Legs On Wheels

LEGS ON WHEELS – Gobble
Autoproduzione
Genere: Eclectic Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Si sente spesso dire che la musica non abbia più nulla da comunicare, che le note siano soltanto sette e che ogni territorio sia già stato esplorato. In realtà, sono i silenzi, gli innesti e la capacità di sostenere una nota a smentire questa tesi. Personalmente, non smetto mai di stupirmi nell’ascoltare realtà nuove dalle idee interessanti; basta saper cercare o affidarsi a un buon recensore che condivida i nostri gusti e sappia fare questa cernita per noi.
Dopo aver apprezzato molto nel 2023 il debutto “Legroom”, ritrovare oggi i Legs On Wheels con "Gobble" è come entrare in un caleidoscopio psichedelico dove ogni movimento trasforma forme e colori. Il quintetto di Manchester formato nel 2017 da Danny Murgatroyd (voce, chitarra), Alex Crumbie (chitarra, voce, percussioni), George Roberts (tastiere, voce), Ged Hawksworth (batteria) e Dean Stoloff (basso), conferma una scrittura colta e imprevedibile.
Il songwriting attinge al grande Prog britannico degli anni '60 e '70 (Genesis, King Crimson, Gong, Jethro Tull), ma la band ne scardina le convenzioni giocando con World Music, Jazz, Pop Rock, Soul, Punk e Funk. È un equilibrio tra passato e presente metabolizzato con personalità, sulla scia di quanto fatto da formazioni moderne come Echolyn o Beardfish.
“Gobble” si sviluppa in 45 minuti divisi in 8 tracce. L’album segue una progressione ideale: brani brevi e ritmati nella prima parte, composizioni lunghe e stratificate nella seconda. I testi sono surreali, intrisi di umorismo nero e spesso grotteschi. In linea con il titolo (che richiama sia il verso del tacchino che l’atto di divorare avidamente), il disco esplora i temi del consumo, della voracità e della natura animale dell’uomo.
L'apertura è affidata a "Oysters On The Half Shell", caratterizzata da una voce che ricorda David Byrne e da una chitarra nervosa in stile Robert Fripp. Il ritornello, melodico e gradevole, fa da contrappunto a un testo che descrive banchetti bizzarri e dinamiche preda-predatore.
Segue "A.P.E.S.", che si inoltra in meandri vicini ai Gentle Giant per poi virare verso il Psych-Pop e il Glam Rock, con un ammiccamento ai Beatles, un assolo di chitarra graffiante e una riflessione sull'evoluzione umana.
Se "Winner Winner" si muove su territori Funky e introspettivi, la vera sorpresa è "Peekaboo", un pezzo Pop orecchiabile con echi del Peter Gabriel solista. L’humor inglese emerge prepotentemente in "Waiting For His Drowning" che, a dispetto del titolo cupo, affronta il tema dell’ineluttabilità con distacco teatrale e avanguardistico.
Si prosegue con "Centipede", traccia in pieno stile Echolyn con ottimi intrecci corali e un ritmo sincopato che mima il movimento di un millepiedi. L’anima più sperimentale esplode invece in "Dinnertime For Rat", che evolve dal Noise Rock a un Rock serratissimo. Il culmine dell’opera arriva con gli undici minuti di "Masteroid", una mini-epopea fantascientifica che fonde termini tecnici e invenzioni verbali per evocare immagini di decadenza spaziale.
Una menzione speciale va alla copertina: bizzarra e quasi incomprensibile, un mix visivo tra un tacchino e un pesce che cattura perfettamente lo spirito di "caos controllato" della band. In definitiva, “Gobble” è un disco sorprendente. La musica ha ancora molto da dire... anche oggi. Ricordatelo. MS 

Versione Inglese:

LEGS ON WHEELS – Gobble
Self-release
Genre: Eclectic Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

