Scummbar

SCUMMBAR – Happening Tales
GogogomaCH5 Studio
Genere: Folk Rock / Metal
Supporto: You Tube / Spotify / Amazon Music - 2024

Non dimentichiamoci mai che la musica di base è divertimento, che poi se ne possano fare usi differenti a proprio piacimento è fuori ogni dubbio.
Lo ascoltiamo generalmente in base al nostro stato d’animo, non tutti i giorni sono gli stessi, c’è il momento della tristezza, della riflessione, del gioire, del ballare etc. etc. Tuttavia questa musa nasce storicamente per il proprio diletto.
E come non usarla per addentrarsi in situazioni fantastiche se non addirittura in avventure?
Il genere Metal oppure il Folk Rock, si prestano a pieno alla riuscita di queste argomentazioni, bene lo sanno i canavesi (Torino) Scummbar.
“Happening Tales” è il loro album d’esordio, composto di dieci canzoni completamente immerso in storie piratesche.
Il progetto Scummbar nasce nel 2016 a Ivrea da un’idea del chitarrista e compositore Ivan Ovlac e dopo anni di cambi di formazione, si stabilizza oggi con Diego Zock (voce), Ivan Ovlac (chitarra e cori), Andre Clona (chitarra e banjo), Richard The Leg (basso e cori), Gae Granata (batteria), Igor Ferro, special guest occasionale, e Seve Draft anche lui special guest occasionale (fisarmonica e cori).
Così raccontano le note della bio: "Happening Tales” raccoglie le esperienze e le sfide che ognuno affronta nella propria esistenza, usando il mare e il mondo dei pirati come metafore della vita reale. I brani narrano di battaglie, tradimenti, sogni e libertà, che si riflettono nelle dinamiche quotidiane. Come quelle di un equipaggio che naviga tra tempeste e insidie, queste storie parlano di continue sfide, di resistenza di fronte all’ingiustizia e della continua ricerca di un senso, nonostante le difficoltà. L’album trasforma le avventure piratesche in riflessioni sulla vita di tutti i giorni, mostrando che, proprio come il mare, ogni esperienza è piena di imprevisti e opportunità.
"Storie che accadono" è il racconto della vita di chi non si arrende mai ed è sempre pronto ad affrontare l’ignoto con coraggio e determinazione.”.
L’inizio è affidato a “Odd Rebel”, energia pura dedicata a chi si sente fuori dagli schemi societari del momento. Il protagonista balla tutta la notte sarcasticamente per sentirsi libero, e il pezzo sposa a pieno l’intento. La fisarmonica dona un fascino assolutamente personale al tutto, immaginate i tedeschi Helloween cimentarsi con queste sonorità a cavallo fra il Metal e il Folk periodo 1700.
L’inno successivo s’intitola “Bloody Moon Saturday” e questa volta è rivolto a coloro che, in un momento di debolezza, affidano la propria voglia di riscatto alla musica. Anche qui si è al cospetto di un movimento ricco di energia coinvolgente. La prova vocale è mediamente buona, Zock è un buon pirata. Piacevole seppur breve il solo della chitarra elettrica.
Il basso apre “Pout Ass Hole”, accompagnato dalla fisarmonica. Il protagonista Pout è lo zimbello della ciurma e viene deriso fra ironia e brutalità. In questo caso la composizione è maggiormente articolata e curata nella struttura. Già si evince che il punto di forza degli Scummbar sono i ritornelli assolutamente irresistibili.
Sale il ritmo con “Killer Of Sharks”, una metafora sul comportamento di chi nella vita ti vuole tradire o sfruttare alle spalle, per questo serve un motivo energico, esorcizzante. Ma diciamoci la verità, che Metal Folk sarebbe se non si esaltasse la vita da Rocker? Ovviamente la birra è buona compagna di viaggio, e “Bring More Beer” è una bella fotografia di questo modus operandi. Simpaticissimo il frangente corale a più voci.
E poi, che pirati sarebbero se non si gettassero nella battaglia? La cadenzata “Fifty Sailorman” narra con perizia e schiettezza della fine di chi combatte, siano loro vincitori che vinti, la morte è uguale per tutti. Di nuovo la chitarra elettrica rilascia un buon assolo.
E il capitano trova pace solo nella morte, stanco e vecchio, il suo spirito naviga come un’ombra nel mare. Per raccontare questa storia subentra una bella ballata intitolata “Phantomship”.
Altro inno alla rivalsa e alla vita è “Binge For My Return”, la canzone trasuda energia e spirito di comunità, perché l’eroe fa ritorno dopo mille battaglie!
Questi personaggi ben si prestano ad analogie, come ad esempio un capitano della nave viene accostato al datore di lavoro odierno incapace e corrotto, sempre pronto a tutto pur di farsi strada, di conseguenza “Captain Yan” è l’ennesimo inno alla ribellione. Difficile restare fermi durante l’ascolto di questo brano ricco di allegria.
Come per il capitano, il pirata in senso generico viene accostato a colui che lotta quotidianamente, e la conclusiva “The Legend Of Pirates” ne è degna portavoce.
Questo album farà la gioia di chi ama ascoltare gruppi come Lou Dalfin, Bodh'aktan, Alestorm, ma anche dei sostenitori della musica popolare occitana, provenzale e mediterranea.
Non c’è che dire, non ci resta che issare le vele e salpare con gli Scummbar, ma mi raccomando… Non dimenticate la birra! MS

Versione Inglese:

SCUMMBAR - Happening Tales
GogogomaCH5 Studio
Genre: Folk Rock / Metal
Support: You Tube / Spotify / Amazon Music - 2024

Let's never forget that basic music is entertainment, whether one can then make different uses of it to one's liking is beyond doubt.
We generally listen to it according to our mood, not every day is the same, there is the time of sadness, reflection, rejoicing, dancing etc. etc. However, this muse was historically born for its own delight.
And how not to use it to delve into fantastic situations if not even adventures?
The Metal genre or Folk Rock, fully lend themselves to the success of these arguments, well know the Canavese (Turin) Scummbar.
“Happening Tales” is their debut album, consisting of ten songs completely immersed in pirate stories.
The Scummbar project was born in 2016 in Ivrea from an idea of guitarist and composer Ivan Ovlac, and after years of lineup changes, it stabilizes today with Diego Zock (vocals), Ivan Ovlac (guitar and backing vocals), Andre Clona (guitar and banjo), Richard The Leg (bass and backing vocals), Gae Granata (drums), Igor Ferro, occasional special guest, and Seve Draft also an occasional special guest (accordion and backing vocals).
This is how the bio notes tell it: “Happening Tales” collects the experiences and challenges that everyone faces in their existence, using the sea and the world of pirates as metaphors for real life. The songs tell of battles, betrayals, dreams and freedom, which are reflected in everyday dynamics. Like those of a crew navigating through storms and pitfalls, these stories are about constant challenges, endurance in the face of injustice, and the continual search for meaning despite difficulties. The album turns pirate adventures into reflections on everyday life, showing that, just like the sea, every experience is full of setbacks and opportunities.
“Stories Happening” is a tale of the life of those who never give up and are always ready to face the unknown with courage and determination.”
It begins with “Odd Rebel”, pure energy dedicated to those who feel out of the societal mold of the moment. The protagonist dances all night sarcastically to feel free, and the piece fully espouses the intent.
The accordion lends an utterly personal charm to the whole, imagine the German Helloween trying their hand at these sounds straddling the Metal and Folk 1700s period.
The next anthem is entitled “Bloody Moon Saturday,” and this time it is addressed to those who, in a moment of weakness, entrust their desire for redemption to music. Here again we are in the presence of a movement full of engaging energy. The vocal evidence is moderately good; Zock is a good pirate. Pleasant if brief is the electric guitar solo.
The bass opens “Pout Ass Hole”, accompanied by the accordion. The protagonist Pout is the laughingstock of the crew and is mocked between irony and brutality. In this case, the composition is more articulate and carefully structured. Already it is clear that Scummbar's strong point is the absolutely irresistible choruses.
The pace picks up with “Killer Of Sharks”, a metaphor about the behavior of those in life who want to betray you or exploit you behind your back, for which you need an energetic, exorcizing tune. But let's face it, what kind of Metal Folk would it be if it didn't extol the Rocker life? Of course beer is good companion, and “Bring More Beer” is a nice snapshot of this modus operandi. Very nice is the multi-voice choral juncture.
Besides, what pirates would they be if they did not throw themselves into battle? The cadenced “Fifty Sailorman” expertly and bluntly tells of the end of those who fight, whether they are victors or vanquished, death is the same for all. Again the electric guitar releases a good solo.
And the captain finds peace only in death, tired and old, his spirit sailing like a shadow in the sea. To tell this story a beautiful ballad entitled “Phantomship” takes over.
Another ode to revenge and life is “Binge For My Return”, the song exudes energy and community spirit as the hero returns after a thousand battles!
These characters lend themselves well to analogies, such as a ship's captain is juxtaposed with today's incompetent and corrupt employer, always willing to do anything to get his way, consequently “Captain Yan” is yet another hymn to rebellion. It is hard to sit still while listening to this joy-filled track.
As with the captain, the pirate in a generic sense is juxtaposed with the one who struggles daily, and the concluding “The Legend Of Pirates” is a worthy spokesman.
This album will delight those who like to listen to bands such as Lou Dalfin, Bodh'aktan, and Alestorm, as well as supporters of Occitan, Provençal, and Mediterranean folk music.
There's nothing but to say, all we have to do is hoist the sails and set sail with Scummbar, but be sure... Don't forget the beer! MS

