Neversin

 NEVERSIN – The Loop Theory
Revalve Records
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / CD – 2025

Il Veneto è una delle regioni italiane che maggiormente ha contribuito alla crescita della musica Rock, Progressive Rock, Metal e Progressive Metal. Tante le proposte e moltissime di esse sono davvero valide. I padovani Neversin sono una delle realtà più interessanti: attivi da oltre venti anni, ritornano oggi dopo l’ottimo “Revamp” (2023) con la consueta carica tecnica ed emotiva.
Autori di un Metal Prog curato, i Neversin sembrano proseguire il cammino intrapreso con “Of Robots And Men” (2013), dando vita a questo “The Loop Theory” che dico sin da subito è curato con perizia negli arrangiamenti.
Le capacità esecutive della band, formata da Nicola Ciarlini (voce), Matteo Scalcon (chitarra, voce, piano, tastiere), Federico Fabian (chitarre), Daniele Businari (basso) e Alberto Quarta (batteria, voce), sono alla luce del sole e mai autocelebrative.
L’opera, composta di dodici brani, è suddivisa in tre atti. Ho particolarmente apprezzato la scelta della band di non realizzare lunghe suite, bensì di lasciare spazio a brani più brevi, perché così l’album acquista scorrevolezza.
Le tematiche sono fantascientifiche e affrontano situazioni dure in un pianeta denominato Rin 7, dove Brian (uno dei protagonisti) si trova a fare i conti con i suoi sogni infranti fra caos, anarchia e violenza. Il prezzo della libertà è quindi molto alto.
Il primo atto si apre con l’immancabile intro qui intitolato “There Again”, per lasciare successivamente spazio allo strumentale “Welcome To Nir 7”, movimento tipicamente Metal progressive con tanto di cambi di tempo e scorribande chitarristiche tecniche ma allo stesso tempo melodiche. Su questo noi italiani siamo molto bravi. In evidenza sin da subito anche la qualità dell’incisione sonora.
“Days Gone By” apre ufficialmente il viaggio in cui la bella voce di Nicola Ciarlini fa sfoggio delle sue qualità. Probabili i riferimenti stilistici nei confronti dei Dream Theater più melodici. Davvero invidiabile l’intesa fra i componenti, soprattutto nella sezione ritmica. Gli assoli di chitarra sono ampi e godibili, proprio come piacciono agli estimatori del genere.
Il primo atto si conclude con la ballata “Nobody’s Home”, canzone che mostra anima.
“V” apre il secondo atto e mette sul tavolo tutte le qualità e la cultura musicale dei singoli componenti in un sound tipicamente Neversin.
Fra i frangenti più interessanti dell’album c’è il secondo singolo “Wake Up Inside A Dream”, interpretato a due voci con la brava Chiara Antonioni (Kia) che interpreta Violet in un flashback che prende vita nella mente del protagonista Malcolm. Si apre con piano e voce “Let Go”, atto conclusivo della seconda parte. La ballata è un classico crescendo che sfocia nell’immancabile, toccante assolo di chitarra. Qui la prova di Ciarlini è superba.
“Rise Of The Fallen Heroes” è l’inizio scoppiettante del terzo atto, una vetrina vera e propria per le qualità tecniche della band. Mai, tuttavia, è persa di vista il gusto per la melodia e gli ottimi arrangiamenti, grazie anche alle tastiere di Matteo Scalcon.
Con “Midnight Revolutions” ho avuto una reminiscenza dei Queensrÿche; molti i punti in comune fra la band di Seattle e i Neversin. Sale ulteriormente il ritmo con “The Final Stand”, trascinante e debitrice di un metal epico alla Helloween.
Variegata “Future In The Past”, mentre la conclusiva “A Brighter Day” è un bellissimo esempio di Metal prog tecnico aperto a soluzioni altamente melodiche.
Se non siete avvezzi a questo genere, probabilmente i Neversin possono aprirvi nuove porte, grazie a questo disco curato e altamente professionale. Dategli una opportunità. MS

Versione Inglese:

NEVERSIN – The Loop Theory
Revalve Records
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / CD – 2025

The Veneto region is one of the Italian regions that has contributed the most to the growth of rock, progressive rock, metal and progressive metal. Many proposals and a great many of them are truly valid. The Padua‑based Neversin are one of the most interesting realities: active for over twenty years, they return today after the excellent “Revamp” (2023) with their usual technical and emotional charge.
Authors of a well‑crafted metal‑prog, Neversin seem to continue the path started with “Of Robots And Men” (2013), giving life to this “The Loop Theory”, which I say from the outset is handled with skill in the arrangements.
The band’s executive abilities, formed by Nicola Ciarlini (vocals), Matteo Scalcon (guitar, vocals, piano, keyboards), Federico Fabian (guitar), Daniele Businari (bass) and Alberto Quarta (drums, vocals), are out in the open and never self‑celebratory.
The work, composed of twelve tracks, is divided into three acts. I particularly appreciated the band’s choice not to create long suites, but to leave room for shorter pieces, because this gives the album fluidity.
The themes are sci‑fi and deal with harsh situations on a planet called Rin 7, where Brian (one of the protagonists) has to come to terms with his shattered dreams amid chaos, anarchy and violence. The price of freedom is therefore very high.
The first act opens with the unavoidable intro titled “There Again”, then gives way to the instrumental “Welcome To Nir 7”, a typically progressive metal movement with time‑signature changes and technical yet melodic guitar excursions. We Italians are very good at this. Also immediately noticeable is the quality of the sound recording.
“Days Gone By” officially opens the journey, showcasing Nicola Ciarlini’s beautiful voice. There are likely stylistic references to the more melodic Dream Theater. The cohesion among the members, especially in the rhythm section, is truly enviable. The guitar solos are expansive and enjoyable, just as fans of the genre like them.
The first act concludes with the ballad “Nobody’s Home”, a song that shows soul.
“V” opens the second act and lays out all the qualities and musical culture of the individual members in a typically Neversin sound.
Among the most interesting moments of the album is the second single “Wake Up Inside A Dream”, performed with two voices alongside the great Chiara Antonioni (Kia), who plays Violet in a flashback that comes to life in the mind of the protagonist Malcolm. It opens with piano and voice “Let Go”, the concluding piece of the second part. The ballad is a classic crescendo that leads into the inevitable, touching guitar solo. Ciarlini’s performance here is superb.
“Rise Of The Fallen Heroes” is the explosive start of the third act, a true showcase of the band’s technical abilities. However, the taste for melody and excellent arrangements are never lost, thanks also to Matteo Scalcon’s keyboards.
With “Midnight Revolutions” I had a reminiscence of Queensrÿche; there are many points in common between the Seattle band and Neversin. The tempo rises further with “The Final Stand”, a driving track indebted to epic Helloween‑style metal.
Varied “Future In The Past”, while the closing “A Brighter Day” is a beautiful example of technical prog metal open to highly melodic solutions.
If you’re not accustomed to this genre, Neversin may open new doors for you, thanks to this carefully crafted and highly professional album. Give it a chance. MS

Perchè Leggere Oggi Un Blog Musicale?

