ORANGE COMBUTTA – Oka.Pi 42 Records Genere: Sperimentale Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2025
Gli
Orange Combutta sono un collettivo musicale italiano estremamente atipico che
fonde Jazz, elettronica, Hip-Hop e Rock Progressivo. Più che una band
tradizionale, si definiscono un progetto aperto dove la sperimentazione è il
motore principale. Il progetto nasce a Ravenna dall'idea di Giovanni Minguzzi
(batterista, compositore e "mente" del gruppo), che ha trasformato un
iniziale power trio in un collettivo allargato. Il nucleo centrale è composto
da Giovanni Minguzzi (batteria), Mattia "Matta" Dallara (elettronica
e produzione) e Lorenzo Serasini (basso); a loro si aggiungono collaboratori
ricorrenti di alto livello della scena Jazz e avanguardistica italiana, tra cui
Paolo Raineri (tromba, noto per gli Ottone Pesante), Vincenzo Vasi
(thereminista storico di Vinicio Capossela) e Michele Ducci (voce, ex M+A). La
loro musica è difficile da etichettare perché mescola mondi apparentemente
distanti come il Jazz-Core e il Funk attraverso ritmiche serrate, spesso su
tempi dispari tipici del Prog. L'uso massiccio di campionamenti, synth e live
electronics conferisce un'aria moderna e urbana. La
band dichiara spesso di ispirarsi visivamente ai film di Spike Lee, Wes
Anderson e Sergio Leone. Questo si traduce in brani che sembrano "colonne
sonore" per film mai girati. Il
nome "Orange Combutta" suggerisce un'idea di cospirazione
("combutta") cromatica e sonora. La loro musica è pensata come una
serie di piccole suite che formano un mosaico più grande: non cercano il
singolo da classifica, ma un'esperienza d'ascolto immersiva. “Oka.PI”
è il secondo album in cui dimostrano, nei dodici brani, di non aver paura di
risultare "difficili" o dissonanti; in più c'è una componente di
gioco e divertimento che spesso manca nei dischi Prog troppo seriosi. Due gli
ospiti d'eccezione: Nic T (voce e testi) e Francesca Amati (voce e testi). I
testi di “Oka.Pi” riflettono l'anima della band, sono urbani, colti,
leggermente distaccati e molto ironici. Non cercano mai di essere retorici o
epici (come accadeva nel Prog italiano anni '70), ma preferiscono muoversi nel
terreno della sperimentazione linguistica e del quotidiano rivisitato. È
un disco che parla di "mondi alieni" che si trovano però dietro
l'angolo di casa o in una stanza alle due di notte. L'apertura
intitolata “The Actor” è affidata alla voce di Nic T, che dà subito un'impronta
internazionale. È un pezzo breve ma denso, dove il groove è spezzato e la voce
si appoggia su un tappeto sonoro che mescola elettronica e strumenti acustici
in modo quasi teatrale. Si prosegue con Nic T in “Tamer” (il domatore), ma qui
il ritmo si fa più serrato. La "combutta" spinge sull'acceleratore
della sezione ritmica. C'è un'energia quasi Post Punk nell'approccio, ma con la
finezza tecnica del Jazz Prog. Il pezzo suggerisce l'idea di controllo, dove si
cerca di dominare istinti o situazioni che sono intrinsecamente selvaggi, un
po' come la musica della band che cerca di dare una struttura al caos. Con
“Okapilandia Pt.I (intro)” si entra nel cuore concettuale del disco. È un brano
che serve a stabilire le coordinate geografiche di questo "mondo
immaginario". Suoni ambientali si fondono con synth analogici, creando un
senso di attesa e mistero. Segue “Festa Alle 2.30”: il titolo descrive
perfettamente il mood, quella frenesia un po' storta e stanca delle ore
piccole. È un brano ritmico, imprevedibile, dove i fiati o i sintetizzatori
sembrano rincorrersi in modo schizofrenico ma estremamente divertente.
Rimembranze dei Perigeo fanno capolino di tanto in tanto. Uno
dei momenti più atmosferici s’intitola “Fantasmi”. Le sonorità si fanno più
rarefatte e inquiete. Il lavoro di produzione qui è eccellente nel creare
profondità attraverso riverberi e suoni che appaiono e scompaiono, proprio come
presenze eteree. Torna
Nic T per un pezzo che è quasi un esercizio di stile su come far convivere il
Pop d'avanguardia con la complessità del Prog, “Water Crackers”, un brano
secco, asciutto ritmicamente, proprio come suggerisce il titolo. “Varie Ed
Eventuali Di Una Situazione Ordinaria” è un titolo molto ironico per un brano
che di ordinario ha ben poco. È una traccia che mette in mostra l'abilità della
band di passare da un'idea all'altra in pochi secondi, mantenendo però un filo
logico coerente. “Lion
Face” gode della voce eterea di Francesca Amati, la quale porta un lirismo più
profondo e malinconico. Qui il testo si fa più poetico e astratto, parlando di
maschere (la "faccia da leone") e di una fragilità nascosta dietro
l'apparenza. È forse il momento più intimo e meno "cinico" del disco. Seguono
“Cartone”, un pezzo più spigoloso e minimale, e “Figaro”, in cui il collettivo
torna a giocare con la tradizione, anche solo nel nome, stravolgendola. È un
brano dinamico, con continui stop-and-go che mettono a dura prova la sincronia
del gruppo, che non sbaglia un colpo. La
chiusura spetta alla monumentale “Oka.Pi Sampler Mixtape”, quasi 12 minuti di
flusso sonoro, riassunto destrutturato di tutto l'album, un collage dove i temi
vengono ripresi, remixati e fusi insieme. È l'essenza stessa degli Orange
Combutta: un collettivo che non finisce mai di rimescolare le carte. Per
concludere, se vi piacciono gli Area, i Soft Machine o se cercate qualcosa che
suoni come un incontro segreto tra il Jazz di Bologna e l'elettronica di
Bristol, loro sono il gruppo giusto. MS
Versione Inglese:
ORANGE COMBUTTA – Oka.Pi 42 Records Genre: Experimental Format: CD / LP / Bandcamp – 2025
Orange Combutta is an extremely atypical Italian
musical collective that blends Jazz, electronics, Hip-Hop, and Progressive
Rock. More than a traditional band, they define themselves as an open project
where experimentation is the primary engine. The project was born in Ravenna
from the mind of Giovanni Minguzzi (drummer, composer, and the group's
"brain"), who transformed an initial power trio into an expanded
collective. The core unit consists of Giovanni Minguzzi (drums), Mattia
"Matta" Dallara (electronics and production), and Lorenzo Serasini
(bass); they are joined by high-level recurring collaborators from the Italian
Jazz and avant-garde scene, including Paolo Raineri (trumpet, known for Ottone
Pesante), Vincenzo Vasi (long-time thereminist for Vinicio Capossela), and
Michele Ducci (vocals, formerly of M+A). Their music is difficult to pigeonhole because it
blends seemingly distant worlds like Jazz-Core and Funk through tight rhythms,
often utilizing the odd time signatures typical of Prog. The massive use of
sampling, synths, and live electronics bestows a modern, urban feel. The band
