Leprous

LEPROUS - Melodies Of Atonement
Inside Out Music
Genere: Post Prog Moderno / Metal Prog
Supporto: cd /vinile – 2024

Nell’universo dell’Heavy Metal, si è potuto assistere negli anni a una ramificazione di stili davvero sorprendente. Strano per coloro che negli anni ’70 davano il genere nato e già morto a causa della sua rudezza e non apertura alle contaminazioni. Il tempo ci ha dimostrato esattamente il contrario, il Prog fans che in teoria dovrebbe essere aperto a contaminazioni e nuove soluzioni, resta radicato alle origini degli anni ’70 storcendo il naso alla nuova generazione, mentre il Metal fans si diverte ad ascoltare nuove sonorità. Una su tutte il Metal Prog, tanto amato e odiato dagli irriducibili del Metal (mai ci siano le tastiere!), se poi si va in ambito Black, Death etc. la scena ci propone casi ancor più clamorosi passando dal groowl al clear per quello che concerne la voce, alcuni esempi gli Opeth o Anathema. Il discorso sarebbe davvero sterminato, per questo sintetizzo dicendo che molte band Metal si approcciano alle sonorità moderne ammorbidendo il proprio stile musicale, questo grazie anche alla bomba Porcupine Tree che dagli anni ’90 in poi hanno aperto una vera e propria autostrada. Personalmente ho voluto chiamare questo genere Post Prog Moderno, proprio per far intendere i nuovi pionieri impegnati a evolvere con le sonorità odierne il proprio stile, distaccandosi dal passato.
Una band che sicuramente è nel cuore di molti Metal Prog fans si chiama Leprous e si forma a Notodden in Norvegia nel 2001, autrice di otto album in studio, tutti con una personalità sempre sotto la forgia. Fra le caratteristiche della band ci sono i suoni cupi, evocativi, sinfonici, la bella voce di Einar Solberg e la ricerca di suoni melodici.
In quest’ultimo lavoro i Leprous tentano un ennesimo mutamento, o per meglio dire un distacco ulteriore, con l’intento di andare diretti all’obiettivo emotivo, rimuovendo tutti gli elementi orchestrali per concentrare tutto maggiormente sui membri effettivi della band che sono Einar Solberg (voce solista, sintetizzatore), Tor Oddmund Suhrke (chitarra), Robin Ognedal (chitarra),
Simen Daniel Børven (basso), e Baard Kolstad (batteria).
“Melodies Of Atonement” è il nono sigillo formato da dieci canzoni più una bonus track intitolata “Claustrophobic”.
L’elettronica aumenta, ma anche la rudezza di certi passaggi, così vengono meno anche i tempi dispari, denotando quindi la volontà di fare un passo laterale rispetto al Metal Prog del passato.
Se vado a considerare, sono questi gli artisti che stimo di più, perché intenti nella loro carriera a fare quello che sentono di essere al momento, fregandosene dei fans stessi che nel tempo li ha sostenuti. Si sa altresì che per uno perso uno nuovo se ne aggiunge. Il rischio però è di invischiarsi in un contesto di deja vu, nel senso che certi momenti scuri (prettamente nel DNA dei gruppi nordici) cominciano a essere seriamente inflazionati e ripetitivi, tutto ciò comunque non resta invasivo nei confronti dell’intento, facendo rilasciare in un disco almeno tre o quattro frangenti notevoli, come nel caso di “Limbo”, il triste falsetto di “My Specter” in inevitabile crescendo sonoro, oppure la durezza di “Like A Sunken Ship” e l’ottima “Starlight” con un assolo di chitarra finale davvero incisivo.
“Silently Walking Alone” si avvicina come stile al mondo degli ultimi Pain Of Salvation, in altri passaggi (“I Hear The Sirens”) anche schegge di Radiohead.
Per il resto siamo nella normalità. I Leprous sono in evoluzione, forse alla ricerca di una identità definitiva… Chissà, non sta a me definirlo, resta il fatto che “Melodies Of Atonement” è un disco a tratti geniale e in altri monotono, nel complesso un lavoro sicuramente dignitoso. MS 

Versione Inglese: 

LEPROUS - Melodies Of Atonement
Inside Out Music
Genre: Modern Post Prog / Metal Prog
Support: cd /vinyl - 2024

In the universe of Heavy Metal, one could witness over the years a truly amazing branching of styles. Strange for those who in the 1970s gave the genre born and already dead because of its roughness and non-openness to contamination. Time has shown us exactly the opposite, Prog fans who in theory should be open to contaminations and new solutions, remain rooted to the origins of the 1970s turning their noses up at the new generation, while Metal fans enjoy listening to new sounds. One above all Metal Prog, so loved and hated by Metal diehards (never let there be keyboards!), if we then go into Black, Death etc. the scene offers us even more resounding cases going from groowl to clear as far as vocals are concerned, some examples Opeth or Anathema. The discourse would be really endless, so I summarize by saying that many Metal bands approach modern sounds softening their musical style, this thanks also to the bomb Porcupine Tree that from the 90s onwards have opened a real highway. Personally, I wanted to call this genre Modern Post Prog, just to imply the new pioneers committed to evolving with today's sounds their own style, breaking away from the past.
A band that is surely in the hearts of many metal prog fans is called Leprous and formed in Notodden, Norway in 2001, author of eight studio albums, all with a personality always under the forge. Among the band's hallmarks are dark, evocative, symphonic sounds, the beautiful voice of Einar Solberg and the search for melodic sounds.
In this latest work Leprous attempts yet another shift, or rather a further detachment, with the intention of going straight for the emotional goal, removing all orchestral elements to focus everything more on the actual band members who are Einar Solberg (lead vocals, synthesizer), Tor Oddmund Suhrke (guitar), Robin Ognedal (guitar),
Simen Daniel Børven (bass), and Baard Kolstad (drums).
“Melodies Of Atonement” is the ninth seal consisting of ten songs plus a bonus track entitled ”Claustrophobic”.
The electronics increase, but so does the roughness of certain passages, so the odd times are also dropped, thus denoting a willingness to take a lateral step away from the Metal Prog of the past.
If I go to consider, these are the artists I value most, because intent in their careers on doing what they feel they are at the moment, not giving a damn about the very fans who have supported them over time.
It is also known that for one lost a new one is added. The risk, however, is to become entangled in a context of deja vu, in the sense that certain dark moments (purely in the DNA of Nordic bands) begin to be seriously overblown and repetitive, all of which, however, does not remain invasive toward the intent, making them release at least three or four notable bangs in an album, as in the case of “Limbo”, the sad falsetto of “My Specter” in inevitable sonic crescendo, or the harshness of “Like A Sunken Ship” and the excellent “Starlight” with a truly incisive final guitar solo.
“Silently Walking Alone“ comes close in style to the world of the latest Pain Of Salvation, in other passages (”I Hear The Sirens") even slivers of Radiohead.
Otherwise we are in the normalcy. Leprous are evolving, perhaps in search of a definitive identity... Who knows, it's not for me to define, the fact remains that “Melodies Of Atonement” is a record at times brilliant and at others monotonous, overall a definitely decent work. MS

