Libri ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 - 2013 - METAL PROGRESSIVE ITALIANO
La storia dei generi enciclopedica
domenica 4 giugno 2023
Scarled
SCARLED – 金継ぎ (Kintsugi)
sabato 3 giugno 2023
DeaR
DEAR
– Dear Me!
Music
Force
Distribuzione:
Egea Music
Genere: Cantautore
Supporto: cd – 2023
Il
cantautore torinese Davide Riccio, in arte DeaЯ, sta vivendo un buon momento
d’ispirazione. Nel 2021 esce con “Out Of Africa” (Music Force), nel 2022 è la
volta della dedica alla sua città “Mon Turin” (Music Force) e in questo 2023 il
ritorno con “DeaR Me!”. Riccio oltre che polistrumentista è anche scrittore,
giornalista e educatore. Ha scritto poesie e racconti dal 1985 a oggi,
“Povertissement” (Genesi Editrice – 2006), “Sversi” (Libellula Edizioni – 2008)
e molti altri ancora, sino giungere ai nostri giorni con “Italian Bowie”
(Arcana – 2023). Dal 2013 al 2019 realizza programmi radiofonici nella web
radio torinese Radio Banda Larga e poi cortometraggi, documentari ed esordisce
in gruppi musicali negli anni ’80 quali Bluest, Off Beat e Individua Vaga. Il
mondo di Ricco comunque è ancora più vasto, tutto questo lo porta a maturare
come artista collocandolo sopra la media dei cantautori italiani per
consapevolezza e professionalità.
“Dear
Me!” contiene ben diciassette canzoni a testimonianza di una vena creativa
rigogliosa e si sa che quando questo accade, bisogna cogliere l’occasione al
volo.
La
passione per il duca bianco Bowie trapela di quanto in quanto in alcuni pezzi,
resta il fatto che la musica del polistrumentista è generalmente di carattere,
pur rimanendo semplice e diretta, un esempio si ha sin dal primo brano “Eight
Seconds Of Fame”. La lingua scelta per il canto è l’inglese. Una voce femminile
accompagna l’inizio di “The Art Of Decluttering”, qui le atmosfere sono
rilassate. Analogamente accade anche in “Planetesimals” dove la voce si fa più
profonda e immersa nel contesto malinconico oltre che riflessivo. Giochi di coralità
arricchiscono l’ascolto e fanno fare un balzo indietro nel tempo, quando i
Beatles si divertivano a scrivere la storia. “Axis Mundi” s’impegna ancora di
più nella cura delle voci, colonne sonore di questo pezzo che si avvale anche
di soffi di sottofondo. Sale il ritmo in “Sequeri” anche se di base la voce
resta in tonalità basse. I fiati ci cadono a pennello, un’aria sexy avvolge
l’ascoltatore spinto in un ascolto effettuato a occhi chiusi fra echi e cantato
a due voci. “Wind” ha rimembranze di fine anni ’60 ma per attendere un brano
davvero ricco di ritmo bisogna attendere “la title track “DeaR Me! (Sweet
Philly)”, ballabile e dallo stile elegante. Con “The Skyline” c’è un passaggio
nell’elettronica ma anche frangenti vintage quelli che si ballavano nelle
discoteche, non esulano neppure momenti di stupore quando DeaR si diverte a
destabilizzare l’ascoltatore. “Life After Life” è un passaggio nella World. Con
due minuti e mezzo, il brano più breve del disco s’intitola “Whales Weep Not!”,
strumentale e psichedelico, ricco di riverberi ed effetti eco. “Cockies Of My
Heart” è cantata in latino nell’intro corale in stile Gentle Giant, per poi
gettarsi nuovamente nel cantautorato. Le melodie sono interessanti e la voce si
presenta in una nuova veste impegnata su tonalità leggermente più alte della
norma sin qui ascoltata. “Otherness” è giocosamente allegra, “Song To Grace”
accenna un assolo di tastiere iniziale mentre “Shadow: My Soul” ritorna verso
la disco anni ’70. Più interessante è “To Bacharach”, strumentale ricco d’inventiva.
“I’M Older Than I (With No Younger Of The Two)” è nella media degli ascolti
DeaR e la conclusiva “Crickets (For Klaus)” è la canzone più lunga dell’intero
album e a mio gusto anche la più interessante con interventi psichedelici e
suoni ricercati a tratti spaziali. Questa secondo me potrebbe essere la strada
più giusta da intraprendere se sapientemente bilanciata al cantautorato che in
questo caso non presidia.
Probabilmente
ciò che manca alla musica di DeaR è l’intervento di un incisivo assolo, non che
questo sia necessario s’intende, ma aiuta sicuramente a dare ritmo all’intero
ascolto. Non è tuttavia un difetto, anzi in molti casi ci sono ascoltatori che non
lo aspettano proprio, io personalmente invece lo avrei gradito. “DearMe!” è un disco
pieno d’ idee, forse troppe e secondo me andrebbero scremate per dare maggiore
fluidità all’ascolto, certo è che Davide Riccio è un artista a tutto tondo e
ancora una volta dimostra di avere cultura e gusto al riguardo. Chissà se un
domani deciderà di fondare una vera e propria band? MS
Versione Inglese:
DEAR
- Dear Me!
Music
Force
Distribution: Egea
MusicGenre:
Songwriter
Support:
cd – 2023
Turin singer-songwriter Davide Riccio, aka DeaЯ, is having a good moment of inspiration. In 2021 he
came out with "Out Of Africa" (Music Force), in 2022 it was the turn
of the dedication to his city "Mon Turin" (Music Force) and in this
2023 the return with "DeaR Me!" Riccio is not only a multi-instrumentalist
but also a writer, journalist and educator. He has written poems and short
stories from 1985 to the present, "Povertissement" (Genesi Editrice -
2006), "Sversi" (Libellula Edizioni - 2008) and many others, until
reaching the present day with "Italian Bowie" (Arcana - 2023). From
2013 to 2019 he makes radio programs in the Turin web radio Radio Banda Larga
and then short films, documentaries and debuts in music groups in the 80s such
as Bluest, Off Beat and Individua Vaga. Ricco's world however is even wider,
all of which leads him to mature as an artist placing him above the average
Italian singer-songwriter in terms of awareness and professionalism. "Dear
Me!" contains no less than seventeen songs testifying to a lush creative
vein, and one knows that when this happens, one must jump at the chance.The
passion for the white duke Bowie leaks out of how much in how much in some
pieces, the fact remains that the multi-instrumentalist's music is generally
characterful while remaining simple and direct, an example of which is had from
the very first track "Eight Seconds Of Fame." The language chosen for
the singing is English. A female voice accompanies the beginning of "The
Art Of Decluttering," here the atmosphere is relaxed. Similarly happens in
"Planetesimals" where the voice becomes deeper and immersed in the
melancholic as well as reflective context. Games of chorality enrich the
listening experience and make one leap back in time when the Beatles enjoyed
writing history. "Axis Mundi" engages even more in the care of the
vocals, soundtracks of this piece that also makes use of background whispers.
