COWARDS
– God Hates Cowards Bloody
Sound Genere: Post Punk / Noise /
Shoegaze Supporto: cd – 2025
Gli
anni ’90 in ambito Rock, Metal e dintorni si sono contraddistinti per l’avvento
del Grunge che si è abbattuto come uno tsunami su quello che era in quel
momento il mondo giovanile voglioso di manifestare il proprio dissenso nei
confronti della società. Uno stile arrabbiato ma allo stesso tempo malinconico,
quasi distaccato da tutto ciò che ci orbitava intorno, i Nirvana su questo
hanno aperto un’autostrada. Se poi si unisce a ciò il Post Punk, il tutto
assume una rudezza ulteriore, anche perché il Punk dei fine anni ‘70 non ha
fatto altro che stordire il Rock più colto fino a quel momento autore di un
decennio importante denominato Progressive Rock, passando così alla sponda
opposta, quella della musica per il corpo. Poche note, violente, divertimento
senza limiti e screzio nei confronti della società perbenista (Sex Pistols
docet). Anche
in Italia i proseliti sono stati numerosi, ancora oggi ne scorgiamo dei
rappresentanti ligi a queste regole, una di queste band è la marchigiana
Cowards di Recanati. Autrice di una musica composta di pancia, è formata da Luca Piccinini
(voce, chitarra, basso), Giulia Tanoni (voce, basso, chitarra), e Michele
Prosperi (batteria). Nascono a Recanati nel 2019 con Peppe Carella alla
batteria, purtroppo prematuramente deceduto nel 2021. Lo sconforto è grande ma
nel 2022 decidono di pubblicare il disco postumo “S/T” per Araghost Records,
una raccolta di brani registrati in formazione originale. “God
Hates Cowards” può tuttavia considerarsi a tutti gli effetti il disco d’esordio
dove la rabbia, l’ansia, il disprezzo e la diffidenza, vengono esaminati nei
crudi testi cantati in lingua inglese. Il
disco si apre argomentando l’odio attraverso una musica rovente, unisona,
graffiante con il brano “I Hate You”, dove gli anni ’90 sono alla corte dei
Anfetamine Reptile. Si
passa al Post Rock con influenze Shoegaze in “Storm”, un movimento lento e
cadenzato in cui la voce di Piccinini è sussurrata, perfetta esecutrice di un
contesto malinconico e nervoso. Il ritornello ne è il punto di forza. Con
“Stay Away” Giulia Tanoni narra inizialmente la fuga dalla realtà, a seguire
gli strumenti alternano fasi minimali ad altre altamente elettriche, dove la
chitarra sembra essere maltrattata in maniera lancinante. I Cowards di certo
mostrano personalità oltre che idee molto chiare. Sale il ritmo con “Dystopian
City” e scende il buio umorale attraverso il Post Punk. La tensione resta alta
per tutto l’ascolto. Non
esula un passaggio nella psiche, questo grazie a “Barefoot Walking In Head”,
canzone con cambi di ritmo e di umore, come descrivono perfettamente gli autori
“Allucinazioni di un viaggio interiore”. Non può mancare neppure il ricordo dell’amico
Peppe Carella, attraverso un brano dal testo struggente intitolato “About A
Friend”. Le sensazioni all’ascolto alternano frangenti sereni ad altri
profondamente malinconici, l’arpeggio insistito della chitarra elettrica è una
delle chiavi vincenti del brano, fra i migliori dell’album. Strampalato il
testo di “WTF?”, ironicamente intento a decantare parti interne del corpo umano
su un ritmo veloce e possente. Buono il lavoro della ritmica basso/batteria, un
motore oliato e unisono. Dopo molta disperazione i Cowards ricercano la quiete
guardando il cosmo, la circostanza è affidata a “3020”. “Scream!” conclude come
un grido liberatorio dove il cantato potrebbe far venire alla mente qualcosa
dei primi Radiohead. “God
Hates Cowards” è un disco che sa di sudore, passione, amore per questo genere
Rock mai troppo considerato dalla massa degli ascoltatori, ed è un vero peccato
perché l’energia espressa è tanta, purificatrice, una valvola di sfogo che ci
lascia immaginare altresì cosa potrebbe essere in sede live. Complimenti. MS
Versione Inglese:
COWARDS - God Hates Cowards Bloody Sound Genre: Post Punk / Noise / Shoegaze Support: cd - 2025
The 1990s in the Rock, Metal and surrounding areas
were distinguished by the advent of Grunge, which fell like a tsunami on what
was at that time the youthful world eager to manifest its dissent against
society. An angry but at the same time melancholic style, almost detached from
everything that orbited around us, Nirvana opened a highway on this. If you
then combine this with Post Punk, the whole thing takes on a further roughness,
not least because the Punk of the late 1970s did nothing but stun the more
cultured Rock up to that time author of an important decade called Progressive
Rock, thus moving to the opposite shore, that of music for the body. Few notes,
violent, limitless fun and a mockery of respectable society (Sex Pistols
docet). In Italy, too, proselytes were numerous, and even
today we see representatives adhering to these rules; one such band is the
Marche-based Cowards. The author of music composed from the gut, it consists of
Luca Piccinini (vocals, guitar, bass), Giulia Tanoni (vocals, bass, guitar),
and Michele Prosperi (drums). They were born in Recanati in 2019 with Peppe Carella
on drums, who unfortunately passed away prematurely in 2021. The discouragement
is great but in 2022 they decide to release the posthumous album “S/T” on
Araghost Records, a collection of songs recorded in the original lineup. “God Hates Cowards”, however, can be considered in all
respects the debut record where anger, anxiety, contempt and distrust, are
examined in the raw lyrics sung in English. The record opens by arguing hate through scorching,
unison, scratchy music with the track “I Hate You”, where the 90s are in the
court of Amphetamine Reptile. We move on to shoegaze-influenced Post Rock in “Storm”,
a slow, cadenced movement in which Piccinini's voice is whispered, the perfect
executor of a melancholic, nervous context. The refrain is its strong point. With “Stay Away”, Giulia Tanoni initially narrates an
escape from reality, following which the instruments alternate between minimal
and highly electric phases, where the guitar seems to be excruciatingly abused.
The Cowards certainly show personality as well as very clear ideas. The tempo
rises with “Dystopian City” and the moody darkness descends through Post Punk.
The tension remains high throughout the listening. It does not exempt a passage into the psyche, this
thanks to “Barefoot Walking In Head”, a song with changes of rhythm and mood,
as the authors perfectly describe “Hallucinations of an inner journey.” The
memory of friend Peppe Carella cannot be missed either, through a song with
poignant lyrics entitled “About A Friend”. The listening sensations alternate
between serene and deeply melancholic bangs; the insistent arpeggio of the
electric guitar is one of the winning keys of the song, among the best on the
album. Wacky are the lyrics of “WTF?” ironically intent on decanting internal
parts of the human body over a fast and powerful beat. Good rhythmic bass/drums
work, an oiled and unison engine. After much despair, the Cowards seek
stillness by looking at the cosmos, the circumstance being given to “3020”.
