I Giullari Di Corte

I GIULLARI DI CORTE – Via Fulton 4
Areasonica Records
Genere: Rock Progressivo
Supporto: digital – 2025

Quando leggo un nome come I Giullari Di Corte, già intuisco dove la musica va a parare. Se poi guardo anche la copertina, i miei sospetti si fanno ancora più marcati. Il trio di San Giovanni in Persiceto (BO) non è comunque nuovo alla scena tipica del Rock Progressivo italiano ispirato ai tempi che furono, infatti nel 2020 esordiscono con “Presa Di Coscienza”, anche se la data di nascita della formazione risale al 2002. Nel 2003 registrano il demo “In Una Notte Di Tempesta”. I Bolognesi, dopo alcune defezioni, oggi sono composti da Alessio De Angelis (batteria, voce), Matteo Ballestrazzi (basso, voce), e Paolo Zacchi (chitarre, tastiere, voce).
Dalla musica che realizzano si possono intuire le basi stilistiche ispirate ai gruppi italiani degli anni ’70, soprattutto delle cosiddette “band minori”, ma non per qualità quanto per scarsa distribuzione. Per fortuna nel tempo molti album sono stati ristampati a prezzi più ragionevoli. A seguire intuisco il Neo Prog degli anni ’80, ma potremmo stare qui a fare centinaia di accostamenti, per cui mi appresto alla descrizione dell’ascolto.
 “Via Fulton 4” si apre con “Genesi”, fra tuoni e vento si frappongono le tastiere di Paolo Zacchi sino all’intervento della batteria. Il cantato è perentorio, recitativo, con quell’enfasi che ricalca il periodo suddetto. La tecnica strumentale è essenziale allo scopo, senza mai fare il passo più lungo della gamba. Ovviamente ci sono i cambi di tempo, a tratti anche prossimi al Neo Prog e fanno bene, perché danno all’insieme un tocco di freschezza aggiunta. Questa considerazione la traggo anche dall’ascolto dell’assolo di chitarra finale.
Interessante la strumentale “Fatto, Sfatto E Soddisfatto”, dove i primi IQ mi si presentano inevitabilmente alla memoria. 
Più Hard Prog, grazie anche al suono Hammond, “La Corsa Sul Tempo”, ritmata e coinvolgente nell’incedere ma anche intrigante nel passaggio cantato.
Il titolo “Shine On You Crazy Divac” suggerisce molto… E così è… Un altro lato de I Giullari Di Corte, quello della passione per i Pink Floyd. Inutile dire che la chitarra elettrica è la protagonista in un andamento psichedelico sopra l’immancabile base di tastiere e su una ritmica alla Nick Mason. Ma la band non si accontenta di citare, bensì nel proseguimento crea e muta, dirigendo lo sguardo nuovamente nell’Hard Prog. Segue “Giullare”, loro carta d’identità mostrata a tutti con orgoglio e divertimento. Energica “Venerdì”, una botta di vita Rock che esula dall’intero disco. Il basso di Ballestrazzi apre “Il Cappellaio Matto” in un andamento quasi Reggae e il mondo dei Giullari diventa sterminato. E vai di chitarra elettrica!
La chiusura spetta a “Che Fine Ha Fatto La Signora Colombo?”, un brano rassicurante negli intenti.
La registrazione è fedele ai tempi passati, probabilmente effettuata proprio per raggiungere questo scopo. Gli estimatori di questa musica avranno di che ascoltare, chi invece cerca nel Prog l’innovazione di certo resterà a bocca amara, ma in fin dei conti la musica ha come scopo l’emozione, e in “Via Fulton 4” non manca di certo. MS

 

Versione Inglese:

I GIULLARI DI CORTE – Via Fulton 4
Areasonica Records
Genre: Progressive Rock
Support: Digital – 2025

When I read a name like I Giullari Di Corte, I already get an idea of where the music is headed. If I also look at the cover art, my suspicions become even stronger. The trio from San Giovanni in Persiceto (BO) is no stranger to the typical Italian Progressive Rock scene inspired by the past, as they debuted in 2020 with "Presa Di Coscienza", although the formation's birthdate dates back to 2002. In 2003, they recorded the demo "In Una Notte Di Tempesta". The Bolognese musicians, after some departures, are now composed of Alessio De Angelis (drums, vocals), Matteo Ballestrazzi (bass, vocals), and Paolo Zacchi (guitars, keyboards, vocals).
From the music they create, one can sense the stylistic foundations inspired by Italian groups from the 1970s, especially the so-called "minor bands", not for quality but due to limited distribution. Fortunately, over time, many albums have been reissued at more reasonable prices. I also sense the Neo Prog of the 1980s, but we could make hundreds of comparisons, so I'll proceed to describe the listening experience.
"Via Fulton 4" opens with "Genesi", where keyboards by Paolo Zacchi intervene between thunder and wind, followed by the drums. The vocals are peremptory, recitative, with an emphasis that echoes the aforementioned period. Instrumental technique is essential to the purpose, never overstepping its bounds. Time signature changes are obviously present, sometimes even close to Neo Prog, and they do well because they add a touch of freshness to the whole. I also draw this conclusion from listening to the final guitar solo.
Interesting is the instrumental "Fatto, Sfatto E Soddisfatto", where the first IQ inevitably comes to mind.
More Hard Prog, thanks also to the Hammond sound, is "La Corsa Sul Tempo", rhythmic and engaging in its pace but also intriguing in the sung passages.
The title "Shine On You Crazy Divac" suggests a lot... And so it is... Another side of I Giullari Di Corte, that of their passion for Pink Floyd. Needless to say that the electric guitar is the protagonist in a psychedelic pace above the inevitable keyboard base and on a rhythm à la Nick Mason. But the band doesn't just cite; they create and mutate, directing their gaze again towards Hard Prog. "Giullari" follows, their identity card shown to all with pride and amusement. Energetic "Venerdì", a shot of Rock life that stands out from the entire disc. Ballestrazzi's bass opens "Il Cappellaio Matto" in an almost Reggae pace, and the world of Giullari becomes boundless. And go with electric guitar!
The closing track is "Che Fine Ha Fatto La Signora Colombo?", a reassuring song in its intentions.
The recording is faithful to the past, probably done to achieve this purpose. Fans of this music will have plenty to listen to; those who seek innovation in Prog will certainly be disappointed, but ultimately, music's purpose is to evoke emotion, and "Via Fulton 4" certainly doesn't lack that. MS

Plenilunio

PLENILUNIO – Nascere Qui
Sciopero Records – Scintille
Distribuzione: La Contorsionista
Genere: Rock progressive
Supporto: cd / digital – 2025