The tempo goes up in "Sequeri" even though the basic vocals remain in
low tones.
The horns fall right into it, a sexy air envelops the
listener propelled into a listening carried out with eyes closed between echoes
and two-voice singing. "Wind" has reminiscences of the late 1960s,
but to wait for a truly rhythm-filled track one must wait for "the
danceable and elegantly styled title track "DeaR Me! (Sweet Philly)."
With "The Skyline" there is a transition into electronica but also
vintage bangs those that used to be danced to in nightclubs; moments of
amazement also do not exude when DeaR revels in destabilizing the listener.
"Life After Life" is a passage into the World. At two and a half
minutes, the shortest track on the record is titled "Whales Weep
Not!" which is instrumental and psychedelic, full of reverberations and
echo effects. "Cockies Of My Heart" is sung in Latin in the Gentle
Giant-style choral intro, then throws itself back into songwriting. The
melodies are interesting and the vocals come in a new guise committed to
slightly higher tones than the norm heard so far. "Otherness" is
playfully upbeat, "Song To Grace" hints at an early keyboard solo
while "Shadow: My Soul" returns toward '70s disco. More interesting
is "To Bacharach," an inventive instrumental. "I'M Older Than I
(With No Younger Of The Two)" is average for DeaR listening, and the
concluding "Crickets (For Klaus)" is the longest song on the entire
album and to my taste also the most interesting with psychedelic interventions
and refined sounds at times spacey. This in my opinion might be the right way
to go if wisely balanced with the songwriting that is not presiding here.
Probably what DeaR's music lacks is the intervention
of an incisive solo, not that this is necessary of course, but it certainly
helps to give rhythm to the whole listening. However, this is not a flaw, in
fact in many cases there are listeners who do not expect it at all, I
personally would have appreciated it instead. "DearMe!" is a record
full of 'ideas, perhaps too many and in my opinion should be skimmed to give
more fluidity to the listening, it is certain that Davide Riccio is an
all-round artist and once again shows that he has culture and taste in this
regard. Who knows if tomorrow he will decide to start a real band? MS
venerdì 2 giugno 2023
A Red Idea
A
RED IDEA – A Second I Will Forget
Beautiful
Losers
Genere:
Cantautore / Prog Folk / Psichedelia
Supporto: Cd – Digital
Spesso
diciamo che chi fa da se fa per tre, ma la stessa frase vale anche per la
musica? In alcuni casi si, anche se di certo possono venir meno certe intese
strumentali che spesso sanno fare la differenza fra un buon disco e un
capolavoro. E’ anche vero che chi si dedica a tutti gli strumenti nutre una
passione a dir poco smisurata per la musica. Un caso è quello del veneziano
Alvise Forcellini, che presenta il progetto A Red Idea.
L’album
nella discografia dell’autore è il secondo e s’intitola “A Second I Will
Forget”, nove canzoni ispirate da un cantautorato di certo non scontato perché
nelle composizioni aleggia sia il Folk che il Progressive Rock, quest’ultimo
scaturito dal suono del Mellotron, spesso adoperato per donare al tutto un
tocco d’enfasi retrò. Il primo album è “Bed Sea Walks” del 2019. Le
strumentazioni usate sono molteplici, dalle chitarre al basso, sassofoni, a
vecchi synth analogici per un buon risultato prodotto in studio da Andrea
Liuzza.
Dice
Alvise “Sono canzoni nate in momenti e luoghi diversi, dove il filo conduttore
è il tentativo di cercare nuove soluzioni sonore. Non m’interessa rifare la
stessa cosa due volte. Per questo non si assomigliano granché.”. Questo, in
effetti, è lo spirito di chi ama anche il Rock Progressivo in tutte le sue
sfaccettature. Il disco si presenta con un artwork semplice e cartonato mentre
l’incisione è pulita e soddisfacente.
Nell’iniziale
“Above You” l’artista immagina di volare, fra chitarra e voce scorrono immagini
eteree sopra un cantato a doppia voce, maschile e femminile, dove un goccio di
psichedelia impreziosisce il sound. Adeguato anche qualche effetto eco e brevi
riferimenti (non so se sono consapevoli o meno) ai Beatles. Così accade per
l’intro di “In The Sunshine” per poi lasciare campo alla vera formula canzone
dove il ritornello è inevitabilmente il frangente più bello. La musica di A Red
Idea è sempre gentile e delicata, si evince pure dall’ascolto dell’allegra
“Keep Cuming” con i suoi “oh, oh, oh”, un passaggio nel Folk in bilico con il
sound degli anni ’80. "Life Was Only" racchiude i versi che danno il
titolo al disco: "Cosa m'importa, la vita è solo un incubo dentro a un
sogno, un secondo che dimenticherò". Qui il suono gode di sfumature Punk /
Psichedeliche.
Resto
piacevolmente colpito da “Waiting For A Sign”, canzone che mi riporta ai
Porcupine Tree più sognanti periodo di mezzo. In “I Wander” si resta attorno al
mondo di Steven Wilson, questa volta però quello del progetto Blackfield,
mentre la chitarra elettrica verso il finale dona un piacevole seppur breve
assolo. Sale il ritmo attraverso “Your Beauty Is So”, semplice e diretta mentre
“For You And I” ha un’anima gentile come in certe ballate dei Coldlplay, tuttavia
gode da se di buon carattere grazie ad un’ottima strofa. La conclusione è
affidata a “Episode 1”, strumentale Prog coinvolgente che fa da vetrina alle
capacità esecutive dell’autore, questo per me è fra i momenti più alti
dell’intero lavoro.