“Scream!” concludes as a liberating cry where the singing might bring to mind
something from early Radiohead. “God Hates Cowards” is a record that smacks of sweat,
passion, love for this Rock genre never overly considered by the mass of
listeners, and it is a pity because the energy expressed is so much, purifying,
an outlet that leaves us to imagine likewise what it could be in the live
setting. Compliments. MS
Il
1977 è un anno, musicalmente parlando, di transizione. Le mode stanno
cambiando, anche se la protesta in Italia è ancora in vigore (i cosiddetti anni
di piombo), possiamo dire che la colonna sonora sta mutando, lasciando il campo
al Punk, alla Disco e alla New Wave prossima all’arrivo. Il Progressive Rock
sta sparando le ultime momentanee cartucce, e l’interesse attorno a questa
musica va gradatamente scemando. Gli
artisti che ancora si sentono liberi di manifestare i propri credo, non
contigui alla moda di massa, tuttavia non si arrendono e proseguono per la
propria strada, sia essa politicizzata che no. Un
forte esempio lo abbiamo avuto con gli artisti della Cramps di Gianni Sassi, in
campo sino all’ultima nota fra utopie e convinzioni, una band su tutte gli Area
di Demetrio Stratos che ha avuto sempre la forza di contestare sia con la
musica che con le parole. Chi
si è immesso in questo sentiero alla fine degli anni ’70 di certo non ha
trovato terreno fertile, per questo è capitato d’imbattersi in lavori singoli,
privi di un proseguimento temporale. I classici album da un colpo e via, quelli
poi che i collezionisti di vinili cercano e vendono a cifre improponibili. Un
esempio lo abbiamo con Franco Leprino, autore di un solo album completamente
strumentale intitolato “Integrati… Disitegrati”. Franco
Leprino, nato a Ficarra, in provincia di Messina, è un chitarrista
polistrumentista prossimo allo stile ricercato ed elettronico del primo Franco
Battiato. Ispirato da artisti come Stockhausen, Cage e Berio, Leprino
intraprende il percorso sonoro minimalista fra chitarre classiche, atmosfere
rilassanti e il VCS3, strumento elettronico vendutogli proprio dal mai troppo
compianto Battiato. L’autore
entra nel mondo della musica come chitarrista per diverse band Rock, ma
l’ambiente gli va stretto e a ventidue anni sente la necessità di una
differente forma di espressione, basata su ideali antifascisti e di sinistra. “Integrati…
Disintegrati” viene concepito durante il periodo passato all’Università di
Messina ma registrato a Milano. Il titolo lascia intendere la differenziazione
di un substrato sociale composto prevalentemente da due tipologie di persone,
coloro che si sono adeguati al sistema (Integrati) e quelli che invece non si
sono mai adattati ai tempi (Disintegrati), questo di base è il concept
dell’album suddiviso in due lunghe tracce, “Parte 1” di oltre diciannove minuti
di durata e “Parte 2” di ventidue minuti e mezzo. Qui i suoni circondano la
mente dell’ascoltatore fra effetti elettronici, pianti di bambino, voci di
folla inferocita, atmosfere oniriche, sinfonismi, il tutto esaltate da buoni
effetti stereo. Una perla rara in cui lasciare andare la mente e il corpo per
un momento di relax, magari proprio dopo una giornata dura in cui si sente la
necessità di resettarsi. Tanti i momenti dolci che accompagnano l’ascolto, un
altalenarsi di emozioni che in un solo disco rendono il tutto molto scorrevole
e fruibile. Oltre al minimalismo non manca neppure la dodecafonia. Il
disco nel tempo ha ricevuto buone critiche, e alcune ristampe, malgrado ciò
Leprino conclude qui la sua comparsa in questo mondo musicale, a lui
successivamente non più congruente, ed è un vero peccato perché l’autore è
ricco d’idee e soluzioni che di certo esulano da quella che potremmo definire
la banalità dei tempi a seguire. Viene ristampato dalla Giallo Records nel 2009
con materiale aggiunto che doveva uscire per la Cramps Records, ma a causa
della morte di Sassi, non andò a buon fine. Oggi Leprino scrive in riviste di
settore ed è docente all’Università degli Studi di Genova oltre che dedito alla
passione di Filmacker. “Integrati…. Disintegrati”, quando la musica
in Italia aveva ancora una valenza politica. Da riscoprire. MS
1977 is a year, musically speaking, of transition.
