Treetops

TREETOPS – Aphonia
Etichetta: Ipe / Maladisco Music
Distribuzione: Goodfellas
Genere: Jazz Rock / Art Rock
Supporto: CD / Digital (2026)

L’afonia è la perdita totale della voce, l’incapacità di produrre suoni vocali. Può derivare da cause fisiche o psicologiche legate a stress e traumi, manifestandosi con una voce ridotta a un sussurro o del tutto assente. Questa definizione clinica dà il titolo al nuovo album dei Treetops.
Dopo “Demetra” (2021) e l’EP “Metropolis” (2023), il terzo lavoro del settetto romano si configura come un concept album incentrato sulla difficoltà di comunicare e sui disturbi del linguaggio. Per l'occasione, la band sceglie di avvalersi del supporto vocale grazie all’ospite Ava Alami e al narrato di Artemisia Von Gresturedn (Almaviva).
L’ensemble, composto da Anna Bielli (chitarra), Marco Bedini (sax soprano), Andrea Cardone (sax tenore), Andrea Spiridigliozzi (chitarra), Marcello Tirelli (tastiere), Simone Ndiaye (basso) e Luca Libonati (batteria), si dedica a una musica spesso improvvisata. Si tratta di un Jazz che lascia ampio spazio al Funky e al Rock, con un sound che spazia dai Weather Report ai Radiohead, passando per Tortoise e Mogwai.
Ogni titolo dell'album rimanda a una patologia specifica. Si parte con "Afasia", un disturbo acquisito che compromette la capacità di esprimersi o comprendere le parole a causa di lesioni cerebrali. La musica traspone questi effetti attraverso un sax che si incanta in un riverbero continuo, simulando perfettamente lo smarrimento del linguaggio; il brano evolve in un andamento Jazz Rock inframezzato dal narrato su una strumentazione libera.
"Ecolalia" esplora l’incomunicabilità attraverso la ripetizione patologica di parole o concetti. Nonostante il tema, le trame melodiche coinvolgono l’ascoltatore con naturalezza, non disdegnando cambi di tempo che avvicinano il mondo Treetops al Progressive Rock. Segue "Memory Box", aperta da un arpeggio di chitarra e voce: un brano dolce e sognante che esamina il divario tra passato e futuro, dove richiami sonori d'annata si intrecciano a modernismi dal fascino personale.
"Happiness Is" entra in scena con discrezione per poi esplodere nel ruggito di chitarre distorte. Il brano descrive nervosamente la difficoltà delle nuove generazioni nell'esprimere tristezza e disagio, un problema acuito esponenzialmente dal post-lockdown.
Notevole è "The Listener": sei minuti abbondanti che rappresentano la vetta del disco, grazie a un sapiente intreccio di doppi sax, elettronica e strumentazione acustica che richiama pilastri come Perigeo, Arti & Mestieri e Agorà.
In "Melancholia", un elogio alla distruzione del mondo dove nessuno sembra più ascoltare l'altro, vengono ripetute sillabe sacre (tra cui quelle dedicate al dio Shiva). Il pezzo sfocia nella psichedelia pura, mantenendo però intatta l'identità stilistica della band. Il discorso prosegue con garbo e ricercatezza in "Solilogos", per poi approdare a "Dispnea". Quest’ultima evoca la sensazione di un attacco di panico attraverso sonorità squisitamente anni '70, mostrando il lato più morbido e sussurrato del gruppo. Al contrario, "Eupnea" rappresenta il sollievo della ripresa, risolvendosi in un breve strumentale in crescendo.
Verso la chiusura, il ritmo sale in "Kledia", dove i musicisti si rincorrono sul pentagramma dando prova di eccellenti doti tecniche. Il "Finale" tira infine le somme: già edito in Metropolis, il brano viene qui riarrangiato e arricchito di una nuova freschezza strumentale.
I Treetops dimostrano un’esperienza e un’amalgama invidiabili. La loro espressione libera è talmente coinvolgente da rendere l'ascoltatore parte integrante del processo creativo. Un lavoro di rara ricchezza spirituale e mentale. MS

Versione Inglese: 

 
TREETOPS – Aphonia
Label: Ipe / Maladisco Music
Distribution: Goodfellas
Genre: Jazz Rock / Art Rock
Format: CD / Digital (2026)

Aphonia is the total loss of voice, the inability to produce vocal sounds. It can stem from physical or psychological causes related to stress and trauma, manifesting as a voice reduced to a whisper or absent entirely. This clinical definition provides the title for the new album by Treetops.
Following Demetra (2021) and the EP Metropolis (2023), the third work from the Roman septet is a concept album centered on the difficulties of communication and language disorders. For this project, the band incorporates vocal support—treated as an experimental instrument—featuring guest Ava Alami and narration by Artemisia Von Gresturedn (Almaviva).
The ensemble—comprising Anna Bielli (guitar), Marco Bedini (soprano sax), Andrea Cardone (tenor sax), Andrea Spiridigliozzi (guitar), Marcello Tirelli (keyboards), Simone Ndiaye (bass), and Luca Libonati (drums)—is dedicated to often-improvised music. Their style is a form of Jazz that leaves ample room for Funk and Rock, with a sound ranging from Weather Report to Radiohead, by way of Tortoise and Mogwai.
Track-by-track Analysis
Each title on the album refers to a specific pathology. It begins with "Afasia" (Aphasia), an acquired disorder that impairs the ability to express or understand words due to brain lesions. The music translates these effects through a saxophone lost in continuous reverb, perfectly simulating the bewilderment of language; the track evolves into a Jazz Rock groove interspersed with narration over free instrumentation.
"Ecolalia" (Echolalia) explores inability to communicate through the pathological repetition of words or concepts. Despite the theme, the melodic textures engage the listener naturally, featuring time signature shifts that bring the Treetops' world closer to Progressive Rock. Next is "Memory Box", opening with a guitar and vocal arpeggio: a sweet, dreamy piece examining the gap between past and future, where vintage sonic echoes intertwine with a personal, modern charm.
"Happiness Is" enters discreetly before exploding into the roar of distorted guitars. The track nervously depicts the struggle of younger generations to express sadness and unease—an issue exponentially heightened by the post-lockdown era. A standout is "The Listener": over six minutes that represent the album's peak, thanks to a skillful weaving of double saxophones, electronics, and acoustic instrumentation reminiscent of Italian pillars like Perigeo, Arti & Mestieri, and Agorà.
In "Melancholia", a tribute to the destruction of a world where no one listens to each other, sacred syllables are repeated (including those dedicated to the god Shiva). The piece flows into pure psychedelia while maintaining the band's stylistic identity. This journey continues with grace and refinement in "Solilogos", eventually reaching "Dispnea" (Dyspnea). The latter evokes the sensation of a panic attack through exquisite 1970s-inspired sounds, showcasing the group's softer, whispered side. In contrast, "Eupnea" represents the relief of recovery, resolving into a brief instrumental crescendo.
Towards the close, the tempo rises in "Kledia", where the musicians chase each other across the staff, demonstrating their excellent technical prowess. The "Finale" ties everything together: previously released on Metropolis, the track is rearranged here and enriched with a new instrumental freshness.
Treetops demonstrate an enviable level of experience and cohesion. Their free expression is so immersive that it makes the listener feel like an integral part of the creative process. A work of rare spiritual and mental richness. MS

