Movion

MOVION – Vertice
Luminol Records
Genere: Post Rock / Elettronica / Psichedelia
Supporto: Bandcamp / CD – 2025

Vorrei subito sottolineare che, negli ultimi anni, le tematiche trattate nella musica spesso si addentrano nel sociale, o per meglio dire, nel futuro dell'umanità, sempre descritta come priva di sentimento, fredda e troppo affidata all'elettronica. Scenari apocalittici. Quindi è palese che la teoria la conosciamo, ma in pratica non riusciamo a privarci neppure di un minuto di internet o del telefono. Non è polemica, ma è ciò che sto riscontrando nel tempo.
Queste sono dunque grida di allarme da parte anche degli artisti che, in qualche modo, cercano di smuovere la sensibilità delle persone, ma le persone siamo noi, forse dovremmo guardarci tutti dentro.
Mi permettete uno sfogo? La situazione comincia ad essere pesante e bene fanno anche i torinesi Movion a trattare con il suono questo argomento nel loro ultimo lavoro, "Vertice".
Movion è un trio strumentale nato nel 2012 a Torino dall'incontro di Antonio Vomera (basso, synth), Alessandro Angeleri (batteria, drum machine) e Nicolò Tamagnone (chitarra). Nel 2015 pubblicano il primo album, "Movion", e nel 2018 è la volta di "Blank", entrambi caratterizzati da loop strumentali elettro-acustici tipici del Post Rock.
Sono serviti sei anni per rilasciare "Vertice", e già vi dico sin da subito che il tempo è stato ben impiegato, curando le nove canzoni contenute in modo minuzioso e professionale. L'equilibrio fra le parti strumentali, anche acustiche, e l'elettronica è ben bilanciato con delicate melodie e atmosfere sognanti.
"Cronk" è già immerso nel contesto, magniloquente nel suono, pachidermico nell'incedere. Mi vengono in mente i God Is An Astronaut, più dolorosi, e la mente già spazia in contesti cinematografici.
Le arie si quietano con il pianoforte di "As Hard As I Can", seguite dalla chitarra elettrica sopra un tappeto psichedelico e sognante. Musica per vivere sensazioni intime, quella che ti scava dentro. La batteria sembra lontana, quasi a non voler disturbare l'andamento.
La formula del crescendo si sa che è funzionale e i Movion l'adoperano spesso, anche in "Prometheus Unchained", in cui squarci di serenità sembrano voler spaccare il muro dell'angoscia.
Il brano "Endless Dog" prosegue imperterrito il cammino senza mai uscire dal sentiero tracciato, che viene spezzato soltanto dai due minuti di "Endless Dog", dove l'elettronica è maggiormente presente. Essa conduce verso "I, The Machine", e qui fa comparsa anche una voce narrante.
Il pianoforte melodico adoperato su "That’s The Way, He Should Have Begun, But He’s Hopeless" disegna un andamento gradevole sul quale effetti sonori si dipanano assieme all'immancabile chitarra elettrica, mentre l'eco dona profondità al brano.
"The Activity Of Sound" è il pezzo più lungo dell'album, grazie agli otto minuti abbondanti di durata, ed è anche, per chi vi scrive, uno dei migliori frangenti in cui lasciarsi rapire.
La nebbia si dirada con la conclusiva "It Depends on You", canzone più aperta e solare rispetto a quanto ascoltato durante il percorso, quasi beneaugurante per un futuro che comunque dovrà fare il suo corso.
"Vertice" è un disco elaborato, insistente, maturo, adatto alle orecchie ferrate di chi fa del Post Rock un credo di vita. Musica per la mente. MS

 

Versione Inglese: 

MOVION – Vertice
Luminol Records
Genre: Post Rock / Electronic / Psychedelia
Support: Bandcamp / CD – 2025

I would like to point out that, in recent years, the themes addressed in music often delve into social issues, or rather, the future of humanity, always described as devoid of feeling, cold, and too reliant on electronics. Apocalyptic scenarios. So it's clear that we know the theory, but in practice, we can't even do without a minute of internet or our phones. It's not a criticism, but it's what I'm noticing over time.
These are, therefore, alarm calls from artists who, in some way, try to stir people's sensitivity, but people are us, maybe we should all look inside ourselves.
May I vent? The situation is starting to get heavy, and the Turin-based Movion does well to address this topic with sound in their latest work, "Vertice".
Movion is an instrumental trio formed in 2012 in Turin by Antonio Vomera (bass, synth), Alessandro Angeleri (drums, drum machine), and Nicolò Tamagnone (guitar). In 2015, they released their first album, "Movion", and in 2018, "Blank", both characterized by electro-acoustic instrumental loops typical of Post Rock.
It took six years to release "Vertice", and I'm telling you right away that the time was well spent, carefully crafting the nine songs in a meticulous and professional manner. The balance between instrumental parts, including acoustic ones, and electronics is well-balanced with delicate melodies and dreamy atmospheres.
"Cronk" is already immersed in the context, magnificent in sound, pachydermic in pace. I think of God Is An Astronaut, more painful, and my mind already wanders into cinematic contexts.
The airs calm down with the piano of "As Hard As I Can", followed by the electric guitar on a psychedelic and dreamy carpet. Music to live intimate sensations, the kind that digs inside you. The drums seem far away, almost as if they don't want to disturb the flow.
The crescendo formula is known to be functional, and Movion often uses it, also in "Prometheus Unchained", where flashes of serenity seem to want to break the wall of anguish.
The song "Endless Dog" continues its path unwaveringly, without ever leaving the traced path, which is only broken by the two minutes of "Endless Dog", where electronics are more present. It leads to "I, The Machine", and here a narrative voice also appears.
The melodic piano used in "That’s The Way, He Should Have Begun, But He’s Hopeless" creates a pleasant flow on which sound effects unfold along with the inevitable electric guitar, while the echo gives depth to the song.
"The Activity Of Sound" is the longest piece on the album, thanks to its eight-plus minutes of duration, and is also, for me, one of the best moments to let yourself be swept away.
The fog clears with the concluding "It Depends on You", a more open and sunny song than what was heard during the journey, almost auspicious for a future that will still have to take its course.
"Vertice" is an elaborate, insistent, mature album, suitable for the seasoned ears of those who make Post Rock a way of life. Music for the mind. MS

 

Il Segno Del Comando e Ma.Ra.Cash Records

 Il Segno del Comando firma con Ma.Ra.Cash Records

Il Segno del Comando annuncia il nuovo accordo di distribuzione con Ma.Ra.Cash Records.
La band ha ufficialmente siglato un accordo di distribuzione con la prestigiosa label/distro, punto di riferimento del panorama prog italiano e internazionale.
L’intesa rappresenta un passaggio significativo nel percorso artistico della band e consentirà una più ampia diffusione delle proprie produzioni, contribuendo al consolidamento dell’identità musicale del gruppo e allo sviluppo di nuove opportunità di visibilità.