 

Orchestra SMS

ORCHESTRA SMS - Musica Sparpagliata
Altrock Records /  Ma.Ra.Cash Records
Genere: Orchestrale - Post-Punk – Psichedelia - Rock Progressivo
Supporto: cd - 2025
 

E’ quantomeno confortante nel 2025 imbattersi in progetti profondi come quest’Orchestra SMS del maestro Stefano Giannotti. L’amore per la musica travalica nell’arte attraverso una notevole quantità di creatività realizzata a più mani.
"Musica Sparpagliata", è il punto d’arrivo di un progetto didattico iniziato dieci anni fa, presso la Scuola di Musica Sinfonia di Lucca, ma prima di addentrarci nel lavoro in questione, vado a presentarvi Stefano Giannotti.
Compositore, autore, chitarrista e performer, si è diplomato in composizione con Pietro Rigacci ed è stato assistente di Alvin Curran in “Crystal Psalms” e “Tufo Muto”. Nel 2004 incide l’album “Il Tempo Cambia” che riceve due nominations (Grimme Online Award e Prix Europa), e ottiene la menzione speciale della giuria al Prix Italia. Dal 2001 tiene corsi di formazione sulla storia del repertorio musicale sperimentale del 900, mentre nel 2010 fonda la band Oteme (Osservatorio Delle Terre Emerse) un ensemble misto che interpreta le sue canzoni e brani da camera. Poi una serie interminabile di collaborazioni e apparizioni radio e tv. Se siete maggiormente curiosi di approfondire l’argomento, vi rimando al suo sito ufficiale https://stefanogiannotti.com/ .
L'orchestra SMS si tratta di un ensemble misto che include fiati, archi, chitarre, arpa, tastiere e voci. Il repertorio spazia in un’ampia gamma di generi, tra cui Post Punk, musica Psichedelica, Rock Progressivo, composizioni barocche e rinascimentali, con occasionali incursioni nella musica sperimentale contemporanea.
L’ensemble è composto da Eva Bartolucci, Xhensila Leka (flauti), Domenico Piegaia (clarinetto, clarinetto basso), Tommaso Barattini (clarinetto), Riccardo Santabarbara (violino), Giada Del Grande (voce), Elisa Cheng (chitarra elettrica, voce), Gabriele Stefani, Franco Cheng, Nicolò Paganucci (chitarre, voci), Jacopo Di Grazia (chitarra, banjo, voce), Enrico Giuntini, Francesca Pezzuti (piano, clavicembalo, tastiere, voci), Sofia Paterni (arpa), Duccio Nieri (basso), Edgar Gomez (batteria, voce), Matteo Lucchesi (percussioni), e Stefano Giannotti (direzione e arrangiamenti).
Le cover trattate assumono nuova linfa vitale, chi acquisisce in freschezza, chi in fantasia, di certo il lavoro didattico che risiede alle spalle del progetto è quantomeno elaborato e approfondito.
“Sea Song” di Robert Wyatt (Soft Machine e Matching Mole), tratto dall’album “Rock Bottom” del 1974, è una riflessione sulla fragilità dell’esistenza. E’ un’amara considerazione attraverso analogie sul suo stato fisico, cambiato dopo la caduta da un balcone durante una festa che l’ha legato per il resto della vita su una sedia a rotelle. Il pezzo necessariamente malinconico, qui mantiene lo stato primordiale e viene reso speciale dalla bella voce di Giada Del Grande. Il clarinetto di Domenico Piegaia è buon compagno di viaggio.
Il secondo brano rivisitato è quello di LucioBattisti/Pasquale Panella “La Metro Eccetera”, la scelta di dare voce a un pezzo di certo non semplice e meno noto del repertorio del grande cantautore, fa intendere la volontà di ricercare e non cadere nell’ovvio. L’Orchestra SMS qui quasi al gran completo, si cimenta in una prova curata nei particolari dove la mano di Giannotti è fortemente presente.
 
Il mondo della Psichedelia è analizzato attraverso “Venus In Furs” dei storici The Velvet Underground, la band che vede fra i componenti un certo Lou Reed. Gli interpreti sono Jacopo Di Grazia e Francesca Pezzuti, bravi a mantenere la cadenza giusta del tono vocale. Interessanti gli interventi di flauto e violino.
“Water” è un pezzo improvvisato d’avanguardia datato 1970 dei Third Ear Band, di certo un banco di prova importante che mette nuovamente in luce la volontà di sperimentare. Una colonna sonora per spaziare con la mente con l’ausilio di rumoristica a corredo.
L’Orchestra SMS alza l’asticella attraverso “Some Guys” dei Tuxedomoon, una delle formazioni più originali e meno Rock della New Wave. Le radici fondate nella danza e nel teatro futuristico, mettono in evidenza la difficoltà in cui i componenti vanno a cimentarsi.
Un salto nel mondo del Rock Progressive italiano degli anni ’70 è effettuato tramite “Molecole”, scritto da Lavezzi e Mogol. Il pezzo ha fatto parte della discografia de Il Volo e successivamente interpretato anche da Bruno Lauzi. Le atmosfere si fanno pacate, eteree, accompagnate dalla bella interpretazione di Enrico Giuntini. Gli arrangiamenti vocali sono quantomeno indovinati, così l’accompagnamento strumentale che personalizza il brano.
Il Post Punk viene analizzato da “Choci Loni” della band gallese The Young Marble Giants, e il 1980 assume nuova veste attraverso questa riedizione quantomeno fresca e indovinata. La delicatezza vocale di Elisa Cheng è valore aggiunto.
A questo punto del viaggio l’Orchestra SMS affronta un colosso come “Sysyphus Parts 1 – 4” del tastierista dei Pink Floyd, Rick Wright. Qui mettono sul banco tutte le loro carte a disposizione, tramutando il pezzo in una vera e propria opera strumentale. Un altro gigante affrontato porta il nome di Franco Battiato, e come per Lucio Battisti, non viene preso in esame un brano noto, bensì uno ricercato e raffinato, “Il Re Del Mondo” tratto dal 45 giri del 1985 “No Time No Space/Il Re Del Mondo” scritto con il maestro Giusto Pio. Duccio Nieri canta con rispetto dell’originale, mentre l’arrangiamento apporta leggerezza all’insieme.
Ritorna Lucio Battisti, questa volta con “Mistero” tratto dall’album “E Già” del 1982 e i testi scritti da Velezia, pseudonimo della moglie GraZIA LEtizia Veronese. Il rifacimento è ottimo, sia per merito dei fiati e archi, che per la voce di Gabriele Stefani.
“Brilliant Trees” è il primo album in studio del cantautore britannico David Sylvian, pubblicato nel 1984 dal quale è tratto il brano “Nostalgia”. L’ex Japan presenta sonorità influenzate dal Jazz, dal Funk e dall'Ambient, territorio in cui l’ensemble si diverte a personalizzare con carattere. La chiusura spetta a “Memory Of A Free Festival” dell’indimenticato David Bowie, degna conclusione di un album pieno di patos.
Ricchissimo il booklet che accompagna il disco per opera di Tommaso Tregnaghi, con approfondimenti, sensazioni dei protagonisti, descrizioni, testi, foto e molto altro. Anche questo è rispetto per chi ama e acquista la musica.
L’Orchestra SMS di Giannotti è un valore aggiunto per la cultura musicale sia dei giovani sia dei meno giovani, ossia di coloro che quegli anni li hanno vissuti. Una staffetta generazionale che fa ben sperare in un futuro sempre vivo e attento all’evoluzione, con la consapevolezza e il rispetto del passato. MS 

