Celeste

CELESTE – Anima Animus
Inner Garden Records
Genere: Rock Progressivo
Supporto: cd / vinile / Bandcamp – 2025

VIDEO RECENSIONE

Quando si parla dei Celeste, si parla di una eccellenza in ambito Rock Progressive Italiano. Ciro Perrino (tastiere) si è saputo ritagliare nel tempo un posto nell’olimpo delle grandi band. E’ un artista che ha saputo perseverare nel tempo, ed ha avuto una esistenza musicale non priva di difficoltà, in quanto malgrado i Celeste si formino a Sanremo nel periodo più importante per il genere, ossia il 1972 , vedono uscire il primo album dal titolo omonimo soltanto nel 1976, quando tutto sembrava volgere verso la fine per lasciare lo spazio di li a poco al Punk, New Wave, etc. Non a caso si sciolgono nel 1977 per poi riformarsi nel 2016.
Malgrado ciò registrano ben sette album in studio, per poi aggiungere oggi con “Anima Animus”, un altro tassello di Prog sinfonico nel loro splendido puzzle.
Con Perrino suonano Enzo Cioffi (batteria), Francesco Bertone (basso), Marco Moro (flauto) e Mauro Vero (chitarre). Si avvalgono anche di ospiti che rispondono ai nomi di Ines Aliprandi (voce), Marco Canepa (pianoforte), Mirco Rebaudo (sax, clarinetto), Paolo Maffi (sax), Enrico Allavena (trombone, basso tuba), Davide Mocini (chitarra 12 corde), e Marco Fadda (percussioni).
La copertina di Massimo Mazzeo ben si adatta alla descrizione della musica dei Celeste, un quadro sonoro a pastello per gentilezza delle tinte.
Mellotron, Solina String Ensemble e i sintetizzatori Eminent, sono solo alcuni degli strumenti con cui Perrino compone il DNA del sound Celeste, magniloquente ma allo stesso tempo delicato.
Non c’è quindi da stupirsi se sin dalla title track “Anima Animus” si spalancano avanti a noi le leggendarie porte degli anni ’70. Se intendete portare un esempio di Prog ad un vostro amico che non conosce il genere, questo brano è perfetto, ha tutte le carte in regola, flauto compreso.
I quasi nove minuti si aprono con pacatezza grazie al mellotron che aleggia sopra suoni celestiali (scusate il gioco di parole) per poi lasciare spazio alle chitarre e al flauto in un movimento allegro e spensierato. Tutti i fiati, sax compresi, si librano come farfalle su un prato, questa è la magia della musica dei Celeste, far sognare immagini rilassanti.
Ma quando vogliono sanno anche alzare il ritmo, come in “Roots And Leaves”, un movimento sempre accompagnato dai fiati e sorretto da un buon giro di basso. Coinvolgente e trascinante, con garbo ed eleganza.
Percussioni aprono “Cosmic Carnival”, un  brano che riesce a miscelare generi differenti come il Jazz, il Progressive Rock e il sinfonico. Importante l’utilizzo degli ottoni per la riuscita degli intenti, suadente e ammaliante nell’incedere. Sembra di ascoltare una colonna sonora di un film ovviamente ambientato negli anni ’70.
Altro intento rilassante di questa musica si manifesta nei nove minuti di “De Rerum Natura”, una composizione curata nei particolari, una sorta di musica classica moderna che farà la gioia di chi ha alto il concetto di musica.
Sintetizzatori fanno capolino in “Lilith”, ma i piedi restano ben saldi nel terreno grazie all’uso del flauto e delle vocalità di Ines Aliprandi, un mix fra passato e presente.
“El Mundo Perdido” è esotica, piena di percussioni e ritmiche calde, una composizione che si sviluppa nuovamente attraverso vocalità leggiadre. Più allegra “Secret Crime”, qui si può apprezzare al meglio il lavoro del basso e della batteria, ma la perla giunge nel finale con i dodici minuti di “Moon And Cloud Dancing”. Solo questo brano vale l’acquisto dell’album.
La musica dei Celeste è quindi una garanzia nel tempo, una finestra aperta per il ricambio dell’aria nella nostra mente, dove tuttavia c’è sempre spazio per la fantasia e la voglia di trattarsi bene. Cavalcate l’onda Celeste. MS

Versione Inglese:

CELESTE – Anima Animus
Inner Garden Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Vinyl / Bandcamp – 2025
 
When speaking of Celeste, one speaks of excellence in the realm of Italian Progressive Rock. Ciro Perrino (keyboards) has carved out, over time, a place for himself in the Olympus of great bands. He is an artist who has persevered through the years, despite facing a musical journey not without obstacles. Even though Celeste was formed in Sanremo during the genre’s golden era—1972—their first self-titled album didn’t come out until 1976, when the Progressive movement was already waning and making room for Punk, New Wave, and so on. Unsurprisingly, they disbanded in 1977, only to reform in 2016.
Despite the challenges, they went on to record seven studio albums, now adding another piece to their beautiful symphonic prog puzzle with Anima Animus.
Alongside Perrino are Enzo Cioffi (drums), Francesco Bertone (bass), Marco Moro (flute), and Mauro Vero (guitars). They’re also joined by several guests: Ines Aliprandi (vocals), Marco Canepa (piano), Mirco Rebaudo (sax, clarinet), Paolo Maffi (sax), Enrico Allavena (trombone, bass tuba), Davide Mocini (12-string guitar), and Marco Fadda (percussion).
Massimo Mazzeo’s cover art perfectly suits the music of Celeste—a pastel sonic painting, gentle in tone.
The Mellotron, Solina String Ensemble, and Eminent synthesizers are just some of the instruments Perrino uses to construct the DNA of Celeste’s sound—grandiose yet delicate at the same time.
It’s no surprise, then, that from the opening title track “Anima Animus,” the legendary doors of the 1970s swing wide open before us. If you want to show a friend an example of classic prog who’s unfamiliar with the genre, this track is perfect—it ticks all the right boxes, flute included.
Its nearly nine minutes begin softly, with the Mellotron hovering over celestial sounds (pardon the pun), then give way to guitars and flute in a cheerful, carefree movement. All the wind instruments, including saxophones, flutter like butterflies across a field—this is the magic of Celeste’s music: it inspires serene imagery and daydreams.
But when they choose to, they can pick up the tempo too, as in “Roots And Leaves,” a track always carried by winds and anchored by a solid bassline. Engaging and uplifting, with charm and elegance.
Percussion opens “Cosmic Carnival,” a piece that blends different genres like Jazz, Progressive Rock, and symphonic music. The brass section plays a vital role in achieving the song’s seductive and captivating mood. It feels like the soundtrack to a film set unmistakably in the 1970s.
Another relaxing piece comes with the nine-minute “De Rerum Natura,” a carefully crafted composition, a kind of modern classical music that will delight those with a refined taste in sound.
Synths peek through in “Lilith,” but the track remains grounded thanks to the use of flute and Ines Aliprandi’s vocals—a perfect blend of past and present.
“El Mundo Perdido” has an exotic flavor, full of percussion and warm rhythms, once again driven by light and graceful vocals. “Secret Crime” is more cheerful, allowing the bass and drums to shine—yet the crown jewel comes at the end with the twelve-minute “Moon And Cloud Dancing.” This track alone is worth the price of the album.
Celeste’s music is, ultimately, a timeless guarantee—an open window refreshing the air in our minds, always leaving room for imagination and the desire for well-being.
Ride the Celeste wave.
MS

