Ilamb

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digital – 2026

La vita è fatta di sogni, specialmente quando si è giovani, e il pensare al futuro per volersi realizzare è un obiettivo dell’esistenza. È splendido quando si ha al proprio fianco un genitore che avalla la tua volontà e che ti sostiene in questo percorso fatto comunque di insidie, una mano tesa che dà fiducia, perché la felicità rende l’uomo libero.
Questo è anche il concept dell’album “Trip To Heaven – Redux”, che rappresenta la rilettura completa e la ri-attualizzazione sonora dell'opera uscita come album di esordio nel 2016 del duo ILAMB. Il lavoro sfoggia un nuovo missaggio e mastering per valorizzare la dinamica audio digitale, inserti di chitarra riregistrati, sezioni acustiche arricchite e un bilanciamento delle frequenze concepito per enfatizzare il contrasto tra parti intime e aperture sinfonico-Rock.
ILAMB è guidato dal polistrumentista, compositore e arrangiatore palermitano Davide Agnello, che cura chitarre, tastiere, programmazioni, arrangiamenti e gran parte del songwriting, avvalendosi di collaborazioni vocali e di sezione ritmica nei singoli brani.
L’introduzione al percorso è affidata alla strumentale “Start”, con tastiere eteree e suoni d'ambiente che preparano il terreno all'ascolto, creando un'atmosfera sospesa. I richiami ai Pink Floyd sono evidenti soprattutto nello slide della chitarra e negli effetti eco che la circondano. Essa conduce a “Son To Father”, altro movimento etereo in cui il cantato esprime la consapevolezza del ragazzo protagonista di non essere più una semplice ombra o un pensiero, ma un'anima viva nel mondo grazie al padre.
Così “Father To Son” è complementare al precedente, mostrando una struttura più solida e matura, sostenuta da una sezione ritmica maggiormente incisiva e prossima nelle chitarre a “Dogs” sempre dei Pink Floyd, tanto per darvi un punto di riferimento. Il testo riflette la responsabilità, la protezione, le speranze e il timore di trasmettere le proprie fragilità alla generazione successiva. A dir poco bellissimo il lungo solo finale, che farà la gioia di chi ama questo sound sostenuto e sognante (me compreso).
“King Of The World”, nei suoi otto minuti abbondanti, si affaccia anche nel mondo dei Porcupine Tree. Racconta l'onnipotenza illusoria della giovinezza e dell'egocentrismo ("I want to run all day and see every place..."), riflettendo l'ambizione smisurata e la sensazione di invincibilità che caratterizzano una specifica fase della vita. Nella fase centrale il brano si spezza e diventa psichedelico e avvolgente. È proprio qui che parte una fuga in stile “Metanoia”, visto che ho nominato la band di Steven Wilson, ma con tastiere Neo Prog a supporto, a testimonianza che comunque Agnello ha una personalità ben definita. Un altro interludio psichedelico porta il titolo “Encounter” e conduce a “Deep Inside”, introdotto da un solo di batteria. Il basso si fa più presente mentre la chitarra rilascia riff elettrici drammatici che potrebbero risiedere anche in “Deadwing” (Porcupine Tree). Se siete amanti dei solo di chitarra adrenalinici, il brano fa al caso vostro; personalmente è uno dei movimenti che ho maggiormente apprezzato, ottimo anche l'intervento dei synth.
“My Imagination” emotivamente alza il tiro e riconduce ancora una volta il sound nel mondo dei Pink Floyd più toccanti, in cui la chitarra elettrica rilascia un altro lungo assolo da pelle d’oca. Il finale è affidato alla chitarra acustica… E ho detto tutto.
Il terzo interludio s’intitola “Spring” ed è una ballata acustica a sua volta toccante che mette in evidenza (se ancora ce ne fosse il bisogno) la sensibilità melodica di Davide Agnello. Segue “Spring (Reprise)”, brano Rock in modalità “The Division Bell” (Pink Floyd).
Altro brano dal forte impatto è “The Boy Becomes The Man”, ovviamente in crescendo sonoro, che tratta il passaggio definitivo dall'innocenza della giovinezza alla consapevolezza adulta, con l'accettazione dei propri limiti e delle responsabilità.
Dopo il breve sound da carillon di “Toys”, è la volta di “It's The Life”, altra perla melodica e sognante su cui lasciarsi trasportare.
“Heaven” rappresenta la catarsi, la pace ritrovata e la meta del viaggio (il "cielo" inteso come stato di quiete spirituale e piena riconciliazione con se stessi). Altamente Prog, il brano ha interventi sonori che richiamano il flauto e quanto di sinfonico gli anni ’70 ci hanno donato. Segue l’immancabile crescendo.
La chiusura è affidata a “End Of Stars”, bucolica e straziante, con l’immancabile chitarra elettrica che strizza l’occhio a “Marooned” (Pink Floyd).
L'operazione Redux di “Trip To Heaven” non è un semplice maquillage sonoro, ma una vera e propria rifocalizzazione emotiva, il suono ne esce rinvigorito, le dinamiche respirano e ogni traccia trova la giusta collocazione all'interno dell'architettura dell'opera. È un disco che richiede un ascolto attento, intimo, preferibilmente a luci soffuse e senza interruzioni, per lasciarsi trasportare lungo le tappe di questo viaggio di crescita e riconciliazione. Vorresti non finisse mai. MS 

Versione Inglese:

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Self-released
Genre: Modern Post-Prog
Format: Digital – 2026