Il Segno del Comando announces a new distribution deal with Ma.Ra.Cash Records.The band has officially signed a distribution agreement with the prestigious label/distro, a reference point in the Italian and international prog scene. This agreement represents a significant step in the band's artistic journey and will allow for wider dissemination of their productions, contributing to the consolidation of the group's musical identity and the development of new visibility opportunities.

Paolo Sanna

PAOLO SANNA – Mind Castle
Autoproduzione
Genere: Virtuoso - chitarra / Progressive Metal
Supporto: Digitale (Bandcamp) – 2026

 
Ho scoperto le doti del talentuoso chitarrista Paolo Sanna nel 2023, grazie all’ascolto dell’EP “Novem Reges”.
Solitamente, in termini di gradimento e divulgazione, la musica strumentale riscontra maggiori difficoltà rispetto a quella cantata. Il motivo è presto detto: una melodia, per quanto interessante e gradevole, è più difficile da memorizzare rispetto a un testo. Tuttavia, questo concetto non vale per tutte le fette di pubblico; esiste infatti una nicchia che dalla musica pretende qualcosa in più: passaggi tecnici, controtempi e virtuosismi.
Paolo Sanna è un chitarrista che riesce a bilanciare ottime melodie e passaggi tecnici senza soffocare l’ascolto. Ne ho avuto conferma con il nuovo lavoro “Mind Castle”, in uscita il 20 gennaio 2026.
L’artista, nato a Bassano del Grappa il 12 novembre 1991, inizia ad appassionarsi alla chitarra a 15 anni, suonando come autodidatta in band locali. In seguito intraprende studi accademici presso il conservatorio “Cesare Pollini” di Padova, dove consegue la laurea triennale in Musica Elettronica sotto la guida del professor Matteo Costa. Grazie al progetto Erasmus presso l’Accademia Musicale di Cracovia, entra in una band multiculturale esibendosi nei club polacchi. Consegue inoltre i diplomi di 1°, 2° e 3° livello presso l’Accademia Doopy, ottenendo l'abilitazione all'insegnamento. Dopo aver composto la musica per il cortometraggio indipendente Alpha e Omega di Nicola Pegg, debutta discograficamente nel 2016 con il progetto Inedia e l’album Aritmia/Wasteland. Questa carriera, ricca di esperienze diverse, lo ha condotto a comporre musica che in molti passaggi sfiora il Progressive Metal.
Il disco vanta una copertina affascinante che introduce l’ascoltatore nel mondo immaginifico di Sanna: un castello costruito all'interno del cranio di un busto di pietra, a simboleggiare l'architettura del pensiero.
I sette brani di Mind Castle si aprono con "Ascension", una composizione in crescendo dalle atmosfere velatamente oscure e possenti. La musica evoca scenari cinematografici, tra attese e ripartenze scandite da riff taglienti. La potenza trova conferma in "Get Out", una fuga in cui la chitarra si cimenta in scale interessanti per poi adagiarsi su fraseggi melodici; questo alternarsi di soluzioni mantiene alta l’attenzione.
"Eat More" ruggisce con forza, scurendo ulteriormente i toni in un’immersione nel Progressive Metal più articolato. Segue "Ghost Whisper", dove i "fantasmi" sembrano palesarsi in tutta la loro impalpabile essenza. Il brano trasmette sensazioni altalenanti tra richiami al Metal nordico e momenti più distesi, impreziositi da ottimi giri di basso. È, a mio avviso, uno dei pezzi migliori del lotto.
Con "Baroque Dance" si cambia registro: su un ritmo Funk, Sanna scivola sulla tastiera riscoprendo sonorità a cavallo tra la fine degli anni '70 e i primi '80. Sembra quasi una jam session in cui l’artista mette a nudo la propria cultura musicale. "Industrial Spike" mostra invece un carattere deciso e una consapevolezza dei propri mezzi capace di ammaliare chi ascolta. Chiude il disco l'oscura "å", un brano dal lento ritmo Doom arricchito da eccellenti tappeti di tastiera.
Sanna dimostra di saper condurre l’ascoltatore in questo viaggio facendogli da "Cicerone" con classe, senza mai strafare e disseminando qua e là chicche sonore. Consiglio vivamente l’ascolto di Mind Castle: contiene passaggi che rimangono impressi nella memoria, un pregio raro e prezioso per un album interamente strumentale. MS 

Versione Inglese:

PAOLO SANNA – Mind Castle
Self-release
Genre: Virtuoso Guitar / Progressive Metal
Format: Digital (Bandcamp) – 2026

 
I first discovered the skills of talented guitarist Paolo Sanna in 2023, after listening to his EP Novem Reges.
Typically, in terms of popularity and mainstream reach, instrumental music faces greater challenges compared to vocal music. The reason is simple: a melody, however interesting and pleasant, is harder to memorize than lyrics. However, this does not apply to all audiences; there is a niche that demands something more from music: technical passages, odd time signatures, and virtuosity.
Paolo Sanna is a guitarist who manages to balance excellent melodies with technical passages without overwhelming the listener. I found confirmation of this in his new work Mind Castle, set for release on January 20, 2026.
Born in Bassano del Grappa on November 12, 1991, the artist first fell in love with the guitar at the age of 15, playing as a self-taught musician in local bands. He later pursued academic studies at the “Cesare Pollini” Conservatory in Padua, where he earned a Bachelor’s degree in Electronic Music under the guidance of Professor Matteo Costa. Thanks to an Erasmus project at the Academy of Music in Kraków, he joined a multicultural band, performing in Polish clubs. He also holds 1st, 2nd, and 3rd-level diplomas from the Doopy Academy, including teaching certification. After composing the music for the independent short film Alpha e Omega by Nicola Pegg, he made his recording debut in 2016 with the project Inedia and the album Aritmia/Wasteland. This career, rich in diverse experiences, has led him to compose music that frequently borders on Progressive Metal.
The album boasts a fascinating cover that introduces the listener to Sanna's imaginative world: a castle built inside the skull of a stone bust, symbolizing the "architecture of thought."
The seven tracks of Mind Castle open with "Ascension", a composition that builds in intensity with vaguely dark and powerful atmospheres. The music evokes cinematic scenarios, characterized by pauses and restarts driven by sharp riffs. This power is confirmed in "Get Out", a fast-paced track where the guitar ventures into interesting scales before settling into melodic phrasing; this alternating approach keeps the listener's attention high.
"Eat More" roars with strength, further darkening the tones in an immersion into more complex Progressive Metal. This is followed by "Ghost Whisper", where "ghosts" seem to manifest in all their impalpable essence. The track conveys fluctuating sensations between nods to Nordic Metal and more relaxed moments embellished by excellent bass lines. In my opinion, it is one of the best tracks of the lot.
With "Baroque Dance", the record shifts gears: over a Funk rhythm, Sanna glides across the fretboard, rediscovering sounds from the late '70s and early '80s. It feels almost like a jam session where the artist lays bare his musical background. "Industrial Spike", on the other hand, shows a strong character and a self-awareness capable of captivating the listener. The album closes with the dark "å", a track with a slow Doom pace enriched by excellent keyboard layers.
Sanna proves he can lead the listener through this journey, acting as a "Cicerone" (guide) with class, never overdoing it while scattering sonic gems throughout. I highly recommend listening to Mind Castle: it contains passages that truly stick in the mind—a rare and precious quality for an entirely instrumental album. MS

