Mr.Bison

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genere: Heavy Rock/Psichedelico/Prog Stoner
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Noi italiani negli ultimi anni siamo diventati molto bravi a suonare lo Stoner, se poi ci andiamo ad intrecciare altri generi come l’Hard Rock, la Psichedelia e il Prog, allora il risultato finale diventa davvero dotato di grande personalità.
I toscani Mr. Bison si formano nel 2009 a Cecina (Livorno) ed esordiscono nel 2012 con “We'll Be Brief”, ma si impongono all'attenzione con “Asteroid” (2016), iniziando ad allargare l'orizzonte verso strutture più narrative. Solo con “Holy Oak” (2018) e soprattutto con il concept marittimo “Seaward” (2020) affinano l'elemento psichedelico e la componente Progressive.
Con l'ingresso dei synth e l'arricchimento della formazione (tra cui l'apporto dei fratelli Salvadori), la band incide “Echoes From The Universe” (2024), virando con decisione verso lo Space Rock, il Prog moderno e il Post-Rock lisergico. La line-up attuale è composta da Matteo Barsacchi (chitarra, synth), Matteo Sciocchetto (voc, basso, chitarra), Davide Salvadori (chitarra, synth) e Lorenzo Salvadori (batteria).
Questo nuovo “The Garden Of Forgotten Dreams” lavora attorno al concetto del "Giardino" come rifugio metaforico dell'anima, un luogo magico dove le aspirazioni accantonate, i sogni dimenticati e le luci/ombre interiori non appassiscono, ma rimangono custoditi in attesa di essere riscoperti. Il lavoro è curato e registrato da Matteo Barsacchi presso il Blotch Recording Studio in Toscana, con missaggio a cura di Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlino) e masterizzazione gestita da Carl Saff a Chicago.
L’apertura di “Cosmic Tide” è di grande impatto e parte da riff cadenzati di chiara matrice Stoner/Space Rock per poi spalancarsi su dinamiche epiche e psichedeliche. L'intreccio tra sintetizzatori e chitarre sature crea la sensazione di collisione con un'onda cosmica. Il testo rappresenta la mareggiata iniziale, la forza esterna (o interiore) che sradica l'individuo dal rumore quotidiano e lo trascina verso la soglia del "Giardino". Il tema è il flusso dell'esistenza e la spinta a non opporre resistenza al cambiamento.
Le architetture sonore della title track si fanno cinematografiche, con trame di synth atmosferici e arpeggi avvolgenti che esplodono in maestosi muri di chitarra. È il cuore concettuale dell'opera, l'ingresso nel luogo dove ogni desiderio inespresso vegeta come un fiore silenzioso. La lirica invita a riscoprire parti di sé ritenute perdute e ad accettare il proprio vissuto senza rimpianti. Buona la prova vocale, così come appare ben oliata e funzionale la coppia ritmica di basso e batteria.
Negli oltre sette minuti del brano “Bright Shadow” si gioca sull'equilibrio tra oscurità e luminosità. L'approccio attinge a piene mani dal Prog e dal Post Rock, alternando sezioni ipnotiche/ambient ad accelerate ritmiche dal grande respiro melodico. Qualche scheggia di Tool si infilza con efficacia nel pezzo.
Più serrato e diretto nei tempi, “Astray” che riprende l'energia graffiante del periodo Stoner/Heavy Rock della band, pur mantenendo un ricamo di tastiere che ne amplia la spazialità. Nel testo si tratta lo smarrimento, il momento in cui si perde la rotta (letteralmente "fuori strada"). È la rappresentazione lirica del dubbio, passaggio obbligato prima di poter davvero ritrovare la propria verità interiore.
Ed è la volta di “Turn To Stone”, movimento altamente psichedelico ricco di echi di chitarra e di grande spazialità. Qui si evoca la sensazione di pietrificazione e blocco di fronte al dolore o ai giudizi del mondo esterno, ma anche il rifugio nella stasi per proteggere la propria fragilità.
Fra i momenti più Prog dell’album si trova “The Sunrise”, caratterizzato da un lavoro di synth e chitarra dal carattere sognante che simula l'aumentare graduale della luce. È il risveglio all'interno del Giardino dove la notte cede il passo al mattino e si avverte un forte senso di speranza, di conciliazione e di chiarezza sul proprio percorso.
I Mr. Bison alzano i decibel in “River Moan”, canzone che pone lo sguardo anche verso il passato Hard Rock, dove il "lamento del fiume" diventa il simbolo del tempo che scorre inesorabile, portando via le scorie del passato ma lavando anche le ferite. L'acqua si trasforma così in un elemento di purificazione morale.
Il brano di chiusura “Old Hue” riassume perfettamente tutte le anime del disco, la potenza Stoner, la ricercatezza Prog e gli scenari ambient-space. Il finale si sviluppa in un crescendo orchestrato con grande maturità compositiva. Si esce dal Giardino non cambiati radicalmente, ma finalmente riappacificati con le sfumature della propria storia.
Tra muri di chitarre, architetture sinfoniche di tastiere e una sezione ritmica impeccabile, “The Garden Of Forgotten Dreams” consacra definitivamente i Mr. Bison nell'élite del Rock Psichedelico contemporaneo. Un album ricco di sfumature, coraggioso negli arrangiamenti e liricamente profondo, da assaporare tutto d'un fiato. MS 

Versione Inglese: 

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genre: Heavy Rock/Psychedelic/Prog Stoner
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

