GMZ

GMZ – Diario Di Bordo
GT Music / Micio Poldo Edizioni Musicali
Genere: Progressive Rock / Cantautore
Supporto: CD – 2025

Nel percorso della vita, ognuno di noi avverte prima o poi il bisogno di tirare le somme per proseguire il cammino con un bagaglio di esperienze consolidate. Quale modo migliore per farlo se non attraverso un “Diario Di Bordo”?
In questo lavoro, Gianmaria Zanier ha molto da raccontare, e lo fa con la profondità che appartiene alla sua caratura artistica. L'eclettismo, la preparazione tecnica e l'amore per il Progressive Rock sono in lui fuori dal comune. Una passione che lo vede anche protagonista nell'etere con il seguitissimo programma radiofonico “Prog & Dintorni” su Radio Vertigo One, oltre che nel ruolo di amministratore dell'omonimo gruppo Facebook.
Dal 2000, il polistrumentista, cantante e insegnante frequenta assiduamente la scena live, entrando in contatto con una lista sterminata di musicisti che lo hanno reso una figura nota nel panorama Prog. In questo “Diario Di Bordo” confluiscono vissuti, amicizie ed emozioni: un lungo vademecum musicale composto da ben ventidue tracce, realizzate in collaborazione con nomi illustri come Lino Vairetti (Osanna), Gigi Venegoni (Venegoni & Co), Piero Mortara (Arti+Mestieri), Sergio Lorandi e Silvano Silva, oltre alla partecipazione degli stessi Osanna e dei Phoenix Again.
L'album si può suddividere in due sezioni ideali: la prima, più cantautoriale e diretta, vanta ottimi arrangiamenti; la seconda, a partire da “Interludio”, si fa prevalentemente strumentale e progressiva.
In apertura troviamo “Il Punto Della Situazione”, un brano da cantare insieme a Gianmaria, semplice ma sostenuto con efficacia dalle tastiere e da un pregevole assolo di chitarra elettrica. Nel corso dell'ascolto emergono richiami alla PFM e a Zuffanti. Dedicata alla memoria di Antonio Lorandi, bassista dei Phoenix Again, è invece “Energia Nuova Da Bruciare”, presente anche in una versione live registrata con gli storici Osanna durante il concerto al “Porretta Prog Legacy” l'11 luglio 2025. Qui Zanier dimostra un'innata capacità nel creare melodie gradevoli con naturalezza e gioia contagiosa. Discorso analogo per “Amare… Soffrire… Gioire…”, proposta sia in studio che dal vivo con i Phoenix Again (registrata alla “Casa Di Alex” di Milano il 30 marzo 2019), traccia dotata di una carica energetica intensa e di un mix stilistico che rimanda a Lucio Battisti e Pino Daniele.
L'atmosfera si fa più elettrica in “Nel Bene E Nel Male”, mentre “Rinascendo Ora Per Ora” chiude la prima parte del disco con un'apertura sonora solare ed elegante. “L’Interludio” funge da passaggio cinematico e strumentale, mostrando una veste differente di GMZ che ci introduce a “Il Prezzo Da Pagare”, dove le tastiere citano i Genesis del periodo d'oro. Articolato ma ponderato, il brano è ricco di cambi di atmosfera; è qui che emerge l'anima Prog dell'artista, capace di filtrare la storia del genere attraverso la propria personalità.
“A.P.S.” è un altro breve stacco strumentale caratterizzato da un ottimo movimento di basso, che accompagna a “Tutto Sommato, Va Bene Così…”, brano dominato dalla chitarra acustica in un incedere bucolico dal sapore anni '70. Si prosegue con sfumature Jazz Rock nella bellissima “In Continuo Movimento”, per poi tuffarsi nel Prog storico con “Stile Libero (Parte 1 e Parte 2)”, tra suggestioni alla King Crimson e momenti vicini alla Scuola di Canterbury (Caravan). Zanier stupisce ancora una volta per versatilità in “Tentativo Di Fuga”.
Ci si avvia verso la conclusione con lo strumentale “Outsider”, costruito su un armonioso giro di tastiere. Un altro momento raffinato è offerto da “Ombre Cinesi”, seguito da “Catarsi (Parte 1)”, dove la chitarra elettrica tesse trame melodiche protagoniste. È un Progressive dalle velate sfumature malinconiche che richiama certe sonorità nordiche o i passaggi più pacati dei Goblin.
“Uscita Di Sicurezza – Catarsi (Parte 2)” si apre con il basso per lanciarsi in una fuga sonora tipica del Prog italico anni '70, mentre il pianoforte detta il ritmo in “Virus”, composizione che ben si presterebbe a una colonna sonora cinematografica.
Il disco si conclude con la breve “Energia Nuova Da Bruciare (Ripresa Strumentale)”.
“Diario Di Bordo” è un'opera che sorprende per freschezza e ricchezza di idee, testimoniando l'amore di Zanier per un genere in cui si muove con assoluta disinvoltura. C'è tanta storia in queste note.
Un disco speciale per un uomo altrettanto speciale. Da avere. MS

Versione Inglese:

GMZ – Diario Di Bordo
GT Music / Micio Poldo Edizioni Musicali
Genre: Progressive Rock / Singer-Songwriter
Format: CD – 2025

