STEFANO MANZINI – Consapevolezze Music Force / Egea Music Genere: Cantautore Supporto: EP – 2024
Libertà
è consapevolezza, libertà è un percorso artistico da intraprendere, lasciando
alle spalle ogni freno inibitorio. Come ha avuto modo di raccontare il Banco
Del Mutuo Soccorso negli anni ’70, siamo nati liberi, anche se la società nel
tempo ci ha imposto delle restrizioni, resta il fatto che la libertà si
manifesta nell'ardire del pensiero, nella scelta consapevole, e nell'incessante
ricerca di se stessi. La
musica che maggiormente si presta a esprimere i concetti più o meno forbiti è
il cantautorato. La storia è piena di cantautori, qui in Italia soprattutto
vede il massimo splendore negli anni ’70, poi un brusco stop. Oggi sembra
tornare l’interesse attorno a questo stile e alla voglia di fare musica, per
questo accolgo con grande piacere un nuovo nome nel panorama, Stefano Manzini. Inizia
a cantare alla tenera età di sei anni nel coro della sua scuola elementare, ed
è qui che scocca la scintilla. Studia canto moderno alla Music and Art
International di Chieti per poi passare all’Accademia Musicale città di
Pianella (Pe). E’ nel 2020 che inizia a produrre singoli con l’aiuto dell’amico
compositore Vincenzo Di Nicolantonio e gli arrangiamenti di Elio Depasquale.
Dopo alcune date live, Manzini si sente pronto per realizzare il primo album
solista composto di cinque canzoni intitolato “Consapevolezze”. La
bellissima fotografia di Paolo Marchegiani (Contesto Creative) che accompagna
il disco, esprime al meglio il concetto di viaggio nella consapevolezza, nella
libertà, nell’amore, attraverso un binario che indica la strada da percorrere. “Comunque
Vada” è una ballata aperta da un arpeggio semplice mirato allo stato emotivo
dell’ascoltatore. Una storia d’amore in cui la giovane voce del cantautore lancia
un appello alla lei di turno. Il brano ha le caratteristiche della canzone
italiana melodica con tanto di crescendo annesso. “Comunque Vada” è altamente
radiofonica e può raggiungere un pubblico vastissimo. “Fiaba
(Allo Specchio)” gode di un ritornello ricco di deja vu che tuttavia funziona
per caratteristiche riconducibili alla musica italiana anni ‘90/’00. Torna
la ballata in “Lasciare Andare” dove Manzini è ottimo interprete. Le parole
sono sentite, la doppia voce uomo donna dona profondità all’ascolto incentrato
inizialmente su voce e piano. Il brano è stato scritto nel 2022. Uno
sguardo a cosa è la vita in “Sei Parte Della Storia”, un punto di vista intimo
in cui il cantautore paragona la vita a una canzone. Lo stile a questo punto è
ben definibile, mentre l’EP si chiude con la versione “Intimate Session” di
“Comunque Vada”, e il piano ricopre il ruolo principale. “Consapevolezze”
è un primo passo per farsi conoscere e la Music Force pone a Manzini questa finestra
nel mondo della musica. Questi sono interessanti brani diretti, liberi, dove
passare felicemente venti minuti in compagnia di buona musica italiana. MS
Versione Inglese:
STEFANO MANZINI - Consapevolezze Music Force / Egea Music Genre: Songwriter Support: EP - 2024
Freedom is awareness, freedom is an artistic path to
take, leaving behind any inhibiting brakes. As Banco Del Mutuo Soccorso had it
to say in the 1970s, we are born free, even if society over time has imposed
restrictions on us, the fact remains that freedom manifests itself in the
boldness of thought, in conscious choice, and in the relentless pursuit of
self. The music that best lends itself to expressing the
more or less forbidding concepts is songwriting. History is full of
singer-songwriters, here in Italy especially seeing its heyday in the 1970s,
then an abrupt stop. Today there seems to be a return of interest around this
style and the desire to make music, so I welcome with great pleasure a new name
to the scene, Stefano Manzini. He began singing at the tender age of six in his
elementary school choir, and that's where the spark was ignited. He studied
modern singing at Music and Art International in Chieti and then moved on to
the Music Academy City of Pianella (Pe). It was in 2020 that he began producing
singles with the help of his friend composer Vincenzo Di Nicolantonio and
arrangements by Elio Depasquale. After a few live dates, Manzini feels ready to
release his first solo album consisting of five songs entitled “Consapevolezze”. The beautiful photography by Paolo Marchegiani
(Contesto Creative) that accompanies the album best expresses the concept of a
journey into awareness, freedom, and love, through a track that points the way
forward. “Comunque Vada” is a ballad opened by a simple
arpeggio aimed at the listener's emotional state. It is a love story in which
the young singer-songwriter's voice makes an appeal to the she on duty. The
song has the characteristics of the melodic Italian song complete with an
attached crescendo. “Comunque Vada” is highly radio-friendly and can reach a very
wide audience. “Fiaba (Allo Specchio)” enjoys a refrain full of deja
vu that nevertheless works for characteristics traceable to 90s/'00s Italian
music. The ballad returns in “Lascia Andare” where Manzini is
an excellent performer. The words are heartfelt, the dual male-female vocals
give depth to the listening centered initially on voice and piano. The track
was written in 2022. A look at what life is all about in “Sei Parte Della
Styoria”, an intimate viewpoint in which the singer-songwriter compares life to
a song. The style at this point is well defined, as the EP closes with the
“Intimate Session” version of “Comunque Vada”, and the piano plays the main
role. “Consapevolezze” is a first step in making itself
known, and Music Force gives Manzini this window into the world of music. These
are interesting straightforward, free tracks where one can happily spend twenty
minutes in the company of good Italian music. MS
RED
SAND - Paint't Box Oskar Genere:
Neo Prog Supporto: Bandcamp / vinile / cd –
2024
Ho
sempre guardato al Canada con un occhio attento in ambito Rock Prog e dintorni,
qui si sono palesate numerose sorprese attraverso band coraggiose e innovative.
