenzi, Massimo Volpi, Lino Vairetti (Osanna), Luca Sparagna (Orme), Aligi Pasqualetto (Orme), Michele Bon (Orme), and Michi Dei Rossi (Orme).One of the strengths of the text is its practical utility for the reader.  One of the strengths of the text is its practical utility for the reader. The volume is enriched with insights, targeted reviews, and listening guides that help both the neophyte orient themselves among essential masterpieces, and the long-time enthusiast rediscover hidden pearls or minor gems of the underground scene. In the vast landscape of publications on Prog, "Una Sana Malattia" carves out an important space because it manages to create a synthesis, combining the precision of musical non-fiction with the pleasantness of the narrative. It is a book recommended both to those who want to understand why, more than fifty years later, those complex twenty-minute suites continue to exert a magnetic fascination, and to those looking for an authoritative compass to navigate the grooves of a genre that has never stopped daring. Thanks also for the citations in the bibliography.  For a lean and enjoyable read, perhaps even while on holiday. MS

 

Crown Lands

CROWN LANDS – Apocalypse
Inside Out / Sony Music
Genere: Hard Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Il buon vecchio Hard Prog dal profumo anni ’70 ancora riesce a farmi correre brividi sulla pelle, e se a farlo è una band attuale allora subentra anche una buone dose di sorpresa.
Il terzo album in studio del duo canadese Crown Lands, intitolato “Apocalypse”,  a mio avviso, segna il punto di massima maturità e ambizione della band.
Si formano in Ontario (Canada) nel 2015, dall'incontro tra due soli musicisti capaci di generare il muro di suono di una band intera, Cody Bowles (voce, batteria) e Kevin Comeau (chitarre, basso e tastiere/synth).
La loro musica attinge da band come Led Zeppelin e Rush, tanto che Bowles ha dalle sbalorditive estensioni in falsetto che ricordano Geddy Lee dei Rush e Robert Plant. Fin dagli esordi, il duo ha fuso l'Hard Rock e Blues Rock con il Progressive Rock titanico dei Rush, ma non sono semplici cloni. Bowles, che è di origine indigena Mi'kmaq, ha da sempre inserito nei testi tematiche profonde legate alla colonizzazione, al genocidio culturale canadese e alla comunione con la natura. Dopo lo straordinario successo di “Fearless” (2023) e la doppietta “Ritual I & II” (2025), oggi la band approda a questo concept fantascientifico totale dal titolo “Apocalypse”.
La trama racconta l'ascesa di Blackstar e del Syndicate, un regime militarista radicale nato dalla disperazione e dal collasso politico sotto il sole morente del pianeta Xurgon Prime. Quella che inizia come una spinta rivoluzionaria si trasforma presto in una spietata conquista intergalattica, che porta alla distruzione del pianeta Karagon e dei suoi leggendari Dragon Riders (Cavalieri dei Draghi). Più che glorificare la guerra, i testi analizzano i suoi cicli distruttivi. Alla fine, Blackstar torna a casa per trovare il proprio pianeta natale devastato dalla guerra civile, dimostrando come l'odio finisca sempre per nutrirsi di se stesso. È un'evidente metafora distopica ispirata alle visioni di Orwell e alle derive dei regimi autoritari odierni.
L'album si apre con “Proclamation I”,  una breve introduzione sinfonica e orchestrale che conduce a “Foot Soldiers Of The Syndicate”, traccia energica che mette in cattedra le qualità balistiche del duo. Eccezionale la prova vocale, ma questo lo avete certamente già capito.
Con “Through The Looking Glass” il duo cita apertamente Lewis Carroll, descrivendo l'inquietante scenario che segue la devastazione della guerra. Il brano inizia con una delicata ascesa acustica per poi esplodere in un Hard Rock anni '70/'80 drammatico e d'impatto. Ottimo il ritornello di facile memorizzazione.
A questo punto giunge il Rock diretto di “Blackstar”, compatto ed estremamente ritmico, guidato da una linea di basso pulsante e distorta suonata da Comeau che ruba la scena. Ha un tiro moderno nell'arrangiamento ma con lo spirito stradaiolo e Heavy di gruppi come Scorpions o White Stripes.
“The Fall” rallenta il ritmo ma aumenta il peso specifico della musica. Un mid tempo dominato da riff di chitarra pesantissimi dove i Crown Lands inseriscono armonie vocali stratificate molto ricche. Tanti i deja vu durante l’ascolto, ma va bene così.  La performance della batteria è monumentale e dona una sensazione di ineluttabilità.
Non può mancare la ballata di turno che qui porta il titolo di “The Revenants I”. Evocativa e crepuscolare, racconta la solitudine dei sopravvissuti che cavalcano nel freddo cosmico.
E come spesso si suol dire “Dulcis in fundo” con la suite di quasi venti minuti intitolata “Apocalypse”. Si apre con un intro spaziale dominato dai sintetizzatori Moog e da un pattern di batteria asimmetrico. La suite attraversa continui cambi di tempo e atmosfere, si passa da sezioni acustiche arricchite dal flauto Ney suonato da Bowles, a cavalcate Heavy Prog che richiamano da vicinissimo l'era “2112” dei Rush, fino a sfumature vicine al Prog italiano anni '70 (PFM) e ai King Crimson del periodo “Lizard”. La traccia chiude la narrazione descrivendo la follia della distruzione finale del mondo e il ritorno amaro di Blackstar, spegnendosi in un finale strumentale grandioso e teatrale. Da sola vale il prezzo del disco!
Una menzione a parte per la bellissima copertina di Quinn Henderson il quale abbandona le atmosfere puramente naturalistiche o mistiche dei lavori precedenti della band per abbracciare un'estetica che richiama la fantascienza classica degli anni '70 e '80, con un forte sapore da graphic novel pulp o da copertina dei vecchi romanzi Urania.
I Crown Lands probabilmente non portano nulla di nuovo nel panorama musicale, ma sanno emozionare con classe e melodie giuste, a me è piaciuto molto. MS

