Retreat From Moscow

RETREAT FROM MOSCOW – The Illusion Of Choice
White Knight Records
Genre: Neo Prog
Format: CD / Digital – 2025

Se l’Inghilterra sa suonare perfettamente il Neo Prog è perché il genere è sorto proprio qui. Non esistono solo i soliti nomi che conoscete a memoria, ma anche altre piccole realtà che, per qualche motivo, non hanno avuto una distribuzione (e quindi una visione da parte del pubblico) adeguata. Il sottosuolo è ricco di buone band, più o meno giovani. Con i Retreat From Moscow vado a parlare di una storia più strana, ossia quella di una band che è sorta nientemeno che alla fine degli anni ’70 per suonare un rock melodico, allora tanto di moda. I gallesi rilasciano soltanto un singolo nel 1980, poi il caso vuole che smettono l’attività senza incidere album nel 1981. Che la pazienza è la virtù dei forti è noto, ma ritentare dopo ben trentaquattro anni è quantomeno curioso, infatti nel 2018 si ricompattano e questa volta nel 2022 esordiscono ufficialmente con “The World As We Knew It” virando verso il genere Neo Prog. La band è composta da John Harris (chitarre, arpa, tastiere, chitarra sintetizzata, mandolino, flauto, voce), Andrew Raymond (tastiere, pianoforte a coda, chitarra, pedal steel guitar), Tony Lewis (Wal Bass, basso fretless, cori), e Greg Haver (batteria, percussioni), ci ha preso gusto, tanto che l’anno successivo registrano “Dreams, Myths And Machines”, entrambi di buon interesse.
A distanza di due soli anni ecco “The Illusion Of Choice”, la formazione ora non si ferma più, e visti i risultati direi anche per fortuna.
Sette brani di notevole interesse, sin dall’iniziale title track “The Illusion Of Choice”, muscolosa nella ritmica e prossima al mondo dei Journey. La voce è pulita e senza forzature, adeguata alla musica proposta basata soprattutto su giri di tastiere.
Si cambia repentinamente contesto con “Earth‑Stepper”, un sorprendente pastorale che inizia con l’ospite Les Penning ai flauti dolci, ma attenzione… Un basso roboante e un riff malefico sopraggiungono all’improvviso; Harris e Raymond si danno staffetta in un finale scoppiettante e godibile quasi in modalità IQ.
E allora cosa attendersi ora da “Bones Will Sing”, mini‑suite di undici minuti? Ovviamente tutte le armi a disposizione della band, addirittura l’arpa, ma soprattutto la bella voce della special guest Christina Booth dei Magenta. E poi chitarre enfatiche, Mellotron… Un connubio che farà sobbalzare il cuore di chi vive di pane e Neo Prog, compreso il mio!
Nuovo cambio, torna l’intro IQ style in “Navigators Of The Trym” (Trym è il fiume di Bristol), dove i Retreat From Moscow narrano di un’esperienza infantile di pre‑morte da parte di Tony Lewis.
“Polina” vede ospite alla voce Jillian Slade; è una canzone ballata che affronta le tematiche della guerra in Ucraina, fra dolore e rabbia, così come le due successive “Snowfall Road” e “Black Mist”.
La prima alza il ritmo grazie a un riff epico delle tastiere, la seconda è un degno finale di un disco che ha davvero molti spunti notevoli da affrontare.
È così che “The Illusion Of Choice” è una realtà che, a spallate, si fa spazio fra i migliori album del genere trattato dell’anno 2025. Un disco ricco di buoni assoli di chitarra e mai fine a sé stesso. Una freschezza inattesa da parte di un gruppo che ha avuto difficoltà a emergere: non perdiamoci questa occasione. MS

Versione Inglese: 

RETREAT FROM MOSCOW – The Illusion Of Choice
White Knight Records
Genre: Neo Prog
Format: CD / Digital – 2025

If England can play Neo‑Prog perfectly, it’s because the genre originated right here. There aren’t only the usual names you know by heart, but also other small realities that, for some reason, didn’t get an adequate distribution (and therefore public visibility). The underground is rich with good bands, more or less young. With Retreat From Moscow I’m going to talk about a stranger story, namely that of a band that emerged at the end of the 1970s to play melodic rock, then very fashionable. The Welsh released only a single in 1980, then fate had them stop the activity without releasing an album in 1981. Patience is the virtue of the strong, as they say, but trying again after thirty‑four years is at least curious; indeed, in 2018 they regrouped and this time in 2022 they officially debuted with “The World As We Knew It”, turning towards the Neo‑Prog genre. The band consists of John Harris (guitar, harp, keyboards, synth‑guitar, mandolin, flute, vocals), Andrew Raymond (keyboards, grand piano, guitar, pedal steel guitar), Tony Lewis (Wal Bass, fretless bass, backing vocals), and Greg Haver (drums, percussion). They have taken a liking to it, so much so that the following year they recorded “Dreams, Myths And Machines”, both of good interest.
Just two years later comes “The Illusion Of Choice”, the lineup now unstoppable, and given the results I’d say fortunately so.
Seven tracks of notable interest, starting with the title track “The Illusion Of Choice”, muscular in rhythm and close to the world of Journey. The voice is clean and unforced, fitting the music which is based mainly on keyboard loops.
The context changes abruptly with “Earth‑Stepper”, a surprising pastoral that begins with guest Les Penning on recorders, but watch out… A booming bass and a malevolent riff appear suddenly; Harris and Raymond take turns in a explosive, enjoyable finale almost in IQ mode.
And what to expect now from “Bones Will Sing”, an eleven‑minute mini‑suite? Obviously all the weapons at the band’s disposal, even the harp, but above all the beautiful voice of special guest Christina Booth of Magenta. And then emphatic guitars, Mellotron… A combination that will make the heart of anyone who lives on bread and Neo‑Prog skip a beat, mine included!
A new change, the IQ‑style intro returns in “Navigators Of The Trym” (Trym is the river of Bristol), where Retreat From Moscow recount the childhood near‑death experience of Tony Lewis.
“Polina” features vocal guest Jillian Slade; it’s a ballad that deals with the war in Ukraine, between pain and anger, as do the two following songs “Snowfall Road” and “Black Mist”.
The first raises the tempo thanks to an epic keyboard riff, the second is a worthy finale for a disc that has many notable ideas to explore.
Thus “The Illusion Of Choice” is a reality that, shoulder‑to‑shoulder, makes its way among the best albums of the genre in 2025. A record full of good guitar solos and never self‑indulgent. An unexpected freshness from a group that had difficulty emerging: let’s not miss this opportunity. MS

