Ramificazioni del Progressive Rock

 Ramificazioni del Progressive Rock

 
Il Progressive Rock (o Prog) non è solo un genere, è un vero e proprio ecosistema musicale nato alla fine degli anni '60 con l'obiettivo di elevare il rock a forma d'arte, mescolandolo con la classica, il jazz e la sperimentazione d'avanguardia.
Poiché la sua natura è quella di "progredire", si è ramificato in diverse direzioni molto distinte tra loro. Ecco i sottogeneri principali e cosa li rende unici:

 

Symphonic Prog (Il "Classico")

Genesis

 
È lo stile più iconico, quello che la maggior parte delle persone associa al termine "Prog". Si ispira pesantemente alla musica classica (strutture a suite, movimenti, uso di orchestre). Ha un largo uso di tastiere (Mellotron, Hammond, sintetizzatori Moog), tempi dispari (come il 7/8 o il 5/4), testi fantasy o filosofici.
Band chiave: Genesis (era Peter Gabriel), Yes, ELP (Emerson, Lake & Palmer).

Canterbury Scene

Caravan

 
Nato intorno alla città inglese di Canterbury, è un sottogenere che mescola il Rock con una forte dose di Jazz improvvisato e un umorismo tipicamente britannico, surreale e bizzarro.
Gode di atmosfere solari ma tecnicamente complessissime, testi nonsense, largo uso di organi distorti.
Band chiave: Soft Machine, Caravan, Robert Wyatt.

 

Eclectic Prog

 
Qui rientrano le band che non seguono un unico filo conduttore ma assorbono influenze da ogni dove: Hard Rock, Folk, musica contemporanea e dissonanze.
Spesso più oscuro e aggressivo del Symphonic Prog, con un focus estremo sulla precisione tecnica e riff angolari.
Band chiave: King Crimson (i padri fondatori), Van Der Graaf Generator, Gentle Giant.

 

Krautrock (Cosmic Rock)

Can

 
La risposta tedesca al Prog britannico. Invece di guardare alla musica classica del passato, i tedeschi guardarono al futuro e all'elettronica.
Ha ritmi ripetitivi e ipnotici (chiamati motorik), uso massiccio di sintetizzatori primitivi, assenza della struttura strofa-ritornello.
Band chiave: Can, Neu!, Tangerine Dream, Kraftwerk (primo periodo).

 
 

Zeuhl

Magma

 
Un genere quasi "alieno" fondato dal batterista francese Christian Vander. "Zeuhl" significa "celestiale" in Kobaïan, una lingua inventata proprio per questo genere. Gode di influenze Jazz-Fusion, cori operistici quasi marziali, atmosfere cupe e ritualistiche, basso elettrico molto distorto e in primo piano.
Band chiave: Magma.

 

RIO (Rock in Opposition) e Avant-Prog

Henry Cow

 
Nato come movimento politico e artistico, il RIO rifiuta le logiche dell'industria discografica e spinge la sperimentazione verso la musica colta d'avanguardia e il rumorismo.
Possiede atonalità, dissonanze estreme, strutture imprevedibili e spesso difficili al primo ascolto.
Band chiave: Henry Cow, Univers Zero, Frank Zappa.

 

Neo-Prog

Marillion

 
Nato negli anni '80 come reazione al Punk, cerca di recuperare le sonorità del Symphonic Prog dei Genesis ma con una produzione più moderna e strutture più vicine alla forma-canzone.In esso si possono godere atmosfere emozionali, assoli di chitarra molto melodici e tastiere digitali.
Band chiave: Marillion, IQ, Pendragon.

 
 

Progressive Metal

Dream Theater

 
L'evoluzione più pesante, nata dall'unione tra la complessità del Prog e la potenza dell'Heavy Metal. Viaggia in  doppia cassa, virtuosismo tecnico estremo (shredding), brani molto lunghi e concept album elaborati.
Band chiave: Dream Theater, Queensrÿche, Tool, Opeth.

 
 

Post Prog Moderno

Porcupine Tree

 
In questo termine risiedono le band più attuali che tentano di aprire nuovi sentieri nel Progressive Rock ma che si distanziano per stile dai classici stilemi degli anni ’70. Nella musica uniscono molti fattori che vanno dal passato al presente rielaborandoli con nuove idee.
Band chiave: Porcupine Tree, Steven Wilson, The Pineapple Thief, Pain Of Salvation.

 
 

Progressive Rock Italiano

Premiata Forneria Marconi

 
Il Prog Italiano negli anni '70 l'Italia è stata la seconda patria del genere dopo l'Inghilterra, creando uno stile unico che mescolava il Rock con la tradizione melodica italiana e il barocco. Band come la PFM (Premiata Forneria Marconi), il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme sono studiate ancora oggi in tutto il mondo.