 

Limite Acque Sicure

LIMITE ACQUE SICURE - Un’Altra Mano Di Carte
Minotauro Records / Virgin
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / Amazon Music – 2025

VIDEO RECENSIONE

Se il nostro Rock Progressivo ha ricevuto sin dagli anni ’70 attenzioni anche all’estero grazie alle note band come Premiata Forneria Marconi, Orme e Banco Del Mutuo Soccorso su tutte, sino giungere ai nostri giorni ancora vivo e vegeto, allora di base significa che si è saputo creare qualcosa di veramente valido. Anche questi nomi particolari come Raccomandata Ricevuta Ritorno, Biglietto Per L’Inferno, Rovescio Della Medaglia etc. conducono un fans del genere a capire che trattasi di Rock Progressivo, un modus operandi che difficilmente fallisce l’obiettivo. Questa (chiamiamola così) tradizione, è valida sino ai nostri giorni, leggere un nome come Limite Acque Sicure conduce immediatamente la mente a questo mondo fatto di cambi di tempo e di lunghi brani ricolmi di tastiere.
La band di Ferrara nasce proprio come band tributo al Banco Del Mutuo Soccorso, Orme e Premiata Forneria Marconi nel 2005, ma esordiscono nel 2022 con l’ottimo album omonimo che vi consiglio di andare a rispolverare. Il sestetto formato da Andrea Chendi (voce), Ambra Bianchi (flauto, voce, arpa), Antonello Giovannelli (tastiere), Luca Trabanelli (chitarre), Paolo Bolognesi (batteria), e Francesco Gigante (basso), proseguono imperterriti dopo due anni per il loro incontaminato cammino.
Attraverso personaggi che raccontano la propria esperienza di vita, “Un’Altra Mano Di Carte” tocca persino tematiche politiche, argomento non molto trattato in quest’ambito sonoro, a testimonianza di un impegno lirico sicuramente non scontato su cui poter riflettere.
Sono gli otto minuti e mezzo di “Joker” a mettere immediatamente in chiaro l’intento della band, un intreccio di chitarre elettriche e tastiere che formano un muro sonoro enfatico su cui lasciare andare la mente. Passato e presente si fondono in un gioco piacevole che farà sin da subito la gioia degli estimatori del Prog. Ottimo l’uso delle coralità maschili e femminili che si alternano a passaggi di piano maggiormente riflessivi. I Limite Acque Sicure mostrano sin da subito la volontà di non scendere a compromessi, rispettando tutti i canoni del caso.
Ulteriore conferma giunge da “Il Racconto Di Juan Della Sua Terra” dove i fiati riportano al medioevo per poi lasciare campo alla classica staffetta chitarra/tastiere. Buona la sezione ritmica, raffinata e mai invadente. Qui le Orme sono maggiormente presenti, un brano fresco su cui poter cantare con loro.
“Natale 1914” ha un fascino particolare, questa mini suite di dieci minuti alterna ballata alla Banco (R.I.P.) a passaggi in modalità Genesis, il tutto costruito su testi profondi e riflessivi accompagnati dalla splendida vocalità di Ambra Bianchi. Il meglio giunge nel finale attraverso una centellinata nota di piano sgocciolata sopra un arpeggio di chitarra toccante, dove ancora una volta fanno capolino le Orme, grazie anche alla bella voce di Andrea Chendi. “Non Il Bergerac” prosegue questo sentiero con classe, un tuffo nella metà degli anni ’70. “Chita” ha uno charme esotico ammaliante, suadente e commovente come lo sguardo di una donna mediterranea che ha scolpita negli occhi la durezza della propria vita. Ancora una volta ottima l’interpretazione di Ambra Bianchi. Finale degno con “Storie Perdute”, vigorosità Trip miscelata al Prog più moderno.
Non finirò mai di ringraziare e decantare le gesta di band come i Limite Acque Sicure, portabandiera di uno stile che fra alti e bassi di notorietà sembra distante dal voler porre la parola fine alla propria esistenza. Viva il Prog italiano! MS

Versione Inglese:

LIMITE ACQUE SICURE – Un’Altra Mano Di Carte
Minotauro Records / Virgin
Genre: Progressive Rock
Support: CD / Amazon Music - 2025

If our Progressive Rock has received since the 1970s attention even abroad thanks to well-known bands such as Premiata Forneria Marconi, Orme and Banco Del Mutuo Soccorso above all, until reaching our days still alive and well, then basically it means that something really good has been created. Even these particular names such as Raccomandata Ricevuta Ritorno, Biglietto Per L'Inferno, Rovescio Della Medaglia etc. lead a fan of the genre to understand that this is Progressive Rock, a modus operandi that is unlikely to fail the mark. This (let's call it that) tradition, is valid up to our days, reading a name like Limite Acque Sicure immediately leads the mind to this world of tempo changes and long tracks filled with keyboards.
The band from Ferrara was born precisely as a tribute band to Banco Del Mutuo Soccorso, Orme and Premiata Forneria Marconi in 2005, but they made their debut in 2022 with the excellent self-titled album that I recommend you go brush up on. The sextet made up of Andrea Chendi (vocals), Ambra Bianchi (flute, vocals, harp), Antonello Giovannelli (keyboards), Luca Trabanelli (guitars), Paolo Bolognesi (drums), and Francesco Gigante (bass), continue undaunted after two years on their pristine path.
Through characters recounting their own life experiences, “Un’Altra Mano Di Carte” even touches on political themes, a topic not much dealt with in this sonic sphere, a testament to a lyrical commitment that is certainly not obvious to ponder.
It is the eight-and-a-half minutes of “Joker” that immediately make the band's intent clear, an interweaving of electric guitars and keyboards that form an emphatic wall of sound on which to let your mind go. Past and present come together in a pleasing interplay that will immediately delight Prog fans. Excellent use of male and female choruses alternating with more reflective piano passages. The Limiting Safe Waters show right from the start a willingness not to compromise, respecting all the relevant canons.
Further confirmation comes from “Il Racconto Di Juan Della Sua Terra” (Juan's Tale Of His Land) where the horns bring back the Middle Ages and then give way to the classic guitar/keyboard relay. Good rhythm section, refined and never intrusive. Here the Orme are more present, a fresh track to sing along to.
“Natale 1914” has a special charm, this ten-minute mini-suite alternating Banco-esque balladry (R.I.P.) with passages in Genesis mode, all built on deep and reflective lyrics accompanied by Ambra Bianchi's splendid vocals. The best comes in the finale through a centered piano note dripped over a touching guitar arpeggio, where once again Orme peeps out, thanks also to Andrea Chendi's beautiful voice. “Not Il Bergerac” continues this path with class, a dip into the mid-1970s. “Chita” has a bewitching exotic charm, as persuasive and moving as the gaze of a Mediterranean woman who has the harshness of her life carved into her eyes. Once again Ambra Bianchi's performance is excellent. Worthy finale with “Storie Perdute”, Trip vigor mixed with the most modern Prog.
I will never cease to thank and extol the exploits of bands like Limite Acque Sicure, standard-bearers of a style that among the ups and downs of notoriety seems far from wanting to put an end to its existence. Long live Italian Prog! MS

Aether

AETHER - Trans-Neptunian Objects
Luminol Records
Genere: Progressive Rock / Jazz / Ambient
Supporto: cd / Bandcamp – 2024

