Una Suite: Supper's Ready

 

UNA SUITE: SUPPER’S READY

Genesis 1972

Quante volte abbiamo parlato ed ascoltato la suite per eccellenza del Rock Progressivo di tutti i tempi “Supper’s Ready” dei Genesis. Essa ha fatto scuola a migliaia di altre band e ad un sistema che ancora oggi non cenna di esistere. Ma cosa ha voluto significare veramente nel teso e nell’approccio alla musica? In questo piccolo speciale NONSOLO PROGROCK tenta di fare chiarezza su alcuni aspetti del brano.
Pubblicata nel 1972 all'interno dell'album “Foxtrot”, "Supper's Ready" è considerata una delle pietre miliari indiscutibili del Rock Progressivo. Con i suoi 23 minuti di durata divisi in 7 sezioni collegate, è una suite monumentale che fonde allegoria biblica, satira sociale, surrealismo, mitologia classica e un’esperienza personale profondamente angosciante.
Per comprendere l'opera, occorre calarla nell'atmosfera della Gran Bretagna dei primi anni '70:
Il 1972 è un anno d'oro per il Prog britannico (con capolavori di Yes, ELP, Jethro Tull). I musicisti non cercano più la semplice canzone pop da tre minuti, ma concepiscono gli album come opere sinfoniche strutturate, capaci di esplorare temi filosofici ed letterari complessi.
Svanito l'entusiasmo della "Summer of Love" e del '68, gli anni '70 si aprono con incertezza economica, tensioni sociali e l'ombra costante della Guerra Fredda e della minaccia nucleare. Il senso di imminente apocalisse presente nel brano riflette questo clima di precarietà collettiva.
Durante il tour di “Foxtrot”, Peter Gabriel iniziò a indossare costumi iconici per interpretare le varie sezioni della suite (la testa di volpe, l'abito rosso, la maschera del "Magog"). Questa dimensione teatrale rese i Genesis una delle band dal vivo più scenografiche del pianeta.
Il nucleo emotivo nasce da un episodio reale vissuto da Peter Gabriel. Una notte, mentre si trovava con la moglie Jill e il loro tour manager Richard Macphail in una stanza sottotetto a Kensington, Jill entrò in una sorta di stato di trance catatonica. Gabriel raccontò di aver percepito una presenza maligna nella stanza, vedendo persino le volti delle persone trasformarsi.
Per scacciare quell'atmosfera d'orrore improvvisò una croce con dei candelabri. L'evento lasciò un segno profondo nel cantante, spingendolo a riflettere sullo scontro spirituale tra le forze della luce e delle tenebre.
Il testo segue il viaggio spirituale di due amanti che vengono separati da forze cosmiche, attraversano un mondo distorto e apocalittico, e infine assistono al trionfo finale del Bene.
 

L’analisi:

 
“Lover's Leap”: Una tranquilla scena domestica tra due amanti si trasforma, guardando fuori dalla finestra, i volti cambiano e le ombre rivelano la presenza del male.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man” : Riguarda la satira sul potere e la religione. Compare un falso messia televangelista, un vigile urbano che promette la salvezza eterna in cambio di denaro e sottomissione. È una critica al dogmatismo e ai demagoghi.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Qui ci sono riferimenti al faraone Akhenaton e all'inquisizione. Viene descritta una battaglia cosmica dove l'umanità viene massacrata da eserciti meccanici.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citando il mito di Narciso, la sezione descrive il crollo della civiltà. I sopravvissuti si trasformano in statue di marmo, simbolo di egoismo e aridità spirituale.
 
“Willow Farm”: E’ un'improvvisa esplosione surreale e satirica (in stile Monty Python). Un mondo al contrario dove le persone diventano piante e la realtà è una farsa controllata.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In uno dei tempi musicali più celebri della storia del rock (9/8 con l'assolo di tastiera di Tony Banks), appare la Bestia dell’Apocalisse (Magog) insieme ai 666 draghi. È il culmine drammatico della suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Sulle note solenni di “Lover's Leap” rielaborate in chiave trionfale, appare la Nuova Gerusalemme. Il brano si chiude con il richiamo alla "Cena di Nozze dell'Agnello" (dal libro dell'Apocalisse di Giovanni).
 
Il titolo stesso, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), fa riferimento diretto al Capitolo 19 del Libro dell'Apocalisse, in cui si parla della "Cena delle Nozze dell'Agnello", il momento in cui Cristo si unisce definitivamente alla sua sposa (l'umanità redenta) dopo la sconfitta del male.
Nonostante le ambientazioni bizzarre e i giochi di parole tipici dello stile di Gabriel, il messaggio di fondo è profondamente umanista e spirituale: l'amore umano e la compassione sono gli unici strumenti capaci di guidare l'individuo attraverso la follia del mondo moderno, le illusioni del potere e l'oscurità spirituale. MS

Versione Inglese: 

A SUITE: SUPPER’S READY

Genesis - 1972

 
How many times have we spoken about and listened to the suite par excellence of all-time Progressive Rock, “Supper’s Ready” by Genesis. It set the standard for thousands of other bands and for a movement that still shows no sign of ceasing to exist today. But what did it truly mean in its lyrics and in its approach to music? In this short special, NONSOLO PROGROCK attempts to shed light on certain aspects of the track.
Released in 1972 on the album “Foxtrot”, "Supper's Ready" is considered one of the indisputable milestones of Progressive Rock. Clocking in at 23 minutes divided into 7 interconnected sections, it is a monumental suite that blends biblical allegory, social satire, surrealism, classical mythology, and a deeply distressing personal experience.
To understand the work, one must place it within the atmosphere of early 1970s Britain:
1972 was a golden year for British Prog (with masterpieces by Yes, ELP, Jethro Tull). Musicians were no longer looking for the simple three-minute pop song, but were conceiving albums as structured symphonic works, capable of exploring complex philosophical and literary themes.
With the enthusiasm of the "Summer of Love" and '68 having faded, the '70s opened with economic uncertainty, social tension, and the constant shadow of the Cold War and the nuclear threat. The sense of impending apocalypse present in the track reflects this atmosphere of collective precariousness.
During the “Foxtrot” tour, Peter Gabriel began wearing iconic costumes to interpret the various sections of the suite (the fox head, the red dress, the "Magog" mask). This theatrical dimension made Genesis one of the most visually spectacular live bands on the planet.
The emotional core stems from a real-life episode experienced by Peter Gabriel. One night, while staying with his wife Jill and their tour manager Richard Macphail in an attic room in Kensington, Jill entered a sort of catatonic trance state. Gabriel recounted perceiving an evil presence in the room, even seeing people's faces transform.
To drive away that atmosphere of horror, he improvised a cross using candleholders. The event left a deep mark on the singer, prompting him to reflect on the spiritual clash between the forces of light and darkness.
The lyrics follow the spiritual journey of two lovers who are separated by cosmic forces, traverse a distorted and apocalyptic world, and finally witness the ultimate triumph of Good.
 