Formatisi nel 1977 ad Acqui Terme, i Plenilunio, composti dai membri fondatori Roberto Maggiotto (voce), Valter Camparo (tastiere) e Davide Pronzato (chitarra), a cui si aggiungono Michele Pronzato (chitarra), Antonio Pirrone (batteria) e Daniele Pietrasanta (basso), tornano con il loro quarto album in studio, dopo “Respiri Lunghi 1000 miglia” (2012), “Vivo Controvento” (2017), e “Il Gioco Imperfetto” (2021).
In “Nascere Qui” approfondiscono l’appartenenza del loro luogo di nascita, attraverso piccole miniature sonore che si prestano perfettamente alla riuscita dello scopo. Non soltanto un concept musicale ma anche pittorico, con la copertina dell'album e alcune illustrazioni del booklet create da Carmelina Barbato, la quale ha donato alla band una serie di dipinti raffiguranti la città che l'ha accolta per gran parte della sua vita.
Nelle sette tracce raccontano la memoria, l'identità e i luoghi in cui si cresce, portati in vita attraverso scorci urbani, ricordi ed emozioni.
La musica proposta rispecchia un Rock Pop dalle sfumature Progressive anni ’70, il tutto con un gusto retrò che ha dell’affascinate ancora oggi. Tutto ciò è dettato soprattutto dall’uso delle tastiere le quali si ritagliano spazi nel movimento con sapienza e rispetto della storia. Lo si evince sin dall’ascolto di “Il Gatto E Le Lucciole”, canzone orecchiabile in cui i personaggi animali sono il soggetto trattato, coloro che si aggirano di notte in quel di Acqui Terme.
Come un buon disco di Rock Progressivo richiede, non esula la suite, qui di quattordici minuti e intitolata “C'erano Una Volta (Acqui E Noi)” baricentro del concept. Il classico stile italiano è inconfondibile, le melodie strumentali della chitarra di Michele Pronzato si danno staffetta con le tastiere di Valter Camparo, non c’è da stupirsi poi se queste richiamino il sound degli amici Locanda Delle Fate, ma anche Genesis.
“Ci Sentiamo” è il singolo dell’album narrante l’attuale era digitatale, il tutto su un movimento armonico pacato al limite della ballata, in cui ancora una volta le tastiere ricoprono il ruolo di protagoniste.
L’amore per La Locanda Delle Fate si palesa totalmente in “E Rimani Un Fiore”, canzone dedicata ad Alberto Gaviglio, musicista, amico e fondatore de La Locanda Delle Fate, che ha supportato la band fin dagli esordi. Tutto è molto sentito e coinvolgente emotivamente. L'album prosegue con “Lacrime Dall'Aldilà”, che immagina poeticamente le acque termali della Bollente, monumento simbolo di Acqui, come lacrime che sgorgano da una divinità lontana. Sembra di nuotare dentro gli anni ’70, lasciandosi trascinare dalle onde sonore.
“Ebro Di Te” è così descritta dagli stessi autori: “La canzone vede la partecipazione del chitarrista ospite Riccardo Pronzato e del bassista storico Roberto Camparo, è una lettera d'amore alla musica stessa, la forza che ha unito i fondatori della band nella loro giovinezza.”. Meglio non avrei potuto dire. La chiusura spetta a un brano storico della band scritto nel 1983, “Signora Della Notte”. Qui si possono estrapolare le caratteristiche di quegli anni, quando la canzone più semplice prende il posto di quella articolata. Il processo è capitato a molti, dalla PFM al Banco Del Mutuo Soccorso, perché chi ha suonato Prog Rock negli anni ‘70 ma si è saputo adeguare agli anni ’80, sono sopravvissuti sino a oggi. In fin dei conti lo diceva anche Darwin, “Non è la più forte delle specie che sopravvive, né la più intelligente, ma quella più reattiva ai cambiamenti.".
“Nascere Qui” è un piacevole album con cui passeggiare per le vie di Acqui Terme in tutte le ore della giornata con le cuffie in testa e il volume alto. La bellezza spesso risiede nelle piccole cose. MS

Versione inglese:

PLENILUNIO – Nascere Qui
Sciopero Records – Scintille
Distribution: La Contorsionista
Genre: Progressive Rock
Support: CD / Digital – 2025

Formed in 1977 in Acqui Terme, the Plenilunio, composed of founding members Roberto Maggiotto (vocals), Valter Camparo (keyboards), and Davide Pronzato (guitar), to whom Michele Pronzato (guitar), Antonio Pirrone (drums), and Daniele Pietrasanta (bass) are added, return with their fourth studio album after "Respiri Lunghi 1000 miglia" (2012), "Vivo Controvento" (2017), and "Il Gioco Imperfetto" (2021).
In "Nascere Qui", they explore their birthplace's belonging through small sonic miniatures that perfectly serve the purpose. Not just a musical concept but also a pictorial one, with the album cover and some booklet illustrations created by Carmelina Barbato, who gifted the band a series of paintings depicting the city that welcomed her for much of her life.
In the seven tracks, they tell the memory, identity, and places where one grows up, brought to life through urban scenes, memories, and emotions.
The proposed music reflects 1970s-style Progressive Rock with a Pop Rock base, all with a retro taste that still fascinates today. This is largely due to the use of keyboards, which carve out spaces in the movement with knowledge and respect for history. This is evident from the listening of "Il Gatto E Le Lucciole", a catchy song where animal characters are the subject, those that roam at night in Acqui Terme.
As a good Progressive Rock disc requires, the suite is not lacking, here it's fourteen minutes long and titled "C'erano Una Volta (Acqui E Noi)", the centerpiece of the concept. The classic Italian style is unmistakable, the instrumental melodies of Michele Pronzato's guitar alternate with Valter Camparo's keyboards, and it's no surprise that these recall the sound of friends Locanda Delle Fate, but also Genesis.
"Ci Sentiamo" is the album's single, narrating the current digital era, all on a calm harmonic movement bordering on ballad, where keyboards once again play the lead role.
The love for La Locanda Delle Fate is evident in "E Rimani Un Fiore", a song dedicated to Alberto Gaviglio, musician, friend, and founder of La Locanda Delle Fate, who supported the band from the beginning. Everything is very heartfelt and emotionally engaging. The album continues with "Lacrime Dall'Aldilà", which poetically imagines the thermal waters of the Bollente, a symbol of Acqui, as tears flowing from a distant deity. It feels like swimming in the 1970s, letting oneself be carried away by the sound waves.
"Ebro Di Te" is described by the authors themselves: "The song features guest guitarist Riccardo Pronzato and historic bassist Roberto Camparo, it's a love letter to music itself, the force that united the band's founders in their youth." I couldn't have said it better. The closing track is a historic song by the band written in 1983, "Signora Della Notte". Here, one can extract the characteristics of those years when the simpler song takes the place of the more complex one. This process happened to many, from PFM to Banco Del Mutuo Soccorso, because those who played Prog Rock in the 1970s but adapted to the 1980s have survived to this day. After all, Darwin also said, "It's not the strongest of the species that survives, nor the most intelligent, but the one most responsive to change."
"Nascere Qui" is a pleasant album to stroll through the streets of Acqui Terme at any time of day with headphones on and the volume up. Beauty often lies in small things. MS

Cafunè

CAFUNE’ – Tra Le Corde Dei Racconti
M.P. & Records
Distribuzione: G.T. Music Distribution
Genere: Folk Rock
Supporto: cd / digital – 2025

