Mobili Trignani

MOBILI TRIGNANI - Webinar
Music Force / Egea Music
Genere: Cantautore – Pop – Folk
Supporto: cd – 2024

Noi italiani ci sappiamo distinguere in ambito cantautorale per i testi generalmente mai banali. Basti pensare ai grandi nomi del passato per averne una conferma, ma anche le nuove leve sanno farsi rispettare. C’è chi si getta anima e corpo nel pop impegnato e chi invece predilige i testi ironici ricchi di doppi sensi, come nel caso del duo Fabrizio Trignani e Nicola Modesti, in arte Mobili Trignani. Il nome deriva dall’attività di famiglia di Fabrizio che in passato si adoperava proprio della vendita dei mobili.
Non stiamo parlando di un progetto sconosciuto, anzi, i Mobili Trignani dal 2016 ne hanno percorsa di strada fra dischi in studio, live e audizioni. Tre sono gli album e numerosi i singoli editi nel corso della loro carriera che li vede aprire concerti a band come Marlene Kunz, Tricarico, Pan Del Diavolo, Truppi e molti altri.
Ancora fresco l’ascolto del precedente “PopArticolare” (2022 – Music Force), un disco che ha colpito nel segno per freschezza, semplicità e… Ironia, il leitmotiv trainante.  La musica ha molteplici scopi nella vita, uno dei tanti è quello di far cantare e divertire, questo il duo di Arsita (TE) l’ha ben chiaro in mente. Simpatica la copertina che ritrae i due strumentisti in una seduta psichiatrica, ciò lascia presagire lo stile di vita in cui si aggirano, soprattutto l’approccio alla musica. Dentro l’edizione cartonata dell’album c’è il libretto con i testi finalmente scritti comprensibili nero su bianco, particolare non da poco in quanto generalmente le parole sono soffocate dalle fotografie o da disegni di sorta, anche questo fa comprendere la volontà di far comprendere i testi all’acquirente, tutti segnali che hanno un unico filo conduttore, l’impegno di essere diretti. Il progetto grafico è a cura di Alessio Anthony, mentre le foto sono di Gaia Di Loreto.
Tredici le canzoni registrate allo studio Mobile di Cassetta Records da Paul BraNeagade.
Già arguto e tagliente l’intro “Compra Mobili Trignani”, un elenco di annunci sopra un ritmo Punk, i giochi sono aperti e proseguono nel reggae di “Webinar”. Il ritornello dice tutto: “Insegnava nei corsi per non farsi fregar da chi vendeva i corsi. Concorsi e Webinar”. Nuovamente solare in un’onda di calipso la successiva “Razza”, difficile resistere al ritmo e all’ennesimo ritornello sagace. La voce non è la stessa ovviamente, ma se questa canzone fosse stata nella discografia di Rino Gaetano non ci sarebbe stato nulla di male. In “Comete” invece l’approccio è differente, vicino al mondo di Alex Britti. Di nuovo cambio di stile con “Cover”, un tributo al cantautorato antico su una base che sarebbe perfetta colonna sonora per una serata alle giostre. Trascinante e divertente, è altresì perfetta per una riuscita eccellente in una serata live.
I Mobili Trignani ne hanno per tutti, anche per la “Tim”, un sunto sull’inefficienza del servizio in casi importanti, capitato mai? La cura per la ricerca di un motivo ruffiano è tangibile in ogni pezzo, e credetemi se vi dico che non è assolutamente semplice trovare il giusto leitmotiv, questa è la caratteristica principale del duo, capace di farti comunque cantare in qualche modo. “Mi Perdo In Giro” ne è un altro esempio, comunque molto curato anche nelle coralità. Un arpeggio di chitarra introduce il momento più impegnato dell’album intitolato “Fragile”, canzone che ci fa ciondolare assieme al ritmo durante l’ascolto. Gli arrangiamenti di sottofondo sono più che indovinati, incastonati nel mondo della psichedelia. Una delle tracce più impegnate s’intitola “Pasolini”, dove all’interno Carmine Valentino Mosesso recita la poesia tratta da “La Terza Geografia”. Sale il ritmo elettronico nella gioiosa “Acqua Alla Gola”, almeno nel ritmo, perché il testo è un’amara considerazione societaria. “Nin Mi Dice Core” è liberamente tratta da “Questa E’” di Gino Bucci, prossimo all’andamento de “La Mia Banda Suona Il Rock” di Ivano Fossati. Altra messa a fuoco su un problema prettamente italico è “Triage”, amara considerazione finale dove la dottoressa in ospedale sentenzia “Giovanotto può essere tutto come può essere niente”. La chiusura spetta a “2 Senza Te” con suggestioni di chitarra per mano di Edoardo Di Massimo e Paolo Valente.
I Mobili Trignani sono in netta crescita compositiva, denoto una maggiore cura nei suoni oltre che nei testi e nelle melodie facili da memorizzare. Ho apprezzato molto anche il numero di generi musicali trattati, questo fa sì che l’ascolto proceda in maniera fluida senza importanti stop emotivi. Un disco da avere per godere di spensieratezza ma attenzione, perché dietro c’è riflessione, magari scaturita proprio da una seduta di psicanalisi. Geniali.  MS

Versione Inglese:

MOBILI TRIGNANI - Webinar
Music Force / Aegean Music
Genre: Songwriter - Pop - Folk
Support: cd - 2024

We Italians know how to distinguish ourselves in songwriting for lyrics that are generally never banal. One only has to think of the great names of the past to confirm this, but even the new generation knows how to make themselves respected. There are those who throw themselves heart and soul into committed pop and those who prefer ironic lyrics full of double entendres, as in the case of the duo Fabrizio Trignani and Nicola Modesti, aka Trignani Furniture. The name derives from Fabrizio's family business, which in the past dealt precisely with the sale of furniture.
We are not talking about an unknown project, on the contrary, Mobili Trignani since 2016 have come a long way between studio records, live performances and auditions. Three are the albums and numerous singles released in the course of their career that sees them open concerts for bands such as Marlene Kunz, Tricarico, Pan Del Diavolo, Truppi and many others.
Still fresh listening to the previous “PopArticolare” (2022 - Music Force), a record that hit the mark for freshness, simplicity and... Irony, the driving leitmotif. 
.  Music has multiple purposes in life, one of them being to make people sing and have fun, this the duo from Arsita (TE) has clearly in mind. Cute cover depicting the two instrumentalists in a psychiatric session, this hints at the lifestyle in which they roam, especially their approach to music. Inside the hardback edition of the album is the booklet with the lyrics finally written comprehensible in black on white, no small detail since generally the words are smothered by photographs or drawings of some sort, this also hints at the buyer's desire to make the lyrics comprehensible, all of which have one common thread, the commitment to be direct. The graphic design is by Alessio Anthony, while the photos are by Gaia Di Loreto.
Thirteen songs recorded at Cassetta Records' Mobile studio by Paul BraNeagade.
Already witty and edgy the intro “Compra Mobili Trignani”, a list of ads over a Punk beat, the games are wide open and continue in the reggae of “Webinar”. The refrain says it all: “He taught courses so he wouldn't get ripped off by people selling courses. Contests and Webinars”.
Sunny again in a calypso wave is the next “Razza”, hard to resist the rhythm and yet another sagacious refrain. The voice is not the same of course, but if this song had been in Rino Gaetano's discography there would have been nothing wrong with it. In “Comete”, however, the approach is different, close to the world of Alex Britti. Again there is a change of style with “Cover”, a tribute to early songwriting over a base that would be perfect soundtrack for an evening at the merry-go-round. Upbeat and fun, it is also perfect for excellent success on a live evening.
Trignani Furniture has something for everyone, including “Tim”, a summary of the inefficiency of service in important cases, ever happen? The care in the search for a pandering motif is tangible in every song, and believe me when I tell you that it is by no means easy to find the right leitmotif, this is the duo's main characteristic, capable of making you sing along somehow anyway. “Mi Perdo In Giro” is another example of this, however, also very polished in the choruses. A guitar arpeggio introduces the album's busiest moment titled “Fragile”, a song that makes us sway along with the beat while listening. The background arrangements are more than guessed at, set in the world of psychedelia. One of the most committed tracks is titled “Pasolini”, where inside Carmine Valentino Mosesso recites the poem from “La Terza Geografia”.
The electronic beat goes up in the joyful “Acqua Alla Gola”, at least in the rhythm, because the lyrics are a bitter societal consideration. “Nin Mi Dice Core“ is loosely taken from Gino Bucci's ‘Questa E’”, close to the trend of Ivano Fossati's “La Mia Banda Suona Il Rock”. Another focus on a distinctly Italian problem is “Triage”, a bitter final consideration where the doctor in the hospital sentences “Giovanotto can be everything as he can be nothing”. Closing is “2 Senza Te” with guitar suggestions at the hands of Edoardo Di Massimo and Paolo Valente.
Trignani Furniture are clearly on the rise compositionally, denoting greater care in sounds as well as lyrics and melodies that are easy to memorize. I also really appreciated the number of musical genres covered, this makes the listening proceed smoothly without major emotional stops. A record to have to enjoy lightheartedness but beware, because there is reflection behind it, perhaps arising precisely from a psychoanalysis session. Brilliant.  MS