 PERCHE' LEGGERE OGGI UN BLOG MUSICALE?

 
Navigando nel web mi è capitato molto spesso di leggere persone che scrivono riguardo all’inutilità odierna delle recensioni.
Non hanno tutti i torti quando dicono che oggi la musica è cambiata, anche nella modalità d’ascolto, oppure quando affermano che si ha la possibilità di ascoltarla ovunque e di farsene un’idea propria senza imposizioni da parte di nessuno.
Hanno altresì ragione quando mettono in dubbio le capacità critiche e culturali di molti recensori. Il web è immenso, e sono più gli improvvisati di coloro che hanno studiato la materia.
Oltre a questo, aggiungono che si recensisce per farsi mandare un disco gratis.
È tuttavia una contraddizione dire che è cambiato l’ascolto (“la musica oggi è liquida”) e poi affermare che uno lo fa per cercare un CD gratuito (sempre più inutile).
Dicono anche che lo si fa per il proprio ego, magari senza pensare che quel recensore potrebbe avere altre attività legate alla musica – conferenze, spettacoli, realizzazioni, pubblicazioni cartacee, ecc. Insomma, si può dire tutto e il contrario di tutto, ma bisognerebbe farlo senza superficialità e con cognizione di causa. Non si deve fare di tutta l’erba un fascio, ma oggi è di moda il pensiero estremo: o bianco o nero.
Dico sempre ai musicisti: è inutile che voi suoniate se non c’è chi vi ascolta. Bisogna preparare un pubblico all’ascolto, perché, come si è detto in precedenza, il suddetto è cambiato. Un recensore ha un vantaggio rispetto a un ascoltatore normale: quello di avere molto materiale proposto e di ricercare anche lui sul web, riuscendo così a scremare molto. Se un lettore trova affinità di gusti con un recensore, avrà il vantaggio di non impazzire nella ricerca, vista la quantità di materiale quotidiano che esce.
Un recensore non ha la verità, ma perlomeno indirizza e NON IMPONE… consiglia.
Ma se non lo fa per i CD, se non lo paga nessuno, se non è per l’ego… allora perché lo fa? I motivi sono molteplici: dal semplice amore per la musica, alla pubblicazione online di ciò che magari hanno scritto anche in cartaceo su riviste o altro; alcuni sono molto seguiti per l’annosa esperienza che hanno alle spalle e non se la sentono di abbandonare la nave; altri lo fanno solo come hobby; altri ancora perché sono richiesti o perché guadagnano con i click sulle pagine. Insomma, non tutti sono uguali.
Nel mio caso è un insieme di alcune cose dette: di certo non lo faccio per i CD gratis, anche perché, se voglio ascoltare la musica allo stereo, ascolto quello che dico io, non quello che mi propongono gli altri. Io ho un mio gusto, come tutti. Eppure in quelle proposte c’è del materiale interessante e, in alcuni casi, delle piccole gemme! Quindi ringrazierò sempre le case discografiche, le case distributrici e gli artisti stessi che mi contattano, perché è cultura. Conoscere nuove realtà è positivo per chi ama la musica. In tempi in cui i dischi non si vendono più io li paragono a degli eroi.
In parole povere: è inutile recensire oggi? In alcuni casi sì, in altri no; il mondo è bello perché è vario. In fondo non ci vuole molto: se non ti piace, basta saltare su un’altra pagina web, ma parlare di musica è sempre interessante e culturale. NONSOLO PROGROCK sarà qui finché ne avrò voglia e passione; non dipenderà di sicuro dai pareri altrui. Rock on! MS

P.S. Dite civilmente la vostra nei commenti.

Versione Inglese: 

  WHY READ A MUSIC BLOG TODAY?

While browsing the web I have very often come across people writing about the supposed futility of reviews today.
They’re not entirely wrong when they say that music has changed, even in the way it’s listened to, or when they claim that we can listen to it anywhere and form our own opinion without anyone imposing anything on us.
They’re also right when they question the critical and cultural abilities of many reviewers. The web is huge, and there are more amateurs than those who have studied the subject.
Moreover, they add that reviews are written to get a free copy of a record.
It’s a contradiction, however, to say that listening has changed (“music today is liquid”) and then claim that one does it to get a free CD (increasingly useless).
They also say it’s done for ego, perhaps without considering that a reviewer might have other music‑related activities – conferences, shows, productions, print publications, etc. In short, you can say everything and its opposite, but you should do it without superficiality and with knowledge of the cause. You shouldn’t lump everything together, but today extreme thinking is fashionable: either black or white.
I always tell musicians: it’s useless for you to play if there’s no one listening. We need to prepare an audience for listening, because, as mentioned earlier, the aforementioned has changed. A reviewer has an advantage over a regular listener: they have a lot of material presented to them and they also research on the web, thus being able to sift through a lot. If a reader finds a taste affinity with a reviewer, they will have the advantage of not going crazy in the search, given the amount of daily material that comes out.
A reviewer does not have the truth, but at least they guide and do NOT IMPOSE… they advise.
But if it’s not for CDs, if nobody pays them, if it’s not for ego… then why do they do it? The reasons are many: from simple love of music, to publishing online what they may have also written in print in magazines or elsewhere; some are heavily followed for the long experience they have behind them and don’t feel like abandoning the ship; others do it just as a hobby; still others because they are in demand or because they earn from clicks on pages. In short, not everyone is the same.
In my case it’s a mixture of several of the things said: certainly I don’t do it for free CDs, also because, if I want to listen to music on the stereo, I listen to what I say, not what others propose to me. I have my own taste, like everyone else. Yet in those proposals there is interesting material and, in some cases, little gems! So I will always thank the record labels, distributors and the artists themselves who contact me, because it’s culture. Discovering new realities is positive for anyone who loves music. In times when records no longer sell, I compare them to heroes.
In plain words: is reviewing today useless? In some cases yes, in others no; the world is beautiful because it’s varied. At the end of the day it doesn’t take much: if you don’t like it, just jump to another web page, but talking about music is always interesting and cultural. NONSOLO PROGROCK will be here as long as I have the desire and passion; it certainly won’t depend on others’ opinions. Rock on! MS

P.S. Please state your opinion civilly in the comments.

