Il Blog Verso La Stratosfera

 Il Blog VERSO LA STRATOSFERA

Per chi ama cercare chicche sonore

 
 
Verso La Stratosfera è uno dei punti di riferimento storici e più autorevoli della blogosfera italiana per quanto riguarda il Rock Progressivo, la Psichedelia e la musica sperimentale, con un focus particolare sulle "chicche" rare e fuori catalogo.
 
Il blog è celebre per il suo lavoro di recupero di album italiani degli anni '70 (e non solo) che non sono mai stati ristampati in CD o che sono diventati introvabili. Gli autori caricano spesso digitalizzazioni da vinile (rip), accompagnate da recensioni approfondite, scansioni dei libretti originali e note storiche.
 
Uno dei contenuti più apprezzati sono le compilation tematiche create dai gestori del blog (come George e Frank-One). Queste raccolte mettono insieme brani rari di band minori della scena prog italiana, offrendo un panorama completo che va oltre i soliti nomi come PFM, Banco o Le Orme.

Nel blog puoi trovare:

 
Recensioni di album oscuri: Band che hanno inciso un solo disco e poi sono sparite nel nulla.
 
Serie Tematiche: Ad esempio, serie dedicate al "Catto-Prog" (il Rock Progressivo di ispirazione cristiana) o al Jazz-Rock italiano.
 
Radio Taxi: Una rubrica (o podcast) che approfondisce determinati sottogeneri o periodi storici.
 
Buona navigazione: http://verso-la-stratosfera.blogspot.com

Versione Inglese:

VERSO LA STRATOSFERA Blog
For those who love hunting for sonic gems

Verso La Stratosfera is one of the most historic and authoritative landmarks in the Italian blogosphere regarding Progressive Rock, Psychedelia, and experimental music, with a specific focus on rare and out-of-print "gems."

 

The blog is famous for its work in recovering Italian albums from the 1970s (and beyond) that were never reissued on CD or have become impossible to find. The authors frequently upload vinyl rips accompanied by in-depth reviews, scans of original booklets, and historical notes.

 

Among the most popular content are the thematic compilations created by the blog’s administrators (such as George and Frank-One). These collections gather rare tracks from minor bands within the Italian prog scene, offering a comprehensive overview that goes far beyond the usual names like PFM, Banco, or Le Orme.

 

On the blog, you can find:

 

Reviews of obscure albums: Bands that recorded a single disc and then vanished into thin air.

 

Thematic Series: For example, series dedicated to "Catto-Prog" (Christian-inspired Progressive Rock) or Italian Jazz-Rock.

 

Radio Taxi: A column (or podcast) that delves into specific sub-genres or historical periods.

 

Enjoy your exploration: http://verso-la-stratosfera.blogspot.com

Sentimental Mercenaries

SENTIMENTAL MERCENARIES – Chapter Two – Leon
Fishy Business
Genere: Neo Prog
Supporto: Digital / Bandcamp / Spotify – 2026

Per favore, non toccatemi le coronarie: non sono più giovane e certe emozioni potrebbero essermi fatali! Sì, perché nei primi anni ’80 ho vissuto un amore viscerale per il Neo Prog; ho seguito i Marillion dell’era Fish in lungo e in largo per l’Italia, insieme a Pendragon, IQ, Pallas e tutti coloro che si sono cimentati in quella musica romantico-decadente che miscela Pink Floyd, Genesis e Camel. Ma i Marillion restano nel mio cuore e in quello di molti orfani di quel Prog che, alla fine degli anni ’70, aveva subito una battuta d'arresto.
Vengo a conoscenza di questo progetto, i Sentimental Mercenaries, nato tra Italia e Israele. Quando vedo certe immagini che richiamano il "Jester", unite a un tratto del disegno in pieno stile Mark Wilkinson, capisco subito che qui "gatta Fish ci cova"...
In effetti, la band intraprende un viaggio approfondito alla scoperta di un sé tormentato, affrontando temi come il dolore emotivo, la passione e la memoria. La cosa più sorprendente è che, già dal primo album intitolato “Sentimental Mercenaries – Chapter One”, spaziavano dall'Extreme Metal al Progressive Rock con estrema nonchalance.
La formazione schiera Marco Vincini (G.O.L.E.M., Mr. Punch) alla voce, Yocahi Moyal alla chitarra, Nir Nakav alla batteria e Dor Levin al basso e alle tastiere.
Arrivo dunque a questo “Chapter Two – Leon”, impreziosito dalla bellissima copertina di Inbar Perez. Leon è un uomo tormentato che ripercorre l'infanzia, il desiderio d'amore e gli schemi emotivi che lo hanno plasmato. Attraverso un percorso psicoanalitico, il protagonista esamina la perdita e il desiderio, cercando un significato in momenti che un tempo sembravano fugaci o irraggiungibili. Il tutto è suddiviso in sette tracce.
Chiaramente non può mancare l’intro ponderato, nostalgico e toccante, esaltato dall’incredibile voce di Marco Vincini (in pieno stile Fish, ma capace di spingersi anche più in alto), qui intitolato “The Knot”. Il brano ci accompagna a “Lover's End”, uno dei singoli. Cosa aspettarsi è facile intuirlo: chitarra alla Steve Rothery e… oddio, scusate, ma l’emozione mi toglie le parole! Forse dovrei smettere di scrivere recensioni. Ottimi gli effetti eco di sottofondo e gli interventi delle tastiere.
Un altro singolo è “Sentimental Mercenary”, vicino anche ai Genesis; un’evoluzione naturale vista l’ispirazione che ha segnato la carriera dei Marillion. Il tempo è cadenzato come in “Garden Party”, un approccio che si ritrova in maniera ancor più marcata in “Freudian Creature”.
“Fish's Corner” è un bellissimo tributo al grande (in tutti i sensi) vocalist scozzese: quasi otto minuti di melodie emozionanti, con coralità epiche e ottimi passaggi strumentali dove Vincini sale in cattedra, specialmente durante il ritornello affabile e molto orecchiabile.
Il pezzo forte dell’album s’intitola “Leon”, una suite di oltre tredici minuti in cui la band mette in vetrina tutte le proprie capacità tecniche e compositive. Si inizia l’ascolto a occhi chiusi per poi restare sorpresi da sezioni strumentali ricche di assoli toccanti, specialmente di chitarra. Un volo pindarico che in alcuni frangenti ricorda i Pink Floyd. Chiude “Tear Of Silence” con un sorprendente growl: sono rimasto folgorato, perché mai mi sarei aspettato di ascoltare sonorità "marilliche" interpretate in questa maniera.
Peccato non poter godere di un supporto fisico per questo disco che mi ha strappato qualche lacrima di nostalgia. Li terrò d’occhio e quando arriverà il momento della stampa, entrerà di diritto nella mia discografia. In conclusione, questo è un album per nostalgici come me, i neofiti potrebbero trovarlo troppo malinconico, ma… ci siamo capiti. Oddio, cosa ho ascoltato! MS 