 

Prowlers

PROWLERS – Orchidea
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Digital / cd / lp - 2024

Fra le band più importanti della nuova scena Progressiva italiana vanno annoverati i Prowlers del tastierista Alfio Costa.
Ne è passata d’acqua sotto i ponti dall’esordio “Morgana” del 1994, e con sei album in studio e un live, oggi i bergamaschi ritornano con “Orchidea” dopo numerose vicissitudini e defezioni. L’esperienza annosa che vede iniziare nel 1985, porta la band a realizzare nel tempo un crescendo qualitativo enorme, conquistando il pubblico e la critica disco dopo disco.  Nel 1998 subiscono un temporaneo stop per poi riformarsi nel 2010.
Le prime idee su “Orchidea” sono abbozzate nel 2018, ma sappiamo bene cosa è poi accaduto, fra pandemie, guerre (purtroppo ancora in atto) e quant’altro. Come se non bastasse, i Prowlers subiscono la prematura dipartita di Marco Premoli, bassista dal 1992 al 1995, oltre che l’abbandono di Stefano Piazzi, storico chitarrista e compositore di buona parte della musica contenuta in quest’album. Il musicista è sostituito da Fulvio Rizzoli, strumentista dal tocco maggiormente Rock.
Quindi oggi la formazione vede Laura Mombrini alla voce, cori e controcanti, Cristina Lucchini voce, cori e controcanti, Bobo Aiolfi al basso elettrico, Alfio Costa all’organo Hammond, pianoforte, piano Fender Rhodes, Minimoog, Mellotron, Roli seaboard, seconda voce in “Non Sei Mai Andato Via”, Marco Freddi alla batteria e percussioni, e Fulvio Rizzoli alle chitarre.
Ci sono anche special guest, che rispondono ai nomi di Vincenzo Zitello (flauto, violoncello), Alda Bano (chitarra classica), Agnis (voce), e Anna Cavalli (voce e cori).
Con “Orchidea” la band non si lega a un vero e proprio concept, bensì spazia in argomentazioni varie fra storie di donne, magia, natura, vita e morte, oltre ad una simpatica dedica all’allunaggio del 1969. Non può mancare neppure un ricordo di Premoli con il brano “Non Sei Mai Andato Via”.
I brani contenuti nel disco sono sette, mentre la versione cd vede aggiunta la bonus track “Clorofilla” in versione elettrica.
L’album si apre proprio con la title track, e voci femminili circondano immediatamente la mente come in un psichedelico viaggio onirico. Sono le tastiere a farsi avanti per prime, apportando sensazioni eteree conducenti a “Universi Paralleli”, pezzo presente soltanto nelle versioni digitale e cd. Il movimento è ruggente, grazie alle chitarre elettriche ma anche al suono graffiante dell’Hammond di sfondo. Piacevole il cambio umorale contenuto all’interno di stampo Prog classico in modalità Orme e piccole puntate nel mondo dei Pink Floyd.
“Clorofilla” è piano e violoncello, una ballata con la bella voce di Cristina Lucchini. in cattedra. Da solo il brano vale il prezzo del disco. Alfio Costa è in possesso di ottima tecnica strumentale questa fuoriesce in tutte le composizioni, così tanti sembrano essere i suoi punti di riferimento stilistico, in realtà il tocco gode di buona personalità, ascoltate il brano “Il Bao D3lla Luna” e noterete cambi improvvisi a conferma di quanto detto. In “Bocche D’Ambra” gli anni ’70 sono fermamente presenti, godibili soprattutto nel frangente centrale del pezzo, dove la chitarra elettrica si lancia in un assolo in stile Pink Floyd, ampio e arioso. Il pezzo forte dell’intero album è racchiuso nei venti minuti di “Ultimo Viaggio”, un pirotecnico cammino fra melodie godibili e buoni strumentali.
Estremamente toccante “Non Sei Mai Andato Via”, altra piccola gemma di quest’album privo di momenti di stanca.
La musica dei Prowlers è bene rappresentata dalle loro copertine, generalmente fatte con disegni a tratti pastello, fra delicatezza e fermezza. Tanta storia all’interno ma anche freschezza, soprattutto ispirata dalla voce di Cristina Lucchini e composizioni che risultano piacevoli in armonie. Dategli un ascolto e scoprirete un nuovo mondo colorato, fra passato e presente.  MS 

Versione Inglese:

PROWLERS - Orchidea
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Support: Digital / cd / lp - 2024

