Soen

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genere: Metal Progressive
Supporto: CD / LP / Digital - 2026

I Soen sono emersi nel 2010 come una sorta di "supergruppo" d'élite, inizialmente noti per la presenza del leggendario batterista Martin Lopez (ex-Opeth) e del bassista Steve Di Giorgio. La loro evoluzione storica è stata un viaggio affascinante: partiti con il debutto “Cognitive” (2012), sono stati spesso etichettati come cloni dei Tool, un paragone che hanno poi smantellato disco dopo disco. Con il passare degli anni e l'ingresso del chitarrista Cody Ford, la band ha raffinato un sound unico che fonde la potenza del Metal Progressivo con una sensibilità melodica quasi introspettiva, guidata dalla voce vellutata e intensa di Joel Ekelöf.
“Reliance” è il settimo sigillo dei Soen, uscito il 16 gennaio 2026, e rappresenta un punto di arrivo cruciale per la band svedese. Storicamente, il gruppo è passato attraverso una metamorfosi straordinaria, partendo dalle radici Prog-Metal intricate dei primi anni 2010 per approdare oggi a un suono che è pura "essenza": brani più compatti, quasi tutti sotto i cinque minuti, ma carichi di una tensione emotiva che pochi altri sanno gestire.
In questo lavoro, la formazione composta dal nucleo storico Martin Lopez e Joel Ekelöf, insieme a Cody Ford, Stefan Stenberg e Lars Enok Åhlund, perfeziona la formula già esplorata in “Memorial” (2023), spingendosi però verso una produzione ancora più nitida e dinamica curata da Alexander Backlund. L'album si apre con la potenza di "Primal", un pezzo che mette subito in chiaro l'intento del disco: riff pesanti e sincopati che si risolvono in ritornelli di una bellezza melodica disarmante, dove Ekelöf dimostra di essere una delle voci più mature del panorama Rock contemporaneo.
Brani come "Mercenary" e "Discordia" affrontano temi sociali e psicologici complessi, parlando di tradimento, corruzione e della lotta per restare umani in un mondo digitale che ci vorrebbe divisi, mentre pezzi come "Indifferent" mostrano il lato più vulnerabile e spogliato della band, affidandosi a pianoforte e interpretazioni quasi confessionali.
La sezione ritmica di Lopez resta il cuore pulsante, capace di rendere "facili" tempi dispari e incastri che altrove risulterebbero ostici, mentre Cody Ford regala assoli che non cercano mai la velocità fine a se stessa, ma preferiscono il feeling "gilmouriano", come si avverte chiaramente nella splendida chiusura di "Vellichor".
Sebbene alcuni fan della prima ora possano lamentare l'abbandono delle strutture lunghe e labirintiche di “Cognitive”, “Reliance” è la testimonianza di una band che ha trovato la fiducia (appunto, la "reliance") totale nei propri mezzi espressivi, scegliendo la qualità del messaggio e l'impatto emotivo diretto sopra ogni virtuosismo superfluo.
È un disco che non inventa nuovi generi, ma che nobilita l'Heavy Rock moderno portandolo a una dimensione poetica e catartica raramente raggiunta dai loro colleghi. MS

Versione Inglese: 

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genre: Progressive Metal
Format: CD / LP / Digital - 2026

Soen emerged in 2010 as a sort of elite "supergroup," initially known for the presence of legendary drummer Martin Lopez (ex-Opeth) and bassist Steve Di Giorgio. Their historical evolution has been a fascinating journey: starting with their debut “Cognitive” (2012), they were often labeled as Tool clones—a comparison they dismantled album after album. Over the years, and with the addition of guitarist Cody Ford, the band has refined a unique sound that blends the power of Progressive Metal with an almost introspective melodic sensitivity, guided by the velvety and intense vocals of Joel Ekelöf.
“Reliance” is Soen’s seventh seal, released on January 16, 2026, and represents a crucial milestone for the Swedish band. Historically, the group has undergone an extraordinary metamorphosis, moving from the intricate Prog-Metal roots of the early 2010s to arrive today at a sound that is pure "essence": more compact tracks, nearly all under five minutes, yet charged with an emotional tension that few others can manage.
In this work, the lineup consisting of the core duo Martin Lopez and Joel Ekelöf, alongside Cody Ford, Stefan Stenberg, and Lars Enok Åhlund, perfects the formula already explored in “Memorial” (2023), while pushing toward an even sharper and more dynamic production handled by Alexander Backlund. The album opens with the power of "Primal," a track that immediately clarifies the record's intent: heavy, syncopated riffs that resolve into choruses of disarming melodic beauty, where Ekelöf proves to be one of the most mature voices in the contemporary Rock scene.
Tracks like "Mercenary" and "Discordia" tackle complex social and psychological themes, speaking of betrayal, corruption, and the struggle to remain human in a digital world that seeks to divide us, while pieces like "Indifferent" showcase the band's most vulnerable and stripped-back side, relying on piano and almost confessional performances.
Lopez's rhythm section remains the beating heart, capable of making odd time signatures and patterns that would be daunting elsewhere seem "easy," while Cody Ford delivers solos that never chase speed for its own sake, preferring a "Gilmouresque" feeling, as clearly heard in the splendid closing of "Vellichor."
Although some early fans might lament the abandonment of the long, labyrinthine structures of “Cognitive,” “Reliance” is a testament to a band that has found total confidence (indeed, "reliance") in its expressive means, choosing message quality and direct emotional impact over any superfluous virtuosity. It is a record that doesn't reinvent genres but ennobles modern Heavy Rock, elevating it to a poetic and cathartic dimension rarely reached by their peers. MS

Dove Sta Andando Oggi La Musica?