Versione Inglese: 

SENTIMENTAL MERCENARIES – Chapter Two – Leon
Fishy Business
Genre: Neo Prog
Format: Digital / Bandcamp / Spotify – 2026

Please, have mercy on my heart! I’m not as young as I used to be, and emotions like these could be fatal. Back in the early '80s, I had a visceral love for Neo Prog; I followed the Fish-era Marillion up and down Italy, along with Pendragon, IQ, Pallas, and everyone else who dabbled in that romantic, decadent sound—that perfect blend of Pink Floyd, Genesis, and Camel. But Marillion remains in my heart, and in the hearts of many orphans of that Prog scene that suffered a temporary setback at the end of the '70s.
I’ve recently discovered this project called Sentimental Mercenaries, born between Italy and Israel. When I see certain images reminiscent of the "Jester," paired with artwork in the unmistakable style of Mark Wilkinson, I immediately realize that something "Fishy" is going on here...
Indeed, the band embarks on an in-depth journey into the discovery of a tormented self, tackling themes like emotional pain, passion, and memory. The most surprising thing is that, since their first album “Sentimental Mercenaries – Chapter One,” they have been jumping from Extreme Metal to Progressive Rock and back with total nonchalance.
The line-up features Marco Vincini (G.O.L.E.M., Mr. Punch) on vocals, Yocahi Moyal on guitar, Nir Nakav on drums, and Dor Levin on bass and keyboards. And so I come to this “Chapter Two – Leon,” graced by a beautiful cover by Inbar Perez. Leon is a tormented man revisiting his childhood, his longing for love, and the emotional patterns that shaped him. Through a psychoanalytic path, the protagonist examines loss and desire, searching for meaning in moments that once seemed fleeting or out of reach. All of this is spread across seven tracks.
Naturally, we have a thoughtful, nostalgic, and touching intro titled “The Knot,” elevated by Marco Vincini’s incredible vocals—very much in the style of Fish, but capable of reaching even higher notes. This leads us into “Lover's End,” one of the singles. It’s easy to guess what to expect: Steve Rothery-style guitar and… oh my, excuse me, but the emotion is leaving me speechless! Perhaps I should stop writing reviews. The background echo effects and keyboard interventions are excellent.
Another single is “Sentimental Mercenary,” which feels close to Genesis—a natural evolution given the inspiration that defined Marillion’s career. The tempo is rhythmic, much like “Garden Party,” an approach found even more prominently in “Freudian Creature.”
“Fish's Corner” is a beautiful tribute to the great (in every sense) Scottish vocalist: nearly eight minutes of moving melodies, epic choral sections, and superb instrumental passages where Vincini takes center stage, especially during the affable and very catchy chorus.
The highlight of the album is the title track “Leon,” a suite of over thirteen minutes where the band showcases all their technical and compositional prowess. You start listening with your eyes closed, only to be surprised by instrumental sections rich with touching solos, especially on guitar; a flight of fancy that, in some moments, brings Pink Floyd to mind. “Tear Of Silence” closes the album with a surprising growl: I was floored, because I never expected to hear "Marilliesque" music performed in such a way.
It’s a shame there isn’t a physical copy yet for this record, which definitely brought a few nostalgic tears to my eyes. I’ll be keeping an eye on them; once it goes to print, it will rightfully join my collection. In conclusion, this is an album for nostalgics like me. Newcomers might find it a bit too melancholy, but… you know what I mean. My God, what an experience! MS

Hunka Munka

HUNKA MUNKA – Demoni E Dei
M.P. & Records / GT Music
Genere: Rock Progressive / Heavy Prog
Supporto: Vinile / CD – 2026

