Scarled

SCARLED – 金継ぎ (Kintsugi)
Lizard Records
Genere: New Wave / Progressive Rock
Supporto: cd – 2023

La vita si sa con gli anni ci procura segni sia nella mente sia nel corpo, le cosiddette esperienze che se non sono positive tentiamo di rimuovere. Questo non è sempre possibile, specialmente nel corpo e sfido conoscere qualcuno che non è orgoglioso di averle, esse stanno significando “sono vivo con le mie consapevolezze”. Questo concetto è trattato in un album di debutto di una band trevigiana che trapela il senso anche nel proprio nome, Scarled. Così spiega la bio della band: “ SCAR-LED, unione di “cicatrice” e “led”, vuole sintetizzare il pensiero per cui le cicatrici, intese sì come fisiche, ma in particolar modo nell'animo, siano qualcosa da non nascondere ma, anzi, da mostrare con orgoglio in quanto rappresentanti delle difficoltà attraversate e della crescita avvenuta.”.
 Pierfederico Duprè (voce, chitarra, basso, tastiere), Samuele Callegari (tastiere, synths, piano, flauto), e Milo Furlan (batteria) sono i nomi che compongono questo gruppo dedito a un misto di stili che vanno dal Rock anni ’80 alla Psichedelia, al vintage e sonorità più moderne vicine ai Porcupine Tree. Con le illustrazioni di LucyFaery e la grafica di Francesco Momi, il disco è contenuto in una confezione cartonata contenente anche il libretto in cui sono scritti i testi oltre che una foto psichedelica della band. Il disco è anticipato da tre singoli, “Moving”, “Factory” e “Owl Song” e tutti e tre potete vederli anche su You Tube (oltre che qui nel blog).
Le canzoni proposte hanno tutte una durata abbastanza breve, al massimo di quattro minuti, a testimonianza della volontà del trio di andare direttamente al sodo, senza perdersi in inutili fronzoli, e si evince immediatamente all’ascolto di “Morningstar”. La voce è calda, la musica ben registrata mostra la cura per gli arrangiamenti, mentre soavi arie lasciano l’ascoltatore sospeso con la fantasia.
Sale il ritmo attraverso “Burn It”, elementi elettronici avvicinano il sound alla New Wave anni ’80, le tastiere dunque sono in prima linea, mentre gli Scarled ancora una volta ricercano un ritornello gradevole da ascoltare.  Intimistica “Underwater”, quasi vicina al mondo dei No Man di Steven Wilson, musica inizialmente minimale per poi crescere durante il cammino. “Mind Flight” ha ritmo da vendere, altro brano da ballare vicino alla New Wave, anche se non priva di cambi tempo. Attraverso “Heal” andiamo a conoscere un altro aspetto del carattere del trio, una ballata toccante dove i Déjà vu sono presenti, ma trapelano un gusto per la melodia notevole. Psichedelia per “Lightbulb”, titolo familiare ai fans dei Porcupine Tree, in questo caso siamo di fronte ad uno strumentale d’effetto, dove il suono porta la mente a staccarsi dal suolo per intraprendere viaggi alati. Synths riportano la musica in un ambiente ballabile, “New Dawn” è in collaborazione con l’ospite High Flying mentre “Shine” è piano e voce, vicina al mondo dei Pink Floyd. Segue il primo singolo “Moving”, musica ancora una volta basata principalmente sui synth ma dall’animo sensibilmente dolce, difficile restare fermi durante l’ascolto. “Factory” mostra eleganza e si staglia nell’universo di Steven Wilson con rispetto e personalità. Chiude l’album il terzo singolo “Owl Song”, canzone energica che mette in mostra le capacità totali della band e ancora una volta la volontà di essere diretti e orecchiabili.
Gli Scarled sono quasi anomali nel mondo del Progressive Rock Italiano, unire ciò che ha fatto fermare nella fine degli anni ’70 il genere, ossia anche la New Wave, unendola alla psichedelia ha dell’inventiva, e il risultato è gradevole e non troppo impegnativo. Complimenti ai ragazzi in questione e li attendiamo avanti nuove prove per capire dove va a parare realmente il loro carattere. MS

 
SCARLED - 金継ぎ (Kintsugi)
Lizard Records
Genre: New Wave / Progressive Rock
Support: cd - 2023

 
Life you know with the years gives us marks in both mind and body, so-called experiences that if they are not positive we try to remove. This is not always possible, especially in the body and I defy to know anyone who is not proud to have them, they are signifying "I am alive with my awareness." This concept is covered in a debut album by a band from Treviso that leaks the meaning even in its own name, Scarled. This is how the band's bio explains it: " SCAR-LED, union of "scar" and "led," is meant to summarize the thought that scars, understood yes as physical, but especially in the soul, are something not to be hidden but, rather, to be shown with pride as representatives of the difficulties gone through and the growth that has occurred."
 Pierfederico Duprè (vocals, guitar, bass, keyboards), Samuele Callegari (keyboards, synths, piano, flute), and Milo Furlan (drums) are the names that make up this group devoted to a mixture of styles ranging from 80s Rock to Psychedelia, vintage and more modern sounds close to Porcupine Tree. With illustrations by LucyFaery and artwork by Francesco Momi, the record is contained in a hardback package that also contains the booklet in which the lyrics are written as well as a psychedelic photo of the band. The record is anticipated by three singles, "Moving," "Factory" and "Owl Song," and all three can also be seen on You Tube (as well as here in the blog).
The songs on offer are all quite short in length, at most four minutes, a testament to the trio's willingness to cut straight to the chase, without getting lost in unnecessary frills, and it is immediately apparent upon listening to "Morningstar."
The vocals are warm, the well-recorded music shows care for arrangements, while suave tunes leave the listener suspended with imagination.
Picking up the pace through "Burn It," electronic elements bring the sound closer to 1980s New Wave, keyboards therefore are at the forefront, while the Scarled once again search for a chorus that is pleasant to listen to.  Intimate "Underwater," almost close to the world of Steven Wilson's No Man, music initially minimal and then growing along the way. "Mind Flight" has rhythm to spare, another dance track close to New Wave, though not without tempo changes. Through "Heal" we get to know another aspect of the trio's character, a touching ballad where Déjà vu is present but a remarkable taste for melody seeps through. Psychedelia for "Lightbulb," a title familiar to Porcupine Tree fans, in this case we are faced with an impressive instrumental where the sound takes the mind off the ground to embark on winged journeys. Synths bring the music back into a danceable setting, "New Dawn" is in collaboration with guest High Flying while "Shine" is piano and vocals, close to the world of Pink Floyd. The first single "Moving" follows, music once again mainly synth-based but with a noticeably sweet soul, hard to stay still while listening. "Factory" shows elegance and stands out in Steven Wilson's universe with respect and personality. Closing the album is the third single "Owl Song," an energetic song that showcases the band's total capabilities and once again their willingness to be direct and catchy.
The Scarled are almost anomalous in the world of Italian Progressive Rock, combining what made the genre stop in the late 1970s, that is, also New Wave, combining it with psychedelia has some inventiveness, and the result is pleasant and not too challenging. Kudos to the guys in question and we await them ahead new trials to see where their character really goes. MS

