Michele Viviani

MICHELE VIVIANI – Dorian
Autoproduzione
Genere: Rock Psichedelico / Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Anche oggi queste autoproduzioni proposte sul portale Bandcamp mi riportano con la mente a quando, negli anni ’70, le band cosiddette “minori” (per distribuzione, non per qualità) si sforzavano di emergere incontrando mille problemi, tali da farle sparire spesso dopo un solo album. Sì, dico questo perché molti autori si affidano alle piattaforme, che perlomeno non chiedono soldi, per sperare in una visibilità che resta comunque celata dietro migliaia di uscite giornaliere. Non siamo quindi di fronte allo stesso contesto, ma alla stessa voglia di dire la propria senza che nessuno vada a modificare ciò che si vuole realizzare. Arma a doppio taglio, ma sincera… E buona fortuna a tutti.
Questo preambolo per andare a conoscere Michele Viviani, la sua figura si muove da sempre lungo un doppio binario, quello del didatta/vocal coach rigoroso e quello dell'artista eclettico e sperimentatore. Dopo i primi lavori legati alla canzone d'autore (E La Nave Va) e alla sperimentazione vocale pura (Momenti), Viviani si è immerso nello studio approfondito del canto gregoriano, della musica antica e della musica da camera (raccolta nei due volumi di Chamber Music, dedicati anche a compositori come John Dowland). Già con lavori come l'EP “Victimae” (2024), incentrato sulle rielaborazioni delle sequenze gregoriane, l’artista bolognese ha affinato una tecnica compositiva capace di far dialogare linguaggi apparentemente distanti. Oggi “Dorian” raccoglie queste esperienze e le riproietta in una cornice moderna e a tratti anche Jazz Rock. La voce non è un semplice strumento per erogare il testo, ma diventa l'asse portante dell'architettura sonora: varia per dinamiche, registro e ricerca timbrica, guidando l'ascoltatore attraverso 5 tracce molto differenziate tra loro.
L’iniziale “Rainbow Mama” ha un attitudine ipnotica in stile King Crimson, ma anche l’ampiezza di uno scenario antico e bucolico.
Ci s’immerge nello studio vocale intenso attraverso “Dorian Pray” impreziosito da suoni world. Nei suoi oltre nove minuti di durata, incarna la natura complessa dell'album. Il polistrumentista imbraccia la propria chitarra per aprire “Metamorfosi” attraverso arpeggi. La sperimentazione vocale prosegue imperterrita e si distingue per cambi di tempo, sovrapposizioni vocali con un continuo gioco tra dissonanza e risoluzione armonica. È il brano in cui emerge con maggiore evidenza la matrice del Rock Progressivo e l'uso teatrale della voce.
“La Caccia” riprende l’incedere Crimsoniano, qui il ritmo è serrato, quasi ossessivo, a simulare visivamente la frenesia dell'inseguimento. La linea vocale si fa più scabra, graffiante e carica di drammaticità, guidando l'arrangiamento verso picchi espressivi di grande impatto emotivo.
A chiudere l'album troviamo “Crying”, che smorza i toni convulsi de “La Caccia” per virare verso una dimensione decisamente più intima e intimista. Sostenuto da un'armonia liquida e malinconica, il pezzo lascia spazio a un'interpretazione vocale toccante, sfumata e misurata, che suggella il disco lasciando un'eco persistente.
“Dorian” è dunque un'opera di sintesi personale in cui Michele Viviani mette a frutto decenni di didattica, tecnica e viscerale passione per il canto e la composizione, offrendo un lavoro organico, vario e raffinato.
La copertina dell’album è l’elaborazione di "La Charmeuse de serpents" by Henri Rousseau 1907. MS

Versione Inglese: 

MICHELE VIVIANI – Dorian
Self-release
Genre: Psychedelic Rock / Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

Even today, these self-releases offered on the Bandcamp portal take my mind back to the '70s, when so-called "minor" bands (in terms of distribution, not quality) struggled to emerge while facing a thousand problems, so much so that they often disappeared after just one album. Yes, I say this because many authors rely on platforms—which at least don't ask for money—hoping for a visibility that nevertheless remains hidden behind thousands of daily releases. So we are not facing the exact same context, but the same desire to have one's say without anyone altering what one wants to create. A double-edged sword, but a sincere one… And good luck to everyone.
This preamble leads us to get to know Michele Viviani, whose figure has always moved along a dual track: that of a rigorous educator/vocal coach and that of an eclectic, experimental artist. After his early works linked to singer-songwriter music (E La Nave Va) and pure vocal experimentation (Momenti), Viviani immersed himself in the in-depth study of Gregorian chant, early music, and chamber music (collected in the two volumes of Chamber Music, also dedicated to composers such as John Dowland). Already with works like the EP “Victimae” (2024), centered on the reworking of Gregorian sequences, the Bolognese artist refined a compositional technique capable of creating a dialogue between apparently distant languages. Today “Dorian” gathers these experiences and re-project them into a modern and at times even Jazz Rock framework. The voice is not a simple instrument to deliver lyrics, but becomes the main axis of the sound architecture: varying in dynamics, register, and timbral research, guiding the listener through 5 very distinct tracks.
The opening “Rainbow Mama” has a hypnotic, King Crimson-style attitude, but also the breadth of an ancient, bucolic landscape.
We submerge ourselves into an intense vocal study through “Dorian Pray”, embellished with world music sounds. In its over nine minutes of duration, it embodies the complex nature of the album. The multi-instrumentalist picks up his guitar to open “Metamorfosi” through arpeggios. The vocal experimentation continues undeterred and stands out for time signature changes and vocal overlays with a continuous interplay between dissonance and harmonic resolution. It is the track in which the Progressive Rock foundation and the theatrical use of the voice emerge most clearly.
“La Caccia” resumes the Crimson-esque pace; here the rhythm is tight, almost obsessive, visually simulating the frenzy of a chase. The vocal line becomes harsher, raspier, and loaded with drama, driving the arrangement toward expressive peaks of great emotional impact.
Closing the album we find “Crying”, which softens the convulsive tones of “La Caccia” to veer toward a decidedly more intimate and contemplative dimension. Supported by a liquid, melancholy harmony, the piece leaves room for a touching, nuanced, and measured vocal performance that seals the record, leaving a persistent echo.
“Dorian” is therefore a work of personal synthesis in which Michele Viviani puts to good use decades of teaching experience, technique, and a visceral passion for singing and composition, offering an organic, varied, and refined work.
The album cover is an elaboration of "La Charmeuse de serpents" by Henri Rousseau 1907. MS

L.B. Lacertae

L.B. LACERTAE – The One Bone
Autoproduzione
Genere: Rock Psichedelico / Progressive Folk
Supporto: Bandcamp – 2026

