Ifsounds

IFSOUNDS – MMXX
Melodic Revolution Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Digitale – cd – 2023

I molisani Ifsounds non si fermano più, hanno una vena creativa invidiabile e anche per loro la pandemia è stata un momento di ulteriore riflessione. “MMXX” è il nono album in studio ed è un lavoro concettuale, incentrato sui drammi della contemporaneità, proprio riferito alla pandemia e non soltanto.
Il gruppo del leader Dario Lastella (chitarra, basso, tastiere, synths e voce) formatosi a Petacciato nell’ormai lontano 1993 come IF poi solo successivamente Ifsounds, oggi è composto da Lino Mesina (batteria), Runal (voce), Italo Miscione (basso), Ilaria Carlucci (voce, cori) e appunto Dario Lastella. Finita la restrizione sociale sanitaria, c’è voglia di tornare a colloquiare e a relazionarsi nuovamente fra persone, una voglia di uscire allo scoperto che riporta al senso della vita, tutto questo è messo in note, le quali si distaccano leggermente da quelle passate relegate principalmente al Rock Progressivo, qui c’è uno sguardo anche al passato e a le coralità polifoniche, un lavoro ambizioso che si evince sin dalla suite iniziale “MMXX”. Sono proprio i cori ad aprire il disco, e bene sposano le immagini dell’album ad opera di Laura Meffe. I canti a cappella di stampo ecclesiastico lasciano spazio a sottofondi psichedelici sovrastati da un organo imponente. Il ritmo sale come nel brano “Nuvolari” di Lucio Dalla, e alterna situazioni ricercate a melodie di facile acquisizione oltre a riferimenti medievali. Non manca il mid tempo e richiami al Prog Italiano degli anni ’70, Orme, Banco Del Mutuo Soccorso e Goblin su tutti.
Per la riuscita della suite gli Ifsounds si avvalgono della collaborazione di Claudio Lapenna, Mariano Gramegna, Nadezhda Chalykh e Giovanni Liberatore alle voci. Le tastiere ricoprono il ruolo madre, serve attenzione all’ascolto per godere al meglio le sonorità. Buono l’assolo di chitarra e anche i piccoli innesti Jazz che a dire il vero non guastano mai in una suite.
Il secondo brano s’intitola “The Collector”, ha un ritmo sostenuto e semplice che potrebbe riportare agli anni ’80, mentre il cantato questa volta è in lingua inglese. Qui il Prog c’entra di schiaffo, piuttosto è una canzone pop, anche se possiede lunghe fasi di synth e l’immancabile cambio di tempo che rallenta la corsa.
Un passaggio nel mondo di David Bowie attraverso la simpatica “Stendhal Syndrome”, semplice, diretta e ruffiana al punto giusto nel ritornello. In “Kandinsky's Sky” ritorna Claudio Lapenna, questa volta al piano, una ballata delicata dal sentore Neo Prog.
La conclusione spetta a “MMXXII”, una mini suite di nove minuti abbondanti di musica diversificata, dove gli stili s’intrecciano fra di loro come corde di liane, vetrina per le qualità strumentali dei musicisti in questione. Un finale da applauso.
Gli Ifsounds ci hanno oramai abituati a belle realizzazioni, ma qui tentano qualcosa di più e di differente, quasi che il termine Progressive Rock va loro stretto. Non importa come classificare questa musica, resta il fatto che è ottima compagna di ascolti ripetuti, perché sono sicuro che quest’album girerà abbastanza spesso nel mio lettore, spero anche nel vostro. MS 

Versione Inglese:

IFSOUNDS - MMXX
Melodic Revolution Records
Genre: Progressive Rock
Support: digital - cd - 2023

Molise's Ifsounds do not stop anymore, they have an enviable creative streak and even for them the pandemic was a moment of further reflection. "MMXX" is the ninth studio album and is a conceptual work, focused on the dramas of contemporaneity, precisely referring to the pandemic and beyond.
The group of leader Dario Lastella (guitar, bass, keyboards, synths and vocals) formed in Petacciato in the now distant 1993 as IF then only later Ifsounds, today is composed of Lino Mesina (drums), Runal (vocals), Italo Miscione (bass), Ilaria Carlucci (vocals, backing vocals) and precisely Dario Lastella. Finished the social health restriction, there is a desire to return to talk and relate again between people, a desire to come out of the closet that brings back to the meaning of life, all this is put into notes, which are slightly detached from those past relegated mainly to Progressive Rock, here there is also a look at the past and polyphonic choruses, an ambitious work that is evident since the opening suite "MMXX". It is the choruses that open the album, and they marry well with the album's imagery by Laura Meffe. Church-like a cappella chants give way to psychedelic undertones overlaid by a towering organ. The tempo picks up as in Lucio Dalla's "Nuvolari", and alternates between researched situations and easily acquired melodies as well as medieval references. There is no lack of mid tempo and references to 1970s Italian Prog, Orme, Banco Del Mutuo Soccorso and Goblin above all.
For the success of the suite, Ifsounds enlists the collaboration of Claudio Lapenna, Mariano Gramegna, Nadezhda Chalykh and Giovanni Liberatore on vocals. The keyboards fill the mother role; it takes careful listening to enjoy the sounds to the fullest. Good guitar solo and also the little Jazz grafts that actually never hurt in a suite.
The second track is titled "The Collector", has a sustained and simple rhythm that could take you back to the 1980s, while the singing this time is in English. Here Prog has slapdash to do with it, rather it is a pop song, although it possesses long synth phases and the ever-present tempo change that slows down the ride.
A passage into the world of David Bowie through the sympathetic "Stendhal Syndrome", simple, straightforward and pandering to the right point in the chorus. In "Kandinsky's Sky" Claudio Lapenna returns, this time on piano, a delicate ballad with a Neo Prog scent.
The conclusion belongs to "MMXXII", a nine-minute mini-suite of diverse music, where styles intertwine with each other like strings of lianas, a showcase for the instrumental qualities of the musicians in question. A finale to be applauded.
Ifsounds have by now accustomed us to fine accomplishments, but here they attempt something more and different, almost as if the term Progressive Rock is a narrow one for them. No matter how to classify this music, the fact remains that it is excellent companion for repeated listening, because I am sure that this album will spin quite often in my player, I hope in yours as well. MS

Le Orme

LE ORME – Le Orme & Friends
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock Progressivo Italiano
Supporto: Digital – cd – 2lp

