Meer

MEER - Wheels Within Wheels
Karisma Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: cd / 2lp – 2024

Vi giuro che non è colpa mia se negli ultimi tempi recensisco molte band del Nord Europa, ma credetemi se vi dico che esiste un flusso di band quantomeno travolgente impossibile da ignorare. Questa volta andiamo in Norvegia con la band Meer.
Iniziano la carriera nel 2008 come duo (i fratelli Johanne Margrethe e Knut) e il nome di Ted Glen Extended, ma dopo aver pubblicato nel 2012 l’omonimo ep, ampliano la formazione sino giungere a otto elementi, da qui l’esigenza di cambiare anche il logo in Meer. Oggi sono composti da Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal (voce), Knut Kippersund Nesdal (voce, tastiere), Eivind Strømstad (chitarre, cori, tastiere), Åsa Ree (violino, cori), Ingvild Nordstoga Sandvik (viola, cori), Ole Gjøstøl (pianoforte, tastiere, organo, cori), Morten Strypet (basso, cori), e Mats Fjeld Lillehaug (batteria, percussioni, cori). La base sonora di partenza nei primi ep e album, si regge su un Folk Rock Celtico per poi mutare verso un Progressive Rock orchestrato e sofisticato, questo grazie alla strumentazione di archi.
“Wheels Within Wheels” è il terzo disco in studio dopo l’ottimo “Playing House” (Karisma Records – 2021), un lavoro che ha aperto loro la porta del Prog che conta. Con questa idea di orchestra Pop alternativa, i norvegesi mutano pelle rispetto il passato disco, curando maggiormente le vocalità e gli arrangiamenti. Undici i brani contenuti che trattano la complessità delle interazioni umane, messe alla dura prova dalle criticità di questo cruciale periodo storico fra guerre, odio e lotte per il potere.
L’ora di musica inizia con “Chains Of Changes”, una sorta di lungo intro in cui il piano si avventura in partiture delicate per poi lasciare spazio all’intervento delle successive strumentazioni, in questi sei minuti c’è già l’essenza dell’anima Meer. Bella la voce di Johanne Nesdal che riesce a immergere l’ascoltatore in atmosfere care al mondo Canterburyano.
La profondità dei suoni donano all’ascolto un fascino antico.
In questa musica c’è una ricerca accurata per le melodie, non solo tecnica fine a se stessa ma attenzione per un refrain da godere a pieno. Basso e batteria aprono “Behave”, una canzone che ha tutte le caratteristiche di un brano prettamente nordico sfoggiante atmosfere malinconiche, qui rese leggiadre soltanto dal fischio che accompagna il movimento.
“Take Me To The River” ha una delicatezza che travalica nella Psichedelia , mentre la seconda parte nel Folk. Da questo istante in poi l’album incredibilmente cresce in qualità, come se quanto proposto sino ad ora fosse stato semplicemente nella norma. “Come To Light” è una ballata in cui si esalta tutto l’amore per la vita. Per la riuscita i Meer usano tutta la loro classe in vocalità. Il singolo porta il titolo di “Golden Circle”, il classico pezzo che cattura per ritmica e intensità, qui la band si approccia al mondo del Pop. Ritorna la malinconia in “To What End?” con una splendida interpretazione vocale maschile/femminile. Ed è la volta di un brano che potrei accostare al termine capolavoro, “Today Tonight Tomorrow”, celestiale ed elegante in tutti i passaggi, sia tastieristici che orchestrali. La pianistica “World Of Wonder” fa da interludio a “Mother”, esaltazione per il faro illuminante della nostra esistenza, colei che ci ha tenuto in grembo per nove mesi: la mamma. Le arie fiabesche c’immergono nuovamente dentro l’utero. Per concludere due pezzi che sono clamorosi e che sfoggiano tutto l’armamentario Meer, “Something In The Water” e “This Is The End”.
“Wheels Within Wheels” è un album brillante che non può mancare nella vostra collezione, e scusatemi se questa volta mi azzardo a pronunciare l’aggettivo “capolavoro”, che tuttavia mi resta difficile perché è davvero tanto tempo che non lo uso. Fatto. MS

Versione Inglese:

MEER - Wheels Within Wheels
Karisma Records
Genre: Crossover Prog
Support: cd / 2lp - 2024

I swear it is not my fault that I review a lot of bands from Northern Europe lately, but believe me when I say that there is a stream of at least overwhelming bands impossible to ignore. This time we go to Norway with the band Meer.
They started their career in 2008 as a duo (siblings Johanne Margrethe and Knut) and the name Ted Glen Extended, but after releasing their ep of the same name in 2012, they expanded the lineup until they reached eight members, hence the need to change the logo to Meer as well. Today they consist of Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal (vocals), Knut Kippersund Nesdal (vocals, keyboards), Eivind Strømstad (guitars, backing vocals, keyboards), Åsa Ree (violin, backing vocals), Ingvild Nordstoga Sandvik (viola, backing vocals), Ole Gjøstøl (piano, keyboards, organ, backing vocals), Morten Strypet (bass, backing vocals), and Mats Fjeld Lillehaug (drums, percussion, backing vocals). The starting sound base in the first ep and album, stands on a Celtic Folk Rock and then mutates to an orchestrated and sophisticated Progressive Rock, this thanks to the string instrumentation.
“Wheels Within Wheels” is the third studio record after the excellent ‘Playing House’ (Karisma Records - 2021), a work that opened the door to Prog that matters to them. With this idea of an alternative Pop orchestra, the Norwegians change their skin from the past record, paying more attention to vocals and arrangements. Eleven tracks are contained that deal with the complexity of human interactions, tested by the critical issues of this crucial historical period between wars, hatred and power struggles.
The hour of music begins with “Chains Of Changes”, a kind of long intro in which the piano ventures into delicate scores and then gives way to the intervention of the subsequent instrumentation; in these six minutes there is already the essence of Meer Soul. Beautiful is Johanne Nesdal's voice that manages to immerse the listener in atmospheres dear to the Canterbury world.
The depth of the sounds give the listening an ancient charm.
There is a careful search for melodies in this music, not just technique for its own sake but attention to a refrain to be fully enjoyed. Bass guitar and drums open “Behave”, a song that has all the hallmarks of a purely Nordic tune sporting melancholy atmospheres, here made graceful only by the whistle that accompanies the movement.
“Take Me To The River” has a delicacy that transcends into Psychedelia , while the second part into Folk. From this instant on, the album incredibly grows in quality, as if what has been offered so far had simply been in the norm. “Come To Light” is a ballad in which all the love of life is extolled. For the success Meer uses all their class in vocals. The single bears the title “Golden Circle”, the classic piece that captures by rhythm and intensity, here the band approaches the world of Pop. Melancholy returns in “To What End?” with a wonderful male/female vocal interpretation. And it's the turn of a song that I could approach the term masterpiece, “Today Tonight Tomorrow”, heavenly and elegant in all passages, both keyboard and orchestral. The pianistic “World Of Wonder” serves as an interlude to “Mother”, exaltation for the illuminating beacon of our existence, the one who held us in her womb for nine months: mother. Fairy-tale tunes plunge us back inside the womb. To conclude two pieces that are resounding and sport all the Meer paraphernalia, “Something In The Water” and “This Is The End”.
“Wheels Within Wheels” is a brilliant album that cannot be missed in your collection, and forgive me if this time I venture to utter the adjective ‘masterpiece’, which, however, remains difficult for me because it's really been a long time since I've used it. Check. MS