In the journey of life, everyone eventually feels the need to take stock of their experiences before moving forward. What better way to do so than through a “Diario Di Bordo” (Logbook)?
In this work, Gianmaria Zanier has much to recount, and he does so with the depth expected of an artist of his caliber. His eclecticism, technical mastery, and love for Progressive Rock are truly extraordinary. This passion also leads him to host the popular radio show “Prog & Dintorni” on Radio Vertigo One, as well as managing the namesake Facebook group.
Since 2000, the multi-instrumentalist, singer, and teacher has been a fixture at live concerts, connecting with a vast array of musicians that has made him a well-known figure across the scene. “Diario Di Bordo” gathers these life experiences, friendships, and emotions into a long musical handbook consisting of twenty-two tracks. The album features collaborations with renowned artists such as Lino Vairetti (Osanna), Gigi Venegoni (Venegoni & Co), Piero Mortara (Arti+Mestieri), Sergio Lorandi, and Silvano Silva, alongside contributions from the bands Osanna and Phoenix Again.
The record can be ideally divided into two parts: the first is more songwriter-oriented and direct, featuring excellent arrangements; the second, starting from “Interludio”, is more instrumental and Progressive-focused.
The album opens with “Il Punto Della Situazione”, a track designed to be sung along with Gianmaria—simple yet effectively supported by keyboards and a fine electric guitar solo. Throughout the listen, one can hear echoes of PFM and Zuffanti. “Energia Nuova Da Bruciare” is dedicated to the memory of Antonio Lorandi, the late bassist of Phoenix Again; the album also includes a live version performed with the legendary band Osanna during their concert at “Porretta Prog Legacy” on July 11, 2025. Here, Zanier displays an innate ability to craft pleasant melodies with naturalness and infectious joy. A similar vibe is found in “Amare… Soffrire… Gioire…”, presented in both studio and live versions (the latter recorded with Phoenix Again at Milan’s “Casa Di Alex” on March 30, 2019), a track charged with intense energy and a stylistic blend reminiscent of Lucio Battisti and Pino Daniele.
“Nel Bene E Nel Male” takes a more electric turn, while “Rinascendo Ora Per Ora” closes the first half of the record with an elegant and bright sonic opening. “L’Interludio” serves as a cinematic instrumental bridge, revealing a different side of GMZ that leads into “Il Prezzo Da Pagare”, where the keyboards evoke vintage Genesis. Complex yet balanced, the track is rich with atmospheric shifts, showcasing the artist's Prog roots and his ability to filter the genre’s history through his own personality.
“A.P.S.” is another brief instrumental featuring a great bass groove that leads into “Tutto Sommato, Va Bene Così…”, where the acoustic guitar takes center stage in a bucolic, 70s-PFM style. The album dips into smooth Jazz Rock with the beautiful “In Continuo Movimento” before diving deep into classic Prog with “Stile Libero (Parte 1 e Parte 2)”, echoing King Crimson and moments of the Canterbury Scene (Caravan). Zanier surprises once again with his versatility in “Tentativo Di Fuga”.
The finale approaches with the instrumental “Outsider”, driven by a melodic keyboard progression. Another refined piece, “Ombre Cinesi”, leads to “Catarsi (Parte 1)”, where the electric guitar weaves the main melodies. This is Progressive Rock with subtle melancholic undertones, reminiscent of certain Nordic bands or the more atmospheric moments of Goblin.
“Uscita Di Sicurezza – Catarsi (Parte 2)” opens with the bass before launching into a 70s-style "fuga" typical of Italian Progressive Rock. Finally, the piano dictates the rhythm in “Virus”, a track that could easily serve as a film soundtrack.
The journey concludes with the brief “Energia Nuova Da Bruciare (Ripresa Strumentale)”. This album surprises with its wealth of ideas and freshness, making it clear that Zanier is perfectly at home in the Prog world. There is so much history packed into these notes.
A special record for a truly special man. A must-have. MS

Twenty Four Hours

TWENTY FOUR HOURS – At The Edge Of Faith
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Art Rock / Psichedelia / Progressive Rock
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

Nel tempo ho seguito con interesse la carriera dei fanesi Twenty Four Hours, una band che ha sempre trasmesso una sincerità e una passione per la musica mai scontate, con una naturale dedizione all’Art Rock. Possiamo a ragione definirli un gruppo storico: la loro formazione risale infatti al 1985 (pur con una pausa tra il 2004 e il 2014) dalle ceneri dei progetti Onyx Marker e The Pause.
In quarant’anni di attività hanno registrato nove album; oggi, grazie a un fortunato crowdfunding, raggiungono quota dieci con “At The Edge Of Faith”. Il disco è stato inciso in un trullo di Locorotondo, presso l’Agriturismo Il Ciliegieto, proprio come accadde nel 1995 per il fortunato “Oval Dreams”. Questa connessione con la tradizione è immortalata anche nella copertina, ispirata ai Fairport Convention, con uno scatto di Antonio Tartaglione.
La band dei fratelli Lippe è oggi composta da Paolo Lippe (voce principale, tastiere, basso, batteria virtuale, mixing creativo), Antonio Paparelli (chitarra elettrica), Marco Lippe (batteria, seconda voce su “It Eclipses The Sense Of Life” / “Lament”) e Gìo Lombardi (basso). Al loro fianco compaiono gli ospiti Ruggero Condò (sassofoni), Paolo Sorcinelli (basso, chitarra elettrica) e Taty Farroni (voce su “Il Mistero Della Vita Non è Dio” e “Applauso Al Buio”), mentre la cura del suono è affidata a Dario Ravelli.
Il titolo, traducibile come "Ai confini della fede", vuole essere un atto di fiducia verso un’umanità sminuita e disumanizzata. L’opera è dedicata alla memoria del bassista Nico Colucci, recentemente scomparso a causa di una malattia neurodegenerativa, al padre dei fratelli Lippe, il Prof. Claudio Lippe, noto per il rigore professionale e a tutte le vittime di mobbing.
La psichedelia graffiante di “Kept In Wine” apre il disco con un cantato sentito, impreziosito dal sax di Condò che ne mitiga le atmosfere, culminando in una splendida apertura sonora finale. Sin dalle prime note emergono influenze floydiane, rielaborate però con la forte personalità del gruppo. Segue “At The Edge Of Time”, inizialmente sorniona e caratterizzata da vocalità sussurrate che si fondono perfettamente con l'intreccio strumentale, mentre il ritornello proietta l'ascoltatore direttamente nelle sonorità degli anni '80.
Un cambio repentino di registro arriva con “Decenza”, brano ballabile cantato in un italiano ricercato. Qui le tastiere diventano protagoniste, tessendo un motivo nel ritornello difficile da dimenticare. Il tema del mobbing viene invece affrontato in “Complimenti”, un movimento orchestrato e riflessivo vicino al cantautorato: il racconto di una vita dedicata a studi e famiglia, ferita dall'arroganza altrui, il tutto sottolineato da un tema profondamente malinconico. Il lato A del vinile si chiude con l’energia di “Gen Z”, spinta dalla chitarra elettrica e sorretta da un ottimo tappeto di tastiere.
L’ecletticità della band emerge anche in “Some Face The Dark Alone”, un pezzo dalla struttura più tradizionale che richiama vagamente il Folk Blues di matrice americana. Un’ulteriore sterzata stilistica giunge con “Holes In The Earth (Kolwezi and Picher)”, testimonianza della vasta cultura musicale dei componenti, capaci di attingere sia agli anni '80 quanto alla psichedelia moderna.
In “In Cattive Acque” la chitarra elettrica e il sax si alternano nel guidarci attraverso un labirinto di tempi rovesciati, dove la band si muove all'unisono con grande maestria. Altro passaggio d'atmosfera è “It Eclipses The Sense Of Life”, dove la pacatezza strumentale è arricchita da cori di supporto. La versione LP si conclude con la bellissima “Il Mistero Della Vita Non è Dio”, un brano profondo nei testi e dall'andamento soffice, ideale per lasciarsi trasportare. L’edizione CD include inoltre tre bonus track: “Applauso Al Buio”, “Lament (remix)” e “La Consapevolezza Della Fine”.
In conclusione, “At The Edge Of Faith” è un album in pieno stile Twenty Four Hours: un lavoro che si lascia ascoltare con estremo piacere e che ci riconsegna una band in salute, ispirata e tecnicamente impeccabile. MS