Fashions are changing, even if the protest in Italy is still in force (the
so-called years of lead), we can say that the soundtrack is changing, leaving
the field to Punk, Disco and the soon-to-arrive New Wave. Progressive Rock is
firing its last momentary shells, and interest around this music is gradually
waning. The artists who still feel free to manifest their
beliefs, not contiguous with mass fashion, nevertheless do not give up and
continue on their way, whether politicized or not. We had a strong example of this with the artists of
Gianni Sassi's Cramps, in the field until the last note between utopias and
convictions, one band above all Demetrio Stratos's Area, which always had the
strength to contest with both music and words. Those who entered this path at the end of the 1970s
certainly did not find fertile ground, which is why it happened to come across
single works with no temporal continuation. The classic one-shot albums, the
ones then sought out by vinyl collectors and sold for ungodly sums. We have an example with Franco Leprino, author of a
fully instrumental solo album entitled “Integrati... Disitegrati.” Franco Leprino, born in Ficarra, in the province of
Messina, is a multi-instrumentalist guitarist close to the refined and
electronic style of early Franco Battiato. Inspired by artists such as
Stockhausen, Cage and Berio, Leprino embarks on the minimalist sound path
between classical guitars, relaxing atmospheres and the VCS3, an electronic
instrument sold to him by the never-too-much lamented Battiato. The author enters the world of music as a guitarist
for several Rock bands, but the environment is tight for him and at the age of
twenty-two he feels the need for a different form of expression, based on
anti-fascist and leftist ideals. “Integrati... Disintegrati” was conceived during his
time at the University of Messina but recorded in Milan. The title hints at the
differentiation of a social substratum composed mainly of two types of people,
those who have adapted to the system (Integrati) and those who, on the other
hand, have never adapted to the times (Disintegrati), this basic is the concept
of the album divided into two long tracks, “Part 1” of over nineteen minutes in
length and “Part 2” of twenty-two and a half minutes. Here sounds surround the
listener's mind between electronic effects, baby cries, angry crowd voices,
dreamlike atmospheres, symphonisms, all enhanced by good stereo effects. A rare gem in which to let your mind and body go for a
moment of relaxation, perhaps just after a hard day when you feel the need to
reset. So many sweet moments accompany the listening, a seesaw of emotions that
in one disc make it all very smooth and enjoyable. In addition to minimalism,
there is also no lack of dodecaphony. The record over time has received good reviews, and a
few reissues, despite this Leprino concludes here his appearance in this
musical world, to him subsequently no longer congruent, and it is a pity
because the author is rich in ideas and solutions that certainly go beyond what
we might call the banality of the times to follow. It was reissued by Giallo
Records in 2009 with added material that was supposed to be released by Cramps
Records, but due to Sassi's death, did not go through. Today Leprino writes in
trade journals and is a lecturer at the University of Genoa as well as
dedicated to his passion of Filmacker. "Integrated.... Disintegrated," when music
in Italy still had political significance. To be rediscovered. MS
ELISA
MONTALDO - Looking Back Moving Forward Autoproduzione Genere: Progressive Folk /
Progressive Rock Supporto: CD / Bandcamp – 2025
Questo
è un periodo davvero ispirato per la brava tastierista e cantante genovese
Elisa Montaldo. L’abbiamo recentemente ascoltata nel progetto Albus Diabolus
con Samael Von Martin, e nell’album “Il Fascino Dell’Insolito” ispirato alle
serie tv del mistero degli anni settanta. Ora è la volta di “Looking Back
Moving Forward”. La discografia di Elisa Montaldo comprende anche “Fistful Of
Planets - Part I” (2015), “Dévoiler” (2020), e “Fistful Of Planets Part II –
“Polisensorial Experience Box” (2021). Coloro
che seguono il panorama italiano del Progressive Rock moderno, sapranno già che
Montaldo milita nelle file dell’ottima band Il Tempio Delle Clessidre. La sua
sensualità miscelata con la bellezza, la capacità tecnica fuori del comune e
l’animo a tratti misterioso dell’artista, fanno di lei un’eccellenza che ho
sempre saputo apprezzare nel tempo. Questa nuova opera è davvero sostanziosa,
ricca di ben quattordici tracce nelle quali fanno comparsa degli special guest
noti nel Prog Rock come Mattias Olsson (Il Tempio Delle Clessidre) (batteria),
Giacomo Castellano (chitarre, sitar), Barbara Rubin (viola, voce), Francesco
Ciapica (voce), Carmine Capasso (chitarre, sitar), e Carlo Guardamagna (basso,
chitarra). Elisa
in “Looking Back Moving Forward” spazia sia nei generi che nel tempo, mettendo
in evidenza tutta la cultura a disposizione oltre che le innate capacità
esecutive e di scrittura. Il singolo “Al Di La Delle Idee” è stato solo
l’antipasto di questo grande percorso, soave come la sua voce e dall’animo
cortese. La copertina che accompagna l’album è la perfetta rappresentazione
dell’essenza Montaldo e si sposa con la sua musica. Le
canzoni a seguire sono cantate in lingua inglese. Nei testi, argomentazioni
come lo spazio e il tempo, così spiega l’artista nelle note biografiche:
“L’album si sviluppa in un modo molto particolare: al centro c’è la cosiddetta
bolla Dreamcore: una sorta di “parentesi” composta da 6 tracce strumentali concatenate
in modo strategico. Questo è un luogo in cui la mente può lasciarsi andare e
sognare, entrando in uno spazio liminale in cui i suoni provengono da un
passato immaginario e universale, descrivendo visioni dell’infanzia o anche
“ricordi perduti di un robot”. Ed
è “Raining Solitude”, attraverso suoni psichedelici, a venirci incontro per poi
lasciare campo al pianoforte accarezzato con amore e un Folk atavico di natura
nordica. Nella stessa lunghezza d’onda “Still Floating - We Didn’t Waste Time”,
sempre lambito dalla voce sensibile di Montaldo. “Alone
Or Not (Modern Vampire)” è immersa negli anni ’70, in quel cantautorato che
molto ha saputo far cantare il pubblico (vedi Elton John). Buono l’uso delle
coralità d’accompagnamento di Francesco Ciapica registrato su sedici tracce. “The
Bunyan Effect” gode di effetti psichedelici di sitar lontani, ammaliante e
sensuale, segue “You’re With Me”, una coccola sonora sospesa nell’aria da
quanto risulta leggera. Il titolo “Northern Woods” racchiude in sé tutto il
concetto proposto, con a seguito un riff pianistico ipnotico che non lascia
scampo. “Out
Of The Cold White Desert” inizia la suddetta fase strumentale di sei brani che
si conclude con “Watermelon In Easter Hay”, assoluto capolavoro di Frank Zappa. Spettacolare
la chiusura dell’album lasciata alla title track “Looking Back, Moving Forward”
che vede la partecipazione di Barbara Rubin e Francesco Ciapica. “Looking
Back Moving Forward” mi ha fatto scorrere più volte brividi nel corpo, sa
emozionare e, perché no… emozionarsi, perché qui Elisa mette a nudo la propria
anima con competenza e sensibilità, dote rara nel panorama musicale odierno
composto principalmente da prodotti mordi e fuggi oltre che superficiali. È
un’artista di cui vantarsi, capace di capire che bisogna sempre guardare
indietro per poter andare avanti e migliorarsi. Esempio. MS
Versione Inglese:
ELISA MONTALDO - Looking Back Moving Forward Self-produced Genre: Progressive Folk / Progressive Rock Format: CD / Bandcamp – 2025
This is a truly inspired period for the talented
Genoese keyboardist and singer Elisa Montaldo. We've recently heard her in the
Albus Diabolus project with Samael Von Martin, and in the album "Il
Fascino Dell'Insolito" inspired by the mystery TV series of the 1970s. Now
it's the turn of "Looking Back Moving Forward". Elisa Montaldo's
discography also includes "Fistful Of Planets - Part I" (2015),
"Dévoiler" (2020), and "Fistful Of Planets Part II –
"Polisensorial Experience Box" (2021). Those who follow the Italian modern Progressive Rock
scene will already know that Montaldo is a member of the excellent band Il
Tempio Delle Clessidre. Her sensuality mixed with beauty, exceptional technical
skill, and the artist's sometimes mysterious soul make her an excellence I've
always appreciated over time. This new work is truly substantial, featuring
fourteen tracks with special guests known in Prog Rock such as Mattias Olsson
(Il Tempio Delle Clessidre) (drums), Giacomo Castellano (guitar, sitar),
Barbara Rubin (viola, vocals), Francesco Ciapica (vocals), Carmine Capasso
(guitar, sitar), and Carlo Guardamagna (bass, guitar). In "Looking Back Moving Forward", Elisa
spans genres and time, highlighting her vast culture and innate executive and
writing skills. The single "Al Di La Delle Idee" was just the
appetizer for this great journey, as sweet as her voice and with a kind soul.
