Faveravola

FAVERAVOLA – Castrum Zummellarum
Open Mind - Lizard Records
Genere: Progressive Folk
Supporto: cd – 2024

Anche se siamo nel periodo della musica liquida, ritengo che un degno artwork debba sempre necessariamente accompagnare un supporto sonoro, specialmente se trattasi di vinile o di CD.
Se poi un album ha come argomento un discorso unico, ossia un concept, allora il libretto di accompagnamento alla musica assume una valenza certamente maggiore, a coronamento di un connubio perfetto musica-immagine.
Questo preambolo serve per portare come esempio l’ultimo lavoro della band veneta Faveravola, al ritorno discografico dopo il debutto datato 2006 “Contea Dei Cento Castagni”, qui i disegni e l’ideazione grafica di Marta De Martin sono curati, con tanto di testi e fotografie all’interno. Il concept tratta della saga del Castello di Zumelle e dell’amore tra il cavalier Muricimiro e Atleta, con musiche Prog Folk relegate agli anni ’70, aventi influenze di artisti quali Le Orme e Angelo Branduardi. Non a caso il flauto e il violino si fondono perfettamente in questo contesto.
Oggi la band è composta da Giancarlo Nicorelli (tastiere, voce narrante), Adriano Durighetto (basso), Paolo Coltro (batteria), Alessandro Secchi (voce), Consuelo Marcon (violino), Gianluca Tassi (chitarra elettrica), Renato Bettello (flauto, sax soprano), e Flavio Miotto (chitarra acustica). Con loro c’è la partecipazione straordinaria di Bianca Luna (voce) e del Coro Sant’Anselmo nel brano di apertura “Anno Domini DXXXV”.
Un maestoso organo inizia la storia, dove la voce narrante di Nicorelli immerge l’ascoltatore nel prologo. Le coralità catapultano la fantasia immediatamente nel medioevo dove il castello di Zumelle, cavalieri e pulzelle si stagliano avanti a noi. Ma è con “Anno Del Signore 2024” che i Faveravola mettono in pratica la propria arte immersa in suoni pastorali in cui la cultura del passato è trattata con i guanti. Il violino e il flauto ci invitano in una danza trecentesca con licenza poetica, nella ballata abbiamo, come nel madrigale trecentesco, un legame diretto tra la struttura poetica e la struttura musicale.
Un pianoforte apre “Murcimiro” ed è la voce struggente di Secchi a tracciare la storia nella torre del castello. Il brano si evolve in stile Prog Folk nella durata dei suoi otto minuti abbondanti, qui il crescendo sonoro verso il Rock dona all’insieme un vigoroso ampio respiro. Notevole il solo di chitarra elettrica da parte di Tassi, così l’album decolla fra passato, presente e cambi di tempo.
“Atleta” è una mini suite di dieci minuti, dove suoni sinestetici presentano colori a pastello. La voce di Bianca Luna è incantevole, il duetto maschile e femminile ha sempre un fascino immemore, così l’andamento solare prossimo allo stile Orme degli anni ’70, il tutto grazie all’uso delle tastiere. L’amore è l’argomento centrale del dolce brano. Con “L’Attesa” il ritmo sale assieme all’enfasi sonora a ricordare che comunque trattasi sempre di Rock. La traccia più lunga è di undici minuti e s’intitola “Il Rapimento”, per l’insieme ritengo che sia anche la mia preferita dell’intero concept, un ottimo esempio di Progressive Folk. Il concept prosegue con il violino di Marcon sul piano di Nicorelli in “L’Amore Conquistato Con La Spada”, un suono che carezza l’anima e rende struggente il contesto. Ancora organo in “L’Assedio (L’amore Ucciso Dall’Odio)”, una cavalcata sonora conducente verso la battaglia narrata. La chiusura spetta a “Canto D’Amore Di Un Menestrello” e fu l’amore!
I Faveravola ritornano con un opera Prog Folk dopo ben quattordici anni più in forma che mai, e mi rammentano il perché sono sempre incantato da questa musica immaginifica. MS 

Versione Inglese:

FAVERAVOLA - Castrum Zummellarum
Open Mind - Lizard Records
Genre: Progressive Folk
Support: cd - 2024

Although we are in the period of liquid music, I believe that worthy artwork should always necessarily accompany a sound medium, especially if it is vinyl or CD.
Then if an album has as its subject a unique discourse, i.e., a concept, then the booklet accompanying the music certainly takes on greater value, crowning a perfect music-image union.
This preamble serves to bring as an example the latest work of the Venetian band Faveravola, making its discographic comeback after its debut dated 2006, "Contea Dei Cento Castagni," here Marta De Martin's drawings and graphic conception are taken care of, complete with lyrics and photographs inside. The concept deals with the saga of Zumelle Castle and the love between the knight Muricimiro and Atleta, with Prog Folk music relegated to the 1970s, having influences from artists such as Le Orme and Angelo Branduardi. Not surprisingly, flute and violin blend perfectly in this context.
Today the band consists of Giancarlo Nicorelli (keyboards, narrator), Adriano Durighetto (bass), Paolo Coltro (drums), Alessandro Secchi (vocals), Consuelo Marcon (violin), Gianluca Tassi (electric guitar), Renato Bettello (flute, soprano sax), and Flavio Miotto (acoustic guitar). With them is the extraordinary participation of Bianca Luna (vocals) and the Sant'Anselmo Choir in the opening song "Anno Domini DXXXV."
A majestic organ begins the story, where Nicorelli's narrative voice immerses the listener in the prologue. The chorales immediately catapult the imagination into the Middle Ages where Zumelle's castle, knights and maidens stand before us. But it is with "Anno Del Signore 2024" that the Faveravola put their art into practice immersed in pastoral sounds where the culture of the past is treated with kid gloves. The violin and flute invite us into a 14th-century dance with poetic license; in the ballad we have, as in the 14th-century madrigal, a direct link between poetic and musical structure.
A piano opens "Murcimiro" and it is Secchi's haunting voice that traces the story in the castle tower. The song evolves in Prog Folk style over the duration of its eight-plus minutes, here the sonic crescendo toward Rock gives the whole a vigorous wide sweep. The electric guitar solo by Tassi is remarkable, so the album takes off between past, present and tempo changes.
"Athlete" is a ten-minute mini-suite, where synaesthetic sounds present pastel colors. Bianca Luna's voice is enchanting, the male-female duet always has an immemorial charm, so does the sunny progression close to the Orme style of the 1970s, all thanks to the use of keyboards. Love is the central theme of the sweet track. With "L'Attesa" the pace rises along with the sonic emphasis to remind us that it is still Rock anyway. The longest track is eleven minutes long and is titled "The Abduction," for the whole I think it is also my favorite of the whole concept, an excellent example of Progressive Folk. The concept continues with Marcon's violin over Nicorelli's piano in "L'Amore Conquistato Con La Spada," a sound that caresses the soul and makes the setting poignant. More organ in "The Siege (Love Killed By Hate)," a driving sonic ride toward the narrated battle.
Closure falls to "Canto D'Amore Di Un Menestrello," and it was love!
Faveravola return with a Prog Folk opus after a good fourteen years in better shape than ever, and remind me why I am always enchanted by this imaginative music. MS