 

Michal Gutman

MICHAL GUTMAN - Never Coming Home
Seahorse Recording, Cruel Nature Records / SAC Recordings 
Genere: Post Punk
Supporto: digital / cd – 2024

La sintesi è un dono prezioso, anche nella musica, seppure non indispensabile. Badare al sodo ha una specifica resa, altresì una scorrevolezza meno pesante, non a caso il Post Punk è un genere musicale distante per esempio dalle elucubrazioni del Progressive Rock, che si diverte nel tempo ad autocompiacersi. In realtà servono entrambi gli stili, perché la musica è ascoltata in differenti stati d’animo, a volte si ha la voglia di lasciarsi coccolare piuttosto che ascoltare forti e impegnative sonorità.
“Never Coming Home” fa parte della suddetta sintesi, ed è il primo album da solista dell’israeliana Michal Gutman, dopo un decennio di tournée e registrazioni con la sua band Whaling Snails. Fondamentalmente trattasi di one woman band, con l’ausilio del basso, una loop station, due microfoni, un sintetizzatore touch-pad e poesie. L’artista si che sa badare alla sostanza, e lo dimostra negli otto brani contenuti in questo disco narrante il tema della nostalgia di casa da parte di un sopravvissuto a un naufragio. Un tipo specifico di solitudine che porta con sé i propri fantasmi.
Gli otto brani contenuti nell’album iniziano con “Architecture” dal retrogusto The Cranberries. Con Michal suonano Yiftah Yeshurun alle programmazioni e Tuval Brown alla batteria e percussioni. Il brano è un puzzle di differenti strofe che s’intersecano fra di loro, comandate dalla voce soave ma decisa della cantante. La struttura armonica non è scontata, non rispecchia a pieno la formula canzone, tuttavia è legata al refrain dal facile impatto. Differente “Behki” in cui si denota una ricerca vocale arguta, fra sovra incisioni, narrato e distorsioni con alla base delle tastiere malinconiche. Echi sonori rimbalzano in un effetto stereo ipnotico a caccia di uno stato d’animo allucinato.
L’ascolto prosegue con “Pigeon Hunt”, così ritorna la ritmica a narrare un Post Punk diretto inframezzato dagli interventi della chitarra di Tziki Kestenboim. Non manca lo stop & go, dove il brano si appoggia a una breve pausa umorale per poi ripartire. Qui si possono scorgere schegge di anni ’80.
Ritorna la ricerca strutturale grazie a “Doing It Again”, un giro semplice di basso inizia assieme alla voce un cammino infarcito da brevi arrangiamenti di tastiera. Qui Gutman canta e parla, su una melodia semplice e diretta.
“I’m The Walker” si lancia in un percorso elettronico dalle atmosfere gotiche. Cadenzato l’incedere, un passaggio nuovamente negli anni ’80, quasi vicino alla New Wave. Di base la ricerca è sempre dietro l’angolo, senza mai spingere sull’acceleratore, con consapevolezza e idee chiare, un esempio proviene dall’altrettanto elettronica “This Is Easy”, nomen omen. Qui la fase armonica è tendenzialmente derivante dalle corde vocali di Michal.
Altrettanto sorprendente è “A Second Plan” grazie ai giochi sonori realizzati sulle voci, dove ancora una volta le note sono poche e ripetitive. Il disco si chiude con “Running Out Of Luck” dove l’impostazione vocale ricorda certi passaggi jazzistici dei tempi passati.
In definitiva “Never Coming Home” è un album introspettivo, dove sgocciolano note pensate e vissute con un criterio che si amalgama fra passato e presente, un modo per spezzare la quotidianità musicale dei nostri tempi. MS 

Versione Inglese:

MICHAL GUTMAN - Never Coming Home.
Seahorse Recording, Cruel Nature Records / SAC Recordings 
Genre: Post Punk
Support: digital / cd - 2024

Synthesis is a precious gift, even in music, if not indispensable. Attending to the gist has a specific yield, likewise a less weighty fluency; it is no coincidence that Post Punk is a musical genre distant from, for example, the lucubrations of Progressive Rock, which revels in self-congratulation over time. In fact, both styles are needed, because music is listened to in different moods, sometimes one feels like letting oneself be cuddled rather than listening to loud and demanding sounds.
“Never Coming Home” is part of the above synthesis, and it is the first solo album by Israeli Michal Gutman, after a decade of touring and recording with her band Whaling Snails. Basically it is one woman band, with the help of a bass guitar, a loop station, two microphones, a touch-pad synthesizer and poems. The yes artist knows how to care about substance, and it shows in the eight tracks contained in this record narrating the theme of homesickness on the part of a shipwreck survivor. A specific kind of loneliness that carries its own ghosts.
The eight tracks contained on the album begin with “Architecture” with an aftertaste of The Cranberries. Playing with Michal are Yiftah Yeshurun on programming and Tuval Brown on drums and percussion.
The song is a puzzle of different stanzas intersecting with each other, commanded by the singer's suave but assertive voice. The harmonic structure is not obvious, it does not fully reflect the song formula, yet it is linked to the refrain with easy impact. Different “Behki” in which a witty vocal search is denoted, between overdubs, narration and distortions with melancholic keyboards at the base. Sonic echoes bounce in a hypnotic stereo effect chasing a hallucinated mood.
The listening continues with “Pigeon Hunt”, so the rhythm returns to narrate a straightforward Post Punk interspersed with Tziki Kestenboim's guitar interventions. There is no lack of stop & go, where the song leans into a brief moody pause and then starts again. Splinters of the 1980s can be glimpsed here.
The structural search returns thanks to “Doing It Again”, a simple bass turn begins along with the vocals a journey infused with brief keyboard arrangements. Here Gutman sings and speaks, over a simple, straightforward melody.
“I'm The Walker” launches into an electronic track with gothic atmospheres. Cadenced the pacing, a transition back into the 80s, almost close to New Wave. Basically, research is always around the corner, never pushing on the accelerator, with awareness and clear ideas, an example comes from the equally electronic “This Is Easy”, nomen omen. Here the harmonic phase tends to come from Michal's vocal chords.
Equally surprising is “A Second Plan” thanks to the sound plays made on the vocals, where once again the notes are few and repetitive. The disc closes with “Running Out Of Luck” where the vocal setting is reminiscent of certain jazzy passages from days gone by.
Ultimately, “Never Coming Home” is an introspective album, where thoughtful and experienced notes drip out with a criterion that amalgamates past and present, a way to break the musical everydayness of our times. MS

Anubis

ANUBIS - The Unforgivable
Bird's Robe Records
Genere: Neo Prog
Supporto: cd / vinile / Bandcamp