Hanno rivisitato generi con forte personalità, se non addirittura divenire veri
e propri precursori come per esempio i Rush o i Voivod. Anche nel Prog Rock
molte sono le sorprese, una di queste si chiama Red Sand. Fondati
nel Quebec nel 2003 dal chitarrista Simon Caron, fans di David Gilmour (Pink
Floyd), Andy Latimer (Camel) e Steven Rothery (Marillion), rilasciano negli
anni ben dieci album di rispettabile Neo Prog. Gli
albori sono debitori alle band sopra citate, ma anche agli IQ e Pendragon, per
poi spostarsi nel tempo verso un sound maggiormente personale. Iniziano con la
formazione a quintetto per poi sfumare a trio composto di Michel Renaud (voce),
Simon Caron (chitarre, basso, tastiere) e Perry Angelillo (batteria). Musica
semplice, diretta, spesso di classe e raffinata nelle melodie sempre in
cattedra, specialmente durante gli assolo di chitarra che fanno sicuramente la
gioia di estimatori di Pink Floyd e Marillion. Musica
colorata, non a caso il titolo “Paint’t Box”, ma non basta una scatola di
colori, serve soprattutto avere idea di cosa rappresentare e colorare, perché
disegnare un falso, è più semplice che creare un qualcosa di nuovo, ecco quindi
che i Red Sand si adoperano del loro pur restando in uno stile oramai noto sin
dagli anni ’80. Il disco si avvale di sei brani, fra i quali la suite finale di
trentuno minuti in cui la classe della band fuoriesce in tutto il suo
splendore. I
primi cinque pezzi scorrono molto bene, brevi, intensi, con assolo di chitarra
che scaldano il cuore, in una volata passano, “Wake Up the Child”, “Us”, “Breaking
Wings”, e “Poland”, ma il piatto forte è “Tie”. L’equilibrio
fra tastiere e chitarra è un altro elemento del sound Red Sand, così lo stesso
vale per il passato e il presente. Arpeggi,
cambi di ritmo, parti strumentali (spesso in modalità IQ), qui ci sono tutte le
prerogative che il Neo Prog ha saputo insegnare nel tempo. Più
di mezz’ora che vola come fossero dieci minuti, questo la dice lunga sulla
sostanza di questa imperiale composizione. Se
vado a cercare quel qualcosa che si può aggiustare, è sicuramente l’equilibrio
dei suoni nelle parti più pacate e la timbrica della ritmica, non che non
vadano bene, dico che non rispecchia molto il mio gusto personale, così la voce
che spesso rimane dietro la strumentazione, ma sono dettagli, la sostanza è ben
altra. Invito
tutti all’ascolto di “Paint’t Box”, non soltanto gli amanti del genere in esame
perché qui trattasi di musica totale. Dico altresì che questo stesso anno i Red
Sand rilasciano un bonus di brani scritti nel 2021 per l’album “The Sound Of
The Seventh Bell”, altro bel disco che potrete scoprire così come i precedenti,
e allora noterete davvero l’evoluzione descritta di questa band. MS
Versione Inglese:
RED SAND - Paint't Box Oskar Genre: Neo Prog Support: bandcamp / vinyl / cd - 2024
I have always looked at Canada with a keen eye in and
around Rock Prog, here numerous surprises have emerged through brave and
innovative bands. They have revisited genres with strong personalities, if not
even becoming true forerunners like for example Rush or Voivod. Also in Prog
Rock many are the surprises, one of them is called Red Sand. Founded in Quebec in 2003 by guitarist Simon Caron,
fans of David Gilmour (Pink Floyd), Andy Latimer (Camel) and Steven Rothery
(Marillion), they release no less than ten albums of respectable Neo Prog over
the years. The beginnings are indebted to the aforementioned
bands, but also to IQ and Pendragon, and then shift over time to a more
personal sound. They began with a quintet lineup and then faded to a trio
consisting of Michel Renaud (vocals), Simon Caron (guitars, bass, keyboards)
and Perry Angelillo (drums). Simple, straightforward, often classy and refined
music in the melodies always in the cathedra, especially during the guitar
solos that are sure to delight admirers of Pink Floyd and Marillion. Colorful music, not coincidentally the title “Paint't
Box”, but it is not enough to have a box of colors, it is necessary above all
to have an idea of what to represent and color, because drawing a fake, is
easier than creating something new, so here the Red Sand make an effort of
their own while remaining in a style now known since the 80s. The disc makes
use of six tracks, including the final thirty-one-minute suite in which the
band's class comes out in all its glory. The first five pieces flow very well, short, intense,
with heart-warming guitar solos, in a sprint they go, “Wake Up the Child”, “Us”,
“Breaking Wings”, and “Poland”, but the highlight is “Tie”. The balance between keyboards and guitar is another
element of the Red Sand sound, so is the past and present. Arpeggios, rhythm changes, instrumental parts (often
in IQ mode), here are all the prerogatives that Neo Prog has been able to teach
over time. More than half an hour flying by like it was ten
minutes, that says a lot about the substance of this imperial composition. If I go looking for that something that can be fixed,
it is definitely the balance of the sounds in the quieter parts and the timbre
of the rhythmic, not that they are not good, I say that it does not reflect
much my personal taste, so the vocals that often remain behind the
instrumentation, but these are details, the substance is quite another. I invite everyone to listen to “Paint't Box”, not only
lovers of the genre under consideration because this is total music here. I
also say that this same year Red Sand releases a bonus of songs written in 2021
for the album “The Sound Of The Seventh Bell”, another beautiful record that
you can discover as well as the previous ones, and then you will really notice
the described evolution of this band. MS
MOONGARDEN
- Christmas Night 2066 Maracash
Records / AMS Records Genere:
Symphonic Prog Supporto:
cd – 2023
Sono