Life is made of dreams, especially when you are young, and thinking about the future to fulfill yourself is a core goal of existence. It is wonderful to have a parent by your side who endorses your vision and supports you along this path—a journey filled with pitfalls nonetheless—offering a helping hand that inspires confidence, because happiness sets humankind free.
This is also the concept behind the album “Trip To Heaven – Redux”, which represents a complete reinterpretation and sonic updating of the duo ILAMB’s 2016 debut release. The work features a fresh mix and master designed to enhance digital audio dynamics, re-recorded guitar parts, enriched acoustic sections, and a frequency balance crafted to emphasize the contrast between intimate passages and sweeping symphonic-rock openings.
ILAMB is led by Palermitan multi-instrumentalist, composer, and arranger Davide Agnello, who handles guitars, keyboards, programming, arrangements, and most of the songwriting, while featuring guest vocalists and rhythm sections across individual tracks.
The introduction to this journey is entrusted to the instrumental track “Start”, featuring ethereal keyboards and ambient sounds that pave the way for the listening experience, creating a suspended atmosphere. Pink Floyd influences are clear, particularly in the slide guitar work and the surrounding delay effects. It leads into “Son To Father”, another ethereal movement where the vocals convey the young protagonist's realization that he is no longer just a shadow or a thought, but a living soul in the world thanks to his father.
Thus, “Father To Son” serves as a natural counterpart, displaying a sturdier, more mature structure anchored by a punchier rhythm section and guitars reminiscent of Pink Floyd's “Dogs”, just to give you a point of reference. The lyrics reflect responsibility, protection, hopes, and the fear of passing one's own vulnerabilities down to the next generation. The long closing solo is simply sublime and will delight anyone who loves this sustained, dreamlike sound (myself included).
“King Of The World”, spanning over eight generous minutes, also ventures into Porcupine Tree territory. It chronicles the illusory omnipotence of youth and egocentrism ("I want to run all day and see every place..."), reflecting the boundless ambition and feeling of invincibility that define a specific stage of life. In its middle section, the track breaks down, becoming psychedelic and atmospheric. It is precisely here that a run in the vein of “Metanoia” kicks off—since I mentioned Steven Wilson’s band—supported by Neo-Prog keyboards, proving that Agnello possesses a well-defined artistic identity. Another psychedelic interlude titled “Encounter” leads into “Deep Inside”, introduced by a drum solo. The bass takes center stage while the guitar delivers dramatic electric riffs that wouldn't feel out of place on Porcupine Tree's “Deadwing”. If you are a fan of adrenaline-fueled guitar solos, this track is right up your alley; personally, it is one of the movements I enjoyed the most, complemented by excellent synth work.
“My Imagination” raises the emotional stakes and once again steers the sound toward the most touching side of Pink Floyd, featuring another goosebump-inducing, extended guitar solo. The ending is left to the acoustic guitar… Enough said.
The third interlude is titled “Spring”, a deeply moving acoustic ballad that highlights—if there were still any doubt—Davide Agnello’s melodic sensitivity. This is followed by “Spring (Reprise)”, a rock track leaning into “The Division Bell” territory.
Another high-impact track is “The Boy Becomes The Man”, building up through a dramatic musical crescendo to address the definitive transition from youthful innocence to adult awareness, embracing personal limits and responsibilities.
After the brief, music-box-like soundscape of “Toys”, it is time for “It's The Life”, another melodic, dreamlike gem to get lost in.
“Heaven” represents catharsis, peace rediscovered, and the destination of the journey (the "heaven" understood as a state of spiritual tranquility and complete reconciliation with oneself). Highly progressive in nature, the track features sonic textures echoing flutes and the classic symphonic flourishes that the 1970s bestowed upon us, followed by an inevitable crescendo.
The closing is entrusted to “End Of Stars”, bucolic and heartbreaking, with an ever-present electric guitar that tips its hat to Pink Floyd's “Marooned”.
The Redux treatment of “Trip To Heaven” is no mere sonic facelift; it is a genuine emotional refocusing. The sound comes out invigorated, the dynamics breathe, and every track finds its rightful place within the work's overall architecture. It is an album that demands attentive, intimate listening—preferably under dim lights and without interruptions—to let yourself be carried away along the milestones of this journey of growth and reconciliation. You'll wish it would never end. MS

Last Knight

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

La musica classica è sempre stata un fulcro centrale in moltissima della proposta sonora moderna, tanto che il Progressive Rock ne fa sinfonia e ne arricchisce il linguaggio che nel Rock stesso non sarà più chitarrocentrico.
Fa piacere imbattersi in progetti nei quali anche la storia medievale si va ad allacciare a questo contesto, apportando un'ulteriore crescita creativa.
I Last Knight sono un progetto multinazionale di José Manuel Medina fondato nel 1997 e nel corso degli anni moltissimi musicisti si sono alternati all’interno della line-up, tra cui Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp) o Maggie Reilly. La discografia si concentra solitamente su concept storici, ad iniziare da “Lord Of The Time” del 2001, a cui seguono altri cinque album compreso questo “The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias” che inizia una nuova trilogia di racconti. Ambientato durante la Reconquista nella penisola iberica (711–1492 d.C.), tratta della nascita del Regno delle Asturie ad opera di Don Pelayo dopo la battaglia di Covadonga (722 d.C.), primo nucleo della resistenza cristiana contro l'espansione del Califfato e punto di partenza della formazione dei futuri regni di León, Galizia e Navarra (Pamplona).
Il progetto dunque è alquanto ambizioso e ricco di musicisti che vado in ordine ad elencare: Jose Manuel Medina (voce, tutti gli strumenti), Marc Atkinson (voce e cori), Mariano Gardella (voce e cori), Deibys Artigas (voce e cori), Rafael Pacha (chitarre, violino, percussioni, mandolino, flauto), Pablo Lato (basso), Nelson Pombal (chitarre), Kheiro Lamri (chitarre), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violino), Ian Palmer (batteria) e la The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
Il minutaggio è alquanto esteso: 71 minuti di musica suddivisa in 15 brani.
Ovviamente si parte con un'overture, anzi, “The Grand Overture”, un brano interamente strumentale sinfonico. Utilizza strati di tastiere, orchestrazioni synth, chitarre elettriche e ritmi dinamici per presentare i temi musicali ricorrenti dell'album.
“In The Middle Ages” è invece un brano di Rock Progressivo classico dove le chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano con synth e organo. Sviluppa una melodia vocale principale fluida con cambi di tempo centrali e narra la vita quotidiana, le incertezze e la dura realtà della penisola iberica all'inizio del Medioevo, introducendo il clima di scontro imminente tra diverse culture e fedi. Tuttavia credetemi che non è assolutamente il caso di fare un'analisi per ogni singolo movimento sonoro in quanto il contesto lo avete compreso e vi annoiereste nel leggere, siamo sempre fra grandi melodie e tanta sinfonia; ma devo sottolineare la bellezza di almeno tre brani che fanno di questo concept un grande disco: “War”, decisamente Hard Rock dal sapore vintage, e la suite “The Kingdom Of Leon”, fulcro dell’album assieme alla seconda “The Kingdom Of Galicia”. Essa alterna sezioni sinfoniche, assoli di tastiera in pieno stile prog settantiano, momenti acustici e imponenti crescendo orchestrali. Narra l'espansione delle Asturie verso sud, la traslazione della capitale e la nascita del potente Regno di León, cuore politico della Reconquista.
I Last Knight dimostrano ancora una volta come il Prog Rock sinfonico sappia farsi eccellente veicolo di narrazione storica. Tra fughe orchestrali, ricami folk celtico-iberici e repentine vette elettrificate, il disco restituisce tutta l'epicità e la drammaticità della nascita dei regni di Spagna. Un ascolto denso, colto e profondamente immersivo, consigliato a tutti gli amanti delle grandi architetture concettuali. Quando la musica diventa film per la mente, i Last Knight ne sono ottimi registi. MS