Tante le realtà che hanno calpestato il suolo italico, a volte senza lasciare orme importanti, ma che hanno comunque avuto una loro valenza in ambito Rock, specialmente negli anni ‘90. Una di queste si chiama L.B. Lacertae, band di Montecchio Emilia nata nei primi anni ’80. L'album “The One Bone” costituisce il manifesto artistico definitivo della band, un disco oscuro, viscerale, che spoglia la materia musicale fino all'osso. Per comprendere gli L.B.Lacertae occorre immergersi nell'atmosfera dell'Emilia degli anni '90. Tra Reggio Emilia, Modena e Sassuolo, l'esplosione del Rock indipendente italiano aveva trovato un proprio linguaggio d'elezione, scarno, poetico, politico e legato alla terra ma proiettato verso il mondo.
Mentre band come C.S.I., Ustmamò, Disciplinatha e A.F.A. ridefinivano il concetto di musica d'autore e Rock in Italia, gli L.B.Lacertae si formarono portando con sé un'attitudine ancora più contaminata e sperimentale.
Il titolo dell'album, è la chiave di lettura di tutto il lavoro, ossia spogliare l'essere umano e la musica da ogni orpello e carne in eccesso per arrivare all'elemento primario, incorruttibile e strutturale: l'osso. È da considerarsi a tutti gli effetti un viaggio di decondizionamento spirituale e materiale. Gli autori di tutto questo sono Daniele Cattani (chitarre, tastiere, cori), Guido Menozzi (voce, armonica), Massimo Montali (basso), Paolo Pattini (sax, flauto), Paolo Spaggiari (chitarra, voce), e Ulisse Tramalloni (batteria).
La musica proposta unisce Rock d’atmosfera, sensibilità psichedelica, elementi Folk, e aperture Progressive. I pezzi sono stati scritti in oltre quarant’anni di esistenza e sono sette, ad iniziare da “Angel” con il suo andamento ipnotico e magico impreziosito dall’uso del flauto. La Psichedelia è ben presente grazie anche all’uso vocale ponderato di Mennozzi. Il brano rispecchia alla perfezione le qualità strumentali del gruppo oltre che l’intesa e le buone idee compositive. Il solo di chitarra seppur breve fa da evidenziatore a quanto detto, immergendo l’ascoltatore nel mondo dei Pink Floyd. Il sax apre “Bloody Mirror”, brano a sua volta articolato e comunque sempre dentro lo spirito delle buone melodie di fondo.
Con “Like A Little Bird” gli L.B. Lacertae mostrano un lato più malinconico e riflessivo. Il pezzo è una straziante elegia dedicata a chi se n'è andato troppo presto e rappresenta la vulnerabilità della vita e la fine prematura di una giovane esistenza. Una creatura fatta per volare (la giovinezza, i sogni, la spensieratezza) che cade a terra prima del tempo, spezzandosi.
Molto bella “Welcome To Drink With Us” aperta da un arpeggio di chitarra e un cantato al limite del sussurrato. I suoi crescendo interni sono sempre delicati e malinconici rilasciando atmosfere struggenti, soprattutto quando sopraggiunge il sax di Pattini.
Più Folk “Sexy Hands” in cui il testo riflette sul post-rivoluzione sessuale. L'idealismo degli anni '60 e '70 (la liberazione, l'amore libero) è crollato ed è stato inghiottito dal pragmatismo, dal cinismo e dal consumismo degli anni '80. Ciò che rimane del sesso o delle relazioni non è più l'unione profonda o il cambiamento sociale, ma una fredda transazione. Il sesso che diventa mercanzia.
Altra bellissima composizione è “See The Heaven In My Eyes”, un tuffo nella Psichedelia attraverso arpeggi Pinkfloydiani e sonorità di fondo che si intrecciano con le coralità vocali. Ritorna il flauto nella conclusiva “Endless Horizons”, altra composizione delicata e ricca di spunti musicali toccanti.
“The One Bone” degli L.B.Lacertae rimane una delle testimonianze più autentiche di come negli anni '90 in Italia si potesse fare musica alternativa senza scendere a compromessi commerciali e senza scimmiottare acriticamente i modelli anglosassoni.
La band emiliana è riuscita a prendere la lezione del noise internazionale e a innestarla su una sensibilità provinciale, epica e primordiale. Un album coraggioso che merita di essere riscoperto da chiunque voglia comprendere fino in fondo la profondità della scena Rock underground italiana di quel decennio. MS 

Versione Inglese:

L.B. LACERTAE – The One Bone
Self-released
Genre: Psychedelic Rock / Progressive Folk
Format: Bandcamp – 2026

Many are the bands that have walked the Italian soil, sometimes without leaving major footprints, but which nevertheless held their own value within the Rock realm, especially in the 90s. One of these is called L.B. Lacertae, a band from Montecchio Emilia formed in the early 80s. The album “The One Bone” constitutes the band's definitive artistic manifesto: a dark, visceral record that strips musical substance down to the bone. To understand L.B. Lacertae, one must immerse oneself in the atmosphere of 90s Emilia. Between Reggio Emilia, Modena, and Sassuolo, the explosion of Italian independent Rock had found its own language of choice—spare, poetic, political, and rooted in the land yet projected toward the world.
While bands like C.S.I., Ustmamò, Disciplinatha, and A.F.A. were redefining the concept of singer-songwriter music and Rock in Italy, L.B. Lacertae formed bringing with them an even more contaminated and experimental attitude.
The album's title is the key to understanding the entire work: stripping the human being and the music of every embellishment and excess flesh to reach the primary, incorruptible, and structural element: the bone. It is to be considered in every respect a journey of spiritual and material deconditioning. The authors of all this are Daniele Cattani (guitars, keyboards, backing vocals), Guido Menozzi (lead vocals, harmonica), Massimo Montali (bass), Paolo Pattini (sax, flute), Paolo Spaggiari (guitar, vocals), and Ulisse Tramalloni (drums).
The proposed music combines atmospheric Rock, psychedelic sensitivity, Folk elements, and Progressive openings. Written over more than forty years of existence, there are seven tracks, starting with “Angel” with its hypnotic, magical stride heightened by the use of the flute. Psychedelia is strongly present thanks in part to Menozzi's measured vocal delivery. The track perfectly reflects the group's instrumental qualities as well as their synergy and strong compositional ideas. The guitar solo, though brief, highlights what has been said, immersing the listener into the world of Pink Floyd. The sax opens “Bloody Mirror”, a track that is itself intricate while remaining firmly within the spirit of good underlying melodies.
With “Like A Little Bird”, L.B. Lacertae show a more melancholy and reflective side. The piece is a heartbreaking elegy dedicated to those who left too soon, representing the vulnerability of life and the premature end of a young existence. A creature made to fly (youth, dreams, lightheartedness) that falls to the earth ahead of its time, breaking apart.
Very beautiful is “Welcome To Drink With Us”, opened by a guitar arpeggio and vocals on the verge of a whisper. Its internal crescendos are always delicate and melancholy, releasing poignant atmospheres, especially when Pattini's sax comes in.
More Folk-oriented is “Sexy Hands”, in which the lyrics reflect on the post-sexual revolution. The idealism of the 60s and 70s (liberation, free love) has collapsed and been swallowed by the pragmatism, cynicism, and consumerism of the 80s. What remains of sex or relationships is no longer a deep union or social change, but a cold transaction. Sex becoming merchandise.
Another gorgeous composition is “See The Heaven In My Eyes”, a plunge into Psychedelia through Pink Floyd-esque arpeggios and background soundscapes that intertwine with vocal harmonies. The flute returns in the closing track “Endless Horizons”, another delicate composition rich in touching musical ideas.
“The One Bone” by L.B. Lacertae remains one of the most authentic testimonies of how in 90s Italy one could make alternative music without resorting to commercial compromises and without uncritically copying Anglo-Saxon models.
The Emilian band managed to take the lesson of international noise and graft it onto a provincial, epic, and primordial sensitivity. A courageous album that deserves to be rediscovered by anyone wishing to fully understand the depth of the Italian underground Rock scene of that decade.
MS