The album cover perfectly represents Montaldo's essence and matches her music. The following songs are sung in English. The lyrics
deal with themes like space and time, as the artist explains in the
biographical notes: "The album develops in a very particular way: at its
center is the so-called Dreamcore bubble: a sort of 'parenthesis' composed of 6
instrumental tracks strategically linked. This is a place where the mind can
let go and dream, entering a liminal space where sounds come from an imaginary
and universal past, describing visions of childhood or even 'lost memories of a
robot'". It's "Raining Solitude", with psychedelic
sounds, that comes to meet us, then gives way to a lovingly played piano and a
Nordic, primal Folk. In the same vein is "Still Floating - We Didn’t Waste
Time", always touched by Montaldo's sensitive voice. "Alone Or Not (Modern Vampire)" is immersed
in the 1970s, in that singer-songwriter style that made people sing (see Elton
John). Good use of Francesco Ciapica's backing vocals, recorded on sixteen
tracks. "The Bunyan Effect" features distant,
mesmerizing, and sensual sitar psychedelic effects, followed by "You’re
With Me", a light, airy sonic caress. The title "Northern Woods"
encapsulates the concept, with a hypnotic piano riff that doesn't let go. "Out Of The Cold White Desert" begins the
aforementioned instrumental phase of six tracks, concluding with
"Watermelon In Easter Hay", an absolute masterpiece by Frank Zappa. The album's spectacular closing track is the title
track "Looking Back, Moving Forward", featuring Barbara Rubin and
Francesco Ciapica. "Looking Back Moving Forward" has given me
chills more than once, it knows how to move and, why not... be moved, because
here Elisa bares her soul with competence and sensitivity, a rare gift in
today's music scene, mostly made of superficial, hit-and-run products. She's an
artist to be proud of, capable of understanding that you must always look back
to move forward and improve. Example. MS
PAOLA
TAGLIAFERRO & LA COMPAGNIA DELL’ES - The Sound Of The Spheres Owl
Records Genere: Progressive Rock Supporto: 2CD / Bandcamp – 2025
Musica
e spiritualità sono state spesso complici nel percorso dell’umanità, in
qualsiasi religione o credo. Il suono non è altro che un rafforzativo a certi
concetti, così come la voce adeguatamente modulata. “Siamo
fatti della stessa materia delle stelle”, sentenziava Margherita Hack, mentre
c’è chi sostiene che il divino sia la nostra fiamma pilota, il tutto sempre
correlato al sostegno della nostra esistenza. Sono
passati millenni e l’argomento resta ancora oggi fra i più trattati in
assoluto, chi lo affronta con occhio critico e chi è debitore al credo, a
testimonianza del desiderio di ricercare una speranza di vita (e di morte) alla
quale dare un significato vero e proprio. Paola Tagliaferro, attraverso la sua
bellissima voce, assieme a Pier Gonella, si immerge in questo panorama con
delicatezza e classe. In
“The Sound Of The Spheres” si può apprezzare il connubio dell’artista cantante
con La Compagnia Di Es, band Progressive Rock ligure che vede Pier Gonella alla
chitarra e basso, Luca Scherani al pianoforte e tastiere e Andrea Orlando
(Finisterre, La Maschera di Cera, La Coscienza di Zeno e Real Dream) alla
batteria. Il
disco è ispirato all’Ankh, croce simbolo egizio della vita eterna con cui
viaggiare attraverso la Luna e i pianeti del nostro sistema solare, ognuno dei
quali porta il nome di antiche divinità. Energie cosmiche che influenzano gli
esseri viventi per suggerire una visione maggiormente ampia che travalica
l’esistenza terrena. Il lavoro è formato da dieci brani, ciascuno dei quali
porta il nome di un pianeta, e dello stesso c’è anche una versione in lingua
inglese. Una
menzione particolare per la copertina, creata in collaborazione con l’artista
contemporanea Fiamma Diletta Cremonese. La fotografia rappresenta il corpo come
punto d’inizio e ritrae la luminosità dello stesso proiettata con armonia verso
le sfere. L’apertura
spetta proprio a “Ankh Il Viaggio”, un preambolo dovuto in cui l’umanità prende
coscienza della propria storia e inizia il percorso. La musica riporta ai fasti
degli anni ’70 attraverso un mix fra Rock e Folk. La chitarra elettrica qui
sprigiona sensazioni ataviche mai dome ai tempi. Una danza velata in cui la
leggiadria regna sovrana. Lo
sguardo si pone per primo sulla “Luna”, nostro satellite amico in cui la
complicità con la terra è vitale. Alcune delicatezze sonore richiamano le più
sensibili Orme, lasciando nell’ascoltatore positività e serenità. La
formula canzone è sempre rispettata, ma sono gli arrangiamenti e gli
accompagnamenti musicali a donare al tutto una consistenza altamente
professionale, ciò lo si evince anche durante l’ascolto di “Sole”. La nostra
stella ci dona la vita in un equilibrio di distanze quasi uniche nell’intero
universo. Ci allontaniamo verso “Mercurio”, il piccolo dai piedi alati; qui il
cantautorato presta il fianco al passato grazie al suono delle tastiere,
giocando anche con coralità di fondo. La
bellezza di “Venere” viene esaltata dalla cantautrice attraverso
un’interpretazione sentita inizialmente prossima allo stile di Fabrizio De
Andrè, dove ancora una volta i cori maschili e femminili sono un valore
aggiunto. I testi di “Marte” sono opera del poeta e scrittore Claudio Pozzani,
mentre la musica alza il ritmo per sottolineare i fasti del dio della guerra. E
si arriva al grande “Giove”, enorme massa gassosa con i suoi satelliti. Sul
trono dell’Olimpo esso domina orgoglioso. La voce è in profondità rispetto al
brano e dona al tutto una sorta di misticismo etereo. In
“Titani Ghiacciati” si alza un vento gelido in cui la chitarra elettrica fa da
evidenziatore per poi giungere sino a Saturno, “Il Pianeta Degli Anelli”. Le
ombre e le luci lo rendono un pianeta misterioso, mentre la musica vede il suo
punto di forza nel bellissimo assolo di Scherani al pianoforte. L’argomento
trova la conclusione su “Plutone”, qui con testi del poeta, scrittore e
giornalista José Pulido. “The
Sound Of The Spheres” è quindi un viaggio nella nostra piccola galassia… Quasi
infinitesimale vista la vastità del cosmo. Chissà cosa potremmo scrivere fra
anni quando l’uomo riuscirà a conoscere nuove realtà. Al momento godiamo del
nostro orticello, esaltandolo il più possibile anche attraverso la musica soave
e leggera di Paola Tagliaferro e della Compagnia Dell’Es. MS
Versione Inglese:
PAOLA
TAGLIAFERRO & LA COMPAGNIA DELL’ES - The Sound Of The Spheres Owl
Records Genre:
Progressive Rock Format:
2CD / Bandcamp – 2025