We often hear it said that music has nothing left to communicate, that there are only seven notes and every territory has already been explored. In reality, it is the silences, the grafts, and the ability to sustain a single note that debunk this theory. Personally, I never cease to be amazed when listening to new acts with interesting ideas; you just need to know where to look or trust a good reviewer who shares your musical taste and does the sifting for you.
After greatly enjoying their 2023 debut Legroom, finding Legs On Wheels again today with "Gobble" is like entering a psychedelic kaleidoscope where every movement transforms shapes and colors. The Manchester quintet—formed in 2017 by Danny Murgatroyd (vocals, guitar), Alex Crumbie (guitar, vocals, percussion), George Roberts (keyboards, vocals), Ged Hawksworth (drums), and Dean Stoloff (bass)—confirms a sophisticated and unpredictable songwriting style.
Their songwriting draws from the great British Prog of the '60s and '70s (Genesis, King Crimson, Gong, Jethro Tull), yet the band dismantles conventions by playing with World Music, Jazz, Pop Rock, Soul, Punk, and Funk. It is a balance between past and present, metabolized with a personal touch, much like modern outfits such as Echolyn or Beardfish.
“Gobble” unfolds over 45 minutes across 8 tracks. The album follows an ideal progression: short, rhythmic songs in the first half, leading to longer, more layered compositions in the second. The lyrics are surreal, steeped in black humor, and often grotesque. In line with the title (referencing both the sound of a turkey and the act of devouring greedily), the record explores themes of consumption, voracity, and the animal nature of man.
The opening is entrusted to "Oysters On The Half Shell", featuring vocals reminiscent of David Byrne and nervous, Robert Fripp-style guitar work. The melodic and pleasant chorus acts as a counterpoint to lyrics describing bizarre banquets and predator-prey dynamics. This is followed by "A.P.E.S.", which ventures into territory close to Gentle Giant before veering toward Psych-Pop and Glam Rock, complete with a wink to the Beatles, a biting guitar solo, and a reflection on human evolution.
While "Winner Winner" moves through Funky and introspective lands, the real surprise is "Peekaboo": a catchy Pop track with echoes of solo Peter Gabriel. British humor emerges strongly in "Waiting For His Drowning" which, despite the grim title, tackles the theme of inevitability with a theatrical and avant-garde detachment.
The journey continues with "Centipede", a track in full Echolyn style with excellent choral arrangements and a syncopated rhythm that mimics the movement of a centipede. The band's more experimental soul explodes in "Dinnertime For Rat", which evolves from Noise Rock into a tightly wound Rock piece. The work reaches its climax with the eleven minutes of "Masteroid", a sci-fi mini-epic that blends technical terms and pure verbal inventions to evoke images of cosmic decay.
A special mention goes to the cover art: bizarre and almost incomprehensible—a visual mix of a turkey and a fish—it perfectly captures the "controlled chaos" spirit of the band. Ultimately, Gobble is a surprising record. Music still has a lot to say... even today. Remember that. MS

Paradox Of Progress

PARADOX OF PROGRESS - Crossing The Distance
Autoproduzione
Genere: Art Rock / Progressive Sinfonico
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

E’ bello perdersi ogni tanto in quel mondo ricco di sonorità sia vintage che moderne denominato generalmente Art Rock.
Se amate il vecchio Prog sinfonico, ma anche le varianti più moderne dettate da band come The Flower Kings o Transatlantic, con i finlandesi Paradox Of Progress andate a nozze!
“Crossing The Distance” è l'album di debutto del duo originario di Kokkola che si è affacciato sulla scena Progressive internazionale nel 2025 composto dal duo Ari Vilmunen (synth), e Juha Koiste (chitarre, basso, programmazioni), con la partecipazione di  Jarkko Lahti al piano.
L'album è una sfida alla soglia dell'attenzione moderna, dura circa 52 minuti ma è composto da soli 3 brani. È un lavoro interamente strumentale, che punta tutto su atmosfere epiche e passaggi tecnici complessi
La critica ha accostato il loro sound a giganti come Genesis e Yes per l'approccio tecnico e l'uso delle chitarre e ai Pink Floyd per certi tappeti atmosferici.
Nonostante siano solo in due, il suono risulta pieno e "orchestrale", posizionandoli come una delle realtà più interessanti emerse dalla Finlandia negli ultimi tempi per quanto riguarda il settore Symphonic Prog.
“Wayfarer On A Trail Of Stars” della durata di circa dodici minuti abbondanti,  è un manifesto di Prog Sinfonico, con forti richiami allo stile dei Pendragon e degli UK. Il finale al pianoforte, suonato dall'ospite Jarkko Lahti, è uno dei momenti più alti del brano.
“Across The Aeons” con i suoi sette minuti e mezzo, è il brano più "breve" e accessibile, caratterizzato da melodie più dirette pur mantenendo l'intreccio tecnico tipico del duo.
“The Journey Intro…” è il vero piatto forte. Una suite monumentale di mezz'ora che esplora ogni sfumatura del genere, dalle cavalcate di tastiere in stile Keith Emerson (ELP) a momenti più vicini ai Dream Theater o ai Transatlantic e poi Mellotron, sprazzi di Hard Prog, aperture solari come sanno fare gli americani Spock’s Beard… E chi più ne ha più ne metta.
Certo che imbattersi oggi in un album completamente strumentale di cotanta enfasi e carico di soluzioni è quantomeno anomalo e controtendenza con il mainstream, ma gli amanti del grande Prog sono sicuro che troveranno “Crossing The Distance” un tunnel fatto di tanti passaggi gradevoli oltre che storici. Personalmente mi ha molto divertito e lo consiglio a tutti! MS

