Scummbar

SCUMMBAR – Happening Tales
GogogomaCH5 Studio
Genere: Folk Rock / Metal
Supporto: You Tube / Spotify / Amazon Music - 2024

Non dimentichiamoci mai che la musica di base è divertimento, che poi se ne possano fare usi differenti a proprio piacimento è fuori ogni dubbio.
Lo ascoltiamo generalmente in base al nostro stato d’animo, non tutti i giorni sono gli stessi, c’è il momento della tristezza, della riflessione, del gioire, del ballare etc. etc. Tuttavia questa musa nasce storicamente per il proprio diletto.
E come non usarla per addentrarsi in situazioni fantastiche se non addirittura in avventure?
Il genere Metal oppure il Folk Rock, si prestano a pieno alla riuscita di queste argomentazioni, bene lo sanno i canavesi (Torino) Scummbar.
“Happening Tales” è il loro album d’esordio, composto di dieci canzoni completamente immerso in storie piratesche.
Il progetto Scummbar nasce nel 2016 a Ivrea da un’idea del chitarrista e compositore Ivan Ovlac e dopo anni di cambi di formazione, si stabilizza oggi con Diego Zock (voce), Ivan Ovlac (chitarra e cori), Andre Clona (chitarra e banjo), Richard The Leg (basso e cori), Gae Granata (batteria), Igor Ferro, special guest occasionale, e Seve Draft anche lui special guest occasionale (fisarmonica e cori).
Così raccontano le note della bio: "Happening Tales” raccoglie le esperienze e le sfide che ognuno affronta nella propria esistenza, usando il mare e il mondo dei pirati come metafore della vita reale. I brani narrano di battaglie, tradimenti, sogni e libertà, che si riflettono nelle dinamiche quotidiane. Come quelle di un equipaggio che naviga tra tempeste e insidie, queste storie parlano di continue sfide, di resistenza di fronte all’ingiustizia e della continua ricerca di un senso, nonostante le difficoltà. L’album trasforma le avventure piratesche in riflessioni sulla vita di tutti i giorni, mostrando che, proprio come il mare, ogni esperienza è piena di imprevisti e opportunità.
"Storie che accadono" è il racconto della vita di chi non si arrende mai ed è sempre pronto ad affrontare l’ignoto con coraggio e determinazione.”.
L’inizio è affidato a “Odd Rebel”, energia pura dedicata a chi si sente fuori dagli schemi societari del momento. Il protagonista balla tutta la notte sarcasticamente per sentirsi libero, e il pezzo sposa a pieno l’intento. La fisarmonica dona un fascino assolutamente personale al tutto, immaginate i tedeschi Helloween cimentarsi con queste sonorità a cavallo fra il Metal e il Folk periodo 1700.
L’inno successivo s’intitola “Bloody Moon Saturday” e questa volta è rivolto a coloro che, in un momento di debolezza, affidano la propria voglia di riscatto alla musica. Anche qui si è al cospetto di un movimento ricco di energia coinvolgente. La prova vocale è mediamente buona, Zock è un buon pirata. Piacevole seppur breve il solo della chitarra elettrica.
Il basso apre “Pout Ass Hole”, accompagnato dalla fisarmonica. Il protagonista Pout è lo zimbello della ciurma e viene deriso fra ironia e brutalità. In questo caso la composizione è maggiormente articolata e curata nella struttura. Già si evince che il punto di forza degli Scummbar sono i ritornelli assolutamente irresistibili.
Sale il ritmo con “Killer Of Sharks”, una metafora sul comportamento di chi nella vita ti vuole tradire o sfruttare alle spalle, per questo serve un motivo energico, esorcizzante. Ma diciamoci la verità, che Metal Folk sarebbe se non si esaltasse la vita da Rocker? Ovviamente la birra è buona compagna di viaggio, e “Bring More Beer” è una bella fotografia di questo modus operandi. Simpaticissimo il frangente corale a più voci.
E poi, che pirati sarebbero se non si gettassero nella battaglia? La cadenzata “Fifty Sailorman” narra con perizia e schiettezza della fine di chi combatte, siano loro vincitori che vinti, la morte è uguale per tutti. Di nuovo la chitarra elettrica rilascia un buon assolo.
E il capitano trova pace solo nella morte, stanco e vecchio, il suo spirito naviga come un’ombra nel mare. Per raccontare questa storia subentra una bella ballata intitolata “Phantomship”.
Altro inno alla rivalsa e alla vita è “Binge For My Return”, la canzone trasuda energia e spirito di comunità, perché l’eroe fa ritorno dopo mille battaglie!
Questi personaggi ben si prestano ad analogie, come ad esempio un capitano della nave viene accostato al datore di lavoro odierno incapace e corrotto, sempre pronto a tutto pur di farsi strada, di conseguenza “Captain Yan” è l’ennesimo inno alla ribellione. Difficile restare fermi durante l’ascolto di questo brano ricco di allegria.
Come per il capitano, il pirata in senso generico viene accostato a colui che lotta quotidianamente, e la conclusiva “The Legend Of Pirates” ne è degna portavoce.
Questo album farà la gioia di chi ama ascoltare gruppi come Lou Dalfin, Bodh'aktan, Alestorm, ma anche dei sostenitori della musica popolare occitana, provenzale e mediterranea.
Non c’è che dire, non ci resta che issare le vele e salpare con gli Scummbar, ma mi raccomando… Non dimenticate la birra! MS

Versione Inglese:

SCUMMBAR - Happening Tales
GogogomaCH5 Studio
Genre: Folk Rock / Metal
Support: You Tube / Spotify / Amazon Music - 2024

Let's never forget that basic music is entertainment, whether one can then make different uses of it to one's liking is beyond doubt.
We generally listen to it according to our mood, not every day is the same, there is the time of sadness, reflection, rejoicing, dancing etc. etc. However, this muse was historically born for its own delight.
And how not to use it to delve into fantastic situations if not even adventures?
The Metal genre or Folk Rock, fully lend themselves to the success of these arguments, well know the Canavese (Turin) Scummbar.
“Happening Tales” is their debut album, consisting of ten songs completely immersed in pirate stories.
The Scummbar project was born in 2016 in Ivrea from an idea of guitarist and composer Ivan Ovlac, and after years of lineup changes, it stabilizes today with Diego Zock (vocals), Ivan Ovlac (guitar and backing vocals), Andre Clona (guitar and banjo), Richard The Leg (bass and backing vocals), Gae Granata (drums), Igor Ferro, occasional special guest, and Seve Draft also an occasional special guest (accordion and backing vocals).
This is how the bio notes tell it: “Happening Tales” collects the experiences and challenges that everyone faces in their existence, using the sea and the world of pirates as metaphors for real life. The songs tell of battles, betrayals, dreams and freedom, which are reflected in everyday dynamics. Like those of a crew navigating through storms and pitfalls, these stories are about constant challenges, endurance in the face of injustice, and the continual search for meaning despite difficulties. The album turns pirate adventures into reflections on everyday life, showing that, just like the sea, every experience is full of setbacks and opportunities.
“Stories Happening” is a tale of the life of those who never give up and are always ready to face the unknown with courage and determination.”
It begins with “Odd Rebel”, pure energy dedicated to those who feel out of the societal mold of the moment. The protagonist dances all night sarcastically to feel free, and the piece fully espouses the intent.
The accordion lends an utterly personal charm to the whole, imagine the German Helloween trying their hand at these sounds straddling the Metal and Folk 1700s period.
The next anthem is entitled “Bloody Moon Saturday,” and this time it is addressed to those who, in a moment of weakness, entrust their desire for redemption to music. Here again we are in the presence of a movement full of engaging energy. The vocal evidence is moderately good; Zock is a good pirate. Pleasant if brief is the electric guitar solo.
The bass opens “Pout Ass Hole”, accompanied by the accordion. The protagonist Pout is the laughingstock of the crew and is mocked between irony and brutality. In this case, the composition is more articulate and carefully structured. Already it is clear that Scummbar's strong point is the absolutely irresistible choruses.
The pace picks up with “Killer Of Sharks”, a metaphor about the behavior of those in life who want to betray you or exploit you behind your back, for which you need an energetic, exorcizing tune. But let's face it, what kind of Metal Folk would it be if it didn't extol the Rocker life? Of course beer is good companion, and “Bring More Beer” is a nice snapshot of this modus operandi. Very nice is the multi-voice choral juncture.
Besides, what pirates would they be if they did not throw themselves into battle? The cadenced “Fifty Sailorman” expertly and bluntly tells of the end of those who fight, whether they are victors or vanquished, death is the same for all. Again the electric guitar releases a good solo.
And the captain finds peace only in death, tired and old, his spirit sailing like a shadow in the sea. To tell this story a beautiful ballad entitled “Phantomship” takes over.
Another ode to revenge and life is “Binge For My Return”, the song exudes energy and community spirit as the hero returns after a thousand battles!
These characters lend themselves well to analogies, such as a ship's captain is juxtaposed with today's incompetent and corrupt employer, always willing to do anything to get his way, consequently “Captain Yan” is yet another hymn to rebellion. It is hard to sit still while listening to this joy-filled track.
As with the captain, the pirate in a generic sense is juxtaposed with the one who struggles daily, and the concluding “The Legend Of Pirates” is a worthy spokesman.
This album will delight those who like to listen to bands such as Lou Dalfin, Bodh'aktan, and Alestorm, as well as supporters of Occitan, Provençal, and Mediterranean folk music.
There's nothing but to say, all we have to do is hoist the sails and set sail with Scummbar, but be sure... Don't forget the beer! MS

