Resistor

RESISTOR – Beyond
Progrock.com's Essentials
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Non so quanti di voi sono a conoscenza di questa band americana, personalmente li ho seguiti sin dagli esordi e vi confesso che nella loro discografia composta da otto album, compreso questo nuovo “Beyond”, non ho trovato momenti di calo. Sì, è vero, manca il capolavoro che li consacra nell’olimpo, ma il Prog proposto è sempre bello, denso di passaggi interessanti, tecnici e melodici.
Originari di Providence (Rhode Island), si formano nel 2005. La formazione è guidata dal polistrumentista Steve Unruh (voce, chitarra, violino, flauto), noto anche per le sue collaborazioni con diverse realtà della scena Prog internazionale tra cui The Samurai Of Prog, UPF e la sua carriera solista. Con Unruh suonano Rob Winslow (basso), Barry Farrands (batteria) e Fran Turner (chitarre). Il sound del gruppo si caratteriza per una commistione tra l'impatto ruvido e organico dell'Hard Rock, il Classic Rock e la complessità strutturale del Crossover Prog. Tre i brani che formano l’album e spazio poi ai quattro singoli estratti in Radio Edit.
Ed è proprio una suite dal titolo “Nostalgia” ad aprire “Beyond”, più di dodici minuti di musica nella quale le trame complesse e stratificate tipiche dell'album, caratterizzate dai cambi di tempo dinamici e i dialoghi strumentali, oscillano tra passaggi melodici e sezioni più tirate. L’impatto iniziale richiama il mondo dei Rush per poi virare in un monolitico mid-tempo in cui la chitarra elettrica rilascia un solo quasi microtonale. Buono l’uso delle coralità. In alcuni fraseggi si presentano anche gli anni ’80 del Neo Prog (IQ). Le trame vedono un uso prominente dell'NS/Stick eseguito dall'ospite Don Schiff, il cui timbro elastico e percussivo si intreccia con il violino e le chitarre di Unruh e Turner. Nulla è scontato in questo lungo percorso.
Il secondo brano è strumentale e s’intitola “Antares”: si apre con una chitarra elettrica impegnata in un riff Hard Rock tipico degli anni ’70, trascinante e coinvolgente, per mutare successivamente (come il genere insegna) in un movimento più melodico. Le parti di basso sono marcate e dinamiche sino a riprendere verso il finale le arie iniziali, impreziosite dalla linea vocale senza parole (vocalizzo espressivo) che funge da vero e proprio strumento solista.
Il piatto forte di “Beyond” tuttavia è proprio la title track, con ben ventiquattro minuti abbondanti di musica aperti da un arpeggio che rimanda ai Genesis degli anni ’70. Il timbro vocale e la cadenza ricordano moltissimo Peter Nicholls e i suoi IQ. Ma i Resistor godono di una personalità marcata e ovviamente spiazzano l’ascoltatore con cambi repentini di stile e potenza. Un lungo percorso da ascoltare in religioso silenzio per poter apprezzare al meglio ogni sfumatura, perché qui di idee ce ne sono davvero a profusione: per esempio il greve assolo di violino elettrico che lascia spazio ad un raggio di sole creato dalla chitarra acustica, oppure la fuga di flauto che diventa protagonista in un andamento vivace in stile Jethro Tull… Nulla è scontato, e cosa dire poi del richiamo vocale a cappella in stile Gentle Giant? Gioia e pane per un fan Prog Rock DOC!
Seguono i quattro singoli già citati che sono: “Calling Back Home (Radio Edit)”, “Into This Mystical Lair (Radio Edit)”, “Antares (Radio Edit)” e “Nostalgia (Radio Edit)”.
“Beyond”, credetemi, è un disco spettacolare che mostra lo stato di salute del Prog che, seppur essendo un genere di nicchia, ha ancora molto da dire, tutto questo però quando le idee sono quelle giuste. Vado a riascoltarlo! MS 

ASCOLTO: https://resistor222.bandcamp.com/album/beyond-24-bit-hi-res

Versione Inglese: 

RESISTOR – Beyond
Progrock.com's Essentials
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

I don't know how many of you are aware of this American band, but personally I've followed them since their debut, and I confess that across their discography of eight albums—including this new one, “Beyond”—I haven't found a single slump. Yes, it's true, there may not be that single masterpiece to immortalize them in the pantheon, but the Prog they deliver is always engaging, rich with interesting, technical, and melodic passages.
Hailing from Providence (Rhode Island), they formed in 2005. The lineup is led by multi-instrumentalist Steve Unruh (vocals, guitar, violin, flute), also known for his collaborations with various acts on the international Prog scene, including The Samurai Of Prog, UPF, and his solo career. Playing alongside Unruh are Rob Winslow (bass), Barry Farrands (drums), and Fran Turner (guitars). The band's sound is characterized by a blend of the raw, organic impact of Hard Rock, Classic Rock, and the structural complexity of Crossover Prog. Three tracks make up the main body of the album, followed by four single Radio Edits.
Opening “Beyond” is a suite titled “Nostalgia,” over twelve minutes of music where the complex, layered textures typical of the album—defined by dynamic tempo changes and instrumental dialogues—alternate between melodic passages and tighter, heavier sections. The initial impact recalls the world of Rush before shifting into a monolithic mid-tempo where the electric guitar delivers an almost microtonal solo. The use of vocal harmonies is strong. In certain phrasing, hints of 1980s Neo-Prog (IQ) also emerge. The arrangements feature prominent use of the NS/Stick played by guest musician Don Schiff, whose elastic, percussive timbre weaves together with Unruh and Turner's violin and guitars. Nothing is predictable in this long journey.
The second track is an instrumental titled “Antares”: it opens with electric guitar driving a classic '70s-style Hard Rock riff—engaging and driving—before shifting (as the genre demands) into a more melodic movement. The bass lines are prominent and dynamic, eventually returning near the end to the opening themes, enriched by wordless vocal lines (expressive vocalizations) that act as a true lead instrument.
The centerpiece of “Beyond,” however, is the title track itself, featuring over twenty-four generous minutes of music that open with an arpeggio reminiscent of 1970s Genesis. The vocal timbre and cadence strongly recall Peter Nicholls and his band IQ. Yet Resistor possess a distinct identity of their own, consistently surprising the listener with sudden shifts in style and intensity. It's an extended piece to be listened to in reverent silence to fully appreciate every nuance, because ideas here are truly abundant: for instance, the heavy electric violin solo giving way to a ray of sunshine created by the acoustic guitar, or the flute fugue taking center stage in a lively, Jethro Tull-style passage… Nothing is taken for granted, and what about that a cappella vocal nod to Gentle Giant? Absolute pure bliss for a genuine Prog Rock fan!
Following are the four previously mentioned singles: “Calling Back Home (Radio Edit)”, “Into This Mystical Lair (Radio Edit)”, “Antares (Radio Edit)”, and “Nostalgia (Radio Edit)”.
“Beyond”, believe me, is a spectacular album that showcases the vitality of Prog, a genre that, despite being a niche market, still has a great deal to say when the ideas are right. Time for me to give it another listen! MS

 