poche le band di Rock Progressivo Italiano moderno che possono vantare oggi una
discografia così estesa composta di dieci album in studio, i mantovani
Moongarden sono fra di loro. La band oggi sestetto, si basa su due colonne
portanti principali che fanno riferimento ai nomi di Cristiano Roversi (tastiere,
mellotron), e Davide Cremonini (chitarre). La storia comincia nell’ormai
lontano 1993, molte date live e tanti altri riconoscimenti, soprattutto da
parte della critica di settore in quanto la musica Prog sinfonica proposta è
sempre agiata su alti livelli compositivi e tecnici. Tuttavia i Moongarden hanno
anche loro nel proprio istinto, il piacere di creare melodie gradevoli ben
miscelate all’insegnamento dei maestri del passato come Genesis e Pink Floyd su
tutti. Sono passati cinque lunghi anni dal
bellissimo “Align Myself To The Universe”, ma il tempo e il Covid non hanno
scalfito la volontà e il piacere di suonare ancora ottima musica, per questo
ritroviamo la band con “Christmas Night 2066” e la solita splendida copertina
realizzata dall’ormai icona del settore Ed Unitsky. Il
sestetto si completa con Simone Baldini Tosi (voce, violino), Dimitri Sardini (chitarre),
Mirko Tagliasacchi (basso), e Mattia Scolfaro (batteria). Nonostante
il titolo dell’album, qui l’argomento non è incentrato sul Natale, bensì su un
concept riguardante una famiglia impegnata in un’ipotetica guerra con tutto ciò
che ne consegue, soprattutto sulla lotta di una madre costretta a subire il
forte dolore della perdita del figlio. Nelle note di copertina si può leggere
“Facciamo finta che sia Natale”, tutto questo apporta alla lettura del concept
un dolore aggiunto che esalta all’ennesima potenza la stupidità della guerra
oltre la mancanza di una felicità naturale che solo una famiglia riesce a dare,
soprattutto in certi momenti. Questo apporta al sound dell’album un filo di malinconia
particolare esaltata maggiormente dalla bella voce di Simone Baldini Tosi. La
versione deluxe del lavoro, contiene materiale aggiuntivo proveniente da cinque
anni di collaborazioni di varia natura, Mangala Vallis, con Simone Rossetti, Il
Porto Di Venere, e Saro Cosentino, oltre a cover dei Genesis. Da
rilevare immediatamente la robustezza dei suoni che riempiono l’ascolto durante
gli undici brani del concept, tutto ciò è soprattutto per merito delle tastiere
di Roversi, Mellotron compreso. L’intro
di “After All” mette in chiaro l’accaduto attraverso il greve incedere
impreziosito da coralità vocali e un violino di sottofondo alle tastiere
davvero struggente, così la rude “The Armageddon Parade” può iniziare la narrazione
degli eventi. “God's Will” con il portamento pone un macigno sullo stato d’animo.
Il sound possiede arrangiamenti moderni che possono richiamare alla mente
passaggi cari a band come Porcupine Tree o The Pineapple Thief (in alcuni brevi
casi) a testimonianza della volontà di progredire nel settore senza paletti o
preconcetti. Il Progressive Rock in teoria dovrebbe essere questo, adeguarsi ai
tempi, ed è a mio modo di vedere, la carta giusta per lasciare attivo l’interesse.
Il collage dei brani tutti intersecati fra di loro, pone vivo l’ascolto che
scivola via senza improvvisi stop monotoni, così come è adeguata la scelta di
alternare partiture strumentali a momenti cantati. Le chitarre richiamano a
tratti quelle di Steve Hackett (Genesis), perché le radici non si scordano mai,
così come sparuti passaggi nel Neo Prog Marillioniano anni ’80. Un brano
toccante su note di pianoforte s’intitola “Just You And Me”, piccola gemma
sonora, e il concept si chiude in crescendo emotivo con “Building A New World”
e “After All It's Christmas”, vetrina per le capacità balistiche della band che
sa esibirsi con classe. Il
2023 si conclude in bellezza con quest’album che di sicuro spaccherà il
pubblico in due fazioni, quelli che lo riterranno troppo malinconico e quelli
che invece godranno a pieno di queste toccanti atmosfere. Badate che in fin dei
conti loro si chiamano “Il giardino della luna”, non della terra! MS
Versione Inglese:
MOONGARDEN - Christmas Night 2066 Maracash Records / AMS Records Genre: Symphonic Prog Support: cd - 2023
There are few modern Italian Progressive Rock bands
today that can boast such an extensive discography consisting of ten studio
albums, Mantua's Moongarden are among them. The band today a sextet, is based
on two main pillars that refer to the names of Cristiano Roversi (keyboards,
mellotron), and Davide Cremonini (guitars). The story begins in the now distant
1993, many live dates and many other recognitions, especially from the critics
of the sector as the proposed symphonic Prog music is always comfortable on
high compositional and technical levels. However, Moongarden also have in their
instincts, the pleasure of creating pleasing melodies well mixed with the
teaching of past masters such as Genesis and Pink Floyd above all. It has been five long years since the
beautiful "Align Myself To The Universe", but time and Covid have not
nicked the will and pleasure of still playing great music, which is why we find
the band again with "Christmas Night 2066" and the usual stunning
cover artwork by the now industry icon Ed Unitsky. The sextet is completed with Simone Baldini Tosi
(vocals, violin), Dimitri Sardini (guitars), Mirko Tagliasacchi (bass), and
Mattia Scolfaro (drums). Despite the title of the album, the subject matter
here is not about Christmas, but rather a concept about a family engaged in a
hypothetical war with all that entails, especially the struggle of a mother
forced to endure the severe pain of losing her son. In the liner notes it can
be read "Let's pretend it's Christmas", all of which brings to the
reading of the concept an added pain that exalts to the nth degree the
stupidity of war as well as the lack of a natural happiness that only a family