È sempre motivo di soddisfazione constatare come i nomi storici del Rock Progressivo italiano siano ancora oggi artisticamente vitali; un segnale incoraggiante sia per la qualità della nostra produzione musicale, sia per la longevità stessa del genere. Roberto Carlotto, in arte Hunka Munka (già membro dei Dik Dik), prosegue il proprio cammino a cinque anni di distanza dal convincente “Foreste Interstellari” (2021). Lo fa affiancato dal fidato Joey Mauro, responsabile di tastiere, cori, programmazioni e orchestrazioni e da una compagine di ospiti di assoluto rilievo, tra cui Marcantonio Quinto, Gianluca Quinto, Andrea Arcangeli, Barbara Rubin, Minerba e Andrea Rinaldi.
Hunka Munka resta scolpito nella memoria degli appassionati e dei collezionisti soprattutto per l'eccellente “Dedicato A Giovanna G.” del 1972, un concept album bizzarro e decadente, caratterizzato da una vocalità graffiante. La carriera di Carlotto, oltre all’esperienza con i Dik Dik, vanta collaborazioni con Big 66, I Cuccioli e l’Anonima Sound di Ivan Graziani. In questo nuovo lavoro, “Demoni E Dei”, l'artista affronta l’eterno conflitto tra bene e male, recuperando idealmente il filo conduttore di quel debutto leggendario, celebre anche per la singolare copertina apribile a forma di toilette.
L’edizione fisica del disco si presenta con un apparato grafico di pregio curato da Ondemedie, arricchito dagli scatti di Ennio Stranieri, dall’artwork di Carmine ed Enzo De Marco e dalla copertina firmata dallo stesso Joey Mauro. È doveroso sottolineare come la cura per il prodotto fisico testimoni non solo amore per l’arte, ma un profondo rispetto per l’ascoltatore, dote purtroppo sempre più rara nel panorama attuale.
L'opera si apre con l’introduzione strumentale “Addio Dolce Edel”, un movimento malinconico in cui tastiere e chitarra dialogano con rara intensità; nel finale, il richiamo a “Lugano Addio” rende omaggio alla profonda stima per Ivan Graziani. Il registro cambia repentinamente con la vigorosa “Ossessioni”, un brano Hard Prog che evoca inizialmente le atmosfere di “R.I.P.” del Banco del Mutuo Soccorso, evolvendo poi in una sorta di versione energica e "arrabbiata" dei Dik Dik, supportata da una prova vocale solida e perfettamente integrata.
In “Cavalli Alati” convivono orchestrazioni classiche e suggestioni Progressive Metal, impreziosite dal fulmineo assolo di Andrea Rinaldi e dall’eccellente contributo strumentale e vocale di Barbara Rubin. Segue “Justine”, un breve interludio vintage che introduce “L’Aeroplano D’argento”. Quest'ultimo, già presente in “Dedicato A Giovanna G.”, viene qui riproposto in una veste più potente e raffinata; è ammirevole come la complessità tecnica riesca a sposarsi con la tradizione melodica italiana, merito del gusto compositivo di Carlotto. Dallo stesso LP del '72 proviene anche “Cattedrali Di Bambù”, firmata da Ivan Graziani e Herbert Pagani: l’interpretazione di Barbara Rubin e le incursioni delle chitarre elettriche elevano il brano verso vette di grande impatto emotivo.
Dopo il delicato passaggio pianistico di “Nati Sotto Una Stella Solitaria”, l'album vira verso l'epicità con “La Vendetta Degli Dei”, dove una sezione ritmica impeccabile sostiene il virtuosismo di Carlotto alle tastiere.
In “E Lo Chiami Vivere” emerge invece una vena cantautorale anni '70 che guarda tanto ai Dik Dik quanto ai Procol Harum. Tra i momenti più alti del disco si colloca lo strumentale “Una Tranquillità Apparente - Il Comico Triste”, caratterizzato da un raffinato gioco stereofonico di sintesi. La chiusura è affidata alla sequenza “Demoni” e “Danza Macabra”, vera punta di diamante del lavoro: un climax pirotecnico arricchito da un suggestivo duetto vocale.
“Demoni E Dei” è un album di altissimo profilo, sapientemente registrato presso i Dr Phibes Studio da Joey Mauro e masterizzato da Mauro Mulas. L'opera brilla per l'equilibrio tra ricerca sonora e melodia tipicamente italiana, eseguita da musicisti d'eccezione. Un lavoro raffinato che non rinuncia a stupire, confermandosi sin d'ora come una delle migliori uscite di questo 2026. MS 

Versione Inglese:

HUNKA MUNKA – Demoni E Dei
M.P. & Records / GT Music
Genre: Progressive Rock / Heavy Prog
Format: Vinyl / CD – 2026