The analysis:

 
“Lover's Leap”: A quiet domestic scene between two lovers is transformed; looking out the window, faces change and shadows reveal the presence of evil.
 
“The Guaranteed Eternal Sanctuary Man”: Concerns satire on power and religion. A fake televangelist messiah appears—a traffic warden promising eternal salvation in exchange for money and submission. It is a critique of dogmatism and demagogues.
 
“Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men”: Here there are references to the pharaoh Akhenaten and the Inquisition. A cosmic battle is described where humanity is slaughtered by mechanical armies.
 
“How Dare I Be So Beautiful?”: Citing the myth of Narcissus, this section describes the collapse of civilization. The survivors turn into marble statues, symbolizing selfishness and spiritual sterility.
 
“Willow Farm”: This is a sudden surreal and satirical explosion (in the style of Monty Python). An upside-down world where people turn into plants and reality is a controlled farce.
 
“Apocalypse In 9/8 (Co-Starring the Delicious Nymphs)”: In one of the most famous time signatures in rock history (9/8 with Tony Banks's keyboard solo), the Beast of the Apocalypse (Magog) appears along with the 666 dragons. It is the dramatic climax of the suite.
 
“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)”: Over the solemn notes of “Lover's Leap” reworked in a triumphant key, the New Jerusalem appears. The track closes with a reference to the "Marriage Supper of the Lamb" (from the Book of Revelation by John).
 
The title itself, "Supper's Ready" ("La cena è pronta"), makes a direct reference to Chapter 19 of the Book of Revelation, which speaks of the "Marriage Supper of the Lamb"—the moment when Christ is definitively united with his bride (redeemed humanity) following the defeat of evil.
Despite the bizarre settings and wordplay typical of Gabriel's style, the underlying message is deeply humanist and spiritual: human love and compassion are the only tools capable of guiding the individual through the madness of the modern world, the illusions of power, and spiritual darkness.
MS

The Emerald Dawn

THE EMERALD DAWN - The Land, The Sea, The Air (Volume II)
Worlds End Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Nati formalmente nel 2014 con il debutto “Searching For The Lost Key”, The Emerald Dawn si sono progressivamente imposti all'attenzione della critica e degli appassionati grazie a una proposta musicale fortemente atmosferica, sinfonica e spirituale. Lontani dai cliché del Neo Prog più derivativo, nel tempo sviluppano un suono ancestrale e fantasioso, fortemente influenzato dai paesaggi mistici, selvaggi e nebbiosi della Cornovaglia.
Attraverso pietre miliari come “Visions” (2017), il notturno ed elegantissimo “Nocturne” (2019), l'acclamato “To Touch The Sky” (2021) e l'intrigante “In Time” (2023), il gruppo ha costantemente affinato un approccio in cui la dilatazione dei tempi, la magniloquenza delle tastiere e gli inserimenti quasi Folk o Jazz Fusion dei fiati creano suite capaci di sospendere il tempo.
Nel biennio 2025-2026, la band affronta in modo esplicito la tematica della crisi ecologica globale attraverso il doppio concept “The Land, The Sea, The Air”.
La forza e l'incredibile coesione dell'ensemble derivano da una line-up solidissima, rimasta invariata dal 2019, Ally Carter (chitarra, sax, tastiere), Tree Stewart (voce, tastiere, flauto), Dave Greenaway (basso a 6 corde), e Tom Jackson (batteria).
“The Land, The Sea, The Air (Volume II)” si sviluppa, nel classico stile magniloquente della band,  su tre lunghe composizioni epiche per un minutaggio complessivo di circa 45 minuti. Il primo volume gettava le basi visive e spirituali del deterioramento ambientale, mentre il “Volume II” scende nella drammaticità dell'impatto antropico, cercando però una via finale di speranza e riconciliazione.
La suite iniziale di oltre 21 minuti intitolata “Song Of The Rainforest”, è costruita idealmente sul modello di grandi suite del passato come “Close To The Edge” degli Yes (per fare un esempio). La traccia si apre con il movimento “Balance”, dominato dalle tessiture vellutate e ariose delle tastiere di Tree Stewart e dal flauto, evocando la sacralità incontaminata e l'equilibrio biologico della foresta pluviale.
L'idillio viene spezzato in “Incursions”, dove il brano subisce una brusca virata ritmica grazie al basso di Greenaway che si fa serrato e ostinato, la batteria di Jackson acquista altresì  una spinta quasi tribale e spigolosa, mentre Ally Carter interviene con un assolo dissonante all'oboe e ai sassofoni. Questo segmento lambisce territori vicini alla Free Jazz e alla scena di Canterbury, a simboleggiare la violenza della deforestazione e l'irruzione distruttiva delle macchine umane.
Nei movimenti finali “Loss” e “Regret”, la tensione si scioglie in una struggente elegia malinconica, guidata da una chitarra elettrica solista dal lirismo straziante (che ricorda il David Gilmour più ispirato) che piange la bellezza perduta.
Il secondo brano “Rivers Of Tears” suddiviso in due parti, unisce momenti strumentali a una forte componente lirica. “The Natural Cycle” descrive il fluire puro dell'acqua, sorgente di vita che scorre dalle montagne fino all'oceano. Dal punto di vista musicale, il brano vive del continuo dialogo tra il pianoforte e la Roli Seaboard di Tree Stewart, che crea suoni liquidi e fluttuanti, sorretti dal calore del basso fretless di Greenaway. Con l'arrivo della sezione “Disruption”, l'atmosfera si scurisce pesantemente. Le chitarre si fanno pesanti, quasi Doom Prog, e il sax di Carter ruggisce cupo sopra una ritmica spezzata. Il testo a sua volta si fa esplicito e accusatorio:
"Through the rivers flows the lifeblood of the land,
And we inject poison into its veins."
(Attraverso i fiumi scorre la linfa vitale della terra,
E noi iniettiamo veleno nelle sue vene.)
La voce di Tree Stewart, eterea ma ferma, funge da monito etico, denunciando l'inquinamento sistematico e l'indifferenza con cui l'umanità sacrifica le proprie risorse idriche sull'altare del profitto industriale.
L’album si conclude con “Paradise”, anche qui la prima sezione, “Losing Paradise”, è dominata da un senso di urgenza drammatica. I sintetizzatori disegnano traiettorie taglienti e i testi focalizzano l'attenzione sul consumismo sfrenato e sull'ossessione per il progresso tecnologico a discapito della sopravvivenza del pianeta. Tuttavia, i The Emerald Dawn decidono di non chiudere l'opera nel nichilismo. Nel secondo movimento, “Harmony Regained”, il brano si apre a una splendida e maestosa modulazione in chiave maggiore. La chitarra acustica a 12 corde, il flauto e un imponente arrangiamento sinfonico di tastiere evocano una rinascita. È un finale colmo di speranza e di spiritualità laica, un invito a riscoprire una coesistenza armonica con la biosfera prima che sia troppo tardi.
In conclusione, l’opera gode di coerenza artistica, e i The Emerald Dawn si confermano maestri nel creare musica che non è solo una sequenza di note piacevoli, ma un vero e proprio rituale sonoro che avvolge l'ascoltatore, spingendolo a riflettere su uno dei temi più cruciali del nostro tempo attraverso la bellezza immortale del grande Rock Progressivo. MS 