Among the most important bands of the new Italian Progressive scene must be counted keyboardist Alfio Costa's Prowlers.
A lot of water has passed under the bridge since their 1994 debut "Morgana", and with six studio albums and a live show, today the Bergamasque band returns with "Orchidea" after numerous vicissitudes and defections. The long-standing experience, which sees them begin in 1985, leads the band to achieve a huge qualitative crescendo over time, winning over audiences and critics disc after disc.  In 1998 they suffered a temporary stop and then reformed in 2010.
The first ideas on "Orchidea" are sketched out in 2018, but we know what happened next, between pandemics, wars (unfortunately still going on) and whatnot. As if that were not enough, the Prowlers suffer the untimely departure of Marco Premoli, bassist from 1992 to 1995, as well as the departure of Stefano Piazzi, historical guitarist and composer of much of the music on this album. The musician is replaced by Fulvio Rizzoli, an instrumentalist with a more Rock touch.
So today's lineup features Laura Mombrini on vocals, backing vocals and backing vocals, Cristina Lucchini on vocals, backing vocals and backing vocals, Bobo Aiolfi on electric bass, Alfio Costa on Hammond organ, piano, Fender Rhodes piano, Minimoog, Mellotron, Roli seaboard, second vocals in "Non Sei Mai Andato Via," Marco Freddi on drums and percussion, and Fulvio Rizzoli on guitars.
There are also special guests, who answer to the names of Vincenzo Zitello (flute, cello), Alda Bano (classical guitar), Agnis (vocals), and Anna Cavalli (vocals and backing vocals).
With "Orchidea", the band does not bind itself to a real concept, but ranges in various arguments between stories of women, magic, nature, life and death, as well as a nice dedication to the 1969 moon landing. A remembrance of Premoli cannot be missed either with the track "Non Sei Mai Andato Via".
There are seven tracks on the album, while the CD version sees the addition of the bonus track "Clorofilla" in an electric version.
The album opens right with the title track, and female vocals immediately surround the mind as if on a psychedelic dream journey. It is the keyboards that come forward first, bringing ethereal sensations leading to "Universi Paralleli," a piece present only in the digital and CD versions. The movement is roaring, thanks to the electric guitars but also to the scratchy sound of the Hammond in the background. Pleasant is the mood change contained within in the mold of classic Prog in the mode of Orme and small stakes in the world of Pink Floyd.
"Clorofilla" is piano and cello, a ballad with Cristina Lucchini' beautiful voice in the cathedra. The track alone is worth the price of the disc. Alfio Costa is in possession of excellent instrumental technique this comes out in all the compositions, so many seem to be his stylistic reference points, in fact the touch enjoys good personality, listen to the track "Il Ballo D3lla Luna" and you will notice sudden changes confirming what has been said.
In "Bocche D’Ambra”, the 1970s are firmly present, enjoyable especially in the central fringe of the piece, where the electric guitar launches into a Pink Floyd-style solo, broad and airy. The highlight of the entire album is encapsulated in the twenty-minute "Ultimo Viaggio", a pyrotechnic walk between enjoyable melodies and good instrumentals.
Extremely touching is "Non Sei Mai Andato Via”, another little gem on this album devoid of tired moments.
The Prowlers' music is well represented by their covers, generally done with pastel drawings, between delicacy and firmness. Lots of history inside but also freshness, especially inspired by Cristina Lucchini's voice and compositions that are pleasing in harmonies. Give it a listen and you will discover a colorful new world between past and present.  MS

Moto Armonico

MOTO ARMONICO – Wondering Land
Andromeda Relix
Distribuzione: Ma.Ra.Cash
Genere: Metal Progressive
Supporto: cd – 2023

La musica Metal Progressive si presta bene a tematiche fantasy, le tastiere soprattutto riescono a donare epicità all’insieme, e in questo noi italiani siamo molto bravi. Se torno indietro con la memoria, ricordo i Black Jester nei primi anni ’90, a seguire altri capisaldi come Labyrinth, Eldritch e la lista è davvero estesa, tanto che personalmente ne ho scritto un libro al riguardo, Metal Progressive Italiano (Arcana).
Ma come la musica ci ha insegnato, l’evoluzione è sempre dietro l’angolo, difficilmente si stagna troppo a lungo su certe soluzioni, quindi anche un genere forte come il Metal Progressive si evolve, seppur lentamente. Non soltanto Dream Theater, a questi maestri si aggiungono nel tempo altri sperimentatori, come Pain Of Salvation, Shadow Gallery, Neal Morse Band che a loro volta apportano freschezza e nuove soluzioni. Tutto questo fa anche parte del bagaglio culturale della band Moto Armonico.
Si formano nel 2010 per volere del chitarrista Uccio Ghezzer per poi debuttare due anni dopo con l’album omonimo. Subiscono nel tempo diversi avvicendamenti al microfono, mentre il secondo album “Down To Timavo” vede luce nel 2014. Partecipano a diversi contest, vincendo sempre nel 2014 la quinta edizione del “Tregnago Rock Contest”. Passano un lungo periodo d’incertezze per poi giungere finalmente ai giorni nostri con la formazione attuale composta da Uccio Ghezzer,
Chistian Pasin (tastiere), Giampi Tomezzoli (basso), Marco Beso (Forever Deep, Real Illusion) alla batteria e dal cantante Andrea Vilardo (Blind Golem).
“Wondering Land” è il nuovo album con nove tracce e una bonus track, in cui si alternano ospiti come Flavio Caricasole (voce), Fabio Varalta (chitarra) e il batterista della band Stargate Isacco Dalle Pezze.
Il disco si presenta curato anche nell’artwork, grazie ai disegni di Elisa Granzarolo, sposando in pieno la causa del concept basato su una storia fantasy scritta da Annamaria Ferrari.
L’immancabile “Intro” prepara l’ascolto a penetrare nel contesto fra tastiere, ritmiche imponenti e tanta enfasi, fino a spaziare in un mid tempo supportato dalla chitarra elettrica impegnata in un assolo Neo Prog sostenuto. E’ la staffetta per “Wondering Land”, vetrina per la buona prova vocale di Vilardo, che senza strafare interpreta al meglio le armonie sopra una base prossima al mondo più pacato dei Dream Theater. I giochi si fanno seri negli undici minuti di “Unexpected Windy Week (Waves)”, il pezzo potrebbe benissimo risiedere in quel monumentale lavoro sempre del teatro dei sogni intitolato “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory”, qui il cantato tenta alte vette. Strumentalmente la band viaggia all’unisono, fra ritmi spezzati, tempi dispari e cambi umorali, il tutto come ingranaggi perfettamente oliati. Grazie alle tastiere di tanto in tanto fanno capolino anche gli anni ’70. Un intro stile Queensryche primo periodo, apre “Mrs Herridan” mettendo in luce la capacità di scrittura della band grazie a melodie gradevoli miste a una giusta tecnica strumentale. Il pianoforte di Pasin porge una tregua in “Resembling King Arthur”, così la chitarra elettrica che si propone in un assolo delicato e ricco di patos. Ma in un attimo si ha subito la sensazione di vedere volare sopra le nostre teste un drago, il merito spetta ai quasi dieci minuti di “The Dragons From The East”. “Skin As Snow” è energica grazie alla batteria di Dalle Pezze, una canzone in questo caso più Metal che Prog, anche per il coro che la supporta. Ancor più sostenuta “The Weapons Against The Giants” cantata da Caricasole, e qui la tecnica strumentale è decisamente elevata. Il concept si conclude con la mini suite di quindici minuti intitolata “Just Three Words”, i Moto Armonico gridano al mondo la qualità del nostrano Metal Prog, senza compromessi. La bonus track è la pianistica “Evax’s Letters To Tiberius (Epistola Quae Evax Arabie MistTiberio Imperatori)”, aria con voce narrante di Paola Compostella in lingua latina.
Nulla da aggiungere, solo da costatare che “Wondering Land” è davvero un moto armonico. MS

Versione Inglese:

MOTO ARMONICO - Wondering Land
Andromeda Relix
Distribution: Ma.Ra.Cash
Genre: Progressive Metal
Support: cd - 2023