 

 

 

 

 

 

 

DeaR

DEAR – Dear Me!
Music Force
Distribuzione: Egea Music
Genere: Cantautore
Supporto: cd – 2023

Il cantautore torinese Davide Riccio, in arte DeaЯ, sta vivendo un buon momento d’ispirazione. Nel 2021 esce con “Out Of Africa” (Music Force), nel 2022 è la volta della dedica alla sua città “Mon Turin” (Music Force) e in questo 2023 il ritorno con “DeaR Me!”. Riccio oltre che polistrumentista è anche scrittore, giornalista e educatore. Ha scritto poesie e racconti dal 1985 a oggi, “Povertissement” (Genesi Editrice – 2006), “Sversi” (Libellula Edizioni – 2008) e molti altri ancora, sino giungere ai nostri giorni con “Italian Bowie” (Arcana – 2023). Dal 2013 al 2019 realizza programmi radiofonici nella web radio torinese Radio Banda Larga e poi cortometraggi, documentari ed esordisce in gruppi musicali negli anni ’80 quali Bluest, Off Beat e Individua Vaga. Il mondo di Ricco comunque è ancora più vasto, tutto questo lo porta a maturare come artista collocandolo sopra la media dei cantautori italiani per consapevolezza e professionalità.
“Dear Me!” contiene ben diciassette canzoni a testimonianza di una vena creativa rigogliosa e si sa che quando questo accade, bisogna cogliere l’occasione al volo.
La passione per il duca bianco Bowie trapela di quanto in quanto in alcuni pezzi, resta il fatto che la musica del polistrumentista è generalmente di carattere, pur rimanendo semplice e diretta, un esempio si ha sin dal primo brano “Eight Seconds Of Fame”. La lingua scelta per il canto è l’inglese. Una voce femminile accompagna l’inizio di “The Art Of Decluttering”, qui le atmosfere sono rilassate. Analogamente accade anche in “Planetesimals” dove la voce si fa più profonda e immersa nel contesto malinconico oltre che riflessivo. Giochi di coralità arricchiscono l’ascolto e fanno fare un balzo indietro nel tempo, quando i Beatles si divertivano a scrivere la storia. “Axis Mundi” s’impegna ancora di più nella cura delle voci, colonne sonore di questo pezzo che si avvale anche di soffi di sottofondo. Sale il ritmo in “Sequeri” anche se di base la voce resta in tonalità basse. I fiati ci cadono a pennello, un’aria sexy avvolge l’ascoltatore spinto in un ascolto effettuato a occhi chiusi fra echi e cantato a due voci. “Wind” ha rimembranze di fine anni ’60 ma per attendere un brano davvero ricco di ritmo bisogna attendere “la title track “DeaR Me! (Sweet Philly)”, ballabile e dallo stile elegante. Con “The Skyline” c’è un passaggio nell’elettronica ma anche frangenti vintage quelli che si ballavano nelle discoteche, non esulano neppure momenti di stupore quando DeaR si diverte a destabilizzare l’ascoltatore. “Life After Life” è un passaggio nella World. Con due minuti e mezzo, il brano più breve del disco s’intitola “Whales Weep Not!”, strumentale e psichedelico, ricco di riverberi ed effetti eco. “Cockies Of My Heart” è cantata in latino nell’intro corale in stile Gentle Giant, per poi gettarsi nuovamente nel cantautorato. Le melodie sono interessanti e la voce si presenta in una nuova veste impegnata su tonalità leggermente più alte della norma sin qui ascoltata. “Otherness” è giocosamente allegra, “Song To Grace” accenna un assolo di tastiere iniziale mentre “Shadow: My Soul” ritorna verso la disco anni ’70. Più interessante è “To Bacharach”, strumentale ricco d’inventiva. “I’M Older Than I (With No Younger Of The Two)” è nella media degli ascolti DeaR e la conclusiva “Crickets (For Klaus)” è la canzone più lunga dell’intero album e a mio gusto anche la più interessante con interventi psichedelici e suoni ricercati a tratti spaziali. Questa secondo me potrebbe essere la strada più giusta da intraprendere se sapientemente bilanciata al cantautorato che in questo caso non presidia.
Probabilmente ciò che manca alla musica di DeaR è l’intervento di un incisivo assolo, non che questo sia necessario s’intende, ma aiuta sicuramente a dare ritmo all’intero ascolto. Non è tuttavia un difetto, anzi in molti casi ci sono ascoltatori che non lo aspettano proprio, io personalmente invece lo avrei gradito. “DearMe!” è un disco pieno d’ idee, forse troppe e secondo me andrebbero scremate per dare maggiore fluidità all’ascolto, certo è che Davide Riccio è un artista a tutto tondo e ancora una volta dimostra di avere cultura e gusto al riguardo. Chissà se un domani deciderà di fondare una vera e propria band?  MS

Versione Inglese:

 
 
DEAR - Dear Me!
Music Force
 Distribution: Egea
MusicGenre: Songwriter
Support: cd – 2023

Turin singer-songwriter Davide Riccio, aka DeaЯ, is having a good moment of inspiration. In 2021 he came out with "Out Of Africa" (Music Force), in 2022 it was the turn of the dedication to his city "Mon Turin" (Music Force) and in this 2023 the return with "DeaR Me!" Riccio is not only a multi-instrumentalist but also a writer, journalist and educator. He has written poems and short stories from 1985 to the present, "Povertissement" (Genesi Editrice - 2006), "Sversi" (Libellula Edizioni - 2008) and many others, until reaching the present day with "Italian Bowie" (Arcana - 2023). From 2013 to 2019 he makes radio programs in the Turin web radio Radio Banda Larga and then short films, documentaries and debuts in music groups in the 80s such as Bluest, Off Beat and Individua Vaga. Ricco's world however is even wider, all of which leads him to mature as an artist placing him above the average Italian singer-songwriter in terms of awareness and professionalism. "Dear Me!" contains no less than seventeen songs testifying to a lush creative vein, and one knows that when this happens, one must jump at the chance.The passion for the white duke Bowie leaks out of how much in how much in some pieces, the fact remains that the multi-instrumentalist's music is generally characterful while remaining simple and direct, an example of which is had from the very first track "Eight Seconds Of Fame." The language chosen for the singing is English. A female voice accompanies the beginning of "The Art Of Decluttering," here the atmosphere is relaxed. Similarly happens in "Planetesimals" where the voice becomes deeper and immersed in the melancholic as well as reflective context. Games of chorality enrich the listening experience and make one leap back in time when the Beatles enjoyed writing history. "Axis Mundi" engages even more in the care of the vocals, soundtracks of this piece that also makes use of background whispers. The tempo goes up in "Sequeri" even though the basic vocals remain in low tones.
The horns fall right into it, a sexy air envelops the listener propelled into a listening carried out with eyes closed between echoes and two-voice singing. "Wind" has reminiscences of the late 1960s, but to wait for a truly rhythm-filled track one must wait for "the danceable and elegantly styled title track "DeaR Me! (Sweet Philly)." With "The Skyline" there is a transition into electronica but also vintage bangs those that used to be danced to in nightclubs; moments of amazement also do not exude when DeaR revels in destabilizing the listener. "Life After Life" is a passage into the World. At two and a half minutes, the shortest track on the record is titled "Whales Weep Not!" which is instrumental and psychedelic, full of reverberations and echo effects. "Cockies Of My Heart" is sung in Latin in the Gentle Giant-style choral intro, then throws itself back into songwriting. The melodies are interesting and the vocals come in a new guise committed to slightly higher tones than the norm heard so far. "Otherness" is playfully upbeat, "Song To Grace" hints at an early keyboard solo while "Shadow: My Soul" returns toward '70s disco. More interesting is "To Bacharach," an inventive instrumental. "I'M Older Than I (With No Younger Of The Two)" is average for DeaR listening, and the concluding "Crickets (For Klaus)" is the longest song on the entire album and to my taste also the most interesting with psychedelic interventions and refined sounds at times spacey. This in my opinion might be the right way to go if wisely balanced with the songwriting that is not presiding here.
Probably what DeaR's music lacks is the intervention of an incisive solo, not that this is necessary of course, but it certainly helps to give rhythm to the whole listening. However, this is not a flaw, in fact in many cases there are listeners who do not expect it at all, I personally would have appreciated it instead. "DearMe!" is a record full of 'ideas, perhaps too many and in my opinion should be skimmed to give more fluidity to the listening, it is certain that Davide Riccio is an all-round artist and once again shows that he has culture and taste in this regard. Who knows if tomorrow he will decide to start a real band?  MS