Ci sono copertine che non lasciano adito a dubbi, la veste grafica suggerisce al potenziale acquirente un determinato contesto in cui difficilmente ci si può confondere. E’ vero che spesso l’apparenza inganna, ma non è certamente questo il caso dei lunigianesi Cafunè, i quali ci propongono il disco “Tra Le Corde Dei Racconti” in piena veste anni ’70 per mano di Luca Merli con le fotografie di Irene Malfanti e la grafica di Ondemedie.
Le nove canzoni contenute nell’album rispecchiano proprio quel Folk Rock autunnale, grazie a una musica senza tempo, delicata e ben eseguita, spesso suggerita da ascolti di gruppi come Fairtport Convention, Pentangle, e simili. Negli anni ho avuto modo di apprezzare band nostrane come i Bededeum e i Lethean (andateli ad ascoltare), e riscontro un fattore comune che porta il nome di Antonio Pincione (chitarra classica, chitarra acustica, bouzouki greco). Assieme a Pincione suonano la moglie Chiara Vatteroni (arpa celtica e autrice dei testi), Irene Lippolis (voce), Emanuele Casu (basso), Floriana Benedetti (flauto traverso, synth), e Michele Vannucci (batteria, percussioni).
Cafunè è il nome in portoghese di un tenerissimo gesto che spesso facciamo nei confronti di chi si ama, ossia quello di passare delicatamente la mano fra i capelli, perfetto logo per una musica altrettanto soffice. La terra di provenienza ha ovviamente un peso specifico nei confronti delle composizioni spesso a lei ispirata, luoghi ancestrali in cui anche la nebbia dipinge scenari mozzafiato che fanno da musa ispiratrice. Il perfetto equilibrio emotivo è controbilanciato dai testi e da una registrazione dei suoni decisamente all’altezza, realizzata da Mirko Mangano presso i Media Wave Studio di Massa (MS).
In “Cafunè” vibrano le corde della chitarra acustica dall’andamento atavico, schegge medievali si palesano durante l’ascolto. La voce di Irene Lippolis è aggraziata, vibrata il giusto, mentre il flauto fa da controcanto. Aria leggiadra in cui si presenta un gradito e inatteso cambio umorale in stile Jethro Tull.
“Fata Del Jazz” è una danza in cui lasciarsi trasportare dove  il tempo sembra essersi fermato durante una serata incantevole dei momenti che furono. Le strumentazioni acustiche dialogano con il flauto per poi lanciarsi in un movimento allegro e Jazz nel finale. La fata danza con noi.
In “La Huesera” tanta storia, dove l’arpa di Vatteroni ne è perfetto evidenziatore. La musica dei Cafunè non alza mai la voce, e punta piuttosto a disegnare un quadro sonoro altamente bucolico in cui la realtà si fonde con il sogno. Per molti versi si può accostare questo movimento alle opere del maestro Angelo Branduardi. E poi le fiabe, “Aronte E La Sirena” si approccia maggiormente alla canzone, un balzo temporale notevole in cui le ritmiche hanno una valenza considerevole. Tuttavia il passato è sempre dietro l’angolo, “Follia” ne è portatore di saggezza e bellezza.
 “Giordano” m’ipnotizza come con un carillon, qui la prova vocale è ancor più convincente. Bellissimo il testo che narra “E se il mondo, oltre a folle, dovesse essere tondo? Giocherebbe a palla tutto il giorno anche Dio; prenderebbe a calci tutti noi. Sorridendo, a calci tutti noi”.
Segue “Caligo”, una canzone calda, come il sole del nostro bel paese. Ancor più meridionale “Alhambra 1492” dai contorni arabeggianti. Sinuosa e sensuale. La chiusura spetta a “Ninna Nanna”, una coccola sonora in cui socchiudere gli occhi.
Sembra che io abbia voluto esaltare troppo quest’album dei Cafunè, in realtà non ho fatto altro che trascrivere in parole le emozioni che esso è riuscito a trasmettermi, semplici, ataviche se vogliamo, ma come ho già avuto modo di dire, questa è musica costruita su un passato impossibile da dimenticare, anzi, esso va assolutamente salvaguardato, come una cosa preziosa in via di estinzione. Da parte mia solo complimenti! MS

Versione Inglese: 

CAFUNE’ – Tra Le Corde Dei Racconti
M.P. & Records
Distribution: G.T. Music Distribution
Genre: Folk Rock
Format: CD / Digital – 2025

There are album covers that leave no doubt, the graphic design suggests a specific context to the potential buyer, and it's hard to get confused. It's true that appearances can be deceiving, but this is certainly not the case with the Lunigiana-based band Cafunè, who present their album "Tra Le Corde Dei Racconti" in a full 1970s style, thanks to Luca Merli's design, Irene Malfanti's photographs, and Ondemedie's graphics.
The nine songs on the album reflect that autumnal Folk Rock, thanks to timeless, delicate, and well-executed music, often inspired by groups like Fairport Convention, Pentangle, and similar. Over the years, I've had the chance to appreciate Italian bands like Bededeum and Lethean (go listen to them), and I notice a common factor that bears the name of Antonio Pincione (classical guitar, acoustic guitar, Greek bouzouki). Alongside Pincione are his wife Chiara Vatteroni (Celtic harp and lyrics), Irene Lippolis (vocals), Emanuele Casu (bass), Floriana Benedetti (flute, synth), and Michele Vannucci (drums, percussion).
Cafunè is the Portuguese name for a tender gesture we often make towards those we love, namely passing our hand delicately through their hair, a perfect logo for music that's equally soft. The land of origin obviously has a specific weight in the compositions, often inspired by it, ancestral places where even the fog paints breathtaking scenarios that serve as a muse. The perfect emotional balance is counterbalanced by the lyrics and a sound recording that's definitely up to par, realized by Mirko Mangano at the Media Wave Studio in Massa (MS).
In "Cafunè," the strings of the acoustic guitar vibrate with an ancient feel, medieval splinters emerge during the listening experience. Irene Lippolis's voice is gracious, with just the right amount of vibrato, while the flute provides a counterpoint. Airy and light, with a welcome and unexpected mood change in the style of Jethro Tull.
"Fata Del Jazz" is a dance where you can let yourself be carried away, where time seems to have stopped during an enchanting evening of moments past. The acoustic instrumentation dialogues with the flute, then launches into an upbeat and jazzy finale. The fairy dances with us.
In "La Huesera," there's a lot of history, with Vatteroni's harp being a perfect highlight. Cafunè's music never raises its voice, instead focusing on drawing a highly bucolic sound picture where reality blends with dreams. In many ways, this movement can be compared to the works of master Angelo Branduardi. And then there are the fairy tales, "Aronte E La Sirena" approaches the song format, a significant temporal leap where the rhythms have considerable value. However, the past is always around the corner, "Follia" is a bearer of wisdom and beauty.
"Giordano" hypnotica, like a music box, with an even more convincing vocal performance. The beautiful lyrics tell us "And if the world, besides being crazy, should be round? Would God play ball all day, kicking all of us? Smiling, kicking all of us."
Followed by "Caligo," a warm song, like the sun of our beautiful country. Even more southern is "Alhambra 1492," with Arabic-inspired contours, sinuous and sensual. The closing track is "Ninna Nanna," a sonic cuddle where you can close your eyes.
It seems like I've overpraised this album by Cafunè, but in reality, I've just transcribed the emotions it evoked in me, simple and ancient if you will, but as I've said before, this music is built on a past that can't be forgotten; instead, it should be safeguarded like a precious thing on the verge of extinction. From me, just compliments! MS

Enten Hitti

ENTEN HITTI – Mistiche Ribelli
Lizard Records / Open Mind
Genere: Sperimentale /Etnica
Supporto: cd – 2025
 

