Aufklärung

AUFKLÄRUNG - Nell’Idea Di Un Tempo Che
Ma.Ra.Cash / BTF
Genere: Neo Prog
Supporto: Digital / CD – 2025

Se seguite il mio blog, avrete avuto occasione di leggere anche più di una volta la frase "Il mondo del Progressive Rock italiano è davvero strano". È formato da alti e bassi, e soprattutto assiste alla partecipazione di band che registrano un disco e basta. Questo dipende principalmente da due fattori: i costi per l'autoproduzione e distribuzione, e se esci in un momento storico poco attivo.
Sulla perseveranza, tuttavia, noi italiani siamo abbastanza ferrati. Con mio stupore e gioia, dopo trent'anni rileggo il nome dei brindisini Aufklärung. Dico gioia perché l’unico album rilasciato nel 1995, intitolato “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere” (Pick Up Records), è diventato un classico del Neo Prog italiano, quando il genere ha cominciato la ripresa grazie all’interesse della scena nordica (Anglagard, Anekdoten, Landberk, The Flower Kings, ecc.) e di altri grandi nomi (Spock’s Beard, Porcupine Tree, ecc.). Anche l’avvento di internet ha contribuito a richiamare l’attenzione sul Prog, permettendo di ascoltare di tutto (spesso gratis), altrimenti proibitivo visti i prezzi dei dischi allora stampati in poche copie. Non a caso, nella metà degli anni ’90 si assiste a réunion storiche come per esempio quella della PFM o i Delirium e moltissimi altri ancora.
Una volta focalizzato il contesto, andiamo a vedere chi sono gli Aufklärung. Sorgono nel 1990 dalla fusione di due band locali, fra cui una nominata The Eclipse, e dopo alcuni cambi nella line-up, si stabilizzano con Fabio Guadalupi (chitarre acustiche, classiche ed elettriche), Michele Martello (chitarre acustiche, classiche ed elettriche), Marco Mancarella (tastiere), Luciano Rubini (basso), e Massimo Mignini (batteria). Registrano subito un demo intitolato "Jetho Van Hall" nel 1992, chicca per solo pochi adepti.
Aufklärung significa “illuminazione”, un movimento filosofico, sociale e politico che ha attraversato l'Europa nel XVIII secolo. “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere” è considerato ad oggi uno dei dischi più belli del Neo Prog italiano.
Come è accaduto a moltissime band del periodo della restrizione pandemica, la réunion è dietro l’angolo, quella voglia di sentirsi vivi e di non darla vinta a questa vita che ci tarpa le ali. Così, nel 2020 Michele Martello e Marco Mancarella rifondano il gruppo lavorando su vecchie idee di base scaturite dopo il 1995. Chiaramente, come il 90% delle band di quel periodo, registrano un album concept sullo stato d’animo dell’essere umano. Della formazione originale sono rimasti Marco Mancarella (tastiere), Dante Di Giorgio (basso e chitarra) e Michele Martello (chitarra), a cui si sono aggiunti Michele De Luca (voce e testi), Doriana De Luca (flauto) e Riccardo D’Errico (batteria).
“Nell’Idea Di Un Tempo Che” quindi segue le impronte rilasciate dal suo nobile predecessore, e lo fa attraverso quattro lunghi brani cantati in italiano, a partire da “Respiro Numero Uno”. Difficilmente resisto all’ascolto di un flauto; le atmosfere si fanno immediatamente color seppia, anticate. Tanta melodia nelle tastiere e negli arpeggi di chitarra, manna per il Prog Fans. Qui Orme e molto altro in una staffetta fra passato e Neo Prog anni ’80. Invece, pieni anni ’70 con “Urlo”, mellotron e tutto quello che rende il genere una corazzata viene riversato sull’ascoltatore con energia. ”Apnea” è foneticamente ricercata, interpretata in maniera quasi recitativa, proprio come vuole il Neo Prog. In questo brano scorgo i brindisini più moderni.
Il brano che ho maggiormente apprezzato è il conclusivo “Ansia”, tredici minuti di storia e emozioni; qui la band mostra l’intesa e la tecnica sviluppata negli anni. Una lunghissima ballata che sfocia in un crescendo affidato alla chitarra elettrica.
Gli Aufklärung si sono fatti attendere, anche se confesso non speravo in una reunion, ma l’attesa ne è valsa la candela. Ora che “Nell’Idea Di Un Tempo Che” diventi un altro classico come “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere”, dubito fortemente, non perché sia di fattura minore, anzi, sotto alcuni aspetti è superiore; semplicemente perché è cambiato il contesto sociale a cui mi riferivo all’inizio. Resta un album piacevolissimo, sicuramente fra i migliori di questo 2025. Bentornati. MS. 

Versione Inglese:

AUFKLÄRUNG - Nell’Idea Di Un Tempo Che
Ma.Ra.Cash / BTF
Genre: Neo Prog
Format: Digital / CD – 2025