Versione Inglese:

SMS ORCHESTRA - Scattered Music
Altrock Records / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Orchestral - Post-Punk - Psychedelia - Progressive Rock
Support: cd - 2025
 
It is at least comforting in 2025 to come across profound projects like this SMS Orchestra by maestro Stefano Giannotti. The love of music transcends into art through a remarkable amount of creativity achieved by many hands.
“Musica Sparpagliata”, is the culmination of a teaching project started ten years ago at the Sinfonia School of Music in Lucca, but before we delve into the work in question, I am going to introduce Stefano Giannotti.
A composer, author, guitarist and performer, he graduated in composition with Pietro Rigacci and was Alvin Curran's assistant on “Crystal Psalms” and “Tufo Muto”. In 2004 he recorded the album “Il Tempo Cambia”, which received two nominations (Grimme Online Award and Prix Europa), and received a special jury mention at the Prix Italia. Since 2001 he has been teaching courses on the history of the experimental music repertoire of the 20th century, while in 2010 he founded the band Oteme (Osservatorio Delle Terre Emerse) a mixed ensemble that performs his songs and chamber pieces. Then an endless series of collaborations and radio and TV appearances. If you are more curious to learn more about him, I refer you to his official website https://stefanogiannotti.com/ .
The SMS orchestra is a mixed ensemble that includes woodwinds, strings, guitars, harp, keyboards and voices. The repertoire spans a wide range of genres, including Post Punk, Psychedelic music, Progressive Rock, Baroque and Renaissance compositions, with occasional forays into contemporary experimental music.
The ensemble consists of Eva Bartolucci, Xhensila Leka (flutes), Domenico Piegaia (clarinet, bass clarinet), Tommaso Barattini (clarinet), Riccardo Santabarbara (violin), Giada Del Grande (vocals), Elisa Cheng (electric guitar, vocals), Gabriele Stefani, Franco Cheng, Nicolò Paganucci (guitars, vocals), Jacopo Di Grazia (guitar, banjo, vocals), Enrico Giuntini, Francesca Pezzuti (piano, harpsichord, keyboards, vocals), Sofia Paterni (harp), Duccio Nieri (bass), Edgar Gomez (drums, vocals), Matteo Lucchesi (percussion), and Stefano Giannotti (direction and arrangements).
The covers treated take on new life, some gaining in freshness, some in imagination, certainly the didactic work that resides behind the project is at least elaborate and thorough.
“Sea Song” by Robert Wyatt (Soft Machine and Matching Mole), from the 1974 album ‘Rock Bottom’, is a reflection on the fragility of existence. It is a bitter consideration through analogies of his physical state, changed after a fall from a balcony during a party that bound him for the rest of his life in a wheelchair. The necessarily melancholy piece here maintains its primal state and is made special by Giada Del Grande's beautiful voice. Domenico Piegaia's clarinet is a good companion.
The second piece revisited is LucioBattisti/Pasquale Panella's “La Metro Eccetera”, the choice to give voice to a piece that is certainly not simple and less well-known from the great singer-songwriter's repertoire, hints at the desire to research and not fall into the obvious. The SMS Orchestra here almost in full, engages in a rehearsal with attention to detail where Giannotti's hand is strongly present.
The world of Psychedelia is analyzed through “Venus In Furs” by the historic The Velvet Underground, the band whose members include a certain Lou Reed. The performers are Jacopo Di Grazia and Francesca Pezzuti, good at maintaining the right cadence of the vocal tone. The flute and violin interventions are interesting.
“Water” is an improvised avant-garde piece dated 1970 by Third Ear Band, certainly an important test case that again highlights the willingness to experiment. A soundtrack to wander with the mind with accompanying noises.
The SMS Orchestra raises the bar through “Some Guys” by Tuxedomoon, one of the most original and least Rock ensembles of New Wave. Roots grounded in dance and futuristic theater highlight the difficulty in which the members go into.
A leap into the world of Italian Progressive Rock of the 1970s is made through “Molecole”, written by Lavezzi and Mogol. The song was part of Il Volo's discography and later also performed by Bruno Lauzi. The atmospheres become calm, ethereal, accompanied by the beautiful interpretation of Enrico Giuntini. The vocal arrangements are at least guessable, so is the instrumental accompaniment that personalizes the song.
Post Punk is analyzed by “Choci Loni” by the Welsh band The Young Marble Giants, and 1980 takes on a new guise through this at least fresh and insightful reissue. Elisa Cheng's delicate vocals are added value.
At this point in the journey the SMS Orchestra tackles a behemoth like “Sysyphus Parts 1 - 4” by Pink Floyd keyboardist Rick Wright. Here they put all their available cards on the table, turning the piece into a true instrumental work. Another giant faced bears the name of Franco Battiato, and as with Lucio Battisti, not a well-known track is examined, but a refined and refined one, “Il Re Del Mondo” from the 1985 45 rpm “No Time No Space/Il Re Del Mondo” written with maestro Giusto Pio. Duccio Nieri sings with respect for the original, while the arrangement brings lightness to the whole.
Lucio Battisti returns, this time with “Mistero” from the 1982 album “E Già” and lyrics written by Velezia, pseudonym of his wife GraZIA LEtizia Veronese. The remake is excellent, both because of the horns and strings and Gabriele Stefani's vocals.
“Brilliant Trees” is the first studio album by British singer-songwriter David Sylvian, released in 1984 from which the track ‘Nostalgia’ is taken.
The former Japan presents sounds influenced by Jazz, Funk and Ambient, territory in which the ensemble enjoys personalizing with character. Closure falls to “Memory Of A Free Festival” by the unforgettable David Bowie, a fitting conclusion to an album full of pathos.
Very rich is the booklet accompanying the album by Tommaso Tregnaghi, with insights, feelings of the protagonists, descriptions, lyrics, photos and much more. This, too, is respect for those who love and buy music.
Giannotti's SMS Orchestra is an added value for the musical culture of both young and old, that is, those who lived those years. A generational relay that bodes well for a future that is always alive and attentive to evolution, with awareness and respect for the past. MS

 

JC Cinel

JC CINEL – Where The River Ends
Andromeda Relix
Distribuzione: Black Widow Records
Genere: Virtuoso – Hard Rock
Supporto: cd – 2024

Nell’underground italico esistono band di buona fattura, che nulla hanno da invidiare a certe straniere. Non tutte però ricevono la giusta attenzione, ma alcune si, una di queste si chiama Wicked Minds, dove JC Cinel ne è il chitarrista.
Autore, cantante, esecutore, JC Cinel è poliedrico sia nell’approccio compositivo sia stilistico, abbracciando differenti stili che variano dall’Hard Rock al Prog passando per il sound orientale.
“Where The River Ends” è il quarto album da solista e l’ottavo in carriera se consideriamo i Wicked Minds e la Jimi Barbiani Band. Sono serviti ben sette anni per realizzare queste dodici canzoni, dentro tutta l’anima e l’amore di JC per la musica in generale e soprattutto una vetrina per la cura dei particolari che impreziosiscono ogni singolo brano.
Il cantato ricopre il punto centrale del progetto, ben studiato e armonico, ma è la musica a far parlare i fatti. Con lui suonano diversi ospiti, Davide Dabusti (chitarra), Andrea Toninelli (chitarra), Daniele Tosca (basso), Marco Lazzarini (batteria), Marcello Baio (batteria), Roberto Tassone (batteria), Paolo “Apollo” Negri (tastiere), e Gianni Grecchi (basso).
“City Lights” trasmette energia solare mista a polvere, quella della strada in cui questa musica prende vita, magari in America. Non distante il concetto per “Oblivion”, un ritmo che farà la gioia degli estimatori di band come Led Zeppelin e Uriah Heep. Spazio anche per il sound Lynyrd Skynyrd con “Feel Like Prisoners”. La ricerca strutturale viene a galla attraverso “Mindmaze/Red-Handed”, un brano che si apre con arpeggi di chitarra per poi passare all’elettrico con eleganza.
C’è anche profumo di passato fra le note, non invasivo ma presente, e poi i riff che ti entrano in testa, quelli che ogni rocker vuole sentire quotidianamente. Si può ballare in “Asylum 22”, un macigno sonoro ruffiano e intrigante come una bella donna che ti fa le moine. Qui i Led Zeppelin sono in cattedra.
Il brano più lungo dell’album con i suoi quasi nove minuti s’intitola “Burning Flame”, ammaliante e a tratti folclorico. I cambi di ritmo hanno la capacità di far volare il tempo, quasi vorremmo non terminassero mai, un poco come succede con alcune suite nel Progressive Rock. Si torna all’Hard Rock tradizionale con “How Far We Shine” e non manca neppure la scena per le doti balistiche di JC Cinel, i tre minuti acustici di “Karakal (Lost In Shangri.la)” sono una finestra per il cuore.
C’è l’Hard & Blues e giunge nella semi ballata “Strangers”, una cura per la melodia davvero notevole. Funzionale anche il ritornello. Effetti aprono “Thank God I Was Alone”, pezzo adrenalinico, dove la voglia di un whiskey parte in automatico.
Martellante “Wich Side Are You On” ed è fra i frangenti più duri dell’album che si conclude con la title track di otto minuti “Where The River”, una vera gemma sonora che fa da riassunto alla carriera di quest’artista da seguire anche in tour che vedrà toccare oltre il nostro paese, anche la Francia, il Belgio, e l’Olanda.
E’ bello imbattersi nel 2024 in un album come questo, perché lascia acceso l’interesse su questo genere che oltre essere immortale è altresì positivo. MS

