SILVER NIGHTMARE – Roxy Passion Autoproduzione Genere: Metal Progressive Supporto: ep / vinile – 2025
La
parola d’ordine della band palermitana Silver Nightmare sembra essere
“omogeneità”. Abbiamo
avuto la possibilità di ascoltarli attraverso l’ep di debutto “The Wandering
Angel” (2020) e il disco “Apocalypsis” (2022) dai quali abbiamo conosciuto un
approccio alla musica pressoché totale. Lo stile adoperato per proferire i
propri messaggi sonori va ad attingere in diversi contesti come il Progressive
Rock, il Metal, l’AOR, e nel classicismo, a testimonianza di un amore per la
musica davvero radicato. L’esperienza
che il quartetto formato da Gabriele Taormina (tastiere), Gabriele Esposito (basso),
Diego La Mantia (chitarre), e Alessio Maddaloni (batteria e percussioni), è
oggi accresciuta, donando anche a questo nuovo ep intitolato “Roxy Passion” un’aurea
di risoluta maturazione. Quattro
sono i brani contenuti di cui due inediti, "Roxy Passion" e
"Cats On The Run", mentre il singolo già edito "The Blue Light
Of A Star" è rivisitato in due nuove versioni, quella con Göran Edman (ex
Malmsteen) alla voce e la space version. Il
brano “Roxy Passion” scatta una fotografia del sound odierno della band, anche
qui con Edman alla voce, un notevole valore aggiunto all’energico progetto.
Grintoso approccio verso l’Hard Rock fra le righe, impreziosito da interventi
di cori e tanta storia passata. Interessante il frangente in cui le tastiere si
danno staffetta con la chitarra elettrica in un breve assolo carico di
adrenalina come spesso hanno saputo fare i maestri Deep Purple o i Rainbow più
ispirati. "Cats
On The Run" è uno strumentale in cui le tastiere ricoprono il ruolo
centrale, e qui si apre il mondo Silver Nightmare più ricercato. Tutte le parti
strumentali sono di buona fattura senza perdersi in inutili tecnicismi ma
badando alla sostanza, e a quel piacevole riff che hanno saputo inculcarci
nella mente. Con
un intro ispirato dalle coralità Queen, "The Blue Light Of A Star" è
una chicca sonora, dove certi movimenti richiamano i Queensryche più
intimistici. Cori, pianoforte e voci fanno scorrere brividi sulla pelle in un
mix fra la band di Geoff Tate e i Savatage. La seconda versione si tinge di
suoni psichedelici a tratti eterei, un esempio di come uno stesso brano possa
dare differenti emozioni, se saputo arrangiare a dovere. Il pezzo, in questo
caso, è completamente strumentale. La
veste grafica di questo ep è a cura di Ester Cardella, mentre la registrazione,
il mixaggio e la masterizzazione viene effettuata ad opera di Simone Campione
ai Mind Studios Palermo. Non
ho dubbi sulla qualità della band, capace di comporre musica che può mettere
d’accordo molti generi di ascoltatori, certamente “Roxy Passion” fa salire le
aspettative per un nuovo lavoro in studio, non resta quindi che attendere nuovi
sviluppi, nel frattempo accontentiamoci del saporito antipasto. MS
Versione Inglese:
SILVER NIGHTMARE - Roxy Passion Self-production Genre: Progressive Metal Support: ep / vinyl - 2025
The watchword of the Palermo-based band Silver
Nightmare seems to be “homogeneity.” We had the chance to listen to them through the debut
ep “The Wandering Angel” (2020) and the album “Apocalypsis” (2022) from which
we knew an almost total approach to music. The style employed to proffer their
sonic messages goes to draw in different contexts such as Progressive Rock,
Metal, AOR, and in classicism, testifying to a truly deep-rooted love for
music. The experience that the quartet formed by Gabriele
Taormina (keyboards), Gabriele Esposito (bass), Diego La Mantia (guitars), and
Alessio Maddaloni (drums and percussion), is now increased, giving even to this
new ep entitled “Roxy Passion” an aura of resolute maturity. Four tracks are contained of which two are previously
unreleased, “Roxy Passion” and “Cats On The Run,” while the already edited
single “The Blue Light Of A Star” is revisited in two new versions, the one
with Göran Edman (former Malmsteen) on vocals and the space version. The track “Roxy Passion” takes a snapshot of the
band's current sound, again with Edman on vocals, a notable added value to the
energetic project. Gritty approach toward Hard Rock between the lines,
embellished by chorus interventions and a lot of past history. Interesting is
the juncture where the keyboards relay with the electric guitar in a short,
adrenaline-filled solo as the masters Deep Purple or the more inspired Rainbow
often did. “Cats On The Run” is an instrumental in which the
keyboards play the central role, and this is where the more searching Silver
Nightmare world opens up. All the instrumental parts are well crafted without
getting lost in unnecessary technicalities but minding the substance, and that
pleasant riff they were able to instill in our minds. With an intro inspired by Queen choruses, “The Blue
Light Of A Star” is a sonic gem, where certain movements recall the more intimate
Queensryche. Choruses, piano and vocals send chills running over the skin in a
mix between Geoff Tate's band and Savatage. The second version is tinged with
psychedelic sounds at times ethereal, an example of how the same song can give
different emotions if arranged properly. The piece, in this case, is completely
instrumental. The graphic design of this ep is by Ester Cardella,
while the recording, mixing and mastering is done by Simone Campione at Mind
Studios Palermo. I have no doubts about the quality of the band,
capable of composing music that can bring together many genres of listeners,
certainly “Roxy Passion” raises expectations for a new studio work, so all that
remains is to wait for new developments, in the meantime let's be satisfied
with the tasty appetizer. MS
Dieci Anni di Rock Progressivo Italiano 2015 - 2024
Il nuovo libro enciclopedico di Massimo Salari
Sono
passati quindici anni da quando decisi di mettere on line i miei articoli
scritti per le varie testate e siti web riguardo la musica in senso generale. Nonsolo
Progrock nacque quindi nel 2010 come un gioco, o per meglio dire, la mia
volontà di rendere interattiva a tutti la musica da me trattata. Ho sempre
avuto il desiderio di parlare con tutti su questi argomenti, di aprire
dibattiti oppure semplicemente di condividere le emozioni scaturite dalle nuove
uscite. Non ho focalizzato la mia attenzione soltanto nel campo del Progressive
Rock, ma ho deciso di spaziare in differenti generi che possano essere il Jazz,
il Metal, il Punk, la Psichedelia, l’Ambient, il Folk e chi più ne ha più ne
metta, da qui l’idea di chiamare il blog Nonsolo Progrock. Da
quando sono entrato in internet, ho avuto esperienze che mi hanno segnato,