VIDEO RECENSIONE

Il sogno dell’uomo è sempre stato quello di poter viaggiare nello spazio e magari di incontrare nuovi pianeti abitabili con altrettante nuove forme di vita.
Questo scenario è stato il soggetto per molti libri, film e soprattutto album musicali, dove gli artisti si sono sbizzarriti a interpretare l’argomento con atmosfere più o meno eteree.
“Trans-Neptunian Object” è il nuovo album della band milanese Aether e a sua volta trae spunto da queste argomentazioni. Come descrivono le note della band, “"Trans-Nettunian Object" è un corpo celeste appartenente al sistema solare la cui orbita è interamente o in gran parte oltre quella di Nettuno, immerso nello spazio siderale come i suoni che ispirano questo lavoro.”.
Andrea Serino (pianoforte e tastiere), Andrea Ferrari (chitarre), Andrea Grumelli (basso), e Teo Ravelli (batteria ed elettronica), ritornano dopo un anno dall’ottimo esordio intitolato “Eather” e lo fanno con otto brani di musica Progressive Rock, Jazz, e Ambient contenuti nella bella copertina di Mario Coppola.
Dopo il classico preludio, il viaggio inizia tramite il primo singolo “Neptune”. L’orbita è quella di Yes e King Crimson e prende spunto dalla composizione omonima di R. Beirach. La musica disegna traiettorie lineari affidandosi alle capacità esecutive dei singoli componenti i quali mostrano un amalgama rodata.
“Magrathea” è il secondo singolo tratto dall’album. Qui le arie sono maggiormente lievi, un galleggiare nel vuoto in cui l’ascolto si perde nell’infinità dello spazio. Questa musica rilassante si avvale d’istanti ipnotici in cui le tastiere disegnano le coordinate del percorso su una ritmica mai invadente e pulita.
Si arriva a “Saturn”, in cui le note sembrano scivolare sui suoi anelli. Questa volta è la chitarra a descrivere le sensazioni, su eco di strumenti di sottofondo. Il suono caldo del basso dona profondità agli intenti.
Diverso il caso di “Ephemeris”, la ricerca cara al Progressive Rock è presente attraverso scelte che possono variare dal Jazz ai Gentle Giant passando per una robusta Psichedelia. Gli Aether s’impegnano nel farci ascoltare la musica a occhi chiusi, senza distrazioni di sorta.
“Pale Blue Dot” è onirica e tende ad estraniare l’ascoltatore dalla realtà, uno dei brani più concentrati nell’esprimere il concetto d’infinito.
Si alza il ritmo con “Amalthea”, composizione dalle influenze Jazz marcate, dentro la quale si celano richiami al passato. Le variazioni ritmiche danno la possibilità alla chitarra di esprimersi al meglio. Questo è uno dei brani che ho apprezzato maggiormente.
La chiusura spetta a “Sidus”, un lento ritorno a casa ci attende. Ancora una volta il suono riesce a descrivere la grandezza dello spazio infinito, dove una quiete surreale avvolge ogni cosa.
Non si può rimanere indifferenti avanti a un concept strumentale in cui lo spazio è al centro del tema, specialmente se è fatto con classe e cognizione di causa, tutto questo grazie alla consapevolezza dei mezzi a cui gli Aether sono giunti. Un ulteriore passo in avanti rispetto all’esordio che fa ben sperare per il proseguimento della loro carriera. Buon ascolto. MS
  

Versione Inglese:

AETHER - Trans-Neptunian Objects
Luminol Records
Genre: Progressive Rock / Jazz / Ambient
Support: cd / Bandcamp - 2024

Man's dream has always been to be able to travel into space and perhaps encounter new habitable planets with as many new life forms.
This scenario has been the subject for many books, movies and especially music albums, where artists have indulged in interpreting the topic with more or less ethereal atmospheres.
“Trans-Neptunian Object” is the new album by the Milan-based band Aether and in turn draws inspiration from these arguments. As the band's notes describe, “”Trans-Neptunian Object” is a celestial body belonging to the solar system whose orbit is entirely or largely beyond that of Neptune, immersed in sidereal space like the sounds that inspire this work”.
Andrea Serino (piano and keyboards), Andrea Ferrari (guitars), Andrea Grumelli (bass), and Teo Ravelli (drums and electronics), return after a year since their excellent debut titled “Eather” and do so with eight tracks of Progressive Rock, Jazz, and Ambient music contained in Mario Coppola's beautiful cover art.
After the classic prelude, the journey begins via the first single “Neptune”. The orbit is that of Yes and King Crimson and takes its cue from R. Beirach's composition of the same name. The music draws linear trajectories by relying on the performance skills of the individual components, who display a broken-in amalgam.
“Magrathea” is the second single taken from the album. Here the tunes are more mild, a floating in the void in which the listening is lost in the infinity of space. This soothing music makes use of hypnotic instants in which the keyboards draw the coordinates of the path over a never intrusive and clean rhythmic pattern.
This leads to “Saturn”, in which the notes seem to glide over its rings. This time it is the guitar that describes the sensations, over echoes of background instruments. The warm sound of the bass gives depth to the intents.
Different the case with “Ephemeris”, the quest dear to Progressive Rock is present through choices that can range from Jazz to Gentle Giant via a robust Psychedelia. Aether is committed to making us listen to the music with our eyes closed, with no distractions whatsoever.
“Pale Blue Dot” is dreamlike and tends to estrange the listener from reality, one of the tracks most focused on expressing the concept of infinity.
The tempo is raised with “Amalthea”, a composition with pronounced jazz influences, within which are hints of the past. The rhythmic variations give the guitar a chance to express itself to the fullest. This is one of the tracks I enjoyed the most.
Closure falls to “Sidus”, a slow homecoming awaits. Once again the sound succeeds in describing the grandeur of infinite space, where a surreal stillness envelops everything.
One cannot remain indifferent ahead of an instrumental concept in which space is at the center of the theme, especially if it is done with class and knowledge, all thanks to the awareness of the means to which Aether have come. A further step forward from the debut that bodes well for the continuation of their career. Happy listening. MS

 

Ologram

OLOGRAM – La Mia Scia
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD /Spotify / Amazon Music – 2025
 