VIDEO RECENSIONE

L’uomo necessita di spiritualità per sopperire alla paura della vita, per dare un valore all’esistenza. La fede gioca un ruolo fondamentale, ciò si adatta a ogni tipo di religione che si è creata nel tempo. Il misticismo ha un suono, come accadeva nel medioevo, le parole avevano un ruolo primario e la musica non doveva distrarre dal loro significato, per questo il suono era minimale e molto ripetitivo, in pratica solo un sottofondo su una nenia in cui la parola saliva in cattedra. Con l’avanzare del tempo ovviamente le cose si sono evolute, così la società, tuttavia il misticismo ancora oggi ha un suono ben delineato, più curato e rivolto alla mente. Ho scritto molte volte in altre occasioni che la musica fa stare bene, ma perché è così, vibriamo con essa e rappresenta lo stato d’animo di quel preciso momento.
Se dovete nutrire l’anima il gruppo Enten Hitti è fra i più consigliati.
Si formano nel 1996 da un’idea di Pierangelo Pandiscia e Gino Ape con lo scopo di creare un laboratorio aperto alla ricerca di sonorità elettroniche, musiche rituali, etnica e canzone d’autore. La ricerca atavica sull’origine della musica e dell’arcaico li conduce verso una strada in cui il testo e la poesia sono importantissimi. In più di venticinque anni di attività registrano nove album, e oggi raggiungono quota dieci con il nuovo “Mistiche Ribelli”.
Per il loro credo, fondamentale è la performance dal vivo, così descrivono quest’attività: “Gli Enten Hitti cercano di superare la forma concerto classica a favore dell'installazione sonora e della performance. L'approccio ha una connotazione rituale e si propone di realizzare delle esperienze autentiche nella relazione performer-partecipante.”. Differenti gli scenari in cui si esibiscono che vanno dal teatro ai concerti al buio, oppure Sleeping Concert che si svolge dalla mezzanotte all’alba.
L’ascoltatore è coinvolto non soltanto dalla musica ma anche dai suoni di oggettistica, quindi sono usati pietre, legni, conchiglie, ossa, unghie, semi essiccati etc.
Oggi gli Enten Hitti sono composti da Gino Ape (oboe, flauto, xilofono, piano, voce), Pierangelo Pandiscia (liuto, gong, tromba, percussione), Giampaolo Verga (violino), Carmen D’Onofrio (voce), e Jos Olivini (fisarmonica, hulusi, pianoforte, arpa celtica, table tubes).
Nutrita anche la schiera di special guest che accompagnano il gruppo in questo viaggio mistico.
Il nuovo percorso è delineato da dieci nuove composizioni ricche di suoni e voci preparate a immergere l’ascoltatore in questo contesto. Non un brano si palesa migliore di un altro, tutto è legato da un filo sottile di suoni che si alternano grazie alle strumentazioni policrome utilizzate per lo scopo. La bella voce di Carmen D’Onofrio dona enfasi all’insieme. Passaggi che sfiorano l’ecclesiale fanno presenza in qualche brano, per il resto molta musica etnica a tratti Psichedelica. Alcuni testi sono estrapolati dalla tradizione indiana, alcuni anonimi occitani o tratti dai manoscritti del Mar Morto, o ancora San Francesco D’Assisi. Le registrazioni effettuate all’Hitti House fra il maggio 2023 e l’ottobre 2024 sono ottime, così l’artwork che si presenta in edizione cartonata con l’immagine in copertina di “Onirica”, dipinto su tela di Vito Taddeo.
La musica performativa è un viatico perfetto per condurre l’ascoltatore in un quadro artistico ben definito, coinvolgendolo a pieno titolo in un limbo che solo la mente umana riesce a concepire. L’immersione è propedeutica e gli Enten Hitti lo sanno (e fanno) alla perfezione. MS

  

Versione Inglese:

ENTEN HITTI – Mistiche Ribelli
Lizard Records / Open Mind
Genre: Experimental /Ethnic
Support: cd - 2025
 
Man needs spirituality to make up for the fear of life, to give value to existence. Faith plays a fundamental role, this fits with every kind of religion that has been created over time. Mysticism has a sound, as was the case in the Middle Ages, words played a primary role and music was not supposed to distract from their meaning, so the sound was minimal and very repetitive, basically just a background on a dirge where the word rose to the top. As time has progressed of course things have evolved, so has society, however mysticism still today has a distinct, more polished, mind-facing sound. I have written many times on other occasions that music makes you feel good, but because it does, we vibrate with it and it represents the mood of that precise moment.
If you need to nourish the soul the group Enten Hitti is among the most recommended.
They were formed in 1996 from an idea of Pierangelo Pandiscia and Gino Ape with the purpose of creating an open laboratory for researching electronic sounds, ritual music, ethnic and songwriting. The atavistic search for the origin of music and the archaic leads them to a path where lyrics and poetry are very important. In more than twenty-five years of activity they record nine albums, and today they reach ten with the new “Mistiche Ribelli”.
For their credo, fundamental is live performance, this is how they describe this activity, “Enten Hitti seek to overcome the classical concert form in favor of sound installation and performance. The approach has a ritual connotation and aims to realize authentic experiences in the performer-participant relationship”. Different scenarios in which they perform range from theater to concerts in the dark, or Sleeping Concert that takes place from midnight to dawn.
The listener is involved not only by the music but also by the sounds of objects, so stones, woods, shells, bones, nails, dried seeds etc. are used.
Today Enten Hitti consists of Gino Ape (oboe, flute, xylophone, piano, voice), Pierangelo Pandiscia (lute, gong, trumpet, percussion), Giampaolo Verga (violin), Carmen D'Onofrio (voice), and Jos Olivini (accordion, hulusi, piano, Celtic harp, table tubes).
Also nourished is the lineup of special guests accompanying the group on this mystical journey.
The new journey is outlined by ten new compositions full of sounds and voices prepared to immerse the listener in this context. Not one track stands out better than another, everything is linked by a thin thread of sounds that alternate thanks to the polychrome instrumentation used for the purpose. Carmen D'Onofrio's beautiful voice lends emphasis to the whole.
Passages bordering on the ecclesial make a presence in a few tracks, for the rest much ethnic music at times Psychedelic. Some lyrics are extrapolated from the Indian tradition, some anonymous Occitan or taken from the Dead Sea manuscripts, or even St. Francis of Assisi. The recordings made at Hitti House between May 2023 and October 2024 are excellent, so is the artwork, which comes in a hardback edition with the cover image of “Onirica”, a canvas painting by Vito Taddeo.
The performance music is a perfect viaticum to lead the listener into a well-defined artistic framework, fully involving them in a limbo that only the human mind can conceive. Immersion is propaedeutic, and Enten Hitti know (and do) this to perfection. MS

Pendragon

PENDRAGON – The Masquerade Overture

Toff Records

Genere : New Prog

Supporto: 2lp – 2013 (1996)

