Phaedra

PHAEDRA – Norn
Ma. Ra. Cash Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / digital – 2024

La scena italiana riguardante il Rock Progressive in questo periodo sta vivendo un momento prolifico e non soltanto riguardo al numero di uscite, anche per la qualità delle realizzazioni. Si sa che la musica vive di momenti fatti di alti e bassi, l’interesse su di un genere naviga come una nave sull’onda fra picchi e discese, comunque sia, l’importante è sempre tenere accesa la fiaccola dell’interesse. Il Rock Progressivo italiano, quello di stampo classico, è caparbio, avvinghiato a quelli che sono stati gli anni ruggenti, nel nostro caso i ’70. Nell’ormai lontano 1993 in trentino si forma una squadra di adulatori del genere, i Phaedra e lo fanno per suonare ciò che hanno amato del passato, il suono dei Genesis, Yes, ma anche artisti della scena anni ’80 come per esempio i Marillion, facendone cover. Dopo numerose date live, spettacoli e festival, i Phaedra sono pronti per scrivere materiale proprio. La formazione non è di certo usuale, arrivando persino a otto elementi con strumentazioni come due violini, flauto, tastiere, mandolino e altro ancora.
Tuttavia l’esordio discografico deve attendere a lungo, giungendo soltanto nel 2010 con la buona autoproduzione intitolata “Ptha“. La critica di settore apprezza, così nel 2013 è la volta di “Oltre La Tempesta” (Raffinerie Musicali). Segue un lungo periodo di silenzio da studio, e sappiamo bene che anche gli anni delle restrizioni, non è che abbiano aiutato le attività musicali.
Una volta perse le tracce, ecco la sorpresa nel 2024, il ritorno in pompa magna attraverso un disco che vuole essere un’opera Rock ispirata da un racconto del genere gotico, scritto da Claudio Bonvecchio, dal titolo “Il Prigioniero”. Il risultato è “Norn” che fa riferimento alle tre divinità della mitologia norrena, addette ai destini dell'umanità. La band è oggi composta di sei elementi, Claudio Bonvecchio (basso, chitarra 12 corde), Stefano Gasperetti (tastiere, chitarre acustiche e classiche, violoncello), Matteo Lorenzi (voce solista), Gabriele Girardi (chitarra elettrica), Cristiano Conte (batteria e percussioni), e Catia Borgogno (voce solista e canto lirico).
Come lo stile Prog Rock insegna, i brani contenuti nell’album sono di lunga durata, compresa una suite di ventitré minuti, per un totale di cinque pezzi e un’ora di musica.
Il sound spesso pastorale è parte integrante del DNA della formazione, comprese le vocalità liriche femminili, apprezzabili sin dall’iniziale “La Selva Degli Ombrosi Faggi”. Le tastiere di Gasperetti aprono a scenari vintage in quel territorio lagunare patria delle Orme. I violini e il violoncello apportano profondità al movimento molto ricco di cambi di tempo. Le scure atmosfere, solo a sprazzi, lasciano spazio a raggi di luce come sapeva fare negli anni ’70 la band Quella Vecchia Locanda. Ma i nomi che potrei fare per darvi punti di riferimento potrebbero essere moltissimi, Osanna, Biglietto Per L’Inferno, Opus Avantra etc. ma non vorrei sminuire il carattere dei Phaedra che comunque sia, hanno uno stile ben riconoscibile.
Il flauto dolce inizia “Canto Per Lucy”, composizione bucolica per intento immaginifico, dove non si astengono neppure degli scampoli di Jazz. Eppure come nel brano precedente, anche qui intercetto melodie che sono state il successo dei nordici Anekdoten, assolutamente non copiate, anzi, probabilmente è solo una mia sensazione, ma la percepisco nei movimenti più scuri.
Mi sono poi accorto che ho passato molto tempo a occhi chiusi durante l’ascolto di “L’Empio Simulacro”, è la musica stessa che mi ha indotto alla concentrazione, impegnata questa volta a passeggiare nel terreno dei Gentle Giant.
Per proseguire con i punti di riferimento dico che la suite “Prigioniero Di Prisca Doglianza” si apre in Genesis style, che più Genesis non si può! Un lungo percorso che potrebbe essere un esempio di ciò che è il sunto della storia del Progressive Rock da far ascoltare a un neofito. Un brano semplicemente eccellente. La pastorale “La Radiante Foresta” suggella l’opera con classe e un pizzico di Orme.
Questo ritorno discografico mi ha dato molte soddisfazioni, tante emozioni, e questo è lo scopo della musica, i Phaedra ci sono riusciti attraverso la storia e la buona capacità compositiva. Se amate i gruppi che ho citato, non lasciatevi sfuggire “Norn”. Bentornati. MS 

Versione Inglese: 

PHAEDRA - Norn
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Support: cd / digital - 2024

The Italian scene regarding Progressive Rock in this period is experiencing a prolific moment and not only regarding the number of releases, also for the quality of the achievements. It is known that music lives in moments made of ups and downs, the interest on a genre sails like a ship on the wave between peaks and troughs, however it may be, the important thing is always to keep the torch of interest lit. Italian Progressive Rock, the classic kind, is stubborn, clinging to what were the roaring years, in our case the 1970s. In the now distant 1993 in Trentino a team of adulators of the genre, Phaedra, is formed and they do it to play what they loved from the past, the sound of Genesis, Yes, but also artists from the 80s scene such as for example Marillion, doing covers of them. After numerous live dates, shows and festivals, Phaedra are ready to write their own material. The lineup is certainly not usual, even reaching eight elements with instrumentation such as two violins, flute, keyboards, mandolin and more.
However, the recording debut has to wait a long time, coming only in 2010 with the good self-production entitled “Ptha”. Industry critics appreciate, so in 2013 it was the turn of “Beyond The Storm” (Musical Refineries). A long period of studio silence followed, and we know that even the years of restrictions, it is not that they helped musical activities.
Once the tracks were lost, here's the surprise in 2024, the comeback with pomp and circumstance through an album intended to be a Rock opera inspired by a tale of the Gothic genre, written by Claudio Bonvecchio, entitled “Il Prigioniero”. The result is “Norn,” which refers to the three deities of Norse mythology who are in charge of humanity's destinies. The band now consists of six members, Claudio Bonvecchio (bass guitar, 12-string guitar), Stefano Gasperetti (keyboards, acoustic and classical guitars, cello), Matteo Lorenzi (lead vocals), Gabriele Girardi (electric guitar), Cristiano Conte (drums and percussion), and Catia Borgogno (lead vocals and opera singing).
As the Prog Rock style teaches, the songs on the album are long in duration, including a twenty-three-minute suite, for a total of five pieces and one hour of music.
The often pastoral sound is part of the lineup's DNA, including lyrical female vocals, appreciable from the opening “La Selva Degli Ombrosi Faggi”. Gasperetti's keyboards open to vintage scenery in that lagoon territory home of the Orme. Violins and cello bring depth to the movement that is very rich in tempo changes. The dark atmospheres, only in flashes, give way to rays of light as the band Quella Vecchia Locanda knew how to do in the 1970s. But the names I could name to give you points of reference could be many, Hosanna, Biglietto Per L'Inferno, Opus Avantra etc. but I would not want to detract from the character of Phaedra, which in any case, have a very recognizable style.
The recorder begins “Canto Per Lucy”, a bucolic composition by imaginative intent, where they do not refrain from even remnants of Jazz. Yet as in the previous track, here I intercept melodies that have been the success of the Nordic Anekdoten, absolutely not copied, in fact, it's probably just a feeling I have, but I sense it in the darker movements.
I then realized that I spent a lot of time with my eyes closed while listening to “The Unholy Simulacrum”, it is the music itself that induced me to concentration, committed this time to strolling through Gentle Giant's terrain.
To continue with the reference points I will say that the suite “Prisoner Of Prisque Wisdom” opens in Genesis style, which is as Genesis as you can get! A long track that could be an example of what is the summary of Progressive Rock history for a neophyte to listen to. A simply excellent track. The pastoral “The Radiant Forest” seals the work with class and a hint of Orme.
This discographic comeback gave me a lot of satisfaction, a lot of emotions, and that is the purpose of music, Phaedra succeeded through story and good songwriting. If you love the bands I mentioned, do not miss “Norn”. Welcome back. MS