Ho già avuto modo di apprezzare l’esordio discografico della band siciliana Ologram capitanata dal talentuoso polistrumentista e compositore Dario Giannì attraverso l’album “La Nebbia” (Autoproduzione – 2022), e ho riposto in loro buone attese per un eventuale futuro.
Giannì ha militato negli anni ‘90 nella band Progressive Rock / Metal di Siracusa chiamata Ydra, e anche Anema. “La Nebbia” ha spaziato dall’Hard Prog al Progressive Rock, fra ambientazioni grigie e aperture solari, un lavoro che consiglio di andare a rispolverare.
Oggi gli Ologram sono formati da Dario Giannì (basso), Lorenzo Giannì (chitarre), Roberto Giannì (tastiere), Fabio Speranzo (voce), e Giovanni Spadaro (batteria). Avrete notato che è un progetto praticamente creato in famiglia. Per la realizzazione di “La Mia Scia”, si avvalgono della presenza di alcuni special guest che rispondono ai nomi di Gabriele Agosta (voce), Matteo Blundo (viola, violino), e Raffaele Schiavo (voce).
Come molto spesso accade in chi propone musica Prog o Metal, l’opera inizia con un breve intro, qui intitolato “22.43” e non può che essere un movimento introspettivo, misterioso, basato su giochi di voce, alcune dalla provenienza atavica degli sciamani.
E’ il Rock di “Kasbah” ad aprire il percorso attraverso un ritmo cadenzato in modalità “Kashmir” dei Led Zeppelin per poi lasciare il palco alla formula canzone prossima al cantautorato. Schegge di PFM si possono apprezzare nel proseguimento. Ottimo il frangente conclusivo delle tastiere dal profumo vintage, gli Ologram sanno bilanciare con perizia e astuzia, il passato con il presente. La canzone, grazie alla melodia indovinata del refrain, resta scolpita nella mente.
“Luna Piena” apre con una ritmica in crescendo ben articolata e non scontata, ma la canzone è sempre dietro l’angolo, interpretata alla perfezione dalla bella voce di Fabio Speranza. Il basso di Dario Giannì è a mio modo di vedere un ottimo protagonista assieme alla chitarra elettrica finale che regala un assolo breve ma intenso. Ancora una volta la carta vincente del brano è l’inciso, martellante al punto giusto.
“Non Sarai” si presenta come una semi ballata sostenuta dal basso roboante. Gli Ologram in questo nuovo album mostrano una capacità compositiva legata alla scena classica musicale italiana davvero invidiabile. Ci pensano le fughe delle tastiere a far apparire nella mente dell’ascoltatore i Genesis di fine anni ’70 e primi ’80, e poi la solita chitarra elettrica a stupire per essenzialità d’intenti. Si alza l’asticella con “Jacaranda”, qui si evince una maggiore cura per la ricerca strutturale e lirica, dove ancora una volta la voce compie a pieno il proprio impeccabile dovere. Arpeggi di chitarra, violino, mellotron, tutti ingredienti che fanno la gioia degli estimatori del Prog italico curato e passato.
Gli Ologram entrano a piè pari nel mondo del Prog attraverso il brano strumentale “Descent” grazie all’uso del Moog e del piano Fender di Agosta, ma anche della chitarra elettrica in stile Steve Hackett e all’uso della viola e violini. Tutto questo accade senza cadere mai nel prolisso, un rispetto per il passato che dimostra la cultura musicale dei singoli componenti.
Ed è la volta della title track, un mix di cantautorato moderno e Rock anni ’80 facile da memorizzare.
Chiude “1997” con un messaggio positivo, quello di vivere la nostra vita al meglio delle possibilità. Il finale è affidato alle tastiere, e direi che sono davvero una degna conclusione.
Una menzione a parte per l’ottima incisione, i suoni risultano ben distinti e non sovrapposti. L’artwork di Vittoria Gallo è semplice e lineare, dove i caratteri dei testi sono una volta tanto ben leggibili, nero su bianco.
Non prendetemi poi per pazzo, ma come approccio alla composizione, questo nuovo “La Mia Scia” mi ha ricordato la struttura dell’album “Passpartù” della PFM. Tante emozioni, energia positiva e molto da cantare, di questi tempi è manna dal cielo. Gli Ologram confermano la promessa del 2022, sono presuntuoso se dico che me lo aspettavo? MS

  

Versione Inglese:

OLOGRAM – La Mia Scia
Self-production
Genre: Progressive Rock
Support: CD /Spotify / Amazon Music - 2025

 

I have already had the opportunity to appreciate the recording debut of the Sicilian band Ologram led by the talented multi-instrumentalist and composer Dario Giannì through the album “La Nebbia” (Self-Production - 2022), and I put good expectations in them for a possible future.
Giannì played in the 1990s in the Progressive Rock / Metal band from Syracuse called Ydra, and also Anema. “La Nebbia” ranged from Hard Prog to Progressive Rock, between gray settings and sunny openings, a work I recommend going to brush up on.
Today Ologram consists of Dario Giannì (bass), Lorenzo Giannì (guitars), Roberto Giannì (keyboards), Fabio Speranzo (vocals), and Giovanni Spadaro (drums). You may have noticed that this is a project practically created in the family. For the realization of “La Mia Scia”, they make use of the presence of some special guests who answer to the names of Gabriele Agosta (vocals), Matteo Blundo (viola, violin), and Raffaele Schiavo (vocals).
As is very often the case with those who offer Prog or Metal music, the work begins with a short intro, here titled “22.43,” and it can only be an introspective, mysterious movement, based on voice plays, some from the atavistic origin of shamans.
It is the Rock of “Kasbah” that opens the track through a cadenced rhythm in the mode of Led Zeppelin's “Kashmir” and then leaves the stage to the formula song close to songwriting. Splinters of PFM can be appreciated in the continuation. Excellent the concluding fringe of vintage-scented keyboards, Ologram know how to balance expertly and astutely, the past with the present. The song, thanks to the guessed melody of the refrain, stays engraved in the mind.
“Luna Piena” opens with a well-articulated and not obvious crescendo rhythm, but the song is always around the corner, interpreted to perfection by the beautiful voice of Fabio Speranza. Dario Giannì's bass is in my opinion an excellent protagonist together with the final electric guitar that gives a short but intense solo. Once again the song's trump card is the bridge, pounding to the right point.
“Non Sarai” comes across as a semi-ballad backed by the bombastic bass. Ologram in this new album show a compositional ability related to the Italian classical music scene that is truly enviable.
It is the keyboards' fugues that make Genesis of the late 1970s and early 1980s appear in the listener's mind, and then the usual electric guitar to impress with essentiality of intent. The bar is raised with “Jacaranda”, here a greater care for structural and lyrical research is evident, where once again the voice fully performs its impeccable duty. Guitar arpeggios, violin, mellotron, all ingredients that will delight admirers of curated and past Italic Prog.
Ologram enters the world of Prog in stride through the instrumental track “Descent” thanks to Agosta's use of Moog and Fender piano, but also Steve Hackett-style electric guitar and use of viola and violins. All this happens without ever falling into long-windedness, a respect for the past that demonstrates the musical culture of the individual members.
And it is the turn of the title track, a mix of modern songwriting and 80s Rock that is easy to memorize.
“1997” closes with a positive message of living our lives to the best of our ability. The finale is entrusted to the keyboards, and I would say they are indeed a worthy conclusion.
A separate mention for the excellent engraving, the sounds appear distinct and not overlapping. Vittoria Gallo's artwork is simple and straightforward, where the characters of the lyrics are once in a while well readable, black on white.
Don't take me for a fool then, but as an approach to composition, this new “La Mia Scia” reminded me of the structure of PFM's “Passpartù” album. Lots of emotions, positive energy and a lot to sing about, these days it's manna from heaven. Ologram confirms the promise of 2022, am I being presumptuous if I say I expected this? MS

Meer

MEER - Wheels Within Wheels
Karisma Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: cd / 2lp – 2024