can provide, especially at certain times. This brings to the sound of the album
a particular thread of melancholy enhanced more by the beautiful voice of
Simone Baldini Tosi. The deluxe version of the work, contains additional
material from five years of various collaborations, Mangala Vallis, with Simone
Rossetti, Il Porto Di Venere, and Saro Cosentino, as well as Genesis covers. Immediately noteworthy is the robustness of the sounds
that fill the listening experience throughout the eleven tracks of the concept,
all of which is mainly due to Roversi's keyboards, Mellotron included. The intro of "After All" makes it clear what
has happened through the heavy pacing embellished by choral vocals and a truly
poignant keyboards background violin, so the rough "The Armageddon
Parade" can begin the narrative of events. "God's Will" with
poise places a boulder on the mood. The sound possesses modern arrangements
that may call to mind passages dear to bands such as Porcupine Tree or The
Pineapple Thief (in some brief instances) testifying to a willingness to
progress in the field without stakes or preconceptions. Progressive Rock in
theory should be this, adapting to the times, and it is in my view, the right
card to leave interest active. The collage of songs all intersecting with each
other sets the listening alive, which slips away without sudden monotonous
stops, just as the choice of alternating instrumental scores with sung moments
is appropriate. The guitars at times recall those of Steve Hackett
(Genesis), because roots are never forgotten, as are sparse passages into 1980s
Marillionian Neo Prog. A touching track on piano notes is titled "Just You
And Me", a small sonic gem, and the concept closes in emotional crescendo
with "Building A New World" and "After All It's Christmas",
a showcase for the band's ballistic abilities that they know how to perform
with class. 2023 ends on a high note with this album that is sure
to split audiences into two factions, those who will find it too melancholy and
those who will fully enjoy these touching atmospheres. Mind you, after all,
they are called Garden of the Moon, not Earth! MS
TWENTY
FOUR HOURS’ – Free Rock Project Autoproduzione Genere: Free Rock Supporto: cd – 2025
“Musica
in libertà”, sembra una frase scontata ma se lo andiamo ad approfondire in
questi tempi moderni allora noteremo che così non è. Se un futuro artista si
avvicina alla musica, è perché di base da giovane ha vissuto l’esperienza
dell’innamoramento per questo o per quell’artista, nei casi più singolari
l’amore è stato trasmesso dai propri genitori, a loro volta musicisti o
fortissimi appassionati. E’ questo il caso della famiglia Lippe, dove in un
ambiente familiare si poteva ascoltare John Coltrane e Ornette Coleman tanto
per fare due nomi. Certa
musica ti segna dentro, poi nel tempo si cresce, ci si dedica ad altri ascolti
e si trova un equilibrio personale stabilito soprattutto dalla personalità del
singolo. Paolo Lippe (Sintetizzatori) è componente fondatore della band
Crossover Prog Twenty Four Hours’ assieme al fratello Marco (batteria), e con
gli amici Ruggero Condò (Sax) e Antonio Paparelli (chitarra nel terzo movimento
“Scherzo Ripetitivo E Tempestoso”) durante il periodo pandemico si ritrovano a
suonare a briglia sciolta il Free Rock. I
Twenty Four Hours’ sono usciti anche quest’anno con l’ottimo “Rubbish” e Marco
con “Il Paradiso Non E’ Altrove” assieme ai suoi Nirnaeth, tuttavia resta nel
loro DNA questa musica ascoltata da giovani e nel periodo di restrizione non
c’è nulla di meglio che dare fuoco alle polveri gettandosi anima e corpo in una
scorribanda di libertà Rock. Ecco quindi che dopo sette album in studio dove il
Prog la fa da padrone, i Twenty Four Hours’ aprono le finestre della mente per
cambiare l’aria consumata della stanza. Il
disco si divide in tre movimenti e una traccia nascosta ma, attenzione, essa
non risiede nel solito punto finale del disco, e non vorrei rovinare la
sorpresa dicendovelo, sarete voi a doverla scoprire. Questo
progetto sperimentale esce in edizione cd limitata e successivamente sarà anche
nelle piattaforme digitali. Per
fare musica in libertà serve un approccio live, ecco quindi che la batteria, i
synth e il sax sono registrati in presa diretta fra sovraincisioni e voci
caratteristiche di ambulanti della Bari passata catturati live. Nel
“First Movement (Vulìt L’Ueiv’) – Allegro Atipico Con Brio” si colgono
espressamente le caratteristiche musicali dei singoli artisti che all’unisono
viaggiano dimostrando una buona intesa oltre a una cultura musicale non
indifferente. In undici minuti sopra una ritmica lineare, il sax disegna
variazioni sul tema in forma prossima al Jazz, mentre i Synth rilasciano
arrangiamenti che impreziosiscono l’andamento. Non molto distante neppure
l’approccio psichedelico al Rock. Questo è frutto di un mix fra il passato e il
presente musicale. Più
ricercato “Second Movement (E’ La Vera Pasta Gialla) – Andante Tumultuoso”,
l’inizio onirico con il sax in lontananza si trasforma in un gioco sul
pentagramma nel quale i musicisti si lanciano in un colloquio quasi
disarmonico. E’ un crescendo coinvolgente dove voci si sovrappongono alla
musica in un caos controllato e qui…. Lascio a voi la sorpresa. La
musica vissuta con allegria e ironia è una delle prerogative che scaturiscono
dalle note del “Third Movement – Scherzo Ripetitivo E Tempestoso (Including
Finale Sommesso)”, trip sonoro. Queste
sonorità sono contagiose, come una risata in mezzo ad una stanza senza un
motivo, inizia una persona e ci si trova tutti a ridere senza conoscere il
perché. La musica se sentita con il cuore (specialmente quella primordiale per
la nostra esperienza) porta a risultati incredibili e ci fa passare il tempo
come meglio non si potrebbe. Grazie Twenty Four Hours’ e alla famiglia Lippe!
