IL RITORNO DEL VINILE

Il Vinile E' Tornato

C’era da aspettarselo, me lo auspicavo, ma soprattutto lo avevo previsto in tempi non sospetti, ossia già circa cinque anni fa, chi mi legge lo sa. Non poteva essere altrimenti, l’amato vinile è ritornato, anche sotto la spinta delle case discografiche oramai a secco di vendite ottiche. Manca il rapporto fisico con la musica.

La musica ha perso molto in sostanza negli anni, il povero CD fa la figura di colui che ha un suono perfettino e freddo, ma soprattutto lascia poca sostanza in  mano. Vogliamo poi parlare dell’invisibile MP3?

Il vinile, o per gli attempati come me il 33 giri, ha la possibilità di lasciarti in mano il rapporto visivo e fisico con la musica.

Una copertina che è già di per se un opera d’arte, spesso apribile in due (gatefold), se non con dei gadget aggiuntivi con poster e quant’altro. Puoi vedere i solchi più scuri e profondi, dove con la puntina riesci a centrare l’inizio del brano o dove esso gode di momenti più bassi e pacati. I testi sono leggibili non microscopici, e a volte se si tratta di un disco straniero, anche tradotti (vedi Genesis).

L’LP o long Playing è tornato per la gioia dei collezionisti e non soltanto.

Tornano i Picture Disc, ossia i dischi con la copertina stampata sul vinile stesso

 (Picture Disc)

ed i bootlegs, registrazioni illegali stampate da fantomatiche case editrici per la gioia di alcuni fans. Nascono in rete importanti punti di ritrovo dove poter acquistare o vendere dischi, oltre che Ebay, Amazon si hanno i più esaustivi Discogs e Popsike, veri punti di riferimento anche per poter quotare il valore di un vecchio vinile. Girano prezzi da capogiro per dischi che hanno in realtà venduto poco nel tempo. Questo fatto è dovuto alla limitata tiratura di stampa originale e allora ecco degli esempi italiani: 

ANALOGY “Analogy” (Produzioni  Ventotto PRVLP 2204 – 1972)  8.000 Euro

LASER “Vita Sul Pianeta” (Car Juke Box CRJLP 00032 – 1973) 8.000 Euro

FLASHMEN “Pensando” (Kansas LDM 17003 – 1972) 5.000 Euro

LA SECONDA GENESI “Tutto Deve Finire” (Picci GLA 00024 – 1972) 6.000 Euro

Se andiamo all’estero i futuri Beatles ossia i THE QUARRYMEN con “That’ll Be The Day/In Spite Of All The Danger’ sono valutati 100.000 Sterline! Non se la cavano male neppure i SEX PISTOLS con il 45 giri ‘God Save The Queen/No Feelings’ dei Sex Pistols del 1977, del valore di 8.000 Sterline.

Ma questo non deve essere un mondo che spaventa per cifre o giochi al riguardo, anche un neofita si può avvicinare tranquillamente e a prezzi modici al vinile, soprattutto nei store prima citati.

Avete trovato dei vecchi vinili in soffitta? Sono sporchi? Potete tranquillamente prendere una bacinella d’acqua tiepida , ci aggiungete alcool (o acqua distillata) e sapone per i piatti, poi con una spugna morbida o un pennello, lavate il disco girando per il verso antiorario. Sciacquare sotto la cannella e asciugare tamponando con dei panni. Il gioco è fatto.

Da Wikipedia:” Il disco in vinile, noto anche come microsolco o semplicemente disco o vinile, è un supporto per la memorizzazione analogica di segnali sonori. È stato ufficialmente introdotto nel 1948 dalla Columbia records negli Stati Uniti come evoluzione del precedente disco a 78 giri, dalle simili caratteristiche, realizzato in gommalacca. Attualmente il termine vinile viene spesso usato per indicare in particolar modo gli LP (dischi da 30 cm rotanti a 33⅓ giri al minuto), anche se tale utilizzo è improprio, visto che anche dischi di altri formati sfruttano lo stesso materiale come supporto. Come il suo antenato, il vinile è una piastra circolare recante su entrambe le facce un solco a spirale (inciso a partire dal bordo esterno) in cui è codificata in modo analogico la registrazione dei suoni. Le migliori qualità del vinile (PVC) rispetto alla gommalacca permisero di ridurre lo spessore dei solchi, diminuire il passo della spirale e abbassare la velocità di rotazione da 78 a 33⅓ giri per minuto, ottenendo così una maggiore durata di ascolto, che raggiunse circa 30 minuti per facciata nei Long-Playing (LP), con punte massime di 38-40 minuti per lato, specie per le opere liriche.”.

E’ quindi ovvio e viene da se che anche il mercato del giradischi comincia a ripartire, ma questa volta con una aggiunta tecnologica in più, cioè con la possibilità di ascoltare il disco ma anche in contemporanea di passarlo su una chiavetta USB. Si trovano in commercio prodotti al riguardo di tutti i prezzi a partire da 100 Euro fino a giungere al top del top, un giradischi nipponico fatto con una testina laser (luce) al posto della testina in diamante così da non rovinare mai il vinile e avere il massimo della qualità sonora, ma siamo sull’ordine dei 13.000 euro, questo si che è lusso.

Il vinile è ufficialmente tornato, ora spero soltanto che non sia una moda di passaggio, perché in questo caso si parla di qualità e di rapporto fisico con la musica. Un vero piacere anche nel 2016.