Sykofant

SYKOFANT – Sykofant
Sycophantastic Records
Genere: Hard Prog – Psichedelia
Supporto: cd / lp – 2024

Da Oslo un’altra piacevole sorpresa sonora dalle influenze psichedeliche anni ’70, quelle care ai primi Pink Floyd, loro si chiamano Sykofant. La parola “sicofante” deriva dall'antico termine greco per qualcuno che diffonde pettegolezzi o cerca di massimizzare i guadagni personali a spese degli altri. La band si forma per il volere di Emil Moen (voce, chitarra) e Per Semb (chitarra), con loro suonano Melvin Treider alla batteria, e Sindre Haugen al basso.
L’album di debutto dal titolo omonimo approfondisce temi esistenziali come il tempo, l'alienazione, la ricerca di significato e il rapporto dell'umanità con la natura.
I sei pezzi che compongono l’album sono tutti correlati per un’esperienza sonora di cinquantacinque minuti contigui.
Dentro quest’album si possono incontrare davvero numerose influenze di generi, dal Funk al Pop, dalla Psichedelia al Blues sino al Jazz. Punti di riferimento possono essere estrapolati da gruppi come Pink Floyd, King Crimson, Cream, Led Zeppelin, Jethro Tull, Yes e Rush, ma anche da formazioni moderne come Madrugada, Opeth, Mastodon e Porcupine Tree.
Dunque suoni dei tempi che furono s’intrecciano a soluzioni moderne con un retrogusto di semplicità acustica.
Su una ritmica intrigante l’album comincia con “Pavement Of Colors”, un cammino infarcito di cambi di tempo e coralità, al cospetto di un Rock coinvolgentemente diretto. Le chitarre elettriche la fanno da padrone, ma anche la scelta di un refrain facilmente memorizzabile risulta essere indovinata. Il pezzo è incastonato con il successivo “Between Air And Water”, dodici minuti abbondanti dove le chitarre richiamano oltremodo il primo periodo dei Pink Floyd, anche nel cantato. Ai più nostalgici di voi potrebbe scendere anche una lacrima.  Nella parte centrale, godibile anche il frangente Hard Prog in stile Porcupine Tree. Le parti strumentali mettono in evidenza una buona tecnica individuale oltre che un adeguato amalgama fra gli elementi.
Attraverso “Monuments Of Old” si può apprezzare il lato più intimistico della band, quello impreziosito da quelle trame di malinconia che soltanto certe band del nord sanno tessere. Viene spontaneo affrontare l’ascolto a occhi chiusi. Ma come il genere Prog esige, ecco nel cammino subentrare il cambiamento per una botta di adrenalina Rock sanguigna.
Un arpeggio apre “Between The Moments”, brano inizialmente nostalgico quanto basta per poi a sua volta partire su assolo di chitarra entusiasmanti.
I dieci minuti di “Strangers” sanno come coinvolgere un ascoltatore di vecchia data, grazie a riff ficcanti e crescendo sonori micidiali per poi concludersi nell’oscurità di una Psichedelia lontana. La chiusura spetta alla splendida “Forgotten Paths”, canzone top dell’album con tanto d’interventi mellotron e un cantato molto melodico. Saranno quattordici minuti che vi sembreranno cinque. Da sottolineare anche il ritmo centrale del brano nella fase strumentale che richiama oltremodo i Pink Floyd di “Echoes”.
La grafica che accompagna l’ottimo booklet di Morena Bosiglau, sposa alla perfezione le atmosfere respirate durante l’ascolto fra colori vivaci e altri più tenui, come la musica contenuta in quest’ottimo debutto che consiglio davvero a tutti gli amanti del Rock in senso generale. Annotatevi il nome Sykofant. MS

  

Versione Inglese:

SYKOFANT - Sykofant
Sycophantastic Records
Genre: Hard Prog - Psychedelia
Support: cd / lp - 2024

From Oslo another pleasant sonic surprise with 70s psychedelic influences, those dear to early Pink Floyd, they are called Sykofant. The word “sycophant” comes from the ancient Greek term for someone who spreads gossip or seeks to maximize personal gain at the expense of others. The band was formed at the behest of Emil Moen (vocals, guitar) and Per Semb (guitar), with them playing Melvin Treider on drums, and Sindre Haugen on bass.
The self-titled debut album delves into existential themes such as time, alienation, the search for meaning, and humanity's relationship with nature.
The six pieces that make up the album are all related for a sound experience of fifty-five contiguous minutes.
Inside this album one can truly encounter numerous genre influences, from Funk to Pop, from Psychedelia to Blues all the way to Jazz. Points of reference can be extrapolated from bands such as Pink Floyd, King Crimson, Cream, Led Zeppelin, Jethro Tull, Yes, and Rush, but also from modern formations such as Madrugada, Opeth, Mastodon, and Porcupine Tree.
So sounds from the old days are interwoven with modern solutions with an aftertaste of acoustic simplicity.
Over an intriguing rhythmic beat the album begins with “Pavement Of Colors”, a journey infused with tempo changes and chorality in the presence of engagingly straightforward Rock. Electric guitars lead the way, but the choice of an easily memorized refrain also proves to be guessable. The piece is embedded with the following “Between Air And Water”, twelve long minutes where the guitars recall the early Pink Floyd period beyond measure, even in the singing. To the most nostalgic among you, a tear might even fall.  In the middle section, the Porcupine Tree-style Hard Prog fringe is also enjoyable. The instrumental parts showcase good individual technique as well as adequate amalgamation between the elements.
Through “Monuments Of Old” one can appreciate the more intimate side of the band, the one embellished with those textures of melancholy that only certain northern bands know how to weave. It comes naturally to approach listening with one's eyes closed. But as the Prog genre demands, here on the way change takes over for a blood-curdling Rock adrenaline rush.
An arpeggio opens “Between The Moments”, a song initially nostalgic enough to then in turn depart on rousing guitar solos.
The ten-minute “Strangers” knows how to engage a longtime listener, thanks to punchy riffs and killer sonic crescendos and then concluding in the darkness of distant Psychedelia. Closing falls to the splendid “Forgotten Paths”, the album's top song complete with mellotron interventions and a very melodic vocal. It will be fourteen minutes that feel like five. Also noteworthy is the song's central rhythm in the instrumental phase, which is exceedingly reminiscent of Pink Floyd's “Echoes”.
The graphics accompanying the excellent booklet by Morena Bosiglau, perfectly matches the atmospheres breathed while listening between bright colors and other more muted ones, like the music contained in this excellent debut that I really recommend to all Rock lovers in a general sense. Take note of the name Sykofant. MS

