Lalu

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genere: Metal Progressive / Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

I francesi Lalu sono una delle mie band preferite d’oltralpe, vuoi per le sonorità moderne e elettriche, ma soprattutto perché hanno saputo nel tempo assimilare la lezione dei gruppi del passato.
“A Mythmaker’s Demise” celebra i 20 anni di storia della band, iniziata nel 2005 con il disco d'esordio “Oniric Metal”. Nascono come creatura intellettuale di Vivien Lalu, figlio d'arte (i suoi genitori facevano parte della progressive band francese Polène) e tastierista di grande talento. Vivien è noto anche per la sua militanza nei supergruppi Progressive Metal A-Z (insieme a Ray Alder dei Fates Warning) e per aver collaborato negli anni con musicisti del calibro di Jordan Rudess, Virgil Donati e James LaBrie. Da qui si può già evincere l’orientamento stilistico.
Il quarto album in studio “The Fish Who Wanted To Be King” (2023) denota già una svolta verso sonorità più calde, vicine al Progressive Rock classico alla Yes, Rush, Genesis e Marillion. Per questo album celebrativo, Vivien Lalu ha riunito una formazione d'eccezione: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), lo storico cantante dei primi lavori torna alla voce con interpretazioni evocative.  Joop Wolters, l’inseparabile chitarrista e bassista, co-autore degli arrangiamenti.  Simon Phillips, leggendario batterista (ex-Toto, Protocol), la cui batteria è stata registrata dal vivo in presa diretta senza campionamenti né correzioni artificiali e Jens Johansson, ospite speciale alle tastiere in diversi assoli (Stratovarius).
L'album riflette sul mancato spazio per l'immaginazione e la mitologia umana nell'era dell'Intelligenza Artificiale. La splendida copertina illustrata da Mattias Norén ritrae uno scrittore e creatore che muore alla sua scrivania mentre le sue creature mitiche cercano di fuggire verso un mondo che non le celebra più.
Ma veniamo alla musica, “Tears Of The Muse” simboleggia proprio il lamento della Musa ispiratrice dimenticata, attraverso un brano che riesce a bilanciare tratti oscuri a cambi di tempo dinamici. Nel testo, la Musa piange perché non trova più menti disposte ad ascoltarla o a sognare.
Nel brano “EKO” la band gioca sul concetto di "eco" stesso. Il testo denuncia una società in cui l'arte e la comunicazione non sono più originali, ma semplici rimbombi e riproduzioni di idee già esistenti. Apre il piano e il phone voice di Martin Lemar il quale lascia la scena ad un bellissimo seppur breve assolo di chitarra. Si evincono sprazzi di Queensryche prima era.
In “I Am The One” la melodia sale in cattedra fra cambi di tempo e una ritmica serrata che riporta la mente verso gli anni ‘80. È uno dei brani più personali del disco e racconta il contrasto stridente tra la routine diurna (lavori d'ufficio, schemi rigidi, aspettative sociali) e l'anima notturna dell'artista. A questo punto c’è un momento strumentale dal titolo “Mayacama” che mette in luce tutte le qualità balistiche dei singoli strumentisti, soprattutto le partiture di chitarra e il dialogo fra il basso ed i synth.
Interessante “Prince With The Swift Warning”, dove ancora una volta il lavoro alla batteria di Simon Phillips sorprende per tecnica e fluidità. Il movimento è a tratti sognante, alternando la formula “schiaffo e bacio”.
“Learning To Fly” non è quella dei Pink Floyd, ma una mini suite delicata a tratti prossima ai passaggi di alcuni Marillion di mezza era discografica. La canzone riflette sulla volontà di superare i propri limiti intellettuali e spirituali. Si parla della paura di cadere ma anche dell'inevitabile spinta umana a voler spiccare il volo.
Segue un altro strumentale dal titolo “A Drop Of Water”, un breve intermezzo acustico che simboleggia la semplicità, la purezza e la fragilità dell'ispirazione: una singola goccia d'acqua in un deserto di tecnologia.
Si ritorna al Rock con “Fhloston Paradise”, la voce ricorda nuovamente quella di Geoff Tate (Queensryche) e racconta la tentazione di rifugiarsi in un "paradiso virtuale" perfetto e patinato, scoprendo però che si tratta di una prigione dorata priva di vere emozioni, imperfezioni e umanità. Uno dei momenti maggiormente Metal Prog.
Fra le mie preferite c’è “Cordal Weaves”, un perfetto bilanciamento fra sensazioni differentemente marcate, ritmicamente variegata e ottimamente arrangiata. Qui la narrazione si sposta dall'individuo alla collettività ed è una dichiarazione d'amore verso la musica come filo invisibile che unisce le anime degli uomini attraverso le generazioni.
Chiude “Midnight Ink”, il momento in cui l'autore ripone la penna, consapevole che il suo tempo è finito, ma trova la pace nel sapere di aver dato tutto ciò che poteva. Una perla sonora.
"A Mythmaker’s Demise è molto più di un eccellente disco di Progressive Rock, è una lettera d'amore alla fragilità dell'ispirazione umana e al coraggio di sognare in un mondo che sembra aver dimenticato come si fa. Musica per tutti i padiglioni auricolari. MS