Salari Max

Oteme

OTEME – L’Agguato, L’Abbandono, Il Mutamento

Ma.Ra.Cash Records

Genere: Prog/Sperimentale

Supporto: cd – 2016

“L’Agguato, L’Abbandono, Il Mutamento” è il secondo lavoro in studio di Oteme, dopo “Il Giardino Disincantato” del 2012. Non per essere ripetitivo, ma non posso trascurare ancora una volta il fatto di ritrovarmi nelle mani un disco accompagnato da un artwork esaustivo, questa volta a cura di Tommaso Tregnaghi e dello stesso Stefano Giannotti, compositore, chitarrista e ideatore del progetto Oteme (Osservatorio delle Terre Emerse). L’artwork  ritrae solamente una mano che in tre foto a se stanti interpretano proprio l’atteggiamento di agguato, abbandono e mutamento, questo è il messaggio che personalmente traggo alla visione. I testi in italiano all’interno sono tradotti anche in inglese.

Lo stile musicale con cui hanno esordito è un mix fra musica “popolare” e “colta”, fra Classica, Jazz e spunti Rock, ci ho trovato anche agganci con artisti del calibro di King Crimson, Pink Floyd e John Cage.

Ricerca strutturale e sonora unita alla strumentazione classica, fanno del progetto un punto a se, un modo personale di fare musica. Proprio “La Grande Volta” apre il percorso sonoro con strumenti che richiamano il barrito degli elefanti, sopra una ritmica calda e per alcuni versi tribale. Musica in movimento nel brano “Sarà Il Temporale”, cantato da Giannotti e supportato dai cori di Emanuela Lari. La formula canzone si avvicina al modus operandi della musica da camera (una sorta di jazz infiltrato nella musica classica) e degli strumenti a fiato che fanno da traino alle armonie, la ritmica in sottofondo è sempre importante. Lo stile Oteme è questo, di personalità, emotivo, fatto di forti sensazioni.

La malinconica “Bianco Richiamo” è un momento strumentale fra arpeggi e flauto, dalla struttura rilassante e avvolgente. Non nascondo che all’interno scaturisco sensazioni provenienti dagli anni ’70. Si ritorna allo slalom strumentale in stile classico con “Camminavo”, altro frangente di musica che sottolinea con le sue esclamazioni a volte improvvisate le parole dei testi. Tante sottolineature che si alternano ad armonie leggiadre, vero punto cardine della forza Oteme.

Fiati composti da fagotto, clarinetti, tuba e corno descrivono “L’Agguato”, con una chitarra in sfondo di matrice King Crimson. Subentra “L’Abbandono”, praticamente una colonna sonora. Giocoso “Il Mutamento”, scherzoso e irriverente, mentre in “Dopo La Pioggia” ritorna il cantato.

Per definire questo album Prog, non tanto per la strumentazione o per certi stilemi rodati, serve capire il concetto di ricerca e attitudine ad essa, tuttavia non esula la suite, qui dal titolo “Tracce Nel Nulla” con i suoi quasi ventisei minuti ed un inizio di Pinkfloydiana memoria. La suite si adopera fra canzone, Psichedelia, e classica. Chiude il disco la breve e ritmata “Un’Altra Volta”.

“L’Agguato, L’Abbandono, Il Mutamento” è un gradito ritorno, è la sottolineatura da parte di Giannotti nel voler comunicare le sensazioni ed i movimenti con gli strumenti in maniera non usuale. Lo strumento adoperato come una voce, a disposizione più del significato dell’evento (o della parola) che dell’armonia che vorrebbe accompagnarlo.

Posso sintetizzare per chi di voi fosse ferrato sull’argomento che Oteme adopera la strumentazione classica come Demetrio Stratos adopera la voce.

Avete capito che non è un disco qualunque, non è un gruppo qualunque, ed è qualcosa di serio, ma un serio che spesso si diverte anche a farci sberleffo, e chi ama stupirsi con la musica questo sberleffo lo accoglie con piacere e divertimento. MS

Stefano Giannotti

STEFANO GIANNOTTI – Amore Mio (Canzoni D’Amore Ed Altra Roba)

Autoproduzione

Genere: Acustica / Sperimentale

Supporto: cd – 2012

Sicuramente Stefano Giannotti non è un artista musicale scontato, tutte le sue opere e progetti hanno sempre un fondo di ricerca sonora e strutturale. Lo abbiamo conosciuto ultimamente con Oteme, ma la sua carriera è davvero lunga e ricca di partecipazioni. Inizia a lasciare testimonianze del suo operato nel 1991 con “Ritratto Di Paese”, documentario sonoro sugli anziani di un piccolo paese della campagna Italiana. Numerose le nomination in contest vari come Prix Italia, Grand Prix Nova (Bucarest) per fare dei nomi, ma anche vittorie come nel 2000 con il 1° Premio nell’ International Glassharmonica Music Festival, e “Prix spécial de l’humor”, Philadelphia (U.S.A.). Giannotti è un compositore, autore, chitarrista e performer. Si è diplomato in composizione con Pietro Rigacci ed è stato assistente di Alvin Curran in “Crystal Psalms” e “Tufo Muto”.

Qui con “Amore Mio” lo ritroviamo in una veste più intimistica ma assolutamente ricercata. Il disco è accompagnato da una folta compagnia di strumentisti, alcuni nomi: Henrik von Holtum (voce), Valentina Cinquini (voce, arpa), Frank Thomé (percussioni, sega), Felix Borel e Sharon Jaari (violino), Raphael Sachs (viola), Rahel Krämer (violoncello) e Lars Olaf Schaper (contrabbasso).

Ho iniziato dicendo che Giannotti non è un artista scontato e questo lo si evince immediatamente dall’inizio del disco in “I Love You”, dove voce, un coro di gargarismi e tosse ci sommergono. Voce femminile, maschile (tedesco) e percussioni a seguire in “FAQs”, più che un cantato un parlato armonico fra tecnologia ed umanità (Kraftwerk?). Cage e Feldman fanno capolino fra le composizioni campionate. Ancora voci, parlato tedesco e suoni campionati in “Girotondo” su ritmiche insistenti e convulse. Provocatore anche in “Amore Mio” cantato in maniera stonata, supplicata e fredda su un telefono che chiama insistentemente fino a giungere all’occupato finale. Davvero mancanza di comunicazione in tutti i sensi. Segue “Claudia Ride” , strutturata su di una risata in loop e modificata elettronicamente. Interviene un armonica a bocca a rendere il tutto ancora più surreale. Si gioca ancora sulle stonature, ma questa volta strumentali in “How My Family Came To America”, un Blues stuprato e narrato. Le provocazioni e  le sorprese non finiscono mai, proseguono fino all’ultimo solco ottico di “Amore Mio (Reprise)”, il tredicesimo.