Echorec

ECHOREC – DreamState
Autoproduzione / CD Baby
Genere: Post Prog / Post Prog Moderno
Supporto: Bandcamp – 2026

Gli Echorec nascono a Bristol nel 2015 inizialmente come un trio, unito dall'amore condiviso per il Rock concettuale e narrativo guidato da tempi dispari e strutture articolate. La formazione si allarga ed evolve nel 2020 con l'ingresso in pianta stabile del tastierista Alex Adams, mossa che permette al gruppo di riprodurre dal vivo le complesse architetture sonore e le stratificazioni spaziali create in studio. La band è attualmente composta da Julian Kirk (voce, chitarra), Jake Aubrey (batteria), Alex Adams (tastiere, cori), e Taibah Orpin (basso, cori).
Il loro album di debutto, “The Island”, pubblicato nel 2020, ha riscosso un ottimo successo di critica nell'underground britannico, tanto da far inserire la band tra i progetti più promettenti dell'anno dalla storica rivista Prog Magazine. Dopo una lunga gestazione, nel giugno del 2026 esce il tanto atteso seguito, “DreamState”, celebrato con un tour e un concerto di lancio ufficiale a Bristol. La proposta stilistica viene definita Post Prog massimalista, un connubio tra la spinta ritmica e la complessità di formazioni come Rush e Porcupine Tree, l'intimità melodica di stampo Radiohead o Jeff Buckley e i paesaggi psichedelici e immersivi mutuati dai Pink Floyd. Come avrete capito, molta carne al fuoco per palati sopraffini.
L'album è composto da 6 tracce e ruota attorno a un concept suggestivo incarnato dal titolo stesso, ossia l'esplorazione degli stati del sogno ("DreamState"), il confine labile tra percezione e realtà, l'introspezione psicologica e l'alienazione moderna.
“Heartland” inizia la musica con piano e voce toccante oltre che arricchito di buone coralità. Ottima la parte centrale Neo Prog con un solo di chitarra che rimanda ai tempi dei migliori Marillion. Si parla dell'attaccamento alle proprie radici o a un luogo sicuro della mente che inizia però a vacillare ed essere distorto sotto il peso delle ansie quotidiane.
“The Watcher” potrebbe benissimo risiedere nella discografia dei Gazpacho, un mix fra Radiohead e Muse in bilico fra malinconia e Rock energico.
In “Born To Lead”, emerge chiaramente l'influenza dei Rush nel dinamismo dei cambi di tempo e nelle interazioni millimetriche tra la sezione ritmica e i ricami della chitarra. La voce di Julian Kirk sfoggia graffio e teatralità espressiva. Fra i momenti più spensierati del disco grazie anche ad un gradevole apporto della chitarra immersa in un riff dalla facile memorizzazione.
Gli Echorec fanno la voce grossa con “Behind Closed Eyes”, pezzo altamente Prog come attitudine e storicità, le salite sonore che si placano ricordano molto sia i primi Spock’s Beard che alcuni Porcupine Tree. Sono dunque le eccellenti parti strumentali a convincere e coinvolgere di più.
Deciso cambio di rotta con “Blood Moon”, orecchiabile, delicato e ricco di patos, ma  ci pensano gli undici minuti del brano conclusivo “Ghost In The Dream” a far capire al meglio chi sono  gli Echores, dentro un mix di tutte le loro caratteristiche descritte sino a qui, convogliate in unico brano altamente coinvolgente.
“DreamState” non è soltanto la conferma del talento cristallino degli Echorec, ma rappresenta un eccezionale manifesto di ciò che l'indipendenza artistica può produrre oggi. Muovendosi con disinvoltura tra la complessità geometrica del Prog moderno e una sensibilità melodica spiccata, il quartetto di Bristol firma un'opera coesa, matura e priva di cali di tensione. Un ascolto imprescindibile per chiunque voglia capire dove sta andando oggi il Post Prog Moderno britannico. MS

  

Versione Inglese:

ECHOREC – DreamState
Self-production / CD Baby
Genre: Post Prog / Modern Post Prog
Format: Bandcamp – 2026

Echorec were formed in Bristol in 2015 initially as a trio, united by a shared love for conceptual and narrative Rock driven by odd time signatures and complex structures. The line-up expanded and evolved in 2020 with the permanent addition of keyboardist Alex Adams, a move that allows the group to reproduce live the intricate sonic architectures and spatial stratifications created in the studio. The band is currently composed of Julian Kirk (vocals, guitar), Jake Aubrey (drums), Alex Adams (keyboards, backing vocals), and Taibah Orpin (bass, backing vocals).
Their debut album, “The Island”, released in 2020, met with great critical acclaim in the British underground, enough to earn the band a spot among the most promising projects of the year by the historic Prog Magazine. After a long gestation period, the long-awaited follow-up, “DreamState”, was released in June 2026, celebrated with a tour and an official launch gig in Bristol. Their stylistic proposal is defined as maximalist Post Prog, a blend of the rhythmic drive and complexity of outfits like Rush and Porcupine Tree, the melodic intimacy reminiscent of Radiohead or Jeff Buckley, and the psychedelic, immersive landscapes borrowed from Pink Floyd. As you may have gathered, there is plenty of meat on the bone for refined palates.
The album consists of 6 tracks and revolves around a suggestive concept embodied by the title itself, namely the exploration of dream states ("DreamState"), the thin line between perception and reality, psychological introspection, and modern alienation.
“Heartland” opens the music with touching piano and vocals, further enriched by fine vocal harmonies. The central Neo Prog section is excellent, featuring a guitar solo that harks back to the days of the best Marillion. It speaks of the attachment to one's roots or to a safe place in the mind that, however, begins to waver and become distorted under the weight of daily anxieties.
“The Watcher” could easily belong in Gazpacho's discography, a mix between Radiohead and Muse balanced between melancholy and energetic Rock.
In “Born To Lead”, the influence of Rush clearly emerges in the dynamism of the time signature changes and in the millimetric interactions between the rhythmic section and the intricate guitar work. Julian Kirk's vocals showcase grit and expressive theatricality. It stands among the more lighthearted moments of the record, thanks also to a pleasant guitar contribution embedded in an easily memorable riff.
Echorec make a bold statement with “Behind Closed Eyes”, a piece that is highly Prog in both attitude and historical feel; the building sonic swells that then subside are very reminiscent of both early Spock’s Beard and certain Porcupine Tree. It is therefore the excellent instrumental parts that prove most convincing and engaging.
A decisive change of direction comes with “Blood Moon”, catchy, delicate, and full of pathos, but it is the eleven minutes of the closing track “Ghost In The Dream” that best showcase who Echores [sic] really are, blending all their characteristics described so far into a single, highly engaging song.
“DreamState” is not only a confirmation of Echorec's crystalline talent, but it represents an outstanding manifesto of what artistic independence can produce today. Moving with ease between the geometric complexity of modern Prog and a striking melodic sensitivity, the Bristol quartet delivers a cohesive, mature work free of any drop in tension. An essential listen for anyone wishing to understand where British Modern Post Prog is heading today. MS