Versione Inglese: 

TWENTY FOUR HOURS – At The Edge Of Faith
Andromeda Relix / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Art Rock / Psychedelia / Progressive Rock
Format: CD / LP / Digital – 2026

Over the years, I have followed the career of the Fano-based band Twenty Four Hours with great interest. They have always conveyed a sincerity and passion for music that is never predictable, rooted in a natural dedication to Art Rock. We can rightly call them a "historic" group: their formation dates back to 1985 (despite a hiatus between 2004 and 2014), rising from the ashes of the Onyx Marker and The Pause projects.
In forty years of activity, they have recorded nine albums; today, thanks to a successful crowdfunding campaign, they reach the milestone of ten with “At The Edge Of Faith”. The record was recorded in a trullo in Locorotondo, at the Agriturismo Il Ciliegieto—just as they did in 1995 for their successful album “Oval Dreams”. This connection to tradition is also captured in the cover art, inspired by Fairport Convention, featuring a photograph by Antonio Tartaglione.
The band, led by the Lippe brothers, currently consists of Paolo Lippe (lead vocals, keyboards, bass, virtual drums, creative mixing), Antonio Paparelli (electric guitar), Marco Lippe (drums, backing vocals on “It Eclipses The Sense Of Life” / “Lament”), and Gìo Lombardi (bass). They are joined by guests Ruggero Condò (saxophones), Paolo Sorcinelli (electric bass, electric guitar), and Taty Farroni (vocals on “Il Mistero Della Vita Non è Dio” and “Applauso Al Buio”), while the sound engineering was handled by Dario Ravelli.
The title, which translates to "Ai confini della fede," is intended as an act of trust toward a diminished and dehumanized humanity. The work is dedicated to the memory of bassist Nico Colucci, who recently passed away due to a neurodegenerative disease; to the brothers' father, Prof. Claudio Lippe—known for his professional rigor; and to all victims of workplace mobbing.
The biting psychedelia of “Kept In Wine” opens the record with heartfelt vocals, enriched by Condò’s sax which softens the atmosphere, culminating in a splendid sonic opening at the finish. From the very first notes, Pink Floyd influences emerge, though they are re-elaborated with the band’s strong individual personality. This is followed by “At The Edge Of Time,” which begins in a "sly" manner with whispered vocals that blend perfectly with the instrumental textures, while the chorus hurls the listener straight back into 80s sensibilities.
A sudden change of pace arrives with “Decenza,” a danceable track sung in sophisticated Italian. Here, the keyboards take center stage, weaving a melodic hook in the chorus that is hard to forget. The theme of mobbing is addressed in “Complimenti,” an orchestrated and reflective movement close to the cantautore (singer-songwriter) tradition: it tells the story of a life dedicated to studies and family, ruined by the victory of the arrogant, all highlighted by a deeply melancholic theme.
Side A of the vinyl closes with the energy of “Gen Z,” driven by electric guitar and supported by an excellent layer of keyboards.
The band’s versatility also shines in “Some Face The Dark Alone,” a piece with a more traditional structure that vaguely recalls American Folk-Blues influences. A further stylistic turn comes with “Holes In The Earth (Kolwezi and Picher),” a testament to the members' vast musical culture, as they draw from both the 1980s and modern psychedelia.
In “In Cattive Acque,” the electric guitar and sax take turns guiding us through a labyrinth of reversed time, where the band moves in unison with great mastery. Another atmospheric passage is “It Eclipses The Sense Of Life,” where the instrumental calm is enriched by supporting vocal harmonies. The LP version concludes with the beautiful “Il Mistero Della Vita Non è Dio,” a track with profound lyrics and a soft tempo that invites the listener to drift away. The CD edition includes three bonus tracks: “Applauso Al Buio,” “Lament (remix),” and “La Consapevolezza Della Fine.”
In conclusion, “At The Edge Of Faith” is an album in pure Twenty Four Hours style: a work that is a pleasure to listen to and brings back a band in great health—inspired and technically impeccable. MS

Treetops

TREETOPS – Aphonia
Etichetta: Ipe / Maladisco Music
Distribuzione: Goodfellas
Genere: Jazz Rock / Art Rock
Supporto: CD / Digital (2026)

