Émonis

ÉMONIS - Love Is All We Need

Vrec

Genere: Pop Rock

Supporto: singolo mp3/wav – 2018

Dietro al nome Émonis si cela un artista noto a molteplici addetti ai lavori del settore Metal e Prog, Simone Pesatori.

Il cantante e fondatore dei Sintonia Distorta si cimenta in un nuovo percorso musicale, come un volersi mettere alla prova ma allo stesso tempo cercare di dare un colore differente al proprio estro artistico.

In questo esordio solista dal titolo “ Love Is All We Need”, Émonis si coadiuva di musicisti importanti come Cosimo Zannelli (Litfiba, Pelù, Morandi) e Daniele “Barny” Bagni (EMOTU, Litfiba, Pelù), mentre il brano viene arrangiato da Luca Pernici (Ligabue, Mario Biondi).

La musica è solare e supportata da buoni arrangiamenti e non esulano chitarre che comunque sono leggermente distorte. Émonis dimostra di ritrovarsi a proprio agio al microfono, senza strafare e ne scaturisce una musicalità che risiede a cavallo fra materiale in stile Enrico Ruggeri ed ultima  PFM.

Importante il ritornello, ovviamente orecchiabile e di facile memorizzazione, la melodia italiana è presente in maniera vincente.

Musica che scorre piacevolmente e che entra nella testa ma non come un tormentone, un Pop Rock di classe e sentito da parte dell’artista. Il cantato è in italiano ed i testi non sono assolutamente scontati.  

Émonis è una sorpresa, perché nella sua musica si sentono comunque certe influenze passate, ricordiamo che l’artista è cresciuto ascoltando Iron Maiden, Helloween, Metallica, ha collaborato con Fabio Zuffanti (Finisterre, La Maschera di Cera), con i cantanti Roberto Tiranti (Labyrinth, New Trolls, Ken Hensley) e Sasha Torrisi (Timoria, Rezophonic) ed il chitarrista Paolo Viani (Warlord, Black Jester), tutto questo bagaglio è importante e ben sfruttato.

A questo punto non resta che attendere l’evolversi  degli eventi, se il buongiorno si vede dal mattino… MS

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Lifestream

LIFESTREAM – Diary

Lizard Records

Distribuzione: G.T. Music

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd – 2018

Ci sono alcune regioni d’Italia che ricoprono in ambito progressive Rock un ruolo particolarmente importante, la Toscana è una di queste. I Lifestream provengono da Prato e si formano nel 2006. Rilasciano un primo ep di quattro pezzi e dalla musica contenuta si evincono tracce influenzali di gruppi come Pink Floyd, Genesis, Yes, Kansas, Pain Of Salvation, Porcupine Tree e Marillion.

Caratterialmente sono forti, hanno basi Hard Rock, AOR oltre al dimostrare di aver assimilato la lezione del periodo vintage del genere, il tutto sia con rispetto che rielaborando il suono con la propria personalità. Resto sempre colpito da questo continuo fiorire di band al riguardo e non posso che esserne felice, così ne sono altrettanto per l’accurata attenzione che gli addetti ai lavori di questo genere (sempre più esiguo) dedicano a questi nuovi artisti, alla ricerca di ottima musica “sincera”.

I Lifestream sono Alberto Vuolato (chitarra), Andrea Franceschini (tastiere), Andrea Cornuti (basso) e Paolo Tempesti (batteria, voce). Il disco si presenta in una elegante confezione cartonata contenente un miniposter orizzontale con tanto di testi ed immagini. Il suono è equilibrato e pulito, la registrazione rende merito ai brani. I testi parlano d’appunti su diario di gioie, delusioni, sconfitte e rinascite che fanno da filo conduttore all’album composto da otto tracce. Da rimarcare la citazione finale di “E Mi Viene Da Pensare” del Banco Del Mutuo Soccorso per omaggiare Francesco Di Giacomo e Rodolfo Maltese venuti a mancare durante la stesura e la registrazione di questo disco.

“Diary” si apre con “Dreamer” ed il cantato in inglese. L’Hammond da un tocco color seppia all’ascolto, il tocco a cui mi riferivo in precedenza, quello del tempo passato, delle radici vintage quando il Pop Rock (allora il Prog così si chiamava) dettava legge, chitarre alla Steve Hackett e David Gilmour annesse.

I brani hanno tutti una lunghezza abbastanza consistente, sui circa sette minuti di media e di sedici la mini suite “Over The Rippling Waters”.

“Built From The Inside” è anche lei ricca di cambi di tempo e di buoni assolo, quelli che molto spesso fanno chiudere gli occhi e sognare. Noto altresì un passaggio nel New Prog anni ’80.

“The Shy Tree” per il gusto musicale del sottoscritto è uno dei brani migliori del disco, apprezzo i crescendo emotivi, quando si passa dalla ballata all’enfasi corale dell’assolo finale. Cattureranno molti vecchi nostalgici come me. “Sound Of The Earth” si fa notare per un bell’assolo di chitarra elettrica, oltre che per la prova vocale sopra le righe.

“Discoveries” è la prima mini suite dell’album nei suoi dieci minuti, variegata fra schiaffo e bacio, chitarre Hard e tastiere (piano compreso) che sciolinano melodie incantevoli. Pane per il Prog fans incallito.