In recent years, we Italians have become very skilled at playing Stoner rock; if we then interweave other genres like Hard Rock, Psychedelia, and Prog, the final result becomes truly endowed with great personality.
The Tuscan band Mr. Bison formed in 2009 in Cecina (Livorno) and made their debut in 2012 with “We'll Be Brief”, but caught wider attention with “Asteroid” (2016), beginning to expand their horizons toward more narrative structures. Only with “Holy Oak” (2018) and especially with the maritime concept album “Seaward” (2020) did they refine their psychedelic elements and Progressive component.
With the introduction of synths and an expanded line-up (including the contribution of the Salvadori brothers), the band recorded “Echoes From The Universe” (2024), shifting decisively toward Space Rock, modern Prog, and lysergic Post-Rock. The current line-up consists of Matteo Barsacchi (guitar, synth), Matteo Sciocchetto (lead vocals, bass, guitar), Davide Salvadori (guitar, synth), and Lorenzo Salvadori (drums).
This new album, “The Garden Of Forgotten Dreams”, revolves around the concept of the "Garden" as a metaphorical refuge for the soul: a magical place where set-aside aspirations, forgotten dreams, and inner lights and shadows do not wither, but remain preserved waiting to be rediscovered. The work was produced and recorded by Matteo Barsacchi at Blotch Recording Studio in Tuscany, mixed by Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlin), and mastered by Carl Saff in Chicago.
The opening track, “Cosmic Tide”, makes a huge impact, starting from mid-tempo, rhythmic riffs of clear Stoner/Space Rock origin before opening up into epic and psychedelic dynamics. The interplay between synthesizers and saturated guitars creates the sensation of colliding with a cosmic wave. The lyrics represent the initial storm surge—the external (or internal) force that uproots the individual from daily noise and drags them to the threshold of the "Garden." The theme is the flow of existence and the impulse not to resist change.
The sonic architecture of the title track turns cinematic, with atmospheric synth textures and enveloping arpeggios exploding into majestic walls of guitar. It is the conceptual heart of the album: the entry into the place where every unexpressed desire vegetates like a silent flower. The lyrics invite us to rediscover parts of ourselves thought to be lost and to accept our past without regret. The vocal performance is strong, and the bass-and-drums rhythm section proves to be well-oiled and effective.
Clocking in at over seven minutes, “Bright Shadow” plays on the balance between darkness and luminosity. The approach draws heavily from Prog and Post-Rock, alternating hypnotic/ambient sections with rhythmic accelerations of great melodic breath. A few splinters of Tool effectively slice through the track.
Tighter and more direct in tempo, “Astray” revives the gritty energy of the band's Stoner/Heavy Rock period while retaining a delicate weave of keyboards that broadens its spatiality. The text deals with disorientation—the moment when one loses their way (literally "astray"). It is the lyrical representation of doubt, a necessary passage before truly finding one's inner truth.
Next comes “Turn To Stone”, a highly psychedelic movement rich in guitar echoes and vast spatiality. Here, it evokes the feeling of petrification and paralysis in the face of pain or the judgments of the outside world, as well as taking refuge in stillness to protect one's fragility.
Among the album's most Prog moments is “The Sunrise”, characterized by dreamy synth and guitar work that simulates the gradual increase of light. It is the awakening within the Garden, where night gives way to morning and a strong sense of hope, reconciliation, and clarity regarding one's journey is felt.
Mr. Bison turn up the decibels in “River Moan”, a track that also looks back toward their Hard Rock past, where the "moan of the river" becomes a symbol of time flowing inexorably—carrying away the debris of the past while also cleansing wounds. Water thus transforms into an element of moral purification.
The closing track, “Old Hue”, perfectly synthesizes all the album's distinct souls: Stoner power, Prog sophistication, and ambient-space scenery. The finale unfolds in a crescendo orchestrated with great compositional maturity. One emerges from the Garden not radically changed, but finally reconciled with the nuances of their own history.
Amid walls of guitars, symphonic keyboard architectures, and an impeccable rhythm section, “The Garden Of Forgotten Dreams” definitively consecrates Mr. Bison among the elite of contemporary Psychedelic Rock. An album rich in nuances, courageous in its arrangements, and lyrically profound—to be savored all in one breath. MS

Russian Circles

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Math Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Tre, il numero perfetto: almeno così si dice, e spesso questa “regola” è valida anche nel Rock.
Basso, chitarra e batteria bastano per creare atmosfere e sonorità, se vogliamo, anche non scontate. E quale territorio del Rock è più adatto a ipnotizzare e destabilizzare l’ascoltatore? Ultimamente si può dire che sia il Post Rock, e quando questo si innesta con il Math Rock, allora le sorprese sono assicurate.
Ovviamente serve una preparazione all’ascolto differente da quella del comune amante della musica, perché in questo settore si può essere più duri del Metal anche semplicemente con riff martellanti e claustrofobici. In parole povere, con i Russian Circles siamo oltre il Rock!
I Russian Circles si formano a Chicago (Illinois) nel 2004 su iniziativa del chitarrista Mike Sullivan e del batterista Dave Turncrantz, ai quali si unisce inizialmente il bassista Colin DeKuiper. Fin dagli esordi, il gruppo definisce una cifra stilistica basata sull'intreccio tra l'ampiezza atmosferica del Post Rock, le complesse strutture metriche del Math Rock e l'impatto sonoro del Post Metal, optando per un linguaggio esclusivamente instrumental.
Dopo l'esordio “Enter” (2006), DeKuiper lascia la formazione. Nel 2007 subentra stabilmente al basso e ai sintetizzatori Brian Cook (già membro di Botch e These Arms Are Snakes). La line-up Sullivan-Turncrantz-Cook si consolida così come nucleo inamovibile della band per i successivi vent'anni.
“Nine” è appunto il nono album in studio e sprigiona energia e rabbia da ogni singolo brano. Già “Borehole” traccia la tematica su cui si innestano i pattern ritmici di Dave Turncrantz. Il brano procede con una struttura a crescendo, dove la chitarra di Mike Sullivan sovrappone riff ansiogeni e linee in tapping, trasformando l'introduzione in un'esplosione sonica di stampo Post Metal.
Un altro devastante botto giunge con “Empath”: introdotto da frequenze e ronzii elettronici, si sviluppa su un riffing serrato e aggressivo. Rispetto all'apertura, “Empath” punta su tempi più stringenti e su una sezione ritmica estremamente martellante, dove la sinergia tra basso e batteria assume un carattere quasi rituale e monolitico.
Serve un attimo di respiro e a questo ci pensa “Eluvial”, che in otto minuti presenta un'incursione marcata nell'uso di sintetizzatori analogici intenti a disegnare sequenze ripetitive di stampo kosmische/motorik. La matrice metallica cede temporaneamente il passo a trame più ariose e fantascientifiche, consentendo alle chitarre di stratificarsi progressivamente fino alla deflagrazione del finale.
In “E2” proseguono le esplorazioni timbriche, proponendo un incastro ritmico armonico complesso. Le linee di chitarra adottano soluzioni articolate vicine al Progressive Rock d'annata, sorrette da una trama ritmica sfaccettata che combina la potenza del Math Rock con una spessa muraglia di distorsioni.
“Meridian” gioca sul contrasto tra tensione accumulata e rilascio dinamico. Costruita su arpeggi dilatati e sfondi ambientali, si sviluppa attraverso lunghi fraseggi di chitarra ed ebollizioni ritmiche, mettendo in evidenza il tipico bilanciamento del trio tra momenti di stasi e strappi rumoristici.
A questo punto le orecchie tirano un sospiro di sollievo con il malinconico e breve intermezzo strumentale “Arletta”, dal carattere prevalentemente acustico, che conduce alla devastante “Seventh Seal”, chiaramente accostabile a coordinate Doom e Sludge Metal. Si salvi chi può.
“Nine” è un album di musica roboante, ma se siete amanti di queste sonorità allora griderete al capolavoro, ne sono certo. Comunque siete avvisati. Dimenticavo…
Non ci crederete, ma mi è piaciuto! MS

