Cervello

CERVELLO - Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973
Sony – 2025
Genere: Rock Progressive
Supporto: 2cd / 2 LP – 2025

Il merito dell'Italia in campo Progressive Rock è stato quello di apportare mediterraneità alle complesse composizioni che circolavano a livello mondiale. Non dimentichiamo la famosa tarantella rock "E' Festa" della Premiata Forneria Marconi, e neppure la grande squadra che compone il Prog napoletano, composta da un nutrito numero di rappresentanti che variano da Alan Sorrenti ai Napoli Centrale, passando per gli Osanna, solo per fare alcuni nomi. Fra questi, si aggirano gruppi che, come moltissimi altri del periodo anni '70, hanno rilasciato un solo album, in seguito diventato un cimelio per i fan del Progressive Rock più sinfonico e articolato. Uno di questi si chiama Cervello ed è legato in qualche maniera al movimento Osanna grazie alla partecipazione di Corrado Rustici nella line-up, fratello di Danilo Rustici degli Osanna. I Cervello esordiscono nel 1973 con "Melos", un piccolo capolavoro incentrato su miti dell'antica Grecia. Il disco è ricco di passaggi sinfonici, proprio come andavano di moda negli anni '70, un gradevole mix anglofono e mediterraneo.
Nel 1974 la band si scioglie e Corrado Rustici entra prima negli Osanna, con cui incide "Landscape Of Life", e poi nei Nova. Il cantante Gianluigi Di Franco (purtroppo deceduto nel 2005) fa comparsa nella metà degli anni '80 a fianco di Tony Esposito, cantando anche sul famoso brano "Kalimba De Luna". Poi dei Cervello non c'è stata più traccia, salvo qualche breve reunion fra alcuni componenti.
Con grande sorpresa, dopo ben cinquant'anni, eccoli nel 2025 dare seguito alla loro discografia con "Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973", un doppio album in cui si possono ascoltare brani scritti tra il 1974 e il 1983, nuovamente arrangiati e registrati nel corso degli ultimi quattro anni dai membri originali superstiti, che sono: Corrado Rustici (chitarra, tastiere, voce), Antonio Spagnolo (basso, chitarra acustica, flauto dolce, voce), e Giulio D'Ambrosio (flauto, sax, voce). Conservata fortunatamente la voce di Gianluigi Di Franco, estrapolata da alcune vecchie bobine, e le registrazioni vedono altresì l'ausilio alla batteria di Roberto Porta.
Il primo cd è "Chaire", che in lingua greca significa "stammi bene". La musica riprende ciò che è stato concepito in "Melos", per la gioia non soltanto degli estimatori della band, ma di tutto il movimento intero.
"Chaire - Hello" è proprio il titolo del breve preambolo narrato su un tappeto di tastiere che inizia questo viaggio colorato, proprio come viene ben rappresentato in copertina, e la magia è già in corso.
Segue "Templi Acherontei", brano singolo dell'album, qui il tempo sembra essersi fermato grazie agli arpeggi di chitarra, il flauto e la bella voce di Gianluigi Di Franco, la quale farà scorrere brividi sulla pelle di chi aveva perso ogni speranza di poterla riascoltare. Melodie gentili si stagliano fra le coralità per poi mutare in un sound maggiormente elettrico, oltre che monolitico.
Il sax di Giulio D'Ambrosio è protagonista in "La Seduzione Di Chiaro Ulivo", movimento che alterna parti canore prossime alla formula canzone ad altre strumentali, ricercate al confine del Jazz Rock. Musica che profuma di festival all'aperto, mediterraneità e napoletanità.
La ricerca sonora è marcata in "Reina De Roca", dove il ritmo si presta a crescendo emotivi. Il carattere della band è ben delineato, ispirato in alcuni momenti dal suono inglese di band come Genesis, ma che di base ha un proprio DNA ben definito. Spettacolare "Movalaide (inc. Trasfigurazione)", qui gli anni '70 ci cadono addosso con tutto il loro background sociale e storico, capitanati da armonie floreali e bucoliche. Altro grande gioiello sonoro è "La Danza Dei Guardiani", un esempio di Rock Progressivo italiano da fare ascoltare a eventuali neofiti che vogliono approcciarsi a questo genere. La conclusione spetta all'outro "Chaire-Farewell", narrato come quello iniziale.
Nel secondo disco si può godere del live del concerto a Pomigliano D'Arco nel 1973, tutto tratto da "Melos" escluso l'inedito strumentale "Progressivo Remoto". La registrazione non è delle migliori, ma va dato merito a questo "restauro" di essere una testimonianza inestimabile sia per quello che concerne la fotografia di quegli anni, sia per averci mostrato lo stato di salute della band che invece da lì a poco si sarebbe inesorabilmente sciolta.
Questo doppio lavoro non fa che aumentare il rammarico per una carriera sospesa troppo in anticipo, perché qui i Cervello dimostrano una vena compositiva ispirata, di certo non preambolo di uno stop che (maledizione) non doveva assolutamente accadere. Una testimonianza essenziale per chi vive e respira quotidianamente questa musica. MS

Versione Inglese:

CERVELLO - Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973
Sony – 2025
Genre: Progressive Rock
Format: 2cd / 2 LP – 2025