 Versione Inglese:

Branches of Progressive Rock

 

Progressive Rock (or Prog) is not just a genre; it is a true musical ecosystem born in the late '60s with the goal of elevating rock to an art form by blending it with classical music, jazz, and avant-garde experimentation. Because its very nature is to "progress," it has branched out into several distinct directions. Here are the main subgenres and what makes them unique:

Symphonic Prog (The "Classic")

 

This is the most iconic style, the one most people associate with the term "Prog." It is heavily inspired by classical music (suite structures, movements, use of orchestras). It features extensive use of keyboards (Mellotron, Hammond, Moog synthesizers), odd time signatures (such as 7/8 or 5/4), and fantasy or philosophical lyrics.

Key Bands: Genesis (Peter Gabriel era), Yes, ELP (Emerson, Lake & Palmer).

 

Canterbury Scene

 

Born around the English city of Canterbury, this subgenre mixes rock with a heavy dose of improvised Jazz and a typically British, surreal, and whimsical sense of humor. It enjoys bright atmospheres that are technically highly complex, nonsense lyrics, and the widespread use of distorted organs.

Key Bands: Soft Machine, Caravan, Robert Wyatt.

 

Eclectic Prog

 

This category includes bands that do not follow a single thread but instead absorb influences from everywhere: Hard Rock, Folk, contemporary music, and dissonance. It is often darker and more aggressive than Symphonic Prog, with an extreme focus on technical precision and angular riffs.

Key Bands: King Crimson (the founding fathers), Van der Graaf Generator, Gentle Giant.

 

Krautrock (Cosmic Rock)

 

The German response to British Prog. Instead of looking to the classical music of the past, German musicians looked toward the future and electronics. It features repetitive and hypnotic rhythms (called motorik), massive use of primitive synthesizers, and an absence of the standard verse-chorus structure.

Key Bands: Can, Neu!, Tangerine Dream, Kraftwerk (early period).

 

Zeuhl

 

An almost "alien" genre founded by French drummer Christian Vander. "Zeuhl" means "celestial" in Kobaïan, a language invented specifically for this genre. It draws from Jazz-Fusion influences, features almost martial operatic choirs, dark and ritualistic atmospheres, and a very distorted, front-and-center electric bass.

Key Bands: Magma.

 

RIO (Rock in Opposition) and Avant-Prog

 

Born as a political and artistic movement, RIO rejected the logic of the record industry and pushed experimentation toward high-brow avant-garde music and noise. It possesses atonality, extreme dissonance, and unpredictable structures that are often challenging upon first listen.

Key Bands: Henry Cow, Univers Zero, Frank Zappa.

 

Neo-Prog

 

Emerging in the '80s as a reaction to Punk, it sought to recover the sounds of Genesis-style Symphonic Prog but with more modern production and structures closer to the standard song form. It features emotional atmospheres, highly melodic guitar solos, and digital keyboards.

Key Bands: Marillion, IQ, Pendragon.

 

Progressive Metal

 

The heavier evolution, born from the union of Prog's complexity and Heavy Metal's power. It thrives on double-bass drumming, extreme technical virtuosity (shredding), very long tracks, and elaborate concept albums.

Key Bands: Dream Theater, Queensrÿche, Tool, Opeth.

 

Modern Post-Prog

 

This term encompasses contemporary bands attempting to blaze new trails in Progressive Rock while distancing themselves from the classic 1970s stylistic tropes. Their music merges many factors ranging from the past to the present, reworking them with new ideas.Key

Bands: Porcupine Tree, Steven Wilson, The Pineapple Thief, Pain Of Salvation.

 

Italian Progressive Rock

 

In the '70s, Italy was the second home of the genre after England, creating a unique style that blended Rock with the Italian melodic tradition and the Baroque. Bands like PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme are still studied worldwide today.

Il Blog Verso La Stratosfera

 Il Blog VERSO LA STRATOSFERA

Per chi ama cercare chicche sonore

 
 
Verso La Stratosfera è uno dei punti di riferimento storici e più autorevoli della blogosfera italiana per quanto riguarda il Rock Progressivo, la Psichedelia e la musica sperimentale, con un focus particolare sulle "chicche" rare e fuori catalogo.
 
Il blog è celebre per il suo lavoro di recupero di album italiani degli anni '70 (e non solo) che non sono mai stati ristampati in CD o che sono diventati introvabili. Gli autori caricano spesso digitalizzazioni da vinile (rip), accompagnate da recensioni approfondite, scansioni dei libretti originali e note storiche.
 