If you follow my blog, you may have had the chance to read the phrase "The world of Italian Progressive Rock is really strange" more than once. It's made up of highs and lows, and above all, it witnesses the participation of bands that record one album and that's it. This depends mainly on two factors: the costs of self-production and distribution, and whether you release music in a historically inactive moment.
However, we Italians are quite skilled at perseverance. With surprise and joy, after thirty years, I read the name of the Brindisi-based band Aufklärung again. I say joy because their only album released in 1995, titled “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere” (Pick Up Records), has become a classic of Italian Neo Prog, when the genre started to pick up again thanks to the interest of the Nordic scene (Anglagard, Anekdoten, Landberk, The Flower Kings, etc.) and other great names (Spock’s Beard, Porcupine Tree, etc.). The advent of the internet has also contributed to drawing attention to Prog, allowing people to listen to everything (often for free), which would have been prohibitive given the prices of albums printed in small quantities at the time. Not by chance, in the mid-1990s, there were historic reunions like the one of PFM or Delirium and many others.
Once the context is focused, let's see who Aufklärung is. They emerged in 1990 from the merger of two local bands, one of which was called The Eclipse, and after some lineup changes, they stabilized with Fabio Guadalupi (acoustic, classical, and electric guitars), Michele Martello (acoustic, classical, and electric guitars), Marco Mancarella (keyboards), Luciano Rubini (bass), and Massimo Mignini (drums). They immediately recorded a demo titled "Jetho Van Hall" in 1992, a treasure for only a few devotees.
Aufklärung means “enlightenment”, a philosophical, social, and political movement that swept across Europe in the 18th century. “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere” is considered one of the most beautiful albums of Italian Neo Prog.
As happened to many bands during the pandemic restriction period, the reunion is around the corner, that desire to feel alive and not give in to this life that clips our wings. So, in 2020 Michele Martello and Marco Mancarella re-founded the group, working on old basic ideas that emerged after 1995. Clearly, like 90% of the bands of that period, they recorded a concept album about the state of mind, the human being. The original lineup includes Marco Mancarella (keyboards), Dante Di Giorgio (bass and guitar), and Michele Martello (guitar), to whom Michele De Luca (vocals and lyrics), Doriana De Luca (flute), and Riccardo D’Errico (drums) were added.
“Nell’Idea Di Un Tempo Che” therefore follows the tracks left by its noble predecessor, and it does so through four long tracks sung in Italian, starting with “Respiro Numero Uno”. I can hardly resist the sound of a flute; the atmosphere immediately becomes sepia-toned and antiquated. So much melody in the keyboards and guitar arpeggios, manna for Prog fans. Here Orme and much more in a relay between the past and Neo Prog of the 80s. Instead, full-on 70s with “Urlo”, mellotron, and everything that makes the genre a battleship is poured onto the listener with energy. “Apnea” is phonetically researched, interpreted in an almost recitative manner, just like Neo Prog wants. In this track, I see the most modern Brindisini.
The track I appreciated the most is the conclusive “Ansia”, thirteen minutes of story and emotions; here the band shows the understanding and technique developed over the years. A very long ballad that culminates in a crescendo entrusted to the electric guitar.
The Aufklärung have kept us waiting, and although I confess I didn't expect a reunion, the wait was worth it. Now that “Nell’Idea Di Un Tempo Che” becomes another classic like “Dé Lá Tempesta... L'Oscuro Piacere”, I strongly doubt it, not because it's of lesser quality, but rather because the social context has changed since the beginning. It remains a very enjoyable album, surely one of the best of 2025. Welcome back. MS

Ulteriori Uscite Progressive Rock Italiano 2025

ULTERIORI USCITE PROGRESSIVE ROCK ITALIANO 2025

Oltre ai dischi recensiti qui nel blog, che in questo post non vado a menzionare, nel corso dell’anno ne sono usciti altri interessanti; eccone alcuni:

Luciano Margorani, Dario D'Alessandro, Chris Cutler – Triangolazioni
(autoproduzione – Bandcamp)

Luciano Margorani, storico nome della scena Avant-Prog e RIO italiana con LA 1919, crea un progetto incentrato sulla batteria. Con lui due nomi importanti nel settore, Dario D’Alessandro (Homunculus Res, Lunophone) e Chris Cutler. Esperimento rischioso ma abbastanza fruibile, con passaggi anche nella scena di Canterbury.

Alessandro Zilio – Here, Now
(autoproduzione – Bandcamp)

Interessante album strumentale del giovane chitarrista torinese Alessandro Zilio. Una vetrina per le doti tecniche, ma anche per fare una passeggiata in differenti stili sonori, spaziando dall'Ambient al Rock, dal Pop al Metal. Bellissima “Tree House”.

Chapter Zero - A Constant Inner Struggle
(autoproduzione – Spotify)

Prog più prossimo alla formula canzone per la band formata da Marco Govoni (basso), Marco Oppi (voce), Michele Galli (chitarra), Davide Morisi (chitarra), Vincenzo Tuccio (tastiere), e Giacomo Calabria (batteria). Non esulano passaggi nel Metal Prog. I brani sono molto orecchiabili; notevole “Invisible Moonlight”.

Doracor - Unexpected Intersections
(AMS)

Il tastierista Corrado Sardella, in arte Doracor, è al suo decimo album in studio. Una carriera passata a suonare Prog di buona fattura attraverso influenze anni ’70 e Neo Prog. Come suo stile, si avvale di un grandissimo numero di special guest per un risultato professionale ricco di buone intuizioni. Davvero consigliato.

Marco Ragni - Welcome To The Artificial Age
(autoproduzione – Bandcamp)

Il prolifico chitarrista di Rovigo rilascia il suo quindicesimo album da studio, sempre più prossimo a una Psichedelia Prog curata e ispirata anche al mondo dei Porcupine Tree. L’eleganza con cui esprime la propria musica ben si lega con le melodie di facile fruizione per un risultato a tratti onirico e a tratti elettrico. Da avere.

Monteceneri – Due
(autoproduzione – Spotify)

Se amate il Post Rock elettronico e psichedelico, questo EP dei Monteceneri fa proprio al vostro caso. La band milanese è nata dall’incontro tra musicisti di diverse formazioni nei sotterranei di via Lombroso. Consigliato agli estimatori di Mogwai e Vangelis.