Diego Banchero Trio

DIEGO BANCHERO TRIO - Gathered Lectures From A Lifetime
Nadir
Genere: Dark / Jazz / Funky
Supporto: Bandcamp / cd – 2025

La scena musicale genovese è ricca di artisti dediti sia al Pop che al Rock, soprattutto in ambito Rock Progressivo. Negli anni ’70 come non citare i New Trolls e l’immenso lavoro produttivo di Vittorio De Scalzi e Nico Di Palo, e poi i Latte E Miele piuttosto che Nuova Idea, Osage Tribe (sotto la supervisione di Franco Battiato), Picchio Dal Pozzo, Duello Madre, Delirium, Garybaldi, Ibis, J.E.T. e molti altri. Oggi il Ballo Delle Castagne, Il Tempio Delle Clessidre, Melting Clock, Il Cerchio D’Oro etc. Poi anche il genere Dark è ben rappresentato da gruppi come Malombra, Il Segno Del Comando, e così via. Questi ultimi hanno come comune denominatore il talentuoso compositore, insegnante e bassista Diego Banchero.
Banchero (fondatore di Malombra e Zess) oggi ha un nuovo progetto in formazione trio, nel quale esprime una musicalità a tutto tondo, fra Jazz, Funky, Dark e molto altro ancora.
Assieme a lui suonano compagni di viaggio de Il Segno Del Comando, Roberto Lucanato alle chitarre e Fernando Cherchi alla batteria.
Il disco composto di dodici brani, è un contenitore di pezzi provenienti da differenti collaborazioni nel tempo, dalla discografia de Il Segno Del Comando (“Macabro Suite”, “Le 4 A”, “Metamorfosi”, “Messaggero Di Pietra” e “Magia Postuma”), a “Vestale” eseguita con la band Egida Aurea, e “Il Viaggio”, dal repertorio de Il Ballo Delle Castagne. Non esulano neppure brani inediti in questo percorso che mostra tutte le doti esecutive e compositive dell’artista ligure.
Immediatamente apprezzabile “Looking For The Pusher” nella quale si evincono le citate influenze stilistiche del bassista. Da rimarcare che durante la sua crescita artistica ci sono stati passaggi anche nell’Heavy Rock, nella musica prettamente cinematografica, il cantautorato e la fusion.
“Macabro Suite” è uno strumentale che potrebbe far parte di una colonna sonora di una sigla televisiva, con spunti anni ’70. La chitarra protagonista è impegnata in tutto il percorso in un protagonismo equilibrato e coinvolgente. Una parte Heavy Dark è affidata a “Le 4 A”, mentre “Vestale” è riflessiva oltre che delicata nell’andamento. Vetrina per le doti balistiche di Banchero è “One Winter Night”, qui il basso si esprime in tutta la sua eleganza. Il Rock di “Metamorfosi” lascia intravedere le basi Blues di questa musica per poi passare a “Il Viaggio”, fra Funky, Jazz e Rock. Ricercata “Bloody Sunset”, sognante e al confine con la Psichedelia. Fra i movimenti più interessanti troviamo “Magia Postuma”, sunto di quanto descritto del carattere sonoro del trio.
“Messaggiero Di Pietra” riporta nuovamente alle atmosfere velate del Dark anni ’70, ancora una volta dalle vesti cinematografiche. Sale il ritmo attraverso “Polizei Blues” dove l’intesa fra i tre elementi risulta perfettamente amalgamata e oliata.
La chiusura spetta alla delicata “Samba For A Butterfly”, altra composizione per il basso.
Questa realizzazione, mette alla prova l’apertura mentale di un ascoltatore nel quale si vede coinvolto in differenti stili sonori che in alcuni momenti potrebbero risultare incompatibili, ma chi ha seguito la carriera di questo grande musicista sicuramente troverà piacevole. Da avere!
“Gathered Lectures From A Lifetime” è stampato in CD nel numero di 200 duecento copie
La produzione è affidata alla Tricephale Independent Production. MS
 
Per info e ordine scrivere all’indirizzo E-mail diegobanchero@alice.it.

Versione Inglese:

DIEGO BANCHERO TRIO - Gathered Lectures From A Lifetime
Nadir
Genre: Dark / Jazz / Funky
Support: bandcamp / cd - 2025

The Genoese music scene is full of artists devoted to both Pop and Rock, especially in the Progressive Rock sphere. In the 1970s how could we not mention the New Trolls and the immense production work of Vittorio De Scalzi and Nico Di Palo, and then the Latte E Miele rather than Nuova Idea, Osage Tribe (under the supervision of Franco Battiato), Picchio Dal Pozzo, Duello Madre, Delirium, Garybaldi, Ibis, J.E.T. and many others. Today the Chestnut Dance, The Temple Of Hourglasses, Melting Clock, The Golden Circle etc. Then also the Dark genre is well represented by groups such as Malombra, The Sign Of Command, and so on. The latter have as their common denominator the talented composer, teacher and bassist Diego Banchero.
Banchero (founder of Malombra and Zess) now has a new project in trio formation, in which he expresses a well-rounded musicality, between Jazz, Funky, Dark and more.
Playing with him are fellow travelers from Il Segno Del Comando, Roberto Lucanato on guitars and Fernando Cherchi on drums.
The disc composed of twelve tracks, is a container of pieces from different collaborations over time, from the discography of Il Segno Del Comando (“Macabro Suite”, “Le 4 A “Metamorfosi”, “Messaggero Di Pietra”, and “Magia Postuma”), to “Vestale” performed with the band Egida Aurea, and “Il Viaggio”, from the repertoire of Il Ballo Delle Castagne. There are also no unreleased tracks in this journey that shows all the performing and compositional skills of the Ligurian artist.
Immediately appreciable is “Looking For The Pusher” in which the aforementioned stylistic influences of the bassist are evident. It should be noted that during his artistic growth there were also passages in heavy rock, purely film music, songwriting and fusion.
“Macabro Suite” is an instrumental that could be part of a TV theme song soundtrack, with 70s cues. The lead guitar is engaged throughout in a balanced and engaging protagonism. A Heavy Dark part is given to “Le 4 A”, while “Vestale” is reflective as well as delicate in its progression. Showcase for Banchero's ballistic talents is “One Winter Night,” here the bass is expressed in all its elegance.
The Rock of “Metamorfosi” gives a glimpse of the Blues basis of this music and then moves on to “Il Viaggio”, between Funky, Jazz and Rock. Searched “Bloody Sunset”, dreamy and bordering on Psychedelia. Among the most interesting movements we find “Magia Postuma”, a summary of what has been described of the trio's sonic character.
“Messaggiero Di Pietra” takes us back to the veiled atmospheres of 70s Dark, once again with cinematic guises. The pace rises through “Polizei Blues” where the chemistry between the three elements is perfectly blended and oiled.
Closure falls to the delicate “Samba For A Butterfly”, another bass composition.
This realization, tests the open-mindedness of a listener in which he or she becomes involved in different sound styles that at some moments might be incompatible, but those who have followed the career of this great musician will surely find it enjoyable. Must-have!
“Gathered Lectures From A Lifetime” is pressed on CD in the number of 200 two hundred copies.
It is produced by Tricephale Independent Production. MS
 