VIDEO RECENSIONE

Se ritorna di moda il genere Progressive Rock, non vedo come non possa ritornare altresì il New Prog. Infatti, in questi ultimi anni attorno a tutto questo c’è fermento, un fulgore che non si nota dalla metà degli anni ’90. Scattano anche operazioni come questa, se volete definirla “commerciale”, non vi sbagliate per nulla, ma anche necessaria, in quanto certi gioielli è giusto che vadano rispolverati di tanto in tanto. Anche perché poi non esiste copia vinilica dell’originale.
“The Masquerade Overture” è un album di mezzo per la carriera dei Pendragon, band inglese del periodo New Prog anni ’80 assieme a Marillion, IQ, Pallas e 12th Night giusto per fare alcuni nomi. Dico un album di mezzo perché è il punto massimo di un trio di cd iniziato nel 1991 con “The World”, a sua volta terzo album in studio della band. Un album che a metà carriera porta il quartetto di Nick Barrett (voce e chitarra) al punto massimo di popolarità.
La musica come il genere detta, s’ispira a Genesis e Pink Floyd, questi ultimi in special modo nel suono della chitarra. Le tastiere di Clive Nolan fanno più che da tappeto sonoro, sono mastodontiche, il Mellotron parla, seguono melodie di facile memorizzazione e gradevoli. La ritmica di Fudge Smith (batteria) e Peter Gee (basso), pur senza strafare è ottima conduttrice della storia. Vogliamo poi parlare della copertina di Simon Williams? Chi non conosce i Pendragon ma guarda l’illustrazione del disco sa già dove il contenuto va a parare, grazie al suo naif.
L’operazione della Toff Records di ristampare in doppio vinile questo capolavoro, allegandoci addirittura l’ep “As Good As Gold” è piacevole per molti sensi: Per le orecchie, dove il suono ripulito esalta di più la fase ritmica rispetto l’originale. Per gli occhi, finalmente si può godere dell’artwork di Williams a grandezza decente, con tanto di testi e disegni. Per l’olfatto, dove ogni amante del vinile riesce a capire dove vado a parare con quello che scaturisce all’apertura del lp incellofanato, il profumo della stampa è per noi nostalgici un fulcro fondamentale.
Vi devo ricordare le canzoni? Dite che serve? Chi conosce già sa, e quindi si annoierebbe a leggere, mentre a chi non conosce…Beh, posso dire che “Paintbox” è un crescendo sonoro contenete assolo importanti, dove Genesis e Pink Floyd fondono i rispettivi DNA. Posso dirvi che “Master Of Illusion” sfiora il plagio negli assolo alla David Gilmour con tanto di cori femminili alla Pink Floyd, altro non voglio svelare, motivo in più per conoscere questo disco, questa band ma soprattutto questo genere che troppo spesso leggendo in giro vedo declassificato come un Prog di seconda mano, invece da esso scaturiscono grandi emozioni perché le melodie giocano un ruolo importante, non bisogna necessariamente ogni volta far vedere i muscoli, il Prog non è sempre e obbligatoriamente complicato. Godetene. MS

Versione Inglese:

PENDRAGON - The Masquerade Overture
Toff Records
Genre : New Prog
Support : 2lp - 2013 (1996)
 
If the Progressive Rock genre is coming back into fashion, I don't see how New Prog can't come back as well. In fact, there is a buzz around it in recent years, a glow not seen since the mid-1990s. They also trigger operations like this, if you want to call it “commercial”, you are not wrong at all, but also necessary, as certain gems are right to be dusted off from time to time. Not least because then there is no vinyl copy of the original.
“The Masquerade Overture” is a middle album for the career of Pendragon, a British band of the 1980s New Prog period along with Marillion, IQ, Pallas and 12th Night just to name a few. I say a middle album because it is the high point of a trio of CDs that began in 1991 with “The World”, itself the band's third studio album. A mid-career album that brings Nick Barret's (vocals and guitar) quartet to the high point of popularity.
The music as the genre dictates is inspired by Genesis and Pink Floyd, the latter especially in the guitar sound. Clive Nolan's keyboards do more than carpet the sound, they are mammoth, the Mellotron speaks, they follow melodies that are easy to memorize and pleasing.
The rhythmic playing of Fudge Smith (drums) and Peter Gee (bass), while not overdoing it, is excellent conductor of the story. Shall we then talk about the cover art by Simon Williams? Those who do not know Pendragon but look at the album's illustration already know where the content is going, thanks to its naif.
Toff Records' operation of reissuing this masterpiece on double vinyl, even attaching the ep “As Good As Gold” is pleasing for many senses: For the ears, where the cleaned-up sound enhances the rhythm phase more than the original. For the eyes, finally enjoying Williams' decent-sized artwork, complete with lyrics and drawings. For the sense of smell, where any vinyl lover can tell where I'm going with what springs forth upon opening the cellophane-wrapped lp, the scent of the pressing is a key centerpiece for us nostalgics.
Do I need to remind you of the songs? Do you say you need to? Those who already know know, and therefore would be bored reading, while to those who don't know...Well, I can tell you that “Paintbox” is a sonic crescendo containing important solos, where Genesis and Pink Floyd fuse their respective DNAs. I can tell you that “Master Of Illusion” verges on plagiarism in the David Gilmour-esque solos complete with Pink Floyd-esque female backing vocals, more I don't want to reveal, all the more reason to get to know this record, this band but above all this genre that too often reading around I see declassified as a second-hand Prog, instead great emotions flow from it because melodies play an important role, you don't necessarily have to show your muscles every time, Prog is not always and obligatorily complicated. Enjoy. MS

 

Cubo Di Rubik

CUBO DI RUBIK - U.P
TSCK Records / Produzioni Dal Basso
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / Digital – 2024

VIDEO RECENSIONE

Quante volte abbiamo rivolto lo sguardo al cielo e abbiamo pensato di non essere soli. Questa vastità riesce a incuterci timore e spesso a farci sentire piccoli oltre che inutili. L’uomo ha subito nei millenni il fascino del creato, spesso affibbiandogli un significato spirituale, perché dove la mente non concepisce, subentra sempre qualcosa di soprannaturale. L’argomento è spesso trattato in composizioni musicali, specie nel Rock e anche in quello Progressivo, basti pensare alle Orme di “Felona E Sorona”, oppure ai dischi dell’Olandese Lucassen con il progetto Ayreon, Star One e Ambeon, agli Yes, e poi viaggi lisergici veri e propri attraverso band come Pink Floyd o Hawkwind e molti altri ancora. Generalmente sono composti concept album veri e propri, come nel caso dell’esordio della band di Parma Cubo Di Rubik. Grazie ad una campagna di Crowdfunding, il progetto vede prendere forma lentamente nel tempo, sino giungere al risultato di “U.P.”.
I Cubo Di Rubik sono formati da Nicola Denti alla chitarra, Salvatore Bazzarelli alle tastiere, Leonardo Cavalca alla batteria e Marilena Montarone al basso, tutti musicisti preparati che vantano collaborazioni con artisti del calibro di Cristiano De Andrè, Maurizio Solieri, Eugenio Finardi, Mogol, Custodie Cautelari, Aida Cooper, Federico Poggipollini, Eric Burdon.
Così si legge dai dati biografici tratti da Gruppi Emergenti: “La compagnia di giochi CDR Corporation sta testando il gioco MultiverX che permette di fare viaggiare le persone attraverso universi paralleli. Ernő è un uomo ricco, rimasto solo, annoiato e rassegnato; ha perso ogni tipo d’interesse verso la vita e decide di fare da cavia per MultiverX. Attraverso la macchina XC820 viene aperto un cunicolo spazio temporale e il suo corpo viene trasportato in un’altra dimensione.
Qualcosa però va storto: la compagnia perde subito i contatti con Ernő ed egli rimane intrappolato in un mondo parallelo, dove regna desolazione e distruzione.
Ernő così parte alla scoperta della terra ignota in cui è stato catapultato, così diversa da quello che gli era stato promesso di trovare. Ritrova nel nuovo mondo ancora la fabbrica della CDR Corporation e riutilizza la macchina XC820 per viaggiare in un altro universo. Da qui comincia la sua avventura per tentare di tornare da dove è partito, ritrovandosi però ogni volta in un universo parallelo differente. Un viaggio estenuante che durerà molti anni, fino al momento in cui Ernő si risveglierà nel suo letto, nella sua casa, nella sua terra. Tutto come prima, nemmeno il tempo sembrerà essere passato… realtà o illusione?".
“U.P.” è composto di otto capitoli ed è accompagnato da un libretto in cui ci sono anche le foto a cura di Silvia Saponaro, mentre il disegno in copertina è di Lalas Milla.
Trattandosi di argomento spaziale, il suono (ben registrato agli Studio Tartini5 di Parma da Fausto Tinello), non disdegna l’elettronica, anche se di base è il Rock a prevalere, grazie a buoni assolo di chitarra e una ritmica ben oliata. Nell’iniziale “MultiverX” le influenze vanno dai Porcupine Tree ai Transatlantic, uno strumentale sia tecnico che proporzionato a un andamento orecchiabile. Nella breve e tastieristica “XC820”, il protagonista si sente viaggiatore solitario in un mondo dimenticato ricoperto di cristalli, ed è con “Sic Mundus Creatus Est” che le atmosfere cominciano a essere più elettriche. Gli strumenti occupano il posto delle parole e ben descrivono le scene che appaiono avanti ai nostri occhi dettate dalla fantasia durante l’ascolto.
Tutto l’album strumentale è ricco di cambi di tempo e passaggi solo a tratti articolati e prosegue con qualità senza momenti di stanca. Di certo è un disco che potrà interessare anche agli amanti del Prog Metal e dei suddetti Porcupine Tree periodo “Deadwing”. Complimenti alla band, una bella sorpresa che va a impreziosire ulteriormente il panorama Progressivo italiano.  MS

