Cantina Sociale

CANTINA SOCIALE – Astraforismi
Ma.Ra.Cash
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / Digital – 2024

“Squadra che vince non si tocca”, questo detto rispecchia spesso e volentieri l’andamento di molte cose, attitudini che in un modo o nell’altro hanno funzionato in un lasso di tempo. E’ anche il caso della band Cantina Sociale prodotta dallo storico tastierista torinese degli Arti & Mestieri, Beppe Crovella (Electromantic Music).
Bene ha fatto il musicista a dare la possibilità a questa formazione di esprimere la propria musica, un mix fra passato e presente in perfetto equilibrio. Dopo l’ottimo “Caosfera” datato 2017, “Astraforismi” ripresenta oggi la stessa formazione composta da Elio Sesia (chitarre), Rosalba Gentile (tastiere), Marina Gentile (chitarre), Filippo Piccinetti (basso) e Massimiliano Monteleone (batteria). Perfino l’artwork è sempre affidato ad Antonio Catalano con la grafica di Luciano Rosso, questo modo di fare rispecchia l’attitudine delle band che avevano soprattutto negli anni ’70, ossia l’associare un certo tipo d’immagine alla musica affidandosi a uno stile ben riconducibile. L’immagine è sempre stata importante per un disco, pensate voi i Pink Floyd senza lo studio Hipgnosis, oppure gli Yes senza Roger Dean o i Genesis senza Paul Whitehead, di certo il risultato non sarebbe stato lo stesso. L’artwork facilita di molto un eventuale acquirente a capire che tipo di musica potrebbe contenere quest’album.
“Astraforismi” è formato da otto canzoni, tutte strumentali come da caratteristica della band. Il disco affronta, quantomeno con i titoli, la situazione sociale in cui viviamo. La sensazione che provo in questa lettura e nell’ascolto è quella che trovavo più o meno nell’approccio critico degli Area, anche se in questo caso non c’è da parte degli autori una disperata volontà nel voler destabilizzare l’ascoltatore, piuttosto di dare una colonna sonora a una determinata fotografia di un attimo. Ecco allora la graffiante elettricità di “Arrabbiati Cronici” manifestare tutto lo spirito critico, e proprio come diceva Demetrio Stratos “Il mio mitra è un contrabbasso che ti spara sulla faccia ciò che penso della vita”.
“Alfabeti Perduti” è introspettiva, le tastiere iniziali fanno da tappeto al dialogo ponderato fra chitarra e basso, un brano in cui lasciarsi trasportare da questi suoni senza tempo che fanno parte del DNA del Rock Progressivo prettamente mediterraneo.
Il “Caffè Sospeso” è una cortesia, un atto di generosità, in questo caso sono le tastiere a darsi staffetta con la chitarra elettrica di Marina Gentile. Trapela soprattutto energia positiva, questo è proprio un caso emblematico della mia constatazione precedente di equilibrio fra passato e presente.
In “Claudicanti” le atmosfere diventano rarefatte, il piano segue sentieri prossimi al Jazz in un contesto al confine con la Psichedelia in cui fanno parte anche certi loop di scuola King Crimson. Un ritmo spezzato fa da sottofondo alla chitarra elettrica di Marina che sembra voler parlare in “ I Lamentosi”, qui si denota maggiormente la volontà dei Cantina Sociale nel voler ricercare nel mondo Progressive, uno sforzo creativo che li colloca in un contesto vintage bi base. Il basso di Piccinetti ricopre un ruolo fondamentale in tutto l’arco dell’ascolto. Ma è con “Sguardi Sospetti” che la band mette a nudo tutta l’intesa fra gli elementi, immergendosi in un connubio fra ballata e fuga strumentale, interessante oltre che privo di sbavature. Il classico crescendo in cui lasciarsi trasportare. “Le Cose Perdute” è un quadro sonoro dove ogni nota sembra essere in possesso di un colore, per un risultato finale di color pastello. L’album si conclude con “Bla Bla”, dove le chiacchiere sono portate via dal vento, ma non la musica che resta legata al fascino ancora una volta mediterraneo.
“Astraforismi” è un ritorno in cui i Cantina Sociale palesano una maturità profonda, musica per la mente, come si amava dire negli anni passati, un contenitore in cui trovare diversi stati d’animo. Ci si emoziona durante l’ascolto, e questo è lo scopo della musica e quando esso viene raggiunto, non resta che socchiudere gli occhi e ripremere il tasto “play”. MS 

VIDEO PROMO: https://www.cantinasocialeprog.com/Astraforismi/CS-video_A.html

Versione Inglese:

CANTINA SOCIALE - Astraforismi
Ma.Ra.Cash
Genre: Progressive Rock
Support: cd / Digital - 2024

“A winning team can't be touched”, this saying often reflects the trend of many things, attitudes that have worked in one way or another over a period of time. This is also the case with the band Cantina Sociale produced by the historic Turin keyboardist of Arts & Crafts, Beppe Crovella (Electromantic Music).
Well did the musician do to give this lineup a chance to express its music, a perfectly balanced mix of past and present. After the excellent “Chaosfera” dated 2017, “Astraforismi” now presents again the same lineup consisting of Elio Sesia (guitars), Rosalba Gentile (keyboards), Marina Gentile (guitars), Filippo Piccinetti (bass) and Massimiliano Monteleone (drums). Even the artwork is always entrusted to Antonio Catalano with graphics by Luciano Rosso, this way of doing things reflects the attitude bands had especially in the 1970s, that is, associating a certain type of image with music by relying on a well-referenced style.
Image has always been important to an album, think Pink Floyd without the Hipgnosis studio, or Yes without Roger Dean or Genesis without Paul Whitehead, surely the result would not have been the same. The artwork makes it much easier for a prospective buyer to understand what kind of music this album might contain.
“Astraforismi” consists of eight songs, all instrumental as is characteristic of the band. The album addresses, at least with the titles, the social situation in which we live. The feeling I get in this reading and listening is the one I used to find more or less in Area's critical approach, although in this case there is no desperate desire on the part of the authors to destabilize the listener, rather to give a soundtrack to a certain photograph of a moment. Here, then, is the biting electricity of “Arrabbiati Cronici” manifesting all the critical spirit, and just as Demetrio Stratos said, “My machine gun is a double bass that shoots in your face what I think about life”.
“Alfabeti Perduti” is introspective, the opening keyboards carpet the thoughtful dialogue between guitar and bass, a song in which to be carried away by these timeless sounds that are part of the DNA of purely Mediterranean Progressive Rock.
“Caffè Sospeso” is a courtesy, an act of generosity, in this case it is the keyboards that relay to Marina Gentile's electric guitar. Above all, it exudes positive energy; this is precisely an emblematic case of my earlier observation of balance between past and present.
In “Claudicanti” the atmospheres become rarefied, the piano follows paths close to Jazz in a context bordering on Psychedelia in which certain loops of the King Crimson school are also part. A broken rhythm serves as a background for Marina's electric guitar that seems to want to speak in “ I Lamentosi”, here more denoting the Social Cellar's desire to search in the Progressive world, a creative effort that places them in a vintage bi basic context. Piccinetti's bass plays a key role throughout. But it is with “Sguardi Sospetti” that the band lays bare all the chemistry between the elements, immersing themselves in a marriage of ballad and instrumental fugue that is interesting as well as smudge-free. The classic crescendo in which to be carried away.
“Le Cose Perdute” is a sound picture where every note seems to be in possession of a color, for a pastel-colored end result. The album ends with “Bla Bla Bla”, where the chatter is carried away by the wind, but not the music, which remains bound by Mediterranean charm once again.
“Astraforismi” is a comeback in which the Social Cellars manifest a deep maturity, music for the mind, as they liked to say in years past, a container in which to find different moods. One is moved while listening, and this is the purpose of music, and when it is achieved, one only has to squint and press the “play” button again. MS