Nick The Freak

NICK THE FREAK – Il Rumore Della Città – Vol. 1
Trulletto Records / Believe Music Italia
Genre: Rock, Cantautore
Format: Digital / CD – 2025

Resto felicemente colpito quando mi imbatto in artisti che ridonano voce al cantautorato verace, quello in stile Ivan Graziani, Edoardo Bennato, Rino Gaetano e altri ancora, perché negli ultimi anni le nuove mode hanno fatto dei cantautori tabula rasa. Raddoppia la contentezza quando noto che questi sono giovani e attenti alle lezioni del passato. Con una battuta sintetizzerei in “c’è vita sulla terra”!
Sì, questo vale anche per il Rock; insomma, la scena italica negli ultimi tempi regala sorprese e in tempi di IA non è cosa da poco. L’imputato in questione ha il nome d’arte di Nick The Freak ed è un chitarrista e compositore di Bari. Tuttavia non è proprio l’ultimo arrivato in questo panorama, in quanto militante nei Modaxì nel 2000 e attivo in alcune collaborazioni con Caparezza, oltre alle esperienze in giro per l’Europa con il R’n’R/Blues dei The Good Ole Boys e il progetto Ska/Reggae B.U.M. (Bari Upbeat Movement).
Nick The Freak vive la sua Bari, la respira, l’osserva e la tramuta in musica sin dal primo album “Il Disco Vecchio” del 2019. Il progetto prosegue oggi con “Il Rumore Della Città – Vol. 1 e Vol. 2”, di cui la prima parte è edita mentre la seconda vedrà luce nella primavera del 2026. Traspare il legame con la sua terra, ma anche la volontà di andare via dalla tossicità che la circonda. Ecco dunque il proferire di testi sagaci, per questo mi sono permesso di accostare l’autore a certi cantautori nominati in precedenza. Il Blues, come la storia insegna, nasce proprio dalla volontà di esprimere in un canto di poche note una situazione sociale non proprio agevole; questo modus operandi è conservato anche in alcuni dei brani proposti nell’album.
La formazione è composta da Nick The Freak (voce, chitarre, basso, synth, percussioni), Simone Martorana (chitarre, cori), Nicola De Liso (batteria), Valeria Quarto (cori) e Paolo Palmieri (synth).
E veniamo a “Il Rumore Della Città – Vol. 1”, che si apre con un bel Rockaccio ruvido, un mix proprio fra Bennato e Graziani intitolato “City Boy, Country Girl”, anche singolo di cui si realizza un video diretto da Alberto Fortunato. Esso racconta un’impossibile storia d’amore tra un ragazzo imprigionato dal cemento e dalle logiche cittadine e una ragazza che vive invece fuori dal centro urbano. Trascinante e godereccio.
Cambia lo scenario attraverso “Il Gelo”, più morbido anche se la chitarra elettrica sprigiona sempre la sua energia positiva. Funziona l’accompagnamento di tastiera in stile “Every Little Thing Is Gonna Be Alright” (Bob Marley).
Basso e batteria iniziano “Sogni”, brano cantato quasi in modalità rap, mentre il ritornello richiama gli italiani anni ’80, quelli elettrici. A metà del pezzo subentrano le tastiere a sconfinare nel Prog degli anni ’70.
“La città è tossica, non ne posso più” è il refrain del brano “Toxic City”, un grido di rabbia che lascia trapelare la voglia dell’autore di andarsene, ma sarà proprio così? Forse potrebbe essere un modo di esorcizzare la situazione… Chissà. Il ritmo è accalappiante ancora una volta, a tratti funky. Ed è la volta di “Quando Ti Deciderai”, altro movimento che vede nel ritornello il punto forte. Rock sincero e senza troppi fronzoli.
Chiude “You Look At Me”, altro esempio di chitarra elettrica alla Ivan Graziani. Massiccio e cadenzato, il brano si lascia ascoltare con piacere e resta quasi impossibile restare fermi durante l’ascolto.
La musica di Nick The Freak è diretta, scaltra, una vetrina di generi bene incastrati fra di loro. Come detto, i ritornelli sono sempre il punto di forza e tutto scorre via che è un piacere. Non resta che attendere il volume due di “Il Rumore Della Città”; sono sicuro che saprà farci godere un’altra volta. MS

Versione Inglese:

NICK THE FREAK – Il Rumore Della Città – Vol. 1
Trulletto Records / Believe Music Italia
Genre: Rock, Cantautore
Format: Digital / CD – 2025

I am happily impressed when I come across artists who give voice to authentic singer‑songwriting, in the style of Ivan Graziani, Edoardo Bennato, Rino Gaetano and others, because in recent years new trends have turned singer‑songwriters into a tabula rasa. The satisfaction doubles when I notice that these are young and attentive to the lessons of the past. In a nutshell, I would sum it up as “there is life on earth”!
Yes, this also applies to Rock; in short, the Italian scene has lately been delivering surprises, and in the age of AI it’s no small thing. The subject in question goes by the artistic name Nick The Freak and is a guitarist and composer from Bari. However, he is not exactly the newest face on the scene, having played in Modaxì in 2000 and collaborated with Caparezza, as well as touring Europe with The Good Ole Boys’ R’n’R/Blues and the Ska/Reggae project B.U.M. (Bari Upbeat Movement).
Nick The Freak lives his Bari, breathes it, observes it and turns it into music starting with his first album “Il Disco Vecchio” (2019). The project continues today with “Il Rumore Della Città – Vol. 1 and Vol. 2”, the first part already released while the second will see the light in spring 2026. The bond with his homeland is evident, as is the desire to escape the toxicity that surrounds it. Hence the witty lyrics, which is why I felt comfortable comparing the author to the singer‑songwriters mentioned earlier. Blues, as history teaches, is born from the desire to express a difficult social situation in a few notes; this approach is also preserved in some of the tracks on the album.
The lineup consists of Nick The Freak (vocals, guitars, bass, synth, percussion), Simone Martorana (guitar, backing vocals), Nicola De Liso (drums), Valeria Quarto (backing vocals) and Paolo Palmieri (synth).
Now we come to “Il Rumore Della Città – Vol. 1”, which opens with a rough rock track, a mix between Bennato and Graziani titled “City Boy, Country Girl”, also released as a single with a video directed by Alberto Fortunato. It tells an impossible love story between a boy trapped in concrete and city logic and a girl who lives outside the urban centre. Captivating and enjoyable.
The scene changes with “Il Gelo”, softer even though the electric guitar still releases its positive energy. The keyboard accompaniment works in the style of “Every Little Thing Is Gonna Be Alright” (Bob Marley).
Bass and drums start “Sogni”, a song sung almost in rap mode, while the chorus recalls the electric Italian ’80s. Mid‑song, keyboards drift into ’70s prog.
“The city is toxic, I can’t take it anymore” is the refrain of “Toxic City”, a shout of anger that reveals the author’s desire to leave, but will it really happen? Perhaps it’s a way of exorcising the situation… Who knows. The rhythm is captivating once again, with funky touches. Then comes “Quando Ti Deciderai”, another track whose chorus is the highlight. Honest rock without frills.
The album closes with “You Look At Me”, another example of electric guitar à la Ivan Graziani. Massive and rhythmic, the song is a pleasure to listen to and it’s almost impossible to stay still while listening.
Nick The Freak’s music is direct, sharp, a showcase of genres well‑interwoven with each other. As said, the choruses are always the strong point and everything flows pleasantly. We just have to wait for volume two of “Il Rumore Della Città”; I’m sure it will make us enjoy it again. MS

