Mr Bison

MR BISON - Echoes From The Universe
Heavy Psych Sounds
Genere: Progressive Stoner
Supporto: cd 2024

La band toscana di Cecina Mr Bison ritorna all’attenzione del pubblico dopo quattro anni da “Seaward”, inanellando il quinto album da studio. La mutazione sonora cui si stanno prestando oggi è ancor più marcata rispetto il passato, lasciando maggiore spazio a interventi di stampo Progressivo pur rimanendo legati all’appendice Stoner Rock. I suoni sono quindi tendenzialmente robusti, ma le coralità e gli effetti sostenuti fanno di questo sound una caratteristica davvero personale nell’ambito.
Immaginate per alcuni momenti, con molta fantasia, di vedere impegnati gli Yes nel campo Stoner, non tanto per la tecnica strumentale che non richiede grandi elucubrazioni, tanto per le soluzioni vocali. Con “Echoes From The Universe” i punti sonori sono piuttosto prossimi a band come King Crimson, Pink Floyd, e Motorpsycho, mentre le tematiche si fondono in un concept riguardante la forte volontà dell’individuo nel voler andare incontro al proprio destino forzando gli eventi con il proprio libero arbitrio. La maturazione cui mi riferisco riguarda soprattutto la capacità odierna di fondere il passato con il presente, il tutto attraverso uno sguardo verso il futuro. Il quartetto è composto da Matteo Barsacchi (chitarra, basso, synth), Matteo Sciocchetto (chitarra, basso, voce), Lorenzo Salvadori (batteria), e Davide Salvadori (chitarra acustica, synth, Hammond, Mellotron, basso).
Sette i brani che formano il concept per un totale di quaranta minuti di musica.
I cinque minuti di “The Child Of The Night Sky” sono rappresentativi per la qualità sia sonora sia stilistica della band che sa manifestarsi coesa e perfettamente oliata in tutti i propri reparti, tramite cambi di tempo e numerosi effetti eco. La robustezza del suono è avvicendata da una scelta melodica della composizione efficace tanto da rimanere facilmente impressa nella memoria.
 “Collision” mostra a sorpresa un lato quasi Folk dell’andamento sonoro, un riff massiccio presta il fianco alle buone capacità vocali dei componenti, ma i giochi diventano seri nei sette minuti di “Dead In The Eye”, sorniona con un incedere Pinkfloydiano prossimo a “Obscured By Clouds” (Pink Floyd). Il crescendo sonoro funziona, facendo del pezzo un alto gradino della scala “Echoes From The Universe”.
L’inizio di “Fragments” sposa la causa King Crimson grazie ad un arpeggio ripetuto di chitarra elettrica, il pezzo è profondo, quello che posso definire strumentalmente più impegnato rispetto quanto ascoltato sino ad ora, qui il lato Prog è evidente. Suono di campana e sornioni movimenti introspettivi rende “The Promise” un altro bel mix fra passato e presente per poi lanciarsi in un pachidermico ritmo supportato da un muro sonoro elettrico che a metà del brano muta in un sostenuto incedere psichedelico. Facile restare irretiti da “The Veil”, ancora una volta la scelta dei motivi basilari orecchiabili porta a casa il successo dell’intento. Il disco si conclude con “Staring At The Sun” qui sono i Porcupine Tree a comparire durante l’inizio, ma l’andazzo muta sostanzialmente intrecciando ritmiche e riff in una sorta di finale pirotecnico, proprio come accade nei fuochi d’artificio.
“Echoes From The Universe” dei Mr Bison è un disco decisamente scorrevole, e nel suo campo oserei dire anche elegante, a testimonianza che anche noi in Italia possiamo dire onorevolmente la nostra su quest’argomento. Solo i miei complimenti. MS

Versione Inglese:

MR BISON - Echoes From The Universe
Heavy Psych Sounds
Genre: Progressive Stoner
Support: cd 2024

Cecina's Tuscan band Mr Bison returns to the public's attention after four years since "Seaward", ringing out their fifth studio album. The sonic mutation to which they are lending themselves today is even more pronounced than in the past, leaving more room for Progressive-sounding interventions while remaining tied to the Stoner Rock appendage. The sounds thus tend to be robust, but the chorality and sustained effects make this sound a truly personal feature in the field.
Imagine for a few moments, very imaginatively, seeing Yes engaged in the Stoner field, not so much for the instrumental technique, which does not require great lucubration, as for the vocal solutions. With "Echoes From The Universe", the sonic points are rather close to bands such as King Crimson, Pink Floyd, and Motorpsycho, while the themes coalesce into a concept concerning the strong will of the individual in wanting to go to his own destiny by forcing events with his own free will. The maturation I am referring to is mainly about today's ability to merge the past with the present, all through a look toward the future. The quartet consists of Matteo Barsacchi (guitar, bass, synth), Matteo Sciocchetto (guitar, bass, vocals), Lorenzo Salvadori (drums), and Davide Salvadori (acoustic guitar, synth, Hammond, Mellotron, bass).
Seven tracks make up the concept for a total of forty minutes of music.
The five minutes of "The Child Of The Night Sky" are representative for both sonic and stylistic quality of the band that knows how to manifest itself cohesive and perfectly oiled in all its departments through tempo changes and numerous echo effects. The robustness of the sound is approached by a melodic choice of composition effective enough to easily stick in the memory.
 "Collision" surprisingly shows an almost Folk side of the sonic progression, a massive riff lending its side to the good vocal abilities of the components, but the games get serious in the seven minutes of "Dead In The Eye", sly with a Pinkfloydian procession close to "Obscured By Clouds" (Pink Floyd). The sonic crescendo works, making the piece a high rung on the "Echoes From The Universe" ladder.
The beginning of "Fragments" espouses the King Crimson cause thanks to a repeated electric guitar arpeggio, the piece is deep, what I can call instrumentally more committed than what I have heard so far, here the Prog side is evident. Bell sounds and sly introspective movements makes "The Promise" another fine mix of past and present and then launches into a pachydermic rhythm supported by an electric wall of sound that changes into a sustained psychedelic procession halfway through the song.
Easy to be ensnared by "The Veil", once again the choice of basic catchy motifs drives home the success of the intent. The record concludes with "Staring At The Sun" here it is Porcupine Tree that appears during the beginning, but the pacing changes substantially intertwining rhythms and riffs in a kind of pyrotechnic finale, just as happens in fireworks.
"Echoes From The Universe" by Mr. Bison is a decidedly smooth record, and in its field I dare say even elegant, proving that even we in Italy can honorably say our piece on this subject. Only my compliments. MS

 

Semiramis

SEMIRAMIS - La Fine Non Esiste
VM / BFT
Genere: Rock Progressivo Italiano
Supporto: cd / Digital – 2024