Pino Carella – Il Ritorno
(autoproduzione – Spotify)

Per i nostalgici del Prog italiano anni ’70, Pino Carella, cantante e tastierista della band La Sorgente, esce con questo doppio album di inediti di venti canzoni fra Prog sinfonico, Orme e molto altro che il genere ci ha rilasciato nei decenni. Belle le parti strumentali, sempre dall’ampio respiro e enfasi. Le tematiche sono sociali e offrono una risposta cristiana, non religiosa e non schierata e influenzata da alcuna aderenza religiosa denominazionale. 

Versione Inglese:

FURTHER ITALIAN PROGRESSIVE ROCK RELEASES 2025

In addition to the albums reviewed here on the blog, which I won't mention in this post, several other interesting ones have been released throughout the year; here are a few:

Luciano Margorani, Dario D'Alessandro, Chris Cutler – Triangolazioni
(self-produced – Bandcamp)

Luciano Margorani, a historic name in the Italian Avant-Prog and RIO scene with LA 1919, creates a project centered on drums. Alongside him are two important names in the field, Dario D’Alessandro (Homunculus Res, Lunophone) and Chris Cutler. A risky experiment, but quite enjoyable, with passages also in the Canterbury scene.

Alessandro Zilio – Here, Now
(self-produced – Bandcamp)

Interesting instrumental album by the young Turin guitarist Alessandro Zilio. A showcase for his technical skills, but also a walk through different sound styles, ranging from Ambient to Rock, from Pop to Metal. Beautiful "Tree House".

Chapter Zero - A Constant Inner Struggle
(self-produced – Spotify)

Prog closer to the song formula for the band formed by Marco Govoni (bass), Marco Oppi (vocals), Michele Galli (guitar), Davide Morisi (guitar), Vincenzo Tuccio (keyboards), and Giacomo Calabria (drums). Passages in Metal Prog are not excluded. The tracks are very catchy; notable "Invisible Moonlight".

Doracor - Unexpected Intersections
(AMS)

Keyboardist Corrado Sardella, aka Doracor, is at his tenth studio album. A career spent playing high-quality Prog through 1970s influences and Neo Prog. As is his style, he relies on a large number of special guests for a professional result rich in good insights. Highly recommended.

Marco Ragni - Welcome To The Artificial Age
(self-produced – Bandcamp)

The prolific Rovigo guitarist releases his fifteenth studio album, increasingly close to a curated and inspired Psychedelic Prog, also influenced by the world of Porcupine Tree. The elegance with which he expresses his music blends well with easy-to-listen-to melodies for a result that is both dreamy and electric. Worth having.

Monteceneri – Due
(self-produced – Spotify)

If you love electronic and psychedelic Post Rock, this EP by Monteceneri is just right for you. The Milanese band was born from the meeting of musicians from different formations in the basements of Via Lombroso. Recommended for fans of Mogwai and Vangelis.

Pino Carella – Il Ritorno
(self-produced – Spotify)

For those nostalgic for Italian Prog from the 1970s, Pino Carella, singer and keyboardist of the band La Sorgente, releases this double album of twenty unpublished songs, ranging from symphonic Prog to Orme and much more that the genre has released over the decades. Beautiful instrumental parts, always with a broad breath and emphasis. The themes are social and offer a Christian response, non-religious and non-aligned, and not influenced by any denominational religious adherence.

Shiva Bakta

SHIVA BAKTA - Save Me
Autoproduzione
Genere: Rock Alternativo / Folk psichedelico
Supporto: Digital – 2020

È interessante seguire la musica autoprodotta dagli artisti italiani, in quanto a volte ci si imbatte in lavori di non facile classificazione, oppure non dedicati a un pubblico che predilige l’ascolto breve e immediato. Di certo è più difficile scovarli, soprattutto oggi, in cui escono centinaia di dischi al giorno. Fra le tante sorprese, Shiva Bakta (ovvero lo spezzino trapiantato a Bologna, Lidio Chericoni) con “Save Me” si fa notare dal pubblico più esigente attraverso un unico brano di quaranta minuti. Da questo si intende la volontà dell’artista di non essere facilmente omologabile e totalmente libero da restrizioni esterne.
Ma chi è Shiva Bakta? Il tastierista e polistrumentista inizia a scrivere canzoni nel 2008, mentre nel 2009 esce con una raccolta di demo (Shiva Bakta Homerec Album) non ufficiale. Dopo essersi trasferito da Bologna a Milano, nel 2010 registra “Third” (Gente Bella – 2014), che però vede la pubblicazione soltanto nel 2014. Dal 2015 collabora con il cantautore Matteo Fiorino, suonando negli album ‘Il Masochismo Provoca Dipendenza’ (2015) e ‘Fosforo’ (2018), accompagnandolo anche in sede live. Per motivi familiari, la sua attività artistica vede momentaneamente interrompersi, ma gli eventi danno in seguito spunto alle argomentazioni trattate in “Save Me”.
Con lui suonano Nicola Benetti (batteria), Carlo Barbagallo (basso, chitarra, mix), e Enrico Pasini (flicorno).
L’inizio pianistico apre a scenari introspettivi e toccanti, per poi lanciarsi in cambi umorali e di tempo. La psichedelia di base fa da tappeto a strutture ritmiche interessanti, dove stop e go vanno a interagire con il passato con rispetto e ricercatezza. Brevi passaggi nel jazz e nel folk rendono il tutto ancor più condito fra Vangelis, Zappa, Weather Report e moltissimo altro, che lascio a voi scoprire per il vostro piacere.
Le melodie di facile memorizzazione non mancano; tutto questo per rendere l’ascolto più fruibile e meno pesante. Buone anche le parti cantate, ben inserite nel contesto con coralità. Non esulano passaggi nei tempi moderni con voci registrate e soluzioni attuali. Malgrado io abbia fatto nomi di artisti, la musica di Shiva Bakta gode di una personalità ben marcata.
Durante il viaggio sonoro si possono incontrare anche momenti ipnotici, dove il suono avvolge la mente fra effetti eco e solo strumentali. Un immaginario che definirei cinematografico. Tratti nervosi alla King Crimson si dipanano nell’elettronica, donando all’ascolto durezza, ma sono attimi che poi solitamente sfociano in arie morbide e delicate.
Non manca neppure il reggae in questo calderone completo di suoni.
Questa è quindi musica di non facile classificazione, e non vedo neppure la necessità di farlo, in quanto la ritengo musica e basta.
Io ringrazio Lidio Chericoni per questa opera completa, in cui il tempo e la cultura musicale si intersecano fra di loro, rilasciando emozioni che raramente si possono incontrare in un periodo dove la musica "mordi e fuggi" la fa da padrona. Ritagliatevi del tempo per volervi bene e buon ascolto. MS