Cantina Sociale

 

 

Quanah Parker

QUANAH PARKER – Nel Castello Delle Fate
Scivales Music
Distribuzione: Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock Progressivo
Supporto: cd – 2024

La storia dei Quanah Parker inizia a Venezia negli anni ’80, quando il genere Rock Progressivo ha vissuto il momento a cavallo fra la crisi e la nascita del Neo Prog. La passione per i Genesis, i Led Zeppelin, Weather Report, Rick Wakeman, Yes, e il Banco Del Mutuo Soccorso, ha cominciato a plasmare il sound della band che nel tempo si va a modificare con innesti di nuovi componenti, ma l’avvento del militare stoppa per alcuni mesi il proseguimento degli intenti. Registrano un demo che nel circuito riceve buoni apprezzamenti, e alcuni brani si troveranno inseriti nell’album d’esordio intitolato “Quanah!” nel 2012. Uno stop importante lo subiscono verso il 1985 e Riccardo Scivales, musicologo e insegnante leader della band, si dedica per un lungo periodo al Jazz dalle origini al Bebop. Frequenta scuole e scrive diversi libri con esercizi tecnici da eseguire alle tastiere. E’ nel 2005 che Scivales riprende in mano le redini della band ricomponendola. Nel 2015 è la volta del secondo album intitolato “Suite Degli Animali Fantastici” e vede nella formazione Elisabetta Montino (voce), Giovanni Pirrotta (chitarre elettriche e acustiche, basso), Paolo Ongaro (batteria, percussioni) e Alessandro "Unfolk" Monti (basso, voce, flauto Moeck, tabla, percussioni), quest’ultimo già noto nel circuito progressivo italiano con Unfolk.
Ma veniamo a oggi e all’album “Il Castello Delle Fate”, di per se già il titolo lascia trapelare gli intenti strutturali di questo concept che racconta attraverso la musica e la voce della nuova cantante Meghi Moschino, ambientazioni medioevali dove streghe fatate e fate stregate intercedono in un castello in cui l’esoterismo è di casa. Il tema riguarda il potere guaritore della musica. Questo disco prende forma da performance live e diventa realtà dopo il lungo lockdown pandemico.
Salta subito all’occhio lo splendido artwork cartonato realizzato da Barbara Bergomi con le belle fotografie di Francesca Barriviera, un valore aggiunto all’opera per fare entrare a pieno titolo l’ascoltatore nel concept composto di quattordici movimenti. La formazione odierna della band vede Riccardo Scivales (tastiere e composizione dei brani), Meghi Moschino (voce e autrice dei testi), Giovanni Pirrotta (chitarra), Alessandro Simeoni (basso), e Paolo Ongaro (batteria). Nel brano conclusivo dell’album intitolato “Giochi Di Fate Al Piano” c’è la partecipazione straordinaria di Martina Scivales al piano e voce.
“Verso La Porta” introduce a tutti gli effetti l’ascoltatore nel castello, dove in “Intrada E Voci Di Fate” si resta ammaliati dal luogo sottolineato con suoni Hard Prog dall’infinita storia. Per gli appassionati posso dire che non esulano richiami a K. Emerson, R. Wakeman e al Prog nostrano degli anni ’70, il tutto rafforzato dalla chitarra ruggente di Pirrotta. La voce di Moschino (di natura Jazz) dona fascino, sembra quasi di trovarsi all’interno della struttura e di sentirne l’odore tanto si è inseriti adeguatamente nel contesto. L’inizio scoppiettante dopo la breve “Primo Interludio Esoterico” prosegue con “Stanze Di Luci Antiche”, qui il Prog prende una forma maggiormente legata al significato stesso del termine, attraverso cambi strutturali e di tempo, il tutto infarcito da un velo di antichità che aleggia sopra i nostri capi. Ed eccoci giunti a “La Fata Tentatrice” canticchiante una nenia che si trasforma in una melodia suadente e ammaliante, si resta stregati in tutti i sensi. L’incanto prosegue attraverso “Danza Esoterica”, nella quale le lunghe vesti sembrano gonfiarsi al roteare durante il ballo delle fate. I cantici dal sentore medioevale fanno da base alla struttura compositiva. Affascinanti i due minuti onirici de “La Fata Dormiente” per poi gettarsi nuovamente in un nuovo balletto, la “Danza Della Fata Selvatica”, dove le tastiere restano protagoniste come stile Quanah Parker ci ha abituati nel tempo. All’interno molta storia musicale, un ampio spettro di stili e decenni in cui questo mondo sonoro si è saputo far distinguere.
“Nella Stanza Di Un Carillion” gioca con le voci delle fate e conduce nel mondo dei sogni. Grazie al suono delle chitarre, si possono apprezzare richiami al Neo Prog di matrice Marillion.
“Fata Nel Vento” è fra i movimenti che ho apprezzato maggiormente nell’album, con il suo fascino misterioso altamente evocativo per merito di una voce ancora una volta “stregante”. “Secondo Interludio Esoterico” è uno strumentale misterioso che porta a “Le Pozioni Delle Fate” dall’andamento maggiormente Rock. Altra gemma dell’album è “Strega Fatata, Fata Stregata”, la canzone più lunga attraverso otto minuti e mezzo di spettacolari arie incantate. La conclusione spetta a “Giochi Di Fate Al Piano”, dove la magia del piano e voce sugella in maniera più che degna l’opera.
La musica dei Quanah Parker oggi è più ricca d’immagini che mai, una vera telecamera che coglie in alta definizione ogni particolare trasmettendolo alla nostra fantasia. Se pensate che la musica serva per far viaggiare la mente, allora benvenuti nel “Castello Delle Fate”! (consigliato l’ascolto a luci soffuse). MS  