Experia

EXPERIA – Threshold
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digitale – 2026

Raramente mi è capitato, navigando su internet alla ricerca di novità Progressive italiane, di imbattermi in una band senza trovarne alcuna informazione. Riflettendoci con il senno di poi, ho trovato la cosa molto affascinante: mi ha ricordato quando un tempo si compravano i vinili a scatola chiusa, ricercando il piacere della sorpresa. Ho accettato la sfida.
L'occasione si è presentata con il duo Experia, composto da Marco Tribuzio (voce, chitarra, basso, programmazione) e Bruno Rossi (tastiere, programmazione).
Passando immediatamente all’ascolto di “Threshold”, denoto sin dal brano d'apertura, “Uccelli”, un mix temporale singolare che abbina l’Hard Prog degli anni ’70 alla New Wave degli anni ’80. Le tastiere iniziali richiamano i Pink Floyd, ma solo per un istante. La voce convince maggiormente nelle parti più alte; per il resto, il brano offre una melodia molto orecchiabile.
Il titolo del secondo brano, “Proibito”, sembrerebbe lanciare un chiaro indizio verso i Litfiba, ma in realtà ci si trova davanti a un movimento Rap con phone voice su un ottimo giro di basso che, successivamente, si rivela debitore di un grande artista come Pino Daniele. È valida l’idea psichedelica che si dipana durante lo sviluppo del pezzo, così come l’assolo di chitarra elettrica. Indovinate e azzeccate le coralità femminili in sottofondo.
Con la terza traccia, “Each Other”, subentra il cantato in lingua inglese. Si tratta di una ballata dal ritornello arioso, in chiaro stile Steven Wilson. “Stay Connected”, invece, gode di un ritmo ben congegnato; è una canzone scorrevole e sorprendente negli arrangiamenti, supportata da tastiere che donano al tutto un'aura psichedelica. Qui tornano la voce filtrata e i riferimenti ai Pink Floyd.
In “The Cattle Of The Sun”, gli Experia si cimentano in uno strumentale che conduce a “God Save Me Leave Me”. Un arpeggio di chitarra apre il brano in modalità ballad, sentimentale e intensa, con un assolo finale che ricorda il miglior David Gilmour. Il ritmo cambia drasticamente in “L’Ultimo Treno 24”, segnando il ritorno alla lingua italiana e al cantautorato, mentre la conclusione è affidata a “La Parte Silenziosa”: un pezzo introspettivo, ricercato e arricchito da una breve narrazione femminile. Il finale rimanda al mondo dei Porcupine Tree più psichedelici.
Gli Experia hanno messo in Threshold molta carne al fuoco, forse troppa. La band è sicuramente alla ricerca di una personalità ben definita, mi resta inoltre il dubbio su un eventuale ausilio dell’IA in fase di produzione. Andrebbero smussati alcuni angoli sonori che, a tratti, non rendono giustizia alle buone melodie composte. Sarebbe stimolante poter ascoltare il duo in formazione full band, ma con i dovuti accorgimenti il progetto funziona bene anche così. Un album che mi ha divertito. MS 

Versione Inglese: 

EXPERIA – Threshold
Self-release
Genre: Modern Post-Prog
Format: Digital – 2026

Rarely, while browsing the web for new Italian Progressive acts, have I come across a band and found absolutely no information about them. Reflecting on it now, I found this quite fascinating; it reminded me of a time when people bought vinyl "blind," purely for the thrill of the surprise. I accepted the challenge.
The opportunity arose with the duo Experia, featuring Marco Tribuzio (vocals, guitar, bass, programming) and Bruno Rossi (keyboards, programming).
Diving straight into Threshold, the opening track "Uccelli" reveals a singular temporal blend that pairs 70s Hard Prog with 80s New Wave. The initial keyboards evoke Pink Floyd, but only for a moment. The vocals are most convincing in the higher registers; otherwise, the track offers a very catchy melody.
The title of the second track, "Proibito," seems to hint at the Italian band Litfiba, but it actually presents a Rap-influenced movement with "phone voice" over an excellent bass line that later reveals its debt to the great Pino Daniele. The psychedelic concept unfolding throughout the track is solid, as is the electric guitar solo. The female backing vocals are well-placed and spot-on.
With the third track, "Each Other," the lyrics switch to English. It is a ballad with an airy chorus in the distinct style of Steven Wilson. "Stay Connected," on the other hand, boasts a well-crafted rhythm; it is a fluid song with surprising arrangements, supported by keyboards that lend the whole track a psychedelic aura. Here, filtered vocals and Pink Floyd references make a comeback.
In "The Cattle Of The Sun," Experia try their hand at an instrumental that leads into "God Save Me Leave Me." A guitar arpeggio opens the piece in a sentimental and intense ballad mode, featuring a final solo reminiscent of David Gilmour at his best. The rhythm changes drastically in "L’Ultimo Treno 24," marking a return to the Italian language and singer-songwriter traditions, while the closing is entrusted to "La Parte Silenziosa"—an introspective, sophisticated piece enriched by a brief female narration. The finale brings to mind the more psychedelic side of Porcupine Tree.
Experia have put a lot of irons in the fire with Threshold, perhaps a few too many. The band is clearly searching for a well-defined identity; furthermore, I am left with a lingering doubt regarding the possible use of AI during the production phase. Certain "sonic edges" still need to be smoothed out, as they occasionally fail to do justice to the quality of the melodies. It would be stimulating to hear the duo in a full-band lineup, but with the right adjustments, the project works well even as it is. An album I truly enjoyed. MS

Buon 2026

 BUON 2026 da NONSOLO PROGROCK

Nonsolo Progrock vi augura un felice e sereno 2026 con tanta buona musica a supporto.