Giannotti è evidente che si è divertito a comunicare queste sensazioni, a raccontare, a stupire con composizioni, suoni e loop, di sicuro l’ascoltatore non preparato avrà difficoltà ad assimilare la proposta, ma la comunicazione presentata dall’autore è importante. La chiamo comunicazione per il semplice fatto che chi ascolta diventa parte del disco con le proprie sensazioni, interagendo con l’artista stesso vivendo le sue vicissitudini, più o meno come è accaduto con “Lobotomia”  degli Area. A dir poco inusuale. MS

Richiedetelo su www.stefanogiannotti.com

Karibow

KARIBOW – Holophinium

Progressive Promotion Records

Distribuzione italiana: GT Music

Genere: New Prog /AOR

Supporto: 2cd – 2016

Ci si imbatte in campo musicale sempre più spesso negli anni con i cosiddetti “supergruppi”. Questi sono formati da diversi musicisti provenienti da altrettante band più o meno di successo nell’ambito. Il Progressive Rock ci ha già regalato diverse di queste band di successo, basta nominare i Transatlantic o gli Ayreon per farvene avere un idea. Ebbene, i tedeschi Karibow oggi rientrano proprio in questo contesto, in quanto nelle file di questo ottavo lavoro da studio si trovano musicisti come Michael Sadler dei Saga (voce), Sean Timms già con Unitopia e Southern Empire (tastiere), Colin Tench dei Corvus Stone (chitarra) e Karsten Stiers della band Errorhead (voce). Con il gruppo del leader Oliver Rüsing (voce, chitarra, basso, batteria, tastiere) suonano nel disco anche Jörg Eschrig (mandolino e cori), Daniel Neustad (basso), Chris Thomas (chitarra acustica) e Markus Bergen (tastiere).

Sicuramente fra di voi chi è intenditore di questo genere musicale avrà già intuito che musica i Karibow vanno a proporre, ossia un mix fra New Prog in stile Marillion e del buon AOR in stile Saga. Chi non conoscesse queste due band è libero di farsi un tour informativo anche su You Tube.  Ne scaturisce in definitiva un monumentale doppio cd dal titolo “Holophinium”, con un artwork davvero speciale, cartonato e contenente un libretto all’interno esaustivo sia di testi che di informazioni.

Ci tengo a sottolineare questo fatto, perché l’acquisto di un disco a mio avviso non deve essere soltanto soldi per delle canzoni, perché l’autore vuole sempre comunicare emozioni, e questo bene si deve accompagnare anche visivamente, così anche l’acquirente è giusto che venga informato su chi lavora all’intera opera etc. Cosa sarebbero  “The Dark Side Of The Moon” o “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” senza l’artwork? Questa volta davvero notevole lo sforzo creativo di Oliver Rüsing.

Venendo invece al contenuto musicale, il primo cd è composto da dieci canzoni e come spesso accade in questo magniloquente genere, l’argomento è fantascientifico. Subito brividi all’ascolto di “Holophinium”, aperto da un breve intro oramai immancabile in ogni album Rock che si rispetti. Un lieve AOR con chitarre distorte attenuate dalle predominanti tastiere, sciolina armonie ruffiane e gradevoli, una sorta di Spock’s Beard era Neal Morse. La musica tenta qualcosa in più nella mini suite “E.G.O.”, anche interventi di elettronica che fanno da tappeto sonoro. Ciò che risulta già da questi primi ascolti è la facilità con cui Oliver Rüsing compone ritornelli semplici e diretti.

Piccole istantanee di Metal Prog di tanto in tanto fanno capolino nelle canzoni.

Resto colpito dalla bellezza di “Some Will Fall” e dall’energia di “Quantum Leap”, ma non sono i singoli episodi che vanno nominati, l’insieme scorre in maniera molto fulgida.

Il cd 2 è una lunga suite dal titolo “Letter From The White Room” suddivisa in sette episodi. Cambi di ritmo, controtempi, tastiere, chitarre, tutto quello che serve al Prog ed all’AOR è qui in “Walk On Water (Part II)”. Tuttavia questo monumentale lavoro in studio essendo  a cavallo fra due generi, probabilmente corre il rischio di scontentare un poco gli ascoltatori più integralisti degli stessi, ma è un rischio limitato, in quanto le atmosfere e le melodie sono così gradevoli che tutto va per il meglio. Un lavoro del genere necessita di un comodo divano dinanzi allo stereo, un volume alquanto allegro e magari anche un buon bicchierino (moderato) di quello che più piace a voi. Un lungo viaggio in musica che  giova al corpo e alla la mente. MS

Daymoon

DAYMOON – Cruz Quebrada

Progressive Promotion Records

Distribuzione italiana: GT Music

Genere: Crossover Prog

Supporto: cd – 2016

Terzo disco in studio per i portoghesi Daymoon dopo “All Tomorrows” (2011) e “Fabric Of Space Divine” (2013). Questa volta però la band di  Fred Lessing (voce, chitarra, basso, flauto, tastiere, percussioni, xilofono e arpa), André Marques (batteria, tastiere, basso), Bruno Evangelista (voce) e Adriano Pereira (clarinetto), si avvale di un folto numero di special guest: Paulo Chagas (strumenti ad aria), Luca Calabrese (tromba), Nuno Flores (viola, violino), Thomas Olsson (chitarra), Rita Simões (voce), Trevor Lever (narrazione) e Simon Harris (narrazione).