 

DOVE STA ANDANDO OGGI LA MUSICA?

 

 

Questa è una domanda che ci stiamo ponendo un poco tutti, sia per preoccupazione per un esercito di professionisti intenti nel proprio lavoro che vedono minato dall’avvento dell’IA, sia per la qualità delle uscite.
In effetti la musica oggi, nel 2026, si trova in un momento di trasformazione radicale che non riguarda solo "cosa" ascoltiamo, ma "come" lo creiamo e lo viviamo. Siamo nel pieno di una transizione dove la tecnologia è onnipresente, ma proprio per questo sta scatenando una reazione contraria verso l'autenticità. Sta andando verso una polarizzazione: da un lato avremo una produzione massiva, veloce e algoritmica per il consumo distratto; dall'altro, una scena "resistente" fatta di artigianato sonoro, partecipazione emotiva e ritorno al contatto umano.
 
Ecco i tre binari principali su cui si sta muovendo:
 
1 -  La "Tsunami" dell'Intelligenza Artificiale
L'IA non è più una novità, ma un elemento strutturale. Circa un terzo dei brani pubblicati quotidianamente (che sono ormai oltre 120.000 al giorno) è generato interamente o parzialmente da algoritmi.
Per esempio, la "musica farmaceutica" per dormire, studiare o allenarsi è ormai dominata dall'IA, separandosi nettamente dalla musica "artistica".
Ma c’è una risposta umana come reazione, sta nascendo l'etichetta "Human Made". Gli ascoltatori cercano sempre di più il difetto, l'emozione imperfetta e il carisma che un software non può (ancora) replicare.
 
2 -  Il Ritorno al "Fisico" e all'Esperienza
Mentre lo streaming diventa saturo di contenuti "spam" o di bassa qualità, il pubblico sta riscoprendo il valore del supporto fisico e dell'evento dal vivo.
Oltre il Vinile: Anche CD e cassette sono tornati a essere oggetti di culto, non per la qualità sonora in sé, ma come simbolo di appartenenza a una "tribù" musicale.
Anche i live non sono più solo esibizioni, ma esperienze immersive. Festival come il Primavera Sound o il Sziget puntano su line-up che mescolano leggende (come i The Cure, in tour proprio quest'anno) a icone della Gen Z.
 
3 -  La Fine delle "Superstar Globali"?
Il mercato si sta frammentando. Il divario tra le pochissime superstar (alla Taylor Swift) e la miriade di artisti indipendenti si sta allargando, ma con una novità:
Gli artisti indipendenti stanno smettendo di inseguire l'algoritmo di Spotify per concentrarsi su comunità ristrette ma fedelissime (i "superfan") su piattaforme come Bandcamp o tramite canali diretti (D2C).
 
CURIOSITA’:  Nel 2026 si parla molto di "Musica di Protesta 2.0", dove gli artisti tornano a usare testi impegnati per rispondere alle ansie sociali e climatiche, un po' come accadeva negli anni '70, ma con i suoni dell'elettronica moderna.

Versione Inglese:

WHERE IS MUSIC HEADING TODAY?

 
This is a question many of us are asking, driven both by concern for the "army" of professionals whose livelihoods are threatened by the rise of AI, and by the overall quality of new releases.
Indeed, in 2026, music is undergoing a radical transformation that affects not only what we listen to, but how we create and experience it. We are in the midst of a transition where technology is omnipresent; however, this very ubiquity is sparking a backlash in favor of authenticity. We are moving toward a polarization: on one hand, mass-produced, fast, and algorithmic content for distracted consumption; on the other, a "resistant" scene built on sonic craftsmanship, emotional engagement, and a return to human connection.
 
Here are the three main tracks on which the industry is moving:
 
1. The AI "Tsunami"

AI is no longer a novelty; it is a structural element. Approximately one-third of the tracks published daily (which have now surpassed 120,000 per day) are generated entirely or partially by algorithms.
For instance, "pharmaceutical music" for sleeping, studying, or working out is now dominated by AI, creating a clear divide from "artistic" music.
However, there is a human reaction: the "Human Made" label is emerging. Listeners are increasingly seeking out flaws, imperfect emotions, and the charisma that software cannot (yet) replicate.

2. The Return to the "Physical" and the Experience

As streaming becomes saturated with "spam" or low-quality content, the public is rediscovering the value of physical media and live events.
Beyond Vinyl: Even CDs and cassettes have returned as cult objects—not necessarily for the sound quality itself, but as a symbol of belonging to a musical "tribe."
Similarly, live shows are no longer just performances but immersive experiences. Festivals like Primavera Sound or Sziget focus on line-ups that blend legends (such as The Cure, touring this very year) with Gen Z icons.
 