ricordo di avere aperto nei primi anni del 2000 anche un sito web che parlasse
di musica denominato “Musicfan”, qui spesi molte energie e tempo libero per
mettere on line tutto quello che scrivevo in riviste come Flash o Rock Hard, ma
andò perso a causa della chiusura del dominio a cui mi ero appoggiato. Oggi
se mi dovesse accadere di nuovo una cosa del genere mi dispiacerebbe molto, in
quanto Nonsolo Progrock racchiude oltre 1.500 recensioni e molti speciali,
oltre che interviste. Da qui l’idea di cogliere il meglio in un argomento e
trasporlo nel cartaceo. Dopo
il successo del mio libro ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013 (Arcana -
2018), dove ci vinsi anche il premio “Macchina Da Scrivere” alla voce “Migliore
enciclopedia dell’anno”, molti di voi spesso mi hanno chiesto di trattare
nuovamente l’argomento “Rock Progressivo Italiano” (quello più recente), da qui
l’idea di approfondire dieci anni di questa musica attraverso le mie
recensioni. Unire l’utile al dilettevole mi è sembrato ottimale, conservare le
mie recensioni e allo stesso tempo tracciare il nuovo percorso che possa fare
staffetta con il mio precedente lavoro. Ecco
dunque il senso di questo libro, nuovamente enciclopedico, un contenitore dove
andare a spulciare le nuove band che infarciscono oggi la nostra amata musica. L’argomento
da me trattato non esiste in campo letterario, questo rende l’opera unica nel
contesto. In
definitiva è un libro di seicento pagine contenente oltre trecento recensioni e
speciali riguardanti alcuni argomenti sia societari che musicali. “Il
Meglio Di Nonsolo Progrock, dieci anni di Rock Progressivo italiano dal 2015 al
2024” l’ho fatto principalmente per me, e anche per voi viste le suddette
numerose richieste. Mi
sono autoprodotto, non troverete questa monumentale opera in libreria, perché
anche in questo campo ho avuto numerose delusioni a cui non lascio voce in
capitolo, ma che mi hanno fatto capire molte cose sul mondo editoriale odierno.
Potrete trovare il libro su Amazon, oppure richiederlo direttamente a me. La
copertina è per mano di Carla Cucchi. La
foto di quarta è di Daniela Mezzanotte. Ringrazio
sempre di cuore tutti voi che mi seguite e che mi contattate, la mia seppur
modesta, è una voce che spero possa farvi scoprire nuove realtà ed emozioni. Su
Amazon:
https://www.amazon.it/dp/B0F38DXWH2/ BLOG
NONSOLO PROGROCK: https://nonsoloprogrock.blogspot.com/ MASSIMO
SALARI:
https://www.facebook.com/massimo.salari.5 MASSIMO
“MAX” SALARI (profilo pubblico): https://www.facebook.com/p/Massimo-Max-Salari-100077326467717/
O.R.k.
- Firehose Of Falsehoods Kscope Genere: Progressive Metal Supporto: Bandcamp /cd / lp – 2025
Abbiamo
spesso letto e sentito dire che la musica oggi non ha nulla di nuovo da
proporre, certo, il decennio ’65 / ’75 è stato prolifico e ricco d’idee, ma
qualcosa d’interessante c’è ancora. Per esempio, se il Progressive Metal oggi
ha un suono moderno rispetto alle radici passate, il merito è anche della band
anglo italiana O.R.k. E’
un quartetto formato da Lorenzo Esposito Fornasari/Lef (voce), Colin Edwin (basso),
Pat Mastelotto (batteria), e Carmelo Pipitone (chitarra), qui sicuramente i più
ferrati di voi avranno scorto dei nomi di ottima fama del circuito. Colin Edwin
è stato il bassista nel periodo più influente dei Porcupine Tree e Pat
Mastellotto ha militato in moltissime band, fra le quali i King Crimson, poi per
impreziosire ulteriormente questo parterre si coadiuvano della partecipazione
di John Wesley alla chitarra, anche lui nella band Porcupine Tree nelle
sessioni live, e di Giuseppe Negri sempre alla chitarra nel brano “The Other
Side”. Con questi preamboli non ci si può che attendere un lavoro di ottima
qualità e, lo dico subito, le aspettative non andranno deluse. “Firehose
Of Falsehoods” è il quinto disco in studio dopo l’ottimo “Screamnasium” del
2022, un grido contro le quotidiane bugie che ci bombardano su internet e nei
media in generale, tante da procurare alla società una sfiducia in se stessa. In
quest’album le canzoni sono della durata media di quattro minuti e poco più,
salvo il caso della bonus track “Dive In”, contenuta soltanto nel formato cd
della durata di quattordici minuti. Il
segreto della riuscita emotiva del lavoro risiede nel perfetto equilibrio che
si stanzia fra le melodie di base e le partiture maggiormente elaborate e
robuste. “Blast
Of Silence” mostra subito le qualità canore di “Lef”, che a tratti mi ricordano
quelle di Daniel Gildenlöw dei Pain Of Salvation. Il Metal Progressive proposto
mostra la classe cristallina degli arrangiamenti oltre a una struttura che si
alterna fra suoni pacati ed energici. “Hello
Mother” inizia con un riff dalle origini King Crimson per poi lasciarsi guidare
dal basso di Edwin verso territori altamente Rock situati fra i Led Zeppelin e i
Wolfmother. Le suddette qualità dell’ex bassista dei Porcupine Tree emergono
maggiormente in “The Other Side”, canzone che potrebbe benissimo risiedere in “Deadwing”
della band di Steven Wilson, e questo per i fans dell’albero del porcospino è
un messaggio non da poco. “16.000
Days” è curata nei particolari, un’altalena di sensazioni si appropriano dello
stato d’animo dell’ascoltatore travolto da suoni sì possenti, ma altresì pacati,
il tutto velato da un refrain malinconico e drammatico. Qui tornano i
riferimenti ai Pain Of Salvation. “PUTFP” prosegue l’andamento, questa volta
accompagnato da arpeggi di chitarra di sottofondo. “Seven Arms” è il singolo e riconduce
al sound ruvido del buon vecchio Rock influenzato dal Grunge. “Beyond Reach” è
uno dei vertici dell’album, un ulteriore passo verso quel Metal Prog infarcito
di brevi interventi psichedelici e un inciso strappacuore esaltato ancora una
volta da una prova vocale superba. Ho apprezzato la cura della vocalità messa
in “Mask Becomes The Face”, una ballata con assolo di chitarra da parte di John
Wesley che da solo vale il prezzo del disco. La suite “Dive In” è il sunto di
tutto il sound O.R.k. qui decorato anche da interventi dalla Pinkfloydiana
memoria. Questo
nuovo album dei O.R.k. conferma la qualità della band sia tecnica che
compositiva, una boccata d’aria fresca nel mondo del Metal Progressive, troppo
spesso legato ai virtuosismi dei Dream Theater che sono sempre gradevoli, ma
che non hanno più apportato nuova linfa vitale a un genere di cui loro stessi sono
i maestri. L’evoluzione passa attraverso la trasgressione della regola, niente
da dire. MS
Versione Inglese:
O.R.k. - Firehose Of Falsehoods Kscope Genre: Progressive Metal Support: bandcamp /cd / lp - 2025