A Red Idea

A RED IDEA – A Second I Will Forget
Beautiful Losers
Genere: Cantautore / Prog Folk / Psichedelia
Supporto: Cd – Digital

Spesso diciamo che chi fa da se fa per tre, ma la stessa frase vale anche per la musica? In alcuni casi si, anche se di certo possono venir meno certe intese strumentali che spesso sanno fare la differenza fra un buon disco e un capolavoro. E’ anche vero che chi si dedica a tutti gli strumenti nutre una passione a dir poco smisurata per la musica. Un caso è quello del veneziano Alvise Forcellini, che presenta il progetto A Red Idea.
L’album nella discografia dell’autore è il secondo e s’intitola “A Second I Will Forget”, nove canzoni ispirate da un cantautorato di certo non scontato perché nelle composizioni aleggia sia il Folk che il Progressive Rock, quest’ultimo scaturito dal suono del Mellotron, spesso adoperato per donare al tutto un tocco d’enfasi retrò. Il primo album è “Bed Sea Walks” del 2019. Le strumentazioni usate sono molteplici, dalle chitarre al basso, sassofoni, a vecchi synth analogici per un buon risultato prodotto in studio da Andrea Liuzza.
Dice Alvise “Sono canzoni nate in momenti e luoghi diversi, dove il filo conduttore è il tentativo di cercare nuove soluzioni sonore. Non m’interessa rifare la stessa cosa due volte. Per questo non si assomigliano granché.”. Questo, in effetti, è lo spirito di chi ama anche il Rock Progressivo in tutte le sue sfaccettature. Il disco si presenta con un artwork semplice e cartonato mentre l’incisione è pulita e soddisfacente.
Nell’iniziale “Above You” l’artista immagina di volare, fra chitarra e voce scorrono immagini eteree sopra un cantato a doppia voce, maschile e femminile, dove un goccio di psichedelia impreziosisce il sound. Adeguato anche qualche effetto eco e brevi riferimenti (non so se sono consapevoli o meno) ai Beatles. Così accade per l’intro di “In The Sunshine” per poi lasciare campo alla vera formula canzone dove il ritornello è inevitabilmente il frangente più bello. La musica di A Red Idea è sempre gentile e delicata, si evince pure dall’ascolto dell’allegra “Keep Cuming” con i suoi “oh, oh, oh”, un passaggio nel Folk in bilico con il sound degli anni ’80. "Life Was Only" racchiude i versi che danno il titolo al disco: "Cosa m'importa, la vita è solo un incubo dentro a un sogno, un secondo che dimenticherò". Qui il suono gode di sfumature Punk / Psichedeliche.
Resto piacevolmente colpito da “Waiting For A Sign”, canzone che mi riporta ai Porcupine Tree più sognanti periodo di mezzo. In “I Wander” si resta attorno al mondo di Steven Wilson, questa volta però quello del progetto Blackfield, mentre la chitarra elettrica verso il finale dona un piacevole seppur breve assolo. Sale il ritmo attraverso “Your Beauty Is So”, semplice e diretta mentre “For You And I” ha un’anima gentile come in certe ballate dei Coldlplay, tuttavia gode da se di buon carattere grazie ad un’ottima strofa. La conclusione è affidata a “Episode 1”, strumentale Prog coinvolgente che fa da vetrina alle capacità esecutive dell’autore, questo per me è fra i momenti più alti dell’intero lavoro.
Alvise è un artista completo e maturo oltre che arguto, la sua musica è proprio come ha descritto lui, mai ripetitiva e aggiungo io anche bene arrangiata. “A Second I Will Forget” è d’ascoltare con tranquillità senza troppi impegni, adatta sicuramente per tutti i gusti. MS
 
 
 

Versione Inglese:

 
 
A RED IDEA - A Second I Will Forget
Beautiful Losers
Genre: Songwriter / Prog Folk / Psychedelia
Support: Cd - Digital

We often say that do-it-yourself makes three, but does the same phrase apply to music? In some cases yes, although certainly certain instrumental understandings that can often make the difference between a good record and a masterpiece can be missed. It is also true that those who are dedicated to all instruments harbor a passion for music that is nothing short of boundless. A case in point is Venetian Alvise Forcellini, who presents the project A Red Idea.
The album in the author's discography is the second and is titled "A Second I Will Forget," nine songs inspired by a songwriting that is certainly not obvious because in the compositions hovers both Folk and Progressive Rock, the latter arising from the sound of the Mellotron, often used to give the whole a touch of retro emphasis. The first album is 2019's "Bed Sea Walks." The instrumentations used are many, from guitars to bass, saxophones, to old analog synths for a good result produced in the studio by Andrea Liuzza.
Says Alvise "These are songs born at different times and places, where the common thread is the attempt to search for new sonic solutions. I'm not interested in redoing the same thing twice. That's why they don't sound much alike." This, indeed, is the spirit of those who also love Progressive Rock in all its facets. The record comes with simple, hardback artwork while the recording is clean and satisfying.
In the opening "Above You," the artist imagines flying, between guitar and vocals ethereal images flow over a dual-voiced male-female vocal where a dash of psychedelia embellishes the sound. Appropriate also some echo effects and brief references (not sure if they are conscious or not) to the Beatles.
So it is with the intro of "In The Sunshine" and then leaves room for the real song formula where the chorus is inevitably the most beautiful juncture. The music of A Red Idea is always gentle and delicate, which is also evident when listening to the upbeat "Keep Cuming" with its "oh, oh, oh," a passage into Folk poised with the sound of the 1980s. "Life Was Only" encapsulates the album's title lines, "What do I care, life is just a nightmare inside a dream, a second I'll forget." Here the sound enjoys Punk / Psychedelic overtones.
I am pleasantly impressed by "Waiting For A Sign," a song that brings me back to the more dreamy Porcupine Tree middle period. In "I Wander" we stay around the world of Steven Wilson, this time however that of the Blackfield project, while the electric guitar toward the end gives a pleasant if brief solo. The pace rises through "Your Beauty Is So," simple and straightforward while "For You And I" has a gentle soul as in certain Coldlplay ballads, yet enjoys good character on its own thanks to an excellent verse. The conclusion is entrusted to "Episode 1," an engaging Prog instrumental that showcases the author's performing skills, this for me is among the highest moments of the entire work.
Alvise is a complete and mature artist as well as witty, his music is just as he described, never repetitive and I would add also well arranged. "A Second I Will Forget" is worth listening to quietly without too much effort, definitely suitable for all tastes. MS