Marco Maurizi

MARCO MAURIZI – Dead America Dream Again
Label: Atypeek Music
Genere: Progressive Rock
Formato: Digitale - 2025

Ho appena finito di apprezzare “A Book Of Prog Prayers” del chitarrista romano Marco Maurizi, che mi ritrovo ad ascoltare un suo nuovo lavoro a distanza di pochissimi mesi: “Dead America Dream Again”.
Classe 1974, Maurizi dimostra ampie vedute musicali spaziando dal "Prog demenziale" dei Dune (sua ex band) fino al Punk. Tuttavia, il suo DNA artistico gravita principalmente attorno a giganti come King Crimson, Genesis e Beatles. In questo nuovo album digitale, l’autore approfondisce le contraddizioni socio-politiche degli Stati Uniti, attingendo a un repertorio di brani inediti composti in trent'anni di attività. Non si tratta di un concept album nel senso stretto, quanto di un fitto puzzle sonoro in cui Pop, musica orchestrale ed elettronica si intersecano costantemente. L’America ne emerge come un enorme zombie: un impero che continua a sognare mentre, simultaneamente, si sgretola.
L'opera è composta da ben diciotto tracce e si apre con “This Country Is Yours”, due minuti introduttivi dominati da una chitarra di stampo "crimsoniano": Robert Fripp docet.
Quasi fosse una colonna sonora, “A President's Mind” tesse un intricato giro d’archi che ricorda le sperimentazioni Rock di Frank Zappa, per poi sfociare in “Life On Musk?”, un brano improvvisato ricco di contaminazioni elettroniche. Il disco torna a forme più strutturate con “Sunday Morning Is For Forgiveness”, dove l’artista si cimenta in un movimento tipicamente statunitense, in bilico tra Folk e Pop anni ’70.
Il fantasma di Zappa aleggia chiaramente in “Kamala Harris' Secret Beauty Cream”, pezzo orchestrato e ricercato nell'uso degli effetti. All'improvviso, però, l'album sprofonda in un abisso oscuro: “Hate Speech / Dogs With Guns” avvolge l’ascoltatore con suoni inquietanti, psichedelici e voci cameristiche che pesano sullo stato d’animo come un macigno. Ma si cambia subito registro: l’allegra “Can't Save Yourself” vira sorprendentemente verso il Reggae. A seguire, la mini-suite orchestrale e bucolica “La Sacre de l’O.T.A.N. / El Muro / Amber 1 / Inclusions” (undici minuti) sperimenta ritmi e sonorità che ricordano il Thom Yorke solista.
Maurizi non dimentica però di essere un eccellente chitarrista, oltre che un compositore ispirato: “The Way We Were” è un pezzo melodioso e solare che colpisce per la sua pulizia. Il viaggio americano prosegue con “Tariffs Blues”, una nenia in cui il parlato si alterna all'armonica a bocca, per poi salire metaforicamente sul carro beatlesiano di Magical Mystery Tour con “National Anthem / Coltrane's Dream #9”.
La sperimentazione torna protagonista in “Nake Fews / Amber 2”, tra voci radiofoniche, violini e fiati, seguita dal tocco ancora una volta beatlesiano — e decisamente ispirato — di “You Gotta Love Me (I'm The Son Of God)”. Il disco procede per contrasti (il classico "schiaffo e bacio"): “Drill Baby Drill” è rumoristica ed empirica, mentre “Words Won't Hurt” è una ballata cantautoriale di rara bellezza cristallina che conferma la solida cultura musicale dell'autore.
C'è ancora spazio per le fughe zappiane di “Pink-Haired Communists” — che sembrano scritte per un cortone animato di Tom & Jerry — e per l'inaspettato Rock di “Death Is on the Way / Deep States of Doge”, che strizza l'occhio all'AOR con un cantato sopra le righe. A destabilizzare definitivamente arriva la chiusura affidata a “The Surfin' Rangers”, un tuffo nostalgico nei primi anni ’60.
Conclusioni “Dead America Dream Again” offre un’enorme quantità di stimoli. È un album che si lascia ascoltare con piacere, pur richiedendo un pubblico preparato e dalle vedute ampie. È musica per la mente, senza confini né peli sulla lingua. Immaginate di salire su delle montagne russe: un'esperienza bellissima. MS

Versione Inglese:

MARCO MAURIZI – Dead America Dream Again
Label: Atypeek Music
Genre: Progressive Rock
Format: Digital - 2025

