Red Sand

RED SAND – The Sound Of Silence
Independent Music Market (Vinile), SPBN Music (CD)
Genere: Neo Prog
Supporto: Vinile / CD – 2025

Il Neo Prog ha vissuto, proprio come il Rock Progressivo, momenti di gloria e altri di calo da quel 1983 in cui i Marillion, con l'etichetta EMI, hanno alimentato nuova linfa. Da qui in poi, il genere risiede in un limbo prettamente dedito ai fans più scrupolosi, sino a giungere oggi in una situazione che potrei definire di stallo. Esiste, ma non ha un successo eclatante come lo ha conseguito il Progressive Rock degli anni '70, tanto per fare un esempio.
Questo accade in Italia, mentre in altre nazioni come la Polonia, l'Inghilterra e l'America, l'andamento sembra essere migliore. Tuttavia, le uscite nel tempo sono abbastanza numerose, così come la nascita di band affezionate a quel sound misto fra Genesis, King Crimson, Pink Floyd e Camel.
Dal Canada, nel 2003, abbiamo avuto modo di assistere alla nascita dei Red Sand, dove il chitarrista Simon Caron mette sul piatto tutta la sua passione per le band sopra citate, oltre che alla grande fetta Neo Prog anni '80 in senso generale.
Nella musica composta, c'è ampio spazio per quei solo di chitarra coinvolgenti alla David Gilmour o Andy Latimer e Steven Rothery, così come all'uso di buoni tappeti di tastiere. Con queste armi in pugno, i Red Sand riescono negli anni a realizzare una discreta discografia composta da undici album in studio. I fans del genere in analisi si affezionano alla band, che sembra aver custodito con gelosia ogni caratteristica di questo sound.
Oggi sono formati da Michel Renaud (voce), Simon Caron (chitarre, basso, tastiere) e Perry Angelillo (batteria).
"The Sound Of Silence" è il loro dodicesimo lavoro e subito vi anticipo che nulla toglie e nulla aggiunge a quanto detto, ossia si lascia ascoltare con molto piacere, alternando frangenti esaltanti ad altri che potrei definire nella norma. Direte voi che il Neo Prog, in fin dei conti, è così; in realtà, non sempre. Abbiamo assistito a dischi che hanno un tiro altissimo per tutta la loro durata, come per esempio "Script For A Jester's Tear" (Marillion), "Ever" (IQ), "The Masquerade Overture" (Pendragon), "The Visitor" (Arena) ed altri ancora, ovviamente.
Questo per dire che i Red Sand hanno ottime intuizioni, buona tecnica strumentale, ma che potrebbero dare maggiore continuità a quei momenti di enfasi che fanno il successo del genere. È comunque piacevole immergersi in questi sette brani, aperti dalla strumentale "Puzzle", un intro che conduce all'ottima "Lost Fantasy (We Love)". Il brano è malinconico, ricco di cambi di tempo, e quando la chitarra elettrica si lancia nell'assolo finale, vorresti che non finisse mai. L'interpretazione vocale è di buon livello, perfettamente adeguata al contesto. Se fosse inserita nella discografia degli Arena, "Lost Fantasy (We Love)" ci starebbe benissimo.
È la volta della prima parte di "The Sound Of Silence" e qui saranno felici i fans dei Genesis per un mix iniziale di stili che si alternano fra "The Fountain Of Salmacis" e "Horizons". Poi la chitarra elettrica ritorna nell'ovile di Andy Latimer, eccellente sotto molti punti di vista, soprattutto per quello emotivo: struggente.
"Watcher" è carina, ma è qualcosa di inferiore rispetto a quanto ascoltato sino ad ora, se fosse stata leggermente più breve, avrebbe avuto un altro esito (questo, naturalmente, è solo il mio gusto personale).
La seconda parte strumentale di "The Sound Of Silence" è un altro bellissimo momento da ascoltare ad occhi chiusi.
A questo punto, arriva il brano più lungo dell'album, della durata di oltre diciotto minuti: "The Last Voice". Qui, tutto l'amore che i Red Sand hanno per questa musica trasuda da ogni nota, commovendo a tratti anche l'ascoltatore in quei passaggi strumentali ricolmi di enfasi. Una cavalcata che è davvero il sunto del Neo Prog!
La conclusione spetta a "The Best", e qui è David Gilmour a essere preso come riferimento e sviluppato attraverso la loro personalità.
"The Sound Of Silence" è il classico disco che puoi ascoltare diverse volte, quello che sta lì nello scaffale e ogni tanto ti strizza l'occhiolino. Ne goda chi può. MS.

Versione Inglese:

RED SAND – The Sound Of Silence
Independent Music Market (Vinyl), SPBN Music (CD)
Genre: Neo Prog
Format: Vinyl / CD – 2025

Neo Prog, like Progressive Rock, has experienced moments of glory and decline since 1983, when Marillion, with the EMI label, infused new life into the genre. From then on, the genre has resided in a limbo, largely catering to the most dedicated fans, and has now reached a situation that could be described as stagnant. It exists, but it doesn't have the same level of success as Progressive Rock in the 1970s, for example.
This is the case in Italy, while in other countries like Poland, England, and America, the trend seems to be better. However, releases over time are quite numerous, as is the emergence of bands that are fond of that sound, which is a mix of Genesis, King Crimson, Pink Floyd, and Camel.
In 2003, Red Sand emerged from Canada, where guitarist Simon Caron poured his passion for the aforementioned bands, as well as the Neo Prog of the 1980s in general, into the band.
The music features ample space for captivating guitar solos à la David Gilmour or Andy Latimer and Steven Rothery, as well as good keyboard textures. With these tools, Red Sand has managed to create a respectable discography consisting of eleven studio albums. Fans of the genre have grown attached to the band, which seems to have preserved every characteristic of this sound with jealousy.
Today, the band consists of Michel Renaud (vocals), Simon Caron (guitars, bass, keyboards), and Perry Angelillo (drums).
"The Sound Of Silence" is their twelfth album, and I can tell you right away that it neither adds nor subtracts from what I've said, meaning it's very enjoyable to listen to, alternating between exciting moments and others that could be considered normal. You might say that Neo Prog is like that, but that's not always the case. We've seen albums that have a high level of intensity throughout their duration, such as "Script For A Jester's Tear" (Marillion), "Ever" (IQ), "The Masquerade Overture" (Pendragon), "The Visitor" (Arena), and others.
This is to say that Red Sand has great ideas, good instrumental technique, but could provide more continuity to those moments of emphasis that make the genre successful. It's still enjoyable to immerse yourself in these seven tracks, starting with the instrumental "Puzzle", which leads to the excellent "Lost Fantasy (We Love)". The song is melancholic, rich in time changes, and when the electric guitar launches into the final solo, you'd want it to never end. The vocal interpretation is good, perfectly suited to the context. If it were included in Arena's discography, "Lost Fantasy (We Love)" would fit right in.
It's the turn of the first part of "The Sound Of Silence", and Genesis fans will be happy with the initial mix of styles that alternate between "The Fountain Of Salmacis" and "Horizons". Then the electric guitar returns to Andy Latimer's territory, excellent in many ways, especially emotionally: it's heart-wrenching.
"Watcher" is nice, but it's somewhat inferior to what we've heard so far; if it were slightly shorter, it would have had a different outcome (this is just my personal taste, of course).
The second instrumental part of "The Sound Of Silence" is another beautiful moment to listen to with your eyes closed.
Next up is the longest track on the album, lasting over 18 minutes: "The Last Voice". Here, all the love that Red Sand has for this music oozes out of every note, moving the listener at times with those instrumental passages full of emphasis. It's a ride that's truly the essence of Neo Prog!
The conclusion is "The Best", and here David Gilmour is taken as a reference and developed through their personality.
"The Sound Of Silence" is the kind of album you can listen to multiple times, the one that sits on the shelf and occasionally winks at you. Enjoy it while you can. MS.