 

 

 

Versione Inglese:

SHIVA BAKTA - Save Me
Self-produced
Genre: Alternative Rock / Psychedelic Folk
Support: Digital - 2020

It's interesting to follow self-produced music by Italian artists, as sometimes you come across works that are not easily classified, or not intended for an audience that prefers short and immediate listening. Certainly, it's more difficult to find them, especially today when hundreds of records are released every day. Among the many surprises, Shiva Bakta (aka Lidio Chericoni, a Spezzino transplanted to Bologna) with "Save Me" stands out to a more discerning audience through a single 40-minute track. This shows the artist's desire not to be easily assimilated and totally free from external restrictions.
But who is Shiva Bakta? The keyboardist and multi-instrumentalist began writing songs in 2008, and in 2009 released an unofficial demo collection (Shiva Bakta Homerec Album). After moving from Bologna to Milan, he recorded "Third" (Gente Bella - 2014), which was only published in 2014. From 2015, he collaborated with singer-songwriter Matteo Fiorino, playing on the albums 'Il Masochismo Provoca Dipendenza' (2015) and 'Fosforo' (2018), also accompanying him live. Due to family reasons, his artistic activity was temporarily interrupted, but events later inspired the themes discussed in "Save Me".
He is joined by Nicola Benetti (drums), Carlo Barbagallo (bass, guitar, mix), and Enrico Pasini (flugelhorn).
The piano opening introduces introspective and touching scenarios, which then launch into mood and tempo changes. The psychedelic base provides a backdrop for interesting rhythmic structures, where stop and go interact with the past with respect and refinement. Brief passages in jazz and folk make the whole thing even more seasoned, with references to Vangelis, Zappa, Weather Report, and much more, which I leave you to discover for your pleasure.
The melodies are easy to remember, making the listening experience more enjoyable and less heavy. The sung parts are also well-integrated into the context with chorality. Modern touches with recorded voices and current solutions are not lacking. Despite mentioning other artists, Shiva Bakta's music has a well-defined personality.
During the sonic journey, you can encounter hypnotic moments where the sound envelops the mind with echo effects and instrumental solos. An imaginary scenario that I would define as cinematic. Nervous traits à la King Crimson unfold in the electronics, adding hardness to the listening experience, but these are moments that usually flow into soft and delicate arias.
Reggae is also present in this complete sound stew.
This music is therefore not easily classified, and I don't see the need to do so, as I consider it music pure and simple.
I thank Lidio Chericoni for this complete work, where time and musical culture intersect, releasing emotions that are rarely found in a period where "bite and run" music prevails. Take some time for yourselves and enjoy the listening experience. MS.

 

  

Anteprima Claudio Milano

 LUX AETERNA

Brano anteprima del nuovo album di CLAUDIO MILANO

"Messa Per Peregrinaggio"

Claudio Milano, assieme a pochi altri colleghi in Italia, è colui che interpreta al meglio la definizione di artista.
Non collocabile in uno stile musicale ben definito, il cantante e compositore anticonformista con i suoi numerosi progetti fra i quali menziono Nichelodeon, naviga fra teatralità, ricerca vocale, e innovativa sperimentazione.
Qui su sua gentile concessione, in anteprima il brano  “Lux Aeterna” (brano dedicato alle vittime di Gaza) e la descrizione dello stesso Milano:
“Tra sacro e profano, il ricordo dei peregrinaggi nel cuore del Sud Italia, verso i santuari per chiedere una grazia per i malati, gli indemoniati, chi era stato punto da una tarantola.
Un viaggio spirituale per superare l'abitudine al buio e raggiungere la luce divina, tra canti, danze, musica classica contemporanea, jazz, etnica, avantgarde.
Il tutto in un "anno santo" che ha il volto di 65 guerre sparse per il globo, a coinvolgere il 50% delle nazioni.”.
Il brano farà parte di un opera composta interamente dallo stesso Claudio Milano.
 
Organo a canne: Marco Lo Muscio
Pianoforte: Elena Previdi
Violoncello: Sergej Ivanov
Voce: Claudio Milano

LUX AETERNA:

https://soundcloud.com/liberacidalmale75/05-lux-aeterna/s-nnQrsbYlf1n?si=5596436ce1cb4122bd269d4ae8a0a53f&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

Aerostation

AEROSTATION – Rethink
Independent Artist Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: Digital – 2025

