Ologram

OLOGRAM – La Mia Scia
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD /Spotify / Amazon Music – 2025
 

Ho già avuto modo di apprezzare l’esordio discografico della band siciliana Ologram capitanata dal talentuoso polistrumentista e compositore Dario Giannì attraverso l’album “La Nebbia” (Autoproduzione – 2022), e ho riposto in loro buone attese per un eventuale futuro.
Giannì ha militato negli anni ‘90 nella band Progressive Rock / Metal di Siracusa chiamata Ydra, e anche Anema. “La Nebbia” ha spaziato dall’Hard Prog al Progressive Rock, fra ambientazioni grigie e aperture solari, un lavoro che consiglio di andare a rispolverare.
Oggi gli Ologram sono formati da Dario Giannì (basso), Lorenzo Giannì (chitarre), Roberto Giannì (tastiere), Fabio Speranzo (voce), e Giovanni Spadaro (batteria). Avrete notato che è un progetto praticamente creato in famiglia. Per la realizzazione di “La Mia Scia”, si avvalgono della presenza di alcuni special guest che rispondono ai nomi di Gabriele Agosta (voce), Matteo Blundo (viola, violino), e Raffaele Schiavo (voce).
Come molto spesso accade in chi propone musica Prog o Metal, l’opera inizia con un breve intro, qui intitolato “22.43” e non può che essere un movimento introspettivo, misterioso, basato su giochi di voce, alcune dalla provenienza atavica degli sciamani.
E’ il Rock di “Kasbah” ad aprire il percorso attraverso un ritmo cadenzato in modalità “Kashmir” dei Led Zeppelin per poi lasciare il palco alla formula canzone prossima al cantautorato. Schegge di PFM si possono apprezzare nel proseguimento. Ottimo il frangente conclusivo delle tastiere dal profumo vintage, gli Ologram sanno bilanciare con perizia e astuzia, il passato con il presente. La canzone, grazie alla melodia indovinata del refrain, resta scolpita nella mente.
“Luna Piena” apre con una ritmica in crescendo ben articolata e non scontata, ma la canzone è sempre dietro l’angolo, interpretata alla perfezione dalla bella voce di Fabio Speranza. Il basso di Dario Giannì è a mio modo di vedere un ottimo protagonista assieme alla chitarra elettrica finale che regala un assolo breve ma intenso. Ancora una volta la carta vincente del brano è l’inciso, martellante al punto giusto.
“Non Sarai” si presenta come una semi ballata sostenuta dal basso roboante. Gli Ologram in questo nuovo album mostrano una capacità compositiva legata alla scena classica musicale italiana davvero invidiabile. Ci pensano le fughe delle tastiere a far apparire nella mente dell’ascoltatore i Genesis di fine anni ’70 e primi ’80, e poi la solita chitarra elettrica a stupire per essenzialità d’intenti. Si alza l’asticella con “Jacaranda”, qui si evince una maggiore cura per la ricerca strutturale e lirica, dove ancora una volta la voce compie a pieno il proprio impeccabile dovere. Arpeggi di chitarra, violino, mellotron, tutti ingredienti che fanno la gioia degli estimatori del Prog italico curato e passato.
Gli Ologram entrano a piè pari nel mondo del Prog attraverso il brano strumentale “Descent” grazie all’uso del Moog e del piano Fender di Agosta, ma anche della chitarra elettrica in stile Steve Hackett e all’uso della viola e violini. Tutto questo accade senza cadere mai nel prolisso, un rispetto per il passato che dimostra la cultura musicale dei singoli componenti.
Ed è la volta della title track, un mix di cantautorato moderno e Rock anni ’80 facile da memorizzare.
Chiude “1997” con un messaggio positivo, quello di vivere la nostra vita al meglio delle possibilità. Il finale è affidato alle tastiere, e direi che sono davvero una degna conclusione.
Una menzione a parte per l’ottima incisione, i suoni risultano ben distinti e non sovrapposti. L’artwork di Vittoria Gallo è semplice e lineare, dove i caratteri dei testi sono una volta tanto ben leggibili, nero su bianco.
Non prendetemi poi per pazzo, ma come approccio alla composizione, questo nuovo “La Mia Scia” mi ha ricordato la struttura dell’album “Passpartù” della PFM. Tante emozioni, energia positiva e molto da cantare, di questi tempi è manna dal cielo. Gli Ologram confermano la promessa del 2022, sono presuntuoso se dico che me lo aspettavo? MS

  

Versione Inglese:

OLOGRAM – La Mia Scia
Self-production
Genre: Progressive Rock
Support: CD /Spotify / Amazon Music - 2025

 

I have already had the opportunity to appreciate the recording debut of the Sicilian band Ologram led by the talented multi-instrumentalist and composer Dario Giannì through the album “La Nebbia” (Self-Production - 2022), and I put good expectations in them for a possible future.
Giannì played in the 1990s in the Progressive Rock / Metal band from Syracuse called Ydra, and also Anema. “La Nebbia” ranged from Hard Prog to Progressive Rock, between gray settings and sunny openings, a work I recommend going to brush up on.
Today Ologram consists of Dario Giannì (bass), Lorenzo Giannì (guitars), Roberto Giannì (keyboards), Fabio Speranzo (vocals), and Giovanni Spadaro (drums). You may have noticed that this is a project practically created in the family. For the realization of “La Mia Scia”, they make use of the presence of some special guests who answer to the names of Gabriele Agosta (vocals), Matteo Blundo (viola, violin), and Raffaele Schiavo (vocals).
As is very often the case with those who offer Prog or Metal music, the work begins with a short intro, here titled “22.43,” and it can only be an introspective, mysterious movement, based on voice plays, some from the atavistic origin of shamans.
It is the Rock of “Kasbah” that opens the track through a cadenced rhythm in the mode of Led Zeppelin's “Kashmir” and then leaves the stage to the formula song close to songwriting. Splinters of PFM can be appreciated in the continuation. Excellent the concluding fringe of vintage-scented keyboards, Ologram know how to balance expertly and astutely, the past with the present. The song, thanks to the guessed melody of the refrain, stays engraved in the mind.
“Luna Piena” opens with a well-articulated and not obvious crescendo rhythm, but the song is always around the corner, interpreted to perfection by the beautiful voice of Fabio Speranza. Dario Giannì's bass is in my opinion an excellent protagonist together with the final electric guitar that gives a short but intense solo. Once again the song's trump card is the bridge, pounding to the right point.
“Non Sarai” comes across as a semi-ballad backed by the bombastic bass. Ologram in this new album show a compositional ability related to the Italian classical music scene that is truly enviable.
It is the keyboards' fugues that make Genesis of the late 1970s and early 1980s appear in the listener's mind, and then the usual electric guitar to impress with essentiality of intent. The bar is raised with “Jacaranda”, here a greater care for structural and lyrical research is evident, where once again the voice fully performs its impeccable duty. Guitar arpeggios, violin, mellotron, all ingredients that will delight admirers of curated and past Italic Prog.
Ologram enters the world of Prog in stride through the instrumental track “Descent” thanks to Agosta's use of Moog and Fender piano, but also Steve Hackett-style electric guitar and use of viola and violins. All this happens without ever falling into long-windedness, a respect for the past that demonstrates the musical culture of the individual members.
And it is the turn of the title track, a mix of modern songwriting and 80s Rock that is easy to memorize.
“1997” closes with a positive message of living our lives to the best of our ability. The finale is entrusted to the keyboards, and I would say they are indeed a worthy conclusion.
A separate mention for the excellent engraving, the sounds appear distinct and not overlapping. Vittoria Gallo's artwork is simple and straightforward, where the characters of the lyrics are once in a while well readable, black on white.
Don't take me for a fool then, but as an approach to composition, this new “La Mia Scia” reminded me of the structure of PFM's “Passpartù” album. Lots of emotions, positive energy and a lot to sing about, these days it's manna from heaven. Ologram confirms the promise of 2022, am I being presumptuous if I say I expected this? MS