It is always a source of great satisfaction to see legendary names of Italian Progressive Rock remain artistically vital today; an encouraging sign for both the quality of our musical production and the longevity of the genre itself. Roberto Carlotto, professionally known as Hunka Munka (and a former member of Dik Dik), continues his artistic journey five years after the compelling “Foreste Interstellari” (2021). He does so alongside his trusted collaborator Joey Mauro—responsible for keyboards, backing vocals, programming, and orchestrations—and a lineup of distinguished guests, including Marcantonio Quinto, Gianluca Quinto, Andrea Arcangeli, Barbara Rubin, Minerba, and Andrea Rinaldi.
Hunka Munka remains etched in the memories of enthusiasts and collectors primarily for the excellent “Dedicato A Giovanna G.” from 1972, a bizarre and decadent concept album characterized by raspy, powerful vocals. Carlotto's career, beyond his time with Dik Dik, boasts collaborations with Big 66, I Cuccioli, and Ivan Graziani’s Anonima Sound. In this new work, “Demoni E Dei”, the artist tackles the eternal conflict between good and evil, ideally picking up the thread of that legendary debut, which was also famous for its unique toilet-shaped gatefold cover.
The physical edition of the record features high-quality graphic production by Ondemedie, enriched by the photography of Ennio Stranieri, artwork by Carmine and Enzo De Marco, and a cover designed by Joey Mauro himself. It is worth noting that such care for a physical product demonstrates not only a love for art but a profound respect for the listener—a quality that is, unfortunately, becoming increasingly rare in the current landscape.
The work opens with the instrumental intro “Addio Dolce Edel”, a melancholy movement where keyboards and guitar dialogue with rare intensity; in the finale, a reference to “Lugano Addio” pays tribute to the deep esteem held for Ivan Graziani. The tone shifts abruptly with the vigorous “Ossessioni”, a Hard Prog track that initially evokes the atmosphere of Banco del Mutuo Soccorso’s “R.I.P.”, before evolving into a sort of energetic and "angry" version of Dik Dik, supported by a solid and perfectly integrated vocal performance.
In “Cavalli Alati”, classical orchestrations and Progressive Metal influences coexist, embellished by Andrea Rinaldi’s lightning-fast guitar solo and Barbara Rubin’s excellent instrumental and vocal contribution. This is followed by “Justine”, a brief vintage interlude that leads into “L’Aeroplano D’argento”. The latter, originally featured on “Dedicato A Giovanna G.”, is presented here in a more powerful and refined arrangement; it is admirable how technical complexity manages to marry the Italian melodic tradition, a testament to Carlotto’s compositional taste. From the same 1972 LP comes “Cattedrali Di Bambù”, written by Ivan Graziani and Herbert Pagani: Barbara Rubin’s interpretation and the incursions of electric guitars elevate the song to heights of great emotional impact.
After the delicate piano passage of “Nati Sotto Una Stella Solitaria”, the album turns toward the epic with “La Vendetta Degli Dei”, where an impeccable rhythm section supports Carlotto’s keyboard virtuosity. In “E Lo Chiami Vivere”, a 1970s singer-songwriter vein emerges, nodding to both Dik Dik and Procol Harum. Among the highlights of the record is the instrumental “Una Tranquillità Apparente - Il Comico Triste”, featuring a sophisticated stereophonic interplay of synthesizers. The closing is entrusted to the sequence “Demoni” and “Danza Macabra”, the true crown jewel of the work: a pyrotechnic climax enriched by an evocative vocal duet.
“Demoni E Dei” is a high-profile album, expertly recorded at Dr Phibes Studio by Joey Mauro and mastered by Mauro Mulas. The work shines for its balance between sonic exploration and typically Italian melody, performed by exceptional musicians. A refined piece of work that never ceases to amaze, confirming itself even now as one of the best releases of 2026. MS

Crowdfunding Mesmerising

 Mesmerising lanciano la campagna crowdfunding per il nuovo album

Brescia, Italia – I Mesmerising annunciano il lancio ufficiale della loro campagna di crowdfunding per la realizzazione del nuovo album, un progetto ambizioso che punta a portare la band a un livello artistico e produttivo superiore.
I fondi raccolti saranno destinati alla produzione del disco, con il coinvolgimento di un producer di livello internazionale – con esperienza negli Stati Uniti e collaborazioni anche con Tracii Guns – oltre al mix e mastering professionale, per garantire un risultato sonoro di alta qualità.
La campagna è ora attiva su Kickstarter e rappresenta un’opportunità per il pubblico di sostenere direttamente la band, partecipando in modo concreto alla creazione del nuovo lavoro discografico.
Per i sostenitori sono disponibili diverse ricompense esclusive, tra cui contenuti speciali, esperienze personalizzate e opportunità uniche per entrare a far parte del progetto.
“Questo disco rappresenta per noi un passo fondamentale. Vogliamo realizzarlo nel modo migliore possibile e condividere questo percorso con chi crede davvero nella nostra musica,” dichiarano i Mesmerising.
Le prime 48 ore di campagna saranno cruciali per determinare la visibilità del progetto all’interno della piattaforma, rendendo il supporto immediato particolarmente importante.
 
Link alla campagna:
https://www.kickstarter.com/projects/mesmerising/lives-of-a-quiet-desperation-the-new-mesmerising-ep
 
Per maggiori informazioni, interviste o richieste stampa:
mesmerising@libero.it

Versione Inglese:

Mesmerising Launch Crowdfunding Campaign for New Album

Brescia, Italy – Mesmerising are proud to announce the official launch of their crowdfunding campaign for the creation of their new album. This ambitious project aims to push the band to a higher level of artistic and production excellence.
The funds raised will go toward the album's production, involving an international-level producer with extensive experience in the United States and a portfolio including collaborations with Tracii Guns. The campaign will also cover professional mixing and mastering to ensure a top-tier sonic result.
The campaign is now live on Kickstarter, offering fans a chance to support the band directly and play a tangible role in the creation of this new record.
Supporters can choose from various exclusive rewards, including special content, personalized experiences, and unique opportunities to become a part of the project.
"This album represents a fundamental step for us. We want to produce it in the best way possible and share this journey with those who truly believe in our music," the band stated.
The first 48 hours of the campaign are crucial for the project's visibility on the platform, making immediate support especially vital.