Quando si incontrano artisti del calibro di Alex Carpani, compositore, tastierista, cantante, produttore, musicologo e direttore artistico italo-francese, Gigi Cavalli Cocchi (ex batterista di Ligabue, Clan Destino e Consorzio Suonatori Indipendenti), e il bassista Jacopo Rossi (Dark Lunacy, Nerve, Antropophagus), le aspettative non possono che essere elevate.
La tecnica strumentale e compositiva esibita dal trio in formazione, simile a quella di Emerson Lake & Palmer (non per la musica), è eccellente, per questo la band va annoverata alla voce “supergruppo”. Si formarono nell’autunno del 2015 e rilasciarono nel 2018 l’esordio dal titolo omonimo.
Buoni furono i riscontri di critica e pubblico che gli conseguirono la possibilità di aprire concerti a band blasonate tra cui la PFM.
Carpani, come Keith Emerson, riesce a far dimenticare l'assenza delle chitarre, e il trio viaggia compatto, palesando una preparazione e un amalgama davvero invidiabile.
Sappiamo bene che se la tecnica diventa asfissiante, spesso va a discapito della fruizione, ma dipende anche dal tipo di ascoltatore; nel mondo del Progressive Rock generalmente si presuppone che chi ama questo sound denominato “colto” sia un fan attento, difficile da accontentare e molto distante dalle banalità generiche. Ecco che necessariamente sono auspicabili cambi umorali, controtempi, scale impervie e così via.
Nella musica degli Aerostation queste caratteristiche non vengono a mancare, ma in verità sono le melodie di facile memorizzazione a tenere la scena. Il disco si apre con un breve intro dalle caratteristiche spaziali, che conduce a "A Distant Cry", canzone sia sognante che energica, supportata dalla buona voce di Alex.
Echi di King Crimson si presentano durante le fasi strumentali grevi e monolitiche. Vetrina per il basso di Rossi è "Life is Calling", dove il suono caldo del suo strumento fa da binario a tutto il pezzo, che ben si inserirebbe nella discografia dei Porcupine Tree.
Ritmo ancora sostenuto per "Meet Me At The End Of The World", brano moderno con frangenti addirittura rap. La carta vincente risulta essere il ritornello, mentre gli effetti che accompagnano il tutto donano profondità all’ascolto. Nel finale, un buon solo di tastiere.
Cambia lo scenario con "The Wait Is Over", uno sguardo al motivo sonoro semplice e diretto, come ci hanno bene insegnato gli immensi Beatles. Aleggia nel suono della psichedelia delicata, la quale perfettamente si fonde con accenni di sonorità moderne.
Gli Aerostation strizzano l’occhio anche alla canzone radiofonica attraverso "Drive My Soul", ma lo fanno con classe ed eleganza, senza scadere nell’ovvio.
Buone coralità nella più breve "Life Is Too Short", dove sensazioni in bilico fra gli anni ’70 e ’80 la fanno da padrone. Intimistica e riflessiva "Fly Over Me", canzone che ho apprezzato particolarmente per l'enfasi emotiva, pur non essendo una ballata vera e propria. Anche in questo caso, gli assolo strumentali giungono alla fine.
Ma il brano di spicco per il mio gusto personale è "Soulshine", qui riscontro tutte le caratteristiche da me precedentemente citate, ritornello arioso compreso. Gradevole anche "Run As The Sun Goes Down", il suo ritmo e il basso che pompa a dovere regalano un altro frangente di alta musica. Continuo a sentire schegge di Porcupine Tree in molti di questi brani, ma non credo per mia fissazione.
L’album si conclude con la malinconica "Messiah", altra chicca sonora dove la psichedelia fa nuovamente capolino. Una menzione a parte anche per la bella copertina di Gigi Cavalli Cocchi.
“Rethink” è un buon disco, orecchiabile, moderno, ma allo stesso tempo rispettoso della lezione del passato. Questi amici miei sono strumentisti sopraffini e sanno bene quando spingere o rallentare, così resta molto difficile annoiarsi durante l’ascolto. Ma quei Porcupine Tree… MS 

Versione Inglese:

AEROSTATION – Rethink
Independent Artist Records
Genre: Crossover Prog
Format: Digital – 2025

When you meet artists of the caliber of Alex Carpani, composer, keyboardist, singer, producer, musicologist and Italian-French artistic director, Gigi Cavalli Cocchi (former drummer of Ligabue, Clan Destino and Consorzio Suonatori Indipendenti), and bassist Jacopo Rossi (Dark Lunacy, Nerve, Antropophagus), expectations can't help but be high.
The instrumental and compositional technique displayed by the trio, similar to Emerson Lake & Palmer (not in terms of music), is excellent, which is why the band can be considered a "supergroup". They formed in autumn 2015 and released their debut album, self-titled, in 2018.
The band received good reviews from critics and audiences, which led to the opportunity to open concerts for renowned bands, including PFM.
Carpani, like Keith Emerson, manages to make the absence of guitars forgettable, and the trio travels compactly, showcasing impressive preparation and blend.
We know that when technique becomes overwhelming, it often comes at the expense of enjoyment, but it also depends on the type of listener; in the world of Progressive Rock, it's generally assumed that fans of this "cultivated" sound are attentive, hard to please, and far removed from generic banalities. Therefore, changes in mood, counter-rhythms, and complex scales are desirable.
In Aerostation's music, these characteristics are present, but it's the catchy melodies that take center stage. The album opens with a brief intro with spatial characteristics, leading to "A Distant Cry", a song that's both dreamy and energetic, supported by Alex's good vocals.
Echoes of King Crimson emerge during the heavy and monolithic instrumental phases. "Life is Calling" is a showcase for Rossi's bass, where the warm sound of his instrument drives the entire piece, which would fit right in with Porcupine Tree's discography.
The rhythm remains sustained in "Meet Me At The End Of The World", a modern song with even rap-like moments. The winning card is the chorus, while the accompanying effects add depth to the listening experience. The song ends with a good keyboard solo.
The scenario changes with "The Wait Is Over", a song with a simple and direct melody, as taught by the great Beatles. A delicate psychedelic sound floats in, perfectly blending with hints of modern sonorities.
Aerostation also flirts with radio-friendly songwriting through "Drive My Soul", but they do it with class and elegance, without falling into the obvious.
Good harmonies in the shorter "Life Is Too Short", where sensations from the 70s and 80s dominate. Intimate and reflective "Fly Over Me" is a song I particularly appreciated for its emotional emphasis, even though it's not a ballad. Again, instrumental solos come at the end of the song.
But the standout track for me is "Soulshine", where I find all the characteristics I mentioned earlier, including an airy chorus. "Run As The Sun Goes Down" is also enjoyable, with its rhythm and pumping bass creating another moment of high music. I keep hearing hints of Porcupine Tree in many of these songs, but I don't think it's just my fixation.
The album concludes with the melancholic "Messiah", another sonic gem where psychedelia makes another appearance. Special mention also goes to Gigi Cavalli Cocchi's beautiful cover art.
"Rethink" is a good album, catchy, modern, yet respectful of the past. These friends of mine are superb musicians who know when to push and when to slow down, making it very hard to get bored while listening. But those Porcupine Tree... MS