For info and order write to E-mail diegobanchero@alice.it.

Imaginaerium "Siege" il nuovo album

 IMAGINAERIUM - Siege

Uscita 4 aprile

Dopo il grande album “The Rise Of Medici” (2022) Il 4 aprile uscirà “Siege”, la nuova opera di CLIVE NOLAN e LAURA PIAZZAI.
Un doppio disco che farà la gioia non soltanto degli estimatori del Neo Prog, ma di tutti coloro che amano la teatralità, l’epicità  e la musica cinematografica.
La splendida voce di Laura Piazzai  è bene incastonata nei variegati brani supportati dalle inconfondibili tastiere di Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train).
Un lavoro che narra della regina degli Iceni che insorse contro l'occupazione romana della Britannia, fra battaglie epiche e condizioni psicologiche che cancellano il senso d’identità.
L’opera è accompagnata da 32 pagine full-color Earbook, da un bonus disc di nove brani rivisitati in acustica o strumentali, e un documentario in Blu-Ray.
Che la leggenda abbia inizio!
Mix e mastering, John Mitchell (Arena).
 
Pre Order: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/

Versione Inglese:

After the great album “The Rise Of Medici” (2022) “Siege,” the new work by CLIVE NOLAN and LAURA PIAZZAI, will be released on April 4.
A double album that will delight not only admirers of Neo Prog, but all those who love theatricality, epicness and cinematic music.
Laura Piazzai's splendid voice is well embedded in the varied tracks supported by the unmistakable keyboards of Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train).
A work about the Iceni queen who rose up against the Roman occupation of Britain, amid epic battles and psychological conditions that erase a sense of identity.
The work is accompanied by 32-page full-color Earbook, a bonus disc of nine revisited acoustic or instrumental tracks, and a Blu-Ray documentary.
Let the legend begin!
Mix and mastering, John Mitchell (Arena).
 
Pre Order: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/

Nyl

NYL – Nyl
Psych Up Melodies
Genere: Psychedelic / Progressive Rock
Supporto: cd – 2011 (1976)

 
Se ci prendiamo l’onere di andare a spulciare accuratamente gli anni ’70 in ambito Rock, allora ci accorgiamo che questo periodo è costellato di micro opere degne di nota. Molteplici sono gli album che fanno della Psichedelia, oppure del Prog Rock, Hard Rock e simili, un mondo tutto da scoprire. Non si finisce mai di stupire, vuoi perché allora alcuni album sono stati male distribuiti e stampati in poche copie, oppure vuoi per un pubblico probabilmente saturo di questo genere di sonorità, visto che queste partono già dagli anni ’60, rimane il fatto che i collezionisti hanno il loro bel da fare e curano con estrema gelosia la copia a propria disposizione valutandola spesso con un prezzo elevato. A questo punto subentrano le beneamate (o odiate a seconda se si possiede la copia originale) ristampe, spesso ri-masterizzate, a portare giustizia a questi lavori oramai impolverati giacenti nell’oblio. Nascono addirittura case discografiche apposite per questo tipo di lavoro. Non è però questo il caso della Psych Up Melodies di Fabrizio Di Vicino che invece lavora con band odierne, ma resta anche attenta a certi prodotti datati e sempre Psichedelici. Si va a riscoprire un album molto interessante, quello dei francesi Nyl, nati dai Cheval Fou per mano del chitarrista Michel Peteau e del batterista Stéphane Rossini. Qui si avvalgono di vari collaboratori fra i quali spicca il bassista dei Magma, Jannick Top. Quest’unico album che ci relegano, viene anche ristampato nel 1993 dalla Legend Music, e nel 2011 appunto dalla Psych Up Melodies, mentre l’originale è datato 1976 per opera dell’Urus Records.
Il disco è suddiviso in due blocchi, il primo è l’album completo formato da otto canzoni più una bonus track, il secondo è l’operato live della band.
La musica proposta è infarcita d’influenze quali il Krautrock, Free Jazz e il sound di alcune band come Amon Duul, Magma, Gravity Train, Pink Floyd e Ange. L’artwork del libretto che accompagna il cd è documentato di foto degli anni che furono. Il suono del disco è buono.
Il disco si apre con un brano della durata di otto minuti dal titolo “Nyl” impreziosito da un flauto. Subito le carte sono in tavola, le chitarre psichedeliche giocano un ruolo fondamentale, così il ritmo insistente, tutto molto Space Rock, ma anche Zeuhl. Basta chiudere gli occhi e vi troverete a volteggiare nella stanza a braccia aperte. Si tira il respiro con la successiva “Abery”, vera e propria canzone che questa volta non volge all’improvvisazione, bensì alla melodia con strofe e ritornello. Voce leggermente acida ma gradevole in un pezzo al confine della ballata. Il profumo degli anni ’70 si sprigiona in tutto il suo fulgore in “Nyarlathotep”, da qui in avanti tutti brani brevi e incisivi, ricchi di cambi di tempo e umorali, ecco l’accostamento anche al Progressive Rock, come nella jazzata “Shatt” e il suo sax. Un encomio a parte per l’acustica “Ailes D’Or” cantata in lingua madre, il francese. Il pezzo gioca anche sulle voci maschili e femminili. A gusto personale, ritengo “Ibha” uno dei momenti migliori dell’album, ottima Psichedelia, pur essendo la conclusiva del primo blocco. Segue la breve bonus track, leggiera e impalpabile, fra suoni insistenti di sottofondo fatti con la chitarra e il sax in evidenza.
La seconda ondata del disco, quella live, porta con sé altre sorprese, come una scappata nel mondo improvvisato e rumoristico dei primi Pink Floyd in “Jaguar I” e “Jaguar II”. Qui si evince la carica espressiva ed emotiva che queste band in sede live riescono a rovesciare sul pubblico, veri e propri trip sonori senza ritorno.
Un complimento per la Psych Up Melodies, con l’auspicio di incontrare nel tempo altre perle come questa, capisco che scavare è difficile e che non sempre si trovino album di una certa qualità, tuttavia la speranza è sempre l’ultima a morire.  Un disco che consiglio vivamente a tutti gli amanti del genere e degli anni ’70 in generale. Perla. MS