For listening: https://resistor222.bandcamp.com/album/beyond-24-bit-hi-res

Riffstone

RIFFSTONE – Zodiac
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Passeggiata astrale per il prolifico duo inglese composto da Colin Powell e Dave Allen. Formatisi nel 2025, hanno già all’attivo cinque album in studio compreso questo nuovo “Zodiac”. Certo, viene da pensare che magari sarebbe il caso di concentrare le idee in un album unico che racchiuda le migliori canzoni composte, eppure ciò che sbalordisce nei Riffstone è proprio l’alta qualità del materiale, come se fossero due fiumi in piena.
Colin Powell (da Salford, UK) è un polistrumentista, compositore e produttore noto per la sua militanza nei Nova Cascade e per il suo progetto solista A Multitude Of One. In Riffstone cura tastiere, chitarre, programmazioni, produzione e songwriting. Dave Allen (da Wirral, UK) è chitarrista, bassista e polistrumentista. È la mente dietro al progetto Prog Spirergy. Nei Riffstone apporta la componente chitarristica, ritmica e gli arrangiamenti. Dopo i buoni “Richard III”, “Sanctuary Sky”, “Great Journeys” e “Mythical Creatures”, è la volta di “Zodiac”, un concept album incentrato sui 12 segni dello zodiaco. L'opera esplora le caratteristiche astrologiche e simboliche attraverso sonorità Symphonic Prog, ricche di tappeti di tastiere, sintetizzatori analogici, chitarre melodiche e atmosfere sognanti ed epiche. La durata dell’opera è elevata e supera i 72 minuti.
Lo sguardo alle spalle è evidente: sonorità Genesis, Yes, Pink Floyd, ma anche alcune melodie mutuate dai maestri Beatles. Gli autori tuttavia si avvalgono dell’IA, almeno per la bellissima copertina, se non per alcuni spunti comunque suonati e arrangiati da loro stessi.
Sale in cattedra immediatamente il basso di Allen in “Aries”, dal carattere energico e dinamico. Dominato da riff di chitarra in primo piano e sequenze di sintetizzatore dal passo marziale, è un ottimo esempio di Prog sinfonico e magniloquente.
“Taurus” invece ha all’inizio tempi più moderati, bassi profondi e tessiture di tastiera dense (stile Mellotron/organo), che riflettono un'atmosfera tellurica e radicata, mentre uno dei frangenti più interessanti dell’album porta il titolo di “Gemini”. Il pezzo è aperto da un dolce arpeggio di chitarra per poi svilupparsi in un andamento che (specialmente per il cantato) può far tornare alla memoria i primi Pink Floyd più fiabeschi. Sale il ritmo con “Cancer”, uno sguardo al mondo Yes ma anche a tutto il panorama Prog, con buone intuizioni che fanno del segno del Cancro un mondo esuberante. Personalmente mi emoziono sempre quando ascolto delle tastiere sibilanti in modalità anni ’70, non posso farci nulla.
Arrangiamenti pomposi e sinfonici per “Leo”, mentre in “Virgo” aleggia una serenità ancestrale, grazie anche all’intro di pianoforte raggiunto poco dopo dalla chitarra elettrica. Fra i movimenti più articolati c’è “Libra”, a cavallo fra Neo Prog e Queen anni ’70; torna anche il cantato alla Syd Barrett (Pink Floyd). E poi la sorpresa, “Scorpio”, un tuffo nell’Hard Prog dal profumo cosmico degli anni ’80, con un ritornello semplice e diretto.
I Riffstone cambiano registro in “Sagittarius”, ma restano sempre legati alla storia del passato, questa volta entrando nel territorio dei Moody Blues, con sonorità sognanti e un buon uso della coralità. Se amate il Mellotron ascoltate “Capricorn”, brano a tratti cadenzato nella ritmica e sempre supportato in maniera elegante dalla chitarra elettrica.
Bello crogiolarsi nei suoni Yes di “Aquarius”, mentre il finale è affidato a “Pisces”, aria libera e onirica fra canto, chitarra acustica e synth. L’andamento a seguire alza il ritmo pur rimanendo nel tranquillizzante mondo dei Riffstone.
Con “Zodiac”, la coppia Powell-Allen firma un lavoro maturo, fluido ed estremamente coerente con la propria poetica musicale. Dodici tracce che dipingono un vero e proprio affresco sonoro, capace di valorizzare appieno la forte intesa esecutiva e compositiva dei due polistrumentisti. Certo che ne hanno di passione e di idee, e ho come la sensazione che per il prossimo lavoro non dovremo attendere a lungo, chissà perché. MS

Versione Inglese:

RIFFSTONE – Zodiac
Self-released
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

An astral stroll for the prolific English duo composed of Colin Powell and Dave Allen. Formed in 2025, they already have five studio albums to their credit, including this new release, “Zodiac”. Sure, one might think it would be better to concentrate their ideas into a single album containing the best songs written, yet what is astonishing about Riffstone is precisely the high quality of the material, as if they were two rivers in full flood.
Colin Powell (from Salford, UK) is a multi-instrumentalist, composer, and producer known for his work with Nova Cascade and his solo project A Multitude Of One. In Riffston, he handles keyboards, guitars, programming, production, and songwriting. Dave Allen (from Wirral, UK) is a guitarist, bassist, and multi-instrumentalist. He is the mastermind behind the prog project Spirergy. In Riffstone, he contributes guitar work, rhythm, and arrangements. After the solid “Richard III”, “Sanctuary Sky”, “Great Journeys”, and “Mythical Creatures”, comes “Zodiac”, a concept album centered on the 12 signs of the zodiac. The work explores astrological and symbolic traits through Symphonic Prog sounds, rich in keyboard carpets, analog synthesizers, melodic guitars, and dreamy, epic atmospheres. The running time is substantial, exceeding 72 minutes.
The backward glance is clear: Genesis, Yes, and Pink Floyd soundscapes, along with melodies borrowed from the masters, The Beatles. The authors do, however, make use of AI—at least for the beautiful cover art, if not for a few musical ideas, which are nevertheless played and arranged by the musicians themselves.
Allen’s bass takes center stage right away in “Aries”, which has an energetic, dynamic character. Dominated by prominent guitar riffs and synthesizer sequences with a martial stride, it is a fine example of magniloquent symphonic prog.
“Taurus”, on the other hand, opens with more moderate tempos, deep basslines, and dense keyboard textures (Mellotron/organ style) that reflect a telluric, grounded atmosphere, while one of the album's most interesting passages goes by the name of “Gemini”. The track opens with a gentle guitar arpeggio before developing into a movement that (especially in the vocals) calls to mind early, fairytale-like Pink Floyd. The tempo picks up with “Cancer”, a nod to the world of Yes as well as the broader prog landscape, featuring sharp ideas that turn Cancer into a vibrant, exuberant world. Personally, I always get a thrill whenever I hear whistling '70s-style keyboards—I just can't help it.
Pompous, symphonic arrangements define “Leo”, whereas in “Virgo” an ancestral serenity floats in the air, thanks in part to a piano intro joined shortly after by the electric guitar. Among the most intricate movements is “Libra”, straddling Neo-Prog and '70s Queen; the Syd Barrett-esque vocals (Pink Floyd) also make a return. Then comes the surprise, “Scorpio”, a dive into '80s cosmic-flavored Hard Prog with a simple, direct chorus.
Riffstone shift gears in “Sagittarius”, yet remain tied to musical history, this time stepping into Moody Blues territory with dreamy soundscapes and effective use of vocal harmonies. If you love the Mellotron, listen to “Capricorn”, a track with a rhythmic cadence in places, consistently and elegantly supported by electric guitar.
It's a pleasure to bask in the Yes-like sounds of “Aquarius”, while the finale is entrusted to “Pisces”—an open, dreamlike space blending vocals, acoustic guitar, and synths. The driving feel that follows picks up the pace while remaining firmly rooted in Riffstone's reassuring realm.
With “Zodiac”, the Powell-Allen duo delivers a mature, fluid work that is thoroughly coherent with their musical vision. Twelve tracks that paint a genuine sonic fresco, fully showcasing the strong performance and compositional synergy of the two multi-instrumentalists. They certainly possess an abundance of passion and ideas, and I have a feeling we won't have to wait long for their next release—wonder why. MS