VIDEO RECENSIONE

Vi giuro che non è colpa mia se negli ultimi tempi recensisco molte band del Nord Europa, ma credetemi se vi dico che esiste un flusso di band quantomeno travolgente impossibile da ignorare. Questa volta andiamo in Norvegia con la band Meer.
Iniziano la carriera nel 2008 come duo (i fratelli Johanne Margrethe e Knut) e il nome di Ted Glen Extended, ma dopo aver pubblicato nel 2012 l’omonimo ep, ampliano la formazione sino giungere a otto elementi, da qui l’esigenza di cambiare anche il logo in Meer. Oggi sono composti da Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal (voce), Knut Kippersund Nesdal (voce, tastiere), Eivind Strømstad (chitarre, cori, tastiere), Åsa Ree (violino, cori), Ingvild Nordstoga Sandvik (viola, cori), Ole Gjøstøl (pianoforte, tastiere, organo, cori), Morten Strypet (basso, cori), e Mats Fjeld Lillehaug (batteria, percussioni, cori). La base sonora di partenza nei primi ep e album, si regge su un Folk Rock Celtico per poi mutare verso un Progressive Rock orchestrato e sofisticato, questo grazie alla strumentazione di archi.
“Wheels Within Wheels” è il terzo disco in studio dopo l’ottimo “Playing House” (Karisma Records – 2021), un lavoro che ha aperto loro la porta del Prog che conta. Con questa idea di orchestra Pop alternativa, i norvegesi mutano pelle rispetto il passato disco, curando maggiormente le vocalità e gli arrangiamenti. Undici i brani contenuti che trattano la complessità delle interazioni umane, messe alla dura prova dalle criticità di questo cruciale periodo storico fra guerre, odio e lotte per il potere.
L’ora di musica inizia con “Chains Of Changes”, una sorta di lungo intro in cui il piano si avventura in partiture delicate per poi lasciare spazio all’intervento delle successive strumentazioni, in questi sei minuti c’è già l’essenza dell’anima Meer. Bella la voce di Johanne Nesdal che riesce a immergere l’ascoltatore in atmosfere care al mondo Canterburyano.
La profondità dei suoni donano all’ascolto un fascino antico.
In questa musica c’è una ricerca accurata per le melodie, non solo tecnica fine a se stessa ma attenzione per un refrain da godere a pieno. Basso e batteria aprono “Behave”, una canzone che ha tutte le caratteristiche di un brano prettamente nordico sfoggiante atmosfere malinconiche, qui rese leggiadre soltanto dal fischio che accompagna il movimento.
“Take Me To The River” ha una delicatezza che travalica nella Psichedelia , mentre la seconda parte nel Folk. Da questo istante in poi l’album incredibilmente cresce in qualità, come se quanto proposto sino ad ora fosse stato semplicemente nella norma. “Come To Light” è una ballata in cui si esalta tutto l’amore per la vita. Per la riuscita i Meer usano tutta la loro classe in vocalità. Il singolo porta il titolo di “Golden Circle”, il classico pezzo che cattura per ritmica e intensità, qui la band si approccia al mondo del Pop. Ritorna la malinconia in “To What End?” con una splendida interpretazione vocale maschile/femminile. Ed è la volta di un brano che potrei accostare al termine capolavoro, “Today Tonight Tomorrow”, celestiale ed elegante in tutti i passaggi, sia tastieristici che orchestrali. La pianistica “World Of Wonder” fa da interludio a “Mother”, esaltazione per il faro illuminante della nostra esistenza, colei che ci ha tenuto in grembo per nove mesi: la mamma. Le arie fiabesche c’immergono nuovamente dentro l’utero. Per concludere due pezzi che sono clamorosi e che sfoggiano tutto l’armamentario Meer, “Something In The Water” e “This Is The End”.
“Wheels Within Wheels” è un album brillante che non può mancare nella vostra collezione, e scusatemi se questa volta mi azzardo a pronunciare l’aggettivo “capolavoro”, che tuttavia mi resta difficile perché è davvero tanto tempo che non lo uso. Fatto. MS

Versione Inglese:

MEER - Wheels Within Wheels
Karisma Records
Genre: Crossover Prog
Support: cd / 2lp - 2024

I swear it is not my fault that I review a lot of bands from Northern Europe lately, but believe me when I say that there is a stream of at least overwhelming bands impossible to ignore. This time we go to Norway with the band Meer.
They started their career in 2008 as a duo (siblings Johanne Margrethe and Knut) and the name Ted Glen Extended, but after releasing their ep of the same name in 2012, they expanded the lineup until they reached eight members, hence the need to change the logo to Meer as well. Today they consist of Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal (vocals), Knut Kippersund Nesdal (vocals, keyboards), Eivind Strømstad (guitars, backing vocals, keyboards), Åsa Ree (violin, backing vocals), Ingvild Nordstoga Sandvik (viola, backing vocals), Ole Gjøstøl (piano, keyboards, organ, backing vocals), Morten Strypet (bass, backing vocals), and Mats Fjeld Lillehaug (drums, percussion, backing vocals). The starting sound base in the first ep and album, stands on a Celtic Folk Rock and then mutates to an orchestrated and sophisticated Progressive Rock, this thanks to the string instrumentation.
“Wheels Within Wheels” is the third studio record after the excellent ‘Playing House’ (Karisma Records - 2021), a work that opened the door to Prog that matters to them. With this idea of an alternative Pop orchestra, the Norwegians change their skin from the past record, paying more attention to vocals and arrangements. Eleven tracks are contained that deal with the complexity of human interactions, tested by the critical issues of this crucial historical period between wars, hatred and power struggles.
The hour of music begins with “Chains Of Changes”, a kind of long intro in which the piano ventures into delicate scores and then gives way to the intervention of the subsequent instrumentation; in these six minutes there is already the essence of Meer Soul. Beautiful is Johanne Nesdal's voice that manages to immerse the listener in atmospheres dear to the Canterbury world.
The depth of the sounds give the listening an ancient charm.
There is a careful search for melodies in this music, not just technique for its own sake but attention to a refrain to be fully enjoyed. Bass guitar and drums open “Behave”, a song that has all the hallmarks of a purely Nordic tune sporting melancholy atmospheres, here made graceful only by the whistle that accompanies the movement.
“Take Me To The River” has a delicacy that transcends into Psychedelia , while the second part into Folk. From this instant on, the album incredibly grows in quality, as if what has been offered so far had simply been in the norm. “Come To Light” is a ballad in which all the love of life is extolled. For the success Meer uses all their class in vocals. The single bears the title “Golden Circle”, the classic piece that captures by rhythm and intensity, here the band approaches the world of Pop. Melancholy returns in “To What End?” with a wonderful male/female vocal interpretation. And it's the turn of a song that I could approach the term masterpiece, “Today Tonight Tomorrow”, heavenly and elegant in all passages, both keyboard and orchestral. The pianistic “World Of Wonder” serves as an interlude to “Mother”, exaltation for the illuminating beacon of our existence, the one who held us in her womb for nine months: mother. Fairy-tale tunes plunge us back inside the womb. To conclude two pieces that are resounding and sport all the Meer paraphernalia, “Something In The Water” and “This Is The End”.
“Wheels Within Wheels” is a brilliant album that cannot be missed in your collection, and forgive me if this time I venture to utter the adjective ‘masterpiece’, which, however, remains difficult for me because it's really been a long time since I've used it. Check. MS

Eveline's Dust

EVELINE’S DUST – Eveline’s Dust
Ma.Ra.Cash Records / Lizard Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd – 2025