Versione Inglese:

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Self-released
Genre: Post Rock / Math Rock
Format: Bandcamp – 2026

Three is the magic number: or so they say, and this “rule” often holds true in Rock music as well.
Bass, guitar, and drums are all it takes to build atmospheres and soundscapes that are anything but predictable. And which realm of Rock is best suited to hypnotize and unbalance the listener? Lately, one could argue it’s Post Rock—and when it merges with Math Rock, unexpected twists are guaranteed.
Naturally, this music demands a different kind of active listening compared to what the casual music lover is used to, because in this realm you can be heavier than Metal simply through relentless, claustrophobic riffs. Simply put, with Russian Circles we are beyond Rock!
Russian Circles formed in Chicago, Illinois, in 2004, founded by guitarist Mike Sullivan and drummer Dave Turncrantz, who were initially joined by bassist Colin DeKuiper. Right from the start, the group established a signature sound built on the interplay between the sweeping atmosphere of Post Rock, the complex metric structures of Math Rock, and the sonic impact of Post Metal, opting for a purely instrumental approach.
Following their debut “Enter” (2006), DeKuiper departed from the lineup. In 2007, Brian Cook (formerly of Botch and These Arms Are Snakes) stepped in permanently on bass and synthesizers. The Sullivan-Turncrantz-Cook trio thus solidified as the immovable core of the band for the next twenty years.
“Nine” is indeed their ninth studio album, raw energy and fury bursting from every single track. Right off the bat, “Borehole” lays down the main thematic line over which Dave Turncrantz’s rhythmic patterns interlock. The track moves in a steady crescendo, with Mike Sullivan’s guitar layering anxiety-inducing riffs and tapping lines, turning the intro into a full-blown Post Metal sonic explosion.
Another crushing blow arrives with “Empath”: ushered in by electronic hums and frequencies, the track develops around tight, aggressive riffing. Compared to the opener, “Empath” leans into tighter tempos and an intensely pounding rhythm section, where the synergy between bass and drums takes on an almost ritualistic, monolithic character.
A moment to catch one's breath is needed, and “Eluvial” delivers just that. Across its eight minutes, it features a pronounced dive into analog synthesizers shaping repetitive, kosmische/motorik-style sequences. The heavy metallic foundation temporarily yields to airier, sci-fi textures, allowing the guitars to layer progressively until the final deflagration.
In “E2”, the timbral explorations continue with a complex, interlocking harmonic-rhythmic framework. The guitar lines adopt intricate solutions reminiscent of vintage Progressive Rock, backed by a multifaceted rhythmic texture that marries the firepower of Math Rock with a dense wall of distortion.
“Meridian” plays on the contrast between built-up tension and dynamic release. Constructed around expanded arpeggios and ambient backdrops, it unfolds through long guitar phrasing and rhythmic swells, highlighting the trio’s knack for balancing moments of stillness with noisy outbursts.
At this point, your ears get a sigh of relief with the melancholic, brief instrumental interlude “Arletta”. Its predominantly acoustic nature leads smoothly into the devastating “Seventh Seal”, a track clearly leaning toward Doom and Sludge Metal coordinates. Every man for himself.
“Nine” is an album of thunderous music, but if you are a fan of these sonorities, you’ll be calling it a masterpiece—I’m sure of it. Consider yourselves warned, though. I almost forgot…
You won't believe it, but I loved it! MS