PER ASCOLTO: https://theemeralddawn.bandcamp.com/album/pre-order-of-the-land-the-sea-the-air-volume-ii

Versione Inglese: 

THE EMERALD DAWN - The Land, The Sea, The Air (Volume II)
Worlds End Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Formally born in 2014 with the debut “Searching For The Lost Key”, The Emerald Dawn have progressively established themselves in the attention of critics and fans thanks to a highly atmospheric, symphonic, and spiritual musical style. Far from the clichés of the most derivative Neo Prog, over time they developed an ancestral and imaginative sound, strongly influenced by the mystical, wild, and misty landscapes of Cornwall.
Through milestones such as “Visions” (2017), the nocturnal and extremely elegant “Nocturne” (2019), the acclaimed “To Touch The Sky” (2021), and the intriguing “In Time” (2023), the group has constantly refined an approach where the expansion of time, the grandiosity of the keyboards, and the almost Folk or Jazz Fusion insertions of the woodwinds and horns create suites capable of suspending time.
In the 2025-2026 two-year period, the band explicitly addresses the theme of the global ecological crisis through the double concept “The Land, The Sea, The Air”.
The strength and incredible cohesion of the ensemble stem from a rock-solid line-up, which has remained unchanged since 2019: Ally Carter (guitar, sax, keyboards), Tree Stewart (vocals, keyboards, flute), Dave Greenaway (6-string bass), and Tom Jackson (drums).
“The Land, The Sea, The Air (Volume II)” unfolds, in the band's classic grandiose style, across three long epic compositions for a total running time of about 45 minutes. The first volume laid the visual and spiritual foundations of environmental deterioration, while “Volume II” delves into the drama of the anthropogenic impact, yet seeks a final path of hope and reconciliation.
The initial suite of over 21 minutes entitled “Song Of The Rainforest” is ideally built on the model of great suites of the past like Yes's “Close To The Edge” (to give an example). The track opens with the movement “Balance”, dominated by the velvety and airy textures of Tree Stewart's keyboards and the flute, evoking the untouched sacredness and biological balance of the rainforest.
The idyll is shattered in “Incursions”, where the piece undergoes a sharp rhythmic turn thanks to Greenaway's bass which becomes tight and obstinate, while Jackson's drums also acquire an almost tribal and angular drive, as Ally Carter steps in with a dissonant solo on the oboe and saxophones. This segment borders on territories close to Free Jazz and the Canterbury scene, symbolizing the violence of deforestation and the destructive intrusion of human machines.
In the final movements “Loss” and “Regret”, the tension dissolves into a poignant, melancholic elegy, guided by a lead electric guitar of heartbreaking lyricism (reminiscent of the most inspired David Gilmour) that mourns the lost beauty.
The second track “Rivers Of Tears”, divided into two parts, combines instrumental moments with a strong lyrical component. “The Natural Cycle” describes the pure flow of water, a source of life running from the mountains down to the ocean. From a musical standpoint, the song thrives on the continuous dialogue between the piano and Tree Stewart's Roli Seaboard, which creates liquid and floating sounds, supported by the warmth of Greenaway's fretless bass. With the arrival of the section “Disruption”, the atmosphere darkens heavily. The guitars become heavy, almost Doom Prog, and Carter's sax roars darkly over a broken rhythm. The lyrics, in turn, become explicit and accusatory:
"Through the rivers flows the lifeblood of the land,
And we inject poison into its veins."
(Attraverso i fiumi scorre la linfa vitale della terra,
E noi iniettiamo veleno nelle sue vene.)
Tree Stewart's voice, ethereal yet firm, acts as an ethical warning, denouncing the systematic pollution and the indifference with which humanity sacrifices its water resources on the altar of industrial profit.
The album concludes with “Paradise”; here too, the first section, “Losing Paradise”, is dominated by a sense of dramatic urgency. The synthesizers draw sharp trajectories and the lyrics focus attention on unbridled consumerism and the obsession with technological progress at the expense of the planet's survival. However, The Emerald Dawn decide not to close the work in nihilism. In the second movement, “Harmony Regained”, the piece opens up to a splendid and majestic major key modulation. The 12-string acoustic guitar, the flute, and an impressive symphonic arrangement of keyboards evoke a rebirth. It is an ending full of hope and secular spirituality, an invitation to rediscover a harmonious coexistence with the biosphere before it is too late.
In conclusion, the work enjoys artistic coherence, and The Emerald Dawn confirm themselves as masters in creating music that is not just a sequence of pleasant notes, but a true sonic ritual that envelops the listener, urging them to reflect on one of the most crucial themes of our time through the immortal beauty of great Progressive Rock. MS