L’afonia è la perdita totale della voce, l’incapacità di produrre suoni vocali. Può derivare da cause fisiche o psicologiche legate a stress e traumi, manifestandosi con una voce ridotta a un sussurro o del tutto assente. Questa definizione clinica dà il titolo al nuovo album dei Treetops.
Dopo “Demetra” (2021) e l’EP “Metropolis” (2023), il terzo lavoro del settetto romano si configura come un concept album incentrato sulla difficoltà di comunicare e sui disturbi del linguaggio. Per l'occasione, la band sceglie di avvalersi del supporto vocale grazie all’ospite Ava Alami e al narrato di Artemisia Von Gresturedn (Almaviva).
L’ensemble, composto da Anna Bielli (chitarra), Marco Bedini (sax soprano), Andrea Cardone (sax tenore), Andrea Spiridigliozzi (chitarra), Marcello Tirelli (tastiere), Simone Ndiaye (basso) e Luca Libonati (batteria), si dedica a una musica spesso improvvisata. Si tratta di un Jazz che lascia ampio spazio al Funky e al Rock, con un sound che spazia dai Weather Report ai Radiohead, passando per Tortoise e Mogwai.
Ogni titolo dell'album rimanda a una patologia specifica. Si parte con "Afasia", un disturbo acquisito che compromette la capacità di esprimersi o comprendere le parole a causa di lesioni cerebrali. La musica traspone questi effetti attraverso un sax che si incanta in un riverbero continuo, simulando perfettamente lo smarrimento del linguaggio; il brano evolve in un andamento Jazz Rock inframezzato dal narrato su una strumentazione libera.
"Ecolalia" esplora l’incomunicabilità attraverso la ripetizione patologica di parole o concetti. Nonostante il tema, le trame melodiche coinvolgono l’ascoltatore con naturalezza, non disdegnando cambi di tempo che avvicinano il mondo Treetops al Progressive Rock. Segue "Memory Box", aperta da un arpeggio di chitarra e voce: un brano dolce e sognante che esamina il divario tra passato e futuro, dove richiami sonori d'annata si intrecciano a modernismi dal fascino personale.
"Happiness Is" entra in scena con discrezione per poi esplodere nel ruggito di chitarre distorte. Il brano descrive nervosamente la difficoltà delle nuove generazioni nell'esprimere tristezza e disagio, un problema acuito esponenzialmente dal post-lockdown.
Notevole è "The Listener": sei minuti abbondanti che rappresentano la vetta del disco, grazie a un sapiente intreccio di doppi sax, elettronica e strumentazione acustica che richiama pilastri come Perigeo, Arti & Mestieri e Agorà.
In "Melancholia", un elogio alla distruzione del mondo dove nessuno sembra più ascoltare l'altro, vengono ripetute sillabe sacre (tra cui quelle dedicate al dio Shiva). Il pezzo sfocia nella psichedelia pura, mantenendo però intatta l'identità stilistica della band. Il discorso prosegue con garbo e ricercatezza in "Solilogos", per poi approdare a "Dispnea". Quest’ultima evoca la sensazione di un attacco di panico attraverso sonorità squisitamente anni '70, mostrando il lato più morbido e sussurrato del gruppo. Al contrario, "Eupnea" rappresenta il sollievo della ripresa, risolvendosi in un breve strumentale in crescendo.
Verso la chiusura, il ritmo sale in "Kledia", dove i musicisti si rincorrono sul pentagramma dando prova di eccellenti doti tecniche. Il "Finale" tira infine le somme: già edito in Metropolis, il brano viene qui riarrangiato e arricchito di una nuova freschezza strumentale.
I Treetops dimostrano un’esperienza e un’amalgama invidiabili. La loro espressione libera è talmente coinvolgente da rendere l'ascoltatore parte integrante del processo creativo. Un lavoro di rara ricchezza spirituale e mentale. MS

Versione Inglese: 

 
TREETOPS – Aphonia
Label: Ipe / Maladisco Music
Distribution: Goodfellas
Genre: Jazz Rock / Art Rock
Format: CD / Digital (2026)

Aphonia is the total loss of voice, the inability to produce vocal sounds. It can stem from physical or psychological causes related to stress and trauma, manifesting as a voice reduced to a whisper or absent entirely. This clinical definition provides the title for the new album by Treetops.
Following Demetra (2021) and the EP Metropolis (2023), the third work from the Roman septet is a concept album centered on the difficulties of communication and language disorders. For this project, the band incorporates vocal support—treated as an experimental instrument—featuring guest Ava Alami and narration by Artemisia Von Gresturedn (Almaviva).
The ensemble—comprising Anna Bielli (guitar), Marco Bedini (soprano sax), Andrea Cardone (tenor sax), Andrea Spiridigliozzi (guitar), Marcello Tirelli (keyboards), Simone Ndiaye (bass), and Luca Libonati (drums)—is dedicated to often-improvised music. Their style is a form of Jazz that leaves ample room for Funk and Rock, with a sound ranging from Weather Report to Radiohead, by way of Tortoise and Mogwai.
Track-by-track Analysis
Each title on the album refers to a specific pathology. It begins with "Afasia" (Aphasia), an acquired disorder that impairs the ability to express or understand words due to brain lesions. The music translates these effects through a saxophone lost in continuous reverb, perfectly simulating the bewilderment of language; the track evolves into a Jazz Rock groove interspersed with narration over free instrumentation.
"Ecolalia" (Echolalia) explores inability to communicate through the pathological repetition of words or concepts. Despite the theme, the melodic textures engage the listener naturally, featuring time signature shifts that bring the Treetops' world closer to Progressive Rock. Next is "Memory Box", opening with a guitar and vocal arpeggio: a sweet, dreamy piece examining the gap between past and future, where vintage sonic echoes intertwine with a personal, modern charm.
"Happiness Is" enters discreetly before exploding into the roar of distorted guitars. The track nervously depicts the struggle of younger generations to express sadness and unease—an issue exponentially heightened by the post-lockdown era. A standout is "The Listener": over six minutes that represent the album's peak, thanks to a skillful weaving of double saxophones, electronics, and acoustic instrumentation reminiscent of Italian pillars like Perigeo, Arti & Mestieri, and Agorà.
In "Melancholia", a tribute to the destruction of a world where no one listens to each other, sacred syllables are repeated (including those dedicated to the god Shiva). The piece flows into pure psychedelia while maintaining the band's stylistic identity. This journey continues with grace and refinement in "Solilogos", eventually reaching "Dispnea" (Dyspnea). The latter evokes the sensation of a panic attack through exquisite 1970s-inspired sounds, showcasing the group's softer, whispered side. In contrast, "Eupnea" represents the relief of recovery, resolving into a brief instrumental crescendo.
Towards the close, the tempo rises in "Kledia", where the musicians chase each other across the staff, demonstrating their excellent technical prowess. The "Finale" ties everything together: previously released on Metropolis, the track is rearranged here and enriched with a new instrumental freshness.
Treetops demonstrate an enviable level of experience and cohesion. Their free expression is so immersive that it makes the listener feel like an integral part of the creative process. A work of rare spiritual and mental richness. MS

Marco Maurizi

MARCO MAURIZI – Dead America Dream Again
Label: Atypeek Music
Genere: Progressive Rock
Formato: Digitale - 2025