Alvise
è un artista completo e maturo oltre che arguto, la sua musica è proprio come
ha descritto lui, mai ripetitiva e aggiungo io anche bene arrangiata. “A Second
I Will Forget” è d’ascoltare con tranquillità senza troppi impegni, adatta
sicuramente per tutti i gusti. MS
Versione Inglese:
A
RED IDEA - A Second I Will Forget
Beautiful
Losers
Genre:
Songwriter / Prog Folk / Psychedelia
Support:
Cd - Digital
We often say that do-it-yourself makes three, but does
the same phrase apply to music? In some cases yes, although certainly certain
instrumental understandings that can often make the difference between a good
record and a masterpiece can be missed. It is also true that those who are
dedicated to all instruments harbor a passion for music that is nothing short
of boundless. A case in point is Venetian Alvise Forcellini, who presents the
project A Red Idea.
The album in the author's discography is the second
and is titled "A Second I Will Forget," nine songs inspired by a
songwriting that is certainly not obvious because in the compositions hovers
both Folk and Progressive Rock, the latter arising from the sound of the
Mellotron, often used to give the whole a touch of retro emphasis. The first
album is 2019's "Bed Sea Walks." The instrumentations used are many,
from guitars to bass, saxophones, to old analog synths for a good result
produced in the studio by Andrea Liuzza.
Says Alvise "These are songs born at different
times and places, where the common thread is the attempt to search for new
sonic solutions. I'm not interested in redoing the same thing twice. That's why
they don't sound much alike." This, indeed, is the spirit of those who
also love Progressive Rock in all its facets. The record comes with simple,
hardback artwork while the recording is clean and satisfying.
In the opening "Above You," the artist
imagines flying, between guitar and vocals ethereal images flow over a
dual-voiced male-female vocal where a dash of psychedelia embellishes the
sound. Appropriate also some echo effects and brief references (not sure if
they are conscious or not) to the Beatles.
So it is with the intro of "In The Sunshine"
and then leaves room for the real song formula where the chorus is inevitably
the most beautiful juncture. The music of A Red Idea is always gentle and
delicate, which is also evident when listening to the upbeat "Keep
Cuming" with its "oh, oh, oh," a passage into Folk poised with
the sound of the 1980s. "Life Was Only" encapsulates the album's
title lines, "What do I care, life is just a nightmare inside a dream, a
second I'll forget." Here the sound enjoys Punk / Psychedelic overtones.
I am pleasantly impressed by "Waiting For A
Sign," a song that brings me back to the more dreamy Porcupine Tree middle
period. In "I Wander" we stay around the world of Steven Wilson, this
time however that of the Blackfield project, while the electric guitar toward
the end gives a pleasant if brief solo. The pace rises through "Your
Beauty Is So," simple and straightforward while "For You And I"
has a gentle soul as in certain Coldlplay ballads, yet enjoys good character on
its own thanks to an excellent verse. The conclusion is entrusted to
"Episode 1," an engaging Prog instrumental that showcases the
author's performing skills, this for me is among the highest moments of the
entire work.
Alvise is a complete and mature artist as well as
witty, his music is just as he described, never repetitive and I would add also
well arranged. "A Second I Will Forget" is worth listening to quietly
without too much effort, definitely suitable for all tastes. MS
Le Vele Di Oniride
LE VELE DI ONIRIDE – La Quadratura
Del Cerchio
Lizard Records / Dischi Della
Locanda Del Vento / Open Mind
Genere: Progressive Rock /
Psichedelia
Supporto: digitale - 2023
Il
Rock Progressivo italiano è storicamente radicato agli anni ’70, non solo al riguardo
dei riferimenti musicali, ma anche per il comportamento distributivo del
prodotto. Esclusi i soliti nomi storici che si possono contare nelle dita di
due mani, tutti gli altri non hanno fatto che una frugale comparsa. La maggior
parte di essi si sono distinti per un disco e via, altri al massimo due, ciò
sta anche a giustificare certi prezzi dei LP in prima stampa, perché solitamente
editi in poche centinaia di copie. Poi sappiamo bene cosa sia accaduto negli
anni ’80, una transizione quasi mortale per il genere e a seguire il ritorno
nei ’90, sotto la stimolo delle band nordiche come Anglagard, Anekdoten,
Landberk, The Flower Kings etc. Oggi l’andamento è simile, anche se cambiano i
supporti, il digitale prende il sopravvento, ma siamo ancora una volta avanti
alla musica anni ‘70 presi come grande riferimento, e noi recensori ci troviamo
molto spesso a trattare band all’esordio discografico. Come già detto, molte
poi spariscono lasciando quel disco o poco più, ciò accade anche negli ultimi
decenni, probabilmente il pubblico di nicchia numericamente più di questo non
è. Un altro fattore che accomuna ancora una volta i gruppi del passato Prog a
quelli moderni sono i nomi che si danno, mai scontati e, generalmente composti
di tre parole, probabilmente anche questo è un segnale da mandare a un fans, sta
significando che qui c’è del Prog! La cosa che stupisce è la qualità mediamente
buona delle realizzazioni, anche se spesso non supportate da una buona voce.
Tanti onorevoli debutti a testimonianza che i musicisti sono preparati e con
buone idee melodiche, d’altro conto le nostrane case discografiche fanno più
del dovuto, scommettendo oggi su una musica che di sicuro è destinata a restare
per un pubblico sempre non numeroso, a loro va tutta la mia ammirazione e stima.
Detto
questo, mi ritrovo davanti ad un nuovo debutto, questa volta proveniente da
Imola, loro si chiamano Le Vele Di Oniride e sono formati da Nello
De Leo (chitarre, cori), Francesco Ronchi
(voce,
cori), Lorenzo Marani (basso), Jacopo Cenesi (batteria) e Cristiano Costa (tastiere,
sintetizzatori, pianoforte). La Lizard non è nuova nell’accompagnare il
supporto ottico con buoni packaging, qui cartonato con le figure create da
Egidio Marullo perfettamente inserite nel contesto sonoro.