Marco Leodori

MARCO LEODORI – Anima Naif
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD – 2024

Dietro a un disco si cela un grande sforzo creativo e tanta passione per la musica. La realizzazione finale è il coronamento stesso di un pensiero tradotto in suoni, ma anche di stati d’animo o di sensazioni generiche.
Esistono musicisti che hanno dedicato molto tempo allo studio del proprio lavoro e che, solo dopo alcuni anni, vedono raggiunto il traguardo; uno di questi è Marco Leodori. Sin da bambino dimostra di amare la musica e, a tredici anni, imbraccia la sua prima chitarra sotto la guida del maestro Riccardo Martinini. Alla fine degli anni ’70 entra nella band i Naif, per poi passare alle tastiere. Compone brani propri e, con essi, nel 1983 fa parte del gruppo Alta Quota. Passano gli anni, cambiano le band (Secret World, cover band di Peter Gabriel) e si approfondiscono gli studi, ma i Naif restano la band principale, con la quale nel 2014 aprono un concerto di Aldo Tagliapietra (ex Orme).
Leodori è dunque un sognatore, colui che vive la musica da dentro, con passione e, dopo anni di gestazione, “Anima Naif” è finalmente una realtà.
Il polistrumentista romano ha collaborato anche con la storica fanzine Wonderous Stories; da qui avrete capito che la sua passione è il progressive rock, soprattutto quello di matrice Genesis, e non disdegna passaggi nel Neo Prog degli anni ’80.
“Anima Naif” è formato da tredici brani per ben settantotto minuti di musica, praticamente un doppio album. Per la realizzazione si avvale di un nutrito gruppo di musicisti noti nel panorama, tra cui Alessandro Corvaglia, Mauro Montobbio, Alessandro Carmassi, Guglielmo Mariotti, Andrea Amici, Filippo Marcheggiani, Stefano Vicarelli e altri ancora; vi partecipa anche la giovane figlia Federica Leodori alla voce.
“Empty Blue Skies” esprime sin da subito la sensibilità dell’autore che, attraverso le tastiere, disegna emotivi passaggi ariosi con un assolo spaziale di chitarra dal profumo Neo Prog di Mauro Montobbio (Narrow Pass). Alle tastiere anche Emanuele Telli. Il sax di Claudio Braccio è la classica ciliegina sulla torta, mentre risulta pulita la ritmica di Claudio Braccio al basso e di Massimo Moscatelli alla batteria. Alessandro Carmassi interpreta il brano in maniera ineccepibile, senza strafare, restando perfettamente incastonato nelle melodie di base.
Molto attento alla formula canzone, il brano “A Winter Day Dream” vede Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera, Delirium, Hostonaten, ecc.) alla voce. Ancora ottimo il momento di chitarra da parte di Filippo Marcheggiani. Alle tastiere anche Paolo Carnelli e Stefano Vicarelli.
“Lonesome Man” vede l’ingresso del flauto di Maria Teresa De Donatis, un’aria ancora una volta Neo Prog, delicata e a tratti sognante. Ma è con “Legends” che si ha la prima sorpresa: uno strumentale che rimanda al mondo fantastico della Premiata Forneria Marconi, una cavalcata sonora con cambi di ritmo e tante tastiere al supporto. Il classico brano che un Progfan attende con bramosia, enfatico e maestoso come un sogno ad occhi aperti. Mauro Montobbio arricchisce non soltanto questo brano, ma tutto l’album grazie alla chitarra elettrica e all’animo gentile che lo contraddistingue.
Dopo tanta sonorità vigorosa, “Guardando Le Stelle” riporta quiete e serenità grazie soprattutto alla bella voce di Roberta Petteruti. Struggente e profonda, la canzone tocca le corde dell’anima, e non stupitevi se vi ritroverete una lacrima a scendere sul viso come è accaduto a me.
“Look At Your Heart” ha un inizio ritmato in stile Eugenio Finardi; qui siamo in un contesto ancora una volta differente, con il ritorno di Emanuele Brignola al basso e di Federica alla voce, un brano Pop Rock gradevole e scorrevole. Ciò denota e sottolinea la cultura musicale di Leodori ad ampio spettro.
Altra bella prova vocale di Federica giunge nella semi‑ballata “Come Un Gabbiano”, dove fa ritorno gradito il sax di Claudio Braccio. Altra sorpresa, altro territorio con “Unity”, dove si sconfina addirittura nell’A.O.R.
“La Sorgente” riconduce alla formula canzone, con tanto di flauto e melodie di facile assimilazione, mentre lo strumentale “In The King’s Name” racconta tanta storia degli anni ’80, un bellissimo mix fra Marillion e musica italiana! Elegante “Only One Day” per poi passare con “Genesi” al Prog in stile Jethro Tull periodo anni ’90/2000. La chiusura spetta a “Dream Is Over”, ottimo esempio di crescendo emotivo che suggella al meglio questo lungo viaggio.
Tanta sostanza in “Anima Naif”, perfetto nomen omen per una musica ricca di particolari, colorata e fatta con il cuore. Il tempo ripaga e Marco Leodori è una bella sorpresa che va supportata in ogni maniera. Consiglio agli addetti ai lavori: date luce a “Guardando le Stelle”, una gemma rara. MS 

Versione Inglese: 

MARCO LEODORI – Anima Naif
Self‑produced
Genre: Progressive Rock
Format: CD – 2024