Un arpeggio di chitarra con l’incedere malinconico inizia “Whispers”, molto stile Genesis, e l’aria attorno a noi cambia, si ha la sensazione che il tempo si sia fermato in quegli anni in cui la bellezza sembrava essere una cosa normale, oggi ricerchiamo quegli attimi come l’oro. I Lifestream qui ci deliziano.

E’ poi la volta della nominata suite, e qui le carte vengono calate tutte di un botto. Il disco si conclude con la title track “Diary”, si giunge a capolinea sazi e consci che la fame di Prog in poco tempo è passata. Il cibo? Ottimo direi.  Buon appetito ai buongustai. MS

Opera Oscura

OPERA OSCURA – Disincanto

Andromeda Relix

Distribuzione: G.T.Music

Genere: Metal Progressive- Dark

Supporto: cd – 2018

Gli Opera Oscura sono di Roma e “Disincanto” è il debutto discografico. Il gruppo è capitanato dal tastierista e compositore Alessandro Evangelisti e dal chitarrista Alfredo Gargaro.

Il nome che si sono preposti è perfetto per la musica che suonano, descrizione indovinata, fra Opera (grazie anche alle belle voci di Francesca Palamidessi e Serena Stanzani), Dark Rock moderno, Metal e Progressive Rock. La band si pone l’obbiettivo di proporre una musica (come dice anche la PFM) immaginifica e cinematografica, libera dai limiti strutturali.

“Disincanto” è supportato da un artwork curato ed importante con fotografie che ritraggono la band in azione ed i testi delle musiche. Perfetta fotografia del contenuto ne è anche l’opera che appare nella copertina realizzata da George Grie. Buona anche la registrazione sonora. La band viene completata dalla sezione ritmica formata da Leonardo Giuntini (basso) e Umberto Maria Lupo (batteria).

Sette le canzoni che traghettano l’ascoltatore nel viaggio sonoro per un totale di trenta minuti di musica.

Apre il brano più lungo dell’album con i suoi otto minuti dal titolo “A Picco Sul Mare”, subito le tastiere si dimostrano un fulcro importante per le composizioni malinconiche esaltate dalla voce di Francesca Palamidessi, mentre la chitarra elettrica evidenzia ancora di più la magniloquenza e la drammaticità della situazione. Metal Progressive di classe per palati sopraffini.

Meno oscura è la strumentale “La Metamorfosi Dei Sogni”, al suo interno un assolo di chitarra importante che lascia il segno. Tutto il brano mette in evidenza l’amalgama e le qualità tecniche della band.

“Il Canto Di Sìrin” è interpretato da Serena Stanzani, autrice anche dei testi cantati in inglese. Un pezzo piano e voce da brividi. Leggerezza e malinconia in cattedra. Con “Pioggia Nel Deserto” ritorna il brano strumentale, breve momento decisamente Progressive Rock con puntate nel Metal, esso lascia il campo a “Gaza”, composizione più massiccia con la voce filtrata di Francesca Palamidessi, qui le chitarre danno tutto il meglio. Più pacata e dall’incedere classico risulta “Dopo La Guerra”. Il disco si chiude con un altro strumentale con il titolo “Resti”, ancora il piano di Evangelisti a narrare le sorti del “Disincanto”.

Un debutto importante, che la Lizard non si è lasciato sfuggire, così l’Andromeda Relix, un piacere all’ascolto per varietà di situazioni e per le composizioni sempre molto attente alla melodia.

Coccolatevi. MS

WYATT EARP

WYATT EARP – Wyatt Earp

Andromeda Relix

Distribuzione: G.T. Music

Genere: Rock – Hard Rock

Supporto: cd – 2018

Quanto Rock a Verona! Un bacino importante dal quale scaturiscono moltissime sorprese.

Ma avrete sentito dire anche voi che il Rock è morto e tutte queste storie analoghe, argomentazione annosa che sopporto dagli anni ’80 con fatica, stanco di questo modo di vedere ed ascoltare la musica come se il mondo si fosse fermato in un determinato periodo. Sappiamo bene invece che tutto procede e che magari muta, volenti o nolenti noi, ma non tutti amano il cambiamento e si avvinghiano alle loro certezze. Il DNA puro del genere ad oggi è ancora salvaguardato da una legione di musicisti duri e crudi, e chi è cresciuto con il Rock anni ’70 (me compreso) ha le sue validissime ragioni per salvaguardarlo.

Con il nome di un noto sceriffo cacciatore di bisonti del Far West, i veronesi Wyatt Earp si fondano nel 2003 per il volere del chitarrista Matteo Finato con l’intento proprio di portare avanti l’essenza del Rock e dell’Hard Rock, caro a band storiche come Deep Purple, Uriah Heep, Kansas, Grand Funk Railroad e ancora molte altre.

Il batterista Davide “Cava” Cavalca ad un certo punto abbandona la band, lasciando il posto dietro le pelli a “Silvio “Hammer” Bissa, cantante del gruppo.  Alla fine del 2016 dopo una lunga ricerca l’attenzione della band si sofferma su Leonardo Baltieri. Completano la line up Fabio “Led” Pasquali al basso e Flavio “J” Martini alle tastiere.