frequently cites the films of Spike Lee, Wes Anderson, and Sergio Leone as
visual inspirations. This translates into tracks that sound like
"soundtracks" for unmade films. The name "Orange Combutta" suggests an idea
of a chromatic and sonic conspiracy ("combutta" meaning
"cahoots" or "collusion"). Their music is conceived as a
series of small suites forming a larger mosaic: they aren't chasing a
chart-topping single, but rather an immersive listening experience. “Oka.PI” is
their second album, in which they demonstrate across twelve tracks that they
aren't afraid of being "difficult" or dissonant; furthermore, there
is an element of playfulness and fun that is often missing from overly serious
Prog records. There are two exceptional guests: Nic T (vocals and lyrics) and
Francesca Amati (vocals and lyrics). The lyrics of “Oka.Pi” reflect the band's soul: they
are urban, sophisticated, slightly detached, and highly ironic. They never
strive to be rhetorical or epic (as was common in 1970s Italian Prog),
preferring instead to operate within the realm of linguistic experimentation
and revisited daily life. It is a record that speaks of "alien
worlds" found just around the corner from home or in a room at two in the
morning. The opening track, titled “The Actor,” is entrusted to
the voice of Nic T, immediately providing an international imprint. It is a
brief but dense piece, where the groove is fragmented and the vocals rest upon
a sonic tapestry that mixes electronics and acoustic instruments in an almost
theatrical fashion. It continues with Nic T on “Tamer,” but here the rhythm
tightens. The "combutta" pushes the accelerator on the rhythm
section. There is an almost Post-Punk energy in the approach, yet with the
technical finesse of Jazz Prog. The piece suggests the idea of control,
attempting to dominate instincts or situations that are inherently wild—much
like the band's music, which seeks to give structure to chaos. With
“Okapilandia Pt.I (intro),” one enters the conceptual heart of the record. It
is a track that serves to establish the geographical coordinates of this
"imaginary world." Ambient sounds merge with analog synths, creating
a sense of anticipation and mystery. This is followed by “Festa Alle 2.30”: the
title perfectly describes the mood—that slightly crooked and weary frenzy of
the small hours. It is a rhythmic, unpredictable track where brass and
synthesizers seem to chase each other in a schizophrenic yet extremely
entertaining way. Reminiscences of Perigeo surface from time to time. One of the most atmospheric moments is titled
“Fantasmi.” The sounds become more rarefied and restless. The production work
here is excellent in creating depth through reverbs and sounds that appear and
disappear like ethereal presences. Nic T returns for a piece that is almost an
exercise in style on how to blend avant-garde Pop with the complexity of Prog:
“Water Crackers,” a track that is dry and rhythmically crisp, just as the title
suggests. “Varie Ed Eventuali Di Una Situazione Ordinaria” is a very ironic
title for a track that is anything but ordinary. It is a song that showcases
the band's ability to shift from one idea to another in seconds, while
maintaining a coherent logical thread. “Lion Face” features the ethereal voice of Francesca
Amati, who brings a deeper and more melancholic lyricism. Here the lyrics
become more poetic and abstract, speaking of masks (the "lion face")
and a fragility hidden behind appearances. It is perhaps the most intimate and
least "cynical" moment of the record. This is followed by “Cartone,”
a sharper and more minimal piece, and “Figaro,” in which the collective returns
to playing with tradition—even just in the name—by subverting it. It is a
dynamic track with continuous stop-and-go moments that test the synchronicity
of the group, which doesn't miss a beat. The closing is left to the monumental “Oka.Pi Sampler
Mixtape,” nearly 12 minutes of sonic flow—a deconstructed summary of the entire
album, a collage where themes are revisited, remixed, and fused together. It is
the very essence of Orange Combutta: a collective that never stops reshuffling
the cards. In conclusion, if you like Area, Soft Machine, or if you are looking
for something that sounds like a secret meeting between the Jazz of Bologna and
the electronics of Bristol, they are the right group for you. MS
ANGINE
DE POITRINE – Vol. 2 Spectacles
Bonzaï Genere:
Post Rock/Math Rock Supporto: LP / CD / Digital - 2026
Gli
Angine De Poitrine sono il fenomeno del momento e non potevo ignorare questo
progetto immerso nel contesto Post Rock e Math Rock. Come descrive il sito
Progarchives, sono “un duo canadese anonimo di Saguenay, Quebec, formatosi nel
2019 che ha debuttato nel 2024. Suonano un Math Rock asimmetrico e dissonante
con un'esuberanza Rock And Roll. Il loro sound è caratterizzato da ritmi di
batteria serrati e pulsanti e da intricati intrecci di chitarra microtonale a
doppio manico. La band è composta da Khn de Poitrine (chitarre microtonali e
voce) e Klek de Poitrine (percussioni e voce) e si esibisce indossando grandi
teste di cartapesta, body painting e costumi.”. Il
termine Angine De Poitrine è la condizione medica angina pectoris in lingua
francese. Nel
loro primo album dal titolo“Vol.1”, si denotano immediatamente le attitudini
ricercate del duo in un contesto Math Rock nato molti anni fa, circa nel 2012;
questo per dire che non sono inventori di nulla di nuovo, ma che hanno reso il genere
più intrigante. La loro carta vincente risiede non soltanto nella chitarra
microtonale, spesso adoperata anche nella musica indiana attraverso il sitar,
bensì nell’idea di approcciare le tempistiche a un suono ritmico assolutamente
orecchiabile, spesso adoperando il tempo in 4/4. Khn
è colui che lavora maggiormente attraverso un gran numero di pedaliere che gli
consentono non soltanto effetti, ma soprattutto loop con i quali si alterna a
fraseggiare con il basso. Khn ha una Fender Stratocaster e un Fender Precision,
cablati separatamente e ciascuno con tasti microtonali aggiuntivi. È quindi una
musica non convenzionale, adatta a un pubblico preparato al Math Rock, seppure
a lunghi tratti risulti gradevolmente ballabile. Ogni brano è un crescendo
sonoro, inframezzato a tratti da una loro lingua inventata (oppure in Joual, il
dialetto stretto del Québec) espressa attraverso una voce distorta. I due
musicisti sul palco indossano dei costumi e adottano delle personalità
fittizie, inizialmente nate per caso come uno scherzo, un trucco alla Andy
Kaufman, perché così avrebbero potuto esibirsi per due settimane consecutive
nello stesso locale, decidendo di fare uno spettacolo come se stessi e un altro