The Flower Kings

THE FLOWER KINGS – Hope
InsideOut Music
Genere: Progressive Sinfonico
Supporto: CD / LP / Blu-Ray / Digitale – 2026

Con i The Flower Kings siamo al cospetto della storia del Progressive Rock svedese e mondiale a partire dagli anni ’70 ad oggi. Inizialmente il leader Roine Stolt (voce, chitarra, tastiere, percussioni) muove i primi passi nei Kaipa, a seguire in altri progetti più o meno minori e maggiori (come i Transatlantic), tutti ben riconducibili alla personalità del leader chitarrista.
Infatti cosa dobbiamo attenderci dal nuovo album “Hope” è già noto, specialmente per i fan: Roine ha uno spiccato senso per la melodia, usufruendo degli anni ’70 come punto di riferimento fra Genesis, King Crimson e tutti quelli che hanno fatto la storia. La discografia dei The Flower Kings è davvero nutrita, con 18 album in studio tutti molto lunghi, fra doppi CD e gustose suite. Come si può evincere dai commenti nei social riguardo alla musica degli svedesi, il pubblico è letteralmente spaccato in due (come per il caso degli Spock’s Beard): chi li adora e chi li ritiene inutili e prolissi, ma questo si sa, è il bello del gusto personale e comunque parlarne anche animatamente è sempre positivo, purché se ne parli, e oggi più che mai il Prog ha bisogno di attenzione visti i cali d’interesse.
Ed ecco dunque che sono sempre le vecchie leve a tirare la carretta; ma attenzione, non che non ci siano nuove alternative valide e giovani, soltanto che se non possiedi un nome noto oggi è difficile emergere in un mondo che sente ma non ascolta più.
Ma “Hope”, pur essendo un classico Flower, ha un certo mutamento rispetto a “Love” del 2025, qui c’è un ritorno alle lunghe suite, ma andiamo per ordine.
La formazione, accanto a Roine Stolt e Hasse Fröberg alla voce e chitarra, vede il ritorno di Michael Stolt al basso e la presenza di Lalle Larsson ai pianoforti e tastiere (autore anche delle musiche della prima suite), affiancati dal drumming dinamico di Mirkko De Maio. Tra i contributi spiccano anche strumenti acustici non convenzionali per il loro sound recente, come il violino di Juraj Stieranka e la fisarmonica di Aliaksandr Yasinski nella suite finale. Le liriche affrontano la crescente polarizzazione politica, l'instabilità globale e la sensazione di imminente decadenza materiale, contrapponendovi un'invocazione alla speranza, alla bellezza e al recupero della dimensione umana.
L’album si apre con una suite di quasi diciannove minuti intitolata “World Spinning - The Final Curtain”, suddivisa in cinque parti coordinate che definiscono subito l'atmosfera sinfonica dell'album. È sempre un piacere imbattersi in suoni colorati e a tratti sognanti, immersi in un mondo fatto di immagini create dall’inconfondibile suono della chitarra. La voce di Hasse Fröberg entra con tono caldo e meditativo prima dell'ingresso della sezione ritmica. La complessità strutturale del Prog fuoriesce in tutta la sua grandezza nella seconda e terza parte con assoli di synth e un piglio vicino al Prog sinfonico di scuola Canterbury e Yes. La Pt. 3 si distende in una melodia ad ampio respiro dove le voci di Stolt e Fröberg si sovrappongono creando armonie corali stratificate. Qui il testo riflette sull'illusione di controllo dell'uomo moderno, prigioniero della fretta e del rumore mediatico. La “calata del sipario” è un monito a risvegliare la propria consapevolezza individuale prima del punto di non ritorno. La parte conclusiva offre digressioni virtuosistiche con forti influenze fusion guidate dal piano di Larsson per poi riprendere il tema principale in un crescendo epico, guidato da un lungo assolo di chitarra di Stolt ricco di sustain e pathos emotivo (il sound caratteristico della band).
A seguire “In A World Of Fools”, scelto come primo singolo apripista, è un brano-ballata più diretto e sentito fra coralità, arpeggi e un cantato toccante da parte di Roine.
“Mars & Minerva” è quasi completamente strumentale, basata ancora una volta sulla chitarra sognante e ponderata con fughe tecniche di elevata caratura, il tutto mantenendo sempre un piede sulla staffa della melodia armoniosa.
E poi c’è la monumentale suite “The Gods Of Rome”, quella che ogni fan della band vorrebbe sempre ascoltare in ogni disco. L’apertura è solenne ed evocativa dove tocchi barocchi di pianoforte e chitarra acustica impostano il tema principale; per il resto i soliti saliscendi emotivi fra sonorità ricercate e armonicamente nutrite.
Certo è che il suono The Flower Kings non muta di una virgola, forse anche per questo alcuni critici stessi spesso arricciano il naso, ma la maestosità e l’emotività di alcuni passaggi fanno del sound The Flower Kings un punto di riferimento per molte band, come ha sempre fatto nel tempo. È semplicemente ottima musica e nient’altro. Per chi vi scrive, “Hope” è un passo in avanti rispetto alle ultime uscite, certo non vado a scomodare titoli importanti come “Stardust We Are”, tuttavia de gustibus… MS 

Versione Inglese:

THE FLOWER KINGS – Hope
InsideOut Music
Genre: Symphonic Progressive
Format: CD / LP / Blu-Ray / Digital – 2026