I had just finished enjoying “A Book Of Prog Prayers” by the Roman guitarist Marco Maurizi when, only a few months later, I found myself listening to his latest effort: “Dead America Dream Again”.
Born in 1974, Maurizi possesses a broad musical vision, spanning from the "comedy-prog" of his former band Dune to Punk. However, his artistic DNA primarily revolves around legendary groups like King Crimson, Genesis, and The Beatles. In this digital album, the author explores the socio-political contradictions of contemporary America. The work draws from his past repertoire of unreleased tracks written over thirty years of activity. Rather than a traditional concept album, it is a dense sonic puzzle where Pop, orchestral music, electronics, and more intersect. America is thus depicted as a giant zombie: an empire that dreams while simultaneously crumbling.
The album features eighteen tracks, opening with “This Country Is Yours”, a two-minute introduction centered on Maurizi’s "Crimsonian" guitar style. Robert Fripp docet.
Like a film score, “A President's Mind” weaves an intricate string arrangement reminiscent of Frank Zappa’s rock experiments, eventually flowing into “Life On Musk?”, an improvisational piece filled with eclectic sounds and electronic flourishes. The music returns to more structured forms with “Sunday Morning Is For Forgiveness”, where the artist explores a typically American movement, blending 1970s-style Folk and Pop.
I mentioned Zappa, and “Kamala Harris' Secret Beauty Cream” feels like it could belong straight in his discography: orchestrated and sophisticated with its various sound effects. Suddenly, the album takes a dive into a dark abyss; “Hate Speech / Dogs With Guns” envelops the listener in unsettling, psychedelic sounds and chamber-like voices that weigh heavy on the mood. Then, the record shifts gears completely: the cheerful “Can't Save Yourself” takes a stroll through Reggae. If you’re enjoying the ride, the next stop is the pastoral, orchestral mini-suite “La Sacre de l’O.T.A.N. / El Muro / Amber 1 / Inclusions” (eleven minutes), which halfway through ventures into experimental rhythms that would appeal to Thom Yorke.
Maurizi also reminds us that he is a stellar guitarist as well as an inspired composer. “The Way We Were” is a melodic, sun-drenched track that will surely surprise many. We return to the States with “Tariffs Blues”, a title that perfectly reflects its content: a chant where narration hands the baton to the harmonica.
Metaphorically, we board the Beatles’ “Magical Mystery Tour” bus with “National Anthem / Coltrane's Dream #9”, before returning to experimental improvisation in “Nake Fews / Amber 2”, where radio voices drift over violins and woodwinds. The Beatles’ influence returns even more prominently in the inspired and well-crafted “You Gotta Love Me (I'm The Son Of God)”. The album continues to oscillate between "a slap and a kiss," shifting back to experimentation with “Drill Baby Drill”, a track that is both noisy and empirical. One cannot remain indifferent to the crystalline beauty of “Words Won't Hurt”, a singer-songwriter ballad that showcases Maurizi’s solid musical culture.
And then... more Zappa-esque escapes with “Pink-Haired Communists”, which sounds like the soundtrack to a Tom & Jerry cartoon. The sudden Rock energy of “Death Is on the Way / Deep States of Doge” surprises the listener by leaning into AOR with an over-the-top vocal performance. Finally, the closing track “The Surfin' Rangers” is even more destabilizing—a nostalgic plunge into the early 1960s.
Verdict There is a wealth of material in this album, making for an engaging listen, even if certain moments require an experienced or open-minded audience. This is music for the mind—borderless and uncompromising. Think of it as a sonic roller coaster. Brilliant. MS

Davide Riccio Feat. MaaS

DAVIDE RICCIO Feat. MaaS – amAI? / Ake Moke Reke
Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore / Elettronica
Supporto: CD – 2026

Esistono artisti che dedicano l’intera vita alla musica per puro spirito creativo, operando al di fuori dei circuiti puramente commerciali. Nell'era contemporanea questo fenomeno è sempre più marcato, ma ciò non sminuisce la qualità che certi autori sanno mettere in campo.
Davide Riccio, in arte DeaЯ, è un artista torinese che abbiamo imparato ad apprezzare attraverso numerosi lavori, tra i quali spicca l'imponente "Gli Altri" (2024), un'opera composta da ben tre CD. Difficile incasellarlo in un unico genere: la sua vena creativa, nata negli anni ’80, è mutata nel tempo attraversando mode e sonorità eterogenee. La carriera del polistrumentista e cantante è ricca di esperienze: dalle militanze in band come Canned Music, Bluest e Off Beat, a progetti collettivi come “Neumi”, fino alla realizzazione di "Flatland" per RAI 3. Riccio è inoltre un autore prolifico di poesie e libri, collaboratore giornalistico e speaker per Radio Banda Larga. Questa poliedricità si riflette oggi nel nuovo incontro con Mauro Sanna (MaaS), musicista, compositore e sperimentatore nel campo dell’Intelligenza Artificiale.
L’AI è da tempo al centro di accesi dibattiti musicali. Personalmente, ritengo che se adoperata con criterio e nei contesti tecnici appropriati, possa rivelarsi uno strumento prezioso. Al contrario, appare fredda se sfruttata per scimmiottare lo stile di artisti già noti. Questa premessa serve a chiarire la mia totale imparzialità: l’apporto tecnologico non inciderà sul mio giudizio dell'opera.
Il disco si apre con i suoni New Wave di “Capo Chimera”, che ci riporta immediatamente alle atmosfere anni ’80. L'elettronica cura ritmica e tessuti sonori su cui si innesta un cantato moderato ma deciso, caratterizzato da doppie vocalità. La melodia è immediata e facile da memorizzare, un aspetto su cui DeaЯ ha lavorato con costanza negli anni.
“Anche Io In Arcadia” introduce ambientazioni spaziali; un cantautorato ponderato e privo di fronzoli dove il ritornello si imprime con forza nella mente. Più solare “Valentina”, dedica femminile che richiama le sonorità di Aleco: qui l’uso delle coralità è fondamentale per la riuscita di un brano dal forte potenziale radiofonico. L’album si fa introspettivo con “Anima Nuda”, un pezzo dal procedere minimale che valorizza un testo curato e dettagliato. La scelta di un arrangiamento essenziale è funzionale a non sovrastare la comunicazione verbale, che qui riveste il ruolo primario.
Mentre “Weltschmerz” vira verso una disco-music anni ’80 contaminata dal Post-Punk, “Shigata Ga Nai” proietta l’ascoltatore in un lontano Oriente attraverso le liriche, mantenendo però un’impronta cantautorale prettamente italica. “Misantropia” alterna dinamiche dance a momenti più rilassati, mentre per ritrovare la chitarra bisogna attendere “Sindrome Della Pagina Bianca”, territorio in cui l’autore si muove con particolare disinvoltura; per chi scrive, questo è il vertice qualitativo del disco.
La conclusione è affidata a una suite di quasi sette minuti in cui l’elettronica fa da tappeto a un parlato focalizzato sulla salute del pianeta: dall’asteroide che causò l'estinzione dei dinosauri all’evoluzione di una specie che continua a divorare se stessa. Un testo colto e profondo che invito a scoprire integralmente.
In sintesi, questo è Davide Riccio: un cantautore senza freni inibitori che predilige la sostanza alla forma, offrendo un turbinio di parole che invitano alla riflessione. L’apporto dell’AI? Prendere o lasciare. MS