 

 

 

Le Vele Di Oniride

LE VELE DI ONIRIDE – La Quadratura Del Cerchio
Lizard Records / Dischi Della Locanda Del Vento / Open Mind
Genere: Progressive Rock / Psichedelia
Supporto: digitale - 2023

Il Rock Progressivo italiano è storicamente radicato agli anni ’70, non solo al riguardo dei riferimenti musicali, ma anche per il comportamento distributivo del prodotto. Esclusi i soliti nomi storici che si possono contare nelle dita di due mani, tutti gli altri non hanno fatto che una frugale comparsa. La maggior parte di essi si sono distinti per un disco e via, altri al massimo due, ciò sta anche a giustificare certi prezzi dei LP in prima stampa, perché solitamente editi in poche centinaia di copie. Poi sappiamo bene cosa sia accaduto negli anni ’80, una transizione quasi mortale per il genere e a seguire il ritorno nei ’90, sotto la stimolo delle band nordiche come Anglagard, Anekdoten, Landberk, The Flower Kings etc. Oggi l’andamento è simile, anche se cambiano i supporti, il digitale prende il sopravvento, ma siamo ancora una volta avanti alla musica anni ‘70 presi come grande riferimento, e noi recensori ci troviamo molto spesso a trattare band all’esordio discografico. Come già detto, molte poi spariscono lasciando quel disco o poco più, ciò accade anche negli ultimi decenni, probabilmente il pubblico di nicchia numericamente più di questo non è. Un altro fattore che accomuna ancora una volta i gruppi del passato Prog a quelli moderni sono i nomi che si danno, mai scontati e, generalmente composti di tre parole, probabilmente anche questo è un segnale da mandare a un fans, sta significando che qui c’è del Prog! La cosa che stupisce è la qualità mediamente buona delle realizzazioni, anche se spesso non supportate da una buona voce. Tanti onorevoli debutti a testimonianza che i musicisti sono preparati e con buone idee melodiche, d’altro conto le nostrane case discografiche fanno più del dovuto, scommettendo oggi su una musica che di sicuro è destinata a restare per un pubblico sempre non numeroso, a loro va tutta la mia ammirazione e stima.
Detto questo, mi ritrovo davanti ad un nuovo debutto, questa volta proveniente da Imola, loro si chiamano Le Vele Di Oniride e sono formati da Nello De Leo (chitarre, cori), Francesco Ronchi
(voce, cori), Lorenzo Marani (basso), Jacopo Cenesi (batteria) e Cristiano Costa (tastiere, sintetizzatori, pianoforte). La Lizard non è nuova nell’accompagnare il supporto ottico con buoni packaging, qui cartonato con le figure create da Egidio Marullo perfettamente inserite nel contesto sonoro.
Il sound proposto fa staffetta fra suoni Dark e passaggi prettamente storici nel Prog anni ’70, immaginate di miscelare la Premiata Forneria Marconi al Biglietto Per L’Inferno, quelli dal sound Hard Prog, il tutto condito con un poco di Psichedelia. Le Vele Di Osiride si spiegano per salpare nella musica attraverso “Sogni Infranti”, quasi otto minuti di musica ragionata e allo stesso tempo diretta senza troppi fronzoli. Sono quei brani che ti fanno amare il genere senza compromessi. Le parti strumentali sono il piatto forte, anche se la voce di Francesco Ronchi è una volta tanto sopra la media del genere. Tanta storia fra le note, e anche freschezza, un approccio giusto che sicuramente farà la gioia dell’ascoltatore. L’Hammond ruggisce, così i synth. Un arpeggio Neo Prog dal profumo “He Knows You Know” dalla Marillioniana memoria apre “L’Illusione Dell’Oblio”.  Cambi di ritmo e di umore fanno scorrere il tempo tanto che cinque minuti mi sembrano uno. “Catarsi” rispecchia a pieno gli stilemi del Prog, questa volta la chitarra di sottofondo riporta ai tempi dei Genesis Gabrielliani. Le ampie ripartenze strumentali dall’ampio respiro sono la carta vincente delle canzoni, anche se ancora una volta il piacere dell’ascolto vocale è intenso. Intrigante “Apologia Di Reato” dove si possono ascoltare perfino effluvi arabeggianti. D’atmosfera l’inizio di “Isolazione”, altra vetrina delle capacità sia tecniche che di composizione da parte dei musicisti che tendono a non annoiare mai l’ascoltatore. Ritmo per “Madri Di Niente, Figli Di Nessuno” e qui fanno capolini i citati Biglietto Per L’Inferno. Nuovamente le tastiere ricoprono un ruolo importante, così l’interpretazione vocale (anche effettata), sentita e recitata. E come si dice in latino, dulcis in fundo, “Miraggi Remoti” non a caso è il pezzo che ho gradito maggiormente.
Mi ritrovo infine a tessere le lodi all’ennesimo debutto discografico nel Progressive Rock Italiano ma questa volta auguro ai bravi Le Vele Di Osiride di non arrenarsi nel pantano del passato che nel tempo dimostra di relegarti solamente a gruppo di nicchia. Per fare questo bisogna osare molto e la band di Imola le carte in regola ne hanno da vendere, se così è l’inizio, le premesse ci sono tutte. MS

Versione Inglese:

 
 
 LE VELE DI ONIRIDE - La Quadratura Del Cerchio
Lizard Records / Dischi Della Locanda Del Vento / Open Mind
Genre: Progressive Rock / Psychedelia
Support: digital – 2023
 