Italy’s contribution to progressive rock has been to bring Mediterranean flair to complex compositions circulating worldwide. Let’s not forget the famous rock tarantella “E’ Festa” by Premiata Forneria Marconi, and the great team that makes up the Neapolitan prog scene, with representatives ranging from Alan Sorrenti to Napoli Centrale, passing through Osanna, just to name a few. Among these, there are groups that, like many others from the 1970s, released only one album, later becoming a treasure for fans of more symphonic and articulated progressive rock. One of these is Cervello, somehow linked to the Osanna movement thanks to Corrado Rustici’s participation in the lineup, brother of Osanna’s Danilo Rustici. Cervello debuted in 1973 with “Melos”, a small masterpiece centered on ancient Greek myths. The album is rich in symphonic passages, just like they were fashionable in the ’70s, a pleasant mix of Anglo-Saxon and Mediterranean influences.
In 1974, the band broke up, and Corrado Rustici joined Osanna, with whom he recorded “Landscape Of Life”, and then Nova. Singer Gianluigi Di Franco (sadly deceased in 2005) reappeared in the mid-1980s alongside Tony Esposito, singing on the famous song “Kalimba De Luna”. Then, there was no more trace of Cervello, except for some brief reunions among some members.
To great surprise, after fifty years, they return in 2025 with “Chaire & Live At Pomigliano d'Arco 1973”, a double album featuring songs written between 1974 and 1983, newly arranged and recorded over the last four years by the surviving original members: Corrado Rustici (guitar, keyboards, vocals), Antonio Spagnolo (bass, acoustic guitar, recorder, vocals), and Giulio D'Ambrosio (flute, sax, vocals). Fortunately, Gianluigi Di Franco’s voice is preserved, extracted from old tapes, and the recordings also feature Roberto Porta on drums.
The first CD is “Chaire”, meaning “farewell” in Greek. The music picks up where “Melos” left off, to the delight of not only the band’s fans but the entire movement.
“Chaire - Hello” is the title of the brief preamble narrated on a keyboard carpet that begins this colorful journey, just as it’s well represented on the cover, and the magic is already happening.
Next is “Templi Acherontei”, a single track from the album, where time seems to have stopped thanks to the guitar arpeggios, flute, and the beautiful voice of Gianluigi Di Franco, which will send shivers down the spine of those who had lost hope of hearing it again. Gentle melodies stand out among the choruses, then mutate into a more electric and monolithic sound.
Giulio D'Ambrosio’s saxophone is the star of “La Seduzione Di Chiaro Ulivo”, a movement that alternates song-like vocal parts with instrumental ones, bordering on jazz rock. Music that smells of open-air festivals, Mediterranean and Neapolitan flavors.
The sound research is marked in “Reina De Roca”, where the rhythm lends itself to emotional crescendos. The band’s character is well-defined, inspired at times by the English sound of bands like Genesis, but with its own DNA. Spectacular is “Movalaide (inc. Trasfigurazione)”, where the ’70s fall upon us with their social and historical background, led by floral and bucolic harmonies. Another great sonic gem is “La Danza Dei Guardiani”, an example of Italian progressive rock to show to neophytes who want to approach this genre. The conclusion falls to the outro “Chaire-Farewell”, narrated like the initial one.
The second disc features the live concert at Pomigliano D'Arco in 1973, all taken from “Melos” except for the unreleased instrumental “Progressivo Remoto”. The recording isn’t the best, but credit must be given to this “restoration” for being an invaluable testimony, both for the photography of those years and for showing us the band’s state of health, which would soon dissolve.
This double work only increases the regret for a career suspended too early, because here Cervello demonstrates an inspired compositional vein, certainly not a prelude to a stop that (damn) should never have happened. An essential testimony for those who live and breathe this music daily. MS

O.R.k.

O.R.k. - Firehose Of Falsehoods
Kscope
Genere: Progressive Metal
Supporto: Bandcamp /cd / lp – 2025

Abbiamo spesso letto e sentito dire che la musica oggi non ha nulla di nuovo da proporre, certo, il decennio ’65 / ’75 è stato prolifico e ricco d’idee, ma qualcosa d’interessante c’è ancora. Per esempio, se il Progressive Metal oggi ha un suono moderno rispetto alle radici passate, il merito è anche della band anglo italiana O.R.k.
E’ un quartetto formato da Lorenzo Esposito Fornasari/Lef (voce), Colin Edwin (basso), Pat Mastelotto (batteria), e Carmelo Pipitone (chitarra), qui sicuramente i più ferrati di voi avranno scorto dei nomi di ottima fama del circuito. Colin Edwin è stato il bassista nel periodo più influente dei Porcupine Tree e Pat Mastellotto ha militato in moltissime band, fra le quali i King Crimson, poi per impreziosire ulteriormente questo parterre si coadiuvano della partecipazione di John Wesley alla chitarra, anche lui nella band Porcupine Tree nelle sessioni live, e di Giuseppe Negri sempre alla chitarra nel brano “The Other Side”. Con questi preamboli non ci si può che attendere un lavoro di ottima qualità e, lo dico subito, le aspettative non andranno deluse.
“Firehose Of Falsehoods” è il quinto disco in studio dopo l’ottimo “Screamnasium” del 2022, un grido contro le quotidiane bugie che ci bombardano su internet e nei media in generale, tante da procurare alla società una sfiducia in se stessa.
In quest’album le canzoni sono della durata media di quattro minuti e poco più, salvo il caso della bonus track “Dive In”, contenuta soltanto nel formato cd della durata di quattordici minuti.
Il segreto della riuscita emotiva del lavoro risiede nel perfetto equilibrio che si stanzia fra le melodie di base e le partiture maggiormente elaborate e robuste.
“Blast Of Silence” mostra subito le qualità canore di “Lef”, che a tratti mi ricordano quelle di Daniel Gildenlöw dei Pain Of Salvation. Il Metal Progressive proposto mostra la classe cristallina degli arrangiamenti oltre a una struttura che si alterna fra suoni pacati ed energici.
“Hello Mother” inizia con un riff dalle origini King Crimson per poi lasciarsi guidare dal basso di Edwin verso territori altamente Rock situati fra i Led Zeppelin e i Wolfmother. Le suddette qualità dell’ex bassista dei Porcupine Tree emergono maggiormente in “The Other Side”, canzone che potrebbe benissimo risiedere in “Deadwing” della band di Steven Wilson, e questo per i fans dell’albero del porcospino è un messaggio non da poco.
“16.000 Days” è curata nei particolari, un’altalena di sensazioni si appropriano dello stato d’animo dell’ascoltatore travolto da suoni sì possenti, ma altresì pacati, il tutto velato da un refrain malinconico e drammatico. Qui tornano i riferimenti ai Pain Of Salvation. “PUTFP” prosegue l’andamento, questa volta accompagnato da arpeggi di chitarra di sottofondo. “Seven Arms” è il singolo e riconduce al sound ruvido del buon vecchio Rock influenzato dal Grunge. “Beyond Reach” è uno dei vertici dell’album, un ulteriore passo verso quel Metal Prog infarcito di brevi interventi psichedelici e un inciso strappacuore esaltato ancora una volta da una prova vocale superba. Ho apprezzato la cura della vocalità messa in “Mask Becomes The Face”, una ballata con assolo di chitarra da parte di John Wesley che da solo vale il prezzo del disco. La suite “Dive In” è il sunto di tutto il sound O.R.k. qui decorato anche da interventi dalla Pinkfloydiana memoria.
Questo nuovo album dei O.R.k. conferma la qualità della band sia tecnica che compositiva, una boccata d’aria fresca nel mondo del Metal Progressive, troppo spesso legato ai virtuosismi dei Dream Theater che sono sempre gradevoli, ma che non hanno più apportato nuova linfa vitale a un genere di cui loro stessi sono i maestri. L’evoluzione passa attraverso la trasgressione della regola, niente da dire. MS 