Versione Inglese:

PARADOX OF PROGRESS - Crossing The Distance
Self-release
Genre: Art Rock / Symphonic Progressive
Format: Digital / Bandcamp – 2026

It is a pleasure to get lost every now and then in that world rich with both vintage and modern sounds generally known as Art Rock. If you love old-school Symphonic Prog, but also the more modern variations defined by bands like The Flower Kings or Transatlantic, you will feel right at home with Finland’s Paradox Of Progress!
Crossing The Distance is the debut album from this Kokkola-based duo, who first appeared on the international Progressive scene in 2025. The group consists of Ari Vilmunen (synths) and Juha Koiste (guitars, bass, programming), featuring Jarkko Lahti on piano.
The album is a challenge to the modern attention span; it lasts about 52 minutes but consists of only 3 tracks. It is an entirely instrumental work that relies heavily on epic atmospheres and complex technical passages. Critics have compared their sound to giants like Genesis and Yes for their technical approach and use of guitars, and to Pink Floyd for certain atmospheric textures. Despite being only two members, the sound is full and "orchestral," positioning them as one of the most interesting acts to emerge from Finland’s Symphonic Prog sector in recent times.
“Wayfarer On A Trail Of Stars,” clocking in at just over twelve minutes, is a Symphonic Prog manifesto with strong nods to the style of Pendragon and UK. The piano finale, performed by guest Jarkko Lahti, is one of the track's absolute highlights.
“Across The Aeons,” at seven and a half minutes, is the "shortest" and most accessible track, characterized by more direct melodies while maintaining the duo’s typical technical intricacy.
“The Journey Into…” is the true centerpiece. A monumental half-hour suite that explores every nuance of the genre—from keyboard runs in the style of Keith Emerson (ELP) to moments closer to Dream Theater or Transatlantic, plus Mellotron, flashes of Hard Prog, and bright, sun-drenched openings reminiscent of America's Spock’s Beard... and so much more.
Encountering an entirely instrumental album of such emphasis and rich arrangements today is certainly unusual and goes against the mainstream grain. However, I am sure that lovers of "Great Prog" will find Crossing The Distance to be a tunnel filled with many pleasant and historically-rooted passages. Personally, I found it very entertaining and highly recommend it to everyone! — MS

 

Frantic Radio Beings

FRANTIC RADIO BEINGS - The Aether Loop Soundtrack
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno / Neo prog
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