MS
Versione Inglese:
TWENTY FOUR HOURS' - Free Rock Project Self-production Genre: Free Rock Support: cd - 2025
“Music in freedom”, sounds like an obvious phrase but
if we go into it in these modern times then we will notice that this is not so.
If a future artist approaches music, it is because basically as a young person
he or she experienced falling in love with this or that artist, in the most
singular cases the love was passed on by one's parents, themselves musicians or
strong fans. Such was the case with the Lippe family, where in a family
environment one could listen to John Coltrane and Ornette Coleman just to name
two. Certain music marks you inside, then over time you
grow, devote yourself to other listening and find a personal balance
established mainly by the personality of the individual. Paolo Lippe
(Synthesizers) is a founding member of the Crossover Prog band Twenty Four
Hours' together with his brother Marco (drums), and with friends Ruggero Condò
(Sax) and Antonio Paparelli (guitar in the third movement “Scherzo Ripetitivo E
Tempestoso”) during the pandemic period they found themselves playing Free Rock
at loose rein. Twenty Four Hours' came out again this year with the
excellent “Rubbish” and Marco with “Il Paradiso Non E’ Altrove” together with
his Nirnaeth, however it remains in their DNA this music listened to when they
were young and in the period of restriction there is nothing better than to set
fire to the powders by throwing themselves body and soul into a raid of Rock
freedom. So here it is that after seven studio albums where Prog rules the
roost, Twenty Four Hours' open the windows of the mind to change the worn air
in the room. The record is divided into three movements and one
hidden track but, mind you, it does not reside in the usual end point of the
record, and I do not want to spoil the surprise by telling you, you will have
to discover it. This experimental project is being released as a
limited CD edition and later will also be on digital platforms. To make music in the wild you need a live approach, so
here the drums, synths and sax are recorded live between overdubs and
characteristic voices of hawkers from Bari's past captured live. In “First Movement (Vulìt L'Ueiv') - Allegro Atipico
Con Brio” the musical characteristics of the individual artists are explicitly
grasped as they travel in unison, demonstrating a good understanding as well as
a not inconsiderable musical culture. In eleven minutes over a linear rhythm,
the sax draws variations on the theme in a form close to Jazz, while the Synths
release arrangements that embellish the trend. The psychedelic approach to Rock
is not far behind either. This is the result of a mix between the musical past
and present. More searching “Second Movement (E’ La Vera Pasta
Gialla) - Andante Tumultuoso”, the dreamy beginning with sax in the distance
turns into a play on the staff in which the musicians launch into an almost
disharmonious conversation. It is an engaging crescendo where voices overlap
the music in a controlled chaos and here.... I leave the surprise to you. Music experienced with cheerfulness and irony is one
of the prerogatives that flow from the notes of “Third Movement – Scherzo Ripetitivo
E Tempestoso (Including Finale Sommesso)”, a sound trip. These sounds are infectious, like a laugh in the middle
of a room for no reason, one person starts and we all find ourselves laughing
without knowing why. Music when heard from the heart (especially primal music
for our experience) brings about incredible results and makes us pass the time
as best we could. Thank you Twenty Four Hours' and the Lippe family! MS
Fra
le cose che scopriamo prima di venire al mondo sono i suoni del battito
cardiaco di nostra madre che ci segnano per sempre a nostra insaputa. E cosa è
il battito se non un ritmo scandito? Questo può rallentare o aumentare secondo
lo stato emotivo, potremmo definirlo già musica? Probabilmente no, in quanto privo
di melodia di fondo, per quest’argomento lascio il campo agli esperti, ma
quello che sono sicuro di affermare è che si crea comunque un ambiente. La
musica Ambient in fin dei conti è proprio questo, un suono che circonda, possa
essere più o meno velato, psichedelico, martellante…Resta comunque un atavico
compagno di viaggio dell’esistenza. Francesco
Zedde, in arte Tacet Tacet Tacet, nella sua musica ama trascinare l’ascoltatore
in questi territori. Poliedrico musicista italiano di origini marchigiane residente
a Utrecht, nei Paesi Bassi, prende le redini del progetto nel 2015 e il suo
nome è ispirato alla celebre composizione di John Cage, “4’33”. Ha
inoltre collaborato con artisti del calibro di Mark Stewart (Pop Group), Lili
Refrain, Dj DNA e Jonathan Uliel Saldanha (HHY). È anche l’organizzatore di
Discomfort Dispatch, un festival transnazionale dedicato alla musica
improvvisata, che ha ospitato oltre 350 artisti provenienti da tutto il mondo. “Fickle”
è il prodotto dei suoi esperimenti, in cui i suoni fluttuano per poi insediarsi
nella nostra mente, scavando dentro gli angoli più reconditi e primitivi di
essa. Sei movimenti in cui lasciarsi trasportare a partire da “Gamble”. Essendo
molti strumenti naturali, l’impatto Ambient prende maggiormente il significato
del suo essere. Fondamentale per la riuscita di questa musica è stato l’impatto
emotivo che Zedde ha avuto durante un viaggio in Islanda, la natura ha fatto il
resto. Per chi fosse a conoscenza, lo stile proposto ha legami con artisti come