Nel 2024 il Neo Prog prosegue il suo dignitoso cammino verso il futuro, senza mai fare il passo più lungo della gamba. Fra alti e bassi temporali, il genere resiste con uscite discografiche abbastanza centellinate ma di buona qualità. Servono sempre i veterani a dare una spinta di tanto in tanto, come fanno gli Arena e oggi anche gli australiani Anubis.
La band di Robert James Moulding (voce, chitarra, basso) e David Eaton (tastiere) si forma nel 2004 a Sydney e rilascia nel tempo sette album in studio compreso questo “The Unforgivable”. La band è completata da Douglas Skene (chitarre elettriche e acustiche, voce), Dean Bennison (chitarre elettriche e acustiche, voce), Anthony Stewart (basso, voce), e Steven Eaton (batteria, percussioni, voce), oltre che godere della partecipazione dell’ospite Becky Bennison alla voce in due brani.
Il percorso artistico è mediamente onorevole, sempre vicino alla formula canzone costruita su armonie di facile assimilazione, come il genere stesso insegna sin dagli anni ’80 con gruppi come Marillion, IQ, Pendragon, etc.
Dopo venti anni di carriera, gli Anubis ricercano qualcosa di più impegnato, realizzando quest’album concept suddiviso in dieci parti tutte concatenate fra loro.
“Part I - A Legion Of Angels” è il breve intro a effetto e suonato dal  piano e chitarra, in stile Pink Floyd.  Le atmosfere sono eteree e lasciano spazio immediatamente al Rock ben ritmato di “Part II - The Mark Of Cain”, canzone facile da ricordare. Le chitarre sono un valore aggiunto nei momenti dell’assolo, atte a spezzare la strofa di per se già accattivante. L’energia sale nell’incombere delle chitarre distorte in “Part III - Alone”, fra cambi di ritmo e umore. La voce filtrata può far venire alla mente alcuni passaggi dei Porcupine Tree, quelli maggiormente riflessivi e malinconici. Le tastiere sono da supporto, perfette arrangiatrici di un brano che ha molta carica emotiva de elargire. Qui si denota a grandi linee il percorso evolutivo che sta affrontando il Neo Prog, avvicinandosi al Post Prog moderno.
Incisiva “Part IV – The Chains”, nettamente prossima alla discografia degli Arena, quelli maggiormente energici. Il ritornello è il suo punto di forza, così il pezzo di chitarra.
“Part V - One Last Thing” è una ballata ottimamente strutturata e per certi versi debitrice ai Dream Theater più melodici, oltre che ai Marillion. Giunge un treno all’inizio di “Part VI - All Because Of You”, altro spicchio di cuore messo in pasto all’ascoltatore, questa volta rispetto la precedente si denota maggiore ricerca nelle soluzioni. Risale il ritmo e ritornano le atmosfere Arena in “Part VII - The End Of The Age”, in questo caso è funzionale il duetto voce maschile/femminile. “Part VIII – Back” non è altro che la costola melodica della sesta parte che lascia spazio a “Part IX - Shadows Cloak The Gospel”, piccola gemma sorretta da un arpeggio di chitarra in stile Steve Rothery (Marillion). L’apertura dell’assolo fa venire più di un brivido sulle braccia, potenza vera e propria di questo genere musicale nel classico momento che tutti attendono. L’album si chiude con la title track “Part X - The Unforgivable”, ma il meglio è appena passato.
Un gran bel disco, curato nei particolari, professionalmente parlando ineccepibile, di sicuro lo metto fra le migliori uscite dell’anno, perché all’interno ci sono tutte le caratteristiche che un amante del Neo Prog in senso generale desidera (e anche qualcosa di più), compresi i momenti da cantare con la band. MS 

Versione Inglese:

ANUBIS - The Unforgivable
Bird's Robe Records
Genre: Neo Prog
Support: cd / vinyl / Bandcamp

In 2024, Neo Prog continues on its dignified path into the future, never getting ahead of itself. Between temporal ups and downs, the genre endures with fairly centered but good quality record releases. Veterans are always needed to give it a boost from time to time, as Arena and now Australia's Anubis do.
The band of Robert James Moulding (vocals, guitar, bass) and David Eaton (keyboards) formed in 2004 in Sydney and released seven studio albums over time including this “The Unforgivable”. The band is rounded out by Douglas Skene (electric and acoustic guitars, vocals), Dean Bennison (electric and acoustic guitars, vocals), Anthony Stewart (bass, vocals), and Steven Eaton (drums, percussion, vocals), as well as enjoying the participation of guest Becky Bennison on vocals on two tracks.
The artistic path is average honorable, always close to the song formula built on easily assimilated harmonies, as the genre itself has been teaching since the 1980s with bands such as Marillion, IQ, Pendragon, etc.
After a twenty-year career, Anubis are looking for something more committed, making this concept album divided into ten parts all interlinked.
“Part I - A Legion Of Angels” is the short intro to effect and played by the piano and guitar, Pink Floyd style.  The atmospheres are ethereal and immediately give way to the well-rhythmic Rock of “Part II - The Mark Of Cain”, an easy song to remember. The guitars are an added value in the solo moments, apt to break up the already catchy verse. The energy rises in the looming distorted guitars in “Part III - Alone”, between changes of rhythm and mood. The filtered vocals can bring to mind some Porcupine Tree passages, the more reflective and melancholy ones. The keyboards are supportive, perfect arrangers of a song that has much emotional charge de bestow. Here we denote in broad strokes the evolutionary path that Neo Prog is facing, approaching modern Post Prog.
Incisive “Part IV - The Chains”, distinctly close to Arena's discography, the more energetic ones. The chorus is its strong point, so is the guitar piece.
“Part V - One Last Thing” is an excellently structured ballad indebted in some ways to the more melodic Dream Theater, as well as to Marillion. Comes a train at the beginning of “Part VI - All Because Of You”, another slice of heart fed to the listener, this time compared to the previous one denoting more research in solutions.
The pace picks up again and the Arena atmospheres return in “Part VII - The End Of The Age”, in which case the male/female vocal duet is functional. “Part VIII - Back” is nothing more than the melodic rib of the sixth part that gives way to ‘Part IX - Shadows Cloak The Gospel’, a little gem supported by a Steve Rothery (Marillion) style guitar arpeggio. The opening solo sends more than a chill up the arms, real power of this genre of music in the classic moment everyone waits for. The album closes with the title track “Part X - The Unforgivable”, but the best is just past.
A great album, with attention to detail, professionally speaking unimpeachable, I certainly put it among the best releases of the year, because inside there are all the features that a lover of Neo Prog in a general sense desires (and something more), including moments to sing along with the band. MS

Arcansiel

ARCANSIEL – Hard Times
Ma. Ra. Cash Records
Genere: Rock Progressivo / Canterbury
Supporto: cd / Bandcamp