Andy Micarelli

ANDY MICARELLI – Andyamo
Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore
Supporto: libro/CD – 2025

Oggi la realtà di un cantautore non è agevole come in passato, vuoi perché passano certe mode, vuoi perché la gente non si sofferma più ad ascoltare qualcosa d’impegnato. Per questo serve un buon equilibrio fra buone melodie da ricordare e testi non banali. Questa formula, che definirei addirittura “magica”, non è facile da realizzare; la conferma si ha guardando le classifiche di vendite sonore, dove del cantautore praticamente non vi è quasi più traccia. Chi ha la fortuna di possedere questa formula (i soliti grandi nomi) si guarda bene dal non abbandonarla.
Poi ci sono le nuove generazioni che, come salmoni, tentano la risalita in questa cascata di uscite alimentate da IA e programmi PC.
 E sì, oggi la vita di un cantautore non è agevole.
Andy Micarelli è di Chieti e collabora spesso con il suo collega romano Aleco, avendogli prodotto cinque album in qualità di arrangiatore, questo subito per inquadrare il contesto sonoro in cui si adopera.
Ma la sua carriera musicale ha origini ben più radicate: si diploma in sassofono presso il conservatorio “Luisa D’Annunzio” di Pescara, collabora con Marco Contento, partecipa come tastierista e corista al tour di Lighea nel 2011, produce un live in duo con il cantautore romano Mauro Di Maggio e supporta le date in tour della storica band di Rock progressivo Le Orme.
Da solista rilascia quattro album in studio: ”Ritratti”, “Non Me Ne Frega E Canto”, “Sogni E Passaggi” e “Dreamy”. Oggi “Andyamo”, attraverso le sue undici canzoni, ci propone un Micarelli maturo, dalle idee chiare e dai molti concetti da esprimere, prorpio per questo il CD è accompagnato con un libro in cui poter leggere le spiegazioni e i testi dei brani, oltre che godere delle foto d’accompagnamento. Così l’autore descrive il concept nella prima pagina del libro: “Questo disco esplora a fondo la mia vita, grazie a una visione chiara delle cose e al bisogno fondamentale di tornare sempre a casa attraverso i ricordi, gli affetti più cari, il senso di appartenenza e l’introspezione. In questo album non racconto storie qualsiasi, ma la mia storia”.
Si inizia con un grido di protesta: “Basta”. Qui l’autore mette in luce quelle amicizie tossiche di quelle persone che ti cercano soltanto quando hanno bisogno di qualcosa (a chi non capita?). Il testo conduce l’ascoltatore a riflettere sul senso della vita e la scelta delle persone che ti devono stare vicino durante il percorso terreno: quelle sincere.
Lo stile su cui si basa la musica è quello prettamente italico degli anni ’80, con piccole schegge di Orme e quel “La La La” che ricorda inevitabilmente il mitico Ivan Graziani; un connubio intrigante che fa tornare la memoria ai tempi che furono. Aleco partecipa come voce narrante al telefono che chiede all’amico il classico favore.
“Viola” è dedicata alla secondogenita di Micarelli, quell’amore che costruisce e rafforza ogni cosa. Il piano apre il brano, che vuole essere una ballata ma che in realtà possiede grandi aperture Pop sopra un ritmo semplice e ballabile, in cui il ritornello è il centro focale.
Se oggi siamo quel che siamo, il merito va attribuito principalmente alle nostre radici, il passato è la saggezza su cui attingere. Questo è il tema trattato in “Radici Preziose”. Qui il cantautorato è quello che ha fatto da scheletro a tutti i dischi solisti dell’autore. Testo e musica fortemente legati fra loro.
“Fammi Volare” affronta il classico “carpe diem”, prendere a due mani il coraggio nella vita di tutti i giorni e poi lasciarsi andare, perché, come dice Micarelli, la vita è un’avventura che richiede spontaneità. Qui l’elettronica viene a supporto nella ritmica, così la bella voce dell’ospite Alessandra Dambra.
Il senso di appartenenza citato in precedenza fuoriesce nei testi di “Teate”, canzone dedicata alla sua Chieti. Essa vuole essere una feroce difesa della città, spesso sminuita e denigrata dai tanti detrattori che oramai, anche per moda, ne parlano male, malgrado siano abitanti stessi del luogo. La musica si sbroglia come una canzone d’amore, perché lo è a tutti gli effetti. Un bell’esempio di positività che andrebbe attuato da tutti noi, ognuno per le proprie radici.
E poi la solitudine. In “Silenzio” viene analizzata l’opportunità di scavare nei nostri pensieri distaccati dal mondo che ci circonda… Senza distrazioni.
Si ha bisogno anche di silenzio.
L’animo gentile di Micarelli è ora a nudo, in pasto all’ascoltatore. Il movimento è prettamente incentrato su tastiere e voce.
Così nella vita c’è sempre un momento in cui ci si deve rialzare, e l’immortale Wrestler Hulk Hogan viene preso come un esempio di riferimento nel brano “Hulkmania”. Il pezzo giustamente è elettrico, vigoroso, con la chitarra elettrica che sfocia nell’Hard Rock; non può essere altrimenti.
Il disco di inediti si conclude con la dedica a Franco Battiato, suo maestro e punto di riferimento musicale. “A Franco” è uno strumentale epicamente sinfonizzato.
A questo punto ci sono tre brani scritti in tempi passati: “Come Un Oceano” nel 2023, “Semplicità” nel 2017 e “Come Ti Vorrei” del 2014 in versione remix.
“Come Un Oceano” è dedicata alla primogenita Aurora. Solare e serena nell’incedere, mi ricorda qualcosa delle Orme più sognanti.
“Semplicità” è uscito come singolo nel 2017 e tratta l’innamoramento nella sua genuinità. Melodicamente morbido, accarezza l’ascoltatore con interventi di piano e orchestrazioni.
“Come Ti Vorrei” è scanzonata. La prima bozza venne realizzata in musicassetta nel 2002, poi incisa nell’album “Non Mi Frega E Canto” e pure dal gruppo Latoscuro con la voce di Francesca Epifani.
In conclusione, “Andyamo” ha come base la sincerità, quella di un autore che ama la musica e la crea con intelligenza e gusto. MS  

Versione Inglese:

ANDY MICARELLI – Andyamo
Music Force / Egea Music
Genre: Singer-Songwriter
Format: Book/CD – 2025