Versione Inglese:

O.R.k. - Firehose Of Falsehoods
Kscope
Genre: Progressive Metal
Support: bandcamp /cd / lp - 2025

We have often read and heard that music today has nothing new to offer, sure, the decade of '65 / '75 was prolific and full of ideas, but something interesting is still there. For example, if Progressive Metal today has a modern sound compared to its past roots, credit is also due to the Anglo-Italian band O.R.k.
It is a quartet made up of Lorenzo Esposito Fornasari/Lef (vocals), Colin Edwin (bass), Pat Mastelotto (drums), and Carmelo Pipitone (guitar), here surely the more fervent of you will have discerned some top names on the circuit. Colin Edwin was the bassist in Porcupine Tree's most influential period and Pat Mastellotto has played in many bands, including King Crimson, then to further embellish this parterre they are assisted by the participation of John Wesley on guitar, also in the Porcupine Tree band in the live sessions, and Giuseppe Negri also on guitar in the song “The Other Side”. With these preambles, one can only expect a work of excellent quality and, I will say it now, expectations will not be disappointed.
“Firehose Of Falsehoods” is the fifth studio record after the excellent ‘Screamnasium’ from 2022, a cry against the daily lies that bombard us on the Internet and in the media in general, so many that they cause society to distrust itself.
On this album the songs average four minutes and a little more, except in the case of the bonus track “Dive In”, contained only on the fourteen-minute CD format.
The secret of the work's emotional success lies in the perfect balance that is appropriated between the basic melodies and the more elaborate and robust scores.
“Blast Of Silence” immediately displays the singing qualities of ‘Lef’, which at times remind me of those of Daniel Gildenlöw of Pain Of Salvation. The Progressive Metal on offer shows the crystalline class of the arrangements as well as a structure that alternates between quiet and energetic sounds.
“Hello Mother” starts with a riff from King Crimson origins and then lets Edwin's bass drive into highly Rock territories situated between Led Zeppelin and Wolfmother. The aforementioned qualities of the former Porcupine Tree bassist emerge most in “The Other Side,” a song that could well reside in Steven Wilson's band's “Deadwing”, and this for Porcupine Tree fans is no small message.
”16,000 Days” is meticulously crafted, a seesaw of sensations take over the listener's state of mind overwhelmed by sounds that are yes mighty, but also calm, all veiled by a melancholic and dramatic refrain. Here the references to Pain Of Salvation return.
“PUTFP” continues the trend, this time accompanied by background guitar arpeggios. “Seven Arms” is the single and leads back to the rough sound of good old Grunge-influenced Rock. “Beyond Reach” is one of the peaks of the album, a further step toward that Prog Metal infused with brief psychedelic interventions and a heart-wrenching aside enhanced once again by a superb vocal test. I appreciated the vocal care put into “Mask Becomes The Face,” a ballad with guitar solo by John Wesley that alone is worth the price of the album. The suite “Dive In” is the epitome of the whole O.R.k. sound here also decorated by interventions from Pinkfloydian memory.
This new album by O.R.k. confirms the band's quality both technically and compositionally, a breath of fresh air in the world of Progressive Metal, too often tied to the virtuosity of Dream Theater, which is always enjoyable, but which has no longer brought new life to a genre of which they themselves are the masters. Evolution comes through transgression of the rule, nothing to say. MS

 

Pepe Maina

PEPE MAINA - Echoes From A Distant Land
Autoproduzione – CD Baby
Genere: Elettronica / Psichedelia / Prog Rock
Supporto: Digital – 2025

Nel circuito elettronico e psichedelico italiano, uno dei nomi più importanti da citare è senza dubbio quello del polistrumentista Pepe Maina.
La sua storia artistica inizia da molto lontano, discograficamente parlando dal 1977 con l’ottimo album “Il Canto Dell'Arpa E Del Flauto”. Frangenti Folk, Prog Rock e Psichedelici si fondono in un amalgama avvolgente, questo stile si ripeterà nel corso della carriera sino ai giorni nostri con l’aggiunta di elettronica. Maina realizza ben trentuno album in studio, questo invidiabile traguardo spetta solamente a chi è davvero un grande artista, soprattutto per la qualità delle opere, tutte interessanti e d’atmosfera. Il nome Pepe Maina probabilmente non è conosciuto ai più a causa del genere intrapreso, di certo non popolare ma espressamente mirato alla musica per la mente e sappiamo bene che, soprattutto di questi tempi, il genere non navighi in buone acque.
Ma il vero artista è questo, nulla piega la sua volontà nell’esprimere quello che è, e soprattutto di mettere a nudo la propria sensibilità.
E come ben rappresenta la copertina dell’album, “Echoes From A Distant Land” è un viaggio fantastico al limite del lisergico, pur restando con i piedi radicati al terreno del Prog Rock, questo soprattutto grazie all’uso del flauto. Certi fattori possono condurre all’inevitabile paragone con gli inglesi Ozric Tentacles, in effetti alcuni punti di congiunzione si possono estrapolare durante l’ascolto, ma anche Deuter, Jade Warrior e Peter Michael Hamel.
Le composizioni sono nove, tutte di media e lunga durata, a iniziare dalla splendida “Snow Eagle”, che da sola vale il prezzo del disco. Qui il mondo di Pepe Maina, si staglia in tutto lo splendore, soprattutto nei momenti delicati accompagnati dal flauto che fa da ponte fra il Folk e il Prog Rock. No, nulla a che vedere con i Jethro Tull, come la mia descrizione potrebbe fare intendere, bensì un sound gentile rivolto soprattutto alle band prima citate.
“Dance Of The Six Planets” apre al mondo lisergico attraverso una ritmica ammaliante impreziosita da suoni etnici. Un ascolto attento e concentrato spedisce l’immaginazione in un mondo incantato e ipnotico.
“A Psychedelic Winter Afternoon” cela nel titolo il paesaggio e le sensazioni di un pomeriggio invernale, leggermente malinconico ma espressamente adatto a scaldare l’animo. Ottimo il lavoro della chitarra elettrica. “Kintsugi” apre alla natura con il canto d’uccelli e una sensazione di pace avvolge la stanza. Non distante “Messages” pondera note in raffinata armonia, mentre “Otto Goes To None” spazia nella Psichedelia più onirica. Il cliché si ripete anche negli ultimi brani in cui la finale title track esplode in tutta la sua magnificenza. 
Questa è musica completamente strumentale, non servono le parole per declamare certe argomentazioni. “Echoes From A Distant Land” potrà essere sicuramente una colonna sonora per le vostre giornate di completo relax, e scoprirete un mondo incantato di colori e forme. MS 