Versione Inglese: 

QUANAH PARKER – Nel Castello Delle Fate
Scivales Music
Distribution: Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Support: cd - 2024

The story of Quanah Parker begins in Venice in the 1980s, when the Progressive Rock genre experienced the moment between the crisis and the birth of Neo Prog. A passion for Genesis, Led Zeppelin, Weather Report, Rick Wakeman, Yes, and Banco Del Mutuo Soccorso began to shape the band's sound, which over time changes with grafts of new members, but the advent of the military stoppages the continuation of intent for a few months. They record a demo that in the circuit receives good appreciation, and some tracks will be found included in the debut album entitled “Quanah!” in 2012. A major stop they undergo around 1985 and Riccardo Scivales, musicologist and teacher band leader, devotes himself for a long time to Jazz from its origins to Bebop. He attended schools and wrote several books with technical exercises to perform on keyboards. It was in 2005 that Scivales took over the reins of the band again, reassembling it. In 2015, it was the turn of the second album titled “Suite Degli Animali Fantastici” and sees in the lineup Elisabetta Montino (vocals), Giovanni Pirrotta (electric and acoustic guitars, bass), Paolo Ongaro (drums, percussion) and Alessandro “Unfolk” Monti (bass, vocals, Moeck flute, tabla, percussion), the latter already known in the Italian progressive circuit with Unfolk.
But let us come to today and the album “Il Castello Delle Fate”, in itself the title already hints at the structural intent of this concept that tells through the music and voice of new singer Meghi Moschino, medieval settings where fairy witches and bewitched fairies intercede in a castle where esotericism is at home. The theme concerns the healing power of music. This record takes shape from live performances and becomes reality after the long pandemic lockdown.
Immediately jumps out at you the beautiful hardback artwork created by Barbara Bergomi with beautiful photographs by Francesca Barriviera, an added value to the work to make the listener fully enter the concept composed of fourteen movements. Today's lineup of the band features Riccardo Scivales (keyboards), Meghi Moschino (vocals and coauthor of the songs), Giovanni Pirrotta (guitar), Alessandro Simeoni (bass), and Paolo Ongaro (drums). The album's closing track titled “Giochi Di Fate Al Piano” features the extraordinary participation of Martina Scivales on piano and vocals.
“Verso La Porta” introduces the listener for all intents and purposes to the castle, where in ‘Intrada E Voci Di Fate’ one is captivated by the place emphasized with Hard Prog sounds from the endless story.
For aficionados, I can say that references to K. Emerson, R. Wakeman and homegrown Prog of the 1970s do not exude, all reinforced by Pirrotta's roaring guitar. Moschino's vocals (Jazz in nature) lend charm, almost seeming to be inside the structure and smelling it so much you are properly placed in the context. The crackling start after the brief “First Esoteric Interlude” continues with “Stanze Di Luci Antiche”, here Prog takes a form more related to the very meaning of the term, through structural and tempo changes, all infused with a veil of antiquity hovering over our heads. And here we come to “La Fata Tentatrice” humming a dirge that turns into a persuasive and bewitching melody, one is bewitched in every sense. The enchantment continues through “Danza Esoterica”, in which the long robes seem to swell as they twirl during the fairies' dance. Canticles with medieval overtones underpin the compositional structure. Fascinating are the dreamlike two minutes of “La Fata Dormiente” and then throw themselves again into a new ballet, the “Danza Della Fata Selvatica”, where the keyboards remain protagonists as Quanah Parker's style has accustomed us over time. Within much musical history, a broad spectrum of styles and decades in which this sound world has stood out.
“Nella Stanza Di Un Carillion” plays with fairy voices and leads into the world of dreams. Thanks to the sound of the guitars, hints of Marillion-derived Neo Prog can be appreciated.
“Fata Nel Vento” is among the movements I enjoyed most on the album, with its highly evocative mysterious charm due to once again ‘bewitching’ vocals. “Secondo Interludio Esoterico” is a mysterious instrumental that leads into ‘Le Pozioni Delle Fate’ with a more Rock progression. Another gem of the album is “Strega Fatata, Fata Stregata’, the longest song through eight and a half minutes of spectacular enchanted tunes. The conclusion belongs to “Giochi Di Fate Al Piano’,” where the magic of piano and vocals more than worthily seals the work.
Quanah Parker's music today is richer in imagery than ever before, a true camera capturing in high definition every detail transmitting it to our imagination. If you think music is for traveling the mind, then welcome to “Fairy Castle”! (Recommended listening under dim lights). MS

 

 