Abbiamo tutti bisogno di serenità, oggi minata da tutto ciò che stiamo vedendo nel mondo, per non parlare della condizione in cui riversano economicamente le famiglie. In questo periodo dell'anno tutti si fanno gli auguri, speriamo che questa volta qualcuno ci ascolti e faccia un pochino anche per noi. La musica è un corner, dove poter buttare la palla in caso di estremo pericolo, ma è inutile se a batterlo è sempre un potente e spietato campione. Fateci giocare anche a noi, allora si che sarà un felice 2026... ma PER TUTTI!

Versione Inglese: 

Nonsolo Progrock wishes you a happy and peaceful 2026, supported by plenty of great music.
We all need serenity, which is currently undermined by everything we are witnessing in the world, not to mention the economic struggles families are facing. At this time of year, everyone exchanges greetings; let’s hope that this time someone listens to us and does a little something for us as well. Music is like a corner kick—a place to send the ball in moments of extreme danger—but it is useless if the one taking the kick is always a powerful and ruthless champion. Let us play too; only then will it truly be a happy 2026... for EVERYONE!

Cervello

CERVELLO - Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973
Sony – 2025
Genere: Rock Progressive
Supporto: 2cd / 2 LP – 2025

Il merito dell'Italia in campo Progressive Rock è stato quello di apportare mediterraneità alle complesse composizioni che circolavano a livello mondiale. Non dimentichiamo la famosa tarantella rock "E' Festa" della Premiata Forneria Marconi, e neppure la grande squadra che compone il Prog napoletano, composta da un nutrito numero di rappresentanti che variano da Alan Sorrenti ai Napoli Centrale, passando per gli Osanna, solo per fare alcuni nomi. Fra questi, si aggirano gruppi che, come moltissimi altri del periodo anni '70, hanno rilasciato un solo album, in seguito diventato un cimelio per i fan del Progressive Rock più sinfonico e articolato. Uno di questi si chiama Cervello ed è legato in qualche maniera al movimento Osanna grazie alla partecipazione di Corrado Rustici nella line-up, fratello di Danilo Rustici degli Osanna. I Cervello esordiscono nel 1973 con "Melos", un piccolo capolavoro incentrato su miti dell'antica Grecia. Il disco è ricco di passaggi sinfonici, proprio come andavano di moda negli anni '70, un gradevole mix anglofono e mediterraneo.
Nel 1974 la band si scioglie e Corrado Rustici entra prima negli Osanna, con cui incide "Landscape Of Life", e poi nei Nova. Il cantante Gianluigi Di Franco (purtroppo deceduto nel 2005) fa comparsa nella metà degli anni '80 a fianco di Tony Esposito, cantando anche sul famoso brano "Kalimba De Luna". Poi dei Cervello non c'è stata più traccia, salvo qualche breve reunion fra alcuni componenti.
Con grande sorpresa, dopo ben cinquant'anni, eccoli nel 2025 dare seguito alla loro discografia con "Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973", un doppio album in cui si possono ascoltare brani scritti tra il 1974 e il 1983, nuovamente arrangiati e registrati nel corso degli ultimi quattro anni dai membri originali superstiti, che sono: Corrado Rustici (chitarra, tastiere, voce), Antonio Spagnolo (basso, chitarra acustica, flauto dolce, voce), e Giulio D'Ambrosio (flauto, sax, voce). Conservata fortunatamente la voce di Gianluigi Di Franco, estrapolata da alcune vecchie bobine, e le registrazioni vedono altresì l'ausilio alla batteria di Roberto Porta.
Il primo cd è "Chaire", che in lingua greca significa "stammi bene". La musica riprende ciò che è stato concepito in "Melos", per la gioia non soltanto degli estimatori della band, ma di tutto il movimento intero.
"Chaire - Hello" è proprio il titolo del breve preambolo narrato su un tappeto di tastiere che inizia questo viaggio colorato, proprio come viene ben rappresentato in copertina, e la magia è già in corso.
Segue "Templi Acherontei", brano singolo dell'album, qui il tempo sembra essersi fermato grazie agli arpeggi di chitarra, il flauto e la bella voce di Gianluigi Di Franco, la quale farà scorrere brividi sulla pelle di chi aveva perso ogni speranza di poterla riascoltare. Melodie gentili si stagliano fra le coralità per poi mutare in un sound maggiormente elettrico, oltre che monolitico.
Il sax di Giulio D'Ambrosio è protagonista in "La Seduzione Di Chiaro Ulivo", movimento che alterna parti canore prossime alla formula canzone ad altre strumentali, ricercate al confine del Jazz Rock. Musica che profuma di festival all'aperto, mediterraneità e napoletanità.
La ricerca sonora è marcata in "Reina De Roca", dove il ritmo si presta a crescendo emotivi. Il carattere della band è ben delineato, ispirato in alcuni momenti dal suono inglese di band come Genesis, ma che di base ha un proprio DNA ben definito. Spettacolare "Movalaide (inc. Trasfigurazione)", qui gli anni '70 ci cadono addosso con tutto il loro background sociale e storico, capitanati da armonie floreali e bucoliche. Altro grande gioiello sonoro è "La Danza Dei Guardiani", un esempio di Rock Progressivo italiano da fare ascoltare a eventuali neofiti che vogliono approcciarsi a questo genere. La conclusione spetta all'outro "Chaire-Farewell", narrato come quello iniziale.
Nel secondo disco si può godere del live del concerto a Pomigliano D'Arco nel 1973, tutto tratto da "Melos" escluso l'inedito strumentale "Progressivo Remoto". La registrazione non è delle migliori, ma va dato merito a questo "restauro" di essere una testimonianza inestimabile sia per quello che concerne la fotografia di quegli anni, sia per averci mostrato lo stato di salute della band che invece da lì a poco si sarebbe inesorabilmente sciolta.
Questo doppio lavoro non fa che aumentare il rammarico per una carriera sospesa troppo in anticipo, perché qui i Cervello dimostrano una vena compositiva ispirata, di certo non preambolo di uno stop che (maledizione) non doveva assolutamente accadere. Una testimonianza essenziale per chi vive e respira quotidianamente questa musica. MS

Versione Inglese:

CERVELLO - Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973
Sony – 2025
Genre: Progressive Rock
Format: 2cd / 2 LP – 2025

Italy’s contribution to progressive rock has been to bring Mediterranean flair to complex compositions circulating worldwide. Let’s not forget the famous rock tarantella “E’ Festa” by Premiata Forneria Marconi, and the great team that makes up the Neapolitan prog scene, with representatives ranging from Alan Sorrenti to Napoli Centrale, passing through Osanna, just to name a few. Among these, there are groups that, like many others from the 1970s, released only one album, later becoming a treasure for fans of more symphonic and articulated progressive rock. One of these is Cervello, somehow linked to the Osanna movement thanks to Corrado Rustici’s participation in the lineup, brother of Osanna’s Danilo Rustici. Cervello debuted in 1973 with “Melos”, a small masterpiece centered on ancient Greek myths. The album is rich in symphonic passages, just like they were fashionable in the ’70s, a pleasant mix of Anglo-Saxon and Mediterranean influences.
In 1974, the band broke up, and Corrado Rustici joined Osanna, with whom he recorded “Landscape Of Life”, and then Nova. Singer Gianluigi Di Franco (sadly deceased in 2005) reappeared in the mid-1980s alongside Tony Esposito, singing on the famous song “Kalimba De Luna”. Then, there was no more trace of Cervello, except for some brief reunions among some members.
To great surprise, after fifty years, they return in 2025 with “Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973”, a double album featuring songs written between 1974 and 1983, newly arranged and recorded over the last four years by the surviving original members: Corrado Rustici (guitar, keyboards, vocals), Antonio Spagnolo (bass, acoustic guitar, recorder, vocals), and Giulio D'Ambrosio (flute, sax, vocals). Fortunately, Gianluigi Di Franco’s voice is preserved, extracted from old tapes, and the recordings also feature Roberto Porta on drums.
The first CD is “Chaire”, meaning “farewell” in Greek. The music picks up where “Melos” left off, to the delight of not only the band’s fans but the entire movement.
“Chaire - Hello” is the title of the brief preamble narrated on a keyboard carpet that begins this colorful journey, just as it’s well represented on the cover, and the magic is already happening.
Next is “Templi Acherontei”, a single track from the album, where time seems to have stopped thanks to the guitar arpeggios, flute, and the beautiful voice of Gianluigi Di Franco, which will send shivers down the spine of those who had lost hope of hearing it again. Gentle melodies stand out among the choruses, then mutate into a more electric and monolithic sound.
Giulio D'Ambrosio’s saxophone is the star of “La Seduzione Di Chiaro Ulivo”, a movement that alternates song-like vocal parts with instrumental ones, bordering on jazz rock. Music that smells of open-air festivals, Mediterranean and Neapolitan flavors.
The sound research is marked in “Reina De Roca”, where the rhythm lends itself to emotional crescendos. The band’s character is well-defined, inspired at times by the English sound of bands like Genesis, but with its own DNA. Spectacular is “Movalaide (inc. Trasfigurazione)”, where the ’70s fall upon us with their social and historical background, led by floral and bucolic harmonies. Another great sonic gem is “La Danza Dei Guardiani”, an example of Italian progressive rock to show to neophytes who want to approach this genre. The conclusion falls to the outro “Chaire-Farewell”, narrated like the initial one.
The second disc features the live concert at Pomigliano D'Arco in 1973, all taken from “Melos” except for the unreleased instrumental “Progressivo Remoto”. The recording isn’t the best, but credit must be given to this “restoration” for being an invaluable testimony, both for the photography of those years and for showing us the band’s state of health, which would soon dissolve.
This double work only increases the regret for a career suspended too early, because here Cervello demonstrates an inspired compositional vein, certainly not a prelude to a stop that (damn) should never have happened. An essential testimony for those who live and breathe this music daily. MS

O.R.k.

O.R.k. - Firehose Of Falsehoods
Kscope
Genere: Progressive Metal
Supporto: Bandcamp /cd / lp – 2025

Abbiamo spesso letto e sentito dire che la musica oggi non ha nulla di nuovo da proporre, certo, il decennio ’65 / ’75 è stato prolifico e ricco d’idee, ma qualcosa d’interessante c’è ancora. Per esempio, se il Progressive Metal oggi ha un suono moderno rispetto alle radici passate, il merito è anche della band anglo italiana O.R.k.
E’ un quartetto formato da Lorenzo Esposito Fornasari/Lef (voce), Colin Edwin (basso), Pat Mastelotto (batteria), e Carmelo Pipitone (chitarra), qui sicuramente i più ferrati di voi avranno scorto dei nomi di ottima fama del circuito. Colin Edwin è stato il bassista nel periodo più influente dei Porcupine Tree e Pat Mastellotto ha militato in moltissime band, fra le quali i King Crimson, poi per impreziosire ulteriormente questo parterre si coadiuvano della partecipazione di John Wesley alla chitarra, anche lui nella band Porcupine Tree nelle sessioni live, e di Giuseppe Negri sempre alla chitarra nel brano “The Other Side”. Con questi preamboli non ci si può che attendere un lavoro di ottima qualità e, lo dico subito, le aspettative non andranno deluse.
“Firehose Of Falsehoods” è il quinto disco in studio dopo l’ottimo “Screamnasium” del 2022, un grido contro le quotidiane bugie che ci bombardano su internet e nei media in generale, tante da procurare alla società una sfiducia in se stessa.
In quest’album le canzoni sono della durata media di quattro minuti e poco più, salvo il caso della bonus track “Dive In”, contenuta soltanto nel formato cd della durata di quattordici minuti.
Il segreto della riuscita emotiva del lavoro risiede nel perfetto equilibrio che si stanzia fra le melodie di base e le partiture maggiormente elaborate e robuste.
“Blast Of Silence” mostra subito le qualità canore di “Lef”, che a tratti mi ricordano quelle di Daniel Gildenlöw dei Pain Of Salvation. Il Metal Progressive proposto mostra la classe cristallina degli arrangiamenti oltre a una struttura che si alterna fra suoni pacati ed energici.
“Hello Mother” inizia con un riff dalle origini King Crimson per poi lasciarsi guidare dal basso di Edwin verso territori altamente Rock situati fra i Led Zeppelin e i Wolfmother. Le suddette qualità dell’ex bassista dei Porcupine Tree emergono maggiormente in “The Other Side”, canzone che potrebbe benissimo risiedere in “Deadwing” della band di Steven Wilson, e questo per i fans dell’albero del porcospino è un messaggio non da poco.
“16.000 Days” è curata nei particolari, un’altalena di sensazioni si appropriano dello stato d’animo dell’ascoltatore travolto da suoni sì possenti, ma altresì pacati, il tutto velato da un refrain malinconico e drammatico. Qui tornano i riferimenti ai Pain Of Salvation. “PUTFP” prosegue l’andamento, questa volta accompagnato da arpeggi di chitarra di sottofondo. “Seven Arms” è il singolo e riconduce al sound ruvido del buon vecchio Rock influenzato dal Grunge. “Beyond Reach” è uno dei vertici dell’album, un ulteriore passo verso quel Metal Prog infarcito di brevi interventi psichedelici e un inciso strappacuore esaltato ancora una volta da una prova vocale superba. Ho apprezzato la cura della vocalità messa in “Mask Becomes The Face”, una ballata con assolo di chitarra da parte di John Wesley che da solo vale il prezzo del disco. La suite “Dive In” è il sunto di tutto il sound O.R.k. qui decorato anche da interventi dalla Pinkfloydiana memoria.
Questo nuovo album dei O.R.k. conferma la qualità della band sia tecnica che compositiva, una boccata d’aria fresca nel mondo del Metal Progressive, troppo spesso legato ai virtuosismi dei Dream Theater che sono sempre gradevoli, ma che non hanno più apportato nuova linfa vitale a un genere di cui loro stessi sono i maestri. L’evoluzione passa attraverso la trasgressione della regola, niente da dire. MS 