For Listening: https://theemeralddawn.bandcamp.com/album/pre-order-of-the-land-the-sea-the-air-volume-ii

Lalu

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genere: Metal Progressive / Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

I francesi Lalu sono una delle mie band preferite d’oltralpe, vuoi per le sonorità moderne e elettriche, ma soprattutto perché hanno saputo nel tempo assimilare la lezione dei gruppi del passato.
“A Mythmaker’s Demise” celebra i 20 anni di storia della band, iniziata nel 2005 con il disco d'esordio “Oniric Metal”. Nascono come creatura intellettuale di Vivien Lalu, figlio d'arte (i suoi genitori facevano parte della progressive band francese Polène) e tastierista di grande talento. Vivien è noto anche per la sua militanza nei supergruppi Progressive Metal A-Z (insieme a Ray Alder dei Fates Warning) e per aver collaborato negli anni con musicisti del calibro di Jordan Rudess, Virgil Donati e James LaBrie. Da qui si può già evincere l’orientamento stilistico.
Il quarto album in studio “The Fish Who Wanted To Be King” (2023) denota già una svolta verso sonorità più calde, vicine al Progressive Rock classico alla Yes, Rush, Genesis e Marillion. Per questo album celebrativo, Vivien Lalu ha riunito una formazione d'eccezione: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), lo storico cantante dei primi lavori torna alla voce con interpretazioni evocative.  Joop Wolters, l’inseparabile chitarrista e bassista, co-autore degli arrangiamenti.  Simon Phillips, leggendario batterista (ex-Toto, Protocol), la cui batteria è stata registrata dal vivo in presa diretta senza campionamenti né correzioni artificiali e Jens Johansson, ospite speciale alle tastiere in diversi assoli (Stratovarius).
L'album riflette sul mancato spazio per l'immaginazione e la mitologia umana nell'era dell'Intelligenza Artificiale. La splendida copertina illustrata da Mattias Norén ritrae uno scrittore e creatore che muore alla sua scrivania mentre le sue creature mitiche cercano di fuggire verso un mondo che non le celebra più.
Ma veniamo alla musica, “Tears Of The Muse” simboleggia proprio il lamento della Musa ispiratrice dimenticata, attraverso un brano che riesce a bilanciare tratti oscuri a cambi di tempo dinamici. Nel testo, la Musa piange perché non trova più menti disposte ad ascoltarla o a sognare.
Nel brano “EKO” la band gioca sul concetto di "eco" stesso. Il testo denuncia una società in cui l'arte e la comunicazione non sono più originali, ma semplici rimbombi e riproduzioni di idee già esistenti. Apre il piano e il phone voice di Martin Lemar il quale lascia la scena ad un bellissimo seppur breve assolo di chitarra. Si evincono sprazzi di Queensryche prima era.
In “I Am The One” la melodia sale in cattedra fra cambi di tempo e una ritmica serrata che riporta la mente verso gli anni ‘80. È uno dei brani più personali del disco e racconta il contrasto stridente tra la routine diurna (lavori d'ufficio, schemi rigidi, aspettative sociali) e l'anima notturna dell'artista. A questo punto c’è un momento strumentale dal titolo “Mayacama” che mette in luce tutte le qualità balistiche dei singoli strumentisti, soprattutto le partiture di chitarra e il dialogo fra il basso ed i synth.
Interessante “Prince With The Swift Warning”, dove ancora una volta il lavoro alla batteria di Simon Phillips sorprende per tecnica e fluidità. Il movimento è a tratti sognante, alternando la formula “schiaffo e bacio”.
“Learning To Fly” non è quella dei Pink Floyd, ma una mini suite delicata a tratti prossima ai passaggi di alcuni Marillion di mezza era discografica. La canzone riflette sulla volontà di superare i propri limiti intellettuali e spirituali. Si parla della paura di cadere ma anche dell'inevitabile spinta umana a voler spiccare il volo.
Segue un altro strumentale dal titolo “A Drop Of Water”, un breve intermezzo acustico che simboleggia la semplicità, la purezza e la fragilità dell'ispirazione: una singola goccia d'acqua in un deserto di tecnologia.
Si ritorna al Rock con “Fhloston Paradise”, la voce ricorda nuovamente quella di Geoff Tate (Queensryche) e racconta la tentazione di rifugiarsi in un "paradiso virtuale" perfetto e patinato, scoprendo però che si tratta di una prigione dorata priva di vere emozioni, imperfezioni e umanità. Uno dei momenti maggiormente Metal Prog.
Fra le mie preferite c’è “Cordal Weaves”, un perfetto bilanciamento fra sensazioni differentemente marcate, ritmicamente variegata e ottimamente arrangiata. Qui la narrazione si sposta dall'individuo alla collettività ed è una dichiarazione d'amore verso la musica come filo invisibile che unisce le anime degli uomini attraverso le generazioni.
Chiude “Midnight Ink”, il momento in cui l'autore ripone la penna, consapevole che il suo tempo è finito, ma trova la pace nel sapere di aver dato tutto ciò che poteva. Una perla sonora.
"A Mythmaker’s Demise è molto più di un eccellente disco di Progressive Rock, è una lettera d'amore alla fragilità dell'ispirazione umana e al coraggio di sognare in un mondo che sembra aver dimenticato come si fa. Musica per tutti i padiglioni auricolari. MS

Versione Inglese: 

LALU - A Mythmaker’s Demise
Frontiers Music Srl
Genre: Progressive Metal / Progressive Rock
Media: CD / Digital – 2026

The French band Lalu is one of my favorite groups from across the Alps, partly for their modern, electric sound, but above all because over time they have successfully absorbed the lessons of the great bands of the past.
“A Mythmaker’s Demise” celebrates the band's 20-year history, which began in 2005 with their debut album “Oniric Metal”. They originated as the intellectual brainchild of Vivien Lalu, a gifted keyboardist born into music (his parents were members of the French progressive band Polène). Vivien is also known for his tenure in the Progressive Metal supergroup A-Z (alongside Ray Alder of Fates Warning) and for having collaborated over the years with musicians of the caliber of Jordan Rudess, Virgil Donati, and James LaBrie. From this, one can already deduce their stylistic direction.
Their fourth studio album, “The Fish Who Wanted To Be King” (2023), already showed a shift toward warmer sounds, closer to classic Progressive Rock in the vein of Yes, Rush, Genesis, and Marillion. For this anniversary album, Vivien Lalu has assembled an exceptional lineup: Martin LeMar (Mekong Delta, Tomorrow's Eve), the historical vocalist from their early works, returns on vocals with evocative performances. Joop Wolters, the inseparable guitarist and bassist, co-wrote the arrangements. Simon Phillips, the legendary drummer (ex-Toto, Protocol), whose drums were recorded live in a single room without sampling or artificial corrections, and Jens Johansson, special guest on keyboards for several solos (Stratovarius).
The album reflects on the lack of room for human imagination and mythology in the era of Artificial Intelligence. The splendid cover artwork illustrated by Mattias Norén depicts a writer and creator dying at his desk while his mythical creatures attempt to flee toward a world that no longer celebrates them.
 