Speciale Ut Gret

 

SPECIALE UT GRET

Di Massimo Max Salari

UT GRET - Time of the Gret
ZNR Records
Distribuzione italiana: -
Genere: Avantgarde Jazz / Rio
Support: CD - 1999

Malgrado la band americana di Louiseville sia in attività dal 1981, la discografia non è molto ricca, a dimostrazione di una ponderata scelta sonora. Infatti gli Ut Gret si lasciano trasportare dall'improvvisazione e dalle sonorità di molteplici strumenti e sono attenti a quello che può svilupparsi nel futuro. Sono sempre proiettati in avanti, sia nella scelta dei live, sempre differenti fra di loro, che nella composizione sonora, da qui la necessità di avere molti strumenti nella line up. "Time Of The Grets" è la testimonianza della scelta musicale, a cavallo fra Jazz improvvisato, Folk, e band come Magma, Henry Cow e Soft Machine su tutte. Come lascia intendere la dicitura di Ludwig Wittgenstein nel retro del cd, la musica proposta è chiaramente senza tempo, una situazione mutevole proiettata nel futuro. Tutto questo lascia presagire un viaggio virtuale di notevole enfasi emotiva, così la numerosa famiglia Ut Gret ci accompagna in questo percorso. Joee Conroy, Greg Goodman, David Stilley, Henry Kaiser, Gregory Acker, Eugene Chadbourne, Davey Williams, Misha Feigin e Murray Reams sono gli strumentisti.
I dieci minuti che aprono il cd dal titolo "Friend Of The Cow" (titolo tratto da un antico proverbio arabo che sta a significare "un amico è colui che ti riscalda"), mettono subito le carte in tavola. Chitarra acustica, flauto, violino, sax, tastiere, basso.... tanti strumenti che interagiscono in questa arte dell'insieme, dove anche le culture differenti si intersecano. Fughe impetuose che si rincorrono e si fermano per poi ripartire a loro volta, un saggio di intesa e preparazione da parte della band. Ottimo il brano jazz con chitarra acustica "Braxton & The Bird", impossibile restare fermi con i piedi all'ascolto, ritmo e tecnica progrediscono di pari passo.
Ho parlato molto di futuro in questa recensione e come lo intendono gli Ut Gret è prerogativa mettere sempre qualcosa di nuovo, creare un nuovo linguaggio. Ascoltare "Silly Hat Frontier" è come ascoltare un nuovo linguaggio! Una mini suite di quindici minuti dove gli strumenti parlano e non suonano, solo in alcuni frangenti comunicano con apparente armonia, una grammatica sonora dai vocaboli diversi. Aiutati da una ampia collezione di strumenti, gli artisti si lasciano andare in improvvisazioni comunque rette da un filo logico, quello della ricerca e dell'intesa. In parole povere totale libertà di espressione.
"Magma Futura" è più orchestrata e già dal titolo è chiaro che si riconducono alla band geniale dei Magma, anche se il canto di Misha Feigin qui è in russo anzi che in un linguaggio inventato come fa il maestro francese Christian Vander. Bello lo strumentale interno, nel quale lo spazio è sottolineato dagli effetti eco degli strumenti. A tratti vengono alla mente certe ricerche Pinkfloydiane dalle radici lontane.
"Time & Revolution" alza il tiro, in quasi 20 minuti riesce a raccontare tutto quanto spiegato sino ad ora. Un contenitore sonoro variegato e colmo di cultura, sia etnica che musicale. Chiude un breve brano fantasma con flauto e strumentazioni folcloristiche.
Non è semplice entrare nel mondo degli Ut Gret se non si è minimamente preparati a lasciarsi trasportare, ma quando questo accade, non ne sarà altrettanto facile uscirne. Intanto loro guardano avanti perché il punto focale della band è sempre quello: Che si può fare dopo? MS

UT GRET - Recent Fossils
EarX-Tacy Records
Distribuzione italiana: -
Genere: Avantgarde Jazz / Rio
Genere: Avantgarde Jazz / Rio
Support: 3CD - 2006

Gli Ut Gret sono una band del Kentucky, precisamente di Louisville che si compone nell'oramai lontano 1981. Essi sono Steve Good al sax e percussioni, Gregory Acker al flauto, sax e percussioni, Gary Pahler batteria percussioni e basso, Stephen Roberts alle tastiere, vibrafono, tromba e percussioni ed il polistrumentista Joee Conroy (strumenti a corda, elettronica e percussioni).
Vengo subito a precisare che la musica proposta non è di facile collocazione, in essa convivono Folk, World, Rock, Jazz, ma soprattutto molta improvvisazione, grazie a strumenti quali sax, flauto, vibrafono, trombe ed altro ancora. Per questo mi sento di inserirli nel contesto Progressive Rio. Tutto questo fa presagire anche a composizioni lunghe ed articolate, spesso lanciate in corse improvvisate, in effetti così è.
Ut Gret è la fusione di due significati a se stanti, dove "UT" è l'antica nota medioevale conosciuta a noi come "do", la nota più bassa dell'organo, mentre "GRET" sta a significare un nomade, una persona zingara che vaga in Europa per cogliere nuove sonorità per la gente comune.
"Recent Fossils" si presenta con una bellissima confezione cartonata con tanto di libretto interno ricco di spiegazioni, citazioni letterarie e foto. Questo esce per i 25 anni di fondazione della band e nei suoi tre cd interni ascoltiamo tre stadi differenti della loro carriera. Il primo si intitola "The Dig" e nei suoi 70 minuti di sonorità possiamo davvero trovare ogni tipo di influenze sonore, musica percussionistica Indonesiana compresa. Le sensazioni che scaturiscono all'ascolto sono molteplici, si ha come la sensazione che la profondità della musica sia scavata nella terra. Musica atavica, dove si percepisce la necessità dell'uomo di comunicare con la natura.
Di conseguenza essendo una musica alquanto primitiva e spontanea, il ruolo delle percussioni è fondamentale, essendo esso lo strumento principe dai tempi dei tempi, è facile quindi avere una visione allegorica di una musica fossilizzata nella pietra, a testimonianza che la terra è suono e testimone di vita. Ma la terra porta anche ad una considerazione più spirituale, ecco dunque che questo carillon etnico trasporta l'anima e l'accompagna vicino al divino. Lo scenario bucolico che si presenta all'ascolto è ottenuto anche grazie all'uso dei fiati, fra sax e flauto per poi miscelare il Folk con la cultura Indonesiana. Chiudere gli occhi e lasciarsi trasportare dai suoni è come scendere giù da un lungo scivolo. Delicatezza e sensibilità.
Il secondo cd dal titolo "Time Laps" necessita di una mentalità ancora più aperta, in quanto esso è composto da improvvisazioni in studio. Compaiono anche ospiti illustri quali Henry Kaiser, Eugene Chadborne, Greg Goodman e Davey Williams. La Scuola di Canterbury viene inesorabilmente alla mente di chi ascolta, con i Soft Machine in cattedra. Jazz elettrico penetrante molto coinvolgente, un altro salto nel vuoto, un lasciarsi cadere nell'infinito dove le restrizioni mentali non devono assolutamente esistere. Vera musica per la mente, adatta ad un pubblico preparato e desideroso di lasciarsi sorprendere.
Ancora più difficile da affrontare è il terzo cd dal titolo "In C", brano in origine preparato come una bonus track, ma a causa della lunga performance di circa 63 minuti, relegato in un contesto a se stante. Questo è registrato dal vivo al Tewligan's Tavern con la presenza di altri strumentisti, quali lo storico Dave Stilley e Marko Novachoff. Un brano martellante ed ipnotico che mette a dura prova la pazienza dell'ascoltatore. Una sorta di extasy sonora, dove la ragione si lascia ingannare dalle apparenze, quelle costruite dalle note degli artisti.
Gli Ut Gret non sono mai banali, raccontano viaggi, ripercorrono il dna dell'uomo anche a ritroso, per poi riproporlo a noi in maniera schietta e cruda. Meritano l'ascolto. MS

