Dischi rari del Rock Progressivo Italiano

DISCHI RARI DEL ROCK PROGRESSIVO ITALIANO

Di Massimo Salari

Il Rock Progressivo Italiano (RPI) degli anni '70 è uno dei mercati più folli, desiderati e costosi al mondo per i collezionisti di vinile. All'epoca, molti di questi album stampati da etichette minuscole (come la Picci, la Kansas o la Bla Bla) vendettero pochissime copie, spesso poche centinaia. Oggi, la combinazione tra copertine elaborate (apribili, sagomate, a tre ante) e la scarsità di copie originali in condizioni Mint (M) o Near Mint (NM) ha spinto i prezzi alle stelle.

Ho fatto una ricerca accurata su internet, passando per Discogs e l’IA ed ecco una piccola panoramica delle quotazioni reali e storiche per le "prime stampe originali" dei titoli più rari e costosi in assoluto.

 

Il Club dei 4.000€ e oltre (I "Sacri Graal")

 

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.500€
• Perché costa così tanto: Dietro lo pseudonimo Cherry Five si nascondevano i primissimi Goblin (prima del successo di Profondo Rosso). Cantato in inglese, l'album è un capolavoro prog-sinfonico influenzato dai Genesis. Pochissime copie stampate all'epoca e una richiesta internazionale (soprattutto dal Giappone) spaventosa.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Quotazione stimata: 3.500€ – 4.000€
• Perché costa così tanto: Uscito per la piccolissima etichetta romana Picci. Un mix incredibile di hard-prog e sfumature jazz, con una splendida copertina apribile. Trovare una copia originale intatta, senza scritte o usura sulla delicata copertina, è un'impresa quasi impossibile.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Quotazione stimata: 3.000€ – 3.800€ (Se completo di poster originale)
• Perché costa così tanto: Tecnicamente italo-tedeschi, ma il disco è italianissimo per produzione. Famoso per la provocatoria copertina con i membri della band nudi. Se la copia include il rarissimo poster interno, la cifra schizza immediatamente verso la fascia più alta del mercato.

 

La Fascia d'Oro (Tra i 1.500€ e i 3.000€)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Quotazione stimata: 2.500€ – 3.000€
• Perché costa così tanto: Il prog più oscuro, esoterico e gotico mai registrato in Italia, dominato dall'organo da chiesa e dalla voce di Fiamma Dallo Spirito. Stampato privatamente in pochissime copie (si dice solo qualche centinaio), l'originale ha un valore immenso.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Quotazione stimata: 2.000€ – 2.500€
• Perché costa così tanto: Musicalmente sublime, ma a far schizzare il prezzo è la leggendaria copertina apribile a tre ante (triple gatefold) disegnata da Adriano Marangoni (quella con la colomba e le bombe). Trovare la struttura di cartone perfettamente conservata e senza strappi è rarissimo.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Quotazione stimata: 1.800€ – 2.300€
• Perché costa così tanto: Solo una manciata di copie stampate dall'etichetta Kansas per questo gioiello di prog sinfonico malinconico e raffinato. Nel mercato collezionistico internazionale è uno dei pezzi più cercati in assoluto.

 

I Grandi Classici Rari (Tra i 1.000€ e i 1.500€)

 

Ecco dischi di band più note ma le cui prime stampe originali con copertine specifiche mantengono cifre a quattro zeri:

 

Artista / Titolo	Etichetta / Anno	Quotazione (Mint/NM)	Elemento di Rarità
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	1.200€ – 1.400€	Il loro primo album, stampato in pochissime copie rispetto al successivo Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	1.300€ – 1.500€	Rarissimo heavy-prog piemontese, pochissimi passaggi sul mercato.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	1.000€ – 1.300€	Prima stampa con copertina apribile testurizzata e l'iconico collage.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	800€ – 1.100€	Solo se ha la celebre copertina a forma di salvadanaio sagomato con la linguetta intatta.

