Il ritorno de Il Giardino Dei Semplici

 

Bianco e nero: il ritorno dell’album di culto del Neapolitan Power

 
La Warner Music Italy ha rilanciato un importante disco de Il Giardino dei Semplici, che ha fatto la storia della musica napoletana d’avanguardia dei primi anni ottanta: "B/N (Bianco E Nero)".
L’album è stato ripubblicato in vinile bianco, ed è stato parallelamente reso disponibile in digitale, rimasterizzato a 24 bit. Non è comunque il suo primo revival discografico: già sul finire degli anni novanta, aveva beneficiato di una lussuosa reissue in CD, mirata al mercato giapponese.
Originariamente immesso sul mercato dalla WEA Italiana il 27 settembre 1979, il disco si rivelò subito come una pietra miliare del Neapolitan/Napule’s Power, capace di catalizzare, a livello nazionale, l’attenzione sull’intero movimento. Precedette di sei mesi il terzo album di Pino Daniele, Nero a metà.
Per questo lavoro, il Giardino dei Semplici si avvalse della produzione di Claudio Cavallaro e degli arrangiamenti del maestro Vince Tempera. I brani inediti erano scritti da Gianni Averardi (testi) e Gianfranco Caliendo (musiche), i due fondatori della band. La lineup del gruppo, all’epoca, era: Gianfranco Caliendo (voce solista, chitarre), Luciano Liguori (voce solista, basso), Andrea Arcella (tastiere, cori), Gianni Averardi (batteria, percussioni, cori).
Cantato interamente in vernacolo partenopeo, il disco era una miscela esplosiva di pop, rock, disco e funk, e raccontava di una Napoli che oscillava tra splendore e oscurità, condannata a vivere sospesa tra meraviglia e malinconia, ma anche capace di rivendicare se stessa e combattere.
L’album entrò, dopo diversi mesi, nella Top 20 della classifica di TV Sorrisi e Canzoni, e vendette circa 100.000 copie. Il brano Silvie divenne, a sorpresa, un grande successo nei paesi scandinavi, e fu persino reinterpretato dalla popstar finlandese Katri Helena.
Nel 1980, il Giardino dei Semplici si imbarcò in un lungo e spettacolare tour teatrale, vestendo caratteristici costumi bianconeri e presentando sul palco un’enorme maschera di Pulcinella, dotata di occhi “laser” rotanti, che sovrastava una riproduzione del Vesuvio. La conclusione della fortunata tournée fu sancita da tre consecutivi concerti sold out al Palapartenope di Napoli. La band ebbe modo di promozionare l’album anche nell’ambito del Cantagiro, a quel tempo trasmesso dalla Rai, in uno stadio San Paolo invaso da una vastissima folla di spettatori.
Come ha raccontato Gianfranco Caliendo, iconico frontman del complesso dal 1974 al 2012, a Rolling Stone Italia e all’autore Stefano Di Trapani, in un’intervista recente: “Il bianco e nero rappresenta sinteticamente le contraddizioni della nostra città. Il bianco è quello della nostra storia, della nostra cultura, del nostro patrimonio musicale, della nostra generosità, della nostra creatività. Il nero è quello che leggiamo sui giornali tutti i giorni, il nero è la camorra, la strafottenza e l’indifferenza. Nella canzone Pulcinella va…, ad esempio, Pulcinella va in giro per la città per svegliare le coscienze della gente, per invogliarla a ribellarsi e ad accorgersi di ciò che succede intorno”. Il musicista ha ripercorso la genesi e la storia dell’album nel suo libro autobiografico, Memorie di un Capellone – Luci ed ombre di un successo anni 70, edito dalla IacobelliEditore, con prefazione di Giorgio Verdelli.

 
 
Vinile:
https://shop.warnermusic.it/products/b-n-vinile-bianco-edizione-limitata
 
Spotify:
https://open.spotify.com/intl-it/album/1QG3wjE9QMmowBCQvEtzTf
 
 
Qobuz - remaster a 24 bit:
https://play.qobuz.com/album/g489hwjfhmp9b

 

L'Ombra Della Sera

L’OMBRA DELLA SERA – Segreti In Nero
Black Widow Records
Genere: Dark Progressive Rock
Supporto: 2LP / CD / Digital – 2026