Today, the reality of a singer-songwriter is not as easy as it was in the past, whether it's because certain trends pass or because people no longer take the time to listen to something meaningful. This requires a good balance between catchy melodies and non-trivial lyrics. This formula, which I would define as "magical", is not easy to achieve; confirmation can be seen in the sound sales charts, where the singer-songwriter is practically non-existent. Those who are fortunate enough to possess this formula (the usual big names) make sure not to abandon it.
Then there are the new generations that, like salmon, try to swim upstream in this cascade of releases fueled by AI and PC programs. And yes, today the life of a singer-songwriter is not easy.
Andy Micarelli is from Chieti and often collaborates with his Roman colleague Aleco, having produced five albums for him as an arranger, which immediately frames the sonic context in which he operates.
But his musical career has much deeper roots: he graduated in saxophone from the "Luisa D'Annunzio" conservatory in Pescara, collaborated with Marco Contento, participated as a keyboardist and backing vocalist in Lighea's tour in 2011, produced a live duo with Roman singer-songwriter Mauro Di Maggio, and supported the tour dates of the historic progressive rock band Le Orme.
As a solo artist, he has released four studio albums: "Ritratti", "Non Me Ne Frega E Canto", "Sogni E Passaggi", and "Dreamy". Today, "Andyamo", through its eleven songs, offers a mature Micarelli with clear ideas and many concepts to express, which is why the CD is accompanied by a book containing explanations and lyrics, as well as accompanying photos. This is how the author describes the concept in the first page of the book: "This album explores my life in depth, thanks to a clear vision of things and the fundamental need to always return home through memories, dearest affections, sense of belonging, and introspection. In this album, I don't tell just any stories, but my story".
It starts with a cry of protest: "Basta". Here, the author highlights those toxic friendships where people only reach out when they need something (who hasn't experienced this?). The lyrics lead the listener to reflect on the meaning of life and the choice of people who should be close to you during your earthly journey: those who are sincere.
The style on which the music is based is typically Italian from the '80s, with small fragments of Orme and that "La La La" that inevitably recalls the legendary Ivan Graziani; an intriguing combination that brings back memories of the past. Aleco participates as a narrating voice on the phone, asking his friend for a classic favor.
"Viola" is dedicated to Micarelli's second daughter, that love that builds and strengthens everything. The piano opens the song, which wants to be a ballad but actually has great pop openings on a simple and danceable rhythm, where the refrain is the focal point.
If we are what we are today, the credit goes mainly to our roots; the past is the wisdom from which to draw. This is the theme addressed in "Radici Preziose". Here, the singer-songwriter style is what has formed the backbone of all the author's solo albums. Lyrics and music are strongly linked.
"Fammi Volare" tackles the classic "carpe diem", taking courage in everyday life and then letting go, because, as Micarelli says, life is an adventure that requires spontaneity. Here, electronics support the rhythm, along with the beautiful voice of guest Alessandra Dambra.
The sense of belonging mentioned earlier emerges in the lyrics of "Teate", a song dedicated to his Chieti. It aims to be a fierce defense of the city, often belittled and denigrated by many detractors who, even as a trend, speak badly of it despite being residents themselves. The music unravels like a love song, because it is one in every sense. A great example of positivity that should be adopted by all of us, each for our own roots.
And then there's solitude. In "Silenzio", the opportunity to dig into our thoughts detached from the world around us is analyzed... Without distractions. One also needs silence. Micarelli's gentle soul is now laid bare, for the listener to consume. The movement is primarily centered on keyboards and voice.
Thus, in life, there is always a moment when one must get back up, and the immortal wrestler Hulk Hogan is taken as a reference example in the song "Hulkmania". The piece is justifiably electric, vigorous, with the electric guitar flowing into Hard Rock; it couldn't be otherwise.
The album of new songs concludes with a dedication to Franco Battiato, his master and musical reference point. "A Franco" is an epically symphonized instrumental.
At this point, there are three songs written in the past: "Come Un Oceano" in 2023, "Semplicità" in 2017, and "Come Ti Vorrei" from 2014 in a remix version.
"Come Un Oceano" is dedicated to his eldest daughter Aurora. Solar and serene in its progression, it reminds me of something from the dreamier Orme.
"Semplicità" was released as a single in 2017 and deals with falling in love in its genuineness. Melodically soft, it caresses the listener with piano interventions and orchestrations.
"Come Ti Vorrei" is lighthearted. The first draft was made on cassette in 2002, then recorded in the album "Non Mi Frega E Canto" and also by the group Latoscuro with the voice of Francesca Epifani.
In conclusion, "Andyamo" is based on sincerity, that of an author who loves music and creates it with intelligence and taste. MS

Aleco

ALECO – Il Sistema Della Vita
Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore / Pop
Supporto: Libro/CD – 2025