Music and spirituality have often been complicit in
humanity's journey, in any religion or creed. Sound is nothing but a
reinforcement of certain concepts, as is the appropriately modulated voice. "We are made of the same stuff as the
stars," Margherita Hack would say, while some argue that the divine is our
guiding light, all linked to sustaining our existence. Millennia have passed, and the topic remains one of
the most discussed, with some approaching it critically and others indebted to
their creed, testifying to the desire to seek a true meaning of life (and
death). Paola Tagliaferro, with her beautiful voice, alongside Pier Gonella,
immerses herself in this panorama with delicacy and class. In "The Sound Of The Spheres", one can
appreciate the union of the singer with La Compagnia Di Es, a Ligurian
Progressive Rock band featuring Pier Gonella on guitar and bass, Luca Scherani
on piano and keyboards, and Andrea Orlando (Finisterre, La Maschera di Cera, La
Coscienza di Zeno, and Real Dream) on drums. The album is inspired by the Ankh, the Egyptian symbol
of eternal life, with which to travel through the Moon and the planets of our
solar system, each named after ancient deities. Cosmic energies influencing
living beings, suggesting a broader vision transcending earthly existence. The
work consists of ten tracks, each named after a planet, with an English version
as well. A special mention for the cover, created in
collaboration with contemporary artist Fiamma Diletta Cremonese. The photograph
represents the body as a starting point, depicting its luminosity harmoniously
projected towards the spheres. The opening is "Ankh Il Viaggio", a
necessary prelude where humanity becomes aware of its history and begins its
journey. The music harks back to the '70s through a mix of Rock and Folk. The
electric guitar unleashes primeval sensations never tamed at the time. A veiled
dance where elegance reigns supreme. The gaze first falls on the "Moon", our
friendly satellite where complicity with Earth is vital. Some sonic delicacies
evoke the most sensitive Orme, leaving the listener with positivity and
serenity. The song formula is always respected, but it's the
arrangements and musical accompaniments that give everything a highly
professional consistency, evident even in "Sole". Our star gives us
life in a unique balance of distances in the universe. We move away towards
"Mercury", the small winged one; here, the singer-songwriter leans on
the past thanks to the keyboard sound, playing with background harmonies. The beauty of "Venere" is exalted by the
singer through an interpretation initially close to Fabrizio De Andrè's style,
where once again male and female choirs are an added value. The lyrics of
"Marte" are by poet and writer Claudio Pozzani, while the music
raises the tempo to underline the glories of the god of war. And we arrive at
the great "Giove", an enormous gaseous mass with its satellites. On
the throne of Olympus, it proudly dominates. The voice is deep in the track,
giving everything a sort of ethereal mysticism. In "Titani Ghiacciati", a cold wind rises
where the electric guitar highlights, then reaching Saturn, "Il Pianeta
Degli Anelli". Shadows and lights make it a mysterious planet, while the
music finds its strength in Scherani's beautiful piano solo. The topic
concludes with "Plutone", with lyrics by poet, writer, and journalist
José Pulido. "The Sound Of The Spheres" is thus a journey
through our small galaxy... Almost infinitesimal given the vastness of the
cosmos. Who knows what we'll write in years when humanity discovers new
realities. For now, let's enjoy our little garden, enhancing it as much as
possible through the sweet and light music of Paola Tagliaferro and La
Compagnia Dell’Es. MS
ZU
– Ferrum Sidereum House
Of Mythology Genere:
Progressive Rock / Heavy Metal / Jazz Supporto: 2LP / CD / Bandcamp –
2026
Il
2026 è appena arrivato e già mi prende a schiaffi. A parte gli scherzi, sapevo
già come pararmi la faccia, perché i ZU li conosco bene, inoltre non disdegno
le sonorità oscure e dure del Metal. Voglio
immediatamente sottolineare che la band è considerata fra le più interessanti
del panorama italiano, molto apprezzata anche all’estero e punta di diamante di
un genere assolutamente personale come questo, composto, oltre a ciò che ho
anticipato, anche dal Jazz spinto dal sax di Luca T. Mai (sax, tastiere, synth).
Assieme a Massimo Pupillo (basso, chitarra acustica 12 corde) e a Paolo
Mongardi (batteria, percussioni), formano un trio micidiale, dalla tecnica
sopraffina, come solo poche band sanno palesare. Inoltre,
i ZU hanno un suono pazzesco, questa volta esaltato maggiormente da Marc
Urselli, ingegnere del suono per una marea di grandi artisti Rock, e per fare
alcuni nomi, dico Lou Reed, Nick Cave, Mike Patton, U2, Elton John, Kesha, Joan
Jett, Les Paul, etc. Undici
dischi in studio con questo “Ferrum Sidereum”, e vi giuro che credevo fosse
impossibile superare i fasti di “Carboniferous” (2009), album che della loro
discografia ho amato di più nel tempo, e invece… Hanno
messo molta cura nel realizzare queste undici canzoni, un doppio album di
ottanta minuti strumentale che giunge dopo ben sette anni dall’ottimo “Zu93:
Mirror Emperor” e moltissime prove live in studio a Bologna. Venendo al
significato del titolo, così accompagnano le note su Bandcamp: “"Ferrum
Sidereum", che dal latino significa "ferro delle stelle", si
riferisce al minerale meteorico, che aveva un profondo significato spirituale
nell'antichità ed è contenuto in manufatti come oggetti rituali egizi, di cui
il pugnale di ferro meteorico di Tutankhamon è l'esempio più noto, o in alcune
lame tibetane "Phurpa". Il ferro proveniente dalle stelle costituisce
la base elementare che plasma la narrazione ultraterrena degli ZU in questo
album”. In
buona sostanza, è già “Charagma” a fare delle chiacchiere il nulla, qui si può
già capire quanto detto, ossia dove il trio va a parare. Il basso ruggisce in
modalità Tool, la batteria di Paolo Mongardi (Fuzz Orchestra, Jennifer Gentle,
Ronin) è una sentenza! E poi provate a far suonare un sax in quella maniera…
Caracollante, monolitico, ipnotico e oscuro quanto basta. In
“Golgotha” le vibrazioni entrano in testa senza chiedere il permesso, lasciando
l’ascoltatore in una sorta di stato catatonico grazie a ritmiche spezzate e
potenti (caratteristica base della band). La pulizia dei suoni fa il resto con
la giunta di tastiere avvolgenti che donano al sound un timbro assolutamente
magniloquente e tetro. “Kether”
ha un inizio introspettivo, per poi procedere nell’antro della pece.