E’ proprio vero, la fine non esiste, la considerazione è comprovata dalla storica band romana Semiramis, che dopo cinquanta anni dall’uscita del loro unico album “Dedicato A Frazz” (Trident – 1973), prosegue il cammino sonoro da dove l’hanno lasciato.
Un solo disco ma incastonato nell’albo dei grandi classici del Rock Progressivo Italiano. Nonostante l’allora giovane età, la band capitanata da Paolo Faenza (batteria, vibrafono) e dai fratelli Zarrillo, Michele e Maurizio, compone un Rock in bilico fra lo sperimentale, il sound mediterraneo e il classico Prog proveniente dai maestri inglesi. Quest’album è croce e delizia per i collezionisti, poiché la prima stampa ha raggiunto costi davvero proibitivi, per fortuna oggi con internet si ha la possibilità di ascoltare tutto o reperire ristampe a prezzi decisamente abbordabili.
Nel 2013 a sorpresa i Semiramis si ritrovano, e nel 2017 registrano “Frazz Live”, un fulmine a ciel sereno che lascia presagire una ritrovata vena artistica che potrebbe sfociare in voglia di comporre nuovo materiale. La certezza non c’è, tanto è vero che passano ben sei anni dopo la momentanea illusione, ma per nostra fortuna la riunione risulta essere galeotta.
Muta tuttavia la formazione, sempre con Faenza in cattedra supportato da ottimi artisti del circuito Progressivo romano come Ivo Mileto (basso), Emanuele Barco (chitarre elettriche), Marco Palma (chitarre acustiche), Giovanni Barco (voce), e Daniele Sorrenti (tastiere, organi, synth, flauto).
“Dedicato A Frazz” è un concept album, “La Fine Non Esiste” ci va vicino, perché l’argomento è unico riguardante la possibilità di osare, l’andare oltre la normalità, ma nei sei brani che compongono il disco i personaggi e le storie sono differenti fra loro. Un messaggio positivo che ci spinge a dare sempre il meglio di noi stessi e oltre.
L’opera in questione è cantata in italiano e si apre con “In Quel Secondo Regno” dall’incedere Hard Prog solo in apparenza, perché in breve successione si denotano accenni di Gentle Giant e Orme. Buona è la prova vocale di Barco, altresì non si può rimanere indifferenti dinanzi all’assolo della chitarra elettrica. Un pezzo che da solo racconta un decennio di stile sonoro, e lo fa con visione moderna, in un perfetto equilibrio fra passato e presente.
“Cacciatore Di Ansie” attraverso il suono del pianoforte, apre ad arie dall’ampio respiro, la tecnica dei componenti si pone in vetrina grazie a cambi umorali, comunque attenta a non perdersi in inutili elucubrazioni. Narrazione e parti cantate impreziosiscono le melodie. Il finale sfocia nel Neo Prog stile IQ.
Una dolce aria di tastiere inizia “Donna Dalle Ali D’Acciaio” per poi inoltrarsi nella formula canzone semplice e immediata. Tanti anni ’70 e sentieri adiacenti ai Pooh nella memoria di chi ascolta. Segue “Non Chiedere A Un Dio”, un mix sonoro denso di magia, con assolo altisonante di chitarra elettrica e l’immancabile cambio di tempo.
Con “Tenda Rossa” i tempi dispari si susseguono come da copione Prog, un percorso stilistico dalla spiccata personalità da godere obbligatoriamente ad alto volume.
Il pezzo maggiormente articolato giunge nel finale, “Sua Maestà Il Cuore” è semplicemente un fuoco d’artificio.
Questo, signore e signori, è l’immortale Progressive Rock Italiano, la fine non esiste e non ci sarà mai fino a che esisteranno artisti come i Semiramis. Ai giovani intraprendenti di oggi, consiglio di prendere in mano questo testimone: innamoratevi del volersi bene. MS

Versione Inglese:

SEMIRAMIS – La Fine Non Esiste
VM / BFT
Genre: Italian Progressive Rock
Support: cd / Digital - 2024

It's really true, the end does not exist, the consideration is proven by the historic Roman band Semiramis, which after fifty years since the release of their only album "Dedicato A Frazz" (Trident - 1973), continues the sonic journey from where they left off.
A single record but set in the roll of the great classics of Italian Progressive Rock. In spite of their then young age, the band led by Paolo Faenza (drums, vibraphone) and the Zarrillo brothers, Michele and Maurizio, composes Rock poised between experimental, Mediterranean sound and classic Prog coming from the English masters. This album is a cross and delight for collectors, as the first pressing reached really prohibitive costs, luckily today with the Internet you have the possibility to listen to everything or find reissues at definitely affordable prices.
In 2013, surprisingly, Semiramis found themselves again, and in 2017 they recorded "Frazz Live", a bolt from the blue that hinted at a newfound artistic vein that could result in a desire to compose new material. The certainty is not there, so much so that a good six years pass after the momentary illusion, but fortunately for us, the reunion turns out to be galeactic.
However, the lineup changes, still with Faenza in the chair supported by excellent artists from the Roman Progressive circuit such as Ivo Mileto (bass), Emanuele Barco (electric guitars), Marco Palma (acoustic guitars), Giovanni Barco (vocals), and Daniele Sorrenti (keyboards, organs, synth, flute).
"Dedicato A Frazz" is a concept album, "La Fine Non Esiste" comes close, because the topic is unique concerning the possibility of daring, of going beyond normality, but in the six tracks that make up the album the characters and stories are different from each other. A positive message that urges us to always give our best and beyond.
The work in question is sung in Italian and opens with "In Quel Secondo Regno" with a Hard Prog procession only in appearance, because in short succession hints of Gentle Giant and Orme are denoted. Good is Barco's vocal test, likewise one cannot remain indifferent before the electric guitar solo. A piece that alone tells a decade of sonic style, and does so with modern vision, in a perfect balance between past and present.
"Cacciatore Di Ansie" through the sound of the piano, opens to wide-ranging tunes, the technique of the components is showcased through mood changes, however careful not to get lost in unnecessary lucubration. Narration and singing parts embellish the melodies. The finale blurs into IQ-style Neo Prog.
A sweet air of keyboards begins "Donna Dalle Ali D'Acciaio" and then moves forward into the simple and immediate song formula. Lots of 70s and Pooh-adjacent paths in the listener's memory. This is followed by "Non Chiedere A Un Dio”, a sonic mix thick with magic, with soaring electric guitar solo and the ever-present tempo change.
With "Tenda Rossa”, odd times follow one another as per the Prog script, a stylistic journey with a distinct personality to be enjoyed compulsorily at high volume.
The most articulate piece comes in the finale, "Sua Maestà Il Cuore" is simply a firework.
This, ladies and gentlemen, is the immortal Italian Progressive Rock, the end does not exist and never will as long as artists like Semiramis exist. To the enterprising young people of today, I advise them to take up this baton: fall in love with loving each other. MS

 

James Netterwald

JAMES NETTERWALD – Decade Decoded
Autoproduzione
Genere: Indie Rock – Folk
Supporto: cd / Tunecore.com - 2023