The Rootworkers

THE ROOTWORKERS – Don’t Beat A Dead Horse
Bloos Records
Genere: Delta Blues / Psichedelia
Supporto: CD / LP / Digital – 2025

Senza il Blues non saremmo qui oggi a parlare di Rock e di tutto ciò che ne è derivato. La base inizia dal canto degli afro-americani durante la raccolta del cotone nei primi del '900, per poi svilupparsi musicalmente grazie anche a Robert Johnson, sempre nello stesso periodo.
Il Delta Blues è stato il fattore scatenante che ha visto suddividersi in differenti ramificazioni, che andranno dal Rhythm 'n' Blues degli anni '40 al definitivo Rock And Roll dei '50; il resto è storia moderna.
Dunque, mai dimenticarsi da dove veniamo, e se esistono artisti oggi che ancora si addentrano in queste sonorità, seppur arricchite da componenti moderne, è più che positivo! Se poi il Blues si contamina con la Psichedelia, il Garage e il Soul, allora il risultato diventa molto interessante e trascinante. È questo il caso dei marchigiani The Rootworkers, formatisi nel 2019 ad Appignano (MC) con Enrico Palazzesi (voce, chitarra), Andrea Ballante (chitarra), Lorenzo Cespi (basso), ed Enrico Bordoni (batteria, tastiere). L'esordio discografico risale al 2022 con l'EP "Attack, Blues, Release"; a seguire, un buon numero di date live che amalgamano la band, assegnandogli una spiccata personalità e intesa.
Il 17 ottobre 2025 l'esordio dal titolo "Don’t Beat A Dead Horse", nove brani compatti e curati in cui i The Rootworkers si gettano nella formula canzone senza freni inibitori.
Il titolo dell'album è un'espressione idiomatica americana, dove si consiglia di non insistere su ciò che oramai non si può più recuperare; qui però il significato viene capovolto, invece di "arrendersi", si esorta a tirar fuori lo spirito critico.
Nel disco, quindi, si tratta di rapporti interpersonali, a iniziare da "Love Don’t Pay The Rent", dove anche un trasloco diventa un'occasione per crescere e scoprire nuove amicizie. La voce graffiante di Palazzesi conduce l'ascolto verso luoghi frequentati da Led Zeppelin, Jack White ed altri ancora. Il ritmo lento ben si inserisce nel contesto, in cui la chitarra si lancia in assolo dal sentore vintage. Il crescendo è sicuramente galeotto.
Molto divertente "Unstoppable Pleasure", soprattutto tanta storia dentro, un inno a chi ti accompagna nella vita ascoltando Blues, un vero e proprio tributo. Ruvido e diretto.
"Catfish Blues" è un pezzo di Robert Petway, bene reinterpretato con forte personalità. Il Blues in crescendo è contagioso, tanto che convincere la band a eseguire il brano in tutti i concerti è stato facile. Splendido il botta e risposta fra le chitarre.
Scende il ritmo e ci si ritrova in un contesto psichedelicamente onirico in "Desert", movimento fluttuante con un cantato più sofferto. Riflessioni esistenziali ben si legano con l'andamento sonoro, dove il basso ricopre un ruolo rilevante.
Quando una cosa finisce, c'è sempre un inizio, e va affrontato per le corna. Questa volta la band in "It’s Gone (And It’s Alright)" si incammina in un nuovo sentiero, quello del Psych-Reggae, un contesto particolarmente divertente dove la chitarra elettrica sale in cattedra. Una volta acquisita la consapevolezza dei propri mezzi, serve personalità per affrontare le vicende della vita, e i The Rootworkers lo raccontano in "Proud Of My Life (Don’t Ask Me Why)". Ma la botta giunge con "Not My Cup Of Tea", una canzone energica dove si alza molta polvere, quella della strada del Mississippi che va da Memphis a Vicksburg. Una volta giunti alla meta, il meritato riposo; ma durante il sonno i musicisti vengono colti dagli spiriti del Blues e la Psichedelia fa ritorno in "Devil On My Bed".
Per concludere, un vecchio singolo della band rivisitato in chiave Black: Dead Flower Blues (Alt. Take).
Chi ha il Blues nel sangue può permettersi di suonare qualsiasi cosa; i The Rootworkers preferiscono restare relegati alla navicella madre, apportando però suoni robusti e distorti, prossimi all'Hard Rock. Un disco che non avrà mai tempo, non invecchierà e non ringiovanirà; sarà per sempre un esempio di Blues! Complimenti ai The Rootworkers. MS. 