Moving on to the music, “Tears Of The Muse” symbolizes the very lament of the forgotten inspiring Muse through a track that manages to balance dark undertones with dynamic time changes. In the lyrics, the Muse weeps because she no longer finds minds willing to listen to her or to dream.
In the track “EKO”, the band plays on the concept of "echo" itself. The lyrics denounce a society in which art and communication are no longer original, but mere reverberations and reproductions of pre-existing ideas. It opens with piano and Martin LeMar's telephonic-effect vocals, which then hand over the stage to a beautiful, albeit brief, guitar solo. Traces of early-era Queensrÿche shine through.
In “I Am The One”, melody takes center stage amidst time shifts and a tight rhythm section that brings the 1980s back to mind. It is one of the most personal tracks on the record, detailing the striking contrast between daytime routine (office jobs, rigid structures, social expectations) and the artist's nocturnal soul. At this point, there is an instrumental moment titled “Mayacama” that showcases all the technical prowess of the individual musicians, particularly the guitar parts and the dialogue between bass and synths.
“Prince With The Swift Warning” is interesting, where once again Simon Phillips' drum work surprises with its technique and fluidity. The movement is at times dreamy, alternating a "slap and kiss" dynamic.
“Learning To Fly” is not the Pink Floyd song, but rather a delicate mini-suite that at times approaches passages reminiscent of mid-era Marillion. The song reflects on the desire to transcend one's intellectual and spiritual boundaries. It speaks of the fear of falling, but also of the inevitable human urge to take flight.
Followed by another instrumental titled “A Drop Of Water”, a short acoustic interlude that symbolizes the simplicity, purity, and fragility of inspiration: a single drop of water in a desert of technology.
We return to Rock with “Fhloston Paradise”; the vocals once again recall Geoff Tate (Queensrÿche) and tell of the temptation to take refuge in a perfect, glossy "virtual paradise", only to discover that it is a gilded cage devoid of true emotion, imperfection, and humanity. One of the heavier Prog Metal moments.
Among my favorites is “Cordal Weaves”, a perfect balance between distinctly marked feelings, rhythmically varied, and brilliantly arranged. Here the narrative shifts from the individual to the collective, serving as a love letter to music as an invisible thread connecting human souls across generations.
Closing the album is “Midnight Ink”, the moment when the author lays down his pen, aware that his time has come to an end, yet finding peace in knowing he gave everything he could. A musical gem.
"A Mythmaker’s Demise" is much more than an excellent Progressive Rock record; it is a love letter to the fragility of human inspiration and to the courage to dream in a world that seems to have forgotten how. Music for all ears. MS

Michele Viviani

MICHELE VIVIANI – Dorian
Autoproduzione
Genere: Rock Psichedelico / Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Anche oggi queste autoproduzioni proposte sul portale Bandcamp mi riportano con la mente a quando, negli anni ’70, le band cosiddette “minori” (per distribuzione, non per qualità) si sforzavano di emergere incontrando mille problemi, tali da farle sparire spesso dopo un solo album. Sì, dico questo perché molti autori si affidano alle piattaforme, che perlomeno non chiedono soldi, per sperare in una visibilità che resta comunque celata dietro migliaia di uscite giornaliere. Non siamo quindi di fronte allo stesso contesto, ma alla stessa voglia di dire la propria senza che nessuno vada a modificare ciò che si vuole realizzare. Arma a doppio taglio, ma sincera… E buona fortuna a tutti.
Questo preambolo per andare a conoscere Michele Viviani, la sua figura si muove da sempre lungo un doppio binario, quello del didatta/vocal coach rigoroso e quello dell'artista eclettico e sperimentatore. Dopo i primi lavori legati alla canzone d'autore (E La Nave Va) e alla sperimentazione vocale pura (Momenti), Viviani si è immerso nello studio approfondito del canto gregoriano, della musica antica e della musica da camera (raccolta nei due volumi di Chamber Music, dedicati anche a compositori come John Dowland). Già con lavori come l'EP “Victimae” (2024), incentrato sulle rielaborazioni delle sequenze gregoriane, l’artista bolognese ha affinato una tecnica compositiva capace di far dialogare linguaggi apparentemente distanti. Oggi “Dorian” raccoglie queste esperienze e le riproietta in una cornice moderna e a tratti anche Jazz Rock. La voce non è un semplice strumento per erogare il testo, ma diventa l'asse portante dell'architettura sonora: varia per dinamiche, registro e ricerca timbrica, guidando l'ascoltatore attraverso 5 tracce molto differenziate tra loro.
L’iniziale “Rainbow Mama” ha un attitudine ipnotica in stile King Crimson, ma anche l’ampiezza di uno scenario antico e bucolico.
Ci s’immerge nello studio vocale intenso attraverso “Dorian Pray” impreziosito da suoni world. Nei suoi oltre nove minuti di durata, incarna la natura complessa dell'album. Il polistrumentista imbraccia la propria chitarra per aprire “Metamorfosi” attraverso arpeggi. La sperimentazione vocale prosegue imperterrita e si distingue per cambi di tempo, sovrapposizioni vocali con un continuo gioco tra dissonanza e risoluzione armonica. È il brano in cui emerge con maggiore evidenza la matrice del Rock Progressivo e l'uso teatrale della voce.
“La Caccia” riprende l’incedere Crimsoniano, qui il ritmo è serrato, quasi ossessivo, a simulare visivamente la frenesia dell'inseguimento. La linea vocale si fa più scabra, graffiante e carica di drammaticità, guidando l'arrangiamento verso picchi espressivi di grande impatto emotivo.
A chiudere l'album troviamo “Crying”, che smorza i toni convulsi de “La Caccia” per virare verso una dimensione decisamente più intima e intimista. Sostenuto da un'armonia liquida e malinconica, il pezzo lascia spazio a un'interpretazione vocale toccante, sfumata e misurata, che suggella il disco lasciando un'eco persistente.
“Dorian” è dunque un'opera di sintesi personale in cui Michele Viviani mette a frutto decenni di didattica, tecnica e viscerale passione per il canto e la composizione, offrendo un lavoro organico, vario e raffinato.
La copertina dell’album è l’elaborazione di "La Charmeuse de serpents" by Henri Rousseau 1907. MS