Red Sand

RED SAND - A World Without War
OSKAR Records
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Come sarebbe bello un mondo senza guerre, ma finché l’uomo penserà soltanto ai soldi ed al potere, non ne verremo mai fuori. Il titolo del nuovo album (il tredicesimo) dei canadesi Red Sand è un buon auspicio e un augurio a tutti noi.
I Red Sand, guidati dal chitarrista e compositore Simon Caron, rappresentano una delle realtà più solide e coerenti della scena Neo Prog canadese (e in particolare del Québec). Nati nei primi anni 2000, la loro musica affonda le radici nella tradizione del Progressive Rock classico degli anni '70 e del Neo Prog britannico degli anni '80 (Marillion dell'era Fish, Pendragon, IQ etc.).
Il progetto prende ufficialmente forma con l'album d'esordio “Mirror Of Insanity” (2005), caratterizzato dal timbro vocale ed espressivo del cantante originale Hëmel e dalle melodie liriche della chitarra di Caron. Nel corso degli anni la formazione ha vissuto diversi avvicendamenti, ma Simon Caron ha mantenuto fermo il timbro stilistico della band attraverso assoli di chitarra fortemente emotivi e prolungati (spesso in stile David Gilmour), trame di tastiera avvolgenti e strutture narrative estese.
L'album “A World Without War” si inserisce perfettamente in questa linea evolutiva, portando al centro un tema concettuale cupo e purtroppo sempre attuale: il conflitto umano, le sue cause morali, il peso dell'isolamento e la fragile speranza di un mondo libero dalle guerre.
So già cosa attendermi dalla loro musica nei sei brani dell’album, li ho sempre seguiti perché ligi alle regole, anche le copertine degli album sono in pieno stile dettagliato (quasi Naïf) del Neo Prog, quindi sicuramente non mi deluderanno, ma andiamo a vedere se sarà così.
Il brano “Stories Of Liars” apre l'album puntando l'indice contro l'ipocrisia dei leader politici e dei manipolatori della verità. Le "storie dei bugiardi" rappresentano la propaganda che precede e giustifica ogni conflitto armato. Un inizio drammatico di tastiere fa da intro per poi lasciare entrare gli strumenti con energia. Ed è subito la chitarra elettrica a salire in cattedra, sopra una ritmica perfetta e movimentata fra cambi di tempo e di stile. Il ritornello musicale si stampa inesorabilmente nella mente, il Neo Prog in effetti è così.
Finita questa cavalcata è la volta di “I'll Be Alone”, qui la progressione armonica si fa più malinconica e rarefatta, fra Pink Floyd (grazie anche alla slide) e Marillion. Il brano cresce con dinamica costante fino a sfociare in un passaggio centrale drammatico, coronato da un assolo di chitarra dai toni elegiaci che richiama lo stile espressivo di Steve Rothery e Andy Latimer. Semplicemente splendido!
La prima suite dell’album porta il titolo “The Ballad Of Edgar And Chelsea”, in quasi 12 minuti i Red Sand mettono in mostra l'intero campionario del Neo Prog più classico. L'inizio è pacato, quasi acustico, per poi sviluppare continui cambi di tempo e di atmosfere. Si alternano sezioni sinfoniche dominate dalle tastiere e da parti cantate dense di pathos. I testi narrano la storia personale spezzata dalla guerra. Edgar e Chelsea incarnano la tragedia degli affetti troncati: l'innocenza dell'amore giovanile distrutta dalla brutalità degli eventi e dalla chiamata alle armi.
Ma ecco il fulcro dell’intero album, “A World Without War”, una mostruosa suite di oltre 20 minuti che affronta la desolazione del presente e la ricerca utopica di una pace duratura. Il testo riflette sulla follia ciclica della storia e sul bisogno di riscatto spirituale dell'umanità. Ci sono richiami ai Genesis, Pink Floyd epoca “Wish You Were Here”, Pendragon e Camel, il tutto legato dalla personalità dei tre musicisti che in realtà ne hanno da vendere.
Segue “A World Of Change”, malinconica ballata acustica che mi rimanda a Clive Nolan (Pendragon), toccante e sentita dagli artisti stessi, specialmente nel cantato. E si finisce con “Torpille”: il brano funge da epilogo e da amara riflessione conclusiva. Il titolo richiama il senso di abbattimento e la sensazione di essere colpiti al cuore ("torpillé") dall'impossibilità di cambiare la natura distruttiva dell'uomo, un poco come la mia considerazione iniziale che ha fatto da preambolo alla recensione. Un assolo di chitarra struggente mi trafigge l’anima, non riesco più ad aprire gli occhi durante l’ascolto, e questa amici miei è la magia del Neo Prog.
Sì, i Red Sand non mi hanno deluso ancora una volta, ma in fondo già lo sapevo, perché la classe non è acqua. Peccato per chi non li capisce. MS 

BANDCAMP: https://redsand2.bandcamp.com/album/a-world-without-war

Versione Inglese: 

RED SAND - A World Without War
OSKAR Records
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

How wonderful a world without war would be, but as long as man thinks only of money and power, we will never get out of it. The title of the new album (their thirteenth) by Canadian band Red Sand is a good omen and a wish for all of us.
Red Sand, led by guitarist and composer Simon Caron, represent one of the most solid and consistent acts on the Canadian Neo Prog scene (and particularly in Québec). Formed in the early 2000s, their music is deeply rooted in the classic 70s Progressive Rock tradition and 80s British Neo Prog (Fish-era Marillion, Pendragon, IQ, etc.).
The project officially took shape with their debut album “Mirror Of Insanity” (2005), featuring the expressive vocal tone of original singer Hëmel and the lyrical melodies of Caron's guitar. Over the years, the line-up has undergone several changes, but Simon Caron has maintained the band's distinctive stylistic hallmark through deeply emotional and extended guitar solos (often in the style of David Gilmour), enveloping keyboard textures, and expansive narrative structures.
The album “A World Without War” fits perfectly into this evolutionary path, focusing on a dark and sadly ever-timely conceptual theme: human conflict, its moral causes, the weight of isolation, and the fragile hope for a world free of war.
I already know what to expect from their music across the album's six tracks; I've always followed them because they stick to the rules—even their album artwork is in the fully detailed (almost Naïve) Neo Prog style. So they certainly won't disappoint me, but let's see if that holds true.
The track “Stories Of Liars” opens the album by pointing the finger at the hypocrisy of political leaders and truth-manipulators. The "stories of liars" represent the propaganda that precedes and justifies every armed conflict. A dramatic keyboard opening serves as an introduction before bringing the rest of the instruments in with energy. Immediately, the electric guitar takes center stage over a flawless, dynamic rhythm section featuring shifts in time signature and style. The musical chorus sticks relentlessly in your mind—that's Neo Prog for you.
Once this ride is over, it’s time for “I'll Be Alone”. Here, the harmonic progression becomes more melancholic and sparse, hovering between Pink Floyd (thanks in part to the slide guitar) and Marillion. The track builds with steady dynamics until it culminates in a dramatic central passage, crowned by an elegiac guitar solo reminiscent of the expressive style of Steve Rothery and Andy Latimer. Simply splendid!
The album's first suite bears the title “The Ballad Of Edgar And Chelsea”. In nearly 12 minutes, Red Sand showcase the full showcase of classic Neo Prog. The beginning is gentle, almost acoustic, before developing continuous shifts in tempo and atmosphere. Symphonic sections dominated by keyboards alternate with vocal passages rich in pathos. The lyrics tell a personal story shattered by war: Edgar and Chelsea embody the tragedy of severed affection—the innocence of young love destroyed by the brutality of events and the call to arms.
And then comes the centerpiece of the entire album, “A World Without War”, a monstrous suite of over 20 minutes addressing the desolation of the present and the utopian search for lasting peace. The lyrics reflect on history's cyclical folly and humanity's need for spiritual redemption. There are nods to Genesis, Pink Floyd during the “Wish You Were Here” era, Pendragon, and Camel, all held together by the distinct personality of the three musicians, who truly have skill to spare.
Next is “A World Of Change”, a melancholic acoustic ballad that brings to mind Clive Nolan (Pendragon), touching and deeply felt by the artists themselves, especially in the vocals. And it closes with “Torpille”: the track serves as an epilogue and a bitter final reflection. The title evokes a sense of being struck down and the feeling of being hit right in the heart ("torpillé") by the impossibility of changing man's destructive nature—much like my opening thoughts that served as a preamble to this review. A poignant guitar solo pierces my soul; I can no longer open my eyes as I listen, and this, my friends, is the magic of Neo Prog.
Yes, Red Sand haven't disappointed me once again, but deep down I already knew that, because true class never fades. A pity for those who don't get them. MS