Il disco d’esordio in analisi si intitola proprio “Wyatt Earp” ed è composto da sei canzoni, accompagnato da un artwork ben fatto con tanto di foto e testi scritti. Il cantato è in lingua inglese, mentre l’incisione è buona, lasciando quel senso di velatura (quasi polvere) che fa il Rock in esame, polveroso e stradaiolo come si deve.

I riff sono magnetici, è vero che i deja vu- fuoriescono di tanto in tanto, tuttavia è il genere da preservare che esige questo trattamento, così i ritornelli di facile memorizzazione. Personalmente ho apprezzato moltissimo il solo di chitarra immerso in un mondo “progressivo” dal crescendo mozzafiato contenuto nel brano “With Hindsight”, sapete, quei momenti che vorresti non finissero mai…

 Poi l’Hammond è da pelle d’oca per chi come me ama certi roboanti e grezzi suoni. Frangenti dal ritmo spinto ci fanno muovere e scatenare incondizionatamente, per esempio difficile restare fermi all’ascolto di “Back From Afterworld”. Avete presente certi Deep Purple? Bene. Davvero sembra che il tempo si sia bloccato agli anni ’70. Quando ascolti la mini suite “Gran Torino” non ti sei neppure accorto che è finito il disco e che sono passati tre quarti d’ora.

Un esordio potente e dal chiaro messaggio, e noi possiamo dormire sonni tranquilli, perché la prossima volta che qualcuno ci dirà che il Rock è morto potremmo dire con tutta tranquillità “Ma fatemi il piacere! Ascoltatevi nel 2018 i Wyatt Earp”. MS

Closer

CLOSER – Event Horizon

Andromeda Relix

Genere: Alternative Metal

Distribuzione: G.T. Music

Supporto: cd – 2018

Secondo album per la band Alternative Metal di Verona. “Hevent Horizon” ha una difficile gestazione a causa della chiusura della casa Broken Road Records, ma l’Andromeda Relix ne acquisisce i diritti.

I Closer propongono un Alternative Metal con influenze di gruppi come Alter Bridge, Metallica, Pantera, Creed e Nickelback. Si formano nel 2011 e sin da subito cominciano a comporre materiale proprio. Con il singolo “Everytime I Close My Eyes”, nel 2012 partecipano vincendo al contest organizzato dal sito incontrirock.com. Come premio la possibilità di registrare la traccia nei famosi Fear Studio con la partecipazione del giudice d’onore GL Perotti degli Extrema.

Questo secondo album è formato da dodici momenti sonori ed un artwork notevole, accompagnato da un mini poster pieghevole in cui sono dettagliati tutti i testi e le info del caso.

Suono cristallino e ben definito sin dall’ascolto della prima traccia “Here I Am”, con tanto di ritornello gradevole ed una prova vocale del chitarrista Simone Rossetto sopra le righe. Il disco è concatenato nei brani in un una sequenza logica che relega al tutto una scorrevolezza quantomeno efficace, a partire dai testi. Suoni potenti, il post Grunge scava nel sound, “Illusion” ne è testimonianza. Buona le sezione ritmica, matura e di grande intesa fra Manuel Stoppele al basso e Danilo Di Michele alla batteria. Lo stesso si può dire per il lavoro delle chitarre da parte di Rossetto e Nicola Salvaro.

Non esulano rasoiate di sorta come nell’atto quarto dal titolo “Mistakes”, qui l’incedere è massiccio e metallico a dovere. Atmosfere più scure con “Battle Within” e comunque tanta attenzione alla melodia. Questo leitmotiv si sciolina per tutta la durata del disco. Brevi assolo di chitarra spezzano l’ascolto mentre la voce viaggia sempre su vette elevate. Molto belle “Wait For Me”, una semi-ballata, “Untouchable”, sunto dell’essenza Closer e la conclusiva “Event Horizon”, vetrina delle capacità tecniche degli artisti in questione.

Quasi un ora di musica e tante emozioni, anche da cantare, perché in fin dei conti la musica deve fare questo, lasciare un segno tangibile, un qualcosa di immediatamente riconducibile alla band. Possiamo chiamarla personalità, oggi sempre più latente fra le band che copiano ed incollano questo o quello. Qui c’è da ascoltare e da memorizzare. MS

Akroterion

AKROTERION – Decay Of Civilization

Andromeda Relix

Distribuzione: G.T.Music

Genere: Black Metal

Supporto: cd – 2018

Generalmente non estraggo mai dalla biografia di un gruppo molti passaggi, ma in questo caso devo fare necessariamente uno strappo alla regola, in quanto la descrizione che H. Škrat, cantante e ideatore di questa primordiale one man band ora divenuta trio, è esaustiva per descrivere l’essenza Akroterion: “21 settembre 2018 – Equinozio D’Autunno, secondo nell’anno solare e preludio al semestre oscuro. Disco numero 2, divisione dell’Unità, conflitto binario, dualità degli opposti (bene/male, maschio/femmina, positivo/negativo, yin/jang, vero/falso, bianco/nero, giusto/sbagliato, etc.). E’ l’equilibrio a cui tendono i due piatti della bilancia nel cui segno zodiacale il sole si affaccia in questi giorni.”. Ed il disco viene pubblicato in questa data.

Siamo al cospetto di un Black Metal fulminante, di vecchia scuola, con elementi Doom , Thrash Metal e Hardcore Punk.

Come dicevo la one man band oggi è un trio e a completarlo ci sono BP Gjallar (voce, chitarre, basso, sintetizzatori) e Francisco Verano (batteria).