Dopo le dovute presentazioni veniamo alla carne al fuoco, anche in questo disco ben cotta e saporita, con otto tracce di cui due suite, “Thyme” di quindici minuti e “The River” di venticinque.

Il disco è un concept album basato sulla triste vicissitudine di Fred Lessing, il quale nel 2011 perde la propria moglie Ines per un cancro al colon. Un disco che per l’artista vuole essere anche psicologicamente terapeutico, il narrare questa dura sciagura porta anche ad uno sfogo esterno e al non tenersi tutto dentro. “Cruz Quebrada” è suddiviso in due fasi, una “In”, dove accade  il triste evento e le sue conseguenze, ed “Out”, cioè l’uscita per una vita 2.0.

La breve title track è angoscia, caos, sensazione del mondo che ti cade addosso nell’apprendere che  all’ospedale lei è morta. La fase “out” prosegue con “Fish Dissected”, qui l’autore è perduto, confuso e si avvicina alla pazzia. La musica è greve e malinconica, basata soprattutto sui fiati (clarinetto, flauto) e su una ritmica cadenzata e possente. “Where It Hurts Most” e “Shipwreck” hanno un sentore di “The Wall”, non solo per la musica ma anche per il canto. Bello l’intervento del violino di Nuno Flores, energico e stridente, così quello della chitarra elettrica, con questi brani il disco apre le ali. Molto bene i cambi di tempo. Una sorta di Psichedelia “Barrettiana” mista a New Prog e musica classica si accolla tutto il bagaglio musicale di “Whalebone”. L’ascolto prosegue con   il lento incedere del ritmo fra picchi sonori e fraseggi più pacati. La gradevolissima “Thyme” chiude la parte “out”, una mini suite  con tutte le carte in regola per tenere incollato il Prog fans allo stereo. Ma il meglio arriva proprio nel finale, come si dice in gergo dulcis in fundo, la fase “In” è la suite “The River”, monumentale composizione ricca di ogni argomentazione trattata qui e anche in alcuni anni di questo interminabile genere musicale di nome Prog, aggiungendo un pizzico di Beatles.

“Cruz Quebrada” è un album malinconico che comunque apre di tanto in tanto a piccoli spiragli di luce, come dire che la vita va avanti anche in barba alle difficoltà che sembrano spesso insormontabili. Un disco probabilmente terapeutico per Lessing, ma di sicuro qualche giovamento lo si ha anche ascoltandolo da fruitori.

La musica è anche una terapia, personalmente l’ho sempre sostenuto. MS

KARMAMOI Lavori In Corso

Silence Between Sounds

KARMAMOI

"Silence Between Sounds" (autoproduzione) è il titolo del nuovo album dei KARMAMOI in uscita per il 30 settembre 2016.

"Nashira" ne è il nuovo singolo che vedrà luce il 30 aprile insieme al videoclip.
Co-produzione Mark Tucker (Jethro Tull).

ROCK & WORDS a RADIO CANAJA

ROCK & WORDS a RADIO CANAJA

ROCK & WORDS torna sul luogo del delitto.

Martedi 22 Marzo ore 22.00

RADIO GOLD di Fabriano  ospita nel contenitore "Radio Canaja" il duo Max Salari e Fabio Bianchi in una serata di Rock, ironia ed altre amenità, fra latrati e note. Si parlerà di vinile, musica, politica, donne, e tutto quello che bazzicherà nelle teste semivuote dello staff RADIO CANAJA e ROCK & WORDS.

Qui il Podcast: https://www.spreaker.com/user/radiocanaja/rocce-parole-e-cazzate?tab=messages

CONTROINDICAZIONI: Nuoce gravemente alla salute mentale dei privi di ironia.

Alphataurus

ALPHATAURUS – Alphataurus

AMS LP 09 / Ristampa

Genere: Rock Progressivo Italiano

Supporto: LP – 1973 / Ristampa 2009

Indubbiamente il Rock Progressivo italiano degli anni ’70 gode di un fascino particolarmente marcato, vuoi per il tipo di sonorità scaturite dall’innesto della musica Rock Inglese con la nostra mediterraneità ed anche per i contesti storici. “La musica per giovani”, musica Pop, così la chiamavano negli anni ’70. Noi come probabilmente già ben saprete, giungiamo con un buon ritardo rispetto ai paesi esteri, ossia usufruiamo di questa musica in ritardo e solo ed esclusivamente avvicinandola ad un concetto sociale e politico, diciamo rivolto verso una certa sinistra. Organizzano grandi eventi per unire i giovani e per comunicare con loro, in una sorta di controcultura ecco quindi Parco Lambro, Villa Pamphili, Gualdo Tadino etc. etc. Tentativi di Woodstock, ma da noi falliti perché al posto dell’amore, del Rock e della pace, c’è appunto la “politica”. Ecco perché questo genere resta in Italia di nicchia, il pubblico è ristretto ed ecco perché alcuni dischi (prima stampa) hanno valori collezionistici esorbitanti, uno di questi è “Alphataurus”. In realtà alle band, o per meglio dire alla maggioranza delle band, la politica interessava poco e niente, era solo un  pretesto per suonare.

Gli Alphataurus sono un quintetto composto da Pietro Pellegrini (Tastiere), Guido Wasserman (chitarra), Giorgio Santandrea (batteria), Alfonso Oliva (basso) e Michele Bavaro (voce). Registrano nel 1973 questo album dal titolo omonimo in cui aleggiano tutte le prerogative del genere, piano, organo, Moog, vibrafono, spinetta e tutto questo a disposizione dell’intagliatura strutturale  colma di cambi di tempo e di umore. L’artwork è importante, gatefold apribile in tre facciate. Storica la copertina di Adriano Marangoni, con la colomba della pace  che mentre vola sgancia bombe dal petto, una sorta di cavallo di Troia per uno scenario devastante e devastato. Dinosauri a cingoli visibili nel retro della copertina probabilmente sono un richiamo a quel “Tarkus” che ha fatto la storia del genere grazie ad Emerson Lake & Palmer. Colgo anche  l’occasione proprio per salutare Emerson che si è spento in questo dannato 2016 per il mondo del Rock.