I Frantic Radio Beings sono un progetto che incarna perfettamente l'estetica "DIY" (Do It Yourself) dell'underground americano, muovendosi tra il Tennessee e le scene sperimentali digitali. La loro storia non è quella di una band da classifica, ma di un collettivo di "ricercatori sonori".
Sebbene Nashville sia la capitale mondiale del Country, esiste da decenni un sottobosco di musica sperimentale molto attivo. È qui che, nei primi anni 2000, i Frantic Radio Beings hanno iniziato a muovere i primi passi.
Nel corso di oltre vent'anni, la band ha subito una metamorfosi radicale. Se agli inizi c'erano chitarre e canzoni, col tempo il focus si è spostato verso la manipolazione del suono, il nome stesso "Frantic Radio Beings" (esseri radiofonici frenetici) è diventato una profezia. Hanno iniziato a integrare sempre più sintetizzatori analogici e campionamenti di onde radio corte (shortwave).
Formati da Daphne Schwartz (voce e cori), Kevin True (chitarre, basso, cori), e Chuck Schwartz (batteria, piano, tastiere, synth, cori, vocoder), Agli inizi, scrivevano canzoni nel senso più tradizionale del termine (anche se molto nervose).
I testi erano pieni di ansia urbana, alienazione e frammenti di vita quotidiana tipici dell'Alternative Rock americano Post-Punk.
Oggi “The Aether Loop Soundtrack” è un'opera ambiziosa che sfida i confini tra musica e sound design. È un disco profondamente distopico e ipnotico. Immagina di sintonizzare una vecchia radio a valvole in una città abbandonata e catturare frammenti di trasmissioni dal futuro. Come suggerisce il titolo, l'album è concepito come la colonna sonora di un'installazione o di un'esperienza multimediale immaginaria. L'idea di segnali radio "intrappolati" nell'etere che continuano a girare in un loop infinito, degradandosi e trasformandosi nel tempo è coinvolgente.
Nell’album ci sono ospiti come Joe Estep (basso, chitarra) e Sophia True (cori).
All’interno si adoperano strumenti elettronici modificati per produrre suoni imprevedibili, registrazioni ambientali catturate in spazi industriali o urbani e tappeti sonori creati con sintetizzatori modulari che evolvono lentamente.
I brani si sviluppano attraverso stratificazioni e micro-ritmi che emergono dal rumore bianco (noise). Buona la prova vocale di Daphne, funzionale per i singoli casi senza strafare.
Sono undici brani molto orecchiabili e facili anche da cantare, malgrado una certa varietà d’intenti e di umori.
I Frantic Radio Beings si inseriscono in quella corrente che rifiuta la perfezione del digitale "pulito". In un'epoca dominata da algoritmi e suoni cristallini, "The Aether Loop Soundtrack" celebra l'errore, l'interferenza e la bellezza del segnale che si spezza.
Questo non è un disco da "sottofondo". Va ascoltato a volume sostenuto o con un ottimo paio di cuffie per cogliere le micro-variazioni sonore che altrimenti andrebbero perse. MS

Versione Inglese:

FRANTIC RADIO BEINGS – The Aether Loop Soundtrack
Label: Self-released (Autoproduzione)
Genre: Modern Post-Prog / Neo-Prog
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Frantic Radio Beings is a project that perfectly embodies the "DIY" (Do It Yourself) aesthetic of the American underground, moving between Tennessee and digital experimental scenes. Their story is not that of a chart-topping band, but rather that of a collective of "sonic researchers."
Although Nashville is the world capital of Country music, a very active experimental underground has existed there for decades. It is here, in the early 2000s, that Frantic Radio Beings took their first steps. Over the course of twenty years, the band has undergone a radical metamorphosis. While in the beginning there were guitars and songs, over time the focus shifted toward sound manipulation; the very name "Frantic Radio Beings" became a prophecy. They began integrating more and more analog synthesizers and shortwave radio samples.
Formed by Daphne Schwartz (vocals and backing vocals), Kevin True (guitars, bass, backing vocals), and Chuck Schwartz (drums, piano, keyboards, synths, backing vocals, vocoder), they initially wrote songs in the most traditional sense of the term (albeit very edgy ones). Their lyrics were filled with urban anxiety, alienation, and fragments of daily life typical of American Post-Punk Alternative Rock.
Today, "The Aether Loop Soundtrack" is an ambitious work that challenges the boundaries between music and sound design. It is a deeply dystopian and hypnotic record. Imagine tuning an old tube radio in an abandoned city and catching fragments of transmissions from the future. As the title suggests, the album is conceived as the soundtrack to an installation or an imaginary multimedia experience. The concept of radio signals "trapped" in the ether, continuing to spin in an infinite loop while degrading and transforming over time, is captivating.
The album features guests such as Joe Estep (bass, guitar) and Sophia True (backing vocals). Throughout the record, they utilize modified electronic instruments to produce unpredictable sounds, field recordings captured in industrial or urban spaces, and soundscapes created with slowly evolving modular synthesizers.
The tracks develop through layering and micro-rhythms emerging from white noise. Daphne’s vocal performance is good—functional for each specific case without overdoing it. These are eleven tracks that remain very catchy and even easy to sing along to, despite a certain variety of intentions and moods.
Frantic Radio Beings fit into that current which rejects the perfection of "clean" digital audio. In an era dominated by algorithms and crystalline sounds, "The Aether Loop Soundtrack" celebrates the error, the interference, and the beauty of a breaking signal.
This is not a "background" record. It should be listened to at a high volume or with a great pair of headphones to catch the sonic micro-variations that would otherwise be lost. MS

