Barbara Strozzi - Laura Catrani

BARBARA STROZZI / LAURA CATRANI – Virtuosissima Sirena
Con L’Accademia Dell'Annunciata diretta da Riccardo Doni
Arcana/Outhere
Genere: Barocco
Supporto: CD – 2026

Quando si parla di musica, specialmente di quella del passato, si affronta poco l’operato femminile. Nel corso dei secoli la presenza delle donne nella musica colta ed esecutiva è stata drasticamente limitata non da una mancanza di talento o di interesse, ma da precisi vincoli sociali, religiosi, legali ed economici. Nel contesto cristiano occidentale ha pesato a lungo il precetto paolino del Mulier tacet in ecclesia (“La donna taccia in chiesa”), affiancato dai pregiudizi morali dell'epoca.
Tuttavia ne abbiamo avuti di esempi onorevoli, come Francesca Caccini, Maddalena Casulana, Leonora Baroni e Barbara Strozzi (1619–1677).
Barbara Strozzi fu figlia adottiva (e con ogni probabilità naturale) del poeta e intellettuale Giulio Strozzi e crebbe nel vivo ambiente culturale e letterario della Venezia del Seicento. Allieva di Francesco Cavalli, fu tra le pochissime donne dell'epoca a pubblicare la propria musica in volumi a stampa senza nascondersi dietro un ordine religioso o un nome nobiliare. Figura centrale dell'Accademia degli Incogniti, la sua voce e la sua perizia compositiva le valsero l'appellativo di “Virtuosissima Sirena”, crasi di due differenti epiteti con cui veniva chiamata: “Virtuosissima cantatrice” e “Poetica sirena”.
Il soprano Laura Catrani oggi si è posta un quesito: come avrebbe trattato una voce dedita al repertorio contemporaneo la musica di Barbara Strozzi? Il sorprendente risultato è “Virtuosissima Sirena”, realizzato con l’Accademia dell’Annunciata capitanata dall’art director Riccardo Doni. Catrani, nel suo approccio al repertorio seicentesco, unisce rigore sulla prassi esecutiva storica e una spiccata sensibilità teatrale nella declamazione e nell'espressività degli affetti.
L’opera è formata da dieci movimenti ed è accompagnata da uno splendido artwork curato in ogni minimo dettaglio, con un libretto di ben 40 pagine contenente testi e spiegazioni tradotti anche in lingua inglese e francese. Questo dimostra un vero rispetto per chi si approccia all’ascolto di un album, un'attenzione che ultimamente si vede sempre meno a causa della liquidità della musica odierna. Un valore aggiunto che esalta l’opera. Il design è a cura di Emilio Lonardo, mentre la cover picture è della stessa Laura Catrani coadiuvata da Gianni Rizzotti.
Il percorso sonoro parte con “Godere, E Tacere”, eseguito in una versione puramente strumentale dall'ensemble Accademia dell'Annunciata. Serve da introduzione al disco, ponendo l'accento sulla trama polifonica e sulle armonie della Strozzi prima dell'ingresso della voce solista: un madrigale che tocchi i sentimenti dell’anima.
“L'Amante Segreto (tratto da Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)” è a seguire una cantata di ampie dimensioni (oltre 9 minuti) strutturata in sezioni alternate. La Strozzi impiega un registro espressivo intimista e malinconico, dove il soprano modula la linea vocale tra momenti di recitativo declamato e ariosi lirici sostenuti dal basso continuo. Il protagonista canta l'impossibilità di svelare il proprio amore, preferendo patire in silenzio fino alla morte piuttosto che palesare il proprio sentimento e rischiare il rifiuto o la vergogna.
Tempi più brevi per “La Vendetta (tratto da Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)”, brano brillante che propone un andamento agile e scattante, dove la vocalità si fa incisiva attraverso fioriture veloci che sottolineano la determinazione e lo sdegno del personaggio di fronte alle pene d'amore.
Si passa ora a una composizione di Giovanni Legrenzi (1626–1690), figura di spicco della musica veneziana. Il brano “La Savorgniana” è puramente strumentale e si articola in brevi sezioni contrappuntistiche dai ritmi contrastanti e con frequenti dialoghi tra gli strumenti ad arco, inserito nell'album per tracciare il contesto sonoro dell'epoca.
Ed è la volta di un capolavoro senza tempo: “Lagrime Mie - Lamento (tratto da Diporti di Euterpe, Op. 7)”. La scrittura musicale alterna momenti di dolente e lento recitativo a passaggi vocali virtuosistici e tormentati, resi con grande tensione drammatica poiché si tratta del lamento di un amante prigioniero che soffre per l'impossibilità di vedere la donna amata (“Lagrime mie, a che vi trattenete?”). Per chi vi scrive è uno dei momenti più alti dell’intera opera. Qui Laura dà tutto il meglio di sé, soprattutto per sensibilità d’animo.
“A Pena Il Sol (tratto da Diporti di Euterpe, Op. 7)” è maggiormente articolata e gioca sul contrasto tra la luminosità della descrizione pastorale/naturale iniziale e il carattere introspettivo del tormento amoroso, muovendosi tra sezioni misurate e momenti ariosi. Il testo descrive lo spuntare dell'alba (“A pena il sol con l'aureo crin risplende”) per contrastarlo con le tenebre interiori dell'amante, che non trova pace nemmeno alla luce del giorno.
C’è anche una satira morale d'impronta accademica sull'ipocrisia e sull'incostanza dei potenti (“È costume de' grandi il promettere molto e dar niente”) grazie a “Costume De' grandi (tratto da Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)”. È un'arietta arguta dal ritmo marcato. La struttura musicale è diretta, sillabica e quasi popolareggiante, pensata per rendere immediatamente chiaro l'intento ironico del testo.
Giunge a questo punto il secondo brano strumentale, “Sonata Duodecima (tratto da Sonate concertate in stil moderno, libro secondo di Dario Castello)”. Dario Castello fu tra i massimi esponenti dello stile moderno a Venezia. La “Sonata Duodecima” è un pezzo di grande virtuosismo per l'ensemble strumentale, caratterizzato da continui e improvvisi cambi di tempo, affetti e dinamiche (il cosiddetto “stile fantastico”).
Si torna a Barbara Strozzi con “Che Si Può Fare - Cantata (da Arie, Op. 8)”, fra i brani più celebri della compositrice. La Catrani sostiene melodie dilatate, melismi espressivi e sospensioni armoniche di profonda intensità. Il testo è una meditazione malinconica sulla rassegnazione di fronte a un destino avverso e all'impossibilità di piegare la fortuna o l'amore ai propri desideri ("Che si può fare? Se le stelle rubelle non hanno pietà...").
Infine “Tradimento (da Diporti di Euterpe, Op. 7)”, un grido improvviso di reazione di fronte allo svelamento dell'inganno dell'amato ("Tradimento, tradimento! All'armi, o pensieri!").
Concludendo, “Virtuosissima Sirena” non è una semplice operazione di riproposta filologica, ma una lettura drammaturgica e viva della poetica strozziana. Laura Catrani e l'Accademia dell'Annunciata scrostano il Barocco da ogni manierismo accademico, restituendoci una Barbara Strozzi carnale, moderna e spietata nella sua resa degli affetti. Un ascolto per riscoprire una pagina cruciale del Seicento veneziano e per comprendere quanto il teatro dell'anima di quattro secoli fa sappia ancora parlare, senza filtri, al nostro presente. MS

Versione Inglese: 