With The Flower Kings, we find ourselves in the presence of Swedish and global Progressive Rock history from the 1970s to the present day. Initially, leader Roine Stolt (vocals, guitar, keyboards, percussion) took his first steps in Kaipa, followed by various minor and major projects (such as Transatlantic), all clearly traceable to the guitarist-leader's signature personality.
Indeed, what to expect from the new album “Hope” is already well known, especially to fans: Roine has a distinct sense for melody, drawing on the 1970s as a reference point somewhere between Genesis, King Crimson, and all those who made history. The Flower Kings' discography is truly substantial, boasting 18 studio albums, all of considerable length, ranging from double CDs to delightful epics. As can be gathered from social media comments regarding the Swedes' music, the audience is literally split in two (much like in the case of Spock’s Beard): those who adore them and those who consider them unnecessary and prolix. But as we know, that is the beauty of personal taste, and in any case, discussing it—even animatedly—is always positive, as long as people are talking. Today, more than ever, Prog needs attention given the decline in interest.
And so once again, it is the old guard pulling the cart; but mind you, it is not that valid, young new alternatives do not exist, only that without a well-known name today, it is difficult to emerge in a world that hears but no longer listens.
However, “Hope”, while remaining a classic Flower release, shows a certain shift compared to 2025’s “Love”, marking a return to long epics, but let us take things in order.
The lineup, alongside Roine Stolt and Hasse Fröberg on vocals and guitar, sees the return of Michael Stolt on bass and the presence of Lalle Larsson on pianos and keyboards (who also composed the music for the first epic), supported by Mirkko De Maio's dynamic drumming. Among the contributions, unconventional acoustic instruments for their recent sound also stand out, such as Juraj Stieranka's violin and Aliaksandr Yasinski's accordion in the final epic. The lyrics address growing political polarization, global instability, and the sense of impending material decline, countering these with a plea for hope, beauty, and the reclaiming of the human dimension.
The album opens with an epic of nearly nineteen minutes titled “World Spinning - The Final Curtain”, divided into five coordinated parts that immediately establish the album's symphonic atmosphere. It is always a pleasure to encounter colorful and at times dreamy sounds, immersed in a world of imagery created by the unmistakable tone of the guitar. Hasse Fröberg’s vocals enter with a warm and meditative tone before the entrance of the rhythm section. Prog’s structural complexity emerges in all its splendor in the second and third parts, featuring synth solos and an approach close to Canterbury-school symphonic Prog and Yes. Pt. 3 unfolds into a sweeping melody where Stolt and Fröberg’s voices overlap to create layered choral harmonies. Here, the lyrics reflect on modern man's illusion of control, imprisoned by haste and media noise. The “final curtain” serves as a warning to awaken individual awareness before reaching the point of no return. The closing section delivers virtuosic digressions with strong fusion influences led by Larsson’s piano, before reprising the main theme in an epic crescendo, driven by a long guitar solo from Stolt, rich in sustain and emotional pathos (the band's trademark sound).
Next is “In A World Of Fools”, chosen as the lead single: a more direct and heartfelt ballad-style track featuring vocal harmonies, arpeggios, and a touching vocal delivery from Roine.
“Mars & Minerva” is almost entirely instrumental, built once again on dreamy, measured guitar work with technical passages of high caliber, all while keeping one foot firmly in the stirrup of harmonious melody.
And then comes the monumental epic “The Gods Of Rome”, the kind of track every fan of the band hopes to find on every record. The opening is solemn and evocative, with baroque touches of piano and acoustic guitar setting the main theme; for the rest, it features the usual emotional ebb and flow between refined and harmonically rich soundscapes.
To be sure, The Flower Kings' sound does not shift by an inch, which is perhaps why some critics themselves often turn up their noses. Yet, the majesty and emotional resonance of certain passages make The Flower Kings' sound a benchmark for many bands, just as it always has been over time. It is simply great music, plain and simple. For this writer, “Hope” is a step forward compared to recent releases—certainly, I won't go so far as to invoke monumental titles like “Stardust We Are”—nevertheless, de gustibus… MS

Abigail's Ghost

ABIGAIL’S GHOST - Black Plastic Sun
Winter
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: CD / Vinile / Digital – 2015

In ambito Rock Progressivo sappiamo bene cosa sono stati i Porcupine Tree, band amata ed odiata allo stesso tempo dai più radicati amanti del genere, i quali non accettano il cambiamento considerando la band di Steven Wilson distante dal termine Progressive Rock classico. Il tempo invece ci riporta un'altra storia, sono stati (e lo sono tutt’ora) un faro e un punto di riferimento per moltissimi altri artisti.
Una di queste formazioni totalmente debitrici ai Porcupine Tree sono gli americani Abigail’s Ghost. La band viene fondata nel 2003 nei pressi di Houma/New Orleans dal cantante e chitarrista Joshua Theriot e dal bassista Kenneth Wilson. I due, amici fin dai tempi del liceo, si trasferiscono a Boston per frequentare la rinomata Berklee College of Music. Tuttavia, Wilson (che coincidenza…) decide di abbandonare gli studi musicali per tornare in Louisiana a studiare biologia. I due continuano a comporre brani a distanza tramite Internet e, trovandosi con arrangiamenti completi che richiedevano una sezione ritmica ed elettronica reale, reclutano il tastierista Brett Guillory, il batterista John Patrick e il chitarrista Randy LeBoeuf.
Pubblicano in totale autonomia l'esordio “Selling Insincerity” (che consiglio di reperire), seguito nel 2009 da “D Letion”. Fin dalle prime uscite la critica li accosta inevitabilmente a band come appunto i Porcupine Tree, ma anche Pineapple Thief e Riverside, pur mantenendo un'impronta Alternative Rock marcata. Nonostante l'aura oscura ed evocativa del nome Abigail's Ghost, non vi è un legame diretto con concetti sovrannaturali o letterari specifici, ma rispecchia piuttosto la predisposizione della band per sonorità malinconiche, intimiste e viscerali.
“Black Plastic Sun” rappresenta la maturazione della band ed ammorbidisce in parte le spigolosità metalliche dei primi lavori per concentrarsi su tessiture più atmosferiche, stratificazioni di tastiere, groove ritmici complessi e linee vocali altamente melodiche. Il titolo evoca una sensazione di freddezza industriale, alienazione e artificialità ("un sole di plastica nera").
L’apertura imponente e dilatata di “Thereafter” costruisce la tensione accumulando gradualmente layers di chitarre pulite, synth fluttuanti e un basso profondo. La struttura evita la classica forma canzone per evolversi in sezioni dinamiche che alternano delicatezza acustica e aperture Heavy. Il testo analizza la devastazione emotiva e la sensazione di smarrimento che segue una rottura o una perdita affettiva. Si riflette sull'incapacità di andare avanti quando la mente resta incastrata nei ricordi di ciò che è stato.
Costruito su un pattern ritmico spezzato e sincopato, “Sliver” gode di una chitarra ritmica che dialoga costantemente con il lavoro di tastiere, creando una tensione latente che esplode in un refrain melodico di immediato impatto. Qui si narra di piccole crepe psicologiche.
A questo punto giunge il lato più pacato e riflessivo della band con il brano “For Damien”, una ballata gradevolissima in cui la band riflette sull'incomprensione e sull'isolamento. Vi è un forte senso di disillusione verso le aspettative riposte negli altri.
A seguire, fra i brani maggiormente riusciti dell’album formato da undici tracce, ci sono “Bloodlust” e “Le Metteur”. Come avrete potuto constatare dalla grafica della copertina e dalla sua immagine, i punti di contatto con la band di Steven Wilson sono palesi, quasi volessero essere un messaggio subliminale per un eventuale acquirente. Non lascia adito a molti dubbi.
Una menzione a parte va al cantato di Joshua Theriot, davvero molto simile a quello di Wilson, anche qui come nel primo album, viene fatto uso del voice phone, caratteristico della band dell’albero del porcospino.
L'album scivola via come una lunga ombra urbana, lasciando nell'ascoltatore un senso di lucida malinconia. Non un semplice esercizio di genere, ma un viaggio introspettivo dove ogni singolo tassello trova la sua naturale ed inesorabile collocazione.
Gli Abigail's Ghost figurano ancora come un progetto sospeso, una formazione da studio estremamente qualificata che, pur non avendo dichiarato la fine del percorso, ha congelato l'attività a tempo indeterminato. Aspettiamo fiduciosi. MS