Questa volta Nonsolo Progrock si occupa di una recensione particolare, dove la musica (qualunque essa sia) diventa una valvola di sfogo per il corpo e per l’anima. Chiaramente questo è un fattore comune per tutti gli artisti, ma ci sono casi in cui la passione diventa un vero scopo di vita.
Il caso di James Netterwald è emblematico. L’artista autodidatta è di Hazlet, NJ negli Stati Uniti. Da più di trent’anni scrive canzoni in modo davvero personale e le registra a casa, il tutto autofinanziandosi. Il Rock trattato spazia dagli anni ’60 ai ’90, sino a sfiorare il Grunge.
James nei testi tratta le problematiche che ha dovuto affrontare nella vita, soprattutto il bipolarismo che l’ha colpito, oltre citare hobby e interessi vari.
Ecco la musica come forma di terapia, la volontà di mettersi in gioco per le idee, la voglia di essere vivi, capiti e apprezzati.
“Decade Decoded” è il debutto ufficiale in cd ed è composto di otto canzoni.
“I Don't Even Wanna Know” è il singolo che apre il disco, molto orecchiabile per melodie. Essendo autodidatta, James si avvale del pc e quindi la ritmica risulta minimale, senza molti fronzoli. La chitarra elettrica è robusta e scarica energia al brano. Il suono non è curato per i limiti sopra citati, ma quello che conta è la sostanza, la voglia di uscire con un proprio concetto.
D’idee ce ne sono, come nella solare “1999 (defenseless)”, dove la voce viene filtrata da un vocoder. Di base si possono sentire i Beatles come riferimento, ma anche il sound più moderno di artisti come i Blackfield, “Another Gloomy Bayonne Day” ne è prova.
Netterwald mette se stesso nei brani e mostra anche una buona cultura sugli ascolti, un bagaglio storico messo in pratica nelle composizioni. Semplice e diretta “It Started Off With This Car”, peccato solo per il cantato non sempre all’altezza, ma nel complesso gradevole. Un velo di nostalgia aleggia nella dolce “Invisible To You”, canzone fra le più riuscite del disco con suoni di tastiera a simulare i fiati di una tromba, qui il Folk è più presente.
“Confusion” si apre con un suono di piano e una ritmica più impegnata, questa volta sono gli anni ’90 a fare capolino, quando gli Oasis hanno intrapreso sentieri calpestati dai Fab Four. Giocosa “Dear Therapist”, arricchita da coralità aggiunte oltre che dall’effetto voice decoded.
Di altra materia è composta “Seeds Of Self Doubt”, canzone decisamente matura e introspettiva, anche nel cantato, questa volta bene effettuato.
In chiusura un’armonica fa respirare atmosfere fra Folk e Southern Rock in “Voluntary Hostage”.
James Netterwald si è messo in gioco, senza se e senza ma, una passione che spero possa a lui portare benessere e soddisfazioni.
L’artista promuove la propria musica in modo indipendente presentando le sue canzoni alle stazioni radio universitarie di tutto il mondo e alle stazioni indipendenti come radiodowntown.ca. MS

Versione Inglese:

JAMES NETTERWALD - Decade Decoded
Self-publishing
Genre: Indie Rock - Folk
Support: cd / Tunecore.com - 2023

This time Nonsolo Progrock deals with a particular review, where music (whatever it is) becomes an outlet for body and soul. Clearly this is a common factor for all artists, but there are cases where passion becomes a real life purpose.
The case of James Netterwald is emblematic. The self-taught artist is from Hazlet, NJ in the United States. For more than 30 years he has been writing songs in a truly personal way and recording them at home, all self-financed. The Rock covered ranges from the 60s to the 90s, even touching on Grunge.
James in the lyrics deals with the issues he has had to face in life, especially the bipolarism that affected him, as well as mentioning hobbies and various interests.
Here is music as a form of therapy, a willingness to put oneself out there for ideas, a desire to be alive, understood and appreciated.
"Decade Decoded" is the official CD debut and consists of eight songs.
"I Don't Even Wanna Know" is the single that opens the record, very catchy in melodies. Being self-taught, James makes use of the pc and so the rhythmic arrangement comes across as minimal, without many frills. The electric guitar is robust and drains energy to the track. The sound is not polished because of the limitations mentioned above, but what matters is the substance, the desire to come out with a concept of one's own.
Of ideas there are, as in the sunny "1999 (defenseless)", where the vocals are filtered by a vocoder. Basically one can hear the Beatles as a reference, but also the more modern sound of artists such as Blackfield, "Another Gloomy Bayonne Day" is proof.
Netterwald puts himself into the songs and also shows a good culture about listening, a historical background put into practice in the compositions. Simple and straightforward "It Started Off With This Car", a pity only for the singing that is not always up to par, but overall enjoyable. A veil of nostalgia hovers in the sweet "Invisible To You", one of the most successful songs on the disc with keyboard sounds simulating the horns of a trumpet, here the Folk is more present.
"Confusion" opens with a more committed piano sound and rhythm, this time it is the 1990s that peeps out, when Oasis took paths trodden by the Fab Four. Playful "Dear Therapist", enhanced by added chorality as well as the decoded voice effect.
Of a different matter is "Seeds Of Self Doubt", a decidedly mature and introspective song, even in the singing, this time well effected.
In closing a harmonica makes atmospheres between Folk and Southern Rock breathe in "Voluntary Hostage".
James Netterwald has put himself out there, no ifs or buts, a passion that I hope will bring him prosperity and satisfaction.
The artist promotes his music independently by submitting his songs to college radio stations around the world and independent stations such as radiodowntown.ca. MS

Caligula's Horse

CALIGULA’S HORSE - Charcoal Grace
Inside Out
Genere: Metal Progressive
Supporto: CD / Vinile – 2024