Una colata lavica di pece nera  si sbrodola su di noi ad iniziare dal brano “Initiatory Death”, in esso comunque cambi di tempo e cantato sporco.

Tanta drammaticità a seguire, ma anche sprazzi di ampio respiro come in “Blood Libel”, qui la voce alterna parti sporche a parti pulite. Quello che convince e prende l’ascolto è l’incedere con assolo di chitarra gradevoli e non sempre necessariamente violenti. L’inizio di “Red Dawn Under A Chemical Sky” è ipnotico e  apocalittico e non lascia adito a speranze. Più caracollante “Soul Corruption”, frammento fra Doom e Black Metal. Musica che si stampa facilmente nella mente. “Brains” non stonerebbe addirittura nella discografia dei Motörhead. Ma è la title track “Decay Of Civilization” a farla da padrona, qui tutta l’essenza del genere Black Metal, esibita in maniera impeccabile e furibonda per quasi sette minuti.

A chiudere c’è “The Gift Of Lady Death”, quasi un sospiro di sollievo, nel suo modo di essere “progressive”, con un assolo di chitarra pregevole e piccoli spiragli di luce. Certo Metal di fine anni ’70 scaturisce fra le note. Un vero piacere all’ascolto.

Questo secondo lavoro di Akroterion è dunque coraggioso per scelte, per varietà di situazioni e per tematiche. I più forti di voi avranno già segnato il nome del trio nel proprio taccuino di viaggio, ma sbrigatevi, perché  il disco è stato stampato in sole 150 copie limitate. MS

Light Damage

LIGHT DAMAGE – Numbers

Progressive Promotion Records

Distribuzione italiana: G.T. Music

Genere: New Prog

Supporto: cd – 2018

Sono passati quattro anni dall’esordio dei lussemburghesi Light Damage con il disco dal titolo omonimo, il tempo è inesorabile. Mi sembra ieri che tessevo le lodi di quel disco dalle influenze Pinkfloydiane, un lavoro ben strutturato e concepito. Non nascondo che ha girato molto spesso nel mio lettore e che il Progressive Rock dalle influenze Marillion con la giunta della psichedelia di classe, in me fa scattare la molla del piacere.

In questo lasso di tempo il gruppo ha maturato molta esperienza e proprio per questo si avvalgono anche di special guest e di strumentazioni non tipicamente Rock come il violoncello, o il violino. Uno sguardo alla line up per meglio intenderci: Stephane Lecoq (chitarre), Frederick Hardy (basso), Sebastien Perignon (tastiere e pianoforte) , Nicolas Dewez (voce), Christophe Szczyrk (batteria e percussioni),  Marie-Noël Mouton (voce), Marilyn Placek (voce),  Astrid Galley (flauto), Judith Lecuit (violoncello), Margot Poncin (violino), Dominique Poncin (basso) e Charlie Bertrand (Music Box). Le voci femminili nel Progressive Rock odierno ci sono ed anche ottime, su questa lunghezza d’onda ad esempio potremmo trovare Christina Booth dei Magenta. Una importanza ulteriore deriva dalla potenza dei testi, ogni canzone è ispirata dalla vita di un personaggio diverso e comunque tutti legati fra di loro, tanto da far avvicinare “Numbers” ad una vera e propria opera Rock.

Tanta carne al fuoco dunque e voglia di sfondare, di emozionare ed emozionarsi. Sei tracce fra composizioni brevi, medie o lunghe come nel caso della suite “From Minor To Sailor” con i suoi quasi venti minuti. Questo modus operandi è perfetto per la fruibilità dell’ascolto, questo spezzare continuo rende il tutto molto scorrevole.

Potenza e stati mentali in analisi nel brano che apre il disco dal titolo “Number 261”, quasi Metal Prog con ritmiche forti e un alternarsi di vocalità maschili e femminili. Piccoli momenti che possono incastrarsi con “Operation Mindcrime” dei Queensryche, ovviamente quelli più leggeri. Anche l’elettronica viene incontro al brano nella successiva “Bloomed”, canzone strumentale dove ancora una volta  la potenza sostenuta dalla chitarra si eleva in alta quota, assieme ad un anelito drammatico. Tutto questo sfocia nella suite “From The Mirror To Sailor”, un percorso misto fra gli immancabili cambi di tempo, di stile e di strumentazioni, qui in ampia abbondanza.

Non c’è un brano sopra le righe, tutto il disco si evolve allo stesso livello, nulla da aggiungere. Ovviamente il prodotto è indicato agli amanti del genere e dintorni.

La tedesca Progressive Promotion Records non perde un colpo, ha davvero un grande fiuto per il Progressive Rock  che a mio parere, malgrado la difficoltà dei tempi con annesse vendite discografiche al minimo storico, non morirà mai, perché la qualità paga…Sempre! MS

SPECIALE: MEZZ GACANO, la libertà dei suoni.

MEZZ GACANO – Palòra Di Boskàuz

Sasime Records

Genere: Rock In Opposition (R.I.O.)