Ólafur Arnalds, Celer, Murcof, Tim Hecker e Ben Frost. Il
disco è registrato in diversi punti dell’Europa e contiene amici di viaggi
sonori come Jacopo Mittino, conosciuto come 52 Hearts Whale, e Rea Dubach voce
nel brano “Recurrence”. Il
singolo che è estratto per primo s’intitola “Unfocus”, qui le batterie
elettroniche e tratti di tensione riportano al concetto espresso in precedenza,
ossia come risiedere dentro il liquido amniotico. Caos controllato. Il
secondo singolo estratto s’intitola “Pertinence” in cui i quasi sette minuti di
suoni dimostrano come si può sperimentare pur rimanendo sempre in un campo
melodico. Se si chiudono gli occhi durante l’ascolto, la sensibilità emotiva
aumenta vertiginosamente. Tuttavia
non ha un senso vero e proprio una descrizione brano per brano, qui è come trovarsi
in un trip unico. L’ambient
può tranquillizzare o allo stesso tempo destabilizzare, questo risiede nella
nostra sensibilità d’animo forgiata dalle singole esperienze di vita, ognuna
fra di noi differente dall’altra. Proprio per questo è difficile marcare un
percorso netto su cui essere tutti d’accordo, ma ciò che è inopinabile è la
potenza di comunicazione trasmessa, di sicuro durante l’ascolto la nostra mente
e il nostro cuore non saranno lì con le mani in mano. Potere della musica e
della vita. MS
Among the things we discover before we come into the
world are the sounds of our mother's heartbeat that mark us forever without our
knowledge. And what is the heartbeat if not a paced rhythm? This can slow down
or increase according to the emotional state, could we call it music already?
Probably not, as it lacks an underlying melody, for this topic I leave the
field to the experts, but what I am sure to say is that an ambience is created
anyway. Ambient music at the end of the day is just that, a sound that
surrounds, may it be more or less veiled, psychedelic, pounding...It still
remains an atavistic companion of existence. Francesco Zedde, aka Tacet Tacet, in his music likes
to drag the listener into these territories. A multifaceted Italian musician of
Marche origins living in Utrecht, Netherlands, he took the reins of the project
in 2015 and his name is inspired by John Cage's famous composition, “4'33”. He has also collaborated with the likes of Mark
Stewart (Pop Group), Lili Refrain, DJ DNA and Jonathan Uliel Saldanha (HHY). He
is also the organizer of Discomfort Dispatch, a transnational festival
dedicated to improvised music, which has hosted more than 350 artists from
around the world. “Fickle” is the product of his experiments, in which
sounds float and then settle into our minds, delving inside the innermost and
most primitive corners of it. Six movements in which to be transported starting
with “Gamble”. Being many natural instruments, the Ambient impact
takes more of the meaning of its being. Fundamental to the success of this
music was the emotional impact Zedde had during a trip to Iceland, nature did
the rest. For those in the know, the proposed style has ties to artists such as
Ólafur Arnalds, Celer, Murcof, Tim Hecker, and Ben Frost. The record is recorded at different points in Europe
and contains friends from sonic journeys such as Jacopo Mittino, known as 52
Hearts Whale, and Rea Dubach vocals on the track “Recurrence”. The single that is extracted first is titled
“Unfocus,” here electronic drums and stretches of tension bring back to the
concept expressed earlier, which is like residing inside amniotic fluid.
Controlled chaos. The second single extracted is titled “Relevance” in
which the nearly seven minutes of sounds demonstrate how one can experiment
while still remaining in a melodic field. If you close your eyes while
listening, the emotional sensitivity increases dramatically. However, a track-by-track description makes no real
sense; here it is like being on a unique trip. Ambient can soothe or at the same time destabilize,
this lies in our soul sensitivity forged by individual life experiences, each
among us different from the other. This is precisely why it is difficult to
mark a clear-cut path on which we can all agree, but what is inopinable is the
power of communication conveyed, for sure while listening our minds and hearts
will not be there with their hands full. Power of music and life. MS
PRANK + GIORGIO LI CALZI - Prank +
Giorgio Li Calzi Machiavelli
Music Genere:
Jazz – Post Prog – New Wave Supporto: cd – 2024
Chi
ha il Jazz nel proprio DNA, può permettersi di suonare musica stilisticamente
differente, tanto che capita a volte di non saperla neppure collocare in un
contesto specifico. Ma serve veramente darle un marchio? Forse sì, per chi sta
per esempio leggendo una recensione, diciamo che è una scorciatoia per fare
intendere un suono specifico. Ma questo ai musicisti non interessa più di
molto, preferendo soltanto il termine “musica”. Ciò che conta veramente è la
creatività a briglia sciolta, senza paletti di sorta, ricercare, provare e
comunicare ciò che si sente al momento. Prank
e Giorgio Li Calzi agiscono a Torino, e tramite quest’album omonimo tendono a
stupire l’ascoltatore con innesti a loro familiari come il Prog alla King
Crimson, il Jazz, la New Wave anni ‘80, la musica africana, il Postcore e molto
altro. Certo che letta così può fare intendere un polpettone inascoltabile, in
realtà ha un suo perché, per questo suggerisco sin da subito un metodo di
ascolto attento e concentrato. Prank