Luca Borgia

LUCA BORGIA – Fotosintesi
Snowdonia Dischi
Genere: Elettronica / Jazz / Rock
Supporto: cd – 2025

Il cinema è legato fortemente alla musica, immaginate voi un “Profondo Rosso” senza la colonna sonora dei Goblin o i film di Sergio Leone senza Ennio Morricone. La musica immerge l’ascoltatore a pieno titolo nel contesto rappresentato, esaltando in lui le emozioni scaturite dalle immagini.  Tuttavia il compito di dare suono a un film per un artista musicale non è semplice, non tutti possiedono questo bagaglio culturale propenso allo scopo, persino certi grandi nomi non si sono mai cimentati in questo territorio.
L’equilibrio fra regista e musicista deve essere sintonizzato sulla stessa frequenza, si devono muovere all’unisono per raggiungere l’adeguata alchimia, uno deve comprendere e assorbire l’altro.
Questa suddetta alchimia è raggiunta dal polistrumentista e compositore Luca Borgia e il regista Francesco Fei. Assieme, fra il 2022 e il 2024, curano la colonna sonora del docufilm “Pellizza Pittore Da Volpedo”. L’opera intitolata “Fotosintesi” è composta di dieci tracce non convenzionali, la chitarra di Borgia è infatti trattata in molteplici aspetti fra filtri synth, effetti analogici, oggettistica (archetti, catene, spazzole…) e in modo percussivo.
Borgia registra nel 2022 l’album “Avvolgistanti” (Snowdonia), questo attira l’attenzione di Fei che reputa il chitarrista perfetto per lo scopo di questo suo nuovo progetto. L’opera richiede musica dalle molteplici forme per coinvolgere lo spettatore in un mondo di strutture altamente atmosferiche, proprio come quelle rappresentate dalle foto di Andrea Bracco nell’artwork cartonato.
“Su Un Ritratto Di Vetro Pt.1” è un fraseggio distensivo di chitarra in cui gli scenari si fanno immediatamente riflessivi e malinconici. Il suono risulta ipnotico, e allo stesso tempo rilassante.
Borgia conduce la visione attraverso personalità messa al servizio della riuscita con composizioni dirette, soltanto articolate in crescendo sonori che, a loro volta, alzano inevitabilmente l’attenzione trasponendo lo stato d’animo negli appositi spazi, come nel caso di “Il Bacio Calipso”.
Ammaliante “Circe”, avvolgente attraverso gli immancabili arpeggi della chitarra. Fra i movimenti che ho apprezzato maggiormente risiede “Giocavamo Di Luce”, sensazioni Anathema mi hanno colto piacevolmente di sorpresa.
Attraverso “Cedro” mi ritrovo in lande nordiche, come mi hanno raccontato i Landberk in “Indian Summer”. Il brano più lungo di “Fotosintesi” s’intitola “Vene Di Marmo” grazie ai suoi otto minuti abbondanti di durata. Il suono diventa psichedelico per l’uso della slide guitar, fotogramma di un paesaggio scarno di colori. Il ritmo sale nei tre minuti di “Siderale”, quasi uno squarcio di luce che ti fa socchiudere gli occhi quando ti sei abituato all’oscurità. Improvvisamente tutto diventa etereo in “Su Un Ritratto Di Vetro Pt.2”, volteggi fra echi e rimembranze. Borgia sa come guardarci dentro.
I bassi sono il tappeto portante di “Suntrail” dove l’elettronica e i piatti spingono verso una ricerca strutturale maggiormente improvvisata. La chiusura spetta alla title track, epilogo di un ambito introspettivo che lascia spazio alla positività.
La semplicità dei suoni e il generale andamento riflessivo mi porta in uno stato d’animo totalmente immerso nel contesto, questo quando la genuinità vale più di mille parole. Luca Borgia sa come accompagnarci. MS

 

 

Versione Inglese:

LUCA BORGIA - Fotosintesi
Snowdonia Disks
Genre: Electronic / Jazz / Rock
Support: cd - 2025

Cinema is strongly linked to music, imagine a “Profondo Rosso” without the Goblin soundtrack or Sergio Leone's films without Ennio Morricone. Music fully immerses the listener in the depicted context, enhancing in him the emotions triggered by the images.  However, the task of giving sound to a film for a musical artist is not easy; not everyone possesses this cultural background inclined to the purpose, even certain big names have never ventured into this territory.
The balance between director and musician must be tuned to the same frequency, they must move in unison to achieve the proper alchemy, one must understand and absorb the other.
This aforementioned alchemy is achieved by multi-instrumentalist and composer Luca Borgia and director Francesco Fei. Together, between 2022 and 2024, they curate the soundtrack for the docufilm “Pellizza Pittore Da Volpedo.” The work titled “Fotosintesi” is composed of ten unconventional tracks, Borgia's guitar is in fact treated in multiple aspects among synth filters, analog effects, objects (bows, chains, brushes...) and in a percussive way.
Borgia records the album “Avvolgistanti” (Snowdonia) in 2022, this attracts the attention of Fei who finds the guitarist perfect for the purpose of his new project. The work requires music of many forms to engage the viewer in a world of highly atmospheric structures, much like those represented by Andrea Bracco's photos in the hardback artwork.
“Su Un Ritratto Di Vetro Pt.1” is a soothing guitar phrasing in which the scenarios immediately become reflective and melancholy. The sound comes across as hypnotic, yet soothing at the same time.
Borgia leads the vision through personality put at the service of success with direct compositions, only articulated in sonic crescendos that, in turn, inevitably raise the attention by transposing the mood into the appropriate spaces, as in the case of “Il Bacio Calipso.”
Bewitching “Circe,” enveloping through the unfailing guitar arpeggios. Among the movements I enjoyed most resides “Giocavamo Di Luce,” Anathema sensations caught me pleasantly by surprise.
Through “Cedro” I find myself in northern moors, as told by Landberk in “Indian Summer.” The longest track on “Fotosintesi” is titled “Vene Di Marmo” thanks to its eight-plus minutes of duration. The sound becomes psychedelic due to the use of slide guitar, a frame of a bare landscape of colors. The pace picks up in the three-minute “Sidereal,” almost a glimpse of light that makes you squint when you've grown accustomed to the darkness. Suddenly everything becomes ethereal in “Su Un Ritratto Di Vetro Pt.2,” swirling between echoes and remembrances. Borgia knows how to look into it.
Basses are the main carpet of “Suntrail” where electronics and cymbals push toward a more improvised structural search. Closure belongs to the title track, an epilogue to an introspective scope that leaves room for positivity.
The simplicity of the sounds and the general reflective trend brings me into a state of mind totally immersed in the context, this when genuineness is worth a thousand words. Luca Borgia knows how to accompany us. MS