Supporto: cd – 2002

Dietro il nome Mezz Gacano c’è l’artista, polistrumentista e compositore Davide Nino Urso Mezzatesta. Il suo progetto nasce a Parma, e precisamente a Salsomaggiore Terme, dopo l’incontro con John Zorn a Firenze, nel settembre del 1997. Nel 1998 l’artista si trasferisce a Palermo e dopo varie vicissitudini, annessi cambi di gruppo e di elementi, a maggio del 2001 i Mezz Gacano si stabilizzano con la seguente formazione: Davide Mezzatesta (voce e chitarra), Marco Monterosso (voce e chitarra),  Giovanni Di Martino (cori e tastiere), Lucio Giacalone (basso) e  Piero Pitingaro (batteria).

La cultura musicale di Mezz Gacano è quantomeno ampia e aperta ad ogni tipo di innesto, basta dire che i suoi ascolti variano da Zorn a Anthony Braxton, Bill Laswell, Steve Lacy, Mick Harris, Peter Brotzmann, Carlo Actis Dato, Roscoe Mitchel, Robert Fripp, Fred Frith, Frank Zappa, Otomo Yoshide, Arto Lindsay e ovviamente molti altri ancora. Questo bagaglio culturale si evince anche durante l’ascolto delle sue composizioni, mai banali e aperte all’arte a 360 gradi.

Il sunto ne è già l’album d’esordio intitolato “Palòra Di Boskàuz”, un calderone di idee e di musicalità fisica davvero importante. L’album è composto da dodici brani a partire dalla strumentale “Sunday Bloody Sunday” (non quella degli U2 ovviamente)  aperta da undici secondi di follia. Il suono a seguire si stampa subito in faccia in un incedere Hard per poi passare ad un giocoso momento d’improvvisazione in stile Area. Finito? No, ancora cambio di tempo ed umorale con un assolo di chitarra notevole e di tastiere, il tutto in un frangente prima Jazz e poi elettronico, a seguire voci a suggellare il ritornello martellante che in definitiva fa da spina dorsale all’intero brano. Ecco, da queste mie parole avrete già intuito la pasta di questo esordio, oppure vi sarete spaventati.

L’ascoltatore quindi deve essere necessariamente preparato e di mente aperta, disposto a farsi destabilizzare per godere a pieno di questo grandissimo puzzle.

Elettronica, Hard Rock, Punk e molto altro, ascoltate “Froka” e ditemi cosa ne pensate. La globalità del sound è semovibile, incentrato su momenti di energia a tratti dura e in altri momenti nervosa in stile King Crimson. Frank Zappa fa capolino spesso e volentieri. Non c’è un brano che annoia o che sia scontato, almeno per il mio gusto personale, un susseguirsi di sorprese che nella maniera più assoluta non vorrei rovinare.

Musica per tutti i gusti dunque, anche per scatenarsi oltre che per pensare. Io tutto questo lo definisco vero Progressive Rock, perché in esso c’è ricerca e coraggio. Suoni, suoni e suoni.

Un esordio importantissimo, che vede un Mezz Gacano carico di idee e di energia, approfittatene. MS

MEZZ GACANO & ZONE EXPERIMENTALE – Froka

Lizard Records

GENERE: RIO

Supporto: cd – 2016

C’è chi la musica la vive per diletto, chi per passione, chi l’adopera da sottofondo, chi la rovescia come un calzino per trarne nuove emozioni. Esistono situazioni dove l’artista parte con l’intenzione di creare qualcosa di differente, disinteressandosene  del responso pubblico, questo accade quando l’arte prende il sopravvento. In Italia abbiamo vissuto e stiamo vivendo queste situazioni seppure in maniera dosata, come ad esempio con i Stormy Six nel passato, oppure oggi con alcuni progetti di Fabio Zuffanti o gli Yugen solo per fare pochi nomi.

Mezz Gacano e’ un progetto musicale palermitano che prende forma nel 1997 grazie a David(e) Nino Urso Mezzatesta, formatosi dalle ceneri di Multimedial Stigghiolizing Enterprise e Tchazart. Le influenze musicali  si possono estrapolare dall’ascolto di artisti come Frank Zappa, King Crimson, Gong, Naked City, Mr.Bungle e Oziric Tentacles. La carriera musicale del gruppo è ricca di esperienze ed artisti, fino al raggiungimento del primo album in studio intitolato “Palòra Di Boskàuz” (Sasime – 2002), dove al proprio interno anche una ballad può essere Punk!

L’approccio musicale di Mezz Gacano è questo, e se poi  a quanto detto ci si va ad unire la collaborazione con l’ensemble svizzero Zone Experimentale (nomen omen), non può che nascere un prodotto quantomeno interessante e non scontato.

“Froka” è un concerto registrato live suddiviso in undici movimenti sonori che non potremo mai chiamare “canzoni”, ad iniziare dalla breve ed introduttiva title track “Froka”. L’aria accompagna all’ascolto catturando immediatamente l’attenzione dell’ascoltatore. L’album strumentale si apre a tutti gli effetti con “Okain Loiknaf” fra cambi di ritmo e d’ umore. Con archi e flauto che giocano a colloquiare, si giunge a “Lioschi Lioschije”, aria a tratti sospesa, solamente animata dalla discussione fra strumenti che più che suonare, parlano fra di loro. L’energia sprigionata da “Bechamel” mette alla luce il lato  Crimsoniano del progetto, fra suoni nervosi e cadenzati. Ciò accade anche nel successivo movimento “Lioschi Lioschije”. Andamento ondivago per “Kitch Bitch Beach”, giocoso ed irriverente. Ma non vorrei togliere tutto il gusto della scoperta, lascio a voi il piacere di essere stupiti, in fin dei conti avete già focalizzato da queste mie parole il tipo di prodotto. Vorrei comunque sottolineare che “Froka” è registrato nel 2013, ed è solo grazie all’attenzione della Lizard che il progetto vede la distribuzione vera e propria, affidata a BTF, GT Music, Pick Up, Ma.Ra.Cash e Syn-Phonic.