We have often read and heard that music today has
nothing new to offer, sure, the decade of '65 / '75 was prolific and full of
ideas, but something interesting is still there. For example, if Progressive
Metal today has a modern sound compared to its past roots, credit is also due
to the Anglo-Italian band O.R.k. It is a quartet made up of Lorenzo Esposito
Fornasari/Lef (vocals), Colin Edwin (bass), Pat Mastelotto (drums), and Carmelo
Pipitone (guitar), here surely the more fervent of you will have discerned some
top names on the circuit. Colin Edwin was the bassist in Porcupine Tree's most
influential period and Pat Mastellotto has played in many bands, including King
Crimson, then to further embellish this parterre they are assisted by the
participation of John Wesley on guitar, also in the Porcupine Tree band in the
live sessions, and Giuseppe Negri also on guitar in the song “The Other Side”.
With these preambles, one can only expect a work of excellent quality and, I
will say it now, expectations will not be disappointed. “Firehose Of Falsehoods” is the fifth studio record
after the excellent ‘Screamnasium’ from 2022, a cry against the daily lies that
bombard us on the Internet and in the media in general, so many that they cause
society to distrust itself. On this album the songs average four minutes and a little
more, except in the case of the bonus track “Dive In”, contained only on the
fourteen-minute CD format. The secret of the work's emotional success lies in the
perfect balance that is appropriated between the basic melodies and the more
elaborate and robust scores. “Blast Of Silence” immediately displays the singing
qualities of ‘Lef’, which at times remind me of those of Daniel Gildenlöw of
Pain Of Salvation. The Progressive Metal on offer shows the crystalline class
of the arrangements as well as a structure that alternates between quiet and
energetic sounds. “Hello Mother” starts with a riff from King Crimson
origins and then lets Edwin's bass drive into highly Rock territories situated
between Led Zeppelin and Wolfmother. The aforementioned qualities of the former
Porcupine Tree bassist emerge most in “The Other Side,” a song that could well
reside in Steven Wilson's band's “Deadwing”, and this for Porcupine Tree fans
is no small message. ”16,000 Days” is meticulously crafted, a seesaw of
sensations take over the listener's state of mind overwhelmed by sounds that
are yes mighty, but also calm, all veiled by a melancholic and dramatic
refrain. Here the references to Pain Of Salvation return. “PUTFP” continues the trend, this time accompanied by
background guitar arpeggios. “Seven Arms” is the single and leads back to the
rough sound of good old Grunge-influenced Rock. “Beyond Reach” is one of the
peaks of the album, a further step toward that Prog Metal infused with brief
psychedelic interventions and a heart-wrenching aside enhanced once again by a
superb vocal test. I appreciated the vocal care put into “Mask Becomes The
Face,” a ballad with guitar solo by John Wesley that alone is worth the price
of the album. The suite “Dive In” is the epitome of the whole O.R.k. sound here
also decorated by interventions from Pinkfloydian memory. This new album by O.R.k. confirms the band's quality
both technically and compositionally, a breath of fresh air in the world of
Progressive Metal, too often tied to the virtuosity of Dream Theater, which is
always enjoyable, but which has no longer brought new life to a genre of which
they themselves are the masters. Evolution comes through transgression of the
rule, nothing to say. MS
WILSON
PROJECT – Atto Primo Ma.Ra.Cash
Records Genere: Rock Progressivo Supporto: digital / cd – 2025
Personalmente
mi fa un estremo piacere vedere giovani approcciarsi oggi al mondo del Rock
Progressivo, generalmente addossato a una generazione proveniente dagli anni
’60. I Wilson Project (Acqui Terme) infatti iniziano il cammino del progetto
poco più che ventenni ma già con le idee molto chiare, oltre che possessori di una
buona tecnica strumentale individuale. Lo stile proposto attinge dalla storia
italiana tracciata da gruppi come Premiata Forneria Marconi e Banco Del Mutuo
Soccorso in primis. Nel 2022 esordiscono con “Il Viaggio Da Farsi” (Ma.Ra.Cash
Records), un disco che li porterà a esibirsi live con artisti del calibro di
Giorgio “Fico” Piazza (PFM), New Trolls, Le Orme e Osanna, oltre che ricevere
premi come quello della critica al PEM Festival. Sono
una delle poche band di Rock Progressivo Italiano con voce femminile, in questo
caso risponde al nome di Annalisa Ghiazza (aerofono, voce), mentre il gruppo è
completato da Stefano Rapetti (basso, voce), Andrea Protopapa (tastiere, voce),
e Mattia Pastorino (batteria, voce). “Atto
Primo” non vuole che essere un omaggio all’opera lirica, da come scherzosamente
si può evincere anche dalla copertina forzatamente retrò. In effetti il genere
Prog Rock ben si combina con la teatralità della lirica, e sono cose in comune
pur essendo generi decisamente distinti sia storicamente che qualitativamente. Ogni
brano dei sei che formano l’album è rivolto a un compositore o a un’opera
storica, ma tutto ciò è semplicemente preso da spunto per comporre musica propria,
quindi nuovo stile e nuova veste. Un
disco così non può che in iniziare con una strumentale “Overture”, essa in due
minuti e poco più accompagna l’ascoltatore in questo mondo fatto di suoni
vintage e melodie teatrali. Ma è con “Taiji” che la formazione mette in campo
le proprie caratteristiche che passano attraverso l’esaltazione delle tastiere,
spesso protagoniste nella musica, e la soave voce di Annalisa Ghiazza. Gli
anni ’70 sono al nostro cospetto, evidenziati da una qualità discreta
dell’incisione. Tanta storia fra le note, quella che piace sicuramente ai fans
del genere. “Bolshoi”
è il singolo estratto, esso esalta la storia del noto teatro russo
disegnandogli un abito differente da quello istituzionale e monolitico che l’ha
reso famoso nel mondo, attraverso buone melodie e un andamento Rock supportato
dall’Hammond molto presente. I synth fanno da orchestra e donano sentori
barocchi che nel contesto si sposano alla perfezione. Inutile sottolineare che
nel corso dell’ascolto si possono apprezzare cambi di ritmo e di atmosfere, in
questo caso anche un buon assolo di batteria finale, cosa che in questi ultimi
tempi è andata quasi in disuso. “Atto
Primo” contiene anche due suite, la prima è “Ragnarok”, della durata di quasi
tredici minuti. Essa si apre con un buon giro di pianoforte per poi lasciare
spazio alle intuizioni strumentali della band, sempre ricercate e mai banali.