Certi miti sono difficili da criticare con obbiettività, ma con modestia ci proverò.
Alcune band storiche nel corso della loro lunga esistenza hanno subito pesanti defezioni, come nel caso della dipartita di Francesco Di Giacomo per il Banco Del Mutuo Soccorso, oppure semplici abbandoni, com’è accaduto a Peter Gabriel nei Genesis, eppure come ha saputo dire Freddy Mercury “The Show Must Go On”, anche se i vecchi fans di alcune band a cui è successo il misfatto, non sono rimasti soddisfatti. Nel caso dei Genesis però le vendite hanno raccontato l’esatto contrario, questo per affermare che in verità gli eventi vanno analizzati caso per caso, e non è possibile farne di tutta l’erba un fascio.
Certo è che il fatto dei lagunari Le Orme è davvero difficile da digerire, in quanto Aldo Tagliapietra con la sua voce non ha messo un sigillo qualitativo sullo stile della band, ma un vero e proprio macigno, per questo la scissione ha davvero fatto sanguinare i fans. Negli anni Le Orme hanno proseguito nel Rock Progressivo sostituendo il bassista cantante con Jimmy Spitaleri (Metamorfosi), un altro grande artista del settore, così Michi Dei Rossi (batterista e possessore del marchio Orme) e Michele Bon (tastiere) prendono in mano le redini della band e proseguono senza stravolgere troppo lo stile storico. Non hanno realizzato album memorabili ma di sicuro di buon interesse, “La Via Della Seta” (Love Music 2011) e “Sulle Ali Di Un Sogno” (2019 - Sony Music) sono discreti lavori che sarà il tempo a decidere se verranno ricordati come classici, credo tuttavia che non raggiungeranno i fasti di “Felona E Sorona” oppure di “Uomo Di Pezza”. Per restare saldati ai fans, infatti, registrano anche tre album legati in qualche modo al passato, “Le Orme Prognight Live 2013” con la partecipazione de La Storia New Trolls, “Felona E Sorona 2016” (2016 – Love Music) e “Classic Orme” (2017 – Love Music).
Oggi con “Le Orme & Friends” c’è da sottolineare lo sforzo creativo della band che vuole gridare al mondo “Questi siamo noi!”, così raggruppano tantissimi artisti noti nel campo, da Nico Di Palo (New Trolls), gli Osanna, i Mangala Vallis, i Trip, Sezione Frenante, Le Folli Arie, Moongarden, Monkey Diet, Alex Carpani, Francesco Sartori, Tal Neunder, Jimmi Spitaleri, ma soprattutto gli storici Tony Pagliuca e Tolo Marton. Un’operazione quantomeno grandiosa.
Tutto questo accade per i cinquantasette anni di esistenza della band, la quale all’inizio dell’anno parte con un crowdfunding per raggiungerne lo scopo.
“Le Orme & Friends” è dunque un lavoro corale ma Aldo non ha voluto partecipare, sentendosi in questo caso “un ospite in casa propria”, ciò a confermare l’insanabile rottura. Un tour a Legnano anticipa l’album che a detta degli artisti stessi, dovrebbe essere anche l’ultimo della loro splendida carriera. Su questo nutro forti dubbi, chi ama la musica e soprattutto chi ci vive, è vero che magari si getta anima e corpo in nuovi progetti, ma prima o poi la storia ci racconta che avranno un inevitabile ricaduta. Per questo…Vedremo, intanto il doppio lp composto di ventisette canzoni girerà spesso nel mio impianto stereo, non per nostalgia (un poco anche quella, lo confesso), ma per la buona qualità delle composizioni. I professionisti non sbagliano quasi mai. Un tributo fatto di brani inediti con più alti che bassi, un modo corale per abbracciare questo modello lagunare per non farselo più sfuggire, ma sono altresì sicuro che non serve tutto ciò per incastonare le Orme nella storia, già ci risiedono per merito… E che merito! Tagliapietra ha dunque il diritto di eclissare, così come Le Orme quello di realizzare. Comunque miti, e il mondo vi ringrazia! MS

Versione Inglese:

LE ORME - Le Orme & Friends
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Italian Progressive Rock
Support: Digital - cd - 2lp

Some myths are difficult to criticize objectively, but with modesty I will try. Some historic bands in the course of their long existence have suffered heavy defections, as in the case of Francesco Di Giacomo's departure for Banco Del Mutuo Soccorso, or simple dropouts, as happened to Peter Gabriel in Genesis, yet as Freddy Mercury was able to say, "The Show Must Go On," even if the old fans of some bands to whom the misdeed happened, were not satisfied. In the case of Genesis, however, sales have told the exact opposite, this is to say that in truth events must be analyzed on a case-by-case basis, and it is not possible to lump them all together.
Of course, the fact of the Laguna-based Le Orme is really hard to digest, as Aldo Tagliapietra with his voice did not put a qualitative seal on the band's style, but a real boulder, which is why the split really made fans bleed. Over the years Le Orme continued in Progressive Rock by replacing the vocalist bassist with Jimmy Spitaleri (Metamorfosi), another great artist in the field, so Michi Dei Rossi (drummer and owner of the Orme trademark) and Michele Bon (keyboards) took over the reins of the band and continued without upsetting the historical style too much. They have not made memorable albums but certainly of good interest, "La Via Della Seta" (Love Music 2011) and "Sulle Ali Di Un Sogno" (2019 - Sony Music) are decent works that time will decide whether they will be remembered as classics, I believe, however, that they will not reach the splendor of "Felona E Sorona" or "Uomo Di Pezza." In fact, to stay welded to the fans, they also record three albums related in some way to the past, "Le Orme Prognight Live 2013" featuring La Storia New Trolls, "Felona E Sorona 2016" (2016 - Love Music) and "Classic Orme" (2017 - Love Music).
Today with "Le Orme & Friends" there is to emphasize the creative effort of the band that wants to shout to the world "This is us!", so they group together so many well-known artists in the field, from Nico Di Palo (New Trolls), Osanna, Mangala Vallis, Trip, Sezione Frenante, Le Folli Arie, Moongarden, Monkey Diet, Alex Carpani, Francesco Sartori, Tal Neunder, Jimmi Spitaleri, but above all the historical Tony Pagliuca and Tolo Marton. A great operation, to say the least.
All this happens for the fifty-seven years of the band's existence, which at the beginning of the year starts with a crowdfunding to reach its goal.
"Le Orme & Friends" is thus a choral work but Aldo did not want to participate, feeling in this case "a guest in his own house," this confirming the irremediable break. A tour in Legnano anticipates the album, which according to the artists themselves, should also be the last of their splendid career. On this I have strong doubts, those who love music and especially those who live in it, it is true that maybe they throw themselves heart and soul into new projects, but sooner or later history tells us that they will have an inevitable fallout.
For that...We'll see, meanwhile the double lp consisting of twenty-seven songs will be spinning often in my stereo system, not because of nostalgia (a little of that too, I confess), but because of the good quality of the compositions. The professionals almost never fail. A tribute made up of unreleased songs with more highs than lows, a choral way of embracing this lagoon model never to be missed again, but I am also sure that none of this is needed to embed Orme in history, they already reside there on merit... And what merit! Tagliapietra therefore has the right to eclipse, just as The Orme has the right to achieve. However myths, and the world thanks you! MS

 