Progressive Metal music lends itself well to fantasy themes, the keyboards especially manage to give epicness to the whole, and in this we Italians are very good. If I go back with my memory, I remember Black Jester in the early 90s, followed by other cornerstones like Labyrinth, Eldritch and the list is really extensive, so much so that I personally wrote a book about it, Metal Progressive Italiano (Arcana).
But as music has taught us, evolution is always around the corner, hardly stagnating too long on certain solutions, so even a genre as strong as Progressive Metal evolves, albeit slowly. Not only Dream Theater, these masters are joined over time by other experimentalists, such as Pain Of Salvation, Shadow Gallery, Neal Morse Band, who in turn bring freshness and new solutions. All this is also part of the Moto Armonico band's cultural background.
They formed in 2010 at the behest of guitarist Uccio Ghezzer and then debuted two years later with their self-titled album. They undergo several changes on the microphone over time, while the second album "Down To Timavo" sees the light of day in 2014. They participate in several contests, always winning the fifth edition of the "Tregnago Rock Contest" in 2014. They pass a long period of uncertainty before finally reaching the present day with the current lineup consisting of Uccio Ghezzer,
Chistian Pasin (keyboards), Giampi Tomezzoli (bass), Marco Beso (Forever Deep, Real Illusion) on drums and singer Andrea Vilardo (Blind Golem).
"Wondering Land" is the new album with nine tracks and a bonus track, featuring guests such as Flavio Caricasole (vocals), Fabio Varalta (guitar) and Stargate band drummer Isacco Dalle Pezze.
The album is also neat in its artwork, thanks to Elisa Granzarolo's drawings, fully espousing the cause of the concept based on a fantasy story written by Annamaria Ferrari.
The unfailing "Intro" prepares the listener to penetrate into the context between keyboards, imposing rhythms and a lot of emphasis, until ranging into a mid tempo supported by the electric guitar engaged in a sustained Neo Prog solo. That's the relay for "Wondering Land", a showcase for Vilardo's good vocal performance, who without overdoing it interprets harmonies to the best of her ability over a base close to the quieter world of Dream Theater.
The games get serious in the eleven minutes of "Unexpected Windy Week (Waves)", the piece might as well reside in that monumental work always from the theater of dreams entitled "Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory", here the singing attempts high heights. Instrumentally, the band travels in unison, between broken rhythms, odd tempos and mood changes, all like perfectly oiled gears. Thanks to the keyboards the 70s also peep in from time to time. An early Queensryche-style intro opens "Mrs Herridan" highlighting the band's writing ability through pleasing melodies mixed with proper instrumental technique. Pasin's piano provides a respite in "Resembling King Arthur", so does the electric guitar, which comes through in a delicate solo full of pathos. But in an instant one has the feeling of seeing a dragon flying over our heads, credit to the nearly ten minutes of "The Dragons From The East". "Skin As Snow" is energetic thanks to Dalle Pezze's drums, a song in this case more Metal than Prog, not least because of the supporting chorus. Even more sustained is "The Weapons Against The Giants" sung by Caricasole, and here the instrumental technique is definitely high.
The concept concludes with the fifteen-minute mini-suite titled "Just Three Words", Moto Armonico shouts to the world the quality of our own uncompromising metal prog. The bonus track is the pianistic "Evax's Letters To Tiberius (Epistola Quae Evax Arabie MistTiberio Imperatori)", an aria with narrated voice by Paola Compostella in Latin.
Nothing to add, only to note that "Wondering Land" is indeed a harmonic motion. MS
 
 

Cantina Sociale

CANTINA SOCIALE – Astraforismi
Ma.Ra.Cash
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / Digital – 2024

“Squadra che vince non si tocca”, questo detto rispecchia spesso e volentieri l’andamento di molte cose, attitudini che in un modo o nell’altro hanno funzionato in un lasso di tempo. E’ anche il caso della band Cantina Sociale prodotta dallo storico tastierista torinese degli Arti & Mestieri, Beppe Crovella (Electromantic Music).
Bene ha fatto il musicista a dare la possibilità a questa formazione di esprimere la propria musica, un mix fra passato e presente in perfetto equilibrio. Dopo l’ottimo “Caosfera” datato 2017, “Astraforismi” ripresenta oggi la stessa formazione composta da Elio Sesia (chitarre), Rosalba Gentile (tastiere), Marina Gentile (chitarre), Filippo Piccinetti (basso) e Massimiliano Monteleone (batteria). Perfino l’artwork è sempre affidato ad Antonio Catalano con la grafica di Luciano Rosso, questo modo di fare rispecchia l’attitudine delle band che avevano soprattutto negli anni ’70, ossia l’associare un certo tipo d’immagine alla musica affidandosi a uno stile ben riconducibile. L’immagine è sempre stata importante per un disco, pensate voi i Pink Floyd senza lo studio Hipgnosis, oppure gli Yes senza Roger Dean o i Genesis senza Paul Whitehead, di certo il risultato non sarebbe stato lo stesso. L’artwork facilita di molto un eventuale acquirente a capire che tipo di musica potrebbe contenere quest’album.
“Astraforismi” è formato da otto canzoni, tutte strumentali come da caratteristica della band. Il disco affronta, quantomeno con i titoli, la situazione sociale in cui viviamo. La sensazione che provo in questa lettura e nell’ascolto è quella che trovavo più o meno nell’approccio critico degli Area, anche se in questo caso non c’è da parte degli autori una disperata volontà nel voler destabilizzare l’ascoltatore, piuttosto di dare una colonna sonora a una determinata fotografia di un attimo. Ecco allora la graffiante elettricità di “Arrabbiati Cronici” manifestare tutto lo spirito critico, e proprio come diceva Demetrio Stratos “Il mio mitra è un contrabbasso che ti spara sulla faccia ciò che penso della vita”.
“Alfabeti Perduti” è introspettiva, le tastiere iniziali fanno da tappeto al dialogo ponderato fra chitarra e basso, un brano in cui lasciarsi trasportare da questi suoni senza tempo che fanno parte del DNA del Rock Progressivo prettamente mediterraneo.
Il “Caffè Sospeso” è una cortesia, un atto di generosità, in questo caso sono le tastiere a darsi staffetta con la chitarra elettrica di Marina Gentile. Trapela soprattutto energia positiva, questo è proprio un caso emblematico della mia constatazione precedente di equilibrio fra passato e presente.
In “Claudicanti” le atmosfere diventano rarefatte, il piano segue sentieri prossimi al Jazz in un contesto al confine con la Psichedelia in cui fanno parte anche certi loop di scuola King Crimson. Un ritmo spezzato fa da sottofondo alla chitarra elettrica di Marina che sembra voler parlare in “ I Lamentosi”, qui si denota maggiormente la volontà dei Cantina Sociale nel voler ricercare nel mondo Progressive, uno sforzo creativo che li colloca in un contesto vintage bi base. Il basso di Piccinetti ricopre un ruolo fondamentale in tutto l’arco dell’ascolto. Ma è con “Sguardi Sospetti” che la band mette a nudo tutta l’intesa fra gli elementi, immergendosi in un connubio fra ballata e fuga strumentale, interessante oltre che privo di sbavature. Il classico crescendo in cui lasciarsi trasportare. “Le Cose Perdute” è un quadro sonoro dove ogni nota sembra essere in possesso di un colore, per un risultato finale di color pastello. L’album si conclude con “Bla Bla”, dove le chiacchiere sono portate via dal vento, ma non la musica che resta legata al fascino ancora una volta mediterraneo.
“Astraforismi” è un ritorno in cui i Cantina Sociale palesano una maturità profonda, musica per la mente, come si amava dire negli anni passati, un contenitore in cui trovare diversi stati d’animo. Ci si emoziona durante l’ascolto, e questo è lo scopo della musica e quando esso viene raggiunto, non resta che socchiudere gli occhi e ripremere il tasto “play”. MS 