 

Orchestra SMS

ORCHESTRA SMS - Musica Sparpagliata
Altrock Records /  Ma.Ra.Cash Records
Genere: Orchestrale - Post-Punk – Psichedelia - Rock Progressivo
Supporto: cd - 2025
 

E’ quantomeno confortante nel 2025 imbattersi in progetti profondi come quest’Orchestra SMS del maestro Stefano Giannotti. L’amore per la musica travalica nell’arte attraverso una notevole quantità di creatività realizzata a più mani.
"Musica Sparpagliata", è il punto d’arrivo di un progetto didattico iniziato dieci anni fa, presso la Scuola di Musica Sinfonia di Lucca, ma prima di addentrarci nel lavoro in questione, vado a presentarvi Stefano Giannotti.
Compositore, autore, chitarrista e performer, si è diplomato in composizione con Pietro Rigacci ed è stato assistente di Alvin Curran in “Crystal Psalms” e “Tufo Muto”. Nel 2004 incide l’album “Il Tempo Cambia” che riceve due nominations (Grimme Online Award e Prix Europa), e ottiene la menzione speciale della giuria al Prix Italia. Dal 2001 tiene corsi di formazione sulla storia del repertorio musicale sperimentale del 900, mentre nel 2010 fonda la band Oteme (Osservatorio Delle Terre Emerse) un ensemble misto che interpreta le sue canzoni e brani da camera. Poi una serie interminabile di collaborazioni e apparizioni radio e tv. Se siete maggiormente curiosi di approfondire l’argomento, vi rimando al suo sito ufficiale https://stefanogiannotti.com/ .
L'orchestra SMS si tratta di un ensemble misto che include fiati, archi, chitarre, arpa, tastiere e voci. Il repertorio spazia in un’ampia gamma di generi, tra cui Post Punk, musica Psichedelica, Rock Progressivo, composizioni barocche e rinascimentali, con occasionali incursioni nella musica sperimentale contemporanea.
L’ensemble è composto da Eva Bartolucci, Xhensila Leka (flauti), Domenico Piegaia (clarinetto, clarinetto basso), Tommaso Barattini (clarinetto), Riccardo Santabarbara (violino), Giada Del Grande (voce), Elisa Cheng (chitarra elettrica, voce), Gabriele Stefani, Franco Cheng, Nicolò Paganucci (chitarre, voci), Jacopo Di Grazia (chitarra, banjo, voce), Enrico Giuntini, Francesca Pezzuti (piano, clavicembalo, tastiere, voci), Sofia Paterni (arpa), Duccio Nieri (basso), Edgar Gomez (batteria, voce), Matteo Lucchesi (percussioni), e Stefano Giannotti (direzione e arrangiamenti).
Le cover trattate assumono nuova linfa vitale, chi acquisisce in freschezza, chi in fantasia, di certo il lavoro didattico che risiede alle spalle del progetto è quantomeno elaborato e approfondito.
“Sea Song” di Robert Wyatt (Soft Machine e Matching Mole), tratto dall’album “Rock Bottom” del 1974, è una riflessione sulla fragilità dell’esistenza. E’ un’amara considerazione attraverso analogie sul suo stato fisico, cambiato dopo la caduta da un balcone durante una festa che l’ha legato per il resto della vita su una sedia a rotelle. Il pezzo necessariamente malinconico, qui mantiene lo stato primordiale e viene reso speciale dalla bella voce di Giada Del Grande. Il clarinetto di Domenico Piegaia è buon compagno di viaggio.
Il secondo brano rivisitato è quello di LucioBattisti/Pasquale Panella “La Metro Eccetera”, la scelta di dare voce a un pezzo di certo non semplice e meno noto del repertorio del grande cantautore, fa intendere la volontà di ricercare e non cadere nell’ovvio. L’Orchestra SMS qui quasi al gran completo, si cimenta in una prova curata nei particolari dove la mano di Giannotti è fortemente presente.
 
Il mondo della Psichedelia è analizzato attraverso “Venus In Furs” dei storici The Velvet Underground, la band che vede fra i componenti un certo Lou Reed. Gli interpreti sono Jacopo Di Grazia e Francesca Pezzuti, bravi a mantenere la cadenza giusta del tono vocale. Interessanti gli interventi di flauto e violino.
“Water” è un pezzo improvvisato d’avanguardia datato 1970 dei Third Ear Band, di certo un banco di prova importante che mette nuovamente in luce la volontà di sperimentare. Una colonna sonora per spaziare con la mente con l’ausilio di rumoristica a corredo.
L’Orchestra SMS alza l’asticella attraverso “Some Guys” dei Tuxedomoon, una delle formazioni più originali e meno Rock della New Wave. Le radici fondate nella danza e nel teatro futuristico, mettono in evidenza la difficoltà in cui i componenti vanno a cimentarsi.
Un salto nel mondo del Rock Progressive italiano degli anni ’70 è effettuato tramite “Molecole”, scritto da Lavezzi e Mogol. Il pezzo ha fatto parte della discografia de Il Volo e successivamente interpretato anche da Bruno Lauzi. Le atmosfere si fanno pacate, eteree, accompagnate dalla bella interpretazione di Enrico Giuntini. Gli arrangiamenti vocali sono quantomeno indovinati, così l’accompagnamento strumentale che personalizza il brano.
Il Post Punk viene analizzato da “Choci Loni” della band gallese The Young Marble Giants, e il 1980 assume nuova veste attraverso questa riedizione quantomeno fresca e indovinata. La delicatezza vocale di Elisa Cheng è valore aggiunto.
A questo punto del viaggio l’Orchestra SMS affronta un colosso come “Sysyphus Parts 1 – 4” del tastierista dei Pink Floyd, Rick Wright. Qui mettono sul banco tutte le loro carte a disposizione, tramutando il pezzo in una vera e propria opera strumentale. Un altro gigante affrontato porta il nome di Franco Battiato, e come per Lucio Battisti, non viene preso in esame un brano noto, bensì uno ricercato e raffinato, “Il Re Del Mondo” tratto dal 45 giri del 1985 “No Time No Space/Il Re Del Mondo” scritto con il maestro Giusto Pio. Duccio Nieri canta con rispetto dell’originale, mentre l’arrangiamento apporta leggerezza all’insieme.
Ritorna Lucio Battisti, questa volta con “Mistero” tratto dall’album “E Già” del 1982 e i testi scritti da Velezia, pseudonimo della moglie GraZIA LEtizia Veronese. Il rifacimento è ottimo, sia per merito dei fiati e archi, che per la voce di Gabriele Stefani.
“Brilliant Trees” è il primo album in studio del cantautore britannico David Sylvian, pubblicato nel 1984 dal quale è tratto il brano “Nostalgia”. L’ex Japan presenta sonorità influenzate dal Jazz, dal Funk e dall'Ambient, territorio in cui l’ensemble si diverte a personalizzare con carattere. La chiusura spetta a “Memory Of A Free Festival” dell’indimenticato David Bowie, degna conclusione di un album pieno di patos.
Ricchissimo il booklet che accompagna il disco per opera di Tommaso Tregnaghi, con approfondimenti, sensazioni dei protagonisti, descrizioni, testi, foto e molto altro. Anche questo è rispetto per chi ama e acquista la musica.
L’Orchestra SMS di Giannotti è un valore aggiunto per la cultura musicale sia dei giovani sia dei meno giovani, ossia di coloro che quegli anni li hanno vissuti. Una staffetta generazionale che fa ben sperare in un futuro sempre vivo e attento all’evoluzione, con la consapevolezza e il rispetto del passato. MS 