Versione Inglese: 

MICHELE VIVIANI – Dorian
Self-release
Genre: Psychedelic Rock / Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

Even today, these self-releases offered on the Bandcamp portal take my mind back to the '70s, when so-called "minor" bands (in terms of distribution, not quality) struggled to emerge while facing a thousand problems, so much so that they often disappeared after just one album. Yes, I say this because many authors rely on platforms—which at least don't ask for money—hoping for a visibility that nevertheless remains hidden behind thousands of daily releases. So we are not facing the exact same context, but the same desire to have one's say without anyone altering what one wants to create. A double-edged sword, but a sincere one… And good luck to everyone.
This preamble leads us to get to know Michele Viviani, whose figure has always moved along a dual track: that of a rigorous educator/vocal coach and that of an eclectic, experimental artist. After his early works linked to singer-songwriter music (E La Nave Va) and pure vocal experimentation (Momenti), Viviani immersed himself in the in-depth study of Gregorian chant, early music, and chamber music (collected in the two volumes of Chamber Music, also dedicated to composers such as John Dowland). Already with works like the EP “Victimae” (2024), centered on the reworking of Gregorian sequences, the Bolognese artist refined a compositional technique capable of creating a dialogue between apparently distant languages. Today “Dorian” gathers these experiences and re-project them into a modern and at times even Jazz Rock framework. The voice is not a simple instrument to deliver lyrics, but becomes the main axis of the sound architecture: varying in dynamics, register, and timbral research, guiding the listener through 5 very distinct tracks.
The opening “Rainbow Mama” has a hypnotic, King Crimson-style attitude, but also the breadth of an ancient, bucolic landscape.
We submerge ourselves into an intense vocal study through “Dorian Pray”, embellished with world music sounds. In its over nine minutes of duration, it embodies the complex nature of the album. The multi-instrumentalist picks up his guitar to open “Metamorfosi” through arpeggios. The vocal experimentation continues undeterred and stands out for time signature changes and vocal overlays with a continuous interplay between dissonance and harmonic resolution. It is the track in which the Progressive Rock foundation and the theatrical use of the voice emerge most clearly.
“La Caccia” resumes the Crimson-esque pace; here the rhythm is tight, almost obsessive, visually simulating the frenzy of a chase. The vocal line becomes harsher, raspier, and loaded with drama, driving the arrangement toward expressive peaks of great emotional impact.
Closing the album we find “Crying”, which softens the convulsive tones of “La Caccia” to veer toward a decidedly more intimate and contemplative dimension. Supported by a liquid, melancholy harmony, the piece leaves room for a touching, nuanced, and measured vocal performance that seals the record, leaving a persistent echo.
“Dorian” is therefore a work of personal synthesis in which Michele Viviani puts to good use decades of teaching experience, technique, and a visceral passion for singing and composition, offering an organic, varied, and refined work.
The album cover is an elaboration of "La Charmeuse de serpents" by Henri Rousseau 1907. MS

L.B. Lacertae

L.B. LACERTAE – The One Bone
Autoproduzione
Genere: Rock Psichedelico / Progressive Folk
Supporto: Bandcamp – 2026

Tante le realtà che hanno calpestato il suolo italico, a volte senza lasciare orme importanti, ma che hanno comunque avuto una loro valenza in ambito Rock, specialmente negli anni ‘90. Una di queste si chiama L.B. Lacertae, band di Montecchio Emilia nata nei primi anni ’80. L'album “The One Bone” costituisce il manifesto artistico definitivo della band, un disco oscuro, viscerale, che spoglia la materia musicale fino all'osso. Per comprendere gli L.B.Lacertae occorre immergersi nell'atmosfera dell'Emilia degli anni '90. Tra Reggio Emilia, Modena e Sassuolo, l'esplosione del Rock indipendente italiano aveva trovato un proprio linguaggio d'elezione, scarno, poetico, politico e legato alla terra ma proiettato verso il mondo.
Mentre band come C.S.I., Ustmamò, Disciplinatha e A.F.A. ridefinivano il concetto di musica d'autore e Rock in Italia, gli L.B.Lacertae si formarono portando con sé un'attitudine ancora più contaminata e sperimentale.
Il titolo dell'album, è la chiave di lettura di tutto il lavoro, ossia spogliare l'essere umano e la musica da ogni orpello e carne in eccesso per arrivare all'elemento primario, incorruttibile e strutturale: l'osso. È da considerarsi a tutti gli effetti un viaggio di decondizionamento spirituale e materiale. Gli autori di tutto questo sono Daniele Cattani (chitarre, tastiere, cori), Guido Menozzi (voce, armonica), Massimo Montali (basso), Paolo Pattini (sax, flauto), Paolo Spaggiari (chitarra, voce), e Ulisse Tramalloni (batteria).
La musica proposta unisce Rock d’atmosfera, sensibilità psichedelica, elementi Folk, e aperture Progressive. I pezzi sono stati scritti in oltre quarant’anni di esistenza e sono sette, ad iniziare da “Angel” con il suo andamento ipnotico e magico impreziosito dall’uso del flauto. La Psichedelia è ben presente grazie anche all’uso vocale ponderato di Mennozzi. Il brano rispecchia alla perfezione le qualità strumentali del gruppo oltre che l’intesa e le buone idee compositive. Il solo di chitarra seppur breve fa da evidenziatore a quanto detto, immergendo l’ascoltatore nel mondo dei Pink Floyd. Il sax apre “Bloody Mirror”, brano a sua volta articolato e comunque sempre dentro lo spirito delle buone melodie di fondo.
Con “Like A Little Bird” gli L.B. Lacertae mostrano un lato più malinconico e riflessivo. Il pezzo è una straziante elegia dedicata a chi se n'è andato troppo presto e rappresenta la vulnerabilità della vita e la fine prematura di una giovane esistenza. Una creatura fatta per volare (la giovinezza, i sogni, la spensieratezza) che cade a terra prima del tempo, spezzandosi.
Molto bella “Welcome To Drink With Us” aperta da un arpeggio di chitarra e un cantato al limite del sussurrato. I suoi crescendo interni sono sempre delicati e malinconici rilasciando atmosfere struggenti, soprattutto quando sopraggiunge il sax di Pattini.
Più Folk “Sexy Hands” in cui il testo riflette sul post-rivoluzione sessuale. L'idealismo degli anni '60 e '70 (la liberazione, l'amore libero) è crollato ed è stato inghiottito dal pragmatismo, dal cinismo e dal consumismo degli anni '80. Ciò che rimane del sesso o delle relazioni non è più l'unione profonda o il cambiamento sociale, ma una fredda transazione. Il sesso che diventa mercanzia.
Altra bellissima composizione è “See The Heaven In My Eyes”, un tuffo nella Psichedelia attraverso arpeggi Pinkfloydiani e sonorità di fondo che si intrecciano con le coralità vocali. Ritorna il flauto nella conclusiva “Endless Horizons”, altra composizione delicata e ricca di spunti musicali toccanti.
“The One Bone” degli L.B.Lacertae rimane una delle testimonianze più autentiche di come negli anni '90 in Italia si potesse fare musica alternativa senza scendere a compromessi commerciali e senza scimmiottare acriticamente i modelli anglosassoni.
La band emiliana è riuscita a prendere la lezione del noise internazionale e a innestarla su una sensibilità provinciale, epica e primordiale. Un album coraggioso che merita di essere riscoperto da chiunque voglia comprendere fino in fondo la profondità della scena Rock underground italiana di quel decennio. MS 