Era il lontano 1988 quando uscì il debutto ufficiale “Four Daisies” della band italiana Arcansiel, e per me fu una piacevole sorpresa che allettò fiducia nelle band nostrane nei confronti  del genere Neo Prog. Non a caso, qui i riferimenti ai Marillion non furono modici. In seguito fra cambi di line up, il passare dei tempi e delle mode, gli Arcansiel rilasciarono altri tre album acquistando una propria identità maggiormente distaccata dalle origini. Nel 2004 uscì la raccolta di best of “Swimming In The Sand”, ma se vogliamo analizzare, il vero ultimo disco in studio risale al lontano 1994 intitolato “Normality Of Perversion”, di ben trent’anni fa. E’ per questo che oggi accolgo l’uscita di “Hard Times” con grande sorpresa e piacere. Uno sguardo alla formazione mi fa capire che il batterista Gianni Lavagno è l’unico superstite della line up originale, ne conseguo che è il detentore del logo Arcansiel, ripongo quindi attese pregne di curiosità su come si sia sviluppato il sound odierno della band. Completano la band Marco Leccese (voce), Felice Lombardo (basso), Davide Sorella (tastiere), e Sebastiano Valvo (chitarre, voce).
“Hard Times” tratta lo scenario attuale societario, con uno sguardo approfondito nei confronti dell’ambientalismo, una disamina su come il pianeta terra vada incontro a importanti danni ecologici. Questo viene analizzato immediatamente nel primo brano suite di diciotto minuti intitolato “Too Late”.
Sin dalle prime note evinco un attaccamento viscerale alle radici del genere, atmosfere anni ’70 prevalgono su tutte per l’uso delle tastiere. I Genesis salgono in cattedra, tuttavia caldi interventi di basso s’interpongono facendo scivolare le ambientazioni in un jazz perfettamente incastonato nel contesto. L’uso delle coralità funziona, così i cambi di tempo, pane quotidiano del Prog fans. Altro tassello di questo puzzle sonoro è quello degli interventi della chitarra, pulita, precisa e rispettosa del passato. Le fughe strumentali prossime al classicismo sono sorprendenti per freschezza, dimostranti non soltanto una preparazione tecnica notevole dei componenti, bensì un’accortezza per le buone melodie davvero invidiabile, in genere non abbordabile a tutti i compositori. La suite è composta da Davide Sorella.
“Puppets & Puppeteers” ha una ritmica incisiva, giustamente vigorosa per fare da colonna sonora a un concetto odierno trattato spesso da tutti noi, ossia l’uso distorto della comunicazione on line che va a imbruttire culturalmente un intero popolo stordendolo e rendendolo prossimo a una marionetta.
Riflessiva "Heaven Is Not Here" di Felice Lombardo, addolcita da arpeggi toccanti. E’ la storia di una donna sedotta da promesse, costretta a lasciare la propria terra per amore.
Sorprendente la finale "My Old Same Mistakes" con interventi medievaleggianti, Prog Jazz, e Scuola Di Canterbury. Qui si parla dell’insicurezza dell’uomo e di conseguenza della preoccupazione per il futuro.
Mi viene spontaneo porgere un sincero ringraziamento a Gianni Lavagno per aver riportato all’attenzione del pubblico questa band storica dai lineamenti gentili. “Hard Times” non è soltanto un disco di Rock Progressivo mordi e fuggi come spesso è capitato di ascoltare, bensì un lavoro completo adatto a tutti i gusti, quindi rivolto a un pubblico ampio, un poco come hanno saputo fare negli anni le nostrane Orme. Bentornati Arcansiel. MS

Versione Inglese:

ARCANSIEL - Hard Times
Ma. Ra. Cash Records
Genre: Progressive Rock / Canterbury
Support: cd / Bandcamp

It was way back in 1988 when the official debut "Four Daisies" by the Italian band Arcansiel was released, and for me it was a pleasant surprise that enticed confidence in homegrown bands towards the Neo Prog genre. Not surprisingly, here the references to Marillion were not modest. Later between line up changes, the passing of times and fashions, Arcansiel released three more albums acquiring their own identity more detached from their origins. In 2004 the best-of collection "Swimming In The Sand" was released, but if we want to analyze, the real last studio album dates back to the distant 1994 titled "Normality Of Perversion", a good 30 years ago. That is why I welcome the release of "Hard Times" today with great surprise and pleasure. A glance at the lineup makes me realize that drummer Gianni Lavagno is the only survivor of the original line up, I follow that he is the holder of the Arcansiel logo, I therefore place expectations full of curiosity about how the band's sound has developed today. Completing the band are Marco Leccese (vocals), Felice Lombardo (bass), Davide Sorella (keyboards), and Sebastiano Valvo (guitars, vocals).
"Hard Times" deals with the current societal scenario, with an in-depth look towards environmentalism, an examination of how planet earth is going through major ecological damage. This is analyzed immediately in the first eighteen-minute suite track entitled "Too Late".
From the first notes I evince a visceral attachment to the roots of the genre, 1970s atmospheres prevail over all by the use of keyboards. Genesis takes the lead, yet warm bass interventions interpose themselves by slipping the settings into a jazz perfectly set in context. The use of chorality works, so do the tempo changes, the bread and butter of Prog fans. Another piece of this sonic puzzle is that of the guitar interventions, clean, precise and respectful of the past. The instrumental fugues close to classicism are surprising in their freshness, demonstrating not only a remarkable technical preparation of the components, but a truly enviable shrewdness for good melodies, not usually affordable to all composers. The suite is composed by Davide Sorella.
"Puppets & Puppeteers" has an incisive, rightly vigorous rhythmic beat to serve as a soundtrack to a present-day concept often dealt with by all of us, namely the distorted use of online communication that goes on to culturally imbrue an entire people by stunning them and making them close to a puppet.
Reflective "Heaven Is Not Here" by Felice Lombardo, softened by touching arpeggios. It is the story of a woman seduced by promises, forced to leave her homeland for love.
Surprising is the final "My Old Same Mistakes" with medievalist interventions, Prog Jazz, and School Of Canterbury. Here it speaks of man's insecurity and consequently concern for the future.
It occurs to me to offer sincere thanks to Gianni Lavagno for bringing this historical band with gentle features back to the public's attention. "Hard Times" is not just a hit-and-miss Progressive Rock record as we have often heard, but a complete work suitable for all tastes, thus aimed at a wide audience, a little like our own Orme have been able to do over the years. Welcome back Arcansiel. MS

 

 

 

David Gilmour

DAVID GILMOUR - Luck And Strange
Sony Music
Genere: Virtuoso chitarra
Supporto: cd / lp – 2024