Versione Inglese:

JC CINEL - Where The River Ends
Andromeda Relix
Distribution: Black Widow Records
Genre: Virtuoso - Hard Rock
Support: cd - 2024

In the Italian underground there are some good bands, which have nothing to envy to some foreign ones. However, not all of them receive the proper attention, but some do; one of them is called Wicked Minds, where JC Cinel is the guitarist.
Author, vocalist, performer, JC Cinel is multifaceted in both compositional and stylistic approach, embracing different styles ranging from Hard Rock to Prog via Eastern sound.
“Where The River Ends” is his fourth solo album and the eighth in his career if we consider Wicked Minds and the Jimi Barbiani Band. It took a good seven years to make these twelve songs, inside all JC's soul and love for music in general and above all a showcase for the attention to detail that embellishes each song.
The singing covers the central point of the project, well-researched and harmonious, but it is the music that does the talking. Several guests play with him, Davide Dabusti (guitar), Andrea Toninelli (guitar), Daniele Tosca (bass), Marco Lazzarini (drums), Marcello Baio (drums), Roberto Tassone (drums), Paolo “Apollo” Negri (keyboards), and Gianni Grecchi (bass).
“City Lights” conveys solar energy mixed with dust, that of the street where this music comes to life, perhaps in America. Not far off is the concept for “Oblivion”, a rhythm that will delight admirers of bands like Led Zeppelin and Uriah Heep. Space is also made for the Lynyrd Skynyrd sound with “Feel Like Prisoners”. Structural research comes to the surface through “Mindmaze/Red-Handed”, a song that opens with guitar arpeggios and then elegantly switches to electric.
There is also a scent of the past among the notes, unobtrusive but present, and then the riffs that get into your head, the ones every rocker wants to hear daily. You can dance along to “Asylum 22”, a sonic boulder as pandering and intriguing as a beautiful woman mooning you. Here Led Zeppelin is in the cathedra.
The longest track on the album at nearly nine minutes is titled “Burning Flame”, bewitching and at times folkloric. The tempo changes have the ability to make time fly, almost wishing they would never end, a little like what happens with some suites in Progressive Rock. It's back to traditional Hard Rock with “How Far We Shine”, and there's no shortage of scene for JC Cinel's ballistic prowess either; the three-minute acoustic “Karakal (Lost In Shangri.la)” is a window to the heart.
There is Hard & Blues and it comes in the semi-ballad “Strangers,” a truly remarkable care for melody. The chorus is also functional. Effects open “Thank God I Was Alone”, an adrenaline-fueled piece where the craving for a whiskey starts automatically.
Hammering “Wich Side Are You On” and it is among the hardest bangs of the album that ends with the eight-minute title track “Where The River”, a true sonic gem that sums up this artist's career to follow also on tour that will see besides our country, also touch France, Belgium, and Holland.
It is good to come across an album like this in 2024, because it leaves the interest in this genre that besides being immortal is also positive. MS

Psychowatermelon

PSYCHOWATERMELON – Ghostpiracy
Autoproduzione
Genere: Sperimentale / Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Con Alex Savelli si va sul sicuro.
Il suo nome è oramai legato a progetti sonori in cui l’improvvisazione, la ricerca strutturale e la vastità dei generi percorsi, conducono sempre l’ascoltatore in un mondo a dir poco fantastico. La sua musica è spesso accompagnata da artwork e booklet ricchi e particolareggiati, basti pensare al progetto Pelikan Milk che vi raccomando di andare a reperire.
Musica in libertà, questo è il sunto dell’essenza Savelli, senza paletti limitativi o compromessi, oggi praticamente una mosca bianca. Così i generi affrontati nel tempo spaziano dalla Psichedelia al Krautrock passando per il Progressive Rock, l’Elettronica e il Jazz, quest’ultimo esaltato dalla collaborazione con il maestro Massimo Manzi alla batteria.
Qui il ritorno con un amico polistrumentista dei Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, assieme a lui si rispolverano le vecchie passioni comprese l'umorismo, il cinema, le colonne sonore e molto altro ancora. La fusione prende il nome di Psychowatermelon e “Ghostpiracy” è il frutto conclusivo di un viaggio cosmico da affrontare assieme agli artisti in più di un’ora di musica.
Ad alcuni Psychowatermelon potrebbe far tornare alla memoria un certo Frank Zappa, che la cosa sia più o meno voluta non saprei, tuttavia un certo parallelismo con la fantasia del geniale chitarrista ci potrebbe anche stare.
Un grande apporto all’opera deriva dalla batteria del giovane Andrea Lamb D'Aniello che si è dovuto inventare e incastonare fra le partiture ritmiche in origine solo accennate. Ospite al disco Luca Fattori in “Aliens On Piano” che interpreta la voce di un alieno.
Quando si parla di Psichedelia e quant’altro accennato in precedenza, si può immaginare un lavoro altamente vintage, in realtà tutto è visionato in chiave moderna tra brani mutevoli e spericolati. Ovviamente non mancano richiami a band del passato, questo per onore di cronaca, per cui nulla di strano se si scorgono parallelismi con Pink Floyd, Tangerine Dream e Tame Impala.
"Survivor Tales” apre il percorso attraverso suoni ariosi, spaziali, ponderati e infarciti di eco, come il primordiale Steven Wilson amava fare nel suo progetto Porcupine Tree, questo non è altro che un breve interludio che conduce a “Barbarian Dreams”. In sette minuti la musica diventa inizialmente colonna sonora di stati d’animo galleggianti in consistenze impalpabili e leggere per poi crescere d’intensità. Le chitarre elettriche fuggono nervosamente in un contesto d’improvvisazione sonora. “Ghostpiracy” arricchita da suoni elettronici, si evolve in un movimento orecchiabile su cui lasciar parlare la chitarra. Spontanei alcuni paragoni con i primi Ozric Tentacles.
Il Rock fa capolino in “Meanwhile” ma non in modo convenzionale, sempre inframezzato da passaggi spaziali. Le sensazioni mi portano ad album come “Metanoia” o “Voyage 34” dei Porcupine Tree, ma anche alla band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” ha un inizio percussionistico e conduce nella giungla. Il calore è maggiormente palpabile rispetto a quanto ascoltato sino ad ora, fra loop rassicuranti e variazioni sul tema.
“Vintage Future” ha intrinseco nel titolo un ossimoro che rispecchia perfettamente l’intento degli Psychowatermelon, ma è “Primal Chase” a premere sull’acceleratore della sperimentazione, fra suoni ipnotici e ritmi incalzanti. Tra i frangenti che più mi hanno convinto metto “Lazy Blades And The Gummy Forest”, perché qui c’è maggiore equilibrio fra ricerca e buona melodia di fondo. Il resto lascio scoprirlo a voi per non togliervi del tutto il gusto della scoperta. Solo due parole per “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, un brano accattivante basato principalmente sul pianoforte, quello scovato da un alieno che si diverte a suonarci sopra.
In definitiva, il punto di forza di “Ghostpiracy” è il mutamento strutturale continuo alla ricerca di nuove sensazioni, tutto ciò mette in evidenza la cultura musicale ad ampio raggio di Savelli e Michienzi.  Lasciatevi trasportare dai suoni, e scoprirete anche voi nuovi mondi. MS