Versione Inglese:

L.B. LACERTAE – The One Bone
Self-released
Genre: Psychedelic Rock / Progressive Folk
Format: Bandcamp – 2026

Many are the bands that have walked the Italian soil, sometimes without leaving major footprints, but which nevertheless held their own value within the Rock realm, especially in the 90s. One of these is called L.B. Lacertae, a band from Montecchio Emilia formed in the early 80s. The album “The One Bone” constitutes the band's definitive artistic manifesto: a dark, visceral record that strips musical substance down to the bone. To understand L.B. Lacertae, one must immerse oneself in the atmosphere of 90s Emilia. Between Reggio Emilia, Modena, and Sassuolo, the explosion of Italian independent Rock had found its own language of choice—spare, poetic, political, and rooted in the land yet projected toward the world.
While bands like C.S.I., Ustmamò, Disciplinatha, and A.F.A. were redefining the concept of singer-songwriter music and Rock in Italy, L.B. Lacertae formed bringing with them an even more contaminated and experimental attitude.
The album's title is the key to understanding the entire work: stripping the human being and the music of every embellishment and excess flesh to reach the primary, incorruptible, and structural element: the bone. It is to be considered in every respect a journey of spiritual and material deconditioning. The authors of all this are Daniele Cattani (guitars, keyboards, backing vocals), Guido Menozzi (lead vocals, harmonica), Massimo Montali (bass), Paolo Pattini (sax, flute), Paolo Spaggiari (guitar, vocals), and Ulisse Tramalloni (drums).
The proposed music combines atmospheric Rock, psychedelic sensitivity, Folk elements, and Progressive openings. Written over more than forty years of existence, there are seven tracks, starting with “Angel” with its hypnotic, magical stride heightened by the use of the flute. Psychedelia is strongly present thanks in part to Menozzi's measured vocal delivery. The track perfectly reflects the group's instrumental qualities as well as their synergy and strong compositional ideas. The guitar solo, though brief, highlights what has been said, immersing the listener into the world of Pink Floyd. The sax opens “Bloody Mirror”, a track that is itself intricate while remaining firmly within the spirit of good underlying melodies.
With “Like A Little Bird”, L.B. Lacertae show a more melancholy and reflective side. The piece is a heartbreaking elegy dedicated to those who left too soon, representing the vulnerability of life and the premature end of a young existence. A creature made to fly (youth, dreams, lightheartedness) that falls to the earth ahead of its time, breaking apart.
Very beautiful is “Welcome To Drink With Us”, opened by a guitar arpeggio and vocals on the verge of a whisper. Its internal crescendos are always delicate and melancholy, releasing poignant atmospheres, especially when Pattini's sax comes in.
More Folk-oriented is “Sexy Hands”, in which the lyrics reflect on the post-sexual revolution. The idealism of the 60s and 70s (liberation, free love) has collapsed and been swallowed by the pragmatism, cynicism, and consumerism of the 80s. What remains of sex or relationships is no longer a deep union or social change, but a cold transaction. Sex becoming merchandise.
Another gorgeous composition is “See The Heaven In My Eyes”, a plunge into Psychedelia through Pink Floyd-esque arpeggios and background soundscapes that intertwine with vocal harmonies. The flute returns in the closing track “Endless Horizons”, another delicate composition rich in touching musical ideas.
“The One Bone” by L.B. Lacertae remains one of the most authentic testimonies of how in 90s Italy one could make alternative music without resorting to commercial compromises and without uncritically copying Anglo-Saxon models.
The Emilian band managed to take the lesson of international noise and graft it onto a provincial, epic, and primordial sensitivity. A courageous album that deserves to be rediscovered by anyone wishing to fully understand the depth of the Italian underground Rock scene of that decade.
MS

Echorec

ECHOREC – DreamState
Autoproduzione / CD Baby
Genere: Post Prog / Post Prog Moderno
Supporto: Bandcamp – 2026