Ho avuto la fortuna e il privilegio di seguire la carriera artistica di Aleco (Alessandro Carletti Orsini) sin dal primo album d’esordio. Il cantautore romano, attraverso la sua musica, mi ha sempre trasmesso gioia, passione e felicità, una positività generica per tutti gli album “L’Ultima Generazione Felice” (2019), “Il Sapore Della Luna” (2021), e “Gli Amori Alle Stazioni” (2022).
Oggi Aleco è ulteriormente maturato, sia come musicista/cantante che compositore dei testi, tanto da riversare nella sua ultima opera “Il Sistema Della Vita” numerosi concetti ed esperienze. Per la massima riuscita, l’artista presenta il lavoro in doppio formato libro e CD.
In questo percorso concettuale, il protagonista si sveglia da un sogno in cui prende in analisi la sua esistenza fra riflessioni introspettive e ricordi. L’amore e l’estate sono spesso citati nella musica di Aleco, qui in maniera particolarmente accentuata.
“Il Sistema Della Vita” è quindi un racconto intimistico, dove il legame libro e testi delle canzoni si fondono alla perfezione. Bello anche il packaging che supporta il tutto con le grafiche di C Graphics e le fotografie di Luigi Baronetti, un valore aggiunto per chi acquista musica. Le composizioni sono ad opera di Alessandro Carletti Orsini e Andrea Micarelli, con l’ausilio di special guest che rispondono ai nomi di Cecilia Grifone al violino e Nancy Fazzini alla voce.
Nove sono i brani che compongono il concept. “Un Milione Di Anni Fa” narra con delicatezza la situazione mentale del protagonista immobilizzato su un letto e lo sguardo fisso sul soffitto. Non riesce a muoversi, forse incastonato in un limbo fra la vita e l’aldilà. Qui ripercorre con il pensiero i propri ricordi del passato, fra i quali spicca un cartone animato particolarmente amato e importante per la sua formazione: Ryu.
Ma uno dei regali più belli che la vita gli ha donato è quello di staccare dopo la scuola per tre mesi e andare al mare, dove una lei lo aspetta assieme agli amici per passare giornate piacevoli. Ed ecco che “Guance Rosse”, attraverso un brano maturo e altamente orecchiabile, si fissa nella mente. Buono il duetto vocale maschile/femminile. Ricordi d’amore che ognuno di noi almeno una volta nella vita ha vissuto, altro motivo per cui il pezzo risulta altamente toccante.
Un piano apre “Cuore Di Seta”, qui Aleco alza l’asticella e diventa altamente intimistico, alternando il canto al parlato, dove il ritornello risulta punto funzionale del brano. Qui è la musica che salva il protagonista, quando la vita ti prende a schiaffi e hai voglia di gridare basta, è lei che ti prende. Gradevole l’assolo di chitarra e nuovamente il connubio vocale con la Fazzini. Una chicca sonora di cantautorato italiano ben strutturato e indovinato nelle melodie.
Nei ricordi che aleggiano nella mente del protagonista non c’è soltanto la musica, ma anche il cinema, soprattutto il film di Woody Allen “Midnight In Paris” e il personaggio Viola che rappresenta nel suo immaginario la Belle Epoque. Il pezzo s’intitola “Negozio Nostalgia”, dove nel suo martellante incedere narra proprio di questo, e lo fa con malizia e poesia.
I ricordi proseguono anche attraverso i film italiani, in special modo viene presa come riferimento l’immortale Anna Magnani. La sua essenza aleggia su una panchina dell’EUR, oppure di Trastevere, o di Campo De’ Fiori… In una donna romana conosciuta in piena estate; questo è l’immaginario scenico descritto in “Sogno Di Una Notte Di Quasi Estate”, brano dal ritmo Bossa Nova in cui Aleco torna ad essere quello solare che lo ha contraddistinto negli anni nel panorama musicale.
In “Maledetta Giovinezza” il pensiero volge a quando si è molto giovani, ingenui ma allo stesso tempo traini dell’esistenza degli adulti. Qui un'altra donna, Silvia, racconta al protagonista una storia che ha a che fare con una madre che cresce la propria figlia. Lo stile è un mix fra Tiromancino e Max Gazzè, piacevole oltre che scorrevole. Il ritornello presenta uno scenario differente, un’apertura che cambia sorprendentemente il ritmo. Qui riscontro l’Aleco maturo, raffinato e ricercato.
Con “Lola” si affronta l’argomento sulla diversificazione dei pensieri. Vengono in mente gli anni ’70 in cui l’individuo era al centro dell’interesse, dove la diversità di pensiero non solo ci ha reso unici, ma soprattutto ci ha arricchito culturalmente. La storia viene raccontata da un'altra amica del protagonista immobile nel letto in attesa di una probabile sentenza fra paradiso o purgatorio; lei è Lola. Il brano si dipana sopra uno swing accattivante ed un tratto narrato.
Intanto l’uomo disteso si sente vicino al punto di morte ed è allora che fa mente locale su tutti gli amici con cui ha condiviso la propria vita, le difficoltà e i sogni. No rimpianti dunque, ed è qui che si convince di abbandonarsi al proprio destino, sarà quel che sarà, perché ha capito “Il Sistema Della Vita”. Il pezzo è uno dei momenti più alti del concept, oltre che il più lungo con i quasi cinque minuti di durata. Torna anche il duetto vocale con la Fazzini.
Ma ecco il colpo di scena finale: il protagonista si risveglia all’improvviso da questo apparente  letargo. Il lupo perde il pelo ma non il vizio, così si veste, esce e si gode la sua ennesima estate. “Pinoli” ne è degna colonna sonora.
La crescita artistica che riscontro in “Il Sistema Della Vita” risiede anche nel fatto che Aleco si distacca da molti punti di riferimento del passato ben distinguibili nei precedenti lavori, creandosi uno stile prettamente personale. Uno sforzo produttivo e di concetto notevole, un disco pensato con la testa ma soprattutto con il cuore. Impossibile da ignorare! MS 

Versione Inglese:

ALECO – Il Sistema Della Vita
Music Force / Egea Music
Genre: Singer-Songwriter / Pop
Format: Book/CD – 2025

I have had the fortune and privilege of following Aleco's (Alessandro Carletti Orsini) artistic career since his debut album. The Roman singer-songwriter, through his music, has always conveyed joy, passion, and happiness to me, a generic positivity that is present in all his albums “L’Ultima Genera Felice” (2019), “Il Sapore Della Luna” (2021), and “Gli Amori Alle Stazioni” (2022).
Today, Aleco has further matured, both as a musician/singer and composer of lyrics, to the point of pouring numerous concepts and experiences into his latest work, “Il Sistema Della Vita”. For maximum success, the artist presents the work in a dual format, book and CD.
In this conceptual journey, the protagonist wakes up from a dream where he analyzes his existence through introspective reflections and memories. Love and summer are often mentioned in Aleco's music, here in a particularly accentuated way.
“Il Sistema Della Vita” is thus an intimate story where the bond between the book and song lyrics perfectly merge. The packaging is also beautiful, supported by the graphics of C Graphics and the photographs of Luigi Baronetti, adding value for music buyers. The compositions are the work of Alessandro Carletti Orsini and Andrea Micarelli, with the help of special guests Cecilia Grifone on violin and Nancy Fazzini on vocals.
There are nine tracks that make up the concept. “Un Milione Di Anni Fa” delicately narrates the mental state of the protagonist, immobilized in bed with a fixed gaze on the ceiling. He can't move, perhaps stuck in a limbo between life and the afterlife. Here, he recollects his past memories, among which a particularly loved and important cartoon stands out: Ryu.
But one of the most beautiful gifts life has given him is the chance to take a break after school for three months and go to the sea, where a girl waits for him with friends to spend pleasant days. And that's where “Guance Rosse”, through a mature and highly catchy song, sticks in your mind. The male/female vocal duet is good. Memories of love that each of us has experienced at least once in life, another reason why the piece is highly touching.
A piano opens “Cuore Di Seta”, where Aleco raises the bar and becomes highly intimate, alternating singing and spoken word, where the refrain is a functional point of the song. Here, music is what saves the protagonist when life slaps you and you want to scream enough, it's music that takes you. The guitar solo is pleasant, and again the vocal combination with Fazzini. A sound gem of well-structured Italian singer-songwriting and melodies.
The memories that linger in the protagonist's mind are not just music but also cinema, especially Woody Allen's film “Midnight in Paris” and the character Viola, who represents the Belle Epoque in his imagination. The piece is titled “Negozio Nostalgia”, where in its hammering progression, it narrates precisely this, and does so with malice and poetry.
The memories continue through Italian films, especially referencing the immortal Anna Magnani. Her essence lingers on a bench in EUR, or Trastevere, or Campo de' Fiori... In a Roman woman known in the full summer; this is the scenic imaginary described in “Sogno Di Una Notte Di Quasi Estate”, a song with a Bossa Nova rhythm where Aleco returns to being the sunny one that has distinguished him over the years in the music scene.
In “Maledetta Giovinezza”, the thought turns to when one is very young, naive but at the same time a driving force of adult existence. Here, another woman, Silvia, tells the protagonist a story about a mother raising her daughter. The style is a mix between Tiromancino and Max Gazzè, pleasant and smooth. The refrain presents a different scenario, an opening that surprisingly changes the rhythm. Here, I find the mature, refined, and sophisticated Aleco.
With “Lola”, the topic of thought diversification is addressed. The 1970s come to mind, where the individual was at the center of interest, where diversity of thought not only made us unique but also enriched us culturally. The story is told by another friend of the protagonist, immobile in bed, waiting for a probable sentence between heaven or purgatory; she is Lola. The song unfolds over a catchy swing and a narrated trait.
Meanwhile, the lying man feels close to death and reflects on all the friends with whom he has shared his life, difficulties, and dreams. No regrets, and it's here that he convinces himself to abandon himself to his destiny, whatever will be, because he has understood “Il Sistema Della Vita”. The piece is one of the highest moments of the concept, also the longest with almost five minutes of duration. The vocal duet with Fazzini returns.
But here's the final twist: the protagonist suddenly wakes up from this apparent lethargy. The wolf loses its hair but not its vice, so he dresses, goes out, and enjoys his umpteenth summer. “Pinoli” is its worthy soundtrack.
The artistic growth I perceive in “Il Sistema Della Vita” also lies in the fact that Aleco distances himself from many reference points of the past, well distinguishable in previous works, creating a purely personal style. A remarkable productive and conceptual effort, a disc thought out with the head but above all with the heart. Impossible to ignore! MS