BANDCAMP: https://redsand2.bandcamp.com/album/a-world-without-war

Ok Goodnight

OK GOODNIGHT – Stop/Go
Autoproduzione / Kscope
Genere: Progressive Metal
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Questo è quello che mi piace ascoltare oggi nel Progressive Metal, non più i soliti copia-incolla nei confronti dei maestri (anche se qualche richiamo ci sta sempre bene), bensì un'evoluzione di innesti con materiale e sonorità giustamente moderne. Poi, finalmente, anche una voce femminile (e che voce)!
Sto parlando della band americana (Boston) Ok Goodnight, formata da Casey Lee Williams (testi, voce, cori), Martín De Lima (tastiere, chitarre, orchestrazioni, cori), Augusto Bussio (batteria, chitarre, cori) e Peter De Reyna (basso, cori), con la partecipazione straordinaria di Eve (solo chitarra), Ella Wilhelmina (sax, sax soprano, clarinetto, flauto) e Rodolfo Moreno (sax).
Musicalmente parlando, gli Ok Goodnight combinano il virtuosismo Prog Metal a sonorità Djent moderne e grandi linee melodiche. Ogni singolo brano ha una ricerca strutturale davvero articolata e curata in ogni minimo particolare; il tutto viene ulteriormente esaltato da una tecnica strumentale di certo superiore alla media di queste uscite, soprattutto per ciò che riguarda la ritmica.
Dieci i mondi sonori contenuti, tutti differenti fra di loro, di certo in quarantasette minuti di musica non ci si annoia.
I testi lavorano sul concetto di dualità emotiva e dinamica, sulla continua oscillazione tra momenti di stasi contemplativa (Stop) e accelerazioni di energia e virtuosismo (Go). Le liriche, curate da Casey Lee Williams, esplorano il senso di vulnerabilità, la pressione sociale, la ricerca di identità e l'ansia quotidiana della vita moderna.
L’apertura di “No Sound” è affidata ad atmosfere eteree prima di esplodere in groove di basso infettivi suonati da Peter De Reyna e riff sincopati. La voce di Casey Lee Williams spazia con disinvoltura da registri vulnerabili ad acuti graffianti. E lo stupore già ci ghermisce. Il "nessun suono" descrive l'incapacità di comunicare il proprio dolore e il silenzio interiore che precede una crisi personale.
Il primo singolo estratto dall’album s’intitola “22” ed è caratterizzato da metriche dispari tipiche del Prog Metal. Esso unisce la raffinatezza tecnica delle tastiere e delle chitarre di De Lima e Bussio a un ritornello Pop Alternative di grande impatto. Vi ritroverete come sulle montagne russe.
Il Djent ci sorprende in “Top Of The Bottom”, assieme a un lavoro ritmico serrato di batteria. Si alternano strofe tese ad aperture armoniche spalancate dove si riflette sul paradosso di accontentarsi di piccoli successi superficiali pur rimanendo in una condizione di disagio emotivo.
Si cambia registro con “The Game”, inizialmente delicata per poi sfociare in una performance vocale teatrale ed espressiva fra cambi di tempo improvvisi e interventi elettronici a supporto. Il testo usa la metafora del gioco per criticare le regole sociali e lavorative imposte. Racconta la frustrazione del doversi conformare per compiacere le aspettative altrui.
Ma le sorprese continuano imperterrite con “Spiral”, un crescendo drammatico che inizia con toni intimisti per poi avvitarsi in un vortice di arrangiamenti complessi. La spirale è quella mentale, quando il flusso di pensieri negativi ricade in un circolo vizioso. Il pezzo è a tratti di alta classe.
“Call Me Away” è un breve interludio etereo centrato su arrangiamenti delicati e sulla sola voce di Casey Lee, che esprime un disperato desiderio di fuga e di ricerca di serenità al di fuori del caos quotidiano. Ammaliante come una Jessica Rabbit di turno.
C’è anche un movimento altamente intricato e “progressivo” dal titolo “The Show”, Rock teatrale e Prog contemporaneo con dinamiche marcate ed eccentriche, tanto per non farsi mancare niente.
Ancora ritmiche in grande evidenza in “Humpty Dumpty ("Some Body!")”, caratterizzato da continui stop-and-go che richiamano direttamente il titolo dell'album. Altra bella sorpresa è “The People”, godetene sia il cantato che le coralità. In conclusione giunge “Where I'm From”, inizialmente raffinato e quasi World per poi mutare progressivamente come oramai la band ci ha abituati.
Questo terzo album della band è un disco fresco, viscerale, tecnicamente impeccabile ma sempre al servizio dell'emozione e del racconto umano. Ascolto obbligato. MS 

Versione Inglese: 

OK GOODNIGHT – Stop/Go
Self-released / Kscope
Genre: Progressive Metal
Format: CD / Bandcamp – 2026