L’Australia è un paese davvero particolare per ciò che concerne la natura, il distaccamento dalla Pangea primordiale l’ha portata a essere ricca di varietà animale con vegetazioni del tutto esclusive. Bene sa chi prende l’aereo per raggiungere il continente cosa accade all’aeroporto nel controllo dei bagagli, nulla deve contaminare questa terra, l’ecosistema è salvaguardato al massimo. La popolazione di conseguenza ha una personalità ben definita, tuttavia stranamente nella musica e precisamente quella Rock, l’Australia è generalmente un mix d’influenze che proviene da tutto il pianeta, e questo è un fatto che cozza con la loro natura or ora descritta. Il fatto mi resta sconosciuto, anche se esistono realtà importanti come AC/DC o Wolfmother per fare solo due nomi, ma se andiamo ad analizzare sono dedite a influenze sonore sia anglosassoni che americane.
Se entriamo in un settore ancor più di nicchia, come per esempio il Metal Progressive, il discorso è analogo, un nome importante è quello dei Caligula’s Horse, anche se famoso più in patria che all’estero. Anche in questo caso la musica è ottima, ma ritorno a dire che è un insieme di contaminazioni, alcuni suoni che potrete estrapolare dall’ascolto derivano da gruppi come Devin Townsend, Pain Of Salvation, Opeth, Meshuggah, Porcupine Tree, Steve Vai, Frost, Periphery, Karnivool, Muse, Steely Dan, The Beatles, e Frank Zappa. Questo mix incredibile comunque sia porta a un risultato davvero personale, anche perché i quattro ragazzi che compongono la band, ossia Jim Grey (voce), Sam Vallen (chitarra, voce), Dale Prinsse (basso, voce), e Josh Griffin (batteria), sono in possesso di una buona tecnica strumentale.
La band si forma a Brisbane nel 2011, e “Charcoal Grace” è il sesto lavoro in studio senza considerare gli EP. Il nome che si sono dati, tradotto in italiano è Il Cavallo Di Caligola, e sappiamo bene che l’antico imperatore romano fece senatore il proprio equino. Lui sicuramente un pazzo, ma il cavallo in realtà non c’entra nulla, e ciò rispecchia un poco quello che propongono nelle composizioni, ossia un velo di follia ma tenuta sotto controllo dalla razionalità delle cose.
I dieci minuti di “The World Breathes With Me” sono esplicativi su quanto detto, il brano è davvero ben strutturato, curato negli arrangiamenti, cantato a dovere e soprattutto suonato alla perfezione. Il fans del genere sicuramente apprezzerà oltremodo, ma anche chi ascolta i Porcupine Tree troverà analogie con la band di Wilson. L’incisione sonora è pulita, tanto da distinguere perfettamente le strumentazioni e dona loro anche differenti profondità. A chi non ama le distorsioni eccessive, qui posso assicurargli di buttarci un orecchio, non sono troppo invasive, viceversa numerosi sono i cambi di tempo e d’umore, in parole povere più Prog che Metal.
Soen style risulta “Golem”, maggiormente diretta di chi l’ha preceduta, ma mai scontata. Segue una suite suddivisa in quattro parti, “Charcoal Grace”, da fare ascoltare a chi non conosce minimamente il significato di Metal Progressive. L’inizio alla Neal Morse Band lascia campo a un insieme di sonorità a tratti anche distanti fra di loro, per un insieme mai noioso tanto da far sembrare venti minuti abbondanti di musica quasi cinque.
Non manca neppure un lento dalla facile presa, costruito su un buon gioco di voci, questo s’intitola “Sails”. Sofisticata “The Stormchaser”, mentre la conclusiva “Mute” mette in chiaro chi comanda oggi il Progressive Metal in Australia.
“Charcoal Grace” è un disco eccellente, un esempio di cultura totale nel settore musicale riversato in note. Da avere. MS

Versione Inglese: 

CALIGULA'S HORSE - Charcoal Grace
Inside Out
Genre: Progressive Metal
Support: CD / Vinyl - 2024

Australia is a very peculiar country as far as nature is concerned, the detachment from the primordial Pangaea has led it to be rich in animal variety with completely unique vegetations. Well knows who takes the plane to reach the continent what happens at the airport in baggage control, nothing must contaminate this land, the ecosystem is safeguarded to the maximum. The population as a result has a well-defined personality, however strangely in music and precisely Rock music, Australia is generally a mix of influences that comes from all over the planet, and this is a fact that clashes with their nature now described. The fact remains unknown to me, although there are important realities such as AC/DC or Wolfmother to name just two, but if we go to analyze they are devoted to both Anglo-Saxon and American sound influences.
If we go into an even more niche area, such as Progressive Metal for example, the discourse is similar, an important name being Caligula's Horse, although famous more at home than abroad. Again, the music is excellent, but I return to say that it is a mixture of contaminations, some of the sounds you can extrapolate from listening to it are derived from bands such as Devin Townsend, Pain Of Salvation, Opeth, Meshuggah, Porcupine Tree, Steve Vai, Frost, Periphery, Karnivool, Muse, Steely Dan, The Beatles, and Frank Zappa.
This incredible mix however it may be leads to a truly personal result, not least because the four guys who make up the band, namely Jim Grey (vocals), Sam Vallen (guitar, vocals), Dale Prinsse (bass, vocals), and Josh Griffin (drums), possess good instrumental technique.
The band formed in Brisbane in 2011, and "Charcoal Grace" is their sixth studio work not including EPs. The name they have given themselves, translated into Italian is Il Cavallo Di Caligola, and we know well that the ancient Roman emperor made his own equine senator. He certainly a madman, but the horse actually has nothing to do with it, and this reflects a little of what they propose in the compositions, which is a veil of madness but kept in check by the rationality of things.
The ten minutes of  "The World Breathes With Me" are explanatory on what has been said, the song is really well structured, cared for in the arrangements, sung properly and above all played to perfection. Fans of the genre will surely appreciate it beyond measure, but even those who listen to Porcupine Tree will find similarities with Wilson's band. The sound recording is clean enough to distinguish the instrumentations perfectly and also gives them different depths. To those who do not like excessive distortion, here I can assure them to throw an ear to it, they are not too invasive, conversely numerous are the tempo and mood changes, in simple words more Prog than Metal.
Soen style turns out "Golem", more direct than its predecessors, but never predictable. This is followed by a four-part suite, "Charcoal Grace," which should be given a listen by those who are completely unfamiliar with the meaning of Progressive Metal. The Neal Morse Band-esque beginning gives way to a set of sounds that are at times even distant from each other, making for an ensemble that is never boring enough to make twenty-plus minutes of music seem almost five.
There is also no shortage of an easy-grip slow song built on good vocal playing, this one titled "Sails". Sophisticated "The Stormchaser", while the concluding "Mute" makes it clear who is in charge of Progressive Metal in Australia today.
"Charcoal Grace" is an excellent record, an example of total culture in the music industry poured into notes. Must have. MS

 

 

Viima

VIIMA - Väistyy Mielen Yö
Autoproduzione
Genere: Prog Folk
Supporto: cd – digital – 2024