PC - Newton

PC-NEWTON – The Chronicles Of CosmoSaint
Defox Records / Artisti No Limits
Genere: Elettronica / Space Synth Prog
Supporto: CD – 2024

Da che mondo è mondo, l'interesse dell'uomo per lo spazio e le forme di vita aliene è sempre stato un interesse focale. L'amore per l'ignoto sposa la fantasia con la realtà, apportando nell'arte argomentazioni scandagliate e approfondite. La musica di certo non è da meno; molti album concept sono incentrati su queste argomentazioni, le quali lasciano sfogo a un sound spesso "spaziale" e elettronico. Anche in Italia abbiamo avuto tanti avventurieri, soprattutto in campo sperimentale, sin dagli anni '70, e l'interesse si protrae nel tempo sino a giungere ai giorni odierni con progetti che si muovono nel sottosuolo. Un esempio particolarmente indovinato è quello dei PC-Newton, duo visionario formato dal cantante Cosmo Saint e dal polistrumentista Paul Electron The Traslater. La musica proposta spazia dall'elettronica allo Space Synth Prog, creando un nuovo filone e genere musicale denominato "Cosmo Domine".
Il nome che si sono scelti viene ispirato da TC Newton, l'uomo caduto sulla Terra interpretato nel 1976 da David Bowie nel film di Nicolas Roeg.
La discografia dei PC-Newton inizia nel 2017 e, dopo ben sette album in studio, si completa oggi con "The Chronicles Of CosmoSaint", alla ricerca del nuovo suono del futuro.
Nove sono le tracce che formano il concept, rappresentato dall'artwork di RRR Remi Galiazzo. Il viaggio intergalattico parte da "Interstellar Generation", dove la bella voce di Cosmo Saint descrive il paesaggio immenso con un tappeto sonoro in bilico fra gli anni '80 e 2000. Certi frangenti possono addirittura richiamare la New Wave, tanta è l'orecchiabilità del contesto. "Fuck The Virus" è un pezzo ballabile inserito pure nella compilation "Roccaccio Vol. 1" e che richiama di base la ritmica di "Another One Bites The Dust" dei Queen, anche se in realtà il pezzo si dipana successivamente in un altro territorio intervallato da momenti di chitarra elettrica distorta.
"Out Of Sight" ci catapulta nel cosmo e nella dance degli anni '70, quella sperimentale, un brano molto interessante per scelte sonore e soluzioni strutturali. Curati gli effetti che accompagnano il tutto. Interessante anche "Berlin Blues Theme", dove la melodia è semplice ma allo stesso tempo impreziosita dagli interventi vocali che richiamano alla memoria alcune scelte passate di David Bowie; non a caso, a esso segue il pezzo intitolato proprio "Heroes", una cover di grande personalità del Duca Bianco!
"Over" invece conduce l'ascolto in un mondo rarefatto e molto pop anni '80. "Run To The World Of Imagination" preme sull'acceleratore con l'utilizzo della chitarra elettrica; qui i PC-Newton ricercano maggiormente e spaziano nell'elettronica con personalità. Un altro frangente arioso s'intitola "Now Last Time", mentre la conclusiva "Stratosferica" è la chicca finale di ben sedici minuti di musica spaziale, dove tutta la creatività del duo si esprime al meglio.
"The Chronicles Of CosmoSaint" è un disco maturo, rispettoso del passato ma con uno sguardo al futuro, dove la creatività ben si sposa con la ricerca sonora e strutturale; una variante alla musica che ascoltiamo oggi per aprire una gustosa parentesi alla nostra mente. MS

 

Versione Inglese:

PC-NEWTON – The Chronicles Of CosmoSaint
Defox Records / Artisti No Limits
Genre: Electronic / Space Synth Prog
Format: CD – 2024

Since the dawn of time, humanity's fascination with space and alien life forms has been a focal point of interest. The love for the unknown marries fantasy with reality, bringing forth in-depth explorations in art. Music is no exception; many concept albums are centered around these themes, often resulting in a sound that's both "spacey" and electronic. Italy too has had its fair share of pioneers, particularly in experimental music, starting from the 1970s, and this interest continues to this day with underground projects. A prime example is PC-Newton, a visionary duo composed of vocalist Cosmo Saint and multi-instrumentalist Paul Electron The Traslater. Their music spans electronic to Space Synth Prog, creating a new genre dubbed "Cosmo Domine".
The name PC-Newton is inspired by TC Newton, the man who fell to Earth, portrayed by David Bowie in the 1976 film by Nicolas Roeg.
PC-Newton's discography began in 2017, and after seven studio albums, it's now completed with "The Chronicles Of CosmoSaint", a quest for the sound of the future.
The nine tracks form a concept represented by RRR Remi Galiazzo's artwork. The intergalactic journey starts with "Interstellar Generation", where Cosmo Saint's voice describes the vast landscape with a sound that balances between the '80s and 2000s. Some moments evoke New Wave due to the catchy context. "Fuck The Virus" is a danceable track also featured in the compilation "Roccaccio Vol. 1", drawing inspiration from Queen's "Another One Bites The Dust", but later unfolding into a different territory with distorted electric guitar moments.
"Out Of Sight" propels us into the cosmos and '70s experimental dance, an interesting piece for its sound choices and structural solutions. The effects accompanying it are well-crafted. "Berlin Blues Theme" is also noteworthy, with a simple melody enriched by vocal interventions reminiscent of David Bowie's past work; fittingly, it's followed by the track "Heroes", a highly personal cover of the song by the Thin White Duke!
"Over" transports the listener to a rarefied '80s pop world. "Run To The World Of Imagination" accelerates with electric guitar, where PC-Newton explores electronic music with personality. Another airy segment is titled "Now Last Time", while the final "Stratosferica" is a 16-minute spatial music gem where the duo's creativity shines.
"The Chronicles Of CosmoSaint" is a mature album, respectful of the past but with an eye on the future, where creativity blends with sonic and structural research; a variant to the music we listen to today, opening a delightful parenthesis for our minds.
Let me know if you'd like me to make any changes. MS

Caravaggio

CARAVAGGIO – We All We Are
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / Digital – 2025