Numen

NUMEN – The Outsider
Astronomy Recording Music
Genre: Neo Prog
Format: 2 CD / Digital – 2025

Rispetto a molte altre nazioni, generalmente si parla poco della Spagna in ambito Rock Progressivo, anche se nel tempo sono nate band interessanti. Una odierna di Neo Prog si chiama Numen.
Si forma ad Alicante, in Spagna, nel 1992 e subisce uno stop temporaneo che va dal 2000 al 2013. Sono necessari sei anni prima che realizzino l’esordio dal titolo “Samsara” (1998), un concept che parla dell’inserimento dell’uomo nel cosmo. Nonostante questo disco abbia ricevuto consensi di critica e anche di pubblico, la band si scioglie per dedicarsi a progetti individuali. Dopo cambi nella line‑up, ritornano e incidono nel 2014 l’album “Nomenclature”, dimostrando di aver acquisito una maggiore professionalità. Seguono nel 2019 “Cyclothymia” e nel 2023 “Crib Of Rarities”. Il gruppo, oggi formato da Alba Hernandez (voce), Jorge Camarero (chitarre), Manuel Mas (tastiere, voce e arrangiamenti), Victor Arques (basso) e Gaspar Martinez (batteria), dimostra di essere rodato in ogni reparto.
Questo doppio album, intitolato “The Outsider”, è un nuovo concept dal taglio teatrale e con partiture sinfoniche da orchestra; è un lavoro certosino e curato che vede numerosi ospiti, tra cui spicca il nome di Steve Rothery (Marillion). Il chitarrista è un indizio per far capire che comunque si tratta di Neo Prog. “The Outsider” è diviso in due atti ed è ispirato dal racconto omonimo dello scrittore maestro dell’orrore H.P. Lovecraft del 1926. Paul, il protagonista, sta vivendo i suoi ultimi giorni intrappolato nelle sue contraddizioni, in una fuga precipitosa che lo porterà alla morte. Gli altri due personaggi formano “il Male”, incarnato in modi differenti, soprattutto in una ragazza vestita di rosso e in altre figure provenienti da un mondo di emarginazione e vizio. Infine, c’è Sophia, vestita di verde, incarnazione del divino, che cerca di aiutare Paul. Dopo la morte di Paul, sopraggiunge un finale tragico tipico di qualsiasi opera: il protagonista viene redento ed entra in un nuovo mondo di equilibrio, armonia e saggezza.
Che sia un’opera Rock lo si evince immediatamente dall’“Overture” orchestrale, ben strutturata e curata negli arrangiamenti. Buono sin da subito l’apporto della chitarra elettrica.
La teatralità recitativa, prerogativa del genere, giunge con “Any Day On Urantia”, dove la bella voce di Alba Hernandez si ritaglia un posto in luce.
Archi sopraggiungono in “Tears Don’t Fall”, e l’enfasi sale fino al cambio umorale classico che spezza l’ascolto. Questo è uno dei brani più belli del primo atto, ricco di sorprese, strumentazioni e istanti che addirittura mi riportano in Irlanda, grazie all’uso soave della voce. Un intro greve apre con un recitato maschile in latino “Temptations”, brano di dieci minuti in cui i Numen dimostrano a pieno le capacità compositive con aggiunta di fiati. La teatralità s’innalza maggiormente in “A Bad Feeling”, dove la prova di Alba è a dir poco eccellente! Un altro momento di spicco si intitola “Toys”, grazie anche al sax di Carlos Vicente Mas.
Altamente melodico “PRISTIQ”, ma per attendere la chitarra di Rothery bisogna arrivare alla conclusiva “White Lies”, una semi‑ballata crescente che fa scorrere brividi sulla pelle spesso e volentieri.
Il secondo atto inizia con “Sophia”, ritmata e solare, con frangenti di tastiere tipicamente Neo Prog, mentre “Two Natures In An Elevator” è rilassante grazie a giri armonici di chitarra acustica. Non manca tuttavia il ritmo che la rende piacevolmente scorrevole.
Un cambio di tendenza giunge da “He Said No”, dal profumo anni ’70. Più moderna, se vogliamo usare questo termine, è “Test The Wall”, anche lei radicata alla formula canzone.
Il pianoforte inizia “How To Cut Your Throat While Shaving”, altra piccola gemma dell’album con gli interventi di violoncello a classicizzare le atmosfere; al resto ci pensa sempre l’ottima Hernandez. Torna nei territori prettamente Neo Prog “The Abyss Of Non‑Being”, come hanno saputo fare gli Arena più introspettivi.
Dopo la morte del personaggio Paul, ecco il funerale in “The Outsider’s Funeral”, pezzo che prosegue l’andamento del brano che lo ha preceduto. Il secondo e conclusivo atto si conclude con “Metamorphoseis”, un affresco in cui le aperture strumentali seguono una melodia piacevole, a tratti spezzata da stop sonori e buone coralità. Qui esce fuori anche l’anima spagnola dei Numen.
“The Outsider” è un notevole sforzo artistico, ben curato nei particolari e sarebbe un vero peccato non ascoltarlo. Il genere anche in Spagna sopravvive con convincente dignità. MS 

Versione Inglese:

NUMEN – The Outsider
Astronomy Recording Music
Genre: Neo Prog
Format: 2 CD / Digital – 2025