Versione Inglese:

THE ROOTWORKERS – Don’t Beat A Dead Horse
Bloos Records
Genre: Delta Blues / Psychedelia
Format: CD / LP / Digital – 2025

Without the Blues, we wouldn't be here today talking about Rock and everything that derived from it. The foundation starts with the singing of African Americans during cotton picking in the early 1900s, later developing musically thanks to Robert Johnson, also in the same period.
Delta Blues was the catalyst that led to different ramifications, from Rhythm 'n' Blues in the 40s to the definitive Rock And Roll of the 50s; the rest is modern history.
So, never forget where we come from, and if there are artists today who still delve into these sounds, albeit enriched with modern components, it's more than positive! If Blues then contaminates with Psychedelia, Garage, and Soul, the result becomes very interesting and captivating. This is the case with the Marchigian band The Rootworkers, formed in 2019 in Appignano (MC) with Enrico Palazzesi (vocals, guitar), Andrea Ballante (guitar), Lorenzo Cespi (bass), and Enrico Bordoni (drums, keyboards). Their discographic debut dates back to 2022 with the EP "Attack, Blues, Release", followed by a good number of live dates that blended the band, giving them a distinct personality and understanding.
On October 17, 2025, the debut album titled "Don’t Beat A Dead Horse", nine compact and curated tracks in which The Rootworkers throw themselves into the song formula without inhibitions.
The album title is an American idiomatic expression that advises not to insist on something that can no longer be recovered; here, however, the meaning is reversed; instead of "giving up", it exhorts to bring out the critical spirit.
The album deals with interpersonal relationships, starting with "Love Don’t Pay The Rent", where even a move becomes an opportunity to grow and discover new friendships. Palazzesi's gritty voice leads the listener to places frequented by Led Zeppelin, Jack White, and others. The slow rhythm fits perfectly into the context, where the guitar launches into vintage-tinged solos. The crescendo is certainly captivating.
Very entertaining is "Unstoppable Pleasure", especially with a lot of history inside; an anthem to those who accompany you in life listening to Blues, a true tribute. Rough and direct.
"Catfish Blues" is a piece by Robert Petway, well reinterpreted with strong personality. The Blues in crescendo is contagious, so much so that it convinces the band to play the song at every concert. Splendid is the call-and-response between the guitars.
The rhythm slows down, and we find ourselves in a psychedelically dreamlike context in "Desert", a floating movement with a more suffering vocal. Existential reflections fit well with the sound trend, where the bass plays a significant role.
When something ends, there's always a beginning, and it needs to be faced head-on. This time the band in "It’s Gone (And It’s Alright)" embarks on a new path, that of Psych-Reggae, a particularly entertaining context where the electric guitar takes center stage. Once you've acquired awareness of your means, you need personality to face life's events, and The Rootworkers tell it in "Proud Of My Life (Don’t Ask Me Why)". But the blow comes with "Not My Cup Of Tea", an energetic song where a lot of dust is raised, that of the Mississippi road from Memphis to Vicksburg. Once you've reached the destination, it's time for a well-deserved rest; but during sleep, the musicians are seized by the spirits of the Blues, and Psychedelia returns in "Devil On My Bed".
To conclude, an old single by the band revisited in a Black key: Dead Flower Blues (Alt. Take).
Those who have the Blues in their blood can afford to play anything; The Rootworkers prefer to stay relegated to the mother ship, bringing robust and distorted sounds, close to Hard Rock. A record that will never have time, won't age, and won't get younger; it will forever be an example of Blues! Congratulations to The Rootworkers. MS

Cobol Pongide

COBOL PONGIDE – Kosmodrom
Dischi Durevoli Records / Goodfellas
Genere: Avant-Pop
Supporto: CD / Musicassetta / Digital – 2025