Ritornano i milanesi Caravaggio dopo alcuni assestamenti nella lineup con il secondo album “We All We Are”. Formatisi nel 2015 con ex membri degli Adramelch, band di Metal Prog, Vittorio Ballerio (voce) e Fabio Troiani (chitarra) prendono in mano le redini del progetto e, una volta completata la formazione con Marco Melloni al basso (Pino Scotto) e Alessio Del Ben alla batteria (Quel Che Disse Il Tuono), danno vita al primo album dal titolo omonimo (I Cuochi Music Company – 2022). L’interesse attorno alla band da parte di critica e pubblico è buono, grazie alla qualità della musica proposta, ma sentono di dover arricchire il proprio sound con l’ingresso di un nuovo strumento, la fisarmonica; per questo, a fine dicembre 2024, dopo anni di ricerca, finalmente trovano in Stefano Spitale un ottimo elemento.
Oggi la band è formata da Vittorio Ballerio (voce), Fabio Troiani (chitarra, programmazioni, arrangiamenti), Serhan Kazaz (chitarra, bouzouki, voce), Stefano Spitale (fisarmonica), Piero Chiefa (basso) e Alessio Del Ben (batteria).
Per la riuscita finale di “We All We Are” si avvalgono di alcuni special guest che rispondono ai nomi di Guido Block (cori), Tiziano Chiapelli (fisarmonica), Margherita Fossati (cori), Giulia Bertassi (fisarmonica) e Lorenzo D'Erasmo (percussioni e flauto).
Nove sono le canzoni che compongono l’album, per una durata di quarantotto minuti di musica, con la copertina di Giuseppe Pellizza da Volpedo.
La combinazione di fisarmonica, bouzouki, mandolino, percussioni, scacciapensieri, nacchere, ecc. conduce il sound verso un connubio molto personale, fatto anche di Rock, Hard Rock, World Music e Progressive Rock.
Le tematiche affrontate sono incidenti, così descrivono le note biografiche: “We All We Are è stato ispirato principalmente dalla crisi della partecipazione democratica che stiamo vivendo oggi in tutto il mondo.
Dai tempi di Machiavelli, l’esercizio del potere è diventato una vera e propria scienza, in continua evoluzione. Oggi, in molte parti del mondo, le persone comuni eleggono volontariamente coloro che poi andranno a limitare le loro libertà e i loro diritti.
Per raggiungere questo obiettivo, il potere non ha più bisogno di imporsi con la dittatura, poiché ha sviluppato strumenti di comunicazione capaci di ottenere il consenso delle stesse masse che intende opprimere.
Si tratta di un processo irreversibile? Cosa accadrebbe se le persone si considerassero non come una moltitudine di identità specifiche e tendenze divergenti, ma come una forza potente, unita e inarrestabile?”
Con queste interessanti premesse, il disco inizia attraverso i cinque minuti abbondanti di “Isolation”, un biglietto da visita davvero eccellente, dove la buona voce di Ballerio conduce un movimento che ha illuminazioni King Crimson. Buono anche l’uso delle coralità.
“Rejoice” sprigiona mediterraneità da ogni nota e presenta buone intuizioni compositive che esulano dal classico Progressive Rock per un risultato quantomeno intrigante. Ed è con “In The Place Where I Was Born” che i Caravaggio aprono a scenari introspettivi, dove il ritornello si stampa immediatamente nella mente, e quando sopraggiunge l’assolo di chitarra elettrica, tutto diventa ampio e solare.
Un giro di basso su una ritmica sostenuta apre “We All We Are”, qui ci sono i Caravaggio di oggi, in bilico fra passato e presente.
Più ricercata “Controversial”, un passaggio nel Neo Prog con intuizioni Jazz ad arricchire un movimento che trova ancora una volta nella melodia orecchiabile la sua carta vincente.
“White Lies On Our Black Tongues” si rispecchia nuovamente nel lago King Crimson e mostra anche le qualità tecniche della band.
Ed è la volta di “Behind The Mask, Part 1 e Part 2”, dove la prima parte si apprezza per un bellissimo connubio di chitarra classica e voce, mentre la seconda parte alza il tono grazie alle chitarre elettriche. Per chi vi scrive, questo è uno dei momenti migliori dell’album, che si conclude con “Divine Comedy Tarantella”, fra World, Heavy e Prog! MS 

Versione Inglese:

CARAVAGGIO – We All We Are
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2025

The Milanese band Caravaggio returns after some lineup changes with their second album “We All We Are”. Formed in 2015 with former members of Adramelch, a Metal Prog band, Vittorio Ballerio (vocals) and Fabio Troiani (guitar) take the reins of the project and, once the lineup is complete with Marco Melloni on bass (Pino Scotto) and Alessio Del Ben on drums (Quel Che Disse Il Tuono), release their debut album of the same name (I Cuochi Music Company – 2022). The interest around the band from critics and public is good, thanks to the quality of the music proposed, but they feel the need to enrich their sound with the addition of a new instrument, the accordion; for this reason, at the end of December 2024, after years of searching, they finally find in Stefano Spitale an excellent element.
Today the band is formed by Vittorio Ballerio (vocals), Fabio Troiani (guitar, programming, arrangements), Serhan Kazaz (guitar, bouzouki, vocals), Stefano Spitale (accordion), Piero Chiefa (bass), and Alessio Del Ben (drums).
For the final success of “We All We Are” they rely on some special guests who go by the names of Guido Block (backing vocals), Tiziano Chiapelli (accordion), Margherita Fossati (backing vocals), Giulia Bertassi (accordion), and Lorenzo D'Erasmo (percussions and flute).
The album consists of nine songs, lasting forty-eight minutes, with a cover art by Giuseppe Pellizza da Volpedo.
The combination of accordion, bouzouki, mandolin, percussions, jaw harp, castanets, etc. leads the sound towards a very personal blend, also made of Rock, Hard Rock, World Music, and Progressive Rock.
The themes addressed are incidental, as described in the biographical notes: “We All We Are was mainly inspired by the crisis of democratic participation that we are experiencing today all over the world.
Since Machiavelli's times, the exercise of power has become a real science, constantly evolving. Today, in many parts of the world, ordinary people voluntarily elect those who will then limit their freedoms and rights.
To achieve this goal, power no longer needs to impose itself through dictatorship, as it has developed communication tools capable of obtaining the consent of the very masses it intends to oppress.
Is this an irreversible process? What would happen if people considered themselves not as a multitude of specific identities and divergent trends, but as a powerful, united, and unstoppable force?”
With these interesting premises, the album begins with the five-minute “Isolation”, an excellent calling card where Ballerio's good voice leads a movement that has King Crimson illuminations. Good use of backing vocals too.
“Rejoice” exudes Mediterranean vibes from every note and presents good compositional insights that deviate from classic Progressive Rock for an intriguing result. And it's with “In The Place Where I Was Born” that Caravaggio opens up to introspective scenarios, where the chorus immediately sticks in the mind, and when the electric guitar solo comes in, everything becomes wide and sunny.
A bass riff on a sustained rhythm opens “We All We Are”, here are the Caravaggio of today, balancing between past and present.
More researched is “Controversial”, a passage into Neo Prog with Jazz insights enriching a movement that once again finds its winning card in the catchy melody.
“White Lies On Our Black Tongues” reflects again on King Crimson and shows the band's technical qualities.
And then comes “Behind The Mask, Part 1 and Part 2”, where the first part is appreciated for a beautiful blend of classical guitar and voice, while the second part raises the tone thanks to electric guitars. For the writer, this is one of the best moments of the album, which concludes with “Divine Comedy Tarantella”, between World, Heavy, and Prog!
Caravaggio is a reality to support, rich in ideas and a class that few other bands possess so naturally. A must-have album! MS