UT GRET - Radical Symmetry
Ut Gret Music / Un Heard of Productions
Distribuzione italiana: -
Genere: Avantgarde Jazz / Rio
Genere: Avantgarde Jazz / Rio
Support: CD - 2011

Sorpresa Ut Gret! Sono serviti trent'anni e dieci di preparazione per trovare un equilibrio sonoro davvero invidiabile, finalmente l'esperienza sperimentale del passato, viene messa al servizio delle composizioni e non viceversa come accaduto sino ad oggi. Il filo conduttore di "Radical Symmetry" è ancora una volta la ricerca sonora, ma questa volta la formula canzone è quasi sempre rispettata e gode di melodie eccellenti. Ritorna pure un artwork importante, ricco di nozioni e concetti, in più il disco suddiviso in undici tracce, gode anche di una buona produzione sonora.
Si comincia con un breve saggio strumentale di matrice Jazz e dal suono Canterburiano con "Insect Probe".Successivamente troviamo anche una voce femminile, quella soave di Dane Waters ed è nel pezzo dal titolo "Souvenir City". Il suono diventa morbido ed i strumenti a fiato sono sempre presenti e fondamentali. Certe sonorità mi fanno venire alla mente anche band italiane degli anni '70 come i Perigeo. Trascinante il solo di sax. Le vecchie radici della band vengono fuori nell'unico brano di durata più longeva, "Infinite Regress", con i suoi sedici minuti abbondanti. Qui fanno sfoggio le vecchie sperimentazioni, un ritorno al linguaggio musicale inteso come nuova lingua. Un ritorno al passato o una fuga verso il futuro? Intanto la musica suonata è resa materia dai balli di Ruric Amari, qui visionabile soltanto attraverso le foto del booklet. Questa è musica multietnica, rivolta alle culture orientali in chiave di lettura Ut Gret. La band si apre al mondo Prog, ospitando nel proprio sound influenze quali King Crimson, Henry Cow con uno sguardo anche al geniale Frank Zappa. L'Oriente si manifesta in tutta la sua magia onirica in "For Viswa".
"Walk In The Garden" ha il profumo degli anni '70, quella purezza e se vogliamo ingenuità sincera che rivestiva quel clamoroso periodo della storia umana, dove l'individuo era al centro dell'attenzione e non viceversa come oggi. Flauto dolce e melodie toccanti.
"Cobra In Basket" torna a raccontare l'oriente, mentre "Rule IIO"rovista nelle melodie calde del Jazz. Ma i brani ricercati non sono terminati nella suite, "Sword Of Damocles" torna a percorrere limbi psichedelici dove la voce di Dane Waters fa il suo ritorno. Il disco è concluso dai sei minuti Jazz di "Vegetable Matters", quasi un classico rispetto alla complessa discografia della band di Louisville.
Dal baco Ut Gret nasce oggi questa farfalla colorata, una maturazione inesorabile, questa avviene quando gli artisti che suonano vivono la musica per come è, senza restrizioni esterne. Gli Ut Gret sono una realtà profonda ed articolata, magari non facile per tutti gli orecchi, ma di certo colma di culture e sonorità. Consigliatissimo. MS

Versione Inglese:

UT GRET - Time of the Gret
ZNR Records
Distribution in Italy: -
Genre: Avant-Garde Jazz / Rio
Support: CD - 1999

Despite the American band from Louisville being active since 1981, their discography is not very extensive, demonstrating a thoughtful approach to sound. The Ut Gret allow themselves to be carried away by improvisation and the sounds of multiple instruments, always attentive to what can develop in the future. They are always looking forward, both in their live performances, which are always different, and in their sonic compositions. This explains the need for many instruments in their lineup. "Time Of The Gret" is a testament to their musical choice, straddling free jazz, folk, and bands like Magma, Henry Cow, and Soft Machine. As the Ludwig Wittgenstein quote on the back of the CD suggests, the music presented is clearly timeless, a changing situation projected into the future. This promises a virtual journey of considerable emotional emphasis, and the numerous Ut Gret family members accompany us on this journey. The instrumentalists include Joee Conroy, Greg Goodman, David Stilley, Henry Kaiser, Gregory Acker, Eugene Chadbourne, Davey Williams, Misha Feigin, and Murray Reams.
The 10-minute opening track, "Friend Of The Cow" (titled after an ancient Arabic proverb meaning "a friend is one who warms you"), immediately sets the tone. Acoustic guitar, flute, violin, sax, keyboards, bass... many instruments interact in this ensemble art, where different cultures also intersect. Impetuous fugues that chase each other and stop only to restart, a testament to the band's understanding and preparation. The jazz track "Braxton & The Bird" is excellent, with acoustic guitar; it's impossible to sit still while listening, as rhythm and technique progress hand in hand.
I've spoken a lot about the future in this review, and as the Ut Gret intend it, it's a prerogative to always introduce something new, create a new language. Listening to "Silly Hat Frontier" is like hearing a new language! A 15-minute mini-suite where instruments speak rather than play, only occasionally communicating with apparent harmony, a sonic grammar with diverse vocabularies. Aided by a vast collection of instruments, the artists indulge in improvisations guided by a logical thread of research and understanding. In simple terms, total freedom of expression.
"Magma Futura" is more orchestrated, and the title clearly references the genius band Magma, although Misha Feigin's singing is in Russian rather than the invented language used by Christian Vander. The internal instrumental track is beautiful, with space emphasized by echo effects. At times, it brings to mind certain Pink Floyd explorations with deep roots.
"Time & Revolution" raises the stakes, managing to convey everything explained so far in nearly 20 minutes. It's a varied sonic container full of culture, both ethnic and musical. The album concludes with a brief, ghostly track featuring flute and folkloric instrumentation.
It's not easy to enter the world of Ut Gret without being prepared to let go, but once you do, it's just as hard to leave. Meanwhile, they look forward, as their focal point is always: What can be done next? MS
 