Speciale: IMAGINAERIUM - Siege

SPECIALE IMAGINAERIUM - Siege

 

IMAGINAERIUM – Siege
Progrock.com Essentials
Genere: Neo Prog Sinfonico / Epic
Supporto: 2 CD – 1 DVD

 

Il vero ascoltatore di musica ha un forte rapporto con tutto quello che accompagna il prodotto, dal packaging all’artwork, e se poi l’opera è supportata anche da un DVD, allora il piacere si esalta all’ennesima potenza. La musica in questa maniera è vissuta totalmente, gran parte dei sensi sono appagati, dall’udito, al tatto, all’olfatto, alla vista, e chi è collezionista come me, sa bene di cosa sto parlando.
Se gli Imaginaerium di Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train, Caamora) e Laura Piazzai (Caamora) ci hanno sorpreso nel 2022 con il debutto “The Rise Of Medici”, oggi riescono a superarsi con un’opera totale narrante la storia della regina degli Iceni Boudica che insorse contro l'occupazione romana della Britannia, fra battaglie epiche e condizioni psicologiche che cancellano il senso d’identità.
Prima di addentrarci in questo vasto percorso, tengo subito a sottolineare la cura dei particolari, a partire dall’artwork concepito da David Wyatt, perfettamente descrittivo, con 32 pagine full-color Earbook. Lo sforzo creativo è reso possibile grazie all’apporto dei musicisti Mirko Sangrigoli (batteria, chitarra), Luis Nasser (basso), Simone Milliava (chitarra), e Noa Drezner (chitarra spagnola). La prima cosa che si evince durante l’ascolto di “Siege” è la versatilità della voce di Laura Piazzai, passante dal caldo contralto al potente mezzo soprano e al canto soprano.
Trattasi dunque di concept album? In realtà sono differenti storie in qualche maniera legate fra di loro, ma la chiave risiede nel titolo: “Siege”, ossia in italiano “Assedio”. Questo può essere sia fisico sia mentale. Andiamo dunque ad analizzare.

 

DISCO 1: “Siege”
 
L’Opera è composta di dieci brani a partire da “Cry Boudica!”, e la leggenda ha inizio. Boudica la ribelle lotta con tutte le forze contro l’occupazione romana guidata da Caio Svetonio Paolino, tanto da divenire simbolo della resistenza, e per la descrizione di questo scenario serve proprio una leonessa come Laura.
«Boudicca era una donna molto alta e dall'aspetto terrificante. Aveva gli occhi feroci e la voce aspra. Le chiome fulve le ricadevano in gran massa sui fianchi. Quanto all'abbigliamento, indossava invariabilmente una collana d'oro e una tunica variopinta. Il tutto era ricoperto da uno spesso mantello fermato da una spilla. Mentre parlava, teneva stretta una lancia che contribuiva a suscitare terrore in chiunque la guardasse.» (Cassio Dione, Storia romana, 62, 2).
In otto minuti si è catapultati nell’arena grazie ad un inciso quantomeno solenne per intensità e potenza vocale. Lo stile di Nolan è ben definito e conosciuto a tutti i fans del Neo Prog, e dopo un inizio pacato si apre al sound glorioso che lo contraddistingue. La chicca si raggiunge a tre quarti della durata, dove l’assolo di chitarra di Mirko Sangrigoli descrive alla perfezione l’enfasi del frangente.
Circondati dal nemico, la squadra della regina risponde al fuoco con tutte le proprie forze, “The Final Redoubt” sprigiona la drammaticità degli eventi attraverso una melodia malinconica per poi aprirsi completamente nel ritornello. Questo brano farà sicuramente la gioia dei fans della band Arena.
Il rifugio fra la neve e il ghiaccio può essere una scappatoia, la resistenza si costruisce la propria fortezza, “Footprints” ripercorre la scena attraverso un brano melodico e orecchiabile in cui l’inciso è in perfetto stile Neo Prog. Ancora una volta la chitarra elettrica da sfoggio delle proprie capacità arricchendo il movimento attraverso un assolo sia tecnico che emotivo per mano di Mirko Sangrigoli. Bellissimo il finale a più voci sovra incise.
Ora tutti nel castello, e come cantava Francesco Di Giacomo con il Banco Del Mutuo Soccorso, “Da qui, messere, si domina la valle”. Voce e piano, il brano pur sembrando potenzialmente una ballata, ha sempre dell’epico a rimorchio. Piazzai si esprime come non mai, alzando anche le tonalità. Ecco sopraggiungere il momento toccante e introspettivo grazie a “When My Eyes Are Closed”, la mente comincia a vacillare attraverso crisi d’identità ma se chiudi gli occhi, puoi ancora vedere te stesso.
I guerrieri si radunano, i loro scudi scintillano sotto il sole cocente. Sono pronti a reclamare il bottino della gloria... Terre, ricchezze, onore, fama... E per alcuni... Libertà. “To The Victor Go The Spoils” ne è testimone attraverso suoni di scena (campane comprese). I tamburi battono al ritmo del passo dei cavalli, e le melodie s’infrangono in un movimento etnico per poi spezzarsi a metà grazie alla quiete scaturita dalle tastiere e dalla chitarra acustica. Il pezzo, prettamente strumentale, è tuttavia accompagnato dalle coralità di Laura. Lo stile di Nolan è assolutamente inconfutabile nel contesto, questo territorio è pane per i suoi denti.
In “Never Burn The Cakes” si analizza Re Alfredo il grande di Wessex, autore di numerose vittorie nella metà dell’800 decantato tanto come guerriero, statista e legislatore, ma anche per lui non tutte le ciambelle vengono con il buco. Basta un piccolo particolare, come quello di bruciare una torta, che si rischia di essere ricordato per una stupidaggine frivola piuttosto per ciò che hai realizzato nella vita. Il movimento ben si sposa con il passato e ha un andamento in stile inglese, rafforzato dalla voce decisa di Nolan in duetto con la Piazzai.
Può una freccia in più far guadagnare qualche momento prezioso? In “The Last Arrow” Clive canta la storia di un arciere solo contro il nemico. La voce del tastierista è differente dal solito timbro, risultando più decisa e graffiante.
A questo punto dell’opera giunge una perla sonora, “Deep”, ancora una volta voce e tastiere. Struggente, malinconica e leggiadra, “Deep” ci consiglia di chiudere gli occhi per immergerci nella profondità del tessuto stesso dell'esistenza, fino divenire invisibili all'universo.
La battaglia si conclude sotto una luna di sangue, e si risolve in un massacro, dove nemmeno le donne furono risparmiate. 80.000 britanni sarebbero rimasti sul terreno, contro appena 400 legionari. Secondo un'ipotesi Budicca si sarebbe suicidata avvelenandosi per non essere catturata dai Romani, mentre secondo Cassio Dione si sarebbe ammalata e morta per cause naturali. Non si sa che fine abbiano fatto le sue figlie. “Blood Moon” è il suggello di questo primo disco, dove Nolan spinge ancora di più sulla voce roca per donare al tutto la giusta enfasi. Il finale Pinkfloydiano è esaltato dall’assolo di chitarra di Simone Milliava, “One Of This Days” sembra essere risorto a nuova vita. Non poteva esserci un suggello migliore.
La sanguinosa battaglia è finita.