La seconda è la conclusiva “Duat” di altrettanti tredici minuti, in mezzo “Nihonga”,
variegata composizione molto affascinante sempre grazie alla qualità vocale di
Ghiazza e alle buone coralità di sostegno. Lo
scettro della storia Progressive Rock Italiana è ancora una volta in buone mani
grazie anche ai giovani Wilson Project, autori solamente di due dischi ma
entrambi di pregevole fattura, ascoltare per credere. MS
Versione Inglese:
WILSON PROJECT – Atto Primo Ma.Ra.Cash Records Genre: Progressive Rock Support: digital / cd - 2025
Personally, it gives me an extreme pleasure to see
young people today approaching the world of Progressive Rock, generally pinned
on a generation coming from the 1960s. The Wilson Project (Acqui Terme) in fact
begin the path of the project in their early twenties but already with very
clear ideas, as well as possessing a good individual instrumental technique.
The proposed style draws from the Italian history traced by groups such as
Premiata Forneria Marconi and Banco Del Mutuo Soccorso in primis. In 2022 they
made their debut with “Il Viaggio Da Farsi” (Ma.Ra.Cash Records), a record that
would lead them to perform live with the likes of Giorgio “Fico” Piazza (PFM),
New Trolls, Le Orme and Osanna, as well as receiving awards such as the
critics' award at the PEM Festival. They are one of the few Italian Progressive Rock bands
with female vocals, in this case answering to the name of Annalisa Ghiazza
(aerophone, vocals), while the group is completed by Stefano Rapetti (bass,
vocals), Andrea Protopapa (keyboards, vocals), and Mattia Pastorino (drums,
vocals). “Atto Primo” is meant to be nothing but a tribute to
opera, from as can also be jokingly inferred from the forcibly retro cover.
Indeed, the Prog Rock genre combines well with the theatricality of opera, and
they are things in common despite being decidedly distinct genres both
historically and qualitatively. Each track of the six that make up the album is
addressed to a composer or historical work, but all of this is simply taken as
a cue to compose music of one's own, thus new style and new look. Such an album can only in begins with an instrumental
“Overture”, it in two minutes and a little more takes the listener into this
world of vintage sounds and theatrical melodies. But it is with “Taiji” that
the lineup brings out its own characteristics, which come through the
exaltation of keyboards, often the protagonists in the music, and the suave
voice of Annalisa Ghiazza. The 1970s are before us, highlighted by a decent
quality of the recording. Lots of history among the notes, the kind that fans
of the genre are sure to enjoy. “Bolshoi” is the extracted single, it enhances the
history of the well-known Russian theater by drawing it a different dress from
the institutional and monolithic one that made it world famous, through good
melodies and a Rock trend supported by the very present Hammond. The synths act
as an orchestra and give baroque hints that in the context match perfectly.
Needless to emphasize that in the course of listening one can appreciate
changes of rhythm and atmosphere, in this case even a good final drum solo,
something that has almost gone out of fashion in recent times. “Act One” also contains two suites, the first being “Ragnarok”,
lasting almost thirteen minutes. It opens with a good piano turn and then
leaves room for the band's instrumental insights, which are always researched
and never banal. The second is the concluding “Duat” of as many thirteen
minutes, in between “Nihonga”, a varied composition that is very fascinating
always thanks to Ghiazza's vocal quality and good backing choruses. The scepter of Italian Progressive Rock history is
once again in good hands thanks to the young Wilson Project, authors of only
two records but both of fine workmanship, listen to believe. MS
JETHRO
TULL – Curious Ruminant (Inside Out - 2025)
Ventiquattresimo
sigillo in studio della band di Ian Anderson. Si, non è un caso che non li
chiamo Jethro Tull, perché oramai trattasi solamente del progetto solista del
geniale folletto inglese. L’artista si è distaccato definitivamente dal
Progressive Rock restando nel limbo Folk. Interventi di chitarra elettrica
ricordano che comunque trattasi sempre di Rock. Per la veneranda età (77 anni)
Ian è un supereroe, se non fosse per i problemi alle corde vocali che ha avuto
molti anni fa. I riff di flauto sono quelli caratteristici, brevi e facili da
memorizzare. Forse per il mio gusto canta troppo, sarebbe stato meglio una
parte strumentale più presente, ma va benissimo anche così. Voto 6,5
Con
una band di tutto rispetto, ritorna l’artista Progressive Rock di Wakefield,
Dominic Sanderson con il secondo album in studio dopo il buon “Impermanence”
del 2023. Il chitarrista, cantante e tastierista cresciuto a pane, King
Crimson, Pink Floyd e Marillion, si esibisce in un contesto prettamente
Canterburyano, rilasciando un album dalle mille sfaccettature. Sicuramente
Sanderson è una delle nuove realtà e speranze del futuro Progressive Rock e
questo “Blazing Revelation” è un bellissimo album che farà la gioia di tutti i
fans del genere. Una promessa. Voto: 8,0
MOSTLY AUTUMN – Seawater
(Autoproduzione - 2025)
Strana
la carriera di questa band inglese che inizia come cover band dei Pink Floyd.