RosGos

ROSGOS – No Place
Beautiful Losers Records
Genere: Art Rock – New Wave - Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Il dolore, il tormento, la violenza, l’amore, tutti stati d’animo che graffiano la nostra esistenza, lasciandoci cicatrici profonde. Queste argomentazioni sono spesso trattate nel mondo musicale del Rock, soprattutto in quello ricercato, perché proprio nell’Art-Rock la musica e i testi vanno in simbiosi fra loro, generando sensazioni e immagini che riescono a modellare lo spirito.
Le argomentazioni, se approfondite, richiedono un discorso ampio, ed è per questo che il musicista lombardo Maurizio Vaiani (cantante degli Jenny’s Joke) in arte RosGos, si adopera in una trilogia iniziata con “Lost In The Desert” nel 2020 e proseguita con “Circles” (2022). Dopo tanta oscurità, il nuovo “No Place” rimanda a uno spiraglio di luce, la quale però ricade su un “non posto”, lasciando l’ascoltatore sospeso in una dissolvente realtà.
La musica, pur nella semplice proposizione, è palpabile, una solidificazione che genera il nostro cervello durante l’ascolto aiutato da note velate spazianti dalla New Wave al Prog.
Il disco è anticipato dal video “My Cure”, dove sotto l’occhio del mirino c’è il rapporto di coppia, analizzato nel lato più cruento del suo essere.
L’artista spiega così “No Place”: “I dolori che hanno generato ed accompagnato questo pellegrinaggio non sono dimenticati. Sono invece accettati, assimilati ed incisi nella carne. Forse siamo Approdati, come suggerisce il titolo, in un non-luogo in cui trovare la pace”.
Il concept è suddiviso in dieci brani ed il succitato singolo ha l’onere di aprire il percorso. Si denota immediatamente una buona qualità della registrazione, effettuata ai Bbunker Studio sotto la produzione di Toria. Il pezzo spazia nella New Wave raffinata, la martellante nenia che fa da leitmotiv, si circonda di psichedelia donando al tutto quella sensazione di leggerezza.
Le atmosfere sono genericamente malinconiche, come anche nel caso di “Doll”, canzone arrangiata con cura dove le chitarre elettriche sono le uniche a grattare l’ascolto.
In suoni eterei vicini al mondo No Man si palesano in “Bleeding Souls”, mentre il cantato è riflessivo e pacato. La forza di questa musica si basa su melodie semplici ed immediate. Note fragili come una bolla di cristallo.
Il lato maggiormente Rock di RosGos fuoriesce con “Unexpressed Love”, un tuffo negli anni ’80. Un arpeggio di chitarra si avvale di un suono carillon, e la successiva “The Slide” è un'altra piccola coccola per l’udito. La luce s’intravede come un piccolo spiraglio nel buio in questo “non posto”.
Atmosfere sornione si fanno avanti in “Among Your Dreams”, Vaiani sembra sempre più Tim Bowness (No Man) e quando sopraggiungono voci telefoniche appare alle spalle pure l’ombra di Steven Wilson. Lo scenario è prossimo nella successiva “Dance With Me”, fra le canzoni che ho maggiormente apprezzato, per cura e classe.
Una puntata nel Rock di matrice americana giunge grazie a “Shelter”, seppur sempre legata a suoni malinconici.
Il pezzo più ritmato del disco è la title track, mentre il più lungo è il conclusivo “I Still Need You” grazie ai quasi sette minuti di cui è composto. Qui c’è tutto il bagaglio culturale di RosGos.
Vaiani è un artista ispirato, la sua musica sembra non voler disturbare, piuttosto sa fondersi con le tematiche trattate attraverso l’intelligenza di colui che ha basi solide, dettate sicuramente dall’esperienza e dai molti ascolti nel tempo. Non bisogna sempre gridare per uscire dalla mischia e RosGos sa come defilarsi da quest’attuale mondo sonoro composto sempre più d’ immondizia sonora. MS 

Versione Inglese:

ROSGOS - No Place
Beautiful Losers Records
Genre: Art Rock - New Wave - Progressive Rock
Support: cd - 2024

Pain, torment, violence, love, all states of mind that scratch our existence, leaving deep scars. These arguments are often dealt with in the musical world of Rock, especially in the researched one, because precisely in Art-Rock music and lyrics go symbiotically together, generating feelings and images that manage to shape the spirit.
Arguments, if delved into, require a broad discourse, which is why Lombard musician Maurizio Vaiani (lead singer of Jenny's Joke) aka RosGos, from Lombardy, is working on a trilogy that began with "Lost In The Desert" in 2020 and continued with "Circles" (2022). After much darkness, the new "No Place" hints at a glimmer of light, which, however, falls on a "no place," leaving the listener suspended in a dissolving reality.
The music, even in its simple proposition, is palpable, a solidification that generates our brains while listening aided by veiled notes ranging from New Wave to Prog.
The album is anticipated by the video "My Cure", where under the eye of the viewfinder is the relationship of a couple, analyzed in the grittier side of its being.
The artist explains "No Place" as follows, "The sorrows that generated and accompanied this pilgrimage are not forgotten. Instead, they are accepted, assimilated and engraved in the flesh. Perhaps we have LANDED, as the title suggests, in a non-place in which to find peace".
The concept is divided into ten tracks and the aforementioned single has the burden of opening the track. One immediately denotes good recording quality, made at Bbunker Studio under Toria's production. The track ranges in refined New Wave, the pounding dirge acting as a leitmotif, surrounds itself with psychedelia giving the whole thing that light feeling.
The atmospheres are generically melancholic, as also in the case of "Doll", a carefully arranged song where electric guitars are the only ones scratching the listening.
In ethereal sounds close to the No Man world become apparent in "Bleeding Souls", while the singing is reflective and calm. The strength of this music relies on simple and immediate melodies. Notes as fragile as a crystal bubble.
The more Rock side of RosGos emerges with "Unexpressed Love", a dip into the 1980s. A guitar arpeggio makes use of a music box sound, and the following "The Slide" is another little pampering for the ear. Light is glimpsed as a small glimmer in the darkness in this "not place."
Sly atmospheres come forward in "Among Your Dreams", Vaiani sounds more and more like Tim Bowness (No Man), and when telephone voices come over, the shadow of Steven Wilson appears behind him as well. The scenario is next in the following "Dance With Me", among the songs I enjoyed most, for care and class.
A wager in American-style Rock comes thanks to "Shelter", though still linked to melancholic sounds.
The most rhythmic piece on the record is the title track, while the longest is the concluding "I Still Need You" thanks to its nearly seven minutes. RosGos entire cultural background is here.
Vaiani is an inspired artist, his music seems not to want to disturb, rather he knows how to merge with the themes dealt with through the intelligence of one who has a solid foundation, surely dictated by experience and many listens over time. One does not always have to shout to get out of the fray, and RosGos knows how to defile himself from this current sound world composed more and more of 'sonic garbage. MS

Quantum Fantay

QUANTUM FANTAY – Oneironauts
Progressive Promotion Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd – 2024