Uno dei contenuti più apprezzati sono le compilation tematiche create dai gestori del blog (come George e Frank-One). Queste raccolte mettono insieme brani rari di band minori della scena prog italiana, offrendo un panorama completo che va oltre i soliti nomi come PFM, Banco o Le Orme.

Nel blog puoi trovare:

 
Recensioni di album oscuri: Band che hanno inciso un solo disco e poi sono sparite nel nulla.
 
Serie Tematiche: Ad esempio, serie dedicate al "Catto-Prog" (il Rock Progressivo di ispirazione cristiana) o al Jazz-Rock italiano.
 
Radio Taxi: Una rubrica (o podcast) che approfondisce determinati sottogeneri o periodi storici.
 
Buona navigazione: http://verso-la-stratosfera.blogspot.com

Versione Inglese:

VERSO LA STRATOSFERA Blog
For those who love hunting for sonic gems

Verso La Stratosfera is one of the most historic and authoritative landmarks in the Italian blogosphere regarding Progressive Rock, Psychedelia, and experimental music, with a specific focus on rare and out-of-print "gems."

 

The blog is famous for its work in recovering Italian albums from the 1970s (and beyond) that were never reissued on CD or have become impossible to find. The authors frequently upload vinyl rips accompanied by in-depth reviews, scans of original booklets, and historical notes.

 

Among the most popular content are the thematic compilations created by the blog’s administrators (such as George and Frank-One). These collections gather rare tracks from minor bands within the Italian prog scene, offering a comprehensive overview that goes far beyond the usual names like PFM, Banco, or Le Orme.

 

On the blog, you can find:

 

Reviews of obscure albums: Bands that recorded a single disc and then vanished into thin air.

 

Thematic Series: For example, series dedicated to "Catto-Prog" (Christian-inspired Progressive Rock) or Italian Jazz-Rock.

 

Radio Taxi: A column (or podcast) that delves into specific sub-genres or historical periods.

 

Enjoy your exploration: http://verso-la-stratosfera.blogspot.com

Sentimental Mercenaries

SENTIMENTAL MERCENARIES – Chapter Two – Leon
Fishy Business
Genere: Neo Prog
Supporto: Digital / Bandcamp / Spotify – 2026

Per favore, non toccatemi le coronarie: non sono più giovane e certe emozioni potrebbero essermi fatali! Sì, perché nei primi anni ’80 ho vissuto un amore viscerale per il Neo Prog; ho seguito i Marillion dell’era Fish in lungo e in largo per l’Italia, insieme a Pendragon, IQ, Pallas e tutti coloro che si sono cimentati in quella musica romantico-decadente che miscela Pink Floyd, Genesis e Camel. Ma i Marillion restano nel mio cuore e in quello di molti orfani di quel Prog che, alla fine degli anni ’70, aveva subito una battuta d'arresto.
Vengo a conoscenza di questo progetto, i Sentimental Mercenaries, nato tra Italia e Israele. Quando vedo certe immagini che richiamano il "Jester", unite a un tratto del disegno in pieno stile Mark Wilkinson, capisco subito che qui "gatta Fish ci cova"...
In effetti, la band intraprende un viaggio approfondito alla scoperta di un sé tormentato, affrontando temi come il dolore emotivo, la passione e la memoria. La cosa più sorprendente è che, già dal primo album intitolato “Sentimental Mercenaries – Chapter One”, spaziavano dall'Extreme Metal al Progressive Rock con estrema nonchalance.
La formazione schiera Marco Vincini (G.O.L.E.M., Mr. Punch) alla voce, Yocahi Moyal alla chitarra, Nir Nakav alla batteria e Dor Levin al basso e alle tastiere.
Arrivo dunque a questo “Chapter Two – Leon”, impreziosito dalla bellissima copertina di Inbar Perez. Leon è un uomo tormentato che ripercorre l'infanzia, il desiderio d'amore e gli schemi emotivi che lo hanno plasmato. Attraverso un percorso psicoanalitico, il protagonista esamina la perdita e il desiderio, cercando un significato in momenti che un tempo sembravano fugaci o irraggiungibili. Il tutto è suddiviso in sette tracce.
Chiaramente non può mancare l’intro ponderato, nostalgico e toccante, esaltato dall’incredibile voce di Marco Vincini (in pieno stile Fish, ma capace di spingersi anche più in alto), qui intitolato “The Knot”. Il brano ci accompagna a “Lover's End”, uno dei singoli. Cosa aspettarsi è facile intuirlo: chitarra alla Steve Rothery e… oddio, scusate, ma l’emozione mi toglie le parole! Forse dovrei smettere di scrivere recensioni. Ottimi gli effetti eco di sottofondo e gli interventi delle tastiere.
Un altro singolo è “Sentimental Mercenary”, vicino anche ai Genesis; un’evoluzione naturale vista l’ispirazione che ha segnato la carriera dei Marillion. Il tempo è cadenzato come in “Garden Party”, un approccio che si ritrova in maniera ancor più marcata in “Freudian Creature”.
“Fish's Corner” è un bellissimo tributo al grande (in tutti i sensi) vocalist scozzese: quasi otto minuti di melodie emozionanti, con coralità epiche e ottimi passaggi strumentali dove Vincini sale in cattedra, specialmente durante il ritornello affabile e molto orecchiabile.
Il pezzo forte dell’album s’intitola “Leon”, una suite di oltre tredici minuti in cui la band mette in vetrina tutte le proprie capacità tecniche e compositive. Si inizia l’ascolto a occhi chiusi per poi restare sorpresi da sezioni strumentali ricche di assoli toccanti, specialmente di chitarra. Un volo pindarico che in alcuni frangenti ricorda i Pink Floyd. Chiude “Tear Of Silence” con un sorprendente growl: sono rimasto folgorato, perché mai mi sarei aspettato di ascoltare sonorità "marilliche" interpretate in questa maniera.
Peccato non poter godere di un supporto fisico per questo disco che mi ha strappato qualche lacrima di nostalgia. Li terrò d’occhio e quando arriverà il momento della stampa, entrerà di diritto nella mia discografia. In conclusione, questo è un album per nostalgici come me, i neofiti potrebbero trovarlo troppo malinconico, ma… ci siamo capiti. Oddio, cosa ho ascoltato! MS 