 

Regola d'oro del collezionismo Prog: Nel mercato del RPI, la differenza tra una copia VG (Very Good) e una Mint (Perfetta) può variare anche del 70% del valore. Le quotazioni sopra indicate si riferiscono esclusivamente a copie originali dell'epoca, complete di tutti gli inserti e in condizioni eccellenti. Le centinaia di ristampe successive (Akarma, BTF, Vinyl Magic) valgono mediamente tra i 20€ e i 40€.

Versione Inglese:

RARE ITALIAN PROGRESSIVE ROCK RECORDS

By Massimo Salari

1970s Italian Progressive Rock (RPI) is one of the craziest, most sought-after, and most expensive markets in the world for vinyl collectors. At the time, many of these albums were released by tiny labels (such as Picci, Kansas, or Bla Bla) and sold very few copies, often just a few hundred. Today, the combination of elaborate artwork (gatefold, shaped, or triple-gatefold covers) and the extreme scarcity of original copies in Mint (M) or Near Mint (NM) condition has driven prices through the roof.

I have conducted thorough research online, cross-referencing Discogs and AI data, and here is an overview of the actual and historical market values for the "first original pressings" of the rarest and most expensive titles of all time.

The €4,000+ Club (The "Holy Grails")

Cherry Five – Cherry Five (Cinevox, 1975)

• Estimated Value: €3,500 – €4,500
• Why it costs so much: Hidden behind the pseudonym Cherry Five were the very early members of Goblin (before their breakthrough success with Profondo Rosso). Sung in English, this album is a symphonic-prog masterpiece heavily influenced by Genesis. With very few copies pressed back then, international demand (especially from Japan) is staggering.

La Seconda Genesi – Tutto deve finire (Picci, 1972)

• Estimated Value: €3,500 – €4,000
• Why it costs so much: Released by the tiny Roman label Picci, this is an incredible blend of hard-prog and jazz undertones, housed in a stunning gatefold cover. Finding an intact original copy without writing or ring-wear on its delicate sleeve is an almost impossible feat.

Analogy – Analogy (Dischi Produzioni Ventotto, 1972)

• Estimated Value: €3,000 – €3,800 (If complete with the original poster)
• Why it costs so much: Technically an Italian-German line-up, but the record is entirely Italian in terms of production. It is famous for its provocative cover art featuring the band members naked. If a copy includes the ultra-rare inner poster, the price immediately skyrockets toward the highest tier of the market.
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The Golden Range (Between €1,500 and €3,000)

Jacula – Tardo Pede In Magiam Versus (The Rogers, 1972)

• Estimated Value: €2,500 – €3,000
• Why it costs so much: The darkest, most esoteric, and gothic progressive rock ever recorded in Italy, dominated by church organ and the haunting vocals of Fiamma Dallo Spirito. Privately pressed in a micro-run (rumored to be just a few hundred copies), an original is of immense value today.

Alphataurus – Alphataurus (Magma, 1973)

• Estimated Value: €2,000 – €2,500
• Why it costs so much: Musically sublime, but what truly drives the price up is the legendary triple-gatefold cover designed by Adriano Marangoni (the one featuring the dove and the bombs). Finding the cardboard structure perfectly preserved without splits or tears is exceptionally rare.

E.A. Poe – Generazioni (Storia di sempre) (Kansas, 1975)

• Estimated Value: €1,800 – €2,300
• Why it costs so much: Only a handful of copies were pressed by the Kansas label for this melancholic and refined symphonic-prog gem. It remains one of the most relentlessly hunted pieces in the international collecting scene.

The Great Rare Classics (Between €1,000 and €1,500)

These are records by more widely recognized bands, yet their first original pressings with specific cover variations still command four-figure prices:

Artist / Title	Label / Year	Valuation (Mint/NM)	Element of Rarity
Il Balletto di Bronzo – Sirio 2222	RCA, 1970	€1,200 – €1,400	Their debut album, pressed in far fewer numbers compared to their subsequent masterpiece Ys.
Gli Alluminogeni – Scolopendra	Fonit, 1972	€1,300 – €1,500	Ultra-rare heavy-prog from Piedmont; it almost never surfaces on the market.
Museo Rosenbach – Zarathustra	Ricordi, 1973	€1,000 – €1,300	First pressing featuring the textured gatefold sleeve and the iconic collage artwork.
Banco del Mutuo Soccorso – S/T	Ricordi, 1972	€800 – €1,100	Only if it features the famous moneybox-shaped sleeve with the pop-up tab completely intact.