3. The End of "Global Superstars"?

The market is fragmenting. The gap between a few mega-stars (the Taylor Swifts of the world) and the myriad of independent artists is widening, but with a twist:
Independent artists are stopping the chase after Spotify's algorithms to focus on small but fiercely loyal communities ("superfans") on platforms like Bandcamp or through direct-to-consumer (D2C) channels.
 
FUN FACT: In 2026, there is much talk about "Protest Music 2.0," where artists are returning to socially and climatically conscious lyrics to address modern anxieties—much like in the 1970s, but reimagined through the lens of modern electronic soundscapes.

Diaspro

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Il 2026 per il Rock Progressivo italiano si è aperto con vigore e diverse sorprese. Molte le produzioni già edite, alcune delle quali firmate da giovani formazioni al debutto: un segnale che non può che stupire e far piacere agli appassionati.
Tra queste realtà spiccano i Diaspro. Il nome stesso (una pietra dura nota per le venature e la resistenza) riflette la natura della loro proposta: solida, stratificata e preziosa.
Il gruppo, composto da Dante Campora (voce), Marcello Chiaraluce (chitarra), Giovanni Giordano (chitarra), Andrea Manuelli (tastiere), Bruce Muirhead (basso) e Luca Grosso (batteria), narra attraverso undici tracce un sogno che funge da terapia dopo una delusione amorosa. Chiaraluce, leader del progetto, ha iniziato il percorso compositivo in autonomia, circondandosi successivamente degli altri musicisti per dare vita alla band, onorando il sound del "sacro trittico" del Prog nazionale: PFM, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme.
“Introduzione”, breve strumentale classicheggiante, proietta l’ascoltatore in questo mondo evocando atmosfere simili ad “Appena un po’” della PFM, conducendo poi a “Piccola Stazione”. Quest'ultima è una struttura sonora consapevole delle lezioni del passato (Genesis inclusi); il cantato in italiano sfoggia testi mai banali, ma è soprattutto l'architettura musicale, con i suoi cambi di tempo e i frangenti melodici tipicamente mediterranei, a colpire. Le chitarre si lanciano in assoli ispirati, mentre le tastiere arricchiscono il suono con enfasi, ingredienti essenziali per questo stile intramontabile.
Con i suoi abbondanti sette minuti, “Piccola Stazione” risulta il brano più esteso dell’album.
L'estetica degli anni ’70 aleggia costantemente, nonostante siano presenti intarsi più moderni incastonati di tanto in tanto, come in “Verso La Città Grande”. Ancora una volta, la Premiata Forneria Marconi resta il punto di riferimento principale.
La delicatezza pianistica di “Salto In Alto” è toccante, impreziosita dal violino; la cura per la melodia è fondamentale per i Diaspro, che puntano alla sostanza senza perdersi in sterili virtuosismi.
Si passa a ritmi bossa nova in “Per Salire Su”, ma il mutamento stilistico è sempre dietro l'angolo, sfociando in un Hard Prog sorprendente dove la prova vocale di Campora si attesta su alti livelli, lasciando intravedere l'influenza del Banco nel finale.
Divertente e giocosa è “Piano Rialzato”, un'altalena tra sonorità circensi e richiami ai Genesis, a testimonianza di una fantasia compositiva radicata.
Notevole l'efficacia narrativa di “Verso La Tana Del Gelso”, traccia strumentale tra le più riuscite, che presenta una band coesa e immersa in continui cambi d'umore e di stile.
L’album procede all'unisono come una lunga suite suddivisa in piccoli istanti: “Totem”, “Gelso”, “Inferno” e “Senza Di Me” appaiono collegati e maturi.
L’esperienza di Chiaraluce emerge in ogni nota di questo esordio, che ci presenta una realtà da seguire con estrema attenzione. Siamo al cospetto di un eccellente esempio di Progressive Rock italiano, ricco di idee e di una tecnica sempre al servizio di melodie di facile assimilazione. “Diaspro” scorre piacevolmente, lasciando nell’ascoltatore il desiderio di nuovi capitoli. Un abbondante "antipasto" di trenta minuti caldamente consigliato ai più famelici. MS

Versione Inglese:

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genre: Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