Spicy Brain

SPICY BRAIN - Wait A Minute...
Luminol Records / Ma.Ra.Cash
Genere: Art Rock / Strumentale
Supporto: CD / Bandcamp – 2021

Gli Spicy Brains nascono come un trio strumentale italiano composto da Luca Quiriconi (chitarra), Dario Grassi (batteria) e Ivan Barassi (basso). Il progetto si sviluppa attorno alla volontà di fondere generi apparentemente distanti ma uniti da una forte spinta dinamica: il Progressive Rock moderno, il Metal, deviazioni Funk nelle linee di basso (che a tratti possono ricordare l'approccio eclettico e ironico di band d'oltralpe come i Mörglbl) e costanti aperture psichedeliche.  Dopo aver catturato l'attenzione dell'etichetta indipendente Luminol Records, da sempre attenta alle derive Avant Garde, Post Rock e Prog sia artistiche che sociali, la band formalizza il proprio debutto sulla lunga distanza proprio con “Wait A Minute...”. Il disco è stato mixato da Davide Pagano agli Ultra Studio e masterizzato da Raimondo Maira, con un impianto grafico curato da Simonluca Spadanuda (Urbanmagic) e Gab.Gato. Non essendoci parole, i testi dell’album vanno cercati nella struttura drammaturgica dei pezzi. La band stessa ha dichiarato che l'approccio "Spicy Brains" ("cervelli piccanti/frizzanti") è prima di tutto uno stato mentale necessario per affrontare l'ascolto in modo attivo. I pezzi sono nati durante lunghi mesi di isolamento e successiva ripartenza, traducendo in musica la claustrofobia e il bisogno di evasione.
Titoli eccentrici e soluzioni armoniche inaspettate servono a smorzare l'autocompiacimento tecnico tipico di certo Progressive Rock, offrendo una valvola di sfogo ironica alle storture del quotidiano. Le "interferenze" del titolo si traducono in continui cambi di tempo e riff geometrici che introducono l'ascoltatore nella complessità cerebrale del trio. L'assenza della voce sposta quindi il focus sul viaggio interiore dell'ascoltatore, stimolato da continui contrasti dinamici attraverso il relax del Funk contro la spinta del Metal.
L'album si sviluppa lungo 9 tracce che mettono in mostra un interplay serrato e un'ottima transizione tra momenti spiccatamente pesanti e groove irresistibili ad iniziare da “Cosmic Interferenc”. “Leaving The Dream” è invece una traccia dal respiro più atmosferico in cui la chitarra tesse trame melodiche sospese, prima che la sezione ritmica prenda il sopravvento spostando il baricentro verso un Prog Metal moderno e compatto. Ottimo il lavoro al basso da parte di Barassi.
La title-track funge da perfetto manifesto programmatico. È un invito a fermarsi, un arresto del tempo scandito da stop-and-go continui, dove il basso assume un ruolo marcatamente Funky e pulsante, dialogando alla pari con le evoluzioni della sei corde. “Downbeat” è costruita su tempi dispari e su un'ossatura ritmica quadrata ma imprevedibile, ed esplora le sfumature più cupe e terrene del sound del trio. L’ironia del gruppo traspare dal titolo “Camel Fart”, pezzo di altissimo contenuto tecnico, e dimostra come la complessità esecutiva possa sposarsi con il divertimento puro.
Segue “Friends (Spicy Friendship)”, che celebra l'alchimia e la coesione umana del trio. Le linee melodiche si fanno più calde ed empatiche, evidenziando il lato più prettamente Rock e comunicativo della loro musica. La Psichedelia ipnotica viene messa in luce nel brano “Cyclic Recycle”, ottimo esempio di come gli Spicy Brains sappiano gestire la tensione interna a un brano attraverso il layering sonoro. Ed è la volta del Metal Prog attraverso “Pumapumku”, che prende il nome dal celebre sito archeologico boliviano noto per i suoi blocchi di pietra megalitici incastrati al millimetro. Una metafora perfetta per l'architettura sonora del pezzo, fatta di incastri ritmici pesanti, precisi e geometrici.
Infine “Sunny Midnight Date” gioca sui contrasti (sole/mezzanotte). Mette in mostra un mood obliquo, sospeso tra Psichedelia notturna e sprazzi di luce Rock.
“Wait A Minute...” si rivela così un eccellente manifesto di Art Prog Rock strumentale nostrano, solido, privo di barriere di genere e suonato con una freschezza esecutiva encomiabile. MS 

Versione Inglese: 

SPICY BRAIN - Wait A Minute...
Luminol Records / Ma.Ra.Cash
Genre: Art Rock / Instrumental
Format: CD / Bandcamp – 2021

Spicy Brains originated as an Italian instrumental trio consisting of Luca Quiriconi (guitar), Dario Grassi (drums), and Ivan Barassi (bass). The project developed around the desire to blend apparently distant genres that are nonetheless united by a strong dynamic drive: modern Progressive Rock, Metal, Funk deviations in the basslines (which at times may recall the eclectic and ironic approach of transalpine bands like Mörglbl), and constant psychedelic openings. After catching the attention of the independent label Luminol Records—which has always been attentive to Avant-Garde, Post-Rock, and Prog movements on both artistic and social levels—the band formalized their full-length debut precisely with “Wait A Minute...”. The record was mixed by Davide Pagano at Ultra Studio and mastered by Raimondo Maira, with artwork and graphics handled by Simonluca Spadanuda (Urbanmagic) and Gab.Gato. Since there are no lyrics, the album's concept must be found in the dramaturgical structure of the pieces. The band themselves stated that the "Spicy Brains" ("cervelli piccanti/frizzanti") approach is first and foremost a state of mind required to approach the listening experience actively. The tracks were born during long months of isolation and the subsequent restart, translating claustrophobia and the need for escapism into music.
Eccentric titles and unexpected harmonic solutions serve to soften the technical self-indulgence typical of certain Progressive Rock, offering an ironic outlet for the distortions of everyday life. The "interferenze" of the title translate into continuous time signature changes and geometric riffs that introduce the listener to the trio's cerebral complexity. The absence of vocals thus shifts the focus onto the listener's inner journey, stimulated by continuous dynamic contrasts through the relaxation of Funk against the drive of Metal.
The album unfolds across 9 tracks that showcase a tight interplay and an excellent transition between markedly heavy moments and irresistible grooves, starting with “Cosmic Interferenc”. “Leaving The Dream”, on the other hand, is a track with a more atmospheric breath in which the guitar weaves suspended melodic textures before the rhythm section takes over, shifting the center of gravity toward a modern and compact Prog Metal. Excellent bass work by Barassi.
The title track serves as a perfect programmatic manifesto. It is an invitation to pause, a halting of time punctuated by continuous stop-and-go moments, where the bass assumes a markedly Funky and pulsating role, dialoguing on equal terms with the evolutions of the six-string. “Downbeat” is built on odd time signatures and a square yet unpredictable rhythmic backbone, exploring the darker and more earthly nuances of the trio's sound. The band's irony shines through the title “Camel Fart”, a piece of very high technical content, demonstrating how executive complexity can marry pure fun.
Next is “Friends (Spicy Friendship)”, which celebrates the trio's alchemy and human cohesion. The melodic lines become warmer and more empathetic, highlighting the more purely Rock and communicative side of their music. Hypnotic Psychedelia is brought to light in the track “Cyclic Recycle”, an excellent example of how Spicy Brains manage the internal tension of a song through sonic layering. And then it is the turn of Prog Metal with “Pumapumku”, named after the famous Bolivian archaeological site known for its megalithic stone blocks fitted together to the millimeter. A perfect metaphor for the song's sonic architecture, made of heavy, precise, and geometric rhythmic interlockings.
Finally, “Sunny Midnight Date” plays on contrasts (sun/midnight). It showcases an oblique mood, suspended between nocturnal Psychedelia and flashes of Rock light.
“Wait A Minute...” thus reveals itself to be an excellent manifesto of homegrown instrumental Art Prog Rock: solid, free of genre barriers, and played with commendable executive freshness. MS