BARBARA STROZZI / LAURA CATRANI – Virtuosissima Sirena
With Accademia Dell'Annunciata conducted by Riccardo Doni
Arcana/Outhere
Genre: Baroque
Format: CD – 2026

When discussing music, especially that of the past, female contribution is rarely addressed. Over the centuries, the presence of women in classical and performing music was drastically limited not by a lack of talent or interest, but by precise social, religious, legal, and economic constraints. In the Western Christian context, Paul's precept of Mulier tacet in ecclesia (“Let women keep silence in the churches”) weighed heavily for a long time, alongside the moral prejudices of the era.
However, we have had honorable examples, such as Francesca Caccini, Maddalena Casulana, Leonora Baroni, and Barbara Strozzi (1619–1677).
Barbara Strozzi was the adopted (and in all likelihood biological) daughter of the poet and intellectual Giulio Strozzi and grew up in the vibrant cultural and literary environment of seventeenth-century Venice. A pupil of Francesco Cavalli, she was among the very few women of her era to publish her music in printed volumes without hiding behind a religious order or a noble name. A central figure of the Accademia degli Incogniti, her voice and compositional skill earned her the epithet of “Virtuosissima Sirena” (Most Virtuosic Siren), a portmanteau of two different epithets by which she was known: “Virtuosissima cantatrice” and “Poetica sirena”.
Soprano Laura Catrani posed a question today: how would a voice dedicated to contemporary repertoire handle the music of Barbara Strozzi? The surprising result is “Virtuosissima Sirena”, created with Accademia dell’Annunciata led by art director Riccardo Doni. Catrani, in her approach to the seventeenth-century repertoire, combines historical performance practice rigor with a sharp theatrical sensitivity in declamation and in the expressiveness of the affetti.
The work consists of ten movements and is accompanied by splendid artwork crafted in every detail, complete with a 40-page booklet featuring texts and explanations translated also into English and French. This shows true respect for anyone approaching an album's listening experience, a level of care seen less and less lately due to today's music liquidity. An added value that elevates the work. The design is by Emilio Lonardo, while the cover picture is by Laura Catrani herself, assisted by Gianni Rizzotti.
The sonic journey begins with “Godere, E Tacere”, performed in a purely instrumental version by the ensemble Accademia dell'Annunciata. It serves as an introduction to the album, emphasizing the polyphonic texture and Strozzi's harmonies before the entry of the solo voice: a madrigal to touch the feelings of the soul.
“L'Amante Segreto (from Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)” is next, a large-scale cantata (over 9 minutes) structured in alternating sections. Strozzi employs an intimate and melancholic expressive register, where the soprano modulates the vocal line between moments of declaimed recitative and lyrical ariosos supported by the basso continuo. The protagonist sings of the impossibility of revealing their love, preferring to suffer in silence until death rather than disclose their feelings and risk rejection or shame.
Quicker tempos characterize “La Vendetta (from Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)”, a brilliant track with an agile and snappy pace, where the vocal style becomes incisive through fast embellishments that underline the character's determination and disdain in the face of love's torments.
We now move to a composition by Giovanni Legrenzi (1626–1690), a prominent figure in Venetian music. The piece “La Savorgniana” is purely instrumental and is articulated in short contrapuntal sections with contrasting rhythms and frequent dialogues among the string instruments, included in the album to sketch the sonic context of the era.
And then comes a timeless masterpiece: “Lagrime Mie - Lamento (from Diporti di Euterpe, Op. 7)”. The musical writing alternates moments of sorrowful and slow recitative with virtuosic and tormented vocal passages, delivered with great dramatic tension as it is the lament of an imprisoned lover suffering from the impossibility of seeing his beloved (“Lagrime mie, a che vi trattenete?”). For this writer, it is one of the highest points of the entire work. Here Laura gives her absolute best, especially in terms of emotional sensitivity.
“A Pena Il Sol (from Diporti di Euterpe, Op. 7)” is more complexly structured and plays on the contrast between the luminosity of the initial pastoral/nature description and the introspective character of love's torment, moving between measured sections and arioso moments. The text describes the break of dawn (“A pena il sol con l'aureo crin risplende”) to contrast it with the inner darkness of the lover, who finds no peace even in the light of day.
There is also a moral satire with an academic touch on the hypocrisy and fickleness of the powerful (“È costume de' grandi il promettere molto e dar niente”) thanks to “Costume De' grandi (from Cantate, ariette, e duetti, Op. 2)”. It is a witty arietta with a marked rhythm. The musical structure is direct, syllabic, and almost folk-like, designed to make the satirical intent of the text immediately clear.
At this point comes the second instrumental track, “Sonata Duodecima (from Sonate concertate in stil moderno, libro secondo by Dario Castello)”. Dario Castello was among the greatest exponents of the stile moderno in Venice. “Sonata Duodecima” is a piece of great virtuosity for the instrumental ensemble, characterized by continuous and sudden changes of tempo, emotions, and dynamics (the so-called “stile fantastico”).
We return to Barbara Strozzi with “Che Si Può Fare - Cantata (from Arie, Op. 8)”, among the composer's most famous pieces. Catrani sustains expanded melodies, expressive melismas, and harmonic suspensions of deep intensity. The text is a melancholic meditation on resignation in the face of an adverse fate and the impossibility of bending fortune or love to one's desires ("Che si può fare? Se le stelle rubelle non hanno pietà...").
Finally, “Tradimento (from Diporti di Euterpe, Op. 7)”, a sudden cry of reaction upon discovering the beloved's deceit ("Tradimento, tradimento! All'armi, o pensieri!").
In conclusion, “Virtuosissima Sirena” is not merely an exercise in historical reconstruction, but a vivid, dramaturgical reading of Strozzi's poetics. Laura Catrani and Accademia dell'Annunciata strip Baroque away from academic mannerism, handing us a visceral, modern, and relentless Barbara Strozzi in her rendering of human emotions. A listening experience to rediscover a crucial page of seventeenth-century Venice and to understand how much the theater of the soul from four centuries ago can still speak, unfiltered, to our present. MS

 

Laura Catrani

LAURA CATRANI – Vox In Femina
Stradivarius / Milano Dischi
Genere: Sperimentazione vocale
Supporto: CD – 2026