Versione Inglese: 

SENTIMENTAL MERCENARIES – Chapter Two – Leon
Fishy Business
Genre: Neo Prog
Format: Digital / Bandcamp / Spotify – 2026

Please, have mercy on my heart! I’m not as young as I used to be, and emotions like these could be fatal. Back in the early '80s, I had a visceral love for Neo Prog; I followed the Fish-era Marillion up and down Italy, along with Pendragon, IQ, Pallas, and everyone else who dabbled in that romantic, decadent sound—that perfect blend of Pink Floyd, Genesis, and Camel. But Marillion remains in my heart, and in the hearts of many orphans of that Prog scene that suffered a temporary setback at the end of the '70s.
I’ve recently discovered this project called Sentimental Mercenaries, born between Italy and Israel. When I see certain images reminiscent of the "Jester," paired with artwork in the unmistakable style of Mark Wilkinson, I immediately realize that something "Fishy" is going on here...
Indeed, the band embarks on an in-depth journey into the discovery of a tormented self, tackling themes like emotional pain, passion, and memory. The most surprising thing is that, since their first album “Sentimental Mercenaries – Chapter One,” they have been jumping from Extreme Metal to Progressive Rock and back with total nonchalance.
The line-up features Marco Vincini (G.O.L.E.M., Mr. Punch) on vocals, Yocahi Moyal on guitar, Nir Nakav on drums, and Dor Levin on bass and keyboards. And so I come to this “Chapter Two – Leon,” graced by a beautiful cover by Inbar Perez. Leon is a tormented man revisiting his childhood, his longing for love, and the emotional patterns that shaped him. Through a psychoanalytic path, the protagonist examines loss and desire, searching for meaning in moments that once seemed fleeting or out of reach. All of this is spread across seven tracks.
Naturally, we have a thoughtful, nostalgic, and touching intro titled “The Knot,” elevated by Marco Vincini’s incredible vocals—very much in the style of Fish, but capable of reaching even higher notes. This leads us into “Lover's End,” one of the singles. It’s easy to guess what to expect: Steve Rothery-style guitar and… oh my, excuse me, but the emotion is leaving me speechless! Perhaps I should stop writing reviews. The background echo effects and keyboard interventions are excellent.
Another single is “Sentimental Mercenary,” which feels close to Genesis—a natural evolution given the inspiration that defined Marillion’s career. The tempo is rhythmic, much like “Garden Party,” an approach found even more prominently in “Freudian Creature.”
“Fish's Corner” is a beautiful tribute to the great (in every sense) Scottish vocalist: nearly eight minutes of moving melodies, epic choral sections, and superb instrumental passages where Vincini takes center stage, especially during the affable and very catchy chorus.
The highlight of the album is the title track “Leon,” a suite of over thirteen minutes where the band showcases all their technical and compositional prowess. You start listening with your eyes closed, only to be surprised by instrumental sections rich with touching solos, especially on guitar; a flight of fancy that, in some moments, brings Pink Floyd to mind. “Tear Of Silence” closes the album with a surprising growl: I was floored, because I never expected to hear "Marilliesque" music performed in such a way.
It’s a shame there isn’t a physical copy yet for this record, which definitely brought a few nostalgic tears to my eyes. I’ll be keeping an eye on them; once it goes to print, it will rightfully join my collection. In conclusion, this is an album for nostalgics like me. Newcomers might find it a bit too melancholy, but… you know what I mean. My God, what an experience! MS