Versione Inglese:

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Classical music has always been a central core in much of modern musical output, so much so that Progressive Rock turns it into symphony, enriching a language that within Rock itself is no longer strictly guitar-centric.
It is a pleasure to come across projects in which medieval history ties into this context as well, bringing further creative growth.
Last Knight is an international project led by José Manuel Medina, founded in 1997. Over the years, many musicians have rotated through the lineup, including Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp), and Maggie Reilly. Their discography typically focuses on historical concept albums, starting with "Lord Of The Time" in 2001, followed by five other albums including this "The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias," which begins a new trilogy of stories. Set during the Reconquista in the Iberian Peninsula (711–1492 AD), it deals with the birth of the Kingdom of Asturias led by Don Pelayo after the Battle of Covadonga (722 AD)—the initial core of Christian resistance against the expansion of the Caliphate and the starting point for the formation of the future kingdoms of León, Galicia, and Navarre (Pamplona).
The project is therefore quite ambitious and rich in musicians, whom I will list in order: Jose Manuel Medina (vocals, all instruments), Marc Atkinson (lead and backing vocals), Mariano Gardella (lead and backing vocals), Deibys Artigas (lead and backing vocals), Rafael Pacha (guitars, violin, percussion, mandolin, flute), Pablo Lato (bass), Nelson Pombal (guitars), Kheiro Lamri (guitars), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violin), Ian Palmer (drums), and The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
The running time is fairly extensive: 71 minutes of music divided into 15 tracks.
Naturally, it begins with an overture—or rather, “The Grand Overture”—an entirely instrumental symphonic track. It uses layers of keyboards, synth orchestrations, electric guitars, and dynamic rhythms to introduce the recurring musical themes of the album.
“In The Middle Ages” is instead a classic Progressive Rock track where acoustic and electric guitars intertwine with synths and organ. It develops a fluid lead vocal melody with mid-track time changes and narrates daily life, the uncertainties, and the harsh reality of the Iberian
Peninsula at the beginning of the Middle Ages, introducing the atmosphere of impending conflict between different cultures and faiths. However, believe me, there is no need to analyze every single musical movement, as you have already grasped the context and would get bored reading it—we are consistently surrounded by great melodies and rich symphonies. Still, I must highlight the beauty of at least three tracks that make this concept a great album: “War,” which is decidedly vintage-flavored Hard Rock, and the suite “The Kingdom Of Leon,” the centerpiece of the album alongside the second suite, “The Kingdom Of Galicia.” It alternates symphonic sections, 70s-style prog keyboard solos, acoustic passages, and majestic orchestrations in a building crescendo. It tells the story of the southward expansion of Asturias, the relocation of the capital, and the birth of the powerful Kingdom of León, the political heart of the Reconquista.
Last Knight prove once again how symphonic Prog Rock can serve as an excellent vehicle for historical storytelling. Between orchestrations, Celtic-Iberian folk flourishes, and sudden electrified peaks, the record conveys all the epic scale and drama surrounding the birth of the kingdoms of Spain. A dense, cultured, and deeply immersive listen, recommended to all lovers of grand conceptual structures. When music turns into a film for the mind, Last Knight serve as excellent directors. MS