Raffaele Matta Trio

RAFFAELE MATTA TRIO – Branda West
Isulafactory / Lizard Open Mind
Genere: Jazz contemporaneo – Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Quante volte abbiamo pensato di evadere dalla quotidianità, magari con un bel viaggio, per rigenerare il corpo e la mente visitando luoghi e situazioni, credo che questo sia nella volontà di tutti noi. Se a farlo poi è un artista, non viene di certo a mancare un bel diario di viaggio sonoro, com’è accaduto a Raffaele Matta, musicista oramai di lungo corso con alle spalle un’esperienza che vede muovere i primi passi nel 2005 grazie al Wide Quintet per poi conseguire in una carriera da solista e collaborativa.
Oggi il chitarrista sardo si coadiuva della partecipazione di due corregionali, Andrea Parodo (basso) e Nicola Vacca (batteria), per immergersi nell’idea di modificare la ritmica della musica indiana attraverso contaminazioni moderne. Questa avviene grazie alla realizzazione di un lungo percorso a partire dalla Sardegna per poi approdare in India, Vietnam, Thailandia, con una lunga pausa a Mumbai; non a caso il titolo dell’album “Bandra West” è proprio il nome di un quartiere del posto in cui spesso il trio si è esibito (e musicalmente contaminato).
Il disco, contenente otto brani e una confezione cartonata, è il risultato della sinergia fra due realtà ai vertici opposti dell’Italia, l’etichetta siciliana Isulafactory e la Lizard Records di Treviso.
Ed è con “Delhi” che il trio presenta immediatamente il proprio mondo ricercato e ritmico, la ricerca non si sostituisce al piacere della melodia che resta comunque sempre in primo piano. Il suono è caldo grazie all’uso del basso delineante giri armonici di facile presa. Non è distante neppure il mondo del Rock Progressivo.
In “Japan” si cambia registro, aperto alle contaminazioni, è un insieme di suoni che spaziano in un connubio sensazionalistico dall’ampio raggio. Qui le note sono maggiormente ragionate lasciando spazio anche all’elettronica finale.
Speciale “1012”, è una sorta di ballata Prog in cui il pentagramma è scritto con una penna stilografica, attenta alle virgole e alla bella calligrafia. Certi passaggi ricordano un certo tipo di Prog nordico in stile Landberk.
L’attenzione per la ritmica diventa ancor più evidente in “Floor Scrubbers”, prossima al Funk, dove il basso e la chitarra sembrano saper parlare perfettamente la stessa lingua. Qui sono i canadesi Uzeb a tornarmi nella memoria. Il brano più lungo dell’album s’intitola “Hanoi”, una finestra nel luogo in cui lo sguardo spazia nel panorama circostante color pastello attraverso il suono degli anni ’70, grazie all’arpeggio della chitarra di Matta, sempre gentile e introspettiva. Il crescendo sonoro è altamente coinvolgente e funzionale, vetrina per le qualità balistiche dei singoli musicisti.
Un giro di basso apre “Chiang Mai”, estratto di un cammino nel mondo del Progressive Jazz, seguono la ragionata “The Music Book” e “UAE”, più che una fine di un’esperienza sembra essere un arrivederci a presto.
“Bandra West” è il riassunto di un’esperienza vissuta fra amici e arte, depositaria di un amore viscerale per quella musica che mai si lascia contaminare dalla banalità, fra ricerca e improvvisazione, il tutto supportato da tecnica e gusto per l’armonia mai lasciata da parte, anzi, spesso protagonista. Quando sentite dire “musica per la mente”, questo è uno di quei casi. MS

Versione Inglese:

RAFFAELE MATTA TRIO - Branda West
Isulafactory / Lizard Open Mind
Genre: Contemporary Jazz - Progressive Rock
Support: cd - 2024

How many times have we thought of escaping from everyday life, maybe with a nice trip, to regenerate body and mind by visiting places and situations, I think this is in the will of all of us. If it is then an artist who does it, it certainly does not come without a nice sonic travelogue, as it happened to Raffaele Matta, a musician by now of long standing with an experience behind him that sees his first steps take place in 2005 thanks to the Wide Quintet and then achieve in a solo and collaborative career.
Today, the Sardinian guitarist is assisted by the participation of two co-regionals, Andrea Parodo (bass) and Nicola Vacca (drums), to immerse himself in the idea of modifying the rhythmic nature of Indian music through modern contaminations. This comes about thanks to the realization of a long journey starting in Sardinia and then landing in India, Vietnam, Thailand, with a long break in Mumbai; not coincidentally, the album title "Bandra West" is precisely the name of a local neighborhood where the trio often performed (and musically contaminated).
The record, containing eight tracks and a hardback package, is the result of the synergy between two realities at opposite ends of Italy, the Sicilian label Isulafactory and Treviso-based Lizard Records.
And it is with "Delhi" that the trio immediately presents its own refined and rhythmic world, the research not replacing the pleasure of melody, which still remains in the foreground. The sound is warm thanks to the use of the bass outlining harmonic turns that are easy to grip. The world of Progressive Rock is not distant either.
In "Japan" there is a change of register, open to contaminations, it is a set of sounds that range in a wide-ranging sensationalistic combination. Here the notes are more reasoned, leaving room for the final electronics as well.
Special "1012" is a kind of Prog ballad in which the staff is written with a fountain pen, careful about commas and beautiful calligraphy. Certain passages are reminiscent of a certain kind of Nordic Prog in the Landberk style.
The focus on rhythm becomes even more evident in "Floor Scrubbers", close to Funk, where the bass and guitar seem to be able to speak the same language perfectly. Here it is Canada's Uzeb that comes back into my memory. The longest track on the album is titled "Hanoi", a window into the place where the gaze sweeps over the surrounding pastel-colored landscape through the sound of the 1970s, thanks to the arpeggio of Matta's guitar, always gentle and introspective. The sonic crescendo is highly engaging and functional, a showcase for the ballistic qualities of the individual musicians.
A bass turn opens "Chiang Mai" an excerpt from a journey into the world of Progressive Jazz, followed by the reasoned "The Music Book" and "UAE", more like a goodbye to soon rather than an end to an experience.
"Bandra West" is the summary of an experience lived among friends and art, repository of a visceral love for that music that never allows itself to be contaminated by banality, between research and improvisation, all supported by technique and taste for harmony never left aside, indeed, often protagonist. When you hear "music for the mind," this is one of those cases. MS

 

Clan Aldo Pinelli

CLAN ALDO PINELLI – Nordiska Vatten
Open Mind – Lizard Records
Distribuzione: Micio Poldo Edizioni Musicali
Genere: Progressive Rock – Etnico
Supporto: cd – 2024