Ho appena finito di apprezzare “A Book Of Prog Prayers” del chitarrista romano Marco Maurizi, che mi ritrovo ad ascoltare un suo nuovo lavoro a distanza di pochissimi mesi: “Dead America Dream Again”.
Classe 1974, Maurizi dimostra ampie vedute musicali spaziando dal "Prog demenziale" dei Dune (sua ex band) fino al Punk. Tuttavia, il suo DNA artistico gravita principalmente attorno a giganti come King Crimson, Genesis e Beatles. In questo nuovo album digitale, l’autore approfondisce le contraddizioni socio-politiche degli Stati Uniti, attingendo a un repertorio di brani inediti composti in trent'anni di attività. Non si tratta di un concept album nel senso stretto, quanto di un fitto puzzle sonoro in cui Pop, musica orchestrale ed elettronica si intersecano costantemente. L’America ne emerge come un enorme zombie: un impero che continua a sognare mentre, simultaneamente, si sgretola.
L'opera è composta da ben diciotto tracce e si apre con “This Country Is Yours”, due minuti introduttivi dominati da una chitarra di stampo "crimsoniano": Robert Fripp docet.
Quasi fosse una colonna sonora, “A President's Mind” tesse un intricato giro d’archi che ricorda le sperimentazioni Rock di Frank Zappa, per poi sfociare in “Life On Musk?”, un brano improvvisato ricco di contaminazioni elettroniche. Il disco torna a forme più strutturate con “Sunday Morning Is For Forgiveness”, dove l’artista si cimenta in un movimento tipicamente statunitense, in bilico tra Folk e Pop anni ’70.
Il fantasma di Zappa aleggia chiaramente in “Kamala Harris' Secret Beauty Cream”, pezzo orchestrato e ricercato nell'uso degli effetti. All'improvviso, però, l'album sprofonda in un abisso oscuro: “Hate Speech / Dogs With Guns” avvolge l’ascoltatore con suoni inquietanti, psichedelici e voci cameristiche che pesano sullo stato d’animo come un macigno. Ma si cambia subito registro: l’allegra “Can't Save Yourself” vira sorprendentemente verso il Reggae. A seguire, la mini-suite orchestrale e bucolica “La Sacre de l’O.T.A.N. / El Muro / Amber 1 / Inclusions” (undici minuti) sperimenta ritmi e sonorità che ricordano il Thom Yorke solista.
Maurizi non dimentica però di essere un eccellente chitarrista, oltre che un compositore ispirato: “The Way We Were” è un pezzo melodioso e solare che colpisce per la sua pulizia. Il viaggio americano prosegue con “Tariffs Blues”, una nenia in cui il parlato si alterna all'armonica a bocca, per poi salire metaforicamente sul carro beatlesiano di Magical Mystery Tour con “National Anthem / Coltrane's Dream #9”.
La sperimentazione torna protagonista in “Nake Fews / Amber 2”, tra voci radiofoniche, violini e fiati, seguita dal tocco ancora una volta beatlesiano — e decisamente ispirato — di “You Gotta Love Me (I'm The Son Of God)”. Il disco procede per contrasti (il classico "schiaffo e bacio"): “Drill Baby Drill” è rumoristica ed empirica, mentre “Words Won't Hurt” è una ballata cantautoriale di rara bellezza cristallina che conferma la solida cultura musicale dell'autore.
C'è ancora spazio per le fughe zappiane di “Pink-Haired Communists” — che sembrano scritte per un cortone animato di Tom & Jerry — e per l'inaspettato Rock di “Death Is on the Way / Deep States of Doge”, che strizza l'occhio all'AOR con un cantato sopra le righe. A destabilizzare definitivamente arriva la chiusura affidata a “The Surfin' Rangers”, un tuffo nostalgico nei primi anni ’60.
Conclusioni “Dead America Dream Again” offre un’enorme quantità di stimoli. È un album che si lascia ascoltare con piacere, pur richiedendo un pubblico preparato e dalle vedute ampie. È musica per la mente, senza confini né peli sulla lingua. Immaginate di salire su delle montagne russe: un'esperienza bellissima. MS

Versione Inglese:

MARCO MAURIZI – Dead America Dream Again
Label: Atypeek Music
Genre: Progressive Rock
Format: Digital - 2025

I had just finished enjoying “A Book Of Prog Prayers” by the Roman guitarist Marco Maurizi when, only a few months later, I found myself listening to his latest effort: “Dead America Dream Again”.
Born in 1974, Maurizi possesses a broad musical vision, spanning from the "comedy-prog" of his former band Dune to Punk. However, his artistic DNA primarily revolves around legendary groups like King Crimson, Genesis, and The Beatles. In this digital album, the author explores the socio-political contradictions of contemporary America. The work draws from his past repertoire of unreleased tracks written over thirty years of activity. Rather than a traditional concept album, it is a dense sonic puzzle where Pop, orchestral music, electronics, and more intersect. America is thus depicted as a giant zombie: an empire that dreams while simultaneously crumbling.
The album features eighteen tracks, opening with “This Country Is Yours”, a two-minute introduction centered on Maurizi’s "Crimsonian" guitar style. Robert Fripp docet.
Like a film score, “A President's Mind” weaves an intricate string arrangement reminiscent of Frank Zappa’s rock experiments, eventually flowing into “Life On Musk?”, an improvisational piece filled with eclectic sounds and electronic flourishes. The music returns to more structured forms with “Sunday Morning Is For Forgiveness”, where the artist explores a typically American movement, blending 1970s-style Folk and Pop.
I mentioned Zappa, and “Kamala Harris' Secret Beauty Cream” feels like it could belong straight in his discography: orchestrated and sophisticated with its various sound effects. Suddenly, the album takes a dive into a dark abyss; “Hate Speech / Dogs With Guns” envelops the listener in unsettling, psychedelic sounds and chamber-like voices that weigh heavy on the mood. Then, the record shifts gears completely: the cheerful “Can't Save Yourself” takes a stroll through Reggae. If you’re enjoying the ride, the next stop is the pastoral, orchestral mini-suite “La Sacre de l’O.T.A.N. / El Muro / Amber 1 / Inclusions” (eleven minutes), which halfway through ventures into experimental rhythms that would appeal to Thom Yorke.
Maurizi also reminds us that he is a stellar guitarist as well as an inspired composer. “The Way We Were” is a melodic, sun-drenched track that will surely surprise many. We return to the States with “Tariffs Blues”, a title that perfectly reflects its content: a chant where narration hands the baton to the harmonica.
Metaphorically, we board the Beatles’ “Magical Mystery Tour” bus with “National Anthem / Coltrane's Dream #9”, before returning to experimental improvisation in “Nake Fews / Amber 2”, where radio voices drift over violins and woodwinds. The Beatles’ influence returns even more prominently in the inspired and well-crafted “You Gotta Love Me (I'm The Son Of God)”. The album continues to oscillate between "a slap and a kiss," shifting back to experimentation with “Drill Baby Drill”, a track that is both noisy and empirical. One cannot remain indifferent to the crystalline beauty of “Words Won't Hurt”, a singer-songwriter ballad that showcases Maurizi’s solid musical culture.
And then... more Zappa-esque escapes with “Pink-Haired Communists”, which sounds like the soundtrack to a Tom & Jerry cartoon. The sudden Rock energy of “Death Is on the Way / Deep States of Doge” surprises the listener by leaning into AOR with an over-the-top vocal performance. Finally, the closing track “The Surfin' Rangers” is even more destabilizing—a nostalgic plunge into the early 1960s.
Verdict There is a wealth of material in this album, making for an engaging listen, even if certain moments require an experienced or open-minded audience. This is music for the mind—borderless and uncompromising. Think of it as a sonic roller coaster. Brilliant. MS