VIDEO RECENSIONE

Per mio criterio di vedute, ho sempre apprezzato gli artisti non forzatamente prolissi, ossia coloro che hanno realizzato un disco soltanto quando hanno avuto qualcosa da dire. Generalmente così si limita la fastidiosa staffetta fra brani apprezzabili e altri di riempimento. Ovviamente non per tutti è così, ma se si dedica più tempo e cura al materiale, spesso si esce fuori con un lavoro decisamente più completo. Questo mi è sembrato di percepire nella maggior parte dei casi in cui mi sono imbattuto in un disco quantomeno ottimo.
Dico questo perché i pisani Eveline’s Dust ritornano all’attenzione del pubblico dopo cinque anni da “K.” con un disco che mi ha convinto e fatto passare quasi quaranta minuti immerso in un contesto Post Prog con molteplici richiami al sound moderno. Il disco è anticipato da tre singoli datati 2024, “Eveline”, “Returning Somewhere”, e “Here There Nowhere”.
Il passato Prog è nel DNA della band, ma viene rivisitato con le nuove influenze dettate da gruppi come Porcupine Tree e Riverside su tutte.
Nicola Pedreschi (tastiere, voce), Lorenzo Gherarducci (chitarre), Angelo Carmignani (batteria), e Marco Carloni (basso), compongono otto canzoni che risultano immediate, senza troppi orpelli, scremando tutto ciò che è superfluo per andare a favore dell’emozione immediata, i brani infatti raramente superano i quattro minuti, escluso “Returning Somewhere” che ne supera i sette.
La voce femminile nel brano “Void” è quella dell’ospite Lara Billie Moretto.
Ogni pezzo narra una storia a se, una sorta di album fotografico di noi che viviamo su questo pianeta, fra viaggi intrapresi analizzati in partenze e arrivi.
I riff della chitarra sono un punto di forza della musica proposta, ma attenzione anche alla ritmica infarcita da piccoli particolari che fanno del movimento una canzone non necessariamente scontata o banale. “Rising 2” ci pone avanti a questo modus operandi, e non c’è da stupirsi se a metà del motivo ci s’imbatte nel sound Opeth.
A questo punto giunge il trittico di singoli, “Eveline”, “Here There Nowhere” e “Returning Somewhere”, il primo è decisamente Porcupine Tree style periodo “In Absentia”, il secondo gioca con le atmosfere eteree, campo in cui la band sembra trovarsi perfettamente a proprio agio. Piccole varianti verso un sound più duro giungono nella metà del brano sostenuto da una bellissima sezione ritmica. Il terzo inizia con il vociferare di persone per poi lasciare il campo a un mid tempo in cui la chitarra sciolina un arpeggio semplice e diretto. Il brano è alquanto intimistico, con aperture sonore dall’ampio respiro. La melodia è affascinante, così l’assolo di chitarra.
Una chitarra arpeggiata apre “Grace The Sound” duettando con il piano in un contesto delicato, dove il passato sembra voler fare prepotentemente capolino.
Non manca nemmeno l’elettronica che apre “Crawl”, qui l’essenzialità è al massimo del suo potenziale, ma è nel proseguimento che il ritmo subentra assieme alla chitarra elettrica per donare incisività all’insieme. Buono anche l’assolo delle tastiere.
“Void” ha un fascino particolare, dettato dal cantato a due voci infarcito da controcanto. Le melodie hanno sostanzialmente a carico un velo malinconico in senso generale.
Si chiude attraverso la ritmata “Better Lie Bitter Life”, vetrina per il basso di Carloni. Qui sono i King Crimson di “Elephant Talk” a dare le coordinate del cammino.
“Eveline’s Dust” è questo, un insieme di buonissime tracce su cui soffermarsi a pensare, e soprattutto consiglio l’ascolto senza pregiudizi di sorta, basta soltanto lasciarsi trasportare. MS 

Versione Inglese:

EVELINE'S DUST - Eveline's Dust
Ma.Ra.Cash Records / Lizard Records
Genre: Modern Post Prog
Support: cd - 2025

By my own criterion of view, I have always appreciated artists who are not forcibly verbose, that is, those who made a record only when they had something to say. Generally this limits the annoying relay between appreciable and other filler tracks. Obviously, this is not the case for everyone, but if one devotes more time and care to the material, one often comes out with a decidedly more complete work. This I have felt in most cases where I have come across at least an excellent record.
I say this because the Pisans Eveline's Dust return to the public's attention after five years since “K.” with a record that convinced me and made me spend almost forty minutes immersed in a Post Prog context with multiple references to the modern sound. The record is anticipated by three singles dated 2024, “Eveline”, “Returning Somewhere”, and “Here There Nowhere”.
The Prog past is in the band's DNA, but it is revisited with new influences dictated by bands such as Porcupine Tree and Riverside above all.
Nicola Pedreschi (keyboards, vocals), Lorenzo Gherarducci (guitars), Angelo Carmignani (drums), and Marco Carloni (bass), compose eight songs that are immediate, without too many frills, skimming everything superfluous to go in favor of immediate emotion, the songs in fact rarely exceed four minutes, excluding “Returning Somewhere”, which exceeds seven.
The female vocalist on the track “Void” is guest Lara Billie Moretto.
Each piece tells its own story, a kind of photo album of us living on this planet, between journeys taken analyzed in departures and arrivals.
The guitar riffs are a strong point of the music on offer, but also pay attention to the rhythmics infused with small details that make the movement a song that is not necessarily predictable or trite. “Rising 2” puts us ahead of this modus operandi, and it is no surprise that halfway through the tune we come across the Opeth sound.
At this point comes the triptych of singles, “Eveline”, “Here There Nowhere”, and “Returning Somewhere”, the former being decidedly Porcupine Tree style from the “In Absentia” period, the latter playing with ethereal atmospheres, a field in which the band seems to be perfectly at home. Small variations toward a harder sound come in the middle of the song supported by a beautiful rhythm section. The third begins with the vociferation of people and then gives way to a mid tempo in which the guitar waxes a simple and direct arpeggio.
The song is somewhat intimate, with wide-ranging sound openings. The melody is charming, so is the guitar solo.
An arpeggiated guitar opens “Grace The Sound”, duetting with the piano in a delicate context, where the past seems to want to peep overbearingly.
There is also no lack of electronics opening “Crawl”, here the essentiality is at its best, but it is in the continuation that the rhythm takes over along with the electric guitar to give incisiveness to the whole. The keyboard solo is also good.
“Void” has a special charm, dictated by the two-voice singing infused with backing vocals. The melodies basically bear a melancholic veil in a general sense.
It closes through the rhythmic “Better Lie Bitter Life”, a showcase for Carloni's bass. Here it is the King Crimson of “Elephant Talk” that gives the coordinates of the path.
“Eveline's Dust” is this, a set of very good tracks to dwell on and think about, and most of all I recommend listening without prejudice of any kind, you just have to let yourself be carried away. MS

Diego Banchero Trio

DIEGO BANCHERO TRIO - Gathered Lectures From A Lifetime
Nadir
Genere: Dark / Jazz / Funky
Supporto: Bandcamp / cd – 2025