Immaginatevi i King Crimson altamente scontrosi, così vale per “AI Hive Mind”.
In “The Celestial Bull And The White Lady” e “Hymn Of The Pearl” ci sono molte
schegge impazzite dei Tool, grazie ai tempi dispari. Fra i brani che ho
maggiormente apprezzato metto “La Donna Vestita Di Sole”, con un inizio molto
anni ’70 attraverso risvolti psichedelici. Incentrato nuovamente sulla forza
della ritmica, il brano si dipana per soluzioni Progressive Rock grazie a fughe
e riprese, relegando il brano in un limbo difficilmente classificabile.
Alienante “Fuoco Saturnio”, ma mai come la conclusiva “Ferrum Siderium”. Il
Ferrum Sidereum proviene dallo spazio, questo mi spiega molte cose, qui di
umano c’è ben poco. Un disco che spaventa per intenti, ma che attraverso il
fresco apporto di Paolo Mongardi, regala emozioni forti; attenzione, però, sto
parlando dei ZU, quindi preparatevi all’ascolto! MS
Versione Inglese:
ZU – Ferrum Sidereum House Of Mythology Genre: Progressive Rock / Heavy Metal / Jazz Format: 2LP / CD / Bandcamp – 2026
2026 has just arrived and it's already hitting me
hard. Joking aside, I knew what to expect, because I know ZU well, and I also
appreciate the dark, hard sounds of Metal. I want to immediately point out that the band is
considered one of the most interesting in the Italian scene, highly appreciated
abroad and a shining example of a highly personal genre, which combines what
I've mentioned before with Jazz, driven by Luca T. Mai's sax (sax, keyboards,
synth). Alongside Massimo Pupillo (bass, 12-string acoustic guitar) and Paolo
Mongardi (drums, percussion), they form a deadly trio with top-notch technique,
as only a few bands can showcase. Moreover, ZU has an incredible sound, this time
enhanced by Marc Urselli, sound engineer for a plethora of great rock artists,
including Lou Reed, Nick Cave, Mike Patton, U2, Elton John, Kesha, Joan Jett,
Les Paul, etc. This is their eleventh studio album, "Ferrum
Sidereum", and I swear I thought it was impossible to top
"Carboniferous" (2009), the album I loved most in their discography,
but... They've put a lot of care into crafting these eleven
tracks, an instrumental double album spanning eighty minutes, released seven
years after the excellent "Zu93: Mirror Emperor" and many live studio
sessions in Bologna. The title's meaning is explained on Bandcamp: "Ferrum
Sidereum", Latin for "iron of the stars", refers to meteoric
iron, which held deep spiritual significance in ancient times and is found in
artifacts like Egyptian ritual objects, such as Tutankhamun's meteoric iron
dagger, or Tibetan "Phurpa" blades. The iron from the stars forms the
elemental basis that shapes ZU's otherworldly narrative in this album. In short, "Charagma" already speaks volumes,
and you can already tell where the trio is headed. The bass growls like Tool,
Paolo Mongardi's drums (Fuzz Orchestra, Jennifer Gentle, Ronin) are a
declaration! And then try playing a sax like that... Winding, monolithic,
hypnotic, and dark enough. In "Golgotha", the vibrations enter your
head uninvited, leaving the listener in a sort of catatonic state thanks to the
broken, powerful rhythms (a staple of the band). The sound's cleanliness does
the rest, with enveloping keyboards adding a magnificently somber tone. "Kether" starts introspectively, then
plunges into darkness. Imagine grumpy King Crimson, that's what "AI Hive
Mind" is like. "The Celestial Bull And The White Lady" and
"Hymn Of The Pearl" feature many wild Tool-esque moments, thanks to
the odd time signatures. Among the tracks I enjoyed most is "La Donna
Vestita Di Sole", with a very '70s start and psychedelic twists. Focusing
again on the rhythmic force, the song unfolds through Progressive Rock
solutions, relegating it to an unclassifiable limbo. "Fuoco Saturnio"
is alienating, but not as much as the closing "Ferrum Siderium". Ferrum Sidereum comes from space, which explains a lot
– there's very little human about it. A record that intimidates with its
intentions, but through Paolo Mongardi's fresh contribution, delivers strong
emotions; be warned, though, I'm talking about ZU, so be prepared to listen! MS
NEO
ATLANTIS – Neo Atlantis Masque
Records Genere: Neo Prog Strumentale Supporto: CD / Digital – 2025
(2023)
La
terra del sol levante è notoriamente riconosciuta per l’alta qualità tecnica
dei musicisti, soprattutto nell’ambito del Progressive Rock. Tuttavia, spesso
faticano a comporre musica di grande impatto, eccezion fatta per alcuni casi
noti. Sono anche grandi ascoltatori e cultori del buon sound, e non a caso
molte band mondiali vanno in Giappone per registrare, soprattutto dal vivo. Personalmente,
apprezzo molto il Prog di band come Kenso, Outer Limits, Ars Nova, Bi Kyo Ran,
Gerard, KBB e molte altre, perché oltre a possedere grande tecnica strumentale,
pongono attenzione alla parte melodica della composizione, fondamentale per
lasciare un’impronta duratura nella memoria. In
questo filone possono essere menzionati gli attuali Neo Atlantis, gruppo
fondato nel 2016 dal compositore e batterista Hiromitsu "Jeff"
Kaneko. L’artista priorizza la sinfonizzazione del Rock e la grandiosità degli
arrangiamenti orchestrali. Con lui suonano Kazunari "Leslie" Okumura
(chitarra), Masanori Hamada (basso), Ayako Asano (sintetizzatore), Makoto
Shirakawa (tastiere), e l’ospite speciale Megumi Yamauchi (pianoforte). Nel
2023 rilasciano il primo album omonimo, che cattura l'attenzione dell'etichetta
brasiliana Masque Records. Quest’ultima dona nuova veste all’artwork con
Bernard Andrea (bernard-design.com.br) e lo distribuisce in tutto il mondo in
maniera meritevole. Malgrado
“Neo Atlantis” sia un disco strumentale privo di testo, ha un concept solido
che affronta la sopravvivenza e la perdita dell'umanità. L’introduzione
racconta: “In un lontano futuro (anno 300X), dopo guerre nucleari, distruzione
ambientale e manipolazione genetica fallita, l'umanità è sull'orlo dell'estinzione.