The Golden Rule of Prog Collecting: In the RPI market, the price gap between a VG (Very Good) copy and a Mint (Perfect) one can vary by up to 70% of the total value. The valuations listed above refer exclusively to period-correct original copies, complete with all original inserts and in top-tier condition. The hundreds of subsequent reissues (Akarma, BTF, Vinyl Magic) are generally worth between €20 and €40.

 

VIII Strada

VIII STRADA – Città Totale
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock / Progressive Metal
Supporto: 2CD / Bandcamp – 2026

Ho decantato sin dagli esordi discografici datati 2008 con “La Leggenda Della Grande Porta”, le qualità della band lombarda  (Milano) VIII Strada, ritenendola una ventata fresca per il panorama nostrano. Nel 2015 consolidano la loro impronta stilistica virando verso sonorità più moderne e graffianti, vicine al Progressive Metal, con l'album “Babylon”. Con grande piacere li ritrovo oggi con questa monumentale opera suddivisa in due CD: il primo mostra la band live assieme alla cover di “Canzone D’Amore” delle Orme e due inediti in studio: “Città Totale” e “Quale primavera”. Il secondo CD riporta per intero l’album d’esordio rimasterizzato “La Leggenda Della Grande Porta”.
Gli VIII Strada oggi sono: Tito Vizzuso (voce), Davide Zigliani (chitarre), Sergio Merlino (basso), Sigfrido Percich (batteria), mentre le parti tastieristiche sono affidate a Silvano Negrinelli.
Il live inizia con forza e grande intento attraverso una mini suite di dieci minuti che vede i brani “Preludio a Eclypse / Eclipse Anulaire / Deguello” tratti dall’album “Babylon” (2015). Le tastiere sinfoniche di Negrinelli si intrecciano con riff di chitarra serrati e una sezione ritmica geometrica e potente. È il manifesto del loro lato più Prog Metal, fatto di continui cambi di tempo e virtuosismi mai fini a se stessi. La narrazione è affidata interamente all'evocazione sonora, un climax drammatico che prepara l'ascoltatore a un viaggio intenso.
Dallo stesso album è tratta “1403, Storia In Firenze”, uno dei cavalli di battaglia della band. Molto dinamico, vive di contrasti tra momenti più acustici e aperture orchestrali. Il testo racconta una vicenda intima e reale calata nel contesto della Firenze rinascimentale, esplorando l'animo umano, il destino e il legame profondo con l'arte e i luoghi del passato.
“Ulysses” live acquista teatralità e il mito di Ulisse rivive ancora. La voce di Tito Vizzuso sale in cattedra mostrando una grande estensione e drammaticità interpretativa, supportata da arrangiamenti cupi e maestosi.
Toccante la versione cover di “Canzone D’amore” della band lagunare Orme, gli VIII Strada riescono a indossare il brano come un vestito tagliato per l’occasione. E veniamo agli inediti in studio ad iniziare proprio dalla title track “Città Totale”; qui la band spinge sull'acceleratore della modernità dove le tastiere dialogano con chitarre affilate, pur mantenendo quell'eleganza melodica tipicamente italiana nei ritornelli. Esso vuole essere una critica e al contempo un quadro distopico delle metropoli moderne. La “Città Totale” rappresenta l'alienazione urbana, la frenesia che annulla l'individuo e la perdita del contatto umano a favore dell'iper-connessione e del cemento. Un grido di ribellione emotiva per ritrovare se stessi.
Il secondo inedito porta il titolo di “Quale Primavera” e si muove su coordinate più intimiste, dove la band sperimenta con sfumature Hard Rock melodiche senza rinunciare ai tempi dispari. L'interscambio tra i musicisti è fluido e maturo grazie anche all’apporto di Tito Vizzuso e Silvano Negrinelli alle tastiere.
Il secondo CD, come già detto, riporta l’album d’esordio suonato in maniera rodata,  ed il tempo sembra non averlo scalfito, grazie anche ad un buon lavoro di rimasterizzazione.
In conclusione, "Città Totale" non è un semplice riempitivo, ma una vera e propria dichiarazione d'intenti degli VIII Strada. La scelta di abbinare il fuoco delle registrazioni live e i nuovi brani all'eleganza rimasterizzata de “La Leggenda Della Grande Porta”, crea un ponte perfetto tra il Prog sinfonico delle origini e il moderno e graffiante volto attuale della band. Gran bella realtà. MS