Nel parlare del chitarrista David Gilmour, si rischia inevitabilmente di cadere nel retorico, altresì nel banale, tanta è la fama e la magniloquenza espressa nei lavori eseguiti assieme ai Pink Floyd e nella carriera solista. Credo che possiamo considerarlo fra i dieci chitarristi Rock più influenti nella faccia della terra.
Ma da dove deriva tutta questa sostanza esecutiva? Viene scontato dire dalla passione per lo strumento del ragazzo di Cambridge sin dai tempi della sua tenera età, poi dalla personalità comandata a bacchetta dal cuore, non a caso lo stile è perfettamente riconoscibile grazie alle note sostenute e ragionate, mai buttate lì a caso. Ma la chiave di lettura di quest’album è quella del Blues. Avere le basi nella musica Rock, persino in quella moderna, fa nettamente la differenza, e Gilmour è un vero Bluesman. Apparentemente non esagera mai, non si getta in inutili elucubrazioni, bensì bada al sodo, e lo fa con tale verve che una cosa difficile appare addirittura banale. Considerate le quattro note in croce messe nell’intro del pezzo “Shine On You Crazy Diamond”, hanno fatto la storia della musica, ma saremo noi veramente capaci di farle suonare in quella maniera? Ecco un'altra chiave di lettura della musica di David, le pause, la meditazione fra una nota e l’altra e la melodia diventa spaziale, eterea, si vola in alta quota.
Con la fine dei Pink Floyd, Gilmour intraprende il percorso solista senza strafare, nella sua casa in campagna immersa nel verde e nell’acqua assieme alla sua numerosa e bella famiglia capitanata da Polly Samson, donna dal carattere marcato, scrittrice e anche autrice dei testi di questo nuovo album intitolato “Luck And Strange”.
Tutto ciò avviene dopo nove anni dall’uscita del precedente “Rattle That Lock”, un disco che sicuramente non ha lasciato un grande segno nella storia del Rock, ma che in alcuni momenti si è saputo fare apprezzare con dignità. Quando il nome di un artista è altisonante, ci si attende sempre un capolavoro, ma sappiamo bene che dopo una lunghissima carriera, questo è praticamente impossibile, tutto o quasi si è già dato nel tempo.
 In “Luck And Strange” suonano due figli di David, Romany all’arpa e voce, e Gabriel sempre al microfono.
Difficile trattenere le lacrime di un fans pinkfloydiano all’ascolto della canzone “Luck And Strange” (nella versione bonus track registrata durante la jam session), questo pezzo registrato nel 2007, vede alle tastiere il defunto amico dei Pink Floyd, Richard Wright. Nei brani la voce è sempre soave, inconfondibile, così l’incedere ritmico delle canzoni che sanno passare dagli arpeggi acustici meditativi a stacchi importanti dal risultato enfatico, si sa come l’artista si muove.
Questo è semplicemente Blues.
Ed ecco un titolo che fa sobbalzare, “The Piper’s Call”, perché incastonato nella memoria del titolo di debutto “The Piper At The Gates Of Dawn”, ma musicalmente non ha nulla a che vedere. In questo singolo transitano schegge sonore derivanti dal sound Pink Floyd sia metà anni ’70 sia ’90. Assolo finale come sempre strepitoso. Il tema centrale di tutto l’album è il tempo che passa, l’invecchiamento e certi riferimenti alla morte, come nella breve strumentale “Vita Brevis”.
 “A Single Spark” è semplice, più Pop che altro, forse meno palpabile degli altri frangenti, anche se contenente l’assolo di chitarra più lungo del disco. Cover del brano dei The Montgolfier Brothers è “Between Two Points” cantata da Romany Gilmour, ma per giungere a un vero e proprio brano Rock, bisogna attendere “Dark And Velvet Nights”, dal classico incedere Floyd ultimo periodo, nata da una poesia di Polly regalata a David per l’anniversario del loro matrimonio. Segue “Sings”, dove il mellotron suona lo stesso tema di “Strawberry Fields Forever” dei Beatles e stranamente privo di assolo di chitarra.
La canzone che maggiormente mi ha emozionato è “Scattered”, decisamente dal sound Pink Floyd, tanti i richiami alla band madre, dallo sgocciolamento delle tastiere in modalità “Echoes” e le soluzioni in stile “High Hopes”, ma è ancora una volta l’assolo di chitarra a farmi alzare il pelo sulle braccia (chi ha detto “Comfortably Numb”?).
Quando si è grandi, ci sono sempre i “fenomeni” che ti aspettano al varco per dirti di ritirarti, che le idee sono finite, che la musica è sempre la stessa, e tanti altri mille motivi a vanvera, salvo poi gli stessi idolatrare artisti semisconosciuti di una pochezza imbarazzante. Ecco, io NON mi rivolgo a questi Brancaleone del Rock, tanto non serve, piuttosto a chi ama semplicemente ascoltare la musica: “Luck And Strange” è un album gradevole, ben confezionato oltre che ottimamente suonato, dai riflessi antichi e moderni. Per chi ama il tocco di Gilmour c’è solo di che godere. La capacità è quella descritta, ossia di far passare semplice ciò che non lo è, ma Gilmour non ha bisogno di una recensione di Massimo Salari, per cui…Ho già detto troppo. MS

Versione Inglese:

DAVID GILMOUR - Luck And Strange
Sony Music
Genre: Virtuoso guitar
Support: cd / lp - 2024

In talking about guitarist David Gilmour, one inevitably runs the risk of falling into the rhetorical, even the banal, such is the fame and magniloquence expressed in the works performed together with Pink Floyd and in his solo career. I think we can consider him among the ten most influential Rock guitarists on the face of the earth.
But where does all this performing substance come from? It is a foregone conclusion to say from the Cambridge boy's passion for the instrument from the days of his tender age, then from the personality commanded by the baton of the heart, not surprisingly the style is perfectly recognizable thanks to the sustained and reasoned notes, never thrown in at random. But the key to understanding this album is that of the Blues. Having the basics in Rock music, even modern Rock music, clearly makes a difference, and Gilmour is a true Bluesman. Apparently he never overdoes it, never throws himself into pointless lucubrations, but rather cuts to the chase, and he does it with such verve that something difficult even seems trivial. Consider the four notes in the cross put in the intro of the song “Shine On You Crazy Diamond”, they made music history, but will we really be able to make them sound that way? Here is another key to David's music, the pauses, the meditation between notes, and the melody becomes spatial, ethereal, you are flying high.
With the end of Pink Floyd, Gilmour embarked on the solo path without overdoing it, in his country home surrounded by greenery and water together with his large and beautiful family headed by Polly Samson, a woman of marked character, writer and also author of the lyrics of this new album entitled “Luck And Strange”.
All of this comes nine years after the release of the previous “Rattle That Lock”, an album that certainly did not make a big mark in Rock history, but which at times was appreciated with dignity. When an artist's name is lofty, one always expects a masterpiece, but we know well that after a very long career, this is practically impossible, everything or almost everything has already been given over time.
 On “Luck And Strange” two of David's sons play, Romany on harp and vocals, and Gabriel always on the microphone.
Hard to hold back the tears of a Pink Floyd fan upon hearing the song “Luck And Strange” (in the bonus track version recorded during the jam session), this piece recorded in 2007, features the late Pink Floyd friend Richard Wright on keyboards. In the songs the vocals are always suave, unmistakable, so is the rhythmic pacing of the songs that can move from meditative acoustic arpeggios to important breaks with emphatic results, you know how the artist moves.
This is simply Blues.
And here is a jolting title, “The Piper's Call”, because it is embedded in the memory of the debut title “The Piper At The Gates Of Dawn,” but musically it has nothing to do. Splinters of sound derived from both the mid-70s and 90s Pink Floyd sound transits in this single. Final solo as always resounding. The central theme throughout the album is time passing, aging and certain references to death, as in the short instrumental “Vita Brevis”.
 “A Single Spark” is simple, more Pop than anything else, perhaps less palpable than the other bangs, although containing the longest guitar solo on the record. Cover of the song by The Montgolfier Brothers is “Between Two Points” sung by Romany Gilmour, but to get to a real Rock track, we have to wait for “Dark And Velvet Nights”, with its classic late-period Floyd pacing, born from a poem Polly gave David for their wedding anniversary. This is followed by “Sings”, where the mellotron plays the same theme as the Beatles' “Strawberry Fields Forever” and strangely devoid of a guitar solo.
The song that most moved me is “Scattered”, definitely Pink Floyd-sounding, so many reminders of the parent band, from the dripping keyboards in “Echoes” mode and the “High Hopes”-style solutions, but it is once again the guitar solo that raises the hair on my arms (who said “Comfortably Numb”?).
When you grow up, there are always the “phenomena” waiting in the wings to tell you to back off, that the ideas have run out, that the music is still the same, and a thousand other rambling reasons, except that the same people then idolize half-known artists of embarrassing paucity. Here, I am NOT addressing these Rock Brancaleone, there is no need anyway, rather to those who simply love to listen to music: “Luck And Strange” is a pleasant album, well packaged as well as excellently played, with ancient and modern reflections. For those who like Gilmour's touch there is only to be enjoyed. The ability is as described, that is, to make simple what is not, but Gilmour does not need a Massimo Salari review, so...I have already said too much. MS