 
 
 
 
 
UT GRET - Recent Fossils
EarX-Tacy Records
Distribution in Italy: -
Genre: Avant-Garde Jazz / Rio
Support: 3CD - 2006

The Ut Gret are a band from Kentucky, specifically from Louisville, formed in 1981. They consist of Steve Good on sax and percussion, Gregory Acker on flute, sax, and percussion, Gary Pahler on drums, percussion, and bass, Stephen Roberts on keyboards, vibraphone, trumpet, and percussion, and the multi-instrumentalist Joee Conroy (string instruments, electronics, and percussion).
I want to clarify that the music presented is not easily categorized; it combines folk, world, rock, jazz, and, above all, a lot of improvisation, thanks to instruments like sax, flute, vibraphone, trumpet, and more. For this reason, I feel inclined to place them in the Progressive Rio context. This also suggests long and complex compositions, often launched into improvised journeys, which is indeed the case.
Ut Gret is a fusion of two standalone meanings, where "UT" is the ancient medieval note known to us as "C", the lowest note of the organ, and "GRET" means a nomad, a gypsy person who wanders Europe to gather new sounds for the common people.
"Recent Fossils" comes in a beautiful hardcover package with an internal booklet rich in explanations, literary quotes, and photos. Released to commemorate the band's 25th anniversary, the three internal CDs feature three different stages of their career. The first CD, titled "The Dig", spans 70 minutes of soundscapes where you can truly find every type of sonic influence, including Indonesian percussion music. The sensations that arise from listening are multiple; it feels like the depth of the music is dug into the earth. It's atavistic music where one perceives the need for humans to communicate with nature.
Given that this music is quite primitive and spontaneous, the role of percussion is fundamental, being the principal instrument since ancient times. It's easy to have an allegorical vision of music fossilized in stone, testifying that the earth is sound and a witness to life. But the earth also leads to a more spiritual consideration; this ethnic carillon transports the soul and accompanies it near the divine. The bucolic scenario presented upon listening is also achieved through the use of winds, between sax and flute, mixing folk with Indonesian culture. Closing your eyes and letting the sounds carry you away is like sliding down a long slide. Delicacy and sensitivity.
The second CD, titled "Time Laps", requires an even more open mindset, as it consists of studio improvisations. There are also notable guests like Henry Kaiser, Eugene Chadborne, Greg Goodman, and Davey Williams. The Canterbury School inevitably comes to mind for listeners, with Soft Machine at the helm. Penetrating electric jazz is very engaging, another leap into the void, letting oneself fall into the infinite where mental restrictions should not exist. True music for the mind, suitable for a prepared audience eager to be surprised.
Even more challenging is the third CD, titled "In C", originally prepared as a bonus track but relegated to its own context due to its long performance of about 63 minutes. This was recorded live at Tewligan's Tavern with additional instrumentalists like the legendary Dave Stilley and Marko Novachoff. It's a pounding and hypnotic track that puts the listener's patience to the test. A kind of sonic ecstasy where reason is fooled by appearances constructed from the artists' notes.
The Ut Gret are never banal; they narrate journeys, retrace human DNA even backward, and then present it to us in a straightforward and raw manner. They are worth listening to. MS

UT GRET - Radical Symmetry
Ut Gret Music / Un Heard of Productions
Distribution in Italy: -
Genre: Avant-Garde Jazz / Rio
Support: CD - 2011

Ut Gret surprise! It took thirty years and ten years of preparation to find a truly enviable sonic balance. Finally, the experimental experience of the past is put to the service of compositions, rather than the other way around, as it has been until now. The common thread of "Radical Symmetry" is still sonic research, but this time the song formula is almost always respected and features excellent melodies. There's also an important artwork, rich in notions and concepts, and the disc, divided into eleven tracks, also enjoys good sound production.
It starts with a brief instrumental essay in the Jazz and Canterbury sound style with "Insect Probe". Next, we find a female voice, the soothing one of Dane Waters, in the piece titled "Souvenir City". The sound becomes soft, and wind instruments are always present and fundamental. Certain sonorities remind me of Italian bands from the 1970s, like Perigeo. The transcendent sax solo. The band's old roots emerge in the only longer track, "Infinite Regress", with its over 16 minutes. Here, they showcase their old experimentalism, a return to musical language as a new language. A return to the past or a leap into the future? Meanwhile, the music played is made tangible by Ruric Amari's dances, visible only through the booklet photos. This is multi-ethnic music, aimed at Eastern cultures in the Ut Gret reading key. The band opens up to the Prog world, hosting influences like King Crimson, Henry Cow, with a glance at the genius Frank Zappa. The East manifests in all its dreamy magic in "For Viswa".
"Walk In The Garden" has the scent of the 1970s, that purity and, if you will, sincere naivety that characterized that remarkable period in human history, where the individual was at the center of attention, not the other way around as today. Sweet flute and touching melodies.
"Cobra In Basket" tells the story of the East, while "Rule II" is rooted in the warm melodies of Jazz. But the sought-after tracks haven't ended with the suite; "Sword Of Damocles" ventures into psychedelic realms where Dane Waters' voice returns. The disc concludes with the six-minute Jazz track "Vegetable Matters", almost a classic compared to the complex discography of the Louisville band.
From the cocoon of Ut Gret, this colorful butterfly is born today, an inexorable maturation that occurs when the artists who play live music for what it is, without external restrictions. Ut Gret is a profound and articulated reality, perhaps not easy for all ears, but certainly full of cultures and sonorities. Highly recommended. MS