Sono già passati quattordici anni dall'affascinante debutto omonimo del supergruppo L’Ombra Della Sera, formato da Fabio Zuffanti (Finisterre, Höstsonaten, "La Curva Di Lesmo", "La Maschera Di Cera", ecc.) al basso, Andrea Orlando alla batteria e Agostino Macor alle tastiere e orchestrazioni. Questa volta la squadra si amplia con esponenti di spicco del mondo del Progressive Rock italiano, come il cantante e tastierista Alessandro Corvaglia ("La Maschera Di Cera", "Delirium", Höstsonaten, ecc.) e Martin Grice ("Fabio Zuffanti Band", "Delirium", ecc.) al sax e al flauto.
Trattasi dunque di Rock Progressivo, e ben sappiamo che il genere ha vissuto il massimo dello splendore nei primi anni ’70, quando la "giovane mamma RAI" mandava in onda i classici sceneggiati a puntate che tenevano incollate le famiglie davanti alla televisione. Immaginiamo ora questi due contesti intersecarsi fra loro, un genere musicale articolato che si approccia a decantare le gesta dei più famosi programmi dell'epoca; di certo l’insieme assume un fascino assolutamente unico nel panorama musicale. Questi spettacoli in bianco e nero trattavano argomenti che variavano dall’horror al noir, passando per l’esoterismo, i misteri e la fantascienza, ecco quindi che la fantasia del Prog Rock ben si sposa con il contesto.
L’idea viene sviluppata dai L’Ombra Della Sera, che non a caso hanno scelto il proprio nome estrapolandolo da uno dei telefilm più noti di quegli anni. Tutto questo viene rivisitato con uno sguardo adulto, frutto della consapevolezza e dell'esperienza odierne, rilasciando canzoni che ben descrivono le atmosfere di quei piccoli capolavori. Qualche nome? "Gamma" (1975), "Ritratto Di Donna Velata" (1975), "Il Segno Del Comando" (1971), "La Traccia Verde" (1975), "L’Amaro Caso Della Baronessa Di Carini" (1975), "A Come Andromeda" (1972) e altre ancora.
L'album non è solo una raccolta di cover, ma una reinterpretazione in chiave Prog/Psych delle colonne sonore di celebri sceneggiati "del brivido" dove l'obiettivo è proprio quello di ricreare quel senso di mistero e sottile angoscia che caratterizzava la TV italiana di quegli anni. Il gruppo utilizza strumentazione vintage proprio per mantenere l'autenticità del suono dell'epoca, con strumenti come Mellotron, Minimoog, organo Hammond e Fender Rhodes. I temi originali sono stati quindi rielaborati e arricchiti di nuove atmosfere, con un'impronta culturale dettata da band come Van Der Graaf Generator, King Crimson, Genesis e altri maestri di allora.
La prima cover è "Albert E L'uomo Nero", andato in onda sulla RAI nel 1976 (precisamente in tre puntate). La storia ruota attorno ad Albert, un bambino di circa dieci anni che vive in una villa isolata con il padre e la matrigna. È un ragazzino solitario, appassionato di disegno, che inizia a sostenere di vedere un misterioso "Uomo Nero" aggirarsi per la casa e il giardino. Lo sceneggiato esplora il tema del divario tra il mondo degli adulti (razionale, freddo) e quello dei bambini (fatto di simboli e paure ancestrali). La regia di Dino Partesano puntava molto sui silenzi, sulle inquadrature lunghe e su una fotografia cupa. La musica richiama quelle nenie create ad arte da band come i Goblin. Splendido il lavoro di Martin Grice al flauto e al sax!
Sobbalzi al cuore durante l’ascolto di "Gamma", uno dei sceneggiati più importanti di sempre, con una colonna sonora leggendaria di Enrico Simonetti (padre di Claudio dei Goblin). Qui Agostino Macor (tastiere e orchestrazioni) interpreta il tema legato a Jean Delay, giovane al quale viene effettuato un rivoluzionario trapianto di cervello.
"Ritratto Di Donna Velata" è un capolavoro del gotico archeologico ambientato in una Toscana nebbiosa e misteriosa (principalmente tra Volterra e Firenze), dove il passato etrusco sembra non voler restare sepolto. È lo sceneggiato che ha trasformato le urne cinerarie e le necropoli in oggetti da incubo per un'intera generazione. Anche qui le melodie originali vengono esaltate dalle tastiere e da un'orchestrazione di base assolutamente indovinata. Indelebile il refrain malinconico che ha sempre contraddistinto il brano.
Si passa poi a "Fantastic Fly" ("Racconti Fantastici"), uno dei momenti più sperimentali e visivamente bizzarri della TV italiana, tratta dai racconti di Edgar Allan Poe. La sigla (eseguita allora dagli Steps) divenne un vero tormentone. Con il suo ritmo disco-elettronico e quel fischio ipnotico, creava un contrasto stridente e affascinante con le atmosfere macabre di Poe.
Altra leggenda è "A Come Andromeda": qui entriamo nel territorio della fantascienza pura, quella "adulta" e filosofica che ha tenuto l'Italia col fiato sospeso per cinque puntate. È il remake dell'omonimo originale della BBC scritto da Fred Hoyle e John Elliot, ma la versione italiana diretta da Vittorio Cottafavi è diventata, se possibile, ancora più iconica. Un radiotelescopio intercetta un segnale proveniente dalla costellazione di Andromeda, non è un semplice rumore, ma un flusso di dati binari. La musica composta da Mario Bertolazzi è un altro pezzo di storia. Quel tema di flauto dolce, così bucolico e malinconico, contrastava violentemente con la freddezza del computer e del laboratorio, creando un senso di "nostalgia del futuro" assolutamente unico.
In "La Traccia Verde", giallo parapsicologico legato al mondo della botanica, la musica è di Berto Pisano, qui esaltata dai fiati di Martin.
A seguire, un classico senza tempo: "La Ballata Di Carini". Neogotico siciliano, lo sceneggiato è un incontro perfetto tra il giallo investigativo, il dramma storico ambientato nell’Ottocento e la leggenda popolare. La sigla è uno dei pilastri della memoria collettiva italiana. Composta da Romolo Grano e cantata da Gigi Proietti (nella versione della sigla finale), la ballata riprende i cantastorie siciliani. Qui Corvaglia si supera in un'interpretazione sentita e perfetta sotto ogni punto di vista.
Ma, musicalmente parlando, il centro di quest'opera è la suite di diciannove minuti "Le Venti Giornate Di Torino", ispirata a uno dei romanzi più inquietanti e profetici della letteratura italiana, scritto da Giorgio De Maria nel 1977. Qui il collettivo sonoro mostra le capacità acquisite, l'intesa e la professionalità, esaltando il nostrano Progressive Rock come non mai fra orchestrazioni e parti psichedeliche di grande impatto.
"Cento Campane" è il "Re" del gotico romano, tratto dal capolavoro "Il Segno Del Comando" e cantata allora da Lando Fiorini (e in una versione più orchestrale da Nico dei Gabbiani): un classico della musica italiana interpretato ancora una volta magistralmente da Alessandro Corvaglia. Il Mellotron dona all’insieme un fascino altamente personalizzato.
Chiude "A Blue Shadow", altro grande classico composto da Berto Pisano che faceva da sigla e da tema portante allo sceneggiato "Ho Incontrato Un'Ombra" (1974), diretto dal solito maestro Daniele D'Anza. Martin Grice sale nuovamente in cattedra e le atmosfere si tingono di giallo.
Ascoltando "Segreti In Nero" sono riaffiorati in me ricordi indelebili ed emozionanti, vista la mia veneranda età che mi ha permesso di viverli di persona. Già soltanto per questo dovrei dire grazie a L’Ombra Della Sera, ma devo necessariamente aggiungervi la capacità artistica di questi musicisti, che sono un vero e proprio bene prezioso per la musica italiana e non solo. Uno squarcio del patrimonio della nostra cultura, assolutamente da possedere. MS