La scena musicale genovese è ricca di artisti dediti sia al Pop che al Rock, soprattutto in ambito Rock Progressivo. Negli anni ’70 come non citare i New Trolls e l’immenso lavoro produttivo di Vittorio De Scalzi e Nico Di Palo, e poi i Latte E Miele piuttosto che Nuova Idea, Osage Tribe (sotto la supervisione di Franco Battiato), Picchio Dal Pozzo, Duello Madre, Delirium, Garybaldi, Ibis, J.E.T. e molti altri. Oggi il Ballo Delle Castagne, Il Tempio Delle Clessidre, Melting Clock, Il Cerchio D’Oro etc. Poi anche il genere Dark è ben rappresentato da gruppi come Malombra, Il Segno Del Comando, e così via. Questi ultimi hanno come comune denominatore il talentuoso compositore, insegnante e bassista Diego Banchero.
Banchero (fondatore di Malombra e Zess) oggi ha un nuovo progetto in formazione trio, nel quale esprime una musicalità a tutto tondo, fra Jazz, Funky, Dark e molto altro ancora.
Assieme a lui suonano compagni di viaggio de Il Segno Del Comando, Roberto Lucanato alle chitarre e Fernando Cherchi alla batteria.
Il disco composto di dodici brani, è un contenitore di pezzi provenienti da differenti collaborazioni nel tempo, dalla discografia de Il Segno Del Comando (“Macabro Suite”, “Le 4 A”, “Metamorfosi”, “Messaggero Di Pietra” e “Magia Postuma”), a “Vestale” eseguita con la band Egida Aurea, e “Il Viaggio”, dal repertorio de Il Ballo Delle Castagne. Non esulano neppure brani inediti in questo percorso che mostra tutte le doti esecutive e compositive dell’artista ligure.
Immediatamente apprezzabile “Looking For The Pusher” nella quale si evincono le citate influenze stilistiche del bassista. Da rimarcare che durante la sua crescita artistica ci sono stati passaggi anche nell’Heavy Rock, nella musica prettamente cinematografica, il cantautorato e la fusion.
“Macabro Suite” è uno strumentale che potrebbe far parte di una colonna sonora di una sigla televisiva, con spunti anni ’70. La chitarra protagonista è impegnata in tutto il percorso in un protagonismo equilibrato e coinvolgente. Una parte Heavy Dark è affidata a “Le 4 A”, mentre “Vestale” è riflessiva oltre che delicata nell’andamento. Vetrina per le doti balistiche di Banchero è “One Winter Night”, qui il basso si esprime in tutta la sua eleganza. Il Rock di “Metamorfosi” lascia intravedere le basi Blues di questa musica per poi passare a “Il Viaggio”, fra Funky, Jazz e Rock. Ricercata “Bloody Sunset”, sognante e al confine con la Psichedelia. Fra i movimenti più interessanti troviamo “Magia Postuma”, sunto di quanto descritto del carattere sonoro del trio.
“Messaggiero Di Pietra” riporta nuovamente alle atmosfere velate del Dark anni ’70, ancora una volta dalle vesti cinematografiche. Sale il ritmo attraverso “Polizei Blues” dove l’intesa fra i tre elementi risulta perfettamente amalgamata e oliata.
La chiusura spetta alla delicata “Samba For A Butterfly”, altra composizione per il basso.
Questa realizzazione, mette alla prova l’apertura mentale di un ascoltatore nel quale si vede coinvolto in differenti stili sonori che in alcuni momenti potrebbero risultare incompatibili, ma chi ha seguito la carriera di questo grande musicista sicuramente troverà piacevole. Da avere!
“Gathered Lectures From A Lifetime” è stampato in CD nel numero di 200 duecento copie
La produzione è affidata alla Tricephale Independent Production. MS
 
Per info e ordine scrivere all’indirizzo E-mail diegobanchero@alice.it.

Versione Inglese:

DIEGO BANCHERO TRIO - Gathered Lectures From A Lifetime
Nadir
Genre: Dark / Jazz / Funky
Support: bandcamp / cd - 2025

The Genoese music scene is full of artists devoted to both Pop and Rock, especially in the Progressive Rock sphere. In the 1970s how could we not mention the New Trolls and the immense production work of Vittorio De Scalzi and Nico Di Palo, and then the Latte E Miele rather than Nuova Idea, Osage Tribe (under the supervision of Franco Battiato), Picchio Dal Pozzo, Duello Madre, Delirium, Garybaldi, Ibis, J.E.T. and many others. Today the Chestnut Dance, The Temple Of Hourglasses, Melting Clock, The Golden Circle etc. Then also the Dark genre is well represented by groups such as Malombra, The Sign Of Command, and so on. The latter have as their common denominator the talented composer, teacher and bassist Diego Banchero.
Banchero (founder of Malombra and Zess) now has a new project in trio formation, in which he expresses a well-rounded musicality, between Jazz, Funky, Dark and more.
Playing with him are fellow travelers from Il Segno Del Comando, Roberto Lucanato on guitars and Fernando Cherchi on drums.
The disc composed of twelve tracks, is a container of pieces from different collaborations over time, from the discography of Il Segno Del Comando (“Macabro Suite”, “Le 4 A “Metamorfosi”, “Messaggero Di Pietra”, and “Magia Postuma”), to “Vestale” performed with the band Egida Aurea, and “Il Viaggio”, from the repertoire of Il Ballo Delle Castagne. There are also no unreleased tracks in this journey that shows all the performing and compositional skills of the Ligurian artist.
Immediately appreciable is “Looking For The Pusher” in which the aforementioned stylistic influences of the bassist are evident. It should be noted that during his artistic growth there were also passages in heavy rock, purely film music, songwriting and fusion.
“Macabro Suite” is an instrumental that could be part of a TV theme song soundtrack, with 70s cues. The lead guitar is engaged throughout in a balanced and engaging protagonism. A Heavy Dark part is given to “Le 4 A”, while “Vestale” is reflective as well as delicate in its progression. Showcase for Banchero's ballistic talents is “One Winter Night,” here the bass is expressed in all its elegance.
The Rock of “Metamorfosi” gives a glimpse of the Blues basis of this music and then moves on to “Il Viaggio”, between Funky, Jazz and Rock. Searched “Bloody Sunset”, dreamy and bordering on Psychedelia. Among the most interesting movements we find “Magia Postuma”, a summary of what has been described of the trio's sonic character.
“Messaggiero Di Pietra” takes us back to the veiled atmospheres of 70s Dark, once again with cinematic guises. The pace rises through “Polizei Blues” where the chemistry between the three elements is perfectly blended and oiled.
Closure falls to the delicate “Samba For A Butterfly”, another bass composition.
This realization, tests the open-mindedness of a listener in which he or she becomes involved in different sound styles that at some moments might be incompatible, but those who have followed the career of this great musician will surely find it enjoyable. Must-have!
“Gathered Lectures From A Lifetime” is pressed on CD in the number of 200 two hundred copies.
It is produced by Tricephale Independent Production. MS
 
For info and order write to E-mail diegobanchero@alice.it.