Melting Clock

MELTING CLOCK - Altrove
Black Widow Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / digital - 2024

E’ oramai evidente a tutti che la scena del Rock Progressivo odierno, quella che io chiamo Post Prog Moderno, sta prendendo sempre più campo. Essa è generalmente formata da influenze anni ‘70 provenienti da gruppi iconici come Pink Floyd, Genesis, King Crimson, etc. miscelate con il sound moderno portato al successo da band come Porcupine Tree, Riverside e Opeth. Non a caso m’imbatto sempre più frequentemente in dischi come questo dei Genovesi Melting Clock, i quali si lasciano trasportare dalla passione per le buone melodie orecchiabili, ma anche dai passaggi strumentali relativamente vigorosi.
La band composta da Sandro Amadei (tastiere), Stefano Amadei (chitarre, bouzouki irlandese), Alessandro Bosca (basso), Simone Caffè (chitarre), Francesco Fiorito (batteria), e Emanuela Vedana (voce), vede sorgere le proprie origini nell’oramai lontano 2001, al Dipartimento di Fisica dell'Università di Genova con l’intento primordiale di suonare cover. I risultati non erano poi così soddisfacenti, tanto da far dire a Alessandro Bosca “Stiamo perdendo il ritmo, ci stiamo sciogliendo come gli orologi di Salvador Dalì”, da qui l’idea di chiamarsi proprio Melting Clock. Inevitabili nel tempo i cambi di line up, sino giungere al 2019 con sulle spalle una buona esperienza dettata da numerose prove e date live, così è la volta del primo album “Destinazioni” (Black Widow), il quale riceve buone recensioni nel web dagli addetti ai lavori.
“Altrove” è il secondo album del 2024, composto da sette tracce di media e lunga durata, come spesso il genere stesso richiede. E a proposito di arte pittorica, la copertina ha un fascino davvero intrigante, colori sul giallo e marrone infondono un velato senso di malinconia, ma è il rosso a colpire maggiormente, come fosse il vero protagonista. Questo è anche il sunto di questa musica, capace di aprire differenti porte nello stato d’animo di chi ascolta.
Sono i sei minuti di “Vernice” a dare un’indicazione sullo stile della band, con il cantato in italiano (questo in tutto l’album) di Vedana, voce pulita, semplice che non tenta mai il passo più lungo della gamba. Funzionale anche il gioco corale voce maschile/femminile. L’andamento si espande in una sorta di Folk antico che si amplifica strada facendo in un suono moderno su un ritornello facile da ricordare.
Seguono “Altrove Pt.1” e “Altrove Pt.2”, la prima è una ballata dolce come la copertina del disco e calda come il suono del basso di Bosca, la seconda è uno strumentale che mette in luce le qualità sia compositive che esecutive della band. Numerosi i richiami ai Genesis, specialmente negli arpeggi.
Il disco prosegue in crescendo con “Il Mondo Al Suo Risveglio”, così il suono che presenta un approccio chitarristico più elettrico in una staffetta fra schiaffo e bacio. Buoni gli assolo strumentali.
“Città Spenta” porge il fianco alla formula canzone soprattutto nel tratto acustico iniziale voce e chitarra.
“Tramonti Di Cenere” alza il ritmo, qui le emozioni si sviluppano maggiormente su differenti scale e soluzioni, uno dei momenti più Prog nel vero senso del termine. Ma la ciliegina sulla torta giunge dalla conclusiva “Endurance”, nove minuti di ottima musica frastagliata da effetti ventosi e parti strumentali in bilico fra passato e presente, questo soprattutto grazie alle chitarre elettriche.
In conclusione, “Altrove” è un disco che di certo non lascia l’amaro in bocca, e che tenta di entusiasmare su più fronti, a testimonianza di una crescita professionale oramai acquisita.
Musica per tutti i gusti, non solo per Prog fans. MS

Versione Inglese:

MELTING CLOCK - Altrove
Black Widow Records
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / digital - 2024

It is now obvious to everyone that today's Progressive Rock scene, what I call Modern Post Prog, is gaining momentum. It generally consists of 1970s influences from iconic bands such as Pink Floyd, Genesis, King Crimson, etc. mixed with the modern sound brought to success by bands such as Porcupine Tree, Riverside and Opeth. It is no coincidence that I increasingly come across records like this one by Genovese band Melting Clock, who are carried away by their passion for good catchy melodies, but also relatively vigorous instrumental passages.
The band, composed of Sandro Amadei (keyboards), Stefano Amadei (guitars, Irish bouzouki), Alessandro Bosca (bass), Simone Caffè (guitars), Francesco Fiorito (drums), and Emanuela Vedana (vocals), sees its origins rise in the now distant 2001, at the Physics Department of the University of Genoa with the primordial intent of playing covers. The results were not so satisfactory, so much so that Alessandro Bosca said, “We are losing the rhythm, we are melting like Salvador Dali's clocks”, hence the idea of calling themselves Melting Clock precisely.
Inevitable over time the line up changes, until arriving in 2019 with on their shoulders a good experience dictated by numerous rehearsals and live dates, so it is the turn of the first album “Destinazioni” (Black Widow), which receives good reviews on the web from insiders.
“Altrove” is the second album from 2024, consisting of seven tracks of medium to long duration, as the genre itself often requires. And speaking of pictorial art, the cover has a truly intriguing charm, colors on yellow and brown instill a veiled sense of melancholy, but it is the red that strikes the most, as if it were the real protagonist. This is also the summary of this music, capable of opening different doors in the listener's state of mind.
It is the six minutes of “Vernice” that give an indication of the band's style, with Vedana's singing in Italian (this throughout the album), a clean, simple voice that never tries to get ahead of itself. The male/female vocal choral interplay is also functional. The trend expands into a kind of ancient Folk that amplifies as it goes along into a modern sound over an easy-to-remember refrain.
This is followed by “Altrove Pt.1” and “Altrove Pt.2,” the former a ballad as sweet as the album cover and as warm as Bosca's bass sound, the latter an instrumental that showcases both the compositional and performance qualities of the band. There are numerous references to Genesis, especially in the arpeggios.
The album continues on a crescendo with “Il Mondo Al Suo Risveglio”, so the sound that features a more electric guitar approach in a relay between slap and kiss. Good instrumental solos.
“Città Spenta” lays side by side with the song formula especially in the initial acoustic vocal and guitar section.
“Tramonti Di Cenere” ups the tempo, here the emotions develop more on different scales and solutions, one of the most Prog moments in the true sense of the word. But the icing on the cake comes from the concluding “Endurance”, nine minutes of excellent music jagged with windy effects and instrumental parts poised between past and present, this mainly thanks to the electric guitars.
In conclusion, “Altrove” is an album that certainly does not leave a bitter taste in the mouth, and one that attempts to excite on several fronts, a testament to a professional growth that has now been acquired.
Music for all tastes, not just Prog fans. MS