Pentesilea Road

PENTESILEA ROAD – Sonnets From The Drowsiness
Dutch Music Works
Genere: Hard Prog - Metal Prog
Supporto: Digital / 2 cd digipack – 2025

In alcuni casi, la letteratura viene presa come spunto per dare un nome a una band, come quello dei Pentesilea Road, dove Pentesilea è la città descritta nel libro "Le Città Invisibili" di Italo Calvino. Il chitarrista Vito Mainolfi inizia a comporre come one man band, per poi sentire successivamente la necessità di dare corpo alle proprie idee attraverso una band vera e propria, così nel 2021, coadiuvato da nomi importanti del settore Metal Prog, da luce al primo album intitolato proprio “Pentesilea Road”.
Mainolfi, oggi residente in Olanda, fa il bis con un doppio lavoro di diciotto brani dalla lunga durata di un’ora e quaranta minuti, dove l’Heavy Prog s’incontra con il Metal Prog. Esiste nell’album anche una Bonus track intitolata “The Geometry Of Nothing”, dove si può godere della prestazione canora di Zak Stevens (Savatage).
I Pentesilea Road sono composti da Vito F. Mainolfi alle chitarre, Michele Guaitoli (Visions of Atlantis, Temperance) alla voce, Ezio Di Ieso alle tastiere, Giovanni Montesano (Circle Du Soleil) al basso, e Alfonso Mocerino alla batteria. Molto bella la copertina creata da Tracy Lundgren di Twisted Gipsy Design, mentre l'artwork completo dell'album è realizzato da Prog Photo Agency.
Sono serviti tre lunghi anni per formare questo secondo album che si apre con la strumentale “Ode To The Reflective Mind”, qui si assaporano come in un aperitivo, gli scenari prossimi all’ascolto. I suoni registrati sono puliti, ben definiti e donano ampiezza all’insieme. Influenze Dream Theater sono presenti in differenti momenti, per questo serve anche una tecnica strumentale non indifferente, e al riguardo Mainolfi nell’assolo di chitarra sfoggia un armamentario davvero ragguardevole!
Rispetto l’esordio, “Sonnets From The Drowsiness” ha una scorza più dura e ruvida, l’amalgama con la formazione è probabilmente la chiave di lettura su questa evoluzione. “Inside Out” presenta la voce malleabile di Michele Guaitoli e il brano personalmente mi ricorda qualcosa degli immortali Saxon. Ci sono frangenti Heavy Prog come in “Pulse”, gradevole e facile da memorizzare. Se invece amate i Queensryche, allora “Solitary Walk” fa al caso vostro. Non mancano le semi ballate introspettive, “Aria” ne è un bellissimo esempio. Curata in tutti i particolari mostra non soltanto il lato tecnico elevato, bensì anche le qualità compositive a disposizione di Mainolfi e soci. Per chi li conoscesse, il brano è prossimo in territori cari ai canadesi Mystery.
La musica dei Pentesilea Road si lancia spesso in ambientazioni solari e capita in alcuni casi di intersecarsi anche con l’AOR, anche se non in maniera totale, come nel caso di “Underground”. Notevole “The Geometry Of Nothing”, mentre più tecnica, soprattutto in fase ritmica è “Mare Nostrum”. Gli assolo di chitarra (sempre molto sentiti da parte dell’esecutore) sono spesso la ciliegina sulla torta. Funzionano bene i crescendo emotivi, “Worlds Apart” ne possiede tutte le caratteristiche. Tuttavia esistono casi inversi, dove si parte con un Metal Prog sostenuto per poi lasciare spazio a movimenti riflessivi, “The Other Corner” rappresenta bene questo concetto. Elegante “Shrine”, soprattutto per l’uso delle tastiere. Da segnalare anche l’ottima “Septembers' Ghost”, “Remember, Now”, “A Relentless Elegy Of Laziness”, “The River Bend” e la conclusiva “The Physiopathology Of Every Day Dream”, dove in otto minuti la band mette tutte le proprie peculiarità.
“Sonnets From The Drowsiness” è un album consigliato agli amanti del Metal Prog, e mostra per l’ennesima volta (se ce ne dovesse essere ancora il bisogno) che il genere gode di buona salute. MS

Versione Inglese: 

PENTESILEA ROAD – Sonnets From The Drowsiness
Dutch Music Works
Genre: Hard Prog - Metal Prog
Support: Digital / 2 CD digipack – 2025

In some cases, literature serves as inspiration for a band's name, as with Pentesilea Road, where Pentesilea is the city described in Italo Calvino's book "Invisible Cities". Guitarist Vito Mainolfi began composing as a one-man band, later feeling the need to bring his ideas to life through a full-fledged band. Thus, in 2021, aided by notable Metal Prog figures, their first album, "Pentesilea Road", was born.
Mainolfi, now residing in the Netherlands, follows up with a double album featuring 18 tracks and a total duration of one hour and 40 minutes, where Heavy Prog meets Metal Prog. The album also includes a bonus track titled "The Geometry Of Nothing", featuring vocals by Zak Stevens (Savatage).
Pentesilea Road consists of Vito F. Mainolfi on guitars, Michele Guaitoli (Visions of Atlantis, Temperance) on vocals, Ezio Di Ieso on keyboards, Giovanni Montesano (Circle Du Soleil) on bass, and Alfonso Mocerino on drums. The cover art, created by Tracy Lundgren of Twisted Gipsy Design, is stunning, while the complete album artwork is handled by Prog Photo Agency.
It took three long years to craft this second album, which opens with the instrumental "Ode To The Reflective Mind", offering a taste of what's to come. The recorded sounds are clean, well-defined, and add breadth to the overall mix. Dream Theater influences are present in various moments, requiring considerable instrumental technique, and Mainolfi showcases his impressive guitar solo skills!
Compared to their debut, "Sonnets From The Drowsiness" has a harder and rougher edge, likely due to the band's formation being the key to this evolution. "Inside Out" features Michele Guaitoli's versatile vocals and reminds me personally of something from the immortal Saxon. There are Heavy Prog moments like in "Pulse", which is pleasant and easy to remember. If you enjoy Queensryche, "Solitary Walk" is a good fit. The album also includes introspective semi-ballads like "Aria", showcasing not only technical prowess but also the compositional qualities of Mainolfi and company. For those familiar with the band Mystery, the track ventures into similar territory.
Pentesilea Road's music often explores sunny landscapes, sometimes intersecting with AOR, though not entirely, as in the case of "Underground". Notable tracks include "The Geometry Of Nothing" and the more technical "Mare Nostrum", especially in its rhythmic phase. The guitar solos (always heartfelt and well-executed) are often the icing on the cake. Emotional crescendos work well, with "Worlds Apart" possessing all the characteristics. However, there are also cases where the band starts with sustained Metal Prog before giving way to reflective movements, with "The Other Corner" representing this concept well. "Shrine" is elegant, particularly due to the use of keyboards. Other standout tracks include "Septembers' Ghost", "Remember, Now", "A Relentless Elegy Of Laziness", "The River Bend", and the concluding "The Physiopathology Of Every Day Dream", where the band showcases all its peculiarities over eight minutes.
"Sonnets From The Drowsiness" is an album recommended for fans of Metal Prog, demonstrating once again (if needed) that the genre is in good health. MS