Versione Inglese: 

NYL - Nyl
Psych Up Melodies
Genre: Psychedelic / Progressive Rock
Support: cd - 2011 (1976)
 
If we take it upon ourselves to go carefully combing through the 1970s in the Rock sphere, then we find that this period is studded with micro works worthy of note. Many are the albums that make Psychedelia, or Prog Rock, Hard Rock and the like, a world to be discovered. It never ceases to amaze, whether it is because then some albums were poorly distributed and printed in few copies, or whether it is because of a public that is probably saturated with this kind of sound, since these start as early as the 1960s, the fact remains that collectors have their hands full and treat with extreme jealousy the copy at their disposal, often valuing it at a high price. At this point the beloved (or hated depending on whether one owns the original copy) reissues, often re-mastered, take over to bring justice to these now dusty works lying in oblivion. There are even record companies springing up specifically for this kind of work. However, this is not the case with Fabrizio Di Vicino's Psych Up Melodies, which instead works with today's bands, but also remains attentive to certain dated and always Psychedelic products. One goes to rediscover a very interesting album, that of the French Nyl, born out of Cheval Fou at the hands of guitarist Michel Peteau and drummer Stéphane Rossini.
Here they make use of various collaborators among whom stands out the bassist of Magma, Jannick Top. This one album they relegate to us, is also reissued in 1993 by Legend Music, and in 2011 precisely by Psych Up Melodies, while the original is dated 1976 by Urus Records.
The record is divided into two blocks, the first being the full album consisting of eight songs plus a bonus track, the second being the band's live work.
The music on offer is infused with influences such as Krautrock, Free Jazz and the sound of some bands such as Amon Duul, Magma, Gravity Train, Pink Floyd and Ange. The artwork in the booklet that accompanies the CD is documented with photos from years gone by. The sound of the disc is good.
The disc opens with an eight-minute track entitled “Nyl” embellished with a flute. Immediately the cards are on the table, psychedelic guitars play a key role, so does the insistent rhythm, all very Space Rock, but also Zeuhl. Just close your eyes and you will find yourself swirling around the room with open arms.
It draws breath with the next “Aber,”, a real song that this time turns not to improvisation but to melody with verse and chorus. Slightly sour but pleasant vocals in a borderline ballad-like piece. The scent of the 70s is released in all its splendor in “Nyarlathotep”, from here on all short, punchy songs, full of tempo and mood changes, here is the juxtaposition also to Progressive Rock, as in the jazzy “Shatt” and its sax. A separate citation for the acoustic “Ailes D'Or” sung in the native language, French. The piece also plays on male and female vocals. In personal taste, I consider “Ibha” one of the best moments of the album, excellent Psychedelia, despite being the concluding of the first block. The short bonus track follows, readable and intangible, among insistent background sounds made with guitar and sax in evidence.
The second wave of the album, the live one, brings with it other surprises, such as an escape into the improvised and noisy world of early Pink Floyd in “Jaguar I” and “Jaguar II”. Here we can see the expressive and emotional charge that these bands in live performance manage to spill on the audience, real sound-trips with no return.
Kudos to Psych Up Melodies, with the hope of encountering more gems like this in time, I understand that digging is difficult and that one does not always find albums of a certain quality, however, hope is always the last to die.  An album that I highly recommend to all lovers of the genre and the 70s in general. Pearl. MS

Khadavra

KHADAVRA – Hologram
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / 2lp – 2024

Sin dagli anni ’90 ho nutrito un particolare amore nei confronti delle band svedesi, non che io abbia una cattiva considerazione di tutto ciò che hanno fatto in precedenza nel Progressive Rock, ma in quel periodo hanno riposto nuova linfa al genere leggermente assopito grazie a gruppi come Landberk, Anglagard, Anekdoten, Sinkadus, The Flower Kings e altre ancora. Mentre negli anni ’80 per il Neo Prog le band di riferimento stilistico furono i Pink Floyd e i Genesis su tutte, per quest’ondata anni ’90 sono stati in principale modo i King Crimson. Da questo momento in poi sono stato molto attento a questa scena, non soltanto per mio piacere d’ascolto, ma proprio per assimilare al meglio l’essenza di questa musica spesso con tratti Dark e malinconici.
Fra i numerosi nomi che si possono citare in tempi moderni, uno di questi che più mi ha coinvolto per ecletticità sono i Khadavra.
Tanto Mellotron, ma anche una varietà di strumentazioni che fanno di questo sound un caleidoscopio sonoro.  Il gruppo formato da Sebastian (chitarra, voce, sitar, mellotron, synth, percussioni), Alexander Eriksson (batteria, voce, percussioni), Jon Klintö /(basso, chitarra acustica), e Marcus Holmström (tastiere, mellotron, synth, moog), si cimenta in un Prog dalle tinte scure, ma anche elettriche e psichedeliche. Le influenze che si possono estrapolare all’ascolto derivano da gruppi come Pink Floyd, Hawkwind, Tool, Balck Sabbath, Anekdoten, King Crimson e Camel. Per la realizzazione di “Hologram” si avvalgono della partecipazione di Liv Fridén (flauto), Ole Mathis Haglund (chitarra, cori), Ola Lindqvist (flauto) e Nils Erichson Tastiere).
Come molti altri artisti del periodo, i Khadavra affrontano tematiche societarie del momento, con annesse problematiche scavando nella profondità del subconscio.
“Stundom” si presenta con un suono onirico in crescendo per gettare l’ascoltatore nel mondo di “Shapeshifter”, qui si è travolti dall’insieme sonoro fatto di particolari e robustezza strutturale, ma come da prassi Prog, è immediatamente spezzata da interventi prettamente acustici. La chitarra elettrica si esibisce in un assolo spettrale circondato di tastiere. Tanta storia in queste note, ma anche modernità al servizio della riuscita finale.
Sitar e flauto per “Lucid Parasitosis”, un movimento sinuoso dall’atmosfera psichedelica. Le percussioni arrangiano al meglio l’insieme… E poi l’oscurità. L’andamento Doom pone ulteriore angoscia all’ascolto. “Possession” è una suite di sedici minuti dove il sound ipnotico sa dare spazio a fughe strumentali altamente coinvolgenti. Effetti eco si stagliano assieme all’assolo di chitarra per dare quella sensazione d’instabilità confermata dall’imminente violenza sonora al confine dello stato d’animo doloroso… E poi la luce.
“Zoning Out” è il brano che non ti aspetti, più ritmato e allegro rispetto quanto ascoltato sino ad ora. La cura dei particolari prosegue attraverso effetti e arrangiamenti ben eseguiti. Un altro intro è “10102020”, quaranta secondi di tregua acustica conducente alla seconda mini suite “Katla”, un mix di suoni ben congeniati che fanno dei Khadavra una realtà intelligente e accurata. Qui il Mellotron da sfoggio delle sue caratteristiche. “Anhedonia” è ricca di aperture dall’ampio respiro, altra passeggiata nella Psichedelia. A seguire lo strumentale “Vemod”, uno dei pezzi più Prog nel senso puro del termine, fra i frangenti assolutamente migliori dell’intero album, con passaggi di chitarra elettrica, tastiere e flauto. La conclusiva title track “Hologram” innalza l’essere Khadavra, con meditazione e ampiezza, un viaggio pindarico ricco di cambi direzionali.
Quest’album per il sottoscritto è una conferma, perché è ciò che mi attendevo dalla band, un lavoro massiccio, ricco d’influenze e per certi versi destabilizzante, un classico trip a cui prestare il fianco. Potere del Prog Rock nordico! MS 