Pallas

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

I Pallas fanno parte della scena storica degli anni ’80 in ambito Neo Prog assieme a Marillion, IQ, Pendragon ecc. Mi ricordo che fu devastante l’ascolto dell’album “The Sentinel” nel 1984, con quella splendida copertina gatefold in stile Roger Dean (Yes): una ventata di aria fresca per chi in quel periodo era in astinenza di Rock Progressivo. Tante tastiere epiche e un senso spiccato della drammaticità, elevato all’ennesima potenza dalla voce recitativa di Euan Lowson.
Ne sono passati di anni e, dopo stop e ripartenze, la band ha saputo mantenere uno standard qualitativo costante malgrado i vari cambi di lineup. Altro gioiellino fu il ritorno negli anni ’90 con “Beat The Drum” (1998) e anche l’ottimo “The Cross & The Crucible”, album che vi consiglio vivamente di andare a riscoprire, in essi c'è l’essenza stessa del Neo Prog.
Nove gli album in studio compreso questo “A Song For Tomorrow”, da cui ripongo alte aspettative visto che al microfono si vede il ritorno dello storico Alan Reed.
Il senso di drammaticità è ancora intatto (anche troppo) nelle dieci canzoni contenute nell’album, mentre la formazione è composta da Alan Reed (voce), Niall Mathewson (chitarra, percussioni, voce), Graeme Murray (basso, voce) e Ronnie Brown (tastiere, percussioni, voce), con l’ospite nella title track della cantante Natasha O'Neal.
Ve la faccio breve e non ci giro molto intorno: lo stile cambia, anche se si denotano sempre le qualità classiche della band. I suoni diventano più futuristici, i brani più semplici, la voce (maledizione) in alcuni casi è filtrata e non raggiunge più quelle vette a cui ci aveva abituati, salvo alcuni rarissimi casi.
Tanto cuore affossato però da un poco di stanca compositiva, dove mi mancano quelle poderose sinfonie e quei solo di chitarra che contraddistinguono sia la band sia il Neo Prog stesso. Anche il concept non è nuovo nell’ambito, la classica devastazione e la rinascita di una nuova civiltà.
Ho apprezzato “Aspiration”, ballata Prog guidata da chitarra acustica e aperture atmosferiche di grande respiro.
Esistono brani Heavy Prog come “Rushing Headlong”, che descrive la corsa folle dell'umanità verso la propria autodistruzione, l'inseguimento cieco del progresso tecnologico e del guadagno economico senza fermarsi a considerarne le conseguenze, ma non bastano ad alzare l’attenzione dell’ascoltatore, generalmente assopita in altri movimenti stanchi e già sentiti.
Sento altresì di salvare la conclusiva “Inside Outside”, una riflessione sulla dualità della mente umana, la contrapposizione tra il mondo interiore (i pensieri, i sentimenti, i valori) e il mondo esterno (la realtà sociale, le apparenze, le pressioni della vita).
Probabilmente questa della pacatezza generale (che poi diventa lagna) e della ricerca vocale modificata è stata proprio una scelta dettata da quello che oggi i Pallas si sentono di essere (giustamente), ma personalmente mi ha deluso, perché mancano i crescendo a cui la band nel tempo ci ha abituati (dove sono finite le chitarre?) e capite voi che quando si mangia bene, passare al panino non è gran cosa. Non un album brutto, assolutamente, ma loro sono i Pallas… diavolo! MS

Versione Inglese:

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Digital – 2026

Pallas are part of the historic 1980s Neo Prog scene alongside Marillion, IQ, Pendragon, etc. I remember listening to the album “The Sentinel” back in 1984 as a mind-blowing experience, with that splendid Roger Dean-style gatefold cover (Yes): a breath of fresh air for anyone starving for Progressive Rock at the time. Plenty of epic keyboards and a keen sense of drama, elevated to the extreme by Alan Reed's theatrical vocals.
Years have passed and, after stops and restarts, the band has managed to maintain a consistent standard of quality despite various line-up changes. Another little gem was their '90s comeback with “Beat The Drum” (1998), as well as the excellent “The Cross & The Crucible”—albums I highly recommend you go back and rediscover, as the very essence of Neo Prog lies within them.
Nine studio albums in total, including this “A Song For Tomorrow”, for which I had high expectations given the return of historic frontman Euan Lowson on vocals.
The sense of drama is still intact (perhaps even too much so) across the ten tracks on the album, with a line-up featuring Alan Reed (vocals), Niall Mathewson (guitar, percussion, vocals), Graeme Murray (bass, vocals), and Ronnie Brown (keyboards, percussion, vocals), alongside guest singer Natasha O'Neal on the title track.
To cut a long story short and get straight to the point: the style changes, even though the band's classic qualities are still noticeable. The sounds become more futuristic, the songs simpler, and the vocals (damn it!) are filtered in some cases, no longer reaching the heights we were used to, except on a few rare occasions.
Plenty of heart, unfortunately weighed down by a bit of compositional fatigue, where I miss those powerful symphonies and guitar solos that define both the band and Neo Prog itself. Even the concept isn't new to the genre: the classic destruction and rebirth of a new civilization.
I appreciated “Aspiration”, a Prog ballad driven by acoustic guitar and wide, atmospheric openings.
There are Heavy Prog tracks like “Rushing Headlong”, which describes humanity's mad rush toward self-destruction—the blind pursuit of technological progress and economic gain without stopping to consider the consequences—but they aren't enough to revive the listener's attention, which remains mostly lulled by other tired, overly familiar passages.
I also feel like saving the closing track, “Inside Outside”, a reflection on the duality of the human mind: the contrast between the inner world (thoughts, feelings, values) and the outer world (social reality, appearances, life's pressures).
This overall calmness (which borders on a whine) and the search for modified vocals was probably a deliberate choice based on what Pallas feel like being today (and rightly so), but personally it disappointed me. It lacks the crescendos the band has accustomed us to over time (where have the guitars gone?), and you'll understand that when you're used to fine dining, settling for a sandwich isn't great. Not a bad album, absolutely not, but they are Pallas… damn it! MS