Compared to many other nations, Spain is generally little talked about in the progressive rock scene, even though interesting bands have emerged over time. A contemporary neo‑prog band called Numen.
Formed in Alicante, Spain, in 1992, the band went on a temporary hiatus from 2000 to 2013. It took six years before they released their debut “Samsara” (1998), a concept album about humanity’s place in the cosmos. Despite the record receiving critical and public acclaim, the band dissolved to pursue individual projects. After lineup changes, they returned and recorded the 2014 album “Nomenclature”, showing they had gained greater professionalism. They followed up with “Cyclothymia” in 2019 and “Crib Of Rarities” in 2023. Today the group consists of Alba Hernandez (vocals), Jorge Camarero (guitars), Manuel Mas (keyboards, vocals and arrangements), Victor Arques (bass) and Gaspar Martinez (drums), proving themselves solid in every department.
This double album, titled “The Outsider”, is a new concept with theatrical cuts and orchestral symphonic scores; it is a meticulous, carefully crafted work featuring numerous guests, among whom Steve Rothery (Marillion) stands out. The guitarist is a clue that this is indeed neo‑prog. “The Outsider” is divided into two acts and is inspired by the eponymous 1926 short story by horror master H.P. Lovecraft. Paul, the protagonist, is living his last days trapped in his contradictions, in a frantic flight that will lead to his death. The other two characters form “the Evil”, incarnated in different ways, especially a girl in red and other figures from a world of marginalisation and vice. Finally, there is Sophia, dressed in green, the incarnation of the divine, who tries to help Paul. After Paul’s death, a tragic ending typical of any opera follows: the protagonist is redeemed and enters a new world of balance, harmony and wisdom.
That it is a rock work is immediately evident from the orchestral “Overture”, well‑structured and with careful arrangements. The electric guitar contribution is good from the start.
The recitative theatricality, a hallmark of the genre, arrives with “Any Day On Urantia”, where Alba Hernandez’s beautiful voice shines.
Strings appear in “Tears Don’t Fall”, and the emphasis rises to the classic mood‑change that breaks the listening experience. This is one of the most beautiful tracks of the first act, full of surprises, instrumentation and moments that even take me back to Ireland, thanks to the gentle use of the voice. A heavy intro opens with a male Latin recitation “Temptations”, a ten‑minute piece where Numen fully demonstrates their compositional abilities with added brass. The theatricality rises further in “A Bad Feeling”, where Alba’s performance is simply excellent! Another standout moment is “Toys”, also thanks to Carlos Vicente Mas’s sax.
Highly melodic “PRISTIQ”, but to wait for Rothery’s guitar we have to get to the concluding “White Lies”, a semi‑ballad that grows and sends shivers down your spine often.
The second act begins with “Sophia”, rhythmic and sunny, with keyboard passages typical of neo‑prog, while “Two Natures In An Elevator” is relaxing thanks to acoustic guitar harmonic loops. The rhythm never falters, making it pleasantly flowing.
A change of direction comes with “He Said No”, redolent of the 1970s. More modern, if we may use that term, is “Test The Wall”, also rooted in the song formula.
Piano opens “How To Cut Your Throat While Shaving”, another small gem of the album with cello interventions that classicise the atmosphere; the rest is handled by the excellent Hernandez. We return to purely neo‑prog territory with “The Abyss Of Non‑Being”, as introspective as Arena’s best.
After the death of the character Paul, the funeral arrives in “The Outsider’s Funeral”, a piece that continues the mood of the preceding track. The second and final act concludes with “Metamorphoseis”, a fresco where instrumental openings follow a pleasant melody, occasionally broken by sonic stops and good choruses. Here the Spanish soul of Numen also emerges.
“The Outsider” is a remarkable artistic effort, meticulously detailed, and it would be a real shame not to listen to it. The genre also survives in Spain with convincing dignity. MS

Deposed King

DEPOSED KING – Letters To A Distant Past
Autoproduzione
Genere: Post‑Prog Moderno
Format: CD / Digital – 2025