Dopo un interessesostenuto da parte di
pubblico e critica avvenuto nella fine anni ’90 e primi ’00, subentrano nel
tempo una marea di tentativi di allinearsi a un sound più distaccato dalle
radici Folk Psichedeliche dei primi tempi. Le chitarre alla Pink Floyd sono
state per lungo tempo il loro punto di forza. Quindici gli album in studio, e
“Seawater” mi sembra essere uno sguardo indietro alla loro carriera iniziale, o
per meglio dire un equilibrio fra le loro esperienze passate. Solo il brano “If
Only For A Day” da solo vale il prezzo del disco. Per amanti dei Pink Floyd
ovviamente. Voto: 7,0
OPETH
-The Last Will And Testament (Reigning
Phoenix Music – 2024)
Il
discorso Opeth è analogo a quello della carriera musicale di Steven Wilson, o
li si amano o li si detestano. Qui siamo al cospetto di quel Metal gotico e
Black dalle forti tinte Progressive che solo i grandi musicisti sanno
affrontare. Sono ancora un punto di riferimento per moltissime band, anche se
gli ultimi album hanno fatto storcere il naso ai fans di prima carriera. E cosa
fanno oggi con il quattordicesimo album? Ritornano un passo indietro rispetto
gli ultimi quattro dischi rispolverando addirittura il mitico growl che li ha
resi famosi. Non mancano le fasi Progressive, ma meno marcate. Un album per i
die hard del gruppo con grandi intuizioni. Voto 8,0
KARFAGEN – Omni (Antony Kalugin
& Caerllysi – 2025)
La
band ucraina è un fiume in piena, basta dire che in quasi due anni realizzano
sette album in studio e tutti di buona fattura. Loro sono il frutto del
musicista e compositore poliedrico Antony Kalugin. Nella musica il solito
Canterbury sound (non a caso ospite c’è Richard Sinclair) e tanto Prog di
matrice The Flower King e anni ’70. Flauti, tastiere, chitarre alla Hackett,
violino elettrico, insomma tanto ben di Dio nelle dieci tracce che compongono
l’album. Scorrevole e colorato. Voto: 7,5
FIESTA ALBA – Pyrotechnic Babel Neontoaster Multimedia Dept / Bloody Sound Genere:
Alternative / Math Rock Supporto: cd /
digitale – 2025
Abbiamo
conosciuto i misteriosi Fiesta Alba attraverso l’EP omonimo del 2023, un
debutto sorprendente per fantasia sia sonora che scenica. Quattro musicisti e
lottatori che si celano dietro ad una maschera e con nomi di fantasia, Octagon
(composizioni, chitarra, graphic design), Dos Caras (produzione artistica,
suoni sintetici e digitali), Fishman (basso), e Pyerroth (batteria). La
musica proposta apporta dinamiche varianti che si aggirano attorno al mondo del
Math Rock contaminato dall’Hip-Hop, musica Afrobeat e Punk. Sperimentazione e
anticonformismo sembrano essere la parola d’ordine anche per questo ufficiale
debutto intitolato “Pyrotechnic Babel”. Interessanti gli spunti riconducibili
ai King Krimson e a Brian Eno, a testimonianza di una buona cultura musicale di
base. In
quest’album si avvalgono della collaborazione di artisti internazionali
provenienti dal Giappone, dall’Africa e dall’Italia stessa. Le tematiche
affrontate sono sottolineate da narratori contemporanei, filosofi e pensatori i
quali donano voce alle contraddizioni e alla complessità della società odierna. L’iniziale
“No Gods No Masters” vede la partecipazione alla voce di Katarina Poklepovic,
dove ci s’immerge in un impero dei sensi in cui non si necessitano di dei e
padroni. Il pezzo trascinante si circonda di elettronica e di un basso potente,
un Rap dal sapore Grunge. “Technofeudalism”
è immerso nel mondo crimsoniano in cui le chitarre apportano quell’incedere incalzante
e nervoso come Fripp insegna. La narrazione estrapolata dalla voce di Gianis Varoufakis
è profetica dei tempi moderni, qui il presente dispotico si abbandona alla
tecnologia e ai vari Spotify o Alexa del caso. Il ritmo pressante offre uno
scenario perfetto all’insieme. Proveniente
dal Senegal, la cantante Sister LB fa da legante all’elettronica e la
strumentazione essenziale in “Je Suis Le Wango”, pezzo alienante in cui si
manifesta la volontà dei Fiesta Alba di sperimentare in ambiti apparentemente
scontati. Il
primo movimento strumentale s’intitola “Collective Hypnosis”, una cascata di
Synth travolge l’ascolto, spezzati dai loop di chitarra e dell’immancabile
elettronica. Il pezzo ipnotico vuole essere colonna sonora della società
attuale. Judicious
Brosky è un rapper giapponese che racconta di un amore fugace accaduto in un
treno ad alta velocità nel brano “Waku Waku”. Le ritmiche serrate sono il pane
quotidiano dello stile Fiesta Alba e li conduce verso un Math Rock altamente
coinvolgente. Una
delle composizioni più articolate è la strumentale “Post Math”, qui il gruppo
interseca fiati elettronici a tempi dispari, chitarre inquiete e synth per un
connubio dalla forte personalità. Gli
arrangiamenti sono presenti in forma di archi in “Learn To Ride Hurricanes”,
supportati dalla voce gentile di Alessandra Plini. Trattasi di una fiaba
riguardante i tempi moderni e il disagio che ci circonda. Il tutto ha una base
Rock che nuovamente va a cozzare con il suono dei King Crimson sempre a causa
della chitarra elettrica in modalità “Thela Hun Ginjeet”. Altro
strumentale poliedrico dalle caratteristiche già espresse è “Dromocracy”,
mentre “Safoura” narra l’amore per una donna irraggiungibile come una terra
lontana per voce di Pape Kanoute. Anche qui il Math Rock sale in cattedra. Il
disco chiude con il dub di “Mark Was Right”, dove il filosofo, sociologo
scomparso nel 2017 presta la sua voce. In
“Pyrotechnic Babel” c’è musica sia da ballare che da ascoltare, un’impresa non
semplice in un mondo sonoro contemporaneo in cui tendenzialmente ci si
accontenta dello scontato. MS
Versione Inglese:
FIESTA ALBA - Pyrotechnic
Babel Neontoaster Multimedia Dept
/ Bloody Sound Genre: Alternative / Math
Rock Support: cd / digital – 2025 We got to know the
mysterious Fiesta Alba through their self-titled EP from 2023, a stunning debut
in both sonic and stage imagination. Four musicians and wrestlers hiding behind
a mask and with fancy names, Octagon (compositions, guitar, graphic design), Dos
Caras (production art, synthetic and digital sounds), Fishman (bass), and
Pyerroth (drums). The proposed music brings
dynamic variations that hover around the world of Math Rock contaminated by
Hip-Hop, Afrobeat music and Punk. Experimentation and nonconformity also seem
to be the watchword for this official debut titled “Pyrotechnic Babel”. The
cues traceable to King Krimson and Brian Eno are interesting, testifying to a
good basic musical culture. On this album they draw on
the collaboration of international artists from Japan, Africa and Italy itself.