Versione Inglese:

PEPE MAINA - Echoes From A Distant Land
Self-Production - CD Baby
Genre: Electronic / Psychedelia / Prog Rock
Support: Digital - 2025

In the Italian electronic and psychedelic circuit, one of the most important names to mention is undoubtedly that of multi-instrumentalist Pepe Maina.
His artistic history begins far back, discographically speaking since 1977 with the excellent album “Il Canto Dell'Arpa E Del Flauto”. Folk, Prog Rock and Psychedelic bangs come together in an enveloping amalgam, this style will be repeated throughout his career until the present day with the addition of electronics. Maina makes no less than thirty-one studio albums, this enviable achievement belongs only to those who are truly great artists, especially for the quality of the works, all of which are interesting and atmospheric. The name Pepe Maina is probably not known to most because of the genre undertaken, certainly not popular but expressly aimed at music for the mind, and we know well that, especially these days, the genre is not sailing in good waters.
But the true artist is this, nothing bends his will in expressing what he is, and especially to lay bare his sensibility.
And as the album cover well depicts, “Echoes From A Distant Land” is a fantastic journey bordering on lysergic, while remaining with its feet rooted to the Prog Rock ground, this especially thanks to the use of the flute. Certain factors may lead to the inevitable comparison with England's Ozric Tentacles, indeed some points of conjunction can be extrapolated while listening, but also Deuter, Jade Warrior and Peter Michael Hamel.
There are nine compositions, all of medium to long duration, starting with the splendid “Snow Eagle”, which alone is worth the price of the disc. Here the world of Pepe Maina, stands out in all its splendor, especially in the delicate moments accompanied by the flute that acts as a bridge between Folk and Prog Rock. No, nothing to do with Jethro Tull, as my description might imply, but rather a gentle sound aimed especially at the aforementioned bands.
“Dance Of The Six Planets” opens to the lysergic world through bewitching rhythmics embellished with ethnic sounds. Careful and concentrated listening sends the imagination into an enchanted and hypnotic world.
“A Psychedelic Winter Afternoon” conceals in its title the landscape and feelings of a winter afternoon, slightly melancholy but expressly suited to warm the soul. Excellent electric guitar work. “Kintsugi” opens to nature with birdsong and a feeling of peace envelops the room. Not far away “Messages” ponders notes in refined harmony, while “Otto Goes To None” ranges into the most dreamlike psychedelia. The cliché is also repeated in the final tracks in which the final title track explodes in all its magnificence. 
This is completely instrumental music; no words are needed to declaim certain arguments. “Echoes From A Distant Land” can surely be a soundtrack for your days of complete relaxation, and you will discover an enchanted world of colors and shapes. MS

 

 

Buone Feste

 BUONE FESTE

NONSOLO PROGROCK VI AUGURA FELICI FESTE E UN BUON NATALE A TUTTI

Lars Fredrik Frøislie

LARS FREDRIK FRØISLIE - Gamle Mester
Karisma Records
Genere: Progressive Rock sinfonico
Supporto: LP / CD / Digital - 2025 

Molti di noi si sono approcciati al genere Progressive Rock negli anni ’70 grazie all’ascolto di band come Genesis, Yes, EL&P, Gentle Giant, ecc., tutte dedite a un suono prettamente magniloquente se non addirittura orchestrale, almeno negli arrangiamenti. Così è nato questo amore, con un benvenuto alle tastiere nel Rock, altrimenti prima solo relegate a un ruolo di accompagnamento atmosferico. Prerogativa irrinunciabile, ogni tipo di tastiera ha un ruolo fondamentale nella musica vintage, dal Mellotron all’Hammond, e poi Moog, Mini Moog e tante altre ancora; il cosiddetto Progressive Rock classico, quello che ci viene in mente quando sentiamo nominare questo nome.
Nel corso dei decenni, fino a raggiungere i nostri tempi, questa musica, bene o male, fra alti e bassi, si è sempre saputa barcamenare in tutto il globo, e quello che più mi ha fatto piacere constatare è che persino i giovani musicisti si sono approcciati ad essa che tuttavia comincia a odorare di naftalina. Sappiamo che il Prog Rock si è evoluto e ramificato in tantissime altre strade che spesso lo hanno condotto così lontano da non poterlo più denominare con questo nome, ma ci sono sempre coloro che, tentando di sperimentare, mettono sempre i tasti d’avorio in evidenza. Una delle band più interessanti degli ultimi tempi porta il nome di Wobbler.
Questa band norvegese ha rilasciato album davvero notevoli, e il tastierista Lars Fredrik Frøislie (anche nei White Willow e Tusmørke) ne è parte integrante dello stile proposto. Rilascia il debutto personale nel 2023 con il buon “Fire Fortellinger”, apprezzato da pubblico e critica, e lo ritroviamo oggi con “Gamle Mester”.
Così presentano le note che accompagnano il disco: “Nel suo secondo album solista, "Gamle Mester" (Vecchio Maestro), Lars Fredrik Frøislie rende omaggio ai grandi del passato. Traendo ispirazione non solo dai pionieri del Rock Progressivo, ma anche dall'arte, dalla letteratura e dalla mitologia, l'album riflette su atti di creatività senza tempo che risuonano ancora oggi. Il titolo deriva dall'antica quercia "Den Gamle Mester", che si trova a Krødsherad Prestegård, che ha anche ispirato una poesia omonima di Jørgen Moe. Questo albero simbolico funge da tema unificante in tutto l'album, rappresentando saggezza, resistenza e il passare del tempo.”
Il sound proposto è quindi prossimo allo stile Wobbler, ma in queste sei composizioni si tende a mettere in evidenza l’apporto dei maestri del tempo passato.
Con Frøislie partecipano anche Nikolai Hængsle (chitarre, basso) e Ketil Einarsen (flauto dolce).
Con la strumentale “Demring” si ripercorrono sentieri Yes in un territorio tipicamente Folk norvegese, un mix che ha un suo DNA ben delineato, carissimo a un folto numero di band Prog nordiche. Il pezzo mette in vetrina le ottime qualità sia tecniche che compositive dell’artista.
“Jakten På Det Kalydonske Villsvin” è una mini‑suite di dieci minuti accompagnata dal flauto e un cantato in lingua madre dal fascino tutto personale, anche se per alcuni ciò potrebbe risultare ostico nella fonetica. Ovviamente ci sono cambi di tempo, stop & go, e atmosfere più scure che chiare, il tutto per essere considerato Prog Rock sinfonico al 100%. Gli anni ’70? Sono qui.
“Gamle Mester” si articola maggiormente in un contesto fluido, diretto, alzando l’allegria che sino ad ora è restata celata. Molto classicismo fra le note. Se si vuole ascoltare la chitarra, bisogna giungere a “Medusas Flåte”, tanto sound Anglagard e compagnia bella.
I dodici minuti di “De Tre Gratier” sono una macchina del tempo che catapulta l’ascoltatore verso sonorità arricchite dal flauto in modalità Jethro Tull e dal clavicembalo: Prog epico davvero piacevole. La chiusura spetta a un pezzo di piano elettrico intitolato “Skumring”, con una linea che richiama alcuni lavori enfatici del Neo Prog.
Per finire, consiglio l’ascolto a tutti coloro che amano quanto descritto, ma anche ai neofiti, perché qui, essendoci molta storia, magari può nascere un nuovo interesse musicale. Ho altresì notato nel web e nel cartaceo che questo album è stato coronato fra i migliori di questo 2025; personalmente concordo a metà, perché è vero che qui c’è molta classe, tecnica, buone atmosfere, storia, ma in fin dei conti siamo sempre lì e al termine dell’ascolto non resta nulla di altamente melodico da ricordare; in parole povere, un bellissimo puzzle fatto con professionalità e cultura, adatto agli ascoltatori più esigenti. MS