Hunka Munka

HUNKA MUNKA – Demoni E Dei
M.P. & Records / GT Music
Genere: Rock Progressive / Heavy Prog
Supporto: Vinile / CD – 2026

È sempre motivo di soddisfazione constatare come i nomi storici del Rock Progressivo italiano siano ancora oggi artisticamente vitali; un segnale incoraggiante sia per la qualità della nostra produzione musicale, sia per la longevità stessa del genere. Roberto Carlotto, in arte Hunka Munka (già membro dei Dik Dik), prosegue il proprio cammino a cinque anni di distanza dal convincente “Foreste Interstellari” (2021). Lo fa affiancato dal fidato Joey Mauro, responsabile di tastiere, cori, programmazioni e orchestrazioni e da una compagine di ospiti di assoluto rilievo, tra cui Marcantonio Quinto, Gianluca Quinto, Andrea Arcangeli, Barbara Rubin, Minerba e Andrea Rinaldi.
Hunka Munka resta scolpito nella memoria degli appassionati e dei collezionisti soprattutto per l'eccellente “Dedicato A Giovanna G.” del 1972, un concept album bizzarro e decadente, caratterizzato da una vocalità graffiante. La carriera di Carlotto, oltre all’esperienza con i Dik Dik, vanta collaborazioni con Big 66, I Cuccioli e l’Anonima Sound di Ivan Graziani. In questo nuovo lavoro, “Demoni E Dei”, l'artista affronta l’eterno conflitto tra bene e male, recuperando idealmente il filo conduttore di quel debutto leggendario, celebre anche per la singolare copertina apribile a forma di toilette.
L’edizione fisica del disco si presenta con un apparato grafico di pregio curato da Ondemedie, arricchito dagli scatti di Ennio Stranieri, dall’artwork di Carmine ed Enzo De Marco e dalla copertina firmata dallo stesso Joey Mauro. È doveroso sottolineare come la cura per il prodotto fisico testimoni non solo amore per l’arte, ma un profondo rispetto per l’ascoltatore, dote purtroppo sempre più rara nel panorama attuale.
L'opera si apre con l’introduzione strumentale “Addio Dolce Edel”, un movimento malinconico in cui tastiere e chitarra dialogano con rara intensità; nel finale, il richiamo a “Lugano Addio” rende omaggio alla profonda stima per Ivan Graziani. Il registro cambia repentinamente con la vigorosa “Ossessioni”, un brano Hard Prog che evoca inizialmente le atmosfere di “R.I.P.” del Banco del Mutuo Soccorso, evolvendo poi in una sorta di versione energica e "arrabbiata" dei Dik Dik, supportata da una prova vocale solida e perfettamente integrata.
In “Cavalli Alati” convivono orchestrazioni classiche e suggestioni Progressive Metal, impreziosite dal fulmineo assolo di Andrea Rinaldi e dall’eccellente contributo strumentale e vocale di Barbara Rubin. Segue “Justine”, un breve interludio vintage che introduce “L’Aeroplano D’argento”. Quest'ultimo, già presente in “Dedicato A Giovanna G.”, viene qui riproposto in una veste più potente e raffinata; è ammirevole come la complessità tecnica riesca a sposarsi con la tradizione melodica italiana, merito del gusto compositivo di Carlotto. Dallo stesso LP del '72 proviene anche “Cattedrali Di Bambù”, firmata da Ivan Graziani e Herbert Pagani: l’interpretazione di Barbara Rubin e le incursioni delle chitarre elettriche elevano il brano verso vette di grande impatto emotivo.
Dopo il delicato passaggio pianistico di “Nati Sotto Una Stella Solitaria”, l'album vira verso l'epicità con “La Vendetta Degli Dei”, dove una sezione ritmica impeccabile sostiene il virtuosismo di Carlotto alle tastiere.
In “E Lo Chiami Vivere” emerge invece una vena cantautorale anni '70 che guarda tanto ai Dik Dik quanto ai Procol Harum. Tra i momenti più alti del disco si colloca lo strumentale “Una Tranquillità Apparente - Il Comico Triste”, caratterizzato da un raffinato gioco stereofonico di sintesi. La chiusura è affidata alla sequenza “Demoni” e “Danza Macabra”, vera punta di diamante del lavoro: un climax pirotecnico arricchito da un suggestivo duetto vocale.
“Demoni E Dei” è un album di altissimo profilo, sapientemente registrato presso i Dr Phibes Studio da Joey Mauro e masterizzato da Mauro Mulas. L'opera brilla per l'equilibrio tra ricerca sonora e melodia tipicamente italiana, eseguita da musicisti d'eccezione. Un lavoro raffinato che non rinuncia a stupire, confermandosi sin d'ora come una delle migliori uscite di questo 2026. MS 