In questi ultimi tempi Aldo Pinelli sta vivendo un fervido periodo creativo, fresco del disco “Live At Spring Prog Fest” (2023) del progetto Invernalia, si cimenta ora con Clan Aldo Pinelli alla seconda uscita dopo “Patagonia” dell’anno 2017.
Il suo nome è conosciuto non soltanto nell’ambito del Rock Progressivo, perché la passione per la musica lo fa spaziare in differenti contesti che possono variare dall’Ambient alla Celtica, passando per la Classica e il Folk. Questa volta però il chitarrista e cantante di Buenos Aires esplora nuovi lidi, influenzato dai paesaggi nordici svedesi, dove la frequentazione dei residence VICC (Visby International Centre For Composers) risulta galeotta. Uno sguardo alla New Age Progressive con parti orchestrate, conduce a un risultato gradevole soprattutto per gli amanti di Mike Oldfiled. L’album completamente strumentale intitolato “Nordiska Vatten”, è formato da nove brani e si presenta in edizione cartonata con la cover di Oscar Bitz (1993) con forti richiami al mondo di Salvador Dalì. Assieme a Pinelli suonano Roberto Sambrizzi (ex Hábitat) alla batteria, Silvia Pratolongo alle percussioni, Carlos Bignani alle tastiere aggiuntive e Paula Dolcera al flauto.
I tre minuti iniziali di “Volando Con Il Drago” mostrano immediatamente l’amore di Pinelli per il Prog elettrico dei King Crimson post anni ’80, quelli dal suono maggiormente nervoso. Il viaggio vero e proprio inizia con la suite di quindici minuti “Nordiska Vatten”, dove la musica si sostituisce alle parole per descrivere lande e scenari dai colori grigi, solo a tratti squarciati da raggi di sole. Si evince facilmente il background dell’artista e l’amore che ha per la musica in senso generale. Sinfonismi ed effetti impreziosiscono le melodie, sempre delicate come solo certa musica “dotta” sa disegnare. Si è come avanti ad un documentario, fra ottimi effetti stereo, immancabili cambi d’umore, di ritmo e passaggi negli anni ’70. Mi viene da paragonare questa musica alla classica e non soltanto per certe immersioni nel contesto, bensì per l’approccio alla composizione sempre ricca e mutevole. Il brano in questione può essere preso benissimo come riassunto della carriera artistica di Pinelli in tutti i suoi progetti.
Seguono due minuti di sensazioni sonore avvolte come in una bolla nel brano “Eolofonia”, qui il lato sperimentale è a nudo.
“Giochi D’Azzardo (Parte 1,2,3,4 & 5) A New Mix” mette molta carne sul fuoco dell’elettronica, della psichedelia, del Prog Genesiano anni ‘70 e perfino un passaggio quasi pastorale grazie al flauto di Paula Dolcera. La ricerca sonora passa anche attraverso il minuto abbondante di “Studio 6” per poi planare in spazi ariosi attraverso “Baltico – A New Mix” dove le tastiere sono le protagoniste indiscusse. Questo pezzo originariamente era contenuto in “Rainy Season” del 2012.
“Una Voce Rituale” ha un inizio inquietante, dove i suoni battenti incutono suggestione, proprio come in una colonna sonora di un film horror. La buona registrazione esalta il risultato, per questo brano è consigliatissimo l’ascolto in cuffia. “Aprire” gioca con i suoni e conduce alla conclusiva “Medarp Alilui”, canzone più ritmata dell’intero album.
Se ritenete che la musica sia anche un mezzo per estraniarvi dal mondo, questa di Clan Aldo Pinelli non vi deluderà, specialmente se siete aperti di vedute. Mai fermarsi al logico, tenete aperta la porta della mente per goderne a pieno il risultato. MS 

Versione Inglese:

ALDO PINELLI CLAN - Nordiska Vatten
Open Mind - Lizard Records
Distribution: Micio Poldo Music Editions
Genre: Progressive Rock - Ethnic
Support: cd - 2024

In recent times Aldo Pinelli is experiencing a fervent creative period, fresh from the record "Live At Spring Prog Fest" (2023) of the project Invernalia, he now tries his hand with Clan Aldo Pinelli at his second release after "Patagonia" of the year 2017.
His name is known not only in the Progressive Rock sphere, because his passion for music makes him range in different contexts that can vary from Ambient to Celtic, passing through Classical and Folk. This time, however, the Buenos Aires-based guitarist and singer explores new shores, influenced by the Nordic landscapes of Sweden, where attendance at the VICC (Visby International Centre For Composers) residences turns out to be galleyed. A look at New Age Progressive with orchestrated parts, leads to a pleasing result especially for Mike Oldfiled lovers. The fully instrumental album entitled "Nordiska Vatten" consists of nine tracks and comes in a hardback edition with a cover by Oscar Bitz (1993) with strong references to the world of Salvador Dali. Playing along with Pinelli are Roberto Sambrizzi (formerly Hábitat) on drums, Silvia Pratolongo on percussion, Carlos Bignani on additional keyboards and Paula Dolcera on flute.
The opening three minutes of "Volando Con Il Drago" immediately show Pinelli's love for the electric prog of post-1980s King Crimson, the more nervous-sounding ones. The journey proper begins with the fifteen-minute suite "Nordiska Vatten", where music replaces words to describe gray-colored moors and scenery, only occasionally riven by rays of sunshine. The artist's background and the love he has for music in a general sense is readily apparent. Symphonisms and effects embellish the melodies, always delicate as only certain "learned" music can draw. One is as if ahead of a documentary, amidst excellent stereo effects, unfailing changes of mood, rhythm and transitions into the 1970s. I feel like comparing this music to classical, and not just because of certain immersions in the context, but because of the always rich and changing approach to composition. The piece in question can be taken nicely as a summary of Pinelli's artistic career in all his projects.
Two minutes of bubble-wrapped sound sensations follow in the track "Eolofonia", here the experimental side is laid bare.
"Games Of Chance (Part 1,2,3,4 & 5) A New Mix" puts a lot of meat on the fire of electronics, psychedelia, 70s Genesian Prog and even an almost pastoral passage thanks to Paula Dolcera's flute. The sonic quest also passes through the minute-long "Studio 6" and then glides into airy spaces through "Baltic - A New Mix" where keyboards are the undisputed protagonists. This piece was originally contained on 2012's "Rainy Season".
"A Ritual Voice" has an eerie beginning, where the pounding sounds instill suggestion, much like a horror movie soundtrack. The good recording enhances the result; listening with headphones is highly recommended for this track. "Open" plays with sounds and leads to the concluding "Medarp Alilui", the most rhythmic song on the entire album.
If you believe that music is also a means to estrange yourself from the world, this one by Clan Aldo Pinelli will not disappoint, especially if you are open-minded. Never stop at the logical, keep your mind's door open to fully enjoy the result. MS

 

Merging Cluster

MERGING CLUSTER - Peak Of Ephemeral Light
Lizard Records
Genere: Neo Prog / Post Prog Moderno
Supporto: cd – 2024