 

 

Magic Pie

MAGIC PIE – Maestro
Karisma Records
Genere: Symphonic Prog
Supporto: cd / lp / Bandcamp - 2025

I norvegesi Magic Pie hanno saputo ritagliarsi nel tempo un pubblico di tutto rispetto, grazie a cinque album di buon livello. Oggi ci propongono la loro sesta fatica dal titolo italiano di “Maestro”.
Si formano nel 2001 grazie a sei musicisti esperti di Moss e Fredrikstad, due città nella contea sud-orientale di Østfold in Norvegia. Il mix sonoro proposto ha da sempre influenze Genesis, EL&P, e molto di quello che gira attorno a questo sistema, tanto da poterli riassumere in una sorta di Spock’s Beard nordici. A differenza di molte band norvegesi, generalmente nella musica proposta non aleggiano atmosfere malinconiche o cupe, tutt’altro, Il Progressive Rock proposto gode di passaggi allegri e tecnicamente elevati. Una delle carte vincenti per il loro successo deriva sicuramente dalle composizioni che lasciano spazio a melodie gradevoli, spesso da cantare con la band stessa, cosa che nel Prog non spesso accade.
Mi ricordo nel 2005, quando uscì il debutto intitolato “Motions Of Desire”, restai così colpito da cercarne anche il vinile, questo per sottolineare il piacere che ho avuto nell’ascoltare quelle note in bilico fra presente e passato. Le suite ci sono, tastiere e sinfonismo pure, assolo di chitarra, controtempi… Insomma, tutto quello che fa del Prog un credo, qui è contenuto con grazia ed eleganza. Come ho detto, nella mia mente li associai agli americani Spock’s Beard periodo Neal Morse, oppure Transatlantic, anche se in realtà il discorso è più ampio, se vogliamo possiamo aggiungere anche The Flower King, ma credo di aver già espresso bene il concetto di base.
Seguono altri dischi di buona fattura, anche “Circus Of Life” del 2007 contiene brani assolutamente spettacolari, il discorso è che nel tempo si stabilizzano su quella lunghezza d’onda e solo in rari casi tentano nuove alternative. Non che a seguire i lavori siano di minore spessore, ma l’effetto sorpresa è finito.
Anche in “Maestro” ci sono tutte le caratteristiche del caso, proprio una suite inizia l’album, “Opus Imperfectus Pt. 1 - The Missing Chord”, formata da diciotto minuti abbondanti di ottima musica. La band composta da Kim Stenberg (chitarra, voce), Lars Petter Holstad (basso, voce), Eirikur Hauksson (voce), Martin Utby (batteria), Eirik Hanssen (voce), e Erling Henanger (tastiere, voce), qui fa troppo il verso a Morse e soci, almeno nell’intro sinfonico ed energico, come il genere esige. Nel tempo la qualità del cantato Magic Pie migliora, così la cura per le coralità. L’interpretazione è sentita, abbastanza personale, anche se sembra di scorgere dietro l’angolo un certo Roine Stolt. Bello il momento pacato centrale della chitarra in modalità Steve Hackett (Genesis) che lascia spazio all’incedere monolitico e elettrico dei King Crimson, dico tutti questi nomi per sottolineare (se ce ne fosse davvero il bisogno) la cultura musicale dei singoli componenti.
Delicata e di carattere la semi ballata “By The Smoker's Pole”, ancora una volta impreziosita dalla sentita interpretazione di Eirikur Hauksson. Le chitarre sono sempre presenti e gustose, soprattutto quando si lanciano nel solo struggente. Robusta “Name It To Tame”, altro esempio di prova corale della band che s’intende alla perfezione. Qui siamo nel territorio Hard Prog. Una ballata acustica colma di belle coralità porta il titolo “Kiddo…”, dal sentore tipico degli anni ’70. Segue “Someone Else's Wannabe”, e ritornano i Magic Pie canonici, quelli delle fughe strumentali fra stop & go. Più canonica “Everyday Hero” ancora una volta gradevole e positivamente energica. “Opus Imperfectus Pt. 2 – Maestro” chiude con atmosfere soavi un disco che di certo farà la gioia degli estimatori delle band da me citate. I Magic Pie oggi sono ancora questo, senza gridare al miracolo, autori di melodie accalappianti e ben congeniate. Manca sempre una hit che potrebbe lanciarli ancora più in alto, ma questo oramai lo sappiamo che è difficile da realizzare in un contesto musicale in cui si è già detto molto. Dire che mi accontento è come sminuire un lavoro che invece sa emozionare molte volte, ma la realtà è questa, sarà anche che noi amanti di questo Prog ci stiamo abituando al contesto standard e che invece vorremmo essere sempre sorpresi, ma di questi tempi un “Maestro” è già un ottimo traguardo. MS

Versione Inglese:

MAGIC PIE - Maestro
Karisma Records
Genre: Symphonic Prog
Support: cd / lp / Bandcamp - 2025