Versione Inglese:

DAVIDE RICCIO Feat. MaaS – amAI? / Ake Moke Reke
Music Force / Egea Music
Genre: Singer-Songwriter / Electronic
Format: CD – 2026

There are artists who dedicate their entire lives to music out of pure creative spirit, operating outside the purely commercial circuits. In the contemporary era, this phenomenon is increasingly marked, yet it does not diminish the quality that certain authors are able to bring to the table.
Davide Riccio, known artistically as DeaЯ, is a Turin-based artist whom we have come to appreciate through numerous works, most notably the massive "Gli Altri" (2024), an opus consisting of three CDs. It is difficult to pigeonhole him into a single genre: his creative streak, born in the 1980s, has evolved over time, traversing diverse trends and sounds. Riccio’s career is rich with experience: from playing in bands such as Canned Music, Bluest, and Off Beat, to collective projects like "Neumi," and the creation of "Flatland" for RAI 3. He is also a prolific author of poetry and books, a journalistic collaborator, and a broadcaster for Radio Banda Larga. This versatility is reflected today in his new collaboration with Mauro Sanna (MaaS), a musician, composer, and experimenter in the field of Artificial Intelligence.
AI has long been at the center of heated musical debates. Personally, I believe that when used judiciously and in appropriate technical contexts, it can prove to be a valuable tool. Conversely, it feels cold when used merely to mimic the style of well-known artists. This premise serves to clarify my total impartiality: the technological contribution will not influence my judgment of the work.
The album opens with the New Wave sounds of “Capo Chimera,” which immediately transports us back to the 1980s. The AI handles the rhythmic and electronic textures over which a moderate but decisive vocal is layered, characterized by dual harmonies. The melody is immediate and easy to memorize—an aspect DeaЯ has consistently refined over the years.
“Anche Io In Arcadia” introduces spacey atmospheres; a thoughtful, no-frills style of songwriting where the chorus leaves an indelible mark on the mind. The more upbeat “Valentina” is a tribute to a woman that recalls the sounds of Aleco: here, the use of vocal harmonies is fundamental to the success of a track with strong radio potential. The album turns introspective with “Anima Nuda,” a track with a minimalist pace that enhances the carefully crafted and detailed lyrics. The choice of an essential arrangement is functional, ensuring it doesn't overshadow the verbal communication, which takes center stage here.
While “Weltschmerz” veers toward 80s disco-music tinged with Post-Punk, “Shigata Ga Nai” catapults the listener to the Far East through its lyrics, while maintaining a quintessentially Italian songwriting imprint. “Misantropia” alternates dance dynamics with more relaxed moments, while to find a guitar, one must wait for “Sindrome Della Pagina Bianca,” territory where the author is particularly at home; for this writer, this is the album's qualitative peak.
The conclusion is entrusted to a movement of nearly seven minutes in which electronics serve as a backdrop to a narrative focused on the health of the planet: from the asteroid that wiped out the dinosaurs to the evolution of a species that continues to devour itself. A sophisticated and profound text that I invite you to discover in its entirety.
In summary, this is Davide Riccio: a songwriter without inhibitions who prioritizes substance over form, offering a whirlwind of words that invite reflection. The AI contribution? Take it or leave it. MS

  

Marco Galletti

MARCO GALLETTI – Musical Objects
Ondebo Music
Genere: Elettronica / Progressive Rock
Supporto: digital – 2025

Per i più ferrati sull’argomento Rock Progressivo Italiano di certo il nome di Marco Galletti non risulta nuovo. Infatti il tastierista di Milano, ma vissuto sin dalla tenera età ad Alessandria, è il fondatore della band Neo Prog alessandrina Arcansiel.
Studia pianoforte, ma soprattutto l’organo e associa la musica classica al Rock per un connubio che lo formerà stilisticamente e culturalmente. Verso la fine del 1990 Galletti lascia gli Arcansiel per motivi di lavoro e dedica meno tempo alla musica. Solo nel 1994 avremo tracce della sua carriera solista attraverso l’album “Boxes For Foxes”, dove lo stile Neo Prog lascia spazio a un uso della tecnologia più moderno.
Con l’ausilio della Digital Audio Workstation, nel 2005 ritorna con un altro album autoprodotto intitolato “La Luce Che Illumina I Sogni”, qui le tracce Prog si uniscono a un certo minimalismo americano. Segue un lungo stop, sino tornare nel 2023 a un approccio più concreto a livello temporale da dedicare alla musica. Il risultato è “Musical Objects”, una raccolta di oggetti musicali scritti negli ultimi quaranta anni. Delucida l’artista nel suo sito ufficiale: “Gli unici suoni "non digitali", quando necessari, sono stati eseguiti utilizzando una Fender Stratocaster del 1991 e un Fender Jazz Bass del 2006.”.
In queste dodici canzoni che compongono l’album, l’artista non si cimenta in sperimentazioni, pur cercando di evitare lo schema strofa-pre-ritornello-ritornello, bensì tende a comunicare semplici sentimenti scaturiti da ispirazioni momentanee e improvvise.
L’inizio con “L'Aria Chiara Come Non Esiste Più” mette in evidenza le influenze del compositore che rivelano scorci di Jethro Tull più pacati e Genesis in un brano che in alcuni frangenti è soffice e introspettivo, anche perché ispirato dall’esperienza molto personale, legata agli ultimi giorni di vita dei suoi genitori. Il cantato spazia dall’inglese all’italiano fino al francese donando all’intero lavoro internazionalità. Bello il sound pianistico di "As The Silence”, soffice “La Lune Est Neé”, così la leggerezza di “All Goes By” che tocca l’anima.
Tutto l’album è composto di tasselli singoli che assieme ci propinano il quadro completo. Una menzione a parte per “386”, scritta nel 1986 e che narra di un forte amore vissuto. Qui mi vengono alla mente certe Orme più delicate.
Come ben rappresenta la copertina con un uomo che cammina solitario in un paesaggio tracciato da una linea da seguire, Galletti si avventura in differenti stili musicali, ere e atmosfere per un risultato finale d’inattesa amalgama, dove tutto scorre con naturalezza. Tanta dedizione, passione e cura in questo “Musical Object”, dove di certo le emozioni non vengono a mancare. MS 