La voce, questo strumento che ci portiamo dietro e usiamo diversamente a seconda delle situazioni, sa emozionare, far ridere, arrabbiare, sorprendere… innamorare.
In ambito artistico la voce si è sempre sposata con la musica, ma soprattutto con il teatro. C’è chi ne ha fatto un uso sperimentale: basti dare uno sguardo al passato di Antonin Artaud, Joan La Barbara, al mai troppo compianto Demetrio Stratos con le sue polifonie, e altri ancora. Anche oggi c’è chi sperimenta in questo ambito, con nomi come Claudio Milano (Nickelodeon), John De Leo (Quintorigo) o Romina Daniele, che risulteranno nuovi ai meno esperti tra voi.
Ma non esistono sperimentazioni ben riuscite senza basi e doti, è un approccio in cui il passo falso è sempre dietro l’angolo.
Così non è per Laura Catrani, soprano italiano riconosciuto nel panorama della musica classica e contemporanea per la straordinaria flessibilità vocale e la dedizione al repertorio del Novecento e del XXI secolo.
Diplomatasi con il massimo dei voti al Conservatorio "G. Verdi" di Milano, Laura Catrani si è distinta per un'attività concertistica e teatrale versatile, spaziando dall'opera barocca fino alla musica d'avanguardia. Ha collaborato con festival di rilievo internazionale (come la Biennale Musica di Venezia, il Festival Milano Musica e Ravenna Festival) ed è stata scelta da numerosi compositori contemporanei per prime esecuzioni e incisioni a lei dedicate.
Questo nuovo album “Vox In Femina” è un album per voce sola in cui la voce femminile viene esplorata come strumento totale, svincolato dall'accompagnamento orchestrale o pianistico. Il disco costruisce un ponte ideale tra i capolavori storici del repertorio per voce sola e la produzione contemporanea italiana.
Il percorso comincia con “Sequenza III (Luciano Berio)”, capolavoro del 1966 composto per Cathy Berberian. È una ricerca sulle infinite possibilità dell'emissione vocale: risate, bisbigli, schiocchi, mormorii e canto intonato si alternano in un flusso virtuosistico di micro-eventi sonori. Nove minuti abbondanti di teatro della voce! Il breve testo è basato su un modulo poetico di Markus Kutter (“Give me a few words for a woman to sing...”), e viene totalmente decostruito e destrutturato in fonemi, sillabe e respiri, perdendo il significato sintattico per diventare pura materia acustica ed emotiva.
Segue “Gutta Cavat Lapidem (2021 - Leonardo Marino)”, dove si assapora l’importanza dei silenzi e delle pause. A seguire, Laura si accompagna con due clave per produrre suoni percussivi. Il titolo riprende il celebre proverbio latino (“La goccia scava la pietra”). Musicalmente si traduce in una struttura basata sulla ripetizione, sulla percussività vocale e sul graduale logoramento del suono, dove minimi gesti vocali reiterati trasformano il timbro nel tempo. La voce sfrutta la fonetica delle consonanti dure e delle vocali brevi per simulare l'impatto ritmico della goccia d'acqua.
“To Whom (2009 - Alessandro Solbiati)” è invece una pagina di intensa liricità drammatica e concentrazione timbrica. Solbiati lavora su intervalli espressivi, microtonalità e modulazioni del colore vocale che spaziano da emissioni soffiate a picchi d'acutezza.
Ed è la volta di una mini-suite di dieci minuti intitolata “Le Bechete (2009 - Matteo Franceschini)”, ricette gastronomiche del ‘500 che diventano arte (anche se spesso già lo sono di per sé). Un connubio fra presente e tradizione in cui la voce diventa l’ingrediente principale.
Si parla di solitudine in “Jeder Mensch Trägt Ein Zimmer In Sich (2013 - Federico Gardella)”; il testo è un celebre aforisma di Franz Kafka (tratto dai “Quaderni In Ottavo”). La parola tedesca viene sillabata e frammentata per restituire il senso di isolamento e introspezione. Laura scandisce il tutto articolando anche con tonalità operistiche.
Il lato da “soprano” più marcato della cantante fuoriesce durante la dizione dei tre brevi versi tratti dalle cantiche della “Divina Commedia”, il titolo è “Nel Lago, L'Ora, la Notte (2020 - Paolo Marchettini)”. Qui risulta robusta e funzionale la fusione tra letteratura e teatralità.
C’è anche il momento della fiaba, “La Vipera ( 2020 - Fabrizio De Rossi Re)”, ispirata a un racconto fantastico di Leonardo Da Vinci. L’utilizzo fonetico spazia da vocalizzi bambineschi a momenti più rabbiosi, immersi in una nenia avanguardistica per incedere e struttura.
“Was Brauchst Du? (Daniela Fantechi)” nasce invece dal testo della poesia omonima della poetessa austriaca Friederike Mayröcker (1924 – 2021). Qui la voce si adatta perfettamente alla poesia stessa, muovendosi fra alti e bassi timbrici. Il disco si conclude con “Stripsody (1966 - Cathy Berberian)”, tra suoni onomatopeici ispirati al mondo dei fumetti; Laura dimostra ancora una volta una malleabilità vocale sorprendente e sopra le righe.
Molto bello e curato il libretto di accompagnamento all’opera, con tanto di descrizioni brano per brano e le fotografie di una giovanissima Catrani negli anni ’80 scattate dal fotografo riminese Guido Guidi.
“Vox In Femina” è un lavoro coraggioso e imprescindibile che, muovendosi con disinvoltura tra la memoria storica delle avanguardie e l'acutezza della creazione contemporanea, riesce nell'impresa più rara, quella di trasformare la sperimentazione acustica in pura, viscerale emozione. Un ascolto fondamentale per chiunque voglia comprendere dove sta andando la musica vocale oggi. MS

Versione Inglese:

LAURA CATRANI – Vox In Femina
Stradivarius / Milano Dischi
Genre: Vocal experimentation
Format: CD – 2026

The voice, this instrument we carry around and use differently depending on the situation, can stir emotions, make us laugh, get angry, surprise… fall in love.
In the artistic sphere, the voice has always been paired with music, but above all with theater. Some have made experimental use of it: just look at the past of Antonin Artaud, Joan La Barbara, the ever-lamented Demetrio Stratos with his polyphonies, and many others. Even today, there are those who experiment in this realm, with names like Claudio Milano (Nickelodeon), John De Leo (Quintorigo), or Romina Daniele, who might sound new to the less experienced among you.
But successful experimentation does not exist without solid foundations and talent; it is an approach where a false step is always around the corner.
This is not the case for Laura Catrani, an Italian soprano recognized in the classical and contemporary music scene for her extraordinary vocal flexibility and dedication to twentieth- and twenty-first-century repertoire.
Having graduated with top marks from the "G. Verdi" Conservatory in Milan, Laura Catrani has distinguished herself through a versatile concert and theatrical career, ranging from Baroque opera to avant-garde music. She has collaborated with internationally renowned festivals (such as the Venice Biennale Musica, the Milano Musica Festival, and the Ravenna Festival) and has been chosen by numerous contemporary composers for premieres and recordings dedicated to her.
This new album “Vox In Femina” is an album for solo voice in which the female voice is explored as a total instrument, freed from orchestral or piano accompaniment. The record builds an ideal bridge between the historical masterpieces of the solo voice repertoire and contemporary Italian production.
The journey begins with “Sequenza III (Luciano Berio)”, a 1966 masterpiece composed for Cathy Berberian. It is an exploration into the infinite possibilities of vocal emission: laughter, whispers, tongue clicks, murmurs, and pitched singing alternate in a virtuosic flow of sonic micro-events. Over nine minutes of pure theater of the voice! The brief text is based on a poetic module by Markus Kutter (“Give me a few words for a woman to sing...”), and is completely deconstructed and unstructured into phonemes, syllables, and breaths, losing its syntactical meaning to become pure acoustic and emotional matter.
Next comes “Gutta Cavat Lapidem (2021 - Leonardo Marino)”, where one can savor the importance of silences and pauses. Following this, Laura accompanies herself with two claves to produce percussive sounds. The title recalls the famous Latin proverb (“La goccia scava la pietra”). Musically, it translates into a structure based on repetition, vocal percussiveness, and the gradual wearing down of sound, where minimal, repeated vocal gestures transform the timbre over time. The voice takes advantage of the phonetics of hard consonants and short vowels to simulate the rhythmic impact of a water drop.
“To Whom (2009 - Alessandro Solbiati)” is instead a page of intense dramatic lyricism and timbral concentration. Solbiati works with expressive intervals, microtonality, and modulations of vocal color ranging from breathy emissions to peaks of sharpness.
And then comes a ten-minute mini-suite entitled “Le Bechete (2009 - Matteo Franceschini)”, sixteenth-century culinary recipes that turn into art (even if they often already are in themselves). A union between present and tradition where the voice becomes the main ingredient.
Solitude is addressed in “Jeder Mensch Trägt Ein Zimmer In Sich (2013 - Federico Gardella)”; the text is a famous aphorism by Franz Kafka (taken from the “Octavo Notebooks”). The German word is syllabified and fragmented to convey the sense of isolation and introspection. Laura articulates everything while also using operatic tones.
The singer’s more pronounced “soprano” side emerges during the diction of three short verses taken from the canticles of the “Divine Comedy”; the title is “Nel Lago, L'Ora, la Notte (2020 - Paolo Marchettini)”. Here, the fusion of literature and theatricality proves robust and effective.
There is also a fairytale moment, “La Vipera ( 2020 - Fabrizio De Rossi Re)”, inspired by a fantastical tale by Leonardo da Vinci. The phonetic usage ranges from childish vocalizations to angrier moments, immersed in an avant-garde lullaby in terms of pace and structure.
“Was Brauchst Du? (Daniela Fantechi)” stems instead from the text of the homonymous poem by the Austrian poet Friederike Mayröcker (1924 – 2021). Here the voice adapts perfectly to the poem itself, moving between timbral highs and lows. The album concludes with “Stripsody (1966 - Cathy Berberian)”, amid onomatopoeic sounds inspired by the world of comic books; Laura once again demonstrates a surprising and over-the-top vocal malleability.
The accompanying booklet is very beautiful and carefully crafted, complete with track-by-track descriptions and photographs of a very young Catrani in the 1980s taken by the Rimini photographer Guido Guidi.
“Vox In Femina” is a courageous and essential work that, moving with ease between the historical memory of the avant-garde and the sharpness of contemporary creation, succeeds in the rarest of feats: transforming acoustic experimentation into pure, visceral emotion. An essential listen for anyone who wants to understand where vocal music is headed today. MS