Mutazioni

MUTAZIONI – Autopsia Anima
Autoproduzione
Genere: Alternative Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Avrete notato anche voi che in ambito Rock e Pop, in Italia i gruppi , o come li chiamavano una volta “i complessi”, sono nel tempo quasi spariti. Non che i cantautori più impegnati abbiano subito sorte migliore, ma per fortuna nell’underground c’è sempre un filo di vento che denota la presenza di qualcuno che ha fatto di questa musica anche oggi un credo.
Molti ripercorrono le orme di uno stile magari già sentito, altri tentano di mettere del proprio analizzando sia il passato che il presente, il tutto filtrato attraverso la personalità evitando accuratamente l’AI.
I Mutazioni sono una band di Alternative Rock in continua mutazione che propone brani originali e come dicono loro, “influenzati dalle proprie influenze”. Esordiscono nel 2025 con l’album dal titolo omonimo, e a poca distanza di tempo rilasciano questo “Autopsia Anima”.
Il gruppo è formato da Alessandro Soncini (voce, testi), Emilio Pardo (chitarre), Carlo Mazzaccara (basso), Manuel Carbone (batteria, testi), e Filippo Terenzi (tastiere/synths, mix, mastering).
L'album si muove lungo un filo conduttore concettuale ben preciso, un percorso di decompressione e discesa verso l'ombra (Autopsia Anima, Peste Nera), che passa attraverso la tentazione e l'illusione (La Mela, Menzoniero), per poi cercare uno spiraglio di salvezza o di coscienza (Punti di Luce, Apnea) e chiudersi in uno stato di sospensione (Stazione di Passaggio).
Ed è proprio la title track ad aprire l’album con un sound vigoroso avvinghiato a quel Rock a cavallo fra ottimi riff di chitarra, e al movimento stesso degli anni ’80. Il testo affronta il tema della dissezione interiore, l'esame crudo e spietato dei propri fallimenti e delle proprie fragilità, trattando l'anima non come entità astratta, ma come materia da sezionare sul tavolo da gioco della vita.
Gradevole “La Mela” in cui il Rock sposa certe scelte care per esempio anche al nostro cantautore Nek. La mela rappresenta la tentazione primordiale, l'inganno luccicante della modernità. Il testo gioca con l'iconografia del peccato originale rivisitata in chiave contemporanea, il desiderio irrazionale di ciò che ci fa male e la consapevolezza della caduta.
Torna il Rock robusto con “Menzoniero”, la vera anima della band dove i testi mai banali s’incrociano con il piacere di vivere il Rock.
Il brano più strutturato dell’album s’intitola “Ordinaria Utopia” e si apre con una sezione introspettiva per poi svilupparsi in un crescendo dinamico con cambi di tempo e soli di chitarra/synth dal respiro nettamente Progressive. Il tema centrale è l'illusione della quotidianità. L'"utopia ordinaria" è il sogno di una vita perfetta o pacifica che si scontra regolarmente con la routine, le ipocrisie e le costrizioni della società moderna. “Peste Nera” è invece il momento più duro e aggressivo dell'album. Riff pesanti, ritmiche d'impatto e un'atmosfera opprimente come facevano i Litfiba negli anni ’80.
La svolta emotiva e luminosa del disco giunge attraverso “Punti Di Luce”, ed è la traccia della speranza e della consapevolezza.
“Apnea” si apre con un bel riff tagliente e riporta il tiro in ambito Rock al confine dell’Hard, mentre la chiusura spetta a “Stazione Di Passaggio”, movimento riflessivo e molto orecchiabile. Non c'è una vera conclusione o una meta finale, ma solo un luogo di transito in cui fare i conti con ciò che si è lasciato alle spalle e prepararsi al prossimo capitolo.
“Autopsia Anima” è un capitolo sincero di amore nei confronti di un genere che stenta a risalire a causa di una massiva proposta di brani odierni che lasciano il Rock in disparte a favore dell’AI e di altre tendenze che prediligono la leggerezza del “non pensare”. MS 

PER ASCOLTO: https://mutazioni.bandcamp.com/album/autopsia-anima

Versione Inglese: 

MUTAZIONI – Autopsia Anima
Self-released
Genre: Alternative Rock
Format: Bandcamp – 2026