 

DISCO 2: “Bonus Album”
 
In questo secondo ascolto, si possono godere le versioni rivisitate, acustiche, e strumentali dell’intero album, ma anche una chicca proveniente dalla discografia della band Shadowland , altro grandioso progetto dell’inarrestabile tastierista, il brano è “Dorian Gray”. Piano e voce, il movimento è commovente, grazie all’ennesima prova di Piazzai che sostituisce Nolan cantante nella versione originale. Qui la potenza e la dolcezza mostrano nuovamente la malleabilità della sua voce.
Segue “The Last Arrow” con Clive, Laura e la chitarra, quella di Simone Milliava. Pur essendo una versione acustica, il brano non perde di energia ma acquista un fascino tutto particolare, come quando si passano le serate all’aperto avanti al fuoco a raccontare leggende e storie.
“Cry Budica!” è in versione strumentale e la chitarra di Mirko Sangrigoli sale in cattedra, così come l’enfasi in crescendo. Questo modo di esprimere musica è sempre funzionale e altamente coinvolgente. Il pezzo mette in luce soprattutto la capacità compositiva di Nolan, ennesimo tassello di una carriera ricca di piccoli gioielli sonori.
Una delle caratteristiche degli Imaginearium è il lato melodico voce piano, una formula atta a chi conosce l’arte della sensibilità, ossia per coloro che amano sentirsi coccolati dalle melodie ben interpretate. “When My Eyes Are Closed” è l’emblema di come i due artisti sanno comunicare fra di loro, con un gesto, con uno sguardo, vibrando attraverso la stessa frequenza. Nolan scrive il pezzo con l’anima, uno dei sunti della sua sensibilità musicale.
“All There Is To See” è un altro esempio. Ennesimo duetto voci e piano.
Attenzione a “The Final Redoubt (versione strumentale per chitarra)”, qui si può apprezzare la sensibilità di Simone Milliava il quale si sostituisce attraverso la chitarra alla voce di Piazzai con eleganza. Il pezzo assume raffinatezza, supportata da una coinvolgente coralità di fondo. Gli autori dimostrano di aver compreso alla perfezione l’anima del brano, spingendo nei crescendo solo all’occorrenza.
“Deep (Pure Strings)” vede Nolan solo alle strumentazioni con i tasti d’avorio. Questa versione esalta il concepimento della struggente ballata. Altra chicca del bonus album è “Dorian Gray (mix per chitarra acustica)”, ecco come una canzone può cambiare di abito anche più volte mantenendo intatto il senso dell’intensità emotiva.
Il movimento più lungo è il conclusivo “Footprints (Viking Walk)”, Neo Prog di classe ben arrangiato.
Questo bonus disc è una fotografia dell’intesa Nolan/Piazzai, un modo di concepire la musica ad ampio spettro. Tutto da gustare!

 

 

VIDEO DVD:
 
Il terzo disco che accompagna “Siege” non è altro che una lunga intervista agli autori narrante la storia del progetto Imaginaerium con approfondimenti e immagini di repertorio. Nolan e Piazzai si divertono a raccontare i loro album, così come i musicisti, e quello che mi ha più divertito è il duetto finale botta e risposta fra i protagonisti. Interessante, approfondito e chiarificatore su come la musica riesce a unire le potenzialità di ognuno di loro. In questo caso non voglio approfondire per lasciare a voi il piacere di scoprire.

 

CONCLUSIONE:
 
“Siege”, a mio modo di vedere, è un nuovo passo in avanti anche per il Neo Prog, in quanto siamo davanti a un approccio stilistico differente, che mette sulla bilancia la sinfonia e l’epicità con l’ingrediente “spontaneità”. Si, perché qui sono gli stessi artisti che si divertono, interagiscono, legano e giocano, come per esempio fa Clive con il suo modo di cantare assolutamente differente da ciò che ha espresso nella sua annosa carriera.
Piazzai e Nolan si prendono metaforicamente per mano lasciandosi trasportare dalle emozioni che scaturiscono attraverso un gioco d’intese e personalità. Un merito particolare va alla vocalist che riesce a esaltare il mondo di Nolan trascinando lo stesso autore a un comportamento differente dal suo classico stile.
Un lavoro coinvolgente da ascoltare e vedere con tutta la pace di questo mondo, ossia un modo di ritagliarsi uno spazio di relax a braccetto con l’arte.
 

NOTA:
 
La registrazione audio è ottima, grazie anche al lavoro di mix e mastering realizzato ai Outhouse Studios da John Mitchell (Arena).
 