Il
sound proposto fa staffetta fra suoni Dark e passaggi prettamente storici nel Prog
anni ’70, immaginate di miscelare la Premiata Forneria Marconi al Biglietto Per
L’Inferno, quelli dal sound Hard Prog, il tutto condito con un poco di
Psichedelia. Le Vele Di Osiride si spiegano per salpare nella musica attraverso
“Sogni Infranti”, quasi otto minuti di musica ragionata e allo stesso tempo
diretta senza troppi fronzoli. Sono quei brani che ti fanno amare il genere
senza compromessi. Le parti strumentali sono il piatto forte, anche se la voce
di Francesco Ronchi è una volta tanto sopra la media del genere. Tanta storia
fra le note, e anche freschezza, un approccio giusto che sicuramente farà la
gioia dell’ascoltatore. L’Hammond ruggisce, così i synth. Un arpeggio Neo Prog
dal profumo “He Knows You Know” dalla Marillioniana memoria apre “L’Illusione
Dell’Oblio”. Cambi di ritmo e di umore
fanno scorrere il tempo tanto che cinque minuti mi sembrano uno. “Catarsi”
rispecchia a pieno gli stilemi del Prog, questa volta la chitarra di sottofondo
riporta ai tempi dei Genesis Gabrielliani. Le ampie ripartenze strumentali
dall’ampio respiro sono la carta vincente delle canzoni, anche se ancora una
volta il piacere dell’ascolto vocale è intenso. Intrigante “Apologia Di Reato”
dove si possono ascoltare perfino effluvi arabeggianti. D’atmosfera l’inizio di
“Isolazione”, altra vetrina delle capacità sia tecniche che di composizione da
parte dei musicisti che tendono a non annoiare mai l’ascoltatore. Ritmo per
“Madri Di Niente, Figli Di Nessuno” e qui fanno capolini i citati Biglietto Per
L’Inferno. Nuovamente le tastiere ricoprono un ruolo importante, così
l’interpretazione vocale (anche effettata), sentita e recitata. E come si dice
in latino, dulcis in fundo, “Miraggi Remoti” non a caso è il pezzo che ho
gradito maggiormente.
Mi
ritrovo infine a tessere le lodi all’ennesimo debutto discografico nel
Progressive Rock Italiano ma questa volta auguro ai bravi Le Vele Di Osiride di
non arrenarsi nel pantano del passato che nel tempo dimostra di relegarti
solamente a gruppo di nicchia. Per fare questo bisogna osare molto e la band di
Imola le carte in regola ne hanno da vendere, se così è l’inizio, le premesse
ci sono tutte. MS
Versione Inglese:
LE VELE DI ONIRIDE - La Quadratura Del Cerchio
Lizard Records / Dischi Della
Locanda Del Vento / Open Mind
Genre:
Progressive Rock / Psychedelia
Support:
digital – 2023
Italian Progressive Rock is historically rooted in the
1970s, not only in regard to musical references, but also in the distribution
behavior of the product. Excluding the usual historical names that can be
counted in the fingers of two hands, all others have made but a frugal
appearance. Most of them stood out for one record and away, others at most two;
this also stands to justify certain prices of first-press LPs because they were
usually issued in a few hundred copies. Then we know well what happened in the
1980s, an almost fatal transition for the genre, followed by a comeback in the
1990s, under the stimulus of Nordic bands such as Anglagard, Anekdoten,
Landberk, The Flower Kings etc. Today the trend is similar, although the media
change, digital takes over, but we are once again ahead of the 70s music taken
as a great reference, and we reviewers find ourselves very often dealing with
bands on their recording debut. As already mentioned, many then disappear
leaving that record or little more, this happens even in the last decades,
probably the niche audience numerically more than that is not. Another factor
that again unites past Prog groups with modern ones are the names they give
themselves, never obvious and, generally consisting of three words, this is
probably also a signal to send to a fan, it is signifying that there is Prog
here! What is surprising is the average good quality of the accomplishments,
though often not supported by a good voice. So many honorable debuts testifying
that the musicians are prepared and with good melodic ideas, on the other hand
our own record companies are doing more than their due, betting today on a
music that for sure is destined to remain for an always not numerous audience,
to them goes all my admiration and esteem.
That said, I find myself in front of a new debut, this
time coming from Imola, they are called Le Vele Di Oniride and are formed by
Nello De Leo (guitars, backing vocals), Francesco Ronchi
(vocals, backing vocals), Lorenzo Marani (bass),
Jacopo Cenesi (drums) and Cristiano Costa (keyboards, synthesizers, piano).
Lizard is no stranger to accompanying the optical medium with good packaging,
here hardback with figures created by Egidio Marullo perfectly placed in the
sound context.
The proposed sound relays between Dark sounds and
purely historical passages in 70s Prog, imagine mixing Premiata Forneria
Marconi with Biglietto Per L'Inferno, those with a Hard Prog sound, all
seasoned with a little Psychedelia. The Sails Of Osiris unfurl to set sail in
the music through "Shattered Dreams," almost eight minutes of
reasoned yet straightforward music without too many frills. It is those tracks
that make you love the genre without compromise. The instrumental parts are the
highlight, although Francesco Ronchi's vocals are once in a while above average
for the genre. Lots of history between the notes, and freshness too, a right
approach that is sure to delight the listener. The Hammond roars, so do the
synths. A Neo Prog arpeggio with the scent of "He Knows You Know" from
Marillionian memory opens "The Illusion Of Oblivion." Changes of rhythm and mood keep the tempo
moving so much that five minutes feels like one. "Catharsis" fully
reflects the styles of Prog, this time the background guitar takes one back to
the days of Gabriellian Genesis. The wide-ranging instrumental restarts are the
songs' trump card, though once again the vocal listening pleasure is intense.
Intriguing "Apologia Di Reato" where even arabesque effluvia can be
heard. Atmospheric is the beginning of "Isolation," another showcase
of both technical and compositional skills on the part of the musicians who
tend to never bore the listener. Rhythm for "Mothers Of Nothing, Sons Of
Nobody" and here the aforementioned Ticket To Hell peeps in. Again the
keyboards play an important role, so does the vocal performance (also
effected), heartfelt and acted. And as they say in Latin, dulcis in fundo,
"Miraggi Remoti" not surprisingly is the piece I enjoyed the most.
Finally, I find myself singing the praises to yet another
recording debut in Italian Progressive Rock but this time I wish the good Le
Vele Di Osiride not to arrenge in the quagmire of the past that over time
proves to relegate you only to a niche band. To do this you have to dare a lot
and the band from Imola have the cards to spare, if this is the beginning, the
premises are all there. MS
Claudio Milano End Friends
CLAUDIO MILANO END FRIENDS (La
Bobina Di Tesla) – ManifestAzioni
Music Force
Distribuzione: Egea Music
Genere: Sperimentale
Supporto: cd – 2023
Claudio
Milano per chi vi scrive è una vecchia conoscenza, ho avuto modo e la fortuna
di poter seguire la carriera di questo bravissimo ricercatore vocale,
compositore, attore e musicoterapista eclettico nel corso del tempo. Un’abbondante
fonte d’idee ha accompagnato le sue realizzazioni provenienti da numerosi
progetti e collaborazioni quali NichelOdeon, InSonar, Adython Project e altre
ancora. E’ stato vincitore del premio “Omaggio A Demetrio Stratos” nel 2010 e
poi Progawards del 2008 e 2010 oltre che “Artefatto – Motus Urbis” (2011-2012).