Via Modesta Valenti

VIA MODESTA VALENTI – Suite For The Last Prophet
Autoproduzione
Genere: Neo Prog
Supporto: EP / Spotify / Digital – 2024

Internet con le proprie potenzialità, dona a tutti la possibilità di farsi conoscere, e questo avviene in ogni campo, compreso quello musicale. La semplicità con cui ci si può inserire nel contesto sociale, fa in modo che un numero sterminato di artisti possa dire la propria, a differenza di cinquant’anni fa, che per realizzare un disco bisognava avere i contatti giusti e un costo alle spalle non indifferente. Per esempio il Progressive Rock è rimasto in vita sino ai giorni nostri grazie ai tenaci artisti e addetti ai lavori che in tempi non di moda hanno comunque investito e insistito su certe sonorità, ma soprattutto ci ha pensato il boom della condivisione. Quando dischi rari e per il portafoglio inaccessibile sono diventati di dominio pubblico con un semplice click, l’interesse verso questo genere ha ripreso immediatamente vita. Non a caso dagli anni ’90 si sono viste Réunion di band storiche altrimenti sospese negli anni ’70. Ne consegue che internet abbia avuto un ruolo fondamentale, quello della conoscenza e dell’opportunità. E’ chiaro che, vista la quantità, la qualità non è sempre di buon livello, tuttavia si scoprono anche belle sorprese, come per esempio questa della band romana Via Modesta Valenti.
La band si forma nel 2017 ed è composta da Matteo Zanuzzi (Voce), Adriano Sabatucci (chitarre), Francesco Mongatti (tastiere), Gianmarco Palma (basso), e Luca Santi (batteria).
 “Suite for The Last Prophet" è un EP formato da un unico brano suddiviso in dodici atti, per una durata totale di ventitré minuti di musica. Quello che comprendo sin dal primo ascolto è il divertimento con cui i protagonisti si sono cimentati, oltre all’amore per questo stile. Fuoriesce anche una volontà di vivere le sonorità con una personalità magari ancora da forgiare a dovere, ma di base alquanto percepibile. Numerosi i richiami al Neo Prog di stampo anni ’80. Il cantato è sia in inglese sia in italiano. Non mancano neppure puntate nel Jazz.
Le tastiere ricoprono un ruolo di spicco, così la cura per le melodie mai troppo articolate e alcuni assolo di chitarra (e arpeggi) di Marillioniana memoria. Mi ricordano i primi passi della band di Fish e soci, quando anche loro iniziano con una lunga suite intitolata “Grendel”.
Il Mellotron fa comparsa di tanto in tanto, i cambi di ritmo sono all’ordine del giorno, insomma, tutto fa capire che i ragazzi hanno assimilato certe lezioni del passato. Piccoli sprazzi di Pink Floyd fanno capolino di tanto in tanto.
I Via Modesti Valenti hanno passione, senso dell’umorismo e cuore, quindi buoni argomenti su cui costruire in futuro album che interesseranno non soltanto gli estimatori delle band da me citate. Difetti veri e propri non ne ho riscontrati, probabilmente un’attenzione maggiore alla registrazione andrebbe attuata, ma questa è anche questione di gusto personale. Ora aspetto la prova dell’album ufficiale e non me la sento di dare consigli al riguardo, in quanto un artista quando si diverte è già sulla buona strada, poi suite o canzoni più brevi è solo questione di scelta strategica attuabile all’argomento che si vuole trattare. Di base promuovo quest’uscita, e sottolineo che anche grazie alle nuove leve che il Prog Rock prosegue inesorabile il proprio cammino. MS

Versione Inglese: 

VIA MODESTA VALENTI - Suite For The Last Prophet
Self-production
Genre: Neo Prog
Support: EP / Spotify / Digital - 2024

The Internet with its potential, gives everyone the opportunity to make themselves known, and this happens in every field, including music. The simplicity with which one can insert oneself in the social context, makes it so that an endless number of artists can have their say, unlike fifty years ago, which in order to make a record one had to have the right contacts and a not inconsiderable cost behind it. For example, Progressive Rock has remained alive to the present day thanks to the tenacious artists and insiders who in unfashionable times still invested and insisted on certain sounds, but above all the sharing boom took care of that. When rare and for the wallet inaccessible records became public domain with a simple click, interest in this genre immediately revived. Not surprisingly, since the 1990s we have seen Reunions of historic bands otherwise suspended in the 1970s. It follows that the Internet has played a key role, that of knowledge and opportunity. Clearly, given the quantity, the quality is not always of a good standard, however, one also discovers nice surprises, such as this one by the Roman band Via Modesta Valenti.
The band was formed in 2017 and is composed of Matteo Zanuzzi (vocals), Adriano Sabatucci (guitars), Francesco Mongatti (keyboards), Gianmarco Palma (bass), and Luca Santi (drums).
 “Suite for The Last Prophet” is an EP consisting of a single track divided into twelve acts, with a total duration of twenty-three minutes of music. What I understand from the first listen is the fun with which the protagonists have engaged, as well as the love for this style. There also emerges a willingness to experience the sounds with a personality perhaps yet to be properly forged, but basicly quite perceptible. There are numerous references to 80s-style Neo Prog. The singing is in both English and Italian. There is also no shortage of points in Jazz.
Keyboards play a prominent role, so does the care for melodies that are never too articulate and some guitar solos (and arpeggios) of Marillionian memory. They remind me of Fish and co.'s band's early days, when they, too, begin with a long suite entitled “Grendel.”
The Mellotron makes an appearance from time to time, tempo changes are the order of the day, in short, it all suggests that the boys have assimilated certain lessons from the past. Little flashes of Pink Floyd peep out from time to time.
Via Modesti Valenti have passion, a sense of humor and heart, so good arguments on which to build in future albums that will interest not only admirers of the bands I mentioned. Real flaws I did not find any, probably more attention to the recording should be implemented, but this is also a matter of personal taste. Now I am waiting for the proof of the official album and I do not feel like giving advice in this regard, as an artist when he is having fun is already on the right track, then suites or shorter songs is just a matter of strategic choice implementable to the topic one wants to deal with. Basically I promote this release, and I emphasize that it is also thanks to the newcomers that Prog Rock inexorably continues on its path. MS