Il Rock nel tempo si è ramificato in maniera imponente, tanto che oggi risulta molto difficile districarsi fra sonorità e nomi nei quali sono relegati certi tipi di suoni, quelli che noi chiamiamo comunemente generi. Nel lato più sinfonico del Rock sappiamo bene che il Progressive Rock ha fatto storia grazie all’uso delle tastiere, coadiuvando la chitarra elettrica sino agli anni ’60, protagonista indiscussa di questa musica. L’Heavy Metal verso la fine degli anni ’70 apre un nuovo scenario, inizialmente opposto al Prog, così come lo è stato anche il Punk, per poi convogliare a nozze con il successo dei Dream Theater in quello che ufficialmente chiameremo negli anni ’80 Progressive Metal. Nello stesso periodo risorge il classico Progressive Rock, assopito nella fine dei ’70 dalle nuove mode della disco, New Wave e appunto il Punk, questo rinascere avviene grazie a band come Marillion, IQ e Pendragon in primis, e porta il nome di Neo Prog. Se volete approfondire l’argomento, ne ho scritta la storia per arcana edizioni in un libro intitolato “Neo Prog – Storia E Discografia”. Punti di riferimento per questo stilnovo sono i Camel, i Genesis e i Pink Floyd. Ora vi chiedo, è possibile fondere il Metal al Neo Prog? Certo che sì, poi il risultato può non piacere a tutti, ma di certo fa parte della naturale evoluzione della musica con artisti che amano suonarla e basta, senza paletti restrittivi.
Così si adoperano i toscani Merging Cluster, che si fondano nell’ormai lontano 2010. Il genere proposto varia attraverso arpeggi e riff in stile Queensryche (altra band fondamentale per il Metal Prog), al Neo Prog classico, un connubio sicuramente affascinante per chi come me desidera dalla musica essere stupito, ma sempre con melodia in cattedra, in parole povere non attraverso un becero sperimentare con suoni complessi o composizioni senza capo né coda. Alla fine dell’ascolto in testa deve rimanere sempre qualcosa di gradevole. La band è composta da Gabriele Marconcini (Biofonia, Raven Sad) alla voce, Marco Casalini (Trigono, Profilo, Underskin) alla batteria, Roberto Manzani al basso, Gianfilippo Innocenti (Chaos Venture) alla chitarra ed Emiliano Galli (Esterhazy, Bifonia) alle tastiere.
Potremmo definire “Peak Of Ephemeral Light” il loro debutto discografico, anche se in realtà questo vede prendere luce in formato ep già nel 2014, ci pensa l’attenta Lizard Records a dare nuova linfa vitale a questo lavoro.
I dieci minuti abbondanti di “Dysrationalia” immerge immediatamente l’ascoltatore nel terreno più morbido dei Queensryche. Una ricerca per gli arrangiamenti ottimale risalta le qualità vocali di Marconcini e della composizione in senso generale, dove le tastiere sono a tratti protagoniste come la chitarra di Innocenti che si adopera in riff granitici e in assolo ponderati. L’andamento è altamente armonico.
“Peak Of Ephemeral Light” si addentra in un percorso misto fra il Neo Prog e il Metal Prog, per un risultato curato nei particolari. In questo caso buono il lavoro della ritmica basso e batteria e quando la chitarra elettrica si lancia, sono brividi sulla pelle. Fra i brani migliori sottolineo “Subjective Doubles Syndrome” perché qui i Merging Cluster osano di più, avvicinandosi ulteriormente ai Marillion periodo Fish (per il cantato) e agli IQ per la musica. Con “Gift Undeserved” il discorso è analogo al primo brano, mentre per “The Shadow Line” subentra l’introspezione, dove ogni suono è ponderato e avvolto nella velina della storia passata, compresa quella dei Porcupine Tree primi anni 2000. Il pezzo maggiormente aggressivo s’intitola “Planning The Renaissance”, “Land Of The Wait” è una carezza all’anima, mentre la conclusiva “Over [You]” chiude il cerchio con “Dysrationalia”.
Il disco ha una durata cospicua che si aggira attorno ai sessantasette minuti, tuttavia non ci sono veri e propri momenti di stanca, almeno per chi ama questo genere che non smette mai di far pensare durante l’ascolto, in fondo la musica è anche questo. Intrigante. MS

Versione Inglese:

MERGING CLUSTER - Peak Of Ephemeral Light
Lizard Records
Genre: Neo Prog / Modern Post Prog
Support: cd - 2024

Rock over time has branched out in an impressive way, so much so that today it is very difficult to disentangle the sounds and names in which certain types of sounds, what we commonly call genres, are relegated. In the more symphonic side of Rock we know well that Progressive Rock made history through the use of keyboards, assisting the electric guitar until the 1960s, the undisputed protagonist of this music. Heavy Metal towards the end of the 1970s opened a new scenario, initially opposed to Prog, as was also the case with Punk, only to convoy weddedly with the success of Dream Theater into what we will officially call in the 1980s Progressive Metal. In the same period the classic Progressive Rock, slumbered in the late 1970s by the new fashions of disco, New Wave and precisely Punk, was resurrected; this revival took place thanks to bands such as Marillion, IQ and Pendragon in primis, and bore the name Neo Prog. If you want to learn more about it, I have written about it for arcane editions in a book called "Neo Prog – Storia E Discografia".
Landmarks for this stylnovo are Camel, Genesis, and Pink Floyd. Now I ask you, is it possible to merge Metal with Neo Prog? Of course it is, then the result may not please everyone, but it is certainly part of the natural evolution of music with artists who just love to play it, without restrictive stakes.
This is how the Tuscan band Merging Cluster, which was founded as far back as 2010, works. The proposed genre varies through arpeggios and riffs in the style of Queensryche (another fundamental band for Metal Prog), to classic Neo Prog, a combination certainly fascinating for those who like me want from music to be amazed, but always with melody in the cathedra, in simple words not through a boorish experimenting with complex sounds or compositions without head or tail. At the end of listening in the head must always remain something pleasant. The band consists of Gabriele Marconcini (Biofonia, Raven Sad) on vocals, Marco Casalini (Trigono, Profilo, Underskin) on drums, Roberto Manzani on bass, Gianfilippo Innocenti (Chaos Venture) on guitar and Emiliano Galli (Esterhazy, Bifonia) on keyboards.
We could call "Peak Of Ephemeral Light" their debut record, although in fact this sees light in ep format as early as 2014, it takes care of the attentive Lizard Records to give new life to this work.
The ten-plus minutes of "Dysrationalia" immediately plunges the listener into the softer terrain of Queensryche. An optimal search for arrangements brings out the vocal qualities of Marconcini and of the composition in a general sense, where keyboards take center stage at times as does Innocenti's guitar, which engages in gritty riffs and thoughtful solos. The progression is highly harmonic.
"Peak Of Ephemeral Light" delves into a mixed path between Neo Prog and Metal Prog, for a result that is meticulous in its details. In this case good rhythmic bass and drum work and when the electric guitar launches, it is chills on the skin. Among the best tracks I emphasize "Subjective Doubles Syndrome" because here Merging Cluster dares more, coming even closer to Marillion period Fish (for the singing) and IQ for the music.
With "Gift Undeserved" the discourse is similar to the first track, while for "The Shadow Line" introspection takes over, where every sound is thoughtful and wrapped in the tissue of past history, including that of early 2000s Porcupine Tree. The most aggressive track is titled "Planning The Renaissance", "Land Of The Wait" is a caress to the soul, while the concluding "Over [You]" closes the circle with "Dysrationalia".
The album is conspicuous in length at around sixty-seven minutes, yet there are no real tired moments, at least for those who love this genre that never stops making you think while listening, after all, that is what music is all about. Intriguing. MS