Versione Inglese:

SMS ORCHESTRA - Scattered Music
Altrock Records / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Orchestral - Post-Punk - Psychedelia - Progressive Rock
Support: cd - 2025
 
It is at least comforting in 2025 to come across profound projects like this SMS Orchestra by maestro Stefano Giannotti. The love of music transcends into art through a remarkable amount of creativity achieved by many hands.
“Musica Sparpagliata”, is the culmination of a teaching project started ten years ago at the Sinfonia School of Music in Lucca, but before we delve into the work in question, I am going to introduce Stefano Giannotti.
A composer, author, guitarist and performer, he graduated in composition with Pietro Rigacci and was Alvin Curran's assistant on “Crystal Psalms” and “Tufo Muto”. In 2004 he recorded the album “Il Tempo Cambia”, which received two nominations (Grimme Online Award and Prix Europa), and received a special jury mention at the Prix Italia. Since 2001 he has been teaching courses on the history of the experimental music repertoire of the 20th century, while in 2010 he founded the band Oteme (Osservatorio Delle Terre Emerse) a mixed ensemble that performs his songs and chamber pieces. Then an endless series of collaborations and radio and TV appearances. If you are more curious to learn more about him, I refer you to his official website https://stefanogiannotti.com/ .
The SMS orchestra is a mixed ensemble that includes woodwinds, strings, guitars, harp, keyboards and voices. The repertoire spans a wide range of genres, including Post Punk, Psychedelic music, Progressive Rock, Baroque and Renaissance compositions, with occasional forays into contemporary experimental music.
The ensemble consists of Eva Bartolucci, Xhensila Leka (flutes), Domenico Piegaia (clarinet, bass clarinet), Tommaso Barattini (clarinet), Riccardo Santabarbara (violin), Giada Del Grande (vocals), Elisa Cheng (electric guitar, vocals), Gabriele Stefani, Franco Cheng, Nicolò Paganucci (guitars, vocals), Jacopo Di Grazia (guitar, banjo, vocals), Enrico Giuntini, Francesca Pezzuti (piano, harpsichord, keyboards, vocals), Sofia Paterni (harp), Duccio Nieri (bass), Edgar Gomez (drums, vocals), Matteo Lucchesi (percussion), and Stefano Giannotti (direction and arrangements).
The covers treated take on new life, some gaining in freshness, some in imagination, certainly the didactic work that resides behind the project is at least elaborate and thorough.
“Sea Song” by Robert Wyatt (Soft Machine and Matching Mole), from the 1974 album ‘Rock Bottom’, is a reflection on the fragility of existence. It is a bitter consideration through analogies of his physical state, changed after a fall from a balcony during a party that bound him for the rest of his life in a wheelchair. The necessarily melancholy piece here maintains its primal state and is made special by Giada Del Grande's beautiful voice. Domenico Piegaia's clarinet is a good companion.
The second piece revisited is LucioBattisti/Pasquale Panella's “La Metro Eccetera”, the choice to give voice to a piece that is certainly not simple and less well-known from the great singer-songwriter's repertoire, hints at the desire to research and not fall into the obvious. The SMS Orchestra here almost in full, engages in a rehearsal with attention to detail where Giannotti's hand is strongly present.
The world of Psychedelia is analyzed through “Venus In Furs” by the historic The Velvet Underground, the band whose members include a certain Lou Reed. The performers are Jacopo Di Grazia and Francesca Pezzuti, good at maintaining the right cadence of the vocal tone. The flute and violin interventions are interesting.
“Water” is an improvised avant-garde piece dated 1970 by Third Ear Band, certainly an important test case that again highlights the willingness to experiment. A soundtrack to wander with the mind with accompanying noises.
The SMS Orchestra raises the bar through “Some Guys” by Tuxedomoon, one of the most original and least Rock ensembles of New Wave. Roots grounded in dance and futuristic theater highlight the difficulty in which the members go into.
A leap into the world of Italian Progressive Rock of the 1970s is made through “Molecole”, written by Lavezzi and Mogol. The song was part of Il Volo's discography and later also performed by Bruno Lauzi. The atmospheres become calm, ethereal, accompanied by the beautiful interpretation of Enrico Giuntini. The vocal arrangements are at least guessable, so is the instrumental accompaniment that personalizes the song.
Post Punk is analyzed by “Choci Loni” by the Welsh band The Young Marble Giants, and 1980 takes on a new guise through this at least fresh and insightful reissue. Elisa Cheng's delicate vocals are added value.
At this point in the journey the SMS Orchestra tackles a behemoth like “Sysyphus Parts 1 - 4” by Pink Floyd keyboardist Rick Wright. Here they put all their available cards on the table, turning the piece into a true instrumental work. Another giant faced bears the name of Franco Battiato, and as with Lucio Battisti, not a well-known track is examined, but a refined and refined one, “Il Re Del Mondo” from the 1985 45 rpm “No Time No Space/Il Re Del Mondo” written with maestro Giusto Pio. Duccio Nieri sings with respect for the original, while the arrangement brings lightness to the whole.
Lucio Battisti returns, this time with “Mistero” from the 1982 album “E Già” and lyrics written by Velezia, pseudonym of his wife GraZIA LEtizia Veronese. The remake is excellent, both because of the horns and strings and Gabriele Stefani's vocals.
“Brilliant Trees” is the first studio album by British singer-songwriter David Sylvian, released in 1984 from which the track ‘Nostalgia’ is taken.
The former Japan presents sounds influenced by Jazz, Funk and Ambient, territory in which the ensemble enjoys personalizing with character. Closure falls to “Memory Of A Free Festival” by the unforgettable David Bowie, a fitting conclusion to an album full of pathos.
Very rich is the booklet accompanying the album by Tommaso Tregnaghi, with insights, feelings of the protagonists, descriptions, lyrics, photos and much more. This, too, is respect for those who love and buy music.
Giannotti's SMS Orchestra is an added value for the musical culture of both young and old, that is, those who lived those years. A generational relay that bodes well for a future that is always alive and attentive to evolution, with awareness and respect for the past. MS