For Italian Progressive Rock, 2026 has opened with great vigor and several surprises. Many productions have already been released, some of which are by young bands making their debut—a sign that can only astonish and delight fans of the genre. Among these emerging realities, Diaspro stands out. The name itself (a hard stone known for its veins and resistance) reflects the nature of their music: solid, layered, and precious.
The group—composed of Dante Campora (vocals), Marcello Chiaraluce (guitar), Giovanni Giordano (guitar), Andrea Manuelli (keyboards), Bruce Muirhead (bass), and Luca Grosso (drums)—narrates a dream across eleven tracks that serves as therapy following a romantic disappointment. Chiaraluce, the project’s leader, began the compositional journey independently before surrounding himself with other musicians to bring the band to life, honoring the sound of the "holy trinity" of Italian Prog: PFM, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme.
“Introduzione,” a brief classical-style instrumental, projects the listener into this world by evoking atmospheres similar to PFM’s “Appena un po’,” leading into “Piccola Stazione.” The latter is a sonic structure well-aware of the lessons of the past (Genesis included); the Italian vocals showcase lyrics that are never trivial, but it is primarily the musical architecture—with its time signature changes and typically Mediterranean melodic passages—that hits the mark. The guitars launch into inspired solos while the keyboards enrich the sound with emphasis, both essential ingredients for this timeless style. At over seven minutes long, “Piccola Stazione” is the most extensive track on the album.
The 1970s aesthetic lingers constantly, despite the occasional presence of more modern flourishes, as heard in “Verso La Città Grande.” Once again, Premiata Forneria Marconi remains the primary point of reference. The pianistic delicacy of “Salto In Alto” is touching, embellished by the violin; a focus on melody is fundamental for Diaspro, who aim for substance without getting lost in sterile virtuosity.
The music shifts to bossa nova rhythms in “Per Salire Su,” but a stylistic change is always around the corner, flowing into a surprising Hard Prog where Campora’s vocal performance reaches high levels, revealing glimpses of Banco's influence in the finale. “Piano Rialzato” is fun and playful, a seesaw between circus-like sounds and echoes of Genesis, testifying to a deeply rooted compositional imagination.
The narrative effectiveness of “Verso La Tana Del Gelso” is remarkable; it is one of the most successful instrumental tracks, presenting a cohesive band immersed in continuous shifts of mood and style. The album proceeds in unison like a long suite divided into small moments: “Totem,” “Gelso,” “Inferno,” and “Senza Di Me” appear interconnected and mature.
Chiaraluce’s experience emerges in every note of this debut, which introduces us to a reality that should be followed with close attention. We are in the presence of an excellent example of Italian Progressive Rock, rich in ideas and technique always placed at the service of easily accessible melodies. “Diaspro” flows pleasantly, leaving the listener wishing for new chapters. A generous thirty-minute "appetizer" highly recommended for the most ravenous among you. MS

 

Primaluce

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Autoproduzione
Genere: Progressive Metal
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Dopo il successo di “Dark Mirrors” (2025) e “Metamors” (2025), tornano immediatamente i Primaluce, formazione capitanata dal polistrumentista Stefano Primaluce, a testimonianza di un momento di grande ispirazione creativa.
Attraverso dinamiche mutevoli, “Way Of Perfection” si sviluppa come un concept album che esplora la tensione tra disciplina e istinto, controllo e liberazione, precisione ed emozione. Il lavoro affronta il superamento dei propri limiti e l’eterna lotta tra luce e ombra. La line-up che ha inciso il disco vede Stefano Primaluce (chitarre ritmiche, tastiere, cori, programmazione) affiancato da Andrea Rocchi (chitarra solista e acustica), Marco Adami (basso), Michele Avella (batteria) e Falco alla voce.
Come il genere impone, le dodici tracce variano da mid-tempo diretti a composizioni articolate; non stupisce, dunque, riscontrare sonorità care a icone come Dream Theater e Fates Warning. Nonostante l’uso di tempi dispari e la complessità tecnica, il gruppo non rinuncia mai alla "forma canzone" e a ritornelli piuttosto aperti. In questo contesto, l'uso delle tastiere risulta fondamentale per tessere tappeti sonori che conferiscono profondità ai riff di chitarra più serrati.
Gli oltre sette minuti di “The Wind Remains” mettono subito in mostra l’intera perizia tecnica a disposizione del quintetto, grazie a un sound pulito e ben prodotto. La prova vocale di Falco appare ispirata, chiara e ben modulata a seconda della circostanza, mentre l'inciso risulta decisamente accattivante.
Mitragliate di batteria introducono “Back Into The Blue”, che evolve poi verso scenari più solari: il titolo suggerisce un ritorno a una dimensione introspettiva, quasi malinconica ma rigenerante.
Coerentemente con il proprio nome, “The Turning Of The Circle” (giro del cerchio) non rappresenta solo una figura geometrica, ma una potente metafora sulla vita, il tempo e l'esperienza umana. Il brano funge da vero viaggio ciclico, sia nella struttura musicale che nel concetto filosofico, esplorando l'idea che nulla finisca davvero, ma si trasformi: ogni fine è il seme di un nuovo inizio.
L’importanza data dalla band alle melodie corali emerge chiaramente anche in “Countdown At Dawn”. Altra vetrina di notevoli capacità tecniche è “Running Out Of Yesterday”, mentre “Heart Of The Moment” attinge dalla scena americana, sfiorando territori quasi AOR. Per incontrare un episodio più marcatamente Prog (grazie all’uso sapiente di piano e tastiere), bisogna attendere la ballata “When The Light Returns”. Il testo affronta il tema della resilienza: se “Back Into The Blue” rappresentava l'immersione e “The Turning Of The Circle” la consapevolezza del ciclo, questo brano incarna il momento della rinascita. La "luce" citata non è solo l'alba, ma la comprensione che giunge dopo un periodo di sofferenza.
L’album prosegue fedele allo stile del progetto, fatta eccezione per “Echoes Of Tomorrow”, traccia più ricercata che narra la responsabilità del presente: il futuro non è un'entità astratta, ma il risultato delle azioni che compiamo oggi. Una menzione a parte merita la conclusiva “Where The Water Meets The Stone”, dove la voce e i cambi d'atmosfera raggiungono livelli eccellenti.
Con questo lavoro, i Primaluce regalano un piccolo gioiello, candidandosi tra le realtà più significative della nostra scena. Un disco che metterà d’accordo gli amanti di queste sonorità, offrendo al contempo un'ottima occasione ai neofiti per avvicinarsi a un genere capace di stupire.
MS