 

Queen

QUEEN - A Night At The Opera
EMI- TRIDENT
Genere: Rock
Supporto: cd / lp - 1975

Con più di 250.000 copie vendute, “A Night At The Opera” consacra i Queen al grande pubblico. Primo disco di platino e primo 45 giri di elevata durata a comparire negli scaffali dei negozi, ovviamente stiamo parlando della monumentale “Bohemian Rhapsody”. Questa gode anche di un altro piccolo primato, nel famoso programma “Top Of The Pops”, quello delle classifiche inglesi, nel 1975 per la prima volta non sono invitati gli artisti, ma al loro posto viene trasmesso un video clip da loro interpretato. Nasce con esso e involontariamente, il senso della futura MTV.
Ma “A Night At The Opera” non è solo “Bohemian Rhapsody”, è un perfetto equilibrio di Rock suntuoso, operistico, Hard e d’epoca, dominato dal suono perfetto e caldo della chitarra artigianale di Brian May. Che i Queen fossero in via di maturazione si era intuito gia dal precedente “Sheer Heart Attack”. La personalità ambigua di Freddy Mercury e la voce, sono al centro del riflettore, i cori sono sempre di più la carta d’identità della band, non solo fulcro della nota “Bohemian Rhapsody”, ma anche dell’iniziale “Death On Two Legs”. Questa è una canzone maligna dedicata a Norman Sheffield, uno dei due fratelli proprietari della Trident Records, reo (secondo i Queen) di essere troppo attaccato al denaro. C’è invece goliardia e voglia di divertimento fra le note di “Lazing On A Sundey Afternoon”, breve canzone dal sapore anni ’30. Il lato A prosegue con il Rock più canonico di “I’m In Love Whit My Car”, cantata dalla ruggente voce del bravo batterista Roger Taylor, dove piccoli spunti di Hard Rock fanno capolino. Tutto questo è preludio per la bella e famosa “You’re My Best Friend”. Le tastiere ricoprono un ruolo importante in tutto l’LP e vengono suonate proprio da Freddy Mercury. Quasi Country è “’39”, cantata e concepita dal chitarrista May, semplice e diretta, forse anche troppo, ma con un ritornello assolutamente devastante. Più Rock e Queen style la successiva “Sweet Lady”, forse l’unica più attaccata al precedente lavoro della band. Chiude il lato A “Seaside Rendezvous”, altri due minuti di follia goliardica, proprio come “Lazing On A Sundey Afternon”.
Il lato B del disco è uno dei più belli in assoluto della storia del Rock! Epicità crescendo e cori sperimentali da brividi in “The Prophets Song”, mentre la successiva “Love Of My Life” è una delle canzoni più belle mai scritte da Mercury. Struggente l’interpretazione come le sue note, un capolavoro di ballads ancora oggi considerata fra le migliori al mondo! Nuovamente anni ’30 con “Good Company” mentre chiude con meravigliosa enfasi, la già citata “Bohemian Rhapsody”. La struttura del brano è per certi versi Progressiva, sperimentale, con il coro centrale a spezzare l’andamento melodico, una innovazione che nel tempo ha avuto i suoi buoni proseliti.
“A Night At The Opera” è uno dei dischi nella storia che per la sua realizzazione ha necessitato di una spesa da records, ma il risultato è all’orecchio di tutti. Equilibrio strepitoso fra Rock e Pop, i Queen con esso si manifestano maestri della comunicazione sonora di massa. Negli annali del Rock dischi così se ne contano davvero sulla punta delle dita di una mano!
Signori, “God Save The Queen”! MS

Versione Inglese:

QUEEN - A Night At The Opera

EMI-TRIDENT

Genre: Rock

Support: CD/LP – 1975

 

With over 250,000 copies sold, "A Night At The Opera" establishes Queen as a major force in the music industry. It's their first platinum record and the first long-playing 45 rpm single to hit store shelves, namely the monumental "Bohemian Rhapsody". This song also holds another small distinction: in 1975, the famous "Top Of The Pops" program, which showcases the UK's top singles, featured a video clip of the band instead of inviting them to perform live. This marks the unintentional birth of the concept that would later become MTV.

But "A Night At The Opera" is more than just "Bohemian Rhapsody"; it's a perfect balance of sumptuous, operatic, hard, and period rock, dominated by the perfect and warm sound of Brian May's handmade guitar. The Queen's maturation was already evident in their previous album, "Sheer Heart Attack". Freddie Mercury's ambiguous personality and voice are at the forefront, and the harmonies are increasingly the band's signature sound, not just in the famous "Bohemian Rhapsody" but also in the opening track "Death On Two Legs". This song is a malicious tune dedicated to Norman Sheffield, one of the two brothers who owned Trident Records, accused (by Queen) of being too money-hungry. In contrast, "Lazing On A Sunday Afternoon" exudes a carefree and playful vibe, with a brief song that captures the essence of the 1930s.

Side A continues with the more conventional rock of "I'm In Love With My Car", sung by the talented drummer Roger Taylor in his powerful voice, where small hints of hard rock emerge. This sets the stage for the beautiful and famous "You're My Best Friend". Keyboards play a crucial role throughout the LP, with Freddie Mercury handling the duties. "'39" is almost country-like, sung and conceived by guitarist May, simple and direct, perhaps even too much so, but with an absolutely devastating chorus. The next track, "Sweet Lady", is more rock-oriented and Queen-like, perhaps the one that most closely resembles their previous work. Side A concludes with "Seaside Rendezvous", another two minutes of playful madness, similar to "Lazing On A Sunday Afternoon".

Side B of the record is one of the most beautiful in rock history! Epic grandeur, crescendo, and experimental harmonies send shivers down the spine in "The Prophet's Song", while the subsequent "Love Of My Life" is one of the most beautiful songs ever written by Mercury. The poignant performance and notes are a masterpiece of ballads, still considered one of the best in the world today! The 1930s vibe returns in "Good Company", and the album concludes with the already mentioned "Bohemian Rhapsody", which features a progressive and experimental structure, with the central choir breaking up the melodic flow, an innovation that has had its fair share of followers over time.