è un trio che si forma nel 2018 con Enrico Degani (chitarra), Federico
Marchesano (basso) e Dario Bruna (batteria)nei locali del CLG
Ensemble di Chivasso, centro diurno nel quale Dario Bruna conduce gruppi e
attività di musicoterapia con musicisti disabili. Giorgio Li Calzi è un
trombettista e compositore. Realizza quindici album e collabora con numerosi
artisti come Wolfgang Flür dei Kraftwerk, Tiziana Ghiglioni,Lalli
e Pietro Salizzoni e altri ancora.Dal 2018 la Città di
Torino lo nomina alla guida del Torino Jazz Festival. L’incontro
fra queste due realtà porta alla realizzazione di “Prank + Giorgio Li Calzi”,
un disco fuori dalle regole, come si poteva immaginare. Il prodotto esce solo
in digitale ed è anticipato dai singoli “Touching Hands” e “Fat man Vs
Bodybuilder”. I
brani sono sette ed è proprio “Fat man Vs Bodybuilder” a mostrare il territorio
in cui questi artisti agiscono. Chitarre elettriche manifestano un riff
metallico in cui il basso e la batteria costruiscono una base ritmica possente
creatrice di un’atmosfera greve sulla quale la tromba elettrica sorprende per
fantasia. Il Jazz contemporaneo è una delle armi in possesso dei Prank,
adoperandolo con libertà creativa. L’insistenza dei giri armonici possono far
pensare a un modus operandi alla King Crimson, compreso di sound nervoso. Anche
nei momenti più pacati, come per esempio in “Cattedrale”, brano incentrato su
scale crescenti, si ha la sensazione di trovarsi in bilico fra Prog e Jazz. In
tutto ciò la tromba ricopre nuovamente un ruolo centrale, gli arrangiamenti
elettronici compiono il resto. La cover “Ghost Rider” dei Suicide spiega al
meglio la provenienza di questo stile sempre supportato dal ritmo incalzante in
cui resta difficile poter restare immobili durante l’ascolto. Bellissima
“Ulrich Seidl”, qui si mette a nudo l’anima più tenera degli artisti in campo.
Le atmosfere diventano rarefatte lasciando in mente un vago sentore di anni
’70. Sono sempre i giri armonici ripetuti su differenti scale a fare da bandolo
della matassa, “Umbratile” ne è un altro esplicativo esempio. “Touching Hands”
è un abbraccio suadente per lo stato d’animo, giocando in prossimità del Post
Rock. Anche in questo caso le melodie sono funzionanti per immediatezza
emotiva. “Prismatica”
conclude l’album senza nulla togliere o aggiungere a quanto detto. Prank
e Giorgio Li Calzi sono musicisti rari, in tempi dove l’omologazione sembra
essere obbligatoria, per cui se anche voi amate trasgredire le regole del music
business, fanno proprio al caso vostro. Buon ascolto. MS
Versione Inglese:
PRANK
+ GIORGIO LI CALZI - Prank + Giorgio Li Calzi Machiavelli Music Genre: Jazz - Post Prog - New Wave Support: cd - 2024
Those who have Jazz in their DNA can afford to play
music that is stylistically different, so much so that it sometimes happens
that they don't even know how to place it in a specific context. But does it
really need to be given a label? Perhaps yes, for those who are, for example,
reading a review, let's say it's a shortcut to make a specific sound meant. But
that doesn't matter much to musicians anymore, preferring only the term “music”.
What really matters is creativity on the loose, with no stakes whatsoever,
researching, rehearsing and communicating what one feels at the moment. Prank and Giorgio Li Calzi operate out of Turin, and
through this self-titled album they tend to surprise the listener with such
familiar grafts as King Crimson-esque Prog, Jazz, 80s New Wave, African music,
Postcore and more. Of course read like this it may make one think of an
unlistenable meatloaf, in reality it has its point, which is why I suggest from
the outset a careful and concentrated method of listening. Prank is a trio formed in 2018 with Enrico Degani
(guitar), Federico Marchesano (bass) and Dario Bruna (drums) on the premises of
the CLG Ensemble in Chivasso, a day care center in which Dario Bruna leads groups
and music therapy activities with disabled musicians. Giorgio Li Calzi is a
trumpeter and composer. He makes fifteen albums and collaborates with numerous
artists such as Wolfgang Flür of Kraftwerk, Tiziana Ghiglioni, Lalli and Pietro
Salizzoni, and others. Since 2018, the City of Turin has appointed him to lead
the Torino Jazz Festival. The meeting between these two realities leads to the
creation of “Prank + Giorgio Li Calzi”, a record that is as out of the box as
one could imagine. The product is released only digitally and is anticipated by
the singles “Touching Hands” and “Fat man Vs Bodybuilder”. There are seven tracks and it is “Fat man Vs
Bodybuilder” that shows the territory in which these artists operate. Electric
guitars manifest a metallic riff in which the bass and drums build a mighty
rhythmic base creating a raw atmosphere over which the electric trumpet
surprises with imagination. Contemporary jazz is one of the weapons in Prank's
possession, employing it with creative freedom. The insistence of harmonic
turns may suggest a King Crimson-like modus operandi, including nervous sound. Even in the quieter moments, as for example in
“Cathedral”, a song centered on rising scales, there is a sense of being poised
between Prog and Jazz. In all this the trumpet again plays a central role, the
electronic arrangements doing the rest. The cover “Ghost Rider” by Suicide best
explains the origin of this style always supported by the pressing rhythm in
which it remains difficult to be able to stand still while listening. Beautiful “Ulrich Seidl”, here the tenderest soul of