Versione Inglese:

LARS FREDRIK FRØISLIE - Gamle Mester
Karisma Records
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital - 2025

Many of us were introduced to the progressive rock genre in the 1970s through bands like Genesis, Yes, EL&P, Gentle Giant, etc., all dedicated to a sound that was purely grandiose if not outright orchestral, at least in the arrangements. This is how this love was born, with a welcome to keyboards in rock, otherwise previously relegated to an atmospheric accompaniment role. An irrenunciable prerogative, every type of keyboard has a fundamental role in vintage music, from the Mellotron to the Hammond, and then Moog, Mini Moog and many others; the so‑called classic progressive rock, the one that comes to mind when we hear this name.
Over the decades, up to our times, this music, for better or worse, has always managed to navigate the globe, and what pleased me most was seeing that even young musicians have approached this style, which however is starting to smell of mothballs. We know that prog rock has evolved and branched out into many other paths that have often taken it so far away that it can no longer be called by this name, but there are always those who, trying to experiment, always put the ivory keys in the spotlight. One of the most interesting bands in recent times bears the name of Wobbler.
This Norwegian band has released truly remarkable albums, and keyboardist Lars Fredrik Frøislie (also in White Willow and Tusmørke) is an integral part of the proposed style. He released his personal debut in 2023 with the good “Fire Fortellinger”, appreciated by the public and critics, and we find him today with “Gamle Mester”.
The liner notes present the album thus: “In his second solo album, "Gamle Mester" (Old Master), Lars Fredrik Frøislie pays tribute to the greats of the past. Drawing inspiration not only from the pioneers of progressive rock, but also from art, literature and mythology, the album reflects on timeless acts of creativity that still resonate today. The title is taken from the ancient oak "Den Gamle Mester", located in Krødsherad Prestegård, which also inspired a poem of the same name by Jørgen Moe. This symbolic tree serves as a unifying theme throughout the album, representing wisdom, endurance and the passage of time.”
The proposed sound is therefore close to the Wobbler style, but in these six compositions, the contribution of the masters of the past is highlighted.
Also participating with Frøislie are Nikolai Hængsle (guitar, bass) and Ketil Einarsen (recorder).
With the instrumental “Demring”, Yes‑like paths are retraced in a typically Norwegian folk territory, a mix that has its own well‑defined DNA, dear to a large number of Nordic prog bands. The piece showcases the artist’s excellent technical and compositional qualities.
“Jakten På Det Kalydonske Villsvin” is a ten‑minute mini‑suite accompanied by the flute and vocals in the mother tongue with a very personal charm, although for some this may be phonetically challenging. Of course, there are time changes, stop & go, and darker rather than clear atmospheres, all to be considered 100% symphonic prog rock. The ’70s? They’re here.
“Gamle Mester” develops more in a fluid, direct context, raising the cheerfulness that has been hidden until now. A lot of classicism among the notes. If you want to listen to the guitar, you have to get to “Medusas Flåte”, so much Anglagard sound and the like.
The twelve minutes of “De Tre Gratier” are a time machine that catapults the listener towards sounds enriched by the flute in Jethro Tull mode and the harpsichord: truly enjoyable epic prog. The closure is left to an electric piano piece titled “Skumring”, with a line that recalls some emphatic works of neo‑prog.
In conclusion, I recommend listening to everyone who loves what’s described, but also to neophytes, because here, with a lot of history, maybe a new musical interest can be born. I’ve also noticed on the web and in print that this album has been crowned among the best of 2025; personally, I half agree, because it’s true that there’s a lot of class, technique, good atmospheres, history, but in the end, we’re always there and at the end of listening, there’s nothing highly melodic to remember; in short, a beautiful puzzle made with professionalism and culture, suitable for the most demanding listeners. MS

Tantric Love Charmers

TANTRIC LOVE CHARMERS – Tantric Love Charmers
Autoproduzione
Genere: Rock Acustico
Supporto: Bandcamp / Spotify – 2025