Versione Inglese: 

VIII STRADA – Città Totale
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock / Progressive Metal
Format: 2CD / Bandcamp – 2026

Ever since their 2008 recording debut with “La Leggenda Della Grande Porta”, I have praised the qualities of the Lombard band (Milan) VIII Strada, considering them a breath of fresh air for our local scene. In 2015, they consolidated their stylistic imprint, shifting towards modern and sharper sounds close to Progressive Metal with the album “Babylon”. It is with great pleasure that I find them again today with this monumental work divided into two CDs: the first presents the band live along with a cover of Le Orme's “Canzone D’Amore” and two unreleased studio tracks: “Città Totale” and “Quale primavera”. The second CD includes their debut album “La Leggenda Della Grande Porta” in its entirety, fully remastered.
Today, VIII Strada are: Tito Vizzuso (vocals), Davide Zigliani (guitars), Sergio Merlino (bass), Sigfrido Percich (drums), while keyboard duties are handled by Silvano Negrinelli.
The live set begins with strength and great purpose through a ten-minute mini-suite featuring the tracks “Preludio a Eclypse / Eclipse Anulaire / Deguello” taken from the album “Babylon” (2015). Negrinelli's symphonic keyboards intertwine with tight guitar riffs and a geometric, powerful rhythm section. It is the manifesto of their most Prog Metal side, built upon continuous time signature changes and virtuosity that is never an end in itself. The narrative is left entirely to sonic evocation, a dramatic climax that prepares the listener for an intense journey.
From the same album comes “1403, Storia In Firenze”, one of the band's workhorses. Highly dynamic, it thrives on contrasts between more acoustic moments and orchestral openings. The lyrics tell an intimate and real story set in the context of Renaissance Florence, exploring the human soul, destiny, and a deep connection with the art and places of the past.
“Ulysses” live gains theatricality, and the myth of Ulysses lives once more. Tito Vizzuso's vocals take center stage, showing great range and dramatic interpretation, supported by dark and majestic arrangements.
The cover version of “Canzone D’amore” by the Venetian band Le Orme is touching; VIII Strada manage to wear the song like a custom-tailored suit for the occasion.
And we come to the unreleased studio tracks, starting right from the title track “Città Totale”; here the band steps on the accelerator of modernity, where keyboards dialogue with sharp guitars while still maintaining that typically Italian melodic elegance in the choruses. It aims to be a critique and, at the same time, a dystopian picture of modern metropolises. “Città Totale” represents urban alienation, the frenzy that nullifies the individual, and the loss of human contact in favor of hyper-connectivity and concrete. A cry of emotional rebellion to find oneself again.
The second unreleased track is titled “Quale Primavera” and moves along more intimate lines, where the band experiments with melodic Hard Rock nuances without giving up odd time signatures. The interplay between the musicians is fluid and mature, thanks also to the contribution of Tito Vizzuso and Silvano Negrinelli on keyboards.
The second CD, as previously mentioned, presents the debut album played in a well-seasoned manner, and time seems to have left it unscathed, thanks also to a fine remastering job.
In conclusion, "Città Totale" is not a mere filler, but a true statement of intent by VIII Strada. The choice to combine the fire of the live recordings and the new tracks with the remastered elegance of “La Leggenda Della Grande Porta” creates a perfect bridge between the symphonic Prog of their origins and the modern, sharp current face of the band. A truly great musical reality. MS