Con scarsità di cibo e acqua, emerge una voce: la leggendaria Atlantide è
emersa dai mari. I giovani credono che ci possa essere tecnologia e conoscenza
capace di salvare la Terra, e si imbarcano su una grande nave chiamata Neo
Atlantis alla ricerca di questa ultima speranza.” Subito
tastiere in evidenza e un giro di basso protagonista supportano il refrain del
brano “Sailing Ship Across The Sea”, che ci racconta storia e richiama i Camel
e i Genesis. Il brano è molto orecchiabile e ricco di cambi d’umore in
crescendo, formula sempre valida per conquistare l’attenzione dell’ascoltatore.
Buona anche la parte della chitarra elettrica, che si esibisce in gradevoli
assolo di matrice Neo Prog. Vigorosa
la partenza di “Empty Heated Battle”, che racconta: “La ciurma sbarca su
un'isola artificiale che un tempo ospitava strutture di ricerca genetica. I
sopravvissuti lì erano stati modificati per avere minore bisogno di cibo, ma
erano diventati mutati e aggressivi a causa delle radiazioni.” Durante l’ascolto,
alti e bassi umorali si alternano come se fossimo in preda alle onde del mare,
merito sostanziale delle tastiere. “Pride
Of Warriors” è elettrica e narra: “La ciurma scopre un castello circondato da
mura, un tempo roccaforte di una nazione contro il governo mondiale.” Il brano
è caratterizzato da tastiere e ritmica sostenuta. Nell’esplorazione
di una città distrutta, l’equipaggio scopre una registrazione che svela
l’invasione di un governo mondiale intento a sperimentazioni di DNA. “Enemy
Attack On The Homeland” è una storia di crudeltà. Qui le atmosfere si fanno
complesse, con un malinconico e drammatico motivo che regge la composizione. Ma
ecco sopraggiungere un'isola bella e rilassante, che però cela una strana
grotta piena di mostri ultraterreni. “Strange Island” è un ottimo esempio di
Neo Prog con melodia orecchiabile. Il
Triangolo delle Bermude, un tempo solo nell'Atlantico, ora esiste in tutto il
mondo a causa di disastri artificiali. “Forgotten Forest” è la perfetta colonna
sonora per l’ultima tappa del viaggio. Nella
nave dei Neo Atlantis si affronta un viaggio fantastico fatto di ottima musica
ben congeniata. La Masque Records ha fatto bene a riproporla anche a noi,
scoprendo una piccola perla sonora altrimenti ignorata. Voi siete pronti a
salpare? MS Contatto: masquerecords@gmail.com www.masquerecords.com
Versione Inglese:
NEO
ATLANTIS – Neo Atlantis Masque
Records Genre:
Instrumental Neo Prog Format:
CD / Digital – 2025 (2023)
The land of the rising sun is renowned for the high
technical quality of its musicians, especially in the realm of Progressive
Rock. However, they often struggle to compose music with a significant impact,
with a few notable exceptions. They are also great listeners and connoisseurs
of good sound, and it's no coincidence that many international bands come to
Japan to record, especially live. Personally, I appreciate the Prog of bands like Kenso,
Outer Limits, Ars Nova, Bi Kyo Ran, Gerard, KBB, and many others, because in
addition to possessing great instrumental technique, they pay attention to the
melodic part of the composition, which is essential for leaving a lasting
impression. In this vein, we can mention the current Neo Atlantis,
a group founded in 2016 by composer and drummer Hiromitsu "Jeff"
Kaneko. The artist prioritizes the symphonic aspect of Rock and the grandeur of
orchestral arrangements. Alongside him are Kazunari "Leslie" Okumura
(guitar), Masanori Hamada (bass), Ayako Asano (synthesizer), Makoto Shirakawa
(keyboards), and special guest Megumi Yamauchi (piano). In 2023, they released their first album, which caught
the attention of the Brazilian label Masque Records. The label gave the artwork
a new look with Bernard Andrea (bernard-design.com.br) and distributed it
worldwide in a deserving manner. Although "Neo Atlantis" is an instrumental
album without lyrics, it has a solid concept that explores humanity's survival
and loss. The introduction tells us: "In a distant future (year 300X),
after nuclear wars, environmental destruction, and failed genetic manipulation,
humanity is on the brink of extinction. With food and water scarcity, a voice
emerges: the legendary Atlantis has risen from the seas. Young people believe
there may be technology and knowledge capable of saving the Earth, and they set
sail on a great ship called Neo Atlantis in search of this last hope." The keyboards and bassline immediately take center
stage in the song "Sailing Ship Across The Sea", which tells us a
story and recalls the likes of Camel and Genesis. The song is very catchy and
rich in mood changes, a formula that always works to capture the listener's
attention. The electric guitar part is also noteworthy, with pleasant Neo
Prog-inspired solos. The song "Empty Heated Battle" starts
vigorously, telling the story of the crew landing on an artificial island that
once housed genetic research facilities. The survivors had been modified to
need less food, but had become mutated and aggressive due to radiation. During
the listening experience, the moods shift like the waves of the sea, thanks to
the keyboards. "Pride Of Warriors" is electric and tells
the story of the crew discovering a castle surrounded by walls, once a
stronghold of a nation against the world government. The song features
prominent keyboards and a sustained rhythm. In the exploration of a destroyed city, the crew
discovers a recording that reveals the invasion of a world government intent on
DNA experimentation. "Enemy Attack On The Homeland" is a story of
cruelty, with complex atmospheres and a melancholic and dramatic motif that
holds the composition together. But then, a beautiful and relaxing island appears,
hiding a strange cave full of otherworldly monsters. "Strange Island"
is an excellent example of Neo Prog with a catchy melody. The Bermuda Triangle, once only in the Atlantic, now
exists worldwide due to artificial disasters. "Forgotten Forest" is
the perfect soundtrack for the final leg of the journey. On the Neo Atlantis ship, we embark on a fantastic
journey of excellent music, well-crafted and deserving of attention. Masque
Records did well to re-propose it to us, uncovering a small sonic pearl that
would have otherwise gone unnoticed. Are you ready to set
sail? MS
CODICE
C – Boom Ma.Ra.Cash
Records Genere: Crossover Prog / Rock Supporto: cd – Digital – 2025
Dopo
un inizio stentante, questo 2025 per il Progressive Rock italiano si sta rivelando
alquanto interessante. Mi sto riferendo alla qualità piuttosto che alla
quantità, paradossalmente sono i grandi nomi quelli che al momento hanno deluso
di più al sottoscritto. La