Mi sono posto molto spesso la domanda: ma la musica sceglie noi o noi scegliamo la musica?
In qualità di individui a sé stanti, dove ognuno di noi cresce con un proprio carattere, esperienze e stili di vita differenti, nella nostra unicità probabilmente vibriamo ognuno in maniera differente. Questi fattori fanno sì che verosimilmente siamo noi singoli che scegliamo la musica, quella che ci fa entrare in sintonia con l’universo interiore ed esteriore. In parole povere, amiamo quella che più ci rappresenta, e nell’universo di suoni ne esistono infiniti sui quali scegliere, persino quello del Big Bang. Musica e anima, un concetto approfondito in molteplici studi, i quali avvicinano questa musa alla spiritualità. Il Buddismo è quello che tratta con maggiore interesse il rapporto uomo/musica. Molti artisti si vedono coinvolti in questo universo, alcuni addirittura in maniera sinestetica.
Non che ciò che ho espresso sia una verità inopinabile, intendiamoci, tuttavia mi sono fatto questa idea sul rapporto uomo e musica. Anche l’amore gioca un ruolo fondamentale, soprattutto quello inteso come risveglio interiore.
Questo e molto altro scaturisce nel lavoro del duo Tantric Love Charmers dal titolo omonimo, duo formato da Stefano Diamanti (voce e cori) e Moreno Viglione (chitarre, basso, mandolino, violino, flauto, percussioni, tastiere e cori).
Diamanti lo si può trovare nel progetto Amanti Di Nefasto, band di Progressive Rock, mentre Viglione è noto per aver partecipato a numerose collaborazioni con artisti del calibro di Patty Pravo, Fabrizio Moro e Francesco De Gregori.
I due si conoscono da molto tempo e decidono di intraprendere assieme un percorso artistico che inizia dalla passione per la musica anni ’70 e specificatamente da quella di band come Led Zeppelin, Neil Young, Pink Floyd, Black Sabbath.
La volontà di comporre musica acustica risiede nell’impegno di esporre un suono più vero, distante da quello freddo moderno, soprattutto dalla tecnologia IA, con uno sguardo sì al passato ma altrettanto a una visione moderna. Il legno e lo scorrere delle dita sulle corde della chitarra hanno un fascino tutto personale, adatto a esprimere sia sensazioni che argomenti importanti come quelli intrapresi.
Così descrivono il concept album: “Un viaggio cosmico ed emotivo alla ricerca di un amore che trascende la forma, la morte, persino la linearità del tempo”.
Anche la copertina dell’album richiama iconografie tantriche e buddhiste, mentre il nome descrive l’anima in ricerca di un amore senza tempo.
Otto le canzoni che vengono anticipate nel web dal singolo “Thru The Cracks Of Time”, un percorso mistico in cui il protagonista della storia è in fuga dal presente alla ricerca cosmica di una reincarnazione futura; l’obbiettivo è quello di ritrovare il suo amore passato per una donna. Il suono è quindi psichedelico, bene arrangiato, cadenzato come sapevano fare i primi Jethro Tull alla fine degli anni ’60 nelle loro canzoni Blues.
L’album però inizia con “Butterfly Bolero”, dove si possono intuire le arie ispiratrici dei Pink Floyd primo periodo. Diamanti ne è ottimo interprete di melodie eteree. Maggiormente Folk “Lady Of The Rainbows”, pur non disdegnando spennellate di Psichedelia. Piacevole il Country di “Just A Gamble”, con aggiunta del battito di mani e coralità. “In The Next Life” vede la partecipazione alla voce di Gianna Chillà; qui le arie mutano verso un Rock acustico intimistico, caldo e rassicurante.
Molto bello il lavoro alla chitarra acustica di Viglione in “Palabra Majica”, piccola gemma sonora senza tempo con il piede su due staffe, quelle del passato e del presente.
“A Simple Song” incontra lo stile acustico dei Beatles, uno dei frangenti migliori dell’album assieme alla conclusiva “The Music Is Over”.
“Tantric Love Charmers” è un disco che mi ha fatto stare bene, in pace... Per questo sono sicuro che girerà altre volte nel mio lettore perché, soprattutto oggi, c’è bisogno di serenità, amore e buone vibrazioni. MS 

Versione Inglese:

TANTRIC LOVE CHARMERS – Tantric Love Charmers
Autoproduzione
Genre: Acoustic Rock
Format: Bandcamp / Spotify – 2025

I’ve often asked myself: does music choose us, or do we choose music?
As individuals, each of us grows with our own character, experiences, and lifestyles; in our uniqueness, we probably vibrate differently. These factors make it likely that we, as individuals, choose the music that puts us in tune with our inner and outer universe. In simple terms, we love the music that represents us most, and in the universe of sounds, there are infinite choices, even the sound of the Big Bang. Music and soul, a concept explored in multiple studies, which bring this muse closer to spirituality. Buddhism is the one that deals most with the relationship between man and music. Many artists are involved in this universe, some even in a synesthetic way.
Not that what I’ve expressed is an unquestionable truth, mind you, but this is the idea I’ve formed about the relationship between man and music. Love also plays a fundamental role, especially the one intended as an inner awakening.
This and much more emerges from the work of the duo Tantric Love Charmers, with their self-titled album, a duo composed of Stefano Diamanti (vocals and backing vocals) and Moreno Viglione (guitars, bass, mandolin, violin, flute, percussion, keyboards, and backing vocals).
Diamanti can be found in the project Amanti Di Nefasto, a progressive rock band, while Viglione is known for his collaborations with artists like Patty Pravo, Fabrizio Moro, and Francesco De Gregori.
The two have known each other for a long time and have decided to embark on an artistic journey together, starting from their passion for 1970s music, specifically bands like Led Zeppelin, Neil Young, Pink Floyd, and Black Sabbath.
The desire to compose acoustic music lies in the commitment to expose a truer sound, distant from the cold modern sound, especially from AI technology, with a look to the past but also to a modern vision. The wood and the sliding of fingers on guitar strings have a personal charm, suitable for expressing both sensations and important themes like the ones undertaken.
This is how they describe the concept album: “A cosmic and emotional journey in search of a love that transcends form, death, even the linearity of time”.
The album cover also recalls tantric and Buddhist iconographies, while the name describes the soul in search of a timeless love.
Eight songs are anticipated on the web by the single “Thru The Cracks Of Time”, a mystical journey where the protagonist is fleeing from the present in search of a cosmic future reincarnation; the goal is to find his past love for a woman. The sound is therefore psychedelic, well-arranged, rhythmic as the early Jethro Tull knew how to do in their blues songs at the end of the 1960s.
However, the album begins with “Butterfly Bolero”, where you can guess the inspiring airs of early Pink Floyd. Diamanti is an excellent interpreter of ethereal melodies. More folk is “Lady Of The Rainbows”, although it doesn’t shun psychedelic touches. Pleasant is the country of “Just A Gamble”, with the addition of handclaps and choruses. “In The Next Life” features Gianna Chillà on vocals; here, the airs shift towards an intimate, warm, and reassuring acoustic rock.
Very beautiful is Viglione’s work on acoustic guitar in “Palabra Majica”, a small timeless sonic gem with one foot in the past and one in the present.
“A Simple Song” meets the acoustic style of the Beatles, one of the best moments of the album along with the concluding “The Music Is Over”.
“Tantric Love Charmers” is an album that made me feel good, at peace... This is why I’m sure it will play again in my player because, especially today, there’s a need for serenity, love, and good vibes. MS