Difficile nominare tutti gli artisti con cui ha collaborato, alcuni nomi sono
Walter Calloni, Gian Paolo Tofani (Area), Ares Tavolazzi (Area) e Luca
Casiraghi. Performer del teatro della voce, Milano si dedica anche alla musica
medioevale e poi al Folk, Rock, Avanguarde, Elettronica, Ambient, Jazz Fusion e
Classica antica. Anche la lingua per il cantato non è sempre la stessa,
variando dall’italiano al tedesco, il greco, il latino, il francese, dialetti,
grammelot in stile dario Fo e medievale.
Essendo
un personalissimo scrutatore della musica, l’artista viene anche da me nominato
e intervistato nell’enciclopedia “Progressive Rock Italiano 1980 – 2013”
(Arcana), nella quale dimostra tutta la sua cultura riguardo all’approccio sia
vocale sia fisico alla musica. Tutto quello che nel corso della carriera
artistica ha realizzato, non è di certo banale, un approccio volutamente
ricercato dettato sicuramente dalla curiosità oltre che da una grande
ispirazione sorta dall’amore che infonde in tutto ciò che è suono. La Music
Force mette a segno un bel bersaglio relegando nella scuderia Claudio Milano,
se vogliamo, possiamo inserirlo quindi nel contesto Progressive Rock grazie
alla suddetta voglia di sperimentare.
Numerosi
i teatri girati dal cantante, in altrettante date dal vivo che qui in questo
ricco doppio cd “ManifestAzioni” sono immortalati in tutta la loro freschezza
oltre che sincerità. In un triplice formato cartonato contenente il classico
libretto in cui si possono evincere i credits oltre che tutte le informazioni concernenti
i casi, ci sono belle foto che ritraggono Milano nelle numerose
interpretazioni. L’artwork che mi richiama certi lavori della storica Cramps è
di Niccolò Clemente mentre il booklet è per mano di Amerigo Latagliata.
Le
prestazioni sono scaglionate nel tempo, tutte mai edite tranne “Amanti In
Guerra”. Entrare nel mondo di Claudio Milano è come perdersi in un labirinto
cromatico fatto di chiaroscuri e colori secondo le esigenze di testo. I brani
sono estratti da concerti che vanno dal 2011 a oggi.
Non
si può certamente fare la disamina brano per brano perché servirebbe un testo
biblico per realizzare il tutto, però vengo a sottolineare gli estratti che più
mi hanno colpito da quello degli Area Open Project, sempre taglienti e alla
ricerca della destabilizzazione, il pezzo in questione s’intitola “Per Causa –
Nostra” dove i vocalizzi si susseguono proprio come ha saputo fare il mai
troppo compianto Demetrio Stratos. Il lavoro alla chitarra di Tofani è
devastante oltre che simpaticamente dedicato al brano “Apache”. Seguono quattro pezzi de i Sincopatici dove Milano
si dedica anche a canti sciamani oltre che polifonici, come nel caso specifico
dell’intro di “Che Il Piacere E’ Peccato?”. La capacità di modulare e plasmare
le corde vocali secondo i casi è davvero stupefacente, a dimostrazione di un
lungo studio personale che lascia intuire sia lo sforzo, sia l’estro. Seguono
due brani storici di NichelOdeon, “Amanti In Guerra” e “Secca In Festa”,
malinconico il primo e delicato il secondo. Il progetto InSonar è rappresentato
da “Gallia#4”, le registrazioni sono qualitativamente ottime grazie al Sound
Designer Paolo Siconolfi. La conclusione del cd1 è un tributo a Claudio Rocchi,
sentito e sincero nella narrazione e nelle constatazioni del caso. Il secondo
disco ottico racchiude altre perle, inizia subito “Madre Pagana”, sola voce e a
seguire “Per Causa - Nostra pt 2” assieme a Gerardo Ferrara e Paolo Tofani che
ritroviamo anche in “Incontro – Medley”. Strepitosa interpretazione in “Cramars
Marochins Pt 2”, la voce che duetta e vibra assieme al violoncello fra le parole
di Leonardo Zanier figura di grande rilievo nella storia dell'emigrazione
italiana del secondo dopoguerra purtroppo spentosi nel 2017. Ricca di suoni e
colori la suite “Da La Leggenda Di Zlatarog: Identità/Claps” e il resto lascio
alla vostra curiosità.
Questo
monumentale “ManifestAzioni” trapela d’amore per la band Area, anche nel titolo
oltre che nell’artwork e nei suoni, ma c’è molto di più, qui risiede l’anima di
un artista che non sa cosa sia scendere a compromessi. Oggi come oggi è una
pazzia stare fuori dai canoni dell’ovvio. In una società dove l’essere uguale
tranquillizza gridare con personalità il proprio essere quasi spaventa, ma a
mio modo d’intendere le cose c’è bisogno di uno, dieci, centomila Claudio
Milano! Attenzione: Qui contiene arte pura. MS
Versione Inglese:
CLAUDIO
MILANO END FRIENDS (The Tesla Coil) - ManifestActions
Music
Force
Distribution:
Egea Music
Genre:
Experimental
Support:
cd – 2023
Claudio Milano for the writer is an old acquaintance,
I have had the opportunity and the good fortune to be able to follow the career
of this very talented vocal researcher, composer, actor and eclectic music
therapist over time. An abundant source of ideas has accompanied his
accomplishments from numerous projects and collaborations such as NichelOdeon,
InSonar, Adython Project and others. He was winner of the "Homage To
Demetrio Stratos" award in 2010 and then Progawards of 2008 and 2010 as
well as "Artefact - Motus Urbis" (2011-2012). Difficult to name all
the artists he has collaborated with, some names are Walter Calloni, Gian Paolo
Tofani (Area), Ares Tavolazzi (Area) and Luca Casiraghi. A performer of vocal
theater, Milan also devotes himself to medieval music and then to Folk, Rock,
Avant-garde, Electronic, Ambient, Jazz Fusion and Early Classical. Even the
language for singing is not always the same, varying from Italian to German,
Greek, Latin, French, dialects, Dario Fo-style grammelot and medieval.