The themes addressed are emphasized by contemporary storytellers, philosophers
and thinkers who give voice to the contradictions and complexities of today's
society. The opening “No Gods No
Masters” features Katarina Poklepovic on vocals, where we are plunged into an
empire of the senses in which there is no need for gods and masters. The
dragging track surrounds itself with electronics and a powerful bass, a Rap
with a Grunge flavor. “Technofeudalism” is steeped
in the Crimsonian world in which the guitars bring that relentless, jittery
pace as Fripp teaches. The narrative extrapolated from the voice of Gianis
Varoufakis is prophetic of modern times, here the despotic present indulges in
technology and the various Spotify or Alexa of the case. The pressing rhythm
provides a perfect backdrop to the ensemble. Hailing from Senegal,
vocalist Sister LB binds electronics and essential instrumentation in “Je Suis
Le Wango”, an alienating piece in which Fiesta Alba's willingness to experiment
in seemingly obvious realms manifests itself. The first instrumental
movement is titled “Collective Hypnosis”, a cascade of Synths overwhelms the
listening, broken up by guitar loops and the ever-present electronics. The hypnotic
piece is meant to be a soundtrack to today's society. Judicious Brosky is a
Japanese rapper who tells of a fleeting love that happened in a high-speed
train in the track “Waku Waku.” Tight rhythms are the bread and butter of
Fiesta Alba's style, leading them into highly addictive Math Rock. One of the most articulate
compositions is the instrumental “Post Math”, here the group intersects
electronic horns at odd times, restless guitars and synths for a combination
with a strong personality. Arrangements are present in
the form of strings in “Learn To Ride Hurricanes”, supported by the gentle
voice of Alessandra Plini. This is a fairy tale concerning modern times and the
unease that surrounds us. The whole thing has a Rock base that again clashes
with the sound of King Crimson again because of the electric guitar in “Thela
Hun Ginjeet” mode. Another multifaceted
instrumental with characteristics already expressed is “Dromocracy”, while
“Safoura” tells of love for a woman as unattainable as a distant land by Pape
Kanoute's vocals. Math rock takes the stage here as well. The album closes with the
dub of “Mark Was Right”, where the philosopher, sociologist who died in 2017
lends his voice. In “Pyrotechnic Babel”,
there is music to both dance to and listen to, no easy feat in a contemporary
sound world where we tend to settle for the obvious. MS
STEVEN WILSON – The Overview Fiction
Records / Virgin Music Group Genere:
Progressive Rock /Psichedelico Supporto:
digital / cd / lp - 2025
Sono
consapevole che parlare di un artista come Steven Wilson non porta a nulla,
questo perché ognuno di noi resta fermo sulle proprie idee. La
musica deve emozionare, altrimenti non raggiunge lo scopo, c’è chi lo fa in un
modo chi in un altro, tutti vibriamo differentemente. Le esperienze personali e
la cultura stessa ci conducono ognuno per la propria strada. E fin qui tutto
ok. Quello
che resta più difficile è capire il valore di un artista, spesso lo si esprime
attraverso simpatie o antipatie del caso, ed è già un errore. Sottolineo
che il pubblico del Progressive Rock è quantomeno esigente, e ama perdersi in un
mare di gruppi di nicchia, spesso esaltando lavori distribuiti in poche copie
ma ritenuti capolavori. Volente o nolente, il genere “presuppone” un pubblico
di Élite che si vuole distanziare da tutto quello che al momento è di moda. In
teoria dovrebbe amare ciò che è in evoluzione (progressive), e alcuni lo fanno,
ma altrettanti restano radicati ai propri passati credo. Che
cosa sia giusto o meno non sta a me delinearlo, per il motivo detto, ossia che
ognuno gode della musica come vuole. Steven
Wilson attraverso i suoi numerosi progetti e la carriera solista, ha definito
una strada nella musica mondiale contemporanea, questo è inopinabile viste le
migliaia di band che lo hanno seguito, e ve lo dico perché ascolto una marea di
musica al riguardo. Il solco più grande lo ha tracciato attraverso i Porcupine
Tree. Ciò
non è stato perdonato da molti fans del Progressive Rock, portare il genere al
successo è quasi sacrilego, infatti leggendo nel web si evince che la sua prima
carriera è amata, la più recente (di successo) no. Ciò è accaduto nel tempo con
moltissime band, dai Genesis ai Pink Floyd etc. Ma
guardiamo le cose come si presentano attraverso una visione distaccata. La
carriera solista del musicista e ingegnere del suono è costellata di alti e
bassi, intuizioni eccellenti come nel caso di “The Raven That Refused To Sing
(And Other Stories)” oppure del secondo “Grace For Drowning”, si alternano a
dischi meno incisivi come “The Harmony Codex”, ma anche qui alcuni potrebbero
già disquisire. Tuttavia le band a seguire si sono ispirate maggiormente ai primi
due dischi piuttosto che al Pop del terzo citato. Un poco come chi ha composto
album simili ai Genesis di Peter Gabriel piuttosto che a quelli di “Calling All
Stations”, credo che l’esempio sia calzante. Un
altro particolare da rilevare è che un artista vero fa quello che sente in quel
determinato momento, esso evolve non curante dei propri fans. Può piacere o
meno, ma la libertà di espressione è questa. Non si può pretendere che tizio
faccia sempre il solito album. Tuttavia esistono casi in cui un artista che
vive di musica, grazie alla formula trovata, non si distanzi minimamente da
essa, esempi in Italia ne abbiamo di consistenti, da Vasco Rossi a Ligabue etc.