Lunear

LUNEAR - There Is Always Next Time
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Cambio di rotta per la band francese Lunear nel quinto album in studio “There Is Always Next Time”, che conduce il Prog Rock verso la più memorizzabile formula canzone. I Lunear sono formati da Paul J. No (voce solista, tastiere), Seb Bournier (batteria, voce) e JP Benadjer (chitarre, basso, voce). Pur vivendo in diverse città europee (Barcellona, Avignone e Digione), i tre musicisti hanno creato una band collaborativa unica, scrivendo e registrando quasi interamente a distanza tramite Internet.
Il debutto del 2018 intitolato “Many Miles Away” ci ha presentato una band con forti influenze Genesis, Marillion, Steven Wilson e Pink Floyd, abbracciando al contempo influenze Pop melodiche di artisti come Keane, Muse, Depeche Mode e Prince. Nel tempo hanno quindi affinato lo stile e la personalità, giungendo oggi ad un esatto equilibrio melodico.
Ecco dunque abbandonate in parte le suite concettuali e le influenze marcatamente anni '70 del lavoro precedente (“From Above”). Otto i brani contenuti per oltre cinquanta minuti di musica che si aprono con “Tom & Colin”, canzone dal ritornello piacevole e dall’andamento progressivo nell’intento, fra cambi di suoni e ritmi tuttavia relegati a certa storia del passato. Semplice e funzionale l’impatto vocale di Paul J. No senza mai fare il passo più lungo della gamba. Il pezzo esplora il tema dell'amicizia, non la solita storia d'amore, ma il lento consumarsi e il dissolversi del legame viscerale tra due persone (Tom e Colin) con il passare degli anni.
Il singolo “One Day” ha una spiccata sensibilità Pop Prog e naviga in atmosfere morbide su un letto di tastiere e pianoforte. È un inno alla speranza e alla contemplazione. Attraverso l'immagine metaforica di strade aperte e orizzonti solitari, il testo analizza il bisogno umano di credere che "un giorno" le cose troveranno la loro giusta collocazione.
Per ascoltare un pezzo marcatamente Rock bisogna giungere a “I'll Remember This”, una deviazione energica e quasi inattesa. Il brano costruisce la sua impalcatura su un riff incisivo ed elettrico che strizza l'occhio anche alla Disco Music anni '80, sostenuto da una sezione ritmica incalzante. Qui la band riflette sull'impatto istantaneo di certi ricordi: momenti apparentemente insignificanti del passato che rimangono scolpiti nella memoria in modo indelebile, plasmandoci a nostra insaputa.
E a proposito di anni ’80, “Pool Balls” non si distanzia molto dal periodo, con atmosfere dal sapore Neo Prog e Synth Pop raffinato. Qui si utilizza una metafora letteraria originale, quella del biliardo e della fisica newtoniana applicati al concetto di libero arbitrio e determinismo. Le persone sono come palle da biliardo, colpite dalle decisioni altrui e destinate a scontrarsi in traiettorie imprevedibili.
La malinconica “Rain” tuttavia ci ricorda che i Lunear hanno una base Prog Rock ancora solida ed evidente. Si parte con toni soffusi per poi cambiare passo a metà traccia, lasciando spazio a un'espansione instrumental dove chitarra e tastiere dialogano in un crescendo drammatico. La pioggia diventa il simbolo catartico del lavaggio delle colpe e della malinconia. Le liriche affrontano il peso emotivo dell'isolamento e la necessità di lasciar fluire il dolore per poter ripartire.
Sale il ritmo con “The Wilderness Within”, momento Indie Prog più tirato e guidato dalle chitarre di Benadjer. Con le sue tensioni ritmiche e un'impronta Rock più diretta, spezza la sognante e complessa atmosfera lasciata da “Rain”.
Ed ecco a questo punto giungere la suite di quattordici minuti “Christmas Flowers”, il vertice compositivo ed emotivo dell'album. Gli assoli di chitarra e organo nascono in modo organico e la struttura si sviluppa con naturalezza, senza mai risultare un mero esercizio di stile. Qui sì che il Prog sale in cattedra. Si narra il lento declino e la dissoluzione di una comunità rurale e di una famiglia, vista attraverso il rituale del ritorno a casa per le feste natalizie e la malinconica assenza dei fiori sulle tavole. Un racconto verista e toccante sugli affetti familiari e il passare del tempo.
La chiusura acustica ed essenziale è nelle mani di “Next Time”; strumentata semplicemente con chitarra acustica, voce, basso e tamburello, riprende la melodia che era stata accennata a cappella nell'introduzione di “Tom & Colin”. Un'accettazione finale con un velo di rimpianto ("Riflettiamo sui rimpianti e su tutto ciò che abbiamo lasciato incompiuto"). Il messaggio chiave dell'intero lavoro: c'è sempre una "prossima volta" per perdonarsi e ricominciare.
Con “There Is Always Next Time”, i Lunear riescono nell'impresa di bilanciare le ambizioni del Rock Progressivo con la sensibilità di una scrittura Pop Art raffinata e accessibile e credetemi che non è cosa semplice. Album gradevole e scorrevole. MS

Versione Inglese:

LUNEAR - There Is Always Next Time
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

A change of course for the French band Lunear on their fifth studio album “There Is Always Next Time”, guiding Prog Rock toward a more memorable song-oriented format. Lunear consists of Paul J. No (lead vocals, keyboards), Seb Bournier (drums, vocals), and JP Benadjer (guitars, bass, vocals). Despite living in different European cities (Barcelona, Avignon, and Dijon), the three musicians have created a uniquely collaborative band, writing and recording almost entirely remotely via the Internet.
Their 2018 debut, titled “Many Miles Away”, introduced us to a band with strong Genesis, Marillion, Steven Wilson, and Pink Floyd influences, while simultaneously embracing melodic Pop accents from artists like Keane, Muse, Depeche Mode, and Prince. Over time, they have refined their style and personality, arriving today at a precise melodic balance.
Thus, the conceptual suites and markedly '70s influences of their previous work (“From Above”) are partly set aside. The eight tracks contained within offer over fifty minutes of music, opening with “Tom & Colin”—a song with a catchy chorus and a progressive intention in its approach, featuring shifts in sound and rhythm that nevertheless pay homage to past traditions. Paul J. No’s vocal delivery is simple and effective, never overreaching. The track explores the theme of friendship: not the typical love story, but the slow wearing away and dissolving of a deep bond between two people (Tom and Colin) as the years go by.
The single “One Day” features a distinct Pop Prog sensibility and navigates smooth atmospheres built upon a bed of keyboards and piano. It is a hymn to hope and contemplation. Through the metaphorical imagery of open roads and lonely horizons, the lyrics analyze the human need to believe that "one day" things will fall into place.
To hear a distinctly Rock track, one must reach “I'll Remember This”, an energetic and almost unexpected departure. The song builds its structure around an incisive, electric riff that winks at '80s Disco Music, backed by a driving rhythm section. Here the band reflects on the instantaneous impact of certain memories: seemingly insignificant moments from the past that remain indelibly carved in our minds, shaping us without our knowing.
And speaking of the '80s, “Pool Balls” doesn't stray far from that era, showcasing refined Neo Prog and Synth Pop vibes. Here, an original literary metaphor is employed—that of billiards and Newtonian physics applied to the concepts of free will and determinism. People are like pool balls, struck by the decisions of others and destined to collide along unpredictable trajectories.
The melancholic “Rain”, however, reminds us that Lunear still retains a solid and evident Prog Rock foundation. It begins with muted tones before shifting gears halfway through, opening up into an instrumental expansion where guitar and keyboards engage in a dramatic dialogue. The rain becomes a cathartic symbol for washing away guilt and melancholy. The lyrics confront the emotional weight of isolation and the need to let pain flow in order to move forward again.
The tempo picks up with “The Wilderness Within”, a punchier Indie Prog moment driven by Benadjer's guitars. With its rhythmic tensions and a more direct Rock imprint, it breaks the dreamy, complex atmosphere left behind by “Rain”.
And at this point comes the fourteen-minute suite “Christmas Flowers”, the album's compositional and emotional peak. The guitar and organ solos emerge organically, and the structure develops naturally without ever feeling like a mere exercise in technical skill. Here, Prog truly takes center stage. It narrates the slow decline and dissolution of a rural community and a family, seen through the ritual of returning home for the Christmas holidays and the melancholic absence of flowers on the tables. A touching, realist tale about family bonds and the passage of time.
The essential, acoustic closure is left to “Next Time”; arranged simply with acoustic guitar, vocals, bass, and tambourine, it reprises the melody hinted at a cappella in the introduction to “Tom & Colin”. A final acceptance touched by a veil of regret ("We reflect on regrets and everything we left unfinished"). The key message of the entire work: there is always a "next time" to forgive oneself and start anew.
With “There Is Always Next Time”, Lunear succeeds in balancing the ambitions of Progressive Rock with the accessibility of refined Pop Art songwriting—and believe me, that is no easy feat. An enjoyable and smooth-flowing album. MS