Versione Inglese:

PSYCHOWATERMELON - Ghostpiracy
Self-production
Genre: Experimental / Progressive Rock
Support: cd - 2024

With Alex Savelli you're on the safe side.
His name is now linked to sound projects in which improvisation, structural research and the breadth of genres covered, always lead the listener into a world that is nothing short of fantastic. His music is often accompanied by rich and detailed artwork and booklets, just think of the Pelikan Milk project that I recommend you go find.
Music in freedom, this is the summary of Savelli's essence, without limiting stakes or compromises, today practically a white fly. Thus the genres tackled over time range from Psychedelia to Krautrock via Progressive Rock, Electronic and Jazz, the latter enhanced by the collaboration with maestro Massimo Manzi on drums.
Here the return with a multi-instrumentalist friend from Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, together with him dust off old passions including humor, cinema, soundtracks and more. The fusion is named Psychowatermelon, and “Ghostpiracy” is the concluding fruit of a cosmic journey to be taken together with the artists in more than an hour of music.
To some Psychowatermelon might bring back memories of a certain Frank Zappa, whether this is more or less intentional I wouldn't know, however, a certain parallelism with the imagination of the brilliant guitarist might also fit.
A great contribution to the work comes from the drums of young Andrea Lamb D'Aniello, who had to invent and embed himself among the originally only hinted at rhythmic scores. Guest on the disc is Luca Fattori on “Aliens On Piano”, who plays the voice of an alien.
When it comes to Psychedelia and whatever else mentioned above, one can imagine a highly vintage work, in reality everything is viewed in a modern key among shifting and reckless tracks. Of course, there is no shortage of references to bands of the past, this is for the sake of the record, so nothing strange if one glimpses parallels with Pink Floyd, Tangerine Dream and Tame Impala.
“Survivor Tales” opens the journey through airy, spacey, thoughtful, echo-infused sounds, as the primal Steven Wilson liked to do in his Porcupine Tree project, this is but a brief interlude leading into ”Barbarian Dreams”. In seven minutes, the music initially becomes a soundtrack to moods floating in intangible, light textures and then grows in intensity. Electric guitars nervously escape into a context of sonic improvisation. “Ghostpiracy” enriched with electronic sounds, evolves into a catchy movement on which to let the guitar speak. Spontaneous some comparisons with early Ozric Tentacles.
Rock peeps in “Meanwhile” but not in a conventional way, always interspersed with spacey passages. The sensations take me to albums like “Metanoia” or Porcupine Tree's “Voyage 34”, but also to the band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” has a percussionistic beginning and leads into the jungle. The warmth is more palpable than what we have heard so far, between soothing loops and variations on the theme.
“Vintage Future” has inherent in its title an oxymoron that perfectly reflects Psychowatermelon's intent, but it is ‘Primal Chase’ that presses on the accelerator of experimentation, amid hypnotic sounds and pressing rhythms. Among the junctures that most convinced me I put “Lazy Blades And The Gummy Forest”, because here there is more balance between research and good underlying melody. The rest I leave to you to discover so as not to take away completely the taste of discovery. Just two words for “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, a catchy track based mainly on the piano, the one scouted by an alien who enjoys playing on it.
Ultimately, the strength of “Ghostpiracy” is the continuous structural change in search of new sensations, all of which highlights Savelli and Michienzi's wide-ranging musical culture.  Let the sounds transport you, and you too will discover new worlds. MS

 

 

Rubber Band

RUBBER BAND – About Time
G.T. Music Distribution / Edizioni Musicali Micio Poldo
Genere: Blues / Rock
Supporto: cd – 2023

E’ noto che alla base della musica moderna, e più precisamente del Rock, ci sia il Blues. Il canto dei neri afro americani nei primi del 1900, narrante la condizione in cui riversavano socialmente durante le raccolte del cotone, nel tempo si evolve (Robert Johnson docet). Dopo la fine della seconda guerra mondiale c’è voglia di divertimento, ed ecco che il Blues prende ritmo e diventa Rhythm & Blues, tanto che nel 1950 un certo Fat Domino al piano con il brano “Fat Man”, da il via al primo prototipo di quello che successivamente chiameremo Rock’n Roll. Il Jazz nel contesto non è stato meno importante, certe soluzioni spesso nate nelle jam fra artisti, hanno avuto anche loro un ruolo fondamentale per questa suddetta evoluzione sonora. In parole povere, chi fa musica Rock, anche inconsapevolmente, ha nel proprio DNA culturale il Blues, ed è anche giusto qualche volta onorare certi artisti del passato relegando loro un’attenzione particolare, proprio come ha fatto il trio acustico italiano Rubber Band nel nuovo album “About Time”.
Giorgio Fairsoni (voce, chitarra acustica), Renato Banino (chitarra acustica, voce), e Max Durante (basso, voce), hanno fatto tesoro del passato, divertendosi a suonare grandi classici e qualche inedito in questo album formato da quattordici tracce.  Il periodo del Covid ha di molto ritardato l’uscita, proprio per questo scherzosamente il trio intitola l’opera “Era Ora!”. La realizzazione è per mano del sempre attento Vannuccio Zanella, mentre l’artwork di Ondemedie, non so il perché, mi rimanda con la mente a copertine della Cramps, ossia a quando certe immagini riescono a esprimere fortemente il concetto dell’album. All’interno del libretto che accompagna il cd ci sono le foto degli artisti, oltre le dovute descrizioni del caso. Con loro suonano anche amici come Max Lazzarin (piano, voce), Fabio Ranghiero (organo e piano acustico), Mauro Minazzato (armonica), Checco Lazzarini (violino), Simone Rossetto (sax), Alberto Berlese (piano), Ivan Tibola (fisarmonica) e Dario Guidotti (armonica).
Il classico Blues di vecchio stampo si presenta immediatamente con “Too Old”, ed è un pezzo scritto da Giorgio Fairsoni. Il giro musicale è impreziosito da coralità piacevoli, come lo è il piano acustico. “All Gone” mostra ancora il legame con il passato oltre che l’ottima qualità sonora dell’incisione. Qui il ritmo è più lento e sornione. Il primo pezzo cover s’intitola “San Francisco Baby Blues” ed è un classico di Jesse Fuller soprannominato The Lone Cat. Era come una one-man-band e suonava la chitarra a 12 corde, l'armonica a bocca, il kazoo, il piatto e il fotdella, alcuni anche contemporaneamente. Il violino dona al tutto un atmosfera particolare. Segue “Whiskey Drinkin’ Woman” di Leo Spencer e Lou Donaldson, un Blues trascinato capace di far compiere l’ascolto a occhi chiusi. Uno dei più grandi classici nel genere è “Route 66” dell’attore Bobby Troup, chi suona Jazz e lo canta, almeno per una volta nella vita ha eseguito questo pezzo. Composto nel 1946 è stato inciso per la prima volta da Nat King Cole. Trascinante l’incedere dal profumo prettamente americano. Si cambia genere con “Theme For An Imaginary Western” di Jack Bruce e Pete Brown, un Rock che rimanda alla band Cream. Simpatica “3 Sisters”, dove una calda fisarmonica rimanda direttamente la fantasia dell’ascoltatore in Brasile con i suoi ritmi pacati e concreti. Da sottolineare l’ottima preparazione strumentale del trio. Si torna alle cover con “Talk To Me Baby”, un salto indietro nel tempo quando Elmore James negli anni ’40 influenzava un intera generazione di Bluesman.
Bill Withers (pseudonimo di William Harrison Withers Jr.) invece è omaggiato con il pezzo “Ain’t No Sunshine”, qui ancora una volta è ottimo il lavoro della chitarra acustica.
Segue “The Trouble Whit Me Is You”, classico di Harry Tobias e Pinky Tomlin, qui è il basso a farci muovere il piede a ritmo di musica. “Third Degree” è un altro pezzo da novanta, i maestri Eddie Boyd e Willie Dixon hanno composto questa perla senza tempo interpretata in maniera impeccabile da Fairsoni.
C’è anche una canzone strumentale dedicata ad una band importante, quella di Richard Betts, i The Allman Brothers. Il Southern Rock di “Jessica” è quantomeno trascinante. Non può mancare in questo viaggio sonoro il grande Duke Ellington, “I Ain’t Got Nothin’But The Blues” è eseguito in maniera impeccabile dalla Rubber Band.  Chiude un brano della band intitolato “Vagabondo Blues”, sunto di quello che il genere ci ha lasciato.
“About Time” lo avrete capito è un disco imperdibile per chi vuole intraprendere il cammino a ritroso nella storia della nostra musica, qui ci sono tasselli fondamentali eseguiti perfettamente e con passione. Consigliatissimo! MS