Atomic Time

ATOMIC TIME – Subsounds
Autoproduzione
Genre: Post Prog Moderno
Supporto: Digital – 2025

Ho sentito e letto parlare molto bene di questo progetto brasiliano di nome Atomic Time, così mi sono adoperato per ascoltare questo secondo album della band, intitolato “Subsounds”, dopo l’esordio “Out Of The Loop” del 2019.
Originari di Bauru, sono il risultato dell’incontro fra due amici musicisti che hanno suonato insieme per trent’anni: Pedro D'Incao (chitarra) e Silvio Serra (batteria). Oggi alla batteria si trova Humberto Zigler e con loro Roger Lopes (voce), Gabriel D'Incao (tastiere, sintetizzatori), Fernando Lima (basso) e Kim Chandler (cori).
L’influenza sonora, come per molti artisti del campo, deriva soprattutto dagli ascolti musicali degli anni ’70, in primis Pink Floyd, Camel (ecco quindi del Neo Prog) e molti altri classici ancora.
Buona la registrazione, masterizzata ad Abbey Road, essa dona ampio spazio alle sonorità e lo si evince subito all’ascolto di “Cyclical Night”, dove il mini Moog imita il canto di uccelli. I suoni degli strumenti subentrano lentamente in un’ambientazione vintage in modalità “Shine On You Crazy Diamond”, ma non è questo il canovaccio del brano, il quale muta, introdotto dalla voce di Lopes, in un classico andamento Neo Prog.
“Digital Coma” è nomen omen; i sintetizzatori iniziali e insistiti di Gabriel D'Incao ci descrivono crudamente i tempi moderni. La suite di oltre diciassette minuti ha questo inizio ombroso e terrificante che sembra non finire mai, ma se avete retto sino al minuto otto, allora vi meritate le partiture solari e rilassate alla Pink Floyd che ne seguono.
Ed ecco qua la suite del caso: “Violeta's Dream”, ventiquattro minuti eterei alla Pink Floyd, Airbag, Riverside, Porcupine Tree e compagnia bella. Anche qui una lunga introduzione fatta di effetti sonori, lunga più di otto minuti, prima di raggiungere una vera e propria parvenza di melodia fatta con la chitarra. Su questo devono lavorare molto.
Invece tanta maestria in “Blue”, pezzo prettamente malinconico e pianistico, dove le note si posano con leggerezza nel cuore. Punti di riferimento per capire al meglio quanto ho detto potrei citare i Nosound, Cosmograf, Gershwin e Tangerine Dream.
La conclusione spetta a “Voices Of God”, altro lungo movimento articolato, questa volta di quasi diciassette minuti. L’inizio, nuovamente con effetti e psichedelico, mi preoccupa; per fortuna si tratta soltanto di due minuti. Qui, a mio avviso, è il maggior sforzo creativo, fra interventi Hard, belle coralità, sprazzi di Jazz, Pop e ottima batteria. Questo risulta essere anche il brano più Prog nel puro senso del termine.
La registrazione ottimale permette al suono di circondare l’ascoltatore: una bella esperienza che consiglio a tutti.
Se gli Atomic Time in “Subsounds” non si perdessero in lunghissimi e inutili passaggi psichedelici, sarebbero a dir poco ottimi, per il resto devo dire che è un gran bell’album. Complimenti e alla prossima. MS

Versione Inglese:

ATOMIC TIME – Subsounds
Autoproduzione
Genre: Post Prog Moderno
Format: Digital – 2025

I've heard and read a lot of good things about this Brazilian project called Atomic Time, so I made an effort to listen to this second album by the band, titled “Subsounds”, after their debut “Out Of The Loop” in 2019.
Hailing from Bauru, they are the result of the meeting between two musician friends who played together for thirty years: Pedro D'Incao (guitar) and Silvio Serra (drums). Today Humberto Zigler is on drums, and with them are Roger Lopes (vocals), Gabriel D'Incao (keyboards, synthesizers), Fernando Lima (bass) and Kim Chandler (backing vocals).
The sonic influence, as for many artists in the field, comes mainly from the music of the ’70s, first and foremost Pink Floyd, Camel (hence the neo‑prog) and many other classics.
The recording is good, mastered at Abbey Road; it gives ample space to the sounds, and this is immediately evident when listening to “Cyclical Night”, where the mini Moog imitates the song of birds. The sounds of the instruments slowly come in, in a vintage atmosphere à la “Shine On You Crazy Diamond”, but this is not the plot of the song, which changes, introduced by Lopes’ voice, into a classic neo‑prog progression.
“Digital Coma” is nomen omen; Gabriel D'Incao’s initial and insistent synthesizers crudely describe modern times. The suite of over seventeen minutes has this shadowy and terrifying beginning that seems to never end, but if you’ve made it to the eighth minute, then you deserve the sunny and relaxed Pink Floyd‑esque scores that follow.
And here’s the suite in question: “Violeta's Dream”, twenty‑four ethereal minutes à la Pink Floyd, Airbag, Riverside, Porcupine Tree and the like. Here too, a long introduction made of sound effects, over eight minutes long, before reaching a real semblance of a melody made with the guitar. On this, they must work a lot.
Instead, there’s a lot of mastery in “Blue”, a purely melancholic and pianistic piece, where the notes settle lightly in the heart. Reference points to better understand what I’ve said could be Nosound, Cosmograf, Gershwin and Tangerine Dream.
The conclusion falls to “Voices Of God”, another long and articulated movement, this time of almost seventeen minutes. The beginning, again with effects and psychedelic, worries me; fortunately, it’s only two minutes. Here, in my opinion, is the greatest creative effort, between hard interventions, beautiful choruses, flashes of jazz, pop and excellent drums. This also turns out to be the most prog piece in the pure sense of the term.
The optimal recording allows the sound to surround the listener: a beautiful experience that I recommend to everyone.
If Atomic Time in “Subsounds” didn’t get lost in very long and useless psychedelic passages, they would be excellent, to say the least; for the rest, I must say it’s a great album. Congratulations and until next time. MS