Versione Inglese:

O.R.k. - Firehose Of Falsehoods
Kscope
Genre: Progressive Metal
Support: bandcamp /cd / lp - 2025

We have often read and heard that music today has nothing new to offer, sure, the decade of '65 / '75 was prolific and full of ideas, but something interesting is still there. For example, if Progressive Metal today has a modern sound compared to its past roots, credit is also due to the Anglo-Italian band O.R.k.
It is a quartet made up of Lorenzo Esposito Fornasari/Lef (vocals), Colin Edwin (bass), Pat Mastelotto (drums), and Carmelo Pipitone (guitar), here surely the more fervent of you will have discerned some top names on the circuit. Colin Edwin was the bassist in Porcupine Tree's most influential period and Pat Mastellotto has played in many bands, including King Crimson, then to further embellish this parterre they are assisted by the participation of John Wesley on guitar, also in the Porcupine Tree band in the live sessions, and Giuseppe Negri also on guitar in the song “The Other Side”. With these preambles, one can only expect a work of excellent quality and, I will say it now, expectations will not be disappointed.
“Firehose Of Falsehoods” is the fifth studio record after the excellent ‘Screamnasium’ from 2022, a cry against the daily lies that bombard us on the Internet and in the media in general, so many that they cause society to distrust itself.
On this album the songs average four minutes and a little more, except in the case of the bonus track “Dive In”, contained only on the fourteen-minute CD format.
The secret of the work's emotional success lies in the perfect balance that is appropriated between the basic melodies and the more elaborate and robust scores.
“Blast Of Silence” immediately displays the singing qualities of ‘Lef’, which at times remind me of those of Daniel Gildenlöw of Pain Of Salvation. The Progressive Metal on offer shows the crystalline class of the arrangements as well as a structure that alternates between quiet and energetic sounds.
“Hello Mother” starts with a riff from King Crimson origins and then lets Edwin's bass drive into highly Rock territories situated between Led Zeppelin and Wolfmother. The aforementioned qualities of the former Porcupine Tree bassist emerge most in “The Other Side,” a song that could well reside in Steven Wilson's band's “Deadwing”, and this for Porcupine Tree fans is no small message.
”16,000 Days” is meticulously crafted, a seesaw of sensations take over the listener's state of mind overwhelmed by sounds that are yes mighty, but also calm, all veiled by a melancholic and dramatic refrain. Here the references to Pain Of Salvation return.
“PUTFP” continues the trend, this time accompanied by background guitar arpeggios. “Seven Arms” is the single and leads back to the rough sound of good old Grunge-influenced Rock. “Beyond Reach” is one of the peaks of the album, a further step toward that Prog Metal infused with brief psychedelic interventions and a heart-wrenching aside enhanced once again by a superb vocal test. I appreciated the vocal care put into “Mask Becomes The Face,” a ballad with guitar solo by John Wesley that alone is worth the price of the album. The suite “Dive In” is the epitome of the whole O.R.k. sound here also decorated by interventions from Pinkfloydian memory.
This new album by O.R.k. confirms the band's quality both technically and compositionally, a breath of fresh air in the world of Progressive Metal, too often tied to the virtuosity of Dream Theater, which is always enjoyable, but which has no longer brought new life to a genre of which they themselves are the masters. Evolution comes through transgression of the rule, nothing to say. MS

 

Pepe Maina

PEPE MAINA - Echoes From A Distant Land
Autoproduzione – CD Baby
Genere: Elettronica / Psichedelia / Prog Rock
Supporto: Digital – 2025

Nel circuito elettronico e psichedelico italiano, uno dei nomi più importanti da citare è senza dubbio quello del polistrumentista Pepe Maina.
La sua storia artistica inizia da molto lontano, discograficamente parlando dal 1977 con l’ottimo album “Il Canto Dell'Arpa E Del Flauto”. Frangenti Folk, Prog Rock e Psichedelici si fondono in un amalgama avvolgente, questo stile si ripeterà nel corso della carriera sino ai giorni nostri con l’aggiunta di elettronica. Maina realizza ben trentuno album in studio, questo invidiabile traguardo spetta solamente a chi è davvero un grande artista, soprattutto per la qualità delle opere, tutte interessanti e d’atmosfera. Il nome Pepe Maina probabilmente non è conosciuto ai più a causa del genere intrapreso, di certo non popolare ma espressamente mirato alla musica per la mente e sappiamo bene che, soprattutto di questi tempi, il genere non navighi in buone acque.
Ma il vero artista è questo, nulla piega la sua volontà nell’esprimere quello che è, e soprattutto di mettere a nudo la propria sensibilità.
E come ben rappresenta la copertina dell’album, “Echoes From A Distant Land” è un viaggio fantastico al limite del lisergico, pur restando con i piedi radicati al terreno del Prog Rock, questo soprattutto grazie all’uso del flauto. Certi fattori possono condurre all’inevitabile paragone con gli inglesi Ozric Tentacles, in effetti alcuni punti di congiunzione si possono estrapolare durante l’ascolto, ma anche Deuter, Jade Warrior e Peter Michael Hamel.
Le composizioni sono nove, tutte di media e lunga durata, a iniziare dalla splendida “Snow Eagle”, che da sola vale il prezzo del disco. Qui il mondo di Pepe Maina, si staglia in tutto lo splendore, soprattutto nei momenti delicati accompagnati dal flauto che fa da ponte fra il Folk e il Prog Rock. No, nulla a che vedere con i Jethro Tull, come la mia descrizione potrebbe fare intendere, bensì un sound gentile rivolto soprattutto alle band prima citate.
“Dance Of The Six Planets” apre al mondo lisergico attraverso una ritmica ammaliante impreziosita da suoni etnici. Un ascolto attento e concentrato spedisce l’immaginazione in un mondo incantato e ipnotico.
“A Psychedelic Winter Afternoon” cela nel titolo il paesaggio e le sensazioni di un pomeriggio invernale, leggermente malinconico ma espressamente adatto a scaldare l’animo. Ottimo il lavoro della chitarra elettrica. “Kintsugi” apre alla natura con il canto d’uccelli e una sensazione di pace avvolge la stanza. Non distante “Messages” pondera note in raffinata armonia, mentre “Otto Goes To None” spazia nella Psichedelia più onirica. Il cliché si ripete anche negli ultimi brani in cui la finale title track esplode in tutta la sua magnificenza. 
Questa è musica completamente strumentale, non servono le parole per declamare certe argomentazioni. “Echoes From A Distant Land” potrà essere sicuramente una colonna sonora per le vostre giornate di completo relax, e scoprirete un mondo incantato di colori e forme. MS 