Marco Ragni

MARCO RAGNI - The Radical Act
Autoproduzione
Genere: Psichedelico / Rock Progressivo
Supporto: CD / Bandcamp 2026

Il panorama del Progressive Rock italiano contemporaneo vede in Marco Ragni una delle sue menti più eclettiche, e profondamente legate alla Psichedelia oltre al sinfonismo moderno. Il polistrumentista, cantante e produttore è tornato sulle scene con un'opera densa e ricca di sfumature emotive: “The Radical Act”, suo diciassettesimo sigillo in studio.
Questo lavoro consolida un sodalizio artistico profondo con Bjørn Riis, lo straordinario chitarrista e leader dei norvegesi Airbag, il cui tocco malinconico e fortemente debitore dello stile di David Gilmour si sposa magnificamente con il tessuto sonoro di Ragni. Assieme a loro, suonano nel disco Giovanni Ciarallo (chitarra), Michele Zappacosta (basso), Maurizio Antonini (batteria), John Simms (chitarra), Antonio Di Mirto (chitarra acustica), Damien Griese (tastiere), e Manuel Mant (batteria).
Prima di analizzare l'album, è fondamentale inquadrare l'artista. Ragni ha alle spalle decenni di militanza sotterranea e internazionale, muovendosi inizialmente nei tardi anni '80 con band Psichedeliche e Prog / Space Rock prima di intraprendere una fortissima carriera solista. La sua musica non è mai stata un semplice revival nostalgico degli anni '70,ha saputo declinare il Progressive unendo la scuola californiana e la Psichedelia cosmica con il calore tipico del Rock sinfonico europeo.
Polistrumentista completo, cura chitarre acustiche, tastiere e linee vocali, collaborando spesso con giganti del Prog moderno (come Peter Jones dei Camel, Durga McBroom e, per l'appunto, Bjørn Riis). La sua cifra stilistica risiede nel concept profondo, nell'uso di atmosfere spaziali e in una critica spassionata ma poetica alle distorsioni della società moderna e tecnologica.
Sette i brani che formano “The Radical Act”, ad iniziare dai dieci minuti della Pinkfloydiana “The Radical Act”, sorretta da un refrain e un riff imponente per emotività e legata al passato. Qui l'intervento di Bjørn Riis alla chitarra solista è monumentale, un assolo lirico, carico di sustain e di quella struggente malinconia nordica che caratterizza le produzioni Airbag. Musicalmente è un crescendo che simboleggia la presa di coscienza.
Ancora più Rock e ricca di cambi umorali è la successiva “The Crack In The Sky”, qui davvero c’è molto materiale per gli amanti della chitarra elettrica, ossia per tutti coloro che fanno dell’assolo un credo imprescindibile. La traccia evoca un senso di rottura imminente, una spaccatura sia fisica che spirituale nel velo della nostra percezione. Lo stesso vale per l’inizio di “The Machine Grinds On”, brano che alterna la formula canzone al Post Prog Moderno con semplicità disarmante a testimonianza delle alte qualità compositive (e naturali) di Marco Ragni. Buono anche il cantato dal profumo anni ’70. Il contrasto drammatico è acuito dalla chitarra di Riis, che taglia il mix con graffi elettrici dolorosi e intensi.
“The Frequency Shift” ha un inizio psichedelicamente intenso per poi lanciarsi nel mondo sonoro che lo contraddistingue, otto minuti abbondanti che diventano rocciosi e vigorosi fra stop & go percorrendo passaggi acustici delicati e pastorali sino a raggiungere esplosioni Space Rock di grande impatto emotivo.
“The Ego Screams Back” descrive una battaglia interiore, un rifiuto delle vecchie sovrastrutture mentali che cercano di riprendere il controllo, il tutto bene interpretato vocalmente e prossimo ad alcuni frangenti Porcupine Tree. Ed è la volta di “The Liminal Space”, una traccia d'atmosfera purissima, quasi Ambient Prog. È il momento del silenzio interiore, dello spazio di mezzo tra ciò che si era e ciò che si sta per diventare. La chitarra acustica di Scott Adams lascia spazio all’immancabile e toccante solo di chitarra elettrica, creando una bolla sonora sospesa nel tempo, priva di urgenza ritmica. Il cerchio si chiude con “The Radical Act (Epilogue)”, una ripresa del tema principale, ma con una consapevolezza diversa. L'arrangiamento si spoglia della tensione precedente per approdare a un finale liberatorio.
Dal punto di vista lirico, “The Radical Act” è un concept album di stampo filosofico ed esistenziale. L’atto radicale a cui fa riferimento il titolo non è una rivoluzione politica violenta, ma un atto di ribellione intima e interiore contro l'era dell'alienazione artificiale.
Un'opera matura, che conferma Marco Ragni come uno degli autori più lucidi e sensibili del Progressive Rock nostrano e internazionale. MS