Vade Aratro

VADE ARATRO – I Racconti Del Macero
Andromeda Relix / Lizard Records / Ma.Ra.Cash records
Genere: Heavy Metal Agreste
Supporto: LP / CD / Musicassetta / Digital – 2026

Qui si necessita di una recensione fiume; come direbbe Francesco Di Giacomo (Banco Del Mutuo Soccorso): è inesorabile.
Sono più di 40 anni che scrivo e recensisco su riviste e web musicali, ho visto migliaia di pacchi con dischi, ma mai e poi MAI una cosa del genere: i VADE ARATRO sono dei geniacci! Una cura maniacale per l'ascoltatore, con tanto di busta disegnata a mano, bio, fanzine, descrizione scritta a mano e addirittura la gramigna! Più agresti di così!
È bello vedere, nel 2026, chi ha ancora questa cura per il proprio lavoro, si va oltre la passione e la professionalità: questo è puro amore e rispetto.
Inizio dalla fanzine intitolata “L’Aratro (Numero 1)”, otto pagine con tanto di esegesi del concept e dei 10 brani contenuti nell’album “I Racconti Del Macero”. I maceri sono dei piccoli stagni artificiali sparsi per i campi e adoperati per la lavorazione della canapa sino alla metà del ‘900. Seguono l’intervista alla band, un simpatico oroscopo, l’erbario del Macero con test autodiagnostico e altro ancora. Vi assicuro che c’è molto da ridere.
Ma chi sono i Vade Aratro? Attivi dal 2006, hanno pubblicato quattro album compreso questo nuovo “I Racconti Del Macero”: “Storie Messorie” (2008), “Il Vomere Di Bronzo” (2016), e “Agreste Celeste” (2020). Sono un trio di San Giovanni in Persiceto (BO) composto da Marcello Magoni (voce, chitarre, piano, fisarmonica), Federico Negrini (basso, voce) e Riccardo Balboni (batteria, voce).
Guardando l’artwork in edizione cartonata del cd (a cura di Marcello Magoni con l’aiuto di Nicholas Verucchi e Matteo Di Nicola), noto sul retro una rana vicino alla palude, e la mia mente va immediatamente ai Fiaba, band siracusana a sua volta vicina al Folk Metal. Ci saranno analogie? A breve lo scopriremo.
Intanto i brani sono registrati live in studio con qualche sovra incisione, al fine di mantenere il più possibile inalterata la potenza e la veridicità di questa musica che non conosce compromessi.
Trattasi di un concept album, una storia forse anche effimera di un gruppo di ragazzi di provincia che frequentano un macero (per loro “diletto”) raggiungendolo in bicicletta e motorino, ma al tempo stesso profonda e ricca di simbolismi celati fra le parole che lascio a voi scoprire durante l’ascolto. Al resto ci pensa l’Heavy Metal!
E a proposito di musica si comincia con “Warlord”, un titolo che contrasta intenzionalmente con l'ambientazione bucolica dell'album, giocando sull'ironia del “signore della guerra” calato nel contesto della vita di provincia. “Il viaggio in bici al tramonto verso il macero con le cuffie che suonano Heavy Metal (Helloween) e la T-shirt dipinta a mano”. Epico inizio con un riffone che ha il sentore degli anni ’70, una cavalcata fra ritmi di batteria spezzati e tanta energia in carico. Mi ricordano alcuni scozzesi Holocaust… La voce graffiante di Magoni fa il resto.
I Vade Aratro quando suonano si divertono e lo si apprezza in ogni singolo passaggio che, in alcuni momenti, sfocia addirittura nel Prog per ricerca strutturale. È anche il caso di “Uovo Di Pietra” che descrive i ciottoli adagiati sul bordo del macero usati una volta per affondare le zattere di canapa. Difficile restare fermi durante l’ascolto.
Fra i brani più lunghi dell’album c’è “Nel Tempo Della Canapa”, con oltre sei minuti abbondanti di musica. Tanti cambi di tempo che si affacciano prepotentemente anche nel Folk Metal, oltre a un giocoso “na, na, na” che si stampa presto nella mente. Un tuffo nel passato, quando la nonna raccontava la fatica della mietitura, e altre fotografie storiche di vita.
E a proposito di storia, ecco affiorare i ricordi delle giornate estive passate da giovani a tuffarsi tra la vegetazione e poi le braci e l’acqua scura; la narrazione è in “Che Il Bagno Migliore Si Fa Nello Stagno”. Il movimento è un Rockaccio sanguinoso e girotondante che palesa la grandiosa intesa fra i tre strumentisti.
A metà dell’ascolto, ecco subentrare il piano per una ballata in crescendo sonoro: “Fifty” racconta delle visioni futuristiche avvenute durante uno sguardo nello specchietto di un motorino. La composizione è ben congeniata e ricca di spunti emotivi.
Torna a ruggire la chitarra con “Arare Il Mare”, ritmo sincopato e headbanging inevitabile. Qui la tenacia di inseguire un sogno impossibile.
Non da meno “Il Ragazzo Con La Giacca Rossa”, un ricordo dedicato a un compagno di scuola scomparso drammaticamente.
Con “Il Recinto Dei Morti” ci si immerge in un contesto oscuro quanto affascinante, quello dello stazionare in un cimitero di notte a leggere i nomi antichi dei morti, quelli più particolari… E poi l’incontro con un vecchio. Torna il Folk nell’intro, ma ci sono anche sferzate nel Punk: un brano articolato e perfetta colonna sonora dell’accaduto. Si continua a macinare chilometri con “Panzer”, un carro armato tedesco affondato nel fango del macero.
E come spesso accade, dulcis in fundo, “Le Rane Di San Lorenzo”, il pezzo più lungo dell’album della durata di quasi sette minuti in cui i Vade Aratro mettono sul tavolo tutte le carte a loro disposizione. Per chi vi scrive, il momento migliore dell’intero concept. Curato nei particolari e nei repentini cambi umorali, fotografa il canto delle rane con lo sguardo rivolto alle stelle.
E il punto di congiunzione con i Fiaba? In effetti c’è, e lo denoto soprattutto nei contesti Folk Metal.
Inforcate la bicicletta, accendete il motorino e lasciatevi trascinare dal ritmo dei Vade Aratro.
“I Racconti Del Macero” è un piccolo capolavoro di artigianato sonoro che vi farà sorridere, riflettere e fare headbanging tra la gramigna. Se cercate professionalità, cuore e quel pizzico di sana follia d'altri tempi, questo è il disco dell'anno. Prendete nota e tuffatevi nello stagno, intanto… Giù il cappello!
P.S. Questa recensione l’ho scritta di getto come loro hanno registrato l’album, proprio per non perderne le sensazioni a prima pelle e assaporarne la sincerità. MS