This is what I love listening to in Progressive Metal today: no more of the usual copy-pasting from the masters (even if a few nods are always welcome), but rather an evolution of influences blended with rightly modern sounds and material. And finally, a female lead voice too (and what a voice)!
I am talking about the American band (from Boston) Ok Goodnight, formed by Casey Lee Williams (lyrics, lead vocals, backing vocals), Martín De Lima (keyboards, guitars, orchestrations, backing vocals), Augusto Bussio (drums, guitars, backing vocals), and Peter De Reyna (bass, backing vocals), with special guest appearances by Eve (lead guitar solo), Ella Wilhelmina (sax, soprano sax, clarinet, flute), and Rodolfo Moreno (sax).
Musically speaking, Ok Goodnight combine Prog Metal virtuosity with modern Djent textures and great melodic lines. Every single track features a truly articulate structural arrangement, crafted down to the finest detail; all of this is further elevated by an instrumental technique that is certainly well above the average for such releases, particularly when it comes to the rhythm section.
Ten distinct soundscapes are packed into this release, each different from the next, ensuring that over the course of its forty-seven minutes of music, there is never a dull moment.
The lyrics revolve around the concept of emotional and dynamic duality, oscillating constantly between moments of contemplative stillness (Stop) and bursts of energy and virtuosity (Go). The lyrics, penned by Casey Lee Williams, explore themes of vulnerability, social pressure, the search for identity, and the daily anxiety of modern life.
The opening track, “No Sound”, begins with ethereal atmospheres before exploding into infectious bass grooves played by Peter De Reyna and syncopated riffs. Casey Lee Williams' vocals range effortlessly from vulnerable registers to rasping high notes. And amazement grips us right away. The "no sound" describes the inability to communicate one's pain and the inner silence that precedes a personal crisis.
The first single taken from the album is titled “22”, featuring odd time signatures typical of Prog Metal. It blends the technical sophistication of De Lima's and Bussio's keyboards and guitars with a high-impact Pop-Alternative chorus. You will find yourself on a rollercoaster ride.
Djent catches us by surprise in “Top Of The Bottom”, alongside tight, driving drum work. Tense verses alternate with wide-open harmonic sections, reflecting on the paradox of settling for superficial, minor successes while remaining trapped in emotional distress.
The mood shifts with “The Game”, initially delicate before blossoming into a theatrical and expressive vocal performance amidst sudden time changes and supporting electronic elements. The lyrics use the metaphor of the game to critique imposed social and work rules, telling of the frustration of having to conform to please others' expectations.
Yet the surprises continue unabated with “Spiral”, a dramatic crescendo that begins with intimate tones before spiraling into a vortex of complex arrangements. The spiral is a mental one, where the flow of negative thoughts falls back into a vicious cycle. The track is, at times, sheer high class.
“Call Me Away” is a brief, ethereal interlude centered on delicate arrangements and Casey Lee’s solo vocals, expressing a desperate desire for escape and a search for serenity away from daily chaos. As alluring as a Jessica Rabbit of sorts.
There is also a highly intricate and "progressive" movement titled “The Show”, combining theatrical Rock and contemporary Prog with marked and eccentric dynamics, just so nothing is left out.
Rhythms take center stage once again in “Humpty Dumpty ("Some Body!")”, characterized by continuous stop-and-go patterns that directly echo the album's title. Another delightful surprise is “The People”—enjoy both the lead vocals and the backing harmonies. Finally comes “Where I'm From”, initially refined and almost World-inflected, before evolving progressively in the way the band has now accustomed us to.
This album by the band is a fresh, visceral, technically flawless record that always remains at the service of emotion and human storytelling. Essential listening. MS

Floating Weeds Music

FLOATING WEEDS MUSIC - Beyond, Within
Autoproduzione
Genere: Psichedelia Ambient
Supporto: Bandcamp – 2026

Sempre più persone singole si avvicinano alla musica come one-man band, grazie anche all’uso della tecnologia che permette di realizzare oggi un disco a basso costo. Non sempre ciò è sinonimo di bassa qualità, perchè quando si ha qualcosa da dire, le idee scaturiscono con vigore e spesso i risultati sono interessanti.
In questo caso, dietro al moniker Floating Weeds Music si trova il musicista e compositore italiano Federico Fabrizi, attivo nell'ambito della ricerca sonora indipendente. Il suo percorso musicale si caratterizza per un approccio fortemente eclettico, che spazia dal Prog Rock d'avanguardia alla World Music futuristica, passando per la Psichedelia e l'Ambient meditativa.
Floating Weeds Music è pensato come un laboratorio aperto in cui esplorare la contaminazione tra strumenti classici ed elettrici, sintetizzatori ed elementi etnici o rituali. La sua ricerca artistica si fonda su un profondo interesse per le filosofie orientali, la spiritualità (Kundalini) e la sperimentazione strutturale, creando paesaggi sonori immersivi dedicati al concetto di viaggio interiore e dissoluzione dell'ego. Generalmente, fra le note scaturiscono sintetizzatori atmosferici, ritmiche dub lente e profonde, linee di basso avvolgenti, campionamenti etnici e strumenti tradizionali asiatici, creando un viaggio sonoro immersivo.
In “Beyond, Within” ci sono otto tracce per oltre cinquanta minuti di musica. Fra le strumentazioni utilizzate per la riuscita dell’album spiccano, oltre alle classiche chitarre e via dicendo, anche tabla, sitar e bansuri.
L’artista si pone le domande: “Perché noi umani (almeno alcuni di noi) sentiamo il bisogno di riconnetterci con uno stato di coscienza superiore?”, “Cos'è la coscienza?”, “Esiste una realtà superiore? Questo mondo materiale è solo un'illusione?”, tutto ciò fa da traino all’intero percorso.
“She Who Flows” è dedicata all'energia femminile della creazione (Shakti) e rappresenta il flusso ininterrotto della vita. La figura femminile che scorre è il simbolo del cambiamento e del fluire della coscienza che si abbandona al divenire. Un basso dub calmo ed essenziale sostiene la traccia, mentre synth morbidi ed echi dilatati ricreano l'incedere fluido di un fiume. La chitarra elettrica rafforza il tutto, immergendo l’ascoltatore in un contesto psichedelico.
In “Not Two” sembra di trovarsi in panorami estesi dove la struttura musicale lavora per sottrazione, lasciando ampi spazi di silenzio e riverberazione. Il titolo richiama direttamente l'esperienza della Non-Dualità (in sanscrito Advaita, traducibile appunto con "Non Due"). Il testo e i campionamenti vocali esplorano l'illusione della separazione tra l'osservatore e il mondo esterno, dove non vi è divisione tra il sé e il tutto.
La title track crea una sensazione di espansione spaziale, mentre un groove dub ipnotico guida l'ascolto verso una dimensione contemplativa e meditativa. Un ascolto per l’anima. Il paradosso del titolo esplora il principio secondo cui ciò che è "oltre" (il cosmo, il divino) si trova esattamente all'interno della propria consapevolezza. È un invito a volgere lo sguardo dall'esterno all'interno per scoprire la natura infinita della mente.
Sonoramente non distante giunge “The Coiled Snake”, fra misticismo e visceralità. Le ritmiche suggeriscono un movimento lento, a spirale e ascendente. Il riferimento diretto è alla Kundalini, l'energia primordiale rappresentata come un serpente arrotolato alla base della spina dorsale. La musica descrive simbolicamente la risalita di questa forza spirituale attraverso i centri energetici (chakra). C’è anche un breve intermezzo strumentale dal titolo “Naga”, in cui ci si immerge nella mitologia induista e buddista. Il brano funge da ponte contemplativo e rituale per la seconda metà dell'album, che riprende con “Naja Naja”, nome scientifico del cobra indiano. Non mutano le atmosfere, sempre sostenute dal basso onnipresente, dalla tabla e dal sitar. La voce emette un canto ipnotico che avvolge l’ascoltatore.
Altro viaggio profondo nell’io giunge dalla psichedelica (soprattutto nella chitarra) “Together We Flow”, mentre la rarefatta “Samudra” chiude l’album senza togliere o aggiungere altro all’insieme.
“Beyond, Within” possiede senza dubbio un fascino concettuale e una cura timbrica indiscutibile, ma soffre di un'immobilità di fondo che trasforma il viaggio interiore in una lunga attesa del primo evento dinamico. Un lavoro ideale da mettere in sottofondo durante sessioni di yoga. Comunque interessante. MS