 

JC Cinel

JC CINEL – Where The River Ends
Andromeda Relix
Distribuzione: Black Widow Records
Genere: Virtuoso – Hard Rock
Supporto: cd – 2024

Nell’underground italico esistono band di buona fattura, che nulla hanno da invidiare a certe straniere. Non tutte però ricevono la giusta attenzione, ma alcune si, una di queste si chiama Wicked Minds, dove JC Cinel ne è il chitarrista.
Autore, cantante, esecutore, JC Cinel è poliedrico sia nell’approccio compositivo sia stilistico, abbracciando differenti stili che variano dall’Hard Rock al Prog passando per il sound orientale.
“Where The River Ends” è il quarto album da solista e l’ottavo in carriera se consideriamo i Wicked Minds e la Jimi Barbiani Band. Sono serviti ben sette anni per realizzare queste dodici canzoni, dentro tutta l’anima e l’amore di JC per la musica in generale e soprattutto una vetrina per la cura dei particolari che impreziosiscono ogni singolo brano.
Il cantato ricopre il punto centrale del progetto, ben studiato e armonico, ma è la musica a far parlare i fatti. Con lui suonano diversi ospiti, Davide Dabusti (chitarra), Andrea Toninelli (chitarra), Daniele Tosca (basso), Marco Lazzarini (batteria), Marcello Baio (batteria), Roberto Tassone (batteria), Paolo “Apollo” Negri (tastiere), e Gianni Grecchi (basso).
“City Lights” trasmette energia solare mista a polvere, quella della strada in cui questa musica prende vita, magari in America. Non distante il concetto per “Oblivion”, un ritmo che farà la gioia degli estimatori di band come Led Zeppelin e Uriah Heep. Spazio anche per il sound Lynyrd Skynyrd con “Feel Like Prisoners”. La ricerca strutturale viene a galla attraverso “Mindmaze/Red-Handed”, un brano che si apre con arpeggi di chitarra per poi passare all’elettrico con eleganza.
C’è anche profumo di passato fra le note, non invasivo ma presente, e poi i riff che ti entrano in testa, quelli che ogni rocker vuole sentire quotidianamente. Si può ballare in “Asylum 22”, un macigno sonoro ruffiano e intrigante come una bella donna che ti fa le moine. Qui i Led Zeppelin sono in cattedra.
Il brano più lungo dell’album con i suoi quasi nove minuti s’intitola “Burning Flame”, ammaliante e a tratti folclorico. I cambi di ritmo hanno la capacità di far volare il tempo, quasi vorremmo non terminassero mai, un poco come succede con alcune suite nel Progressive Rock. Si torna all’Hard Rock tradizionale con “How Far We Shine” e non manca neppure la scena per le doti balistiche di JC Cinel, i tre minuti acustici di “Karakal (Lost In Shangri.la)” sono una finestra per il cuore.
C’è l’Hard & Blues e giunge nella semi ballata “Strangers”, una cura per la melodia davvero notevole. Funzionale anche il ritornello. Effetti aprono “Thank God I Was Alone”, pezzo adrenalinico, dove la voglia di un whiskey parte in automatico.
Martellante “Wich Side Are You On” ed è fra i frangenti più duri dell’album che si conclude con la title track di otto minuti “Where The River”, una vera gemma sonora che fa da riassunto alla carriera di quest’artista da seguire anche in tour che vedrà toccare oltre il nostro paese, anche la Francia, il Belgio, e l’Olanda.
E’ bello imbattersi nel 2024 in un album come questo, perché lascia acceso l’interesse su questo genere che oltre essere immortale è altresì positivo. MS

Versione Inglese:

JC CINEL - Where The River Ends
Andromeda Relix
Distribution: Black Widow Records
Genre: Virtuoso - Hard Rock
Support: cd - 2024

In the Italian underground there are some good bands, which have nothing to envy to some foreign ones. However, not all of them receive the proper attention, but some do; one of them is called Wicked Minds, where JC Cinel is the guitarist.
Author, vocalist, performer, JC Cinel is multifaceted in both compositional and stylistic approach, embracing different styles ranging from Hard Rock to Prog via Eastern sound.
“Where The River Ends” is his fourth solo album and the eighth in his career if we consider Wicked Minds and the Jimi Barbiani Band. It took a good seven years to make these twelve songs, inside all JC's soul and love for music in general and above all a showcase for the attention to detail that embellishes each song.
The singing covers the central point of the project, well-researched and harmonious, but it is the music that does the talking. Several guests play with him, Davide Dabusti (guitar), Andrea Toninelli (guitar), Daniele Tosca (bass), Marco Lazzarini (drums), Marcello Baio (drums), Roberto Tassone (drums), Paolo “Apollo” Negri (keyboards), and Gianni Grecchi (bass).
“City Lights” conveys solar energy mixed with dust, that of the street where this music comes to life, perhaps in America. Not far off is the concept for “Oblivion”, a rhythm that will delight admirers of bands like Led Zeppelin and Uriah Heep. Space is also made for the Lynyrd Skynyrd sound with “Feel Like Prisoners”. Structural research comes to the surface through “Mindmaze/Red-Handed”, a song that opens with guitar arpeggios and then elegantly switches to electric.
There is also a scent of the past among the notes, unobtrusive but present, and then the riffs that get into your head, the ones every rocker wants to hear daily. You can dance along to “Asylum 22”, a sonic boulder as pandering and intriguing as a beautiful woman mooning you. Here Led Zeppelin is in the cathedra.
The longest track on the album at nearly nine minutes is titled “Burning Flame”, bewitching and at times folkloric. The tempo changes have the ability to make time fly, almost wishing they would never end, a little like what happens with some suites in Progressive Rock. It's back to traditional Hard Rock with “How Far We Shine”, and there's no shortage of scene for JC Cinel's ballistic prowess either; the three-minute acoustic “Karakal (Lost In Shangri.la)” is a window to the heart.
There is Hard & Blues and it comes in the semi-ballad “Strangers,” a truly remarkable care for melody. The chorus is also functional. Effects open “Thank God I Was Alone”, an adrenaline-fueled piece where the craving for a whiskey starts automatically.
Hammering “Wich Side Are You On” and it is among the hardest bangs of the album that ends with the eight-minute title track “Where The River”, a true sonic gem that sums up this artist's career to follow also on tour that will see besides our country, also touch France, Belgium, and Holland.
It is good to come across an album like this in 2024, because it leaves the interest in this genre that besides being immortal is also positive. MS