 

Nagual

NAGUAL - And Once The Storm Is Over…
Orzorock Music
Genere: Hard Rock / Grunge
Supporto: cd / vinile / Digital

Il buon vecchio Hard Rock non tradisce mai, e fa piacere anche nei nostri tempi, incontrare band che si dedicano a questo tipo di sonorità, come segno di continuità dopo mezzo secolo di sopravvivenza.
In Italia, uno dei nomi più ricorrenti è quello dei Nagual, formazione proveniente dalla provincia di Piacenza e attiva dal 2006. Rilasciano nel tempo sette album e oggi ritornano con “And Once The Storm Is Over…”.
Dopo diversi cambi di line up nel percorso della loro esistenza, i Nagual oggi sono un sestetto composto da Luca Sabia (voce e chitarra), Davide Belfiglio (chitarra), Giulio Armanetti (basso), Claudio Bianchi (batteria), G. Fabrizio Defacqz (tastiere e voce), e Sara Battisteri (voce).
Il Nagual è uno spirito guida, secondo la mitologia azteca è uno spirito totemico, il nome si adatta perfettamente anche alla causa Rock, la band infatti ci conduce come un Cicerone verso un viaggio nella musica Hard Rock, quella fondamentale che ci hanno tramandato bands come Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath e molte altre ancora. Tuttavia il loro sound è contaminato anche dal genere Grunge.
Quindi di acqua sotto i ponti ne è passata dopo la nascita del progetto, questo fa intendere una preparazione e un’esperienza alle spalle notevole, dettata soprattutto dalle numerose date live e dalla passione primordiale di esibirsi in cover di gruppi storici, tutto questo forgia la band e la compatta in tutti i reparti rendendola un’unica macchina da guerra. “And Once The Storm Is Over…” si presenta con otto brani a iniziare proprio dalla breve title track che funge da intro.
“Going Nowhere” presenta il loro modo d’intendere odierno di questo stile, sporcato anche da una pennellata di Punk. Le chitarre si lanciano in brevi assolo al fulmicotone, ma di base è il motivo orecchiabile a predominare sull’ascolto. Ottima la prova vocale di Sabia. “Fading Away” è il lato più delicato del sound, una ballata vigorosa oltre che di classe impreziosita dalle coralità di Battisteri. “Too Far Gone!” è ruffiana al punto giusto, come un gatto che ti si sfrega sulle gambe e che riesce a comprarti in un attimo. La ritmica è pulita, l’accoppiata Armanetti/Bianchi lavora all’unisono mentre le tastiere in stile AOR, riempiono il suono rendendolo maggiormente accattivante. Ci si può scatenare in “Life Kills You”, canzone perfetta per le esibizioni dal vivo con un riff irresistibile. Fra i brani che maggiormente ho apprezzato, nomino “Where Memories Are Blind”, vuoi per quel sentore vintage, ma anche per una maggiore cura di passaggi intriganti e poi… La chitarra…
Pieno di energia con “Wildfire”, qui sono gli anni ’80 a palesarsi, mentre la conclusiva “Waterwall” con i sei minuti abbondanti mostra le dote strumentali dei componenti fra cambi di tempo e delicati interventi vocali.
Questa musica porta il testimone di un indelebile passato che mai dovremmo dimenticare, ma i Nagual lo fanno con personalità attraverso uno sguardo al suono moderno, ciò porta freschezza all’insieme che defluisce con estremo piacere. Un disco da ascoltare in tutti i luoghi, specialmente in auto durante un bel viaggio. MS

Versione Inglese: 

NAGUAL - And Once The Storm Is Over...
Orzorock Music
Genre: Hard Rock / Grunge
Support: cd / vinyl / Digital

Good old Hard Rock never betrays, and it is a pleasure, even in our times, to meet bands dedicated to this kind of sound, as a sign of continuity after half a century of survival.
In Italy, one of the most recurring names is Nagual, a formation from the province of Piacenza and active since 2006. They release seven albums over time and today they return with "And Once The Storm Is Over...."
After several lineup changes in the path of their existence, Nagual today is a sextet composed of Luca Sabia (vocals and guitar), Davide Belfiglio (guitar), Giulio Armanetti (bass), Claudio Bianchi (drums), G. Fabrizio Defacqz (keyboards and vocals), and Sara Battisteri (vocals).
Nagual is a spirit guide, according to Aztec mythology it is a totemic spirit, the name also fits perfectly with the Rock cause, the band in fact leads us like a Cicerone to a journey in Hard Rock music, the fundamental one that bands like Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath and many others have handed down to us. However, their sound is also contaminated by the Grunge genre.
So water under the bridge has passed since the birth of the project, this suggests considerable preparation and experience behind it, dictated mainly by the numerous live dates and the primordial passion to perform covers of historical bands, all of which forges the band and compacts it in all departments making it a unique war machine. "And Once The Storm Is Over..." features eight tracks starting with the very short title track that serves as the intro.
"Going Nowhere" presents their present-day understanding of this style, also soiled with a brushstroke of Punk. The guitars launch into short, lightning-fast solos, but basically it is the catchy tune that dominates the listening. Sabia's vocal performance is excellent. "Fading Away" is the gentler side of the sound, a vigorous as well as classy ballad enhanced by Battisteri's choruses. "Too Far Gone!" is pandering to the point, like a cat rubbing up against your legs that can buy you in a heartbeat. The rhythm is clean, the Armanetti/Bianchi pairing working in unison while the AOR-style keyboards, fill out the sound making it more catchy. One can go wild in "Life Kills You", a song perfect for live performances with an irresistible riff. Among the tracks I enjoyed the most, I nominate "Where Memories Are Blind", either for that vintage hint, but also for more care in intriguing passages and then... The guitar...
Full of energy with "Wildfire", here it is the 80s that become apparent, while the concluding "Waterwall" with its abundant six minutes shows the instrumental talents of the components between tempo changes and delicate vocal interventions.
This music bears the witness of an indelible past that we should never forget, but Nagual do it with personality through a look at the modern sound, this brings freshness to the whole that flows with extreme pleasure. A record to listen to in all places, especially in the car on a good trip. MS

 

  

Mac/Corlevich

MAC/CORLEVICH – Rain Or Shine
Autoproduzione / XO La factory / Peyote Creativity Contamination System
Distribuzione: The Orchard Direct
Genere: Alternative Folk
Supporto: cd/lp/digital – 2024