Il vinile è inciso molto bene, la ristampa porta freschezza sonora a questo album senza tempo. Tre i brani nel lato A, “Peccato D’Orgoglio”, Dopo L’Uragano” e “Croma”,  due nel lato B “La Mente Vola” e “Ombra Muta”. Tutti classici del genere. La formula canzone è comunque rispettata, ossia ci sono frangenti orecchiabili e cantabili, con coralità care a gruppi del tempo come i New Trolls. Musica inebriante, pulita, di personalità, tanto da farci chiedere come mai un gruppo così all’epoca ha fatto un solo album! Torneranno nel 1992 con “Dietro L’Uragano” e nel 2012 con un album di nuove canzoni dal titolo “AttosecondO” del quale consiglio a sua volta l’ascolto e l’acquisto.

Il difetto di un album del genere? Ascoltato con l’orecchio di oggi potrei dire la voce, vero tallone d’Achille di tutto il genere, anche se Bavaro in fin dei conti fa una prova più che onesta, con enfasi e  sentimento. Non entro nei dettagli dei brani, perché chi conosce la band già sa, mentre per gli altri potrà essere sicuramente una bella sorpresa. Anche noi italiani quando ci mettiamo sotto sappiamo fare cose egregie! MS

Sintonia Distorta

SINTONIA DISTORTA – Frammenti D’Incanto

Lizard Records / Locanda Del Vento

Genere: Hard Prog

Supporto: cd – 2015

I Sintonia Distorta provengono da Lodi e si formano nell’ottobre del 1995 con l’intento di suonare brani cover che vanno dal Classic Rock al Power, dal Prog al Metal sempre mantenendo un gusto per la melodia. Hanno all'attivo 3 demo di pezzi propri e un demo di cover, mentre la scelta del cantato è in lingua italiana.

Con “Frammenti D’Incanto”  si parla dunque di debutto mentre la formazione è composta da Simone Pesatori (voce), Simone Prestini (chitarre), Giampiero Manenti (tastiere, voce), Fabio Tavazzi (basso) e Matteo Sabbioni (batteria).

Molto bello il libretto che accompagna il prodotto sonoro, realizzato dalla oramai riconoscibilissima grafica di Davide Guidoni, questo è ricco di informazioni, con storie spiegate e testi lirici. I brani contenuti sono dieci e tutti di media e lunga durata, a partire da “Anthemyiees (L’Isola Nel Buio)”, storia di un capitano alla ricerca di una terra sempre sognata. Il rumore del mare e una voce femminile che canticchia una nenia ci accoglie in questo lungo viaggio. Adrenalina scorre fra le imponenti tastiere e le chitarre distorte autrici di riff taglienti sono da partner alla bella voce di Pesatori, che nei momenti più vigorosi mi ricorda un poco quella del maestro Bernardo Lanzetti.

Ogni musicista ed ogni cantante è un cantastorie e l’argomento viene trattato in “Il Cantastorie”, canzone che può piacere anche agli amanti del New Prog anni ’80, pur avendo sempre le chitarre distorte in affidamento. “Menta E Fragole”, la forza di un uomo (la menta) e la dolcezza di una donna (le fragole), il frutto dell’amore e la magia della vita raccontata con toccante intensità in un momento più riflessivo. “Il Mondo Dei Falsi Dei” invece subentra nel sociale e le problematiche che si hanno se si fa uso di droghe. Il ritmo dunque sale visto l’argomento e così la durezza del suono supportato da una buona ritmica. Egoismo, esaltazione dell’ ”io” nel brano “Il Canto Della Fenice”, piacevole sotto molteplici punti di vista, a partire dall’inciso al ritornello, sicuramente piacevole per i più metallari di voi. Melodie in prima linea in “No Seed A Show”, storia di palcoscenici. Il disco è dunque variegato, fra sensazioni di bacio o schiaffo, ma sempre legato alla melodia di facile assimilazione, una carta vincente che viene amplificata dai suoni tastieristici e coralità. Non solo Prog duro, ma anche richiami al Metal vero, come nel caso di “Pioggia Di Vetro”, dove gli Iron Maiden fanno capolino. Si torna a parlare d’amore con “I Ponti Di Budapest”, fra arpeggi e sensazioni sentimentali. Non manca un pensiero per chi vive in situazioni più disagiate in “Clochard”, dove ancora una volta si possono estrapolare gli Iron Maiden. Si finisce con “Il Vento Dei Pensieri”, una storia d’amore e di vecchi pensieri che volano sopra le tastiere di Manenti.

In conclusione “Frammenti D’Incanto” è un lavoro onesto, senza grandissimi picchi qualitativi, magari avrei apprezzato di più se ci fossero stati solo strumentali più lunghi o almeno un brano prettamente strumentale a spezzare l’ascolto, ma va bene anche così, stiamo sempre parlando di debutto e quindi benvenuti Sintonia Distorta e bravi. MS