ASCOLTO: https://marcoragni.bandcamp.com/album/the-radical-act-featuring-bj-rn-riis

Versione Inglese:

MARCO RAGNI - The Radical Act
Self-released
Genre: Psychedelic / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp 2026

The panorama of contemporary Italian Progressive Rock sees in Marco Ragni one of its most eclectic minds, deeply connected to Psychedelia as well as modern symphonism. The multi-instrumentalist, singer, and producer has returned to the scene with a dense work rich in emotional nuances: “The Radical Act”, his seventeenth studio seal.
This work consolidates a deep artistic partnership with Bjørn Riis, the extraordinary guitarist and leader of the Norwegian band Airbag, whose melancholic touch—heavily indebted to David Gilmour's style—blends magnificently with Ragni's sonic texture. Joining them on the record are Giovanni Ciarallo (guitar), Michele Zappacosta (bass), Maurizio Antonini (drums), John Simms (guitar), Antonio Di Mirto (acoustic guitar), Damien Griese (keyboards), and Manuel Mant (drums).
Before analyzing the album, it is fundamental to frame the artist. Ragni has decades of underground and international militancy behind him, initially moving in the late '80s with Psychedelic and Prog / Space Rock bands before embarking on a highly successful solo career. His music has never been a simple nostalgic revival of the '70s; he has been able to decline Progressive rock by combining the Californian school and cosmic Psychedelia with the warmth typical of European symphonic Rock.
A complete multi-instrumentalist, he takes care of acoustic guitars, keyboards, and vocal lines, frequently collaborating with giants of modern Prog (such as Peter Jones of Camel, Durga McBroom and, precisely, Bjørn Riis). His stylistic hallmark lies in the profound concept, the use of spacey atmospheres, and a dispassionate yet poetic critique of the distortions of modern, technological society.
Seven tracks form “The Radical Act”, starting with the ten minutes of the Pink Floydian “The Radical Act”, supported by a refrain and a riff imposing in its emotionality and tied to the past. Here, Bjørn Riis's intervention on lead guitar is monumental—a lyrical solo, loaded with sustain and that poignant Nordic melancholy that characterizes Airbag productions. Musically, it is a crescendo that symbolizes the awakening of consciousness.
Even more Rock and rich in mood swings is the subsequent “The Crack In The Sky”; here there really is plenty of material for electric guitar lovers, meaning all those who make the solo an essential creed. The track evokes a sense of imminent rupture, a rift both physical and spiritual in the veil of our perception. The same goes for the beginning of “The Machine Grinds On”, a track that alternates the song formula with Modern Post Prog with disarming simplicity, testifying to Marco Ragni's high compositional (and natural) qualities. The vocals are also good, with a distinct '70s flavor. The dramatic contrast is heightened by Riis's guitar, cutting through the mix with painful and intense electric scratches.
“The Frequency Shift” has a psychedelically intense beginning before launching into its signature sonic world—over eight abundant minutes that become rocky and vigorous amidst stop & go moments, traversing delicate and pastoral acoustic passages until reaching Space Rock explosions of great emotional impact.
“The Ego Screams Back” describes an inner battle, a rejection of old mental superstructures trying to regain control, all well-interpreted vocally and close to certain Porcupine Tree moments. And then it is time for “The Liminal Space”, a track of pure atmosphere, almost Ambient Prog. It is the moment of inner silence, the space in between what one was and what one is about to become. Scott Adams's acoustic guitar gives way to the inevitable and touching electric guitar solo, creating a sonic bubble suspended in time, devoid of rhythmic urgency. The circle closes with “The Radical Act (Epilogue)”, a reprise of the main theme, but with a different awareness. The arrangement strips away the previous tension to arrive at a liberating finale.
From a lyrical point of view, “The Radical Act” is a concept album of a philosophical and existential nature. The radical act referred to in the title is not a violent political revolution, but an act of intimate, inner rebellion against the era of artificial alienation.
A mature work, which confirms Marco Ragni as one of the most lucid and sensitive authors of our local and international Progressive Rock scene. MS