Italian Progressive Rock is historically rooted in the 1970s, not only in regard to musical references, but also in the distribution behavior of the product. Excluding the usual historical names that can be counted in the fingers of two hands, all others have made but a frugal appearance. Most of them stood out for one record and away, others at most two; this also stands to justify certain prices of first-press LPs because they were usually issued in a few hundred copies. Then we know well what happened in the 1980s, an almost fatal transition for the genre, followed by a comeback in the 1990s, under the stimulus of Nordic bands such as Anglagard, Anekdoten, Landberk, The Flower Kings etc. Today the trend is similar, although the media change, digital takes over, but we are once again ahead of the 70s music taken as a great reference, and we reviewers find ourselves very often dealing with bands on their recording debut. As already mentioned, many then disappear leaving that record or little more, this happens even in the last decades, probably the niche audience numerically more than that is not. Another factor that again unites past Prog groups with modern ones are the names they give themselves, never obvious and, generally consisting of three words, this is probably also a signal to send to a fan, it is signifying that there is Prog here! What is surprising is the average good quality of the accomplishments, though often not supported by a good voice. So many honorable debuts testifying that the musicians are prepared and with good melodic ideas, on the other hand our own record companies are doing more than their due, betting today on a music that for sure is destined to remain for an always not numerous audience, to them goes all my admiration and esteem.
That said, I find myself in front of a new debut, this time coming from Imola, they are called Le Vele Di Oniride and are formed by Nello De Leo (guitars, backing vocals), Francesco Ronchi
(vocals, backing vocals), Lorenzo Marani (bass), Jacopo Cenesi (drums) and Cristiano Costa (keyboards, synthesizers, piano). Lizard is no stranger to accompanying the optical medium with good packaging, here hardback with figures created by Egidio Marullo perfectly placed in the sound context.
The proposed sound relays between Dark sounds and purely historical passages in 70s Prog, imagine mixing Premiata Forneria Marconi with Biglietto Per L'Inferno, those with a Hard Prog sound, all seasoned with a little Psychedelia. The Sails Of Osiris unfurl to set sail in the music through "Shattered Dreams," almost eight minutes of reasoned yet straightforward music without too many frills. It is those tracks that make you love the genre without compromise. The instrumental parts are the highlight, although Francesco Ronchi's vocals are once in a while above average for the genre. Lots of history between the notes, and freshness too, a right approach that is sure to delight the listener. The Hammond roars, so do the synths. A Neo Prog arpeggio with the scent of "He Knows You Know" from Marillionian memory opens "The Illusion Of Oblivion."  Changes of rhythm and mood keep the tempo moving so much that five minutes feels like one. "Catharsis" fully reflects the styles of Prog, this time the background guitar takes one back to the days of Gabriellian Genesis. The wide-ranging instrumental restarts are the songs' trump card, though once again the vocal listening pleasure is intense. Intriguing "Apologia Di Reato" where even arabesque effluvia can be heard. Atmospheric is the beginning of "Isolation," another showcase of both technical and compositional skills on the part of the musicians who tend to never bore the listener. Rhythm for "Mothers Of Nothing, Sons Of Nobody" and here the aforementioned Ticket To Hell peeps in. Again the keyboards play an important role, so does the vocal performance (also effected), heartfelt and acted. And as they say in Latin, dulcis in fundo, "Miraggi Remoti" not surprisingly is the piece I enjoyed the most.
Finally, I find myself singing the praises to yet another recording debut in Italian Progressive Rock but this time I wish the good Le Vele Di Osiride not to arrenge in the quagmire of the past that over time proves to relegate you only to a niche band. To do this you have to dare a lot and the band from Imola have the cards to spare, if this is the beginning, the premises are all there. MS 

Claudio Milano End Friends

CLAUDIO MILANO END FRIENDS (La Bobina Di Tesla) – ManifestAzioni
Music Force
Distribuzione: Egea Music
Genere: Sperimentale
Supporto: cd – 2023

Claudio Milano per chi vi scrive è una vecchia conoscenza, ho avuto modo e la fortuna di poter seguire la carriera di questo bravissimo ricercatore vocale, compositore, attore e musicoterapista eclettico nel corso del tempo. Un’abbondante fonte d’idee ha accompagnato le sue realizzazioni provenienti da numerosi progetti e collaborazioni quali NichelOdeon, InSonar, Adython Project e altre ancora. E’ stato vincitore del premio “Omaggio A Demetrio Stratos” nel 2010 e poi Progawards del 2008 e 2010 oltre che “Artefatto – Motus Urbis” (2011-2012). Difficile nominare tutti gli artisti con cui ha collaborato, alcuni nomi sono Walter Calloni, Gian Paolo Tofani (Area), Ares Tavolazzi (Area) e Luca Casiraghi. Performer del teatro della voce, Milano si dedica anche alla musica medioevale e poi al Folk, Rock, Avanguarde, Elettronica, Ambient, Jazz Fusion e Classica antica. Anche la lingua per il cantato non è sempre la stessa, variando dall’italiano al tedesco, il greco, il latino, il francese, dialetti, grammelot in stile dario Fo e medievale.
Essendo un personalissimo scrutatore della musica, l’artista viene anche da me nominato e intervistato nell’enciclopedia “Progressive Rock Italiano 1980 – 2013” (Arcana), nella quale dimostra tutta la sua cultura riguardo all’approccio sia vocale sia fisico alla musica. Tutto quello che nel corso della carriera artistica ha realizzato, non è di certo banale, un approccio volutamente ricercato dettato sicuramente dalla curiosità oltre che da una grande ispirazione sorta dall’amore che infonde in tutto ciò che è suono. La Music Force mette a segno un bel bersaglio relegando nella scuderia Claudio Milano, se vogliamo, possiamo inserirlo quindi nel contesto Progressive Rock grazie alla suddetta voglia di sperimentare.
Numerosi i teatri girati dal cantante, in altrettante date dal vivo che qui in questo ricco doppio cd “ManifestAzioni” sono immortalati in tutta la loro freschezza oltre che sincerità. In un triplice formato cartonato contenente il classico libretto in cui si possono evincere i credits oltre che tutte le informazioni concernenti i casi, ci sono belle foto che ritraggono Milano nelle numerose interpretazioni. L’artwork che mi richiama certi lavori della storica Cramps è di Niccolò Clemente mentre il booklet è per mano di Amerigo Latagliata.
Le prestazioni sono scaglionate nel tempo, tutte mai edite tranne “Amanti In Guerra”. Entrare nel mondo di Claudio Milano è come perdersi in un labirinto cromatico fatto di chiaroscuri e colori secondo le esigenze di testo. I brani sono estratti da concerti che vanno dal 2011 a oggi.
Non si può certamente fare la disamina brano per brano perché servirebbe un testo biblico per realizzare il tutto, però vengo a sottolineare gli estratti che più mi hanno colpito da quello degli Area Open Project, sempre taglienti e alla ricerca della destabilizzazione, il pezzo in questione s’intitola “Per Causa – Nostra” dove i vocalizzi si susseguono proprio come ha saputo fare il mai troppo compianto Demetrio Stratos. Il lavoro alla chitarra di Tofani è devastante oltre che simpaticamente dedicato al brano “Apache”.  Seguono quattro pezzi de i Sincopatici dove Milano si dedica anche a canti sciamani oltre che polifonici, come nel caso specifico dell’intro di “Che Il Piacere E’ Peccato?”. La capacità di modulare e plasmare le corde vocali secondo i casi è davvero stupefacente, a dimostrazione di un lungo studio personale che lascia intuire sia lo sforzo, sia l’estro. Seguono due brani storici di NichelOdeon, “Amanti In Guerra” e “Secca In Festa”, malinconico il primo e delicato il secondo. Il progetto InSonar è rappresentato da “Gallia#4”, le registrazioni sono qualitativamente ottime grazie al Sound Designer Paolo Siconolfi. La conclusione del cd1 è un tributo a Claudio Rocchi, sentito e sincero nella narrazione e nelle constatazioni del caso. Il secondo disco ottico racchiude altre perle, inizia subito “Madre Pagana”, sola voce e a seguire “Per Causa - Nostra pt 2” assieme a Gerardo Ferrara e Paolo Tofani che ritroviamo anche in “Incontro – Medley”. Strepitosa interpretazione in “Cramars Marochins Pt 2”, la voce che duetta e vibra assieme al violoncello fra le parole di Leonardo Zanier figura di grande rilievo nella storia dell'emigrazione italiana del secondo dopoguerra purtroppo spentosi nel 2017. Ricca di suoni e colori la suite “Da La Leggenda Di Zlatarog: Identità/Claps” e il resto lascio alla vostra curiosità.
Questo monumentale “ManifestAzioni” trapela d’amore per la band Area, anche nel titolo oltre che nell’artwork e nei suoni, ma c’è molto di più, qui risiede l’anima di un artista che non sa cosa sia scendere a compromessi. Oggi come oggi è una pazzia stare fuori dai canoni dell’ovvio. In una società dove l’essere uguale tranquillizza gridare con personalità il proprio essere quasi spaventa, ma a mio modo d’intendere le cose c’è bisogno di uno, dieci, centomila Claudio Milano! Attenzione: Qui contiene arte pura. MS