Ho sempre nutrito stima nei confronti del Rock Progressivo proveniente dai paesi nordici, anche della Finlandia, questo perché lo stile è ben definito, generalmente supportato da numerose tastiere e tanti anni ’70, il tutto amalgamato dall’inconfondibile suono velato di malinconia prettamente relegato alla loro cultura. Facile innamorarsi dei numerosissimi cambi di tempo e d’umore che trapelano da ogni brano, L’ho apprezzato in band come Tasavallan Presidentti, Kalevala, Pharaoh Overlord, Wigwam, Orne, Overhead, solo per fare alcuni nomi importanti e fra loro ci metto anche i Viima.
La band di Helsinki, poi trasferitasi a Turku nel 1997, ha nel proprio DNA il Folk, e iniziano a suonare brani di band come Pentangle, Curved Air, ma soprattutto Jethro Tull, tanto da prendere il nome iniziale di Lost Spectacles, estrapolato dalla famosa canzone "The Hare Who Los His Spectacles" dall'album “A Passion Play”. Come moltissimi artisti, iniziano a provare negli scantinati e altresì vanno incontro a numerosi cambi di formazione. Rilasciano nel tempo due album apprezzati dalla critica di settore, “Ajatuksia Maailman Laidalta” (Viima Records – 2006) e “Kahden Kuun Sirpit” (Viima Records – 2009), a seguire un gran numero di date live. Passano moltissimi anni prima di poterli riascoltare in un lavoro da studio con nuovi elementi, finalmente questo accade oggi grazie a “Väistyy Mielen Yö”. Ora la band è formata da Hannu Hiltula (flauto, tastiere, voce), Mikko Uusi-Oukari (chitarre, Mellotron), Mikko Väärälä (batteria, voce, tastiere, carillon), Aapo Honkanen (basso) e Risto Pahlama (voce, tastiere Mellotron) e vede la collaborazione dell’ospite ex del gruppo Kimmo Lähteenmäki (tastiere, fiati).
Chi ama il Mellotron qui ha di che ascoltare, ma anche Hammond e molto altro ancora. L’inizio affidato a “Tyttö Trapetsilla”, ha molto dello stile Landberk, la differenza tuttavia deriva dal flauto. Il Folk è già presente ma anche sonorità maggiormente Rock alternate a fasi stranamente allegre oltre ad un vigoroso assolo di chitarra elettrica. Con quasi cinque minuti di musica questo è il brano più breve dell’album, così a seguire giunge la mini suite di diciannove minuti “Äiti Maan Lapset”, suntuoso esempio di Progressive Rock totale, dove ogni ingrediente tocca sia la storia del tempo che fu, sia idee più moderne. Una vera e propria gemma sonora da apprezzare come un buon bicchiere di vino invecchiato. L’Hammond ruggisce, l’energia sprigionata è coinvolgente, così ammalianti i passaggi più pacati, specialmente quelli descritti con linee di basso calorose. Quello che vado a sottolineare è il cantato in lingua madre, probabilmente non congeniale a molti dei nostri ascoltatori, eppure tutto si sposa alla perfezione, per me così deve essere, il fascino è dunque elevato all’ennesima potenza.
Basta poco per restare conquistati dalle dolci arie di “Pitkät Jäähyväiset”, gli anni ’70 si palesano durante l’ascolto per una sensazione di appagamento totale, anche durante l’intervento della chitarra elettrica che tenta di dare maggiore mordente al brano grazie a un riff al limite dell’Hard Prog, le tastiere completano il concetto. “Perhonen” a sua volta richiama altrettante vicissitudini, i Viima cavalcano sopra arie ben definite e collaudate. La chiusura spetta a “Vuoren Rauha”, sette minuti abbondanti di storia del genere aperte da un soffio di vento che immerge l’ascoltatore in ambienti gelidi in cui solo il suono di un pianoforte riesce a scaldare l’anima.
“Väistyy Mielen Yö” a mio avviso è un ritorno maturo che riporta la band nel giusto collocamento che gli spetta, quello delle band nordiche più importanti del settore. MS

Versione Inglese:

VIIMA - Väistyy Mielen Yö
Self-production
Genre: Prog Folk
Support: cd - digital - 2024

I have always held Progressive Rock from the Nordic countries, even Finland, in high esteem, this is because the style is well-defined, generally supported by numerous keyboards and lots of 70s, all amalgamated by the unmistakable sound veiled in melancholy purely relegated to their culture. Easy to fall in love with the numerous tempo and mood shifts that seep out of each song, I have appreciated it in bands like Tasavallan Presidentti, Kalevala, Pharaoh Overlord, Wigwam, Orne, Overhead, just to name a few important names, and among them I put Viima.
The band from Helsinki, which later moved to Turku in 1997, has Folk in its DNA, and they start playing songs from bands like Pentangle, Curved Air, but especially Jethro Tull, so much so that they take the initial name Lost Spectacles, extrapolated from the famous song "The Hare Who Los His Spectacles" from the album "A Passion Play". Like so many artists, they begin rehearsing in basements and likewise go through numerous lineup changes. They release in time two critically acclaimed albums, "Ajatuksia Maailman Laidalta" (Viima Records - 2006) and "Kahden Kuun Sirpit" (Viima Records - 2009), followed by a large number of live dates.
Many, many years pass before we get to hear them again in a studio work with new elements, finally this happens today thanks to "Väistyy Mielen Yö". Now the band is made up of Hannu Hiltula (flute, keyboards, vocals), Mikko Uusi-Oukari (guitars, Mellotron), Mikko Väärälä (drums, vocals, keyboards, music box), Aapo Honkanen (bass) and Risto Pahlama (vocals, Mellotron keyboards) and features former band guest Kimmo Lähteenmäki (keyboards, woodwinds).
Those who like Mellotron here have plenty to listen to, but also Hammond and more. The beginning entrusted to "Tyttö Trapetsilla", has much of the Landberk style, the difference however comes from the flute. Folk is already present but also more Rock sounds alternating with strangely upbeat phases as well as a vigorous electric guitar solo. With almost five minutes of music this is the shortest track on the album, so next comes the nineteen-minute mini-suite "Äiti Maan Lapset", a sumptuous example of total Progressive Rock, where every ingredient touches on both the history of the time that was and more modern ideas. A true sonic gem to be enjoyed like a fine glass of aged wine.
The Hammond roars, the energy released is engaging, so bewitching are the quieter passages, especially those described with warm bass lines. What I am going to emphasize is the singing in the native language, probably not congenial to many of our listeners, yet it all fits together perfectly, for me this is how it should be, the charm is thus elevated to the nth degree.
It takes only a little to be won over by the sweet tunes of "Pitkät Jäähyväiset", the 70s come through during the listening for a feeling of total fulfillment, even during the intervention of the electric guitar that tries to give more bite to the song thanks to a riff bordering on Hard Prog, the keyboards complete the concept. "Perhonen" in turn recalls as many vicissitudes, Viima riding over well-defined and proven tunes. Closure falls to "Vuoren Rauha", seven full minutes of genre history opened by a breeze that plunges the listener into icy environments where only the sound of a piano can warm the soul.
"Väistyy Mielen Yö" in my opinion is a mature comeback that brings the band back to its rightful place, that of the top Nordic bands in the sector. MS

 

 

Tony Pagliuca

TONY PAGLIUCA – Immagin’Arie
M.P. & Records / G.T. Music Distribution
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / 1993 – 2023