travestiti. La critica si arrovella il cervello tentando di dare loro una
collocazione stilistica ben definita, invece loro definiscono il proprio genere
“Mantra Dada-Rock Pitagorico-Cubista”! Tra
una canzone e l'altra, durante le esibizioni dal vivo, il gruppo non si rivolge
quasi mai al pubblico, lo fa raramente; al contrario, compie gesti verso se
stesso in modo ritualistico, in particolare formando un triangolo con le mani
che gli spettatori spesso imitano. Gli
Angine De Poitrine con “Vol. 2” riprendono praticamente da dove si era
interrotto “Vol 1”. “Fabienk” dà il via alla festa nell'ala Punk del Pee Wee's
Playhouse, iniziando con i soliti effetti loop e un Math Punk saltellante, ma
parlare dei singoli brani, credetemi, è assolutamente inutile! Il successo li
travolge soltanto nel dicembre del 2025 grazie a un video girato in Francia (live
at ESMA in Rennes). Mi
piacciono perché non sono figli dei nostri tempi nel senso stretto del termine,
bensì creano umanamente, senza supporti AI. Ricercano e s’intendono alla
perfezione, lasciando spazio alla destabilizzazione della musica proposta. A tratti,
durante l’ascolto, sorrido pensando di trovarmi di fronte a un Robert Fripp
(King Crimson) ubriaco. “Vol.2”
per chi non conosce il duo è musica aliena, martellante… Da pazzi. In realtà
tutto ha un suo perché e un equilibrio perfetto. Non si possono creare questi
suoni se non si è in possesso di cultura musicale e tecnica sopraffina,
credetemi, non è un fenomeno fine a se stesso. Probabilmente presto si finirà
di parlare degli Angine De Poitrine, perché si sa che i fenomeni mediatici
hanno una durata specifica per poi lasciare il palco ad altri fenomeni più o
meno preparati a tavolino, io credo tuttavia che questi due album abbiano già
lasciato un segno indelebile nel genere, e sono altresì certo che verranno
presi come punto di riferimento da moltissime altre band a venire. Il mistero
sulle loro generalità fa il resto. Spettacolari! MS
Versione Inglese:
ANGINE DE POITRINE – Vol. 2 Spectacles Bonzaï Genre: Post Rock/Math Rock Format: LP / CD / Digital - 2026
Angine De Poitrine are the phenomenon of the moment,
and I couldn't ignore this project immersed in the Post Rock and Math Rock
context. As the Progarchives website describes, they are “an anonymous Canadian
duo from Saguenay, Quebec, formed in 2019 who debuted in 2024. They play an
asymmetrical and dissonant Math Rock with a Rock And Roll exuberance. Their
sound is characterized by tight, pulsing drum beats and intricate double-neck
microtonal guitar interweaving. The band consists of Khn de Poitrine
(microtonal guitars and vocals) and Klek de Poitrine (percussion and vocals)
and performs wearing large papier-mâché heads, body painting, and costumes.”.
The term Angine De Poitrine is the medical condition angina pectoris in the
French language. In their first album titled “Vol.1”, the refined
attitudes of the duo are immediately evident within a Math Rock context born
many years ago, around 2012; this is to say that they are not inventors of
anything new, but they have made the genre more intriguing. Their winning card
lies not only in the microtonal guitar, often used in Indian music via the
sitar, but rather in the idea of approaching timing with a rhythmic sound that
is absolutely catchy, frequently employing 4/4 time. Khn is the one who works most extensively through a
large number of pedalboards that allow him not only effects, but above all
loops with which he alternates phrasing with the bass. Khn has a Fender
Stratocaster and a Fender Precision, wired separately and each with additional
microtonal frets. It is, therefore, unconventional music, suitable for an
audience prepared for Math Rock, even if at long stretches it results in being
pleasantly danceable. Each track is a sonic crescendo, interspersed at times by
a language of their own invention (or in Joual, the thick dialect of Québec)
expressed through a distorted voice. The two musicians wear costumes on stage
and adopt fictitious personas, initially born by chance as a joke—an Andy
Kaufman-style trick—so that they could perform for two consecutive weeks in the
same venue, deciding to do one show as themselves and another in disguise.
Critics rack their brains trying to give them a well-defined stylistic
placement; instead, they define their own genre as “Pythagorean-Cubist
Dada-Rock Mantra”! Between songs during live performances, the group almost
never addresses the audience—they do so rarely; on the contrary, they perform
ritualistic gestures toward themselves, specifically forming a triangle with
their hands, which spectators often imitate. With “Vol. 2”, Angine De Poitrine pick up pretty much
where “Vol 1” left off. “Fabienk” kicks off the party in the Punk wing of Pee
Wee's Playhouse, starting with the usual loop effects and a bouncy Math Punk,
but believe me, talking about individual tracks is absolutely useless! Success
only overwhelmed them in December 2025 thanks to a video filmed in France (live
at ESMA in Rennes). I like them because they are not children of our times in
the strict sense of the term, but rather they create humanly, without AI
support. They research and understand each other perfectly, leaving room for
the destabilization of the music proposed. At times during the listening, I
smile thinking I am in front of a drunk Robert Fripp (King Crimson). For those who don't know the duo, “Vol.2” is alien
music, pounding... crazy. In reality, everything has its reason and a perfect
balance. You cannot create these sounds if you do not possess musical culture
and superfine technique; believe me, it is not a phenomenon as an end in
itself. Probably people will soon stop talking about Angine De Poitrine,
because we know that media phenomena have a specific duration before leaving
the stage to other phenomena more or less prepared at the drawing board;
however, I believe that these two albums have already left an indelible mark on
the genre, and I am also certain they will be taken as a point of reference by
many other bands to come. The mystery of their identities
does the rest. Spectacular! MS
PAOLO ANGELI – Lema AnMa Productions / Goodfellas Genere: Strumentale / Avant Prog Supporto: CD / Vinile / Bandcamp –
2025
“Lema”
è il quattordicesimo album per il chitarrista sardo Paolo Angeli e rappresenta
una delle sue vette creative più alte, consolidando la sua posizione come
figura di spicco nel panorama del Progressive inteso nella sua accezione più
pura: il superamento dei confini tra i generi. Al
centro di “Lema” c'è, come sempre, la sua celebre chitarra sarda preparata, uno
strumento ibrido a 18 corde che include martelletti, pedaliere, eliche e molle.