Giorgio Fairsoni

Versione Inglese:

RUBBER BAND - About Time
G.T. Music Distribution / Music Editions Micio Poldo
Genre: Blues / Rock
Support: cd - 2023

It is well known that the basis of modern music, and more specifically Rock, is the Blues. The song of African American blacks in the early 1900s, narrating the condition in which they poured socially during the cotton harvests, evolved over time (Robert Johnson docet). After the end of World War II there is a craving for fun, and here the Blues picks up the pace and becomes Rhythm & Blues, so much so that in 1950 a certain Fat Domino on the piano with the song "Fat Man," kicks off the first prototype of what we will later call Rock'n Roll. Jazz in context was no less important, certain solutions often born in jams between artists also played a key role in this aforementioned sonic evolution. Simply put, those who make Rock music, even unknowingly, have the Blues in their cultural DNA, and it is also right sometimes to honor certain artists of the past by relegating special attention to them, just as the Italian acoustic trio Rubber Band did in their new album "About Time".
Giorgio Fairsoni (vocals, acoustic guitar), Renato Banino (acoustic guitar, vocals), and Max Durante (bass guitar, vocals), have treasured the past, having fun playing great classics and a few unreleased ones on this album consisting of fourteen tracks.  The Covid period greatly delayed the release, which is precisely why the trio jokingly titles the work "It's About Time!" The realization is at the hands of the ever-attentive Vannuccio Zanella, while the artwork of Ondemedie, I don't know why, reminds me in my mind of Cramps covers, that is, when certain images manage to strongly express the concept of the album. Inside the booklet accompanying the CD are photos of the artists, as well as due descriptions of the case. Also playing with them are friends such as Max Lazzarin (piano, vocals), Fabio Ranghiero (organ and acoustic piano), Mauro Minazzato (harmonica), Checco Lazzarini (violin), Simone Rossetto (sax), Alberto Berlese (piano), Ivan Tibola (accordion) and Dario Guidotti (harmonica).
Classic old-time blues comes immediately with "Too Old", and it is a piece written by Giorgio Fairsoni. The musical turn is enhanced by pleasant choruses, as is the acoustic piano. "All Gone" still shows the connection to the past as well as the excellent sound quality of the recording.
Here the tempo is slower and more sly. The first cover song is titled "San Francisco Baby Blues" and is a classic by Jesse Fuller nicknamed The Lone Cat. He was like a one-man-band and played 12-string guitar, mouth harmonica, kazoo, cymbal and fotdella, some even simultaneously. The violin gives the whole thing a special atmosphere. Leo Spencer and Lou Donaldson's "Whiskey Drinkin' Woman" follows, a drawn-out Blues capable of making one do the listening with eyes closed. One of the greatest classics in the genre is "Route 66" by actor Bobby Troup; anyone who plays Jazz and sings it has performed this piece at least once in their life. Composed in 1946 it was first recorded by Nat King Cole. Pulling in the processional with a distinctly American scent. The genre changes with "Theme For An Imaginary Western" by Jack Bruce and Pete Brown, a Rock that harks back to the band Cream. Nice "3 Sisters", where a warm accordion sends the listener's imagination directly back to Brazil with its calm, down-to-earth rhythms. The trio's excellent instrumental preparation should be noted. It's back to covers with "Talk To Me Baby", a step back in time when Elmore James in the 1940s influenced an entire generation of Bluesmen.
Bill Withers (pseudonym of William Harrison Withers Jr.) on the other hand is paid tribute with the song "Ain't No Sunshine", here again the acoustic guitar work is excellent.
This is followed by "The Trouble Whit Me Is You", a Harry Tobias and Pinky Tomlin classic, here it is the bass that gets our feet moving to the beat. "Third Degree" is another standout, the masters Eddie Boyd and Willie Dixon composed this timeless gem played flawlessly by Fairsoni.
There is also an instrumental song dedicated to an important band, that of Richard Betts, The Allman Brothers. The Southern Rock of "Jessica" is at least enthralling. Can't miss on this sonic journey the great Duke Ellington, "I Ain't Got Nothin' But The Blues" is flawlessly performed by the Rubber Band.  It closes with a track by the band entitled "Vagabondo Blues", a summary of what the genre has left us.
"About Time" you may have guessed it is a must-have record for those who want to take the path backwards in the history of our music, here are key pieces performed perfectly and with passion. Highly recommended! MS

Speciale: IMAGINAERIUM - Siege

SPECIALE IMAGINAERIUM - Siege

 

IMAGINAERIUM – Siege
Progrock.com Essentials
Genere: Neo Prog Sinfonico / Epic
Supporto: 2 CD – 1 DVD

 

Il vero ascoltatore di musica ha un forte rapporto con tutto quello che accompagna il prodotto, dal packaging all’artwork, e se poi l’opera è supportata anche da un DVD, allora il piacere si esalta all’ennesima potenza. La musica in questa maniera è vissuta totalmente, gran parte dei sensi sono appagati, dall’udito, al tatto, all’olfatto, alla vista, e chi è collezionista come me, sa bene di cosa sto parlando.
Se gli Imaginaerium di Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train, Caamora) e Laura Piazzai (Caamora) ci hanno sorpreso nel 2022 con il debutto “The Rise Of Medici”, oggi riescono a superarsi con un’opera totale narrante la storia della regina degli Iceni Boudica che insorse contro l'occupazione romana della Britannia, fra battaglie epiche e condizioni psicologiche che cancellano il senso d’identità.
Prima di addentrarci in questo vasto percorso, tengo subito a sottolineare la cura dei particolari, a partire dall’artwork concepito da David Wyatt, perfettamente descrittivo, con 32 pagine full-color Earbook. Lo sforzo creativo è reso possibile grazie all’apporto dei musicisti Mirko Sangrigoli (batteria, chitarra), Luis Nasser (basso), Simone Milliava (chitarra), e Noa Drezner (chitarra spagnola). La prima cosa che si evince durante l’ascolto di “Siege” è la versatilità della voce di Laura Piazzai, passante dal caldo contralto al potente mezzo soprano e al canto soprano.
Trattasi dunque di concept album? In realtà sono differenti storie in qualche maniera legate fra di loro, ma la chiave risiede nel titolo: “Siege”, ossia in italiano “Assedio”. Questo può essere sia fisico sia mentale. Andiamo dunque ad analizzare.

 

DISCO 1: “Siege”
 