For Listening: https://marcoragni.bandcamp.com/album/the-radical-act-featuring-bj-rn-riis

Enigmatic Sound Machines

ENIGMATIC SOUND MACHINES - Divided By One
Progrock.com Essentials
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Il quarto lavoro in studio dei canadesi Enigmatic Sound Machines, intitolato "Divided By One", rappresenta il punto di massima maturazione e, per certi versi, una vera e propria mutazione genetica per il progetto di base a Montreal.
I lavori precedenti avevano abituato gli ascoltatori a bilanciamenti elettronici molto spiccati, questo nuovo capitolo spinge con decisione sul pedale di un Rock Progressivo cinematico, cupo e decisamente più pesante e stratificato.
Il progetto nasce dall'amicizia di una vita tra due figure cardine della scena elettronica e sperimentale canadese, Jeremie Arrobas (voce solista, sintetizzatori, tastiere e macchine sonore) e Thomas Szirmay (voce enigmatica e sound machines). La loro è stata una traiettoria discografica incredibilmente produttiva composta da tre album in tre anni, partendo dal debutto synth-pop di “Telepathic Waves” (2023), passando per le atmosfere contemplative di “Hierarchies Of Angels” (2024) e le trame cariche di sassofono di “Imperfect Silence” (2025). La vera svolta storica di “Divided By One” risiede però nell'espansione della line-up. Da duo prettamente orientato al lavoro di studio, gli Enigmatic Sound Machines si sono stabilizzati in un vero e proprio quartetto granitico grazie all'ingresso ufficiale di due veterani di calibro internazionale: Alain Bellaïche alle chitarre (già noto per le sue collaborazioni storiche, tra cui spiccano i francesi Heldon), e Hansford Rowe al basso (colonna portante della leggendaria formazione dei Gong).
Liricamente e visivamente, l'album ruota attorno ai concetti di tensione, resilienza, frammentazione e trasformazione. La stessa copertina d'arte mostra un profilo umano letteralmente spaccato e geometrizzato da linee nette.
I testi affrontano il disorientamento dell'individuo moderno all'interno di una società divisa, i conflitti ciclici dell'umanità e il senso di disillusione collettiva. Tuttavia, la scrittura del duo non scade mai nel nichilismo assoluto, piuttosto a dominare è una tensione psicologica costante dove le atmosfere d'ombra vengono sistematicamente squarciate da momenti di improvvisa e salvifica chiarezza melodica.
La title-track apre il disco dettando immediatamente la nuova linea editoriale, un Prog cupo e avvolgente. Il brano è impreziosito dalle chitarre ospiti di Steve Bonino.  “Chaos Dreaming” con quasi dieci minuti di durata, è uno dei fulcri creativi del disco. Qui la band mette in mostra tutta la propria ambizione strumentale e le proprie radici Progressive. Il basso di Hansford Rowe tesse trame intricate su cui si innestano cambi di tempo e lunghi passaggi in cui l'elettronica dialoga in modo serrato con le chitarre.
“Sirensong” è un brano più ipnotico e d'atmosfera, dove la voce di Jeremie e i cori di Anna evocano il magnetismo oscuro e pericoloso richiamato dal titolo, sorretto da pattern elettronici vintage molto curati. Atmosfere eteree care al moderno Post Prog.
Segue “Pool of Mirrors”, un pezzo introspettivo e psicologico che gioca sul tema dell'autoriflessione. Musicalmente si muove su dinamiche sospese prima di aprirsi in ricche stratificazioni sonore.
Con “Heaven's Rain” si alternano momenti di grande aperture melodica a sezioni ritmiche più serrate. Tuoni ma anche gocce paradisiache. Gli altri quattro brani li lascio alla vostra curiosità se andate su Bandcamp, in linea di massima questo è il senso dell’album.
Chi si aspettava una pigra ripetizione dei canoni synth-pop dei primi lavori rimarrà spiazzato, e felicemente sorpreso. “Divided By One” è la dimostrazione di come il Progressive Rock odierno possa (e debba) guardare avanti, poi potrà anche piacere o meno. MS 