Amici e amanti del Post Prog Moderno, se vi sfondate di Porcupine Tree, Riverside e band simili, fermatevi a leggere la recensione e annotatevi il nome degli ungheresi Deposed King.
Sono un duo composto da Daniel Kriffel e Dominique Király, con sede a Budapest. La band ha pubblicato il suo album di debutto “One Man’s Grief” nel gennaio 2023 e offre un’ampia gamma di influenze Prog, come Post Rock, Rock Psichedelico, Progressive Folk, Jazz, alcuni momenti Heavy Prog e persino influenze di musica classica.
Sto quindi parlando di quella musica atmosferica, spesso arrangiata con effetti che richiamano la natura fra vento e pioggia. Delicata anche nel cantato, con un approccio che miscela Steven Wilson e Tim Bowness (No Man).
Chi ama queste sonorità e quanto ho paragonato, troverà “Letters To A Distant Past” un vero e proprio capolavoro, perché sa miscelare tutto il meglio che questi artisti hanno proposto negli anni, ma così tanto che per alcuni attimi ho avuto la sensazione che fosse un prodotto dell’IA! Invece no, sono proprio Daniel e Dominique a confezionare queste atmosfere eteree che sembrano sollevarci dal terreno durante l’ascolto.
Il disco va in crescendo emotivo; salto l’intro di turno intitolato “Stillness” perché ormai di queste soluzioni ne ho ascoltate milioni, e passo direttamente a “Moonlight Lullaby”, un lungo brano di quasi dieci minuti in cui l’approccio melodico si alterna a fasi Psichedeliche; questo potrebbe benissimo risiedere in “Signify” (Porcupine Tree). Indovinato il frangente di sax che sfocia in un crescendo Rock con tanto di tastiere a innalzare il tutto. Il solo di chitarra elettrica è breve ma incisivo, per poi tornare agli interventi effettuali e a un incedere alla Steven Wilson primo periodo solista.
“Daymare” gode di un pezzo al pianoforte ben congeniato, nulla di trascendentale, ma ha la capacità di rapire l’ascolto, perché sei sempre in attesa che qualcosa accada. Questa sospensione è caratteristica del genere stesso. La strumentale title track, ancora una volta, sfiora i dieci minuti e sono spesi bene! Il brano riesce a estraniare l’ascoltatore da tutto ciò che lo circonda, trasportandolo nei meandri della mente. La chitarra elettrica sa come e quando intervenire, così i suoni elettronici spezzettati. Fa comparsa anche il Mellotron per uno dei frangenti più Progressivi in senso generale dell’album. C’è anche del Post Rock e un brevissimo momento Hard.
“Remnant Of Rain” si stacca dal Rock grazie a un pianoforte classicheggiante, una coccola al cuore, un movimento che va ascoltato rigorosamente ad occhi chiusi.
Non manca neppure la mini‑suite di oltre dodici minuti intitolata “Reverie”, un altro picco dell’album in cui il duo si gioca tutte le carte a disposizione. Qui fanno comparsa piccoli spiragli di luce e meravigliosa è la parte strumentale centrale; questa volta sono i Pink Floyd a tornarmi in mente.
Dolcissima “Hope”, un bel dialogo fra le chitarre acustiche, voci e coralità di fondo.
“Dream Awake” chiude l’album, ascoltatela in cuffia e alzate il volume… Non dico altro.
Io sono in possesso dell’edizione Deluxe che contiene altri quattro brani, praticamente un album a sé. Qui “Corridors Of Fog” si addentra nel mondo dei Porcupine Tree ultimo periodo e comunque sa alternare differenti fasi ed emozioni in altri undici minuti abbondanti di sensazioni sublimi. Non da meno “Ashes Drift Apart”, immersa inizialmente in nostalgici giri armonici Folk che ricordano tempi antichi. Nel proseguimento sale il volume, l’elettronica e la chitarra elettrica provano in un istante a fare la voce grossa.
“The Snow” è adiacente, malinconica come solo i Radiohead sanno fare, mentre la fine dell’opera spetta alla versione singolo abbreviata di “Reverie”.
“Letters To A Distant Past” è proprio come la copertina dell’album: basta fissarla durante l’ascolto per perdersi nella nebbia di un paesaggio desolato dove, al centro, c’è un posto dove andare a scaldarsi. Malinconico, sì, ma ammaliante, ipnotico… dannatamente bello! MS 

Versione Inglese:

DEPOSED KING – “Letters To A Distant Past”
Autoproduzione
Genre: Post‑Prog Moderno
Format: CD / Digital – 2025

Friends and lovers of modern post‑prog, if you’re into Porcupine Tree, Riverside and similar bands, stop and read the review and note the name of the Hungarian duo Deposed King.
They are a duo made up of Daniel Kriffel and Dominique Király, based in Budapest. The band released their debut album “One Man’s Grief” in January 2023 and offers a wide range of prog influences such as post‑rock, psychedelic rock, progressive folk, jazz, some heavy‑prog moments and even classical music influences.
I’m talking about that atmospheric music, often arranged with effects that recall nature between wind and rain. The vocals are also delicate, with an approach that mixes Steven Wilson and Tim Bowness (No Man).
Anyone who loves these sounds and what I’ve compared will find “Letters To A Distant Past” a true masterpiece, because it knows how to blend the best that these artists have offered over the years, but so much that for a few moments I had the feeling it was an AI product! Instead, no, it’s Daniel and Dominique who craft these ethereal atmospheres that seem to lift us off the ground during listening.
The disc goes in an emotional crescendo; I skip the intro titled “Stillness” because I’ve already heard millions of these solutions, and I go straight to “Moonlight Lullaby”, a long track of almost ten minutes where the melodic approach alternates with psychedelic phases; this could well sit alongside “Signify” (Porcupine Tree). I’ve nailed the sax passage that leads into a rock crescendo with keyboards raising the stakes. The electric guitar solo is brief but incisive, then returns to the effected interventions and a progression à la early solo Steven Wilson.
“Daymare” enjoys a well‑crafted piano piece, nothing transcendent, but it has the ability to captivate the listener, because you’re always waiting for something to happen. This suspension is characteristic of the genre itself. The instrumental title track, once again, skirts ten minutes and is well spent! The piece manages to alienate the listener from everything around them, transporting them into the depths of the mind. The electric guitar knows how and when to intervene, as do the fragmented electronic sounds. The Mellotron also appears for one of the most progressive passages in the album overall. There’s also some post‑rock and a very brief hard moment.
“Remnant Of Rain” breaks away from rock thanks to a classical‑style piano, a heart‑warming movement that should be listened to with eyes closed.
There’s also a mini‑suite of over twelve minutes titled “Reverie”, another high point of the album where the duo plays all the cards at their disposal. Here small glimmers of light appear and the central instrumental part is wonderful; this time Pink Floyd comes to mind.
Sweet “Hope”, a beautiful dialogue between acoustic guitars, voices and backing vocals.
“Dream Awake” closes the album; listen to it on headphones and turn up the volume… I won’t say more.
I own the Deluxe edition, which contains four extra tracks, essentially a standalone album. Here “Corridors Of Fog” delves into the world of Porcupine Tree’s later period and still manages to alternate different phases and emotions in another eleven‑plus minutes of sublime sensations. Not to be outdone, “Ashes Drift Apart” starts with nostalgic folk harmonic loops that recall ancient times. As it progresses the volume rises, the electronics and electric guitar try to take the lead in an instant.
“The Snow” is adjacent, melancholic as only Radiohead can be, while the end of the work is left to the shortened single version of “Reverie”.
“Letters To A Distant Past” is just like the album cover: just stare at it while listening to get lost in the fog of a desolate landscape where, at the centre, there’s a place to warm up. Melancholic, yes, but captivating, hypnotic… damn beautiful! MS

Consiglio Ascolti Progressivi del 2025

 

CONSIGLI ASCOLTI PROGRESSIVI 2025

Si sa che il tempo vola, ed ecco che anche questo 2025 lo stiamo concludendo. Come mia consuetudine, non faccio classifiche di ascolti, non mi sono mai piaciute, anche perchè sapete bene che un album oggi piace di più e domani di meno (o viceversa). Servono numerosi ascolti per capire bene un opera, mentre le uscite discografiche non ti danno neppure il tempo di respirare. Tuttavia di emozioni ce ne sono state parecchie; il Progressive Rock in Italia, grazie a band giovani, tiene duro nei confronti del resto del mondo. Una passione mai sopita e che gode di una nutrita staffetta. 