Norway's Magic Pie have managed to carve out a respectable audience over time, thanks to five good albums. Today they offer us their sixth effort with the Italian title of “Maestro.”
They were formed in 2001 by six experienced musicians from Moss and Fredrikstad, two cities in the southeastern county of Østfold in Norway. Their proposed sound mix has always had influences from Genesis, EL&P, and much of what goes around this system, so much so that they could be summed up as a sort of Nordic Spock's Beard. Unlike many Norwegian bands, generally in their proposed music do not hover melancholic or gloomy atmospheres, far from it, The proposed Progressive Rock enjoys upbeat and technically elevated passages. One of the trump cards for their success surely comes from the compositions that leave room for pleasant melodies, often to be sung with the band itself, which in Prog is not often the case.
I remember back in 2005, when the debut titled “Motions Of Desire” was released, I was so impressed that I even sought out the vinyl, this to emphasize the pleasure I had in listening to those notes poised between present and past. The suites are there, keyboards and symphonism as well, guitar solos, counter-tempos... In short, everything that makes Prog a credo is contained here with grace and elegance.
As I said, in my mind I associated them with the American Spock's Beard period Neal Morse, or Transatlantic, although in reality the discourse is broader, if we want we can also add The Flower King, but I think I have already expressed well the basic concept.
Other good records follow, even 2007's “Circus Of Life” contains absolutely spectacular songs, the argument is that over time they stabilize on that wavelength and only in rare cases try new alternatives. Not that following works are of lesser depth, but the surprise effect is over.
Even in “Maestro” there are all the characteristics of the case, just a suite begins the album, “Opus Imperfectus Pt. 1 - The Missing Chord,” consisting of eighteen abundant minutes of excellent music. The band, consisting of Kim Stenberg (guitar, vocals), Lars Petter Holstad (bass, vocals), Eirikur Hauksson (vocals), Martin Utby (drums), Eirik Hanssen (vocals), and Erling Henanger (keyboards, vocals), here does too much of a nod to Morse and co., at least in the symphonic and energetic intro, as the genre demands. Over time the quality of Magic Pie's singing improves, so does the care for the choruses.
The interpretation is heartfelt, quite personal, although we seem to glimpse around the corner a certain Roine Stolt. Nice is the calm central moment of the guitar in Steve Hackett (Genesis) mode that gives way to the monolithic, electric King Crimson-like strides, I say all these names to emphasize (if there was really a need) the musical culture of the individual components.
Delicate and characterful is the semi-ballad “By The Smoker's Pole,” once again enhanced by Eirikur Hauksson's heartfelt interpretation. The guitars are always present and tasty, especially when they launch into the poignant solo. Robust “Name It To Tame,” another example of the band's choral effort that is understood to perfection. Here we are in Hard Prog territory. An acoustic ballad filled with beautiful choruses bears the title “Kiddo...,” with a typical 1970s feel. “Someone Else's Wannabe” follows, and the canonical Magic Pie returns, those of instrumental escapes between stop & go. More canonical “Everyday Hero” again pleasant and positively energetic.
“Opus Imperfectus Pt. 2 - Maestro” closes with dulcet atmospheres an album that is sure to delight admirers of the bands I mentioned. Magic Pie today are still this, without shouting a miracle, authors of catchy and well-crafted melodies. They are always missing a hit that could launch them even higher, but we know by now that this is difficult to achieve in a musical context in which much has already been said. To say that I'm content is like belittling a work that instead knows how to excite many times, but the reality is this, it may be that we lovers of this Prog are getting used to the standard context and instead we would like to be always surprised, but these days a “Maestro” is already a very good achievement. MS

Franco Leprino

FRANCO LEPRINO – Integrati…. Disintegrati
Eleven (lp) / Vinyl Magic (cd – 1990) / Giallo (cd – 2009) / Wah Wah Records (lp – 2015)
Genere: Elettronica Progressiva
Supporto: lp – 1977

Il 1977 è un anno, musicalmente parlando, di transizione. Le mode stanno cambiando, anche se la protesta in Italia è ancora in vigore (i cosiddetti anni di piombo), possiamo dire che la colonna sonora sta mutando, lasciando il campo al Punk, alla Disco e alla New Wave prossima all’arrivo. Il Progressive Rock sta sparando le ultime momentanee cartucce, e l’interesse attorno a questa musica va gradatamente scemando.
Gli artisti che ancora si sentono liberi di manifestare i propri credo, non contigui alla moda di massa, tuttavia non si arrendono e proseguono per la propria strada, sia essa politicizzata che no.
Un forte esempio lo abbiamo avuto con gli artisti della Cramps di Gianni Sassi, in campo sino all’ultima nota fra utopie e convinzioni, una band su tutte gli Area di Demetrio Stratos che ha avuto sempre la forza di contestare sia con la musica che con le parole.
Chi si è immesso in questo sentiero alla fine degli anni ’70 di certo non ha trovato terreno fertile, per questo è capitato d’imbattersi in lavori singoli, privi di un proseguimento temporale. I classici album da un colpo e via, quelli poi che i collezionisti di vinili cercano e vendono a cifre improponibili.
Un esempio lo abbiamo con Franco Leprino, autore di un solo album completamente strumentale intitolato “Integrati… Disitegrati”.
Franco Leprino, nato a Ficarra, in provincia di Messina, è un chitarrista polistrumentista prossimo allo stile ricercato ed elettronico del primo Franco Battiato. Ispirato da artisti come Stockhausen, Cage e Berio, Leprino intraprende il percorso sonoro minimalista fra chitarre classiche, atmosfere rilassanti e il VCS3, strumento elettronico vendutogli proprio dal mai troppo compianto Battiato.
L’autore entra nel mondo della musica come chitarrista per diverse band Rock, ma l’ambiente gli va stretto e a ventidue anni sente la necessità di una differente forma di espressione, basata su ideali antifascisti e di sinistra.
“Integrati… Disintegrati” viene concepito durante il periodo passato all’Università di Messina ma registrato a Milano. Il titolo lascia intendere la differenziazione di un substrato sociale composto prevalentemente da due tipologie di persone, coloro che si sono adeguati al sistema (Integrati) e quelli che invece non si sono mai adattati ai tempi (Disintegrati), questo di base è il concept dell’album suddiviso in due lunghe tracce, “Parte 1” di oltre diciannove minuti di durata e “Parte 2” di ventidue minuti e mezzo. Qui i suoni circondano la mente dell’ascoltatore fra effetti elettronici, pianti di bambino, voci di folla inferocita, atmosfere oniriche, sinfonismi, il tutto esaltate da buoni effetti stereo. Una perla rara in cui lasciare andare la mente e il corpo per un momento di relax, magari proprio dopo una giornata dura in cui si sente la necessità di resettarsi. Tanti i momenti dolci che accompagnano l’ascolto, un altalenarsi di emozioni che in un solo disco rendono il tutto molto scorrevole e fruibile. Oltre al minimalismo non manca neppure la dodecafonia.
Il disco nel tempo ha ricevuto buone critiche, e alcune ristampe, malgrado ciò Leprino conclude qui la sua comparsa in questo mondo musicale, a lui successivamente non più congruente, ed è un vero peccato perché l’autore è ricco d’idee e soluzioni che di certo esulano da quella che potremmo definire la banalità dei tempi a seguire. Viene ristampato dalla Giallo Records nel 2009 con materiale aggiunto che doveva uscire per la Cramps Records, ma a causa della morte di Sassi, non andò a buon fine. Oggi Leprino scrive in riviste di settore ed è docente all’Università degli Studi di Genova oltre che dedito alla passione di Filmacker.
 “Integrati…. Disintegrati”, quando la musica in Italia aveva ancora una valenza politica. Da riscoprire. MS