“Froka” è musica da “ascoltare”, non da “sentire”, una sorta di opera sperimentale moderna che non ha la pretesa di essere un classico, ma che ha la brillantezza e la capacità di risultare unica nel suo genere, e questo si grazie all’estro compositivo di Mezz Gacano, ma anche agli arrangiamenti di Flavio Virzi.
Buon Ascolto. MS

MEZZ GACANO & SELF STANDING OVATION BOSKAUZ ENSEMBLE – Kinderheim

Lizard Records

Genere: Rock In Opposition (R.I.O.)

Supporto: cd – 2017

Il geniale compositore e polistrumentista Davide Mezzatesta, in arte Mezz Gacano ritorna al pubblico nel 2017 con questo ultimo lavoro dal titolo “Kinderheim”, quarto suggello. Chi lo conosce o chi già ha avuto modo di leggere altre recensioni, già sa bene che l’artista è “totale”. La sua cultura musicale è espressa nelle note in maniera inconfutabile, fra stili che variano dal classico al Jazz, dal Rock, all’Hard Rock a influenze più marcate come il sound di certi King Crimson oppure di Frank Zappa, altro genio della nostra musica mondiale sempre poco citato.

Ora devo dire alcuni “Finalmente”, il primo riguarda la musica ovviamente, finalmente posso godere di vero Prog Rock , cosa che ultimamente mi è capitato di rado. Perché ho detto vero Prog? Sembra così che esista anche il finto Prog Rock. Ho detto così semplicemente perché non basta ripetere i fasti del tempo passato, se intendiamo “Progressive” nel significato che gli spetta, si intende soprattutto il dover  progredire il suono della musica, e per fare questo si deve OSARE. Ecco, oggi  come oggi ho sentito pochi artisti osare nuove soluzioni ed innesti, alcuni nomi per spiegare meglio il concetto possono essere Moloch di Gianni Venturi o i progetti di Claudio Milano e pochi altri ancora,  parlo di stile, forte personalità e di composizione oltre che di strumentazioni varie. Qui infatti si trovano archi, trombe, clarinetti, flauti, sax,  chitarre elettriche, tastiere, elettronica e molto altro. Musica totale che comunque nel suo essere apparentemente fuorviante e ricercata dimostra di avere un grande rispetto per il passato. Quando fai l’orecchio ad un sound, Mezz Gacano ti volta le spalle inserendone uno completamente opposto, se vogliamo una sorta di “schiaffo o bacio”.

Il secondo “Finalmente” lo dedico all’ artwork davvero ben curato e completo oltre che elegante nella sua confezione cartonata, ad opera di Antonio Cusimano / 3112htm.com. Questo è anche rispetto per chi spende soldi nel comperare un disco, visto poi che l’acquirente oggi è un personaggio in via d’estinzione, almeno trattarlo a dovere.

Il terzo “Finalmente” riguarda l’incisione, davvero professionale e pulita, cosa non semplice vista la caratura e la quantità di strumentazioni differenti che appunto variano nel disco,  dal classico al Rock, elettronica etc. Tutto ciò ad opera di Luca Rinaudo assistito da Marco Nàscla e Miss Hill Mary nel Teatro Biondo Di Palermo.

“Kinderheim” è un percorso sonoro formato da diciassette frangenti, fra i quali spicca nel finale “Bitter(N) Stormy Over Vesuvio”, ma il perché non ve lo dico,  lascio a chi compera il disco la vera sorpresa (geniale). I brani sono stati composti in diversi anni della sua esistenza artistica. L’album è completamente strumentale (forse) e quindi ancora un'altra scommessa che apprezzo oltremodo.

Basta parole, musica da ascoltare, non da sentire. MS

PAOLOPARòN

PAOLOPARòN – Vinacce (Canzoni Per Inadeguati)

Music Force /Toks Records

Genere: Cantautore / Folk Rock

Supporto: cd – 2018

L’importanza di giocare con la musica. Paolo Paròn è un polistrumentista, autore e compositore che ha alle spalle lavori di laboratorio musicale oltre che di teatro, abbinati all’improvvisazione e alla creatività. Tutto questo porta ad avere una determinata personalità e una voglia di esprimersi più marcata.

“Vinacce” esce dopo l’esordio in ep datato 2012 dal titolo omonimo e qui di carne al fuoco ce n’è davvero tanta. Mi rivolgo soprattutto ai cultori di alcuna musica come il Rock Progressivo, oppure al cantautorato italiano degli anni ’70, ma quello più cerebrale e sentito, di grandi autori come Lolli o Mauro Pelosi.

Il disco si presenta in una confezione cartonata accompagnata da un esaustivo libretto in cui si possono leggere i testi, punto forte del nostro cantautore.