"A Night At The Opera" is one of the albums in history that required a record-breaking budget to produce, but the result is evident to all. The stunning balance between rock and pop showcases Queen as masters of mass sonic communication. In the annals of rock, albums like this can be counted on one hand!

Ladies and gentlemen, "God Save The Queen"! MS

Phil Selvini & The Mind Wrap

PHIL SELVINI & THE MIND WARP - T.E.T.R.U.S.
Luminol Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digitale /cd – 2025

Di certo la pandemia ci ha cambiato di molto come persone, e non sempre in senso positivo del termine. Anche l’arte, che è stata la prima colpita negativamente dal lockdown, ne parla apertamente in molte delle sue realizzazioni postume.
Non fa eccezione la musica con la quale molti artisti hanno affrontato l’argomento in maniera più o meno dettagliata.
I Phil Selvini & The Mind Wrap, con la base a Bologna, affrontano l’argomento “società attuale” in un concept album di musica Post Prog moderna, approfondendo le difficoltà di sopravvivenza sul controllo di massa, il consumismo e il conformismo. “In definitiva siamo come pecore in cerca di un leader, il ribelle è tagliato fuori”. Questo di base è il concept trattato nelle cinque tracce che compongono l’album.
Il mostro disegnato in copertina rappresenta l’odio e la distruzione, il suo nome è T.E.T.R.U.S, acronimo di T: Time, E: Eternal, T: Try, R: Redemption, U: Unique, S: Shine. Phil Selvini (chitarra, voce, mellotron, effettistica), si supporta con la band The Mind Wrap composta da Leonardo Spampinato (chitarra), Davide Sebartoli (tastiere), Francesco Scordo (basso), e Leonardo Puglisi (batteria). Amanti del suono anni ’70 fanno sicuramente la gioia di chi apprezza di molto la tastiera Mellotron, le suite, band come King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, ma anche i più recenti Radiohead.
L’iniziale “To Make Ends Meet” dimostra subito la personalità attraverso una ricerca compositiva articolata e mai banale. Il passato è assorbito e rigenerato attraverso nuove soluzioni e un cantato più moderno in stile Thom Yorke (Radiohead) che dona all’insieme del fascino ulteriore. Di base il ritmo sincopato e la chitarra nervosa alla King Crimson mostra uno scenario tetro che lascia comunque spazio ad ampie fughe dal sistema.
La strumentale “Reverie (Including ”Cloud Nine”)” ha un andamento più gioviale, una cavalcata sonora robusta quanto basta per farmi ricordare certi passaggi delle nostrane Orme, ma i King Crimson sono sempre in agguato. Ottimo il lavoro della chitarra elettrica su sottofondo Mellotron.
Le atmosfere si placano con “Riding In The Fog” dove arpeggi iniziali richiamano i Genesis passati per poi addentrarsi in lande Pinkfloydiane in un ottimo sunto di cotanta storia.
Quali emozioni si possono provare nella perdita di una persona amata? Sicuramente un turbinio devastante, questo è ciò che ci attende in “The Last 48 Hours”, aperta malinconicamente dal piano. Il freddo del vuoto assale l’ascoltatore, così nella contigua e lunga suite finale di ventisei minuti intitolata proprio “The Mind Warp”. Qui mettono in campo tutte le armi che possiedono, raggiungendo un risultato finale davvero convincente e inaspettatamente rapido, e quando il tempo durante l’ascolto passa così velocemente, significa che l’emozione ci ha rapito. La Luminol Records non poteva lasciarsi sfuggire questo progetto ricco d’idee sonore, un percorso inquieto e ben strutturato con delle melodie accalappianti, oltre che fatto di passaggi strumentali tecnicamente validi. I Phil Selvini & The Mind Wrap sono un ennesima sorpresa per il nostro moderno panorama Progressivo… Una bella sorpresa! MS 

Versione Inglese:

PHIL SELVINI & THE MIND WARP - T.E.T.R.U.S.
Luminol Records
Genre: Modern Post Prog
Support: Digital/CD – 2025

The pandemic has certainly changed us as people, and not always in a positive way. Art, which was the first to be negatively affected by the lockdown, openly discusses this in many of its post-pandemic creations.
Music is no exception, with many artists tackling the subject in a more or less detailed manner. Phil Selvini & The Mind Wrap, based in Bologna, tackle the topic of "current society" in a concept album of modern Post Prog music, delving into the difficulties of survival under mass control, consumerism, and conformity. "In short, we're like sheep looking for a leader, the rebel is cut out." This is the basic concept explored in the five tracks that make up the album.
The monster depicted on the cover represents hatred and destruction, its name is T.E.T.R.U.S, an acronym for T: Time, E: Eternal, T: Try, R: Redemption, U: Unique, S: Shine. Phil Selvini (guitar, vocals, mellotron, effects) is supported by the band The Mind Wrap, composed of Leonardo Spampinato (guitar), Davide Sebartoli (keyboards), Francesco Scordo (bass), and Leonardo Puglisi (drums). Fans of 1970s sounds will surely delight in the prominent use of the Mellotron keyboard, suites, and bands like King Crimson, Genesis, Yes, Pink Floyd, as well as more recent acts like Radiohead.
The opening track "To Make Ends Meet" immediately showcases the band's personality through a complex and never banal compositional approach. The past is absorbed and regenerated through new solutions and a more modern singing style in the vein of Thom Yorke (Radiohead), which adds further charm to the whole. The syncopated rhythm and nervous guitar work à la King Crimson depict a bleak scenario that still leaves room for wide escapes from the system.
The instrumental "Reverie (Including 'Cloud Nine')" has a more jovial pace, a robust sonic ride that's enough to remind me of certain passages by Italian band Orme, but King Crimson is always lurking. Excellent work by the electric guitar against a Mellotron backdrop.
The atmospheres calm down with "Riding In The Fog", where initial arpeggios recall past Genesis, only to venture into Pink Floyd territory in an excellent summary of that history.
What emotions can one experience when losing a loved one? Certainly a devastating whirlwind, which is what awaits us in "The Last 48 Hours", opened melancholically by the piano. The coldness of emptiness assails the listener, as does the contiguous and long final suite of twenty-six minutes titled "The Mind Warp". Here, they bring out all the guns they possess, reaching a final result that's truly convincing and unexpectedly rapid, and when time passes so quickly during listening, it means that emotion has captivated us. Luminol Records couldn't let this project, rich in sonic ideas, slip away – a restless and well-structured journey with catchy melodies and technically valid instrumental passages. Phil Selvini & The Mind Wrap are another surprise in our modern Progressive landscape... A pleasant surprise! MS.