Non so se avete mai avuto modo di ascoltare la band belga Quantum Fantay, chi la conosce sa che trattasi di un pullman per un viaggio psichedelico misto a Progressive Rock. I cambi di line up ce ne sono stati dalla lontana formazione che risale al 2002, e tante le realizzazioni sia in studio che live.
“Oneironauts” è il nono album, e il tastierista Pete Mush ha preso le redini del gruppo, con lui suonano Tom Tee (chitarra), Jaro (basso) e Jazzper Coulier (batteria). Gli ospiti Charles Sla (flauto), Ed Wynne (chitarra), Louis Van Der Linden (batteria), e Gino Bartolini (batteria), contribuiscono alla riuscita di questo nuovo lavoro suddiviso in otto lunghe tracce.
Chi invece già conosce i Quantum Fantay sa bene che la musica proposta, pur avendo di base questa Psichedelia di fondo, muta leggermente di album in album, dagli inizi Rock, alla World Music di “Terragaia” (2014), alla Techno di “Dancing In Limbo” (2015) e al Prog di “Yemaya Orisha” (2019).  
Il protagonista indiscusso della musica suonata è comunque sua maestà il sintetizzatore, mentre le tematiche conducono ancora una volta a far viaggiare l’ascoltatore, trattando i sogni intrecciati di due ragazzi. Tuttavia la chitarra non è relegata in seconda linea, anche lei spesso risulta essere protagonista, dimostrando che il lato Rock iniziale della band non è stato nel tempo snaturato.
“Flight Into Hive Mind” inizia con i caratteristici loop con cui Mush ci ha abituati, per poi progredire nel ritmo sincopato dove la chitarra elettrica si lancia in un assolo psichedelico accattivante. Una miriade di suoni arrangia il brano rendendolo altamente coinvolgente.
“Wakening” rallenta l’andamento, ma le atmosfere rimangono spaziali, un connubio sonoro che potrebbe essere colonna sonora dello spirito che aleggia in noi. I Pink Floyd sono la band che più spesso ritorna alla mente, anche se in questo caso la matrice Prog Rock è maggiormente marcata grazie all’uso spezzato della batteria.
“Mnomic Induction Of Lucid Dream” descrive perfettamente lo stato d’animo di chi sogna, qui è lo stile Jean Michel Jarre a tracciare il percorso, suoni che in effetti stereo riempiono la mente.
“Upwards And Onwards” ha un’aria oppressiva, e il lato Rock si presenta sia attraverso le chitarre che nella ritmica, questa volta diretta e meno ricca di fronzoli. La title track ripone i sintetizzatori in cattedra, com’è in stile Quantum Fantay, a seguire un assolo di chitarra elettrica al fulmicotone. “Scurdy Flurdy”, dopo un inizio onirico, si getta anima e corpo nel Rock Progressive questa volta nel senso più puro del termine. I cambi umorali di “Solora” mantengono il livello sullo stesso binario per poi lasciare spazio alla conclusiva “Orchid Borealis”, altra piccola gemma sonora che farà la gioia di chi è amante delle sonorità descritte sino ad ora.
Anche “Oneironauts” è un album di carattere, dove lo stile oramai marcato è ben riconducibile al nome del gruppo, il quale tuttavia sembra essere cresciuto a pane e Hawkwind.
Se desiderate un ora di evasione dalla realtà, questo disco fa proprio al caso vostro, basta chiudere gli occhi e alzare il volume. MS

Versione Inglese:

QUANTUM FANTAY - Oneironauts
Progressive Promotion Records
Genre: Progressive Rock
Support: cd - 2024

I don't know if you have ever had a chance to listen to the Belgian band Quantum Fantay, those who know them know that they are a bus for a psychedelic trip mixed with Progressive Rock. The line up changes there have been since the distant formation dating back to 2002, and so many accomplishments both in the studio and live.
"Oneironauts" is the ninth album, and keyboardist Pete Mush has taken the reins of the band, with him playing Tom Tee (guitar), Jaro (bass) and Jazzper Coulier (drums). Guests Charles Sla (flute), Ed Wynne (guitar), Louis Van Der Linden (drums), and Gino Bartolini (drums) contribute to the success of this new work divided into eight long tracks.
On the other hand, those who already know Quantum Fantay know that the music on offer, while having this underlying Psychedelia, changes slightly from album to album, from the Rock beginnings, to the World Music of "Terragaia" (2014), to the Techno of "Dancing In Limbo" (2015) and the Prog of "Yemaya Orisha" (2019). 
The undisputed protagonist of the music played is still his majesty the synthesizer, while the themes once again lead the listener on a journey, dealing with the intertwined dreams of two boys. However, the guitar is not relegated to the second line; it too often turns out to take center stage, proving that the band's early Rock side has not been distorted over time.
"Flight Into Hive Mind" begins with the characteristic loops with which Mush has accustomed us, then progresses into a syncopated rhythm where the electric guitar launches into a catchy psychedelic solo. A myriad of sounds arranges the track making it highly addictive.
"Wakening" slows the pace, but the atmospheres remain spatial, a sonic combination that could be soundtrack to the spirit hovering within us. Pink Floyd is the band that most often comes to mind, although in this case the Prog Rock matrix is more pronounced thanks to the broken use of drums.
"Mnomic Induction Of Lucid Dream" perfectly describes the dreamer's state of mind, here it is Jean Michel Jarre style that charts the course, sounds that actually stereo fill the mind.
"Upwards And Onwards" has an oppressive feel to it, and the Rock side comes through both through the guitars and in the rhythmic, this time direct and less frilly. The title track puts the synthesizers back in the cathedra, as is the style of Quantum Fantay, followed by a blistering electric guitar solo. "Scurdy Flurdy", after a dreamy beginning, throws itself heart and soul into Progressive Rock this time in the purest sense of the word. The mood changes of "Solora" keep the level on the same track and then give way to the concluding "Orchid Borealis," another little sonic gem that will delight those who love the sounds described so far.
"Oneironauts" is also an album of character, where the now-marked style is well traceable to the name of the band, which nevertheless seems to have grown up on bread and Hawkwind.
If you want an hour of escapism from reality, this record is just right for you, just close your eyes and turn up the volume. MS

 

Active Heed

ACTIVE HEED – Alien Herds
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog / Metal Progressive
Supporto: cd / Digital – 2024

A distanza di dieci anni, fa ritorno il progetto del compositore milanese Umberto Pagnini intitolato Active Heed.  Con i precedenti album “Visions From Realities” (2013) e “Higher Dimensions” (2014), Pagnini si coadiuva di differenti special guest per la realizzazione, il modus operandi non muta neppure oggi, avvicinando l’approccio stilistico a quello di Lucassen degli olandesi Ayreon. Certamente sto parlando di due stili completamente differenti, tuttavia Pagnini rispetto ai dischi precedenti in “Alien Herds” si approccia maggiormente al Metal Progressive, anche se non in maniera esagerata.
Lo si capisce immediatamente dall’ascolto del primo brano “Insert Coin To Continue”, in cui anche nel cantato si ricercano vette elevate. A livello di chitarre distorte, quelle che preoccupano di più un fans del Prog puro, non siamo a livelli troppo invasivi, ma ci sono. Per fortuna loro, le tastiere fanno spesso comparsa e diventano a tratti protagoniste. Si denota quindi un distacco da quel Neo Prog inglese che aveva caratterizzato molti dei brani dei primi due album.
Le tematiche fantascientifiche proseguono in “Bar”, altro brano orecchiabile per melodie che conferma il cambio di stile. Resta, come nel passato, un cantato troppo presente, questo purtroppo toglie spazio alla musica, la quale resta relegata a mezzo di trasporto per il concetto da esprimere. Quindi, anche se presenti, gli assolo sono brevi, quelli che servirebbero a spezzare l’ascolto altrimenti soffocato. Nel caso di “Bar” posso dire che è un movimento abbastanza equilibrato. La strada del Neo Prog non è ovviamente del tutto abbandonata, ecco quindi “Joy Is Back” a sostegno, con il pianoforte e Clive Nolan a fare da faro.
Un arpeggio di chitarra inizia “The Hard Way”, bene arrangiata e molto Heavy, ottime anche le ritmiche. Puntate nell’A.O.R. rendono freschezza ai brani che, tengo nuovamente a sottolinearlo, godono tutti di buone melodie. Il discorso è valido anche per “CMaj9”.
Il ragionamento si estende a tutto l’album.
“Alien Herds” contiene belle canzoni, ma per chi segue questo genere, sono pregne di deja vu, come in un puzzle riassuntivo delle puntate precedenti.
Oggi per emergere seriamente in questo mondo sonoro, sempre più massacrato dalla crisi discografica, serve tanta personalità oltre al coraggio di osare. Chi si approccia per la prima volta al Metal Prog, troverà questo disco fantastico e le mie parole assurde, in tal caso consiglio loro di ripartire dai Queensryche, Rush, Dream Theater etc.
Consiglio altresì ad Active Heed di pensare un poco di più alla musica, questo mi permetto di dirlo dopo aver ascoltato nel tempo tre album che sono gradevoli ma asfissiati dalle parole. MS