Quando vedo il nome di Tony Pagliuca stampato su una copertina di un disco, ho sempre un sobbalzo al cuore. Crescere con la musica delle Orme per me è stato formativo, ha saputo smussare angoli non ben definiti nel mio grezzo modo giovanile di vivere il Rock, proprio come una lima. Le tastiere nelle sue mani sono altresì un faro che ha successivamente illuminato anche il sentiero del Progressive Rock italiano negli anni ‘70, assieme a quelle di Patrizio Fariselli (Area), Vittorio e Gianni Nocenzi (Banco Del Mutuo Soccorso) e di Fabio Premoli (Premiata Forneria Marconi).
Dopo capolavori storici concepiti ed eseguiti con la sua band lagunare, Pagliuca negli anni ’90 sente il bisogno d’intraprendere la carriera solista, così successivamente l’abbandono, registra “Io Chiedo” (Philips) nel 1990. Tre anni dopo è la volta di questo “Immagin’Arie”, oggi rimasterizzato e impreziosito con tre brani inediti dalla Micio Poldo Records. Fra essi “Ritratto Di Un Mattino” tratto dal capolavoro “Felona E Sorona” qui rivisitato proprio per il cinquantenario, ma andiamo con ordine senza anticipare molto.
L’amore per la musica è anche quello per l’immagine, le due muse quando si fondono assieme diventano uno tsunami di emozioni che coronano i sensi di chi sa valutare attentamente l’opera corale. Ascoltare, non sentire distrattamente, è la chiave per entrare nel mondo dell’artista che spesso per raggiungere certi risultati, mette a nudo la propria anima. Letto così sembra un fattore scontato, in realtà non lo è perché fare musica ha più significati, c’è chi la compone per piacere agli altri, e chi semplicemente per se stessi. Vibrare con l’artista lasciandosi trasportare dal suono è lo scopo dell’ascolto, il piacere… L’estraniarsi anche solo per un istante dal mondo.
“Immagin’Arie” è nomen omen, la copertina del disco è differente da quella edita nel 1993, qui è illustrata con un dipinto dal titolo “Blossom” dell’artista inglese Phil Greenwood. All’interno risiedono diverse foto che sanno accompagnare al meglio la musica di Pagliuca, la campagna avvolta nella nebbia con due alberi come soggetti principali fotografata da Silvio Fioravanti, un soffitto arcaico di Alessandro Malinverni, e il blu di base in cui un soffione lascia partire le proprie spore trasformatesi leggiadramente in note, oltre a quello del cielo e del mare di Carmine Capuano.
I brani sono diciassette comprese le bonus tracks, tutti piccoli affreschi di due minuti circa, perché per esprimere un concetto basta essere semplici e diretti, sembra quasi che Pagliuca nei primi anni ’90 voglia prendere le distanze dalla musica Prog logorroica.
La dolce nenia di “Zante” con arrangiamenti elettronici, lancia l’ascolto nel mondo colorato di Pagliuca, vi chiederete se ci sono ancora riferimenti alla band madre, ciò in qualche maniera è inevitabile, la cura per le melodie gradevoli è innata in lui. Cambia leggermente il registro “Tim Pan”, composizione calda dalle influenze sia etniche sia psichedeliche, grazie all’uso di coralità e di una ritmica incessante. Gentilezza rassicurante fra le note di “Vis De Priimaveri”, cantata dalla soave voce da Mirela Zorici, qui fanno capolino gli anni ’80 e non soltanto per le sonorità. La musica di Pagliuca alterna ricerca a folclore con l’intento di restare incastonata nella memoria, come nel caso di “To Mr. Kubrick”. Uno dei pezzi più belli dell’intero album s’intitola “Earth’s Angels” ed è anche il più lungo grazie ai quattro minuti di durata. Qui la chitarra acustica di Ruggero Robin fa il canovaccio melodico con sapienza e tecnica. Gocce sonore rappresentano al meglio il titolo del giocoso brano “Stagno”, tanto quasi da sentirsi schizzati dall’acqua stessa. S’incontrano molte coccole sonore fra i numerosi movimenti, una è “Getsemani”, e quando mi riferivo di mettere a nudo l’anima, qui ne abbiamo un palese esempio. Con “Sentidentro” immaginate un sonetto antico messo in chiave moderna dove le pause sono importanti quanto la musica. Carta vincente di quest’album è proprio la cura per certi arrangiamenti seppur relegati ad un andamento minimale. Altra ricerca scaturisce da “Total Recal” con strumenti che s’inseriscono ad ogni giro sonoro su un ritmo di base semplice per culminare in un tripudio di suoni.
Impossibile non restare ammaliati dalla solarità di “Sweet”, ma il mondo di Tony spazia anche in altre nazioni, “Parfum De Rio” dove con grazia ripercorre certe sonorità tipiche dei carioca, il tutto sempre sotto il controllo della sua forte personalità capace di rendere un pezzo perfettamente riconducibile all’autore. Le tastiere diventano solenni in “Gardzen”, successivamente è la chitarra acustica a ritornare in cattedra con la dolcissima “Double Moon”, malinconicamente straziante. Solo questo brano vale l’acquisto dell’album.
Il cd si conclude con “Garden In The Groove” per poi lasciare spazio alle tre gustose bonus tracks, “Ritratto Di Un Mattino” semplicemente da brivido, “Ninna Nanna Germano” composizione inedita del compianto amico ed ex Orme Germano Serafin, e “Ciao Taty Come Stai”, canzone d’amore dedicata a sua moglie Tatiana dove Tony finalmente si cimenta alla voce.
Concludendo, “Immagin’Arie” è un disco amichevole, benefico, rilassante, arioso, gentile e premuroso nei nostri confronti, tutto questo ovviamente per chi lo sa comprendere, perché non tutti vibriamo nella stessa maniera. Provateci. MS 

Versione inglese:

TONY PAGLIUCA - Imagin'Arie
M.P. & Records / G.T. Music Distribution
Genre: Progressive Rock
Support: cd / 1993 - 2023

When I see Tony Pagliuca's name printed on a record cover, I always have a jolt to my heart. Growing up with Orme's music for me was formative, he was able to smooth out undefined corners in my rough youthful way of experiencing Rock, just like a file. The keyboards in his hands are also a beacon that later illuminated the path of Italian Progressive Rock in the 1970s, along with those of Patrizio Fariselli (Area), Vittorio and Gianni Nocenzi (Banco Del Mutuo Soccorso) and Fabio Premoli (Premiata Forneria Marconi).
After historic masterpieces conceived and performed with his lagoon band, Pagliuca in the 1990s felt the need to pursue a solo career, so subsequent to his abandonment, he recorded "Io Chiedo" (Philips) in 1990. Three years later it was the turn of this "Immagin'Arie", now remastered and embellished with three unreleased tracks by Micio Poldo Records. Among them "Ritratto Di Un Mattino" taken from the masterpiece "Felona E Sorona" revisited here just for the 50th anniversary, but let's go in order without anticipating much.
The love of music is also the love of image, the two muses when blended together become a tsunami of emotions that crown the senses of those who can carefully evaluate the choral work. Listening, not distractedly hearing, is the key to entering the world of the artist who often bares his or her soul to achieve certain results. Read this way it seems like an obvious factor, actually it is not because making music has multiple meanings, there are those who compose it to please others, and those who simply for themselves. Vibrating with the artist by letting the sound transport you is the purpose of listening, the pleasure... The estrangement even for a moment from the world.
"Immagin'Arie" is nomen omen, the album cover is different from the one published in 1993, here it is illustrated with a painting entitled "Blossom" by British artist Phil Greenwood. Inside reside several photos that best know how to accompany Pagliuca's music, the fog-shrouded countryside with two trees as the main subjects photographed by Silvio Fioravanti, an archaic ceiling by Alessandro Malinverni, and the basic blue in which a dandelion lets off its spores gracefully transformed into notes, as well as that of the sky and sea by Carmine Capuano.
There are seventeen tracks including bonus tracks, all small frescos of about two minutes, because to express a concept it is enough to be simple and direct, it almost seems that Pagliuca in the early 90s wants to distance himself from logorrheic Prog music.
The sweet dirge of "Zante" with electronic arrangements, launches the listener into Pagliuca's colorful world, you may wonder if there are still references to the mother band, this somehow is inevitable, the care for pleasant melodies is innate in him. Slightly changing the register is "Tim Pan," a warm composition with both ethnic and psychedelic influences, thanks to the use of chorality and a relentless rhythm. Reassuring gentleness among the notes of "Vis De Priimaveri", sung by the suave voice of Mirela Zorzi, peeps from the 1980s here, and not only because of the sounds. Pagliuca's music alternates between research and folklore with the intent to stick in the memory, as in the case of "To Mr. Kubrick". One of the most beautiful pieces on the entire album is titled "Earth's Angels" and is also the longest thanks to its four-minute running time.
Here Ruggero Robin's acoustic guitar does the melodic canvas with skill and technique. Sound drops best represent the title of the playful track "Stagno", so much so that one almost feels splashed by the water itself. One encounters many sonic cuddles among the many movements, one being "Getsemani", and when I referred to laying bare the soul, here we have a blatant example. With "Sentidentro" imagine an ancient sonnet put in a modern key where the pauses are as important as the music. The trump card of this album is precisely the care for certain arrangements albeit relegated to a minimalist trend. More research flows from "Total Recal" with instruments that insert themselves at every sonic turn over a simple basic rhythm to culminate in a riot of sound.
Impossible not to be charmed by the sunshine of "Sweet", but Tony's world also ranges to other countries, "Parfum De Rio" where he gracefully retraces certain sounds typical of the cariocas, all always under the control of his strong personality capable of making a piece perfectly relatable to the author. The keyboards become solemn in "Gardzen", later it is the acoustic guitar that returns to the chair with the very sweet "Double Moon", melancholically heartbreaking. This track alone is worth the purchase of the album.
The CD concludes with "Garden In The Groove" and then leaves room for the three tasty bonus tracks, "Ritratto Di Un Mattino" simply spine-tingling, "Ninna Nanna Germano" an unreleased composition by the late friend and former Orme Germano Serafin, and "Ciao Taty Come Stai", a love song dedicated to his wife Tatiana where Tony finally tries his hand at vocals.
In conclusion, "Immagin'Arie” is a friendly, soothing, relaxing, airy, kind and caring record towards us, all this of course for those who can understand it, because we do not all vibrate in the same way. Give it a try. MS