Versione Inglese:

PEPE MAINA - Echoes From A Distant Land
Self-Production - CD Baby
Genre: Electronic / Psychedelia / Prog Rock
Support: Digital - 2025

In the Italian electronic and psychedelic circuit, one of the most important names to mention is undoubtedly that of multi-instrumentalist Pepe Maina.
His artistic history begins far back, discographically speaking since 1977 with the excellent album “Il Canto Dell'Arpa E Del Flauto”. Folk, Prog Rock and Psychedelic bangs come together in an enveloping amalgam, this style will be repeated throughout his career until the present day with the addition of electronics. Maina makes no less than thirty-one studio albums, this enviable achievement belongs only to those who are truly great artists, especially for the quality of the works, all of which are interesting and atmospheric. The name Pepe Maina is probably not known to most because of the genre undertaken, certainly not popular but expressly aimed at music for the mind, and we know well that, especially these days, the genre is not sailing in good waters.
But the true artist is this, nothing bends his will in expressing what he is, and especially to lay bare his sensibility.
And as the album cover well depicts, “Echoes From A Distant Land” is a fantastic journey bordering on lysergic, while remaining with its feet rooted to the Prog Rock ground, this especially thanks to the use of the flute. Certain factors may lead to the inevitable comparison with England's Ozric Tentacles, indeed some points of conjunction can be extrapolated while listening, but also Deuter, Jade Warrior and Peter Michael Hamel.
There are nine compositions, all of medium to long duration, starting with the splendid “Snow Eagle”, which alone is worth the price of the disc. Here the world of Pepe Maina, stands out in all its splendor, especially in the delicate moments accompanied by the flute that acts as a bridge between Folk and Prog Rock. No, nothing to do with Jethro Tull, as my description might imply, but rather a gentle sound aimed especially at the aforementioned bands.
“Dance Of The Six Planets” opens to the lysergic world through bewitching rhythmics embellished with ethnic sounds. Careful and concentrated listening sends the imagination into an enchanted and hypnotic world.
“A Psychedelic Winter Afternoon” conceals in its title the landscape and feelings of a winter afternoon, slightly melancholy but expressly suited to warm the soul. Excellent electric guitar work. “Kintsugi” opens to nature with birdsong and a feeling of peace envelops the room. Not far away “Messages” ponders notes in refined harmony, while “Otto Goes To None” ranges into the most dreamlike psychedelia. The cliché is also repeated in the final tracks in which the final title track explodes in all its magnificence. 
This is completely instrumental music; no words are needed to declaim certain arguments. “Echoes From A Distant Land” can surely be a soundtrack for your days of complete relaxation, and you will discover an enchanted world of colors and shapes. MS

 

 

Buone Feste

 BUONE FESTE

NONSOLO PROGROCK VI AUGURA FELICI FESTE E UN BUON NATALE A TUTTI

Lars Fredrik Frøislie

LARS FREDRIK FRØISLIE - Gamle Mester
Karisma Records
Genere: Progressive Rock sinfonico
Supporto: LP / CD / Digital - 2025 