Posto Blocco 19

POSTO BLOCCO 19 – Motivi Di Sempre

Lizard Records / Locanda Del Vento

Genere: Progressive Rock

Supporto:cd – 2014

Non è la prima volta che la Lizard Records e “La Locanda Del Vento” di Loris Furlan rendono  giustizia al Progressive Italiano. Capita che nella storia della musica molte band e loro canzoni restino avvinghiate alla ragnatela del tempo, senza trovare una visibilità da parte degli addetti ai lavori. Stiamo parlando dei Posto Blocco 19, una band che si forma nel 1972 e si dedica al Rock Progressivo quello vero, caro a band come PFM, Banco Del Mutuo Soccorso, Orme etc. In “Motivi Di Sempre” oggi si ascolta si Prog anni ’70, ma con elementi più freschi, dati ovviamente dai tempi moderni e dall’esperienza comunque accumulata dagli artisti nel tempo. Cominciano a comporre materiale proprio dal 1978, probabilmente questo il motivo per cui non hanno ricevuto la dovuta attenzione da parte degli addetti ai lavori, proprio nel periodo di transizione e cambiamento fra il genere Prog ed il Punk e la musica da discoteca. Il momento sbagliato. Nel 1981 registrano per Pubbliart Bazar il disco omonimo, composto da due canzoni, una delle quali qui è riproposta dal titolo “E La Musica Va”. Nel 2010 li ritroviamo nella raccolta “The Divine Comedy - Part III – Paradiso” per  Musea e la Finlandese Colossus con il brano “canto IX : L'Ultima Acqua” e l’ospite vocale Bernardo Lanzetti (PFM). Sempre la Musea Records chiede loro l’anno successivo anche la partecipazione nell’opera musicale/letteraria “Decameron "Ten Days in 100 Novellas - Part 1", questa volta con la nuova composizione “Scandendo Il Tempo”.

Ma veniamo al disco in questione ed alla formazione, composta da Francesca Campagna (voce), Massimo Casaro (basso), Raimondo Fantuzzi (chitarra, voce), Stefano Savi (percussioni), Graziano De Palma (tastiere) e Vittorio Savi (batteria).

“Motivi Di Sempre” si presenta con cinque brani ed una bonus track, “L’Ultima Acqua”. Colpisce anche il bell’artwork realizzato con l’aiuto del pittore De Palma.

Sin dalle prime note del brano strumentale apripista “Ad Un Passo Dal Cielo (Suite1)” le carte sono scoperte, pelle d’oca per il Prog fans incallito vecchio stile, mentre la chitarra elettrica se la spassa comunicando con le tastiere, un classico. Segue “E La Musica Va”, energia e vintage sotto una buona formula canzone. I giochi si fanno ancora più seri con il brano “All’Alba Del Giorno Dopo”, cantato da Francesca  Campagna, qui cambi di tempo ed umorali che personalmente mi portano alla mente i lavori di band culto come i Raccomandata Ricevuta Ritorno. Ma anche New Prog in stile IQ.

Arpeggi aprono “Scandendo Il Tempo”, altro brano  totale, dove introspezione si alterna a momenti solari ed ariosi. “Ad Un Passo Dal Cielo (Suite 2)” non sfigurerebbe nella discografia delle Orme, la mia preferita, anche per l’enfasi della chitarra elettrica. Chiude la Bonus Track tratta dalla collection del 2010 “The Divine Comedy - Part III – Paradiso”, spettacolo vero assieme a Bernardo Lanzetti al microfono.

Quando il Progressive Italiano gira a questi livelli, si capisce il perché dell’eternità del genere. Un disco che  non può assolutamente mancare nella vostra discografia Prog degna di questo nome! MS

Moorder

MOORDER – Moorder II

Lizard Records / Eclectic Polpo Records

Genere: RIO / Post Rock

Supporto: cd – 2014

I bolognesi Moorder sono il progetto del chitarrista Alessandro Lamborghini. Con lui, in questa seconda fatica suonano Simone Pederzoli (trombone), Alberto Danielli (tuba), Daniel Csaba Dencs (batteria) e Luca Cotti (basso). Tornano dopo l’esordio del 2008 dal titolo “Moorder”, sempre per Lizard Records.
Qui chiariamo subito senza troppi giri di parole che la proposta è variegata e per palati fini, musica mai scontata, ricercata, ben eseguita ed arrangiata come poche volte si riesce a sentire in questo tipo di musica. Si ascolta di tutto, dal Jazz al Post Rock, fino a giungere al Prog schizzato di Fripp ed i suoi King Crimson, questo in generale è il territorio in cui si muovono.
Il disco è composto da dodici tracce suddivise in 37 minuti, questo lascia già intendere la brevità dei brani proposti. E si, perché i bolognesi non si perdono in inutili orpelli, badano al sodo…Alla sostanza.
Il libretto di accompagnamento al cd è ricco di tavole a fumetti che raccontano una storia, quella di una ragazza che fra difficoltà di genere sociale, si innamora  con il classico colpo di fulmine di un giovane ragazzo al quale porta il disco in vinile “Moorder II”. Lui a sua volta gli dona un chupa choops rappresentante la pace, la libertà e appunto l’amore. Le tavole sono ad opera di Simone Cortesi.
“Jesus Zombies Crew” fa intendere immediatamente di che pasta sono fatti i Moorder, pezzo vigoroso ed elettrico, con il trombone che si diverte a giocare fra i riff ruffiani. Come restare impassibili avanti ad un brano come “Flact Kick”, ma soprattutto, come non accostarlo a Jaco Pastorius? E poi avanti con il Funky di “Disco In Ferro”, i ragazzi hanno anche buon senso dell’umorismo. “Pipum” si diverte inizialmente a far ballare, basata su percussioni e ritmiche con il basso, un pezzo che si articola nel suo incedere, ma che lascia anche spiazzati miscelando allegria e tristezza allo stesso tempo. “Moztri” all’inizio è soft ed avvolgente, successivamente la chitarra parte in un micidiale assolo. Sempre e comunque nello stradello crimsoniano.
“Afro Bones” in alcuni istanti è musica per Big Band, ma quando riparte la chitarra elettrica, ci si aggira in territori cari a geni come Frank Zappa, e scusate se è poco.
Non mi piace comunque svelarvi tutto il percorso, in quanto di sorprese ce ne sono all’interno e non mi sembra giusto privarvene la scoperta, in fondo avete già capito di che disco si tratta.
Gli artisti giocano con il pentagramma, rilasciando in conclusione un lavoro divertente e per molti momenti davvero gioioso. Mettono in mostra non solo tecnica esecutiva, ma anche cultura personale riguardo la musica ascoltata.
Davvero godibili, dategli una opportunità. MS