Sempre più difficile trovare un capolavoro, ma forse questo mi accade perchè ho una certa età stracolma di ascolti e quindi le mie esigenze probabilmente al riguardo sono troppo elevate. Ma ci sono moltissimi album piacevoli, questo si!

Nel video potrete ascoltare alcuni miei consigli e chiedo subito perdono a coloro che non ho nominato, ma questi sono i dischi che più mi sono piaciuti. Forse ne ho dimenticato qualcuno, non sono perfetto e comunque sono gusti personali. Buon ascolto.

Sito Ufficiale Massimo Salari

 SITO UFFICIALE MASSIMO SALARI

E' uscito il mio sito ufficiale al seguente link: https://massimo-salari.my.canva.site/

All' interno potrete visualizzare la mia BIOGRAFIA - FOTO - VIDEO RECENSIONI E SPECIALI - BIBLIOGRAFIA e CONTATTI

BUONA NAVIGAZIONE!

Psychowatermelon

PSYCHOWATERMELON – Ghostpiracy
Autoproduzione
Genere: Sperimentale / Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Con Alex Savelli si va sul sicuro.
Il suo nome è oramai legato a progetti sonori in cui l’improvvisazione, la ricerca strutturale e la vastità dei generi percorsi, conducono sempre l’ascoltatore in un mondo a dir poco fantastico. La sua musica è spesso accompagnata da artwork e booklet ricchi e particolareggiati, basti pensare al progetto Pelikan Milk che vi raccomando di andare a reperire.
Musica in libertà, questo è il sunto dell’essenza Savelli, senza paletti limitativi o compromessi, oggi praticamente una mosca bianca. Così i generi affrontati nel tempo spaziano dalla Psichedelia al Krautrock passando per il Progressive Rock, l’Elettronica e il Jazz, quest’ultimo esaltato dalla collaborazione con il maestro Massimo Manzi alla batteria.
Qui il ritorno con un amico polistrumentista dei Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, assieme a lui si rispolverano le vecchie passioni comprese l'umorismo, il cinema, le colonne sonore e molto altro ancora. La fusione prende il nome di Psychowatermelon e “Ghostpiracy” è il frutto conclusivo di un viaggio cosmico da affrontare assieme agli artisti in più di un’ora di musica.
Ad alcuni Psychowatermelon potrebbe far tornare alla memoria un certo Frank Zappa, che la cosa sia più o meno voluta non saprei, tuttavia un certo parallelismo con la fantasia del geniale chitarrista ci potrebbe anche stare.
Un grande apporto all’opera deriva dalla batteria del giovane Andrea Lamb D'Aniello che si è dovuto inventare e incastonare fra le partiture ritmiche in origine solo accennate. Ospite al disco Luca Fattori in “Aliens On Piano” che interpreta la voce di un alieno.
Quando si parla di Psichedelia e quant’altro accennato in precedenza, si può immaginare un lavoro altamente vintage, in realtà tutto è visionato in chiave moderna tra brani mutevoli e spericolati. Ovviamente non mancano richiami a band del passato, questo per onore di cronaca, per cui nulla di strano se si scorgono parallelismi con Pink Floyd, Tangerine Dream e Tame Impala.
"Survivor Tales” apre il percorso attraverso suoni ariosi, spaziali, ponderati e infarciti di eco, come il primordiale Steven Wilson amava fare nel suo progetto Porcupine Tree, questo non è altro che un breve interludio che conduce a “Barbarian Dreams”. In sette minuti la musica diventa inizialmente colonna sonora di stati d’animo galleggianti in consistenze impalpabili e leggere per poi crescere d’intensità. Le chitarre elettriche fuggono nervosamente in un contesto d’improvvisazione sonora. “Ghostpiracy” arricchita da suoni elettronici, si evolve in un movimento orecchiabile su cui lasciar parlare la chitarra. Spontanei alcuni paragoni con i primi Ozric Tentacles.
Il Rock fa capolino in “Meanwhile” ma non in modo convenzionale, sempre inframezzato da passaggi spaziali. Le sensazioni mi portano ad album come “Metanoia” o “Voyage 34” dei Porcupine Tree, ma anche alla band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” ha un inizio percussionistico e conduce nella giungla. Il calore è maggiormente palpabile rispetto a quanto ascoltato sino ad ora, fra loop rassicuranti e variazioni sul tema.
“Vintage Future” ha intrinseco nel titolo un ossimoro che rispecchia perfettamente l’intento degli Psychowatermelon, ma è “Primal Chase” a premere sull’acceleratore della sperimentazione, fra suoni ipnotici e ritmi incalzanti. Tra i frangenti che più mi hanno convinto metto “Lazy Blades And The Gummy Forest”, perché qui c’è maggiore equilibrio fra ricerca e buona melodia di fondo. Il resto lascio scoprirlo a voi per non togliervi del tutto il gusto della scoperta. Solo due parole per “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, un brano accattivante basato principalmente sul pianoforte, quello scovato da un alieno che si diverte a suonarci sopra.
In definitiva, il punto di forza di “Ghostpiracy” è il mutamento strutturale continuo alla ricerca di nuove sensazioni, tutto ciò mette in evidenza la cultura musicale ad ampio raggio di Savelli e Michienzi.  Lasciatevi trasportare dai suoni, e scoprirete anche voi nuovi mondi. MS

Versione Inglese:

PSYCHOWATERMELON - Ghostpiracy
Self-production
Genre: Experimental / Progressive Rock
Support: cd - 2024