Versione Inglese:

 
 
CLAUDIO MILANO END FRIENDS (The Tesla Coil) - ManifestActions
Music Force
Distribution: Egea Music
Genre: Experimental
Support: cd – 2023
 
Claudio Milano for the writer is an old acquaintance, I have had the opportunity and the good fortune to be able to follow the career of this very talented vocal researcher, composer, actor and eclectic music therapist over time. An abundant source of ideas has accompanied his accomplishments from numerous projects and collaborations such as NichelOdeon, InSonar, Adython Project and others. He was winner of the "Homage To Demetrio Stratos" award in 2010 and then Progawards of 2008 and 2010 as well as "Artefact - Motus Urbis" (2011-2012). Difficult to name all the artists he has collaborated with, some names are Walter Calloni, Gian Paolo Tofani (Area), Ares Tavolazzi (Area) and Luca Casiraghi. A performer of vocal theater, Milan also devotes himself to medieval music and then to Folk, Rock, Avant-garde, Electronic, Ambient, Jazz Fusion and Early Classical. Even the language for singing is not always the same, varying from Italian to German, Greek, Latin, French, dialects, Dario Fo-style grammelot and medieval.
Being a very personal scrutinizer of music, the artist is also named and interviewed by me in the encyclopedia "Italian Progressive Rock 1980 - 2013" (Arcana), in which he demonstrates all his culture regarding both vocal and physical approach to music. Everything he has accomplished over the course of his artistic career is certainly not trivial, a deliberately researched approach surely dictated by curiosity as well as a great deal of inspiration born of the love he instills in everything that is sound. Music Force scores a nice target by relegating Claudio Milano to the Claudio Milano stable, if you will, we can then place him in the Progressive Rock context thanks to the aforementioned desire to experiment.
Numerous theaters shot by the singer, in as many live dates that here in this rich double CD "ManifestAzioni" are immortalized in all their freshness as well as sincerity. In a triple hardback format containing the classic booklet in which the credits as well as all the information concerning the cases can be evinced, there are beautiful photos depicting Milan in the numerous performances.
The artwork that reminds me of certain works by historic Cramps is by Niccolò Clemente while the booklet is at the hands of Amerigo Latagliata.
The performances are staggered in time, all never edited except "Amanti In Guerra." Entering Claudio Milano's world is like getting lost in a chromatic labyrinth made of chiaroscuro and colors according to the needs of the lyrics. The songs are excerpts from concerts ranging from 2011 to the present.
It is certainly not possible to do the track-by-track examination because it would take a biblical text to accomplish it all, however I come to point out the excerpts that struck me the most from the one by Area Open Project, always edgy and in search of destabilization, the piece in question is titled "Per Causa - Nostra" where the vocals follow one another just as the never too late Demetrio Stratos knew how to do. Tofani's guitar work is devastating as well as sympathetically dedicated to the track "Apache."  This is followed by four pieces by the Syncopaths where Milan also engages in shamanic as well as polyphonic chanting, as in the specific case of the intro to "That Pleasure Is Sin?" The ability to modulate and shape the vocal chords as appropriate is truly amazing, demonstrating a long personal study that hints at both effort and flair. Two historic NickelOdeon songs follow, "Amanti In Guerra" and "Secca In Festa," melancholy the former and delicate the latter. The InSonar project is represented by "Gallia#4," the recordings are qualitatively excellent thanks to Sound Designer Paolo Siconolfi. The conclusion of cd1 is a tribute to Claudio Rocchi, heartfelt and sincere in the narration and findings of the case. The second optical disc encompasses other gems, beginning immediately with "Madre Pagana," solo vocals and followed by "Per Causa - Nostra pt 2" together with Gerardo Ferrara and Paolo Tofani who we also find in "Incontro - Medley." Stunning performance in "Cramars Marochins Pt 2," the voice dueting and vibrating together with the cello among the words of Leonardo Zanier a major figure in the history of Italian emigration after World War II who unfortunately passed away in 2017. Rich in sound and color is the suite "From The Legend Of Zlatarog: Identity/Claps" and the rest I leave to your curiosity.
This monumental "ManifestActions" seeps with love for the band Area, even in the title as well as the artwork and sounds, but there is much more, here lies the soul of an artist who does not know what it is to compromise. In this day and age it is madness to stand outside the canons of the obvious. In a society where being the same tranquilizes to shout with personality one's being almost frightens, but in my way of understanding things there is a need for one, ten, a hundred thousand Claudio Milano! Warning: It contains pure art here. MS 

David Madnight & Luca Spadaccini

DAVID MADNIGHT & LUCA SPADACCINI – War Machine
Music Force
Distribuzione: Egea Music
Genere: Rap, Hip-Hop
Supporto: cd – 2023