Spesso capita che certi connubi artistici portino alla realizzazione di lavori affascinanti. Non sempre mondi distanti messi assieme sono necessariamente incongruenti, anzi, nuove soluzioni specie in ambito musicale sono bene accette, atte a portare una ventata di aria fresca se non addirittura a scoprire nuovi punti di riferimento.
Anche in Italia siamo favorevoli a certi innesti, certamente ogni artista ha un proprio background culturale spesso riconducibile a un passato con cui è cresciuto musicalmente, come nel caso di questo debutto veronese per opera di Cristiano Mecchi (voce) e Davide Corlevich (chitarra) denominato Mac/Corlevich. Due differenti sensibilità, una legata al Folk chitarristico con tanto di fingerpicking e l’altra prossima al contesto americano della prima metà degli anni ’90, portano a creare un genere alternativo consigliato agli amanti di Mark Lanegan, Johnny Cash, Chris Cornell, Gram Parson e John Moreland.
L’album è costituito di dieci brani non di lunga durata, la media per ognuno si aggira attorno ai tre minuti, tutto ciò a manifestare l’intenzione del duo di badare al sodo. L’idea è giusta, tanto che l’insieme acquista in fluidità, a partire da “Machines”, una composizione che potrebbe benissimo risiedere nella discografia di Simon & Garfunkel, dove gli anni ’60 e ’70 la fanno da padrona. Leggerezza e riflessione lasciano adito a un imminente volo pindarico che avviene in “A Place Called Home”. La bella voce di Mecchi (NeXus, 3tons, Poseydon, Supergonzo e Oui The North) ben si sposa con il suono caldo della chitarra per tutto l’arco del viaggio.
“Farewell Kisses” tratta di un imminente addio che conduce a cercare nuove opportunità, lasciando adito anche alle incertezze e alle paure. Si è al cospetto di una ballata con sfondo malinconico impreziosita da coralità e fischio d’accompagnamento.
Un raggio di sole appare in “Rain Or Shine”, ballata Folk orecchiabile e trascinante dove un moderno Bob Dylan fa una breve apparizione. Le dita volano leggere fra le corde in un arpeggio semplice ma non banale.
Non si resta indifferenti all’ascolto di “The Slowest Candle”, qui l’America è nella mente in un intreccio di emozioni rassicuranti e quando subentrano per la prima volta la batteria e il basso, tutto assume un significato profondo. “The Porch Song” è uno strumentale con accordatura aperta, un solo di chitarra che s’impegna in una descrizione paesaggistica ad ampio spettro. Un brano che fa davvero stare bene.
Segue un omaggio a Chris Cornell con “Let Your Eyes Wander” per poi gettarsi nuovamente nell’intimo, nella bellezza, e nell’autenticità di “Something Beautiful”. “A New Tomorrow” è un inno alla meraviglia, ispirato da una scena reale e da riflessioni esistenziali. L’interpretazione è sentita e perfetta narratrice. La chiusura spetta a “Adore The Sun”, ed è autunno.
“Rain Or Shine” è un debutto soffice, dove l’anima viene messa a nudo in pasto all’ascoltatore al quale auguro un sincero buon appetito! MS

ASCOLTO: https://maccorlevich.bandcamp.com/

Versione Inglese: 

MAC/CORLEVICH - Rain Or Shine
Self-production / XO La factory / Peyote Creativity Contamination System
Distribution: The Orchard Direct
Genre: Alternative Folk
Support: cd/lp/digital - 2024

It often happens that certain artistic combinations lead to the creation of fascinating works. Not always distant worlds put together are necessarily incongruent, on the contrary, new solutions especially in music are welcome, apt to bring a breath of fresh air if not even to discover new points of reference.
Even in Italy we are in favor of certain grafts, certainly each artist has his own cultural background often traceable to a past with which he grew up musically, as in the case of this Verona debut by Cristiano Mecchi (vocals) and Davide Corlevich (guitar) called Mac/Corlevich. Two different sensibilities, one related to guitar-driven Folk with lots of fingerpicking and the other close to the American context of the first half of the 1990s, lead to the creation of an alternative genre recommended for lovers of Mark Lanegan, Johnny Cash, Chris Cornell, Gram Parson and John Moreland.
The album consists of ten tracks that are not long in duration, the average for each being around three minutes, all of which manifests the duo's intention to mind their business. The idea is right, so much so that the whole gains in fluidity, starting with "Machines", a composition that could well reside in Simon & Garfunkel's discography, where the '60s and '70s hold sway. Lightness and reflection give way to an imminent pindaric flight that occurs in "A Place Called Home". Mecchi's (NeXus, 3tons, Poseydon, Supergonzo, and Oui The North) beautiful vocals blend well with the warm guitar sound throughout.
"Farewell Kisses" deals with an impending farewell that leads to seeking new opportunities, while also leaving room for uncertainties and fears. One is in the presence of a ballad with a melancholy backdrop embellished with accompanying chorus and whistle.
A ray of sunshine appears in "Rain Or Shine", a catchy and driving Folk ballad where a modern Bob Dylan makes a brief appearance. Fingers fly lightly between the strings in a simple but not trite arpeggio.
One is not left unmoved when listening to "The Slowest Candle", here America is in the mind in an interweaving of soothing emotions, and when the drums and bass take over for the first time, everything takes on deep meaning. "The Porch Song" is an instrumental with open tuning, a guitar solo that engages in wide-ranging landscape description. A track that really makes you feel good.
A tribute to Chris Cornell follows with "Let Your Eyes Wander" and then we throw ourselves back into the intimacy, beauty, and authenticity of "Something Beautiful". "A New Tomorrow" is an ode to wonder, inspired by a real-life scene and existential reflections. The performance is heartfelt and perfect storytelling. Closure falls to "Adore The Sun", and it's autumn.
"Rain Or Shine" is a soft debut, where the soul is laid bare for the listener to whom I wish a sincere good appetite! MS

 

 

 

Riccardo Zappa

RICCARDO ZAPPA – Gabri Flies To Italy
Micio Poldo Edizioni Musicali
Distribuzione: G.T. Music Distribution
Genere: Virtuoso chitarra
Supporto: cd – 2024