Psychowatermelon

PSYCHOWATERMELON – Ghostpiracy
Autoproduzione
Genere: Sperimentale / Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Con Alex Savelli si va sul sicuro.
Il suo nome è oramai legato a progetti sonori in cui l’improvvisazione, la ricerca strutturale e la vastità dei generi percorsi, conducono sempre l’ascoltatore in un mondo a dir poco fantastico. La sua musica è spesso accompagnata da artwork e booklet ricchi e particolareggiati, basti pensare al progetto Pelikan Milk che vi raccomando di andare a reperire.
Musica in libertà, questo è il sunto dell’essenza Savelli, senza paletti limitativi o compromessi, oggi praticamente una mosca bianca. Così i generi affrontati nel tempo spaziano dalla Psichedelia al Krautrock passando per il Progressive Rock, l’Elettronica e il Jazz, quest’ultimo esaltato dalla collaborazione con il maestro Massimo Manzi alla batteria.
Qui il ritorno con un amico polistrumentista dei Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, assieme a lui si rispolverano le vecchie passioni comprese l'umorismo, il cinema, le colonne sonore e molto altro ancora. La fusione prende il nome di Psychowatermelon e “Ghostpiracy” è il frutto conclusivo di un viaggio cosmico da affrontare assieme agli artisti in più di un’ora di musica.
Ad alcuni Psychowatermelon potrebbe far tornare alla memoria un certo Frank Zappa, che la cosa sia più o meno voluta non saprei, tuttavia un certo parallelismo con la fantasia del geniale chitarrista ci potrebbe anche stare.
Un grande apporto all’opera deriva dalla batteria del giovane Andrea Lamb D'Aniello che si è dovuto inventare e incastonare fra le partiture ritmiche in origine solo accennate. Ospite al disco Luca Fattori in “Aliens On Piano” che interpreta la voce di un alieno.
Quando si parla di Psichedelia e quant’altro accennato in precedenza, si può immaginare un lavoro altamente vintage, in realtà tutto è visionato in chiave moderna tra brani mutevoli e spericolati. Ovviamente non mancano richiami a band del passato, questo per onore di cronaca, per cui nulla di strano se si scorgono parallelismi con Pink Floyd, Tangerine Dream e Tame Impala.
"Survivor Tales” apre il percorso attraverso suoni ariosi, spaziali, ponderati e infarciti di eco, come il primordiale Steven Wilson amava fare nel suo progetto Porcupine Tree, questo non è altro che un breve interludio che conduce a “Barbarian Dreams”. In sette minuti la musica diventa inizialmente colonna sonora di stati d’animo galleggianti in consistenze impalpabili e leggere per poi crescere d’intensità. Le chitarre elettriche fuggono nervosamente in un contesto d’improvvisazione sonora. “Ghostpiracy” arricchita da suoni elettronici, si evolve in un movimento orecchiabile su cui lasciar parlare la chitarra. Spontanei alcuni paragoni con i primi Ozric Tentacles.
Il Rock fa capolino in “Meanwhile” ma non in modo convenzionale, sempre inframezzato da passaggi spaziali. Le sensazioni mi portano ad album come “Metanoia” o “Voyage 34” dei Porcupine Tree, ma anche alla band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” ha un inizio percussionistico e conduce nella giungla. Il calore è maggiormente palpabile rispetto a quanto ascoltato sino ad ora, fra loop rassicuranti e variazioni sul tema.
“Vintage Future” ha intrinseco nel titolo un ossimoro che rispecchia perfettamente l’intento degli Psychowatermelon, ma è “Primal Chase” a premere sull’acceleratore della sperimentazione, fra suoni ipnotici e ritmi incalzanti. Tra i frangenti che più mi hanno convinto metto “Lazy Blades And The Gummy Forest”, perché qui c’è maggiore equilibrio fra ricerca e buona melodia di fondo. Il resto lascio scoprirlo a voi per non togliervi del tutto il gusto della scoperta. Solo due parole per “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, un brano accattivante basato principalmente sul pianoforte, quello scovato da un alieno che si diverte a suonarci sopra.
In definitiva, il punto di forza di “Ghostpiracy” è il mutamento strutturale continuo alla ricerca di nuove sensazioni, tutto ciò mette in evidenza la cultura musicale ad ampio raggio di Savelli e Michienzi.  Lasciatevi trasportare dai suoni, e scoprirete anche voi nuovi mondi. MS

Versione Inglese:

PSYCHOWATERMELON - Ghostpiracy
Self-production
Genre: Experimental / Progressive Rock
Support: cd - 2024

With Alex Savelli you're on the safe side.
His name is now linked to sound projects in which improvisation, structural research and the breadth of genres covered, always lead the listener into a world that is nothing short of fantastic. His music is often accompanied by rich and detailed artwork and booklets, just think of the Pelikan Milk project that I recommend you go find.
Music in freedom, this is the summary of Savelli's essence, without limiting stakes or compromises, today practically a white fly. Thus the genres tackled over time range from Psychedelia to Krautrock via Progressive Rock, Electronic and Jazz, the latter enhanced by the collaboration with maestro Massimo Manzi on drums.
Here the return with a multi-instrumentalist friend from Pelikan Milk, Tommaso Michienzi, together with him dust off old passions including humor, cinema, soundtracks and more. The fusion is named Psychowatermelon, and “Ghostpiracy” is the concluding fruit of a cosmic journey to be taken together with the artists in more than an hour of music.
To some Psychowatermelon might bring back memories of a certain Frank Zappa, whether this is more or less intentional I wouldn't know, however, a certain parallelism with the imagination of the brilliant guitarist might also fit.
A great contribution to the work comes from the drums of young Andrea Lamb D'Aniello, who had to invent and embed himself among the originally only hinted at rhythmic scores. Guest on the disc is Luca Fattori on “Aliens On Piano”, who plays the voice of an alien.
When it comes to Psychedelia and whatever else mentioned above, one can imagine a highly vintage work, in reality everything is viewed in a modern key among shifting and reckless tracks. Of course, there is no shortage of references to bands of the past, this is for the sake of the record, so nothing strange if one glimpses parallels with Pink Floyd, Tangerine Dream and Tame Impala.
“Survivor Tales” opens the journey through airy, spacey, thoughtful, echo-infused sounds, as the primal Steven Wilson liked to do in his Porcupine Tree project, this is but a brief interlude leading into ”Barbarian Dreams”. In seven minutes, the music initially becomes a soundtrack to moods floating in intangible, light textures and then grows in intensity. Electric guitars nervously escape into a context of sonic improvisation. “Ghostpiracy” enriched with electronic sounds, evolves into a catchy movement on which to let the guitar speak. Spontaneous some comparisons with early Ozric Tentacles.
Rock peeps in “Meanwhile” but not in a conventional way, always interspersed with spacey passages. The sensations take me to albums like “Metanoia” or Porcupine Tree's “Voyage 34”, but also to the band Omnia Opera.
“Monkey Business Culture Club” has a percussionistic beginning and leads into the jungle. The warmth is more palpable than what we have heard so far, between soothing loops and variations on the theme.
“Vintage Future” has inherent in its title an oxymoron that perfectly reflects Psychowatermelon's intent, but it is ‘Primal Chase’ that presses on the accelerator of experimentation, amid hypnotic sounds and pressing rhythms. Among the junctures that most convinced me I put “Lazy Blades And The Gummy Forest”, because here there is more balance between research and good underlying melody. The rest I leave to you to discover so as not to take away completely the taste of discovery. Just two words for “Aliens On Piano (feat Luca Fattori)”, a catchy track based mainly on the piano, the one scouted by an alien who enjoys playing on it.
Ultimately, the strength of “Ghostpiracy” is the continuous structural change in search of new sensations, all of which highlights Savelli and Michienzi's wide-ranging musical culture.  Let the sounds transport you, and you too will discover new worlds. MS

 

 

Rubber Band

RUBBER BAND – About Time
G.T. Music Distribution / Edizioni Musicali Micio Poldo
Genere: Blues / Rock
Supporto: cd – 2023