 

Juzz

JUZZ – Juzz II
áMARXE
Genere: Jazz Rock / Fusion
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

La storia dei Juzz è un percorso affascinante che collega la tradizione del Jazz europeo con l'urgenza espressiva della scena contemporanea galiziana. Non sono una band nata dal nulla, ma il risultato di anni di collaborazioni tra musicisti che sono colonne portanti del Jazz spagnolo moderno.
L’incontro avviene a Santiago De Compostela attorno alla figura di Virxilio da Silva, chitarrista galiziano formatosi tra la Spagna e i Paesi Bassi. L'idea dei Juzz nasce dalla volontà di creare un progetto che non fosse "Jazz accademico", ma che recuperasse l'energia del Rock Progressivo e della fusion anni '70, filtrata attraverso una sensibilità moderna.
Nel 2018, il gruppo debutta con il primo omonimo album, "Juzz" (ristampato nel 2024). All'epoca, il suono era già caratterizzato da tempi dispari e distorsioni, ma conservava un'impronta più acustica e legata alla forma "quartetto" Jazz.
Negli anni successivi, i membri della band hanno consolidato le loro carriere individuali:
Xan Campos è diventato uno dei pianisti più innovativi di Spagna, sperimentando con l'elettronica (nel suo progetto ESD). Iago Fernández si è stabilito a Basilea, diventando uno dei batteristi più richiesti in Europa.
Questa distanza geografica ha paradossalmente nutrito la band. Quando si riunivano per i tour, il suono dei Juzz diventava sempre più "elettrico". La critica ha iniziato a definirli come la risposta spagnola alla scena di Brooklyn (tipo Guiliana o Blackstar di Bowie) o alla scena londinese contemporanea.
Arrivando ad oggi, "Juzz II" non è solo un "volume due", ma una vera e propria espansione dell'organico e delle texture sonore. L'ingresso di Álex Salgueiro, secondo tastierista specializzato in Hammond e synth analogici, ha permesso di creare quel muro di suono "spaziale" che mancava nel primo disco basato molto sull'improvvisazione.
"Juzz II" è dunque un'opera architettonica. Virxilio da Silva ha dichiarato in recenti interviste che molte composizioni sono nate pensando a immagini cinematografiche e paesaggi industriali della Galizia.
La band è oggi formata da Virxilio da Silva (chitarra e composizione), Rosolino Marinello (sax tenore), Xan Campos (tastiere), Álex Salgueiro (Hammon, flauto), Felix Barth (basso), e Iago Fernández (batteria).
L'album contiene cinque brani , “Das Cabinet” è un'apertura potente che richiama le atmosfere espressioniste (forse un omaggio al cinema muto).
“Nostalxia Adolescente” mi sembra il fulcro del disco, un brano lungo e articolato dove il picking della chitarra ricorda quasi lo stile dei Brand X.
“Supernova” è spaziale, dove i synth di Xan Campos e Álex Salgueiro creano trame cosmiche.
Più atmosferico e statico, quasi ipnotico risulta “Alto Do Paraño”, mentre la chiusura vira decisamente verso il Rock con “Despois Do Final”.
I Juzz rappresentano perfettamente il nuovo Jazz europeo, musicisti con una tecnica mostruosa che però scelgono di suonare con l'attitudine di una Rock band. Hanno rotto i confini tra i generi, portando il Jazz nei club Rock e il Rock nei festival Jazz con sprazzi di Scuola di Canterbury.
Una curiosità, se si ascolta bene, si noterà  la batteria di Iago Fernández mixata molto "davanti", quasi come in un disco Hip-Hop o drum'n'bass, una scelta stilistica che definisce il suono della band nel 2026. Dategli un ascolto. MS