Il nome di Riccardo Zappa nell’ambito musicale è rinomato, un chitarrista che nel tempo si è saputo ritagliare un posto d’onore grazie alle numerose collaborazioni e una discografia invidiabile di oltre venti dischi in studio.
La carriera è ricca di sperimentazione, iniziando dalla chitarra a dodici corde passando per la musica classica ed elettronica, pur restando fedele al mondo della canzone. Allievo di Miguel Ablóniz muove i primi passi nel 1969 con Fiorella Mannoia e il brano “Le Ciliegie”. Il primo album solista risale al 1974 intitolato “Aulehla & Zappa”, segue il tour con Eros Ramazzotti nel 1985, oltre collaborazioni con artisti del calibro di Antonello Venditti, Eugenio Finardi, Mia Martini, Mina, Giorgio Gaber e Gino Paoli. Secondo un referendum indetto dalla rivista Guitar Club, Riccardo Zappa è risultato il migliore chitarrista acustico italiano per cinque anni consecutivi, dopodiché è stato dichiarato non più votabile. Viene da se un nutrito palmares di riconoscimenti pubblici. Questo in grandi linee è Riccardo Zappa, chitarrista considerevole dalle alte qualità tecniche e con un gusto per la composizione altamente spiccato.
L’accurato lavoro di Vannuccio Zanella e di Antonino Destra porta oggi Zappa a realizzare “Gabri Flies To Italy”, disco di sette brani dedicati al fratello Gabriele contenuti in un artwork per opera di Ondemedie. Le belle fotografie interne di Marina Capaldi mostrano l’artista con la sua chitarra e il mare, esatta trasposizione di quello che poi si andrà ad ascoltare. Nel disco si apprezza il ritorno di Zappa alle sei e dodici corde. Assieme a lui partecipano ai cori Roberta Frighi, Simona Santia, Ennio Zanini e Nicola Gargaglia, oltre a Stefano Franzoni (primo mandolino), Anna Morelli (secondo mandolino), Enrico Melli (mandola tenore), Edoardo Farina (mandoloncello), e all’Orchestra Plettro Guido Neri di Ferrara.
Il primo brano è proprio la title track dell’album, una suite di diciannove minuti dove le corde strumentali rilasciano suoni estesi, che si alternano a istanti pieni di patos. La cura per i suoni impreziosisce l’ascolto, specialmente durante gli arrangiamenti elettronici, una vera e propria colonna sonora per lande estese, dove la solarità riscalda lo stato d’animo.
La tecnica espressa durante l’esibizione fa da supporto alla melodia e non la sostituisce mai, i cambi di ritmo poi non sono altro che una staffetta emotiva per un ascolto continuo senza momenti di stanca. L’uso delle coralità rimanda la memoria agli anni ’70, quando un certo Ennio Morricone si dilettava in piccole gemme sonore. Malinconia e delicatezza avvolgono l’ambiente a noi circostante.
Una tela piena di colori tenui è affrescata in “Harmonios” grazie al quartetto di mandolini, i quali donano all’insieme tanta mediterraneità legata alla storia antica della nostra tradizione musicale.
“Sanvalentiniana” traspira amore in un giro armonico che sembra essere ragionato a ogni tocco delle corde. Quando il ritmo subentra, tutto vive di luce propria.
Un salto nel tempo a ritroso con “Inno”, un movimento classico in cui la personalità prende le redini del gioco. Qui Zappa dimostra a pieno le capacità sia tecniche sia compositive con maestria.
“Suonami Una Nota” dona vigore all’ascolto alzandone i toni pur avendo di base un folclore atavico dal quale risulta difficile distaccarsi, in fondo queste sonorità tutti noi le abbiamo incastonate nel DNA. In “Nimaster Ego” ritornano le coralità e l’elettronica, in un gioco fra dissolvenza ed echi che fanno da sfondo al suono della chitarra. La breve “L’Attesa” chiude l’album in maniera acustica e sentita, uno dei momenti emotivamente più alti dell’insieme.
Riccardo Zappa riesce a far parlare le mani con garbo e sensibilità, senza mai alzare i toni più del necessario, a testimonianza di una maturità artistica solida acquisita nel tempo. Questi sono artisti di cui andare orgogliosi, guai ignorarli, soprattutto oggi in un momento in cui l’arte si è drasticamente miscelata al qualunquismo approssimativo e becero. Concedetevi una coccola con “Gabri Flies To Italy”, e non sorprendetevi se vi scenderà anche qualche lacrima. MS 

Versione Inglese:

RICCARDO ZAPPA - Gabri Flies To Italy
Micio Poldo Music Editions
Distribution: G.T. Music Distribution
Genre: Virtuoso guitar
Support: cd - 2024

Riccardo Zappa's name in the music business is renowned, a guitarist who has carved out a place of honor over time thanks to numerous collaborations and an enviable discography of over twenty studio records.
His career is rich in experimentation, starting with twelve-string guitar and moving through classical and electronic music, while remaining faithful to the world of song. A student of Miguel Ablóniz he took his first steps in 1969 with Fiorella Mannoia and the song "Le Ciliegie". His first solo album was in 1974 entitled "Aulehla & Zappa", followed by a tour with Eros Ramazzotti in 1985, as well as collaborations with the likes of Antonello Venditti, Eugenio Finardi, Mia Martini, Mina, Giorgio Gaber and Gino Paoli. According to a referendum held by Guitar Club magazine, Riccardo Zappa was the best Italian acoustic guitarist for five consecutive years, after which he was declared no longer eligible to vote. A large palmares of public recognition comes with it. This in broad strokes is Riccardo Zappa, a considerable guitarist with high technical qualities and a highly marked taste for composition.
The painstaking work of Vannuccio Zanella and Antonino Destra now leads Zappa to release "Gabri Flies To Italy", an album of seven tracks dedicated to his brother Gabriele contained in artwork by Ondemedie. The beautiful interior photographs by Marina Capaldi show the artist with his guitar and the sea, an exact transposition of what you will later hear. Zappa's return to the six and twelve strings is appreciated on the disc. Joining him on the choruses are Roberta Frighi, Simona Santia, Ennio Zanini, and Nicola Gargaglia, as well as Stefano Franzoni (first mandolin), Anna Morelli (second mandolin), Enrico Melli (tenor mandola), Edoardo Farina (mandoloncello), and the Guido Neri Plectrum Orchestra of Ferrara.
The first track is precisely the album's title track, a nineteen-minute suite where the instrumental strings release extended sounds, alternating with moments full of pathos. The care for sounds embellishes the listening, especially during the electronic arrangements, a real soundtrack for extended moors, where the sunshine warms the mood.
The technique expressed during the performance acts as a support to the melody and never replaces it, the changes of rhythm then are nothing more than an emotional relay for continuous listening without moments of fatigue. The use of chorality harkens back to the 1970s, when a certain Ennio Morricone delighted in little sound gems. Melancholy and delicacy envelop the environment around us.
A canvas full of soft colors is frescoed in "Harmonios" thanks to the quartet of mandolins, which give the ensemble so much Mediterranean-ness linked to the ancient history of our musical tradition.
"Sanvalentiniana" breathes love in a harmonic turn that seems to be reasoned with every touch of the strings. When the rhythm takes over, everything lives by its own light.
Flash back in time with "Inno", a classic movement in which personality takes the reins. Here Zappa fully demonstrates both technical and compositional skills with mastery.
"Suonami Una Nota" lends vigor to the listening experience by raising the tones while having an atavistic folklore base from which it is difficult to detach, after all, these sounds we all have embedded in our DNA. In "Nimaster Ego" the chorality and electronics return, in a play between fading and echoes that serve as a backdrop for the guitar sound. The short "L'Attesa" closes the album in an acoustic and heartfelt way, one of the highest emotional moments of the whole.
Riccardo Zappa manages to let his hands speak with grace and sensitivity, never raising the tone more than necessary, a testament to a solid artistic maturity acquired over time. These are artists to be proud of, woe ignore them, especially today at a time when art has been drastically mixed with sloppy, boorish qualunquism. Treat yourself to a cuddle with "Gabri Flies To Italy", and don't be surprised if a few tears drop as well. MS