In questo disco, però, Angeli spinge l'ingegneria sonora ancora oltre,
utilizzando nuovi prototipi di sensori che permettono di fondere i suoni
acustici con una sintesi granulare in tempo reale, senza mai perdere il calore
del legno. Il
disco si presenta come una suite ininterrotta di circa 52 minuti, suddivisa
idealmente in sette movimenti; il titolo, “Lema”, fa riferimento a un termine
nautico e meteorologico legato al movimento ondoso e alla quiete apparente
prima del mutamento. A
differenza dei lavori precedenti, più legati al Jazz d'avanguardia, il lavoro
guarda con decisione al Rock Progressivo degli anni '70. Si avvertono echi dei
King Crimson periodo "Larks' Tongues in Aspic", ma filtrati
attraverso la lente del folklore sardo (il canto a Tenore e la Tasgia). In
esso si alternano momenti di estrema violenza sonora, ottenuta strofinando le
corde con l'archetto, a aperture melodiche struggenti che ricordano le ballate
di Robert Wyatt. Angeli
utilizza tempi dispari complessi (7/8, 11/4) in modo fluido, creando un ponte
tra passato (tradizione orale) e futuro (tecnologia), che è l'essenza stessa
del Rock Progressivo italiano più nobile (si pensi agli Area o al Canzoniere
del Lazio). L’autore
utilizza il sardo, principalmente la variante gallurese, non solo per narrare,
ma per evocare una dimensione ancestrale. I testi non sono mai didascalici,
bensì sono frammenti di immagini che richiamano la natura selvatica, il mare e
il vento. Per chi non parla la lingua, le parole diventano suoni percussivi o
armonici che si incastrano perfettamente con i martelletti della chitarra. È un
approccio molto simile a quello di Demetrio Stratos con gli Area, dove la voce
è utilizzata come uno strumento a fiato. I testi riflettono sulla pazienza,
sull'attesa del cambiamento e sulla forza invisibile degli elementi. C'è molta
introspezione: il viaggio non è più solo geografico (la Sardegna, la Spagna),
ma interiore. Angeli canta un verso e lo cattura istantaneamente tramite i
sensori della chitarra, trasformandolo in un tappeto corale che accompagna il
resto del brano. La
copertina, minimale e materica, è stata curata da un artista sardo
contemporaneo e richiama le tessiture dei tappeti di Aggius, riflettendo la
trama fitta dei suoni del disco. Il
brano di apertura “Periplo” funge da "big bang" e inizia con un drone
profondissimo generato dalle corde basse della chitarra, sfregate con
l'archetto per simulare un violoncello. La chitarra preparata generalmente suona in
modo estremamente cristallino, quasi come una kora africana o un’arpa. È
un disco che richiede attenzione. Non è adatto come sottofondo ma va ascoltato
preferibilmente in cuffia per cogliere la spazialità del suono e la
"magia" di uno strumento unico al mondo che suona come una band
intera. “Lema”
è disponibile in vinile audiophile da 180 grammi e in un'edizione speciale con
un libretto fotografico che documenta le modifiche apportate alla chitarra per
questo specifico progetto. MS
Versione Inglese:
PAOLO ANGELI – Lema AnMa Productions / Goodfellas Genre: Instrumental / Avant Prog Format: CD / Vinyl / Bandcamp – 2025
“Lema” is the fourteenth album by Sardinian guitarist
Paolo Angeli, and it represents one of his highest creative peaks,
consolidating his position as a prominent figure in the Progressive scene,
understood in its purest sense: the overcoming of boundaries between genres. At the heart of “Lema” is, as always, his famous
prepared Sardinian guitar—a hybrid 18-string instrument that includes hammers,
pedals, propellers, and springs. In this record, however, Angeli pushes the
sonic engineering even further, using new prototype sensors that allow him to
merge acoustic sounds with real-time granular synthesis, without ever losing
the warmth of the wood. The album presents itself as an uninterrupted suite of
approximately 52 minutes, ideally divided into seven movements; the title,
“Lema,” refers to a nautical and meteorological term related to wave motion and
the apparent stillness before a change. Unlike his previous works, which were more closely
linked to avant-garde Jazz, this work looks decisively toward 1970s Progressive
Rock. One can hear echoes of King Crimson during the "Larks' Tongues in
Aspic" period, but filtered through the lens of Sardinian folklore (Tenore
singing and the Tasgia). In it, moments of extreme sonic violence, obtained by
rubbing the strings with a bow, alternate with poignant melodic openings
reminiscent of Robert Wyatt's ballads. Angeli utilizes complex odd time signatures (7/8,
11/4) in a fluid manner, creating a bridge between the past (oral tradition)
and the future (technology), which is the very essence of the noblest Italian
Progressive Rock (think of Area or Canzoniere del Lazio). The author uses Sardinian, mainly the Gallurese
dialect, not just to narrate, but to evoke an ancestral dimension. The lyrics
are never didactic; instead, they are fragments of images that recall wild
nature, the sea, and the wind. For those who do not speak the language, the
words become percussive or harmonic sounds that fit perfectly with the hammers
of the guitar. It is an approach very similar to that of Demetrio Stratos with
Area, where the voice is used as a wind instrument. The lyrics reflect on
patience, the anticipation of change, and the invisible force of the elements.
There is deep introspection: the journey is no longer just geographical
(Sardinia, Spain), but internal. Angeli sings a verse and captures it
instantaneously through the guitar's sensors, transforming it into a choral
tapestry that accompanies the rest of the track. The cover, minimal and tactile, was designed by a
contemporary Sardinian artist and evokes the textures of Aggius carpets,
reflecting the dense weave of the album's sounds. The opening track “Periplo” acts as a "big
bang" and begins with a very deep drone generated by the low strings of
the guitar, bowed to simulate a cello. The prepared guitar sounds extremely crystalline, almost like an
African kora or a harp. It is an album that demands attention. It is not suitable
as background music; it should ideally be listened to with headphones to
capture the spatiality of the sound and the "magic" of an instrument
unique in the world that sounds like a full band. “Lema” is available on 180-gram audiophile vinyl and
in a special edition with a photo booklet documenting the modifications made to
the guitar for this specific project. MS
NICK THE FREAK – Il Rumore Della
Città Vol.2 Trulletto
Records Genere:
Reggae / Blues / Rock Supporto: CD / Digital – 2026
Nicola
Quarto, in arte Nick The Freak, ritorna a pochi mesi di distanza "sul
luogo del delitto" in quel di Bari, per narrare le vicissitudini della sua
città pur non nominandola espressamente. “Il Rumore Della Città Vol.2” è la
seconda parte di un concept suddiviso in due capitoli in cui il cantautorato,
apparentemente scanzonato, lascia spazio a sensazioni, colori ed emozioni.
Questo volume completa il viaggio iniziato a fine 2025 con il Vol.1, portando a
termine un progetto nato durante le sessioni di scrittura solitaria del periodo
2020-2021. Il
chitarrista e compositore Nick The Freak vanta una lunga esperienza nella scena
Rock, Blues e Reggae (già noto per i progetti Modaxì e Bari Upbeat Movement,
oltre alle collaborazioni con Caparezza) ed esordisce discograficamente nel
2019 con l’album “Il Disco Vecchio”. Nell’album attuale, composto da cinque
canzoni, si avvale della collaborazione di artisti come Simone Martorana
(chitarre, cori), Nicola De Liso (batteria), Marcello Piarulli (basso), Dj
Tuppi (scratches), Valeria Quarto, Francesco Lamacchia, Mr. Bogo, Marta Simone
e Francesco Scattarella (cori). Mentre
il primo volume presentava sonorità più scure e graffianti, il “Volume 2”
mantiene il focus sulla narrazione urbana, parlando di persone, incontri e
quotidianità metropolitana vista attraverso gli occhi di un "osservatore
elettrico". Il genere propone un Rock d'autore italiano di "vecchia
scuola" che mette al centro gli strumenti reali, in un mix solido di Rock,
Blues e punte di Reggae dalla forte attitudine "live". Se
nel “Vol. 1” l'urgenza era quella di "buttare fuori" il rumore
accumulato, nel “Volume 2” la scrittura si fa più riflessiva e quasi
cinematografica, oltre a essere una sarcastica denuncia di comportamenti
ipocriti, sia sul piano sociale sia su quello personale. Nick usa un vocabolario
diretto, privo di metafore troppo astratte. È "rock" nel senso più
stretto: poche chiacchiere e molta verità. Attenzione però: c’è anche molta
autoironia; Nick non si pone mai come un santone e c'è sempre una punta di
sarcasmo rivolta verso se stesso, il che rende i testi molto umani e vicini
all'ascoltatore. Nick
The Freak non cerca la rima baciata a tutti i costi. La scrittura segue il
ritmo della batteria, spesso sincopata e figlia delle sue influenze Blues e
Reggae, come nell’iniziale e simpatica “Perso”. Il brano gode di un riff di
chitarra sporco e graffiante, con la batteria molto "avanti" nel mix
che restituisce la sensazione di un pezzo registrato quasi in presa diretta. In
“100 Euro” il ritmo rallenta ma aumenta il "groove". È un pezzo
trascinante influenzato dal Funk Rock, con una linea di basso pulsante che
guida tutta la canzone. La chitarra si fa più ritmica, con accordi stoppati che
richiamano lo stile di certi brani dei primi anni '80. La musica sottolinea
l'ironia amara del testo sul valore del denaro e sulla precarietà. “Bla
Bla Bla” è il brano più scanzonato, ma solo in apparenza. La struttura richiama
il Reggae Rock stile Police o Bari Upbeat Movement. La chitarra in levare dà
respiro al pezzo, rendendolo uno dei momenti più ballabili del disco nonostante
la critica feroce al chiacchiericcio inutile dei social e della televisione. Il
brano più ribelle del “Volume 2” è “2+2=3”: breve, intenso e senza fronzoli.