Versione Inglese: 

ABIGAIL’S GHOST - Black Plastic Sun
Winter
Genre: Modern Post-Prog
Format: CD / Vinyl / Digital – 2015

In the Progressive Rock realm, we know all too well what Porcupine Tree meant—a band loved and hated in equal measure by the most die-hard genre purists, who refuse to accept change and consider Steven Wilson’s outfit far removed from classic Progressive Rock. Time, however, tells a different story: they were (and remain) a beacon and a touchstone for countless other artists.
One of these formations entirely indebted to Porcupine Tree is the American band Abigail’s Ghost. The group was founded in 2003 near Houma/New Orleans by singer and guitarist Joshua Theriot and bassist Kenneth Wilson. The two, high school friends, moved to Boston to attend the prestigious Berklee College of Music. However, Wilson (what a coincidence…) decided to leave his music studies to return to Louisiana and pursue biology. The pair continued writing tracks remotely over the Internet and, finding themselves with full arrangements that demanded a real rhythm section and electronics, recruited keyboardist Brett Guillory, drummer John Patrick, and guitarist Randy LeBoeuf.
They self-released their debut “Selling Insincerity” (which I highly recommend tracking down), followed in 2009 by “D Letion”. Right from their early releases, critics inevitably compared them to bands like Porcupine Tree, as well as The Pineapple Thief and Riverside, all while maintaining a distinct Alternative Rock edge. Despite the dark and evocative aura of the name Abigail's Ghost, there is no direct link to specific supernatural or literary concepts; rather, it reflects the band's penchant for melancholic, intimate, and visceral soundscapes.
“Black Plastic Sun” represents the band's maturation, softening some of the metallic edge of their early works to focus on more atmospheric textures, layered keyboards, complex rhythm grooves, and highly melodic vocal lines. The title evokes a sense of industrial coldness, alienation, and artificiality ("a black plastic sun").
The grand, sprawling opener “Thereafter” builds tension by gradually stacking layers of clean guitars, floating synths, and a deep bassline. Its structure shuns the traditional verse-chorus formula, evolving instead through dynamic passages that alternate acoustic delicacy with heavy outbursts. The lyrics delve into emotional devastation and the sense of disorientation following a breakup or personal loss, reflecting on the inability to move forward when the mind remains trapped in memories of what used to be.
Built on a syncopated, broken rhythmic pattern, “Sliver” boasts a rhythm guitar in constant dialogue with the keyboard work, forging a latent tension that erupts into an instantly impactful melodic refrain. Here, the narrative centers on small psychological fractures.
Next comes the band’s more subdued and reflective side with “For Damien”, a delightful ballad in which the group muses on miscommunication and isolation, driven by a profound disillusionment with the expectations placed on others.
Following that, among the standout tracks on this eleven-song record, are “Bloodlust” and “Le Metteur”. As you may have noticed from the cover art and imagery, the parallels with Wilson’s band are blatant—almost as if intended as a subliminal message to prospective buyers. It leaves very little room for doubt.
A special mention goes to Joshua Theriot's vocals, remarkably similar to Wilson’s; here, as on their debut album, use is made of the voice-phone effect so signature to the Porcupine Tree sound.
The album glides by like a long urban shadow, leaving the listener with a sense of lucid melancholy. Far from a mere genre exercise, it stands as an introspective journey where every single piece finds its natural, inescapable place.
Abigail's Ghost remain a project on hold—an exceptionally qualified studio outfit that, while never officially disbanding, has frozen its activity indefinitely. We wait in hopeful anticipation. MS

Karibow

KARIBOW – Ophelia
RockWerk Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Fra le nazioni europee più attive in ambito Prog odierno, sicuramente la Germania si va a piazzare poco sotto alla maestra Inghilterra. Tanti gli artisti che oggi rilasciano dischi di buona fattura, di certo internet e l’IA hanno accelerato di molto le lavorazioni. Per questo motivo ci si imbatte spesso in one-man band, lo avrete notato anche voi più appassionati. Tuttavia esistono artisti che si adoperano nel campo da molto tempo, come Oliver Rüsing (tutti gli strumenti) e il suo progetto Karibow.
I Karibow nascono in Germania nell'inverno tra il 1996 e il 1997. Originariamente concepito come sestetto, il progetto si è progressivamente evoluto intorno alla figura centrale di Rüsing, che cura la quasi totalità delle stesure, delle voci e del suonato (dalle chitarre alle tastiere, passando per basso e batteria), avvalendosi spesso di ospiti e collaboratori per le esecuzioni live o specifiche sezioni soliste.
Musicalmente il progetto si colloca nell'alveo del Crossover Prog / Neo-Prog, caratterizzato da spiccate linee melodiche, ritmiche quadrate e moderne, arrangiamenti stratificati di tastiere, riff di chitarra d'impatto e un'attitudine lirica incentrata sulle dinamiche interiori, la psicologia umana e il contesto socio-culturale contemporaneo. Nutrita la discografia, composta da sedici album in studio compreso quest'ultimo “Ophelia”, supportato dalla collaborazione di special guest che rispondono ai nomi di Philipp Dauenhauer (chitarre), Markus Savic (violino) e Andy Pendant (sax, tromba, trombone, corno francese). L’album si distingue per una produzione limpida, passaggi atmosferici alternati ad aperture chitarristiche Rock d'ispirazione canadese (con una chiara vicinanza al sound dei Saga) e strutture ritmiche curate nei dettagli da Rüsing. Il tutto è molto melodico e prossimo alla formula canzone.
“Ophelia” si apre con l’immancabile “Overture”, qui affidata a stratificazioni di tastiere, coralità e sintetizzatori, che introducono le linee cromatiche e i motivi armonici che ricorrono nell'album. Queste conducono alla title track, pezzo incentrato su un tempo medio con dinamiche in crescendo, caratterizzato da tastiere avvolgenti, assoli di chitarra elettrica ed efficaci stacchi ritmici. Il ritornello è funzionale e facilmente memorizzabile. La sensibilità dell’artista fuoriesce da ogni nota.
Il testo richiama la figura tragica e letteraria di Ofelia per esplorare la fragilità emotiva, il senso di smarrimento e la vulnerabilità dell'essere umano di fronte alle pressioni esterne e alle difficoltà relazionali. Brano più diretto e ritmato con un incisivo chorus melodico è “On Higher Ground”, con un'impronta lirica più positiva e ottimistica. Tratta il desiderio di elevarsi al di sopra delle negatività quotidiane, del rumore di fondo della società moderna e delle manipolazioni mediatiche cospirazioniste, cercando una prospettiva più lucida. Arioso e diretto, si lascia ascoltare con estremo piacere ricordando alcuni passaggi degli anni ’80.
“Unreal” è una mini-suite di dieci minuti in cui si alternano momenti intimisti e sognanti a sezioni Rock vigorose in cui le chitarre prendono il sopravvento con cambi di tempo repentini. Il testo esplora il confine labile tra realtà e percezione fantastica, la sensazione di scollegamento dalla realtà e la fuga nei propri mondi di illusione interiori.
Il fulcro dell’album tuttavia deriva dal trittico “Icicles Part I: The Circle”, “Icicles Part II: Peace” e “Icicles Part III: Out Of The Ice”, fra interventi vigorosi e innesti Neo Prog.
Concludendo, “Ophelia” è un viaggio dentro le fragilità e le contraddizioni dell'uomo contemporaneo, un percorso che parte dallo smarrimento per ritrovare, passo dopo passo, una propria concretezza. Attraverso trame sonore sempre equilibrate e ricche di atmosfera, i Karibow mettono a segno un'opera coesa e ispirata, capace di toccare le corde giuste. Un ascolto consigliato a chiunque sappia ancora apprezzare il Prog d'autore fatto di belle melodie, storia ed eleganza. Piacevole. MS