Versione Inglese: 

CROWN LANDS – Apocalypse
Inside Out / Sony Music
Genre: Hard Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Good old '70s-flavored Hard Prog still manages to send shivers down my spine, and when it's delivered by a contemporary band, a healthy dose of surprise comes along with it.
The third studio album by the Canadian duo Crown Lands, titled “Apocalypse”, marks, in my opinion, the band's peak of maturity and ambition.
They formed in Ontario (Canada) in 2015, from the meeting of just two musicians capable of generating the wall of sound of a full band: Cody Bowles (vocals, drums) and Kevin Comeau (guitars, bass, and keyboards/synths).
Their music draws from bands like Led Zeppelin and Rush, so much so that Bowles possesses astonishing falsetto extensions reminiscent of Rush's Geddy Lee and Robert Plant. Right from their debut, the duo has fused Hard Rock and Blues Rock with the titanic Progressive Rock of Rush, but they are no mere clones. Bowles, who is of indigenous Mi'kmaq descent, has always infused the lyrics with deep themes related to colonization, the Canadian cultural genocide, and communion with nature. Following the extraordinary success of “Fearless” (2023) and the double release “Ritual I & II” (2025), today the band arrives at this total sci-fi concept album titled “Apocalypse”.
The plot chronicles the rise of Blackstar and the Syndicate, a radical militaristic regime born out of despair and political collapse beneath the dying sun of the planet Xurgon Prime. What begins as a revolutionary push soon transforms into a ruthless intergalactic conquest, leading to the destruction of the planet Karagon and its legendary Dragon Riders. Rather than glorifying war, the lyrics analyze its destructive cycles. Ultimately, Blackstar returns home only to find his own native planet devastated by civil war, proving how hatred always ends up feeding upon itself. It is an obvious dystopian metaphor inspired by Orwellian visions and the drift of modern-day authoritarian regimes.
The album opens with “Proclamation I”, a brief symphonic and orchestral introduction that leads into “Foot Soldiers Of The Syndicate”, an energetic track that puts the duo's bulletproof technical skills on full display. The vocal performance is exceptional, but you have certainly already figured that out.
With “Through The Looking Glass”, the duo openly quotes Lewis Carroll, describing the unsettling scenario that follows the devastation of war. The track begins with a delicate acoustic build-up before exploding into a dramatic, high-impact '70s/'80s Hard Rock style. The catchy, easy-to-remember chorus is excellent.
At this point comes the straightforward Rock of “Blackstar”, compact and extremely rhythmic, driven by a pulsating, distorted bassline played by Comeau that steals the show. It features a modern edge in its arrangement but carries the gritty, Heavy street-spirit of bands like Scorpions or White Stripes.
“The Fall” slows down the tempo but increases the specific gravity of the music. A mid-tempo track dominated by crushing guitar riffs where Crown Lands weave in highly rich, layered vocal harmonies. There are plenty of moments of déjà vu while listening, but that is perfectly fine. The drum performance is monumental, conveying a sense of inevitability.
The customary ballad cannot be missing, and here it bears the title of “The Revenants I”. Evocative and twilight-toned, it tells of the loneliness of the survivors riding through the cosmic cold.
And, as the saying goes, “Dulcis in fundo” with the nearly twenty-minute suite titled “Apocalypse”. It opens with a spacey intro dominated by Moog synthesizers and an asymmetric drum pattern. The suite moves through continuous shifts in time signatures and atmospheres, transitioning from acoustic sections enriched by the Ney flute played by Bowles, to Heavy Prog rides that closely recall Rush's “2112” era, all the way to nuances akin to '70s Italian Prog (PFM) and King Crimson during their “Lizard” period. The track closes the narrative by describing the madness of the world's final destruction and the bitter return of Blackstar, fading out into a grand, theatrical instrumental finale. This track alone is worth the price of the record!
A special mention goes to the beautiful cover art by Quinn Henderson, who abandons the purely naturalistic or mystical atmospheres of the band's previous works to embrace an aesthetic that recalls classic '70s and '80s science fiction, with a strong flavor of a pulp graphic novel or the cover art of vintage Urania novels.
Crown Lands probably do not bring anything brand new to the musical landscape, but they know how to move you with class and the right melodies. I liked it a lot. MS