Tratta dall'album "L'Ombra Della Sera" (2012) 

 

Versione Inglese: 

L’OMBRA DELLA SERA – Segreti In Nero
Black Widow Records
Genre: Dark Progressive Rock
Format: 2LP / CD / Digital – 2026

Fourteen years have already passed since the fascinating self-titled debut of the supergroup L’Ombra Della Sera, featuring Fabio Zuffanti (Finisterre, Höstsonaten, "La Curva Di Lesmo", "La Maschera Di Cera", etc.) on bass, Andrea Orlando on drums, and Agostino Macor on keyboards and orchestrations. This time, the team expands to include prominent figures from the world of Italian Progressive Rock, such as singer and keyboardist Alessandro Corvaglia ("La Maschera Di Cera", "Delirium", Höstsonaten, etc.) and Martin Grice ("Fabio Zuffanti Band", "Delirium", etc.) on sax and flute.
We are talking about Progressive Rock, a genre that saw its greatest splendor in the early '70s, when the "young mamma RAI" (Italy's national broadcaster) aired classic serialized dramas—known as sceneggiati—that kept families glued to their television sets. Imagine these two worlds intersecting: a complex musical genre approaching the task of celebrating the most famous programs of that era. The result carries a charm that is absolutely unique in the musical landscape. These black-and-white shows dealt with themes ranging from horror to noir, including esotericism, mystery, and science fiction; thus, the imagination of Prog Rock blends perfectly with this context.
The idea was developed by L’Ombra Della Sera, who—not by chance—chose their name by taking it from one of the most famous TV thrillers of those years. All of this is revisited through an adult lens, born from modern awareness and experience, releasing songs that perfectly describe the atmospheres of those small masterpieces. A few titles? "Gamma" (1975), "Ritratto Di Donna Velata" (1975), "Il Segno Del Comando" (1971), "La Traccia Verde" (1975), "L’Amaro Caso Della Baronessa Di Carini" (1975), "A Come Andromeda" (1972), and more.
The album is not just a collection of covers, but a Prog/Psych reinterpretation of the soundtracks from famous "thriller" sceneggiati. The goal is precisely to recreate that sense of mystery and subtle anguish that characterized Italian TV in those years. The group uses vintage instrumentation to maintain the authenticity of the era's sound, featuring instruments such as the Mellotron, Minimoog, Hammond organ, and Fender Rhodes. The original themes have been reworked and enriched with new atmospheres, with a cultural imprint influenced by bands like Van der Graaf Generator, King Crimson, Genesis, and other masters of the time.
The first cover is "Albert E L'uomo Nero", which aired on RAI in 1976 (in three episodes). The story revolves around Albert, a boy of about ten living in an isolated villa with his father and stepmother. He is a lonely child, passionate about drawing, who begins to claim he sees a mysterious "Bogeyman" (Uomo Nero) lurking around the house and garden. The drama explores the divide between the adult world (rational, cold) and the world of children (made of symbols and ancestral fears). Dino Partesano's direction focused heavily on silence, long shots, and somber photography. The music recalls those artfully crafted lullabies by bands like Goblin. Martin Grice's work on flute and sax is splendid!
A literal heartbeat skip occurs while listening to "Gamma", one of the most important sceneggiati ever, featuring a legendary soundtrack by Enrico Simonetti (father of Claudio from Goblin). Here, Agostino Macor (keyboards and orchestrations) interprets the theme related to Jean Delay, a young man who undergoes a revolutionary brain transplant.
"Ritratto Di Donna Velata" is a masterpiece of archaeological gothic set in a misty, mysterious Tuscany (mainly between Volterra and Florence), where the Etruscan past refuses to stay buried. It is the show that turned cinerary urns and necropolises into objects of nightmares for an entire generation. Here too, the original melodies are enhanced by keyboards and a perfectly executed foundational orchestration. The melancholic refrain that has always distinguished the piece remains indelible.
Next is "Fantastic Fly" ("Racconti Fantastici"), one of the most experimental and visually bizarre moments of Italian TV, based on the stories of Edgar Allan Poe. The theme song (originally performed by Steps) became a massive hit. With its disco-electronic rhythm and that hypnotic whistle, it created a striking and fascinating contrast with Poe's macabre atmospheres.
Another legend is "A Come Andromeda", where we enter the territory of pure science fiction—"adult" and philosophical sci-fi that kept Italy in suspense for five episodes. It is a remake of the BBC original written by Fred Hoyle and John Elliot, but the Italian version directed by Vittorio Cottafavi became, if possible, even more iconic. A radiotelescope intercepts a signal from the Andromeda constellation; it is not mere noise, but a stream of binary data. The music composed by Mario Bertolazzi is another piece of history. That recorder flute theme, so bucolic and melancholic, contrasted violently with the coldness of the computer and the lab, creating a completely unique sense of "future nostalgia."
In "La Traccia Verde", a parapsychological thriller linked to the world of botany, the music is by Berto Pisano, elevated here by Martin’s wind instruments. This is followed by a timeless classic: "La Ballata Di Carini". A Sicilian neo-gothic tale, the drama is a perfect encounter between the investigative mystery, the 19th-century historical drama, and folk legend. The theme song is a pillar of Italian collective memory. Composed by Romolo Grano and sung by Gigi Proietti (in the final credits version), the ballad echoes Sicilian folk storytellers; here, Corvaglia excels in a heartfelt and perfect interpretation.
Musically speaking, however, the heart of this work is the nineteen-minute suite "Le Venti Giornate Di Torino", inspired by one of the most unsettling and prophetic novels in Italian literature, written by Giorgio De Maria in 1977. Here, the sonic collective showcases their acquired skill, synergy, and professionalism, exalting Italian Progressive Rock like never before through orchestrations and high-impact psychedelic parts.
"Cento Campane" is the "King" of Roman Gothic, taken from the masterpiece "Il Segno Del Comando" and originally sung by Lando Fiorini (and in a more orchestral version by Nico dei Gabbiani). It is a classic of Italian music, masterfully interpreted once again by Alessandro Corvaglia. The Mellotron gives the ensemble a highly personalized charm.
Closing the album is "A Blue Shadow", another great classic composed by Berto Pisano that served as the theme for the sceneggiato "Ho Incontrato Un'Ombra" (1974), directed by the usual master Daniele D'Anza. Martin Grice takes center stage once again, and the atmosphere turns to shades of "giallo."
Listening to "Segreti In Nero", indelible and moving memories resurfaced in me, given my venerable age which allowed me to experience them firsthand. For this alone, I should thank L’Ombra Della Sera, but I must also add the artistic prowess of these musicians, who are a true treasure for Italian music and beyond. A glimpse into the heritage of Italian culture, absolutely essential to own. MS