Versione Inglese:

VADE ARATRO – I Racconti Del Macero
Andromeda Relix / Lizard Records / Ma.Ra.Cash records
Genre: Agrestic Heavy Metal
Format: LP / CD / Cassette / Digital – 2026

A river-like review is required here; as Francesco Di Giacomo (Banco Del Mutuo Soccorso) would say: it is inexorable.
I have been writing and reviewing for music magazines and websites for over 40 years, I have seen thousands of packages containing records, but NEVER EVER a thing like this: VADE ARATRO are absolute geniuses! Maniacal care for the listener, complete with a hand-drawn envelope, bio, fanzine, hand-written description, and even couch grass! You couldn't get more agrestic than this!
It is wonderful to see, in 2026, people who still have such dedication to their work; it goes beyond passion and professionalism: this is pure love and respect.
I'll start with the fanzine titled “L’Aratro (Numero 1)”, eight pages featuring an exegesis of the concept and of the 10 tracks contained in the album “I Racconti Del Macero”. The maceri are small artificial ponds scattered across the fields, used for processing hemp up until the mid-20th century. This is followed by an interview with the band, a witty horoscope, the Macero herbarium complete with a self-diagnostic test, and much more. I assure you there is plenty to laugh about.
But who are Vade Aratro? Active since 2006, they have released four albums including this new one, “I Racconti Del Macero”: “Storie Messorie” (2008), “Il Vomere Di Bronzo” (2016), and “Agreste Celeste” (2020). They are a trio from San Giovanni in Persiceto (Bologna) consisting of Marcello Magoni (vocals, guitars, piano, accordion), Federico Negrini (bass, vocals), and Riccardo Balboni (drums, vocals).
Looking at the artwork of the digipak CD edition (crafted by Marcello Magoni with help from Nicholas Verucchi and Matteo Di Nicola), I notice a frog near the marsh on the back cover, and my mind instantly wanders toward Fiaba, a band from Syracuse that is also close to Folk Metal. Will there be analogies? We shall find out shortly.
Meanwhile, the tracks were recorded live in the studio with just a few overdubs, in order to keep as unchanged as possible the power and authenticity of this uncompromising music.
This is a concept album: a story, perhaps even an ephemeral one, of a group of small-town youths who hang out at a macero (for their own "amusement"), reaching it by bicycle and moped; yet at the same time, it is profound and rich in symbolism hidden between the lines, which I leave for you to discover during the listening experience. Heavy Metal takes care of the rest!
And speaking of music, it kicks off with “Warlord”, a title that intentionally contrasts with the bucolic setting of the album, playing on the irony of the "warlord" brought into the context of provincial life. “The bike ride at sunset towards the macero with headphones blasting Heavy Metal (Helloween) and a hand-painted T-shirt”. An epic start with a massive riff that carries a 70s flair, a gallop amidst broken drum patterns and plenty of raw energy. They remind me a bit of the Scottish band Holocaust… Magoni's raspy voice does the rest.
When Vade Aratro play, they have fun, and you can appreciate it in every single passage, which at times even verges into Prog due to its structural ambition. This is also the case with “Uovo Di Pietra”, which describes the stones resting on the edge of the macero, once used to submerge the hemp rafts. Hard to stand still while listening.
Among the longest tracks on the album is “Nel Tempo Della Canapa”, spanning well over six minutes of music. Plenty of tempo changes that forcefully lean into Folk Metal, along with a playful “na, na, na” that quickly sticks in your mind. A dip into the past, when grandmother used to tell stories about the hardship of harvesting, alongside other historical snapshots of life.
And speaking of history, memories surface of summer days spent during youth diving among the vegetation, followed by embers and dark water; the narrative unfolds in “Che Il Bagno Migliore Si Fa Nello Stagno”. The rhythm is a gritty, spinning Rocker that highlights the magnificent chemistry among the three musicians.
Halfway through the listen, the piano enters for a ballad building up in sonic intensity: “Fifty” tells of futuristic visions occurring while gazing into a moped's rearview mirror. The composition is well-crafted and full of emotional resonance.
The guitar roars back to life with “Arare Il Mare”, featuring a syncopated rhythm and inevitable headbanging. Here lies the tenacity of chasing an impossible dream.
No less impressive is “Il Ragazzo Con La Giacca Rossa”, a memory dedicated to a schoolmate who passed away tragically.
With “Il Recinto Dei Morti”, we immerse ourselves in a context as dark as it is fascinating: hanging around a graveyard at night, reading the ancient and peculiar names of the deceased… And then, an encounter with an old man. Folk returns in the intro, alongside bursts of Punk: an intricate track and the perfect soundtrack to the event. The journey continues grinding miles with “Panzer”, a German tank sunk into the mud of the macero.
And as often happens, dulcis in fundo, “Le Rane Di San Lorenzo”, the longest piece on the album lasting nearly seven minutes, where Vade Aratro lay all their cards on the table. For this writer, the finest moment of the entire concept. Meticulous in its details and sudden mood shifts, it captures the croaking of frogs with eyes turned toward the stars.
And the connection with Fiaba? It is indeed there, and I notice it especially in the Folk Metal contexts.
Hop on your bicycle, kick-start your moped, and let yourselves be carried away by the rhythm of Vade Aratro. “I Racconti Del Macero” is a little masterpiece of sonic craftsmanship that will make you smile, reflect, and headbang among the couch grass. If you are looking for professionalism, heart, and that touch of good old-fashioned madness, this is the album of the year. Take note and dive into the pond; in the meantime… Hats off!
P.S. I wrote this review all in one breath, just as they recorded the album, precisely so as not to lose those raw first impressions and to relish its sincerity. MS