Behind a disc lies a great creative effort and a lot of passion for music. The final realization is the crowning of a thought turned into sound, but also of moods or generic sensations.
There are musicians who have devoted a great deal of time to studying their craft and only after several years see the finish line; one of them is Marco Leodori. From childhood he shows a love for music and, at thirteen, picks up his first guitar under the guidance of maestro Riccardo Martinini. At the end of the 1970s he joins the band i Naif, later moving to keyboards. He composes his own pieces and, with them, in 1983 becomes part of the group Alta Quota. Years pass, bands change (Secret World, a Peter Gabriel cover band) and studies deepen, but Naif remains his main band, with which in 2014 they open a concert for Aldo Tagliapietra (ex Orme).
Leodori is therefore a dreamer, someone who lives music from within, with passion and, after years of gestation, “Anima Naif” finally becomes a reality.
The Roman multi‑instrumentalist has also collaborated with the historic fanzine Wonderous Stories; from this you will have understood that his passion is progressive rock, especially the Genesis‑type, and he does not shy away from Neo‑Prog passages from the ’80s.
“Anima Naif” consists of thirteen tracks for a total of seventy‑eight minutes of music, essentially a double album. For its realization he is joined by a large group of well‑known musicians, including Alessandro Corvaglia, Mauro Montobbio, Alessandro Carmassi, Guglielmo Mariotti, Andrea Amici, Filippo Marcheggiani, Stefano Vicarelli and others; the young daughter Federica Leodori also participates on vocals.
“Empty Blue Skies” immediately expresses the author’s sensitivity; through the keyboards he draws emotional, airy passages with a spatial guitar solo that carries a Neo‑Prog feel by Mauro Montobbio (Narrow Pass). Emanuele Telli also plays keyboards. Claudio Braccio’s sax is the classic cherry on top, while the rhythm section is clean with Claudio Braccio on bass and Massimo Moscatelli on drums. Alessandro Carmassi delivers an impeccable performance, never overplaying, perfectly embedded in the basic melodies.
Very attentive to the song formula, the track “A Winter Day Dream” features Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera, Delirium, Hostonaten, etc.) on vocals. Filippo Marcheggiani also shines on guitar. Paolo Carnelli and Stefano Vicarelli are on keyboards.
“Lonesome Man” introduces the flute of Maria Teresa De Donatis, an air that is once again Neo‑Prog, delicate and at times dreamy. But it is with “Legends” that the first surprise arrives: an instrumental that recalls the fantastical world of Premiata Forneria Marconi, a sonic cavalcade with rhythm changes and many keyboards supporting it. It is the classic piece that a prog fan awaits eagerly, emphatic and majestic like a day‑dream. Mauro Montobbio enriches not only this track but the entire album with his electric guitar and his gentle spirit.
After so much vigorous sonority, “Guardando Le Stelle” restores quiet and serenity, thanks above all to the beautiful voice of Roberta Petteruti. Heart‑wrenching and deep, the song plages the strings of the soul, and don’t be surprised if you find a tear slipping down your face as it happened to me.
“Look At Your Heart” begins with a rhythmic start in the style of Eugenio Finardi; here we are in a context once again different, with the return of Emanuele Brignola on bass and Federica on vocals, a pleasant and flowing Pop‑Rock piece. This demonstrates and underlines Leodori’s broad musical culture.
Another fine vocal performance by Federica appears in the semi‑ballad “Come Un Gabbiano”, where Claudio Braccio’s sax returns as a welcome guest. Another surprise, another territory with “Unity”, which even ventures into A.O.R.
“La Sorgente” returns to the song formula, with flute and easily assimilated melodies, while the instrumental “In The King’s Name” tells a lot of history of the ’80s, a beautiful mix of Marillion and Italian music! Elegant “Only One Day” then moves to “Genesi”, a Prog piece in the style of Jethro Tull from the 1990s/2000s. The closing track is “Dream Is Over”, an excellent example of emotional crescendo that perfectly seals this long journey.
So much substance in “Anima Naif”, a perfect name for music rich in detail, colourful and made with heart. Time rewards and Marco Leodori is a pleasant surprise that should be supported in every way. To the professionals: give light to “Guardando Le Stelle”, a rare gem. MS

The Rome Pro(g)ject

THE ROME PRO(G)JECT – …VI – And Thus The End
TRP Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2025

Vincenzo Ricca, tastierista e compositore, ha abituato bene i fan del Progressive Rock a ricevere dischi di elevata fattura, sia sonora che storica. Cinque dischi in cui si è sempre circondato di ospiti eccezionali, nomi altisonanti che hanno impreziosito le belle composizioni dell’artista. Ricca ha alle spalle una carriera imponente divisa fra colonne sonore, sigle televisive in RAI, dischi, Radio RAI e molto altro ancora. Ha collaborato con Folco Quilici; per la Nuova Fonit Cetra ha inciso i suoi primi tre CD di sonorizzazione (“Argomenti – Medioevo, Rinascimento e ‘700 – Americhe”) e un suo brano è stato anche interpretato da Katia Riccarelli.
Con “...VI – And Thus The End”, sesto sigillo del laboratorio The Rome Pro(g)ject, si chiude una saga e lo si fa attraverso sei brani e un demo. Ancora una volta ricco il parterre di ospiti che apportano un valore aggiunto all’opera; a mano a mano andremo a scoprirli.
L’opera si apre con “VI (Six)”, pezzo di gran classe con alla chitarra Paolo Ricca. Le ambientazioni sono prossime ai King Crimson, in realtà sono gli EL&P a farla da padrona e, con l’ingresso del mellotron, anche i Genesis. In pochi istanti vi ho nominato quasi tutta la base storica del progressive rock… e non è un caso.
“We Wondered” propone la mitica voce di Bernardo Lanzetti (Aqua Fragile, Premiata Forneria Marconi), altro ospite annoso del progetto in questione. Il brano vuole essere una sorta di ballata con un’interpretazione intensa. Al basso troviamo un altro protagonista del Progressive Rock mondiale, Frank Carducci.
Ma ecco sopraggiungere il piatto forte, ossia la ballata strumentale di oltre 28 minuti dal titolo “1229 Years”, che da sola vale l’acquisto del disco. Subito si palesano i fiati della leggenda David Jackson (Van Der Graaf Generator); fra sax e flauto l’ambientazione è inizialmente sognante e leggera. Sopraggiunge l’immancabile crescendo ritmico, quello che cattura l’attenzione e che lascia adito a un’esplosione sonora di lì a pochi istanti. Le chitarre di Paolo Ricca e dell’ex‑Genesis Steve Hackett sono fide alleate. Carducci è di nuovo al basso, mentre le tastiere di Vincenzo Ricca presenziano ovunque. Il movimento è spesso bucolico, disegnatore di scenari ampi in cui lasciar partire la fantasia. Di base c’è il classico motivo che si stampa nella mente, ma, come insegna il genere, le fughe strumentali si alternano fra intersezioni e ritorni all’origine. Malgrado tanti nomi storici, la musica di The Rome Pro(g)ject gode di personalità propria, supportata dalla nostra innata mediterraneità, su questo Vincenzo Ricca è stato un esempio.
“Far From Home” è di una delicatezza rara; torna Steve Hackett alla chitarra elettrica, mentre il basso è affidato a un altro grande musicista, Billy Sherwood (Yes). Vincenzo canta su un motivo che rispecchia molto la formula canzone, malgrado le fughe strumentali, ed è un vero piacere oltre che un tassello fondamentale dell’album.
Sale l’enfasi attraverso “Ad Gloriam Romae”, e il basso resta in mano a Sherwood. Il disco si conclude con il breve e leggiadro outro “... And Thus The End” e il basso di Tony Levin (James Taylor, Peter Gabriel, King Crimson, Yes, Andy Summers, Liquid Tension Experiment, Pink Floyd, John Lennon, e molti altri ancora!).
Il disco ci propone anche una bonus track in versione demo intitolata “Over 2000 Fountains”, canzone dal sentore Genesis periodo anni ’70.
“...VI – And Thus The End” è il classico esempio di disco Prog italiano, quello che un fan si auspicherebbe di ascoltare quotidianamente, e vi ho detto tutto! MS 