 

 Tratta dall'album "L'Ombra Della Sera" (2012) 

Fabio Anile

FABIO ANILE - “Minutiae”
RareNoise Records
Genere: Avanguardia / Rock
Supporto: CD / LP / Bandcamp - 2026

Fin dalla metà degli anni Novanta, il musicista e pianista siciliano Fabio Anile, trapiantato a Roma, è parte integrante del collettivo Chain Tape Collective, un gruppo di musicisti fondato verso la fine degli anni ’90 da Michael Klobuchar. In questo contesto, operando in modalità autonoma e volontaria, artisti provenienti da Europa e Stati Uniti collaborano alla realizzazione di numerosi dischi a tema ambientale. Anile ha partecipato al progetto con EnoLogica e, successivamente, attraverso la Looper’s Delight Community.
Questa esperienza gli ha permesso di entrare in contatto con numerosi artisti, tra cui il chitarrista sperimentale tedesco Michael Peters, Bernhard Wagner dei Sonar, Stephan Thelen, il batterista Agostino Marangolo (Goblin) e il contrabbassista Keith Lowe. Questi ultimi figurano anche nel disco di debutto solista che andiamo ad analizzare, intitolato “Minutiae”. Al progetto partecipano inoltre ospiti del calibro di Samuel Hällkvist (chitarra), Michael Peters (chitarra), Stephan Thelen (chitarra), Bernhard Wagner (chitarra), Jon Durant (chitarra) e Fabio Trentini (basso).
La proposta musicale si muove tra Rock e Avanguardia, in un equilibrio tra lirismo melodico italiano e minimalismo americano, il tutto è sorretto da una tematica riflessiva sul tempo nelle sue molteplici dimensioni e nel suo rapporto con la forma e la pratica musicale.
L’incipit di “Compás” mette in evidenza un approccio melodico al classicismo ponderato ed essenziale, dove il crescendo sonoro rappresenta la chiave di volta della composizione. Risulta fondamentale l’apporto degli archi e del contrabbasso, che conferiscono calore al brano in un omaggio all’unità ritmica della musica flamenca. Marangolo guida l’ensemble con maestria attraverso una ritmica spezzata che affonda le radici nel Jazz-Rock praticato al fianco di artisti come Napoli Centrale, Goblin e Perigeo.
“Dance”, già presentata in una versione per percussioni intonate con il Mannheimer Schlagwerk diretto dal Maestro Dennis Kuhn, esalta lo stile percussivo di Steve Reich, accostando la composizione a quella "cellula impazzita" degli anni ’80 chiamata King Crimson.
Fabio Anile non è il classico pianista dedito al virtuosismo tecnico fine a se stesso, la sua ricerca è interamente rivolta al suono "puro", al valore del silenzio e all'emozione raccolta. La toccante “Foglie Morte” ne è la cartina di tornasole: uno splendido esempio di cura del dettaglio.
“Mysterious Counterpoint” apre con pianoforte e contrabbasso un loop sonoro incessante in cui perdersi o restare ipnotizzati. Qui, ricerca e sperimentazione sono poste interamente al servizio della mente.
Personalmente, resto ammaliato dalla bellezza nostalgica di “More Than 12” e dal suo incedere Progressive Rock, che esalta la tecnica individuale dei singoli componenti. È il momento più marcatamente Rock ed elettrico dell’ensemble, una vera gemma sonora.
“Planet Nine (Orbits)” vede la partecipazione di Trentini al basso e richiama le atmosfere degli svizzeri Sonar, con le chitarre che prendono progressivamente il sopravvento.
I dieci minuti finali sono affidati a “Shifting Trains”, un brano con cui si vola nuovamente verso orizzonti cinematografici, va sans dire.
Molto bello ed elegante l’artwork di Petulia Mattioli, capace di rendere giustizia a una musica che, con pochi tocchi, sa entrare nell’anima scavando nei ricordi e nelle immagini temporali di ognuno di noi. Un disco di questo spessore è rigenerante per il corpo e per la mente. MS

Ascolto bandcamp: https://fabioanile.bandcamp.com/album/minutiae-3

Versione Inglese: 

FABIO ANILE – “Minutiae”
RareNoise Records
Genre: Avant-garde / Rock
Format: CD / LP / Bandcamp - 2026