With Alex Savelli you're on the safe side.
His name is now linked to sound projects in which improvisation, structural research and the breadth of genres covered, always lead the listener into a world that is nothing short of fantastic. His music is often accompanied by rich and detailed artwork and booklets, just think of the Pelikan Milk project that I recommend you go find.
Music in freedom, this is the summary of Savelli's essence, without limiting stakes or compromises, today practically a white fly. Thus the genres tackled over time range from Psychedelia to Krautrock via Progressive Rock, Electronic and Jazz, the latter enhanced by the collaboration with maestro Massimo Manzi on drums.
Here the return with a multi-instrumentalist friend from Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, together with him dust off old passions including humor, cinema, soundtracks and more. The fusion is named Psychowatermelon, and “Ghostpiracy” is the concluding fruit of a cosmic journey to be taken together with the artists in more than an hour of music.
To some Psychowatermelon might bring back memories of a certain Frank Zappa, whether this is more or less intentional I wouldn't know, however, a certain parallelism with the imagination of the brilliant guitarist might also fit.
A great contribution to the work comes from the drums of young Andrea Lamb D'Aniello, who had to invent and embed himself among the originally only hinted at rhythmic scores. Guest on the disc is Luca Fattori on “Aliens On Piano”, who plays the voice of an alien.
When it comes to Psychedelia and whatever else mentioned above, one can imagine a highly vintage work, in reality everything is viewed in a modern key among shifting and reckless tracks. Of course, there is no shortage of references to bands of the past, this is for the sake of the record, so nothing strange if one glimpses parallels with Pink Floyd, Tangerine Dream and Tame Impala.
“Survivor Tales” opens the journey through airy, spacey, thoughtful, echo-infused sounds, as the primal Steven Wilson liked to do in his Porcupine Tree project, this is but a brief interlude leading into ”Barbarian Dreams”. In seven minutes, the music initially becomes a soundtrack to moods floating in intangible, light textures and then grows in intensity. Electric guitars nervously escape into a context of sonic improvisation. “Ghostpiracy” enriched with electronic sounds, evolves into a catchy movement on which to let the guitar speak. Spontaneous some comparisons with early Ozric Tentacles.
Rock peeps in “Meanwhile” but not in a conventional way, always interspersed with spacey passages. The sensations take me to albums like “Metanoia” or Porcupine Tree's “Voyage 34”, but also to the band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” has a percussionistic beginning and leads into the jungle. The warmth is more palpable than what we have heard so far, between soothing loops and variations on the theme.
“Vintage Future” has inherent in its title an oxymoron that perfectly reflects Psychowatermelon's intent, but it is ‘Primal Chase’ that presses on the accelerator of experimentation, amid hypnotic sounds and pressing rhythms. Among the junctures that most convinced me I put “Lazy Blades And The Gummy Forest”, because here there is more balance between research and good underlying melody. The rest I leave to you to discover so as not to take away completely the taste of discovery. Just two words for “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, a catchy track based mainly on the piano, the one scouted by an alien who enjoys playing on it.
Ultimately, the strength of “Ghostpiracy” is the continuous structural change in search of new sensations, all of which highlights Savelli and Michienzi's wide-ranging musical culture.  Let the sounds transport you, and you too will discover new worlds. MS

 

 

Tritop

TRITOP – Tritop 120
Autoproduzione
Genre: Hard Prog
Format: CD / Vinyl / Digital – 2025

Nel 2023 ebbi una piacevolissima sorpresa, un disco che mi convinse molto e che ancora oggi ogni tanto gira nel mio piatto stereo, “Rise Of Kassandra” della band romana Tritop. È stato un esordio convincente, lasciando in me la curiosità di poterne ascoltare in futuro le eventuali evoluzioni. Quel giorno è arrivato: “Tritop 120” è a nostra disposizione in tre formati differenti che vanno dal digitale (Spotify) al CD e vinile; ce n’è per tutti i gusti.
Cosa mi aspetto è presto detto: un Hard Prog fatto di cambi umorali, soluzioni tecniche, melodie di facile assimilazione e le immancabili suite. Pretendo forse troppo, ma all’ascolto, per mia gioia, ritrovo tutte queste caratteristiche, ma non solo: i Tritop si mostrano ancor più maturi, custodi di una professionalità acquisita che si rispecchia in tutti e quattro i brani che compongono l’album, il quale vuole essere un viaggio alla scoperta della musica stessa. All’interno si parla dell’amore per i viaggi soprattutto introspettivi, dove non esulano i ricordi e l’esistenza di una luce che persiste oltre l’assenza. I richiami agli anni ’70 sopraggiungono all’ascolto di strumentazioni come l’Hammond o il Mellotron, ma anche sintetizzatori e chitarre a dodici corde in un mix fra passato e presente ben congeniato.
I Tritop sono: Ivo Di Traglia (batteria, compositore, arrangiatore), Pierfrancesco Di Pofi (tastiere, pianoforte, Hammond, synth, Mellotron, cori), Francesco Caponera (chitarra elettrica, chitarra acustica, cori), Jacopo Tuzi (basso, chitarra acustica, cori), Mattia Fagiolo (voce solista) e Iacopo Di Traglia (chitarra classica, compositore, testi), con loro le coriste Roberta Campoli, Annalaura Talpa e Eleonora Belfiore, le quali testimoniano una cura dettagliata per le partiture vocali.
La registrazione è stata effettuata al MStudio Center di Fabrizio Migliorelli.
E veniamo ai fatti: il disco si apre con il breve intro acustico di chitarra “Rebuild Nothing” e l’ascoltatore viene immerso già nel mondo dei Genesis primordiali, un avviso che successivamente si svilupperà già da “Master Of Drama” in mille sfaccettature sonore. Il cantato è pulito e in lingua inglese, mentre i cori accompagnano il tutto verso un sound più moderno in modalità Spock’s Beard. La ritmica si contraddistingue per pulizia e per i particolari che impreziosiscono i passaggi, caratteristiche che sanno fare la differenza. L’energia sale, così le dinamiche evocative sino a raggiungere frangenti epici, tutto materiale per un Prog fan accanito. Attimi di The Flower Kings colgono di sorpresa, per poi raggiungere nel finale il Metal Prog; è evidente che la band conosce tanta materia e ha intenzione di svilupparla al meglio senza cadere nello scontato.
Il piano apre “Wanderlust”, altro esempio di caleidoscopio sonoro. Se dovessimo leggere il pentagramma sarebbe una sorta di disegno delle montagne russe. Le chitarre elettriche si esprimono al meglio sciolinando scale importanti con estrema disinvoltura, e qui sopraggiunge l’intelligenza dei Tritop, i quali non si perdono in inutili elucubrazioni, virando improvvisamente verso territori altamente melodici.
Ma il piatto forte porta il titolo di “Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart”, una suite di ventitré minuti abbondanti che si apre con un intro in stile “Duke’s Travels” (Genesis). Viene da sé attendersi un continuo altalenarsi di emozioni e suoni, i quali vengono tutti confermati, tanto da valere da solo l’intero prezzo dell’album. I cori sono la ciliegina sulla torta.
Con “Tritop 120” la band alza il tiro, guadagnandosi un posto al trono fra i migliori album di questo 2025 che, in senso generale, ha saputo saziare molti palati di questo genere. Un balzo in avanti fra ricerca, tecnica e buone sonorità, tutti ingredienti che fanno del Prog un genere immortale, e questo grazie anche ai nostri Tritop. Cosa avremmo detto se un lavoro così fosse stato realizzato da una band estera? Da avere e basta. MS   