Versione Inglese:

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Self-release
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Following the success of “Dark Mirrors” (2025) and “Metamors” (2025), Primaluce makes an immediate return. Led by multi-instrumentalist Stefano Primaluce, the band proves to be in a moment of great creative inspiration.
Through shifting dynamics, “Way Of Perfection” unfolds as a concept album exploring the tension between discipline and instinct, control and liberation, precision and emotion. The work tackles the overcoming of one's limits and the eternal struggle between light and shadow. The line-up featured on the record includes Stefano Primaluce (rhythm guitars, keyboards, backing vocals, programming), joined by Andrea Rocchi (lead and acoustic guitars), Marco Adami (bass), Michele Avella (drums), and Falco on vocals.
As the genre demands, the twelve tracks range from straightforward mid-tempos to intricate compositions; it is no surprise, then, to find echoes of icons such as Dream Theater and Fates Warning. Despite the use of odd time signatures and technical complexity, the group never abandons the "song form" or relatively open choruses. In this context, the keyboards are essential in weaving sonic textures that add depth to the tighter guitar riffs.
The seven-plus minutes of “The Wind Remains” immediately showcase the quintet’s full technical prowess, supported by a clean and well-produced sound. Falco’s vocal performance is inspired, clear, and well-modulated to suit the mood, while the hook is decidedly catchy. Drum volleys introduce “Back Into The Blue,” which then evolves into brighter soundscapes: the title suggests a return to an introspective dimension, almost melancholic yet regenerating.
Consistent with its name, “The Turning Of The Circle” represents more than just a geometric shape; it is a powerful metaphor for life, time, and the human experience. The song serves as a true cyclic journey, both in its musical structure and philosophical concept, exploring the idea that nothing truly ends, but rather transforms: every end is the seed of a new beginning.
The band’s emphasis on choral melodies clearly emerges in “Countdown At Dawn.” Another showcase of remarkable technical skill is “Running Out Of Yesterday,” while “Heart Of The Moment” draws from the American scene, almost touching upon AOR territory. For a more markedly Progressive moment (thanks to the skillful use of piano and keyboards), one must wait for the ballad “When The Light Returns.” The lyrics deal with the theme of resilience: if “Back Into The Blue” represented immersion and “The Turning Of The Circle” the awareness of the cycle, this track embodies the moment of rebirth. The "light" mentioned is not merely the dawn, but the clarity that arrives after a period of suffering.
The album continues faithful to the project's core style, with the exception of “Echoes Of Tomorrow,” a more sophisticated track narrating the responsibility of the present: the future is not an abstract entity, but the result of the actions we take today. A special mention goes to the closing track “Where The Water Meets The Stone,” where the vocals and atmospheric shifts reach excellent levels.
With this work, Primaluce delivers a small gem, establishing themselves among the most significant acts of our scene. It is a record that will satisfy fans of these sounds while offering a great opportunity for newcomers to discover a genre that still knows how to surprise. MS

Big Big Train

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Inside Out Music
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

Parlare dei Big Big Train significa immergersi in una delle storie più resilienti e nobili del Progressive Rock moderno. Nati nel 1990 nel Dorset, la band ha attraversato decenni di cambiamenti, passando da un timido esordio influenzato dai Genesis a una consacrazione internazionale avvenuta negli anni 2010. La loro è una musica di paesaggi rurali, ingegneria vittoriana e narrazioni squisitamente britanniche. Dopo la tragica e improvvisa scomparsa dello storico frontman David Longdon nel 2021, il gruppo ha saputo onorare il suo lascito trovando in Alberto Bravin una nuova voce capace di traghettare il "Grande Treno" verso una nuova era di splendore, mantenendo intatta quella capacità di far piangere e sognare contemporaneamente.
Con l'album "Woodcut", i Big Big Train non si limitano a confermare la propria maestria, ma firmano un manifesto di pura bellezza pastorale e complessità emotiva.
Il disco si apre con la maestosità di "The Gorse Bush", un brano che funge da ponte tra la terra e il cielo, dove gli arrangiamenti di ottoni (ormai marchio di fabbrica del gruppo) si intrecciano con trame di chitarra acustica cristalline.
La voce di Bravin brilla per controllo e calore in "Skylark", un pezzo che sembra spiccare il volo grazie a una sezione ritmica solida ma agilissima, capace di mutare tempo senza mai spezzare l'incanto melodico.
La title track, "Woodcut", è il cuore pulsante dell'opera: una suite in miniatura che racchiude tutto ciò che amiamo del Prog: narrazione mitologica, assoli di synth mozzafiato e quel senso di meraviglia per le piccole storie della natura.
C'è una malinconia dolce che attraversa "Silver Moon", dove il violino di Clare Lindley danza con una grazia antica, portandoci in una dimensione fuori dal tempo.
Non mancano i momenti di potenza tecnica, come in "Iron and Rust", dove la band spinge sull'acceleratore mostrando i muscoli senza mai scadere nell'autocelebrazione, mentre la chiusura affidata a "The Last Beacon" è un commiato epico che lascia l'ascoltatore con un senso di pace profonda e la certezza che, finché ci saranno i Big Big Train, il Rock Progressivo continuerà a essere una casa sicura per chi cerca profondità e umanità.
"Woodcut" non è solo un album, è una conferma di vita, un'opera che profuma di boschi bagnati dalla pioggia e di un futuro tutto da scrivere. MS