You may have noticed as well that in the Rock and Pop sphere in Italy, bands—or "i complessi", as they used to be called—have almost disappeared over time. Not that the more politically and socially engaged singer-songwriters have met a better fate, but fortunately in the underground there is always a slight breeze indicating the presence of someone who has made this music a creed even today.
Many retrace the steps of a style that may have already been heard, while others try to contribute something of their own by analyzing both the past and the present, filtering it all through personality while carefully avoiding AI.
Mutazioni are an ever-evolving Alternative Rock band offering original tracks that are, as they put it, "influenced by their own influences." They debuted in 2025 with their self-titled album, and shortly thereafter they release this "Autopsia Anima".
The group consists of Alessandro Soncini (vocals, lyrics), Emilio Pardo (guitars), Carlo Mazzaccara (bass), Manuel Carbone (drums, lyrics), and Filippo Terenzi (keyboards/synths, mixing, mastering).
The album moves along a very specific conceptual thread, a path of decompression and descent into the shadows (Autopsia Anima, Peste Nera) that passes through temptation and illusion (La Mela, Menzoniero), before searching for a glimmer of salvation or awareness (Punti di Luce, Apnea) and closing in a state of suspension (Stazione di Passaggio).
And it is precisely the title track that opens the album with a vigorous sound clinging to that style of Rock bridging great guitar riffs and the movement of the '80s itself. The lyrics address the theme of inner dissection, the raw and ruthless examination of one's failures and vulnerabilities, treating the soul not as an abstract entity, but as matter to be dissected on the gaming table of life.
"La Mela" is pleasant, where Rock marries certain choices dear, for instance, to our own singer-songwriter Nek as well. The apple represents primordial temptation, the glittering deception of modernity. The lyrics play with the iconography of original sin revisited in a contemporary key, the irrational desire for what hurts us, and the awareness of the fall.
Robust Rock returns with "Menzoniero", the true soul of the band where lyrics that are never cliché intersect with the pleasure of living Rock.
The most structured track on the album is titled "Ordinaria Utopia", opening with an introspective section before developing into a dynamic crescendo featuring time signature changes and guitar/synth solos with a distinctly Progressive feel. The central theme is the illusion of everyday life. The "ordinary utopia" is the dream of a perfect or peaceful life that regularly clashes with routine, hypocrisies, and the constraints of modern society. "Peste Nera", on the other hand, is the heaviest and most aggressive moment of the album. Heavy riffs, impactful rhythms, and an oppressive atmosphere much like Litfiba used to do in the '80s.
The emotional and luminous turning point of the record arrives through "Punti Di Luce", representing the track of hope and awareness.
"Apnea" opens with a fine, sharp riff and brings the drive back into Rock territory bordering on Hard Rock, while the closing falls to "Stazione Di Passaggio", a reflective and very catchy movement. There is no true conclusion or final destination, but only a place of transit in which to reckon with what has been left behind and prepare for the next chapter.
"Autopsia Anima" is a sincere chapter of love toward a genre struggling to resurface due to a massive influx of contemporary songs that push Rock aside in favor of AI and other trends prioritizing the lightness of "not thinking." MS

For Listening: https://mutazioni.bandcamp.com/album/autopsia-anima

Onségen Ensemble

ONSÉGEN ENSEMBLE – A Tale
Karisma Records
Genere: Heavy Prog / Folk Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Il fascino del nord Europa è un fatto appurato, la meravigliosa natura in cui è sommerso, conduce artisticamente parlando, a realizzare lavori concatenati ad esso, alla sua oscurità e freddezza. Noi italici, che siamo avvinghiati alla solarità, subiamo particolarmente questo fascino proveniente da una cultura decisamente distante dalla nostra. La Finlandia, così come la Svezia e la Norvegia, è patria di grandi artisti dediti al Progressive Rock, così tanto da apportare negli anni ’90 nuova linfa ad un genere più o meno agonizzante. Anglagard, Anekdoten, Landberk, Ageness, Fruitcake, The Flower Kings, Sinkadus… I nomi sarebbero a centinaia, ma oggi veniamo ai nostri tempi con Onségen Ensemble.
Nati nel nord della Finlandia nella zona di Oulu/Hiukkavaara, a metà degli anni 2000, gli Onségen Ensemble non sono una band nel senso tradizionale del termine, ma un vero e proprio collettivo artistico in costante mutamento.  La loro filosofia si basa su una struttura fluida, un nucleo stabile di musicisti circondato da collaboratori ed ospiti che cambiano di album in album, portando ogni volta nuovi strumenti, voci e prospettive. Questa totale libertà stilistica ha permesso loro di evolversi senza rimanere intrappolati nei dogmi di un unico genere musicale.  Prima di arrivare ad “A Tale”, la formazione ha tracciato un percorso solido attraverso quattro capitoli discografici quali “Awalaï” (2016), “Duel” (2018), “Fear” (2020), e l’album fortemente apprezzato per le sue contaminazioni Jazz “Realms” (2022). La formazione attuale è composta da Heikki Hallanoro (percussioni), Tuuli Jartti (violino), Merja Järvelin (cori, artwork), Esa Juujärvi (basso, voce), Samuli Lindberg (batteria), Joni Mäkelä (chitarra), Vilma Pesola (voce), Mikko Vuorela (flauto, armonica), Jarmo Väärä (tromba).
Con “A Tale”, la produzione è stata affidata a Niko Lehdontie, noto per il suo lavoro con realtà di spicco della psichedelia e dell'underground finlandese come Oranssi Pazuzu e Kairon; IRSE!, che ha saputo donare all'album un sottile e ipnotico tocco psichedelico, perfettamente bilanciato da una profonda grazia melodica. A differenza dei dischi Rock tradizionali, qui la musica è prevalentemente strumentale e d'atmosfera, arricchita da vocalizzi evocativi, canti corali o minimali trame testuali usati come veri e propri strumenti aggiuntivi.
Il tema centrale attorno a cui ruota l'intero album è la pace. Il collettivo stesso lo ha descritto così:  "La pace in molti modi sembra l'unico valore che ha ancora un significato reale nel mondo di oggi. La pace è diversità, ciò che spesso non osiamo essere.". I "testi" e i titoli delle canzoni non raccontano quindi storie lineari, ma funzionano come suggestioni poetiche e filosofiche. È un viaggio lirico che affronta il contrasto primordiale tra luce e oscurità, la ricerca di un rifugio interiore e la malinconia legata a come l'essere umano ferisca e calpesti il concetto stesso di armonia e natura. L'album si sviluppa su una durata di circa 42 minuti divisa in 7 tracce, caratterizzate da un suono incredibilmente caldo, organico e stratificato, arricchito da flauti, violini, trombe e percussioni tribali. “Garden Of Celestials” è il brano d'apertura e trasporta immediatamente l'ascoltatore nello spazio cosmico. L'atmosfera è oscura, eterea e solenne. Le trame sonore si stratificano lentamente creando la sensazione di un viaggio notturno o di un'introduzione rituale verso un giardino mitologico. “To Be Led By The Lost” è struggente e a tratti tetra, dove riemergono con forza le radici Jazz della band. Gli arrangiamenti dei fiati si intrecciano a una sezione ritmica deliziosamente malinconica, costruendo una tensione emotiva che cresce minuto dopo minuto. In “A Thought” regna una dimensione di pace e introspezione più pura. Il pezzo si distingue per una qualità quasi tribale e cerimoniale, guidata da percussioni calde e da voci avvolgenti che sembrano sollevarsi per cullarci. Fra i pezzi che ho maggiormente apprezzato c’è “The Word”, costruito su un riff di chitarra magnetico e ripetitivo che crea dipendenza. Su questa base, l'ensemble si diverte a giocare con sfumature che richiamano lo stile delle colonne sonore Spaghetti Western (alla Ennio Morricone), dilatando e manipolando il motivo principale in modo imprevedibile. Molto bella anche la conclusiva “Crystal Waters Of Spring”, qui a sorpresa, la band introduce stupende e avvolgenti sonorità orientali che stravolgono la narrazione.
Chiudete gli occhi e lasciatevi guidare, perchè “A Tale” è il suono prezioso di un'armonia che credevamo perduta. MS