Versione Inglese:

ACTIVE HEED - Alien Herds
Self-production
Genre: Crossover Prog / Progressive Metal
Support: cd / Digital - 2024

Ten years later, the project of Milanese composer Umberto Pagnini entitled Active Heed makes a comeback.  With the previous albums “Visions From Realities” (2013) and “Higher Dimensions” (2014), Pagnini aided by different special guests for the realization, the modus operandi does not change today either, bringing the stylistic approach closer to that of Lucassen of Dutch Ayreon. Certainly I am talking about two completely different styles, however Pagnini compared to previous records in “Alien Herds” approaches Progressive Metal more, although not in an exaggerated way.
This is immediately apparent from listening to the first track “Insert Coin To Continue”, in which even in the vocals high peaks are sought. At the level of distorted guitars, the ones that worry a pure Prog fan the most, we are not at overly invasive levels, but they are there. Fortunately for them, keyboards make frequent appearances and become protagonists at times. One thus denotes a detachment from the English Neo Prog that had characterized many of the tracks on the first two albums.
The sci-fi themes continue in “Bar”, another catchy tune for melodies that confirms the change in style. There remains, as in the past, too much singing present, this unfortunately takes away from the music, which remains relegated to a means of transport for the concept to be expressed. Thus, although present, the solos are brief, those that would serve to break up the otherwise suffocated listening. In the case of “Bar” I can say that it is a fairly balanced movement. The Neo Prog road is obviously not entirely abandoned, so here is “Joy Is Back” in support, with piano and Clive Nolan serving as a beacon.
A guitar arpeggio starts “The Hard Way”, well arranged and very Heavy, excellent rhythms as well. Struts in the A.O.R. lend freshness to the songs which, I again want to stress, all enjoy good melodies. The argument also applies to “CMaj9”.
The reasoning extends to the whole album.
“Alien Herds” contains good songs, but for those who follow this genre, they are steeped in deja vu, as in a summary puzzle of previous installments.
Today to seriously emerge in this sonic world, increasingly slaughtered by the recording crisis, one needs a lot of personality as well as the courage to dare. Those who are approaching metal prog for the first time will find this record fantastic and my words absurd, in which case I advise them to start again with Queensryche, Rush, Dream Theater etc.
I also advise Active Heed to think a little more about the music, this I dare to say after listening over time to three albums that are enjoyable but asphyxiated by words. MS

 

  

La Zona Della Giustizia

 LA ZONA DELLA GIUSTIZIA

Di Massimo Salari

Un gruppo di persone si risvegliano alla spicciolata in un luogo non familiare, fra boschi, grotte e terre brulle.
Un ricominciare l’esistenza in branco, come nell’era dell’uomo primitivo.
Questa zona è piena di pericoli ed imprevisti. La sopravvivenza è turbata da esseri strani e agenti atmosferici avversi. La memoria degli abitanti è controllata, così certi desideri vengono repressi. Da chi?
La permanenza nella Zona è circoscritta nell’arco temporale di un mese, dopo di che i protagonisti verranno prelevati per essere portati dove?

Max è il personaggio della storia che racconta la sua avventura ricca di colpi di scena, scoperte e domande esistenziali. Le risposte non sempre saranno di nostro gradimento.
La sopravvivenza è ostica, così il traguardo resta un punto lontano ed incognito.
Perché Max e i suoi compagni si trovano in queste condizioni? Un finale travolgente e inatteso svela l’arcano.

La storia mette in evidenza tutta le fragilità dell’uomo moderno, l’argomento viene trattato sia in ottica pessimistica che ottimistica dall’autore che non esula il descrivere un mondo violento.
Come ama sottolineare l'autore, "questo è quello che ci meritiamo".
Uno sguardo fantasioso e terribile rivolto a un futuro prossimo su cui riflettere.

COME REPERIRLO: https://www.amazon.it/dp/B0DD4HN2N8

Alphataurus

ALPHATAURUS - 2084 Viaggio Nel Nulla
AMS Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: lp / cd / Digital – 2024