Campaign Link: https://www.kickstarter.com/projects/mesmerising/lives-of-a-quiet-desperation-the-new-mesmerising-ep

For more information, interviews, or press inquiries: mesmerising@libero.it

Paolo Sanna

PAOLO SANNA – Mind Castle
Autoproduzione
Genere: Virtuoso - chitarra / Progressive Metal
Supporto: Digitale (Bandcamp) – 2026

 
Ho scoperto le doti del talentuoso chitarrista Paolo Sanna nel 2023, grazie all’ascolto dell’EP “Novem Reges”.
Solitamente, in termini di gradimento e divulgazione, la musica strumentale riscontra maggiori difficoltà rispetto a quella cantata. Il motivo è presto detto: una melodia, per quanto interessante e gradevole, è più difficile da memorizzare rispetto a un testo. Tuttavia, questo concetto non vale per tutte le fette di pubblico; esiste infatti una nicchia che dalla musica pretende qualcosa in più: passaggi tecnici, controtempi e virtuosismi.
Paolo Sanna è un chitarrista che riesce a bilanciare ottime melodie e passaggi tecnici senza soffocare l’ascolto. Ne ho avuto conferma con il nuovo lavoro “Mind Castle”, in uscita il 20 gennaio 2026.
L’artista, nato a Bassano del Grappa il 12 novembre 1991, inizia ad appassionarsi alla chitarra a 15 anni, suonando come autodidatta in band locali. In seguito intraprende studi accademici presso il conservatorio “Cesare Pollini” di Padova, dove consegue la laurea triennale in Musica Elettronica sotto la guida del professor Matteo Costa. Grazie al progetto Erasmus presso l’Accademia Musicale di Cracovia, entra in una band multiculturale esibendosi nei club polacchi. Consegue inoltre i diplomi di 1°, 2° e 3° livello presso l’Accademia Doopy, ottenendo l'abilitazione all'insegnamento. Dopo aver composto la musica per il cortometraggio indipendente Alpha e Omega di Nicola Pegg, debutta discograficamente nel 2016 con il progetto Inedia e l’album Aritmia/Wasteland. Questa carriera, ricca di esperienze diverse, lo ha condotto a comporre musica che in molti passaggi sfiora il Progressive Metal.
Il disco vanta una copertina affascinante che introduce l’ascoltatore nel mondo immaginifico di Sanna: un castello costruito all'interno del cranio di un busto di pietra, a simboleggiare l'architettura del pensiero.
I sette brani di Mind Castle si aprono con "Ascension", una composizione in crescendo dalle atmosfere velatamente oscure e possenti. La musica evoca scenari cinematografici, tra attese e ripartenze scandite da riff taglienti. La potenza trova conferma in "Get Out", una fuga in cui la chitarra si cimenta in scale interessanti per poi adagiarsi su fraseggi melodici; questo alternarsi di soluzioni mantiene alta l’attenzione.
"Eat More" ruggisce con forza, scurendo ulteriormente i toni in un’immersione nel Progressive Metal più articolato. Segue "Ghost Whisper", dove i "fantasmi" sembrano palesarsi in tutta la loro impalpabile essenza. Il brano trasmette sensazioni altalenanti tra richiami al Metal nordico e momenti più distesi, impreziositi da ottimi giri di basso. È, a mio avviso, uno dei pezzi migliori del lotto.
Con "Baroque Dance" si cambia registro: su un ritmo Funk, Sanna scivola sulla tastiera riscoprendo sonorità a cavallo tra la fine degli anni '70 e i primi '80. Sembra quasi una jam session in cui l’artista mette a nudo la propria cultura musicale. "Industrial Spike" mostra invece un carattere deciso e una consapevolezza dei propri mezzi capace di ammaliare chi ascolta. Chiude il disco l'oscura "å", un brano dal lento ritmo Doom arricchito da eccellenti tappeti di tastiera.
Sanna dimostra di saper condurre l’ascoltatore in questo viaggio facendogli da "Cicerone" con classe, senza mai strafare e disseminando qua e là chicche sonore. Consiglio vivamente l’ascolto di Mind Castle: contiene passaggi che rimangono impressi nella memoria, un pregio raro e prezioso per un album interamente strumentale. MS 

Versione Inglese:

PAOLO SANNA – Mind Castle
Self-release
Genre: Virtuoso Guitar / Progressive Metal
Format: Digital (Bandcamp) – 2026

 
I first discovered the skills of talented guitarist Paolo Sanna in 2023, after listening to his EP Novem Reges.
Typically, in terms of popularity and mainstream reach, instrumental music faces greater challenges compared to vocal music. The reason is simple: a melody, however interesting and pleasant, is harder to memorize than lyrics. However, this does not apply to all audiences; there is a niche that demands something more from music: technical passages, odd time signatures, and virtuosity.
Paolo Sanna is a guitarist who manages to balance excellent melodies with technical passages without overwhelming the listener. I found confirmation of this in his new work Mind Castle, set for release on January 20, 2026.
Born in Bassano del Grappa on November 12, 1991, the artist first fell in love with the guitar at the age of 15, playing as a self-taught musician in local bands. He later pursued academic studies at the “Cesare Pollini” Conservatory in Padua, where he earned a Bachelor’s degree in Electronic Music under the guidance of Professor Matteo Costa. Thanks to an Erasmus project at the Academy of Music in Kraków, he joined a multicultural band, performing in Polish clubs. He also holds 1st, 2nd, and 3rd-level diplomas from the Doopy Academy, including teaching certification. After composing the music for the independent short film Alpha e Omega by Nicola Pegg, he made his recording debut in 2016 with the project Inedia and the album Aritmia/Wasteland. This career, rich in diverse experiences, has led him to compose music that frequently borders on Progressive Metal.
The album boasts a fascinating cover that introduces the listener to Sanna's imaginative world: a castle built inside the skull of a stone bust, symbolizing the "architecture of thought."
The seven tracks of Mind Castle open with "Ascension", a composition that builds in intensity with vaguely dark and powerful atmospheres. The music evokes cinematic scenarios, characterized by pauses and restarts driven by sharp riffs. This power is confirmed in "Get Out", a fast-paced track where the guitar ventures into interesting scales before settling into melodic phrasing; this alternating approach keeps the listener's attention high.
"Eat More" roars with strength, further darkening the tones in an immersion into more complex Progressive Metal. This is followed by "Ghost Whisper", where "ghosts" seem to manifest in all their impalpable essence. The track conveys fluctuating sensations between nods to Nordic Metal and more relaxed moments embellished by excellent bass lines. In my opinion, it is one of the best tracks of the lot.
With "Baroque Dance", the record shifts gears: over a Funk rhythm, Sanna glides across the fretboard, rediscovering sounds from the late '70s and early '80s. It feels almost like a jam session where the artist lays bare his musical background. "Industrial Spike", on the other hand, shows a strong character and a self-awareness capable of captivating the listener. The album closes with the dark "å", a track with a slow Doom pace enriched by excellent keyboard layers.
Sanna proves he can lead the listener through this journey, acting as a "Cicerone" (guide) with class, never overdoing it while scattering sonic gems throughout. I highly recommend listening to Mind Castle: it contains passages that truly stick in the mind—a rare and precious quality for an entirely instrumental album. MS