 

Cosmograf

COSMOGRAF – The Orphan Epoch
Gravity Dream Music
Genre: Neo Prog / Hard Prog
Format: Digital / Vinile / CD – 2025

Ho seguito la carriera del polistrumentista inglese Robin Armstrong e del suo progetto Cosmograf, e ho potuto apprezzare nel tempo questo suo sapersi rinnovare che lo ha messo in buona luce anche ai miei occhi. Un inizio davvero Pinkfloydiano nel 2009, per poi arricchire il proprio sound con l’avanzare del tempo e delle realizzazioni che ad oggi raggiungono la quota di dieci album. Cresciuto con ascolti Heavy Rock (Deep Purple su tutti), Armstrong non ha disdegnato la classica, la Psichedelia e appunto il Neo Prog, infatti, la musica che compone oggi è proprio un mix di questi elementi.
“The Orphan Epoch”, attraverso i sette brani che lo compongono, parla dell’isolamento odierno e della crescente difficoltà di discernere la realtà in mezzo alla disinformazione, e lo fa attraverso un album solido ma non impenetrabile. I nuovi elementi che vanno ad arricchire il sound di Cosmograf derivano anche dalle proposte che Steven Wilson ha saputo elargire alla musica, contaminando un intero mondo.
Con Armstrong suonano due special guest, Kyle Fenton (batteria, cori) e Peter Jones (sassofono).
“Division Warning” apre l’album attraverso il pianoforte e immediate sono le reminiscenze dei Genesis; tuttavia, si tratta soltanto di un intro, il quale sfocia nella grandeur dei suoni ampi e, se vogliamo, psichedelici nel senso moderno del termine. L’Hard Rock viene a supporto, relegando all’ascolto maggiore enfasi. Voce filtrata e pulita si alternano, sembra quasi di ascoltare Roger Waters. Cambi di tempo e assolo di chitarra sono ovviamente presenti, direi non male come inizio: le promesse sono buone.
Gli anni ’70 si palesano in “We Are The Young”, un refrain ruffiano con altrettante coralità a supporto convincono a pieno. E’ una musica da cantare e da ascoltare, ma pur sempre trattasi di Progressive Rock, quindi il cambio è dietro l’angolo. Tessiture Pinkfloydiane persistono, per lasciare successivamente campo a metà del brano a un ritmo battente di grancassa su un giro di chitarra Hard Rock. La fuga strumentale che ne segue è quanto di meglio un ascoltatore del genere può attendersi, fra tastiere di fondo e chitarra elettrica. Pace e magniloquenza finale, un connubio che riesce a mantenere alta l’emozione. Porcupine Tree style.
Cosmograf ha comunque uno stile ben definito, un andamento che traspare spesso anche dagli ascolti di altri album precedenti; ecco quindi che in “Seraphim Reels” fuoriescono queste caratteristiche attraverso piano, voce e sax. E’ una dolce ballata atmosferica dalle aperture sognanti di chitarra elettrica.
L’amore per gli anni ’70 ritorna nella crimsoniana “Kings And Lords”, ma poi “You Didn’t See The Thief” riconduce al sound moderno di band come i Leprous. Non mancano neppure i chiari riferimenti ai Radiohead nel brano “Empty Box”, oppure il Rock di “The Road of Endless Miles” che potrebbe risiedere nella discografia di David Bowie.
La bellezza di questo album sta nella continuità; non esistono all’interno pezzi che fanno da riempimento, cosa davvero rara in questi tempi. Cosmograf rappresenta in “The Orphan Epoch” il connubio fra storia e modernità come meglio non si potrebbe, è un lavoro che mi ha lasciato pienamente soddisfatto. MS

Versione Inglese: 

COSMOGRAF – The Orphan Epoch
Gravity Dream Music
Genre: Neo Prog / Hard Prog
Format: Digital / Vinyl / CD – 2025

I’ve followed the career of English multi‑instrumentalist Robin Armstrong and his project Cosmograf, and over time I’ve appreciated this ability he has to renew himself, which has put him in a good light in my eyes too. A truly Pink Floyd‑esque start in 2009, then enriching his sound as time went by and with releases that now total ten albums. Growing up listening to heavy rock (Deep Purple above all), Armstrong hasn’t shunned classical music, psychedelia and, of course, neo‑prog; indeed, the music he composes today is a mix of these elements.
“The Orphan Epoch”, through its seven tracks, talks about today’s isolation and the growing difficulty of discerning reality amidst disinformation, and it does so through a solid yet not impenetrable album. The new elements enriching Cosmograf’s sound also derive from the suggestions that Steven Wilson has been able to bestow upon the music, contaminating an entire world.
Armstrong is joined by two special guests, Kyle Fenton (drums, backing vocals) and Peter Jones (saxophone).
“Division Warning” opens the album with piano, and immediate are the reminiscences of Genesis; however, it’s just an intro, which flows into the grandeur of broad sounds and, if you want, psychedelic in the modern sense of the term. Hard rock comes to support, giving the listening greater emphasis. Filtered and clean vocals alternate, it’s almost like listening to Roger Waters. Time changes and guitar solo are obviously present, I’d say it’s not a bad start: the promises are good.
The ’70s emerge in “We Are The Young”, a ruffian refrain with equally convincing backing vocals. It’s music to sing and listen to, but it’s still progressive rock, so the change is just around the corner. Pink Floyd‑like textures persist, later giving way halfway through the track to a pounding bass drum on a hard rock guitar loop. The instrumental escape that follows is the best a listener of the genre could ask for, between background keyboards and electric guitar. Peace and final magnificence, a combination that manages to keep the emotion high. Porcupine Tree style.
Cosmograf has a well‑defined style anyway, a trend that often emerges even from listening to previous albums; so in “Seraphim Reels” these characteristics emerge through piano, voice and sax. It’s a sweet atmospheric ballad with dreamy electric guitar openings.
The love for the ’70s returns in the Crimson‑esque “Kings And Lords”, but then “You Didn’t See The Thief” leads back to the modern sound of bands like Leprous. There are also clear references to Radiohead in the track “Empty Box”, or the rock of “The Road of Endless Miles” that could fit into David Bowie’s discography.
The beauty of this album lies in its continuity; there are no filler tracks inside, something truly rare these days. Cosmograf represents in “The Orphan Epoch” the union of history and modernity as well as it could be, it’s a work that has left me fully satisfied. MS