Non c'è spazio per i virtuosismi, conta solo l'energia. Il
conclusivo “Quanto Amore” riconcilia l'ascoltatore con la "città",
chiudendo il cerchio con un messaggio di speranza umana nonostante il rumore di
fondo. Nick predilige suoni "vintage": non ci sono effetti
ultra-moderni e si sente il calore delle valvole degli amplificatori. La voce è
naturale, con tutte le sue imperfezioni che diventano un marchio di fabbrica di
autenticità. Se
amate il suono di chitarra-basso-batteria e cercate canzoni che abbiano il
sapore del club e del sudore sul palco, questo disco è la risposta di Nick The
Freak all'elettronica imperante. È un lavoro onesto, indipendente e
profondamente legato alla realtà urbana di chi lo ha scritto. MS
Versione Inglese:
NICK
THE FREAK – Il Rumore Della Città Vol.2 Trulletto Records Genre: Reggae / Blues / Rock Format: CD / Digital – 2026
Nicola Quarto, aka Nick The Freak, returns just a few
months later to the "scene of the crime" in Bari, to narrate the
vicissitudes of his city without ever expressly naming it. “Il Rumore Della
Città Vol.2” is the second part of a concept divided into two chapters where
apparently lighthearted songwriting gives way to sensations, colors, and
emotions. This volume completes the journey begun at the end of 2025 with
Vol.1, finalizing a project born during solitary writing sessions between 2020
and 2021. Guitarist and composer Nick The Freak boasts extensive
experience in the Rock, Blues, and Reggae scene (already known for projects
like Modaxì and Bari Upbeat Movement, as well as collaborations with Caparezza)
and made his recording debut in 2019 with the album “Il Disco Vecchio.” In this
current album, consisting of five songs, he enlists the help of artists such as
Simone Martorana (guitars, backing vocals), Nicola De Liso (drums), Marcello
Piarulli (bass), Dj Tuppi (scratches), Valeria Quarto, Francesco Lamacchia, Mr.
Bogo, Marta Simone, and Francesco Scattarella (backing vocals). While the first volume featured darker and grittier
sounds, “Volume 2” maintains the focus on urban storytelling, speaking of
people, encounters, and metropolitan everyday life seen through the eyes of an
"electric observer." The genre offers "old school" Italian
singer-songwriter Rock that centers on real instruments in a solid mix of Rock,
Blues, and hints of Reggae with a strong "live" attitude. If in “Vol. 1” the urgency was to "push out"
accumulated noise, in “Volume 2” the writing becomes more reflective and almost
cinematic, while also serving as a sarcastic denunciation of hypocritical
behavior on both a social and personal level. Nick uses direct vocabulary, free
of overly abstract metaphors. It is "rock" in the strictest sense:
little talk and a lot of truth. Be warned, though: there is also plenty of
self-irony; Nick never poses as a guru and there is always a hint of sarcasm
directed at himself, which makes the lyrics very human and relatable. Nick The Freak doesn't chase perfect rhymes at all
costs. The writing follows the rhythm of the drums, often syncopated and born
from his Blues and Reggae influences, as seen in the opening and catchy
“Perso.” The track features a dirty, gritty guitar riff, with the drums very
"forward" in the mix, giving the feel of a song recorded almost live. In “100 Euro” the pace slows down but the
"groove" picks up. It is a compelling track influenced by Funk Rock,
with a pulsing bassline that drives the entire song. The guitar becomes more
rhythmic, with muted chords reminiscent of early '80s styles. The music
underscores the bitter irony of the lyrics regarding the value of money and
precariousness. “Bla Bla Bla” is the most lighthearted track, but only
on the surface. The structure recalls Reggae Rock (in the style of The Police
or Bari Upbeat Movement). The upbeat guitar gives the song breathing room,
making it one of the most danceable moments on the record despite the fierce
critique of the useless chatter on social media and television. The most rebellious track of “Volume 2” is “2+2=3”:
short, intense, and no-frills. There is no room for virtuosity; only energy
matters. The closing “Quanto Amore” reconciles the listener
with the "city," closing the circle with a message of human hope
despite the background noise. Nick prefers "vintage" sounds: there
are no ultra-modern effects, and you can hear the warmth of the tube
amplifiers. The vocals are natural, with all the imperfections that have become
a trademark of authenticity. If you love the sound of guitar-bass-drums and look
for songs with the flavor of the club and sweat on the stage, this record is
Nick The Freak’s answer to the prevailing electronics. It is an honest,
independent work, deeply tied to the urban reality of the man who wrote it. MS
LOCANDA DELLE FATE – Lucciole Per
Sempre AMS
Records Genere:
Progressive Rock Supporto:
LP / CD / DVD / Spotify – 2026
Non
sono mai stato un amante delle operazioni nostalgia basate su raccolte, spesso
nascono per spillare soldi ai fan rimasti orfani di una determinata band e
qualche volta, diciamocelo pure, sono assolutamente inutili, ossia non
aggiungono né tolgono nulla alla discografia di un gruppo. Il Progressive Rock
italiano non esula da questo modo di fare, specialmente se andiamo a trattare
band di una certa caratura internazionale. Il
discorso diventa invece molto interessante quando al contesto si aggiungono brani
inediti, oppure se si tratta di una band non poi così prolifica. Un’era si
chiude nel 1977 con “Forse Le Lucciole Non Si Amano Più” della band astigiana
Locanda Delle Fate, per dare successivamente spazio alla discomusic, al Punk e
alla New Wave. Il settetto formato da Leonardo Sasso (voce), Alberto Gaviglio
(chitarre, cori), Ezio Vevey (chitarre, flauto, cori), Michele Conta
(tastiere), Oscar Mazzoglio (tastiere), Luciano Boero (basso, hammond) e
Giorgio Gardino (batteria, vibrafono), produce questo capolavoro prossimo al
mondo del Banco Del Mutuo Soccorso in un momento decisamente sfortunato per il
genere; forse anche per questo la band non ha insistito molto su questo tipo di
discografia. “Forse Le Lucciole Non Si Amano Più” è un album di una bellezza struggente,
caratterizzato da un romanticismo sinuoso lontano dalle asprezze del Prog più
oscuro: la loro musica è solare, elegante e ricca di contrappunto. I testi sono
evocativi, quasi onirici, perfettamente integrati con le trame pianistiche e i
voli del flauto. Dopo
lo scioglimento prematuro e una breve reunion negli anni '90 (con l'album “Homo
Homini Lupus”), la band ha vissuto una seconda giovinezza negli anni 2010,
esibendosi in tutto il mondo prima di decidere di chiudere definitivamente la
carriera. Ecco dunque che “Lucciole Per Sempre” non è un semplice disco di
studio, ma un'operazione filologica e affettiva monumentale che rappresenta il
testamento definitivo della band. Il cuore del progetto è la pubblicazione di
brani inediti che la band ha registrato tra il 2016 e il 2017. Dopo il tour
d'addio, i membri originali (tra cui Leonardo Sasso, Oscar Mazzoglio e Luciano
Boero) si ritrovarono in studio per fissare su nastro alcune idee rimaste in
sospeso. Questi brani mantengono lo stile sinfonico classico, ma con una
produzione moderna che esalta il lavoro delle doppie tastiere. Si percepisce
una maturità diversa: meno "foga" strumentale e più spazio