Kosmos

KOSMOS – Käärmesormus
Autoproduzione
Genere: Progressive Folk
Supporto: Bandcamp – 2026

Ogni nuovo capitolo discografico dei Kosmos, ensemble originario di Turku (Finlandia), è un piccolo evento per gli amanti del Prog Folk più raffinato e nostalgico. Con il loro sesto album, “Käärmesormus” (L'anello del serpente), la band consolida una proposta musicale totalmente priva di compromessi con le mode moderne, immergendosi in atmosfere decisamente più scure e mistiche rispetto al passato.
Nascono nei primi anni 2000 radunando musicisti ispirati dal Folk, dal Rock Progressivo e dalla Psichedelia dei primi anni Settanta. Fin dal debutto con “Tarinoita Voimasta” (2005), la band ha chiarito i propri punti cardinali attraverso un uso esclusivo della lingua finlandese, la voce eterea e malinconica di Päivi Kylmänen e un tappeto sonoro dominato dal fascino vintage del Mellotron, accompagnato da flauti, violini e chitarre acustiche.
Nel corso degli anni, attraverso lavori come “Polku” (2007) e “Salattu Maailma” (2013), i Kosmos hanno progressivamente integrato elementi psichedelici ed elettrici. I testi, scritti principalmente da Olli Valtonen, ruotano costantemente attorno al concetto di "altra realtà", esplorando dimensioni cosmiche, mistiche, fiabesche e spirituali. Oggi la band è composta da Päivi Kylmänen (voce), Kimmo Lähteenmäki (batteria, organo, mellotron, piano, synth ed effetti), Olli Valtonen (effetti), e Ismo Virta  (chitarra, basso, mellotron, organo, synth, piano, xilofono). Nella realizzazione di questo nuovo album, si avvalgono della collaborazione di Juha Kulmala (voce), Sini Palokangas (violino, sassofono), e Kari Riihimäki (chitarra).
Rispetto agli album precedenti, “Käärmesormus” rappresenta l’anima più cupa della band. Strutturalmente si divide in due parti, una prima dominata da un Dark Folk acustico, pastorale e d'atmosfera, e una seconda che spinge l'acceleratore su riff elettrici oscuri, crescendo epici e aperture psichedeliche sorrette da chitarre Rock, violino, sassofono e l'immancabile Mellotron.
Il disco si apre con un brano d'ampio respiro, “Ikimetsän Sydänmaa” e il suo canto di uccelli. Arpeggi introducono l'ascoltatore in un paesaggio sonoro tipicamente scandinavo (a me fanno venire in mente i Landberk). Il titolo si traduce come “Il cuore della foresta primordiale”. L'ispirazione è fortemente animista, il testo evoca la foresta non solo come luogo fisico, ma come entità spirituale antica, un tempio naturale inviolato in cui perdersi per ritrovare se stessi.
La linea vocale di Päivi è particolarmente dolce ma venata di una profonda e rassegnata tristezza in “Kuka Muistaa Voi”, ossia “Chi può ricordare”. Questa è una riflessione intima sul passare del tempo, sulle memorie destinate a sbiadire e sulle storie dimenticate che rimangono sepolte sotto la neve e il peso degli anni. Parti improvvisate di sax infarciscono il brano.
E la Psichedelia comincia a fare capolino in “Vanha Karma” restando celata in un velo sempre malinconico e scuro, amplificato dall’uso del violino. Il brano affronta il tema del destino e delle colpe cicliche che l'essere umano trascina con sé. Si respira un forte senso di fatalismo nordeuropeo.
Mellotron sognante e ipnotico in “Deja Vu”, per poi giungere ad uno dei vertici melodici della prima parte: “Tuuli Käy Lävitsein”. Si tratta di una splendida e personalissima rielaborazione in chiave Psych Folk finlandese del celebre brano tradizionale “Scarborough Fair” reso celebre nel mondo da Simon & Garfunkel. Questa versione è particolarmente toccante.
Il brevissimo frammento strumentale e recitato, cupo e minimale, “Korppi”, fa da perfetto ponte verso la seconda metà dell'album, nettamente più pesante. “Il corvo” è la figura mitologica per eccellenza nel folklore nordico, e funge da araldo di sventura o custode di segreti esoterici, preparando l'ascoltatore all'oscurità imminente. E’ a questo punto che la title track apre la sezione più elettrica e psichedelica dell'album  attraverso suoni  Heavy Prog dove i riff di chitarra elettrica sono cupi e pesanti, sorretti da un organo e un Mellotron monumentali e da una sezione ritmica cadenzata. Il testo gioca con l'iconografia dell'Uroboro (il serpente che si morde la coda). Esso rappresenta l'eternità, l'eterno ritorno e la gabbia ciclica dell'esistenza da cui è difficile scappare, tinta di sfumature magiche e occulte.
“Kielletyn Hedelmän Tarha” è un tuffo nella pece, guidato da una bellissima interazione tra il sassofono e le chitarre. Il mood oscilla continuamente tra il Jazz Prog e il Rock Psichedelico più acido.
La chiusura è affidata a “Kellokoski”, che è una località finlandese storicamente nota per il suo ospedale psichiatrico. Il testo affronta il dramma dell'isolamento, della perdita della ragione e del confine labile tra la pazzia e la percezione di quell'"altra realtà" tanto cara alla poetica della band. Una chiusura drammatica e toccante per un album convincente e rivolto sicuramente ad un pubblico preparato a questo tipo di andamento che ci strappa violentemente dalla luce per scaraventarci nel buio. MS 