Versione Inglese:

KHADAVRA - Hologram
Black Widow Records
Genre: Progressive Rock
Support: cd / 2lp - 2024

Since the 1990s I have harbored a particular love for Swedish bands, not that I think badly of anything they have done previously in Progressive Rock, but during that time they have breathed new life into the slightly slumbering genre thanks to bands like Landberk, Anglagard, Anekdoten, Sinkadus, The Flower Kings and others. While in the 1980s for Neo Prog the stylistic reference bands were Pink Floyd and Genesis above all, for this 90s wave it was mainly King Crimson. From this time on I have been very attentive to this scene, not only for my listening pleasure, but precisely to assimilate the essence of this music often with Dark and melancholic traits as best I can.
Among the many names that can be mentioned in modern times, one of them that has most engaged me in eclecticism is Khadavra.
Lots of mellotron, but also a variety of instrumentation that makes this sound a sonic kaleidoscope.  The group made up of Sebastian (guitar, vocals, sitar, mellotron, synth, percussion), Alexander Eriksson (drums, vocals, percussion), Jon Klintö /(bass, acoustic guitar), and Marcus Holmström (keyboards, mellotron, synth, moog), tries its hand at dark-tinged Prog, but also electric and psychedelic. Influences that can be extrapolated upon listening come from bands such as Pink Floyd, Hawkwind, Tool, Balck Sabbath, Anekdoten, King Crimson and Camel. On “Hologram” they enlist the participation of Liv Fridén (flute), Ole Mathis Haglund (guitar, backing vocals), Ola Lindqvist (flute) and Nils Erichson Keyboards).
Like many other artists of the period, Khadavra deals with societal issues of the moment, with attached problems by delving into the depths of the subconscious.
“Stundom” presents itself with a dreamy crescendo sound to throw the listener into the world of ‘Shapeshifter’, here one is overwhelmed by the sonic ensemble made up of detail and structural robustness, but as per Prog practice, it is immediately broken up by purely acoustic interventions. The electric guitar performs a ghostly solo surrounded by keyboards. So much history in these notes, but also modernity in the service of the final achievement.
Sitar and flute for “Lucid Parasitosis”, a meandering movement with a psychedelic atmosphere. Percussion arranges the whole at its best -- and then darkness. The doom progression poses further angst to the listening. “Possession” is a sixteen-minute suite where the hypnotic sound knows how to give way to highly engaging instrumental escapes. Echo effects stand out along with the guitar solo to give that feeling of instability confirmed by the impending sonic violence at the edge of the painful mood... And then the light.
“Zoning Out” is the track you don't expect, more rhythmic and upbeat than what we have heard so far. The attention to detail continues through well-executed effects and arrangements. Another intro is “10102020”, forty seconds of acoustic respite leading to the second mini-suite “Katla”, a mix of well-crafted sounds that make Khadavra a smart and accurate reality.
Here the Mellotron shows off its features. “Anhedonia” is full of wide-ranging openings, another stroll through Psychedelia. This is followed by the instrumental “Vemod”, one of the most Prog pieces in the purest sense of the word, among the absolutely best bangs of the entire album, with passages of electric guitar, keyboards and flute. The concluding title track “Hologram” elevates the Khadavra being, with meditation and breadth, a Pindaric journey full of directional changes.
This album for yours truly is a confirmation, for it is what I expected from the band, a massive work, rich in influences and in some ways destabilizing, a classic trip to lend one's side to. Power of Nordic Prog Rock! MS

Presence

PRESENCE – Them
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock / Dark Prog
Supporto: cd / Flexi Disc – 2024