all'emozione pura e alla riflessione sul tempo che passa. Il
pacchetto (disponibile come CD+DVD o LP+DVD) include un reperto storico di
valore inestimabile: la registrazione integrale del concerto/speciale RAI del
1977 che, per decenni, ha circolato solo in pessime copie tra i collezionisti
ed è qui restaurato digitalmente. Mostra la band all'apice della forma tecnica,
offrendo una testimonianza visiva della complessità delle loro esecuzioni dal
vivo. La raccolta potremmo suddividerla quindi in tre tronconi: gli inediti del
periodo 2016-2017, lo speciale RAI e le radici del 1974. L’inedito
“Mediterraneo” è il brano che apre il disco con un'atmosfera ampia e solare. È
un Prog sinfonico puro, dove il pianoforte di Michele Conta e i sintetizzatori
di Oscar Mazzoglio tessono una trama che evoca immagini luminose e distese. È
la prova che la band non ha perso la capacità di scrivere melodie memorabili e
complesse al tempo stesso. Segue “Intro - Lettera Di Un Viaggiatore”,
introdotto da un preludio atmosferico. È un viaggio malinconico e riflessivo
dove la voce di Leonardo Sasso, pur più matura, mantiene quel calore
"pastoso" che ricorda vagamente Francesco Di Giacomo del Banco. Il
testo affronta il tema del tempo e del distacco, temi cari alla band nella loro
fase finale. Delle immagini RAI ci sono ovviamente i grandi classici: “Forse Le
Lucciole Non Si Amano Più”, “Profumo Di Colla Bianca”, “Sogno Di Estunno”, “Non
Chiudere A Chiave Le Stelle” e “La Giostra”. Le radici vanno invece a pescare
in brani cover che hanno contribuito alla crescita della band nel 1974:
“Nothing At All” (Gentle Giant), una scelta coraggiosa che dimostra l'alto
livello tecnico dei musicisti astigiani. Confrontarsi con i Gentle Giant
richiede una precisione millimetrica e la Locanda ne esce a testa altissima.
“Ti Penserò Con Tenerezza” (Think of Me with Kindness - Gentle Giant): una rielaborazione
rispettosa e appassionata di uno dei brani più melodici del "Gigante
Gentile". “Appena Un Po'” (PFM), un omaggio ai maestri del Prog italiano.
L'esecuzione mostra come la Locanda abbia ereditato la lezione della PFM,
filtrandola però attraverso una sensibilità più romantica e meno barocca.
“Bambina Sbagliata” (Formula Tre), un richiamo alla tradizione del Pop Rock
italiano di qualità, trasformato in chiave Progressiva. Concludendo,
“Lucciole Per Sempre” è un disco che non ha "riempitivi", ma ogni nota
sembra messa lì per ricordare che la bellezza, nel Rock Progressivo, è una
questione di cuore e di precisione. Ci mancherete, almeno a me di sicuro! MS
Versione Inglese:
LOCANDA
DELLE FATE – Lucciole Per Sempre AMS Records Genre: Progressive Rock Format: LP / CD / DVD / Spotify – 2026
I have never been a fan of nostalgia-driven operations
based on compilations; they are often created just to squeeze money out of fans
left orphaned by a particular band and, let’s be honest, they are sometimes
absolutely useless—meaning they add or take away nothing from a group's
discography. Italian Progressive Rock is no exception to this trend, especially
when dealing with bands of a certain international caliber. However, the discussion becomes very interesting when
unreleased tracks are added to the context, or when dealing with a band that
hasn't been particularly prolific. An era came to a close in 1977 with “Forse
Le Lucciole Non Si Amano Più” by the Asti-based band Locanda Delle Fate,
subsequently making way for disco music, Punk, and New Wave. The septet—formed
by Leonardo Sasso (vocals), Alberto Gaviglio (guitars, backing vocals), Ezio
Vevey (guitars, flute, backing vocals), Michele Conta (keyboards), Oscar
Mazzoglio (keyboards), Luciano Boero (bass, Hammond), and Giorgio Gardino
(drums, vibraphone)—produced this masterpiece, close in spirit to the world of
Banco Del Mutuo Soccorso, at a decidedly unfortunate time for the genre;
perhaps this is also why the band did not persist further with this type of
discography. “Forse Le Lucciole Non Si Amano Più” is an album of poignant
beauty, characterized by a sinuous romanticism far from the harshness of darker
Prog: their music is sunny, elegant, and rich in counterpoint. The lyrics are
evocative, almost dreamlike, perfectly integrated with the piano textures and
the flights of the flute. After their premature breakup and a brief reunion in
the 90s (with the album “Homo Homini Lupus”), the band experienced a second
youth in the 2010s, performing all over the world before deciding to
permanently end their career. Thus, “Lucciole Per Sempre” is not a simple
studio record, but a monumental philological and emotional operation that
represents the band's definitive testament. The heart of the project is the
release of previously unheard tracks that the band recorded between 2016 and
2017. Following the farewell tour, the original members (including Leonardo
Sasso, Oscar Mazzoglio, and Luciano Boero) reunited in the studio to capture
some ideas that had remained in limbo. These tracks maintain the classic
symphonic style, but with a modern production that enhances the double-keyboard
work. One perceives a different maturity: less instrumental "frenzy"
and more room for pure emotion and reflection on the passage of time. The package (available as CD+DVD or LP+DVD) includes
an invaluable historical document: the full recording of the 1977 RAI
concert/special which, for decades, circulated only in poor-quality copies
among collectors and has now been digitally restored. It shows the band at the
peak of their technical form, offering a visual testimony to the complexity of
their live performances. We could therefore divide the collection into three
segments: the unreleased tracks from 2016-2017, the RAI special, and the 1974
roots. The unreleased “Mediterraneo” is the track that opens
the disc with a broad and sunny atmosphere. It is pure symphonic Prog, where
Michele Conta's piano and Oscar Mazzoglio's synthesizers weave a texture that
evokes bright and vast imagery. It is proof that the band hasn't lost the
ability to write memorable and complex melodies at the same time. This is
followed by “Intro - Lettera Di Un Viaggiatore”, introduced by an atmospheric
prelude. It is a melancholic and reflective journey where Leonardo Sasso's
voice, though more mature, maintains that "mellow" warmth that
vaguely recalls Francesco Di Giacomo of Banco. The lyrics tackle the themes of
time and detachment—themes dear to the band in their final phase. From
the RAI footage, we naturally find the great classics: “Forse Le Lucciole Non
Si Amano Più”, “Profumo Di Colla Bianca”, “Sogno Di Estunno”, “Non Chiudere A
Chiave Le Stelle”, and “La Giostra”. The roots, instead, delve into cover songs that contributed to the
band's growth in 1974: “Nothing At All” (Gentle Giant), a courageous choice
that demonstrates the high technical level of the Asti musicians. Taking on
Gentle Giant requires surgical precision, and Locanda passes with flying
colors. “Ti Penserò Con Tenerezza” (Think of Me with Kindness - Gentle Giant):
a respectful and passionate reworking of one of the most melodic tracks by the
"Gentle Giant." “Appena Un Po'” (PFM), a tribute to the masters of
Italian Prog. The performance shows how Locanda inherited the lesson of PFM,
filtering it however through a more romantic and less baroque sensibility.