Versione Inglese: 

CUBO DI RUBIK - U.P.
TSCK Records / Productions From Below
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / Digital - 2024

How many times have we looked up at the sky and thought that we are not alone. This vastness manages to instill fear in us and often make us feel small as well as useless. Man has been fascinated by creation over the millennia, often attaching spiritual significance to it, because where the mind does not conceive, something supernatural always takes over. The subject is often dealt with in musical compositions, especially in Rock and even in Progressive Rock, just think of Orme's "Felona E Sorona", or the records of Dutchman Lucassen with the Ayreon project, Star One and Ambeon, to Yes, and then real lysergic journeys through bands such as Pink Floyd or Hawkwind and many others. Generally true concept albums are composed, as in the case of the Parma band's debut Cubo Di Rubik. Thanks to a Crowdfunding campaign, the project sees slowly take shape over time, until the result of "U.P." is achieved.
The Cubo Di Rubik is made up of Nicola Denti on guitar, Salvatore Bazzarelli on keyboards, Leonardo Cavalca on drums and Marilena Montarone on bass, all trained musicians who boast collaborations with the likes of Cristiano De Andrè, Maurizio Solieri, Eugenio Finardi, Mogol, Custodie Cautelari, Aida Cooper, Federico Poggipollini, and Eric Burdon.
Thus we read from biographical data taken from Emerging Groups, "The game company CDR Corporation is testing the MultiverX game that allows people to travel through parallel universes. Ernő is a rich man, left alone, bored and resigned; he has lost all interest in life and decides to be a guinea pig for MultiverX. Through the XC820 machine a space-time wormhole is opened and his body is transported to another dimension.
Something goes wrong, however: the company soon loses contact with Ernő and he becomes trapped in a parallel world where desolation and destruction reign.
Ernő thus sets out to discover the unknown land to which he has been catapulted, so different from what he was promised to find. He finds in the new world still the factory of the CDR Corporation and reuses the XC820 machine to travel to another universe. From here he begins his adventure to try to return to where he started, but finding himself in a different parallel universe each time. A grueling journey that will last many years, until the moment when Ernő awakens in his bed, in his home, in his land. Everything as before, not even time will seem to have passed--reality or illusion?"
"U.P." consists of eight chapters and is accompanied by a booklet in which there are also photos edited by Silvia Saponaro, while the drawing on the cover is by Lalas Milla.
Since this is a spatial subject, the sound (well recorded at Studio Tartini5 in Parma by Fausto Tinello), does not disdain electronics, although basically it is Rock that prevails, thanks to good guitar solos and well-oiled rhythm.
In the opening "MultiverX," influences range from Porcupine Tree to Transatlantic, an instrumental both technical and commensurate with a catchy progression. In the short, keyboard-driven "XC820", the protagonist feels like a lonely traveler in a forgotten world covered in crystals, and it is with "Sic Mundus Creatus Est" that the atmospheres begin to be more electric. The instruments take the place of words and well describe the scenes that appear before our eyes dictated by imagination while listening.
The entire instrumental album is full of tempo changes and passages that are only occasionally articulate and continues with quality without any tired moments. It is certainly an album that will also appeal to lovers of Prog Metal and the aforementioned Porcupine Tree "Deadwing" period. Congratulations to the band, a nice surprise that goes to further embellish the Italian Progressive scene.  MS

Corde Oblique

CORDE OBLIQUE - Cries And Whispers
The Stones Of Naples
Genere: Post Metal / Folkgaze / Dark / Ethnofolk
Supporto: cd / Bandcamp – 2025