ORDER: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/
OFFICIAL WEBSITE:  https://www.imaginaerium.org/

Versione Inglese:

IMAGINAERIUM - Siege
Progrock.com Essentials
Genre: Neo Prog Symphonic / Epic
Support: 2 CDs - 1 DVD
 
The true music listener has a strong relationship with everything that accompanies the product, from the packaging to the artwork, and then if the work is also supported by a DVD, then the pleasure is enhanced to the nth degree. Music in this way is totally experienced, most of the senses are gratified, from hearing, to touch, to smell, to sight, and those who are collectors like me, know what I am talking about.
If the Imaginaerium of Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, Medicine Man, Strange On A Train, Caamora) and Laura Piazzai (Caamora) surprised us in 2022 with the debut “The Rise Of Medici,” today they manage to surpass themselves with a total work telling the story of the Iceni queen Boudica who rose up against the Roman occupation of Britain, amid epic battles and psychological conditions that erase the sense of identity.
Before delving into this extensive track, I would like to immediately emphasize the attention to detail, starting with the artwork conceived by David Wyatt, which is perfectly descriptive, with 32-page full-color Earbook. The creative effort is made possible by the contribution of musicians Mirko Sangrigoli (drums, guitar), Luis Nasser (bass), Simone Milliava (guitar), and Noa Drezner (Spanish guitar). The first thing evident while listening to “Siege” is the versatility of Laura Piazzai's voice, switching from warm alto to powerful mezzo soprano and soprano singing.
Is this therefore a concept album? Actually, they are different stories somehow related to each other, but the key lies in the title: “Siege,” which is Italian for “Siege.” This can be either physical or mental. Let us therefore analyze.

 

DISC 1: “Siege”

 The Work consists of ten tracks starting with “Cry Boudica!” and the legend begins. Boudica the rebel struggles with all her might against the Roman occupation led by Caius Suetonius Paulinus, so much so that she becomes a symbol of resistance, and a lioness like Laura is needed for the description of this scenario.
“Boudicca was a very tall and terrifying-looking woman. She had fierce eyes and a harsh voice. Her tawny locks fell in great masses on her hips. As for her clothing, she invariably wore a gold necklace and a colorful tunic. The whole was covered with a thick cloak fastened by a brooch. As she spoke, she held tightly a spear that helped to inspire terror in anyone who looked at her.” (Cassius Dione, Roman History, 62, 2).
In eight minutes one is catapulted into the arena thanks to an aside at least solemn in its intensity and vocal power. Nolan's style is well defined and known to all fans of Neo Prog, and after a quiet beginning he opens up to the glorious sound that sets him apart. The treat is reached at three-quarters of the duration, where Mirko Sangrigoli's guitar solo perfectly describes the emphasis of the juncture.
Surrounded by the enemy, Queen's squad returns fire with all its might, “The Final Redoubt” unleashes the drama of events through a melancholy melody and then opens up fully in the refrain. This track will surely delight fans of the Arena band.
Shelter among the snow and ice can be an escape, the resistance builds its own fortress, “Footprints” retraces the scene through a melodic and catchy song in which the aside is in perfect Neo Prog style. Once again the electric guitar shows off its skills by enriching the movement through both a technical and emotional solo at the hands of Mirko Sangrigoli. Beautiful is the overdubbed multi-voice finale.
Now everyone in the castle, and as Francesco Di Giacomo sang with Banco Del Mutuo Soccorso, “From here, sir, you overlook the valley.” Voice and piano, the song while potentially sounding like a ballad, always has epic in tow. Piazzai expresses himself as never before, even raising the tones. Here comes the touching and introspective moment thanks to “When My Eyes Are Closed,” the mind begins to reel through identity crises but if you close your eyes, you can still see yourself.
The warriors gather, their shields gleaming in the scorching sun. They are ready to claim the spoils of glory.... Land, riches, honor, fame... And for some... Freedom. “To The Victor Go The Spoils” witnesses this through stage sounds (including bells). The drums beat to the rhythm of the horses' steps, and the melodies break into an ethnic movement only to break in half through the quietness sparked by keyboards and acoustic guitar. The purely instrumental piece, however, is accompanied by Laura's choruses. Nolan's style is absolutely irrefutable in context; this territory is bread for his teeth.
“Never Burn The Cakes” analyzes King Alfred the Great of Wessex, author of numerous victories in the mid 1800s extolled as much as a warrior, statesman and legislator, but even for him not all donuts come with a hole. All it takes is a small detail, such as burning a cake, that you risk being remembered for frivolous nonsense rather for what you accomplished in life. The movement fits in well with the past and has a British-style progression, reinforced by Nolan's strong vocals in duet with Piazzai.
Can an extra arrow gain a few precious moments? In “The Last Arrow” Clive sings the story of an archer alone against the enemy. The keyboardist's voice is different from the usual timbre, coming across as more assertive and scratchy. At this point in the work comes a sonic gem, “Deep,” again vocals and keyboards. Poignant, melancholic and graceful, “Deep” advises us to close our eyes to plunge into the depths of the very fabric of existence, until we become invisible to the universe.
The battle ends under a moon of blood, and results in a massacre, where not even women were spared. 80,000 Britons would remain on the ground, against just 400 legionaries. According to one hypothesis Boudicca committed suicide by poisoning herself so as not to be captured by the Romans, while according to Cassius Dione she fell ill and died of natural causes. It is not known what happened to her daughters. “Blood Moon” is the seal on this first disc, where Nolan pushes even harder on the raspy voice to give the whole the proper emphasis. The Pinkfloydian ending is enhanced by Simone Milliava's guitar solo, “One Of These Days” seems to have been resurrected to new life. There could not have been a better seal.
The bloody battle is over.

 

DISC 2: “Bonus Album”

 
In this second listen, one can enjoy the revised, acoustic, and instrumental versions of the entire album, but also a treat from the discography of the band Shadowland , another great project of the unstoppable keyboardist, the song is “Dorian Gray.” Piano and vocals, the movement is moving, thanks to yet another proof of Piazzai replacing singer Nolan in the original version. Here the power and sweetness again show the malleability of his voice.
“The Last Arrow” follows with Clive, Laura and the guitar, that of Simone Milliava. Although it is an acoustic version, the song does not lose energy but acquires a charm all its own, like when you spend evenings outdoors in front of the fire telling legends and stories.
“Cry Budica!” is in an instrumental version and Mirko Sangrigoli's guitar soars, as does the crescendo emphasis. This way of expressing music is always functional and highly engaging. Above all, the piece highlights Nolan's compositional ability, yet another piece in a career full of small sonic gems.
One of the characteristics of Imaginearium is the melodic piano voice side, a formula apt for those who know the art of sensitivity, that is, for those who like to feel pampered by well-interpreted melodies. “When My Eyes Are Closed” is emblematic of how the two artists know how to communicate with each other, with a gesture, with a look, vibrating through the same frequency. Nolan writes the piece with soul, one of the sunsets of his musical sensibility.
“All There Is To See” is another example. Yet another vocal and piano duet.
Watch out for “The Final Redoubt (instrumental guitar version),” here one can appreciate the sensitivity of Simone Milliava who replaces through guitar Piazzai's voice with elegance. The piece takes on refinement, supported by an engaging background chorus. The authors show that they have perfectly understood the soul of the song, pushing into crescendos only when needed.
“Deep (Pure Strings)” features Nolan alone on the ivory-keyed instrumentals. This version enhances the conception of the poignant ballad. Another gem on the bonus album is “Dorian Gray (acoustic guitar mix),” which is how a song can change clothes even several times while keeping its sense of emotional intensity intact.
The longest movement is the concluding “Footprints (Viking Walk),” well-arranged classy Neo Prog.
This bonus disc is a snapshot of the Nolan/Piazzai understanding, a wide-ranging way of conceiving music. All to be enjoyed!