Versione Inglese:

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Label: InsideOut Music
Genre: Progressive Rock
Format: CD / LP / Digital – 2026

To speak of Big Big Train is to immerse oneself in one of the most resilient and noble stories of modern Progressive Rock. Founded in 1990 in Dorset, the band has navigated decades of evolution, moving from a modest debut influenced by Genesis to international acclaim in the 2010s. Theirs is a music of rural landscapes, Victorian engineering, and exquisitely British narratives. Following the tragic and sudden passing of longtime frontman David Longdon in 2021, the group has honored his legacy by finding in Alberto Bravin a new voice capable of steering the "Great Train" toward a new era of splendor, keeping intact that unique ability to move the listener to tears and dreams simultaneously.
With the album "Woodcut", Big Big Train do more than simply confirm their mastery; they deliver a manifesto of pure pastoral beauty and emotional complexity.
The record opens with the majesty of "The Gorse Bush", a track that acts as a bridge between earth and sky, where the brass arrangements—now a trademark of the group—intertwine with crystalline acoustic guitar textures. Bravin’s vocals shine with control and warmth in "Skylark", a piece that seems to take flight thanks to a solid yet incredibly agile rhythm section, capable of shifting time signatures without ever breaking the melodic spell.
The title track, "Woodcut", is the beating heart of the work: a miniature suite that encapsulates everything we love about Prog: mythological storytelling, breathtaking synth solos, and that sense of wonder for the small stories of nature. There is a sweet melancholy running through "Silver Moon", where Clare Lindley’s violin dances with an ancient grace, transporting us to a dimension outside of time.
Moments of technical prowess are not lacking, such as in "Iron and Rust", where the band pushes the accelerator and flexes their muscles without ever lapsing into self-indulgence. Meanwhile, the closing track, "The Last Beacon", is an epic farewell that leaves the listener with a profound sense of peace and the certainty that, as long as Big Big Train exists, Progressive Rock will remain a safe harbor for those seeking depth and humanity.
"Woodcut" is not just an album; it is a confirmation of life—a work that breathes the scent of rain-soaked woods and a future yet to be written. MS

Radiohead

RADIOHEAD - A Moon Shaped Pool
XL Recordings
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / LP / Digital - 2016

Con questa disamina vado a trattare una delle band più iconiche e influenti degli ultimi decenni: Radiohead.
Recensire quest'album è come descrivere il suono del ghiaccio che si scioglie o di un cuore che impara a battere a un ritmo diverso dopo un trauma. È un disco di una bellezza devastante, dove l'elettronica spigolosa del passato lascia spazio a orchestrazioni cinematografiche e una vulnerabilità quasi insostenibile.
Se “Kid A” era l'alienazione e “In Rainbows” era il calore umano, “A Moon Shaped Pool” è il riverbero. È un album orchestrato magistralmente da Jonny Greenwood, dove i Radiohead sembrano finalmente in pace con la loro eredità, ripescando brani storici dal cassetto e rivestendoli di una patina di sogno e rassegnazione.
L’album si apre con “Burn The Witch” e un ritmo incalzante di archi suonati col legno (battendo le corde con il legno dell'archetto). È un brano paranoico, un monito contro il populismo e la caccia alle streghe moderna. Un inizio teso che però non riflette il resto dell'album, molto più etereo.
In “Daydreaming” il disco rivela la sua vera anima. Un loop di pianoforte ipnotico accompagna Thom Yorke in un viaggio attraverso la perdita.
"Dreamers, They Never Learn" è una gemma. Il finale, con la voce di Yorke distorta e rovesciata che sembra dire "Half of my life" (riferimento alla fine della sua relazione trentennale), è straziante.
“Decks Dark” è forse il pezzo più "Radiohead" nel senso classico. Una linea di basso avvolgente e un coro che sembra fluttuare nello spazio. Parla di un'astronave che copre il cielo: una metafora perfetta per un dolore che non si può evitare.
Ed è la volta di “Desert Island Disk”, un raro momento acustico, quasi folk. Sembra di sentire l'influenza di Nick Drake. È un brano che parla di rinascita e di "spalancare le porte", un respiro di sollievo dopo l'oscurità dei primi brani.
Ma il motore del disco è “Ful Stop”. Un basso sintetico cupo cresce per minuti fino a esplodere in una cavalcata Krautrock. "You Really Messed Up Everything" canta Yorke, con una rabbia che però suona stanca, esaurita.
“Glass Eyes”,  un interludio di archi e pianoforte. Breve, delicato, come un vetro che sta per incrinarsi. Descrive la sensazione di scendere da un treno in un posto sconosciuto e sentirsi spaventati dal volto delle persone.
Spettacolare anche “Identikit”, famosa per il suo ritmo spezzato e il sintetizzatore "scordato" nel finale. Il coro "Broken hearts make it rain" è diventato immediatamente un inno per i fan. Jonny Greenwood regala qui uno dei suoi rari e spigolosi assoli di chitarra.
Non esulano richiami anni ’70 come nel caso di “The Numbers”, che ricorda quasi i Led Zeppelin più acustici o Serge Gainsbourg. È un inno politico e ambientale: "We are of the earth, to her we do return". Gli archi qui sono maestosi.
“Present Tense” è una bossa nova spettrale. Yorke canta della necessità di ballare per non soccombere al dolore. È un brano di una bellezza fragile, dove la chitarra elettrica crea un intreccio di echi infinito.
“Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, un titolo lunghissimo per un brano denso di elettronica scura e archi cinematografici che salgono di intensità fino a un finale dissonante e disturbante.
Infine “True Love Waits”, i fan hanno aspettato vent'anni per una versione in studio di questa canzone. I Radiohead decidono di spogliarla della chitarra acustica originale per trasformarla in una ballata di pianoforti sovrapposti. È la degna conclusione: una preghiera disperata ("Don't leave") che risuona nel vuoto.
“A Moon Shaped Pool” non è un disco da ascoltare distrattamente. È un'esperienza immersiva. È il suono di una band che non ha più nulla da dimostrare e si concede il lusso della pura emozione. MS