Molti di noi si sono approcciati al genere Progressive Rock negli anni ’70 grazie all’ascolto di band come Genesis, Yes, EL&P, Gentle Giant, ecc., tutte dedite a un suono prettamente magniloquente se non addirittura orchestrale, almeno negli arrangiamenti. Così è nato questo amore, con un benvenuto alle tastiere nel Rock, altrimenti prima solo relegate a un ruolo di accompagnamento atmosferico. Prerogativa irrinunciabile, ogni tipo di tastiera ha un ruolo fondamentale nella musica vintage, dal Mellotron all’Hammond, e poi Moog, Mini Moog e tante altre ancora; il cosiddetto Progressive Rock classico, quello che ci viene in mente quando sentiamo nominare questo nome.
Nel corso dei decenni, fino a raggiungere i nostri tempi, questa musica, bene o male, fra alti e bassi, si è sempre saputa barcamenare in tutto il globo, e quello che più mi ha fatto piacere constatare è che persino i giovani musicisti si sono approcciati ad essa che tuttavia comincia a odorare di naftalina. Sappiamo che il Prog Rock si è evoluto e ramificato in tantissime altre strade che spesso lo hanno condotto così lontano da non poterlo più denominare con questo nome, ma ci sono sempre coloro che, tentando di sperimentare, mettono sempre i tasti d’avorio in evidenza. Una delle band più interessanti degli ultimi tempi porta il nome di Wobbler.
Questa band norvegese ha rilasciato album davvero notevoli, e il tastierista Lars Fredrik Frøislie (anche nei White Willow e Tusmørke) ne è parte integrante dello stile proposto. Rilascia il debutto personale nel 2023 con il buon “Fire Fortellinger”, apprezzato da pubblico e critica, e lo ritroviamo oggi con “Gamle Mester”.
Così presentano le note che accompagnano il disco: “Nel suo secondo album solista, "Gamle Mester" (Vecchio Maestro), Lars Fredrik Frøislie rende omaggio ai grandi del passato. Traendo ispirazione non solo dai pionieri del Rock Progressivo, ma anche dall'arte, dalla letteratura e dalla mitologia, l'album riflette su atti di creatività senza tempo che risuonano ancora oggi. Il titolo deriva dall'antica quercia "Den Gamle Mester", che si trova a Krødsherad Prestegård, che ha anche ispirato una poesia omonima di Jørgen Moe. Questo albero simbolico funge da tema unificante in tutto l'album, rappresentando saggezza, resistenza e il passare del tempo.”
Il sound proposto è quindi prossimo allo stile Wobbler, ma in queste sei composizioni si tende a mettere in evidenza l’apporto dei maestri del tempo passato.
Con Frøislie partecipano anche Nikolai Hængsle (chitarre, basso) e Ketil Einarsen (flauto dolce).
Con la strumentale “Demring” si ripercorrono sentieri Yes in un territorio tipicamente Folk norvegese, un mix che ha un suo DNA ben delineato, carissimo a un folto numero di band Prog nordiche. Il pezzo mette in vetrina le ottime qualità sia tecniche che compositive dell’artista.
“Jakten På Det Kalydonske Villsvin” è una mini‑suite di dieci minuti accompagnata dal flauto e un cantato in lingua madre dal fascino tutto personale, anche se per alcuni ciò potrebbe risultare ostico nella fonetica. Ovviamente ci sono cambi di tempo, stop & go, e atmosfere più scure che chiare, il tutto per essere considerato Prog Rock sinfonico al 100%. Gli anni ’70? Sono qui.
“Gamle Mester” si articola maggiormente in un contesto fluido, diretto, alzando l’allegria che sino ad ora è restata celata. Molto classicismo fra le note. Se si vuole ascoltare la chitarra, bisogna giungere a “Medusas Flåte”, tanto sound Anglagard e compagnia bella.
I dodici minuti di “De Tre Gratier” sono una macchina del tempo che catapulta l’ascoltatore verso sonorità arricchite dal flauto in modalità Jethro Tull e dal clavicembalo: Prog epico davvero piacevole. La chiusura spetta a un pezzo di piano elettrico intitolato “Skumring”, con una linea che richiama alcuni lavori enfatici del Neo Prog.
Per finire, consiglio l’ascolto a tutti coloro che amano quanto descritto, ma anche ai neofiti, perché qui, essendoci molta storia, magari può nascere un nuovo interesse musicale. Ho altresì notato nel web e nel cartaceo che questo album è stato coronato fra i migliori di questo 2025; personalmente concordo a metà, perché è vero che qui c’è molta classe, tecnica, buone atmosfere, storia, ma in fin dei conti siamo sempre lì e al termine dell’ascolto non resta nulla di altamente melodico da ricordare; in parole povere, un bellissimo puzzle fatto con professionalità e cultura, adatto agli ascoltatori più esigenti. MS

Versione Inglese:

LARS FREDRIK FRØISLIE - Gamle Mester
Karisma Records
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital - 2025

Many of us were introduced to the progressive rock genre in the 1970s through bands like Genesis, Yes, EL&P, Gentle Giant, etc., all dedicated to a sound that was purely grandiose if not outright orchestral, at least in the arrangements. This is how this love was born, with a welcome to keyboards in rock, otherwise previously relegated to an atmospheric accompaniment role. An irrenunciable prerogative, every type of keyboard has a fundamental role in vintage music, from the Mellotron to the Hammond, and then Moog, Mini Moog and many others; the so‑called classic progressive rock, the one that comes to mind when we hear this name.
Over the decades, up to our times, this music, for better or worse, has always managed to navigate the globe, and what pleased me most was seeing that even young musicians have approached this style, which however is starting to smell of mothballs. We know that prog rock has evolved and branched out into many other paths that have often taken it so far away that it can no longer be called by this name, but there are always those who, trying to experiment, always put the ivory keys in the spotlight. One of the most interesting bands in recent times bears the name of Wobbler.
This Norwegian band has released truly remarkable albums, and keyboardist Lars Fredrik Frøislie (also in White Willow and Tusmørke) is an integral part of the proposed style. He released his personal debut in 2023 with the good “Fire Fortellinger”, appreciated by the public and critics, and we find him today with “Gamle Mester”.
The liner notes present the album thus: “In his second solo album, "Gamle Mester" (Old Master), Lars Fredrik Frøislie pays tribute to the greats of the past. Drawing inspiration not only from the pioneers of progressive rock, but also from art, literature and mythology, the album reflects on timeless acts of creativity that still resonate today. The title is taken from the ancient oak "Den Gamle Mester", located in Krødsherad Prestegård, which also inspired a poem of the same name by Jørgen Moe. This symbolic tree serves as a unifying theme throughout the album, representing wisdom, endurance and the passage of time.”
The proposed sound is therefore close to the Wobbler style, but in these six compositions, the contribution of the masters of the past is highlighted.
Also participating with Frøislie are Nikolai Hængsle (guitar, bass) and Ketil Einarsen (recorder).
With the instrumental “Demring”, Yes‑like paths are retraced in a typically Norwegian folk territory, a mix that has its own well‑defined DNA, dear to a large number of Nordic prog bands. The piece showcases the artist’s excellent technical and compositional qualities.
“Jakten På Det Kalydonske Villsvin” is a ten‑minute mini‑suite accompanied by the flute and vocals in the mother tongue with a very personal charm, although for some this may be phonetically challenging. Of course, there are time changes, stop & go, and darker rather than clear atmospheres, all to be considered 100% symphonic prog rock. The ’70s? They’re here.
“Gamle Mester” develops more in a fluid, direct context, raising the cheerfulness that has been hidden until now. A lot of classicism among the notes. If you want to listen to the guitar, you have to get to “Medusas Flåte”, so much Anglagard sound and the like.
The twelve minutes of “De Tre Gratier” are a time machine that catapults the listener towards sounds enriched by the flute in Jethro Tull mode and the harpsichord: truly enjoyable epic prog. The closure is left to an electric piano piece titled “Skumring”, with a line that recalls some emphatic works of neo‑prog.
In conclusion, I recommend listening to everyone who loves what’s described, but also to neophytes, because here, with a lot of history, maybe a new musical interest can be born. I’ve also noticed on the web and in print that this album has been crowned among the best of 2025; personally, I half agree, because it’s true that there’s a lot of class, technique, good atmospheres, history, but in the end, we’re always there and at the end of listening, there’s nothing highly melodic to remember; in short, a beautiful puzzle made with professionalism and culture, suitable for the most demanding listeners. MS