E’ noto che alla base della musica moderna, e più precisamente del Rock, ci sia il Blues. Il canto dei neri afro americani nei primi del 1900, narrante la condizione in cui riversavano socialmente durante le raccolte del cotone, nel tempo si evolve (Robert Johnson docet). Dopo la fine della seconda guerra mondiale c’è voglia di divertimento, ed ecco che il Blues prende ritmo e diventa Rhythm & Blues, tanto che nel 1950 un certo Fat Domino al piano con il brano “Fat Man”, da il via al primo prototipo di quello che successivamente chiameremo Rock’n Roll. Il Jazz nel contesto non è stato meno importante, certe soluzioni spesso nate nelle jam fra artisti, hanno avuto anche loro un ruolo fondamentale per questa suddetta evoluzione sonora. In parole povere, chi fa musica Rock, anche inconsapevolmente, ha nel proprio DNA culturale il Blues, ed è anche giusto qualche volta onorare certi artisti del passato relegando loro un’attenzione particolare, proprio come ha fatto il trio acustico italiano Rubber Band nel nuovo album “About Time”.
Giorgio Fairsoni (voce, chitarra acustica), Renato Banino (chitarra acustica, voce), e Max Durante (basso, voce), hanno fatto tesoro del passato, divertendosi a suonare grandi classici e qualche inedito in questo album formato da quattordici tracce.  Il periodo del Covid ha di molto ritardato l’uscita, proprio per questo scherzosamente il trio intitola l’opera “Era Ora!”. La realizzazione è per mano del sempre attento Vannuccio Zanella, mentre l’artwork di Ondemedie, non so il perché, mi rimanda con la mente a copertine della Cramps, ossia a quando certe immagini riescono a esprimere fortemente il concetto dell’album. All’interno del libretto che accompagna il cd ci sono le foto degli artisti, oltre le dovute descrizioni del caso. Con loro suonano anche amici come Max Lazzarin (piano, voce), Fabio Ranghiero (organo e piano acustico), Mauro Minazzato (armonica), Checco Lazzarini (violino), Simone Rossetto (sax), Alberto Berlese (piano), Ivan Tibola (fisarmonica) e Dario Guidotti (armonica).
Il classico Blues di vecchio stampo si presenta immediatamente con “Too Old”, ed è un pezzo scritto da Giorgio Fairsoni. Il giro musicale è impreziosito da coralità piacevoli, come lo è il piano acustico. “All Gone” mostra ancora il legame con il passato oltre che l’ottima qualità sonora dell’incisione. Qui il ritmo è più lento e sornione. Il primo pezzo cover s’intitola “San Francisco Baby Blues” ed è un classico di Jesse Fuller soprannominato The Lone Cat. Era come una one-man-band e suonava la chitarra a 12 corde, l'armonica a bocca, il kazoo, il piatto e il fotdella, alcuni anche contemporaneamente. Il violino dona al tutto un atmosfera particolare. Segue “Whiskey Drinkin’ Woman” di Leo Spencer e Lou Donaldson, un Blues trascinato capace di far compiere l’ascolto a occhi chiusi. Uno dei più grandi classici nel genere è “Route 66” dell’attore Bobby Troup, chi suona Jazz e lo canta, almeno per una volta nella vita ha eseguito questo pezzo. Composto nel 1946 è stato inciso per la prima volta da Nat King Cole. Trascinante l’incedere dal profumo prettamente americano. Si cambia genere con “Theme For An Imaginary Western” di Jack Bruce e Pete Brown, un Rock che rimanda alla band Cream. Simpatica “3 Sisters”, dove una calda fisarmonica rimanda direttamente la fantasia dell’ascoltatore in Brasile con i suoi ritmi pacati e concreti. Da sottolineare l’ottima preparazione strumentale del trio. Si torna alle cover con “Talk To Me Baby”, un salto indietro nel tempo quando Elmore James negli anni ’40 influenzava un intera generazione di Bluesman.
Bill Withers (pseudonimo di William Harrison Withers Jr.) invece è omaggiato con il pezzo “Ain’t No Sunshine”, qui ancora una volta è ottimo il lavoro della chitarra acustica.
Segue “The Trouble Whit Me Is You”, classico di Harry Tobias e Pinky Tomlin, qui è il basso a farci muovere il piede a ritmo di musica. “Third Degree” è un altro pezzo da novanta, i maestri Eddie Boyd e Willie Dixon hanno composto questa perla senza tempo interpretata in maniera impeccabile da Fairsoni.
C’è anche una canzone strumentale dedicata ad una band importante, quella di Richard Betts, i The Allman Brothers. Il Southern Rock di “Jessica” è quantomeno trascinante. Non può mancare in questo viaggio sonoro il grande Duke Ellington, “I Ain’t Got Nothin’But The Blues” è eseguito in maniera impeccabile dalla Rubber Band.  Chiude un brano della band intitolato “Vagabondo Blues”, sunto di quello che il genere ci ha lasciato.
“About Time” lo avrete capito è un disco imperdibile per chi vuole intraprendere il cammino a ritroso nella storia della nostra musica, qui ci sono tasselli fondamentali eseguiti perfettamente e con passione. Consigliatissimo! MS

Giorgio Fairsoni

Versione Inglese:

RUBBER BAND - About Time
G.T. Music Distribution / Music Editions Micio Poldo
Genre: Blues / Rock
Support: cd - 2023

It is well known that the basis of modern music, and more specifically Rock, is the Blues. The song of African American blacks in the early 1900s, narrating the condition in which they poured socially during the cotton harvests, evolved over time (Robert Johnson docet). After the end of World War II there is a craving for fun, and here the Blues picks up the pace and becomes Rhythm & Blues, so much so that in 1950 a certain Fat Domino on the piano with the song "Fat Man," kicks off the first prototype of what we will later call Rock'n Roll. Jazz in context was no less important, certain solutions often born in jams between artists also played a key role in this aforementioned sonic evolution. Simply put, those who make Rock music, even unknowingly, have the Blues in their cultural DNA, and it is also right sometimes to honor certain artists of the past by relegating special attention to them, just as the Italian acoustic trio Rubber Band did in their new album "About Time".
Giorgio Fairsoni (vocals, acoustic guitar), Renato Banino (acoustic guitar, vocals), and Max Durante (bass guitar, vocals), have treasured the past, having fun playing great classics and a few unreleased ones on this album consisting of fourteen tracks.  The Covid period greatly delayed the release, which is precisely why the trio jokingly titles the work "It's About Time!" The realization is at the hands of the ever-attentive Vannuccio Zanella, while the artwork of Ondemedie, I don't know why, reminds me in my mind of Cramps covers, that is, when certain images manage to strongly express the concept of the album. Inside the booklet accompanying the CD are photos of the artists, as well as due descriptions of the case. Also playing with them are friends such as Max Lazzarin (piano, vocals), Fabio Ranghiero (organ and acoustic piano), Mauro Minazzato (harmonica), Checco Lazzarini (violin), Simone Rossetto (sax), Alberto Berlese (piano), Ivan Tibola (accordion) and Dario Guidotti (harmonica).
Classic old-time blues comes immediately with "Too Old", and it is a piece written by Giorgio Fairsoni. The musical turn is enhanced by pleasant choruses, as is the acoustic piano. "All Gone" still shows the connection to the past as well as the excellent sound quality of the recording.
Here the tempo is slower and more sly. The first cover song is titled "San Francisco Baby Blues" and is a classic by Jesse Fuller nicknamed The Lone Cat. He was like a one-man-band and played 12-string guitar, mouth harmonica, kazoo, cymbal and fotdella, some even simultaneously. The violin gives the whole thing a special atmosphere. Leo Spencer and Lou Donaldson's "Whiskey Drinkin' Woman" follows, a drawn-out Blues capable of making one do the listening with eyes closed. One of the greatest classics in the genre is "Route 66" by actor Bobby Troup; anyone who plays Jazz and sings it has performed this piece at least once in their life. Composed in 1946 it was first recorded by Nat King Cole. Pulling in the processional with a distinctly American scent. The genre changes with "Theme For An Imaginary Western" by Jack Bruce and Pete Brown, a Rock that harks back to the band Cream. Nice "3 Sisters", where a warm accordion sends the listener's imagination directly back to Brazil with its calm, down-to-earth rhythms. The trio's excellent instrumental preparation should be noted. It's back to covers with "Talk To Me Baby", a step back in time when Elmore James in the 1940s influenced an entire generation of Bluesmen.
Bill Withers (pseudonym of William Harrison Withers Jr.) on the other hand is paid tribute with the song "Ain't No Sunshine", here again the acoustic guitar work is excellent.
This is followed by "The Trouble Whit Me Is You", a Harry Tobias and Pinky Tomlin classic, here it is the bass that gets our feet moving to the beat. "Third Degree" is another standout, the masters Eddie Boyd and Willie Dixon composed this timeless gem played flawlessly by Fairsoni.
There is also an instrumental song dedicated to an important band, that of Richard Betts, The Allman Brothers. The Southern Rock of "Jessica" is at least enthralling. Can't miss on this sonic journey the great Duke Ellington, "I Ain't Got Nothin' But The Blues" is flawlessly performed by the Rubber Band.  It closes with a track by the band entitled "Vagabondo Blues", a summary of what the genre has left us.
"About Time" you may have guessed it is a must-have record for those who want to take the path backwards in the history of our music, here are key pieces performed perfectly and with passion. Highly recommended! MS