Anche in questo caso non mi azzardo a criticare il loro operato, il fatto che
hanno un numero nutrito di fans e che possano vivere della propria arte,
apporta la ragione dalla loro parte. Wilson
ci ha abituati bene, una carriera piena di buone intuizioni, per questo ci
attendiamo sempre un capolavoro. La
chiave di lettura risiede nel fatto che lui ha saputo toccare numerose
influenze periodo per periodo, che vanno dalla Psichedelia al Prog dei King
Crimson passando anche nell’Heavy Metal, ecco, questo ha destabilizzato molti
ascoltatori, specialmente non gli è perdonato l’accostamento all’Heavy Metal.
In parole povere, perde e acquista fans ogni disco. Ho
già detto troppo e non voglio fare più confusione di quella che già si aggira
attorno a questo musicista, resta il fatto che è un punto di riferimento,
questo può piacere o no a tutti. Cosa ci propone nell’ultimo “The Overview”?
Semplicemente un passo indietro rispetto al passato Pop, un ritorno a quella
Psichedelia raffinata nel tempo che lo ha contraddistinto. Che abbia voluto
richiamare a se i vecchi fans non lo so, resta il fatto che due lunghe suite
sono un fattore decisamente dal sentore Prog! Infatti
il disco si avvale di due brani, “Objects Outlive Us” e “The Overview“. Cosa si
può ascoltare all’interno? Per chi vi scrive soltanto un riassunto (fatto
abbastanza bene) delle puntate precedenti. In parole povere, chi conoscerà
Wilson attraverso quest’album potrà dire che è un grande disco, chi già conosce
a menadito la sua carriera storcerà un poco il naso. E poi ci saranno quelli
che stroncheranno a prescindere in base alle considerazioni che ho sopra esposto. Perciò
è meglio non farsi prendere da facili entusiasmi ma neppure dal denigrare, perché
questo disco è fatto bene, con grandissima qualità sonora, alcune brevi ma
ottime intuizioni, e poi molti dejà vu. Non l’ho mai fatto in una recensione,
ma per farvi capire ancora meglio su come la penso attraverso un voto, darei un
bel 6,5, ossia più che sufficiente, ma niente di più. MS
Versione Inglese:
STEVEN WILSON - The Overview Fiction Records / Virgin Music Group Genre: Progressive Rock /Psychedelic Support: digital / cd / lp - 2025
I'm aware that talking about an artist like Steven
Wilson accomplishes nothing, that's because everyone sticks to their own ideas. Music must emote, otherwise it doesn't achieve its purpose,
some people do it one way and some another, we all vibrate differently.
Personal experiences and culture itself lead us each on our own path. And so
far so good. What remains more difficult is to understand the value
of an artist, often it is expressed through sympathies or dislikes of the case,
and that is already a mistake. I emphasize that the Progressive Rock audience is at
least demanding, and likes to get lost in a sea of niche bands, often extolling
works distributed in a few copies but deemed masterpieces. Like it or not, the
genre “presupposes” an elite audience that wants to distance itself from
everything that is currently fashionable. In theory it should love what is
evolving (progressive), and some do, but just as many remain rooted to their
past beliefs. What is right or wrong is not for me to delineate, for
the reason stated, which is that everyone enjoys music as they wish. Steven Wilson through his many projects and solo
career, has defined a path in contemporary world music, this is inopinable
given the thousands of bands that have followed him, and I tell you this
because I listen to a ton of music about it. The biggest groove he has laid
through Porcupine Tree. This has not been forgiven by many Progressive Rock
fans, bringing the genre to success is almost sacrilegious, in fact reading
around the web shows that his earlier career is beloved, his more recent
(successful) one is not. This has happened over time with many bands, from
Genesis to Pink Floyd etc. But let us look at things as they are presented
through a detached view. The solo career of the musician and sound engineer is
peppered with ups and downs, excellent insights as in the case of “The Raven
That Refused To Sing (And Other Stories)” or the second “Grace For Drowning”, alternating
with less incisive records such as “The Harmony Codex,” but even here some
might already disquisition. However, the bands to follow were more inspired by
the first two records rather than the Pop of the third mentioned. A little like
those who composed albums similar to Peter Gabriel's Genesis rather than
“Calling All Stations”, I think the example fits. Another detail to note is that a true artist does what
he or she feels at that particular moment, it evolves regardless of its fans.
You may like it or not, but that is the freedom of expression. You cannot
expect a guy to make the same album over and over again. However, there are
cases where an artist who lives by music, thanks to the formula found, does not
deviate from it in the slightest, examples in Italy we have consistent ones,
from Vasco Rossi to Ligabue etc. Again I do not venture to criticize them, the
fact that they have a large number of fans and can live off their art brings
reason on their side. Wilson has accustomed us well, a career full of good
insights, so we always expect a masterpiece. The key lies in the fact that he has been able to
touch numerous influences period by period, ranging from Psychedelia to King
Crimson's Prog passing even into Heavy Metal, here, this has destabilized many
listeners, especially he is not forgiven for the juxtaposition to Heavy Metal.