Versione Inglese: 

ONSÉGEN ENSEMBLE – A Tale
Karisma Records
Genre: Heavy Prog / Folk Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

The allure of Northern Europe is an established fact; the wonderful nature in which it is immersed leads, artistically speaking, to the creation of works deeply linked to it, to its darkness and coldness. We Italics, who are clung to sunniness, are particularly subject to this fascination coming from a culture that is decidedly distant from ours. Finland, just like Sweden and Norway, is home to great artists dedicated to Progressive Rock, so much so that in the 90s they brought new life to a genre that was more or less agonizing. Änglagård, Anekdoten, Landberk, Ageness, Fruitcake, The Flower Kings, Sinkadus… The names could be in the hundreds, but today we come to our times with Onségen Ensemble.
Born in northern Finland in the Oulu/Hiukkavaara area in the mid-2000s, Onségen Ensemble are not a band in the traditional sense of the term, but a true artistic collective in constant mutation. Their philosophy is based on a fluid structure, a stable core of musicians surrounded by collaborators and guests who change from album to album, bringing new instruments, voices, and perspectives each time. This total stylistic freedom has allowed them to evolve without remaining trapped in the dogmas of a single musical genre. Before arriving at “A Tale”, the line-up traced a solid path through four discographical chapters such as “Awalaï” (2016), “Duel” (2018), “Fear” (2020), and the highly appreciated album for its Jazz contaminations “Realms” (2022). The current line-up consists of Heikki Hallanoro (percussion), Tuuli Jartti (violin), Merja Järvelin (backing vocals, artwork), Esa Juujärvi (bass, vocals), Samuli Lindberg (drums), Joni Mäkelä (guitar), Vilma Pesola (vocals), Mikko Vuorela (flute, harmonica), Jarmo Väärä (trumpet).
With “A Tale”, the production was entrusted to Niko Lehdontie, known for his work with prominent entities of the Finnish psychedelic and underground scene such as Oranssi Pazuzu and Kairon; IRSE!, who was able to give the album a subtle and hypnotic psychedelic touch, perfectly balanced by a profound melodic grace. Unlike traditional Rock records, the music here is predominantly instrumental and atmospheric, enriched by evocative vocalizations, choral chants, or minimal textual textures used as real additional instruments.
The central theme around which the entire album revolves is peace. The collective itself described it as follows: "Peace in many ways seems to be the only value that still has real meaning in today's world. Peace is diversity, what we often do not dare to be.". The "lyrics" and the song titles do not therefore tell linear stories, but function as poetic and philosophical suggestions. It is a lyrical journey that addresses the primordial contrast between light and darkness, the search for an inner refuge, and the melancholy linked to how human beings wound and trample upon the very concept of harmony and nature. The album develops over a duration of about 42 minutes divided into 7 tracks, characterized by an incredibly warm, organic, and layered sound, enriched by flutes, violins, trumpets, and tribal percussion. “Garden Of Celestials” is the opening track and immediately transports the listener into cosmic space. The atmosphere is dark, ethereal, and solemn. The sonic textures layer slowly, creating the feeling of a night journey or a ritual introduction towards a mythological garden. “To Be Led By The Lost” is poignant and at times bleak, where the band's Jazz roots re-emerge with strength. The brass arrangements intertwine with a deliciously melancholic rhythm section, building an emotional tension that grows minute by minute. In “A Thought” a dimension of purer peace and introspection reigns. The piece stands out for an almost tribal and ceremonial quality, guided by warm percussion and enveloping voices that seem to lift up to cradle us. Among the pieces I appreciated the most is “The Word”, built on a magnetic and repetitive guitar riff that is highly addictive. On this basis, the ensemble enjoys playing with nuances that recall the style of Spaghetti Western soundtracks (à la Ennio Morricone), dilating and manipulating the main motif in an unpredictable way. Very beautiful is also the concluding “Crystal Waters Of Spring”, where surprisingly, the band introduces wonderful and enveloping oriental sonorities that completely overturn the narrative.
Close your eyes and let yourself be guided, because “A Tale” is the precious sound of a harmony we thought was lost. MS

  

GTO

GTO – Boomer
Music Force / Egea Music Distribution
Genere: Rock / Folk
Supporto: CD – 2026

Finalmente una band che approfondisce l’immensa forza di adattamento alla vita di un intera generazione, quella nata negli anni ’60: I cosiddetti Boomer. Sono coloro passati per un infanzia creativa, fra giochi manuali, lavoro duro e soprattutto hanno saputo stare al passo con i tempi. Potremmo definirli, in modo scherzoso, dei veri e propri supereroi.
Non a caso tale argomento viene sviscerato da una band che ha quell’età anagrafica, ma che soprattutto ha ascoltato sin da giovani una ottima musica, il Rock quando era il Rock!
I GTO si formano a San Leo Bastia in provincia di Perugia nell’anno 1993. Hanno costruito negli anni un’identità musicale trascinante e inconfondibile, spesso definita "glocal", ossia una sintesi esplosiva tra il Folk d'autore italiano, il Rock, i ritmi balcanici, le influenze caraibiche (Ska e Reggae) e le sonorità americane. Agli esordi vengono notati a “Rockin' Umbria” dove aprono per Willy DeVille e nel 1998 vincono “Arezzo Wave” con il brano “Fiori Nel Fiume”. Sulla spinta di tour incessanti in Italia e in Europa, compreso un tour nel Regno Unito, pubblicano album fondamentali come “GTOCLUB” (2002), “GTOSPECIAL” 2007, contenente il singolo cult “La Sposa” e “Mondiàl” (2010). Le loro canzoni finiscono in colonne sonore di film indipendenti e serie TV europee. Celebrano i vent'anni di carriera con “Little Italy”, prodotto da Leonardo "Fresco" Beccafichi e rappresentano l'Umbria all'EXPO di Milano nel 2015. Nel 2023 festeggiano i trent'anni di attività con il doppio cd antologico “Go GTO Go (1993-2023)”. Oggi sono tornati con il progetto e il tour “Boomer”. Questo album è un manifesto di maturità, un viaggio tra autoironia generazionale, storie da bar, ritratti sociali e tanta energia acustica ed elettrica.
Ed ecco immediatamente un inno generazionale ad aprire il percorso, la title track “Boomer” con il suo movimento Ska. Il testo cita Pasolini, Fellini, i dischi in vinile, i Beatles, Bob Dylan, l'estate dell'amore e i ricordi dei Mondiali. Non è un lamento passatista, ma la presa di coscienza di una generazione cresciuta con le utopie degli anni '60/'70 che cercava risposte e ha capito "che risposta non c'è". Quel “Bum, bum, Boomer” del ritornello è perfettamente adatto per la sessione live, immediato e trascinante sorretto da una sezione ritmica incalzante che trasforma la memoria in una festa.
Un altro amarcord è la “Gita Del Quinto” fra ritmi popolari e sonorità fisarmoniche acustiche dal sapore itinerante, perfette per restituire l'atmosfera di un pullman in viaggio. Il testo descrive le prime trasgressioni, le cotte scolastiche e la sensazione di libertà imperfetta tipica dei diciotto anni.
Raggrupperei ora tre brani, “Bella Bellissima”, “Se Tu Non Avessi Me” e “Oscar”, ballate calde e mid-tempo, dove la voce solista si appoggia su intrecci di chitarre acustiche, organo e ritmiche morbide. Sono la sfaccettatura più cantautorale e intima del disco dove si parla di relazioni non convenzionali, di figure al margine della società e di sentimenti quotidiani vissuti con genuinità.
Sia “Giamaica” che “Gin And Tonic” invece rappresentano l'anima più leggera e festosa della band, fatta di evasione, notti d'estate, brindisi e voglia di staccare la spina. Dominano le ritmiche in levare (Ska e Reggae), con una sezione fiati brillante che richiama l'atmosfera dei loro storici concerti nelle piazze.
Ed ecco giungere i GTO ad apporre uno sguardo sul “da dove veniamo”, quella musica che è stata l’inizio di tutta la fase moderna, ossia il Blues e lo fanno attraverso l’omaggio a “Robert Johnson” che non può essere che un riuscito innesto tra il Roots Blues americano e la sensibilità Folk Rock mediterranea della band, dove chitarre ruvide ed energia da strada si fondono.
Simpatico il Punk Folk di “TSO (Trattamento Sanitario Obbligatorio)”, un brano satirico e graffiante che ribalta il concetto di follia, in una società nevrotica e omologata, chi è davvero il pazzo da ricoverare?
Uno sguardo all’America Rock con “New York City”, mentre “Pirata” narra la storia di un uomo che si innamora di una donna su una musica cantautorale dal profumo anni ’70.
“Storia Di Chiara”  è una ballata acustica nostalgica che ricorda un amica di scuola e a questo punto giungono due bonus track, “Orgoglio” cantata dall’ospite Maria Elisa Bernardini e “Straniera” con Angelique”, entrambe eleganti e molto orecchiabili. Quest’ultima è un racconto delicato sull'incontro con il diverso, le radici geografiche e l'emigrazione, temi da sempre cari al songwriting dei GTO. E’ un tessuto Etno Folk avvolgente, guidato da strumenti acustici e da un arrangiamento che mescola melodie nostrane e influenze multiculturali.
In conclusione, “Boomer” è un disco che trasmette molta allegria ed adatto per molteplici occasioni, come per esempio un bel viaggio in macchina. L'album riesce a far ballare riflettendo sul tempo che passa, confermando la band umbra come una garanzia di musica popolare d'autore. MS