Mr.Bison

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genere: Heavy Rock/Psichedelico/Prog Stoner
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Noi italiani negli ultimi anni siamo diventati molto bravi a suonare lo Stoner, se poi ci andiamo ad intrecciare altri generi come l’Hard Rock, la Psichedelia e il Prog, allora il risultato finale diventa davvero dotato di grande personalità.
I toscani Mr. Bison si formano nel 2009 a Cecina (Livorno) ed esordiscono nel 2012 con “We'll Be Brief”, ma si impongono all'attenzione con “Asteroid” (2016), iniziando ad allargare l'orizzonte verso strutture più narrative. Solo con “Holy Oak” (2018) e soprattutto con il concept marittimo “Seaward” (2020) affinano l'elemento psichedelico e la componente Progressive.
Con l'ingresso dei synth e l'arricchimento della formazione (tra cui l'apporto dei fratelli Salvadori), la band incide “Echoes From The Universe” (2024), virando con decisione verso lo Space Rock, il Prog moderno e il Post-Rock lisergico. La line-up attuale è composta da Matteo Barsacchi (chitarra, synth), Matteo Sciocchetto (voc, basso, chitarra), Davide Salvadori (chitarra, synth) e Lorenzo Salvadori (batteria).
Questo nuovo “The Garden Of Forgotten Dreams” lavora attorno al concetto del "Giardino" come rifugio metaforico dell'anima, un luogo magico dove le aspirazioni accantonate, i sogni dimenticati e le luci/ombre interiori non appassiscono, ma rimangono custoditi in attesa di essere riscoperti. Il lavoro è curato e registrato da Matteo Barsacchi presso il Blotch Recording Studio in Toscana, con missaggio a cura di Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlino) e masterizzazione gestita da Carl Saff a Chicago.
L’apertura di “Cosmic Tide” è di grande impatto e parte da riff cadenzati di chiara matrice Stoner/Space Rock per poi spalancarsi su dinamiche epiche e psichedeliche. L'intreccio tra sintetizzatori e chitarre sature crea la sensazione di collisione con un'onda cosmica. Il testo rappresenta la mareggiata iniziale, la forza esterna (o interiore) che sradica l'individuo dal rumore quotidiano e lo trascina verso la soglia del "Giardino". Il tema è il flusso dell'esistenza e la spinta a non opporre resistenza al cambiamento.
Le architetture sonore della title track si fanno cinematografiche, con trame di synth atmosferici e arpeggi avvolgenti che esplodono in maestosi muri di chitarra. È il cuore concettuale dell'opera, l'ingresso nel luogo dove ogni desiderio inespresso vegeta come un fiore silenzioso. La lirica invita a riscoprire parti di sé ritenute perdute e ad accettare il proprio vissuto senza rimpianti. Buona la prova vocale, così come appare ben oliata e funzionale la coppia ritmica di basso e batteria.
Negli oltre sette minuti del brano “Bright Shadow” si gioca sull'equilibrio tra oscurità e luminosità. L'approccio attinge a piene mani dal Prog e dal Post Rock, alternando sezioni ipnotiche/ambient ad accelerate ritmiche dal grande respiro melodico. Qualche scheggia di Tool si infilza con efficacia nel pezzo.
Più serrato e diretto nei tempi, “Astray” che riprende l'energia graffiante del periodo Stoner/Heavy Rock della band, pur mantenendo un ricamo di tastiere che ne amplia la spazialità. Nel testo si tratta lo smarrimento, il momento in cui si perde la rotta (letteralmente "fuori strada"). È la rappresentazione lirica del dubbio, passaggio obbligato prima di poter davvero ritrovare la propria verità interiore.
Ed è la volta di “Turn To Stone”, movimento altamente psichedelico ricco di echi di chitarra e di grande spazialità. Qui si evoca la sensazione di pietrificazione e blocco di fronte al dolore o ai giudizi del mondo esterno, ma anche il rifugio nella stasi per proteggere la propria fragilità.
Fra i momenti più Prog dell’album si trova “The Sunrise”, caratterizzato da un lavoro di synth e chitarra dal carattere sognante che simula l'aumentare graduale della luce. È il risveglio all'interno del Giardino dove la notte cede il passo al mattino e si avverte un forte senso di speranza, di conciliazione e di chiarezza sul proprio percorso.
I Mr. Bison alzano i decibel in “River Moan”, canzone che pone lo sguardo anche verso il passato Hard Rock, dove il "lamento del fiume" diventa il simbolo del tempo che scorre inesorabile, portando via le scorie del passato ma lavando anche le ferite. L'acqua si trasforma così in un elemento di purificazione morale.
Il brano di chiusura “Old Hue” riassume perfettamente tutte le anime del disco, la potenza Stoner, la ricercatezza Prog e gli scenari ambient-space. Il finale si sviluppa in un crescendo orchestrato con grande maturità compositiva. Si esce dal Giardino non cambiati radicalmente, ma finalmente riappacificati con le sfumature della propria storia.
Tra muri di chitarre, architetture sinfoniche di tastiere e una sezione ritmica impeccabile, “The Garden Of Forgotten Dreams” consacra definitivamente i Mr. Bison nell'élite del Rock Psichedelico contemporaneo. Un album ricco di sfumature, coraggioso negli arrangiamenti e liricamente profondo, da assaporare tutto d'un fiato. MS 