Simply put, it loses and gains fans every record. I have already said too much and I don't want to make
more confusion than is already swirling around this musician, the fact remains
that he is a landmark, this may or may not appeal to everyone. What does he
offer us in his latest “The Overview”? Simply a step back from the Pop past, a
return to that time-refined Psychedelia that distinguished him. Whether he
wanted to call back old fans I don't know, the fact remains that two long
suites are a definite factor with a Prog feel! In fact, the record makes use of two tracks, “Objects
Outlive Us” and “The Overview”. What can be heard inside? For the writer only a
summary (done quite well) of the previous installments. Simply put, those who
will know Wilson through this album will be able to say that it is a great
record, those who already know his career inside out will turn their noses up a
bit. And then there will be those who will crush it regardless based on the
considerations I have outlined above. So it is best not to get caught up in easy enthusiasm
but also not to denigrate, because this record is done well, with great sound
quality, some brief but excellent insights, and then a lot of déjà vu. I've
never done this in a review, but to make you even more clear on how I feel
about it through a rating, I would give a nice 6.5, which is more than enough,
but nothing more. MS
Mi
viene da dire che oggi viviamo in una società quantomeno inquieta, dove
l’efferatezza si manifesta in molti dei nostri atteggiamenti. Pochi i freni
inibitori, spesso si attacca il prossimo per non essere a nostra volta attaccati,
un periodo in cui l’incertezza rende tutti molto aggressivi. La perfetta
colonna sonora di quest’andamento ce la compongono i pugliesi Migraine con
“Un’Abitudine”. Non si tratta di un vero e proprio concept album, piuttosto di
una serie di tasselli che vanno a intersecarsi fra di loro in un'unica visione
dello stato delle cose. Il
sound, conseguentemente, deve avere caratteristiche rabbiose che si alternano a
frangenti più pacati, e quale musica se non lo Stoner e il Grunge è più
adeguata? Gruppi come Queens Of The Stone Age, Mudhoney, Soundgarden, e altri
ancora, sono il punto di riferimento anche dei Migraine, trio formato da Jordan
Rech (batteria), Alex Pagano (basso), e Vinnie Brown (chitarra, voce). Si
formano a Brindisi nel 2019 per gettarsi a capofitto nei suoni ruvidi degli
anni ’90. Il nome Migraine richiama ironicamente l’emicrania, un disturbo che
ci coglie spesso alla sprovvista, proprio come la loro robusta musica. Il disco,
in confezione cartonata con le grafiche di Giuseppe Castellana / Cripta Tattoo
Studio e le foto di Daniela Turco, si apre potentemente con l’intro “Aria n°8”,
insegna del loro essere. Esso conduce alla title track, dove l’inizio Fuzz Rock
lascia il campo a ritmi pressanti in cui la voce graffiante di Vinnie Brown
narra questo succitato abbruttimento societario senza mezzi termini. Da
sottolineare l’ottima registrazione ai Last Floor Studio di Ciccio Bento
Barletta. Musica diretta dall’inciso rabbioso. “Andromeda”affronta
i demoni che ci affliggono nella mente in un duello fra il bene e il male, il
passato e il presente. Il sound gode di un groove trascinante. Musica sudata, e
potente. Bello l’attimo centrale psichedelico. Attraverso
“Era” e il suo basso distorto s’implode psicologicamente in una lotta interna
priva di via d’uscita. Qui altri tratti Psichedelici fanno capolino, ricordando
alcuni passaggi dei storici Pink Floyd. Poi
giungono i Migraine che non ti aspetti, molto vicini a Nick Cave in una ballata
strumentale che racconta di una estate malinconica, il titolo è “The Height Of
Summer”. Tutto attorno a noi diventa instabile e fuggente. Altro brano
introspettivo è “Marlboro”, una sorta di Blues vigoroso in cui s’indaga sul
confine che risiede fra la solitudine e la salvezza. Non manca neppure il Dub,
ci pensa “Linda” a proporre nuove soluzioni pur restando radicata al quel
Grunge proveniente dalle vocalità di Kurt Cubain (Nirvana). “Indagini”
è la breve colonna sonora di un percorso assurdo nei labirinti della mente, con
ritmi possenti e richiami alla band Unsane. Poi è la volta di “Tatooine” (la
mia preferita), il suo Blues intenso mostra una musica spezzata, ricercata, per
un viaggio ragionato ma coinvolgente. Il basso ricopre un ruolo fondamentale
nel contesto, donando all’ascolto profondità, mentre il solo di chitarra spezza
l’andamento al punto giusto. “Gocce”
chiude l’album, analizzando la “felicità chimica” che conduce al senso della
fragilità umana, e questa volta lo fa in Migraine style. Questo
debutto è ben realizzato oltre che curato nei particolari, ciò testimonia il
fatto che il trio di certo non è sprovveduto. Sicuramente la band in sede live
non sarà da perdere! Benvenuti Migraine. MS
Versione Inglese:
MIGRAINE – Un’Abitudine Self-production Genre: Stoner / Grunge / Psychedelic Support: cd / digital - 2025
It occurs to me that today we live in a restless
society to say the least, where savagery manifests itself in many of our
attitudes. Few inhibitory brakes, we often attack others so as not to be
attacked in turn, a time when uncertainty makes everyone very aggressive. The
perfect soundtrack to this trend is composed for us by Puglia's Migraine with
“Un’Abitudine”. This is not a true concept album, rather a series of pieces
that intersect with each other in a single vision of the state of things. The sound, consequently, has to have angry
characteristics alternating with quieter bangs, and what music if not Stoner
and Grunge is more appropriate? Bands such as Queens Of The Stone Age,
Mudhoney, Soundgarden, and others are also the reference point for Migraine, a
trio formed by Jordan Rech (drums), Alex Pagano (bass), and Vinnie Brown
(guitar, vocals). They formed in Brindisi in 2019 to throw themselves
headlong into the rough sounds of the 1990s. The name Migraine ironically
recalls migraine, a disorder that often catches us off guard, just like their
robust music. The album, in hardback packaging with graphics by Giuseppe
Castellana / Cripta Tattoo Studio and photos by Daniela Turco, opens powerfully
with the intro “Aria No. 8”, an insignia of their being. It leads to the title
track, where the Fuzz Rock beginning leaves the field to pressing rhythms in
which Vinnie Brown's scratchy voice narrates this aforementioned societal
brutalization in no uncertain terms. Of note is the excellent recording at
Ciccio Bento Barletta's Last Floor Studio. Direct music with an angry aside. “Andromeda” tackles the demons that plague our minds
in a duel between good and evil, past and present. The sound enjoys a dragging
groove. Sweaty music, and powerful. Beautiful is the psychedelic middle moment. Through “Era” and its distorted bass it implodes
psychologically in an internal struggle with no way out. Here other Psychedelic
traits peep out, recalling some passages from historic Pink Floyd. Then come the Migraine you don't expect, very close to
Nick Cave in an instrumental ballad about a melancholy summer, the title is
“The Height Of Summer”. Everything around us becomes unstable and fleeting.
Another introspective track is “Marlboro,” a kind of vigorous Blues in which we
investigate the boundary that resides between loneliness and salvation. There
is no shortage of Dub, either; “Linda” takes care of that, proposing new
solutions while remaining rooted to that Grunge coming from the vocals of Kurt
Cubain (Nirvana). “Indagini” is the short soundtrack to an absurd
journey through the labyrinths of the mind, with mighty rhythms and references
to the band Unsane. Then it's the turn of “Tatooine” (my favorite), its intense
blues showcasing broken, searching music for a reasoned but engaging journey.
The bass plays a key role in the context, giving the listening depth, while the
guitar solo breaks up the progression just right. “Gocce” closes the album, analyzing the ‘chemical
happiness’ that leads to a sense of human frailty, and this time it does so in
Migraine style. This debut is well crafted as well as meticulously
crafted, which testifies to the fact that the trio is certainly not clueless.
Definitely the band in live performance will not be to be missed! Welcome
Migraine. MS