Since the mid-nineties, the Sicilian musician and pianist Fabio Anile, now based in Rome, has been an integral part of the Chain Tape Collective, a group of musicians founded toward the end of the 90s by Michael Klobuchar. Within this framework, operating autonomously and voluntarily, artists from Europe and the United States collaborate on numerous ambient-themed albums. Anile contributed to the project with EnoLogica and, subsequently, through the Looper’s Delight Community.
This experience allowed him to connect with numerous artists, including German experimental guitarist Michael Peters, Bernhard Wagner of Sonar, Stephan Thelen, drummer Agostino Marangolo (Goblin), and bassist Keith Lowe. The latter two also feature on the solo debut album we are analyzing, titled “Minutiae”. The project further includes high-caliber guests such as Samuel Hällkvist (guitar), Michael Peters (guitar), Stephan Thelen (guitar), Bernhard Wagner (guitar), Jon Durant (guitar), and Fabio Trentini (bass).
The musical offering moves between Rock and Avant-garde, balancing Italian melodic lyricism with American minimalism; the entire work is underpinned by a reflective theme on time in its multiple dimensions and its relationship with musical form and practice.
The opening of “Compás” highlights a thoughtful and essential melodic approach to classicism, where the sonic crescendo serves as the composition's cornerstone. The contribution of the strings and double bass is fundamental, lending warmth to the piece in an homage to the rhythmic unity of flamenco music. Marangolo masterfully leads the ensemble through a broken rhythm that draws its roots from the Jazz-Rock he practiced alongside artists of the caliber of Napoli Centrale, Goblin, and Perigeo.
“Dance”, previously released in a version for pitched percussion with the Mannheimer Schlagwerk conducted by Maestro Dennis Kuhn, exalts the percussive style of Steve Reich, drawing the composition close to that "erratic cell" of the 1980s known as King Crimson.
Fabio Anile is not the typical pianist seeking technical virtuosity for its own sake; his research is entirely focused on "pure" sound, the value of silence, and gathered emotion. The touching “Foglie Morte” is the litmus test of this: a splendid example of attention to detail.
“Mysterious Counterpoint” opens with piano and double bass, creating an incessant sonic loop in which to get lost or remain hypnotized. Here, research and experimentation are placed entirely at the service of the mind.
Personally, I remain captivated by the nostalgic beauty of “More Than 12” and its Progressive Rock gait, which highlights the individual technique of each member. This is the ensemble's most markedly Rock and electric moment—a true sonic gem.
“Planet Nine (Orbits)” features Trentini on bass and recalls the atmosphere of the Swiss band Sonar, with the guitars gradually taking over.
The final ten minutes are entrusted to “Shifting Trains”, a track that soars once again toward cinematic horizons, va sans dire.
The artwork by Petulia Mattioli is very beautiful and elegant, doing justice to music that, with a few touches, knows how to enter the soul by digging into the memories and temporal images of each of us. An album of this depth is rejuvenating for both body and mind. MS

Listen Bandcamp: https://fabioanile.bandcamp.com/album/minutiae-3

Arca Progjet

ARCA PROJECT - XO2S
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / AOR
Supporto: Digital / CD – 2026

Non so se capiti solo a me, ma il Rock melodico ha il potere di farmi volare alto con la fantasia, estraniandomi serenamente dalle vicissitudini quotidiane. Se a tali sonorità si aggiunge il Progressive Rock, il connubio diventa micidiale. È certamente una questione di gusti, ma l’emozione resta sovrana: su questo non ci sono dubbi.
Fondere AOR, Prog e cantautorato è una sfida ambiziosa. Le melodie devono essere calibrate per non scivolare nella banalità, mentre la tecnica strumentale resta un requisito fondamentale, doti che i torinesi Arca Project dimostrano chiaramente di possedere.
Fondato come quintetto dai veterani Alex Jorio (batteria e percussioni, ex-Elektradrive) e Gregorio Verdun (basso e tastiere), il gruppo si avvale oggi delle voci di Sergio Toya e Jacopo Siccardi, insieme alla chitarra di Carlo Maccaferri.
L’esordio omonimo risale al 2018 e fu accolto con entusiasmo dalla critica, che ne lodò sia il concept sia l'impianto musicale, spesso ispirato al Prog "genesiano" degli anni '80 o a band come gli Asia. Dopo otto anni, il discorso riprende con “XO2S”, un lavoro caratterizzato da una scrittura densa e stratificata, dove la metafora del viaggio, inteso come fuga o ricerca di una dimensione "altra", si fa fulcro della narrazione.
Il titolo stesso suggerisce una formula chimica o tecnologica. I brani esplorano il rapporto tra l’individuo e la modernità, toccando temi quali l’isolamento e la difficoltà comunicativa in un mondo iper-connesso.
Nonostante l'album superi abbondantemente i settanta minuti, non risulta affatto pesante: la struttura è bilanciata, alternando passaggi energici a momenti riflessivi e d'autore.
La voce di Sergio Toya non si limita a interpretare, ma declama testi che rifuggono la classica struttura "strofa-ritornello". La scrittura è ricercata, ricca di immagini evocative, pur mantenendo la chiarezza comunicativa tipica dell'AOR ed evitando l'eccessivo ermetismo di certi rami del Prog classico.
Il singolo d’apertura, “Ouagadougou”, stupisce per freschezza, richiamando certe atmosfere dei New Trolls anni ’80. L'ottima produzione esalta l'insieme, incluso lo splendido assolo di chitarra. In questo caso, preferisco non procedere con una disamina traccia per traccia perchè credo che la sorpresa debba essere parte integrante dell'esperienza dell'ascoltatore. L’importante è sapere che in questo lungo viaggio ci attendono melodie e coralità immediate, facili da memorizzare.
Nota di merito per il sax dell’ospite Claudio "Mago" Merlino. Per il resto… buon ascolto! MS

Versione Inglese:

ARCA PROGJECT - XO2S
WB Productions / Lo Studio Records
Genre: Progressive Rock / AOR
Format: Digital / CD – 2026

I don’t know if it’s just me, but Melodic Rock has the power to let my imagination soar, peacefully drifting away from the daily grind. When you add Progressive Rock to the mix, the combination is formidable. While it’s ultimately a matter of taste, emotion remains king—there is no doubt about that.
Blending AOR, Prog, and singer-songwriter sensibilities is an ambitious challenge. Melodies must be carefully crafted to avoid clichés, while instrumental technique remains a fundamental requirement—qualities that Turin’s own Arca Progject clearly possess.
Founded as a quintet by veterans Alex Jorio (drums and percussion, ex-Elektradrive) and Gregorio Verdun (bass and keyboards), the band now features the vocals of Sergio Toya and Jacopo Siccardi, alongside Carlo Maccaferri on guitar.
Their self-titled debut dates back to 2018 and was met with critical acclaim for both its concept and musical structure, often drawing inspiration from 80s-era Genesis-style Prog or bands like Asia. Eight years later, the journey continues with "XO2S", a work characterized by dense, layered songwriting where the metaphor of travel—as an escape or a search for another dimension—becomes the heart of the narrative.
The title itself suggests a chemical or technological formula. The tracks explore the relationship between the individual and modernity, touching on themes such as isolation and the difficulty of communicating in a hyper-connected world. Despite the album clocking in at well over seventy minutes, it never feels like a slog; the structure is well-balanced, alternating energetic passages with more reflective, songwriter-driven moments.
Sergio Toya’s vocals do more than just interpret; they declaim lyrics that often shun the classic "verse-chorus" structure. The writing is sophisticated and rich with evocative imagery, yet it retains the communicative clarity typical of AOR, avoiding the excessive crypticness found in certain branches of classic Prog.
The opening single, "Ouagadougou", is surprisingly fresh, recalling the 1980s atmosphere of New Trolls. The excellent production enhances the overall sound, including a splendid guitar solo. In this instance, I prefer not to provide a track-by-track breakdown; I believe the element of surprise should be an integral part of the listener's experience. What matters is knowing that throughout this long journey, immediate melodies and choruses await, easy to memorize and sing along to.
A special mention goes to the guest saxophone performance by Claudio "Mago" Merlino. As for the rest… enjoy the listen! MS

Progetto M.B.