Versione Inglese: 

KARIBOW – Ophelia
RockWerk Records
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Among the European nations most active in today's Prog scene, Germany certainly places just below the master, England. Many artists today release well-crafted albums; certainly, the internet and AI have greatly accelerated production workflows. For this reason, one often runs into one-man bands, as the most passionate among you will have noticed. However, there are artists who have been working in the field for a long time, such as Oliver Rüsing (all instruments) and his project Karibow.
Karibow was formed in Germany in the winter between 1996 and 1997. Originally conceived as a sextet, the project gradually evolved around the central figure of Rüsing, who handles almost all writing, vocals, and instruments (from guitars to keyboards, passing through bass and drums), often relying on guests and collaborators for live performances or specific solo sections.
Musically, the project fits into the Crossover Prog / Neo-Prog realm, characterized by strong melodic lines, solid and modern rhythms, layered keyboard arrangements, impactful guitar riffs, and a lyrical approach focused on inner dynamics, human psychology, and the contemporary socio-cultural context. The discography is extensive, consisting of sixteen studio albums including this latest release, “Ophelia”, supported by the collaboration of special guests such as Philipp Dauenhauer (guitars), Markus Savic (violin), and Andy Pendant (sax, trumpet, trombone, French horn). The album stands out for its crystal-clear production, atmospheric passages alternating with Canadian-inspired Rock guitar openings (showing a clear affinity with the sound of Saga), and rhythmic structures crafted in meticulous detail by Rüsing. Overall, it is very melodic and close to traditional song structures.
“Ophelia” opens with the inevitable “Overture”, here entrusted to layers of keyboards, choral textures, and synthesizers, which introduce the chromatic lines and harmonic motifs recurring throughout the album. These lead into the title track, a mid-tempo piece with building dynamics, featuring enveloping keyboards, electric guitar solos, and effective rhythmic breaks. The chorus is functional and easily memorable. The artist's sensitivity shines through every note.
The lyrics evoke the tragic and literary figure of Ophelia to explore emotional fragility, a sense of disorientation, and human vulnerability in the face of external pressure and relational difficulties. A more direct and upbeat track with an incisive melodic chorus is “On Higher Ground”, featuring a more positive and optimistic lyrical tone. It deals with the desire to rise above daily negativity, the background noise of modern society, and conspiracy-driven media manipulation, seeking a clearer perspective. Airy and direct, it is an absolute pleasure to listen to, bringing to mind certain passages from the 1980s.
“Unreal” is a ten-minute mini-suite that alternates intimate, dreamy moments with vigorous Rock sections where guitars take center stage with sudden time signature changes. The lyrics explore the thin line between reality and fantastical perception, the feeling of disconnect from reality, and the escape into one's own inner worlds of illusion.
The core of the album, however, stems from the triptych “Icicles Part I: The Circle”, “Icicles Part II: Peace”, and “Icicles Part III: Out Of The Ice”, blending powerful arrangements with Neo-Prog accents.
In conclusion, “Ophelia” is a journey into the fragilities and contradictions of modern man—a path that starts from disorientation to rediscover, step by step, a sense of grounding. Through balanced soundscapes rich in atmosphere, Karibow delivers a cohesive and inspired work capable of striking the right chords. Recommended listening for anyone who still appreciates refined Prog built on great melodies, history, and elegance. Enjoyable. MS

Blessed Child Opera

BLESSED CHILD OPERA – The Traveler Challenges Death
Seahorse Recordings
Genere: Dark Folk-Wave
Supporto: CD / Digital – 2026

La morte ci fa sentire vivi. Quante volte abbiamo pensato alla dama in nero nel corso della vita e quanti artisti hanno decantato le sue inesorabili gesta. Con i Blessed Child Opera si affronta l’argomento attraverso una musica Dark Folk, di certo un buon terreno per esprimere certi concetti.
Paolo Messere è il cantante, musicista e produttore napoletano autore del progetto Blessed Child Opera, fondato nel 2001. Figura chiave dell'underground indipendente italiano, è noto sia per la sua attività musicale sia come fondatore e anima della Seahorse Recordings. La discografia della band (iniziata con l'esordio omonimo del 2001 e proseguita con lavori rilevanti come “Looking After The Child”, “Happy Ark”, “Soldiers And Faith”, “Fifth”, fino al recente “Red Flags” del 2025) si è distinta negli anni per un Alternative Folk / Post Punk fortemente introspettivo e cupo. Tra influssi à la Nick Cave, Joy Division, Swans e marcate sfumature psichedeliche, il progetto di Messere si muove da sempre su territori drammatici ed esistenzialisti. Con Messere ritrovare la batteria è Matteo Anelli.
Come già anticipato, il filo conduttore del disco affronta il concetto del viaggio, il valore del tempo e la percezione del confine sottile che separa la vita dalla morte.
Si inizia con l’insofferenza verso l’antagonismo uomo/donna, sospesa fra domande senza risposta, in “The End Of The Line / And Yet I Remain Still”, dove il basso batte come una campana a morto su uno strato di synth. Gli anni ’80 della New Wave aleggiano in ogni dove, mentre anche il cantato richiama ulteriormente quel periodo con grande intensità. Perfetta la copertina dell’album per questa musica introspettiva. Il brano muta appoggiando l’intensità su una ritmica insistita ma mutevole, con richiami psichedelici che donano all’insieme un senso di inquietudine.
La musica dei Blessed Child Opera non si affida al tecnicismo, quanto piuttosto all’immagine che certi suoni possono far scaturire; ne è prova “Even Before It All Ends”, in cui le tastiere ancora una volta disegnano le atmosfere. Qui c’è la ricerca della salvezza che passa attraverso la tenerezza e quei momenti in cui ci si estranea dalla realtà. Messere più che cantare narra, ed è straziante l’atmosfera di base sorretta nuovamente da un'ottima ritmica.
“Gray Calm” si sofferma davanti alla bellezza della natura con uno spiraglio musicale maggiormente solare, come un piccolo raggio di sole che trafigge la nebbia.
“Sudden Pain” è profonda nel concetto del non riconoscersi nel posto in cui si vive e del tempo che passa. Suoni elettronici spaziano in loop sopra un basso martellante; non ci sono mai soli strumentali, quanto piuttosto accompagnamenti melodici di fondo.
“Like Souls In Heart” ha sfumature World orientali, una variante nel contesto, segue “The World By A Mistake”, in cui ci si interroga sull’esistenza in un mondo sbagliato e sulla fede. Qui il ritmo sale proponendo un andamento incalzante in cui ancora una volta gli anni ’80 ci catturano (Litfiba e molto altro).
Ed è la volta del singolo apripista “I Will No Longer Be Here”, dove si parla di spiritualità e del rifiuto di conformarsi alla massa. Il brano è guidato da un'atmosfera Folk scura e da innesti celtici evidenziati dal suono delle cornamuse nel finale; parte sognante e riflessivo per poi appesantirsi gradualmente nella sezione conclusiva.
Gradevole nell’andamento “Nothing That Can Nourish Me”, una canzone che suscita in me diversi e piacevoli déjà-vu (Cure), mentre “Nothing Can Be Controlled Anymore” ci narra di un mondo incontrollabile su note che nuovamente vanno ad attingere alle culture arabe.
“One Less Reason Not To Try Again” è la traccia più breve dell’album con i suoi quasi tre minuti di musica. L’andamento è più giocoso, seppur sempre malinconico, e mette in evidenza ancora una volta la capacità tecnica di Matteo Anelli. Bella la melodia di fondo.
La chiusura dell’album spetta a “I Feel Like I Don’t Feel (Nostalgia)”, il brano più vicino alla forma canzone.
“The Traveler Challenges Death” non è un album pensato per compiacere, né tanto meno per alleggerire le giornate. Tra influssi celtici, drammaturgia Post Punk e una tensione esistenziale costante, i Blessed Child Opera firmano un lavoro coerente con la propria poetica della cupa perseveranza. Pesante? Indubbiamente. Ma per chi sa dove andare a scavare, anche la pietra più dura sa restituire la sua cupa bellezza. MS