L’Opera è composta di dieci brani a partire da “Cry Boudica!”, e la leggenda ha inizio. Boudica la ribelle lotta con tutte le forze contro l’occupazione romana guidata da Caio Svetonio Paolino, tanto da divenire simbolo della resistenza, e per la descrizione di questo scenario serve proprio una leonessa come Laura.
«Boudicca era una donna molto alta e dall'aspetto terrificante. Aveva gli occhi feroci e la voce aspra. Le chiome fulve le ricadevano in gran massa sui fianchi. Quanto all'abbigliamento, indossava invariabilmente una collana d'oro e una tunica variopinta. Il tutto era ricoperto da uno spesso mantello fermato da una spilla. Mentre parlava, teneva stretta una lancia che contribuiva a suscitare terrore in chiunque la guardasse.» (Cassio Dione, Storia romana, 62, 2).
In otto minuti si è catapultati nell’arena grazie ad un inciso quantomeno solenne per intensità e potenza vocale. Lo stile di Nolan è ben definito e conosciuto a tutti i fans del Neo Prog, e dopo un inizio pacato si apre al sound glorioso che lo contraddistingue. La chicca si raggiunge a tre quarti della durata, dove l’assolo di chitarra di Mirko Sangrigoli descrive alla perfezione l’enfasi del frangente.
Circondati dal nemico, la squadra della regina risponde al fuoco con tutte le proprie forze, “The Final Redoubt” sprigiona la drammaticità degli eventi attraverso una melodia malinconica per poi aprirsi completamente nel ritornello. Questo brano farà sicuramente la gioia dei fans della band Arena.
Il rifugio fra la neve e il ghiaccio può essere una scappatoia, la resistenza si costruisce la propria fortezza, “Footprints” ripercorre la scena attraverso un brano melodico e orecchiabile in cui l’inciso è in perfetto stile Neo Prog. Ancora una volta la chitarra elettrica da sfoggio delle proprie capacità arricchendo il movimento attraverso un assolo sia tecnico che emotivo per mano di Mirko Sangrigoli. Bellissimo il finale a più voci sovra incise.
Ora tutti nel castello, e come cantava Francesco Di Giacomo con il Banco Del Mutuo Soccorso, “Da qui, messere, si domina la valle”. Voce e piano, il brano pur sembrando potenzialmente una ballata, ha sempre dell’epico a rimorchio. Piazzai si esprime come non mai, alzando anche le tonalità. Ecco sopraggiungere il momento toccante e introspettivo grazie a “When My Eyes Are Closed”, la mente comincia a vacillare attraverso crisi d’identità ma se chiudi gli occhi, puoi ancora vedere te stesso.
I guerrieri si radunano, i loro scudi scintillano sotto il sole cocente. Sono pronti a reclamare il bottino della gloria... Terre, ricchezze, onore, fama... E per alcuni... Libertà. “To The Victor Go The Spoils” ne è testimone attraverso suoni di scena (campane comprese). I tamburi battono al ritmo del passo dei cavalli, e le melodie s’infrangono in un movimento etnico per poi spezzarsi a metà grazie alla quiete scaturita dalle tastiere e dalla chitarra acustica. Il pezzo, prettamente strumentale, è tuttavia accompagnato dalle coralità di Laura. Lo stile di Nolan è assolutamente inconfutabile nel contesto, questo territorio è pane per i suoi denti.
In “Never Burn The Cakes” si analizza Re Alfredo il grande di Wessex, autore di numerose vittorie nella metà dell’800 decantato tanto come guerriero, statista e legislatore, ma anche per lui non tutte le ciambelle vengono con il buco. Basta un piccolo particolare, come quello di bruciare una torta, che si rischia di essere ricordato per una stupidaggine frivola piuttosto per ciò che hai realizzato nella vita. Il movimento ben si sposa con il passato e ha un andamento in stile inglese, rafforzato dalla voce decisa di Nolan in duetto con la Piazzai.
Può una freccia in più far guadagnare qualche momento prezioso? In “The Last Arrow” Clive canta la storia di un arciere solo contro il nemico. La voce del tastierista è differente dal solito timbro, risultando più decisa e graffiante.
A questo punto dell’opera giunge una perla sonora, “Deep”, ancora una volta voce e tastiere. Struggente, malinconica e leggiadra, “Deep” ci consiglia di chiudere gli occhi per immergerci nella profondità del tessuto stesso dell'esistenza, fino divenire invisibili all'universo.
La battaglia si conclude sotto una luna di sangue, e si risolve in un massacro, dove nemmeno le donne furono risparmiate. 80.000 britanni sarebbero rimasti sul terreno, contro appena 400 legionari. Secondo un'ipotesi Budicca si sarebbe suicidata avvelenandosi per non essere catturata dai Romani, mentre secondo Cassio Dione si sarebbe ammalata e morta per cause naturali. Non si sa che fine abbiano fatto le sue figlie. “Blood Moon” è il suggello di questo primo disco, dove Nolan spinge ancora di più sulla voce roca per donare al tutto la giusta enfasi. Il finale Pinkfloydiano è esaltato dall’assolo di chitarra di Simone Milliava, “One Of This Days” sembra essere risorto a nuova vita. Non poteva esserci un suggello migliore.
La sanguinosa battaglia è finita.

 

DISCO 2: “Bonus Album”
 
In questo secondo ascolto, si possono godere le versioni rivisitate, acustiche, e strumentali dell’intero album, ma anche una chicca proveniente dalla discografia della band Shadowland , altro grandioso progetto dell’inarrestabile tastierista, il brano è “Dorian Gray”. Piano e voce, il movimento è commovente, grazie all’ennesima prova di Piazzai che sostituisce Nolan cantante nella versione originale. Qui la potenza e la dolcezza mostrano nuovamente la malleabilità della sua voce.
Segue “The Last Arrow” con Clive, Laura e la chitarra, quella di Simone Milliava. Pur essendo una versione acustica, il brano non perde di energia ma acquista un fascino tutto particolare, come quando si passano le serate all’aperto avanti al fuoco a raccontare leggende e storie.
“Cry Budica!” è in versione strumentale e la chitarra di Mirko Sangrigoli sale in cattedra, così come l’enfasi in crescendo. Questo modo di esprimere musica è sempre funzionale e altamente coinvolgente. Il pezzo mette in luce soprattutto la capacità compositiva di Nolan, ennesimo tassello di una carriera ricca di piccoli gioielli sonori.
Una delle caratteristiche degli Imaginearium è il lato melodico voce piano, una formula atta a chi conosce l’arte della sensibilità, ossia per coloro che amano sentirsi coccolati dalle melodie ben interpretate. “When My Eyes Are Closed” è l’emblema di come i due artisti sanno comunicare fra di loro, con un gesto, con uno sguardo, vibrando attraverso la stessa frequenza. Nolan scrive il pezzo con l’anima, uno dei sunti della sua sensibilità musicale.
“All There Is To See” è un altro esempio. Ennesimo duetto voci e piano.
Attenzione a “The Final Redoubt (versione strumentale per chitarra)”, qui si può apprezzare la sensibilità di Simone Milliava il quale si sostituisce attraverso la chitarra alla voce di Piazzai con eleganza. Il pezzo assume raffinatezza, supportata da una coinvolgente coralità di fondo. Gli autori dimostrano di aver compreso alla perfezione l’anima del brano, spingendo nei crescendo solo all’occorrenza.
“Deep (Pure Strings)” vede Nolan solo alle strumentazioni con i tasti d’avorio. Questa versione esalta il concepimento della struggente ballata. Altra chicca del bonus album è “Dorian Gray (mix per chitarra acustica)”, ecco come una canzone può cambiare di abito anche più volte mantenendo intatto il senso dell’intensità emotiva.
Il movimento più lungo è il conclusivo “Footprints (Viking Walk)”, Neo Prog di classe ben arrangiato.
Questo bonus disc è una fotografia dell’intesa Nolan/Piazzai, un modo di concepire la musica ad ampio spettro. Tutto da gustare!

 

 

VIDEO DVD:
 
Il terzo disco che accompagna “Siege” non è altro che una lunga intervista agli autori narrante la storia del progetto Imaginaerium con approfondimenti e immagini di repertorio. Nolan e Piazzai si divertono a raccontare i loro album, così come i musicisti, e quello che mi ha più divertito è il duetto finale botta e risposta fra i protagonisti. Interessante, approfondito e chiarificatore su come la musica riesce a unire le potenzialità di ognuno di loro. In questo caso non voglio approfondire per lasciare a voi il piacere di scoprire.

 

CONCLUSIONE:
 
“Siege”, a mio modo di vedere, è un nuovo passo in avanti anche per il Neo Prog, in quanto siamo davanti a un approccio stilistico differente, che mette sulla bilancia la sinfonia e l’epicità con l’ingrediente “spontaneità”. Si, perché qui sono gli stessi artisti che si divertono, interagiscono, legano e giocano, come per esempio fa Clive con il suo modo di cantare assolutamente differente da ciò che ha espresso nella sua annosa carriera.
Piazzai e Nolan si prendono metaforicamente per mano lasciandosi trasportare dalle emozioni che scaturiscono attraverso un gioco d’intese e personalità. Un merito particolare va alla vocalist che riesce a esaltare il mondo di Nolan trascinando lo stesso autore a un comportamento differente dal suo classico stile.
Un lavoro coinvolgente da ascoltare e vedere con tutta la pace di questo mondo, ossia un modo di ritagliarsi uno spazio di relax a braccetto con l’arte.
 

NOTA:
 
La registrazione audio è ottima, grazie anche al lavoro di mix e mastering realizzato ai Outhouse Studios da John Mitchell (Arena).
 