Versione Inglese: 

GTO – Boomer
Music Force / Egea Music Distribution
Genre: Rock / Folk
Format: CD – 2026

Finally, a band that delves into the immense adaptive strength to life of an entire generation, the one born in the '60s: the so-called Boomers. They are the ones who went through a creative childhood filled with hand-made games, hard work, and above all, knew how to keep up with the times. We could playfully define them as true superheroes.
It is no coincidence that this topic is thoroughly explored by a band of that age group, but above all, one that listened to excellent music from a young age—Rock when it was Rock!
GTO was formed in San Leo Bastia in the province of Perugia in the year 1993. Over the years, they have built a compelling and unmistakable musical identity, often described as "glocal"—an explosive synthesis of Italian singer-songwriter Folk, Rock, Balkan rhythms, Caribbean influences (Ska and Reggae), and American sounds. Early in their career, they were noticed at “Rockin' Umbria,” where they opened for Willy DeVille, and in 1998, they won “Arezzo Wave” with the track “Fiori Nel Fiume”. Driven by relentless touring in Italy and Europe, including a UK tour, they released landmark albums such as “GTOCLUB” (2002), “GTOSPECIAL” 2007 (featuring the cult single “La Sposa”), and “Mondiàl” (2010). Their songs ended up on the soundtracks of independent films and European TV series. They celebrated their twenty-year career with “Little Italy,” produced by Leonardo "Fresco" Beccafichi, and represented Umbria at the Milan EXPO in 2015. In 2023, they celebrated thirty years of activity with the double anthological CD “Go GTO Go (1993-2023)”. Today they are back with the project and tour “Boomer”. This album is a manifesto of maturity, a journey through generational self-irony, bar stories, social portraits, and plenty of acoustic and electric energy.
And here immediately is a generational anthem opening the tracklist: the title track “Boomer” with its Ska groove. The lyrics reference Pasolini, Fellini, vinyl records, the Beatles, Bob Dylan, the summer of love, and memories of the World Cup. It is not a nostalgic lament, but the realization of a generation that grew up with the utopias of the '60s/'70s, seeking answers and understanding "che risposta non c'è" (that there is no answer). That “Bum, bum, boomer” of the chorus is perfectly suited for live sessions—immediate and compelling, backed by a driving rhythm section that transforms memory into a celebration.
Another amarcord is “Gita Del Quinto”, blending popular rhythms and acoustic accordion sounds with a traveling flavor, perfect for capturing the atmosphere of a tour bus journey. The lyrics describe first transgressions, school crushes, and that sense of imperfect freedom typical of being eighteen.
I would now group three tracks: “Bella Bellissima”, “Se Tu Non Avessi Me”, and “Oscar”—warm, mid-tempo ballads where the lead vocal rests on woven acoustic guitars, organ, and smooth rhythms. They represent the more intimate, singer-songwriter side of the record, dealing with unconventional relationships, figures on the margins of society, and everyday feelings experienced with genuineness.
Both “Giamaica” and “Gin And Tonic”, on the other hand, represent the band's lighter, more festive soul—made of escapism, summer nights, toasts, and the desire to unplug. Offbeat rhythms (Ska and Reggae) dominate, accompanied by a bright horn section that recalls the atmosphere of their historic square concerts.
And here come GTO casting a glance at "where we come from"—the music that marked the beginning of the entire modern era: the Blues. They do so through a tribute to “Robert Johnson”, which is a successful blend of American Roots Blues and the band's Mediterranean Folk Rock sensibility, where gritty guitars and street energy fuse together.
The Punk Folk of “TSO (Trattamento Sanitario Obbligatorio)” is delightful—a satirical, biting track that turns the concept of madness on its head: in a neurotic, homogenized society, who is really the crazy one to be institutionalized?
A nod to American Rock comes with “New York City”, while “Pirata” tells the story of a man falling in love with a woman set to a singer-songwriter style music with a '70s feel.
“Storia Di Chiara” is a nostalgic acoustic ballad recalling a school friend, leading into two bonus tracks: “Orgoglio”, sung by guest Maria Elisa Bernardini, and “Straniera” featuring Angelique, both elegant and very catchy. The latter is a delicate tale about encountering the other, geographical roots, and emigration—themes long dear to GTO's songwriting. It features an enfolding Ethno Folk texture, guided by acoustic instruments and an arrangement that mixes Italian melodies with multicultural influences.
In conclusion, “Boomer” is an album that conveys great joy and is suitable for many occasions, such as a nice car ride. The album manages to get people dancing while reflecting on the passage of time, confirming the Umbrian band as a guaranteed benchmark for quality popular music. MS