Being a very personal scrutinizer of music, the artist
is also named and interviewed by me in the encyclopedia "Italian
Progressive Rock 1980 - 2013" (Arcana), in which he demonstrates all his
culture regarding both vocal and physical approach to music. Everything he has
accomplished over the course of his artistic career is certainly not trivial, a
deliberately researched approach surely dictated by curiosity as well as a
great deal of inspiration born of the love he instills in everything that is
sound. Music Force scores a nice target by relegating Claudio Milano to the Claudio
Milano stable, if you will, we can then place him in the Progressive Rock
context thanks to the aforementioned desire to experiment.
Numerous theaters shot by the singer, in as many live
dates that here in this rich double CD "ManifestAzioni" are immortalized
in all their freshness as well as sincerity. In a triple hardback format
containing the classic booklet in which the credits as well as all the
information concerning the cases can be evinced, there are beautiful photos
depicting Milan in the numerous performances.
The artwork that reminds me of certain works by
historic Cramps is by Niccolò Clemente while the booklet is at the hands of
Amerigo Latagliata.
The performances are staggered in time, all never
edited except "Amanti In Guerra." Entering Claudio Milano's world is
like getting lost in a chromatic labyrinth made of chiaroscuro and colors
according to the needs of the lyrics. The songs are excerpts from concerts
ranging from 2011 to the present.
It is certainly not possible to do the track-by-track
examination because it would take a biblical text to accomplish it all, however
I come to point out the excerpts that struck me the most from the one by Area
Open Project, always edgy and in search of destabilization, the piece in
question is titled "Per Causa - Nostra" where the vocals follow one
another just as the never too late Demetrio Stratos knew how to do. Tofani's
guitar work is devastating as well as sympathetically dedicated to the track
"Apache." This is followed by
four pieces by the Syncopaths where Milan also engages in shamanic as well as
polyphonic chanting, as in the specific case of the intro to "That
Pleasure Is Sin?" The ability to modulate and shape the vocal chords as
appropriate is truly amazing, demonstrating a long personal study that hints at
both effort and flair. Two historic NickelOdeon songs follow, "Amanti In
Guerra" and "Secca In Festa," melancholy the former and delicate
the latter. The InSonar project is represented by "Gallia#4," the
recordings are qualitatively excellent thanks to Sound Designer Paolo
Siconolfi. The conclusion of cd1 is a tribute to Claudio Rocchi, heartfelt and
sincere in the narration and findings of the case. The second optical disc
encompasses other gems, beginning immediately with "Madre Pagana,"
solo vocals and followed by "Per Causa - Nostra pt 2" together with
Gerardo Ferrara and Paolo Tofani who we also find in "Incontro -
Medley." Stunning performance in "Cramars Marochins Pt 2," the
voice dueting and vibrating together with the cello among the words of Leonardo
Zanier a major figure in the history of Italian emigration after World War II
who unfortunately passed away in 2017. Rich in sound and color is the suite
"From The Legend Of Zlatarog: Identity/Claps" and the rest I leave to
your curiosity.
This monumental "ManifestActions" seeps with
love for the band Area, even in the title as well as the artwork and sounds,
but there is much more, here lies the soul of an artist who does not know what
it is to compromise. In this day and age it is madness to stand outside the
canons of the obvious. In a society where being the same tranquilizes to shout
with personality one's being almost frightens, but in my way of understanding
things there is a need for one, ten, a hundred thousand Claudio Milano!
Warning: It contains pure art here. MS
David Madnight & Luca Spadaccini
DAVID
MADNIGHT & LUCA SPADACCINI – War Machine
Music
Force
Distribuzione:
Egea Music
Genere:
Rap, Hip-Hop
Supporto: cd – 2023
Per
capire dove sta andando la musica e come si sta evolvendo, bisogna
necessariamente ascoltare di tutto, tanto più se nel mirino del cuore si ha il
Rock Progressivo o il Metal. Le influenze possono giungere da ogni parte, dalla
classica, dal Folk, dal Punk etc. Mi ricordo ad esempio che il Rap entrò anche
nel Metal attraverso un EP molto interessante dei mitici Anthrax del 1987
intitolato “I'm The Man”. Generi apparentemente distanti quando invece sono
accomunati entrambi dall’essere viatico di protesta.
Ma
non esistono solamente esperimenti sonori, ci sono anche quelli d’approccio
alla musica, incontri particolari che possono dare risalto maggiore al
messaggio che un artista vuole passare all’ascoltatore. Un esempio lo abbiamo
con il progetto David Madnight (rapper) e Luca Spadaccini (campione di pesi
mediomassimi italiano). Musica e sport, un connubio semplice dove uno
solitamente alimenta l’altro, quante volte si fa ad esempio jogging con le
cuffie per attingere ulteriore energia dalla musica che ci fa scaturire dal
cervello la dopamina?
Madnight
(Davide Capuzzi) inizia la carriera artistica nel 2010 ed è stato fra i primi
rappers italiani mascherati. Ha militato nel 2000 nel gruppo Hip Hop abruzzese
MissiDominici. Nel 2011 si approccia verso la scena Metal e forma la band
Crossover Arkan Asylum. Si adopera anche nella beneficenza donando soldi nel
2020 per la ricerca contro il cancro attraverso i proventi del singolo “My
Diamond” registrato da solista assieme alla cantante Paola Edmea Isaja, e altre
cose ancora. Tutta questa esperienza è palpabile nel disco “War Machine”
formato da nove tracce di uno stesso pezzo edito in diversi formati e stili.
Tengo
a rilevare la buona registrazione e il giusto apporto compositivo di
Spadaccini. Un “Intro” apre le danze, due minuti per un inno al non arrendersi
mai nella vita. Echi, vocali donano profondità oltre che intensità al concetto.
Suono
minimale dotato d’ipnotica essenza che conduce al pezzo forte del disco, la
title track “War Machine”. Questa volta è il suono di una chitarra metallica a
fare da base. Musicalmente tutto è di facile memorizzazione. Segue la versione
dello stesso brano intitolata “War Machine International Version” con la
partecipazione alla voce dell’ospite Morna. Qui il testo è cantato in lingua
inglese. E poi “Radio Edit”, “The Original Rmx” e “Metalcore Version” (la mia
preferita) dove la chitarra elettrica diventa un rasoio grazie anche a un
ottimo assolo. C’è spazio anche per un altro brano intitolato “Fight Clubbing”,
leggermente pesante e dall’incedere in mid tempo. Così dopo l’”Intro” giunge
“L’Outro”, pezzo d’atmosfera questa volta supportata in modo importante dalle
tastiere.