Versione Inglese: 

FRANCO LEPRINO - Integrati.... Disintegrati
Eleven (lp) / Vinyl Magic (cd - 1990) / Yellow (cd - 2009) / Wah Wah Records (lp - 2015)
Genre: Progressive Electronic
Support: lp - 1977

1977 is a year, musically speaking, of transition. Fashions are changing, even if the protest in Italy is still in force (the so-called years of lead), we can say that the soundtrack is changing, leaving the field to Punk, Disco and the soon-to-arrive New Wave. Progressive Rock is firing its last momentary shells, and interest around this music is gradually waning.
The artists who still feel free to manifest their beliefs, not contiguous with mass fashion, nevertheless do not give up and continue on their way, whether politicized or not.
We had a strong example of this with the artists of Gianni Sassi's Cramps, in the field until the last note between utopias and convictions, one band above all Demetrio Stratos's Area, which always had the strength to contest with both music and words.
Those who entered this path at the end of the 1970s certainly did not find fertile ground, which is why it happened to come across single works with no temporal continuation. The classic one-shot albums, the ones then sought out by vinyl collectors and sold for ungodly sums.
We have an example with Franco Leprino, author of a fully instrumental solo album entitled “Integrati... Disitegrati.”
Franco Leprino, born in Ficarra, in the province of Messina, is a multi-instrumentalist guitarist close to the refined and electronic style of early Franco Battiato. Inspired by artists such as Stockhausen, Cage and Berio, Leprino embarks on the minimalist sound path between classical guitars, relaxing atmospheres and the VCS3, an electronic instrument sold to him by the never-too-much lamented Battiato.
The author enters the world of music as a guitarist for several Rock bands, but the environment is tight for him and at the age of twenty-two he feels the need for a different form of expression, based on anti-fascist and leftist ideals.
“Integrati... Disintegrati” was conceived during his time at the University of Messina but recorded in Milan. The title hints at the differentiation of a social substratum composed mainly of two types of people, those who have adapted to the system (Integrati) and those who, on the other hand, have never adapted to the times (Disintegrati), this basic is the concept of the album divided into two long tracks, “Part 1” of over nineteen minutes in length and “Part 2” of twenty-two and a half minutes. Here sounds surround the listener's mind between electronic effects, baby cries, angry crowd voices, dreamlike atmospheres, symphonisms, all enhanced by good stereo effects.
A rare gem in which to let your mind and body go for a moment of relaxation, perhaps just after a hard day when you feel the need to reset. So many sweet moments accompany the listening, a seesaw of emotions that in one disc make it all very smooth and enjoyable. In addition to minimalism, there is also no lack of dodecaphony.
The record over time has received good reviews, and a few reissues, despite this Leprino concludes here his appearance in this musical world, to him subsequently no longer congruent, and it is a pity because the author is rich in ideas and solutions that certainly go beyond what we might call the banality of the times to follow. It was reissued by Giallo Records in 2009 with added material that was supposed to be released by Cramps Records, but due to Sassi's death, did not go through. Today Leprino writes in trade journals and is a lecturer at the University of Genoa as well as dedicated to his passion of Filmacker.
"Integrated.... Disintegrated," when music in Italy still had political significance. To be rediscovered. MS

Fungus Family

FUNGUS  FAMILY - La Morte Del Sole
Black Widow Records
Genere: Heavy Progressive Rock / Psichedelia
Supporto: lp / cd / digital – 2025

Per l’ennesima volta vado a parlare di una band di Genova, culla del Rock Progressivo italiano sotto moltissimi aspetti. La Black Widow è sempre attenta a non farsi sfuggire nessun fenomeno che si aggiri intorno al Prog Dark, Heavy e quant’altro, oramai faro illuminante per chi fa della qualità di questa musica un credo.
I Fungus Family (fino al 2018 chiamati soltanto Fungus), sono al secondo disco con Black Widow e al quinto della carriera dopo l’ottimo “The Key Of The Garden” datato 2019. Nati nel 2002 da un’idea di Zerothehero (Carlo Barreca) e di Alejandro J. Blissett (Alessandro Vernetti, scomparso tragicamente dieci anni fa), i Fungus Family s’immergono in una ricerca strutturale della canzone non convenzionale, fra sperimentazione e improvvisazione. Con il tempo mutano pelle per raggiungere un equilibrio personale in cui la storia va a braccetto con il cantautorato e l’Heavy Prog.
“Family” viene semplicemente aggiunto al moniker per differenziare la band italiana da alcune straniere. Con “La Morte Del Sole” salta immediatamente all’occhio la lingua italiana, ma non soltanto questa è una novità del disco, anche l’indurimento del suono accompagna il lavoro composto di nove tracce.
La band oggi è formata da Dorian Deminstrel (voce, chitarra), Fuzz Caorsi (chitarra solista, cori), Cajo (batteria, cori), e ZeroTheHero (basso, voce). Con loro numerosi special guest tra i quali alcuni noti già in questo campo, come Agostino Macor (organi, mellotron), Fabio Cuomo (pianoforte, synth), Roberto "Anello" Ferrino (recitato), Fabio "Cloud" Colombo (chitarra solista),
Phill Foccis, e The Della (voce).
I temi trattati sono molteplici, anche se la centralità dei discorsi ricade sull’uomo e alla maschera societaria con cui si cela dinanzi al prossimo. L’oscurità aleggia spesso durante il cammino, a partire dalla title track, perfetta simbiosi fra i generi descritti. La voce di Dorian Deminstrel è graffiante quanto basta, ma il pezzo sorprende verso la metà, quando si lascia trasportare dalle fughe strumentali nel mondo del Prog Psichedelico.
In “37 Nani Da Giardino” il lato cantautorale è marcato, pur rimanendo in un contesto Hard. Il contributo dell’Hammond risulta fondamentale per la riuscita del pezzo che in qualche modo riconduce a un sound tipicamente anni ’70. Ulteriore peculiarità dei Fungus Family è la profondità oscura dei suoni, i quali ripongono all’ascolto una sensazione greve che ha un fascino assolutamente personale.
“Tutto Ciò Che Resta” è altamente Prog, variegata nei movimenti, curata nei particolari per poi sfociare in un finale caleidoscopico in cui la chitarra elettrica richiama lavori dei più recenti King Crimson. E a proposito di finale a sorpresa, resto colpito da “Destino Stabilito”, uno dei frangenti più interessanti dell’intero album. Altra canzone in bilico con la Psichedelia è “Sei Ciò Che Hai”, l’andamento è facile da memorizzare oltre da cantare con loro. Il fascino di questo sound più prosegue l’ascolto e più accalappia, “Vento Divino” ha un inizio introspettivo, riflessivo, per poi lanciarsi in un finale crescente sostenuto da una chitarra elettrica superba, quella di Fabio "Cloud" Colombo. “La Cavalcata Dell’Apocalisse” palesa il suo essere in un contesto pienamente Deep Purple style. Energia possente e galeotta. Non da meno “Lasciami Dormire”. “La Morte Del Sole” ha un finale oscuramente romantico, “Gabbia Di Miele” è una ballata supportata dalle tastiere di Fabio Cuomo (Malombra) e la voce di La Della.
I Fungus Family ritornano quindi con un disco in bilico fra passato e presente, e lo fanno con maggiore consapevolezza, quella solo a disposizione dei grandi artisti che hanno veramente un qualcosa da dire. MS