VIDEO PROMO: https://www.cantinasocialeprog.com/Astraforismi/CS-video_A.html

Versione Inglese:

CANTINA SOCIALE - Astraforismi
Ma.Ra.Cash
Genre: Progressive Rock
Support: cd / Digital - 2024

“A winning team can't be touched”, this saying often reflects the trend of many things, attitudes that have worked in one way or another over a period of time. This is also the case with the band Cantina Sociale produced by the historic Turin keyboardist of Arts & Crafts, Beppe Crovella (Electromantic Music).
Well did the musician do to give this lineup a chance to express its music, a perfectly balanced mix of past and present. After the excellent “Chaosfera” dated 2017, “Astraforismi” now presents again the same lineup consisting of Elio Sesia (guitars), Rosalba Gentile (keyboards), Marina Gentile (guitars), Filippo Piccinetti (bass) and Massimiliano Monteleone (drums). Even the artwork is always entrusted to Antonio Catalano with graphics by Luciano Rosso, this way of doing things reflects the attitude bands had especially in the 1970s, that is, associating a certain type of image with music by relying on a well-referenced style.
Image has always been important to an album, think Pink Floyd without the Hipgnosis studio, or Yes without Roger Dean or Genesis without Paul Whitehead, surely the result would not have been the same. The artwork makes it much easier for a prospective buyer to understand what kind of music this album might contain.
“Astraforismi” consists of eight songs, all instrumental as is characteristic of the band. The album addresses, at least with the titles, the social situation in which we live. The feeling I get in this reading and listening is the one I used to find more or less in Area's critical approach, although in this case there is no desperate desire on the part of the authors to destabilize the listener, rather to give a soundtrack to a certain photograph of a moment. Here, then, is the biting electricity of “Arrabbiati Cronici” manifesting all the critical spirit, and just as Demetrio Stratos said, “My machine gun is a double bass that shoots in your face what I think about life”.
“Alfabeti Perduti” is introspective, the opening keyboards carpet the thoughtful dialogue between guitar and bass, a song in which to be carried away by these timeless sounds that are part of the DNA of purely Mediterranean Progressive Rock.
“Caffè Sospeso” is a courtesy, an act of generosity, in this case it is the keyboards that relay to Marina Gentile's electric guitar. Above all, it exudes positive energy; this is precisely an emblematic case of my earlier observation of balance between past and present.
In “Claudicanti” the atmospheres become rarefied, the piano follows paths close to Jazz in a context bordering on Psychedelia in which certain loops of the King Crimson school are also part. A broken rhythm serves as a background for Marina's electric guitar that seems to want to speak in “ I Lamentosi”, here more denoting the Social Cellar's desire to search in the Progressive world, a creative effort that places them in a vintage bi basic context. Piccinetti's bass plays a key role throughout. But it is with “Sguardi Sospetti” that the band lays bare all the chemistry between the elements, immersing themselves in a marriage of ballad and instrumental fugue that is interesting as well as smudge-free. The classic crescendo in which to be carried away.
“Le Cose Perdute” is a sound picture where every note seems to be in possession of a color, for a pastel-colored end result. The album ends with “Bla Bla Bla”, where the chatter is carried away by the wind, but not the music, which remains bound by Mediterranean charm once again.
“Astraforismi” is a comeback in which the Social Cellars manifest a deep maturity, music for the mind, as they liked to say in years past, a container in which to find different moods. One is moved while listening, and this is the purpose of music, and when it is achieved, one only has to squint and press the “play” button again. MS

Cantina Sociale

 

 

Gayle Ellett & The Electromags

GAYLE ELLETT & THE ELECTROMAGS – Friends
PeacockSunrise Records
Genere: Eclectic Prog
Supporto: Digital /CD – 2023

Come accade per un libro, un disco resta un buon amico su cui porre la tua fiducia, ed è sempre lì dove lo hai collocato, anche per anni… E ti aspetta, non ti tradisce mai. Da ciò traggo una lezione, la musica va goduta lentamente, con un ascolto fatto al momento giusto e con lo stato d’animo altrettanto giusto. Non sempre si ha la necessità di ascoltare musica di sottofondo con un frugale e distratto ascolto, capita a volte che ci si debba concentrare per capire al meglio le sensazioni che si provano.
Altresì ci sono stili sonori che sembrano non avere tempo, non facili da collocare in un periodo ben definito della nostra vita. Non so se vi è capitato mai di ascoltare la musica degli americani Djam Karet, una band molto prolifica e tecnicamente preparata, influenzata principalmente da gruppi come King Crimson o Ozric Tentacles, questa ha nelle righe il chitarrista e polistrumentista Gayle Ellett.
Durante il periodo del lockdown, Ellett si sofferma spesso sul terrazzo a suonare la chitarra e guardare al cielo, e questo mi riallaccia al preambolo del discorso, serve pazienza nel poter godere a pieno di una cosa, in questo caso è (come dicevano le nostre Orme) uno sguardo verso il cielo, dove la nostra esistenza si sofferma nella consapevolezza dell’immenso e dell’infinitamente piccolo.
Gayle Ellett & The Electromags è un progetto che con “Friends” giunge al secondo suggello, dopo “Shiny Side Up” e nasce con l’intento di unire più amici da tutte le parti del globo, questo grazie alla tecnologia moderna che si può utilizzare da casa senza uscire allo scoperto. Ellett, con di base Craig Kahn (batteria) e Mark Cook (basso), mette in contatto ben ventidue musicisti, fra i quali spiccano membri di Baraka (Giappone), Minimum Vital (Francia), Aisles (Cile), Electric Swan (Italia), Shylock (Francia), Edhels (Monaco) e California Guitar Trio (USA). In una sorta di staffetta di file, le canzoni si riempiono come in una grandissima jam session e il risultato finale formato da tredici tracce, viene intitolato “Friends”.
L’ Hammond B3 si lancia spesso in passaggi allegri durante lo svolgimento dei brani, come nel caso di “Viewer Discretion Advised”, in cui il dialogo con la chitarra di Ted Price è coinvolgente. Le parti ritmiche sono la base su cui gli artisti sono partiti, dunque il loro ruolo è di vitale importanza per il risultato finale, ecco dunque un altro esempio di buona jam nel brano “The Many Moods”, con Brian Chapman alla chitarra. Maggiormente ponderata “Valencia”, per poi ritornare verso un ritmo maggiormente sostenuto, quello di “It’s All San Andreas’ Fault” che vede come ospiti Marc Ceccotti e Joee Corso.
Tuttavia dall’ascolto generale si evincono non soltanto le jam ma anche la volontà di comporre brani veri e propri in cui la ricerca della composizione non passa di certo in secondo piano, come nel caso di “TransPacific Highway” con l’apporto di Issei Takami e Shin Ichikawa dei Baraka. Tanta storia fra le note di “Splitting Hairs”, ad apportarla è la chitarra elettrica di Dudley Taft, così il discorso è analogo per “Maximum Connection” che vedono Thierry Payssan, Bill Polits e Aquiles Magaña dialogare con i loro strumenti in un brano prossimo al Progressive Rock. Il sound sudista di “Three Parsecs From Tucson” con Carl Weingarten, Walter Whitney e David Udell è gradevole a tal punto che quattro minuti sembrano durare la metà. Il Blues con influenza Funk sale in cattedra grazie a “Maria’s Lakeside Drive “ e Barry Cleveland. Seguono “Guitar City “ con Paul Richards, “ Sons Of Sebastien” con Lucio Calegari, German Vergara e Juan Pablo, “Bueno Sanga” con Alvarez Ortega Bianchi e Jim Crawford, e la conclusiva “1960 Ocean Front Walk” con Frederic L'Epee, tutti brani dall’ascolto piacevole oltre che ricercato.
“Friends” è uno spaccato di quello che è stata la nostra società musicale nei tempi di reclusione forzata dovuta al Coronavirus, anche un momento per riflettere e capire che l’uomo non può fare mai a meno della musica, ma soprattutto del contatto umano. Un esempio. MS 