“Vinacce” è formato da undici canzoni, mentre con Paolo suonano Roberto Amadeo (basso, contrabbasso), Stefano Bragagnolo (batteria), Jvan Moda (computer, rumori), Denis Bosa (violino), Luca Marian (viola), Giacomo Franzon (contrabbasso) e Alice Gaspardo (trombone).

In “Mani Adatte” l’approccio mi fa tornare alla mente certi lavori di Lucio Dalla degli anni ’70 e buono è l’approccio vocale non scontato e perentorio, così la metrica delle liriche. Nelle canzoni di Paoloparòn l’interpretazione gioca un ruolo fondamentale, serve malleabilità a seconda delle esigenze del pezzo, ma soprattutto dei testi. Questo lo potete assimilare anche dall’ascolto di “L’Allegro Caos Dello Scolapiatti” dove interessante è anche  l’accompagnamento dei fiati di Alice Gaspardo ad impreziosire. Fuoriesce il cantautorato più datato in “Un Disegno”, ma rivisitato dalla personalità dell’artista il quale ci aggiunge un pezzo di tastiere che farà la gioia di molti rockettari. La musica si placa con la riflessiva “Amleto 1999”, chitarra e voce per poi crescere in enfasi e sonorità. Fuoriesce il lato più giocoso e divertente in stile Stefano Rosso in “La Domenica Del Supermercato”, chi non ha passato almeno una volta nella vita quelle sensazioni descritte nel brano con il carello nelle mani? Breve momento elettrico e Rock con “Le Ore D’Estate” per poi ritornare nei sentieri storici del genere con la title track “Vinacce” ed il profumo dei filari. Interrogativi psicologici in “Lo Chiedo A Te” e la scuola degli anni ’70 si presenta ancora una volta all’ascolto, questa volta ci aggiungerei alcuni stilemi alla De Andrè.

“Ai Tempi Delle Chat” è fra le mie preferite, delicatezza e profondità fra arpeggi e buone modulazioni. C’è spazio ancora per un frangente Rock dal titolo “Via Bertaldia Blues” e per la conclusiva “Seasons (A Silly Indie Song)” cantata in inglese e in stile Folk.

Paoloparòn ci lascia questo album di canzoni per pensare e per cantare, in maniera semplice ma allo stesso tempo ricercata, avendo in esso cura e rispetto per il cantautorato  passato. L’autore mette in luce i pregi di questo mondo, la passione e la competenza giusta per perseguire buoni risultati. Con cantautori così la canzone storica italiana può dormire ancora sonni tranquilli. MS

Beny Conte

BENY CONTE – Il Ferro E Le Muse

Music Force / Toks Records

Distribuzione: Discover

Genere: Cantautore/Musica Popolare

Supporto: cd – 2017

Beny Conte nasce a Palermo e studia musica ottenendo la Laurea in Discipline della musica ad indirizzo Etnomusicologico, a seguire in Musicologia e Beni Culturali. Nel tempo si trasferisce a Pescara dove prosegue gli studi per laurearsi in Composizione con indirizzo Popular Music, tutto questo per focalizzare le basi del musicologo, compositore, scrittore e chitarrista Beny Conte.

Se desiderate maggiori informazioni riguardo l’artista, avrete di che leggere nel bellissimo libretto che accompagna il disco. Una confezione cartonata elegante e dettagliata con foto, testi, info ed altro ancora.

“Il Ferro E Le Muse” è anche un romanzo di Conte, una storia di mafia e d’amore che racconta la Sicilia e la sua vita in bilico fra queste due situazioni. I due prodotti vanno a braccetto, quindi leggere ed ascoltare con tanto di folclore nazionale come “Vitti ‘Na Crozza” ed inediti scritti dal nostro compositore.

Nei dieci brani che delineano il percorso, Conte ci prende per mano e con delicatezza mista a   competenza accompagna l’ascoltatore fra ottimi arrangiamenti e tanta poesia.

“Quannu Scinni ‘A Notti” ha rispetto della tradizione e del folclore, la musica italiana che non ha tempo, quella che blocca la sabbia della clessidra. “L’Isola Di Buonagente” è  più rivolta al cantautorato vero e proprio, con grandi spunti tratti dallo stile di Ivano Fossati con aggiunta di  delicatezza Jazz.

“Malìa” è terra di nessuno, ma non è così, una storia toccante ed intimistica. La chitarra è spina dorsale del sound Conte, anche se in questo caso i fiati ricoprono un ruolo importante. La tradizione scritta da Balisteri viene esaminata in “ La Mafia e Lì Parrini”, la Sicilia nuda avanti a noi.

Da sottolineare la bellezza cristallina di “Cantu Di La Vicarìa”, ancora una volta magistralmente arrangiata. Più ritmata “’A Liggi Di Lu Ferru”, perentoria e senza compromessi. “Come Un Abbraccio (Sikella)”, ritorna a navigare in mari cantautorali più delicati e riflessivi, mentre “Serenata Alla Terra” torna a far profumare l’aria di Sicilia. Il disco che accompagna il romanzo si chiude con “’U Tempu Di Cirasi”, altro pezzo di terra nelle orecchie.

Chiaro dunque il prodotto analizzato in questa recensione, ben prodotto, suonato ed arrangiato, un pezzo importante della nostra penisola che in realtà non sappiamo apprezzare tanto quanto vale, dovremmo farlo di più ed avere maggiore stima di noi stessi. Bravo Beny Conte. MS

GIO'

GIO’ – Succederà

Music Force / Toks Records

Distribuzione: Discover

Genere: Funk Pop / Hip Hop

Supporto: ep – 2017

Sotto il nome di Giò si cela il cantautore udinese Giordano Gondolo.