Martian Noise

MARTIAN NOISE - Frequency Of Humanity
Velut Luna
Genere: Crossover Prog
Supporto: cd / Digital – 2024

Ora vi pongo subito una domanda: esistono secondo voi nel 2024 in Italia dei giovanissimi che hanno talento, tecnica, che amano il Rock Progressivo dei tempi gloriosi, compongono musica solo strumentale, e registrano in analogico senza l’apporto d’interventi al computer? Se la risposta è si, è perché avete avuto modo di ascoltare i Martian Noise. Di sicuro sono come mosche bianche, posso dire che imbattermi in progetti simili mi è accaduto davvero raramente.
I Martian Noise sono due fratelli, Gabriele di diciannove anni (tastiere) e Niccolò Lucchin di diciassette (batteria). Con loro fa presenza in alcuni brani anche lo zio Daniele Lucchin alla chitarra e basso.
Quando si hanno punti di riferimento riguardanti mostri sacri come Emerson Lake & Palmer, Yes, Genesis, Rick Wakeman, Pink Floyd, Alan Parsons Project e altri del genere, non si può che essere in possesso della suddetta buona tecnica strumentale, ma la carta vincente che andiamo a scoprire in questo esordio discografico intitolato “Frequency Of Humanity”, è l’intelligenza compositiva nel bilanciare a dovere il passato con il presente, attraverso una personalità già evidente. Il tutto in barba alla giovane età.
Sia il titolo dell’album che la copertina per opera di L’Image, mettono in chiaro la non volontà di associare la propria musica a diavolerie moderne, la frequenza è solo in mano all’umanità e questo lo iniziamo a capire sin dall’immancabile, seppur breve, “Prelude”. 
Si entra in gioco con “Infra”, pezzo che si aggira su un movimento di tastiere a tratti ipnotico altresì variegato.
Il disco prosegue in crescendo emotivo, “Boring Aftermoon” ha una struttura maggiormente jazzistica, grazie ad un inizio fusion per poi aprirsi su atmosfere delicate di pianoforte. La ricerca di melodie adatte a un ascolto rilassante è un’arma a mio modo di vedere vincente, questo accade anche in “Omniarch”, arrangiata anche con interventi elettronici. La musica dei Martian Noise non fa mai la voce grossa, anche nei frangenti più ritmati, a tratti si appoggia anche su passaggi classici come nel caso di “Hanging Garden”, qui si possono assaporare bene anche gli anni ‘60/’70. Il lato Progressive fuoriesce in “Apnea”, dove giri di tastiere richiamano alcuni spaccati passati di EL&P. L’Hammond dona al tutto un fascino innegabile. Un inizio alla Gentle Giant presenta “Weird Flavour”, un brano comunque semplice dove, ancora una volta, i giusti suoni catturano l’interesse dell’ascoltatore. Fra le mie preferite metto le conclusive “Walk On” e “Broken Flower”, quest’ultima è anche la più lunga dell’album con i suoi quasi sette minuti di durata.
“Frequency Of Humanity” è un debutto quasi in punta di piedi, la musica proposta sembra non voler mai aggredire l’ascoltatore, piuttosto coccolarlo con le sue note a pastello che disegnano quadri delicati. Sicuramente segno la band nel mio taccuino come un progetto da seguire nel tempo, sono certo che gli sviluppi saranno interessanti vista anche l’età dei componenti. Qui abbiamo ascoltato le loro basi, ora non ci resta che attendere le costruzioni su di esse. MS

Versione inglese:

MARTIAN NOISE - Frequency Of Humanity
Velut Luna
Genre: Crossover Prog
Support: cd / Digital - 2024

Now I ask you a question right away: do you think that in 2024 in Italy there are very young people who have talent, technique, who love Progressive Rock of the glorious times, compose only instrumental music, and record in analog without the contribution of computer interventions? If the answer is yes, it is because you have had a chance to listen to Martian Noise. They certainly are like white flies; I can say that coming across similar projects has happened to me very rarely.
Martian Noise are two brothers, nineteen-year-old Gabriele (keyboards) and seventeen-year-old Niccolò Lucchin (drums). Also making a presence with them on some tracks is Uncle Daniele Lucchin on guitar and bass.
When you have reference points concerning sacred monsters such as Emerson Lake & Palmer, Yes, Genesis, Rick Wakeman, Pink Floyd, Alan Parsons Project and others of the genre, you can only be in possession of the aforementioned good instrumental technique, but the trump card that we are going to discover in this debut record entitled "Frequency Of Humanity", is the compositional intelligence in properly balancing the past with the present, through a personality already evident. All in spite of their young age.
Both the title of the album and the cover artwork by L'Image make it clear that they do not wish to associate their music with modern deviltry; the frequency is only in the hands of humanity, and we begin to understand this right from the unfailingly short "Prelude." 
It comes into play with "Infra", a piece that wanders over a keyboard movement that is at times hypnotic as well as varied.
The album continues in emotional crescendo, "Boring Aftermoon" has a more jazzy structure, thanks to a fusion beginning and then opening up to delicate piano atmospheres. The search for melodies suitable for relaxing listening is a winning weapon in my opinion, this also happens in "Omniarch", also arranged with electronic interventions. Martian Noise's music never sounds loud, even in the more rhythmic bangs, at times it also leans on classical passages as in the case of "Hanging Garden," here one can also savor the '60s/'70s well. The Progressive side comes out in "Apnea," where turns of keyboards recall some past EL&P cutaways. The Hammond gives the whole thing an undeniable charm.
A Gentle Giant-like beginning introduces "Weird Flavour", an otherwise simple track where, once again, the right sounds capture the listener's interest. Among my favorites I place the concluding "Walk On" and "Broken Flower", the latter of which is also the longest on the album at nearly seven minutes long.
"Frequency Of Humanity" is an almost tiptoeing debut, the music on offer never seems to want to assault the listener, rather cuddling him or her with its pastel notes that draw delicate pictures. I definitely mark the band in my notebook as a project to follow over time, I am sure that developments will be interesting given also the age of the members. Here we have listened to their basics, now we just have to wait for the constructions on them. MS