I napoletani Presence sono una delle punte di diamante del Rock Progressivo Italiano moderno.
Si formano nei primi anni ’90 per il volere di tre grandi artisti, Enrico Iglio (tastiere, percussioni), Sophya Baccini (voce), figlia di tenore, e Sergio Casamassima (chitarra, basso), laureato al Los Angeles Guitar Institute of Technology.
Nei sei album in studio, escluso l’EP live, i Presence hanno dimostrato di avere una forte personalità nell’ambito, andando a pescare nel Prog più Dark e nel Metal Prog. Nel tempo hanno palesato l’amore per certe band realizzandone delle cover, quali Queen, Judas Priest e Rainbow.
Conosciamo già la splendida voce di Baccini, ne abbiamo avuto modo di parlarne anche nella sua ottima carriera solista composta di tre album davvero interessanti che vi consiglio di andare a riascoltare. Oggi propongono “Them”, settimo album in studio formato da otto brani inediti dopo “Masters And Following” (Black Widow) del 2016. La crescita artistica si può apprezzare ascoltando album dopo album, una consapevolezza che li conduce a comporre canzoni sempre più curate e coinvolgenti.
L’oscurità della musica e quella di alcuni testi che accompagnano i brani, è intuibile sin dalla copertina dell’album per mano di  Alex Reale, ancora una volta dal fascino tetro.
L’inesorabile passaggio del tempo e l’avvicinarsi della fine dell’esistenza terrena, è l’argomento trattato nell’opner mini suite “The Undead”. Il graffiante riff alterna aperture sinfoniche a partiture Heavy spezzate dall’intervento del piano. Notevole l’assolo di chitarra finale. Angoscia e pesantezza s’interscambiano in una struttura di base Progressive Rock, dove la dolce voce contrasta con le ambientazioni, prerogativa dello stile Presence. Cosa sarebbe successo, invece, se nella vita avessimo preso differenti scelte da quelle attuate? E’ il quesito che il trio si pone in “Aftermath”.  
L’organo fa sfoggio di se all’inizio del brano mentre il cielo si annuvola. L’Heavy Prog si dirama in percorsi frazionati da cambi umorali. Alcune atmosfere possono essere accostate a quelle di band nordiche, dove nuovamente lo stile greve si incastona nell’eleganza vocale di Sophya.  La orchestrata e strumentale “Dance Macabre” conduce all’ennesima mini suite dal titolo “To Eatch Other”. Il pezzo può essere apprezzato dai fans della band Curved Air. La struttura vigorosa si accosta anche al mondo del Gothic su temi che riguardano l’approccio alla guerra e di come ci si può giungere degenerando.
A questo punto, se non sazi delle grandi emozioni provate sin qui, si arriva alla suite di ventitré minuti che da il titolo all’album, “Them”. L’orchestra ricopre un ruolo importante e si ispira alla musica dei primi del Novecento con riferimenti a Stravinsky e Berg. In analisi le invidie e le gelosie che si possono provare nei confronti delle persone. Questa, lasciatemelo dire,  non è una canzone bensì una vera e propria opera Rock che travalica il mondo del Rock Progressivo. Serve spezzare l’ascolto dopo cotanta abbondanza, e i maturi Presence lo sanno alla perfezione, per questo inseriscono la breve e medioevale “Drawbridge”. Segue il secondo pezzo strumentale dell’album, “Stige”, vetrina per le qualità balistiche della chitarra elettrica di Casamassima. Chiude l’incoraggiante “If You Dare”, canzone delicata e riflessiva nei confronti della capacità di saper affrontare gli eventi della vita.
“Them” è un ulteriore tassello nel puzzle Dark Prog Italiano, dove dimostriamo di essere grandi maestri, questo soprattutto grazie al supporto della Black Widow, sempre sul pezzo al riguardo. Eccellenza. MS

Versione Inglese:

 

PRESENCE - Them
Black Widow Records
Genre: Progressive Rock / Dark Prog
Support: cd / Flexi Disc - 2024

The Neapolitans Presence are one of the spearheads of modern Italian Progressive Rock.
They were formed in the early 1990s by the will of three great artists, Enrico Iglio (keyboards, percussion), Sophya Baccini (vocals), daughter of tenor, and Sergio Casamassima (guitar, bass), a graduate of the Los Angeles Guitar Institute of Technology.
In their six studio albums, excluding the live EP, Presence have demonstrated a strong personality in the field, trawling the darkest Prog and Metal Prog. Over time they have manifested a love for certain bands by performing covers of them, such as Queen, Judas Priest and Rainbow.
We already know Baccini's wonderful voice, we had the opportunity to talk about it also in his excellent solo career composed of three really interesting albums that I recommend you to go and listen again. Today they offer “Them”, their seventh studio album consisting of eight unreleased tracks after 2016's “Masters And Following” (Black Widow). The artistic growth can be appreciated by listening to album after album, an awareness that leads them to compose more and more polished and engaging songs.
The darkness of the music and that of some of the lyrics that accompany the songs, can be sensed right from the album cover at the hands of Alex Reale, once again with a gloomy charm.
The inexorable passage of time and the approaching end of earthly existence, is the topic covered in the opner mini-suite “The Undead”. The scratchy riff alternates between symphonic openings and heavy scores broken up by piano intervention. The final guitar solo is notable. Angst and heaviness interchange in a basic Progressive Rock structure, where the sweet voice contrasts with the settings, prerogative of the Presence style. What would have happened, however, if we had made different choices in life from those implemented? That is the question the trio asks in “Aftermath”. 
The organ shows off at the beginning of the track as the sky clouds over. Heavy prog branches out into paths fractionated by mood changes. Some atmospheres can be likened to those of Nordic bands, where again the raw style is embedded in Sophya's vocal elegance.  The orchestrated and instrumental “Dance Macabre” leads to yet another mini-suite entitled “To Eatch Other”. The piece may be appreciated by fans of the band Curved Air. The vigorous structure also approaches the world of Gothic on themes concerning the approach to war and how degenerating can come to it.
At this point, if not satiated with the great emotions experienced so far, we come to the twenty-three-minute suite that gives the album its title, “Them”. The orchestra plays an important role and is inspired by early twentieth-century music with references to Stravinsky and Berg. In analysis are the envies and jealousies one can feel toward people. This, let me tell you, is not a song but a real Rock opera that transcends the world of Progressive Rock. You need to break up the listening after such abundance, and the mature Presence know this perfectly, which is why they insert the short, medieval “Drawbridge”. The album's second instrumental piece, “Stige”, follows, a showcase for the ballistic qualities of Casamassima's electric guitar. It closes with the encouraging “If You Dare”, a delicate and reflective song toward the ability to cope with life's events.
“Them” is one more piece in the Italian Dark Prog puzzle, where we prove to be great masters, this especially thanks to the support of Black Widow, always on the ball in this regard. Excellence. MS

Lucid Dream

LUCID DREAM - A Peaceful Death
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock / Rock
Supporto: Spotify / cd – 2025