Versione Inglese:

KOSMOS – Käärmesormus
Self-released
Genre: Progressive Folk
Medium: Bandcamp – 2026

Every new musical chapter by Kosmos, an ensemble originally from Turku (Finland), is a small event for lovers of the most refined and nostalgic Prog Folk. With their sixth album, “Käärmesormus” (The Snake Ring), the band consolidates a musical style totally free of compromises with modern trends, immersing themselves in atmospheres that are decidedly darker and more mystical than in the past.
They formed in the early 2000s, bringing together musicians inspired by Folk, Progressive Rock, and Psychedelia from the early seventies. Right from their debut with “Tarinoita Voimasta” (2005), the band made their focal points clear through the exclusive use of the Finnish language, the ethereal and melancholic voice of Päivi Kylmänen, and a soundscape dominated by the vintage charm of the Mellotron, accompanied by flutes, violins, and acoustic guitars.
Over the years, through works such as “Polku” (2007) and “Salattu Maailma” (2013), Kosmos have progressively integrated psychedelic and electric elements. The lyrics, mainly written by Olli Valtonen, constantly revolve around the concept of "altra realtà" (another reality), exploring cosmic, mystical, fairytale, and spiritual dimensions. Today the band consists of Päivi Kylmänen (vocals), Kimmo Lähteenmäki (drums, organ, mellotron, piano, synth, and effects), Olli Valtonen (effects), and Ismo Virta (guitar, bass, mellotron, organ, synth, piano, xylophone). In the making of this new album, they enlist the collaboration of Juha Kulmala (vocals), Sini Palokangas (violin, saxophone), and Kari Riihimäki (guitar).
Compared to previous albums, “Käärmesormus” represents the band's darkest soul. Structurally it is divided into two parts: a first half dominated by an acoustic, pastoral, and atmospheric Dark Folk, and a second half that steps on the gas with dark electric riffs, epic crescendos, and psychedelic openings supported by Rock guitars, violin, saxophone, and the ever-present Mellotron.
The record opens with a wide-ranging track, “Ikimetsän Sydänmaa”, and its birdsong. Arpeggios introduce the listener to a typically Scandinavian soundscape (they remind me of Landberk). The title translates as “The Heart of the Primeval Forest”. The inspiration is strongly animistic; the lyrics evoke the forest not just as a physical place, but as an ancient spiritual entity, an unviolated natural temple in which to lose oneself to find oneself again.
Päivi’s vocal line is particularly sweet yet veined with a deep and resigned sadness in “Kuka Muistaa Voi”, which means “Who Can Remember”. This is an intimate reflection on the passing of time, on memories destined to fade, and on forgotten stories that remain buried under the snow and the weight of the years. Improvised sax parts pepper the song.
And Psychedelia begins to peek through in “Vanha Karma”, remaining concealed in a shroud that is always melancholic and dark, amplified by the use of the violin. The track addresses the theme of destiny and the cyclical faults that human beings drag along with them. There is a strong sense of Northern European fatalism.
A dreamy and hypnotic Mellotron appears in “Deja Vu”, before reaching one of the melodic peaks of the first part: “Tuuli Käy Lävitsein”. This is a splendid and highly personal reinterpretation, in a Finnish Psych Folk key, of the famous traditional song “Scarborough Fair”, made world-famous by Simon & Garfunkel. This version is particularly touching.
The very brief instrumental and spoken fragment, dark and minimal, “Korppi”, serves as a perfect bridge to the second half of the album, which is distinctly heavier. “The Raven” is the mythological figure par excellence in Nordic folklore, and it acts as a harbinger of doom or keeper of esoteric secrets, preparing the listener for the impending darkness. It is at this point that the title track opens the more electric and psychedelic section of the album through Heavy Prog sounds, where the electric guitar riffs are dark and heavy, supported by a monumental organ and Mellotron and a rhythmic, cadenced rhythm section. The text plays with the iconography of the Ouroboros (the snake biting its own tail). It represents eternity, the eternal return, and the cyclical cage of existence from which it is difficult to escape, tinged with magical and occult overtones.
“Kielletyn Hedelmän Tarha” is a plunge into pitch black, guided by a beautiful interaction between the saxophone and the guitars. The mood constantly oscillates between Jazz Prog and the more acid Psychedelic Rock.
The closure is entrusted to “Kellokoski”, which is a Finnish locality historically known for its psychiatric hospital. The text addresses the drama of isolation, the loss of reason, and the blurred boundary between madness and the perception of that "altra realtà" so dear to the band's poetics. A dramatic and touching closure for a convincing album, definitely aimed at an audience prepared for this type of pacing, which violently tears us away from the light to hurl us into the dark. MS