Versione Inglese:

GAYLE ELLETT & THE ELECTROMAGS - Friends
PeacockSunrise Records
Genre: Eclectic Prog
Support: Digital /CD - 2023

As with a book, a record remains a good friend to put your trust in, and it's always there where you've placed it, even for years--and it waits for you, never betrays you. I take a lesson from this, music should be enjoyed slowly, with listening done at the right time and with the right state of mind as well. One does not always have the need to listen to background music with frugal and distracted listening, it happens sometimes that one has to concentrate to better understand the feelings one is experiencing.
Likewise, there are sound styles that seem timeless, not easy to place in a well-defined period of our lives. I don't know if you have ever listened to the music of the Americans Djam Karet, a very prolific and technically trained band, mainly influenced by bands like King Crimson or Ozric Tentacles, this one has guitarist and multi-instrumentalist Gayle Ellett in the lines.
During the lockdown period, Ellett often lingers on the terrace playing guitar and looking to the sky, and this brings me back to the preamble of the talk, patience is needed in being able to fully enjoy a thing, in this case it is (as our Orme used to say) a gaze to the sky, where our existence lingers in awareness of the immense and the infinitely small.
Gayle Ellett & The Electromags is a project that with “Friends” reaches its second seal, following “Shiny Side Up”, and was born with the intention of uniting more friends from all parts of the globe, this thanks to modern technology that can be used from home without going out in the open. Ellett, based on Craig Kahn (drums) and Mark Cook (bass), connects as many as twenty-two musicians, including members of Baraka (Japan), Minimum Vital (France), Aisles (Chile), Electric Swan (Italy), Shylock (France), Edhels (Monaco) and California Guitar Trio (USA). In a kind of file relay, the songs fill up as in a huge jam session and the final result consisting of thirteen tracks, is titled “Friends.”
The Hammond B3 often launches into upbeat passages as the songs unfold, as in the case of “Viewer Discretion Advised,” in which the dialogue with Ted Price's guitar is engaging. The rhythm parts are the basis on which the artists started, so their role is vital to the final result, so here is another example of a good jam in the track “The Many Moods”, with Brian Chapman on guitar. More thoughtful “Valencia”, then back toward a more sustained rhythm, that of “It's All San Andreas' Fault,” featuring guests Marc Ceccotti and Joee Corso.
However, the general listening reveals not only the jams but also the willingness to compose real songs in which the search for composition certainly does not take a back seat, as in the case of “TransPacific Highway” with the contribution of Issei Takami and Shin Ichikawa of Baraka. Lots of history among the notes of “Splitting Hairs,” bringing it is the electric guitar of Dudley Taft, so the discourse is similar for “Maximum Connection” that see Thierry Payssan, Bill Polits and Aquiles Magaña conversing with their instruments in a song close to Progressive Rock. The Southern sound of “Three Parsecs From Tucson” featuring Carl Weingarten, Walter Whitney and David Udell is enjoyable to the point that four minutes seems to last half as long. Funk-influenced Blues takes the stage thanks to “Maria's Lakeside Drive ” and Barry Cleveland. This is followed by “Guitar City ‘ with Paul Richards, ’ Sons Of Sebastien” with Lucio Calegari, German Vergara and Juan Pablo, “Bueno Sanga” with Alvarez Ortega Bianchi and Jim Crawford, and the concluding “1960 Ocean Front Walk” with Frederic L'Epee, all enjoyable as well as refined listening tracks.
“Friends” is a glimpse of what our musical society was like in the days of forced confinement due to the Coronavirus, also a moment to reflect and understand that man can never do without music, but especially human contact. Example. MS

 

 

Merit Hemmingson

MERIT HEMMINGSON – Mother Earth Forever
Swedish Stereosounds
Genere: Progressive Rock / Symphonic Rock
Supporto: cd – 2024

Ciò che è stata (e che tuttora lo è) la carriera del chitarrista Roine Stolt, è un esempio di coerenza, passione e personalità. L’artista svedese parte con i Kaipa nel 1973 per poi lanciarsi in numerosi altri progetti, fra cui i The Flower Kings, Transatlantic, The Tangent, Fantasia e una ricca discografia da solista. Lo stile hippie lo contraddistingue per tutto l’arco della sua vita, da qui la coerenza cui ho fatto riferimento.
Il modo di suonare la chitarra è ben distinguibile nel panorama dal resto dei chitarristi, uno stile preciso che nasce dal sound degli anni ’70, gli assolo proposti non sono mai banali e allo stesso tempo neanche super tecnici, Stolt ha sempre preferito mettere avanti il cuore, pur essendo in grado di lasciarsi andare di tanto in tanto a buone fughe tecniche. Con gli anni la scena Progressive Rock gli punta i fari addosso, diventando anche ottimo session man, le richieste sono numerose, così gli album rilasciati nella sua fortunata carriera. La fedeltà a questo genere è encomiabile, pur ricercando anche nel Jazz alcune scappatoie stilistiche. Il tempo cela anche collaborazioni che non ti aspetti, come questa con l’organista svedese Merit Hemmingson. L’incontro accade nell’ormai lontano 1990 e avviene tramite una telefonata che Roine non si attende, essendo lui un fans di Merit.
Personale la volontà di scrivere brani in equilibrio fra Prog, Folk e medioevale, attraverso un organo a canne, così nel 1993 dopo aver cercato validi musicisti, soprattutto amici, iniziano le registrazioni. Il risultato viene momentaneamente accantonato, anche perché non è facile cercare una casa discografica disponibile a produrre un suono del genere, di certo non in voga. Ma la qualità delle registrazioni è davvero interessante e i due artisti ne restano consapevoli nel tempo, tanto da rispolverare “Mother Earth Forever” nei giorni nostri, ossia quando il pubblico musicale è maggiormente preparato e aperto a nuove sonorità.
Di tempo ne è passato, ma sembra non aver scalfito la freschezza delle dodici canzoni che compongono l’album in maniera piuttosto epica.
Di certo non si ascolta un organo a canne nel Rock tutti i giorni, anche se alcuni musicisti nel tempo si sono approcciati al riguardo.
Immediatamente convincente “Vigorous Mind”, un connubio di suoni particolare dato dagli strumenti di Jan Winter (zampogna), Christer Jansson (batteria), Hasse Larson (basso elettrico),
Hasse Bruniusson (percussioni), oltre che all’organo di Merit Hemmingson e la chitarra a dodici corde di Roine Stolt. Ma è con “Dreams Of The Universe” che fuoriesce maggiormente il lato progressivo di ricerca, grazie anche all’uso del sax da parte di Fredrik Ljungkvist e alla bella voce della stessa Merit. Il brano è una ballata di classe, delicata ma allo stesso tempo capace di crescere d’intensità, una melodia messa in loop contornata da preziosi arrangiamenti. Più diretta “The Planets Are Calling Us” seppure le atmosfere rimangano delicate come in una pittura ad acquarello.
Percussioni in evidenza in stile Gentle Giant per “Power From The North” dove la chitarra è maggiormente presente, a seguire “Oh, So Fragile” dove ritornano protagonisti la voce e i fiati in un contesto dolce dai sentori anni ’70. La semplicità regna sovrana anche in “Shadows In The Far Distance”, un movimento al confine del Prog con il Folk. Qui Stolt si cimenta in un buon supporto solistico. Sono i cinque minuti abbondanti di “People Of The Four Winds” a mettere in luce le capacità compositive e ricercate del duo, il quale dimostra un affiatamento radicato. Ancora una volta le coralità di Merit rendono le atmosfere rarefatte. L’organo a canne sale in cattedra per un risultato dal fascino atavico. Il discorso è analogo per “Ocean Of Organs” un brano dall’ampio respiro. Questa musica ha la capacità di descrivere lande attraverso le note, e il caso è anche quello di “Resting Arctic Ice”. Tutto l’album si aggira attorno a questo modus operandi.
Non ho che da ringraziare Roine Stolt e Merit Hemmingson per aver rispolverato questo progetto, sarebbe stato davvero un peccato non poter godere di questi suoni dal fascino antico. Consigliato l’ascolto a chi fa della musica una colonna sonora per la vita. MS 