Nel panorama del Rock Progressivo Italiano abbiamo potuto ascoltare negli anni ’70 tanta musica fatta con notevole personalità. Tralasciando i soliti noti, si è potuto apprezzare un sottobosco di band meno fortunate per quello che concerne la distribuzione discografica, le cosiddette band da un disco e via. Non che siano stati lavori “minori”, anche se furono quella volta etichettate proprio con quel termine che mai ha rappresentato a pieno il valore delle loro opere. Le influenze che le hanno contraddistinte provenivano generalmente da quel calderone anglo/americano che ha fatto la storia del genere. Tuttavia le capacità miste alla mediterraneità dei nostri suoni, hanno prodotto album dal fascino caratteristico.
Una formazione punto di diamante della cosiddetta scena proviene da Milano e si chiama Alphataurus, autrice nel 1973 di quel capolavoro omonimo che ha soddisfatto molto pubblico del settore, grazie anche a una copertina importante apribile in tre parti.
Dopo un lungo silenzio, ritornano nel 2012 con l’altrettanto interessante “AttoSecondo” (2012) al quale è seguito “Live in Bloom”. Purtroppo negli anni a seguire gli Alphataurus vanno incontro a una serie di eventi nefasti, la dipartita dello storico chitarrista fondatore Guido Wassermann, nel 2022 è mancato il bassista Alfonso Oliva, e quest'anno il cantante Michele Bavaro. Proprio questo “2084 Viaggio Nel Nulla” è dedicato alla loro memoria.
L’album in pieno stile Alphataurus, riguarda un futuro distopico con riflessioni filosofiche ed esistenziali.  Anche in questo caso la copertina, come quella del 1973, è composta di tre ante ed è illustrata dal nuovo batterista del gruppo Diego Mariani. Con lui suonano Guido Wassermann: (chitarre, cori), Pietro Pellegrini (tastiere), Franco Giaffreda: voce, chitarre, flauto), Andrea Guizzetti (tastiere, cori), e Tony Alemanno (basso).
Sostanzioso anche il libretto che accompagna il cd con sedici pagine, mentre la versione del vinile ha all’interno un inserto 60x30cm.
I sei brani che compongono l’album sono quelli che ogni fans del genere vorrebbero ascoltare all’infinito. Di certo non mancano le capacità ai musicisti, specialmente quelle compositive, la palestra degli anni ’70 non è da tutti.
Sin dalle prime note di “Pista 6” si aprono scenari futuristici, ma quello che salta all’attenzione è il sound, debitore di quel suddetto periodo ma con aggiunta di sonorità moderne, le quali donano all’insieme un ulteriore fascino. Il pezzo è trascinante senza mai alzare troppo i toni.
“Viaggio Nel Nulla” ha la classica struttura della canzone con inframezzati passaggi Prog che impreziosiscono l’ascolto, questo equilibrio è una delle carte vincenti della musica Alphataurus.
“Flashback (Apocalisse)” è spietata nella visione delle cose, così la musica prende vigore per sottolinearne le tematiche. Scale sul pentagramma si alternano a cambi di tempo e a narrazioni apocalittiche proprio come suggerisce il sottotitolo. Se devo invece dare lo scettro al brano più Prog Rock dell’album, questo spetta ai dieci minuti di “Wormhole”, qui i musicisti si allontanano leggermente dalla suddetta formula canzone per intraprendere quei sentieri in cui l’arte si crea con la personalità. “Meta E Metà” è uno spiraglio di luce che attraversa quest’aurea pessimistica che avvolge il nostro futuro. Il disco si conclude con “E=mc2”, formula di Einstein che converte la massa in energia. Qui la musica acquista ampiezza nei suoni.
 “2084 Viaggio Nel Nulla” è un disco che si ascolta con piacere, fra passato e presente, tutto è al posto giusto, curato e bene eseguito. I fans di un certo tipo di Prog saranno contenti, altri forse meno in quanto non riscontreranno ricerche particolari o evoluzioni sul genere. Ognuno ha i propri gusti, si sa, ma gli Alphataurus di questo non si curano e proseguono il proprio onorevole cammino. MS

Versione Inglese:

ALPHATAURUS - 2084 Viaggio Nel Nulla
AMS Records
Genre: Progressive Rock
Support: lp / cd / Digital - 2024

In the panorama of Italian Progressive Rock we could hear in the 1970s a lot of music made with remarkable personality. Leaving aside the usual well-known ones, we could appreciate an undergrowth of bands less fortunate in terms of record distribution, the so-called one-disc bands. Not that they were “minor” works, although they were that time labeled with that very term that never fully represented the value of their works. The influences that marked them generally came from that Anglo/American cauldron that made the history of the genre. However, the skills mixed with the Mediterranean-ness of our sounds produced albums with characteristic charm.
A diamond point formation of the so-called scene comes from Milan and is called Alphataurus, author in 1973 of that eponymous masterpiece that pleased much of the industry audience, thanks also to an important three-part opening cover.
After a long silence, they returned in 2012 with the equally interesting “AttoSecondo” (2012) which was followed by “Live in Bloom”. Unfortunately, in the years to follow Alphataurus go through a series of nefarious events, the departure of the historic founding guitarist Guido Wassermann, in 2022 bassist Alfonso Oliva passed away, and this year vocalist Michele Bavaro. This very “2084 Viaggio Nel Nulla” is dedicated to their memory.
The album in full Alphataurus style, concerns a dystopian future with philosophical and existential reflections.  Again the cover, like the 1973 cover, consists of three leaves and is illustrated by the band's new drummer Diego Mariani. Playing with him are Guido Wassermann: (guitars, backing vocals), Pietro Pellegrini (keyboards), Franco Giaffreda: vocals, guitars, flute), Andrea Guizzetti (keyboards, backing vocals), and Tony Alemanno (bass).
Also substantial is the booklet accompanying the CD with sixteen pages, while the vinyl version has a 60x30cm insert inside.
The six tracks that make up the album are ones that every fan of the genre would like to listen to over and over again. There is certainly no shortage of skills for the musicians, especially compositional ones; the gymnasium of the 1970s is not for everyone.
From the very first notes of “Pista 6” futuristic scenarios open up, but what jumps out at you is the sound, indebted to that aforementioned period but with added modern sounds, which give the whole an additional charm. The piece is driving without ever raising the tone too much.
“Viaggio Nel Nulla” has the classic song structure with interspersed Prog passages that embellish the listening, this balance being one of the trump cards of Alphataurus music.
“Flashback (Apocalisse)” is ruthless in its view of things, so the music picks up steam to underscore its themes.
Scales on the stave alternate with tempo changes and apocalyptic narratives just as the subtitle suggests. On the other hand, if I have to give the scepter to the most Prog Rock track on the album, this belongs to the ten minutes of “Wormhole”, here the musicians depart slightly from the aforementioned song formula to take those paths where art is created with personality. “Meta e Metà” is a glimmer of light through this pessimistic aura that envelops our future. The album ends with “E=mc2”, Einstein's formula that converts mass into energy. Here the music acquires amplitude in sounds.
 “2084 Viaggio Nel Nulla” is a record that is a pleasure to listen to, between the past and the present, everything is in the right place, polished and well executed. Fans of a certain type of Prog will be pleased, others perhaps less so as they will not find any particular research or evolution on the genre. Everyone has their own tastes, you know, but Alphataurus does not care about that and continues on its honorable path. MS

 

Nemo, Milano, Clemente

NEMO, MILANO, CLEMENTE – Frattura, Comparsa, Dissolvenza
Autoproduzione
Genere: Contemporaneo / Avanguardia
Supporto: lp / cd / Bandcamp – 2024