Versione Inglese:

HUNKA MUNKA – Demoni E Dei
M.P. & Records / GT Music
Genre: Progressive Rock / Heavy Prog
Format: Vinyl / CD – 2026

It is always a source of great satisfaction to see legendary names of Italian Progressive Rock remain artistically vital today; an encouraging sign for both the quality of our musical production and the longevity of the genre itself. Roberto Carlotto, professionally known as Hunka Munka (and a former member of Dik Dik), continues his artistic journey five years after the compelling “Foreste Interstellari” (2021). He does so alongside his trusted collaborator Joey Mauro—responsible for keyboards, backing vocals, programming, and orchestrations—and a lineup of distinguished guests, including Marcantonio Quinto, Gianluca Quinto, Andrea Arcangeli, Barbara Rubin, Minerba, and Andrea Rinaldi.
Hunka Munka remains etched in the memories of enthusiasts and collectors primarily for the excellent “Dedicato A Giovanna G.” from 1972, a bizarre and decadent concept album characterized by raspy, powerful vocals. Carlotto's career, beyond his time with Dik Dik, boasts collaborations with Big 66, I Cuccioli, and Ivan Graziani’s Anonima Sound. In this new work, “Demoni E Dei”, the artist tackles the eternal conflict between good and evil, ideally picking up the thread of that legendary debut, which was also famous for its unique toilet-shaped gatefold cover.
The physical edition of the record features high-quality graphic production by Ondemedie, enriched by the photography of Ennio Stranieri, artwork by Carmine and Enzo De Marco, and a cover designed by Joey Mauro himself. It is worth noting that such care for a physical product demonstrates not only a love for art but a profound respect for the listener—a quality that is, unfortunately, becoming increasingly rare in the current landscape.
The work opens with the instrumental intro “Addio Dolce Edel”, a melancholy movement where keyboards and guitar dialogue with rare intensity; in the finale, a reference to “Lugano Addio” pays tribute to the deep esteem held for Ivan Graziani. The tone shifts abruptly with the vigorous “Ossessioni”, a Hard Prog track that initially evokes the atmosphere of Banco del Mutuo Soccorso’s “R.I.P.”, before evolving into a sort of energetic and "angry" version of Dik Dik, supported by a solid and perfectly integrated vocal performance.
In “Cavalli Alati”, classical orchestrations and Progressive Metal influences coexist, embellished by Andrea Rinaldi’s lightning-fast guitar solo and Barbara Rubin’s excellent instrumental and vocal contribution. This is followed by “Justine”, a brief vintage interlude that leads into “L’Aeroplano D’argento”. The latter, originally featured on “Dedicato A Giovanna G.”, is presented here in a more powerful and refined arrangement; it is admirable how technical complexity manages to marry the Italian melodic tradition, a testament to Carlotto’s compositional taste. From the same 1972 LP comes “Cattedrali Di Bambù”, written by Ivan Graziani and Herbert Pagani: Barbara Rubin’s interpretation and the incursions of electric guitars elevate the song to heights of great emotional impact.
After the delicate piano passage of “Nati Sotto Una Stella Solitaria”, the album turns toward the epic with “La Vendetta Degli Dei”, where an impeccable rhythm section supports Carlotto’s keyboard virtuosity. In “E Lo Chiami Vivere”, a 1970s singer-songwriter vein emerges, nodding to both Dik Dik and Procol Harum. Among the highlights of the record is the instrumental “Una Tranquillità Apparente - Il Comico Triste”, featuring a sophisticated stereophonic interplay of synthesizers. The closing is entrusted to the sequence “Demoni” and “Danza Macabra”, the true crown jewel of the work: a pyrotechnic climax enriched by an evocative vocal duet.
“Demoni E Dei” is a high-profile album, expertly recorded at Dr Phibes Studio by Joey Mauro and mastered by Mauro Mulas. The work shines for its balance between sonic exploration and typically Italian melody, performed by exceptional musicians. A refined piece of work that never ceases to amaze, confirming itself even now as one of the best releases of 2026. MS