“Bambina Sbagliata” (Formula Tre), a nod to the tradition of high-quality
Italian Pop Rock, transformed into a Progressive key. In conclusion, “Lucciole Per Sempre” is an album
without "fillers," where every note seems placed there to remind us
that beauty, in Progressive Rock, is a matter of heart and precision. You will
be missed, at least by me for sure! MS
ALESSANDRO CASTRIOTA SCANDERBEG –
Animali In Libertà Ionian
Sound Records Genere:
Jazz Blues Supporto: CD / Spotify – 2026
Il
mondo musicale del Jazz Blues non soltanto è alla base dell’evoluzione della
musica moderna, bensì sa sempre riscaldare il cuore. Bene lo sa Alessandro
Castriota Scanderbeg, poliedrico artista già noto come attore, cantante Jazz e
collaboratore di giganti come Franco Battiato e Lucio Dalla. Ha lavorato
intensamente nel teatro musicale (è stato Virgilio ne La Divina Commedia di
Marco Frisina) e nell'opera contemporanea (con Franco Battiato in Bernardino
Telesio). In
questo esordio intitolato “Animali In Libertà”, l’autore fonde canzone
d'autore, suggestioni Jazz e riletture di classici attraverso lo stile
pianistico e la sua voce baritonale. Insieme creano un'atmosfera elegante,
lontana dai circuiti Pop commerciali e più vicina alla "musica di
confine", con piccoli richiami al Progressive. Il
disco è composto da 8 tracce per una durata complessiva di circa 36 minuti.
L'album si muove tra brani originali e omaggi alla grande tradizione musicale
italiana. Con lui suonano Carlo Cimino (basso, contrabbasso), Maurizio Mirabelli,
Francesco Gregorace e Alberto D’Anna (batteria), Raul Gagliardi e Alessandro
Lombardi (chitarra elettrica), Antonio Ragosta (chitarra acustica), Alberto La
Neve (sax), Matteo Diego Scarcella (flauto), Leo Caligiuri (organo Hammond,
flauto e produzione). I
testi si muovono tra sarcasmo e atmosfere quasi fiabesche, riflettendo
profondamente la doppia anima di Alessandro Castriota Scanderbeg: quella del
musicista Jazz colto e quella dell'attore di teatro. La scrittura non è mai
banale o puramente descrittiva, ma procede per immagini simboliche e
suggestioni filosofiche. La
title track che apre il disco è probabilmente il manifesto poetico dell'intero
lavoro, dove il concetto di "animali in libertà" attraversa l'album
come una ricerca di autenticità. I testi esplorano il desiderio umano di
spogliarsi dalle sovrastrutture sociali e tecnologiche per tornare a una
condizione più istintiva e pura. C'è una critica sottile alla prigionia
invisibile della modernità, contrapposta a una libertà che è prima di tutto
interiore. L’intrigante Bossa si muove sinuosa fra il flauto e una ritmica
calda, in uno stile che potrei avvicinare a quello di Sergio Caputo. Canzoni
come "Il Soffio Del Fiore" e "Laura E l'Eden Perduto" affrontano
il tema della purezza. Il primo
brano ha intenti Progressive che lasciano comunque spazio alle scorribande Jazz
in un assolo di sax assolutamente coinvolgente e ritmato. La natura, spesso
personificata, agisce come uno specchio dei sentimenti umani. Il
"soffio" o il "fiore" diventano simboli della fragilità
della vita e della bellezza che va protetta. L'Eden,
invece, viene descritto non come un luogo fisico, ma come uno stato mentale che
abbiamo smarrito. Melodico e sentito, il pezzo mostra il lato più delicato e
intimo di Alessandro Castriota Scanderbeg. Ma prima c’è “Sybaris”: qui il testo
si fa evocativo e quasi "archeologico". Castriota utilizza il
richiamo alla sua terra calabra non in modo folcloristico, ma mitologico. Il
lusso antico, la decadenza, il passare del tempo e la persistenza dello spirito
dei luoghi emergono attraverso un linguaggio ricercato, che alterna la
contemplazione del paesaggio a riflessioni sulla storia. Il pianoforte è il
protagonista del brano. “Tu
Ca Nun Chiagne” è la prima cover dell’album ed è completamente vestita di un
nuovo abito più sfavillante. Il testo classico napoletano serve a esplorare
l'amore disperato e la sofferenza che si fa canto. Ottimi gli arrangiamenti,
che denotano una cultura e un'esperienza acquisite quantomeno notevoli. “Funambolo”
descrive qualcuno che vive in equilibrio precario sopra il vuoto, una metafora
della condizione umana ma anche del mestiere dell'artista stesso. Lo stile è un
Jazz Pop d'autore fortemente intriso di minimalismo drammatico. Il pianoforte è
lo strumento guida; il tocco di Castriota è pulito, quasi classico nella
precisione, ma con armonizzazioni che tradiscono la sua estrazione Jazzistica.
Il fraseggio pianistico evoca visivamente il movimento del funambolo: note
sospese, accordi che non risolvono immediatamente, creando una sensazione di
"vuoto" sotto la melodia. La sezione ritmica non è mai invasiva:
spesso la batteria è suonata con le spazzole per mantenere un'atmosfera soffusa
che accentua il senso di equilibrio precario descritto nel testo. La voce,
invece, non si limita a cantare, ma "interpreta" il personaggio
attraverso un uso sapiente delle dinamiche. La
seconda cover è “Vacanze Romane”, famoso brano dei Matia Bazar. Castriota
Scanderbeg non cerca di emulare l'algida perfezione Synth-Pop della versione
del 1983, ma sposta il brano in una dimensione completamente diversa,
trasformandolo in una ballata Noir Jazz dal sapore cinematografico. La sfida
più grande di questa cover è il passaggio dalla voce iconica e cristallina di
Antonella Ruggiero (un soprano leggero con incursioni nell'opera) alla voce
baritonale e calda di Alessandro. "Ma
Rinascerai" rappresenta il congedo emotivo e spirituale del disco.