Marco "Zeus" Marchetti

MARCO “ZEUS” MARCHETTI – Sea Lands
DistroKid
Genere: Rock Progressivo
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Marco "Zeus" Marchetti è un chitarrista, compositore e polistrumentista italiano noto principalmente per la sua attività nel panorama Rock Progressivo e nella musica strumentale d'atmosfera. Spesso associato a progetti di ampio respiro concettuale, Marchetti unisce una spiccata perizia tecnica a una sensibilità compositiva che predilige la narrazione sonora. Le sue strutture melodiche attingono tanto dal sinfonismo Prog (Genesis, Steve Hackett, Camel) quanto dal Folk acustico e dalla Fusion moderna. La sua cifra stilistica risiede nel dialogo costante tra strumenti acustici e chitarre elettriche sostenute, utilizzate per creare veri e propri paesaggi sonori. L’artista definisce il suo genere/stile come “Emotional Landscape” (paesaggi sonori ed emozionali), con l'intento di evocare immagini e suggestioni visive attraverso la sola musica.
L'album “Sea Lands” si presenta come un viaggio concettuale ed esplorativo legato all'elemento marittimo, alle rotte verso terre inesplorate e alla solitudine del marinaio. Con una durata complessiva snella ma priva di momenti riempitivi, il disco fonde Folk, Progressive Rock e delicate sfumature ambientali.
Ne è subito prova la title track “Sea Lands”, composizione basata soprattutto sulla chitarra elettrica e con un dolce momento finale di piano, un vero e proprio scatto fotografico del paesaggio marino da cui scaturiscono serenità e bellezza.
“Terra Australis” ha un ritmo sostenuto ma mai invasivo, d'altronde una delle caratteristiche della musica di Marchetti è proprio la calma, in cui si evincono le lezioni del passato, specialmente quelle dei Camel.
Le onde si infrangono sulla spiaggia in “Pacific Waves”, brano al limite del Funky dove la chitarra introduce inizialmente il refrain per poi lasciare il ruolo di protagoniste alle tastiere. Non manca, comunque, un assolo di chitarra tecnico ma mai autoreferenziale.
La protagonista resta infatti la melodia, apprezzabile maggiormente nell’ottima “The Sailor”. Piccole schegge Neo Prog si affacciano di tanto in tanto, mentre l’andamento si mantiene pacato e riflessivo.
Il ritmo sale in “Kangaroo”, traccia dal sound spiccatamente anni ’80, altro tassello in cui tastiere e chitarra dialogano senza mai togliersi spazio a vicenda.
Nel mare ci si imbatte persino in un delfino nero, a cui Marchetti dà forma sonora in “Black Dolphin”, uno dei momenti migliori dell’intero album. All’ascolto si ha la sensazione che la chitarra dia voce effettiva al mammifero, rilasciando di tanto in tanto una sorta di sibilo.
La chiusura spetta a “Sea Lands Reprise”, una perfetta chiusura del cerchio in cui le atmosfere diventano cinematiche grazie all’uso di tastiere evocative.
In appena venticinque minuti, “Sea Lands” riesce a condensare un’esperienza d’ascolto immersiva e priva di fronzoli, confermando l'attitudine di Marco "Zeus" Marchetti per la creazione di veri e propri paesaggi emozionali. Rinunciando alla parola cantata per affidarsi completamente al potere narrativo del suono, l'album si adagia con equilibrio tra le sfumature della chitarra Rock e la fascinazione per l'ignoto, offrendo un viaggio sonoro breve ma denso di atmosfera. Un ascolto consigliato a chi ama perdersi in territori musicali contemplativi e a chi cerca nella musica strumentale una colonna sonora per le proprie rotte interiori. Tanta serenità. MS

Versione Inglese: 

MARCO “ZEUS” MARCHETTI – Sea Lands
DistroKid
Genre: Progressive Rock
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Marco "Zeus" Marchetti is an Italian guitarist, composer, and multi-instrumentalist known primarily for his work in the Progressive Rock scene and in atmospheric instrumental music. Often associated with wide-ranging conceptual projects, Marchetti combines remarkable technical skill with a compositional sensitivity that favors sonic storytelling. His melodic structures draw as much from Prog symphonism (Genesis, Steve Hackett, Camel) as they do from acoustic Folk and modern Fusion. His stylistic hallmark lies in the constant dialogue between acoustic instruments and sustained electric guitars, used to craft true soundscapes. The artist defines his genre/style as “Emotional Landscape,” with the intent of evoking images and visual suggestions through music alone.
The album “Sea Lands” presents itself as a conceptual and exploratory journey tied to the maritime element, to routes toward uncharted lands, and to the loneliness of the sailor. With a lean overall duration that is completely free of filler, the record blends Folk, Progressive Rock, and delicate ambient nuances.
Immediate proof of this is the title track “Sea Lands”, a composition based mainly on the electric guitar and featuring a sweet piano moment at the end: a true snapshot of the marine landscape from which serenity and beauty spring forth.
“Terra Australis” has a sustained yet never intrusive rhythm; after all, one of the characteristics of Marchetti's music is precisely a sense of calm, in which lessons from the past clearly emerge, especially those of Camel.
The waves crash onto the beach in “Pacific Waves”, a track bordering on Funky where the guitar initially introduces the refrain before leaving center stage to the keyboards. However, there is no shortage of a technical yet never self-indulgent guitar solo.
Indeed, melody remains the true protagonist, best appreciated in the excellent “The Sailor”. Small splinters of Neo-Prog surface from time to time, while the pace remains calm and reflective throughout.
The tempo picks up in “Kangaroo”, a track with a distinctly '80s sound, another piece where keyboards and guitar engage in a dialogue without ever crowding each other out.
In the sea, one even encounters a black dolphin, to which Marchetti gives musical form in “Black Dolphin”, one of the finest moments of the entire album. Upon listening, one gets the feeling that the guitar gives actual voice to the mammal, releasing a sort of hiss every now and then.
The closing falls to “Sea Lands Reprise”, a perfect full-circle moment where the atmospheres turn cinematic thanks to the use of evocative keyboards.
In just twenty-five minutes, “Sea Lands” manages to condense an immersive and no-frills listening experience, confirming Marco "Zeus" Marchetti's knack for creating true emotional landscapes. By renouncing the sung word to rely entirely on the narrative power of sound, the album settles comfortably between the nuances of Rock guitar and the fascination with the unknown, offering a brief yet atmosphere-dense musical journey. Highly recommended for those who love getting lost in contemplative musical territories and for anyone seeking a soundtrack for their inner journeys within instrumental music. Much serenity. MS

Felona E Sorona - La storia

FELONA E SORONA 
Orme - 1973
La Lotta fra il bene e il male

Di Massimo Salari

La storia di Felona e Sorona dei lagunari Le Orme è ricca di aneddoti ma soprattutto di spontaneità. Un concept sorprendente anche per gli artisti stessi, i quali non si aspettavano un successo del genere da un album che a loro detta è stato scritto quasi di getto. Le Orme fanno parte del fatidico trio di Prog Italiano per eccellenza, infatti, quando si dice Prog in Italia s’intendono immediatamente la Premiata Forneria Marconi, il Banco Del Mutuo Soccorso e quindi Le Orme. La critica tuttavia, non ha mai riservato un amore viscerale nei confronti del trio - Pagliuca (tastiere) Tagliapietra (basso, chitarra) e De Rossi (batteria) -, spaccandosi in due fazioni, relegandoli spesso al terzo posto in classifica di gradimento fra i suddetti big. Il successo del quarantacinque giri Gioco Di Bimba, tratto dal fortunato Uomo Di Pezza (Philips – 1972), è stato per Le Orme un’arma a doppio taglio, fornendogli il successo della grande platea ma al tempo stesso distaccandoli da quella che è l’élite della musica colta, mai propensa alla scena commerciale di per sé. Nulla di più sbagliato, perché Le Orme hanno composto negli anni brani di elevata caratura sia tecnica che melodica, un connubio perfetto che ha spinto nel tempo molte persone ad avvicinarsi a questo genere musicale. Spesso sono stati paragonati agli Emerson Lake & Palmer, ma questo superficialmente, soltanto perché visti come trio, in realtà Tagliapietra (rilasciandomi un’intervista per il sito web ROCK IMPRESSIONS nel 2008), mi confessa che fra i loro punti di riferimento si trovano piuttosto i meno fortunati Quatermass. 