Versione Inglese: 

FUNGUS FAMILY - La Morte Del Sole
Black Widow Records
Genre: Heavy Progressive Rock / Psychedelia
Support: lp / cd / digital - 2025

For the umpteenth time I'm going to talk about a band from Genoa, the cradle of Italian Progressive Rock in many ways. Black Widow is always careful not to let slip away any phenomenon that hovers around Prog Dark, Heavy and whatever else, by now an illuminating beacon for those who make the quality of this music a creed.
Fungus Family (until 2018 called just Fungus), are on their second record with Black Widow and the fifth of their career after the excellent “The Key Of The Garden” dated 2019. Born in 2002 from an idea of Zerothehero (Carlo Barreca) and Alejandro J. Blissett (Alessandro Vernetti, who died tragically ten years ago), the Fungus Family plunges into an unconventional song structural research, between experimentation and improvisation. Over time they change their skin to achieve a personal balance in which story goes hand in hand with songwriting and heavy prog.
“Family” is simply added to the moniker to differentiate the Italian band from some foreign ones. With “La Morte Del Sole” the Italian language immediately jumps out at you, but not only this is a novelty of the record, also the hardening of the sound accompanies the work consisting of nine tracks.
The band today consists of Dorian Deminstrel (vocals, guitar), Fuzz Caorsi (lead guitar, backing vocals), Cajo (drums, backing vocals), and ZeroTheHero (bass, vocals). With them numerous special guests including some already known in this field, such as Agostino Macor (organs, mellotron), Fabio Cuomo (piano, synth), Roberto "Anello" Ferrino (recited), Fabio "Cloud" Colombo (lead guitar),
Phill Foccis, and The Della (vocals).
The themes covered are many, although the centrality of the discourses falls on man and the societal mask with which he conceals himself before his neighbor. Darkness hovers often along the way, starting with the title track, a perfect symbiosis of the genres described. Dorian Deminstrel's voice is as scratchy as it gets, but the piece surprises toward the middle, when it is carried away by instrumental escapes into the world of Psychedelic Prog.
In “37 Nani Da Giardino,” the songwriting side is marked, while remaining in a Hard context. The contribution of the Hammond turns out to be fundamental to the success of the piece, which somehow leads back to a typical 1970s sound. Further peculiarity of Fungus Family is the dark depth of the sounds, which repose on listening a raw feeling that has an absolutely personal appeal.
“Tutto Ciò Che Resta,” is highly Prog, varied in its movements, meticulous in its details and then flowing into a kaleidoscopic finale in which the electric guitar recalls works by more recent King Crimson. And speaking of surprise endings, I am impressed by “Destino Stabilito,” one of the most interesting bangs of the entire album. Another song poised with Psychedelia is “Sei Ciò Che Hai,” the trend is easy to memorize as well as sing along with. The charm of this sound the more the listening goes on the more it captivates, “Vento Divino” has an introspective, reflective beginning and then launches into a rising finale supported by a superb electric guitar, that of Fabio “Cloud” Colombo. “La Cavalcata Dell'Apocalisse” makes clear its being in a fully Deep Purple style context. Powerful and gallows energy. Not to be outdone is “Let Me Sleep.” “La Morte Del Sole” has a darkly romantic ending, “Gabbia Di Miele” is a ballad supported by Fabio Cuomo's (Malombra) keyboards and La Della's vocals.
The Fungus Family thus return with a record poised between past and present, and they do so with greater awareness, the kind only available to great artists who truly have something to say. MS

 

Neoprimitivi

NEOPRIMITIVI – Orgia Mistero
42Records
Genere: Krautrock / Post Punk / Progressive Rock
Supporto: Bandcamp / lp / cd – 2025

Ma che ho ascoltato?
Quando generalmente si prende in mano uno strumento, è perché qualche artista ci ha colpito dentro. La voglia di emulazione è naturale, solo il tempo successivamente stabilirà se fare della musica un semplice passatempo oppure uno stile di vita. Con questo intendo sottolineare che ognuno di noi siamo cresciuti con un’influenza ben specifica, soltanto la personalità e le esperienze future di altri ascolti plasmeranno definitivamente il nostro carattere musicale. Questa regola vale per tutti, quindi non c’è da stupirsi se in alcuni lavori si possono individuare delle influenze ben specifiche. C’è chi tende limitatamente a richiamarle, e chi invece s’immerge totalmente in quest’ambito, poi esistono i casi ancor più rari di chi fa di questa musica un credo di vita, tanto da sembrare immerso anacronisticamente in quei tempi. E’ il caso della band romana Neoprimitivi.
Cosa accade in questo contesto è presto detto, qui il tempo non esiste, il debutto “Orgia Mistero” sembra sorto in tutto e per tutto negli anni ’70, dietro la scia del Krautrock psichedelico. Non è solo ispirazione, neppure rifacimento, qui si ha la netta sensazione di essere proprio in questo periodo storico che tanto ha saputo dare alla musica per la mente. La 42 Records è stata coraggiosa, perché qui si ascolta tutto ciò che la musica oggi non è più, un prodotto anacronistico senza mezzi di sorta, ma probabilmente la carta vincente è proprio questa, rivolgersi a un pubblico di nicchia (forse disperato per la pressoché dipartita di questa musica) sicuramente affamato di queste sonorità.
Di base sono una Jam band, dove le date dal vivo ricoprono un lato davvero importante del proprio essere. Andrea Gonnellini, bassista, cantante e fondatore del gruppo, racconta al Rolling Stone di essersi ispirato al brano “Shock in My Town” di Battiato per la scelta del nome, il quale rappresenta al meglio il concetto della loro musica. Con Andrea suonano Pietro Rianna, Flavio Gonnellini, che oltre a essere suo fratello è anche il produttore dell’album insieme a Giacomo Fiorenza, Giacomo O’Neil, Martino Petrella, Roberto Callipari ed Emilia Wesolowska.
L’idea per la suite d’apertura nasce dalla visione del film fantascientifico “Sul Globo D’Argento” di Zulawski del 1988, qui i protagonisti si sentono portatori di una nuova civiltà.
L’album in senso generale, è incentrato sul basso e la batteria, oltre che nella rumoristica, non a caso i Neoprimitivi nascono, come ho avuto modo di dire, come Jam band. La suite, intitolata “Sul Globo D’Argento”, ha la durata di ventuno minuiti suddivisi in cinque movimenti, a partire da “2067” dove la band primordiale di Lou Reed sembra addirittura essere attuale. Il secondo andamento porta il titolo di “Do It Again”, un omaggio a Jonathan Richman (The Modern Lovers), a seguire “Arrival On The Planet”, “Ralph Und Florian” (Kraftwerk?) e la finale “Scolopendra”, il tutto per un trip assolutamente senza tempo. Quello che scopriamo nella seconda parte del disco è una sorta di scatola magica contenete piccole perle del passato. “Artificiali” è pura Psichedelia Folk, anche se le tematiche vanno a trattare argomenti odierni come l’Intelligenza Artificiale avvicinata a Dio. L’accostamento testo/musica così incongruente ha un fascino particolarissimo che neppure riesco a descrivere a parole. Mi sarebbe piaciuto vedervela ballare, con i suoi tradizionali “Na, na, na…”.
“La Teiera Nera” già nel titolo suggerisce dove la band va a parare, in quel capolavoro Canterburyano intitolato “Flying Teapot”, qui rivisitato in maniera più divertente dell’originale.
Il disco si conclude con “Natulrich”, probabilmente nei dieci minuti che lo compongono è il movimento più libero e sperimentale della band.
“Orgia Mistero” potrebbe benissimo risiedere nella discografia di band come Velvet Underground, Neu!, oppure Can, tanti i punti di congiunzione fra di loro. Provocazione o genio? Non m’interessa, questo bagno nel passato è una manna dal cielo per chi come me di Krautrock puro è rimasto a bocca asciutta da troppo tempo. MS