Versione Inglese: 

FLOATING WEEDS MUSIC - Beyond, Within
Self-released
Genre: Ambient Psychedelia
Format: Bandcamp – 2026

More and more individuals are approaching music as a one-man band, thanks in part to technologies that allow for low-cost album production today. This is not always synonymous with low quality, because when one has something to say, ideas spring forth with vigor and the results are often intriguing.
In this case, behind the moniker Floating Weeds Music is Italian musician and composer Federico Fabrizi, who is active in independent sound research. His musical path is characterized by a strongly eclectic approach, ranging from avant-garde Prog Rock to futuristic World Music, by way of Psychedelia and meditative Ambient.
Floating Weeds Music is conceived as an open laboratory in which to explore the fusion of classic and electric instruments, synthesizers, and ethnic or ritualistic elements. His artistic research is rooted in a deep interest in Eastern philosophies, spirituality (Kundalini), and structural experimentation, creating immersive soundscapes dedicated to the concepts of inner journeys and ego dissolution. Atmospheric synthesizers, slow and deep dub rhythms, enveloping basslines, ethnic sampling, and traditional Asian instruments generally flow between the notes, creating an immersive sonic journey.
In “Beyond, Within” there are eight tracks spanning over fifty minutes of music. Among the instrumentation used to achieve the album's sound, alongside classic guitars and so forth, tabla, sitar, and bansuri stand out.
The artist poses questions such as: “Why do we humans (or at least some of us) feel the need to reconnect with a higher state of consciousness?”, “What is consciousness?”, “Does a higher reality exist? Is this material world just an illusion?”, all of which serve as driving forces behind the entire journey.
“She Who Flows” is dedicated to the feminine energy of creation (Shakti) and represents the uninterrupted flow of life. The flowing female figure symbolizes change and the stream of consciousness surrendering to becoming. A calm, essential dub bassline anchors the track, while soft synths and expanded echoes recreate the fluid progression of a river. The electric guitar reinforces the whole, immersing the listener in a psychedelic context.
In “Not Two,” one feels placed within vast panoramas where the musical structure works by subtraction, leaving wide open spaces of silence and reverberation. The title directly recalls the experience of Non-Duality (in Sanskrit Advaita, which translates to "Not Two"). The lyrics and vocal samples explore the illusion of separation between the observer and the external world, where there is no division between the self and the whole.
The title track creates a sense of spatial expansion, while a hypnotic dub groove guides the listener toward a contemplative, meditative dimension. A listen for the soul. The paradox of the title explores the principle that what lies "beyond" (the cosmos, the divine) is found precisely "within" one's own awareness. It is an invitation to turn one's gaze from the outside in to discover the infinite nature of the mind.
Sonically not far off comes “The Coiled Snake,” hovering between mysticism and visceral intensity. The rhythms suggest a slow, spiraling, ascending movement. The direct reference is to Kundalini, the primordial energy represented as a coiled snake at the base of the spine. The music symbolically describes the awakening of this spiritual force through the energy centers (chakras). There is also a brief instrumental interlude titled “Naga,” which immerses the listener in Hindu and Buddhist mythology. The track acts as a contemplative, ritualistic bridge to the second half of the album, which resumes with “Naja Naja,” the scientific name of the Indian cobra. The atmosphere remains consistent, continuously sustained by the omnipresent bassline, tabla, and sitar. The vocals deliver a hypnotic chant that enfolds the listener.
Another deep journey into the self comes from the psychedelic (especially in the guitar work) “Together We Flow,” while the rarefied “Samudra” closes the album without adding or subtracting anything further from the whole.
“Beyond, Within” undoubtedly possesses a conceptual charm and indisputable timbral care, but it suffers from an underlying stillness that turns the inner journey into a long wait for the first dynamic event. An ideal work to put on in the background during yoga sessions. Still, interesting. MS

Moby Dick

MOBY DICK – Moby Dick
Akarma Records
Genere: Hard Rock
Supporto: LP / Bandcamp – 1973 / 2001