Piccola guida ai Bootlegs dei Genesis

 

Il Labirinto dei Suoni Perduti: Piccola guida ai Bootleg dei Genesis

Per i collezionisti e gli appassionati di Progressive Rock, la discografia ufficiale dei Genesis rappresenta solo la punta dell'iceberg. Esiste un universo parallelo di registrazioni dal vivo, demo e outtakes — comunemente chiamati bootleg — che documenta l'evoluzione della band da pionieri del teatro Rock con Peter Gabriel a giganti dei palazzetti con Phil Collins.

Queste registrazioni non ufficiali sono fondamentali per comprendere la complessità tecnica e l'energia trasformativa del gruppo sul palco.

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L'Era d'Oro di Peter Gabriel (1970–1975)

In questo periodo, i bootleg catturano l'essenza teatrale e mistica della band. La qualità varia dai "nastri del pubblico" (audience tapes) a registrazioni radiofoniche cristalline.

"The Shepherd" (1970): Contiene rare sessioni per la BBC e brani del periodo Trespass mai pubblicati ufficialmente.

"Live at the Rainbow" (1973): Una delle registrazioni più celebri del tour di Selling England by the Pound. Esiste in numerose versioni e offre una qualità sonora quasi professionale.

"The Lamb Lies Down on Broadway - Live in Los Angeles" (1975): Documenta l'ambizioso ultimo tour con Gabriel. È essenziale per ascoltare l'esecuzione integrale della loro opera rock più complessa.

"Live in Montreal" (1974): Spesso citato per la straordinaria performance vocale e l'atmosfera carica di tensione artistica.

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La Transizione e l'Ascesa di Phil Collins (1976–1980)

Dopo l'addio di Gabriel, la band dimostrò una resilienza incredibile. I bootleg di questo periodo mostrano come il suono si sia fatto più potente e dinamico.

"A Trick of the Tail Outtakes" (1976): Un dietro le quinte fondamentale per capire come la band abbia ricostruito il proprio sound in studio.

"Wind & Wuthering Rough Mixes" (1976): Versioni embrionali dei brani che avrebbero segnato l'ultima collaborazione in studio con Steve Hackett.

"Seconds Out: The Unreleased Tracks" (1977): Molti concerti del tour di Wind & Wuthering furono registrati professionalmente; queste "chicche" completano ciò che non trovò spazio nel celebre album live ufficiale.

"Knebworth" (1978): Un documento storico del primo grande festival come trio (supportati da Chester Thompson e Daryl Stuermer).

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L'Era dei Campioni del Pop-Rock (1981–1992)

Con il successo planetario degli anni '80, i bootleg si spostano verso le grandi produzioni negli stadi, dove l'improvvisazione lascia spazio a una perfezione esecutiva millimetrica.

"The Mama Tour - Live in Birmingham" (1984): Cattura l'atmosfera cupa e industriale di uno dei tour più amati dai fan della seconda ora.

"Invisible Touch Tour - Wembley" (1987): Sebbene esistano video ufficiali, le registrazioni audio non filtrate offrono una prospettiva diversa sull'energia della band davanti a 80.000 persone.

"The Last Domino? Rehearsals" (2021): Per i fan più moderni, i bootleg delle prove dell'ultimo tour offrono uno sguardo intimo sulla preparazione tecnica e gli arrangiamenti rivisitati.

A differenza di molte altre band, i Genesis hanno sempre curato maniacalmente il suono. Molti bootleg derivano da Soundboard Tapes (direttamente dal mixer) o da FM Broadcasts (trasmissioni radio), garantendo un'esperienza d'ascolto spesso paragonabile a un disco ufficiale.

Nota per il collezionista: Molti di questi titoli sono stati oggi assorbiti o migliorati da progetti di fan come il Genesis Movement, che mira a preservare la storia della band senza fini di lucro.

 

Versione Inglese:

The Labyrinth of Lost Sounds: A Brief Guide to Genesis Bootlegs

For collectors and Progressive Rock enthusiasts, the official Genesis discography represents only the tip of the iceberg. There exists a parallel universe of live recordings, demos, and outtakes—commonly known as bootlegs—that documents the band’s evolution from theatrical Rock pioneers with Peter Gabriel to arena giants with Phil Collins.