VIDEO RECENSIONE

Il chitarrista di Pozzuoli Riccardo Prencipe è l’ideatore del progetto Corde Oblique. Il nome di certo è già noto a molti di voi perché realizzatore di ben otto album in studio molto apprezzati da critica e pubblico, e non soltanto qui in Italia ma anche in Europa e Cina. Corde Oblique nascono nel 2005 come lavoro solista, tuttavia nel tempo l’artista si è sempre saputo circondare di numerosi special guest. Secondo la descrizione dello stesso Prencipe, “Corde Oblique s’ispira alle antiche arti visive italiane, non ai Michelangelo, intendiamoci, ma a quelle non celebrate.”. Di base propone un Prog Folk che nel tempo si arricchisce di altre sonorità e contaminazioni, sino a giungere ai giorni nostri in un mix fra Post Metal, Folk-Gaze, Dark, Ambient, ed Ethnofolk.
Molta la cura impegnata nelle atmosfere malinconiche sostenute generalmente da belle voci femminili in uno stile che potrebbe essere accostato in certi frangenti a quello dei Anathema.
Lontane le sonorità del primo album, o per meglio dire, evolute. Prencipe imbraccia la sua chitarra elettrica e ne fa un uso maggiore portando avanti un album che viene suddiviso in due capitoli, “Vol.1 Cries” formato da sei canzoni, e “Vol.2 Whispers” di altrettante. Nel primo si possono apprezzare stili come il Post Metal e il Folk-Gaze, nel secondo si pone maggiore spazio al Dark Folk.
Il titolo “Cries And Whispers” è un omaggio a ”Sussurri E Grida” di Ingmar Bergman, un dramma domestico dove tutta la casa, compresi le suppellettili, sono di colore rosso, le stesse tonalità riprese dal pluri premiato artista indonesiano Hardijanto Budiman per la copertina del disco.
Il primo capitolo viene aperto da “The Nightingale And The Rose”, una composizione inizialmente eterea in Anathema style, ed è impreziosita dalla voce di Rita Saviano oltre che dal violino di Edo Notarloberti. L’incedere mi riporta agli anni ’90 quando i My Dying Bride allegavano lo strumento nel Metal.
Toccante “Leaver”, leggiadra come la donna che danza in copertina. Il percorso intrapreso dai fratelli Cavanagh è nuovamente imboccato. Resto profondamente colpito dalla bellezza di “John Ruskin”, canzone curata nei minimi particolari attraverso l’elettronica, echi vocali, ritmica sinuosa, cambi umorali, e altro ancora per uno dei momenti più “progressivi” dell’album. “The Father Child” è una ballata in cui la chitarra fa uso del delay, in pratica una tela dai color pastello.
“A Step To Lose The Balance” è il brano più significativo del primo volume, prossimo al Post Metal, perché in esso si può apprezzare al meglio la ricerca di uno stile differente dalle proprie corde. La narrazione di Maddalena Crippa immerge l’ascoltatore nella pianistica e Psichedelica “Christmas Carol”, prosa in musica.
Il volume 2 si apre con “Bruegel's Dance” e il Folk si palesa in tutta la sua gloriosa malinconia attraverso strumentazioni come il violino, la chitarra acustica e la mandola di Daniele La Torre. La breve danza conduce a “Eleusa Consumpta” (Ethereal Folk) dove l’interpretazione sentita della cantante bulgara Denitza Seraphim trascina l’ascolto verso antiche lande mediterranee.
C’è spazio anche per una cover, quella della band Alcest intitolata “Souvenirs D’Un Autre Monde”, sofficemente delicata in tutte le sfaccettature che la compongono grazie alla chitarra acustica e ai violini.
“Tango Di Gaeta”, cantata in italiano da Caterina Pontrandolfo è maggiormente prossima alla formula canzone, e mantiene inalterata l’atmosfera di base malinconica.
“Selfish Giant” più che una ballata è una ninna nanna, per il ritorno al microfono di Rita Saviano. L’album si conclude con “Gnossienne N.1”, una dedica al chitarrista spagnolo Francisco Tarrega, fra i maggiori esponenti della chitarra classica europea, vetrina per le qualità tecniche di Riccardo Prencipe.
“Cries And Whispers” è un lavoro profondo, da centellinare come un buon Whisky, dove l’invecchiamento ha la sua valenza, non a caso in venti anni i Corde Oblique hanno raggiunto sapori sopraffini. MS 

Versione Inglese:

CORDE OBLIQUE - Cries And Whispers.
The Stones Of Naples
Genre: Post Metal / Folkgaze / Dark / Ethnofolk
Support: cd / Bandcamp - 2025

Pozzuoli guitarist Riccardo Prencipe is the creator of the project Corde Oblique. The name is certainly already known to many of you because he is the creator of no less than eight studio albums highly appreciated by critics and audiences, and not only here in Italy but also in Europe and China. Corde Oblique was born in 2005 as a solo work, yet over time the artist has always managed to surround himself with numerous special guests. According to Prencipe's own description, “Corde Oblique is inspired by the ancient Italian visual arts, not by Michelangelo, mind you, but by the unsung ones”. Basically it proposes a Prog Folk that over time is enriched by other sounds and contaminations, until reaching the present day in a mix of Post Metal, Folk-Gaze, Dark, Ambient, and Ethnofolk.
Much care is taken in the melancholic atmospheres generally supported by beautiful female vocals in a style that could be approached at certain junctures to that of Anathema.
Far from the sounds of the first album, or rather, evolved. Prencipe harnesses his electric guitar and makes more use of it bringing forth an album that is divided into two chapters, “Vol.1 Cries” consisting of six songs, and “Vol.2 Whispers” of as many.
In the former we can appreciate styles such as Post Metal and Folk-Gaze, in the latter there is more emphasis on Dark Folk.
The title “Cries And Whispers” is an homage to Ingmar Bergman's “Whispers And Whispers”, a domestic drama where the whole house, including the furnishings, are red, the same hues taken up by award-winning Indonesian artist Hardijanto Budiman for the album cover.
The first chapter is opened by “The Nightingale And The Rose”, an initially ethereal composition in Anathema style, and is graced by Rita Saviano's voice as well as Edo Notarloberti's violin. The opening takes me back to the 1990s when My Dying Bride attached the instrument in metal.
Touching “Leaver”, as graceful as the woman dancing on the cover. The path taken by the Cavanagh brothers is once again set. I am deeply impressed by the beauty of “John Ruskin”, a song that has been curated to the smallest detail through electronics, vocal echoes, meandering rhythm, mood changes, and more for one of the album's most “progressive” moments. “The Father Child” is a ballad in which the guitar makes use of delay, basically a pastel-colored canvas.
“A Step To Lose The Balance” is the most significant track in the first volume, close to Post Metal, because in it one can best appreciate the search for a style different from one's own strings. Maddalena Crippa's narration immerses the listener in the pianistic and psychedelic “Christmas Carol”, prose in music.
Volume 2 opens with “Bruegel's Dance” and Folk is revealed in all its glorious melancholy through instrumentation such as violin, acoustic guitar and Daniele La Torre's mandola. The short dance leads to “Eleusa Consumpta” (Ethereal Folk) where the heartfelt interpretation of Bulgarian singer Denitza Seraphim draws the listener into ancient Mediterranean moors.
There is also room for a cover, that of the band Alcest entitled “Souvenirs D'Un Autre Monde”, softly delicate in all its facets thanks to acoustic guitar and violins.
“Tango Di Gaeta”, sung in Italian by Caterina Pontrandolfo is closer to the formula song, and keeps the basic melancholic atmosphere intact.
“Selfish Giant” more than a ballad is a lullaby, for Rita Saviano's return to the microphone. The album ends with “Gnossienne No. 1”, a dedication to Spanish guitarist Francisco Tarrega, among the greatest exponents of European classical guitar, a showcase for Riccardo Prencipe's technical qualities.
“Cries And Whispers” is a profound work, to be sipped like a good Whisky, where aging has its value, no coincidence that in twenty years Corde Oblique have achieved superfine flavors. MS

 

Nuova Era

NUOVA ERA – 20.000 Leghe Sotto I Mari
AMS Records / BTF Vinyl Magic
Genere: Rock Progressive
Supporto: Digital / cd / Vinile - 2025