Versione Inglese: 

TRITOP – Tritop 120
Autoproduzione
Genre: Hard Prog
Format: CD / Vinyl / Digital – 2025

In 2023 I had a very pleasant surprise: a record that convinced me a lot and that still, every now and then, spins on my stereo plate, “Rise Of Kassandra” by the Roman band Tritop. It was a convincing debut, leaving me curious to hear its possible future evolutions. That day has arrived: “Tritop 120” is available to us in three different formats ranging from digital (Spotify) to CD and vinyl; there’s something for every taste.
What I expect is quickly said: a Hard Prog made of mood changes, technical solutions, easily assimilable melodies and the inevitable suites. I may be asking too much, but when listening, to my delight, I find all these characteristics, and not only that: Tritop appear even more mature, guardians of a professionalism that reflects in all four tracks that make up the album, which wants to be a journey to discover music itself. Inside it talks about love for travel, especially introspective, where memories and the existence of a light that persists beyond absence are not excluded. The references to the ’70s emerge when listening to instruments such as the Hammond or the Mellotron, but also synths and twelve‑string guitars in a well‑blended mix of past and present.
Tritop are: Ivo Di Traglia (drums, composer, arranger), Pierfrancesco Di Pofi (keyboards, piano, Hammond, synth, Mellotron, backing vocals), Francesco Caponera (electric guitar, acoustic guitar, backing vocals), Jacopo Tuzi (bass, acoustic guitar, backing vocals), Mattia Fagiolo (lead vocals) and Iacopo Di Traglia (classical guitar, composer, lyrics), with backing vocalists Roberta Campoli, Annalaura Talpa and Eleonora Belfiore, who testify to a detailed care for the vocal scores.
The recording was made at MStudio Center by Fabrizio Migliorelli.
Now to the facts: the album opens with the brief acoustic guitar intro “Rebuild Nothing” and the listener is immediately immersed in the primordial world of Genesis, a sign that will later develop from “Master Of Drama” into a thousand sonic facets. The vocals are clean and in English, while the vintage choruses accompany everything towards a more modern sound in Spock’s Beard mode. The rhythm stands out for its cleanliness and the details that embellish the passages, characteristics that make a difference. The energy rises, as do the evocative dynamics, reaching epic moments, all material for a hardcore prog fan. Moments of The Flower Kings catch you by surprise, then reach metal‑prog in the finale; it’s clear that the band knows a lot of material and intends to develop it at its best without falling into clichés.
The piano opens “Wanderlust”, another example of a sonic kaleidoscope. If we had to read the score it would be a sort of roller‑coaster drawing. The electric guitars shine, delivering important scales with extreme ease, and here the intelligence of Tritop emerges, not getting lost in useless ramblings, suddenly veering into highly melodic territories.
But the highlight is titled “Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart”, a suite of over twenty‑three minutes that opens with an intro in the style of “Duke’s Travels” (Genesis). It goes without saying that you can expect a continuous swinging of emotions and sounds, all confirmed, making it worth the entire price of the album on its own. The choruses are the cherry on top.
With “Tritop 120” the band raises the bar, earning a place on the throne among the best albums of 2025 that, in general, have satisfied many palates of this genre. A leap forward in research, technique and good sonority, all ingredients that make Prog an immortal genre, also thanks to our Tritop. What would we have said if such a work had been made by a foreign band? It would be a must‑have, that’s all. MS

Crack The Sky

CRACK THE SKY – Blessed
Adobo Records
Genre: Progressive Rock / Blues Rock
Format: CD / digital – 2025