These unofficial recordings are essential for understanding the group's technical complexity and transformative energy on stage.

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The Golden Era of Peter Gabriel (1970–1975)

During this period, bootlegs capture the band's theatrical and mystical essence. Quality ranges from "audience tapes" to crystal-clear radio broadcasts.

"The Shepherd" (1970): Features rare BBC sessions and tracks from the Trespass era that were never officially released.

"Live at the Rainbow" (1973): One of the most famous recordings from the Selling England by the Pound tour. It exists in numerous versions and offers near-professional sound quality.

"The Lamb Lies Down on Broadway - Live in Los Angeles" (1975): Documents the ambitious final tour with Gabriel. It is essential for hearing the full performance of their most complex rock opera.

"Live in Montreal" (1974): Often cited for its extraordinary vocal performance and an atmosphere charged with artistic tension.

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Transition and the Rise of Phil Collins (1976–1980)

Following Gabriel’s departure, the band showed incredible resilience. Bootlegs from this era demonstrate how their sound became more powerful and dynamic.

"A Trick of the Tail Outtakes" (1976): A fundamental "behind the scenes" look at how the band rebuilt their studio sound.

"Wind & Wuthering Rough Mixes" (1976): Early versions of the tracks that would mark the final studio collaboration with Steve Hackett.

"Seconds Out: The Unreleased Tracks" (1977): Many concerts from the Wind & Wuthering tour were professionally recorded; these "gems" complete what didn't make the cut for the famous official live album.

"Knebworth" (1978): A historical document of their first major festival as a trio (supported by Chester Thompson and Daryl Stuermer).

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The Pop-Rock Champions Era (1981–1992)

With global success in the 1980s, bootlegs shifted toward massive stadium productions, where improvisation gave way to millimetric executive perfection.

"The Mama Tour - Live in Birmingham" (1984): Captures the dark, industrial atmosphere of one of the most beloved tours for second-era fans.

"Invisible Touch Tour - Wembley" (1987): While official videos exist, these unfiltered audio recordings offer a different perspective on the band's energy in front of 80,000 people.

"The Last Domino? Rehearsals" (2021): For modern fans, bootlegs of the final tour rehearsals offer an intimate look at the technical preparation and revisited arrangements.

Unlike many other bands, Genesis always maintained a manic focus on sound. Many bootlegs are sourced from Soundboard Tapes (directly from the mixing desk) or FM Broadcasts, ensuring a listening experience often comparable to an official release.

Collector's Note: Many of these titles have since been absorbed or improved by fan projects like the Genesis Movement, which aims to preserve the band's history on a non-profit basis.

Sigmund Freud

SIGMUND FREUD – Risveglio
Black Widow Records
Genere: Rock Progressivo Italiano
Supporto: CD - 2025

Gli anni ’70, anche in Italia, sono stati una fucina di band dedite al Rock Progressivo. Più cerco e studio il movimento, e più aumentano le sorprese. Spesso viene in aiuto internet, ma soprattutto le case discografiche con ristampe o realizzazioni mai edite, in un’opera di rivalutazione di alcuni artisti che all’epoca non hanno ricevuto la giusta considerazione.
Sappiamo bene che il movimento nostrano è derivante da quello inglese, con l’innesto della mediterraneità che ci contraddistingue; ecco quindi la Premiata Forneria Marconi, Le Orme, Il Banco Del Mutuo Soccorso, ecc.
Questi sono anche punti di riferimento per la band dei Castelli Romani Sigmund Freud. Sorgono nell’estate del 1972 e, malgrado la loro giovane età, si muovono discretamente nell’hinterland sonoro, partecipando anche a festival di tutto rispetto come il Villa Pamphili, Villa Adda, Conca D’Oro e altri ancora. Il nome che si danno è ovviamente relativo al fondatore della psicoanalisi, pensando che questo possa essere il degno rappresentante di questa musica per la mente.
Si sciolgono nel 1978 e non rilasciano mai un album sino al 2013, anno del ritorno e del debutto, con “Illusioni”. Oggi li ritroviamo grazie all’attenzione della Black Widow e “Risveglio”. Questo album è una raccolta di inediti e brani che avevano realizzato durante la metà degli anni ’70.
La band ha visto passare fra le sue linee differenti musicisti, che qui vado a elencare: dall’ideatore Claudio Ciuffa (chitarra, flauto), Marco Cavaterra (basso, voce), Fabio Tata (tastiere), Dario Masani (batteria), Dino Pacini (chitarra), Caterina Russo (voce), Robin Taylor (violoncello e piano), Luca Allori (voce, chitarra), Evandro Gabbiati (batteria), e Claudio Carbonetti (tastiere).
Il sound proposto è quello che rispecchia l’andamento degli anni d’oro, soprattutto supportato da quegli strumenti che hanno reso il genere immortale, come l’Hammond, il Mini Moog, il Mellotron e il flauto.
Sei i movimenti che compongono “Risveglio”, a iniziare da “Fiori Di Polvere Bianca”. Il titolo, per i più attenti di voi, potrebbe richiamare la famosa “Profumo Di Colla Bianca” della Locanda Delle Fate; in fin dei conti, il genere è questo. I Sigmund Freud si muovono in territori orecchiabili, dove la formula canzone è tenuta altamente in considerazione, tuttavia non esulano gli immancabili cambi di tempo. Il flauto catapulta le sensazioni al periodo in analisi; dodici minuti che riassumono la storia del Progressive Rock italiano.
La successiva “Giochi D’Ombre” è un’altra mini-suite che mette in evidenza ancora una volta la buona ritmica supportata dalle tastiere sempre presenti. La magia del genere italiano è legata al nostro inconfondibile stile, che si distanzia, seppur non eccessivamente, da quello della nazione madre del Prog, ossia l’Inghilterra dei Genesis e compagnia bella. Qui anche una fase narrata e recitata con molti punti di congiunzione al Banco Del Mutuo Soccorso. Buone le fughe strumentali, che sono sempre i momenti che un fan attende con trepidazione.
“Palla Di Neve” si apre con un arpeggio di chitarra dal sentore antico, soprattutto con l’arrivo del flauto a supporto. Brano incantato in cui capita spesso di trovarci ad ascoltare ad occhi chiusi, ma le fughe strumentali e un cantato di nuovo recitato sono sempre dietro l’angolo, per tramutare la composizione in un movimento molto energico.
“La Quiete Dopo La Tempesta” è l’ennesima mini-suite di dieci minuti; qui gli anni ’70 sono ancor più marcati e si possono respirare quelle arie che li hanno resi inconfondibili e unici. Bella vetrina per le doti balistiche dei singoli componenti. Il discorso è analogo per “Epilogo”; basta lasciare andare la mente per trovarsi in quelle ambientazioni.
E per concludere, “Freud 70’s Medley”, registrazioni del passato che fotografano alla perfezione la band in quel periodo attraverso sedici minuti di ammalianti percezioni.
Chi ama il genere, le tastiere nominate, il flauto e le chitarre in evidenza, non può ignorare “Risveglio” e faccio i miei complimenti non soltanto alla ottima band, ma anche alla Black Widow che ha saputo ridare luce a questi signori che avrebbero meritato sicuramente maggiore fortuna. MS 