Gli Echorec nascono a Bristol nel 2015 inizialmente come un trio, unito dall'amore condiviso per il Rock concettuale e narrativo guidato da tempi dispari e strutture articolate. La formazione si allarga ed evolve nel 2020 con l'ingresso in pianta stabile del tastierista Alex Adams, mossa che permette al gruppo di riprodurre dal vivo le complesse architetture sonore e le stratificazioni spaziali create in studio. La band è attualmente composta da Julian Kirk (voce, chitarra), Jake Aubrey (batteria), Alex Adams (tastiere, cori), e Taibah Orpin (basso, cori).
Il loro album di debutto, “The Island”, pubblicato nel 2020, ha riscosso un ottimo successo di critica nell'underground britannico, tanto da far inserire la band tra i progetti più promettenti dell'anno dalla storica rivista Prog Magazine. Dopo una lunga gestazione, nel giugno del 2026 esce il tanto atteso seguito, “DreamState”, celebrato con un tour e un concerto di lancio ufficiale a Bristol. La proposta stilistica viene definita Post Prog massimalista, un connubio tra la spinta ritmica e la complessità di formazioni come Rush e Porcupine Tree, l'intimità melodica di stampo Radiohead o Jeff Buckley e i paesaggi psichedelici e immersivi mutuati dai Pink Floyd. Come avrete capito, molta carne al fuoco per palati sopraffini.
L'album è composto da 6 tracce e ruota attorno a un concept suggestivo incarnato dal titolo stesso, ossia l'esplorazione degli stati del sogno ("DreamState"), il confine labile tra percezione e realtà, l'introspezione psicologica e l'alienazione moderna.
“Heartland” inizia la musica con piano e voce toccante oltre che arricchito di buone coralità. Ottima la parte centrale Neo Prog con un solo di chitarra che rimanda ai tempi dei migliori Marillion. Si parla dell'attaccamento alle proprie radici o a un luogo sicuro della mente che inizia però a vacillare ed essere distorto sotto il peso delle ansie quotidiane.
“The Watcher” potrebbe benissimo risiedere nella discografia dei Gazpacho, un mix fra Radiohead e Muse in bilico fra malinconia e Rock energico.
In “Born To Lead”, emerge chiaramente l'influenza dei Rush nel dinamismo dei cambi di tempo e nelle interazioni millimetriche tra la sezione ritmica e i ricami della chitarra. La voce di Julian Kirk sfoggia graffio e teatralità espressiva. Fra i momenti più spensierati del disco grazie anche ad un gradevole apporto della chitarra immersa in un riff dalla facile memorizzazione.
Gli Echorec fanno la voce grossa con “Behind Closed Eyes”, pezzo altamente Prog come attitudine e storicità, le salite sonore che si placano ricordano molto sia i primi Spock’s Beard che alcuni Porcupine Tree. Sono dunque le eccellenti parti strumentali a convincere e coinvolgere di più.
Deciso cambio di rotta con “Blood Moon”, orecchiabile, delicato e ricco di patos, ma  ci pensano gli undici minuti del brano conclusivo “Ghost In The Dream” a far capire al meglio chi sono  gli Echores, dentro un mix di tutte le loro caratteristiche descritte sino a qui, convogliate in unico brano altamente coinvolgente.
“DreamState” non è soltanto la conferma del talento cristallino degli Echorec, ma rappresenta un eccezionale manifesto di ciò che l'indipendenza artistica può produrre oggi. Muovendosi con disinvoltura tra la complessità geometrica del Prog moderno e una sensibilità melodica spiccata, il quartetto di Bristol firma un'opera coesa, matura e priva di cali di tensione. Un ascolto imprescindibile per chiunque voglia capire dove sta andando oggi il Post Prog Moderno britannico. MS

  

Versione Inglese:

ECHOREC – DreamState
Self-production / CD Baby
Genre: Post Prog / Modern Post Prog
Format: Bandcamp – 2026

Echorec were formed in Bristol in 2015 initially as a trio, united by a shared love for conceptual and narrative Rock driven by odd time signatures and complex structures. The line-up expanded and evolved in 2020 with the permanent addition of keyboardist Alex Adams, a move that allows the group to reproduce live the intricate sonic architectures and spatial stratifications created in the studio. The band is currently composed of Julian Kirk (vocals, guitar), Jake Aubrey (drums), Alex Adams (keyboards, backing vocals), and Taibah Orpin (bass, backing vocals).
Their debut album, “The Island”, released in 2020, met with great critical acclaim in the British underground, enough to earn the band a spot among the most promising projects of the year by the historic Prog Magazine. After a long gestation period, the long-awaited follow-up, “DreamState”, was released in June 2026, celebrated with a tour and an official launch gig in Bristol. Their stylistic proposal is defined as maximalist Post Prog, a blend of the rhythmic drive and complexity of outfits like Rush and Porcupine Tree, the melodic intimacy reminiscent of Radiohead or Jeff Buckley, and the psychedelic, immersive landscapes borrowed from Pink Floyd. As you may have gathered, there is plenty of meat on the bone for refined palates.
The album consists of 6 tracks and revolves around a suggestive concept embodied by the title itself, namely the exploration of dream states ("DreamState"), the thin line between perception and reality, psychological introspection, and modern alienation.
“Heartland” opens the music with touching piano and vocals, further enriched by fine vocal harmonies. The central Neo Prog section is excellent, featuring a guitar solo that harks back to the days of the best Marillion. It speaks of the attachment to one's roots or to a safe place in the mind that, however, begins to waver and become distorted under the weight of daily anxieties.
“The Watcher” could easily belong in Gazpacho's discography, a mix between Radiohead and Muse balanced between melancholy and energetic Rock.
In “Born To Lead”, the influence of Rush clearly emerges in the dynamism of the time signature changes and in the millimetric interactions between the rhythmic section and the intricate guitar work. Julian Kirk's vocals showcase grit and expressive theatricality. It stands among the more lighthearted moments of the record, thanks also to a pleasant guitar contribution embedded in an easily memorable riff.
Echorec make a bold statement with “Behind Closed Eyes”, a piece that is highly Prog in both attitude and historical feel; the building sonic swells that then subside are very reminiscent of both early Spock’s Beard and certain Porcupine Tree. It is therefore the excellent instrumental parts that prove most convincing and engaging.
A decisive change of direction comes with “Blood Moon”, catchy, delicate, and full of pathos, but it is the eleven minutes of the closing track “Ghost In The Dream” that best showcase who Echores [sic] really are, blending all their characteristics described so far into a single, highly engaging song.
“DreamState” is not only a confirmation of Echorec's crystalline talent, but it represents an outstanding manifesto of what artistic independence can produce today. Moving with ease between the geometric complexity of modern Prog and a striking melodic sensitivity, the Bristol quartet delivers a cohesive, mature work free of any drop in tension. An essential listen for anyone wishing to understand where British Modern Post Prog is heading today. MS