Per capire dove sta andando la musica e come si sta evolvendo, bisogna necessariamente ascoltare di tutto, tanto più se nel mirino del cuore si ha il Rock Progressivo o il Metal. Le influenze possono giungere da ogni parte, dalla classica, dal Folk, dal Punk etc. Mi ricordo ad esempio che il Rap entrò anche nel Metal attraverso un EP molto interessante dei mitici Anthrax del 1987 intitolato “I'm The Man”. Generi apparentemente distanti quando invece sono accomunati entrambi dall’essere viatico di protesta.
Ma non esistono solamente esperimenti sonori, ci sono anche quelli d’approccio alla musica, incontri particolari che possono dare risalto maggiore al messaggio che un artista vuole passare all’ascoltatore. Un esempio lo abbiamo con il progetto David Madnight (rapper) e Luca Spadaccini (campione di pesi mediomassimi italiano). Musica e sport, un connubio semplice dove uno solitamente alimenta l’altro, quante volte si fa ad esempio jogging con le cuffie per attingere ulteriore energia dalla musica che ci fa scaturire dal cervello la dopamina?
Madnight (Davide Capuzzi) inizia la carriera artistica nel 2010 ed è stato fra i primi rappers italiani mascherati. Ha militato nel 2000 nel gruppo Hip Hop abruzzese MissiDominici. Nel 2011 si approccia verso la scena Metal e forma la band Crossover Arkan Asylum. Si adopera anche nella beneficenza donando soldi nel 2020 per la ricerca contro il cancro attraverso i proventi del singolo “My Diamond” registrato da solista assieme alla cantante Paola Edmea Isaja, e altre cose ancora. Tutta questa esperienza è palpabile nel disco “War Machine” formato da nove tracce di uno stesso pezzo edito in diversi formati e stili.
Tengo a rilevare la buona registrazione e il giusto apporto compositivo di Spadaccini. Un “Intro” apre le danze, due minuti per un inno al non arrendersi mai nella vita. Echi, vocali donano profondità oltre che intensità al concetto.
Suono minimale dotato d’ipnotica essenza che conduce al pezzo forte del disco, la title track “War Machine”. Questa volta è il suono di una chitarra metallica a fare da base. Musicalmente tutto è di facile memorizzazione. Segue la versione dello stesso brano intitolata “War Machine International Version” con la partecipazione alla voce dell’ospite Morna. Qui il testo è cantato in lingua inglese. E poi “Radio Edit”, “The Original Rmx” e “Metalcore Version” (la mia preferita) dove la chitarra elettrica diventa un rasoio grazie anche a un ottimo assolo. C’è spazio anche per un altro brano intitolato “Fight Clubbing”, leggermente pesante e dall’incedere in mid tempo. Così dopo l’”Intro” giunge “L’Outro”, pezzo d’atmosfera questa volta supportata in modo importante dalle tastiere.
 David Madnight & Luca Spadaccini con questo disco traducono in suono un bel pugno allo stomaco. Chi si arrende è perduto… Fight! MS 

Versione Inglese:

DAVID MADNIGHT & LUCA SPADACCINI - War Machine
Music Force
Distribution: Egea Music
Genre: Rap, Hip-Hop
Support: cd – 2023

 
To understand where music is going and how it is evolving, you necessarily have to listen to everything, all the more so if you have Progressive Rock or Metal in your heart's sights. Influences can come from all over, from classical, Folk, Punk etc. For example, I remember that Rap also entered Metal through a very interesting EP by the legendary Anthrax in 1987 entitled "I'm The Man." Genres apparently distant when in fact they are both united by being viaticum of protest.But there are not only sound experiments, there are also those of approach to music, particular encounters that can give greater emphasis to the message that an artist wants to pass to the listener. We have an example with the David Madnight (rapper) and Luca Spadaccini (Italian middleweight champion) project. Music and sports, a simple union where one usually fuels the other, how many times do we jog for example with headphones on to draw additional energy from the music that triggers dopamine from our brains?Madnight (Davide Capuzzi) began his artistic career in 2010 and was among the first Italian masked rappers. He militated in 2000 in the Abruzzo-based Hip Hop group MissiDominici. In 2011 he approached towards the Metal scene and formed the Crossover band Arkan Asylum. He also works in charity by donating money in 2020 for cancer research through the proceeds of the single "My Diamond" recorded solo with singer Paola Edmea Isaja, and other things. All this experience is palpable in the album "War Machine" consisting of nine tracks of the same song edited in different formats and styles.
I would like to note Spadaccini's good recording and proper compositional input. An "Intro" opens the dance, two minutes for a hymn to never giving up in life. Echoes, vocals lend depth as well as intensity to the concept.
Minimal sound endowed with hypnotic essence that leads to the album's highlight, the title track "War Machine." This time it is the sound of a metal guitar that serves as the basis. Musically everything is easy to memorize. This is followed by a version of the same track entitled "War Machine International Version" featuring guest vocals by Morna. Here the lyrics are sung in English. And then "Radio Edit," "The Original Rmx" and "Metalcore Version" (my favorite) where the electric guitar becomes a razor thanks also to an excellent solo. There is also room for another track titled "Fight Clubbing," which is slightly heavy and has a mid tempo procession. So after the "Intro" comes "L'Outro," an atmospheric piece this time supported in an important way by keyboards.
 David Madnight & Luca Spadaccini with this record translate into sound a beautiful punch to the stomach. He who gives up is lost... Fight! MS

Il Rock Oggi

 

IL ROCK OGGI

 Di Massimo Salari

 

La musica cambia in base alla società del momento.

Il Rock in special modo è il suo viatico di protesta, attraverso i testi delle canzoni o in qualche caso dalle sonorità di certe strumentazioni impegnate in composizioni astruse. Il Rock vero e proprio ha successo sin dagli anni ’60, l’Inghilterra e l’America partono a mille, i nostri “capelloni” tuttavia giungono decisamente dopo. Gli anni ’60 sono molto politicizzati e la musica ci cade a pennello. La controcultura, gli anni della contestazione, quelli di piombo, fa si che l’individuo rimanesse a se stante. Ognuno di noi doveva essere differente da un altro, da qui la necessità di creare sempre qualcosa di diverso.

Io non sono uguale a nessuno.

I tempi cambiano negli anni ’80 quando la società grazie alla commercializzazione delle tv si conforma, passando a un apparente e più rassicurante “Siamo tutti uguali”. Un programma televisivo su tutti da portare come esempio è Drive In, dove è sponsorizzata la società giovanile del “Paninaro”, esso ascolta la stessa musica, veste uguale e addirittura parla in un linguaggio nuovo con termini inventati.

Gli anni ’90 con l’avvento d’internet, apportano a questa compattazione sociale un collante in più, la possibilità di avere e vedere tutto in casa. I media hanno gettato quindi le basi per tenere la popolazione sotto controllo, anche attraverso il successo della telefonia che ci ha reso anche oggi schiavi totali.

L’avere sempre più cose di cui non si può fare a meno, porta la società alla rovina, l’ha predetto negli anni ’70 anche Pierpaolo Pasolini definendo il consumismo “Il nuovo potere che inganna l’uomo” una dittatura. Ma la società del momento non vuole restare dietro a nessuno, magari una persona non arriva con il denaro alla fine del mese, però ha lo Smartphone, senza il quale socialmente sarebbe tagliato fuori. Oggi si lavora per pochi Euro, ricattati da un sistema che ha vinto la propria partita.

Pier Paolo Pasolini

Tutto questo ha un’esclusiva musica di protesta, così gli anni ’60, ’70, ’80, etc. Ecco che il Rock si presta a tanto. Quante volte abbiamo sentito dire per esempio dai nostri genitori “La musica di una volta era meglio”? Così hanno detto i nostri nonni a loro e noi diremo ai nostri figli, e così via.

La realtà è un'altra, siamo noi fermi dentro ad una bolla che ci siamo creati come anticorpo alla società. La canzone che amiamo, quella che ci ricorda il primo amore, il periodo più bello della nostra vita ossia la gioventù, è per noi la musica più bella del mondo, per cui non accettiamo una sua evoluzione che ci distacca da questo rassicurante “essere”.