Versione Inglese:

MERIT HEMMINGSON - Mother Earth Forever
Swedish Stereosounds
Genre: Progressive Rock / Symphonic Rock
Support: cd - 2024

What has been (and still is) the career of guitarist Roine Stolt is an example of consistency, passion and personality. The Swedish artist started with Kaipa in 1973 and then launched into numerous other projects, including The Flower Kings, Transatlantic, The Tangent, Fantasia, and a rich solo discography. The hippie style marked him throughout his life, hence the consistency I have referred to.
His guitar playing is well distinguishable in the scene from the rest of the guitarists, a precise style that stems from the sound of the 1970s, the solos offered are never trite and at the same time not even super technical, Stolt has always preferred to put his heart forward, while still being able to let loose from time to time good technical escapes. Over the years the Progressive Rock scene shines its spotlights on him, becoming also an excellent session man, the demands are numerous, so are the albums released in his successful career.
The fidelity to this genre is commendable, while also seeking some stylistic loopholes in jazz. Time also conceals collaborations you might not expect, such as this one with Swedish organist Merit Hemmingson. The meeting happens in the now distant 1990s and occurs through a phone call that Roine does not expect, as he is a fan of Merit.
Personal the desire to write songs balanced between Prog, Folk and medieval, through a pipe organ, so in 1993 after looking for good musicians, mostly friends, the recordings begin. The result is momentarily shelved, partly because it is not easy to look for a record company willing to produce such a sound, certainly not in vogue. But the quality of the recordings is really interesting and the two artists remain aware of it over time, so much so that they dust off “Mother Earth Forever” in the present day, that is, when the musical public is more prepared and open to new sounds.
Time has passed, but it seems not to have affected the freshness of the twelve songs that make up the album in a rather epic way.
One certainly does not hear a pipe organ in Rock every day, although some musicians over time have approached it. Immediately convincing “Vigorous Mind”, a peculiar combination of sounds given by the instruments of Jan Winter (bagpipe), Christer Jansson (drums), Hasse Larson (electric bass),
Hasse Bruniusson (percussion), as well as Merit Hemmingson's organ and Roine Stolt's twelve-string guitar. But it is with “Dreams Of The Universe” that the progressive searching side comes out most, thanks in part to Fredrik Ljungkvist's use of sax and Merit's own beautiful voice. The song is a classy ballad, delicate but at the same time able to grow in intensity, a looped melody surrounded by precious arrangements. More direct “The Planets Are Calling Us” although the atmospheres remain delicate as in a watercolor painting.
Percussion in evidence in Gentle Giant style for “Power From The North” where the guitar is more present, followed by “Oh, So Fragile” where vocals and horns return as protagonists in a gentle context with hints of the 1970s.
Simplicity also reigns supreme in “Shadows In The Far Distance”, a movement on the border of Prog with Folk. Here Stolt tries his hand at good solo support. It is the brisk five minutes of “People Of The Four Winds” that showcase the duo's compositional and researched skills, which demonstrate an ingrained fellowship. Once again Merit's choruses make for a rarefied atmosphere. The pipe organ takes the stage for a result with atavistic charm. The discourse is similar for “Ocean Of Organs” a track with a broad scope. This music has the ability to describe moors through notes, and the case is also made for “Resting Arctic Ice”. The whole album hovers around this modus operandi.
I have nothing but thanks to Roine Stolt and Merit Hemmingson for dusting off this project, it would have been a real shame not to be able to enjoy these sounds with old-world charm. Recommended listening for those who make music a soundtrack for life. MS

 

 

Northern Lines

NORTHERN LINES – I Think We’re Fine
J. Joe’s J. Edizioni Musicali Released
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digital / Spotify – 2024