Esistono album che restano difficili da inserire in uno specifico contesto, può essere un pregio o per alcuni un difetto, tuttavia un’artista generalmente parte con l’intenzione di trovare un sound giusto per quello che al momento vuole esprimere. Dico ciò perché il quarto album della super-band italiana Lucid Dream s’interpone in un limbo particolare che non è Progressive Rock per come lo intendiamo generalmente, ma neppure Metal Prog, Neo Prog, oppure A.O.R., magari è un insieme di tutto questo, per cui lo definirei semplicemente Rock.
Ho ritenuto opportuno iniziare la recensione proprio mettendo subito in chiaro lo stile proposto, al quale aggiungo una cura notevole per le buone melodie facili da memorizzare. Non potrebbe essere altrimenti vista la caratura della formazione del leader fondatore Simone Terigi (chitarra). Attraverso una line up invariata, i Lucid Dream si completano con Roberto Tiranti alla voce e basso (Labyrinth, Wonderworld, Ken Hensley, Mangala Vallis), Karl Faraci alla voce (Arca Hadian, Odyssea), Luca Scherani alle tastiere (La Coscienza Di Zeno, Hostsonaten), Paolo “Paolo” Tixi alla batteria (II Tempio Delle Clessidre, Fabio Zuffanti, La Maschera di Cera), Andrea Cardinale al violino, Rachele Rebaudengo al violoncello, e Sara Calabria alla viola. Con loro due special guest, Paolo Firpo (sax), e Sefora Firenze (voce).
Quindi nomi altisonanti nel panorama del genere e che non lasciano adito a dubbi sulla qualità tecnico/esecutiva di questo nuovo “A Peaceful Death”, composto di dieci canzoni.
“Dawn Of A New World” si pone subito in bilico fra A.O.R. e Metal epico senza premere troppo l’acceleratore sul suono delle chitarre elettriche che non risultano estremamente distorte, ciò induce l’ascoltatore a pensare di trovarsi al cospetto di un album di questo genere, ma che poi vedremo strada facendo che così non sarà.
E infatti il singolo apripista dell’album intitolato “Out Of Time” inizia dolcemente con piano e voce su un argomento attuale come l’oscurantismo e la falsa libertà che conduce l’uomo a farsi le guerre. L’assolo di chitarra è emozionante, o per meglio dire toccante, così il sax sull’Hammond, un piacere per le orecchie. Qui ci troviamo in prossimità del Neo Prog anni ’80. “Open Cages” si apre acusticamente attraverso un andamento pacato e sereno per poi sfociare nell’arrangiamento di archi con assoli di buona fattura.
I Lucid Dream spiazzano nuovamente con classe attraverso “Heroes Of Light”, esempio di come usare le coralità di fondo e l’energia del Rock al servizio della buona armonia. L’andamento pacato ritorna con “Ruins”, una coccola sonora priva d’inutili orpelli. “Broken Hopes” è un ulteriore ballata con voce maschile/femminile, un brano che sembra non risiedere in un tempo specifico, sono quelle canzoni che ti aprono l’anima e ti fanno ascoltare la musica a occhi chiusi.
E poi c’è “Father”, altra punta di diamante dell’album, un Hard Prog alla Kansas dalle sfumature easy con interventi di violino. Muta l’atteggiamento con “Shadows On My Shoulders”, pezzo dal DNA americano restante dentro una melodia di base altamente armoniosa. Poi quell’assolo di chitarra…
E a proposito di questo strumento, Simone Terigi si esibisce in “The Eleventh Illusion (Acoustic Reprise)” dialogando con le tastiere e la voce in un giro di note dal sentore malinconico. La chiusura è nelle mani della strumentale “Wheel Of Karma”, dove i Pink Floyd fanno prepotentemente capolino. 

Versione Inglese:

LUCID DREAM - A Peaceful Death
Self-production
Genre: Progressive Rock / Rock
Support: Spotify / cd - 2025

There are albums that remain difficult to place in a specific context, it may be a virtue or for some a flaw, however an artist generally starts with the intention of finding the right sound for what they want to express at the moment. I say this because the fourth album by the Italian super-band Lucid Dream interposes itself in a particular limbo that is not Progressive Rock as we generally understand it, but neither is it Metal Prog, Neo Prog, or A.O.R., maybe it is a combination of all of these, so I would simply call it Rock.
I thought it appropriate to begin the review precisely by making the proposed style clear right away, to which I would add a remarkable care for good melodies that are easy to memorize. It could not be otherwise given the caliber of the lineup of founding leader Simone Terigi (guitar). Through an unchanged line up, Lucid Dream is completed by Roberto Tiranti on vocals and bass (Labyrinth, Wonderworld, Ken Hensley, Mangala Vallis), Karl Faraci on vocals (Arca Hadian, Odyssea), Luca Scherani on keyboards (La Coscienza Di Zeno, Hostsonaten), Paolo “Paolo” Tixi on drums (II Tempio Delle Clessidre, Fabio Zuffanti, La Maschera di Cera), Andrea Cardinale on violin, Rachele Rebaudengo on cello, and Sara Calabria on viola. With them two special guests, Paolo Firpo (sax), and Sefora Firenze (vocals).
Hence, high-sounding names in the genre scene and leaving no doubt as to the technical/executive quality of this new “A Peaceful Death”, consisting of ten songs.
“Dawn Of A New World” immediately balances between A.O.R. and epic metal without pressing too hard on the sound of the electric guitars that are not extremely distorted, which leads the listener to think that he is in the presence of an album of this genre, but then we will see as we go along that this is not the case.
And indeed, the album's lead-off single titled “Out Of Time” begins softly with piano and vocals on a timely topic such as obscurantism and the false freedom that leads man to wage wars. The guitar solo is moving, or rather touching, so is the sax on the Hammond, a treat for the ears. Here we are in the vicinity of 80s Neo Prog. “Open Cages” opens acoustically through a calm and serene progression and then flows into the string arrangement with well-crafted solos.
Lucid Dream again displace with class through “Heroes Of Light”, an example of using background chorality and rock energy in the service of good harmony. The sedate pace returns with “Ruins,” a sonic cuddle devoid of unnecessary frills. “Broken Hopes” is another ballad with male/female vocals, a song that seems not to reside in a specific tempo, it's those songs that open your soul and make you listen to music with your eyes closed.
And then there is “Father”, another highlight of the album, a Kansas-style Hard Prog with easy overtones and violin interventions. It changes attitude with “Shadows On My Shoulders,” a piece with the remaining American DNA inside a highly harmonious basic melody. Then that guitar solo.
And speaking of this instrument, Simone Terigi performs on “The Eleventh Illusion (Acoustic Reprise)”, dialoguing with keyboards and vocals in a round of notes with a melancholic scent. Closure is in the hands of the instrumental “Wheel Of Karma”, where Pink Floyd peeps powerfully. “A Peaceful Death” thus releases freshness, positivity, serenity, a perfect record as a soundtrack to our days when we love to pause peacefully in front of our stereo to simply listen to good music. MS

 

 

Gianni Carlin

GIANNI CARLIN – A Caccia Di Vento
Autoproduzione
Genere: Rock Sperimentale
Supporto: cd – 2025