David Madnight & Luca Spadaccini con
questo disco traducono in suono un bel pugno allo stomaco. Chi si arrende è
perduto… Fight! MS
DAVID
MADNIGHT & LUCA SPADACCINI - War Machine
Music
Force
Distribution:
Egea Music
Genre:
Rap, Hip-Hop
Support:
cd – 2023
To understand where music is going and how it is
evolving, you necessarily have to listen to everything, all the more so if you
have Progressive Rock or Metal in your heart's sights. Influences can come from
all over, from classical, Folk, Punk etc. For example, I remember that Rap also
entered Metal through a very interesting EP by the legendary Anthrax in 1987
entitled "I'm The Man." Genres apparently distant when in fact they
are both united by being viaticum of protest.But there are not only sound
experiments, there are also those of approach to music, particular encounters
that can give greater emphasis to the message that an artist wants to pass to
the listener. We have an example with the David Madnight (rapper) and Luca
Spadaccini (Italian middleweight champion) project. Music and sports, a simple
union where one usually fuels the other, how many times do we jog for example
with headphones on to draw additional energy from the music that triggers
dopamine from our brains?Madnight (Davide Capuzzi) began his artistic career in
2010 and was among the first Italian masked rappers. He militated in 2000 in
the Abruzzo-based Hip Hop group MissiDominici. In 2011 he approached towards
the Metal scene and formed the Crossover band Arkan Asylum. He also works in
charity by donating money in 2020 for cancer research through the proceeds of
the single "My Diamond" recorded solo with singer Paola Edmea Isaja,
and other things. All this experience is palpable in the album "War
Machine" consisting of nine tracks of the same song edited in different
formats and styles.
I would like to note Spadaccini's good recording and
proper compositional input. An "Intro" opens the dance, two minutes
for a hymn to never giving up in life. Echoes, vocals lend depth as well as
intensity to the concept.
Minimal sound endowed with hypnotic essence that leads
to the album's highlight, the title track "War Machine." This time it
is the sound of a metal guitar that serves as the basis. Musically everything is
easy to memorize. This is followed by a version of the same track entitled
"War Machine International Version" featuring guest vocals by Morna.
Here the lyrics are sung in English. And then "Radio Edit," "The
Original Rmx" and "Metalcore Version" (my favorite) where the
electric guitar becomes a razor thanks also to an excellent solo. There is also
room for another track titled "Fight Clubbing," which is slightly
heavy and has a mid tempo procession. So after the "Intro" comes
"L'Outro," an atmospheric piece this time supported in an important
way by keyboards.
David Madnight
& Luca Spadaccini with this record translate into sound a beautiful punch
to the stomach. He who gives up is lost... Fight! MS
domenica 28 maggio 2023
Il Rock Oggi
IL
ROCK OGGI
La
musica cambia in base alla società del momento.
Il
Rock in special modo è il suo viatico di protesta, attraverso i testi delle
canzoni o in qualche caso dalle sonorità di certe strumentazioni impegnate in
composizioni astruse. Il Rock vero e proprio ha successo sin dagli anni ’60, l’Inghilterra
e l’America partono a mille, i nostri “capelloni” tuttavia giungono decisamente
dopo. Gli anni ’60 sono molto politicizzati e la musica ci cade a pennello. La
controcultura, gli anni della contestazione, quelli di piombo, fa si che l’individuo
rimanesse a se stante. Ognuno di noi doveva essere differente da un altro, da
qui la necessità di creare sempre qualcosa di diverso.
Io non sono uguale a nessuno.
I
tempi cambiano negli anni ’80 quando la società grazie alla commercializzazione
delle tv si conforma, passando a un apparente e più rassicurante “Siamo tutti
uguali”. Un programma televisivo su tutti da portare come esempio è Drive In,
dove è sponsorizzata la società giovanile del “Paninaro”, esso ascolta la
stessa musica, veste uguale e addirittura parla in un linguaggio nuovo con
termini inventati.
Gli
anni ’90 con l’avvento d’internet, apportano a questa compattazione sociale un
collante in più, la possibilità di avere e vedere tutto in casa. I media hanno
gettato quindi le basi per tenere la popolazione sotto controllo, anche
attraverso il successo della telefonia che ci ha reso anche oggi schiavi totali.
L’avere
sempre più cose di cui non si può fare a meno, porta la società alla rovina, l’ha
predetto negli anni ’70 anche Pierpaolo Pasolini definendo il consumismo “Il
nuovo potere che inganna l’uomo” una dittatura. Ma la società del momento non
vuole restare dietro a nessuno, magari una persona non arriva con il denaro alla
fine del mese, però ha lo Smartphone, senza il quale socialmente sarebbe tagliato
fuori. Oggi si lavora per pochi Euro, ricattati da un sistema che ha vinto la
propria partita.
Tutto questo ha un’esclusiva musica di protesta, così gli anni ’60, ’70, ’80, etc. Ecco che il Rock si presta a tanto. Quante volte abbiamo sentito dire per esempio dai nostri genitori “La musica di una volta era meglio”? Così hanno detto i nostri nonni a loro e noi diremo ai nostri figli, e così via.
La
realtà è un'altra, siamo noi fermi dentro ad una bolla che ci siamo creati come
anticorpo alla società. La canzone che amiamo, quella che ci ricorda il primo
amore, il periodo più bello della nostra vita ossia la gioventù, è per noi la
musica più bella del mondo, per cui non accettiamo una sua evoluzione che ci
distacca da questo rassicurante “essere”.
Il Rock post anni ’70 prende un'altra piega, passando da protesta feroce, (un esempio è quello degli Area) a quello commerciale degli anni ’80.
Questo accade
perché giunge il benessere, il lavoro ci rende liberi, la società sta bene e il
genere in esame si veste di melodie accattivanti e lustrini. Il top si raggiunge
nei primi anni ’90, da qui in poi le cose cambiano. La globalizzazione comincia a fare il suo inesorabile
lavoro, dall’Europa e al cambio da Lira a Euro. Il resto è modernità, la
società di oggi conosce bene il suo status quo. Il Rock in tutto questo si
affievolisce, diventa una moda solo per un anno nel 2022 con i Maneskin che
vincono l’Eurovision, ma una rondine non fa primavera, come sappiamo, bene ogni
anno torna di moda un qualcosa del passato, poi si cambia immediatamente.