Musicalmente si distingue per essere una traccia che lavora sulla progressione
e sulla risoluzione, fungendo da perfetta antitesi alla tensione sospesa de
"Il funambolo". Inizia in modo molto intimo, quasi cameristico;
spesso la partenza è affidata al solo pianoforte o a un tappeto sonoro molto discreto,
mettendo a nudo la voce di Castriota Scanderbeg. Man mano che il brano procede,
l'arrangiamento si arricchisce facendo entrare progressivamente gli altri
strumenti (contrabbasso, percussioni leggere e possibilmente interventi di
archi), creando una tessitura sonora più densa e rassicurante. Ottimo il gioco
delle vocalità sovrapposte! Le
registrazioni di Luigi Borgogno e Checco Pallone, il mix di Mattia Farao e il
mastering di Danilo Rossi rendono giustizia all’ascolto attraverso un lavoro di
pulizia sonora ben bilanciata e cristallina. Alessandro
Castriota Scanderbeg debutta con un album che mette sul tavolo tanta sostanza e
competenza; un lavoro assolutamente da ascoltare e possedere. MS
Versione Inglese:
ALESSANDRO CASTRIOTA SCANDERBEG –
Animali In Libertà Ionian
Sound Records Genre:
Jazz Blues Format:
CD / Spotify – 2026
The musical world of Jazz Blues is not only the
foundation of modern music's evolution, but it also consistently knows how to
warm the heart. Alessandro Castriota Scanderbeg knows this well—a versatile
artist already known as an actor, Jazz singer, and collaborator with giants
like Franco Battiato and Lucio Dalla. He has worked extensively in musical
theater (playing Virgil in Marco Frisina's "The Divine Comedy") and
in contemporary opera (with Franco Battiato in "Bernardino Telesio"). In this debut titled “Animali In Libertà,” the author
merges singer-songwriter traditions, Jazz suggestions, and reinterpretations of
classics through his pianistic style and baritone voice. Together, they create
an elegant atmosphere, far from commercial Pop circuits and closer to
"border music," featuring subtle nods to Progressive Rock. The album consists of 8 tracks with a total duration
of approximately 36 minutes. The record moves between original songs and
tributes to the great Italian musical tradition. Performing with him are Carlo
Cimino (bass, double bass), Maurizio Mirabelli, Francesco Gregorace and Alberto
D’Anna (drums), Raul Gagliardi and Alessandro Lombardi (electric guitar),
Antonio Ragosta (acoustic guitar), Alberto La Neve (sax), Matteo Diego
Scarcella (flute), and Leo Caligiuri (Hammond organ, flute, and production). The lyrics shift between sarcasm and almost
fairytale-like atmospheres, deeply reflecting Alessandro Castriota Scanderbeg's
dual soul: that of the sophisticated Jazz musician and that of the theater
actor. The writing is never banal or purely descriptive; instead, it unfolds
through symbolic imagery and philosophical suggestions. The title track that opens the record is likely the
poetic manifesto of the entire work, where the concept of "Animali In Libertà"
(animals at large) traverses the album as a quest for authenticity. The lyrics
explore the human desire to strip away social and technological superstructures
to return to a more instinctive and pure condition. There is a subtle critique
of the invisible imprisonment of modernity, contrasted with a freedom that is,
first and foremost, internal. The intriguing Bossa moves sinuously between the
flute and a warm rhythm, in a style that I would liken to that of Sergio
Caputo. Songs like "Il Soffio Del Fiore" and
"Laura E l'Eden Perduto" address the theme of purity. The former has
Progressive intentions that still leave room for Jazz forays in an absolutely
engaging and rhythmic sax solo. Nature, often personified, acts as a mirror for
human feelings. The "soffio" (breath) or the "fiore"
(flower) become symbols of life’s fragility and the beauty that must be
protected. "L'Eden," on the other hand, is described
not as a physical place, but as a lost state of mind. Melodic and heartfelt,
the piece showcases the more delicate and intimate side of Alessandro Castriota
Scanderbeg. But first, there is “Sybaris”: here the text becomes evocative and
almost "archeological." Castriota uses the reference to his Calabrian
land not in a folkloric way, but a mythological one. Ancient luxury, decadence,
the passage of time, and the persistence of the spirit of place emerge through
a refined language that alternates landscape contemplation with reflections on
history. The piano is the protagonist of the track. “Tu Ca Nun Chiagne” is the first cover of the album
and is completely dressed in a sparkling new cloak. The classic Neapolitan text
serves to explore desperate love and suffering that turns into song. The
arrangements are excellent, denoting a culture and an experience that are
remarkably deep. “Funambolo” describes someone living in a precarious
balance above the void—a metaphor for the human condition as well as the
artist's craft itself. The style is a sophisticated Jazz Pop strongly imbued
with dramatic minimalism. The piano is the guiding instrument; Castriota’s
touch is clean, almost classical in its precision, but with harmonizations that
betray his Jazz background. The piano phrasing visually evokes the movement of
a tightrope walker: suspended notes and chords that do not resolve immediately,
creating a sensation of "emptiness" beneath the melody. The rhythm
section is never invasive: the drums are often played with brushes to maintain
a soft atmosphere that accentuates the sense of precarious balance described in
the text. The voice, meanwhile, does not limit itself to singing, but
"interprets" the character through a skillful use of dynamics. The second cover is “Vacanze Romane,” the famous hit
by Matia Bazar. Castriota Scanderbeg does not try to emulate the icy Synth-Pop
perfection of the 1983 version, but instead shifts the song into a completely
different dimension, transforming it into a Noir Jazz ballad with a cinematic
flavor. The greatest challenge of this cover is the transition
from the iconic, crystalline voice of Antonella Ruggiero (a light soprano with
operatic excursions) to Alessandro’s warm, baritone voice. "Ma Rinascerai" represents the emotional and
spiritual farewell of the record. Musically, it stands out as a track that
works on progression and resolution, acting as a perfect antithesis to the
suspended tension of "Il funambolo." It begins very intimately,
almost like chamber music; the start is often entrusted to the piano alone or a
very discreet soundscape, laying bare Castriota Scanderbeg’s voice. As the song
progresses, the arrangement grows richer, gradually bringing in the other
instruments (double bass, light percussion, and possibly string interventions),
creating a denser and more reassuring sonic texture. The interplay of
overlapping vocals is excellent! The recordings by Luigi Borgogno and Checco Pallone,
the mix by Mattia Farao, and the mastering by Danilo Rossi do justice to the
listening experience through a well-balanced and crystal-clear sonic cleanup. Alessandro Castriota Scanderbeg debuts with an album
that brings a great deal of substance and competence to the table; a work that
is absolutely a must-listen and a must-own. MS