PROGETTO M.B. – Ostiando
Etichette: Tubogas Produzioni / Zenit / Interference / I Dischi Del Minollo
Genere: Alternative
Supporto: CD / Digital – 2026

L'ambiente in cui viviamo ci plasma e condiziona ogni gesto quotidiano. Pensiamo a quanta ispirazione ha offerto Genova a una moltitudine di artisti, tra cantautori e gruppi Prog Rock, o alla vitalità di Napoli. Spesso l’amore per la propria terra spinge i musicisti a trarre spunto da luoghi, odori e colori, restituendo un quadro sonoro che funge da vera e propria diapositiva per l'ascoltatore.
Marco Bucci, musicista, compositore e divulgatore autodidatta, si distingue per un approccio che fonde arte e tecnologia. In attività da trent’anni, Bucci integra strumenti tradizionali come chitarra, sintetizzatori, batterie elettroniche, flauto e kazoo con oggettistica e giocattoli sonori, confermandosi a tutti gli effetti un artigiano della musica.
Dopo alcune cassette autoprodotte, nel 2005 pubblica per Snowdonia "Contrappunti", una sorta di "best of", per poi tornare nel 2013 con il più maturo "...A Bassa Quota" (Tubogas Produzioni). La sua proposta attinge da numerosi stili: dalla psichedelia all'elettronica, passando per il cantautorato, il folk e l’alternative.
"Ostiando", registrato tra il 2018 e il 2024, si snoda tra le strade di Ostia e il suo litorale attraverso nove tracce. Si parte con "Levante", un’introduzione di quasi due minuti in cui l’autore gioca con sonorità folk di caratura mediterranea.
L’elettronica domina invece in "Sotto Covid", caratterizzata da un giro melodico martellante e arrangiamenti complessi che restituiscono il senso di alienazione vissuto durante le restrizioni. Bucci ama arricchire la linea base con una profusione di suoni, uno sforzo compositivo che culmina nei quindici minuti della "title track": una mini-suite ricca di vocalità e cambi d'umore che, in alcuni passaggi, evoca il Krautrock.
La prerogativa del Progetto M.B. è un incedere marcato che si infiltra nel caos per poi uscirne con disinvoltura, quasi fosse un giro sulle giostre. Nenie vocali accompagnano "Lungo Via Dell’Idroscalo", brano incentrato su synth ed elettronica dove solo nel finale appare una chitarra elettrica sintetica.
Dopo il minuto di sonorità industriali di "Ottobrata", incontriamo "Freccia Di Mare", che parte in stile Le Orme per poi addentrarsi in una cupa ricerca strutturale. Segue un’altra suite, "Ostia Mentis", un lungo cammino fatto di soste e ripartenze. Il disco si chiude con "Curvone" e "Ponente", due brani di circa due minuti: nel secondo, Bucci esplora nuovi sentieri attraverso una ballata strumentale che ricorda le atmosfere di "Gioco Di Bimba" (Orme).
"Ostiando" non è un disco di facile fruizione, nonostante le melodie orecchiabili, è piuttosto una galleria di acquerelli sonori dalle tinte a tratti fosche. Progetto M.B. ha osato: voi ve la sentite di dargli un ascolto? MS

Versione Inglese:

PROGETTO M.B. – Ostiando
Labels: Tubogas Produzioni / Zenit / Interference / I Dischi Del Minollo
Genre: Alternative
Format: CD / Digital – 2026

The environment we live in shapes us, conditioning every daily gesture. Consider the immense inspiration the city of Genoa has offered to a multitude of artists—from singer-songwriters to Prog Rock bands—or the sheer vitality of Naples. Often, a love for one's homeland drives musicians to draw inspiration from specific places, scents, and colors, ultimately delivering a soundscape that acts as a literal "snapshot" for the listener.
Marco Bucci, a self-taught musician, composer, and educator, stands out for an approach that blends art and technology. Active for thirty years, Bucci integrates traditional instruments like guitar, synthesizers, drum machines, flute, and kazoo with found objects and sound-making toys, establishing himself as a true "craftsman of music."
Following several self-produced cassettes, he released "Contrappunti" (a sort of "best of" collection) via Snowdonia in 2005, before returning in 2013 with the more mature "...A Bassa Quota" (Tubogas Produzioni). His work draws from numerous styles: from psychedelia to electronica, by way of folk, alternative, and the singer-songwriter tradition.
"Ostiando", recorded between 2018 and 2024, winds through the streets of Ostia and its coastline across nine tracks. It opens with "Levante", a nearly two-minute introduction where the author plays with Mediterranean-inflected folk sounds.
Electronica takes center stage in "Sotto Covid", characterized by a relentless melodic loop and complex arrangements that capture the sense of alienation experienced during the lockdown periods. Bucci loves to layer a bassline with a profusion of sounds—a compositional effort that culminates in the fifteen-minute "title track": a mini-suite rich with vocals and mood shifts that, in certain passages, evokes Krautrock.
The hallmark of Progetto M.B. is a steady, marked pace that dives into chaos only to emerge with ease, much like a ride at a funfair. Vocal chants accompany "Lungo Via Dell’Idroscalo", a track centered on synths and electronics where a synthetic electric guitar makes its appearance only at the very end.
After the one-minute industrial soundscape of "Ottobrata", we encounter "Freccia Di Mare", which begins in the style of Le Orme before delving into dark structural research. Another suite follows, "Ostia Mentis", a long journey of stops and starts. The album closes with "Curvone" and "Ponente", two tracks of about two minutes each; in the latter, Bucci explores new paths through an instrumental ballad reminiscent of the atmosphere of "Gioco Di Bimba" (Orme).
"Ostiando" is not an easy-listening record, despite its catchy melodies; it is rather a gallery of sonic watercolors, sometimes painted in dark hues. Progetto M.B. has taken the leap, are you brave enough to take a listen? MS