Magni Animi Viri

MAGNI ANIMI VIRI – Heroes Temporis World Edition

Cd Baby – distr. Alliance Entertainment

Genere: Metal Progressive Sinfonico

Supporto: cd – 2015

Sono già passati dieci anni dall’uscita di “Heroes Temporis”, debutto discografico dei salernitani Magni Animi Viri. Un disco di successo che riesce a convogliare Progressive Rock, Metal, sinfonia classica e lirica. Il duo Giancarlo Trotta e Luca Contegiacomo  (musicisti di estrazione Classica e Rock) tornano all’attenzione del pubblico con  l’intento di rispolverare il fortunato disco del 2006, riportando nuova linfa e nuove idee, il cantato in inglese con ospiti importanti come il cantante Russell Allen (Symphony X, Adrenaline Mob, Star One e Allen-Lande) e Amanda Somerville (After Forever, Edguy, Kamelot, Epica, Avantasia), mentre alla voce narrante si incontra Clive Riche.

Di cose ne sono cambiate nel tempo, il chitarrista Marco Sfogli l’anno scorso ha sostituito Mussida nella PFM, mentre purtroppo Randy Coven è scomparso due anni fa. Tuttavia ritroviamo intatta la base musicale, compresa l’orchestra Bugarian Symphony Sif 309 condotta dal maestro Giacomo Simonelli. “Heroes Temporis World Edition” è un concept incentrato sul viaggio di conoscenza e purificazione del protagonista, un itinerario di consapevolezza della realtà come illusione.

Ma il grande intento per cui viene rispolverato “Heroes Temporis” è un altro e nobile:

Il ricavato delle vendite sarà devoluto all'Associazione Heroes Temporis For Autistic Children ONLUS - di cui MAV è il primo testimonial - a favore del costituendo reparto ludico-diagnostico della clinica/centro diagnostico MerClin di Campagna (SA). Il materiale ludico e diagnostico servirà a integrare questo reparto per bambini, nel quale opererà anche un team specializzato in clownterapia. Sarà possibile effettuare le donazioni dal sito http://heroestemporis.org

Tornando alla musica, “Heroes Temporis” già lo sapete è suddiviso in quattordici tracce per un ora spaccata di musica. Il disco si presenta in edizione cartonata contenente il libretto esaustivo di testi e info necessarie.

Oltre che dai componenti prima citati, il disco viene suonato anche da Simone Gianlorenzi (chitarra acustica), Roberto D'Aquino (basso, Stick) e John Macaluso (batteria). Un supergruppo.

Con Russell alla voce al posto del tenore Francesco Napoletano (Fondazione Arena di Verona) e di Amanda Somerville al posto di Ivana Giugliano, il disco prende i connotati di opera Metal Prog epica dalle forti tinte Prog. Sempre d’impatto la canzone “Heroes…”, gloriosa e sinfonica, ma tutto il disco è a voi noto, se non lo dovesse essere, questa è una grandissima occasione per porre rimedio alla mancanza, perché non solo fate del bene alla vostra mente ed alla vostra anima, ma anche a chi ne ha bisogno.

Ora attendo nuove evoluzioni da parte del duo Trotta / Contegiacomo, capsico che scrivere opere e di questa portata non è cosa di tutti i giorni, ma…visto mai? MS

Moloch

GIANNI VENTURI / LUCIEN MOREAU – Moloch

Autoproduzione / molochthealbum.badcamp.com

Genere: Sperimentale

Supporto: promo cd – 2016

Un Euro! Niente SIAE, solo un Euro su Badcamp per regalare a tutti un momento di arte  concentrato a nome Moloch. A questo ci pensano Gianni Venturi (poeta, pittore e voce degli Altare Thotemico) e lo scrittore musicista Lucien Moreau. Non ci sono scusanti per non avere questo piccolo gioiello sonoro fatto di luce, ombre, pensieri, cuore, genialità, rabbia, consapevolezza e molto altro a cui lascio a voi il piacere della scoperta. Questo è Moloch.

Conosciamo oramai Venturi per le sue poesie in musica, (non riesco più  a chiamarli semplicemente testi) ed anche per il suo approccio vocale rivolto verso il canto sciamanico. Un artista a volte solo, arrabbiato con il mondo circostante per ciò che accade, mai indifferente e sempre pronto con arguzia e spesso anche con ironia ad abbattere il muro dell’indifferenza e dell’essere necessariamente uno uguale all’altro. Venturi non ci sta e si dimostra nella sua arte individuo unico, a se e pensante!

Per una mosca bianca dell’arte odierna serve conseguentemente un viatico sonoro pari merito, non scontato e graffiante, stridente ed irriverente proprio come  le sue liriche. Come hanno saputo fare gli Area con “Lobotomia” per colpire l’ascoltatore in maniera violenta e farlo risvegliare dal suo torpore mentale, “Moloch” tendenzialmente riesce nello stesso intento solo con l’aggiunta di testi profondi.

Quindici canzoni ad iniziare da “Dorje Phurba”, ingresso granitico di Moloch. L’elettronica in mano a Lucien gioca un ruolo importante, con l'ausilio di Federico Viola, tecnico del suono. “Eindao” alterna ironia a narrazione di fatti attuali, sopra una ritmica martellante e supportata da coralità fonetiche sempre ad opera di Venturi. Base greve, martellante e ruffiana, stato d’animo ben definito. Di “Kaddish” vi consiglio anche la visione del bellissimo video su You Tube, uno dei momenti più alti dell’intero racconto. Sputo sulle guerre. “Senza profitto non c’è conflitto”. Interpretazione drammatica che sfocia in un grido di dolore con il piano che sgocciola note per una musica in contrapposizione…. Geniale. “Tiger Tiger” vede la collaborazione di Chiara Megan Munari alla voce narrata. Ritmo incalzante e synth sinfonici a supporto.