Anche noi in Italia abbiamo avuto nei primi anni ’70 i nostri Led Zeppelin partenopei, anche se non ce ne siamo neppure accorti! È una storia strana che tenterò di raccontarvi.
Innanzi tutto vi dico che l'album “Moby Dick” non è stato pubblicato negli anni '70 al momento della sua registrazione, ma recuperato e distribuito decenni dopo tramite varie etichette discografiche specializzate nel collezionismo e nelle ristampe underground. La prima e più celebre pubblicazione ufficiale del materiale d'archivio risale al 2001 ad opera della storica etichetta italiana Akarma (sotto-etichetta della Comet Records), pubblicata sia in formato LP/vinile (cat. AK 1028) sia in CD Digibook. Successivamente è stato ristampato da Bull's-Eye (2009 / 2016) per il mercato americano ed europeo, e infine da Sommor Records / Guerssen (2024–2026), etichetta spagnola specializzata in Psichedelia, Hard Rock e Prog anni '60/'70.
Per quanto riguarda l'epoca originale (1973), gli unici due brani pubblicati in formato 45 giri (“Free Wheelin Cat” e “Provisional Baby Hip”) uscirono per la piccolissima etichetta indipendente campana A.B. Record (cat. AB 01).
I Moby Dick dunque rappresentano una delle gemme più affascinanti, elusive e contorte del panorama dell'Hard Rock e Prog Blues italiano. Attivi nella fervida e vulcanica scena partenopea, la stessa che vedeva germogliare e fiorire realtà celebri come Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli Centrale e Uno, i Moby Dick scelsero una via stilistica diretta, energetica e fortemente ancorata al sound anglo-americano, orientata verso l'Hard Rock chitarristico con forti sfumature Funk, Soul e Blues.
La band si forma a Napoli a cavallo tra la fine degli anni '60 e l'inizio dei '70. La formazione storica vedeva figurare musicisti dotati di una tecnica formidabile e di un tiro ritmico eccezionale: Enzo Granato (chitarra solista e voce guida, mente creatrice e autore principale), Tonino Esposito (basso), Lino Muoio (batteria e percussioni) e Piero Framond (tastiere, presente nelle fasi successive e nelle registrazioni estese).
Inseriti nel vivacissimo circuito live campano del periodo, parteciparono ad alcuni dei più importanti festival Pop e Avant-Garde dell'epoca, facendosi notare per l'impatto dirompente dal vivo. Nonostante la qualità formidabile del loro repertorio, la band non riuscì a pubblicare un LP ufficiale all'epoca.
La stampa Akarma comprende dieci canzoni e basta ascoltare la prima, “Two Timing Girl”, per comprendere quanto la band sia ispirata da Plant, Page e soci. Il brano si apre con un riff d'impatto affilato ed energico, fortemente debitore dell'Hard Rock britannico di marca Free, Humble Pie e appunto, primi Led Zeppelin. La sezione ritmica di Esposito (non il famoso di “Kalimba De Luna”) e Muoio macina un groove serrato in 4/4, mentre la chitarra di Granato stacca accordi aggressivi e si lancia in un assolo acido e distorto. Il testo narra la classica vicenda del tradimento e del doppio gioco affettivo ("two-timing"). Il registro lirico è quello tipico del Rock'n'Roll viscerale con tanto di rabbia, delusione ed emancipazione da una relazione tossica con una donna infedele.
“Free Wheelin Cat”, pubblicato originariamente come lato A del 45 giri del 1973, è un pezzo sorretto da una linea di basso pulsante e rotonda. Il sapore è spiccatamente Funk Rock, con un uso ritmico della chitarra wah-wah che richiama le atmosfere americane alla Grand Funk Railroad o James Gang.
Per il resto l’album si aggira attorno a quanto descritto con buone soluzioni e ritmiche elevate.
In definitiva, l'album omonimo dei Moby Dick è la fotografia nitida e potente di quello che avrebbe potuto essere e non è stato. Un disco che non pecca di alcun complesso d'inferiorità verso i mostri sacri dell'Hard Blues anglosassone dell'epoca e che dimostra quanto la Napoli dei primi anni '70 fosse un calderone creativo ben più ampio del solo prog sinfonico o del Napoli Centrale style. Un recupero interessante per chiunque voglia comprendere fino in fondo le diramazioni più viscerali, polverose e autentiche del Rock italiano d'archivio. Sorprendente! MS

Versione Inglese:

MOBY DICK – Moby Dick
Akarma Records
Genre: Hard Rock
Format: LP / Bandcamp – 1973 / 2001

Even here in Italy, back in the early '70s, we had our very own Neapolitan Led Zeppelin, even if we didn't even notice! It's a strange story that I will try to tell you.
First of all, let me tell you that the album “Moby Dick” was not released in the '70s at the time of its recording, but was retrieved and distributed decades later through various record labels specializing in collecting and underground reissues. The first and most famous official release of this archival material dates back to 2001 by the historic Italian label Akarma (a sub-label of Comet Records), issued both in LP/vinyl format (cat. AK 1028) and as a CD Digibook. Subsequently, it was reissued by Bull's-Eye (2009 / 2016) for the American and European markets, and finally by Sommor Records / Guerssen (2024–2026), a Spanish label specialized in '60s/'70s Psychedelia, Hard Rock, and Prog.
As for the original era (1973), the only two tracks released as a 7" single (“Free Wheelin Cat” and “Provisional Baby Hip”) came out on the tiny independent label A.B. Record (cat. AB 01) from Campania.
Moby Dick therefore represent one of the most fascinating, elusive, and intricate gems of the Italian Hard Rock and Prog Blues scene. Active in the fervent and volcanic Neapolitan scene—the very same that saw famous acts like Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli Centrale, and Uno sprout and flourish—Moby Dick chose a direct, energetic stylistic path strongly anchored in the Anglo-American sound, oriented toward guitar-driven Hard Rock with heavy Funk, Soul, and Blues overtones.
The band formed in Naples between the late '60s and early '70s. The historic lineup featured musicians endowed with formidable technique and exceptional rhythmic drive: Enzo Granato (lead guitar and lead vocals, mastermind and main songwriter), Tonino Esposito (bass), Lino Muoio (drums and percussion), and Piero Framond (keyboards, present in later phases and extended recordings).
Embedded in the vibrant local live circuit of the period, they took part in some of the most important Pop and Avant-Garde festivals of the time, making a name for themselves through their explosive live impact. Despite the formidable quality of their repertoire, the band failed to release an official LP back then.
The Akarma pressing includes ten tracks, and listening to the first one, “Two Timing Girl”, is enough to understand how deeply the band was inspired by Plant, Page, and company. The track opens with a sharp, high-impact, energetic riff, heavily indebted to British Hard Rock in the vein of Free, Humble Pie, and indeed, early Led Zeppelin. The rhythm section of Esposito (not the famous one of “Kalimba De Luna” fame) and Muoio grinds out a tight 4/4 groove, while Granato's guitar chops aggressive chords and launches into an acidic, distorted solo. The lyrics tell the classic tale of betrayal and emotional double-dealing ("two-timing"). The lyrical tone is typical of visceral Rock'n'Roll, complete with anger, disappointment, and empowerment from a toxic relationship with an unfaithful woman.
“Free Wheelin Cat”, originally released as the A-side of the 1973 7" single, is a track driven by a pulsing, round bassline. The flavor is distinctly Funk Rock, featuring a rhythmic use of the wah-wah guitar that recalls American vibes akin to Grand Funk Railroad or James Gang.
For the rest, the album revolves around what has been described, offering good musical solutions and high-octane rhythms.
Ultimately, Moby Dick's self-titled album is a sharp, powerful snapshot of what could have been and never was. A record that suffers from no inferiority complex whatsoever toward the sacred monsters of Anglo-Saxon Hard Blues of that era, proving how early '70s Naples was a creative cauldron far broader than just symphonic prog or the Napoli Centrale style. An interesting retrieval for anyone wishing to fully grasp the most visceral, dusty, and authentic offshoots of archival Italian Rock. Surprising! MS