ORDER: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/
OFFICIAL WEBSITE:  https://www.imaginaerium.org/

Versione Inglese:

IMAGINAERIUM - Siege
Progrock.com Essentials
Genre: Neo Prog Symphonic / Epic
Support: 2 CDs - 1 DVD
 
The true music listener has a strong relationship with everything that accompanies the product, from the packaging to the artwork, and then if the work is also supported by a DVD, then the pleasure is enhanced to the nth degree. Music in this way is totally experienced, most of the senses are gratified, from hearing, to touch, to smell, to sight, and those who are collectors like me, know what I am talking about.
If the Imaginaerium of Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train, Caamora) and Laura Piazzai (Caamora) surprised us in 2022 with the debut “The Rise Of Medici,” today they manage to surpass themselves with a total work telling the story of the Iceni queen Boudica who rose up against the Roman occupation of Britain, amid epic battles and psychological conditions that erase the sense of identity.
Before delving into this extensive track, I would like to immediately emphasize the attention to detail, starting with the artwork conceived by David Wyatt, which is perfectly descriptive, with 32-page full-color Earbook. The creative effort is made possible by the contribution of musicians Mirko Sangrigoli (drums, guitar), Luis Nasser (bass), Simone Milliava (guitar), and Noa Drezner (Spanish guitar). The first thing evident while listening to “Siege” is the versatility of Laura Piazzai's voice, switching from warm alto to powerful mezzo soprano and soprano singing.
Is this therefore a concept album? Actually, they are different stories somehow related to each other, but the key lies in the title: “Siege,” which is Italian for “Siege.” This can be either physical or mental. Let us therefore analyze.

 

DISC 1: “Siege”

 The Work consists of ten tracks starting with “Cry Boudica!” and the legend begins. Boudica the rebel struggles with all her might against the Roman occupation led by Caius Suetonius Paulinus, so much so that she becomes a symbol of resistance, and a lioness like Laura is needed for the description of this scenario.
“Boudicca was a very tall and terrifying-looking woman. She had fierce eyes and a harsh voice. Her tawny locks fell in great masses on her hips. As for her clothing, she invariably wore a gold necklace and a colorful tunic. The whole was covered with a thick cloak fastened by a brooch. As she spoke, she held tightly a spear that helped to inspire terror in anyone who looked at her.” (Cassius Dione, Roman History, 62, 2).
In eight minutes one is catapulted into the arena thanks to an aside at least solemn in its intensity and vocal power. Nolan's style is well defined and known to all fans of Neo Prog, and after a quiet beginning he opens up to the glorious sound that sets him apart. The treat is reached at three-quarters of the duration, where Mirko Sangrigoli's guitar solo perfectly describes the emphasis of the juncture.
Surrounded by the enemy, Queen's squad returns fire with all its might, “The Final Redoubt” unleashes the drama of events through a melancholy melody and then opens up fully in the refrain. This track will surely delight fans of the Arena band.
Shelter among the snow and ice can be an escape, the resistance builds its own fortress, “Footprints” retraces the scene through a melodic and catchy song in which the aside is in perfect Neo Prog style. Once again the electric guitar shows off its skills by enriching the movement through both a technical and emotional solo at the hands of Mirko Sangrigoli. Beautiful is the overdubbed multi-voice finale.
Now everyone in the castle, and as Francesco Di Giacomo sang with Banco Del Mutuo Soccorso, “From here, sir, you overlook the valley.” Voice and piano, the song while potentially sounding like a ballad, always has epic in tow. Piazzai expresses himself as never before, even raising the tones. Here comes the touching and introspective moment thanks to “When My Eyes Are Closed,” the mind begins to reel through identity crises but if you close your eyes, you can still see yourself.
The warriors gather, their shields gleaming in the scorching sun. They are ready to claim the spoils of glory.... Land, riches, honor, fame... And for some... Freedom. “To The Victor Go The Spoils” witnesses this through stage sounds (including bells). The drums beat to the rhythm of the horses' steps, and the melodies break into an ethnic movement only to break in half through the quietness sparked by keyboards and acoustic guitar. The purely instrumental piece, however, is accompanied by Laura's choruses. Nolan's style is absolutely irrefutable in context; this territory is bread for his teeth.
“Never Burn The Cakes” analyzes King Alfred the Great of Wessex, author of numerous victories in the mid 1800s extolled as much as a warrior, statesman and legislator, but even for him not all donuts come with a hole. All it takes is a small detail, such as burning a cake, that you risk being remembered for frivolous nonsense rather for what you accomplished in life. The movement fits in well with the past and has a British-style progression, reinforced by Nolan's strong vocals in duet with Piazzai.
Can an extra arrow gain a few precious moments? In “The Last Arrow” Clive sings the story of an archer alone against the enemy. The keyboardist's voice is different from the usual timbre, coming across as more assertive and scratchy. At this point in the work comes a sonic gem, “Deep,” again vocals and keyboards. Poignant, melancholic and graceful, “Deep” advises us to close our eyes to plunge into the depths of the very fabric of existence, until we become invisible to the universe.
The battle ends under a moon of blood, and results in a massacre, where not even women were spared. 80,000 Britons would remain on the ground, against just 400 legionaries. According to one hypothesis Boudicca committed suicide by poisoning herself so as not to be captured by the Romans, while according to Cassius Dione she fell ill and died of natural causes. It is not known what happened to her daughters. “Blood Moon” is the seal on this first disc, where Nolan pushes even harder on the raspy voice to give the whole the proper emphasis. The Pinkfloydian ending is enhanced by Simone Milliava's guitar solo, “One Of These Days” seems to have been resurrected to new life. There could not have been a better seal.
The bloody battle is over.

 

DISC 2: “Bonus Album”

 
In this second listen, one can enjoy the revised, acoustic, and instrumental versions of the entire album, but also a treat from the discography of the band Shadowland , another great project of the unstoppable keyboardist, the song is “Dorian Gray.” Piano and vocals, the movement is moving, thanks to yet another proof of Piazzai replacing singer Nolan in the original version. Here the power and sweetness again show the malleability of his voice.
“The Last Arrow” follows with Clive, Laura and the guitar, that of Simone Milliava. Although it is an acoustic version, the song does not lose energy but acquires a charm all its own, like when you spend evenings outdoors in front of the fire telling legends and stories.
“Cry Budica!” is in an instrumental version and Mirko Sangrigoli's guitar soars, as does the crescendo emphasis. This way of expressing music is always functional and highly engaging. Above all, the piece highlights Nolan's compositional ability, yet another piece in a career full of small sonic gems.
One of the characteristics of Imaginearium is the melodic piano voice side, a formula apt for those who know the art of sensitivity, that is, for those who like to feel pampered by well-interpreted melodies. “When My Eyes Are Closed” is emblematic of how the two artists know how to communicate with each other, with a gesture, with a look, vibrating through the same frequency. Nolan writes the piece with soul, one of the sunsets of his musical sensibility.
“All There Is To See” is another example. Yet another vocal and piano duet.
Watch out for “The Final Redoubt (instrumental guitar version),” here one can appreciate the sensitivity of Simone Milliava who replaces through guitar Piazzai's voice with elegance. The piece takes on refinement, supported by an engaging background chorus. The authors show that they have perfectly understood the soul of the song, pushing into crescendos only when needed.
“Deep (Pure Strings)” features Nolan alone on the ivory-keyed instrumentals. This version enhances the conception of the poignant ballad. Another gem on the bonus album is “Dorian Gray (acoustic guitar mix),” which is how a song can change clothes even several times while keeping its sense of emotional intensity intact.
The longest movement is the concluding “Footprints (Viking Walk),” well-arranged classy Neo Prog.
This bonus disc is a snapshot of the Nolan/Piazzai understanding, a wide-ranging way of conceiving music. All to be enjoyed!

 

VIDEO DVD:
 
The third disc accompanying “Siege” is nothing but a long interview with the authors telling the story of the Imaginaerium project with insights and stock footage. Nolan and Piazzai enjoy narrating their albums, as do the musicians, and what I enjoyed most was the final duet repartee between the protagonists. Interesting, insightful and clarifying about how the music manages to unite the potential of each of them. I will not elaborate here to leave the pleasure of discovery to you.
 
CONCLUSION:
 
“Siege,” in my view, is a new step forward for Neo Prog as well, in that we are in front of a different stylistic approach, one that puts symphony and epicness on the scales with the ingredient ”spontaneity.” Yes, because here it is the artists themselves who are having fun, interacting, bonding and playing, as for example Clive does with his absolutely different way of singing from what he has expressed in his long-standing career.
Piazzai and Nolan metaphorically take each other by the hand by letting their emotions flow through an interplay of understandings and personalities. Particular credit goes to the vocalist who succeeds in enhancing Nolan's world by dragging the author himself into behavior different from his classic style.
An engaging work to be listened to and viewed with all the peace of this world, that is, a way of carving out a space to relax arm in arm with art.
 
 NOTE:
 
The audio recording is excellent, thanks in part to the mix and mastering work done at Outhouse Studios by John Mitchell (Arena).

ORDER: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/
OFFICIAL WEBSITE:  https://www.imaginaerium.org/