A.A.V.V. Roccaccio Vol.1

A.A.V.V. – Roccaccio Vol. 1
Archivio Nazionale Letterario / Rockitaly
Genere: Rock Underground
Supporto: CD – 2025

Fiumi d'inchiostro sono stati versati negli anni sull'argomento "Il Rock è morto?" senza venire effettivamente a capo di nulla, specialmente in suolo italico, dove il genere è rimasto di nicchia e per pochi adepti. In realtà è sempre esistito, ma una cattiva distribuzione e il poco credere in esso da parte delle case discografiche, soprattutto nelle vendite, hanno fatto sì che tutto rimanesse nell'underground. Come si dice in questi casi, sotto la cenere la brace è comunque viva.
Per fortuna esistono amanti del settore che gettano anima e corpo in questa musica e, diciamo anche, "ricerca" del movimento che non è sicuramente facile scovare se non si è dentro delle argomentazioni. Mirco DeFox Galliazzo ha un'intuizione che rende merito anche alla sua grande cultura musicale, quella di raccogliere in un CD (rivalutando lo stesso in un periodo dove la musica liquida la fa da padrona) alcuni degli artisti che tanto si sono adoperati nell'Underground Rock e dintorni, Metal compreso. Attraverso un annuncio su Rockitaly Magazine, parte una selezione che conduce al risultato di questa compilation intitolata "Roccaccio Vol. 1" con l'artwork di Stellaclone Design diretto dal noto fotografo RRR Remi Real Rock.
Andiamo dunque a conoscere questi tredici artisti partecipanti all'opera:
Sappiamo che il Rock è attitudine, stile di vita, e a Verona nel 1997 dei ragazzi provenienti dalla storica band Spitfire creano il progetto EX, dove il Metal diretto contro il disagio sociale è un pugno allo stomaco. "Salto Nel Vuoto" è il pezzo proposto tratto dall'album "Combattere Sempre" (Andromeda Relix – 2025) in pieno stile N.W.O.B.H.M. (New Wave of British Heavy Metal), contenente un riff tagliente e odore di polvere di strada.
La ricerca di Galliazzo resta nel ramo storico del genere italiano pescando i Feline Melinda, band altoatesina autrice di otto album, fra questi due live e un EP. La band di Rob Irbiz e Andy De Santis, sorta nel 1986, muta stile nel tempo passando da uno Speed Metal compatto e melodico a un Metal dalle tinte AOR. Il brano qui proposto è "More Than Ever" estrapolato da "Seven" (Autoproduzione – 2024), energico e accattivante con un ritornello gradevole da cantare.
Seguono i bolognesi John Dallas, quartetto attivo dal 2013 capitanato dal leader carismatico John Dallas. Hanno all'attivo due album, "Wild Life" (Burning Minds - 2015) e "Love & Glory" (Burning Minds - 2021). Sono fra i moderni portabandiera dell'Hard Rock italico, autori di canzoni rispettose del passato (AC/DC su tutti) e allo stesso tempo attuali. Orecchiabile e trascinante, "John Dallas" è una canzone dalle aperture solari impossibili da domare.
Ritorna la N.W.O.B.H.M., qui splendidamente rappresentata dal trio Spitfire MkIII (ex Spitfire), ancora oggi fedele allo spirito del primo movimento italiano. Si formano nel lontano 1981 a Verona e hanno alle spalle una solida esperienza, soprattutto in sede live, oltre che una ricca discografia a nome Spitfire. "Shadows Phantoms Nightmares" è il primo album con il nuovo nome datato 2022 edito da DeFox Records, dal quale viene estratto per questa occasione "Despair". Tanto Saxon style e energia a profusione.
Con i Wyv85 siamo al cospetto della reunion della line-up originale dei Wyvern, altra formazione storica di Parma dei primi anni '80. "Save Humanity" è tratto dall'ultimo EP e presenta una band Hard Rock ricca di esperienza e mai doma del sound passato. Fabio Bonaccorsi (voce) conduce il brano con sapienza e consapevolezza.
Si ritorna in Veneto con una delle voci storiche del genere, quella di Gianni Bardotti e del suo progetto attuale Jan-Os. Questa formazione può considerarsi a tutti gli effetti un supergruppo formato da musicisti della scena Rock della bassa padovana, vicentina, rodigina e veronese. "Treaths" trasuda Rock da tutti i pori con caparbietà e saggezza.
Più recenti i Kross Of Khaoss, nati nel 2012 a Treviso, dediti a un sound crudo ed esplosivo grazie alla fusione di più generi come il Punk, lo Speed Metal e il Blues. "The Dark Passenger" è il titolo dell'EP di debutto datato 2015. Il pezzo proposto nella compilation s'intitola "Snow White" e sprigiona tutta l'essenza di questa formazione che nel tempo si è saputa far rispettare soprattutto in sede live dividendo il palco con grandi artisti come Anvil, Nanowar Of Steel e moltissimi altri.
È la volta dei Carillon, progetto del batterista Loris Rigoni con "Perduti Orgogli". Si fondano nel 2013 e rilasciano "Rumore E Silenzio" (Andromeda Relix) nel 2018, disco che li mette all'attenzione del pubblico e della critica, tanto da partecipare nel 2021 e nel 2022 all'edizione di Sanremo Rock. Il brano qui proposto presenta un duo attento alla ricerca oltre che alle giuste melodie facili da memorizzare. Buona la voce della veronese Patty Simon.
Con i Serena Rock Band siamo al cospetto di un altro artista storico italiano, Franco Serena (Ragazzi Dai Capelli Verdi, Nuvole Di Paglia). Attivo sin dal 1964, Serena vive passaggi nel Beat sino al Progressive Rock. "Soli" è un capitolo che mostra il suo lato più Rock, dal quale fuoriesce tutta l'esperienza annosa dell'autore.
"Roccaccio Vol. 1" presenta anche un artista poliedrico che si adopera fra parole, chitarra e sperimentazione, esso si chiama Lele Croce. Nella carriera riceve diversi premi come il "Primo Traguardo" di Milano, il "Musica Libera" di Roma e il "Ritmi Globali Europei" a Treviso. "Libertad" è un pezzo trascinante intriso di Blues e Rock sudista davvero godibile.
Un altro nome di spicco in questa compilation è quello degli X-Hero, band di Heavy Metal che ritorna oggi a noi con l'album "Evil Union" (DeFox Records / Heart Of Steel Records). Il leader fondatore e cantante Mirko Defox Galliazzo è autore di un'ottima prova sopra le righe immersa in un Metal Prog diretto; il brano proposto s'intitola "All Universe".
Si tira un attimo di respiro con i Runaluna che propongono una ballata toccante dal titolo "Luminescence". Anche questo potrebbe considerarsi un supergruppo, con elementi provenienti da gruppi come X-Hero, Blondie Fox, Tactusrosa e Giga From Nowhere. L'eleganza del Rock proposto sfiora anche il Progressive Rock e tanto dello scenario anni '80. Il brano scritto dal tastierista e bassista Sandro Benetti è una perla sonora.
La raccolta si conclude con l'elettronica dei PC-Newton, che grazie a "Fuck The Virus" si diverte a scorrazzare su una base che richiama "Another One Bites The Dust" dei Queen. Il moniker è tratto dal film di Nicolas Roeg del 1976 interpretato da David Bowie. Viaggi intergalattici e ottime intuizioni di chitarra.
Quello che m'intriga maggiormente dopo questa lunga cavalcata nella musica Rock italiana è quel "Vol. 1" che ben mi fa sperare in una replica. "Roccaccio Vol. 1" è un'occasione per chi si fosse persa la scena underground in analisi; Mirco DeFox Galliazzo ha avuto un'illuminante intuizione e noi gliene siamo grati. MS