Versione Inglese: 

BLESSED CHILD OPERA – The Traveler Challenges Death
Seahorse Recordings
Genre: Dark Folk-Wave
Format: CD / Digital – 2026

Death makes us feel alive. How many times over the course of our lives have we thought about the lady in black, and how many artists have celebrated her inexorable deeds. With Blessed Child Opera, the topic is tackled through Dark Folk music, certainly a fitting ground to express such concepts.
Paolo Messere is the Neapolitan-born singer, musician, and producer behind the Blessed Child Opera project, founded in 2001. A key figure in the Italian independent underground, he is well known both for his musical output and as the founder and driving force of Seahorse Recordings. Over the years, the band's discography (which began with their self-titled 2001 debut and continued with significant works like “Looking After The Child”, “Happy Ark”, “Soldiers And Faith”, “Fifth”, up to the recent “Red Flags” in 2025) has stood out for a deeply introspective and dark Alternative Folk / Post-Punk. Moving between influences à la Nick Cave, Joy Division, Swans, and pronounced psychedelic nuances, Messere's project has always inhabited dramatic, existential territories. Alongside Messere, we find Matteo Anelli on drums.
As mentioned, the thread running through the album addresses the concept of the journey, the value of time, and the perception of the fine line separating life from death.
It begins with the intolerance towards male/female antagonism, suspended between unanswered questions, in “The End Of The Line / And Yet I Remain Still”, where the bass tolls like a death knell over a layer of synths. The 80s New Wave atmosphere lingers throughout, while the vocals further recall that era with great intensity. The album cover serves as a perfect match for this introspective music. The track shifts, building its intensity upon an insistent yet shifting rhythm, with psychedelic touches that lend a sense of disquiet to the whole.
The music of Blessed Child Opera does not rely on technical displays, but rather on the imagery that certain sounds can evoke; proof of this is “Even Before It All Ends”, where the keyboards once again paint the atmosphere. Here lies a search for salvation that passes through tenderness and those moments when one detaches from reality. Rather than singing, Messere narrates, and the underlying atmosphere is heartbreaking, supported once again by an excellent rhythm section.
“Gray Calm” pauses before the beauty of nature with a somewhat brighter musical opening, like a small ray of sunlight piercing through the fog.
“Sudden Pain” digs deep into the concept of feeling alien to the place one lives in and the passage of time. Electronic sounds loop over a pounding bassline; there are no purely instrumental solos, but rather background melodic accompaniments.
“Like Souls In Heart” features Eastern World music nuances, a variation within the context, followed by “The World By A Mistake”, which questions existence in a flawed world and touches upon faith. Here the pace picks up, offering a driving rhythm where the 80s once again capture us (Litfiba and much more).
Then comes the lead single “I Will No Longer Be Here”, dealing with spirituality and the refusal to conform to the crowd. The track is guided by a dark Folk atmosphere and Celtic infusions highlighted by the sound of bagpipes in the finale; it starts dreamy and reflective before gradually growing heavier in the closing section.
“Nothing That Can Nourish Me” has an agreeable movement, a song that evokes several pleasant moments of déjà-vu (The Cure) in me, while “Nothing Can Be Controlled Anymore” tells of an uncontrollable world over notes that draw once more from Arab musical traditions.
“One Less Reason Not To Try Again” is the shortest track on the album at nearly three minutes of music. The feel is more playful, albeit persistently melancholic, highlighting once again the technical skill of Matteo Anelli. The underlying melody is beautiful.
The closing of the album falls to “I Feel Like I Don’t Feel (Nostalgia)”, the track closest to a traditional song structure.
“The Traveler Challenges Death” is not an album designed to please, nor to lighten anyone's day. Between Celtic influences, Post-Punk drama, and a constant existential tension, Blessed Child Opera deliver a work entirely coherent with their poetic vision of somber perseverance. Heavy? Undoubtedly. But for those who know where to dig, even the hardest stone can yield its dark beauty. MS

 