 

VIDEO DVD:
 
The third disc accompanying “Siege” is nothing but a long interview with the authors telling the story of the Imaginaerium project with insights and stock footage. Nolan and Piazzai enjoy narrating their albums, as do the musicians, and what I enjoyed most was the final duet repartee between the protagonists. Interesting, insightful and clarifying about how the music manages to unite the potential of each of them. I will not elaborate here to leave the pleasure of discovery to you.
 
CONCLUSION:
 
“Siege,” in my view, is a new step forward for Neo Prog as well, in that we are in front of a different stylistic approach, one that puts symphony and epicness on the scales with the ingredient ”spontaneity.” Yes, because here it is the artists themselves who are having fun, interacting, bonding and playing, as for example Clive does with his absolutely different way of singing from what he has expressed in his long-standing career.
Piazzai and Nolan metaphorically take each other by the hand by letting their emotions flow through an interplay of understandings and personalities. Particular credit goes to the vocalist who succeeds in enhancing Nolan's world by dragging the author himself into behavior different from his classic style.
An engaging work to be listened to and viewed with all the peace of this world, that is, a way of carving out a space to relax arm in arm with art.
 
 NOTE:
 
The audio recording is excellent, thanks in part to the mix and mastering work done at Outhouse Studios by John Mitchell (Arena).

ORDER: https://essentials.progrock.com/product/imaginarium-the-siege/
OFFICIAL WEBSITE:  https://www.imaginaerium.org/

  

Open The Paintbox

OPEN THE PAINTBOX – Lapse Of Time
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2024

Non sempre necessariamente bisogna attuare sensazionalismi o alzare i toni per farsi notare, spesso la semplicità e il lavoro bastano allo scopo. I social capita che possano essere di aiuto alle band più o meno note per comunicare una nuova uscita, o semplicemente per farsi conoscere, ma credetemi che per quello che concerne un genere di nicchia come il Progressive Rock, ciò potrebbe non bastare. Per questo le nostre case discografiche, seppure a loro volta di nicchia, possano attraverso il loro inestimabile lavoro far raggiungere agli artisti indipendenti una visione maggiore. Ma c’è chi al momento si accontenta di poco, o almeno credo, anche perché imbattendomi nella band Open The Paintbox, ho avuto questa sensazione di grande amore per la musica ma allo stesso tempo una difficoltà nel sapersi gestire. Dico questo perché è stato arduo trovare nel web informazioni sul caso, ma questo non significa che la validità della proposta del trio composto da Angelica Esposito (voce), Fabrizio Tuzza (tastiere), e Giovanni Costantino (chitarra, basso, programmazioni), sia minore a quella di altre band maggiormente considerate. Già il nome apre in me scenari Progressivi (Genesis) e Neo Progressivi (Pendragon), per questo su Bandcamp curioso vado subito ad ascoltare.
Ciò che leggo nelle poche informazioni scritte nella pagina, mostra tutto l’amore per questo immenso calderone sonoro, a conferma del mio buon intuito. Sono citate band come Genesis, King Crimson, Yes, Pink Floyd, Camel, Gentle Giant, The Flower Kings, Magenta, Spock's Beard, Tool, IQ oltre che ai grandi classici del Rock Queen, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica. Non c’è che dire, una buona presentazione.
Gli Open The Paintbox si formano a Messina nell’estate del 2006 da un idea di Fabrizio Tuzza e Giovanni Costantino con l’intento primario di trovarsi assieme e suonare buona musica, quella con cui si è cresciuti. Solo successivamente il duo si arricchisce con l’ingresso alla voce di Angelica Esposito. Le idee tuttavia sono chiare, lo scopo è quello di comporre materiale proprio e dopo alcuni singoli, nel 2024 esce questo “Lapse Of Time” formato da sette canzoni.
Facile intuire il significato del nome che si sono attribuiti, dipingere su una tela con molti colori è una analogia della musica.
L’album parla della grandezza del creato, della forza della natura e della nostra breve esistenza.
Si comincia con “Touching Waves” a rivelare le frequenze dell’universo e lo spronare l’individuo a non aver paura di gettarsi in queste sensazioni attraverso il suono etereo delle tastiere. Inevitabilmente subentrano paragoni con Pink Floyd e Genesis, l’apporto della chitarra acustica apre invece a scenari leggiadri in stile Orme. Le coralità e la voce di Esposito immergono l’ascoltatore in questo meraviglioso contesto.
“Everyday” affronta la quotidianità in loop in cui viviamo, dove la ricerca della luce può darci maggiori risposte al riguardo. La chitarra, questa volta elettrica immerge l’ascolto in un contesto Progressivo dalle radici storiche ma anche moderne, nella ricerca di una personalità su cui mettere le basi per uno specifico sound Open The Paintbox.
La breve “Time Laps” conduce a “Memories”, qui si analizza il ciclo della vita fra passato, presente e futuro, le nostre scelte e l’importanza della luna, che ci illumina anche nei momenti più bui. La canzone è altamente orecchiabile, meno sperimentale e introversa rispetto quanto ascoltato sino ad ora, grazie ad un inciso semplice e diretto.
Attraverso “Nightime Sky” c’è la consapevolezza di vivere un era tecnologica in cui siamo distratti da tutto, qui saremmo noi capaci di cogliere il senso di fratellanza? Il suono pacato delle tastiere disegna ambienti bucolici esaltati dal cantato sempre intenso e profondo. Belle le aperture strumentali.
Non manca la suite qui intitolata proprio “Lapse Of Time” ed è suddivisa in tre parti. Qui risiedono tutte le influenze e le capacità della band di mettere in luce i concetti e le qualità artistiche a propria disposizione. A mio avviso è il brano più coinvolgente e completo dell’album. In chiusura si può ascoltare la bonus track “Open The Paintbox – Starlight”, una chicca aperta da piano e voce. Il crescendo sonoro è altamente convincente.
La semplicità spesso paga, così la passione. Gli Open The Paintbox ci mostrano degli affreschi sonori in cui soffermarsi a guardare per potersi estraniare dalla quotidianità dei problemi, un lavoro sincero che sicuramente ha bisogno di maggiore attenzione per i particolari, ma che di fondo ha già basi solide. Sono sicuro che nel tempo il trio saprà sfruttare al meglio le proprie capacità, con la speranza che qualche addetto ai lavori possa mettere mano su questo progetto che al momento sento di consigliarvi. MS

 

Versione Inglese: 

OPEN THE PAINTBOX - Lapse Of Time
Self-production
Genre: Progressive Rock
Support: Bandcamp - 2024