Fa pensare “Il Circo Dei Normali”, siamo tutti invitati al circo ed al suo spettacolo, uno spettacolo amaro, fra banche, razzismo, calcio, padroni dell’acqua, pedofili, qui Venturi è fuori del tendone ad invitare i passanti ad entrare…a guardare…. guardare cosa siamo: Clown. I pensieri possono sfociare in “Rivoluzione”, per utopia o nascosto desiderio? Chissà, ma di sicuro le parole si trasformano in macigni, così la musica di sottofondo. “Satori” vede la partecipazione della melodica voce di Alice Lobo, sopra una ritmica minimale ed un intreccio vorticoso di polifonie.

Quando a Moloch non servono le parole, a suo ausilio giungono le vibrazioni delle corde vocali. Poesia in “Anime Erranti”, malinconia piena di luce, anche in questo caso due componenti  lontani per significato e quindi affascinanti contrasti nell’insieme.

Torna Alice Lobo in “Bambina Di Fragola”, storia dalle parole che scrocchiano come ossa vecchie che danno dolore. Belli gli effetti sonori di eco e voci. Non può mancare l’ ”Urlo” vero e proprio, altro tassello di lucida follia con tanto di voce radiofonica che descrive cosa è Moloch in lingua inglese. Si passa poi a “La Soluzione”, gioco disturbato di elettronica e voce, piccoli frammenti di Area e un Venturi sarcastico ed acido come poche volte mi è capitato di ascoltare. Freddo analizzatore dei tempi moderni.

Un pianoforte apre “Canto Armonico Del Silenzio”, uno dei frangenti più musicali dell’album. Segue “Qohèlet”, altra poesia  sull’ “io” narrata sopra un supporto di voci che rendono tutto molto triste ed oscuro. C’è anche il momento di sfogo spontaneo e liberatorio, “Libera La Follia”, canzone circense ancora una volta tracciata dal pianoforte che funge da ritmica e arricchita dalla voce di Alice. “Moloch” si conclude con il brano ”Lo Sciamano”, questa volta con Chiara Megan Munari.

Dimenticatevi in Moloch la formula canzone, non esiste, esistono suoni, sensazioni, ritmi, voci.

Uscirà anche il cd in edizione limitata. Una preziosa e unica edizione origami, realizzata e piegata a mano, numerata e firmata da Gianni Venturi e Lucien Moreau. Un autentico pezzo da collezione.

Oramai Gianni Venturi per me non è più una sorpresa, anzi, lo aspetto sempre con curiosità ed impazienza, perché a me piace pensare ed essere stupito. Se anche voi siete stanchi della solita musica, con “Moloch” avete di che ascoltare…e sottolineo nuovamente ad un Euro! MS

http://molochthealbum.bandcamp.com

Lagartija

LAGARTIJA – Amore Di Vinile

Lizard Records

Genere: Post Rock / Prog

Supporto: cd – 2014

C’è chi sostiene che il terzo disco per una band sia quello della verità, ossia da qui in poi o sei o non sei. Non so se questa teoria sia fondata su serie basi, tuttavia è a mio avviso da verificare. Invece per chi giunge al terzo disco è sicuramente un buon traguardo. I Piacentini  tornano con “Amore Di Vinile” dopo “Particelle” del 2011, sempre fieri della propria personalità.

Il Progressive Italiano ha moltissime sfaccettature al proprio interno, spesso vetrina e sfoggio delle proprie caratteristiche e soprattutto della propria cultura  musicale. Infatti numerosi sono gli innesti e questi cambiano a seconda di chi ha assimilato gli eventi passati con la propria personalità. Le idee.

Lagartija è a mio avviso presente, passato e futuro, il sound al terzo disco è così definito, un mix di sonorità che  lasciano spazio alla melodia, supportata ancora una volta dalla bella voce di Sara Aliani (anche basso). La formazione viene completata da Michele Molinari (batteria, tromba, cori), Andrea Poggi (chitarra, organo, voce), Marco Libè (chitarre), Cristian Piga (sax) e Alessandro Austoni (chitarra).

“Amore Di Vinile” è un disco che si presenta in una confezione cartonata semplice e con otto canzoni, ad iniziare dalla title track. Brano con suoni pacati, Rock gentile e a tratti psichedelico, ma non uno psichedelico colorato, bensì sbiadito…Tenue.

Ancora più introspettivo “Ferrovia”, tanto da chiedermi se sono ammiratori dei Paatos. Musica  che emoziona e fa chiudere gli occhi per la concentrazione al suono, arricchito dall’ingresso del sax.

“Ottobre” racconta storie di vita quotidiana, cresce con l’incedere, ancora una volta per sfociare in un solo di sax. L’autunno prosegue nel brano successivo dal titolo “E’ Già Da Un Po’ Che Cadono Le Foglie”, cantato da Andrea Poggi.

Stiamo tuttavia parlando sempre di Rock, una evoluzione particolare verso sonorità malinconiche e toccanti, come in “Fermo”, dove il Prog nordico di casa Landberk fuoriesce in tutto il suo splendore. “Psiche” non cambia di una virgola il percorso, invece  “Carnale”, cantata ancora una volta da Poggi, è rilassante e soffice. Chiude l’album “Anomalie” e il tempo sembra essere volato.

I Lagartija sembrano oramai avere trovato la loro dimensione, spregiudicatamente delicata, priva di compromessi, dedita solamente all’anima.

Devo approfondire meglio la storia del terzo disco, potrebbe anche avere una sua valenza. MS