Versione Inglese:

THE ROME PRO(G)JECT – …VI – And Thus The End
TRP Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2025

Vincenzo Ricca, keyboardist and composer, has accustomed progressive‑rock fans to receiving high‑quality discs, both sonically and historically. Five albums in which he has always surrounded himself with exceptional guests, high‑sounding names that have enriched the artist’s fine compositions. Ricca has an imposing career split between film scores, RAI TV themes, records, RAI Radio and much more. He collaborated with Folco Quilici; for Nuova Fonit Cetra he recorded his first three sound‑design CDs (“Argomenti – Medioevo, Rinascimento e ‘700 – Americhe”) and one of his pieces was also performed by Katia Riccarelli.
With “...VI – And Thus The End”, the sixth seal of the laboratory The Rome Pro(g)ject, a saga closes, and it does so through six tracks and a demo. Once again the guest roster is rich, adding value to the work; we will discover them step by step.
The work opens with “VI (Six)”, a high‑class piece featuring Paolo Ricca on guitar. The settings are close to King Crimson; in reality it’s EL&P that dominate, and with the entry of the mellotron also Genesis. In a few moments I have named almost the entire historical base of progressive rock… and it’s no coincidence.
“We Wondered” features the legendary voice of Bernardo Lanzetti (Aqua Fragile, Premiata Forneria Marconi), another long‑time guest of the project. The song is intended as a sort of ballad with an intense performance. On bass we find another worldwide progressive‑rock protagonist, Frank Carducci.
But here comes the main dish: the instrumental ballad of over 28 minutes titled “1229 Years”, which alone is worth the price of the album. Immediately the winds of legend David Jackson (Van Der Graaf Generator) appear; between sax and flute the atmosphere is initially dreamy and light. Then comes the inevitable rhythmic crescendo, which captures attention and leads to a sonic explosion a few moments later. The guitars of Paolo Ricca and ex‑Genesis Steve Hackett are faithful allies. Carducci returns on bass, while Vincenzo Ricca’s keyboards are present everywhere. The movement is often bucolic, drawing wide‑open scenarios where imagination can run free. At its core there is the classic motif that sticks in the mind, but as the genre teaches, instrumental passages alternate between intersections and returns to the origin. Despite many historic names, The Rome Pro(g)ject’s music has its own personality, supported by our innate Mediterranean spirit; Vincenzo Ricca has been an example of this.
“Far From Home” is of rare delicacy; Steve Hackett returns on electric guitar, while bass is entrusted to another great musician, Billy Sherwood (Yes). Vincenzo sings over a melody that closely follows the song formula, despite the instrumental excursions, and it is a true pleasure as well as a fundamental piece of the album.
The emphasis rises through “Ad Gloriam Romae”, and the bass remains in Sherwood’s hands. The album concludes with the brief and graceful outro “... And Thus The End” and the bass of Tony Levin (James Taylor, Peter Gabriel, King Crimson, Yes, Andy Summers, Liquid Tension Experiment, Pink Floyd, John Lennon, and many others!).
The disc also offers a bonus demo track titled “Over 2000 Fountains”, a song with a Genesis‑like feel from the 1970s.
“...VI – And Thus The End” is the classic example of an Italian prog disc, the kind of record a fan would hope to hear every day, and I’ve said it all!
MS