Versione Inglese: 

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genre: Heavy Rock/Psychedelic/Prog Stoner
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

In recent years, we Italians have become very skilled at playing Stoner rock; if we then interweave other genres like Hard Rock, Psychedelia, and Prog, the final result becomes truly endowed with great personality.
The Tuscan band Mr. Bison formed in 2009 in Cecina (Livorno) and made their debut in 2012 with “We'll Be Brief”, but caught wider attention with “Asteroid” (2016), beginning to expand their horizons toward more narrative structures. Only with “Holy Oak” (2018) and especially with the maritime concept album “Seaward” (2020) did they refine their psychedelic elements and Progressive component.
With the introduction of synths and an expanded line-up (including the contribution of the Salvadori brothers), the band recorded “Echoes From The Universe” (2024), shifting decisively toward Space Rock, modern Prog, and lysergic Post-Rock. The current line-up consists of Matteo Barsacchi (guitar, synth), Matteo Sciocchetto (lead vocals, bass, guitar), Davide Salvadori (guitar, synth), and Lorenzo Salvadori (drums).
This new album, “The Garden Of Forgotten Dreams”, revolves around the concept of the "Garden" as a metaphorical refuge for the soul: a magical place where set-aside aspirations, forgotten dreams, and inner lights and shadows do not wither, but remain preserved waiting to be rediscovered. The work was produced and recorded by Matteo Barsacchi at Blotch Recording Studio in Tuscany, mixed by Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlin), and mastered by Carl Saff in Chicago.
The opening track, “Cosmic Tide”, makes a huge impact, starting from mid-tempo, rhythmic riffs of clear Stoner/Space Rock origin before opening up into epic and psychedelic dynamics. The interplay between synthesizers and saturated guitars creates the sensation of colliding with a cosmic wave. The lyrics represent the initial storm surge—the external (or internal) force that uproots the individual from daily noise and drags them to the threshold of the "Garden." The theme is the flow of existence and the impulse not to resist change.
The sonic architecture of the title track turns cinematic, with atmospheric synth textures and enveloping arpeggios exploding into majestic walls of guitar. It is the conceptual heart of the album: the entry into the place where every unexpressed desire vegetates like a silent flower. The lyrics invite us to rediscover parts of ourselves thought to be lost and to accept our past without regret. The vocal performance is strong, and the bass-and-drums rhythm section proves to be well-oiled and effective.
Clocking in at over seven minutes, “Bright Shadow” plays on the balance between darkness and luminosity. The approach draws heavily from Prog and Post-Rock, alternating hypnotic/ambient sections with rhythmic accelerations of great melodic breath. A few splinters of Tool effectively slice through the track.
Tighter and more direct in tempo, “Astray” revives the gritty energy of the band's Stoner/Heavy Rock period while retaining a delicate weave of keyboards that broadens its spatiality. The text deals with disorientation—the moment when one loses their way (literally "astray"). It is the lyrical representation of doubt, a necessary passage before truly finding one's inner truth.
Next comes “Turn To Stone”, a highly psychedelic movement rich in guitar echoes and vast spatiality. Here, it evokes the feeling of petrification and paralysis in the face of pain or the judgments of the outside world, as well as taking refuge in stillness to protect one's fragility.
Among the album's most Prog moments is “The Sunrise”, characterized by dreamy synth and guitar work that simulates the gradual increase of light. It is the awakening within the Garden, where night gives way to morning and a strong sense of hope, reconciliation, and clarity regarding one's journey is felt.
Mr. Bison turn up the decibels in “River Moan”, a track that also looks back toward their Hard Rock past, where the "moan of the river" becomes a symbol of time flowing inexorably—carrying away the debris of the past while also cleansing wounds. Water thus transforms into an element of moral purification.
The closing track, “Old Hue”, perfectly synthesizes all the album's distinct souls: Stoner power, Prog sophistication, and ambient-space scenery. The finale unfolds in a crescendo orchestrated with great compositional maturity. One emerges from the Garden not radically changed, but finally reconciled with the nuances of their own history.
Amid walls of guitars, symphonic keyboard architectures, and an impeccable rhythm section, “The Garden Of Forgotten Dreams” definitively consecrates Mr. Bison among the elite of contemporary Psychedelic Rock. An album rich in nuances, courageous in its arrangements, and lyrically profound—to be savored all in one breath. MS