Versione Inglese:

MARCO GALLETTI – Musical Objects
Ondebo Music
Genre: Electronic / Progressive Rock
Support: digital – 2025

For those well-versed in Italian Progressive Rock, the name Marco Galletti is certainly not new. In fact, the Milanese keyboardist, who grew up in Alessandria, is the founder of the Neo-Prog band Arcansiel.
He studied piano, but especially organ, and combines classical music with Rock for a union that will shape him stylistically and culturally. Towards the end of 1990, Galletti left Arcansiel due to work reasons and dedicated less time to music. Only in 1994 will we have traces of his solo career through the album "Boxes For Foxes", where the Neo-Prog style gives way to a more modern use of technology.
With the help of the Digital Audio Workstation, in 2005, he returned with another self-produced album titled "La Luce Che Illumina I Sogni", where Prog tracks combine with American minimalism. There follows a long hiatus until 2023, when he returns to a more concrete approach to dedicate time to music. The result is "Musical Objects", a collection of musical objects written over the last forty years. The artist clarifies on his official website: "The only 'non-digital' sounds, when necessary, were performed using a 1991 Fender Stratocaster and a 2006 Fender Jazz Bass."
In these twelve songs that make up the album, the artist doesn't venture into experimentation, while trying to avoid the verse-pre-chorus-chorus structure, but rather tends to communicate simple feelings arising from momentary and sudden inspirations.
The start with "L'Aria Chiara Come Non Esiste Più" highlights the composer's influences that reveal glimpses of calmer Jethro Tull and Genesis in a track that is soft and introspective in some moments, also because it's inspired by a very personal experience related to the last days of his parents' lives. The singing ranges from English to Italian to French, giving the whole work an international flair. Beautiful is the piano sound of "As The Silence", soft "La Lune Est Neé", as well as the lightness of "All Goes By" that touches the soul.
The whole album is composed of single pieces that together propound the complete picture. A special mention for "386", written in 1986 and which tells of a strong love experience. Here, certain delicate Orme come to mind.
As the cover perfectly represents, with a man walking alone in a landscape drawn by a line to follow, Galletti ventures into different musical styles, eras, and atmospheres for a final result of unexpected amalgamation, where everything flows naturally. So much dedication, passion, and care in this "Musical Object", where emotions are certainly not lacking. MS.

Accauno

ACCAUNO – Distacco
Autoproduzione
Genere: Eclectic Prog
Supporto: Digital / CD – 2025

All’estero, il nostro Progressive Rock è tenuto in grande considerazione, soprattutto grazie alle melodie spesso incastonate nella formula canzone, fra passaggi solari e tecnicismi mai fini a se stessi. Abbiamo nel nostro DNA il buon gusto, la storia e la cultura; tutto questo fa sì che l’arte ci risulti una musa amica, soprattutto spontanea.
I milanesi Accauno sono un'altra tessera dell’immenso puzzle Prog italico, artisti che amano la musica fatta con la testa e con il cuore, senza secondi fini.
Si formano nel 2010 per proporre brani originali in bilico fra Pop Rock, il cantautorato e il Progressive Rock. Amano cantare in italiano, e anche questo fa capire che non interessa loro strizzare l’occhio al mercato straniero; piuttosto, è importante essere se stessi per fare ciò che si ama.
Gli Accauno sono un trio formato da Mattia Paneroni (basso, cori), Giuseppe 'Beppe' Pianese (batteria, cori), e Andrea Tosini (chitarra, voce).
Rilasciano nel 2012 l’album “Virus”, nel 2014 “Quelu”, nel 2018 “Scatti Rapidi” e nel 2021 “Punto Di Fuga”, tutti album che mettono in evidenza l’amore per il Prog inglese degli anni ’70 miscelato con il Rock indipendente italiano degli anni Novanta.
Oggi è la volta di “Distacco”, un disco che (lo dico subito) si fa ascoltare con piacere e composto di otto nuovi brani, a partire da “Disperso”.
Gradevoli i testi, l’uso del voice phone, la Psichedelia di fondo e il giro di basso, per un brano facile da memorizzare e cantare. Spesso basta molto poco per attirare l’attenzione dell’ascoltatore, e l’esperienza degli Accauno insegna.
Con “Falena” subentra l’elettronica e l’effettistica, un movimento Rock quasi in stile Ozric Tentacles, sorprendente e vivace. Non manca il classico cambio umorale che approda la band nel porto veneziano delle Orme.
La title track punta sulla salvezza del genere umano attraverso la musica; qui le chitarre elettriche a tratti sottolineano con acidità i testi, e molto probabilmente una band straniera che accomuna i tre musicisti sono i King Crimson.
I sei minuti abbondanti di “La Madre” hanno una ritmica maggiormente ricercata, forse la canzone più Prog dell’album, grazie anche all’effettistica situata nella metà della durata. Un arpeggio di chitarra in stile “Another Brick In The Wall” inizia “Essere Voi”, coesa e calda nell’incedere, un esempio di come sono oggi gli Accauno. Il brano più lungo s’intitola “Il Labirinto”, grazie ai quasi nove minuti di durata. Qui la band tira fuori tutte le armi a sua disposizione, accompagnando l’ascoltatore in un limbo che divide la pacatezza dalla ricerca. Piccole schegge Jazz e buoni frangenti strumentali.
Gioviale “Arido”, un tuffo negli anni ’70 che non ti aspetti, per giungere poi alla conclusiva “Un Angelo”, molto vicina al cantautorato italiano.
La verità è che l’album è volato via in un batter d’occhio, sinonimo di eterogeneità mai ridondante su se stessa e questo ultimamente lo riscontro sempre più raramente, soprattutto se è un disco a cavallo fra Prog e formula canzone.
Interessante. MS 