Versione Inglese:

NEOPRIMITIVE – Orgia Mistero
42Records
Genre: Krautrock / Post Punk / Progressive Rock
Support: Bandcamp / lp / cd - 2025

What have I been listening to?
When we generally pick up an instrument, it is because some artist has struck us inside. The desire to emulate is natural, only time later will determine whether to make music a mere pastime or a way of life. By this I mean to emphasize that each of us grew up with a very specific influence, only personality and future experiences of other listening will definitely shape our musical character. This rule applies to everyone, so it is not surprising that one can identify very specific influences in some works. There are those who tend limitedly to recall them, and those who totally immerse themselves in this sphere, then there are the even rarer cases of those who make this music a creed of life, so much so that they seem anachronistically immersed in those times. This is the case of the Roman band Neoprimitivi.
What happens in this context is quickly said, here time does not exist, the debut “Orgia Mistero” seems to have arisen in all respects in the 1970s, behind the wake of psychedelic Krautrock. It is not just inspiration, not even remaking, here you get the distinct feeling that you are right in this historical period that gave so much to music for the mind.
42 Records was brave, because here we hear everything that music today is no longer, an anachronistic product with no means whatsoever, but probably the trump card is just that, targeting a niche audience (perhaps desperate for the near-departure of this music) surely hungry for these sounds.
Basically they are a jam band, where live dates cover a really important side of their being. Andrea Gonnellini, bassist, vocalist and founder of the group, tells Rolling Stone that he was inspired by the song “Shock in My Town” by Battiato when choosing the name, which best represents the concept of their music. Playing with Andrea are Pietro Rianna, Flavio Gonnellini, who besides being his brother is also the producer of the album along with Giacomo Fiorenza, Giacomo O'Neil, Martino Petrella, Roberto Callipari and Emilia Wesolowska.
The idea for the opening suite came from watching Zulawski's 1988 sci-fi film “Sul Globo D’Argento,” here the protagonists feel they are the bearers of a new civilization.
The album in a general sense, is focused on bass and drums, as well as in noise, not surprisingly Neoprimitives was born, as I have had occasion to say, as a Jam band. The suite, entitled “Sul Globo D’Argento,” is twenty-one minutes in length divided into five movements, starting with “2067” where Lou Reed's primordial band even seems to be current. The second trend bears the title “Do It Again,” an homage to Jonathan Richman (The Modern Lovers), followed by “Arrival On The Planet,” “Ralph Und Florian” (Kraftwerk?) and the final “Scolopendra,” all making for an absolutely timeless trip. What we discover in the second part of the disc is a kind of magic box containing little gems from the past. “Artificiali” is pure Folk Psychedelia, although the themes go to present-day topics such as Artificial Intelligence approaching God. The juxtaposition of such incongruent lyrics/music has a very special charm that even I cannot describe in words. I would have loved to have seen you dance to it, with its traditional “Na, na, na...”.
“La Teiera Nera” already in its title suggests where the band is going with that Canterbury masterpiece entitled “Flying Teapot,” here revisited in a more entertaining way than the original.
The disc ends with “Natulrich,” probably in its ten minutes it is the band's freest and most experimental movement.
“Orgia Mistero” could well reside in the discography of bands like Velvet Underground, Neu!, or Can, so many points of conjunction between them. Provocation or genius? I don't care, this bath in the past is a godsend for those like me of pure Krautrock who have been dry-mouthed for too long. MS

 

Alessandro Seravalle

ALESSANDRO SERAVALLE – La Danza Di Entropia
Agenda Edizioni / Zeit Interference
Genere: Sperimentale / Elettronica
Supporto: cd – 2025