Ma.Ra.Cash Records, così come la Lizard e la M&P Records, sta proponendo
ottime realizzazioni a breve distanza fra loro, una di queste riguarda il gruppo
laziale Codice C, autore del secondo album in studio intitolato “Boom”. L’esordio
discografico risale al 2020 con il titolo omonimo, ed è frutto della
collaborazione di due noti artisti in campo musicale, Gianluca Capitani
(batteria), e Danilo Cherni (tastiere). Capitani, oltre che batterista, è compositore,
talent-scout, e produttore. Ha collaborato in concerti, clinics, televisioni e
altro con: Steve Vai, Robben Ford, John Parish, Sidiki Condè, Scott Reeves,
Erminio Sinni, Goblin Rebirth, Nada, e molti altri. Cherni è il tastierista dei
Fluido Rosa (Tribute band Pink Floyd) con tre cd pubblicati; dal 2008 dei
Dyesis (cover Yes); dal 2012 fa parte dei Goblin Rebirth con due cd in attivo e
della band Avviso di Sfratto (Rock'n'roll, Jive, anni '50). L’alchimia fra i
due scatta immediatamente, ma quello che più sorprende è la freschezza e
geniale capacità di comporre musica non convenzionale. E’ vero che ci sono i
soliti noti punti di riferimento come per tutti gli artisti, specialmente se
stiamo parlando di Progressive Rock, quindi Genesis e compagnia bella, ma in
realtà la fantasia li porta a toccare differenti confini, analizzando almeno
cinquant’anni di musica. Per
realizzare queste nove canzoni si avvalgono della collaborazione di numerosi
special guest che rispondono ai nomi di Andrea Casali (voce, basso), Giacomo
Anselmi (chitarre), Maurizio Perfetto (chitarre), Frank Marino (voce), Roberta
Lombardini (voce), Matteo Arisi (basso), e Roberta Palmigiani (viola, violino). “Boom”
di base è un concept album che tratta l’amore in senso generico, visto da tutte
le sue sfaccettature. In tre brani le parole sono state scritte da altrettante
poetesse che rappresentano il nord, il centro e il sud Italia e sono Raffaella
Ferrari, Federica Gallotta, e Lucia Ferrara. Mi
piacerebbe lasciare a voi la scoperta dell’ascolto, ma traccio brevemente
alcune linee brano per brano: In
“Double Bind” immaginate di fondere i Genesis con i Led Zeppelin. “Boom”
ha la struttura e l’incedere del brano “Futile” dei Porcupine Tree. “Get
It” lascia spazio anche all’elettronica per un pezzo introspettivo. “Sexual
Impulses” ripropone elettronica ma questa volta in bilico fra King Crimson, Yes
e Hard Rock. Con
“Strong And Convinced” si è al cospetto dell’Hard Prog ma spezzato da frangenti
più pacati. “Body
Storm” ha un inizio dal sentore Folk nordico, dove la ritmica ricopre un ruolo
primario, il pezzo risiederebbe benissimo nella discografia solista di Peter
Gabriel. “Thousand
Years” è una ballata di classe con tanto di violino. In
“My Name” ritorna l’elettronica al servizio della Psichedelia, mentre il finale
è in Porcupine Tree style. “Your
Stuff” è un'altra ballata con effetti, flauto e la bella voce di Roberta
Lombardini. L’approfondimento
lo lascio alla vostra curiosità. “Boom”
è un disco che fa stare bene, energia positiva e ballate che non si soffermano
nel mondo del banale, ma che osano in soluzioni, cambi di ritmo e di
strumentazioni. Musica per chi ama il vero ascolto. MS
Versione Inglese:
CODICE C - Boom Ma.Ra.Cash Records Genre: Crossover Prog / Rock Support: cd - Digital - 2025
After a stunted beginning, this 2025 for Italian
Progressive Rock is turning out to be quite interesting. I am referring to
quality rather than quantity, paradoxically it is the big names that have
disappointed yours truly the most at the moment. Ma.Ra.Cash Records, as well as Lizard and M&P
Records, are coming up with excellent achievements within a short distance of
each other, one of which concerns the Lazio band Codice C, author of the second
studio album entitled “Boom”. The record debut dates back to 2020 with the eponymous
title, and is the result of the collaboration of two well-known artists in the
musical field, Gianluca Capitani (drums), and Danilo Cherni (keyboards).
Capitani, in addition to being a drummer, is a composer, talent-scout, and
producer. He has collaborated in concerts, clinics, television, and more with:
Steve Vai, Robben Ford, John Parish, Sidiki Condé, Scott Reeves, Erminio Sinni,
Goblin Rebirth, Nada, and many others. Cherni is the keyboardist of Fluido Rosa
(Pink Floyd Tribute band) with three published CDs; since 2008 of Dyesis (Yes
covers); since 2012 he has been a member of Goblin Rebirth with two CDs under
his belt and the band Avviso di Sfratto (Rock'n'roll, Jive, 50s). The chemistry
between the two clicks immediately, but what is most surprising is the fresh and
ingenious ability to compose unconventional music. It is true that there are the usual well-known points
of reference as for all artists, especially if we are talking about Progressive
Rock, so Genesis and company, but in reality the imagination takes them to
different boundaries, analyzing at least fifty years of music. To make these nine songs they avail themselves of the
collaboration of several special guests who answer to the names of Andrea
Casali (vocals, bass), Giacomo Anselmi (guitars), Maurizio Perfetto (guitars),
Frank Marino (vocals), Roberta Lombardini (vocals), Matteo Arisi (bass), and
Roberta Palmigiani (viola, violin). “Boom” basically is a concept album dealing with love
in a generic sense, seen from all its facets. In three tracks the words were
written by as many poets representing northern, central and southern Italy and
they are Raffaella Ferrari, Federica Gallotta, and Lucia Ferrara. I would like to leave the discovery of listening to
you, but I briefly trace some lines track by track: In “Double Bind”, imagine merging Genesis with Led
Zeppelin. “Boom” has the structure and pacing of Porcupine
Tree's ”Futile”. “Get It” also leaves room for electronics for an
introspective piece. “Sexual Impulses” reintroduces electronics but this
time hovering between King Crimson, Yes and Hard Rock. With “Strong And Convinced” we are in the presence of
Hard Prog but broken up by quieter bangs. “Body Storm” has a beginning with a Nordic Folk hint,
where the rhythm plays a primary role; the piece would reside well in Peter
Gabriel's solo discography. “Thousand Years” is a classy ballad complete with
violin. In “My Name”, electronics return in the service of
psychedelia, while the finale is Porcupine Tree style. “Your Stuff” is another ballad with effects, flute and
Roberta Lombardini's beautiful voice. The in-depth analysis I leave to your curiosity. “Boom” is a feel-good record, positive energy and
ballads that do not linger in the world of the banal, but dare in solutions,
changes of rhythm and instrumentation. Music for those who love real listening.
MS