It is not always necessarily necessary to implement sensationalism or raise the tone to get noticed, often simplicity and hard work suffice for the purpose. Social media happens to be of help to more or less known bands to communicate a new release, or simply to make themselves known, but believe me that for what concerns a niche genre like Progressive Rock, this may not be enough. That is why our record companies, though themselves niche, can through their invaluable work make independent artists reach a greater vision. But there are those who at the moment are content with little, or at least I think so, partly because coming across the band Open The Paintbox, I had this feeling of great love for music but at the same time a difficulty in knowing how to manage. I say this as it has been arduous to find information on the case on the web, but this does not mean that the validity of the proposal of the trio composed of Angelica Esposito (vocals), Fabrizio Tuzza (keyboards), and Giovanni Costantino (guitar, bass, programming), is less than that of other, more considered bands. Already the name opens in me Progressive (Genesis) and Neo Progressive (Pendragon) scenarios, so on Bandcamp curious I go immediately to listen.
What I read in the little information written on the page shows all the love for this immense sonic cauldron, confirming my good intuition. Bands such as Genesis, King Crimson, Yes, Pink Floyd, Camel, Gentle Giant, The Flower Kings, Magenta, Spock's Beard, Tool, IQ are mentioned in addition to the great Rock classics Queen, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica. That's nothing short of a good introduction.
Open The Paintbox formed in Messina in the summer of 2006 from an idea of Fabrizio Tuzza and Giovanni Costantino with the primary intent of getting together and playing good music, the music you grew up with. Only later was the duo enriched with the entry of Angelica Esposito on vocals. However, the ideas are clear, the aim is to compose their own material and after a few singles, in 2024 they released this “Lapse Of Time” consisting of seven songs.
Easy to guess the meaning of the name they have given themselves, painting on a canvas with many colors is an analogy of music.
The album is about the greatness of creation, the power of nature and our short existence.
It begins with “Touching Waves” to reveal the frequencies of the universe and the urging of the individual not to be afraid to throw themselves into these sensations through the ethereal sound of keyboards.
Inevitably comparisons to Pink Floyd and Genesis ensue, the contribution of acoustic guitar opening instead to graceful Orme-style scenarios. Esposito's choruses and vocals immerse the listener in this wonderful context.
“Everyday” addresses the looped everydayness in which we live, where the search for light can give us more answers in this regard. The guitar, this time electric immerses the listener in a Progressive context with historical but also modern roots, in the search for a personality on which to lay the foundation for a specific Open The Paintbox sound.
The short “Time Laps” leads to “Memories,” here analyzing the cycle of life between past, present and future, our choices and the importance of the moon, which illuminates us even in the darkest moments. The song is highly catchy, less experimental and introverted than what we have heard so far, thanks to a simple and straightforward aside.
Through “Nightime Sky” there is an awareness of living in a technological age where we are distracted by everything, would we here be able to grasp the sense of brotherhood? The calm sound of keyboards draws bucolic environments enhanced by the always intense and deep singing. Beautiful instrumental openings.
There is no shortage of the suite here titled precisely “Lapse Of Time” and it is divided into three parts. Here reside all the influences and the band's ability to bring out the concepts and artistic qualities at their disposal. In my opinion it is the most engaging and complete track on the album. In closing you can hear the bonus track “Open The Paintbox - Starlight,” a gem opened by piano and vocals. The sonic crescendo is highly convincing.
Simplicity often pays off, so does passion. Open The Paintbox show us sonic frescoes in which to pause and gaze in order to extricate oneself from the daily grind of problems, a sincere work that certainly needs more attention to detail, but which basically already has a solid foundation. I am sure that in time the trio will be able to make the most of their abilities, with the hope that some insider will be able to get their hands on this project, which at the moment I feel I can recommend. MS

Faveravola

FAVERAVOLA – Castrum Zummellarum
Open Mind - Lizard Records
Genere: Progressive Folk
Supporto: cd – 2024

Anche se siamo nel periodo della musica liquida, ritengo che un degno artwork debba sempre necessariamente accompagnare un supporto sonoro, specialmente se trattasi di vinile o di CD.
Se poi un album ha come argomento un discorso unico, ossia un concept, allora il libretto di accompagnamento alla musica assume una valenza certamente maggiore, a coronamento di un connubio perfetto musica-immagine.
Questo preambolo serve per portare come esempio l’ultimo lavoro della band veneta Faveravola, al ritorno discografico dopo il debutto datato 2006 “Contea Dei Cento Castagni”, qui i disegni e l’ideazione grafica di Marta De Martin sono curati, con tanto di testi e fotografie all’interno. Il concept tratta della saga del Castello di Zumelle e dell’amore tra il cavalier Muricimiro e Atleta, con musiche Prog Folk relegate agli anni ’70, aventi influenze di artisti quali Le Orme e Angelo Branduardi. Non a caso il flauto e il violino si fondono perfettamente in questo contesto.
Oggi la band è composta da Giancarlo Nicorelli (tastiere, voce narrante), Adriano Durighetto (basso), Paolo Coltro (batteria), Alessandro Secchi (voce), Consuelo Marcon (violino), Gianluca Tassi (chitarra elettrica), Renato Bettello (flauto, sax soprano), e Flavio Miotto (chitarra acustica). Con loro c’è la partecipazione straordinaria di Bianca Luna (voce) e del Coro Sant’Anselmo nel brano di apertura “Anno Domini DXXXV”.
Un maestoso organo inizia la storia, dove la voce narrante di Nicorelli immerge l’ascoltatore nel prologo. Le coralità catapultano la fantasia immediatamente nel medioevo dove il castello di Zumelle, cavalieri e pulzelle si stagliano avanti a noi. Ma è con “Anno Del Signore 2024” che i Faveravola mettono in pratica la propria arte immersa in suoni pastorali in cui la cultura del passato è trattata con i guanti. Il violino e il flauto ci invitano in una danza trecentesca con licenza poetica, nella ballata abbiamo, come nel madrigale trecentesco, un legame diretto tra la struttura poetica e la struttura musicale.
Un pianoforte apre “Murcimiro” ed è la voce struggente di Secchi a tracciare la storia nella torre del castello. Il brano si evolve in stile Prog Folk nella durata dei suoi otto minuti abbondanti, qui il crescendo sonoro verso il Rock dona all’insieme un vigoroso ampio respiro. Notevole il solo di chitarra elettrica da parte di Tassi, così l’album decolla fra passato, presente e cambi di tempo.
“Atleta” è una mini suite di dieci minuti, dove suoni sinestetici presentano colori a pastello. La voce di Bianca Luna è incantevole, il duetto maschile e femminile ha sempre un fascino immemore, così l’andamento solare prossimo allo stile Orme degli anni ’70, il tutto grazie all’uso delle tastiere. L’amore è l’argomento centrale del dolce brano. Con “L’Attesa” il ritmo sale assieme all’enfasi sonora a ricordare che comunque trattasi sempre di Rock. La traccia più lunga è di undici minuti e s’intitola “Il Rapimento”, per l’insieme ritengo che sia anche la mia preferita dell’intero concept, un ottimo esempio di Progressive Folk. Il concept prosegue con il violino di Marcon sul piano di Nicorelli in “L’Amore Conquistato Con La Spada”, un suono che carezza l’anima e rende struggente il contesto. Ancora organo in “L’Assedio (L’amore Ucciso Dall’Odio)”, una cavalcata sonora conducente verso la battaglia narrata. La chiusura spetta a “Canto D’Amore Di Un Menestrello” e fu l’amore!
I Faveravola ritornano con un opera Prog Folk dopo ben quattordici anni più in forma che mai, e mi rammentano il perché sono sempre incantato da questa musica immaginifica. MS 