Cydonia

CYDONIA - Second Sight
Timezone Records
Genere: Neo Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Anche il Neo Prog sa aggiornarsi con nuove sonorità, malgrado spesso sia relegato ai suoi immarcescibili stilemi. Lo dimostrano oggi i tedeschi Cydonia che con il secondo album “Second Sight” confermano quanto fatto di buono nel 2022 con “Stations”, facendo un ulteriore passo in avanti.
Formati a Freiburg nel 2007, si ispirano per il nome alla celebre regione del pianeta Marte legata al mito delle formazioni rocciose e del mistero. Si distinguono per l'abilità nel fondere la tradizione del Prog britannico (Genesis, Marillion, IQ, etc.) con la potenza e il rigore formale tipici del Rock germanico (Eloy, RPWL). Sono oggi composti da Michael Bernauer (voce, chitarra), Rainer Dück (chitarre), Oliver Gerike (basso, cori, chitarra), Daniel Perrey (tastiere, cori) e Dirk Fenchel (batteria). Per la realizzazione di “Second Sight” si avvalgono della collaborazione di artisti come Jens Lueck (tastiere aggiunte), Katja Flintsch (violino, viola), Annika Stolze (violoncello) e Ylva Roya Gutmann (voce narrante).
L’apertura di “Heart Of Stone” è una via di mezzo fra la caratteristica matassa Neo Prog ed una ricerca strutturale più intimistica, a favore di un canto deciso ma allo stesso tempo appropriatamente malleabile a seconda delle circostanze. I solo di chitarra sono brevi ma incisivi, specialmente quando la band alza i toni come dopo la parte centrale del brano. Il testo esplora il tema della difesa emotiva e della corazza psicologica che l'essere umano si costruisce di fronte al dolore. Il "cuore di pietra" non viene descritto come sinonimo di cattiveria, ma come un disperato meccanismo di sopravvivenza contro le delusioni del mondo esterno, al prezzo inevitabile dell'isolamento.
Un dolce arpeggio di chitarra apre “Clouds Of Tears” adagiato su un tappeto di tastiere, una riflessione lirica sulla perdita e sul momento in cui il lutto (reale o figurato) offusca la visione del futuro. L’andamento malinconico fa aleggiare la mente in ambienti ampi ma offuscati. Il crescendo è inevitabile, così i Cydonia esplodono in tutte le strumentazioni con un solo di chitarra che sale in cattedra.
La suite di tredici minuti “Father” è un poco il fulcro stilistico della band, dove si mettono sul tavolo tutte le carte in possesso, dalla personalità mai troppo debita a band correlate alla capacità di saper scrivere melodie di facile presa ma mai banali. Cambi di tempo ed umorali sono ovviamente a supporto. I testi narrano una disamina sul rapporto padre-figlio, affrontata da una duplice prospettiva: l'eredità spirituale ricevuta e il peso delle aspettative mai soddisfatte. Il testo oscilla tra nostalgia, risentimento e perdono, configurandosi come un vero e proprio dialogo interiore con la figura paterna.
A questo punto serve un attimo di respiro dopo tanto ascoltare e ci pensano i quattro minuti di “Home” con sentimento, sorretto da un pianoforte a coda e da buoni interventi di chitarra. Per ascoltare un arpeggio di chitarra in classico stile Neo Prog bisogna giungere a “Huge Black Hole”. Il "buco nero" è l'attrazione gravitazionale dei pensieri negativi che rischia di inghiottire l'identità dell'individuo, prosciugandone le energie vitali. A questo punto i Cydonia tornano a fare seriamente in “Sorrow's Lullaby”, sviluppando un tempo ternario dondolante (una "ninna nanna" tragica) che evolve progressivamente verso trame complesse. Eccellente il lavoro della chitarra solista, che dialoga a lungo con i sintetizzatori in un botta e risposta di grande lirismo tecnico.
La seconda suite dell’album s’intitola “Guardian Angel”, ed è il brano che ho apprezzato maggiormente con le sue aperture ariose ed epiche fra il mondo Pallas ed IQ. Ovviamente l’"angelo custode" è ciò che ci impedisce di cadere nel baratro nei momenti di massimo sconforto.
Si conclude con “Enjoy Yourselves”, un'altra immersione nello stile Pallas a tutti gli effetti, quelli maggiormente intimistici.
In definitiva, con “Second Sight”, i Cydonia confezionano un lavoro bilanciato, profondo e suonato con una perizia tecnica mai fine a se stessa. L'alternanza tra brani lunghi e momenti più immediati garantisce un ascolto fluido e appagante, rendendo l'album gradevole oltre che emozionante. MS

Versione Inglese: 

CYDONIA - Second Sight
Timezone Records
Genre: Neo Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Neo Prog, too, knows how to update itself with fresh sounds, even though it is often relegated to its unfading tropes. Germany's Cydonia prove this today: with their second album “Second Sight”, they confirm all the good work done in 2022 with “Stations”, taking a further step forward.
Formed in Freiburg in 2007, they take their name from the famous region on Mars linked to the myth of rock formations and mystery. They stand out for their ability to blend the tradition of British Prog (Genesis, Marillion, IQ, etc.) with the power and formal rigor typical of German Rock (Eloy, RPWL). Today, the line-up features Michael Bernauer (lead vocals, guitar), Rainer Dück (guitars), Oliver Gerike (bass, backing vocals, guitar), Daniel Perrey (keyboards, backing vocals), and Dirk Fenchel (drives). For the realization of “Second Sight”, they benefited from the collaboration of guest artists such as Jens Lueck (additional keyboards), Katja Flintsch (violin, viola), Annika Stolze (cello), and Ylva Roya Gutmann (spoken word).
The opening track, “Heart Of Stone”, sits halfway between the characteristic Neo Prog weave and a more intimate structural exploration, supporting vocals that are decisive yet appropriately versatile depending on the context. The guitar solos are brief but incisive, especially when the band raises the intensity after the midsection. The lyrics explore the theme of emotional defense and the psychological armor human beings build when facing pain. The "heart of stone" is not portrayed as a synonym for malice, but as a desperate survival mechanism against the disappointments of the outside world, at the inevitable cost of isolation.
A delicate guitar arpeggio opens “Clouds Of Tears”, resting on a synth pad—a lyrical reflection on loss and the moment when grief (whether real or figurative) clouds the vision of the future. The melancholy tempo lets the mind wander through vast yet hazy environments. A crescendo is inevitable, leading Cydonia to burst forth with full instrumentation as a guitar solo takes center stage.
The thirteen-minute epic “Father” serves as the band's stylistic cornerstone. Here, they lay all their cards on the table, showcasing an identity that is never overly indebted to landmark bands, alongside a knack for writing accessible yet far from trivial melodies. Time signature shifts and mood changes naturally support the narrative. The lyrics offer an examination of the father-son relationship, approached from a dual perspective: the spiritual legacy received and the burden of unfulfilled expectations. The narrative sways between nostalgia, resentment, and forgiveness, taking the shape of a true internal dialogue with the father figure.
At this point, a breath of air is needed after such dense listening, provided by the four emotional minutes of “Home”, anchored by a grand piano and tasteful guitar work. To hear a classic Neo Prog style guitar arpeggio, one has to wait for “Huge Black Hole”. The "black hole" represents the gravitational pull of negative thoughts, threatening to swallow the individual's identity and drain their vital energy. Cydonia then get down to serious business again in “Sorrow's Lullaby”, developing a swaying compound meter (a tragic "lullaby") that progressively evolves into complex textures. The lead guitar work is outstanding, engaging in an extended call-and-response with the synthesizers marked by great technical lyricism.
The album's second epic is titled “Guardian Angel”, and it is the track I appreciated the most, with its airy, grand openings bridging the worlds of Pallas and IQ. Naturally, the "guardian angel" is what keeps us from falling into the abyss during moments of deepest despair.
The record closes with “Enjoy Yourselves”, another full immersion into Pallas territory, specifically their more intimate side.
Ultimately, with “Second Sight”, Cydonia deliver a balanced, profound album played with technical prowess that is never an end in itself. The balance between long epics and more immediate moments ensures a fluid and rewarding listen, making the album engaging as well as emotionally resonant. MS