Lunophone

LUNOPHONE – Surroundings
AltrOck Productions
Genere: Scuola Di Canterbury – Jazz Rock
Supporto: cd / Bandcamp – 2024

Forse vi sarà capitato almeno una volta, d’imbattervi nel termine “Scuola Di Canterbury”. Per i più ferrati di voi non ci sarebbe nessun bisogno di spiegazione, giustamente agli altri sintetizzo che la Scuola Di Canterbury (altrimenti detta anche Scena Di Canterbury), è una corrente del Rock Progressivo inglese sorta nella fine degli anni ’60, più precisamente nel Kent. Immaginate di fondere assieme il Rock Psichedelico, il Jazz, la musica d'avanguardia e la musica elettronica. Fra i nomi di spicco cito i Soft Machine di Robert Wyatt, i Gong dell'australiano Daevid Allen, gli Egg, i Caravan, gli Hatfield And The North, gli Henry Cow, Hugh Hopper e Kevin Ayers. Altri addetti ai lavori, molti anni fa, hanno accostato questo stile sonoro alla musica dei figli dei fiori, quando l’utopia della pace e dell’amore armava gli intenti di moltissimi giovani contrari a guerre e ingiustizie di stato.
Il genere non ha avuto moltissimi proseliti al di là degli anni ’70, tuttavia si è sempre saputo mantenere in vita, sia per influenze che hanno contribuito a certe evoluzioni nel Rock, sia di stile vero e proprio con nuove band e realizzazioni. Non a caso lo ritroviamo anche oggi in Italia e non soltanto, a conferma di un amore sconfinato per queste sonorità color pastello.
Oggi sono qui a parlare di un nuovo progetto che potrei definire internazionale: Lunophone.
Frutto della collaborazione tra Dario D'Alessandro (Homunculus Res) e James Strain (Rascal Reporters), Lunophone si propone di creare una miscela di Jazz Rock Progressivo con influenze di Canterbury/RIO, spaziando da momenti vivaci con ricchi cambi di tempo e frangenti maggiormente pacati e riflessivi.
“Surroundings” nelle sue dodici composizioni, trova il jolly negli arrangiamenti, molto curati e freschi. Dario D'Alessandro (voce, testi, chitarra elettrica, chitarra classica, sintetizzatori, pianoforte, glockenspiel, e tamburello) e l’irlandese James Strain (basso, batteria, chitarra elettrica, chitarra fretless, oud elettrico, sitar, pianoforte rhodes , organo fuzz , sintetizzatori, percussioni), danno vita a un lavoro fresco, ovviamente pregno di richiami al passato, il tutto con sorprendente naturalezza. Infatti una delle chiavi di lettura di “Surroundings”, è proprio lo scorrimento veloce del brano, senza inutili orpelli, o perlomeno se in alcuni momenti si possono scorgere, sono messi in modo che neppure te ne accorgi.
La pulizia dei suoni contribuisce in quest’ascolto, certe coralità immergono l’ascoltatore nella fine degli anni ’60, come nell’iniziale “Lunaria”, il divertimento dei due artisti è quindi contagioso. Pur essendo Rock Progressivo, l’album è privo di suite, difficilmente un pezzo supera i quattro minuti, a conferma di quanto detto, ossia di voler badare al sodo. “Choc Charraige” nella leggerezza della composizione, coccola lo stato d’animo, per poi passare al cantato di “Un Giorno O Due”, qui in lingua italiana. Per giungere a un movimento più ricercato bisogna giungere a “Dalbhdha”, e non nascondo che mi vengono alla memoria certi passaggi di Prog nordico, ritmi spezzati e percussioni. Il Jazz Rock è perfettamente rappresentato con “Ametista”, non molto dissimile “Aduantas”. I colori della copertina che sembrano mettere in mostra il carattere dei due protagonisti, bene visionano il brano “Miglior Vita”. In generale tutto l’album scorre su questi binari, per la gioia degli estimatori della Scuola Di Canterbury, anche oggi deliziati da questi suoni che sembrano si datati, ma possessori dell’elisir di lunga vita. MS

Versione Inglese:

LUNOPHONE - Surroundings
AltrOck Productions
Genre: School Of Canterbury - Jazz Rock
Support: cd / Bandcamp - 2024

You may have come across the term "School Of Canterbury" at least once. For the more fervent of you there would be no need for explanation, rightly to others I summarize that the School Of Canterbury (otherwise also called the Canterbury Scene), is a current of English Progressive Rock that arose in the late 1960s, more precisely in Kent. Imagine fusing together Psychedelic Rock, Jazz, avant-garde music and electronic music. Prominent names include Robert Wyatt's Soft Machine, Australian Daevid Allen's Gong, Egg, Caravan, Hatfield And The North, Henry Cow, Hugh Hopper, and Kevin Ayers. Other insiders, many years ago, likened this style of sound to the music of the flower children, when the utopia of peace and love armed the intentions of a great many young people opposed to wars and state injustices.
The genre has not had many proselytes beyond the 1970s, yet it has always been able to keep itself alive, both in terms of influences that have contributed to certain evolutions in Rock, and of actual style with new bands and accomplishments. It is no coincidence that we find it again today in Italy and beyond, confirming a boundless love for these pastel-colored sounds.
Today I am here to talk about a new project that I could call international: Lunophone.
The result of a collaboration between Dario D'Alessandro (Homunculus Res) and James Strain (Rascal Reporters), Lunophone aims to create a blend of Progressive Jazz Rock with Canterbury/RIO influences, ranging from lively moments with rich tempo changes to more calm and reflective bangs.
"Surroundings" in its twelve compositions, finds the wild card in the arrangements, which are very polished and fresh. Dario D'Alessandro (vocals, lyrics, electric guitar, classical guitar, synthesizers, piano, glockenspiel, and tambourine) and Irishman James Strain (bass, drums, electric guitar, fretless guitar, electric oud, sitar, rhodes piano , fuzz organ , synthesizers, percussion), give life to a fresh work, obviously filled with references to the past, all with surprising naturalness. In fact, one of the keys to reading "Surroundings", is precisely the fast flow of the song, without unnecessary frills, or at least if they can be glimpsed in some moments, they are put in such a way that you don't even notice them.
The cleanliness of the sounds contributes in this listening, certain chorality immerses the listener in the late 1960s, as in the opening "Lunaria", the fun of the two artists is thus infectious. Despite being Progressive Rock, the album is devoid of suites, hardly a piece exceeds four minutes, confirming what has been said, that is, of wanting to mind the bottom line. "Choc Charraige" in the lightness of composition, cuddles the mood, then moves to the singing of "Un Giorno O Due", here in Italian. To get to a more refined movement one has to reach "Dalbhdha", and I will not hide that certain passages of Nordic Prog, broken rhythms and percussion come to mind. Jazz Rock is perfectly represented with "Amethyst", not very dissimilar "Aduantas". The colors of the cover that seem to showcase the character of the two protagonists, well vision the track "Best Life".
In general, the whole album flows on these tracks, to the delight of admirers of the School Of Canterbury, even today delighted by these sounds that seem yes dated, but possessing the elixir of long life. MS