Versione Inglese:

ACCAUNO – Distacco
Self-produced
Genre: Eclectic Prog
Format: Digital / CD – 2025

Abroad, Italian Progressive Rock is highly regarded, especially thanks to the melodies often embedded in the song formula, between sunny passages and technicalities that are never an end in themselves. We have good taste, history, and culture in our DNA; all this makes art a friendly muse, especially spontaneous.
The Milanese Accauno are another piece of the immense Italian Prog puzzle, artists who love music made with head and heart, without ulterior motives.
They formed in 2010 to propose original songs that balance Pop Rock, cantautorato, and Progressive Rock. They love singing in Italian, and this also shows that they're not interested in catering to the foreign market; rather, it's essential to be themselves to do what they love.
Accauno is a trio composed of Mattia Paneroni (bass, backing vocals), Giuseppe 'Beppe' Pianese (drums, backing vocals), and Andrea Tosini (guitar, vocals).
They released the album “Virus” in 2012, “Quelu” in 2014, “Scatti Rapidi” in 2018, and “Punto Di Fuga” in 2021, all albums that highlight their love for 1970s English Prog mixed with 1990s Italian independent Rock.
Today it's the turn of “Distacco”, an album that (I'll say it right away) is enjoyable to listen to and composed of eight new tracks, starting with “Disperso”.
Pleasant lyrics, use of voice phone, psychedelic undertones, and bass lines make for a track that's easy to remember and sing along to. Often, it takes very little to grab the listener's attention, and the Accauno's experience teaches us that.
With “Falena”, electronics and effects come into play, a Rock movement almost in the style of Ozric Tentacles, surprising and lively. The classic mood change that brings the band to the Venetian port of Orme is not missing.
The title track focuses on the salvation of the human genre through music; here, the electric guitars occasionally emphasize the lyrics with acidity, and a foreign band that probably unites the three musicians is King Crimson.
The six minutes of “La Madre” have a more researched rhythm, probably the most Prog song on the album, thanks also to the effects situated in the middle of the duration. A guitar arpeggio in the style of “Another Brick In The Wall” starts “Essere Voi”, cohesive and warm in its pace; an example of what Accauno is today. The longest track is titled “Il Labirinto”, thanks to its almost nine minutes of duration. Here, the band pulls out all the stops, accompanying the listener in a limbo that divides calmness from research. Small Jazz fragments and good instrumental moments.
Jovial “Arido”, a dive into the 1970s that you don't expect, to arrive at the conclusive “Un Angelo”, very close to Italian cantautorato.
The truth is that the album flew by in the blink of an eye, a synonym for heterogeneity that never becomes redundant; and this is something I rarely come across lately, especially if it's a record that straddles Prog and song formula.
Interesting. MS.

Mayhem Mavericks

MAYHEM MAVERICKS – Mayhem Mavericks
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genere: Hard Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Chi ama l'Hard Rock "made in Italy" non resterà certo indifferente ai nomi di Marcello Spera (StreetLore) e Andrew Trabelsi (Shining Line, StreetLore, Füel For Tunes, ex-Mastro). Il cantante e il poliedrico chitarrista/tastierista sono stati infatti membri degli storici Alchemy, band che, dopo gli ottimi riscontri dell'album "Dyadic", ha purtroppo subìto una divergenza di vedute culminata nello scioglimento.
Oggi, insieme al batterista Andrea Oliverio, i due tornano in formazione trio fondando i Mayhem Mavericks. I più attenti avranno notato l'assenza di un bassista di ruolo nella line-up; per ovviare a ciò, il gruppo si è avvalso della collaborazione di numerosi musicisti, tra cui Vanessa Odry, Angelo Sasso (StreetLore, Airbound), Stefania Sarre (Soul Seller, Shining Line), Mauro Balestra e Matteo Castelli (ex Alchemy). Questo approccio conferisce al sound una notevole varietà e un'impronta distinta per ogni brano. Gli ospiti, tuttavia, non si limitano alla sezione ritmica: è possibile infatti apprezzare anche le incursioni chitarristiche di Cristiano Stefana (ex Alchemy).
Si tratta di un debutto, seppur firmato da musicisti rodati, che tenta di apportare all'Hard Rock una visione futuristica e matura, pur restando rispettosa del passato. Già l'apertura "Divide" dimostra come, anche in tre, si possa creare un suono ampio e pieno, caratterizzato da un ottimo uso delle voci e da un refrain micidiale al limite dell'AOR.
Il singolo "Killing Eyes" tratta il tema dell'ossessione e della difficoltà nell'allontanarsi da ciò che ci attrae profondamente, ma che sappiamo essere pericoloso. La sezione ritmica affronta il pezzo di petto, lasciando comunque spazio ad ampie aperture melodiche. Mi piacerebbe ascoltare "Midnight Crawler" dal vivo per godere appieno della sua energia: è impossibile restare fermi durante l'ascolto, con una prova vocale di Spera sopra le righe che tocca vette altissime.
Un delicato intreccio di piano e tastiere apre "With Me", una piacevolissima tregua in cui i Mayhem Mavericks dimostrano di eccellere anche nelle ballate (nota di merito per il lavoro della chitarra elettrica). Si torna poi a premere sull'acceleratore con "I Can Feel The Heartache", un brano dal sapore "stradaiolo" che profuma di anni '80, non lontano dai Saxon di "Innocence Is No Excuse".
"Eclipse" è un mid-tempo ottimamente ricercato, che basa la propria forza su un ritornello orecchiabile di chiara ispirazione americana, arricchito da tastiere di sottofondo che donano movimento. Effetti elettronici accompagnano invece la pirotecnica "Join The Fight", supportata da cori trascinanti e chitarre mai dome. Il disco procede con grande equilibrio, alternando momenti potenti ad altri più ponderati, come nel caso dell'ottima "More To Ask", rendendo l'ascolto fluido e privo di flessioni.
I motori tornano a rombare in "Best Of Me", l'episodio più muscoloso del lotto, mentre la cultura musicale dei singoli componenti emerge prepotentemente in "One Day In A Lifetime", un pezzo possente quasi al limite del Progressive Metal. I titoli di coda spettano infine all'esplosiva "Road With No End".
Benvenuti Mayhem Mavericks: una realtà che amplia lo spettro dell'Hard Rock italiano con professionalità e un gusto compositivo non comune. Se questo disco fosse stato inciso da una band straniera, probabilmente staremmo qui a tessere lodi ben più sperticate; si sa che siamo esterofili, ma la musica non ha nazioni né confini. Godiamocelo e basta. MS