For listening: https://kosmos-finland.bandcamp.com/album/k-rmesormus

öOoOoOoOoOo

öOoOoOoOoOo – Samen
Aphatia Records
Genere: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Supporto: CD / 2016

Negli anni della musica Rock, esistono sorprese che non ti aspetti, e spesso queste giungono da band che si palesano e spariscono in un istante, come nel caso dei francesi öOoOoOoOoOo. Fanno musica difficile da etichettare, miscelando generi assolutamente incongruenti e questo spesso potrebbe condurre ad un pastrocchio inascoltabile se non ridicolo. Serve una buona dose di sregolatezza, follia, questo è vero, ma soprattutto tecnica strumentale, cultura musicale e un sapiente songwriting che riesca a bilanciare il tutto, e loro lo sanno .
Nel 2016 con “Samen” non spingono sull’acceleratore della condivisione e neppure della pubblicità, lasciando il prodotto in un oblio quasi da purgatorio, atto solamente a chi ama ricercare nel web o in alcune riviste che si spingono oltre la banalità. E’ per questo che sento di dover dare (anche per un solo istante), nuova luce a questo album che molto allora ha saputo sorprendermi.
Ma chi sono gli öOoOoOoOoOo, e da dove deriva il nome?
öOoOoOoOoOo è pronunciato e conosciuto anche semplicemente come "Chenille", ovvero bruco in francese, data la forma grafica del nome.
La band sorge dalle ceneri creative e dalla mente di due figure chiave della scena sperimentale francese, ad iniziare da Asphodel (Aurélie Raidron), una delle cantanti più versatili, teatrali e geniali del panorama underground. E’ nota per il suo lavoro nei Pin-Up Went Down, un altro duo Avant-garde cult. La sua estensione e abilità vocale reggono tranquillamente il confronto con mostri sacri come Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand invece è un polistrumentista eccezionale che in questo progetto si è occupato di chitarre, basso, tastiere, programmazioni e della composizione della quasi totalità delle basi musicali. A loro si è unito come turnista alla batteria Aymeric Thomas, mente della folle band Electro-grind/Avant-garde francese Pryapisme.
“Samen” non è un semplice album, ma come recita la copertina "Exhibition 2016/10", è una vera e propria mostra d'arte contemporanea. I testi scritti interamente da Asphodel, sono surreali, flussi di coscienza nevrotici, filastrocche inquietanti o riflessioni grottesche sulla psiche umana, spesso interpretati con voci diverse che simulano una personalità dissociata.
L’iniziale “Rules Of The Show” parte come un pezzo Rock Alternative quasi accessibile, per poi esplodere in sezioni ritmiche sincopate e possenti. Il testo introduce l'ascoltatore alla mostra, parlando delle regole del gioco sociale e dello spettacolo, dove l'apparenza e il calore ("Heat up here") nascondono l'alienazione.
Con “Fucking Freaking Futile Freddy” la band spinge sull'acceleratore dell'assurdo e vi troverete spesso a muovere la testa al ritmo Mathcore dove si fondono voci quasi growl a quella da cartone animato impazzito. Il brano segue la bizzarra e frustrante epopea di questo "Freddy", personaggio sterile e futile.
Il titolo “Meow Meow Frrru” non inganna, evoca movenze e versi felini, ma in chiave incubo psichedelico. Musicalmente flirta con la musica elettronica sperimentale e il Pop d'avanguardia. È un brano sensuale, bizzarro e disturbante, in cui la dualità del gatto, affettuoso ma predatore, riflette dinamiche umane di sottomissione e controllo.
Uno dei vertici dell’album porta il titolo di “No Guts = No Masters”, impreziosito dal violoncello di Raphaël Verguin. Il pezzo vanta un groove orchestrale e dondolante, quasi un "valzer metallico" che ricorda i Diablo Swing Orchestra, interrotto da sfuriate Black/Death Metal. Il testo è un inno cinico all'autodeterminazione.
Ancora sorretto dal violoncello, il successivo “Bark City (A Glimpse Of Something)” si muove su territori più cupi e atmosferici. C'è un costante senso di minaccia strisciante. Il testo dipinge una città distopica, la città dei latrati, metafora di un isolamento urbano in cui le persone ringhiano e comunicano come bestie anziché come esseri umani. Non esulano istanti sinestetici come in “Purple Tastes Like White” dove il titolo stesso significa "Il viola ha il sapore del bianco". Esplora la percezione distorta della realtà attraverso una struttura musicale frammentaria. Asphodel usa linee vocali jazzate e sognanti che improvvisamente collassano in grida laceranti, mimando il cortocircuito sensoriale di cui parla il testo. Fra i momenti più alti del disco formato da dodici brani, cito “I Hope You Sleep Well”, qui fa la sua comparsa il sassofono di Adrien Cailleteau. È una traccia dalle tinte noir e malinconiche, che culla l'ascoltatore in una finta ninna nanna. Sotto la superficie soffice e jazzata si nasconde un testo subdolo e passivo-aggressivo, un augurio di "buon sonno" che suona quasi come una minaccia o un addio definitivo.
Altresì stupefacente la conclusiva “Hemn Be Rho Ðie Samen”, una suite d'avanguardia spiazzante, un rituale sonoro che unisce atmosfere eteree alla Sigur Rós con sfuriate di un'intensità emotiva devastante. Il titolo e alcune sezioni usano un linguaggio inventato ed esoterico. È la perfetta chiusura del cerchio, la catarsi finale dopo il viaggio disturbante e schizofrenico all'interno della mostra d'arte dei Chenille.
Gli öOoOoOoOoOo hanno costruito un meraviglioso mostro di Frankenstein musicale dove i pezzi non dovrebbero stare insieme, eppure funzionano alla perfezione. Un album d'avanguardia monumentale che, a distanza di anni, continua a ridefinire il concetto stesso di “estremo”. MS