Ecco,
questa parola: IMMEDIATAMENTE,
rispecchia cosa siamo oggi. Tutti di corsa, lavoriamo di corsa, mangiamo di
corsa, ascoltiamo di corsa etc. porta ad un’imbarazzante superficialità
culturale. Il discorso è identico per il leggere. Molti, infatti, vedendo scritte così tante parole, avranno
già abbandonato questo post da tempo. Se siete giunti a leggere sino a questo
punto significa che siete potenzialmente “differenti” dalla media, ossia avete
una personalità forte, quella che invece nel tempo è andata a sparire. Tutti
corrono e per questo la musica sta morendo come mestiere. E qui mi rivolgo ai
futuri musicisti: E’ inutile che suonate se non c’è chi vi ascolta. Si, perché oggi
la musica non si ascolta ma si sente, un frugale scorrere con il ditino sul
telefonino e via, il file è cambiato. Il file… La musica va ascoltata dal vivo
o con un buon impianto stereo! Oggi abbiamo tutto, e quindi non sappiamo
niente. La soluzione sta nel fermarsi per riappropriarsi dell’ascolto e non del
sentire (sentire significa aver captato un suono ma non averci fatto caso,
ascoltare è il contrario, ossia dedicare tutta l’attenzione ad esso escludendo
il contorno). L’ascoltare è importante non solo per la musica, ma soprattutto
per i rapporti societari. Dobbiamo tornare ad ascoltarci se vogliamo cambiare
il nostro stato sociale.
In
parole povere, bisogna preparare il
pubblico all’ascolto.
Il
Rock c’è sempre, è cambiato nel tempo, ma c’è, basta saperlo cercare uscendo
dalla corrente del fiume “media” che ci sta portando via. Io godo della musica
di ogni periodo, sono open mind, in parole povere ho rotto la suddetta bolla e
godo di musica in ogni periodo, tutto questo però non senza relativi sforzi nel
ricercarla.
Riprendiamoci
la personalità stracciata e soprattutto ascoltiamoci, se vogliamo cambiare le
cose, altrimenti restiamo in questa rassegnata situazione nella quale siamo
semplici burattini con il codice a barre.
Ritorno
a dire che la musica rappresenta la società del momento, fate le vostre
conclusive considerazioni.
Versione Inglese:
THE ROCK TODAY
Massimo Salari
Music changes according to the society of the
moment.Rock especially is its viaticum of protest, through song lyrics or in
some cases by the sounds of certain instrumentation engaged in abstruse
compositions. Real Rock has been successful since the 1960s, England and
America get off to a flying start, our "big hairs" however come
definitely later. The 1960s are very politicized and the music falls right into
it. The counterculture, the years of contestation, the years of lead, makes the
individual stand alone. Each of us had to be different from another, hence the
need to always create something different.I am not the same as anyone.Times
changed in the 1980s when society thanks to the commercialization of TV
conformed, moving to an apparent and more reassuring "We are all the
same." One TV program out of all to bring as an example is Drive In, where
the youth society of the "Paninaro" is sponsored, it listens to the
same music, dresses the same and even speaks in a new language with invented terms.
The 1990s with the advent of the internet, bring to this social compacting an
extra glue, the ability to have and see everything in the home. The media then
laid the foundation for keeping the population under control, including through
the success of telephony, which has made us total slaves even today.Having more
and more things that we cannot do without leads society to ruin, Pierpaolo
Pasolini also predicted this in the 1970s, calling consumerism "The new
power that deceives man" a dictatorship. But the society of the moment
does not want to get behind anyone, maybe a person does not make it to the end
of the month with money, however, he has the Smartphone, without which socially
he would be cut off. Today people work for a few Euros, blackmailed by a system
that has won its game.
All of this has unique protest music, so the 60s, 70s,
80s, etc. Here Rock lends itself to so much. How many times have we heard our
parents say, for example, "Music used to be better"? So our
grandparents said to them and we will say to our children, and so on.
The reality is something else, it is us stuck inside a
bubble we have created for ourselves as an antibody to society. The song we
love, the one that reminds us of our first love, the most beautiful time of our
lives i.e., youth, is for us the most beautiful music in the world, so we do
not accept an evolution of it that detaches us from this reassuring
"being."
Post-1970s Rock takes another turn from fierce
protest, (an example is Area) to the commercial rock of the 1980s. This happens
because prosperity arrives, work makes us free, society is doing well, and the
genre under consideration is dressed in catchy melodies and sequins. The top is
reached in the early 1990s, from here on things change. Globalization begins to do its inexorable
work, from Europe and the change from Lira to Euro. The rest is modernity;
today's society knows its status quo well. Rock in all this fades away, it
becomes a fad only for one year in 2022 with Maneskin winning Eurovision, but
one swallow doesn't make a summer, as we know, well every year something from
the past comes back into fashion, then it changes immediately.
Here, this word: IMMEDIATELY, reflects what we are
today. All rushing, working on the run, eating on the run, listening on the run
etc. leads to an embarrassing cultural shallowness.
The converse is identical for reading. Many, in fact,
seeing so many words written, will have long since abandoned this post. If you
have come to read up to this point, it means that you are potentially
"different" from the average, that is, you have a strong personality,
one that has instead been disappearing over time. Everyone is running and that
is why music is dying as a craft. And here I turn to future musicians: It is
useless for you to play if there is no one listening to you. Yes, because today
music is not listened to but heard, a frugal scrolling with your little finger
on your phone and off you go, the file has changed. The file--music has to be
heard live or with a good stereo system! Today we have everything, and so we
know nothing. The solution lies in stopping to reacquaint ourselves with
listening and not hearing (hearing means having picked up a sound but not
paying attention to it, listening is the opposite, i.e., devoting all attention
to it to the exclusion of the surrounds). Listening is important not only for
music but especially for societal relationships. We need to go back to listening
if we want to change our social status.
Simply put, we need to prepare the audience for
listening.
Rock is always there, it has changed over time, but it
is there, you just have to know how to look for it by getting out of the
current of the "media" river that is taking us away. I enjoy music in
every period, I am open minded, simply put I have broken the above bubble and
enjoy music in every period, all this however not without relative efforts in
searching for it.
Let us take back the shredded personality and above
all let us listen to each other if we want to change things, otherwise let us
remain in this resigned situation in which we are mere bar-coded puppets.
I return to say that music represents the society of
the moment, make your own concluding remarks.