Russian Circles

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Math Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Tre, il numero perfetto: almeno così si dice, e spesso questa “regola” è valida anche nel Rock.
Basso, chitarra e batteria bastano per creare atmosfere e sonorità, se vogliamo, anche non scontate. E quale territorio del Rock è più adatto a ipnotizzare e destabilizzare l’ascoltatore? Ultimamente si può dire che sia il Post Rock, e quando questo si innesta con il Math Rock, allora le sorprese sono assicurate.
Ovviamente serve una preparazione all’ascolto differente da quella del comune amante della musica, perché in questo settore si può essere più duri del Metal anche semplicemente con riff martellanti e claustrofobici. In parole povere, con i Russian Circles siamo oltre il Rock!
I Russian Circles si formano a Chicago (Illinois) nel 2004 su iniziativa del chitarrista Mike Sullivan e del batterista Dave Turncrantz, ai quali si unisce inizialmente il bassista Colin DeKuiper. Fin dagli esordi, il gruppo definisce una cifra stilistica basata sull'intreccio tra l'ampiezza atmosferica del Post Rock, le complesse strutture metriche del Math Rock e l'impatto sonoro del Post Metal, optando per un linguaggio esclusivamente instrumental.
Dopo l'esordio “Enter” (2006), DeKuiper lascia la formazione. Nel 2007 subentra stabilmente al basso e ai sintetizzatori Brian Cook (già membro di Botch e These Arms Are Snakes). La line-up Sullivan-Turncrantz-Cook si consolida così come nucleo inamovibile della band per i successivi vent'anni.
“Nine” è appunto il nono album in studio e sprigiona energia e rabbia da ogni singolo brano. Già “Borehole” traccia la tematica su cui si innestano i pattern ritmici di Dave Turncrantz. Il brano procede con una struttura a crescendo, dove la chitarra di Mike Sullivan sovrappone riff ansiogeni e linee in tapping, trasformando l'introduzione in un'esplosione sonica di stampo Post Metal.
Un altro devastante botto giunge con “Empath”: introdotto da frequenze e ronzii elettronici, si sviluppa su un riffing serrato e aggressivo. Rispetto all'apertura, “Empath” punta su tempi più stringenti e su una sezione ritmica estremamente martellante, dove la sinergia tra basso e batteria assume un carattere quasi rituale e monolitico.
Serve un attimo di respiro e a questo ci pensa “Eluvial”, che in otto minuti presenta un'incursione marcata nell'uso di sintetizzatori analogici intenti a disegnare sequenze ripetitive di stampo kosmische/motorik. La matrice metallica cede temporaneamente il passo a trame più ariose e fantascientifiche, consentendo alle chitarre di stratificarsi progressivamente fino alla deflagrazione del finale.
In “E2” proseguono le esplorazioni timbriche, proponendo un incastro ritmico armonico complesso. Le linee di chitarra adottano soluzioni articolate vicine al Progressive Rock d'annata, sorrette da una trama ritmica sfaccettata che combina la potenza del Math Rock con una spessa muraglia di distorsioni.
“Meridian” gioca sul contrasto tra tensione accumulata e rilascio dinamico. Costruita su arpeggi dilatati e sfondi ambientali, si sviluppa attraverso lunghi fraseggi di chitarra ed ebollizioni ritmiche, mettendo in evidenza il tipico bilanciamento del trio tra momenti di stasi e strappi rumoristici.
A questo punto le orecchie tirano un sospiro di sollievo con il malinconico e breve intermezzo strumentale “Arletta”, dal carattere prevalentemente acustico, che conduce alla devastante “Seventh Seal”, chiaramente accostabile a coordinate Doom e Sludge Metal. Si salvi chi può.
“Nine” è un album di musica roboante, ma se siete amanti di queste sonorità allora griderete al capolavoro, ne sono certo. Comunque siete avvisati. Dimenticavo…
Non ci crederete, ma mi è piaciuto! MS

Versione Inglese:

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Self-released
Genre: Post Rock / Math Rock
Format: Bandcamp – 2026

Three is the magic number: or so they say, and this “rule” often holds true in Rock music as well.
Bass, guitar, and drums are all it takes to build atmospheres and soundscapes that are anything but predictable. And which realm of Rock is best suited to hypnotize and unbalance the listener? Lately, one could argue it’s Post Rock—and when it merges with Math Rock, unexpected twists are guaranteed.
Naturally, this music demands a different kind of active listening compared to what the casual music lover is used to, because in this realm you can be heavier than Metal simply through relentless, claustrophobic riffs. Simply put, with Russian Circles we are beyond Rock!
Russian Circles formed in Chicago, Illinois, in 2004, founded by guitarist Mike Sullivan and drummer Dave Turncrantz, who were initially joined by bassist Colin DeKuiper. Right from the start, the group established a signature sound built on the interplay between the sweeping atmosphere of Post Rock, the complex metric structures of Math Rock, and the sonic impact of Post Metal, opting for a purely instrumental approach.
Following their debut “Enter” (2006), DeKuiper departed from the lineup. In 2007, Brian Cook (formerly of Botch and These Arms Are Snakes) stepped in permanently on bass and synthesizers. The Sullivan-Turncrantz-Cook trio thus solidified as the immovable core of the band for the next twenty years.
“Nine” is indeed their ninth studio album, raw energy and fury bursting from every single track. Right off the bat, “Borehole” lays down the main thematic line over which Dave Turncrantz’s rhythmic patterns interlock. The track moves in a steady crescendo, with Mike Sullivan’s guitar layering anxiety-inducing riffs and tapping lines, turning the intro into a full-blown Post Metal sonic explosion.
Another crushing blow arrives with “Empath”: ushered in by electronic hums and frequencies, the track develops around tight, aggressive riffing. Compared to the opener, “Empath” leans into tighter tempos and an intensely pounding rhythm section, where the synergy between bass and drums takes on an almost ritualistic, monolithic character.
A moment to catch one's breath is needed, and “Eluvial” delivers just that. Across its eight minutes, it features a pronounced dive into analog synthesizers shaping repetitive, kosmische/motorik-style sequences. The heavy metallic foundation temporarily yields to airier, sci-fi textures, allowing the guitars to layer progressively until the final deflagration.
In “E2”, the timbral explorations continue with a complex, interlocking harmonic-rhythmic framework. The guitar lines adopt intricate solutions reminiscent of vintage Progressive Rock, backed by a multifaceted rhythmic texture that marries the firepower of Math Rock with a dense wall of distortion.
“Meridian” plays on the contrast between built-up tension and dynamic release. Constructed around expanded arpeggios and ambient backdrops, it unfolds through long guitar phrasing and rhythmic swells, highlighting the trio’s knack for balancing moments of stillness with noisy outbursts.
At this point, your ears get a sigh of relief with the melancholic, brief instrumental interlude “Arletta”. Its predominantly acoustic nature leads smoothly into the devastating “Seventh Seal”, a track clearly leaning toward Doom and Sludge Metal coordinates. Every man for himself.
“Nine” is an album of thunderous music, but if you are a fan of these sonorities, you’ll be calling it a masterpiece—I’m sure of it. Consider yourselves warned, though. I almost forgot…
You won't believe it, but I loved it! MS