Versione Inglese:

MAYHEM MAVERICKS – Mayhem Mavericks
Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group
Genre: Hard Rock
Format: CD / Digital – 2026

Those who love the Hard Rock sound coming out of Italy will certainly not remain indifferent to the names Marcello Spera (StreetLore) and Andrew Trabelsi (Shining Line, StreetLore, Füel For Tunes, ex-Mastro). The singer and the multi-talented guitarist/keyboardist were members of the historic band Alchemy, which, following the success of the album "Dyadic", unfortunately suffered internal creative differences that led to their dissolution.
Today, joined by drummer Andrea Oliverio, they return as a trio to form Mayhem Mavericks. Keener observers will notice the absence of a permanent bassist in the lineup; to address this, the group enlisted the help of several guest musicians, including Vanessa Odry, Angelo Sasso (StreetLore, Airbound), Stefania Sarre (Soul Seller, Shining Line), Mauro Balestra, and Matteo Castelli (ex-Alchemy). This approach brings a great deal of variety to the band’s sound, giving each track a distinct character. However, the guests aren't limited to the rhythm section; listeners can also enjoy the guitar contributions of Cristiano Stefana (ex-Alchemy).
While this is a debut, it is one crafted by seasoned veterans of the scene who attempt to bring a more futuristic vision to Hard Rock while remaining mature and respectful of the past. The opener "Divide" immediately proves that even as a trio, they can create a vast, full sound, characterized by excellent vocal work and a killer refrain bordering on AOR.
The album’s lead single, "Killing Eyes", deals with obsession and the difficulty of pulling away from something that attracts us deeply but may be dangerous. The failure is around the corner and perhaps permanent. The rhythm section tackles the track head-on, while still leaving room for expansive melodic sections. I would love to hear "Midnight Crawler" live to fully experience its energy—it’s impossible to stay still while listening. Here, Spera’s vocal performance is over the top, reaching soaring heights. A gentle blend of piano and keyboards opens "With Me", a very pleasant respite where Mayhem Mavericks prove they can handle ballads just as well, followed by some standout electric guitar work.
Then it’s back to the gas pedal with the dusty, "road-ready" track "I Can Feel The Heartache", a song steeped in history, particularly that of the 80s—not too far removed from Saxon’s "Innocence Is No Excuse". "Eclipse" is a sophisticated mid-tempo track that finds its strength in a catchy, American-inspired chorus. Background keyboards add movement, making it even more engaging.
Electronic effects accompany the pyrotechnic "Join The Fight", a song supported by impressive backing vocals and relentless electric guitars. Furthermore, the album proceeds with great balance, alternating powerful moments with more considered ones, as seen in the excellent "More To Ask", making for a smooth listen without any weak points.
The engines roar in "Best Of Me", the band’s most muscular side, while the musical culture of the individual members shines through in "One Day In A Lifetime", a powerful piece bordering on Progressive Metal. The closing credits belong to the explosive "Road With No End".
Welcome, Mayhem Mavericks: a fine addition that further expands the spectrum of Italian Hard Rock with great professionalism and a flair for composition that is truly rare. If this record had been released by a foreign band, we would be here singing its praises even more loudly; we know we tend to favor international acts, but music has neither nationality nor borders. Let’s just enjoy it. MS

 

Mindfeels

MINDFEELS – 2WO
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genere: AOR / Westcoast
Supporto: CD / Digital – 2026