Versione Inglese:

ENIGMATIC SOUND MACHINES - Divided By One
Progrock.com Essentials
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

The fourth studio album by the Canadian outfit Enigmatic Sound Machines, titled "Divided By One", represents the point of maximum maturation and, in some ways, a true genetic mutation for the Montreal-based project.
Previous works had accustomed listeners to very pronounced electronic balances; this new chapter pushes decisively on the pedal of a cinematic, dark, and decidedly heavier and more layered Progressive Rock.
The project was born from a lifelong friendship between two pivotal figures of the Canadian electronic and experimental scene, Jeremie Arrobas (lead vocals, synthesizers, keyboards, and sound machines) and Thomas Szirmay (enigmatic voice and sound machines). Theirs has been an incredibly productive recording trajectory consisting of three albums in three years, starting from the synth-pop debut of “Telepathic Waves” (2023), passing through the contemplative atmospheres of “Hierarchies Of Angels” (2024), and the saxophone-laden textures of “Imperfect Silence” (2025). The true historical turning point of “Divided By One” lies, however, in the expansion of the line-up. From a purely studio-oriented duo, Enigmatic Sound Machines have stabilized into a true, rock-solid quartet thanks to the official entry of two international-caliber veterans: Alain Bellaïche on guitars (already known for his historic collaborations, most notably with the French band Heldon), and Hansford Rowe on bass (a backbone of the legendary Gong line-up).
Lyrically and visually, the album revolves around the concepts of tension, resilience, fragmentation, and transformation. The artwork itself shows a human profile literally split and geometricized by sharp lines.
The lyrics address the disorientation of the modern individual within a divided society, humanity's cyclical conflicts, and a sense of collective disillusionment. However, the duo's writing never lapses into absolute nihilism; rather, what dominates is a constant psychological tension where shadowy atmospheres are systematically pierced by moments of sudden and saving melodic clarity.
The title-track opens the record, immediately dictating the new editorial line, a dark and enveloping Prog. The song is embellished by the guest guitars of Steve Bonino. “Chaos Dreaming”, with a duration of nearly ten minutes, is one of the creative hubs of the album. Here the band showcases all its instrumental ambition and its Progressive roots. Hansford Rowe's bass weaves intricate textures upon which time signature changes and long passages are built, where electronics engage in a tight dialogue with the guitars.
“Sirensong” is a more hypnotic and atmospheric track, where Jeremie's vocals and Anna's backing choruses evoke the dark and dangerous magnetism recalled by the title, supported by highly refined vintage electronic patterns. Ethereal atmospheres dear to modern Post Prog.
Next is “Pool of Mirrors”, an introspective and psychological piece that plays on the theme of self-reflection. Musically, it moves on suspended dynamics before opening up into rich sonic stratifications.
With “Heaven's Rain”, moments of grand melodic openings alternate with tighter rhythmic sections. Thunder but also heavenly drops. I leave the other four tracks to your curiosity if you go to Bandcamp; in general terms, this is the meaning of the album.
Anyone expecting a lazy repetition of the synth-pop canons of the early works will be thrown off, and happily surprised. “Divided By One” is the demonstration of how today's Progressive Rock can (and must) look forward—whether one likes it or not is another matter. MS