Versione Inglese: 

RADIOHEAD -  A Moon Shaped Pool
XL Recordings
Genre: Crossover Prog
Format: CD / LP / Digital - 2016

With this analysis, I will be discussing one of the most iconic and influential bands of recent decades: Radiohead.
Reviewing this album is like describing the sound of melting ice or a heart learning to beat at a different rhythm after a trauma. It is a record of devastating beauty, where the jagged electronics of the past give way to cinematic orchestrations and an almost unbearable vulnerability.
If “Kid A” was alienation and “In Rainbows” was human warmth, “A Moon Shaped Pool” is the reverberation. It is an album masterfully orchestrated by Jonny Greenwood, where Radiohead finally seem at peace with their legacy, pulling historic tracks from the archives and coating them in a patina of dreams and resignation.
The album opens with “Burn The Witch” and an urgent rhythm of strings played col legno (striking the strings with the wood of the bow). It is a paranoid track, a warning against populism and modern-day witch hunts. A tense start that, however, does not reflect the rest of the album, which is far more ethereal.
In “Daydreaming”, the record reveals its true soul. A hypnotic piano loop accompanies Thom Yorke on a journey through loss. "Dreamers, They Never Learn" is a gem. The finale, with Yorke’s voice distorted and reversed—seemingly saying "Half of my life" (a reference to the end of his thirty-year relationship)—is heartbreaking.
“Decks Dark” is perhaps the most "Radiohead" piece in the classic sense. An enveloping bassline and a choir that seems to float in space. It speaks of a spacecraft covering the sky: a perfect metaphor for a grief that cannot be avoided.
Next comes “Desert Island Disk”, a rare acoustic, almost folk moment. You can almost feel the influence of Nick Drake. It is a track that speaks of rebirth and "opening doors," a sigh of relief after the darkness of the first few songs.
But the engine of the record is “Ful Stop”. A dark synthetic bass grows for minutes until it explodes into a Krautrock gallop. "You Really Messed Up Everything," Yorke sings, with a rage that nevertheless sounds tired, exhausted.
“Glass Eyes” is a piano and string interlude. Brief, delicate, like glass about to crack. It describes the sensation of stepping off a train in an unknown place and feeling frightened by the faces of the people.
“Identikit” is also spectacular, famous for its broken rhythm and the "out of tune" synthesizer in the finale. The chorus "Broken hearts make it rain" immediately became an anthem for fans. Jonny Greenwood delivers one of his rare, jagged guitar solos here.
There is no lack of 1970s echoes, as in the case of “The Numbers”, which almost recalls the more acoustic side of Led Zeppelin or Serge Gainsbourg. It is a political and environmental hymn: "We are of the earth, to her we do return." The strings here are majestic.
“Present Tense” is a ghostly bossa nova. Yorke sings of the need to dance to avoid succumbing to pain. It is a song of fragile beauty, where the electric guitar creates an infinite tapestry of echoes.
“Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, an incredibly long title for a track dense with dark electronics and cinematic strings that rise in intensity toward a dissonant and disturbing finale.
Finally, “True Love Waits”; fans waited twenty years for a studio version of this song. Radiohead decided to strip away the original acoustic guitar to transform it into a ballad of layered pianos. It is a worthy conclusion: a desperate prayer ("Don't leave") resonating in the void.
“A Moon Shaped Pool” is not an album for distracted listening. It is an immersive experience. It is the sound of a band that has nothing left to prove and allows itself the luxury of pure emotion. MS

Francesco Tresca

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Autoproduzione
Genere: Post prog Moderno / Strumentale
Supporto: Digital / Spotify – 2026