Quando si sente il bisogno di una carica sonora, di quelle capaci di rimetterti di buon umore, il genere AOR è caldamente consigliato. Portato al successo mondiale da colossi come Survivor, Journey e Boston, ma soprattutto dai Toto, questo stile propone una musica elettrica sì, ma dalle ampie aperture melodiche e, soprattutto, di grande classe. Anche in Italia, grazie ad etichette come Art Of Melody Music e Burning Minds Music Group, abbiamo conosciuto molte band dedite a queste sonorità. Pur esistendo altre strade, come l'autoproduzione o label differenti, queste realtà si caratterizzano per la cura maniacale dei particolari, specialmente in fase di incisione.
Un esempio perfetto sono i Mindfeels, giunti oggi al secondo album dopo "XXenty" del 2017. Per questo nuovo lavoro, il mixaggio e la masterizzazione sono stati affidati a Roberto Priori (Danger Zone, Wheels Of Fire, Raintimes, Michele Luppi, StreetLore): praticamente una garanzia.
I Mindfeels, originari di Biella, nascono nel 1994 proprio come cover band dei Toto con il nome Dejanira; per eseguire quel repertorio, com'è noto, è necessaria una tecnica strumentale eccellente. Vi consiglio di recuperare il loro debutto "XXenty": fu un esordio folgorante per la formazione composta da Davide Gilardino (voce, cori), Luca Carlomagno (chitarre, programmazione tastiere), Roberto Barazzotto (basso) e Italo Graziana (batteria, percussioni, cori e programmazione tastiere), che operano ancora oggi con la medesima line-up. Quel disco ricevette consensi tali da permettere al gruppo di intraprendere un tour italiano condividendo il palco con Boulevard e Soul Seller.
In "2WO" troviamo anche ospiti speciali: Michael Kratz e Kasper Viinberg (voci e percussioni in "The Other Side Of You") e Aldo Bulgheroni (assolo di synth in "Passengers"). Il booklet che accompagna il CD è molto curato, completo di testi, foto e note di copertina introduttive scritte dallo storico conduttore radiofonico Marco Garavelli (LineaRock).
L'album, composto da tredici brani, si apre con "Out Of Spin", una breve intro atmosferica che conduce a "We Will Make It": un pezzo classico in cui la voce si mette in mostra attraverso un ritornello gradevole, inframezzato da intriganti assoli di chitarra. La solidità del sound aumenta con "Fading Lights", brano ben strutturato che attinge a piene mani dalla scuola americana.
"Again In The Wind" è una semi-ballata in cui gli arrangiamenti giocano un ruolo primario, mentre "Something New" (uno dei singoli) narra di un amore profondo fatto di promesse eterne, dove il sentimento diventa forza e speranza. Non mancano i déjà-vu stilistici: "Flying Away From This World" è costruita su quegli stilemi che hanno reso popolare l'AOR, così come la ballata "Here With Me", equilibrata in ogni reparto.
Il singolo "The Other Side Of You" analizza le difficoltà nel mantenere sincera una relazione, evidenziando come i nostri lati nascosti possano prendere il sopravvento. La canzone è matura, con un ritornello trascinante che invita al sing-along. Con i suoi sei minuti abbondanti, "Passengers" è il brano più lungo del disco, dove i Mindfeels sfoggiano tutto il loro arsenale tecnico. "Dreamland" è tra le mie preferite: incalzante e molto vicina allo stile dei Toto. Seguono altri ottimi pezzi: "You Can't Let It Go" è un piacevole suggello, mentre "Run Away" risulta perfettamente bilanciata tra strofe e ritornello. Chiude il disco la strumentale "The Wait", una piccola gemma scorrevole con inaspettate reminiscenze dei King Crimson.
"2WO" è un disco positivo, il compagno ideale per una giornata impegnativa o un lungo viaggio in auto. Sono quei momenti in cui ti ricarichi e pensi che, in fondo, la vita è bella. Basta davvero poco.
MS

Versione Inglese:

MINDFEELS – 2WO
Art Of Melody Music / Burning Minds Music Group
Genre: AOR / Westcoast
Format: CD / Digital – 2026

When you need a sonic boost—the kind that puts you in a good mood—the AOR genre is highly recommended. Brought to global success by giants like Survivor, Journey, and Boston, but above all Toto, this style offers electric music that is rich in melodic openings and, most importantly, pure class. In Italy, thanks to labels like Art Of Melody Music and Burning Minds Music Group, we have discovered many bands dedicated to these sounds. While other paths exist, such as self-production or different labels, these two stand out for their meticulous attention to detail, especially in the recording process.
A perfect example is Mindfeels, now on their second album following 2017's "XXenty". For this new release, mixing and mastering were handled by Roberto Priori (Danger Zone, Wheels Of Fire, Raintimes, Michele Luppi, StreetLore)—essentially a seal of quality.
Hailing from Biella, Mindfeels started as a Toto cover band in 1994 under their original name, Dejanira. As is well known, performing that repertoire requires truly excellent instrumental technique. I highly recommend tracking down their debut "XXenty"; it was a beautiful start for the lineup consisting of Davide Gilardino (vocals, backing vocals), Luca Carlomagno (lead, rhythm, and acoustic guitars, keyboard programming), Roberto Barazzotto (bass), and Italo Graziana (drums, percussion, backing vocals, and keyboard programming), who still operate as the same unit today. That record received enough acclaim to allow the group to tour Italy, sharing the stage with Boulevard and Soul Seller.
"2WO" also features special guests such as Michael Kratz and Kasper Viinberg (vocals and percussion on "The Other Side Of You") and Aldo Bulgheroni (synth solo on "Passengers"). The accompanying booklet is well-crafted, complete with lyrics, photos, and introductory liner notes written by the famous radio host Marco Garavelli (LineaRock).
The thirteen-track album opens with "Out Of Spin", a brief atmospheric intro that leads into "We Will Make It": a classic track where the vocals shine through a pleasant chorus interspersed with intriguing guitar solos. The sound gains further solidity with "Fading Lights", a well-structured track that draws heavily from the American school of AOR.
"Again In The Wind" is a semi-ballad where the arrangements take a primary role, while "Something New" (one of the singles) tells of a deep love built on eternal promises, where love is both strength and hope. The album doesn't shy away from stylistic déjà-vu: "Flying Away From This World" is built on the very characteristics that made AOR popular. And then there is the mandatory ballad, "Here With Me", perfectly balanced in every department.
The single "The Other Side Of You" highlights the difficulties of keeping a relationship sincere, showing how our hidden sides can often take over. The song is mature and catchy, with a chorus that is impossible not to sing along to. Clocking in at over six minutes, "Passengers" is the longest track on the album, where Mindfeels put their entire musical arsenal into practice. "Dreamland" is among my favorites: driving in its pace and very close to the Toto aesthetic. A series of strong tracks follows: "You Can't Let It Go" is another pleasant hallmark of the band, and "Run Away" is perfectly balanced between its verses and refrain. Closing the album is the instrumental "The Wait", a smooth little gem with unexpected reminiscences of King Crimson!
This is an uplifting record that can keep you company during a busy day or a long car journey. These are those moments when you recharge and think that, in the end, life is beautiful; it takes so little. MS