Crowdfunding Mesmerising

 Mesmerising lanciano la campagna crowdfunding per il nuovo album

Brescia, Italia – I Mesmerising annunciano il lancio ufficiale della loro campagna di crowdfunding per la realizzazione del nuovo album, un progetto ambizioso che punta a portare la band a un livello artistico e produttivo superiore.
I fondi raccolti saranno destinati alla produzione del disco, con il coinvolgimento di un producer di livello internazionale – con esperienza negli Stati Uniti e collaborazioni anche con Tracii Guns – oltre al mix e mastering professionale, per garantire un risultato sonoro di alta qualità.
La campagna è ora attiva su Kickstarter e rappresenta un’opportunità per il pubblico di sostenere direttamente la band, partecipando in modo concreto alla creazione del nuovo lavoro discografico.
Per i sostenitori sono disponibili diverse ricompense esclusive, tra cui contenuti speciali, esperienze personalizzate e opportunità uniche per entrare a far parte del progetto.
“Questo disco rappresenta per noi un passo fondamentale. Vogliamo realizzarlo nel modo migliore possibile e condividere questo percorso con chi crede davvero nella nostra musica,” dichiarano i Mesmerising.
Le prime 48 ore di campagna saranno cruciali per determinare la visibilità del progetto all’interno della piattaforma, rendendo il supporto immediato particolarmente importante.
 
Link alla campagna:
https://www.kickstarter.com/projects/mesmerising/lives-of-a-quiet-desperation-the-new-mesmerising-ep
 
Per maggiori informazioni, interviste o richieste stampa:
mesmerising@libero.it

Versione Inglese:

Mesmerising Launch Crowdfunding Campaign for New Album

Brescia, Italy – Mesmerising are proud to announce the official launch of their crowdfunding campaign for the creation of their new album. This ambitious project aims to push the band to a higher level of artistic and production excellence.
The funds raised will go toward the album's production, involving an international-level producer with extensive experience in the United States and a portfolio including collaborations with Tracii Guns. The campaign will also cover professional mixing and mastering to ensure a top-tier sonic result.
The campaign is now live on Kickstarter, offering fans a chance to support the band directly and play a tangible role in the creation of this new record.
Supporters can choose from various exclusive rewards, including special content, personalized experiences, and unique opportunities to become a part of the project.
"This album represents a fundamental step for us. We want to produce it in the best way possible and share this journey with those who truly believe in our music," the band stated.
The first 48 hours of the campaign are crucial for the project's visibility on the platform, making immediate support especially vital.

Campaign Link: https://www.kickstarter.com/projects/mesmerising/lives-of-a-quiet-desperation-the-new-mesmerising-ep

For more information, interviews, or press inquiries: mesmerising@libero.it

Paolo Sanna

PAOLO SANNA – Mind Castle
Autoproduzione
Genere: Virtuoso - chitarra / Progressive Metal
Supporto: Digitale (Bandcamp) – 2026

 
Ho scoperto le doti del talentuoso chitarrista Paolo Sanna nel 2023, grazie all’ascolto dell’EP “Novem Reges”.
Solitamente, in termini di gradimento e divulgazione, la musica strumentale riscontra maggiori difficoltà rispetto a quella cantata. Il motivo è presto detto: una melodia, per quanto interessante e gradevole, è più difficile da memorizzare rispetto a un testo. Tuttavia, questo concetto non vale per tutte le fette di pubblico; esiste infatti una nicchia che dalla musica pretende qualcosa in più: passaggi tecnici, controtempi e virtuosismi.
Paolo Sanna è un chitarrista che riesce a bilanciare ottime melodie e passaggi tecnici senza soffocare l’ascolto. Ne ho avuto conferma con il nuovo lavoro “Mind Castle”, in uscita il 20 gennaio 2026.
L’artista, nato a Bassano del Grappa il 12 novembre 1991, inizia ad appassionarsi alla chitarra a 15 anni, suonando come autodidatta in band locali. In seguito intraprende studi accademici presso il conservatorio “Cesare Pollini” di Padova, dove consegue la laurea triennale in Musica Elettronica sotto la guida del professor Matteo Costa. Grazie al progetto Erasmus presso l’Accademia Musicale di Cracovia, entra in una band multiculturale esibendosi nei club polacchi. Consegue inoltre i diplomi di 1°, 2° e 3° livello presso l’Accademia Doopy, ottenendo l'abilitazione all'insegnamento. Dopo aver composto la musica per il cortometraggio indipendente Alpha e Omega di Nicola Pegg, debutta discograficamente nel 2016 con il progetto Inedia e l’album Aritmia/Wasteland. Questa carriera, ricca di esperienze diverse, lo ha condotto a comporre musica che in molti passaggi sfiora il Progressive Metal.
Il disco vanta una copertina affascinante che introduce l’ascoltatore nel mondo immaginifico di Sanna: un castello costruito all'interno del cranio di un busto di pietra, a simboleggiare l'architettura del pensiero.
I sette brani di Mind Castle si aprono con "Ascension", una composizione in crescendo dalle atmosfere velatamente oscure e possenti. La musica evoca scenari cinematografici, tra attese e ripartenze scandite da riff taglienti. La potenza trova conferma in "Get Out", una fuga in cui la chitarra si cimenta in scale interessanti per poi adagiarsi su fraseggi melodici; questo alternarsi di soluzioni mantiene alta l’attenzione.
"Eat More" ruggisce con forza, scurendo ulteriormente i toni in un’immersione nel Progressive Metal più articolato. Segue "Ghost Whisper", dove i "fantasmi" sembrano palesarsi in tutta la loro impalpabile essenza. Il brano trasmette sensazioni altalenanti tra richiami al Metal nordico e momenti più distesi, impreziositi da ottimi giri di basso. È, a mio avviso, uno dei pezzi migliori del lotto.
Con "Baroque Dance" si cambia registro: su un ritmo Funk, Sanna scivola sulla tastiera riscoprendo sonorità a cavallo tra la fine degli anni '70 e i primi '80. Sembra quasi una jam session in cui l’artista mette a nudo la propria cultura musicale. "Industrial Spike" mostra invece un carattere deciso e una consapevolezza dei propri mezzi capace di ammaliare chi ascolta. Chiude il disco l'oscura "å", un brano dal lento ritmo Doom arricchito da eccellenti tappeti di tastiera.
Sanna dimostra di saper condurre l’ascoltatore in questo viaggio facendogli da "Cicerone" con classe, senza mai strafare e disseminando qua e là chicche sonore. Consiglio vivamente l’ascolto di Mind Castle: contiene passaggi che rimangono impressi nella memoria, un pregio raro e prezioso per un album interamente strumentale. MS 