La musica sa adattarsi alla perfezione alle immagini, riuscendo spesso a enfatizzarne le emozioni. Su questo tema, il batterista e compositore veneto Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) vanta una profonda esperienza, occupandosene attivamente fin dal 2014. Nel corso della sua carriera ha realizzato colonne sonore per lungometraggi, cortometraggi e serie TV, collezionando ben 25 premi come miglior colonna sonora su 30 candidature. Oggi i tempi sono maturi per la pubblicazione di un album solista in cui l'autore spazia tra Progressive Rock, Art Pop e Ambient Music.
Ad accompagnarlo in questa avventura troviamo Dante Frisiello (Flyghtless) e Liam Tarquin alle chitarre, Vladimir Pocorschi alla chitarra e Nicklas Brannstrom al basso. Il risultato di questa collaborazione è il disco intitolato “The Unquiet Freedom”.
Tresca, spesso ispirato dallo stile di Nick Menza, propone otto brani in cui riversa tutto il proprio bagaglio tecnico e artistico, lasciando l'ascoltatore in equilibrio tra immaginazione e analisi, poiché ogni traccia nasconde un particolare approccio stilistico che merita attenzione.
“Negative Black” inizia con suoni elettronici ed effetti eco, seguiti dall'ingresso di una batteria dal timbro secco; da qui si intrecciano gli altri strumenti dando vita a una melodia di base semplice ma magnetica, inserita in un contesto ritmico di non facile catalogazione.
Attraverso “The Way To The Back Of The House” il sound vira verso sonorità tipiche di una colonna sonora naturalistica: ambientazioni vaste si schiudono all'orecchio di chi ascolta attraverso suoni leggiadri e ariosi.
Con le percussioni costantemente in primo piano, “Through Car Window” respira grazie a tastiere avvolgenti, approdando nei territori di un Progressive Rock raffinato e garbato, impreziosito dal valore aggiunto delle chitarre.
Più introspettiva appare “There's Something In The Corner”, dove l'indole sensibile di Tresca si esprime al meglio tra accordi dolci e atmosfere pacate; una composizione matura che mette a nudo lo spessore culturale dell'autore.
“Lost Siren” ha invece un approccio Post Rock e disegna scenari più cupi e densi, pur mantenendo viva una piacevole linea melodica. Tra i momenti più riusciti spicca “Tiptoe”, con la sua ritmica ponderata e sincopata su cui gli strumenti ricamano note di grande gusto, seguita da una non troppo dissimile “Crawling”, le cui sonorità richiamano i primi Porcupine Tree. Il viaggio si chiude con “Moving in Between”, un ideale volo in alta quota che offre uno sguardo panoramico e suggestivo.
Senza mai eccedere in virtuosismi fini a se stessi, Francesco Tresca firma un album in cui riesce a distinguersi grazie a incastri sonori essenziali ma efficaci.
È un lavoro che coccola l'animo e trasporta l'ascoltatore in scenari vasti, invitandolo a fermarsi e osservare con autentico piacere. MS

Versione Inglese:

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Self-release
Genre: Modern Post-Prog / Instrumental
Format: Digital / Spotify – 2026

Music possesses the unique ability to adapt perfectly to imagery, often heightening the emotions within. Venetian drummer and composer Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) is deeply well-versed in this craft, having been actively involved in the field since 2014. Over the course of his career, he has composed soundtracks for feature films, shorts, and TV series, earning an impressive 25 awards for Best Soundtrack out of 30 nominations. Today, the time is right for the release of a solo album where the artist explores the intersections of Progressive Rock, Art Pop, and Ambient Music.
Joining him on this journey are Dante Frisiello (Flyghtless) and Liam Tarquin on guitars, Vladimir Pocorschi on guitar, and Nicklas Brannstrom on bass. The result of this collaboration is the album titled “The Unquiet Freedom”. Frequently inspired by the style of Nick Menza, Tresca presents eight tracks into which he pours his entire technical and artistic repertoire. He leaves the listener balanced between imagination and analysis, as each track hides a specific stylistic approach that demands attention.
“Negative Black” opens with electronic sounds and echo effects, followed by the entrance of a dry-timbred drum kit; from here, the other instruments intertwine to create a simple yet magnetic melody, set within a rhythmic context that defies easy categorization. Through “The Way To The Back Of The House”, the sound shifts toward tones typical of a nature documentary soundtrack: vast environments unfold to the listener’s ear through graceful, airy sounds. With percussion consistently in the foreground, “Through Car Window” breathes through sweeping keyboards, arriving in the territories of refined and elegant Progressive Rock, further enriched by the added value of the guitars.
“There's Something In The Corner” appears more introspective, allowing Tresca’s sensitive nature to shine through sweet chords and calm atmospheres—a mature composition that reveals the author's cultural depth. “Lost Siren”, on the other hand, takes a Post-Rock approach, sketching darker and denser scenarios while maintaining a pleasant melodic flame. Among the most successful moments is “Tiptoe”, featuring a deliberate and syncopated rhythm over which the instruments tastefully weave "drops" of notes. It is followed by the somewhat similar “Crawling”, whose sound recalls early-period Porcupine Tree. The journey concludes with “Moving in Between”, an ideal high-altitude flight offering a suggestive, panoramic view.
Without ever resorting to self-indulgent virtuosity, Francesco Tresca delivers an album where he stands out through simple yet effective sonic interlocking. It is a work that cradles the soul and transports the listener into vast landscapes, inviting them to pause and observe with genuine pleasure. MS