Versione Inglese:

FAVERAVOLA - Castrum Zummellarum
Open Mind - Lizard Records
Genre: Progressive Folk
Support: cd - 2024

Although we are in the period of liquid music, I believe that worthy artwork should always necessarily accompany a sound medium, especially if it is vinyl or CD.
Then if an album has as its subject a unique discourse, i.e., a concept, then the booklet accompanying the music certainly takes on greater value, crowning a perfect music-image union.
This preamble serves to bring as an example the latest work of the Venetian band Faveravola, making its discographic comeback after its debut dated 2006, "Contea Dei Cento Castagni," here Marta De Martin's drawings and graphic conception are taken care of, complete with lyrics and photographs inside. The concept deals with the saga of Zumelle Castle and the love between the knight Muricimiro and Atleta, with Prog Folk music relegated to the 1970s, having influences from artists such as Le Orme and Angelo Branduardi. Not surprisingly, flute and violin blend perfectly in this context.
Today the band consists of Giancarlo Nicorelli (keyboards, narrator), Adriano Durighetto (bass), Paolo Coltro (drums), Alessandro Secchi (vocals), Consuelo Marcon (violin), Gianluca Tassi (electric guitar), Renato Bettello (flute, soprano sax), and Flavio Miotto (acoustic guitar). With them is the extraordinary participation of Bianca Luna (vocals) and the Sant'Anselmo Choir in the opening song "Anno Domini DXXXV."
A majestic organ begins the story, where Nicorelli's narrative voice immerses the listener in the prologue. The chorales immediately catapult the imagination into the Middle Ages where Zumelle's castle, knights and maidens stand before us. But it is with "Anno Del Signore 2024" that the Faveravola put their art into practice immersed in pastoral sounds where the culture of the past is treated with kid gloves. The violin and flute invite us into a 14th-century dance with poetic license; in the ballad we have, as in the 14th-century madrigal, a direct link between poetic and musical structure.
A piano opens "Murcimiro" and it is Secchi's haunting voice that traces the story in the castle tower. The song evolves in Prog Folk style over the duration of its eight-plus minutes, here the sonic crescendo toward Rock gives the whole a vigorous wide sweep. The electric guitar solo by Tassi is remarkable, so the album takes off between past, present and tempo changes.
"Athlete" is a ten-minute mini-suite, where synaesthetic sounds present pastel colors. Bianca Luna's voice is enchanting, the male-female duet always has an immemorial charm, so does the sunny progression close to the Orme style of the 1970s, all thanks to the use of keyboards. Love is the central theme of the sweet track. With "L'Attesa" the pace rises along with the sonic emphasis to remind us that it is still Rock anyway. The longest track is eleven minutes long and is titled "The Abduction," for the whole I think it is also my favorite of the whole concept, an excellent example of Progressive Folk. The concept continues with Marcon's violin over Nicorelli's piano in "L'Amore Conquistato Con La Spada," a sound that caresses the soul and makes the setting poignant. More organ in "The Siege (Love Killed By Hate)," a driving sonic ride toward the narrated battle.
Closure falls to "Canto D'Amore Di Un Menestrello," and it was love!
Faveravola return with a Prog Folk opus after a good fourteen years in better shape than ever, and remind me why I am always enchanted by this imaginative music. MS

Nèos Saint Just

NÈOS SAINT JUST – Jerry Sorrenti & Tullio Angelini
M+M More Music
Distribuzione: G.T. Music
Genere: Avanguardia / Progressive Folk Rock
Supporto: cd – 2024