Carillon

CARILLON – 2.0
Andromeda Relix
Genere: Rock
Supporto: CD – 2025

Voglio subito tranquillizzare tutti coloro che esprimono il parere “Oggi il Rock è morto”, frase che sento dire da numerosi anni e che non ne ravviso il riscontro. Sarebbe il caso invece di andare ad approfondire l’argomento, magari proprio navigando nel web oppure comprando le riviste specializzate, allora probabilmente ci si avvicinerebbe alla realtà. A proposito di realtà, ne abbiamo una qui in Italia che da anni si prodiga al riguardo: loro sono i veronesi Carillon.
Composti da Luigi De Stefano (chitarra, compositore), Patty Simon (voce, testi) e da due turnisti alla ritmica nei live e registrazioni, Stefano Albiero (basso), Cristian Casarotto (batteria), Klandelion (tastiere) e Amos Castelnovo (batteria), partecipano a numerosi contest che spaziano da Sanremo Rock al Vicenza Rock Contest, quest’ultimo vinto nel 2022. Un altro riconoscimento conseguito è il “Premio Radio Voice”, e la lista è ancora più lunga.
Esordiscono discograficamente nel 2014 con “Il Grande Brivido” (Andromeda Relix) e replicano nel 2022 con “Rumore E Silenzio” (Andromeda Relix).
Il Rock proposto è contaminato da differenti generi con orientamento verso il Mainstream.
Il nuovo album, intitolato 2.0, è composto da dodici canzoni accompagnate da un libretto esaustivo con immagini e testi a cura di Angela Busato (KraKen Promotion).
E subito Rock sia: l’inizio spetta a “Perduti Orgogli”, sferzante ed elegante, interpretato dalla bella voce della carismatica Patty Simon. Il ritmo è sostenuto, le melodie di base sono facilmente orecchiabili e non può neppure mancare il rigido assolo di chitarra a spezzare l’andamento. Le carte sono già in tavola. Sentita nell’interpretazione la sorniona “Il Sogno E L’Incubo”, canzone dove gli anni fine ’80 sono tenuti in seria considerazione.
Con “Sbagliata” la voce si fa grossa, graffiante il riff trascinante al confine con l’Hard Rock. Difficile restare fermi durante l’ascolto; il pezzo sicuramente ha una riuscita live eccellente.
Il lato più ricercato e sperimentale viene da “Silente”, canzone all’inizio chitarra arpeggiata e voce recitante, vetrina per le doti di Patty. Strappi Hard squarciano l’ascolto per alternarsi al pacato, uno dei momenti più interessanti del disco. C’è del Post‑Punk nascosto; confesso che ho avuto richiami nella mia mente a Nina Hagen, specialmente nel finale.
Le acque si placano in “Sono Nata”, la formula canzone si palesa al meglio attraverso un ritornello forte e pungente nel testo autobiografico.
Con “Il Grido E L’Odio” ritorna il perfetto equilibrio fra posatezza e vigorosità, un classico andamento accalappiante in cui la formazione dimostra di essere coesa. Anche il basso fa buona presenza di sé in “Sarai”, dove ancora una volta gli anni ’80 sembrano non essere poi così distanti. Un andamento morbido in cui i testi di Simon sono al centro dell’attenzione.
Giocosa e divertente “Masochista” grazie a un andamento vocale prossimo al rap. Ancora una volta i Carillon non sono scontati, e l’ascolto diventa davvero fluido.
Ci si sofferma ad osservare la “Luna” con la soave voce di Patty, un fotogramma che scalda il cuore. L’anima gentile del duo è a nudo in tutte le sue forme.
Alexander Wyrd è l’ospite in “Sabbie Mobili”, una altalena fra voce maschile e femminile in cui si esalta la valenza di questa formula sempre funzionale. Altra piccola perla si intitola “L’Inizio Della Fine”, dove gli arpeggi della chitarra di Luigi De Stefano disegnano ambientazioni plumbee. Il disco si conclude con la versione recitata di “Il Grido E L’Odio”, supportata dalle tastiere di Klandelion. Tanta atmosfera da godere ad occhi chiusi.
Questo Rock è fresco, mai banale, amante delle buone melodie ma anche attento alla contaminazione per un risultato assolutamente caleidoscopico. Non basta un ascolto spensierato, perché a volte sa stupire. “2.0” è un disco che consiglio anche durante un bel viaggio in auto; è sicuramente di ottima compagnia. MS

Versione Inglese: 

CARILLON – 2.0
Andromeda Relix
Genre: Rock
Format: CD – 2025

I want to immediately reassure everyone who says “Rock is dead today”, a phrase I’ve heard for many years and which I don’t see reflected in reality. It would be better to delve deeper into the subject, perhaps by surfing the web or buying specialized magazines; then we would probably get closer to the truth. Speaking of reality, we have one here in Italy that has been working on this for years: the Veronese band Carillon.
They consist of Luigi De Stefano (guitar, composer), Patty Simon (vocals, lyrics) and two session musicians for live shows and recordings: Stefano Albiero (bass), Cristian Casarotto (drums), Klandelion (keyboards) and Amos Castelnovo (drums). They take part in numerous contests ranging from Sanremo Rock to the Vicenza Rock Contest, the latter won in 2022. Another award they have received is the “Premio Radio Voice”, and the list goes on.
They made their discographic debut in 2014 with Il Grande Brivido (Andromeda Relix) and followed up in 2022 with Rumore E Silenzio (Andromeda Relix).
The rock they propose is contaminated by different genres with a leaning toward mainstream.
The new album, titled 2.0, consists of twelve songs accompanied by an exhaustive booklet with images and lyrics curated by Angela Busato (KraKen Promotion).
And let the rock begin: the opening track is “Perduti Orgogli”, a striking and elegant song performed by the beautiful, charismatic voice of Patty Simon. The rhythm is sustained, the basic melodies are easily catchy, and there’s no shortage of a rigid guitar solo to break the flow. The cards are already on the table. In the interpretation we also hear the sly “Il Sogno E L’Incubo”, a song where the late‑80s are taken seriously.
With “Sbagliata” the voice becomes big and gritty, the driving riff bordering on hard rock. It’s hard to stay still while listening; the piece is definitely a great live performer.
The most refined and experimental side comes from “Silente”, a song that starts with arpeggiated guitar and recited vocals, a showcase for Patty’s talent. Hard‑rock bursts tear through the listening experience, alternating with calm moments, one of the most interesting sections of the album. There’s hidden post‑punk; I confess I was reminded of Nina Hagen, especially in the ending.
The waters calm down on “Sono Nata”, the song formula shines with a strong, biting chorus in the autobiographical lyrics.
With “Il Grido E L’Odio” the perfect balance between restraint and vigor returns, a classic, captivating groove where the band shows its cohesion. The bass also makes a strong presence in “Sarai”, where once again the ’80s feel not so distant. It’s a soft flow where Simon’s lyrics are front and centre.
Playful and fun “Masochista” thanks to a vocal style close to rap. Once again Carillon are not predictable, and the listening experience becomes truly fluid.
We pause to observe “Luna” with Patty’s sweet voice, a heart‑warming frame. The duo’s gentle soul is laid bare in all its facets.
Alexander Wyrd guests on “Sabbie Mobili”, a swing between male and female voices that highlights the always effective formula. Another small pearl is titled “L’Inizio Della Fine”, where Luigi De Stefano’s guitar arpeggios draw bleak ambience. The album closes with the recited version of “Il Grido E L’Odio”, supported by Klandelion’s keyboards. Plenty of atmosphere to enjoy with eyes closed.
This rock is fresh, never banal, loving good melodies but also attentive to contamination for an absolutely kaleidoscopic result. A carefree listen isn’t enough, because sometimes it knows how to surprise. “2.0” is a record I recommend even on a nice road trip; it’s definitely great company. MS

Airportman / Egidio Marullo

AIRPORTMAN / EGIDIO MARULLO – Erva De Ientu
Lizard Records / Moving Records
Genere: Art Rock
Supporto: CD – 2025