Davide Riccio Feat. MaaS

DAVIDE RICCIO Feat. MaaS – amAI? / Ake Moke Reke
Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore / Elettronica
Supporto: CD – 2026

Esistono artisti che dedicano l’intera vita alla musica per puro spirito creativo, operando al di fuori dei circuiti puramente commerciali. Nell'era contemporanea questo fenomeno è sempre più marcato, ma ciò non sminuisce la qualità che certi autori sanno mettere in campo.
Davide Riccio, in arte DeaЯ, è un artista torinese che abbiamo imparato ad apprezzare attraverso numerosi lavori, tra i quali spicca l'imponente "Gli Altri" (2024), un'opera composta da ben tre CD. Difficile incasellarlo in un unico genere: la sua vena creativa, nata negli anni ’80, è mutata nel tempo attraversando mode e sonorità eterogenee. La carriera del polistrumentista e cantante è ricca di esperienze: dalle militanze in band come Canned Music, Bluest e Off Beat, a progetti collettivi come “Neumi”, fino alla realizzazione di "Flatland" per RAI 3. Riccio è inoltre un autore prolifico di poesie e libri, collaboratore giornalistico e speaker per Radio Banda Larga. Questa poliedricità si riflette oggi nel nuovo incontro con Mauro Sanna (MaaS), musicista, compositore e sperimentatore nel campo dell’Intelligenza Artificiale.
L’AI è da tempo al centro di accesi dibattiti musicali. Personalmente, ritengo che se adoperata con criterio e nei contesti tecnici appropriati, possa rivelarsi uno strumento prezioso. Al contrario, appare fredda se sfruttata per scimmiottare lo stile di artisti già noti. Questa premessa serve a chiarire la mia totale imparzialità: l’apporto tecnologico non inciderà sul mio giudizio dell'opera.
Il disco si apre con i suoni New Wave di “Capo Chimera”, che ci riporta immediatamente alle atmosfere anni ’80. L'elettronica cura ritmica e tessuti sonori su cui si innesta un cantato moderato ma deciso, caratterizzato da doppie vocalità. La melodia è immediata e facile da memorizzare, un aspetto su cui DeaЯ ha lavorato con costanza negli anni.
“Anche Io In Arcadia” introduce ambientazioni spaziali; un cantautorato ponderato e privo di fronzoli dove il ritornello si imprime con forza nella mente. Più solare “Valentina”, dedica femminile che richiama le sonorità di Aleco: qui l’uso delle coralità è fondamentale per la riuscita di un brano dal forte potenziale radiofonico. L’album si fa introspettivo con “Anima Nuda”, un pezzo dal procedere minimale che valorizza un testo curato e dettagliato. La scelta di un arrangiamento essenziale è funzionale a non sovrastare la comunicazione verbale, che qui riveste il ruolo primario.
Mentre “Weltschmerz” vira verso una disco-music anni ’80 contaminata dal Post-Punk, “Shigata Ga Nai” proietta l’ascoltatore in un lontano Oriente attraverso le liriche, mantenendo però un’impronta cantautorale prettamente italica. “Misantropia” alterna dinamiche dance a momenti più rilassati, mentre per ritrovare la chitarra bisogna attendere “Sindrome Della Pagina Bianca”, territorio in cui l’autore si muove con particolare disinvoltura; per chi scrive, questo è il vertice qualitativo del disco.
La conclusione è affidata a una suite di quasi sette minuti in cui l’elettronica fa da tappeto a un parlato focalizzato sulla salute del pianeta: dall’asteroide che causò l'estinzione dei dinosauri all’evoluzione di una specie che continua a divorare se stessa. Un testo colto e profondo che invito a scoprire integralmente.
In sintesi, questo è Davide Riccio: un cantautore senza freni inibitori che predilige la sostanza alla forma, offrendo un turbinio di parole che invitano alla riflessione. L’apporto dell’AI? Prendere o lasciare. MS

Versione Inglese:

DAVIDE RICCIO Feat. MaaS – amAI? / Ake Moke Reke
Music Force / Egea Music
Genre: Singer-Songwriter / Electronic
Format: CD – 2026

There are artists who dedicate their entire lives to music out of pure creative spirit, operating outside the purely commercial circuits. In the contemporary era, this phenomenon is increasingly marked, yet it does not diminish the quality that certain authors are able to bring to the table.
Davide Riccio, known artistically as DeaЯ, is a Turin-based artist whom we have come to appreciate through numerous works, most notably the massive "Gli Altri" (2024), an opus consisting of three CDs. It is difficult to pigeonhole him into a single genre: his creative streak, born in the 1980s, has evolved over time, traversing diverse trends and sounds. Riccio’s career is rich with experience: from playing in bands such as Canned Music, Bluest, and Off Beat, to collective projects like "Neumi," and the creation of "Flatland" for RAI 3. He is also a prolific author of poetry and books, a journalistic collaborator, and a broadcaster for Radio Banda Larga. This versatility is reflected today in his new collaboration with Mauro Sanna (MaaS), a musician, composer, and experimenter in the field of Artificial Intelligence.
AI has long been at the center of heated musical debates. Personally, I believe that when used judiciously and in appropriate technical contexts, it can prove to be a valuable tool. Conversely, it feels cold when used merely to mimic the style of well-known artists. This premise serves to clarify my total impartiality: the technological contribution will not influence my judgment of the work.
The album opens with the New Wave sounds of “Capo Chimera,” which immediately transports us back to the 1980s. The AI handles the rhythmic and electronic textures over which a moderate but decisive vocal is layered, characterized by dual harmonies. The melody is immediate and easy to memorize—an aspect DeaЯ has consistently refined over the years.
“Anche Io In Arcadia” introduces spacey atmospheres; a thoughtful, no-frills style of songwriting where the chorus leaves an indelible mark on the mind. The more upbeat “Valentina” is a tribute to a woman that recalls the sounds of Aleco: here, the use of vocal harmonies is fundamental to the success of a track with strong radio potential. The album turns introspective with “Anima Nuda,” a track with a minimalist pace that enhances the carefully crafted and detailed lyrics. The choice of an essential arrangement is functional, ensuring it doesn't overshadow the verbal communication, which takes center stage here.
While “Weltschmerz” veers toward 80s disco-music tinged with Post-Punk, “Shigata Ga Nai” catapults the listener to the Far East through its lyrics, while maintaining a quintessentially Italian songwriting imprint. “Misantropia” alternates dance dynamics with more relaxed moments, while to find a guitar, one must wait for “Sindrome Della Pagina Bianca,” territory where the author is particularly at home; for this writer, this is the album's qualitative peak.
The conclusion is entrusted to a movement of nearly seven minutes in which electronics serve as a backdrop to a narrative focused on the health of the planet: from the asteroid that wiped out the dinosaurs to the evolution of a species that continues to devour itself. A sophisticated and profound text that I invite you to discover in its entirety.
In summary, this is Davide Riccio: a songwriter without inhibitions who prioritizes substance over form, offering a whirlwind of words that invite reflection. The AI contribution? Take it or leave it. MS