Il Rock post anni ’70 prende un'altra piega, passando da protesta feroce, (un esempio è quello degli Area) a quello commerciale degli anni ’80. 

Questo accade perché giunge il benessere, il lavoro ci rende liberi, la società sta bene e il genere in esame si veste di melodie accattivanti e lustrini. Il top si raggiunge nei primi anni ’90, da qui in poi le cose cambiano.  La globalizzazione comincia a fare il suo inesorabile lavoro, dall’Europa e al cambio da Lira a Euro. Il resto è modernità, la società di oggi conosce bene il suo status quo. Il Rock in tutto questo si affievolisce, diventa una moda solo per un anno nel 2022 con i Maneskin che vincono l’Eurovision, ma una rondine non fa primavera, come sappiamo, bene ogni anno torna di moda un qualcosa del passato, poi si cambia immediatamente.

Ecco, questa parola: IMMEDIATAMENTE, rispecchia cosa siamo oggi. Tutti di corsa, lavoriamo di corsa, mangiamo di corsa, ascoltiamo di corsa etc. porta ad un’imbarazzante superficialità culturale. Il discorso è identico per il leggere. Molti, infatti, vedendo scritte così tante parole, avranno già abbandonato questo post da tempo. Se siete giunti a leggere sino a questo punto significa che siete potenzialmente “differenti” dalla media, ossia avete una personalità forte, quella che invece nel tempo è andata a sparire. Tutti corrono e per questo la musica sta morendo come mestiere. E qui mi rivolgo ai futuri musicisti: E’ inutile che suonate se non c’è chi vi ascolta. Si, perché oggi la musica non si ascolta ma si sente, un frugale scorrere con il ditino sul telefonino e via, il file è cambiato. Il file… La musica va ascoltata dal vivo o con un buon impianto stereo! Oggi abbiamo tutto, e quindi non sappiamo niente. La soluzione sta nel fermarsi per riappropriarsi dell’ascolto e non del sentire (sentire significa aver captato un suono ma non averci fatto caso, ascoltare è il contrario, ossia dedicare tutta l’attenzione ad esso escludendo il contorno). L’ascoltare è importante non solo per la musica, ma soprattutto per i rapporti societari. Dobbiamo tornare ad ascoltarci se vogliamo cambiare il nostro stato sociale.

In parole povere, bisogna preparare il pubblico all’ascolto.

Il Rock c’è sempre, è cambiato nel tempo, ma c’è, basta saperlo cercare uscendo dalla corrente del fiume “media” che ci sta portando via. Io godo della musica di ogni periodo, sono open mind, in parole povere ho rotto la suddetta bolla e godo di musica in ogni periodo, tutto questo però non senza relativi sforzi nel ricercarla.

Riprendiamoci la personalità stracciata e soprattutto ascoltiamoci, se vogliamo cambiare le cose, altrimenti restiamo in questa rassegnata situazione nella quale siamo semplici burattini con il codice a barre.

Ritorno a dire che la musica rappresenta la società del momento, fate le vostre conclusive considerazioni.

Versione Inglese: 

THE ROCK TODAY

Massimo Salari

 

Music changes according to the society of the moment.Rock especially is its viaticum of protest, through song lyrics or in some cases by the sounds of certain instrumentation engaged in abstruse compositions. Real Rock has been successful since the 1960s, England and America get off to a flying start, our "big hairs" however come definitely later. The 1960s are very politicized and the music falls right into it. The counterculture, the years of contestation, the years of lead, makes the individual stand alone. Each of us had to be different from another, hence the need to always create something different.I am not the same as anyone.Times changed in the 1980s when society thanks to the commercialization of TV conformed, moving to an apparent and more reassuring "We are all the same." One TV program out of all to bring as an example is Drive In, where the youth society of the "Paninaro" is sponsored, it listens to the same music, dresses the same and even speaks in a new language with invented terms. The 1990s with the advent of the internet, bring to this social compacting an extra glue, the ability to have and see everything in the home. The media then laid the foundation for keeping the population under control, including through the success of telephony, which has made us total slaves even today.Having more and more things that we cannot do without leads society to ruin, Pierpaolo Pasolini also predicted this in the 1970s, calling consumerism "The new power that deceives man" a dictatorship. But the society of the moment does not want to get behind anyone, maybe a person does not make it to the end of the month with money, however, he has the Smartphone, without which socially he would be cut off. Today people work for a few Euros, blackmailed by a system that has won its game.

All of this has unique protest music, so the 60s, 70s, 80s, etc. Here Rock lends itself to so much. How many times have we heard our parents say, for example, "Music used to be better"? So our grandparents said to them and we will say to our children, and so on.

The reality is something else, it is us stuck inside a bubble we have created for ourselves as an antibody to society. The song we love, the one that reminds us of our first love, the most beautiful time of our lives i.e., youth, is for us the most beautiful music in the world, so we do not accept an evolution of it that detaches us from this reassuring "being."

Post-1970s Rock takes another turn from fierce protest, (an example is Area) to the commercial rock of the 1980s. This happens because prosperity arrives, work makes us free, society is doing well, and the genre under consideration is dressed in catchy melodies and sequins. The top is reached in the early 1990s, from here on things change.  Globalization begins to do its inexorable work, from Europe and the change from Lira to Euro. The rest is modernity; today's society knows its status quo well. Rock in all this fades away, it becomes a fad only for one year in 2022 with Maneskin winning Eurovision, but one swallow doesn't make a summer, as we know, well every year something from the past comes back into fashion, then it changes immediately.

Here, this word: IMMEDIATELY, reflects what we are today. All rushing, working on the run, eating on the run, listening on the run etc. leads to an embarrassing cultural shallowness.

The converse is identical for reading. Many, in fact, seeing so many words written, will have long since abandoned this post. If you have come to read up to this point, it means that you are potentially "different" from the average, that is, you have a strong personality, one that has instead been disappearing over time. Everyone is running and that is why music is dying as a craft. And here I turn to future musicians: It is useless for you to play if there is no one listening to you. Yes, because today music is not listened to but heard, a frugal scrolling with your little finger on your phone and off you go, the file has changed. The file--music has to be heard live or with a good stereo system! Today we have everything, and so we know nothing. The solution lies in stopping to reacquaint ourselves with listening and not hearing (hearing means having picked up a sound but not paying attention to it, listening is the opposite, i.e., devoting all attention to it to the exclusion of the surrounds). Listening is important not only for music but especially for societal relationships. We need to go back to listening if we want to change our social status.

Simply put, we need to prepare the audience for listening.

Rock is always there, it has changed over time, but it is there, you just have to know how to look for it by getting out of the current of the "media" river that is taking us away. I enjoy music in every period, I am open minded, simply put I have broken the above bubble and enjoy music in every period, all this however not without relative efforts in searching for it.

Let us take back the shredded personality and above all let us listen to each other if we want to change things, otherwise let us remain in this resigned situation in which we are mere bar-coded puppets.

I return to say that music represents the society of the moment, make your own concluding remarks.