Roxenne

ROXENNE – Pyroxene
Autoproduzione / XO La Factory / Peyote Press
Genere: Psichedelico – Acid Rock
Supporto: Digital EP – 2023

La musica è un fattore mentale, anche se sappiamo bene che il cuore ha una rilevanza fondamentale. Essa può essere sia una valvola di sfogo sia un linguaggio per poter comunicare sensazioni dove le parole molto spesso non giungono perché impossibilitate nello scopo. Quando anche l’ascoltatore prova in ugual maniera ciò che sta comunicando l’artista, allora siamo dentro una forma superiore che amiamo definire “arte”.
La musica per la mente è notoriamente la Psichedelia, (dal greco psyché, "anima" e dēlô, "rivelo"), nata sotto lo stimolo di droghe acide come per esempio l’LSD nella metà degli anni ’60. Musica visionaria, introspettiva, dalle mille sfaccettature, fra i nomi più importanti a iniziare questo percorso ci sono i Beatles, Pink Floyd, Doors, Grateful Dead e molte altre ancora. Il genere giunge ai giorni nostri senza mai avere avuto un vero e proprio calo d’interesse, stabilizzato sempre nelle vendite dai suoi affezionati seguaci. Anche l’Italia ha dimostrato attenzione al riguardo, e nuove leve nascono continuamente, come nel caso della cantante e polistrumentista parmense Rebecca Magri, in arte Roxenne.
“Pyroxene” è l’EP di debutto, ma l’artista non è di certo nuova nel campo musicale perché negli anni ha già effettuato collaborazioni importanti come con Boris Williams (The Cure), Jem Tayle (Shelleyan Orphan), Cristiano Godano (Marlene Kuntz), Roberto Dellera (Afterhours, The Winstons), Tin Woodman ed esperienze in band come AyahuascA, Kaptain Preemo, Hapnea e Upupayāma.
Roxenne suona batteria e tastiere, oltre ad essere la voce dei brani, con lei ci sono anche Mattia Mazzeo alle chitarre e Marco Mainardi al basso.
L’EP “Pyroxene” contiene cinque brani in cui addentrarsi in un viaggio cosmico dove l’artista esorcizza i propri demoni attraverso questa musica per la mente. “      Chimismo” introduce all’ascolto, la musica pacata ha solide basi nell’Acid Rock di gruppi come Black Rebel Motorcycle Club, Black Angels e Tame Impala. Bella la voce, così l’interpretazione sensuale.
“Pyroxene” è il titolo del secondo brano adoperato anche come singolo di cui potete apprezzare anche il video di Andrea Alberici e Thea Ambrosini sia qui nel blog che su You Tube. Un astronave in collisione con dei meteoriti porta Roxenne a un atterraggio d’emergenza, dove da sola in un territorio ostile, sarà costretta a compiere una scelta. Questa è anche metafora della propria vita.
“Supreme Soft Porn Meditation For Young Space Soldiers” alza il ritmo e gioca con la doppia vocalità. Da sottolineare all’interno le buone melodie facili da memorizzare.
Il brano che personalmente ho più apprezzato per mio gusto personale è “Savoir-faire”, ruffiano al punto giusto, qui Roxenne si sfrega all’udito come una gatta sorniona, ed è un bell’ascoltare!
La chiusura spetta a “Selvatica”, intrisa di Rock in stile Litfiba.
Roxenne è all’esordio, ma sa bene dove parare, la sua musica è coinvolgente e penetra dentro l’ascoltatore esplodendo frammenti fra cuore e testa. Non ci resta che attendere la prova del full-length. MS     

Versione Inglese:

ROXENNE - Pyroxene
Self-Production / XO La Factory / Peyote Press
Genre: Psychedelic - Acid Rock
Support: Digital EP - 2023

Music is a mental factor, although we know well that the heart is of paramount importance. It can be both an outlet and a language to be able to communicate feelings where words very often do not reach because they are impossible in purpose. When the listener also feels equally what the artist is communicating, then we are inside a higher form that we like to call "art."
Music for the mind is famously Psychedelia, (from the Greek psyché, "soul" and dēlô, "I reveal"), born under the stimulus of acid drugs such as LSD in the mid-1960s. Visionary, introspective, multifaceted music, among the most important names to begin this journey are the Beatles, Pink Floyd, Doors, Grateful Dead and many others. The genre reaches the present day without ever having had a real decline in interest, always stabilized in sales by its loyal followers. Italy, too, has shown attention to it, and new up-and-comers are constantly being born, as in the case of Parma-based singer and multi-instrumentalist Rebecca Magri, aka Roxenne.
"Pyroxene" is the debut EP, but the artist is certainly not new in the musical field because over the years she has already made important collaborations such as with Boris Williams (The Cure), Jem Tayle (Shelleyan Orphan), Cristiano Godano (Marlene Kuntz), Roberto Dellera (Afterhours, The Winstons), Tin Woodman and experiences in bands such as AyahuascA, Kaptain Preemo, Hapnea and Upupayāma.
Roxenne plays drums and keyboards, as well as being the vocalist for the songs; with her are also Mattia Mazzeo on guitars and Marco Mainardi on bass.
The "Pyroxene" EP contains five tracks in which to delve into a cosmic journey where the artist exorcises her own demons through this music for the mind. " Chimismo" introduces to the listening, the calm music has solid foundations in the Acid Rock of bands like Black Rebel Motorcycle Club, Black Angels and Tame Impala. Beautiful vocals, so is the sensual interpretation.
"Pyroxene" is the title of the second track also used as a single of which you can also appreciate the video by Andrea Alberici and Thea Ambrosini both here in the blog and on You Tube.
A spaceship colliding with meteorites leads Roxenne to an emergency landing, where alone in hostile territory, she will be forced to make a choice. This is also a metaphor for her own life.
"Supreme Soft Porn Meditation For Young Space Soldiers" ups the tempo and plays with dual vocals. Of note inside are the good melodies that are easy to memorize.
The track I personally enjoyed the most for my personal taste is "Savoir-faire", pandering to the right degree, here Roxenne rubs at the ear like a sly cat, and it's a good listen!
Closing is up to "Selvatica", steeped in Litfiba-style rock.
Roxenne is on her debut, but she knows where to aim, her music is engaging and penetrates inside the listener exploding fragments between heart and head. We just have to wait for the full-length test. MS