Generalmente ci appassioniamo alla musica perché colonna sonora della nostra vita, quei brani che ci fanno ricordare il nostro primo amore, episodi di vita, siano loro allegri che tristi, nel caso di un musicista è vera e propria valvola di sfogo. Gli intenti possono essere molteplici, resta il fatto che si approccia allo stile con cui musicare le proprie intenzioni attraverso non solo il gusto personale, creato in base all’esperienza passata degli ascolti, ma anche tramite la personalità. Quest’ultima è la chiave dell’evoluzione della musica in senso generale, ossia apporta un cambiamento a quello con cui si è cresciuti.
I romani Northern Lines si formano nel 2013 da un’intuizione di Stefano  Silvestri (basso), Cristiano “Cris” Schirò (batteria) e Alberto Lo Bascio (chitarra). Lo scopo è ben descritto nella loro biografia: “Il progetto nasce come una liberazione musicale, una sorta di paradiso sonoro in cui ognuno dei tre musicisti può esprimersi senza barriere di genere, seguendo un filone sperimentale, cercando una qualche logica negli incastri impossibili e con uno spiccato senso dell'umorismo.”. Quest’ultimo è un'altra chiave di lettura della musica, l’utilizzo degli argomenti in maniera intelligente, apporta all’ascolto un valore aggiunto. Nel 2013 registrano l’EP “Hari Pee Hate”, mentre il debutto completo avviene l’anno successivo grazie a “Farts From S.E.T.I. Code" grazie al quale possono intraprendere un tour che li vede approdare anche nell'Est Europa nel mese di
giugno. Giunto un buon livello di notorietà, nel 2018 immettono alla line up Leonardo Disco, pianista e tastierista proveniente dal jazz, assieme realizzano “The Fearmonger”.
Dopo un lungo periodo d’incubazione, è la volta di questo nuovo album intitolato “I Think We’re Fine” che non è altro che un’ulteriore esplorazione, con l'integrazione di altri linguaggi, frutto dell'evoluzione umana e musicale di una band che pensa ancora come una band.
“That's My Son” è il singolo che anticipa l’uscita, uno sguardo al futuro in cui frammenti di passato vengono alla luce.  L’argomento principe di tutto “I Think We’re Fine” riguarda l’isolamento culturale umano, dove il senso critico dei tempi non filtrato, apporta danni che tutti noi ben conosciamo. Il risultato è una realtà distorta capitanata semplicemente da percezioni dove ogni risposta non è incastonata in un universo immobile, ma sempre dipendente da un'altra domanda .
Dieci i brani che compongono l’album che si apre con “Under A Purple Sky”, e una chitarra inizialmente in stile Hackett/Genesis degli anni ’70, che lascia spazio solo successivamente ad un Hard Rock costruito su basi storiche degne del migliore Hard Prog. Tastiere e chitarra elettrica dialogano fra loro al posto delle parole, fra cambi umorali supportati da un’ottima sezione ritmica. Giocoso l’approccio di “Bear It”, brano ruggente in cui la coesità degli elementi viene immediatamente alla luce. Il Progressive Rock sposa a pieno questa causa a suggello di una cultura individuale dei musicisti davvero importante.
“Neither The First, Nor The Last” parte in crescendo, fino a sfiorare territori AOR, ma di base è l’armonia a regnare fra le note, fra pianoforte intimistico e interventi prossimi al Jazz. In “’68” la band mostra i muscoli con un approccio Metal Progressive di base, qui compaiono anche interventi elettronici ad arrangiare il brano cadenzato e monolitico. Bello il finale in pianoforte.
“That’s My Son” dimostra attraverso l’Hammond di aver assorbito l’insegnamento dei maestri passati, non esula neppure un richiamo ai Marillion dell’era Fish grazie all’assolo di chitarra elettrica. Si torna a ruggire con “Brother Nick”, qui si può apprezzare maggiormente la volontà di ricercare nel pentagramma in maniera non del tutto scontata una struttura differente, il tutto senza mai strafare. In parole povere questa musica viaggia in bilico fra schiaffo e bacio. La title track, è un altro esempio di sviluppo del passato, mentre “Site Of The Ritual” intraprende nuovamente il sentiero Hard Prog alternato a evidenti cambi umorali. L’insegnamento di Fripp e soci avvicinano l’ascolto di tanto in tanto alla band King Crimson, come nel caso di “Consequences Of Bad Behaviour, mentre “Wind's Howling” chiude l’album con sapiente personalità.
Non è mai semplice realizzare un disco strumentale, ma quando si ha la capacità di far parlare gli strumenti al posto della bocca, la differenza non si nota, anzi, acquista un fascino maggiore perché porge adito a varie interpretazioni, anche se di base l’artista in questione traccia comunque un sentiero da intraprendere. La carta vincente in questo caso sono le melodie, sempre presenti e gradevoli, che si danno staffetta con l’energia di quel Rock ruvido al confine con l’Heavy Metal. Non vi resta che approcciare al mondo Northern Lines con tranquillità e consapevolezza, e apporterete benefici per l’anima. MS 

Versione Inglese:

NORTHERN LINES - I Think We're Fine
J. Joe's J. Music Editions Released
Genre: Modern Post Prog
Support: Digital / Spotify - 2024

Generally we are fond of music because it is the soundtrack of our lives, those songs that make us remember our first love, episodes of life, whether they are happy or sad, in the case of a musician it is true outlet. The intentions may be many, the fact remains that one approaches the style with which to set one's intentions to music through not only personal taste, created based on past listening experience, but also through personality. The latter is the key to the evolution of music in a general sense, that is, it brings a change to what one grew up with.
The Roman Northern Lines were formed in 2013 by an intuition of Stefano Silvestri (bass), Cristiano “Cris” Schirò (drums) and Alberto Lo Bascio (guitar). The purpose is well described in their biography: “The project was born as a musical liberation, a sort of sonic paradise where each of the three musicians can express themselves without genre barriers, following an experimental strand, looking for some logic in the impossible joints and with a strong sense of humor”. The latter is another key to interpreting the music, the use of topics in a clever way brings added value to the listening experience.
In 2013 they recorded the EP “Hari Pee Hate”, while their full debut came the following year thanks to “Farts From S.E.T.I. Code”, thanks to which they were able to embark on a tour that also saw them land in Eastern Europe in
June. Having reached a good level of notoriety, in 2018 they introduce to the line up Leonardo Disco, pianist and keyboardist coming from jazz, together they realize “The Fearmonger”.
After a long period of incubation, it is the turn of this new album entitled “I Think We're Fine” which is nothing but a further exploration, with the integration of other languages, the result of the human and musical evolution of a band that still thinks like a band.
“That's My Son” is the single anticipating the release, a look into the future in which fragments of the past come to light.  The main topic throughout “I Think We're Fine” is about human cultural isolation, where the unfiltered critical sense of the times does damage that we all know well. The result is a distorted reality captained simply by perceptions where each answer is not embedded in a still universe, but always dependent on another question .
Ten tracks make up the album that opens with “Under A Purple Sky”, and a guitar initially in the Hackett/Genesis style of the 1970s, which only later gives way to a Hard Rock built on historical foundations worthy of the best Hard Prog. Keyboards and electric guitar converse with each other instead of words, amid mood changes supported by an excellent rhythm section. Playful is the approach of “Bear It,” a roaring track in which the cohesiveness of the elements immediately comes to light. Progressive Rock fully espouses this cause sealing a truly important individual culture of the musicians.
“Neither The First, Nor The Last” starts off on a crescendo, verging on AOR territories, but basically it is harmony that reigns among the notes, between intimate piano and interventions close to Jazz. In “'68” the band shows its muscles with a basic Metal Progressive approach, here electronic interventions also appear to arrange the cadenced and monolithic song. Beautiful is the keyboard.
“That's My Son” demonstrates through the Hammond that it has absorbed the teachings of past masters, not even a callback to Fish-era Marillion is exempt thanks to the electric guitar solo. It comes roaring back with “Brother Nick”, here one can appreciate more the willingness to search the stave in a not entirely obvious way for a different structure, all without ever overdoing it. Simply put, this music travels in the balance between slap and kiss. The title track, is another example of past development, while “Site Of The Ritual” again takes the Hard Prog path alternating with obvious mood changes. The teaching of Fripp and co. bring the listen closer to the band King Crimson from time to time, as in the case of “Consequences Of Bad Behaviour”, while “Wind's Howling” closes the album with skillful personality.
It is never easy to make an instrumental record, but when one has the ability to let the instruments do the talking instead of the mouth, the difference is not noticeable; on the contrary, it acquires a greater appeal because it gives rise to various interpretations, even if fundamentally the artist in question is still charting a path to take. The trump card here are the melodies, always present and pleasing, which are given relay with the energy of that rough Rock bordering on Heavy Metal. All you have to do is approach the world of Northern Lines with tranquility and awareness, and you will bring benefits for the soul. MS