Versione Inglese: 

SIGMUND FREUD -  Risveglio
Black Widow Records
Genre: Italian Progressive Rock
Format: CD - 2025

The 1970s, even in Italy, were a hotbed of bands dedicated to Progressive Rock. The more I research and study the movement, the more surprises I find. Often, the internet comes to the rescue, but especially record labels with reissues or previously unreleased material, in a work of reevaluation of some artists who at the time did not receive the right consideration.
We know well that our national movement is derived from the English one, with the addition of the Mediterranean flair that distinguishes us; hence the Premiata Forneria Marconi, Le Orme, Il Banco Del Mutuo Soccorso, etc.
These are also reference points for the Roman Castles band Sigmund Freud. They emerged in the summer of 1972 and, despite their young age, moved discreetly in the sound hinterland, participating in respected festivals like Villa Pamphili, Villa Adda, Conca D’Oro, and others. The name they chose is obviously related to the founder of psychoanalysis, thinking that this could be a worthy representative of this music for the mind.
They disbanded in 1978 and never released an album until 2013, the year of their return and debut, with “Illusioni”. Today we find them again thanks to the attention of Black Widow and “Risveglio”. This album is a collection of unreleased and tracks they had recorded during the mid-1970s.
The band has seen different musicians pass through its ranks, which I will list here: from the founder Claudio Ciuffa (guitar, flute), Marco Cavaterra (bass, vocals), Fabio Tata (keyboards), Dario Masani (drums), Dino Pacini (guitar), Caterina Russo (vocals), Robin Taylor (cello and piano), Luca Allori (vocals, guitar), Evandro Gabbiati (drums), and Claudio Carbonetti (keyboards).
The proposed sound reflects the trend of the golden years, especially supported by those instruments that have made the genre immortal, such as the Hammond, Mini Moog, Mellotron, and flute.
There are six movements that make up “Risveglio”, starting with “Fiori Di Polvere Bianca”. The title, for the most attentive of you, might recall the famous “Profumo Di Colla Bianca” by Locanda Delle Fate; after all, the genre is this. Sigmund Freud moves in catchy territories, where the song formula is highly considered, yet they don’t exclude the inevitable tempo changes. The flute catapults the sensations to the period under analysis; twelve minutes that summarize the history of Italian Progressive Rock.
The subsequent “Giochi D’Ombre” is another mini-suite that highlights once again the good rhythm supported by the always-present keyboards. The magic of the Italian genre is linked to our unmistakable style, which distances itself, albeit not excessively, from that of the motherland of Prog, namely England’s Genesis and company. Here, too, there’s a narrated and recited phase with many points of connection to Banco Del Mutuo Soccorso. Good instrumental passages, which are always the moments a fan awaits with bated breath.
“Palla Di Neve” opens with a guitar arpeggio with an ancient feel, especially with the arrival of the flute in support. Enchanted track in which we often find ourselves listening with our eyes closed, but instrumental passages and recited singing are always around the corner, to transform the composition into a very energetic movement.
“La Quiete Dopo La Tempesta” is yet another ten-minute mini-suite; here the 1970s are even more marked, and you can breathe in those arias that made them unmistakable and unique. A great showcase for the ballistic skills of the individual components. The same goes for “Epilogo”; just let your mind go to find yourself in those settings.
And to conclude, “Freud 70’s Medley”, recordings from the past that perfectly capture the band in that period through sixteen minutes of captivating perceptions.
Anyone who loves the genre, the mentioned keyboards, flute, and guitars in evidence, cannot ignore “Risveglio”. I offer my compliments not only to the excellent band but also to Black Widow, which has managed to shed light on these gentlemen who would have certainly deserved more fortune. MS.