Versione Inglese:

PAOLO SANNA – Mind Castle
Self-release
Genre: Virtuoso Guitar / Progressive Metal
Format: Digital (Bandcamp) – 2026

 
I first discovered the skills of talented guitarist Paolo Sanna in 2023, after listening to his EP Novem Reges.
Typically, in terms of popularity and mainstream reach, instrumental music faces greater challenges compared to vocal music. The reason is simple: a melody, however interesting and pleasant, is harder to memorize than lyrics. However, this does not apply to all audiences; there is a niche that demands something more from music: technical passages, odd time signatures, and virtuosity.
Paolo Sanna is a guitarist who manages to balance excellent melodies with technical passages without overwhelming the listener. I found confirmation of this in his new work Mind Castle, set for release on January 20, 2026.
Born in Bassano del Grappa on November 12, 1991, the artist first fell in love with the guitar at the age of 15, playing as a self-taught musician in local bands. He later pursued academic studies at the “Cesare Pollini” Conservatory in Padua, where he earned a Bachelor’s degree in Electronic Music under the guidance of Professor Matteo Costa. Thanks to an Erasmus project at the Academy of Music in Kraków, he joined a multicultural band, performing in Polish clubs. He also holds 1st, 2nd, and 3rd-level diplomas from the Doopy Academy, including teaching certification. After composing the music for the independent short film Alpha e Omega by Nicola Pegg, he made his recording debut in 2016 with the project Inedia and the album Aritmia/Wasteland. This career, rich in diverse experiences, has led him to compose music that frequently borders on Progressive Metal.
The album boasts a fascinating cover that introduces the listener to Sanna's imaginative world: a castle built inside the skull of a stone bust, symbolizing the "architecture of thought."
The seven tracks of Mind Castle open with "Ascension", a composition that builds in intensity with vaguely dark and powerful atmospheres. The music evokes cinematic scenarios, characterized by pauses and restarts driven by sharp riffs. This power is confirmed in "Get Out", a fast-paced track where the guitar ventures into interesting scales before settling into melodic phrasing; this alternating approach keeps the listener's attention high.
"Eat More" roars with strength, further darkening the tones in an immersion into more complex Progressive Metal. This is followed by "Ghost Whisper", where "ghosts" seem to manifest in all their impalpable essence. The track conveys fluctuating sensations between nods to Nordic Metal and more relaxed moments embellished by excellent bass lines. In my opinion, it is one of the best tracks of the lot.
With "Baroque Dance", the record shifts gears: over a Funk rhythm, Sanna glides across the fretboard, rediscovering sounds from the late '70s and early '80s. It feels almost like a jam session where the artist lays bare his musical background. "Industrial Spike", on the other hand, shows a strong character and a self-awareness capable of captivating the listener. The album closes with the dark "å", a track with a slow Doom pace enriched by excellent keyboard layers.
Sanna proves he can lead the listener through this journey, acting as a "Cicerone" (guide) with class, never overdoing it while scattering sonic gems throughout. I highly recommend listening to Mind Castle: it contains passages that truly stick in the mind—a rare and precious quality for an entirely instrumental album. MS