Versione Inglese: 

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genre: Progressive Metal / Progressive Rock
Media: CD / Digital – 2026

The French band Lalu is one of my favorite groups from across the Alps, partly for their modern, electric sound, but above all because over time they have successfully absorbed the lessons of the great bands of the past.
“A Mythmaker’s Demise” celebrates the band's 20-year history, which began in 2005 with their debut album “Oniric Metal”. They originated as the intellectual brainchild of Vivien Lalu, a gifted keyboardist born into music (his parents were members of the French progressive band Polène). Vivien is also known for his tenure in the Progressive Metal supergroup A-Z (alongside Ray Alder of Fates Warning) and for having collaborated over the years with musicians of the caliber of Jordan Rudess, Virgil Donati, and James LaBrie. From this, one can already deduce their stylistic direction.
Their fourth studio album, “The Fish Who Wanted To Be King” (2023), already showed a shift toward warmer sounds, closer to classic Progressive Rock in the vein of Yes, Rush, Genesis, and Marillion. For this anniversary album, Vivien Lalu has assembled an exceptional lineup: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), the historical vocalist from their early works, returns on vocals with evocative performances. Joop Wolters, the inseparable guitarist and bassist, co-wrote the arrangements. Simon Phillips, the legendary drummer (ex-Toto, Protocol), whose drums were recorded live in a single room without sampling or artificial corrections, and Jens Johansson, special guest on keyboards for several solos (Stratovarius).
The album reflects on the lack of room for human imagination and mythology in the era of Artificial Intelligence. The splendid cover artwork illustrated by Mattias Norén depicts a writer and creator dying at his desk while his mythical creatures attempt to flee toward a world that no longer celebrates them.
 
Moving on to the music, “Tears Of The Muse” symbolizes the very lament of the forgotten inspiring Muse through a track that manages to balance dark undertones with dynamic time changes. In the lyrics, the Muse weeps because she no longer finds minds willing to listen to her or to dream.
In the track “EKO”, the band plays on the concept of "echo" itself. The lyrics denounce a society in which art and communication are no longer original, but mere reverberations and reproductions of pre-existing ideas. It opens with piano and Martin LeMar's telephonic-effect vocals, which then hand over the stage to a beautiful, albeit brief, guitar solo. Traces of early-era Queensrÿche shine through.
In “I Am The One”, melody takes center stage amidst time shifts and a tight rhythm section that brings the 1980s back to mind. It is one of the most personal tracks on the record, detailing the striking contrast between daytime routine (office jobs, rigid structures, social expectations) and the artist's nocturnal soul. At this point, there is an instrumental moment titled “Mayacama” that showcases all the technical prowess of the individual musicians, particularly the guitar parts and the dialogue between bass and synths.
“Prince With The Swift Warning” is interesting, where once again Simon Phillips' drum work surprises with its technique and fluidity. The movement is at times dreamy, alternating a "slap and kiss" dynamic.
“Learning To Fly” is not the Pink Floyd song, but rather a delicate mini-suite that at times approaches passages reminiscent of mid-era Marillion. The song reflects on the desire to transcend one's intellectual and spiritual boundaries. It speaks of the fear of falling, but also of the inevitable human urge to take flight.
Followed by another instrumental titled “A Drop Of Water”, a short acoustic interlude that symbolizes the simplicity, purity, and fragility of inspiration: a single drop of water in a desert of technology.
We return to Rock with “Fhloston Paradise”; the vocals once again recall Geoff Tate (Queensrÿche) and tell of the temptation to take refuge in a perfect, glossy "virtual paradise", only to discover that it is a gilded cage devoid of true emotion, imperfection, and humanity. One of the heavier Prog Metal moments.
Among my favorites is “Cordal Weaves”, a perfect balance between distinctly marked feelings, rhythmically varied, and brilliantly arranged. Here the narrative shifts from the individual to the collective, serving as a love letter to music as an invisible thread connecting human souls across generations.
Closing the album is “Midnight Ink”, the moment when the author lays down his pen, aware that his time has come to an end, yet finding peace in knowing he gave everything he could. A musical gem.
"A Mythmaker’s Demise" is much more than an excellent Progressive Rock record; it is a love letter to the fragility of human inspiration and to the courage to dream in a world that seems to have forgotten how. Music for all ears. MS