La passione per la musica si manifesta nel lontano 1986 quando il cantante inizia la carriera artistica assieme al gruppo Rock “Union Jack”. Nel 1991 passa ai Blue The King. Nel tempo vince assieme alla band il rinomato Arezzo Wave nel 1997. L’anno successivo è la volta di “Musicultura” di Recanati, un altro premio questa volta per il brano “Hobby”. Dal 1999 collabora con i Crash assieme ai quali registra il disco “Protopop”.

“Succederà” è l’esordio discografico formato da sei brani di media durata per un totale di una ventina di minuti di musica. Gli stili sonori che si affacciano durante l’ascolto del disco sono differenti, dal Rap al Pop Rock passando per l’Hip Hop.

“Succederà” inizia con “Io Sarò Li” e la partecipazione dell’ospite Doro Gjat. Il brano non stonerebbe nella discografia di Neffa.

“Quello Che Voglio” è un pezzo Rock, ben arrangiato con piano ed un buon ritornello, tuttavia da non sottovalutare neppure i testi. L’esperienza di Giò si denota sotto differenti aspetti, annessa l’importanza di aver capito l’utilità dell’essere “orecchiabile”. La title track non è altro che un Calipso, alcuni momenti lasciano reminiscenze di Sergio Caputo. Rock di stampo anni ’80 e di radice italiana invece quello proposto in “Cose Che Non Ho Visto Mai”, un pezzo che comunque stenta a decollare. “Noi” riporta l’attenzione dell’ascolto a livelli più attenti grazie anche ad un buon ritornello da canticchiare con i suoi “La La La La La”. L’ep si chiude con la versione acustica di “Io Sarò Li”.

Questo  modo di muoversi fra differenti stili probabilmente denota ancora una momentanea ricerca del proprio essere da parte di Giò, si consiglia dunque di lasciarsi andare pienamente, per poter tirare fuori la propria personalità al meglio. MS

Rose

ROSE – Moving Spheres

Music Force / Toks Records

Genere: Jazz 7 Blues

Supporto: cd – 2017

Dietro il nome Rose si cela la giovane artista Rosa Mussin, appena ventiquattrenne, e non me ne voglia la cantante per aver svelato la sua giovane età, ma questo a mio avviso va sottolineato e leggendo la recensione capirete anche il perché. Sin da bambina si appassiona al pianoforte, studia clarinetto classico e pianoforte e a quattordici anni entra a far parte della Real Flexible Orchestra (Big Band Jazz). Con  Freddy Frenzy & The Magazin Roots si fa una grande esperienza live, aprendo concerti ad artisti come Roy Paci, e pubblica il disco “Reunion” (2012) come tastierista e back vocalist.  Rientra nel progetto de la North East Ska Jazz Orchestra  per condivide il palco con artisti quali Mr. T-Bone (Africa Unite, The Bluebeaters) e Furio (PituraFreska, Ska-J) e numerose le date in Italia e all’estero. Più recentemente si distacca dal sound Reggae  per avvicinarsi al Soul, Blues, R&B e Hip-hop. Nel 2016 vince il BlackMusic Blues Contest di Pordenone e a seguire  molto altro ancora, questo soltanto per riallacciarmi alla sua giovane età.

Il disco è composto da sei brani, tutti trainati dalla voce di Rose accompagnata da Alessio Benedetti alla batteria, Alessio Zoratto al basso, Matteo Pinna alla chitarra, Alessandro Scolz alle tastiere e da Mario Castelletto alle percussioni. Appaiono come special guest Marco D’Orlando alla batteria nel brano “Moving Spheres” e Roberto “Rob” Amadeo al basso e alle tastiere.

Il Jazz corposo e caldo di “Relation” non soltanto apre il disco, ma presenta il carattere di Rose, la vocalità apportata alla sensitività emotiva. Tonalità aperte, su intercalare d’intensità. La musica accompagna con sobrietà, senza strafare per non disturbare la vocalità della cantante, anche se di tanto in tanto brevi assolo si presentano.

Più ricercata ed elettronica “Moving Spheres”, ma il tutto resta a disposizione della melodia, mentre la voce di Rose gioca con echi. Una nuova veste.

Si ritorna alla Fusion ed al Jazz di compagnia con “Same Things”, brano che definirei come minimo radiofonico.

Arriva anche il momento più intimo, qui dal titolo “Amused”, dove la canzone abbraccia la voce e viceversa. Rose dimostra di conoscere bene anche la storia del genere. Un Funky a cavallo del Rock ci accoglie in “Stupid”, momento più corposo e diretto. Il disco si chiude con “Ups & Downs”, voce e chitarra acustica, Rose qui si esibisce in casa, fra giochi vocali ed intensità emotiva. Una interpretazione matura e profonda che fa la bellezza del genere in analisi.

Rose è dunque una sorpresa in attesa di maturazione totale, la strada intrapresa gode già di personalità e chi l’ha notata sa cosa sta trattando. Un disco piacevole e scorrevole consigliato a chi ama coccolarsi con il Jazz, la Fusion e tutto quello che gira attorno a questo mondo elegante e delicato. MS