Savatage

SAVATAGE – Edge Of Thorns
Atlantic
Genere: Metal Progressive
Supporto: cd – 1993

17 ottobre 1993, in seguito ad un incidente stradale muore il chitarrista Christopher Michael Oliva, detto Criss. La sua presenza terrena ha lasciato un segno indelebile, soprattutto nello stile chitarristico, paragonato a quello dell’altrettanto grande Randy Rhoads (Quiet Riot, Ozzy Osbourne). Con il fratello Jon in Florida forma una delle band più interessanti in ambito metal, a cavallo fra Power, Sinfonico e Prog, una band che ha rilasciato negli anni notevoli capolavori come “Hall Of The Mountain King”, “Gutter Ballet” e “Streets: A Rock Opera”, ma per qualche arcano motivo non si è mai avuto la soddisfazione di collocarli fra i grandi di tutti i tempi. Una band sfortunata sotto molteplici punti di vista, con uno stile unico e ben riconducibile. Probabilmente l’intelligenza compositiva non riesce a convincere molteplici fans del genere, non ci dimentichiamo che i dischi fuoriescono in un contesto quantomeno particolare, quello dove il Metal Prog (a parte qualche nome ancora acerbo come Dream Theater e Queensryche), in quel periodo non è ancora ben sviluppato. Le tastiere nel Metal…per carità! Gli esordi partono dal lontano 1975 e ovviamente non hanno ancora la spina dorsale che avrà negli anni ’80 e ’90.
“Edge Of Thorns” è l’ottavo album in studio, diciamo di metà carriera, è l’album dove il cantante Jon si fa temporaneamente da parte per dedicarsi completamente alle tastiere. Il ruolo sarà ricoperto dal giovane talentuoso Zak Stevens.
L’artwork di “Edge Of Thorns” è affascinante, curato nei particolari, così come è curata la musica in maniera quasi maniacale. Canzoni senza sbavature, dotate di tecnica e buon gusto per la melodia, soprattutto nelle ballate come “All That I Bleed” e “Sleep”. Capolavoro assoluto la title track che apre l’album, il piano di Jon scandisce il tempo come un orologio. Il brano ha tutte le caratteristiche della perfezione compositiva, dal ritornello ai riff per non parlare del solo, dove la chitarra di Criss sembra dare scariche elettriche. Si ha sempre l’impressione che il musicista non riesca mai a staccare le mani dallo strumento.
Non disdegnano passaggi oscuri e malinconici, i Savatage su questo ci hanno abituato anche con altri dischi. “He Carves His Stone” e “Follow Me” sono esempi di come s’intende il Metal di classe. Punti qualitativi difficilmente raggiunti da altri gruppi. Ma qui tutto funziona a dovere, l’album scorre velocemente fra energia e melodia.
Da bravo collezionista del vinile mi sono anche cercato il doppio lp contenente le bonus tracks acustiche “All That I Bleed” e “If I Go Away”. Il doppio vinile all’interno oltre che ai testi, contiene tutta la storia dei brani, un libro vero e proprio, una chicca da non perdere in quanto anche il suono ci guadagna, assumendo una rotondità differente rispetto alla versione del cd. Suono più caldo e profondo.
I Savatage successivamente rilasceranno altri piccoli gioielli, ma questo avevo voglia di metterlo nuovamente in luce, perché la vita non è sempre giusta, ci sono dischi che probabilmente escono in un momento sbagliato e noi allora gli rendiamo giustizia. MS
« Ha vissuto per quella chitarra. Quando andavo a casa sua a trovarlo non importava cosa stava facendo, telefonando, mangiando, Criss aveva sempre una chitarra in mano».
(Il padre di Criss Oliva) 

MS

Versione Inglese:

SAVATAGE - Edge Of Thorns
Atlantic
Genre: Progressive Metal
Support: cd - 1993
 
October 17, 1993, guitarist Christopher Michael Oliva, known as Criss, died in a car accident. His earthly presence left an indelible mark, especially in his guitar style, compared to that of the equally great Randy Rhoads (Quiet Riot, Ozzy Osbourne). With his brother Jon in Florida, he formed one of the most interesting bands in metal, straddling Power, Symphonic and Prog, a band that released over the years such notable masterpieces as “Hall Of The Mountain King”, “Gutter Ballet” and “Streets: A Rock Opera”, but for some arcane reason never had the satisfaction of placing them among the all-time greats. An unfortunate band in multiple respects, with a unique and well-referenced style. Probably the compositional intelligence fails to convince multiple fans of the genre, let us not forget that the records emerged in a context at least peculiar, one where Metal Prog (apart from a few still immature names such as Dream Theater and Queensryche), at that time was not yet well developed. Keyboards in Metal...for goodness sake! The beginnings start way back in 1975 and obviously do not yet have the backbone that it will have in the 1980s and 1990s.
“Edge Of Thorns” is the eighth studio album, say mid-career, is the album where singer Jon temporarily steps aside to devote himself completely to keyboards. The role will be filled by the talented young Zak Stevens.
The artwork on “Edge Of Thorns” is fascinating, with attention to detail, just as the music is cared for almost maniacally. Songs without smearing, endowed with technique and good taste for melody, especially in ballads like “All That I Bleed” and “Sleep”. An absolute masterpiece is the title track that opens the album, Jon's piano marking time like a clock. The song has all the hallmarks of compositional perfection, from the chorus to the riffs not to mention the solo, where Criss' guitar seems to give electric shocks. One always gets the impression that the musician can never get his hands off the instrument.
Not disdaining dark and melancholic passages, Savatage on this have accustomed us even with other records. “He Carves His Stone” and ‘Follow Me’ are examples of how classy metal is understood. Quality points hardly reached by other bands. But here everything works right, the album flows quickly between energy and melody.
As a good vinyl collector I also sought out the double lp containing the acoustic bonus tracks “All That I Bleed” and “If I Go Away”. The double vinyl inside in addition to the lyrics, contains the whole history of the tracks, a real book, a treat not to be missed as the sound also gains from it, taking on a different roundness than the CD version. Warmer and deeper sound.
Savatage will later release other little gems, but this one I felt like putting out again, because life is not always fair, there are records that probably come out at the wrong time and we then do them justice. MS
“ He lived for that guitar. When I would go to his house to see him no matter what he was doing, making phone calls, eating, Criss always had a guitar in his hand”.
(Criss Oliva's father)
 MS

Ologram

OLOGRAM – La Mia Scia
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD /Spotify / Amazon Music – 2025
 