Un artista vero che ama la musica, lo fa a 360 gradi.
Spesso, erroneamente, lo spaziare di genere in genere viene preso come un sinonimo d’insicurezza o di poca personalità, in realtà si applica quando si devono esprimere specifici concetti.
Di esempi se ne potrebbero citare a migliaia, e poi ci sono anche quelli che si tengono al passo con i tempi, ma sono un'altra storia.
Se poi un musicista è soprattutto poeta, allora è ancor più logica la scelta di voler spaziare in diverse sonorità. Il suolo italico ha differenti esponenti al riguardo, potrei nominare Gianni Venturi, Alessandro Seravalle e Claudio Milano, tuttavia per ulteriori approfondimenti lascio alla vostra curiosità anche in questo stesso sito. Fra di loro aggiungo Gianni Carlin, poeta e performer di Belluno oltre che suonatore di flauto traverso, non a caso è un grande estimatore di Ian Anderson (Jethro Tull).
Ha militato in band come John Silver Band e Campo Magnetico, e ha realizzato nella sua carriera artistica sei album, tre dei quali da solista sul genere Electro-Ambient: “Cloud (icante)” (2020), “Mysticalisms” (2021), “Praxsax” (2022), tutti in formato digitale e autoprodotti.
Il settimo sigillo della discografia s’intitola “A Caccia Di Vento”, in questo caso è il Rock Sperimentale a essere chiamato in causa. Otto brani contenuti in una confezione cartonata con la copertina rappresentante “End O L’Eremita” di Eleonora Morassut, in arte Elelacamola.
Tutto nasce con la volontà di registrare qualche base per il nuovo spettacolo poetico, ma con il tempo l’artista si ritrova materiale abbondante per poter dare vita a un vero e proprio album. Il titolo è estrapolato da un verso del libro “Qoelet” dall’Antico Testamento: “Ho meditato su tutto quello che gli uomini fanno per arrivare alla conclusione che tutto il loro affannarsi è inutile. E’ come se andassero a caccia di vento”.
I testi poetici narrano quindi della società odierna che viene sempre meno alle proprie responsabilità perdendosi in scelte banali, inutili e sterili. Le poesie (tranne “Osservazioni D’Un Mezzobusto”) fanno parte dell’ultima raccolta di scritti letterari “Māchinālis” di Carlin stesso.
“Fiori Di Lillà” attribuisce immediatamente un senso di appartenenza allo stile Jethro Tull anni ’60 attraverso una visone moderna dettata da soluzioni elettroniche con effetti. Carlin declama la poesia su semplici movimenti che fanno da colonna sonora, gli assolo strumentali dell’artista sono quindi essenziali. In “Cemento” il testo è cantato e suggerisce visioni accompagnate da un riff martellante ed elettrico di chitarra. Alcune scelte possono riportare al modus operandi di Frank Zappa, come nel caso del brano “Il Disastro Dei Miei Sogni”, dove ricerca strutturale s’interpone al testo sagace attraverso la performance vocale in staffetta fra canto e recitazione. La musica passa quasi in secondo piano, Carlin la adopera come pennarello evidenziatore alle parole.
 “Osservazioni D’Un Mezzobusto” ha sette minuti infarciti di suoni, effetti e una melodia di flauto davvero gradevole. Cambi repentini tengono alta l’attenzione, così l’autoironia alla Rino Gaetano. “Passaggi” affronta l’argomento della morte, “La Malattia” invece rallenta il ritmo, un suono greve fa da sfondo per poi lasciare il campo al solito flauto piacevolmente sussurrato. Anche qui non esula l’impennata stilistica a movimentare il tutto. E l’ironia dell’artista prosegue in “Riunione Straordinaria”, canzone che accompagna alla mini suite “Notte D’Inchiostro” dove un dolce arpeggio di chitarra classica apre a un percorso tortuoso, ricercato e per certi versi innovativo.
In “A Caccia Di Vento” sicuramente c’è da migliorare la fase di registrazione, resta tuttavia la capacità dell’artista d’ intrattenere in uno spettacolo dalle radici teatrali, mentre noi siamo felici spettatori dell’assurdo. MS

 

Versione Inglese:

GIANNI CARLIN - A Caccia Di Vento
Self-production
Genre: Experimental Rock
Support: cd - 2025

A true artist who loves music does so in an all-around way.
Often, mistakenly, genre spacing in general is taken as a synonym for insecurity or lack of personality, in reality it applies when specific concepts need to be expressed.
Examples could be cited by the thousands, and then there are also those who keep up with the times, but they are another story.
If then a musician is above all a poet, then it is even more logical to want to range in different sonorities. The Italic soil has different exponents in this regard, I could name Gianni Venturi, Alessandro Seravalle and Claudio Milano, however for further exploration I leave it to your curiosity even on this very site. Among them I would add Gianni Carlin, a poet and performer from Belluno as well as a transverse flute player, not surprisingly a great admirer of Ian Anderson (Jethro Tull).
He has played in bands such as John Silver Band and Magnetic Field, and has released six albums in his artistic career, three of them as a solo artist on the Electro-Ambient genre: “Cloud (icante)” (2020), “Mysticalisms” (2021), and “Praxsax” (2022), all digitally and self-produced.
The seventh seal in the discography is titled “A Caccia Di Vento”, in this case it is Experimental Rock that is called upon. Eight tracks contained in a hardback package with the cover representing “End O L'Eremita” by Eleonora Morassut, aka Elelacamola.
It all started with the desire to record some basis for the new poetic show, but with time the artist found herself abundant material to be able to give life to a real album. The title is extrapolated from a verse in the book “Qoelet” from the Old Testament: “I meditated on all that men do to come to the conclusion that all their toil is useless. It is as if they are going after the wind”.
The poetic texts thus tell of today's society that is increasingly failing in its responsibilities by losing itself in trivial, useless and sterile choices. The poems (except “Observations D'Un Mezzobusto”) are part of Carlin's own latest collection of literary writings “Māchinālis”.
“Fiori Di Lillà” immediately ascribes a sense of belonging to the 1960s Jethro Tull style through a modern vison dictated by electronic solutions with effects. Carlin declaims the poem over simple movements that act as a soundtrack; the artist's instrumental solos are thus essential. In “Cemento”, the lyrics are sung and suggest visions accompanied by a pounding, electric guitar riff. Some choices may bring one back to Frank Zappa's modus operandi, as in the case of the song “Il Disastro Dei Miei Sogni”, where structural research interposes itself with the shrewd lyrics through the relaying vocal performance between singing and acting. The music almost takes a back seat; Carlin employs it as a marker highlighter to the words.
“Observations D'Un Mezzobusto” has seven minutes infused with sounds, effects and a really pleasant flute melody. Sudden changes keep the attention high, so does Rino Gaetano-like self-mockery. “Passagggi” deals with the subject of death, ‘La Malattia’, on the other hand, slows down the pace, a heavy sound provides the background and then leaves the field to the usual pleasantly whispered flute. Here, too, the stylistic surge to enliven the whole is not exempt. And the artist's irony continues in “Riunione Straordinaria”, a song that accompanies the mini-suite “Notte D'Inchiostro”, where a gentle classical guitar arpeggio opens to a winding, searching and in some ways innovative path.
In “A Caccia Di Vento” certainly there is room for improvement in the recording stage, however, there remains the artist's ability to 'entertain in a show with theatrical roots, while we are happy spectators of the absurd. MS