 

Legs On Wheels

LEGS ON WHEELS – Gobble
Autoproduzione
Genere: Eclectic Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Si sente spesso dire che la musica non abbia più nulla da comunicare, che le note siano soltanto sette e che ogni territorio sia già stato esplorato. In realtà, sono i silenzi, gli innesti e la capacità di sostenere una nota a smentire questa tesi. Personalmente, non smetto mai di stupirmi nell’ascoltare realtà nuove dalle idee interessanti; basta saper cercare o affidarsi a un buon recensore che condivida i nostri gusti e sappia fare questa cernita per noi.
Dopo aver apprezzato molto nel 2023 il debutto “Legroom”, ritrovare oggi i Legs On Wheels con "Gobble" è come entrare in un caleidoscopio psichedelico dove ogni movimento trasforma forme e colori. Il quintetto di Manchester formato nel 2017 da Danny Murgatroyd (voce, chitarra), Alex Crumbie (chitarra, voce, percussioni), George Roberts (tastiere, voce), Ged Hawksworth (batteria) e Dean Stoloff (basso), conferma una scrittura colta e imprevedibile.
Il songwriting attinge al grande Prog britannico degli anni '60 e '70 (Genesis, King Crimson, Gong, Jethro Tull), ma la band ne scardina le convenzioni giocando con World Music, Jazz, Pop Rock, Soul, Punk e Funk. È un equilibrio tra passato e presente metabolizzato con personalità, sulla scia di quanto fatto da formazioni moderne come Echolyn o Beardfish.
“Gobble” si sviluppa in 45 minuti divisi in 8 tracce. L’album segue una progressione ideale: brani brevi e ritmati nella prima parte, composizioni lunghe e stratificate nella seconda. I testi sono surreali, intrisi di umorismo nero e spesso grotteschi. In linea con il titolo (che richiama sia il verso del tacchino che l’atto di divorare avidamente), il disco esplora i temi del consumo, della voracità e della natura animale dell’uomo.
L'apertura è affidata a "Oysters On The Half Shell", caratterizzata da una voce che ricorda David Byrne e da una chitarra nervosa in stile Robert Fripp. Il ritornello, melodico e gradevole, fa da contrappunto a un testo che descrive banchetti bizzarri e dinamiche preda-predatore.
Segue "A.P.E.S.", che si inoltra in meandri vicini ai Gentle Giant per poi virare verso il Psych-Pop e il Glam Rock, con un ammiccamento ai Beatles, un assolo di chitarra graffiante e una riflessione sull'evoluzione umana.
Se "Winner Winner" si muove su territori Funky e introspettivi, la vera sorpresa è "Peekaboo", un pezzo Pop orecchiabile con echi del Peter Gabriel solista. L’humor inglese emerge prepotentemente in "Waiting For His Drowning" che, a dispetto del titolo cupo, affronta il tema dell’ineluttabilità con distacco teatrale e avanguardistico.
Si prosegue con "Centipede", traccia in pieno stile Echolyn con ottimi intrecci corali e un ritmo sincopato che mima il movimento di un millepiedi. L’anima più sperimentale esplode invece in "Dinnertime For Rat", che evolve dal Noise Rock a un Rock serratissimo. Il culmine dell’opera arriva con gli undici minuti di "Masteroid", una mini-epopea fantascientifica che fonde termini tecnici e invenzioni verbali per evocare immagini di decadenza spaziale.
Una menzione speciale va alla copertina: bizzarra e quasi incomprensibile, un mix visivo tra un tacchino e un pesce che cattura perfettamente lo spirito di "caos controllato" della band. In definitiva, “Gobble” è un disco sorprendente. La musica ha ancora molto da dire... anche oggi. Ricordatelo. MS 

Versione Inglese:

LEGS ON WHEELS – Gobble
Self-release
Genre: Eclectic Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

We often hear it said that music has nothing left to communicate, that there are only seven notes and every territory has already been explored. In reality, it is the silences, the grafts, and the ability to sustain a single note that debunk this theory. Personally, I never cease to be amazed when listening to new acts with interesting ideas; you just need to know where to look or trust a good reviewer who shares your musical taste and does the sifting for you.
After greatly enjoying their 2023 debut Legroom, finding Legs On Wheels again today with "Gobble" is like entering a psychedelic kaleidoscope where every movement transforms shapes and colors. The Manchester quintet—formed in 2017 by Danny Murgatroyd (vocals, guitar), Alex Crumbie (guitar, vocals, percussion), George Roberts (keyboards, vocals), Ged Hawksworth (drums), and Dean Stoloff (bass)—confirms a sophisticated and unpredictable songwriting style.
Their songwriting draws from the great British Prog of the '60s and '70s (Genesis, King Crimson, Gong, Jethro Tull), yet the band dismantles conventions by playing with World Music, Jazz, Pop Rock, Soul, Punk, and Funk. It is a balance between past and present, metabolized with a personal touch, much like modern outfits such as Echolyn or Beardfish.
“Gobble” unfolds over 45 minutes across 8 tracks. The album follows an ideal progression: short, rhythmic songs in the first half, leading to longer, more layered compositions in the second. The lyrics are surreal, steeped in black humor, and often grotesque. In line with the title (referencing both the sound of a turkey and the act of devouring greedily), the record explores themes of consumption, voracity, and the animal nature of man.
The opening is entrusted to "Oysters On The Half Shell", featuring vocals reminiscent of David Byrne and nervous, Robert Fripp-style guitar work. The melodic and pleasant chorus acts as a counterpoint to lyrics describing bizarre banquets and predator-prey dynamics. This is followed by "A.P.E.S.", which ventures into territory close to Gentle Giant before veering toward Psych-Pop and Glam Rock, complete with a wink to the Beatles, a biting guitar solo, and a reflection on human evolution.
While "Winner Winner" moves through Funky and introspective lands, the real surprise is "Peekaboo": a catchy Pop track with echoes of solo Peter Gabriel. British humor emerges strongly in "Waiting For His Drowning" which, despite the grim title, tackles the theme of inevitability with a theatrical and avant-garde detachment.
The journey continues with "Centipede", a track in full Echolyn style with excellent choral arrangements and a syncopated rhythm that mimics the movement of a centipede. The band's more experimental soul explodes in "Dinnertime For Rat", which evolves from Noise Rock into a tightly wound Rock piece. The work reaches its climax with the eleven minutes of "Masteroid", a sci-fi mini-epic that blends technical terms and pure verbal inventions to evoke images of cosmic decay.
A special mention goes to the cover art: bizarre and almost incomprehensible—a visual mix of a turkey and a fish—it perfectly captures the "controlled chaos" spirit of the band. Ultimately, Gobble is a surprising record. Music still has a lot to say... even today. Remember that. MS