 

Ascolto: https://juzzmusic.bandcamp.com/album/juzz-ii

Versione Inglese:

JUZZ – Juzz II
áMARXE
Genre: Jazz Rock / Fusion
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

The story of Juzz is a fascinating journey that bridges the tradition of European Jazz with the expressive urgency of the contemporary Galician scene. This is not a band born out of thin air, but rather the result of years of collaboration between musicians who are cornerstones of modern Spanish Jazz.
The group came together in Santiago de Compostela around the figure of Virxilio da Silva, a Galician guitarist trained between Spain and the Netherlands. The concept for Juzz was born from the desire to create a project that wasn't "academic Jazz," but rather one that recovered the energy of 70s Progressive Rock and Fusion, filtered through a modern sensibility.
In 2018, the group debuted with their self-titled first album, "Juzz" (reissued in 2024). At the time, their sound was already characterized by odd time signatures and distortion, yet it maintained a more acoustic feel rooted in the Jazz "quartet" format.
In the following years, the band members consolidated their individual careers: Xan Campos became one of Spain's most innovative pianists, experimenting with electronics (in his ESD project), while Iago Fernández settled in Basel, becoming one of the most sought-after drummers in Europe.
This geographical distance paradoxically nourished the band. Whenever they reunited for tours, the Juzz sound became increasingly "electric." Critics began describing them as the Spanish answer to the Brooklyn scene (à la Mark Guiliana or Bowie’s Blackstar) or the contemporary London scene.
Fast forward to today: "Juzz II" is not just a "Volume Two," but a true expansion of the lineup and sonic textures. The addition of Álex Salgueiro—a second keyboardist specialized in Hammond and analog synths—has allowed the band to create that "spacey" wall of sound that was missing in the first record, which relied heavily on improvisation.
"Juzz II" is therefore an architectural work. Virxilio da Silva stated in recent interviews that many compositions were born with cinematic imagery and the industrial landscapes of Galicia in mind.
The band currently consists of Virxilio da Silva (guitar and composition), Rosolino Marinello (tenor sax), Xan Campos (keyboards), Álex Salgueiro (Hammond, flute), Felix Barth (bass), and Iago Fernández (drums).
The album features five tracks. "Das Cabinet" is a powerful opening that evokes expressionist atmospheres (perhaps a tribute to silent cinema). "Nostalxia Adolescente" feels like the heart of the record—a long, complex track where the guitar picking almost recalls the style of Brand X. "Supernova" is spacey, with the synths of Xan Campos and Álex Salgueiro weaving cosmic textures. "Alto Do Paraño" is more atmospheric and static, almost hypnotic, while the closing track, "Despois Do Final," shifts decisively toward Rock.
 
Juzz perfectly represents the new European Jazz: musicians with monstrous technique who choose to play with the attitude of a Rock band. They have shattered genre boundaries, bringing Jazz into Rock clubs and Rock into Jazz festivals, with flashes of the Canterbury Scene.
One interesting detail: if you listen closely, you’ll notice Iago Fernández’s drums are mixed very "forward," almost like a Hip-Hop or Drum'n'Bass record—a stylistic choice that defines the band’s sound in 2026. Give it a listen. MS
 
Listening: https://juzzmusic.bandcamp.com/album/juzz-ii

 

Ramificazioni del Progressive Rock

 Ramificazioni del Progressive Rock

 
Il Progressive Rock (o Prog) non è solo un genere, è un vero e proprio ecosistema musicale nato alla fine degli anni '60 con l'obiettivo di elevare il rock a forma d'arte, mescolandolo con la classica, il jazz e la sperimentazione d'avanguardia.
Poiché la sua natura è quella di "progredire", si è ramificato in diverse direzioni molto distinte tra loro. Ecco i sottogeneri principali e cosa li rende unici:

 

Symphonic Prog (Il "Classico")

Genesis

 
È lo stile più iconico, quello che la maggior parte delle persone associa al termine "Prog". Si ispira pesantemente alla musica classica (strutture a suite, movimenti, uso di orchestre). Ha un largo uso di tastiere (Mellotron, Hammond, sintetizzatori Moog), tempi dispari (come il 7/8 o il 5/4), testi fantasy o filosofici.
Band chiave: Genesis (era Peter Gabriel), Yes, ELP (Emerson, Lake & Palmer).

Canterbury Scene

Caravan

 
Nato intorno alla città inglese di Canterbury, è un sottogenere che mescola il Rock con una forte dose di Jazz improvvisato e un umorismo tipicamente britannico, surreale e bizzarro.
Gode di atmosfere solari ma tecnicamente complessissime, testi nonsense, largo uso di organi distorti.
Band chiave: Soft Machine, Caravan, Robert Wyatt.

 

Eclectic Prog

 
Qui rientrano le band che non seguono un unico filo conduttore ma assorbono influenze da ogni dove: Hard Rock, Folk, musica contemporanea e dissonanze.
Spesso più oscuro e aggressivo del Symphonic Prog, con un focus estremo sulla precisione tecnica e riff angolari.
Band chiave: King Crimson (i padri fondatori), Van Der Graaf Generator, Gentle Giant.

 

Krautrock (Cosmic Rock)

Can

 
La risposta tedesca al Prog britannico. Invece di guardare alla musica classica del passato, i tedeschi guardarono al futuro e all'elettronica.
Ha ritmi ripetitivi e ipnotici (chiamati motorik), uso massiccio di sintetizzatori primitivi, assenza della struttura strofa-ritornello.
Band chiave: Can, Neu!, Tangerine Dream, Kraftwerk (primo periodo).

 
 

Zeuhl

Magma

 
Un genere quasi "alieno" fondato dal batterista francese Christian Vander. "Zeuhl" significa "celestiale" in Kobaïan, una lingua inventata proprio per questo genere. Gode di influenze Jazz-Fusion, cori operistici quasi marziali, atmosfere cupe e ritualistiche, basso elettrico molto distorto e in primo piano.
Band chiave: Magma.

 

RIO (Rock in Opposition) e Avant-Prog

Henry Cow

 
Nato come movimento politico e artistico, il RIO rifiuta le logiche dell'industria discografica e spinge la sperimentazione verso la musica colta d'avanguardia e il rumorismo.
Possiede atonalità, dissonanze estreme, strutture imprevedibili e spesso difficili al primo ascolto.
Band chiave: Henry Cow, Univers Zero, Frank Zappa.

 

Neo-Prog

Marillion

 
Nato negli anni '80 come reazione al Punk, cerca di recuperare le sonorità del Symphonic Prog dei Genesis ma con una produzione più moderna e strutture più vicine alla forma-canzone.In esso si possono godere atmosfere emozionali, assoli di chitarra molto melodici e tastiere digitali.
Band chiave: Marillion, IQ, Pendragon.

 
 

Progressive Metal

Dream Theater

 
L'evoluzione più pesante, nata dall'unione tra la complessità del Prog e la potenza dell'Heavy Metal. Viaggia in  doppia cassa, virtuosismo tecnico estremo (shredding), brani molto lunghi e concept album elaborati.
Band chiave: Dream Theater, Queensrÿche, Tool, Opeth.

 
 

Post Prog Moderno

Porcupine Tree

 
In questo termine risiedono le band più attuali che tentano di aprire nuovi sentieri nel Progressive Rock ma che si distanziano per stile dai classici stilemi degli anni ’70. Nella musica uniscono molti fattori che vanno dal passato al presente rielaborandoli con nuove idee.
Band chiave: Porcupine Tree, Steven Wilson, The Pineapple Thief, Pain Of Salvation.