VIDEO RECENSIONE

Chi segue il Progressive Rock, soprattutto quello italiano, sa bene che verso la fine degli anni ’70 il genere subisce un brusco stop. Si è visto che nei ’80 nonostante la ripresa del Neo Prog europeo capitanato da band come Marillion, IQ, Pendragon e Pallas su tutte, da noi si è fatta molta fatica a riemergere. In realtà questo stentare è presente anche oggi, seppure in maniera minore. Il Prog, denominato spesso “musica per la mente”, è composto di brani articolati, suite, ricerche strutturali non convenzionali come ad esempio i controtempi di batteria, ed è per questo che in una società come quella odierna, fatta di musica usa e getta, trova inevitabilmente numerose difficoltà di fruizione.
Ma torniamo a noi, poche dunque negli anni ’80 le band italiane che si cimentano in questo stile, tuttavia a Firenze nasce nel 1985 un gruppo che lascia il segno in maniera marcata sino ai nostri giorni, gli storici Nuova Era. Il leader tastierista e compositore Walter Pini è sempre al timone della nave, e dopo aver registrato nel tempo cinque album di ottima fattura, “L'Ultimo Viaggio” (1988), “Dopo L'infinito” (1989), “Io E Il tempo” (1992), “Il Passo Del Soldato” (1995), e “Return To The Castle” (2016), si ripropone con la formazione del 2016 composta da Rudy Greco (basso), Maurizio Marra (batteria e percussioni), e lo storico amico Alex Camaiti (voce, chitarre).
Questa volta la band alza l’asticella affrontando una tematica a sua volta altisonante come il capolavoro letterario di Jules Verne “20.000 Leghe Sotto I Mari”. Libro titanico, brano corrispettivo! Trattasi di un’opera Prog Rock formata da un pezzo unico della durata di oltre quaranta minuti e suddiviso in otto sotto capitoli. Per la riuscita ritornano a cantare anche in lingua madre. Nel cd si aggiunge un’altra mini suite intitolata “Nautilus”, canzone scritta da un diciassettenne Walter Pini fino ad oggi inedita.
I Nuova Era sono quindi decisi anche nel 2025 a percorrere lo stile storico con le annesse peculiarità, sempre capitanato dalla loro forte personalità, in barba a tutto quello che è il music business.
Il rumore del mare e i gabbiani introducono all’opera che inizia con un incedere cadenzato. Le tastiere risultano immediatamente protagoniste. Sensazioni anni ’70 sono evidenti, fra Moody Blues e Procol Harum, ma sono istanti perché lo stile Nuova Era è ben presto riconoscibile. La chitarra di Camaiti dosa riff e movimenti con saggezza al punto giusto, nel momento giusto. La ritmica è perfettamente oliata.
Lo stile italiano ha, a mio modo di capire, una personalità ben definita, è vero che si possono scovare numerosissime analogie con band del passato come Genesis, Emerson Lake & Palmer etc., ma il tutto è infarcito sempre dalla nostra mediterraneità che ci rende unicamente distinguibili. Walter Pini si supera con fraseggi gradevoli per orecchiabilità, specialmente quando adopera il piano. La buona incisione e la cura dei suoni sono un valore aggiunto, altrettanto dicasi per gli arrangiamenti. Sentita l’interpretazione vocale, mai fuori dai binari, dosata con saggezza. Gli stop e go sono numerosi, i Nuova Era riescono in quaranta minuti a fare il sunto di un intero genere, cosa non semplice da realizzare se non si possiedono le basi della storia. Il Mellotron apporta quell’enfasi dovuta nei momenti più epici, mentre l’Hammond ruggisce nei passaggi giusti. Attimi scuri si alternano ad altri maggiormente pacati e solari, ampie schiarite tendono a far affrontare l’ascolto a occhi chiusi per immergersi al meglio nel contesto dell’avventura.
Come dicevo in precedenza, nel CD si trova il brano aggiuntivo intitolato “Nautilus”, un banco di prova per le qualità balistiche di Pini, sempre preciso e attento alle buone melodie. Il motivo si stampa bene nella mente a testimonianza che, seppur giovane, il tastierista avesse già le idee chiare su quello che avrebbe voluto suonare in futuro. L’assolo di chitarra iniziale è splendido, quello che ti fa alzare il pelo sulla pelle.
Sembrerà scontato da parte mia dire che è un lavoro imperdibile, ma vi giuro, se fosse stato realizzato negli anni ’70 saremmo qui a gridare al miracolo. I Nuova Era sono un’istituzione del Prog italiano, godiamoceli e releghiamo loro la giusta collocazione che meritano. MS 

Versione Inglese:

NUOVA ERA - 20,000 Leghe Sotto I Mari.
AMS Records / BTF Vinyl Magic
Genre: Progressive Rock
Support: Digital / cd / Vinyl - 2025

Those who follow Progressive Rock, especially Italian Progressive Rock, know that in the late 1970s the genre came to an abrupt halt. It was seen that in the '80s despite the revival of European Neo Prog led by bands such as Marillion, IQ, Pendragon and Pallas above all, it struggled to re-emerge here. In fact this struggling is present even today, albeit in a lesser way. Prog, often referred to as “music for the mind,” is composed of articulate pieces, suites, unconventional structural research such as drum counter-tempos, which is why in today's society of disposable music it inevitably finds numerous difficulties in fruition.
But back to us, few then in the 1980s were the Italian bands that tried their hand at this style, however in Florence a group was born in 1985 that leaves its mark in a marked way up to the present day, the historic Nuova Era.
Leading keyboardist and composer Walter Pini is always at the helm of the ship, and after recording five excellently crafted albums over time, “L’Ultimo Viaggio” (1988), “Dopo L’Infinito” (1989), “Io E Il Tempo” (1992), “Il Passo Del Soldato” (1995), and “Return To The Castle” (2016), he is back with the 2016 lineup consisting of Rudy Greco (bass), Maurizio Marra (drums and percussion), and longtime friend Alex Camaiti (vocals, guitars).
This time, the band raises the bar by tackling a theme as lofty in turn as Jules Verne's literary masterpiece ”20,000 Leagues Under The Seas.”. Titanic book, corresponding track! This is a Prog Rock work consisting of a single piece lasting over forty minutes and divided into eight sub-chapters. For success they also return to singing in the native language. Added to the CD is another mini-suite entitled “Nautilus”, a song written by a hitherto unreleased 17-year-old Walter Pini.
The New Era are thus determined even in 2025 to pursue the historical style with the attached peculiarities, always captained by their strong personality, in defiance of all that is the music business.
The sound of the sea and seagulls introduce the work, which begins with a cadenced pacing. Keyboards immediately come to the fore. Sensations of the 1970s are evident, between Moody Blues and Procol Harum, but they are instants because the New Era style is soon recognizable. Camaiti's guitar doses riffs and movements wisely to the right spot, at the right time. The rhythmics are perfectly oiled.
The Italian style has, as I understand it, a well-defined personality; it is true that one can unearth numerous similarities with bands of the past such as Genesis, Emerson Lake & Palmer etc., but the whole is always infused with our Mediterranean-ness that makes us uniquely distinguishable. Walter Pini outdoes himself with pleasant phrasing for catchiness, especially when he employs the piano. The good recording and care for the sounds are an added value, likewise for the arrangements. Heartfelt vocal interpretation, never off the rails, dosed wisely. The stop-and-go's are numerous, the New Era manage in forty minutes to summarize an entire genre, which is not easy to do if you do not have the basics of the story. The Mellotron brings that due emphasis in the most epic moments, while the Hammond roars in the right passages. Dark moments alternate with others that are more sedate and sunny, ample brightenings tend to make the listener approach listening with eyes closed to best immerse himself in the context of the adventure.
As I mentioned earlier, the CD features the additional track entitled “Nautilus”, a test case for Pini's ballistic qualities, always precise and attentive to good melodies. The tune prints well in the mind as evidence that, though young, the keyboardist already had clear ideas about what he wanted to play in the future. The opening guitar solo is splendid, the kind that makes your skin stand up.
It will seem obvious on my part to say that this is a must-have work, but I swear to you, if it had been made in the 1970s we would be here shouting a miracle. Nuova Era are an institution of Italian Prog, let us enjoy them and relegate them to the proper place they deserve. MS