Il Pop, quando vuole, sa essere un ottimo viatico per concetti non banali, proprio come ha saputo fare negli anni il genere Rock. La musica in generale è quindi il mezzo per esprimere al meglio sensazioni, argomenti e prese di posizione. Le etichette indipendenti spesso ricoprono un ruolo fondamentale nel dare voce ad artisti che altrimenti troverebbero difficoltà a emergere dall'underground sonoro, anche se oggi la tecnologia viene incontro a queste esigenze in maniera considerevole. Da non sottovalutare, quindi, quei musicisti che si adoperano alacremente per raggiungere più pubblico possibile per annunciare un messaggio non ordinario.
Il progetto Cobol Pongide ha una cognizione della musica ben specifica, malgrado i generi miscelati che vanno dal Pop al Post Punk, passando per l'Avant-Synth, possano deviare la realtà delle cose. Molti sono i punti di congiunzione con gli anni '80, quando alcuni artisti si divertono a creare musica con l'ausilio di computer d'epoca e tastiere giocattolo. Il progetto, sin dal primo album del 2009, vede comporsi con l'umano Cobol e il robot cantante Emiglino Cicala. Racconti cosmonauti sono alla base degli intenti, dove l'astronauta è un libero imprenditore del coraggio, un operaio del progresso interplanetario.
Musica fantascientifica e visionaria in "Kosmodrom"; dopo "Musica Per Anziani Cosmonauti" (2009), "Vita Da Spaziale" (2017), e "Estremofilia Cosmica E Operaia", un altro capitolo di Cobol, il quale pubblica anche tre saggi sullo sfruttamento spaziale, tra cui "Marte Oltre Marte" (DeriveApprodi – 2019).
Anticipato dal singolo "Lada-Vaz (1964)", l'album è formato da ben diciassette canzoni per oltre un'ora di musica. Il libretto che accompagna il disco all'interno è nutrito di testi e proclami, simpaticamente rappresentati dalla efficiente grafica di Andro Malis e la foto per mano di Maria Cassa. Molto simpatico il logo "Tastierine Giocattolo Nello Spazio" a supporto dell'intento artistico.
Esisteva negli anni '80, nel pieno del suo successo, un cantautore soprannominato Arlecchino Elettronico: era Alberto Camerini con i suoi successi "cosmetici", dove le canzoni miste fra dance e elettronica facevano divertire ma allo stesso tempo pensare il grande pubblico. Lui e sicuramente la band coetanea Devo, sono fra i punti di riferimento per Cobol; ciò si evince sin dall'ascolto dell'iniziale "Cosmutopista Sentimentale". L'effettistica gioca un ruolo di primo piano, così la voce robotica. I suoni rimandano ai giochi elettronici e inseriscono l'ascoltatore in un mondo fantastico dove il Cyber Punk detta legge.
"Flessibilità" è un'ode a Ufo Robot, e "Datemi Il Genoma" una fuga dalla realtà, il tutto sempre su ritmiche elettroniche e melodie dalla facile fruizione, come solo un robot sa concepire.
Il suono, in senso generale, viene usato come accompagnamento d'atmosfera, minimale e diretto, perché il soggetto principale resta sempre il testo. "Una Comune Extraterrestre", per esempio, descrive la vita in un pianeta lontano con molti punti in comune con il nostro; e poi è la volta del singolo "Lada-Vaz! (1964)", dove la rivoluzione attraverso analogie è declamata. Il Punk si fa strada prepotentemente fra i suoni, badando alla sostanza dei concetti. In analisi anche il nostro essere, descritto in maniera ermetica e dissacrante in "Umani Tanto Strani". "Team Yucatàn" è convergenza evolutiva che di base ha un marsupiale come soggetto. In breve, l'album si evolve su questo binario sagace e acuto.
Con "Kosmodrom" sembra di essere tornati totalmente negli anni '80, ma per analizzare cosa siamo noi oggi. Un balzo temporale in cui la nostalgia potrebbe giocare un ruolo importante per i più attempati di voi. Un disco che diverte e si diverte, autocelebrando un universo cosmico che è forse migliore di questo reale. In un periodo pieno di stress, c'è quindi bisogno di staccare dalla routine attraverso un bel viaggio cosmico, almeno per un'ora. Cobol Pongide è senza dubbio il nuovo Arlecchino spaziale. MS.

L’album esce il 3 -10 - 2025 

Versione Inglese:

COBOL PONGIDE – Kosmodrom
Dischi Durevoli Records / Goodfellas
Genre: Avant-Pop
Format: CD / Cassette / Digital – 2025

Pop music, when it wants to, can be an excellent vehicle for non-trivial concepts, just like Rock music has done over the years. Music in general is therefore a means to express sensations, topics, and positions in the best way possible. Independent labels often play a fundamental role in giving a voice to artists who would otherwise struggle to emerge from the sonic underground, even if technology today meets these needs to a considerable extent. It's worth noting, therefore, those musicians who work tirelessly to reach a wider audience to announce a non-ordinary message.
The Cobol Pongide project has a very specific understanding of music, despite the mixed genres that range from Pop to Post Punk, passing through Avant-Synth, which may deviate from reality. There are many points of connection with the 80s, when some artists had fun creating music with the help of vintage computers and toy keyboards. The project, since its first album in 2009, features the human Cobol and the robot singer Emiglino Cicala. Cosmonaut stories are at the base of the intentions, where the astronaut is a free entrepreneur of courage, a worker of interplanetary progress.
Science fiction and visionary music in "Kosmodrom"; after "Musica Per Anziani Cosmonauti" (2009), "Vita Da Spaziale" (2017), and "Estremofilia Cosmica E Operaia", another chapter by Cobol, who also publishes three essays on space exploitation, including "Marte Oltre Marte" (DeriveApprodi – 2019).
Preceded by the single "Lada-Vaz (1964)", the album features seventeen songs for over an hour of music. The booklet that accompanies the disc inside is filled with texts and proclamations, charmingly represented by the efficient graphics of Andro Malis and the photo by Maria Cassa. The "Tastierine Giocattolo Nello Spazio" logo is very cute, supporting the artistic intent.
In the 80s, there was a singer-songwriter nicknamed Arlecchino Elettronico: Alberto Camerini with his "cosmetic" successes, where songs mixed dance and electronic music made the general public laugh and think. He and the contemporary band Devo are among Cobol's points of reference; this is evident from the first track "Cosmutopista Sentimentale". The sound effects play a leading role, as does the robotic voice. The sounds recall video games and insert the listener into a fantastic world where Cyber Punk reigns supreme.
"Flessibilità" is an ode to Ufo Robot, and "Datemi Il Genoma" is an escape from reality, all set to electronic rhythms and melodies that are easy to enjoy, as only a robot can conceive.
The sound, in general, is used as atmospheric accompaniment, minimal and direct, because the main subject is always the text. "Una Comune Extraterrestre", for example, describes life on a distant planet with many points in common with our own; and then there's the single "Lada-Vaz! (1964)", where revolution through analogies is proclaimed. Punk makes its way forcefully through the sounds, focusing on the substance of the concepts. Our being is also analyzed, described in a hermetic and desecrating way in "Umani Tanto Strani". "Team Yucatàn" is evolutionary convergence based on a marsupial subject. In short, the album evolves on this shrewd and acute track.
With "Kosmodrom" it seems like we've gone back to the 80s, but to analyze what we are today. A time jump where nostalgia could play an important role for the older among you. A record that entertains and enjoys itself, self-celebrating a cosmic universe that may be better than this real one. In a period full of stress, there's a need to disconnect from routine through a beautiful cosmic journey, at least for an hour. Cobol Pongide is undoubtedly the new spatial Harlequin. MS.
The album is released on October 3, 2025.