Gli anni ’70 per il Progressive Rock Italiano sono stati incredibilmente ricchi di opere importanti, non tanto per quantità di uscite, quanto per la qualità. Alcune band sono state una meteora, rilasciando soltanto un album seppure dal valore artistico eccelso, altre hanno scritto la storia sino ai giorni nostri, persino fuori delle mura italiane. Erano chiamati complessi Pop, ma a loro alternativa si proponevano anche cantautori che tentavano nuove soluzioni distaccandosi dalla canonica formula canzone, come Franco Battiato, Eugenio Finardi, oppure Alan Sorrenti, autore di un esordio non convenzionale attraverso “Aria”, un disco in cui la voce è protagonista grazie a una ricerca fonetica accurata. In questo mare di realizzazioni spicca anche la band di Jenny Sorrenti, sorella di Alan, i Saint Just. Più vicini al Folk che al Prog, il gruppo rilascia due dischi, “Saint Just” del 1972 e l’anno successivo “La Casa Del Lago”, dove la splendida voce di Jenny si cimenta in passaggi poetici e d’avanguardia. La band partenopea vede fra i ranghi muoversi alle percussioni anche Tony Esposito, altro grande punto di riferimento della musica italiana. Di seguito il progetto viene accantonato e Jenny intraprende un’ottima carriera solista per poi riformare nel 2011 i Saint Just (qui chiamati Saint Just Again), il risultato discografico s’intitola “Prog Explosion”. L’apparizione successiva risale al 2018 con “Prog Explosion And Other Stories” in cui si possono apprezzare duetti con il fratello Alan. L’atteggiamento “Progressivo” della band prosegue il percorso evolutivo anche oggi attraverso il nuovo progetto Nèos Saint Just, in cui la costruzione sonora gode di una ricerca accurata e sperimentale.
Ciò che amo sottolineare immediatamente è proprio quest’approccio allo stile anni ’70, ossia quando l’arte andava a braccetto con la personalità, dove l’essere differente da tutti era lo scopo principale, esattamente il contrario del modus operandi odierno. Come se la “controcultura” avesse ereditato degni proseliti, di questi tempi praticamente un sogno.
Nel nuovo viaggio, Sorrenti si avvale della sperimentazione elettronica fornita dal musicista Tullio Angelini che dona all’ascolto eccellente fluidità.
Esperienze esistenziali e oniriche sono i temi che accompagnano i sette brani inediti contenuti in questo “Jenny Sorrenti & Tullio Angelini”.
Con loro suonano Clive Bell (Khene), Sylvia Hallett (violino), Alessandro Pizzin (tastiere), Robin Rimbaud alias Scanner (elettronica), Roberto Scarpa (pianoforte), e Kenny Wollesen (vibrafono elettrico).
La confezione cartonata che accompagna il supporto ottico è elegante con testi tradotti, ed è per opera di Roberto Duse Obliquestudio. Infatti il cantato (escluso il secondo brano “Sentire Davvero…”) è in lingua inglese.
Le timbriche vocali di Jenny spaziano senza restrizioni di sorta sin dall’iniziale “Pneumatos” in cui echi fonetici circondano la mente di chi ascolta. La cantante si cimenta anche al pianoforte rilasciando una melodia soavemente sfuggente che fa da tappeto alla ricerca strutturale. Un limbo sonoro dove la voce prende per mano l’ascoltatore in forma rassicurante.
“Sentire Davvero…” gioca con una nenia ipnotizzante dal sentore infantile per poi mutare in un suono rincuorante e altamente melodico. Una chicca sonora in cui ci s’imbatte raramente.
Suoni medievali pervadono in “In The Presence Of The Entity”, qui il violino aggiunge enfasi all’insieme che s’incastra fra colonna sonora dello spirito e introspezione.
Il brano più lungo dell’album, grazie ai sei minuti abbondanti, è “The Mirror Inside Me”. Qui si parla della mente che è ingannevole, malvagia e t’imprigiona come dentro uno specchio lasciandoti in un mondo oscuro, a questo si contrappone la voce eterea di Jenny accompagnata sia da effetti sonori elettronici che dall’immancabile piano sgocciolante note delicate.
In “Hidden Things” si tratta la consapevolezza umana usando coralità sovrapposte, esaltate da un’ottima registrazione in cui l’effetto stereo la fa da padrone.
La ricerca melodica prosegue imperterrita in “Psychè”, sul banco degli imputati salgono di nuovo la mente e l’inconvenzionalità dell’uso fonetico, quest’ultimo ancora una volta ammaliante e galeotto.
 La conclusiva “Meraviglia” convince l’ascolto a occhi chiusi, qui un’apertura solare finale e una prova vocale sopra le righe.
I Nèos Saint Just proseguono quindi quel percorso iniziato anni fa e lo fanno con consapevolezza e l’acquisita professionalità che solo i grandi del mestiere sanno sfruttare. Una ricerca continua dell’essere e del linguaggio che mi ricorda anche l’approccio all’arte di Demetrio Stratos (Area). Un disco da assaporare in maniera centellinata con annessa attenzione, perché qui di superficialità neppure l’ombra. MS

Versione Inglese:

NÈOS SAINT JUST - Jerry Sorrenti & Tullio Angelini
M+M More Music
Distribution: G.T. Music
Genre: Vanguard / Progressive Folk Rock
Support: cd - 2024

The 1970s for Italian Progressive Rock were incredibly rich in important works, not so much in quantity of releases as in quality. Some bands were a meteor, releasing only one album albeit of sublime artistic value, others have written history to this day, even outside Italian walls. They were called Pop ensembles, but alternatively they also proposed singer-songwriters who tried new solutions by detaching themselves from the canonical song formula, such as Franco Battiato, Eugenio Finardi, or Alan Sorrenti, author of an unconventional debut through “Aria,” an album in which the voice is the protagonist thanks to accurate phonetic research. In this sea of accomplishments also stands out the band of Jenny Sorrenti, Alan's sister, Saint Just. Closer to Folk than to Prog, the group released two records, 1972's “Saint Just” and the following year's “La Casa Del Lago”, where Jenny's splendid voice ventures into poetic and avant-garde passages. The Neapolitan band sees among the ranks moving on percussion also Tony Esposito, another great landmark of Italian music.
Thereafter the project was shelved and Jenny embarked on an excellent solo career and then reformed Saint Just (here called Saint Just Again) in 2011, the record result being entitled “Prog Explosion”. The next appearance was in 2018 with “Prog Explosion And Other Stories” in which duets with his brother Alan can be appreciated. The “Progressive” attitude of the band continues the evolutionary path even today through the new project Nèos Saint Just, in which the sound construction enjoys careful and experimental research.
What I like to emphasize immediately is precisely this approach to the style of the 1970s, that is, when art went hand in hand with personality, where being different from everyone was the main purpose, exactly the opposite of today's modus operandi. As if the “counterculture” had inherited worthy proselytes, these days practically a dream.
In the new journey, Sorrenti makes use of electronic experimentation provided by musician Tullio Angelini, which gives the listening excellent fluidity.
Existential and dreamlike experiences are the themes that accompany the seven unreleased tracks contained in this “Jenny Sorrenti & Tullio Angelini”.
Playing with them are Clive Bell (Khene), Sylvia Hallett (violin), Alessandro Pizzin (keyboards), Robin Rimbaud aka Scanner (electronics), Roberto Scarpa (piano), and Kenny Wollesen (electric vibraphone).
The hardback packaging accompanying the optical media is elegant with translated lyrics, and is by Roberto Duse Obliquestudio. In fact, the singing (excluding the second track “Really Feel...”) is in English.
Jenny's vocal timbres range unrestrictedly from the opening “Pneumatos” in which phonetic echoes surround the listener's mind. The singer also tries her hand at the piano releasing a suave, elusive melody that acts as a carpet for the structural research. A sonic limbo where the voice takes the listener by the hand in reassuring form.
“Really Feel...” plays with a hypnotizing dirge with a childlike scent and then mutates into a heartening and highly melodic sound. A sonic gem we rarely come across.
Medieval sounds pervade in “In The Presence Of The Entity”, here the violin adds emphasis to the ensemble that dovetails between spirit soundtrack and introspection.
The longest track on the album, thanks to its generous six minutes, is “The Mirror Inside Me”. Here it speaks of the mind that is deceptive, evil and imprisons you as if inside a mirror leaving you in a dark world, this is countered by Jenny's ethereal voice accompanied by both electronic sound effects and the ever-present piano dripping delicate notes.
“Hidden Things” deals with human consciousness using overlapping chorality, enhanced by an excellent recording in which the stereo effect takes center stage.
The melodic quest continues undaunted in “Psychè”, the mind and the unconventionality of phonetic use once again take the dock, the latter once again beguiling and galling.
 The concluding “Wonder” convinces listening with eyes closed, here a final sunny opening and an over-the-top vocal test.
Nèos Saint Just thus continue that path begun years ago and do so with awareness and the acquired professionalism that only the greats of the trade know how to exploit. A continuous search for being and language that also reminds me of Demetrio Stratos' (Area) approach to art. An album to be savored in a centered manner with annexed attention, because here of superficiality not even a shadow. MS