 

Versione Inglese:

öOoOoOoOoOo – Samen
Apathia Records
Genre: Avant-garde / Jazz / Death Metal
Media: CD / 2016

In the years of Rock music, there are surprises you just don't expect, and these often come from bands that appear and vanish in an instant, as is the case with the French outfit öOoOoOoOoOo. They make music that is hard to label, blending absolutely incongruous genres, and this could often lead to an unlistenable, if not ridiculous, mess. It requires a good dose of wildness and madness, that is true, but above all, instrumental technique, musical culture, and a clever songwriting capable of balancing everything, and they know it.
In 2016, with “Samen”, they did not push on the accelerator of sharing or advertising, leaving the product in a nearly purgatorial oblivion, suitable only for those who love to research the web or certain magazines that venture beyond banality. This is why I feel the need to give (even if just for a moment) new light to this album which, back then, managed to surprise me so much.
But who are öOoOoOoOoOo, and where does the name come from?
öOoOoOoOoOo is pronounced and also known simply as "Chenille", meaning caterpillar in French, due to the graphic shape of the name.
The band arose from the creative ashes and minds of two key figures in the French experimental scene, starting with Asphodel (Aurélie Raidron), one of the most versatile, theatrical, and brilliant singers on the underground scene. She is known for her work in Pin-Up Went Down, another cult Avant-garde duo. Her range and vocal ability easily hold their own against sacred monsters like Mike Patton (Mr. Bungle).
Baptiste Bertrand, on the other hand, is an exceptional multi-instrumentalist who, in this project, handled guitars, bass, keyboards, programming, and the composition of almost all the musical backing tracks. Joining them as a session drummer was Aymeric Thomas, the mastermind behind the crazy French Electro-grind/Avant-garde band Pryapisme.
“Samen” is not just a simple album, but as the cover states, "Exhibition 2016/10", it is a true contemporary art exhibition. The lyrics, written entirely by Asphodel, are surreal, neurotic streams of consciousness, unsettling nursery rhymes, or grotesque reflections on the human psyche, often performed with different voices that simulate a dissociated personality.
The opening track, “Rules Of The Show”, starts like a nearly accessible Alternative Rock piece, only to explode into syncopated and powerful rhythmic sections. The lyrics introduce the listener to the exhibition, speaking of the rules of the social game and the show, where appearance and heat ("Heat up here") hide alienation.
With “Fucking Freaking Futile Freddy”, the band pushes on the accelerator of the absurd, and you will often find yourself nodding your head to the Mathcore rhythm, where near-growled vocals merge with those of a cartoon character gone mad. The song follows the bizarre and frustrating epic of this "Freddy", a sterile and futile character.
The title “Meow Meow Frrru” does not deceive; it evokes feline movements and sounds, but in a psychedelic nightmare key. Musically, it flirts with experimental electronic music and avant-garde Pop. It is a sensual, bizarre, and disturbing track, in which the duality of the cat, affectionate yet predatory, reflects human dynamics of submission and control.
One of the album's peaks bears the title of “No Guts = No Masters”, embellished by the cello of Raphaël Verguin. The piece boasts an orchestrally swaying groove, almost a "metallic waltz" reminiscent of Diablo Swing Orchestra, interrupted by Black/Death Metal outbursts. The lyrics are a cynical hymn to self-determination.
Still supported by the cello, the subsequent “Bark City (A Glimpse Of Something)” moves into darker, more atmospheric territories. There is a constant sense of creeping menace. The lyrics paint a dystopian city, the city of barking, a metaphor for urban isolation where people growl and communicate like beasts rather than human beings. Synesthetic moments are not excluded, as in “Purple Tastes Like White”, where the title itself means "Il viola ha il sapore del bianco". It explores the distorted perception of reality through a fragmented musical structure. Asphodel uses jazzy, dreamy vocal lines that suddenly collapse into wrenching screams, mimicking the sensory short-circuit the lyrics speak of. Among the highest moments of this twelve-track record, I mention “I Hope You Sleep Well”, where Adrien Cailleteau's saxophone makes its appearance. It is a track with noir and melancholy hues, which cradles the listener in a fake lullaby. Beneath the soft, jazzy surface lies a subtle, passive-aggressive lyric, a wish for a "good sleep" that sounds almost like a threat or a final farewell.
Equally astonishing is the closing track, “Hemn Be Rho Ðie Samen”, a baffling avant-garde suite, a sonic ritual that combines ethereal atmospheres in the style of Sigur Rós with outbursts of devastating emotional intensity. The title and certain sections use an invented, esoteric language. It is the perfect closing of the circle, the final catharsis after the disturbing and schizophrenic journey inside Chenille's art exhibition.
öOoOoOoOoOo have built a wonderful musical Frankenstein's monster where the pieces shouldn't fit together, yet they work to perfection. A monumental avant-garde album that, years later, continues to redefine the very concept of “extreme”. MS