Bissare un successo come quello di Uomo Di Pezza non è semplice, e come si dice spesso, il ferro va battuto quando è caldo quindi il trio si getta anima e corpo nella stesura di questo nuovo album. C’è volontà di far vedere agli ascoltatori che a tutti gli effetti loro sono una band di Rock Progressivo, ecco dunque la scelta di un concept album dove l’insieme dei brani fa si che tutto il lato risulti come un pezzo unico, la cosiddetta suite tanto amata dai Prog fans. Va sottolineato che Felona e Sorona chiude la loro trilogia di album iniziata nel 1971 con Collage (Philips) e proseguita con il fortunato e già citato album Uomo Di Pezza (Philips – 1972). Storica la copertina del disco, con un dipinto del mantovano Lanfranco Frigeri intitolato I Pianeti Del Sogno rappresentante un uomo e una donna che lasciano adito a differenti interpretazioni. Frigeri è considerato uno dei padri del surrealismo italiano. Non meno importante è la produzione per mano di Gian Piero Reverberi. Felona e Sorona nasce e prende forma tra i viaggi, le cene e i Soundcheck nel tour del 1972 fatto assieme a Peter Hammill, in quel periodo fresco di scissione dai Van Der Graaf Generator. 

Il leader della band inglese, che ha il compito di aprire i concerti a Le Orme, resta impressionato dai movimenti di questa lunga suite tanto da pensare di farne una versione in lingua inglese per poi proporla a Tony Stratton-Smith della prestigiosa etichetta Charisma Records. Di certo entrare nel mercato del Regno Unito è premio ambito da tutti i musicisti italiani, e per fortuna il sogno si realizza, tanto da realizzare ben quindici concerti in due settimane, Marquee Club compreso. Venendo al concept vero e proprio, Felona e Sorona  come detto, sono due pianeti che girano nello stesso spazio ma inconsapevoli dell’esistenza l’uno dell’altro oltretutto distanti anni luce. Felona è ridente e solare, ricco di pace e amore, con bolle che aleggiano nel vento, un posto dove la serenità vive sovrana. Sorona (da sorrow, nome suggerito da Hammill che in italiano si traduce in “tristezza”) invece è piccolo, oscuro, e triste. Qui gli abitanti in uno stato abulico-vegetativo, girano senza sorriso come fantasmi. Ma in verità e a sorpresa, il grande protagonista della storia è Dio, o meglio l’Essere Supremo che regna nell’universo, esso purtroppo si sente ignorato dagli abitanti di Felona, i quali sembrano non interessarsi più alla sua esistenza, felici e contenti dell’egoistica situazione. Ed è così che l’onnipotente sceglie di porre lo sguardo di luce divina anche a Sorona sottraendola proprio al pianeta gemello. Tutto ciò fa si che non regni mai la tranquillità per entrambi, perché la luce di uno sarà inesorabilmente il buio per  l’altro. 

Il lato A del vinile narra Felona, suite composta da quattro movimenti a iniziare da Sospesi Nell’Incredibile, dove le tastiere di Pagliuca colloquiano con la ritmica ricercata di Dei Rossi. Sin dalle prime note s’intuisce la suddetta volontà della band di essere considerata a tutti gli effetti Progressive Rock. Regna nel pezzo enfasi in un crescendo che si stoppa su un giro armonico classicheggiante. Ed ecco giungere la bella e soave voce di Aldo Tagliapietra a narrare le vicissitudini del concept. L’ambiente bucolico è ben descritto nelle strofe E quando nasce l’alba sopra il mondo si sparge intorno alito di vita, le foglie color miele ne assorbono il calore. Rullate vigorose di batteria supportano le tastiere elettroniche mentre le atmosfere fanno viaggiare l’ascoltatore nel cosmo a occhi aperti. Raro riscontrare su un album registrato in studio un assolo di batteria seppur breve, qui ne sussiste un caso, il quale conduce a Felona. La felicità sgorga non soltanto dalle parole dei testi ma anche nel suono di campane. L’andamento da filastrocca con il quale è composto ,fa ritornare alla memoria il fortunato brano del 1972 Gioco Di Bimba.

"Una luce chiara si affaccia lentamente offre la visione di grandi bolle bianche… Non ci son segreti nelle sfere trasparenti, si specchiano nell’aria si contagiano la gioia, limpidi e sereni volano i pensieri le donne le cicale discorrono d’amore".

La facilità con cui il trio trova soluzioni orecchiabili al limite del Pop inteso come brano commerciale è sorprendente, così la capacità di incastonarlo in un contesto  di musica sperimentale. Tutto sembra apparentemente semplice ma, in effetti, se si analizza con attenzione, ancora una volta siamo al cospetto di ricercatezza. Altro breve frangente sonoro è il quasi ecclesiastico La Solitudine Di Chi Protegge Il Mondo. Il Supremo esclama: "Qui sovrana ormai è la serenità. Non c’è nessuno che ha più bisogno di me". Ed ecco dunque arrivare L’Equilibrio grazie al volgere dello sguardo verso Sorona, e per un attimo i due pianeti si equivalgono, uno perde luce, l’altro la riceve. Brano muscolare in cui Le Orme mettono sul tavolo tutte le carte a disposizione. Splendida la conclusione con l’affermazione di Dio: "Io rivolgerò lo sguardo verso chi aspetta un gesto mio per dare un senso alla sua vita". Note sgocciolate da un pianoforte fanno da suggello alla parola “vita” sostenuta dalla cristallina voce di Tagliapietra. 

A questo punto lo splendido rito del giradischi ci costringe a girare la facciata nel lato B dove si parla di Sorona, suite suddivisa in cinque movimenti. Ed è proprio il pianeta oscuro a iniziare le danze che si fanno immediatamente cupe con la descrizione del suolo abitativo, esso è spettrale composto di terra grigia, nere paludi, aride canne ingiallite e vecchie città in oblio avvolte da una densa nebbia. Ovviamente anche la musica si basa su sonorità grevi, mentre Aldo intercala lentamente le parole donando al verso una pesantezza ulteriore. Ed ecco l’Attesa Inerte della luce divina, la ritmica batte come un cuore agitato e ansioso degli eventi, Un’improvvisa luce s’avvicina… Ora è qui. 

Ritratto Di Un Mattino è il brano che mette d’accordo tutti, sia gli amanti della canzone che della ricerca, splendide le vocalità con cui vengono narrate le parole: La felicità non puoi trovarla in te ma nell’amore che agli altri un giorno darai. La musica apre a un nuovo mondo di speranza, all’ascolto sembra quasi di sentire il tepore del sole batterci sul volto, mentre occhi abituati all’oscurità si stringono per non far entrare tutta di una volta troppa fastidiosa luce. Per un istante, giusto quello che intercorre nello spostamento dello sguardo del Divino fra un pianeta e l’altro, le vite di entrambi si equivalgono ma non dura molto tempo, mentre Sorona esulta, Felona inizia il lento declino. A breve l’equilibrio finisce. La conclusione è affidata al pezzo strumentale Ritorno Al Nulla, pesantemente drammatico, inesorabilmente ripetitivo come un macigno rotolante in un loop sonoro dove la batteria ricopre un ruolo nuovamente fondamentale. L’opera cosmica è conclusa e lascia dentro l’ascoltatore una sensazione di completezza e sazietà. In definitiva la morale di Felona e Sorona è quella di un cerchio che si chiude, il classico cerchio della vita, dove noi semplici umani siamo sempre in attesa di un nuovo giorno. 