Corde Oblique

CORDE OBLIQUE - Cries And Whispers
The Stones Of Naples
Genere: Post Metal / Folkgaze / Dark / Ethnofolk
Supporto: cd / Bandcamp – 2025

Il chitarrista di Pozzuoli Riccardo Prencipe è l’ideatore del progetto Corde Oblique. Il nome di certo è già noto a molti di voi perché realizzatore di ben otto album in studio molto apprezzati da critica e pubblico, e non soltanto qui in Italia ma anche in Europa e Cina. Corde Oblique nascono nel 2005 come lavoro solista, tuttavia nel tempo l’artista si è sempre saputo circondare di numerosi special guest. Secondo la descrizione dello stesso Prencipe, “Corde Oblique s’ispira alle antiche arti visive italiane, non ai Michelangelo, intendiamoci, ma a quelle non celebrate.”. Di base propone un Prog Folk che nel tempo si arricchisce di altre sonorità e contaminazioni, sino a giungere ai giorni nostri in un mix fra Post Metal, Folk-Gaze, Dark, Ambient, ed Ethnofolk.
Molta la cura impegnata nelle atmosfere malinconiche sostenute generalmente da belle voci femminili in uno stile che potrebbe essere accostato in certi frangenti a quello dei Anathema.
Lontane le sonorità del primo album, o per meglio dire, evolute. Prencipe imbraccia la sua chitarra elettrica e ne fa un uso maggiore portando avanti un album che viene suddiviso in due capitoli, “Vol.1 Cries” formato da sei canzoni, e “Vol.2 Whispers” di altrettante. Nel primo si possono apprezzare stili come il Post Metal e il Folk-Gaze, nel secondo si pone maggiore spazio al Dark Folk.
Il titolo “Cries And Whispers” è un omaggio a ”Sussurri E Grida” di Ingmar Bergman, un dramma domestico dove tutta la casa, compresi le suppellettili, sono di colore rosso, le stesse tonalità riprese dal pluri premiato artista indonesiano Hardijanto Budiman per la copertina del disco.
Il primo capitolo viene aperto da “The Nightingale And The Rose”, una composizione inizialmente eterea in Anathema style, ed è impreziosita dalla voce di Rita Saviano oltre che dal violino di Edo Notarloberti. L’incedere mi riporta agli anni ’90 quando i My Dying Bride allegavano lo strumento nel Metal.
Toccante “Leaver”, leggiadra come la donna che danza in copertina. Il percorso intrapreso dai fratelli Cavanagh è nuovamente imboccato. Resto profondamente colpito dalla bellezza di “John Ruskin”, canzone curata nei minimi particolari attraverso l’elettronica, echi vocali, ritmica sinuosa, cambi umorali, e altro ancora per uno dei momenti più “progressivi” dell’album. “The Father Child” è una ballata in cui la chitarra fa uso del delay, in pratica una tela dai color pastello.
“A Step To Lose The Balance” è il brano più significativo del primo volume, prossimo al Post Metal, perché in esso si può apprezzare al meglio la ricerca di uno stile differente dalle proprie corde. La narrazione di Maddalena Crippa immerge l’ascoltatore nella pianistica e Psichedelica “Christmas Carol”, prosa in musica.
Il volume 2 si apre con “Bruegel's Dance” e il Folk si palesa in tutta la sua gloriosa malinconia attraverso strumentazioni come il violino, la chitarra acustica e la mandola di Daniele La Torre. La breve danza conduce a “Eleusa Consumpta” (Ethereal Folk) dove l’interpretazione sentita della cantante bulgara Denitza Seraphim trascina l’ascolto verso antiche lande mediterranee.
C’è spazio anche per una cover, quella della band Alcest intitolata “Souvenirs D’Un Autre Monde”, sofficemente delicata in tutte le sfaccettature che la compongono grazie alla chitarra acustica e ai violini.
“Tango Di Gaeta”, cantata in italiano da Caterina Pontrandolfo è maggiormente prossima alla formula canzone, e mantiene inalterata l’atmosfera di base malinconica.
“Selfish Giant” più che una ballata è una ninna nanna, per il ritorno al microfono di Rita Saviano. L’album si conclude con “Gnossienne N.1”, una dedica al chitarrista spagnolo Francisco Tarrega, fra i maggiori esponenti della chitarra classica europea, vetrina per le qualità tecniche di Riccardo Prencipe.
“Cries And Whispers” è un lavoro profondo, da centellinare come un buon Whisky, dove l’invecchiamento ha la sua valenza, non a caso in venti anni i Corde Oblique hanno raggiunto sapori sopraffini. MS 

Versione Inglese:

CORDE OBLIQUE - Cries And Whispers.
The Stones Of Naples
Genre: Post Metal / Folkgaze / Dark / Ethnofolk
Support: cd / Bandcamp - 2025

Pozzuoli guitarist Riccardo Prencipe is the creator of the project Corde Oblique. The name is certainly already known to many of you because he is the creator of no less than eight studio albums highly appreciated by critics and audiences, and not only here in Italy but also in Europe and China. Corde Oblique was born in 2005 as a solo work, yet over time the artist has always managed to surround himself with numerous special guests. According to Prencipe's own description, “Corde Oblique is inspired by the ancient Italian visual arts, not by Michelangelo, mind you, but by the unsung ones”. Basically it proposes a Prog Folk that over time is enriched by other sounds and contaminations, until reaching the present day in a mix of Post Metal, Folk-Gaze, Dark, Ambient, and Ethnofolk.
Much care is taken in the melancholic atmospheres generally supported by beautiful female vocals in a style that could be approached at certain junctures to that of Anathema.
Far from the sounds of the first album, or rather, evolved. Prencipe harnesses his electric guitar and makes more use of it bringing forth an album that is divided into two chapters, “Vol.1 Cries” consisting of six songs, and “Vol.2 Whispers” of as many.
In the former we can appreciate styles such as Post Metal and Folk-Gaze, in the latter there is more emphasis on Dark Folk.
The title “Cries And Whispers” is an homage to Ingmar Bergman's “Whispers And Whispers”, a domestic drama where the whole house, including the furnishings, are red, the same hues taken up by award-winning Indonesian artist Hardijanto Budiman for the album cover.
The first chapter is opened by “The Nightingale And The Rose”, an initially ethereal composition in Anathema style, and is graced by Rita Saviano's voice as well as Edo Notarloberti's violin. The opening takes me back to the 1990s when My Dying Bride attached the instrument in metal.
Touching “Leaver”, as graceful as the woman dancing on the cover. The path taken by the Cavanagh brothers is once again set. I am deeply impressed by the beauty of “John Ruskin”, a song that has been curated to the smallest detail through electronics, vocal echoes, meandering rhythm, mood changes, and more for one of the album's most “progressive” moments. “The Father Child” is a ballad in which the guitar makes use of delay, basically a pastel-colored canvas.
“A Step To Lose The Balance” is the most significant track in the first volume, close to Post Metal, because in it one can best appreciate the search for a style different from one's own strings. Maddalena Crippa's narration immerses the listener in the pianistic and psychedelic “Christmas Carol”, prose in music.
Volume 2 opens with “Bruegel's Dance” and Folk is revealed in all its glorious melancholy through instrumentation such as violin, acoustic guitar and Daniele La Torre's mandola. The short dance leads to “Eleusa Consumpta” (Ethereal Folk) where the heartfelt interpretation of Bulgarian singer Denitza Seraphim draws the listener into ancient Mediterranean moors.
There is also room for a cover, that of the band Alcest entitled “Souvenirs D'Un Autre Monde”, softly delicate in all its facets thanks to acoustic guitar and violins.
“Tango Di Gaeta”, sung in Italian by Caterina Pontrandolfo is closer to the formula song, and keeps the basic melancholic atmosphere intact.
“Selfish Giant” more than a ballad is a lullaby, for Rita Saviano's return to the microphone. The album ends with “Gnossienne No. 1”, a dedication to Spanish guitarist Francisco Tarrega, among the greatest exponents of European classical guitar, a showcase for Riccardo Prencipe's technical qualities.
“Cries And Whispers” is a profound work, to be sipped like a good Whisky, where aging has its value, no coincidence that in twenty years Corde Oblique have achieved superfine flavors. MS