Ho già avuto modo di apprezzare l’esordio discografico della band siciliana Ologram capitanata dal talentuoso polistrumentista e compositore Dario Giannì attraverso l’album “La Nebbia” (Autoproduzione – 2022), e ho riposto in loro buone attese per un eventuale futuro.
Giannì ha militato negli anni ‘90 nella band Progressive Rock / Metal di Siracusa chiamata Ydra, e anche Anema. “La Nebbia” ha spaziato dall’Hard Prog al Progressive Rock, fra ambientazioni grigie e aperture solari, un lavoro che consiglio di andare a rispolverare.
Oggi gli Ologram sono formati da Dario Giannì (basso), Lorenzo Giannì (chitarre), Roberto Giannì (tastiere), Fabio Speranzo (voce), e Giovanni Spadaro (batteria). Avrete notato che è un progetto praticamente creato in famiglia. Per la realizzazione di “La Mia Scia”, si avvalgono della presenza di alcuni special guest che rispondono ai nomi di Gabriele Agosta (voce), Matteo Blundo (viola, violino), e Raffaele Schiavo (voce).
Come molto spesso accade in chi propone musica Prog o Metal, l’opera inizia con un breve intro, qui intitolato “22.43” e non può che essere un movimento introspettivo, misterioso, basato su giochi di voce, alcune dalla provenienza atavica degli sciamani.
E’ il Rock di “Kasbah” ad aprire il percorso attraverso un ritmo cadenzato in modalità “Kashmir” dei Led Zeppelin per poi lasciare il palco alla formula canzone prossima al cantautorato. Schegge di PFM si possono apprezzare nel proseguimento. Ottimo il frangente conclusivo delle tastiere dal profumo vintage, gli Ologram sanno bilanciare con perizia e astuzia, il passato con il presente. La canzone, grazie alla melodia indovinata del refrain, resta scolpita nella mente.
“Luna Piena” apre con una ritmica in crescendo ben articolata e non scontata, ma la canzone è sempre dietro l’angolo, interpretata alla perfezione dalla bella voce di Fabio Speranza. Il basso di Dario Giannì è a mio modo di vedere un ottimo protagonista assieme alla chitarra elettrica finale che regala un assolo breve ma intenso. Ancora una volta la carta vincente del brano è l’inciso, martellante al punto giusto.
“Non Sarai” si presenta come una semi ballata sostenuta dal basso roboante. Gli Ologram in questo nuovo album mostrano una capacità compositiva legata alla scena classica musicale italiana davvero invidiabile. Ci pensano le fughe delle tastiere a far apparire nella mente dell’ascoltatore i Genesis di fine anni ’70 e primi ’80, e poi la solita chitarra elettrica a stupire per essenzialità d’intenti. Si alza l’asticella con “Jacaranda”, qui si evince una maggiore cura per la ricerca strutturale e lirica, dove ancora una volta la voce compie a pieno il proprio impeccabile dovere. Arpeggi di chitarra, violino, mellotron, tutti ingredienti che fanno la gioia degli estimatori del Prog italico curato e passato.
Gli Ologram entrano a piè pari nel mondo del Prog attraverso il brano strumentale “Descent” grazie all’uso del Moog e del piano Fender di Agosta, ma anche della chitarra elettrica in stile Steve Hackett e all’uso della viola e violini. Tutto questo accade senza cadere mai nel prolisso, un rispetto per il passato che dimostra la cultura musicale dei singoli componenti.
Ed è la volta della title track, un mix di cantautorato moderno e Rock anni ’80 facile da memorizzare.
Chiude “1997” con un messaggio positivo, quello di vivere la nostra vita al meglio delle possibilità. Il finale è affidato alle tastiere, e direi che sono davvero una degna conclusione.
Una menzione a parte per l’ottima incisione, i suoni risultano ben distinti e non sovrapposti. L’artwork di Vittoria Gallo è semplice e lineare, dove i caratteri dei testi sono una volta tanto ben leggibili, nero su bianco.
Non prendetemi poi per pazzo, ma come approccio alla composizione, questo nuovo “La Mia Scia” mi ha ricordato la struttura dell’album “Passpartù” della PFM. Tante emozioni, energia positiva e molto da cantare, di questi tempi è manna dal cielo. Gli Ologram confermano la promessa del 2022, sono presuntuoso se dico che me lo aspettavo? MS

  

Versione Inglese:

OLOGRAM – La Mia Scia
Self-production
Genre: Progressive Rock
Support: CD /Spotify / Amazon Music - 2025

 

I have already had the opportunity to appreciate the recording debut of the Sicilian band Ologram led by the talented multi-instrumentalist and composer Dario Giannì through the album “La Nebbia” (Self-Production - 2022), and I put good expectations in them for a possible future.
Giannì played in the 1990s in the Progressive Rock / Metal band from Syracuse called Ydra, and also Anema. “La Nebbia” ranged from Hard Prog to Progressive Rock, between gray settings and sunny openings, a work I recommend going to brush up on.
Today Ologram consists of Dario Giannì (bass), Lorenzo Giannì (guitars), Roberto Giannì (keyboards), Fabio Speranzo (vocals), and Giovanni Spadaro (drums). You may have noticed that this is a project practically created in the family. For the realization of “La Mia Scia”, they make use of the presence of some special guests who answer to the names of Gabriele Agosta (vocals), Matteo Blundo (viola, violin), and Raffaele Schiavo (vocals).
As is very often the case with those who offer Prog or Metal music, the work begins with a short intro, here titled “22.43,” and it can only be an introspective, mysterious movement, based on voice plays, some from the atavistic origin of shamans.
It is the Rock of “Kasbah” that opens the track through a cadenced rhythm in the mode of Led Zeppelin's “Kashmir” and then leaves the stage to the formula song close to songwriting. Splinters of PFM can be appreciated in the continuation. Excellent the concluding fringe of vintage-scented keyboards, Ologram know how to balance expertly and astutely, the past with the present. The song, thanks to the guessed melody of the refrain, stays engraved in the mind.
“Luna Piena” opens with a well-articulated and not obvious crescendo rhythm, but the song is always around the corner, interpreted to perfection by the beautiful voice of Fabio Speranza. Dario Giannì's bass is in my opinion an excellent protagonist together with the final electric guitar that gives a short but intense solo. Once again the song's trump card is the bridge, pounding to the right point.
“Non Sarai” comes across as a semi-ballad backed by the bombastic bass. Ologram in this new album show a compositional ability related to the Italian classical music scene that is truly enviable.
It is the keyboards' fugues that make Genesis of the late 1970s and early 1980s appear in the listener's mind, and then the usual electric guitar to impress with essentiality of intent. The bar is raised with “Jacaranda”, here a greater care for structural and lyrical research is evident, where once again the voice fully performs its impeccable duty. Guitar arpeggios, violin, mellotron, all ingredients that will delight admirers of curated and past Italic Prog.
Ologram enters the world of Prog in stride through the instrumental track “Descent” thanks to Agosta's use of Moog and Fender piano, but also Steve Hackett-style electric guitar and use of viola and violins. All this happens without ever falling into long-windedness, a respect for the past that demonstrates the musical culture of the individual members.
And it is the turn of the title track, a mix of modern songwriting and 80s Rock that is easy to memorize.
“1997” closes with a positive message of living our lives to the best of our ability. The finale is entrusted to the keyboards, and I would say they are indeed a worthy conclusion.
A separate mention for the excellent engraving, the sounds appear distinct and not overlapping. Vittoria Gallo's artwork is simple and straightforward, where the characters of the lyrics are once in a while well readable, black on white.
Don't take me for a fool then, but as an approach to composition, this new “La Mia Scia” reminded me of the structure of PFM's “Passpartù” album. Lots of emotions, positive energy and a lot to sing about, these days it's manna from heaven. Ologram confirms the promise of 2022, am I being presumptuous if I say I expected this? MS