Il 1973 per il Progressive Rock italiano è un anno importante, fatto di grandi album realizzati attraverso le immaginazioni, le inventive, il coraggio di osare ma soprattutto dell’essere noi stessi, perché l’individuo è entità a sé stante. Tutto questo porta a una sana competizione nell’arte e a risultati oltre che variegati anche sorprendenti, ed è il caso di Felona e Sorona, opera fra le vette più alte della musica italiana in senso generale.  MS

Versione Inglese: 

FELONA E SORONA
Le Orme - 1973
The Struggle Between Good and Evil

By Massimo Salari

The story behind Felona e Sorona by the Venetian group Le Orme is rich in anecdotes, but above all, in spontaneity. It is a concept album that surprised even the artists themselves, who did not expect such success from a record that, by their own account, was written almost on the spot. Le Orme are part of the quintessential trio of Italian Prog; indeed, when speaking of Prog in Italy, one immediately thinks of Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme. Critics, however, never reserved a deep affection for the trio—Pagliuca (keyboards), Tagliapietra (bass, guitar), and Dei Rossi (drums)—splitting into two factions and often relegating them to third place in popularity behind the aforementioned heavyweights. The success of the single Gioco di Bimba, taken from the fortunate Uomo di Pezza (Philips – 1972), was a double-edged sword for Le Orme: it granted them mainstream popularity while distancing them from the elite of highbrow music, which was never inclined toward the commercial scene. Nothing could be further from the truth, as Le Orme composed songs over the years of high technical and melodic caliber—a perfect blend that prompted many people to approach this musical genre over time. They were often compared to Emerson, Lake & Palmer, but only superficially because they were a trio. In reality, Tagliapietra confessed (in an interview given to the website ROCK IMPRESSIONS in 2008) that their reference points included the less fortunate Quatermass instead.

Repeating a success like Uomo di Pezza was no easy feat. As the saying goes, you must strike while the iron is hot, so the trio threw themselves heart and soul into writing this new album. There was a desire to show listeners that they were, in every sense, a Progressive Rock band. Hence, the choice of a concept album where the tracks flow seamlessly, making the entire side feel like a single piece—the beloved suite so cherished by Prog fans. It should be noted that Felona e Sorona closes their trilogy of albums that began in 1971 with Collage (Philips) and continued with the fortunate, previously mentioned Uomo di Pezza (Philips – 1972). The album cover is historic, featuring a painting by the Mantuan artist Lanfranco Frigeri titled I Pianeti del Sogno ("The Planets of Dreams"), portraying a man and a woman that leaves room for various interpretations. Frigeri is considered one of the fathers of Italian Surrealism. Equally important was the production by Gian Piero Reverberi. Felona e Sorona took shape during travels, dinners, and soundchecks on their 1972 tour alongside Peter Hammill, who had recently split from Van der Graaf Generator at the time.

The leader of the English band, tasked with opening concerts for Le Orme, was so impressed by the movements of this long suite that he considered creating an English-language version to pitch to Tony Stratton-Smith of the prestigious Charisma Records label. Entering the UK market was certainly a coveted prize for any Italian musician, and fortunately, the dream came true, leading to fifteen concerts in two weeks, including a date at the Marquee Club. As for the concept itself, Felona e Sorona, as mentioned, are two planets orbiting the same space, unaware of each other's existence and light-years apart. Felona is bright and sunny, rich in peace and love, with bubbles floating in the wind—a place where serenity reigns supreme. Sorona (from sorrow, a name suggested by Hammill), on the other hand, is small, dark, and sad. Here, the inhabitants wander around in an abulic, vegetative state without smiles, like ghosts. Yet, surprisingly, the true protagonist of the story is God—or rather, the Supreme Being who reigns over the universe. Unfortunately, he feels ignored by the inhabitants of Felona, who no longer seem to care about his existence, happy and content in their selfish state. Thus, the Almighty chooses to turn his gaze of divine light toward Sorona, taking it away from its twin planet. Consequently, tranquility never reigns for both at the same time, because the light of one inevitably means darkness for the other.

Side A of the vinyl tells the story of Felona, a suite composed of four movements, starting with Sospesi nell’Incredibile, where Pagliuca's keyboards converse with Dei Rossi's refined rhythm section. From the very first notes, one senses the band's desire to be considered Progressive Rock in every respect. Emphasis reigns in a crescendo that pauses on a classical harmonic progression. Then comes the beautiful, soft voice of Aldo Tagliapietra, recounting the events of the concept. The bucolic environment is vividly described in the lines: "And when dawn rises over the world, the breath of life spreads around, the honey-colored leaves absorb its warmth." Vigorous drum rolls support the electronic keyboards while the atmosphere allows the listener to travel through the cosmos with open eyes. It is rare to find a drum solo—even a brief one—on a studio album, but here is an instance that leads directly into Felona. Happiness flows not only from the lyrics but also from the chime of bells. Its nursery-rhyme structure recalls the successful 1972 track Gioco di Bimba.

"A bright light slowly emerges, offering the sight of large white bubbles... There are no secrets in the transparent spheres, they mirror each other in the air, spreading joy; clear and serene, thoughts fly, women and cicadas speak of love."

The ease with which the trio finds catchy solutions on the verge of commercial Pop is surprising, as is their ability to embed them within an experimental music context. Everything appears simple on the surface, but upon careful analysis, refined craftsmanship is once again evident. Another brief musical passage is the almost ecclesiastical La Solitudine di Chi Protegge il Mondo. The Supreme Being exclaims: "Here, serenity reigns supreme now. There is no one who needs me anymore." And so comes L’Equilibrio, thanks to God turning his gaze toward Sorona. For a moment, the two planets are equalized—one loses light, the other receives it. It is a muscular track in which Le Orme lay all their cards on the table. The conclusion is splendid, with God's statement: "I will turn my gaze toward those waiting for a gesture of mine to give meaning to their life." Dripping piano notes seal the word "life," sustained by Tagliapietra's crystal-clear vocals.

At this point, the splendid ritual of the turntable forces us to flip to Side B, which focuses on Sorona, a suite divided into five movements. It is the dark planet itself that begins the proceedings, which immediately turn somber with the description of its terrain: a spectral land composed of gray earth, black swamps, barren yellowed reeds, and forgotten old cities shrouded in dense fog. Naturally, the music is grounded in heavy sounds, while Aldo slowly interlaces the words, giving the verse an even heavier weight. Then comes L’Attesa Inerte for divine light; the rhythm beats like an anxious heart expecting events: "A sudden light approaches... Now it is here."

Ritratto di un Mattino is the track that satisfies everyone—both lovers of traditional songs and experimental searchers alike. The vocals carrying the words are splendid: "Happiness cannot be found within yourself, but in the love you will one day give to others." The music opens up to a new world of hope; listening to it feels almost like feeling the sun's warmth on your face, while eyes accustomed to darkness squint to avoid taking in too much harsh light all at once. For an instant—just the moment it takes for the Divine gaze to shift between planets—the lives of both are equal, but it does not last long. As Sorona rejoices, Felona begins its slow decline. Soon, the balance ends. The conclusion is entrusted to the instrumental track Ritorno al Nulla, heavily dramatic and relentlessly repetitive like a boulder rolling in a sound loop where the drums once again play a fundamental role. The cosmic work is complete, leaving the listener with a feeling of completeness and satisfaction. Ultimately, the moral of Felona e Sorona is that of a full circle—the classic circle of life, where we simple humans are always waiting for a new day.

For Italian Progressive Rock, 1973 was an important year, filled with great albums created through imagination, inventiveness, the courage to dare, and above all, being true to oneself, because the individual is a standalone entity. All of this led to healthy competition in art and results that were as varied as they were surprising. Such is the case with Felona e Sorona, a work that stands among the highest peaks of Italian music in general. MS