 
In quale spazio vitale risediamo? Cosa ci propone la scienza? Su quest’argomento di certo la musica non può essere soltanto che una colonna sonora di un pensiero, giusto o sbagliato che possa essere.
Terapeutica quanto basta, incongruente forse, impegnata negli errori umani che spesso ci spingono oltre la possibilità del comprendere. Alessandro Seravalle è oramai un nome noto nel mondo della musica sperimentale ed elettronica, collabora con molti artisti in altrettanti progetti, posso ricordare i Garden Wall negli anni ’90 o i più recenti Qohelat con il vocalist performer Gianni Venturi, Officina Seravalle, e il recente progetto denominato Klang!, in definitiva un artista immerso in un contesto culturale davvero impegnato dove la sua arte sposa a pieno i concetti espressi. Musicare la lucidità della fisica di certo non è impresa semplice, serve sicuramente un approccio mentale assolutamente ampio e aperto a ogni soluzione, anche fosse contraddittorio alla veridicità del concetto. Ogni artista ha una propria visione dell’arte, Seravalle riesce con abilità a trasporre il concetto in esame, in suoni elettronici, mostrando una notevole attenzione e arguzia per i particolari.
Seravalle sposa la frase di Ionesco: “Se non si comprende l'utilità dell'inutile, l'inutilità dell'utile, non si comprende l'arte.”.
Il risultato è “La Danza Di Entropia”.
In meccanica statistica e in termodinamica, l'entropia è una grandezza che viene interpretata come una misura del disordine presente in un sistema fisico, questo è il nucleo del progetto che si va ad ascoltare.
“La Danza Di Entropia” nasce originariamente come parte centrale di una performance del Teatro Di Pristina (Kosovo) sotto la direzione artistica di Marco Maria Tosolini e Massimo Gabellone, ma in seguito il progetto intraprende una strada differente, per decisione del Ministero della Cultura del Kosovo. Tuttavia nulla è andato perduto, ci pensa Agenda Edizioni, fondata da Gianpaolo Salbego e diretta oggi dalla figlia Erica, a dare giusto risalto a questo movimento dedicato alla fisica attraverso cinquantadue minuti e mezzo di sonorità complesse. Con loro anche la costola d’avanguardia della Lizard Records, la Zeit Interference di Loris Furlan.
Come di fronte a un quadro astratto e impressionista, le sensazioni durante l’ascolto si alternano in base alla nostra sensibilità e cultura, quella che dovrebbe decodificare il visionato (in questo caso l’ascoltato) in comprensione soggettiva. E proprio per questo motivo che ognuno di noi riesce a trascrivere una sensazione a se stante, unica, non dettata da stilemi esterni, quelli che generalmente riescono a manipolare i nostri pensieri e gusti. Con la musica di Alessandro Seravalle accade questo, la si assimila e metabolizza soltanto con il proprio organismo, tutto quindi assume un contesto a se stante e fortemente personale.
La fisica, la scienza, ha oggi nel proprio sangue piastrine di circuiti elettronici, possano essere invasivi che guaritori. Bene rappresenta il concetto la copertina dell’album per mano di Giovanni “Ninos” Seravalle.
La sostanza sonora che emerge dalle strumentazioni è fluttuante, mutevole, a tratti psichedelicamente impalpabile, proprio come il concetto stesso di entropia. Frequenze alte si dipanano sopra una base oscura di bassi, dove vibrazioni ed echi donano profondità. L’effetto va assimilato attraverso l’ascolto in cuffia per goderne l’aspetto stereofonico che, in tal caso, gioca un ruolo fondamentale. Il lungo tratto onirico e buio che accompagna il primo momento dell’ascolto presenta un universo a se stante, intimistico, come il fluttuare nel liquido amniotico nel ventre di una madre.
Non necessariamente il suono elettronico dista dal calore umano se questo adoperato da una mente pensante.
Seguono frangenti freddi, disturbati, malgrado un battito di fondo tenda a rassicurare l’ascoltatore. Il gioco delle parti, l’uomo e la macchina, la scienza e l’ignoto… Entropia.
Ci sono anche interventi di pianoforte a donare un intermezzo in cui la presenza dell’uomo è sempre gradita. E poi il caos…
Colonna sonora per una rappresentazione teatrale, aveva ragione Seravalle nel proporre quest’opera che ben avrebbe sposato anche un film di sfondo in cui perdersi.
Tutto ciò può accadere anche nelle pareti della vostra casa, se siete capaci di creare l’atmosfera giusta, allora vivrete un’esperienza unica e indimenticabile. Lo spazio entropico è soggettivo, ma da oggi ha una sua precisa collocazione. MS

Versione Inglese:

ALESSANDRO SERAVALLE – La Danza Di Entropia
Agenda Editions / Zeit Interference
Genre: Experimental / Electronic
Support: cd - 2025

 
In what living space do we reside? What does science propose to us? On this topic certainly music can only be a soundtrack to a thought, right or wrong it may be.
Therapeutic enough, incongruent perhaps, engaged in the human errors that often push us beyond the possibility of understanding. Alessandro Seravalle is by now a well-known name in the world of experimental and electronic music, collaborating with many artists in as many projects, I can recall Garden Wall in the 1990s or the more recent Qohelat with vocalist performer Gianni Venturi, Officina Seravalle, and the recent project called Klang!, ultimately an artist immersed in a truly engaged cultural context where his art fully marries the concepts expressed. Musing the lucidity of physics certainly is not an easy feat; it certainly takes a mental approach that is absolutely broad and open to any solution, even if it were contradictory to the truthfulness of the concept. Every artist has his or her own vision of art, Seravalle skillfully manages to transpose the concept under consideration, into electronic sounds, showing remarkable attention and wit for details.
Seravalle espouses Ionesco's line, “If one does not understand the utility of the useless, the uselessness of the useful, one does not understand art.”
The result is “The Dance Of Entropy.”
In statistical mechanics and thermodynamics, entropy is a quantity that is interpreted as a measure of the disorder present in a physical system; this is the core of the project you are going to hear.
“La Danza Di Entropia” was originally created as a central part of a performance by the Theatre Di Pristina (Kosovo) under the artistic direction of Marco Maria Tosolini and Massimo Gabellone, but later the project took a different path, by decision of the Kosovo Ministry of Culture. However, nothing has been lost; there is Agenda Edizioni, founded by Gianpaolo Salbego and directed today by his daughter Erica, to give due prominence to this movement dedicated to physics through fifty-two and a half minutes of complex sounds. With them also the avant-garde rib of Lizard Records, Loris Furlan's Zeit Interference.
As in front of an abstract and impressionistic painting, the sensations during listening alternate according to our sensitivity and culture, the one that should decode the viewed (in this case the heard) into subjective understanding.
It is precisely for this reason that each of us is able to transcribe a sensation on its own, unique, not dictated by external stylistics, those that generally manage to manipulate our thoughts and tastes. With Alessandro Seravalle's music this happens, one assimilates and metabolizes it only with one's own organism, everything then takes on a context of its own and highly personal.
Physics, science, has today in its blood platelets of electronic circuits, may they be invasive than healing. Well represents the concept the album cover at the hands of John “Ninos” Seravalle.
The sonic substance emerging from the instrumentations is fluctuating, shifting, at times psychedelically intangible, just like the very concept of entropy.
High frequencies unfold over a dark bass base, where vibrations and echoes give depth. The effect must be assimilated through headphone listening to enjoy its stereophonic aspect, which, in this case, plays a key role. The long, dark, dreamlike stretch that accompanies the first moment of listening presents a universe of its own, intimate, like floating in amniotic fluid in a mother's womb.
Electronic sound does not necessarily detach itself from human warmth if that warmth is employed by a thinking mind.
Cold, disturbed bangs follow, despite a background beat that tends to reassure the listener. The play of parts, man and machine, science and the unknown -- Entropy.
There are also piano interventions to give an interlude in which the presence of man is always welcome. And then chaos...
Soundtrack for a play, Seravalle was right in proposing this work that would also marry well with a background film in which to get lost.
All this can also happen in the walls of your home, if you are able to create the right atmosphere, then you will have a unique and unforgettable experience. Entropic space is subjective, but as of today it has its own precise location. MS