  

Marco Galletti

MARCO GALLETTI – Musical Objects
Ondebo Music
Genere: Elettronica / Progressive Rock
Supporto: digital – 2025

Per i più ferrati sull’argomento Rock Progressivo Italiano di certo il nome di Marco Galletti non risulta nuovo. Infatti il tastierista di Milano, ma vissuto sin dalla tenera età ad Alessandria, è il fondatore della band Neo Prog alessandrina Arcansiel.
Studia pianoforte, ma soprattutto l’organo e associa la musica classica al Rock per un connubio che lo formerà stilisticamente e culturalmente. Verso la fine del 1990 Galletti lascia gli Arcansiel per motivi di lavoro e dedica meno tempo alla musica. Solo nel 1994 avremo tracce della sua carriera solista attraverso l’album “Boxes For Foxes”, dove lo stile Neo Prog lascia spazio a un uso della tecnologia più moderno.
Con l’ausilio della Digital Audio Workstation, nel 2005 ritorna con un altro album autoprodotto intitolato “La Luce Che Illumina I Sogni”, qui le tracce Prog si uniscono a un certo minimalismo americano. Segue un lungo stop, sino tornare nel 2023 a un approccio più concreto a livello temporale da dedicare alla musica. Il risultato è “Musical Objects”, una raccolta di oggetti musicali scritti negli ultimi quaranta anni. Delucida l’artista nel suo sito ufficiale: “Gli unici suoni "non digitali", quando necessari, sono stati eseguiti utilizzando una Fender Stratocaster del 1991 e un Fender Jazz Bass del 2006.”.
In queste dodici canzoni che compongono l’album, l’artista non si cimenta in sperimentazioni, pur cercando di evitare lo schema strofa-pre-ritornello-ritornello, bensì tende a comunicare semplici sentimenti scaturiti da ispirazioni momentanee e improvvise.
L’inizio con “L'Aria Chiara Come Non Esiste Più” mette in evidenza le influenze del compositore che rivelano scorci di Jethro Tull più pacati e Genesis in un brano che in alcuni frangenti è soffice e introspettivo, anche perché ispirato dall’esperienza molto personale, legata agli ultimi giorni di vita dei suoi genitori. Il cantato spazia dall’inglese all’italiano fino al francese donando all’intero lavoro internazionalità. Bello il sound pianistico di "As The Silence”, soffice “La Lune Est Neé”, così la leggerezza di “All Goes By” che tocca l’anima.
Tutto l’album è composto di tasselli singoli che assieme ci propinano il quadro completo. Una menzione a parte per “386”, scritta nel 1986 e che narra di un forte amore vissuto. Qui mi vengono alla mente certe Orme più delicate.
Come ben rappresenta la copertina con un uomo che cammina solitario in un paesaggio tracciato da una linea da seguire, Galletti si avventura in differenti stili musicali, ere e atmosfere per un risultato finale d’inattesa amalgama, dove tutto scorre con naturalezza. Tanta dedizione, passione e cura in questo “Musical Object”, dove di certo le emozioni non vengono a mancare. MS 

Versione Inglese:

MARCO GALLETTI – Musical Objects
Ondebo Music
Genre: Electronic / Progressive Rock
Support: digital – 2025

For those well-versed in Italian Progressive Rock, the name Marco Galletti is certainly not new. In fact, the Milanese keyboardist, who grew up in Alessandria, is the founder of the Neo-Prog band Arcansiel.
He studied piano, but especially organ, and combines classical music with Rock for a union that will shape him stylistically and culturally. Towards the end of 1990, Galletti left Arcansiel due to work reasons and dedicated less time to music. Only in 1994 will we have traces of his solo career through the album "Boxes For Foxes", where the Neo-Prog style gives way to a more modern use of technology.
With the help of the Digital Audio Workstation, in 2005, he returned with another self-produced album titled "La Luce Che Illumina I Sogni", where Prog tracks combine with American minimalism. There follows a long hiatus until 2023, when he returns to a more concrete approach to dedicate time to music. The result is "Musical Objects", a collection of musical objects written over the last forty years. The artist clarifies on his official website: "The only 'non-digital' sounds, when necessary, were performed using a 1991 Fender Stratocaster and a 2006 Fender Jazz Bass."
In these twelve songs that make up the album, the artist doesn't venture into experimentation, while trying to avoid the verse-pre-chorus-chorus structure, but rather tends to communicate simple feelings arising from momentary and sudden inspirations.
The start with "L'Aria Chiara Come Non Esiste Più" highlights the composer's influences that reveal glimpses of calmer Jethro Tull and Genesis in a track that is soft and introspective in some moments, also because it's inspired by a very personal experience related to the last days of his parents' lives. The singing ranges from English to Italian to French, giving the whole work an international flair. Beautiful is the piano sound of "As The Silence", soft "La Lune Est Neé", as well as the lightness of "All Goes By" that touches the soul.
The whole album is composed of single pieces that together propound the complete picture. A special mention for "386", written in 1986 and which tells of a strong love experience. Here, certain delicate Orme come to mind.
As the cover perfectly represents, with a man walking alone in a landscape drawn by a line to follow, Galletti ventures into different musical styles, eras, and atmospheres for a final result of unexpected amalgamation, where everything flows naturally. So much dedication, passion, and care in this "Musical Object", where emotions are certainly not lacking. MS.