Wish

WISH - The Endless Winter
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Altra band molto interessante del panorama Progressivo italiano porta il nome di Wish.
Nascono a Roma nel lontano settembre 1992, muovendo i primi passi in modo parziale ma focalizzandosi fin da subito sulla forma del "concept album" con liriche in lingua inglese. La svolta identitaria e la stabilità arrivano nel 1997, quando si consolida la line-up storica guidata da Piergiorgio Franceschelli (voce), Salvatore Patti (tastiere), Graziano Brufani (basso), Giorgio Simonetti (chitarre) e Massimo Mercurio (batteria).
Dopo aver costruito il proprio quartier generale e studio di registrazione, il BbBox, la band ha debuttato sulla lunga distanza solo nel 2019 con “Stay Here My Friends”, un album incentrato sul valore universale diell'amicizia che ricevette ottimi riscontri a livello internazionale.
La genesi di “The Endless Winter” è iniziata quasi subito, nel 2019, concepita inizialmente come una riflessione storica sulla memoria attraverso viaggi fisici della band nelle trincee e sui luoghi dello sbarco in Normandia. Tuttavia, i drammatici sviluppi geopolitici degli ultimi anni hanno trasformato questo sguardo al passato in una dolorosa e violentissima metafora della contemporaneità.
L'album si sviluppa su 8 tracce, muovendosi tra dinamiche Art Rock e inizia con l’immancabile intro qui intitolato “Pointe Du Hoc”. Tappeti di tastiere cinematografiche ed effetti sonori evocano il rumore del mare, del vento e un senso di desolazione imminente, mentre la chitarra di Simonetti tratteggia note sospese. Il titolo fa riferimento al celebre punto di sbarco in Normandia e posiziona geograficamente, oltre che concettualmente, l'ascoltatore sulla scogliera, simbolo del sacrificio e dell'inizio dell'inferno. E si parte con la mini suite di undici minuti “Comandante Nino” divisa in quattro sezioni distinte (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). Parte con un riff di chitarra malinconico supportato da tastiere sinfoniche di stampo Crossover Prog, per poi evolversi in strappi ritmici più serrati guidati dal basso di Brufani. La voce di Franceschelli recita e canta con distacco emotivo, interpretando la stanchezza di un veterano. I cambi di tempo drammatici sorreggono le quattro sezioni, sfociando nel finale in un assolo di chitarra straziante. La figura del "Comandante Nino", è quella di un partigiano combattente. Il testo affronta la disillusione di chi ha vissuto la trincea e la perdita, la consapevolezza che in guerra l'anima diventa un lusso insostenibile e si è solo "un corpo che corre per sopravvivere". Il finale “We Are All Died” suggella l'idea che, a prescindere da chi vinca, la guerra uccide interiormente tutti i partecipanti.
In “Collapsing” fanno capolino similitudini con l’approccio musicale di Steven Wilson, il tutto sempre filtrato dalla personalità della band. Liricamente è un focus sul crollo psicologico dei soldati sotto i bombardamenti e, su scala più ampia, sul collasso dei valori primari della civiltà moderna, che sembra aver tradito gli ideali per cui le vecchie generazioni hanno sanguinato. Un altro brano estremamente teatrale è “The Four Rooms”; inizia in modo claustrofobico, con pianoforte e voce in evidenza per poi arricchirsi di trame acustiche e sfociare in un Rock Progressivo sinfonico e marziale. La transizione verso l'atto finale rallenta i battiti, spegnendosi in un'atmosfera acustica e rarefatta. Uno dei brani che ho maggiormente apprezzato porta il titolo “I Watch You From Afar”, una ballad Progressiva di rara bellezza lirica, dominata dalle chitarre e da arrangiamenti tastieristici caldi, ma intrisi di profonda malinconia. Cresce gradualmente in intensità emotiva con un crescendo epico che ricorda le migliori pagine del prog romantico britannico e a tratti delle nostrane Orme. In questo contesto sonoro, i testi sono dedicati alle famiglie rimaste a casa e a chi ha perso i propri cari. È il punto di vista di chi non c'è più (o di chi è costretto a rimanere lontano al fronte) che osserva da lontano le vite spezzate di chi è rimasto ad aspettare invano. Un brano di una forte carica straziante e umana.
“This Land” è un breve frammento acustico e intimista. La chitarra acustica di Simonetti accompagna la voce nuda di Franceschelli, creando un ponte Folk Prog pastorale, una riflessione sulla terra intesa come identità violata. Altro interludio strumentale teso è “On The Trail”, mentre “This Life” riassume la cifra stilistica del disco. Unisce la melodia struggente e l'eclettismo dei Wish, lasciando che la sezione ritmica di Brufani e Mercurio distenda il tempo per un ultimo, liberatorio assolo di Simonetti. Il testo lascia uno spiraglio alle nuove generazioni. È la rabbia che si trasforma in speranza e nella voglia di lottare di nuovo per la libertà e per quegli ideali calpestati, offrendo una catarsi finale dopo oltre cinquanta minuti di sofferenza e crudo realismo.
“The Endless Winter” è un disco raffinato, ragionato, vissuto in ogni suo lato caratteriale, dove le emozioni non sono di certo rarefatte ma compatte in un discorso sonoro e lirico unico per efficienza. Da ascoltare con calma e attenzione. MS