 
 

Progressive Rock Italiano

Premiata Forneria Marconi

 
Il Prog Italiano negli anni '70 l'Italia è stata la seconda patria del genere dopo l'Inghilterra, creando uno stile unico che mescolava il Rock con la tradizione melodica italiana e il barocco. Band come la PFM (Premiata Forneria Marconi), il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme sono studiate ancora oggi in tutto il mondo.

 Versione Inglese:

Branches of Progressive Rock

 

Progressive Rock (or Prog) is not just a genre; it is a true musical ecosystem born in the late '60s with the goal of elevating rock to an art form by blending it with classical music, jazz, and avant-garde experimentation. Because its very nature is to "progress," it has branched out into several distinct directions. Here are the main subgenres and what makes them unique:

Symphonic Prog (The "Classic")

 

This is the most iconic style, the one most people associate with the term "Prog." It is heavily inspired by classical music (suite structures, movements, use of orchestras). It features extensive use of keyboards (Mellotron, Hammond, Moog synthesizers), odd time signatures (such as 7/8 or 5/4), and fantasy or philosophical lyrics.

Key Bands: Genesis (Peter Gabriel era), Yes, ELP (Emerson, Lake & Palmer).

 

Canterbury Scene

 

Born around the English city of Canterbury, this subgenre mixes rock with a heavy dose of improvised Jazz and a typically British, surreal, and whimsical sense of humor. It enjoys bright atmospheres that are technically highly complex, nonsense lyrics, and the widespread use of distorted organs.

Key Bands: Soft Machine, Caravan, Robert Wyatt.

 

Eclectic Prog

 

This category includes bands that do not follow a single thread but instead absorb influences from everywhere: Hard Rock, Folk, contemporary music, and dissonance. It is often darker and more aggressive than Symphonic Prog, with an extreme focus on technical precision and angular riffs.

Key Bands: King Crimson (the founding fathers), Van der Graaf Generator, Gentle Giant.

 

Krautrock (Cosmic Rock)

 

The German response to British Prog. Instead of looking to the classical music of the past, German musicians looked toward the future and electronics. It features repetitive and hypnotic rhythms (called motorik), massive use of primitive synthesizers, and an absence of the standard verse-chorus structure.

Key Bands: Can, Neu!, Tangerine Dream, Kraftwerk (early period).

 

Zeuhl

 

An almost "alien" genre founded by French drummer Christian Vander. "Zeuhl" means "celestial" in Kobaïan, a language invented specifically for this genre. It draws from Jazz-Fusion influences, features almost martial operatic choirs, dark and ritualistic atmospheres, and a very distorted, front-and-center electric bass.

Key Bands: Magma.

 

RIO (Rock in Opposition) and Avant-Prog

 

Born as a political and artistic movement, RIO rejected the logic of the record industry and pushed experimentation toward high-brow avant-garde music and noise. It possesses atonality, extreme dissonance, and unpredictable structures that are often challenging upon first listen.

Key Bands: Henry Cow, Univers Zero, Frank Zappa.

 

Neo-Prog

 

Emerging in the '80s as a reaction to Punk, it sought to recover the sounds of Genesis-style Symphonic Prog but with more modern production and structures closer to the standard song form. It features emotional atmospheres, highly melodic guitar solos, and digital keyboards.

Key Bands: Marillion, IQ, Pendragon.

 

Progressive Metal

 

The heavier evolution, born from the union of Prog's complexity and Heavy Metal's power. It thrives on double-bass drumming, extreme technical virtuosity (shredding), very long tracks, and elaborate concept albums.

Key Bands: Dream Theater, Queensrÿche, Tool, Opeth.

 

Modern Post-Prog

 

This term encompasses contemporary bands attempting to blaze new trails in Progressive Rock while distancing themselves from the classic 1970s stylistic tropes. Their music merges many factors ranging from the past to the present, reworking them with new ideas.Key

Bands: Porcupine Tree, Steven Wilson, The Pineapple Thief, Pain Of Salvation.

 

Italian Progressive Rock

 

In the '70s, Italy was the second home of the genre after England, creating a unique style that blended Rock with the Italian melodic tradition and the Baroque. Bands like PFM (Premiata Forneria Marconi), Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme are still studied worldwide today.