Claudio Milano in questo 2024 è letteralmente un fiume in piena, mettendo a disposizione dell’arte tre opere differenti fra loro realizzate in progetti altrettanto distinti: I SINCOPATICI “Decimo Cerchio (L’Inferno 1911 O.S.T.)”, NICHELODEON ft BORDA –“Quigyat” (di cui potete leggere le relative recensioni qui nel blog) e questo “NEMO, MILANO, CLEMENTE –“Frattura, Comparsa, Dissolvenza”.
Veniamo subito a conoscenza dei tre artisti, Nemo (Pianoforte e voce), è l’ ”Essenza”, un ricercatore vocale che racchiude in se i canti orientali e occidentali che badano alla sostanza. E’ la coscienza del sé che tralascia tutto ciò che è superfluo. La passione che ha per lo Yoga sposa pienamente il suo essere. Qualcuno di voi potrà ricordarlo anche a “The Voice” con il brano “Amore Che Vieni, Amore Che Vai” dell’indimenticato Faber.
Per Claudio Milano, (Nichelodeon) non basterebbe il blog per descrivere tutta la sua arte sempre in divenire, alla ricerca di collaborazioni e dell’odore dei palchi teatrali, dove si cimenta in rappresentazioni che fondono performance con la minuziosa ricerca vocale. Qui, sceglie di farsi decostruire dal collaboratore e compositore Teo “Borda” Ravelli.
Niccolò Clemente (Whale), è un compositore estemporaneo e polistrumentista, anche lui ricercatore dell’essenza umana nell’universo. In quest’opera quindi funge da uomo di scienza, medico pediatra umanista e illuminista.
“Frattura, Comparsa, Dissolvenza” sembra non avere luogo e tempo. Gli artisti si ritagliano un universo specifico in cui esprimere la propria spiritualità terapeutica. Si sa che l’uomo è alla ricerca continua di se stesso, della propria coscienza, della spiritualità, e la musica non è altro che uno strumento per avvicinarsi adeguatamente allo scopo. Musica sì, ma fatta con la mente, il cuore e, aggiungo io, il corpo. Le tre voci si passano staffetta durante la rappresentazione che inizia con “Frattura Iniziale” dove il pianoforte conduce in un’ atmosfera lieve. La musica e il teso sono di Nemo, il quale presta la voce a un contesto arabeggiante. Gli effetti eco di sfondo pongono profondità dando la sensazione del vuoto. Di Clemente è “Comparsa”, anche in questo caso la ricerca per la quiete viaggia sui tasti d’avorio e va a fondersi con i testi recitati attraverso la visione del teatro della voce da parte di Milano.
L’atto più lungo di diciotto minuti s’intitola “Dissolvenza”, su musica di Milano e Ravelli e testo di Milano, Clemente. La nenia iniziale è ipnotica, supportata dall’elettronica di base. Qui Milano mette in pasto all’ascoltatore tutte le capacità artistiche. A differenza delle precedenti tracce, aleggia inquietudine, oscurità… Paura. Avanguardia messa a disposizione della rappresentazione metafisica.
Torna la quiete pianistica nella conclusiva “Frattura Finale”, ancora una volta realizzata e pensata da Nemo.
Il disco è contenuto in un artwork unico e speciale, come lo sono questi tre artisti della mente, praticamente un libro in cui leggere tutte le spiegazioni del caso, dettagliate in maniera esaustiva. Il
Booklet è a cura di Clemente, di Claudio invece il testo che descrive per filo e per segno cos'è il progetto. Nell’ultima pagina contenente il cd fisico, c’è il QR Code che collega al video integrale della performance live.
“Frattura, Comparsa, Dissolvenza”, aiuta a scoprire i lati occlusi della nostra mente, una ricerca coscienziale dell’uomo futuro, un divenire che va estrapolato dentro ognuno di noi, senza freni inibitori o paletti restrittivi di sorta. Tutto questo perché siamo umani, e dobbiamo capire qual è il nostro contesto in quest’universo. Affidiamoci a loro. MS 

Versione Inglese: 

NEMO, MILANO, CLEMENTE – Frattura, Comparsa, Dissolvenza
Self-production
Genre: Contemporary / Avant-garde
Support:  lp / cd / Bandcamp – 2024

Claudio Milano in this 2024 is literally a river in flood, putting at the disposal of art three different works among them made in equally distinct projects: I SINCOPATICI “Decimo Cerchio (L’Inferno 1911 O.S.T.)”, NICHELODEON ft BORDA - “Quigyat” (of which you can read the relevant reviews here in the blog) and this “NEMO, MILANO, CLEMENTE - ”Frattura, Comparsa, Dissolvenza”.
We quickly learn about the three artists, Nemo (Piano and Voice), is the “Essence”, a vocal seeker who encompasses Eastern and Western chants that attend to substance. He is self-awareness that leaves out all that is superfluous. The passion he has for yoga fully marries his being. Some of you may also remember him on “The Voice” with the song “Amore Che Vieni, Amore Che Vai” by the unforgettable Faber.
For Claudio Milano, (Nichelodeon), the blog would not be enough to describe all of his ever-evolving art, seeking out collaborations and the smell of theater stages, where he tries his hand at performances that blend performance with meticulous vocal research. Here, he chooses to be deconstructed by collaborator and composer Teo “Borda” Ravelli.
Niccolò Clemente (Whale), is an extemporaneous composer and multi-instrumentalist, also a seeker of the human essence in the universe. In this work, therefore, he functions as a man of science, a pediatric humanist physician, and an enlightener.
“Frattura, Comparsa, Dissolvenza” seems to have no place or time. Artists carve out a specific universe in which to express their therapeutic spirituality. It is known that man is constantly searching for himself, for his consciousness, for spirituality, and music is nothing but a tool to adequately approach the purpose. Music yes, but made with the mind, the heart and, I would add, the body. The three voices pass relays during the performance, which begins with “Frattura Iniziale” where the piano leads into a 'light atmosphere. The music and tense are by Nemo, who lends his voice to an arabesque backdrop. Background echo effects pose depth giving the feeling of emptiness. By Clement is “Comparsa,” again the quest for stillness travels on ivory keys and merges with the texts recited through Milan's vision of voice theater.
The longest act of eighteen minutes is titled “Dissolvenza”, to music by Milano and Ravelli and text by Milano, Clement. The opening dirge is hypnotic, supported by the basic electronics. Here Milano puts all of his artistic skills into the listener's hands. Unlike the previous tracks, it hovers eeriness, darkness -- fear. Avant-garde put at the disposal of metaphysical representation.
The piano quietness returns in the concluding “Frattura Finale”, once again made and conceived by Nemo.
The disc is contained in unique and special artwork, as these three artists of the mind are, practically a book in which to read all the relevant explanations, exhaustively detailed. The
Booklet is by Clement, by Claudio instead the text that describes in full what the project is all about. On the last page containing the physical CD, there is the QR Code that links to the full video of the live performance.
“Frattura, Comparsa, Dissolvenza “, helps to uncover the occluded sides of our minds, a conscientious search for the future man, a becoming that must be extrapolated within each of us, without inhibiting brakes or restrictive stakes of any kind. All this is because we are human, and we need to understand what our context is in this universe. Let us rely on them. MS