Il mondo musicale del Progressive Rock è diventato immenso da quando internet ha fatto la sua prima comparsa, ridonando al genere una veste nuova attraverso attenzioni maggiori. Si sa che moltissimi dischi non sono stati nel tempo di facile reperibilità, quindi si è avuta l’opportunità di ascoltare tutto comodamente da casa e gratis, fatto non da poco visto i prezzi proibitivi di alcune copie stampate in poche centinaia di esemplari. Rinasce dunque l’interesse attorno a questa musica che dagli anni ’90 in poi non vede più notevoli cali come in precedenza, rimanendo costante nel tempo. Anche le generazioni ultime si cimentano creando nuove band, ma anche numerosi progetti solisti vedono invadere il mercato. Centinaia le uscite giornaliere dunque, e non sempre è semplice restare dietro a tutto, non si ha tempo materiale per l’ascolto, ecco magari l’utilità di appoggiarsi a recensioni, blog, giornali di settore etc.
In tutto questo marasma, ci sono esemplari di gruppi che, secondo il mio modesto parere, non hanno ricevuto le adeguate attenzioni malgrado una esistenza decennale; uno di questi si chiama Crack The Sky e sono americani.
Nasce a Weirton, nel 1975 nella valle del fiume Ohio originariamente con il nome di Arcangel e subisce stop nel tempo che varia dal 1978 al 1986 e dal 1990 al 1996, ma la parola fine non è stata mai messa.
Venti gli album realizzati, chi più chi meno interessanti, sento comunque di consigliare l’ascolto di “Crack The Sky” (1975), “Safety In Numbers” (1978), “The Sale” (2007), “Safety In Numbers - 21st Century Redux” (2007) e “From The Wood” (2023). Il loro primo album, “Crack The Sky”, pubblicato nel 1975, fu dichiarato album dell'anno dalla rivista Rolling Stone e conteneva successi come “Ice, Hold On/Surf City” e “She's A Dancer”. Sfortunatamente, non fu mai promosso molto bene e non riuscì a trovare riscontro tra il pubblico.
La musica proposta subisce l’influenza del luogo in cui sono nati, e spazia dal Rock al Rock Progressive, il Folk sino toccare picchi di Hard Prog. Fra le note è difficile trovare una singola appartenenza o influenza sonora da parte di band famose perché sono moltissime ma solamente sfiorate, per cui potrei fare nomi come Pink Floyd, Genesis, Beatles, Kansas, ma sarebbe alquanto fuorviante. Sono dunque molte le sterzate stilistiche, così numerose come i cambi nella line‑up che li vede oggi per la realizzazione di “Blessed” stabilizzarsi con John Palumbo (chitarra, tastiere, voce solista), Rick Witkowski (chitarra, ukulele, voce), Bobby Hird (chitarra, banjo, mandolino, voce), Glenn Workman (tastiere, voce), Dave DeMarco (basso, voce) e Joey D'Amico (batteria, voce).
Nelle quattordici tracce si può godere di una musica spensierata, a tratti energica, rispettosa degli anni ’70 ma anche di quella succeduta nel tempo, dimostrando una attenzione particolarmente spiccata della band agli avvenimenti della moda, proprio per questo sono riusciti a sopravvivere negli anni sino ai nostri giorni.
“Blessed” è uno dei dischi più curati e interessanti della loro carriera, e non lo dico perché è l’ultimo, ma perché è palese la maturazione della band, l’esperienza alle spalle gioca un ruolo fondamentale.
Buone anche le coralità oltre agli arrangiamenti. Io comunque ci sento molti Beatles, ovviamente non in tutti brani ma per esempio “It's All In My Head” è lampante. Un disco divertente, fresco, il classico per tutte le occasioni e mi sento di consigliarvelo, anche per dare loro una giusta visibilità (per il mio poco che posso fare), perché se lo meritano alla grande! MS 

Versione Inglese: 

CRACK THE SKY – Blessed
Adobo Records
Genre: Progressive Rock / Blues Rock
Format: CD / digital – 2025

The progressive rock musical world has become immense since the internet first appeared, giving the genre a new look through greater attention. It is known that many records have not been easy to find over time, so we have had the opportunity to listen to everything comfortably from home and for free, a fact not to be underestimated given the prohibitive prices of some copies printed in only a few hundred copies. Hence a renewed interest in this music, which since the 1990s has no longer seen the sharp declines of the past, remaining constant over time. Even the latest generations are trying their hand at creating new bands, but also numerous solo projects are flooding the market. Hundreds of daily releases, and it is not always simple to keep up with everything; there is not enough time for listening, so it is useful to rely on reviews, blogs, trade magazines, etc.
In all this chaos, there are examples of groups that, in my modest opinion, have not received the proper attention despite a decade‑long existence; one of these is called Crack The Sky and they are American.
They were born in Weirton in 1975 in the Ohio River Valley originally under the name Arcangel and experienced stops from 1978 to 1986 and from 1990 to 1996, but the final word has never been put on them.
Twenty albums have been released, some more interesting than others; I still feel like recommending listening to “Crack The Sky” (1975), “Safety In Numbers” (1978), “The Sale” (2007), “Safety In Numbers – 21st Century Redux” (2007) and “From The Wood” (2023). Their first album, “Crack The Sky”, released in 1975, was named Album of the Year by Rolling Stone and contained hits such as “Ice, Hold On/Surf City” and “She’s A Dancer”. Unfortunately, it was never promoted very well and failed to find a response from the public.
The music offered is influenced by the place where they were born, ranging from rock to progressive rock, folk, and even reaching peaks of hard prog. Among the notes it is difficult to find a single affiliation or sound influence from famous bands because there are many, but only touched upon; I could name Pink Floyd, Genesis, The Beatles, Kansas, but that would be quite misleading. There are therefore many stylistic twists, as numerous as the lineup changes that see them today for the realization of “Blessed” stabilizing with John Palumbo (guitar, keyboards, lead vocals), Rick Witkowski (guitar, ukulele, vocals), Bobby Hird (guitar, banjo, mandolin, vocals), Glenn Workman (keyboards, vocals), Dave DeMarco (bass, vocals) and Joey D'Amico (drums, vocals).
In the fourteen tracks you can enjoy a carefree, at times energetic music, respectful of the ’70s but also of what followed over time, demonstrating a particularly sharp attention of the band to fashion trends, which is why they have managed to survive to the present day.
“Blessed” is one of the most carefully crafted and interesting discs of their career, and I don’t say that because it’s the latest, but because the band’s maturation is evident; experience plays a fundamental role.
The vocal harmonies are also good, as are the arrangements. I still hear a lot of The Beatles, obviously not in every song but for example “It’s All In My Head” is striking. A fun, fresh record, the classic for any occasion, and I feel like recommending it to you, also to give them the visibility they deserve (for what little I can do), because they really deserve it! MS