Accauno

ACCAUNO – Distacco
Autoproduzione
Genere: Eclectic Prog
Supporto: Digital / CD – 2025

All’estero, il nostro Progressive Rock è tenuto in grande considerazione, soprattutto grazie alle melodie spesso incastonate nella formula canzone, fra passaggi solari e tecnicismi mai fini a se stessi. Abbiamo nel nostro DNA il buon gusto, la storia e la cultura; tutto questo fa sì che l’arte ci risulti una musa amica, soprattutto spontanea.
I milanesi Accauno sono un'altra tessera dell’immenso puzzle Prog italico, artisti che amano la musica fatta con la testa e con il cuore, senza secondi fini.
Si formano nel 2010 per proporre brani originali in bilico fra Pop Rock, il cantautorato e il Progressive Rock. Amano cantare in italiano, e anche questo fa capire che non interessa loro strizzare l’occhio al mercato straniero; piuttosto, è importante essere se stessi per fare ciò che si ama.
Gli Accauno sono un trio formato da Mattia Paneroni (basso, cori), Giuseppe 'Beppe' Pianese (batteria, cori), e Andrea Tosini (chitarra, voce).
Rilasciano nel 2012 l’album “Virus”, nel 2014 “Quelu”, nel 2018 “Scatti Rapidi” e nel 2021 “Punto Di Fuga”, tutti album che mettono in evidenza l’amore per il Prog inglese degli anni ’70 miscelato con il Rock indipendente italiano degli anni Novanta.
Oggi è la volta di “Distacco”, un disco che (lo dico subito) si fa ascoltare con piacere e composto di otto nuovi brani, a partire da “Disperso”.
Gradevoli i testi, l’uso del voice phone, la Psichedelia di fondo e il giro di basso, per un brano facile da memorizzare e cantare. Spesso basta molto poco per attirare l’attenzione dell’ascoltatore, e l’esperienza degli Accauno insegna.
Con “Falena” subentra l’elettronica e l’effettistica, un movimento Rock quasi in stile Ozric Tentacles, sorprendente e vivace. Non manca il classico cambio umorale che approda la band nel porto veneziano delle Orme.
La title track punta sulla salvezza del genere umano attraverso la musica; qui le chitarre elettriche a tratti sottolineano con acidità i testi, e molto probabilmente una band straniera che accomuna i tre musicisti sono i King Crimson.
I sei minuti abbondanti di “La Madre” hanno una ritmica maggiormente ricercata, forse la canzone più Prog dell’album, grazie anche all’effettistica situata nella metà della durata. Un arpeggio di chitarra in stile “Another Brick In The Wall” inizia “Essere Voi”, coesa e calda nell’incedere, un esempio di come sono oggi gli Accauno. Il brano più lungo s’intitola “Il Labirinto”, grazie ai quasi nove minuti di durata. Qui la band tira fuori tutte le armi a sua disposizione, accompagnando l’ascoltatore in un limbo che divide la pacatezza dalla ricerca. Piccole schegge Jazz e buoni frangenti strumentali.
Gioviale “Arido”, un tuffo negli anni ’70 che non ti aspetti, per giungere poi alla conclusiva “Un Angelo”, molto vicina al cantautorato italiano.
La verità è che l’album è volato via in un batter d’occhio, sinonimo di eterogeneità mai ridondante su se stessa e questo ultimamente lo riscontro sempre più raramente, soprattutto se è un disco a cavallo fra Prog e formula canzone.
Interessante. MS 

Versione Inglese:

ACCAUNO – Distacco
Self-produced
Genre: Eclectic Prog
Format: Digital / CD – 2025

Abroad, Italian Progressive Rock is highly regarded, especially thanks to the melodies often embedded in the song formula, between sunny passages and technicalities that are never an end in themselves. We have good taste, history, and culture in our DNA; all this makes art a friendly muse, especially spontaneous.
The Milanese Accauno are another piece of the immense Italian Prog puzzle, artists who love music made with head and heart, without ulterior motives.
They formed in 2010 to propose original songs that balance Pop Rock, cantautorato, and Progressive Rock. They love singing in Italian, and this also shows that they're not interested in catering to the foreign market; rather, it's essential to be themselves to do what they love.
Accauno is a trio composed of Mattia Paneroni (bass, backing vocals), Giuseppe 'Beppe' Pianese (drums, backing vocals), and Andrea Tosini (guitar, vocals).
They released the album “Virus” in 2012, “Quelu” in 2014, “Scatti Rapidi” in 2018, and “Punto Di Fuga” in 2021, all albums that highlight their love for 1970s English Prog mixed with 1990s Italian independent Rock.
Today it's the turn of “Distacco”, an album that (I'll say it right away) is enjoyable to listen to and composed of eight new tracks, starting with “Disperso”.
Pleasant lyrics, use of voice phone, psychedelic undertones, and bass lines make for a track that's easy to remember and sing along to. Often, it takes very little to grab the listener's attention, and the Accauno's experience teaches us that.
With “Falena”, electronics and effects come into play, a Rock movement almost in the style of Ozric Tentacles, surprising and lively. The classic mood change that brings the band to the Venetian port of Orme is not missing.
The title track focuses on the salvation of the human genre through music; here, the electric guitars occasionally emphasize the lyrics with acidity, and a foreign band that probably unites the three musicians is King Crimson.
The six minutes of “La Madre” have a more researched rhythm, probably the most Prog song on the album, thanks also to the effects situated in the middle of the duration. A guitar arpeggio in the style of “Another Brick In The Wall” starts “Essere Voi”, cohesive and warm in its pace; an example of what Accauno is today. The longest track is titled “Il Labirinto”, thanks to its almost nine minutes of duration. Here, the band pulls out all the stops, accompanying the listener in a limbo that divides calmness from research. Small Jazz fragments and good instrumental moments.
Jovial “Arido”, a dive into the 1970s that you don't expect, to arrive at the conclusive “Un Angelo”, very close to Italian cantautorato.
The truth is that the album flew by in the blink of an eye, a synonym for heterogeneity that never becomes redundant; and this is something I rarely come across lately, especially if it's a record that straddles Prog and song formula.
Interesting. MS.