Paradox Of Progress

PARADOX OF PROGRESS - Crossing The Distance
Autoproduzione
Genere: Art Rock / Progressive Sinfonico
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

E’ bello perdersi ogni tanto in quel mondo ricco di sonorità sia vintage che moderne denominato generalmente Art Rock.
Se amate il vecchio Prog sinfonico, ma anche le varianti più moderne dettate da band come The Flower Kings o Transatlantic, con i finlandesi Paradox Of Progress andate a nozze!
“Crossing The Distance” è l'album di debutto del duo originario di Kokkola che si è affacciato sulla scena Progressive internazionale nel 2025 composto dal duo Ari Vilmunen (synth), e Juha Koiste (chitarre, basso, programmazioni), con la partecipazione di  Jarkko Lahti al piano.
L'album è una sfida alla soglia dell'attenzione moderna, dura circa 52 minuti ma è composto da soli 3 brani. È un lavoro interamente strumentale, che punta tutto su atmosfere epiche e passaggi tecnici complessi
La critica ha accostato il loro sound a giganti come Genesis e Yes per l'approccio tecnico e l'uso delle chitarre e ai Pink Floyd per certi tappeti atmosferici.
Nonostante siano solo in due, il suono risulta pieno e "orchestrale", posizionandoli come una delle realtà più interessanti emerse dalla Finlandia negli ultimi tempi per quanto riguarda il settore Symphonic Prog.
“Wayfarer On A Trail Of Stars” della durata di circa dodici minuti abbondanti,  è un manifesto di Prog Sinfonico, con forti richiami allo stile dei Pendragon e degli UK. Il finale al pianoforte, suonato dall'ospite Jarkko Lahti, è uno dei momenti più alti del brano.
“Across The Aeons” con i suoi sette minuti e mezzo, è il brano più "breve" e accessibile, caratterizzato da melodie più dirette pur mantenendo l'intreccio tecnico tipico del duo.
“The Journey Intro…” è il vero piatto forte. Una suite monumentale di mezz'ora che esplora ogni sfumatura del genere, dalle cavalcate di tastiere in stile Keith Emerson (ELP) a momenti più vicini ai Dream Theater o ai Transatlantic e poi Mellotron, sprazzi di Hard Prog, aperture solari come sanno fare gli americani Spock’s Beard… E chi più ne ha più ne metta.
Certo che imbattersi oggi in un album completamente strumentale di cotanta enfasi e carico di soluzioni è quantomeno anomalo e controtendenza con il mainstream, ma gli amanti del grande Prog sono sicuro che troveranno “Crossing The Distance” un tunnel fatto di tanti passaggi gradevoli oltre che storici. Personalmente mi ha molto divertito e lo consiglio a tutti! MS

Versione Inglese:

PARADOX OF PROGRESS - Crossing The Distance
Self-release
Genre: Art Rock / Symphonic Progressive
Format: Digital / Bandcamp – 2026

It is a pleasure to get lost every now and then in that world rich with both vintage and modern sounds generally known as Art Rock. If you love old-school Symphonic Prog, but also the more modern variations defined by bands like The Flower Kings or Transatlantic, you will feel right at home with Finland’s Paradox Of Progress!
Crossing The Distance is the debut album from this Kokkola-based duo, who first appeared on the international Progressive scene in 2025. The group consists of Ari Vilmunen (synths) and Juha Koiste (guitars, bass, programming), featuring Jarkko Lahti on piano.
The album is a challenge to the modern attention span; it lasts about 52 minutes but consists of only 3 tracks. It is an entirely instrumental work that relies heavily on epic atmospheres and complex technical passages. Critics have compared their sound to giants like Genesis and Yes for their technical approach and use of guitars, and to Pink Floyd for certain atmospheric textures. Despite being only two members, the sound is full and "orchestral," positioning them as one of the most interesting acts to emerge from Finland’s Symphonic Prog sector in recent times.
“Wayfarer On A Trail Of Stars,” clocking in at just over twelve minutes, is a Symphonic Prog manifesto with strong nods to the style of Pendragon and UK. The piano finale, performed by guest Jarkko Lahti, is one of the track's absolute highlights.
“Across The Aeons,” at seven and a half minutes, is the "shortest" and most accessible track, characterized by more direct melodies while maintaining the duo’s typical technical intricacy.
“The Journey Into…” is the true centerpiece. A monumental half-hour suite that explores every nuance of the genre—from keyboard runs in the style of Keith Emerson (ELP) to moments closer to Dream Theater or Transatlantic, plus Mellotron, flashes of Hard Prog, and bright, sun-drenched openings reminiscent of America's Spock’s Beard... and so much more.
Encountering an entirely instrumental album of such emphasis and rich arrangements today is certainly unusual and goes against the mainstream grain. However, I am sure that lovers of "Great Prog" will find Crossing The Distance to be a tunnel filled with many pleasant and historically-rooted passages. Personally, I found it very entertaining and highly recommend it to everyone! — MS