Versione Inglese:

A.A.V.V. – Roccaccio Vol. 1
Archivio Nazionale Letterario / Rockitaly
Genre: Underground Rock
Format: CD – 2025

Rivers of ink have been spilled over the years on the topic "Is Rock dead?" without coming to any real conclusion, especially in Italy, where the genre has remained a niche for a select few. In reality, it has always existed, but poor distribution and a lack of faith in it from record labels, particularly in terms of sales, have meant that everything has remained underground. As they say in these cases, the embers are still glowing beneath the ashes.
Fortunately, there are fans of the genre who throw their heart and soul into this music and, let's say, "research" the movement, which is not easy to discover unless you're inside the scene. Mirco DeFox Galliazzo has had an intuition that does justice to his great musical culture, gathering some of the artists who have worked tirelessly in Underground Rock and related genres, including Metal, on a CD (re-evaluating it in a period where streaming music dominates). Through an announcement on Rockitaly Magazine, a selection process began that led to the result of this compilation, titled "Roccaccio Vol. 1", with artwork by Stellaclone Design directed by the renowned photographer RRR Remi Real Rock.
Let's get to know the thirteen participating artists:
We know that Rock is an attitude, a lifestyle, and in Verona in 1997, some guys from the historic band Spitfire created the project EX, where Metal directly addresses social discomfort like a punch to the stomach. "Salto Nel Vuoto" is the proposed track from the album "Combattere Sempre" (Andromeda Relix – 2025), in the style of N.W.O.B.H.M. (New Wave of British Heavy Metal), with a sharp riff and a whiff of street dust.
Galliazzo's research stays within the historical branch of the Italian genre, featuring Feline Melinda, a South Tyrolean band that has released eight albums, including two live albums and an EP. The band, founded by Rob Irbiz and Andy De Santis in 1986, has changed style over time, moving from compact and melodic Speed Metal to Metal with AOR touches. The proposed track is "More Than Ever", taken from "Seven" (Self-produced – 2024), energetic and captivating with a catchy chorus.
Next up are the Bolognese band John Dallas, a quartet active since 2013, led by the charismatic leader John Dallas. They have released two albums, "Wild Life" (Burning Minds - 2015) and "Love & Glory" (Burning Minds - 2021). They are among the modern flag bearers of Italian Hard Rock, writing songs that respect the past (AC/DC above all) while being contemporary. Catchy and uplifting, "John Dallas" is a song with solar openings that can't be tamed.
The N.W.O.B.H.M. returns, beautifully represented by the trio Spitfire MkIII (ex Spitfire), still faithful to the spirit of the first Italian movement today. Formed in 1981 in Verona, they have a solid experience, particularly in live performances, and a rich discography under the name Spitfire. "Shadows Phantoms Nightmares" is their first album under the new name, released in 2022 on DeFox Records, from which "Despair" is taken. Saxon style and energy abound.
With Wyv85, we're witnessing the reunion of the original lineup of Wyvern, another historic formation from Parma in the early 1980s. "Save Humanity" is taken from their latest EP and showcases a Hard Rock band rich in experience and never tamed by past sounds. Fabio Bonaccorsi (vocals) leads the track with wisdom and awareness.
We're back in Veneto with one of the genre's historic voices, Gianni Bardotti, and his current project Jan-Os. This formation can be considered a supergroup, made up of musicians from the Rock scene in the Padua, Vicenza, Rovigo, and Verona areas. "Treaths" oozes Rock from every pore with determination and wisdom.
More recent are Kross Of Khaoss, formed in 2012 in Treviso, dedicated to a raw and explosive sound thanks to the fusion of genres like Punk, Speed Metal, and Blues. "The Dark Passenger" is the title of their debut EP, released in 2015. The track proposed in the compilation is "Snow White", which embodies the essence of this formation, which has earned respect over time, especially in live performances, sharing the stage with great artists like Anvil, Nanowar Of Steel, and many others.
It's the turn of Carillon, a project led by drummer Loris Rigoni with "Perduti Orgogli". Formed in 2013, they released "Rumore E Silenzio" (Andromeda Relix) in 2018, an album that brought them to the attention of the public and critics, leading to their participation in the 2021 and 2022 editions of Sanremo Rock. The track proposed here features a duo attentive to research and catchy melodies. Good vocals by Veronese singer Patty Simon.
With Serena Rock Band, we're in the presence of another Italian historic artist, Franco Serena (Ragazzi Dai Capelli Verdi, Nuvole Di Paglia). Active since 1964, Serena has passed through Beat and Progressive Rock. "Soli" is a chapter that showcases his Rock side, from which his years of experience shine through.
"Roccaccio Vol. 1" also features a multifaceted artist who works with words, guitar, and experimentation, Lele Croce. Throughout his career, he has received several awards, including the "Primo Traguardo" in Milan, "Musica Libera" in Rome, and "Ritmi Globali Europei" in Treviso. "Libertad" is a catchy track infused with Blues and Southern Rock, truly enjoyable.
Another standout name in this compilation is X-Hero, an Heavy Metal band that returns today with the album "Evil Union" (DeFox Records / Heart Of Steel Records). The founder and lead singer, Mirko Defox Galliazzo, is the author of an excellent, over-the-top performance immersed in direct Metal Prog; the proposed track is "All Universe".
We take a breather with Runaluna, who propose a touching ballad titled "Luminescence". This could also be considered a supergroup, with members from bands like X-Hero, Blondie Fox, Tactusrosa, and Giga From Nowhere. The elegance of the Rock proposed here borders on Progressive Rock and the 1980s scenario. The track, written by keyboardist and bassist Sandro Benetti, is a sonic pearl.
The collection concludes with the electronic sounds of PC-Newton, who have fun with "Fuck The Virus", a track that recalls "Another One Bites The Dust" by Queen. The moniker is taken from the 1976 film by Nicolas Roeg starring David Bowie. Intergalactic travels and great guitar insights.
What intrigues me most after this long ride through Italian Rock music is the "Vol. 1" that makes me hope for a sequel. "Roccaccio Vol. 1" is an opportunity for those who might have missed the underground scene; Mirco DeFox Galliazzo has had an illuminating intuition, and we're grateful to him. MS