Natura e musica sono un connubio perfetto; se ad esse si aggiunge la pittura, allora diventa un ricco pasto per la mente.
Alcuni artisti si sono cimentati in questo contesto, soprattutto italiani, perché noi abbiamo nel DNA un concetto di arte ad ampio spettro. Basta ricordare i “Quadri Musicali” di Paolo Catena, oppure “Stati Di Immaginazione” della Premiata Forneria Marconi, giusto per fare qualche nome, ma la lista sarebbe davvero lunga.
Il progetto dei roatesi Airportman ha radici molto profonde: risale al 2006, quando il trio Giovanni Risso (chitarre), Marco Lamberti (chitarra, pianoforte, basso, armonium, sintetizzatore) e Paolo Bergese (batteria, percussioni) esordì con Off (Lizard Records). Nel tempo hanno rilasciato una discografia importante sia per quantità (sedici album in studio) sia per qualità; numerose sono state le collaborazioni che hanno visto alternarsi nomi come Tommaso Cerasuolo, Stefano Giaccone e Fabio Angeli.
Anche in questa nuova realizzazione si avvalgono della partecipazione di un artista, questa volta un pittore e musicista: Egidio Marullo. Egli esplora da sempre l’interazione tra linguaggi artistici e fa uso dell’acquarello, come nel caso di “Di terra (erbario dei ricordi)”, assieme al poeta Osvaldo Piliego. Questa volta non sono le parole bensì la musica ad accompagnare le sue opere, nasce così una collaborazione che vede sei brani tratti dalla visione di altrettanti quadri contenuti in uno splendido cartonato all’interno del packaging in formato maxi 18 × 18 cm.
“Erva de ientu” in dialetto salentino significa “Erba di vento”, ossia quella vegetazione spontanea e ostinata che nasce fra le dune a due passi dal mare. Essa riesce a radicarsi malgrado la fragilità della sabbia in cui nasce.
Il primo quadro musicale porta il titolo dell’album, un frammentarsi di suoni che vanno dalla percussionistica al pianoforte, protagonista principe. Guardare la stampa del quadro e ascoltare il suono immerge pienamente l’ascoltatore nel contesto.
I sei minuti abbondanti di “Sentire” scorrono come l’immagine e anche la musica diventa acquarello, colorato ma per certi versi tenebroso. Il piano sgocciola note, il cielo è blu anche se in lontananza prevale l’oscurità. Nel cammino si aprono scenari ariosi dettati dalla chitarra di Giovanni Risso e dalla fisarmonica. Sembra quasi di odorare la salsedine in quel del versante adriatico.
Magnifica “Èpoteia”, profonda come i colori adoperati nel quadro; macchie scure rafforzano il concetto di radicalità. Attimi riflessivi si intersecano con il suono a tratti ipnotico, in cui gli arrangiamenti la fanno da padrona, xilofono compreso. Il movimento va calando per lasciare spazio agli arpeggi di chitarra, delicati e sognanti.
Spettacolare il colore di “I Cardi E L’Alba”; tutto sembra fermarsi quando l’oscurità lascia posto alla fievole luce del sole in lontananza; anche le erbe sono ferme, così la musica racconta la scena, iniziando quasi sorniona per poi sostenersi con l’uscita del sole.
Si alza il vento in “Orazione”, la sabbia rosso sangue confina con il cielo plumbeo. Qui il pianoforte sussurra melodie sottolineate da suoni psichedelici.
Il panorama dipinto diventa ampio nella conclusiva “Elegia”, così i colori maggiormente solari. Le note non fanno altro che fotografare la scena come in una diapositiva.
Si resta fermi durante l’ascolto, quasi per la paura di rovinare le atmosfere legate perfettamente ai concetti espressi; questa è la vera magia della musica e dell’immagine, e gli Airportman ci hanno fatto dono di un’altra perla.
Quando la musica prende il posto delle parole, allora l’arte è totale. Ammaliante! MS 

Versione Inglese: 

AIRPORTMAN / EGIDIO MARULLO – Erva De Ientu
Lizard Records / Moving Records
Genre: Art Rock
Format: CD – 2025

Nature and music are a perfect combination; if painting is added to them, it becomes a rich feast for the mind.
Some artists have tried this mix, especially Italians, because we have in our DNA a concept of art on a broad spectrum. Just recall Paolo Catena’s “Quadri Musicali”, or “Stati Di Immaginazione” by Premiata Forneria Marconi, just to name a few, but the list would be really long.
The project of the Roatesi Airportman has very deep roots: it dates back to 2006, when the trio Giovanni Risso (guitar), Marco Lamberti (guitar, piano, bass, harmonium, synthesizer) and Paolo Bergese (drums, percussion) debuted with Off (Lizard Records). Over time they have released an important discography both in quantity (sixteen studio albums) and quality; many collaborations have featured names such as Tommaso Cerasuolo, Stefano Giaccone and Fabio Angeli.
Even in this new work they are joined by an artist, this time a painter and musician: Egidio Marullo. He has always explored the interaction between artistic languages and uses watercolour, as in the case of Di terra (erbario dei ricordi), together with poet Osvaldo Piliego. This time it is not words but music that accompanies his works, giving rise to a collaboration that features six pieces taken from the vision of as many paintings contained in a splendid cardboard insert inside the maxi 18 × 18 cm packaging.
“Erva de ientu” in Salentino dialect means “Grass of the wind”, i.e. that spontaneous and stubborn vegetation that grows among the dunes a stone’s throw from the sea. It manages to take root despite the fragility of the sand in which it is born.
The first musical picture bears the title of the album, a fragmentation of sounds ranging from percussion to piano, with the latter as the main protagonist. Looking at the print of the painting and listening to the sound fully immerses the listener in the context.
The abundant six minutes of “Sentire” flow like the image, and the music itself becomes watercolour, colourful but in some ways dark. The piano drips notes, the sky is blue even though darkness prevails in the distance. Along the way, airy scenes open up dictated by Giovanni Risso’s guitar and the accordion. It almost feels like smelling the saltiness on that Adriatic side.
Magnificent “Èpoteia”, deep as the colours used in the painting; dark stains reinforce the concept of radicality. Reflective moments intersect with a hypnotic sound, where the arrangements dominate, xylophone included. The movement gradually fades to make room for delicate, dreamy guitar arpeggios.
Spectacular the colour of “I Cardi E L’Alba”; everything seems to stop when darkness gives way to the faint light of the distant sun; the grasses are still, and the music tells the scene, starting almost slyly and then holding with the sunrise.
The wind rises in “Orazione”, the blood‑red sand borders the leaden sky. Here the piano whispers melodies underlined by psychedelic sounds.
The painted panorama becomes wide in the concluding “Elegia”, with the most solar colours. The notes simply photograph the scene like a slide.
We remain still while listening, almost out of fear of ruining the atmospheres perfectly linked to the concepts expressed; this is the true magic of music and image, and Airportman have gifted us another pearl.
When music takes the place of words, art becomes total. Enchanting! MS