Versione Inglese: 

WISH - The Endless Winter
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Another very interesting band on the Italian Progressive scene goes by the name of Whis.
They were born in Rome back in September 1992, taking their first partial steps but focusing right from the start on the "concept album" format with English lyrics. The identity breakthrough and stability arrived in 1997, when the historic line-up solidified, led by Piergiorgio Franceschelli (vocals), Salvatore Patti (keyboards), Graziano Brufani (bass), Giorgio Simonetti (guitars), and Massimo Mercurio (drums).
After building their own headquarters and recording studio, the BbBox, the band made their full-length debut only in 2019 with “Stay Here My Friends”, an album centered on the universal value of friendship that received excellent international feedback.
The genesis of “The Endless Winter” began almost immediately, in 2019, initially conceived as a historical reflection on memory through the band's physical journeys to the trenches and the Normandy landing sites. However, the dramatic geopolitical developments of recent years have transformed this look at the past into a painful and violent metaphor for contemporary times.
The album unfolds across 8 tracks, moving within Art Rock dynamics and opening with the inevitable intro, here titled “Pointe Du Hoc”. Layers of cinematic keyboards and sound effects evoke the sound of the sea, the wind, and a sense of impending desolation, while Simonetti's guitar sketches suspended notes. The title refers to the famous Normandy landing point and positions the listener geographically, as well as conceptually, on the cliff—a symbol of sacrifice and the beginning of hell. And we kick off with the eleven-minute mini-suite “Comandante Nino”, divided into four distinct sections (I. Endless Winter - II. Never Again - III. Far From Home - IV. We Are All Died). It starts with a melancholy guitar riff supported by Crossover Prog-style symphonic keyboards, before evolving into tighter rhythmic breaks driven by Brufani bass. Franceschelli's vocals declaim and sing with emotional detachment, portraying the weariness of a veteran. The dramatic tempo changes support the four sections, culminating in a heartbreaking guitar solo at the end. The figure of "Comandante Nino" is that of a partisan fighter. The lyrics address the disillusionment of those who have experienced the trenches and loss, the awareness that in war the soul becomes an unsustainable luxury and one is just "a body running to survive". The finale “We Are All Died” seals the idea that, regardless of who wins, war kills all participants from within.
In “Collapsing”, similarities with Steven Wilson's musical approach pop up, everything always filtered through the band's own personality. Lyrically, it is a focus on the psychological collapse of soldiers under bombardment and, on a larger scale, on the collapse of the primary values of modern civilization, which seems to have betrayed the ideals for which older generations bled. Another extremely theatrical track is “The Four Rooms”; it begins in a claustrophobic way, with piano and vocals in the foreground, before enriching itself with acoustic textures and flowing into a martial and symphonic Progressive Rock. The transition towards the final act slows down the heartbeat, fading into a rarefied and acoustic atmosphere. One of the tracks I appreciated the most is titled “I Watch You From Afar”, a Progressive ballad of rare lyrical beauty, dominated by guitars and warm keyboard arrangements, yet steeped in deep melancholy. It gradually builds in emotional intensity with an epic crescendo reminiscent of the best pages of British romantic prog and, at times, of our own Le Orme. In this sonic context, the lyrics are dedicated to the families left at home and to those who lost their loved ones. It is the point of view of those who are no longer here (or those forced to stay far away at the front) watching from afar the broken lives of those left behind waiting in vain. A track of strong heartbreaking and human charge.
“This Land” is a brief, intimate acoustic fragment. Simonetti's acoustic guitar accompanies Franceschelli's bare vocals, creating a pastoral Folk Prog bridge, a reflection on the land understood as a violated identity. Another tense instrumental interlude is “On The Trail”, while “This Life” summarizes the signature style of the record. It combines the poignant melody and eclecticism of Wish, letting Brufani and Mercurio's rhythm section stretch out the time for one last, liberating solo by Simonetti. The lyrics leave a glimmer of hope for the younger generations. It is anger transforming into hope and the desire to fight again for freedom and for those trampled ideals, offering a final catharsis after over fifty minutes of suffering and raw realism.

“The Endless Winter” is a refined, well-thought-out record, lived in every aspect of its character, where emotions are certainly not rarefied but compact within a sonic and lyrical discourse that is uniquely efficient. To be listened to calmly and carefully. MS