the artists on the field is laid bare. The atmospheres become rarefied leaving
a vague hint of the 1970s in mind. It is always the harmonic turns repeated on
different scales that act as the bandole of the skein, “Umbratile” being
another explanatory example. “Touching Hands” is a persuasive embrace for the
mood, playing in close proximity to Post Rock. Again, the melodies are workable
for emotional immediacy. “Prismatica” concludes the album without taking away
from or adding to what has been said. Prank and Giorgio Li Calzi are rare musicians in times
where homologation seems to be compulsory, so if you also like to transgress
the rules of the music business, they are right for you. Happy listening. MS
NICOLA ALESINI / SARO COSENTINO - More
Cities M.P. & Records Distribuzione: G.T.MUSIC Genere: Electronic / Jazz / Ambient Supporto: cd – 2024
Alesini
e Cosentino hanno nuove storie da raccontare. Dopo
aver parlato nel 2021 di città nell’ottimo album “Cities”, ritornano
all’attenzione con questo nuovo album intitolato “More Cities” contenente sei
brani. Per chi non conoscesse il duo, posso dire che Nicola Alesini (sax
soprano e tenore, clarinetto, loop elettronici) è sanremese, maestro di
strumenti a fiato, ricercatore di nuove sonorità e amante del Jazz, mentre
Cosentino (basso fretless, chitarre, tastiere, batteria, moog) nasce a Roma ma
si trasferisce a Milano negli anni ’70 per suonare musica acustica della
tradizione popolare nord-americana e Blues. Nel 1979 crea l’ensemble Saro
Cosentino Entertainment Blues Band. Numerose e importanti le collaborazioni
realizzate nel tempo con musicisti del calibro di Franco Battiato, Morgan,
Milva, Alice, Mino Di Martino, Ivano Fossati, Peter Gabriel, Peter Hammill Tony
Levin, Gavin Harrison e molti altri ancora. Sotto
l’attenta visione di Vannuccio Zanella per M.P. & Records, affidano
l’artwork che accompagna il supporto ottico alla grafica Ondemedie. All’interno
del libretto si possono leggere frasi in latino che fanno parte di una poesia scritta
dall’imperatore Adriano e come descritto nelle note che accompagnano il
prodotto “Adriano viaggiò in tutti gli angoli dell’immenso impero e da ogni città
visitata portò con sé esperienza e ricchezza interiore”. Questo è ciò che i due
strumentisti vogliono trattare in quest’opera sonora, ossia “un viaggio
immaginario che tocca città meravigliose ma sfregiate da una storia iniqua e
spesso senza pace”. Immaginario,
scenario, suono, e cultura sono gli ingredienti di “More Cities”, un album che
vuole trasportare l’ascoltatore in queste località a partire da “Gaza”. Il
ritmo e le melodie conducono suadentemente nelle strade tanto da sembrare di
sentirne addirittura gli odori, in un contesto sottolineato dalla
sovrapposizione di fiati impegnati in un crescendo coinvolgente. Alcuni di voi
potrebbero riscontrare affinità con i Napoli Centrale. Il
sax insiste ed è protagonista in “Jaipur”, qui sono le percussioni e l’elettronica
a tenere alto il groove, mentre gli arrangiamenti formati dai fiati in sordina
donano un senso di serenità e calore. Non servono le parole per descrivere
scenari quando si coglie l’essenza dei luoghi. Si
vola in Armenia con “Erevan”, qui si sperimenta maggiormente grazie all’uso di
programmazione elettronica di fondo. La musica inizialmente è introspettiva per
poi lasciare spazio all’intervento della ritmica in bilico fra Jazz e Ambient. I
sette minuti di “Petra” hanno echi psichedelici che conducono a una ritmica
spazzolata in cui sembra di provare la sensazione del sole giordano batterci
sul viso. Ovviamente i fiati sono sempre in cattedra. Ed
è la volta di “Tallinn”, capitale dell’Estonia, con i suoi colori e il Mar
Baltico in primo piano, le note ne descrivono tutte le caratteristiche e il
segreto sta nel lasciarsi trasportare dall’ascolto. Per concludere si passa in
Croazia grazie a“(Leaving) Pòla”, composizione tenera e molto Jazz, una vera e
propria coccola sonora. In
definitiva, ancora una volta Nicola Alesini e Sauro Cosentino ci propongono una
colonna sonora per un viaggio attraverso paesi e città in cui è bello perdersi
fra le strade e i luoghi, ma finché seguiremo il loro suono, sapremo sempre
fare ritorno. Gustosissimo e di classe. MS
Versione Inglese:
NICOLA
ALESINI / SARO COSENTINO - More Cities. M.P. & Records Distribution: G.T.MUSIC Genre: Electronic / Jazz / Ambient Support: cd - 2024
Alesini and Cosentino have new stories to tell. After talking in 2021 about cities in the excellent
album “Cities”, they return to attention with this new album entitled “More
Cities” containing six tracks. For those unfamiliar with the duo, I can say
that Nicola Alesini (soprano and tenor sax, clarinet, electronic loops) is from
San Remo, a master of wind instruments, a researcher of new sounds and a lover
of jazz, while Cosentino (fretless bass, guitars, keyboards, drums, moog) was
born in Rome but moved to Milan in the 1970s to play acoustic music of the
North American folk tradition and Blues. In 1979 he created the ensemble Saro
Cosentino Entertainment Blues Band. Numerous and important collaborations made
over time with musicians of the caliber of Franco Battiato, Morgan, Milva,
Alice, Mino Di Martino, Ivano Fossati, Peter Gabriel, Peter Hammill Tony Levin,
Gavin Harrison and many others. Under the careful vision of Vannuccio Zanella for M.P.
& Records, they entrust the artwork accompanying the optical medium to
Ondemedie graphics. Inside the booklet one can read Latin phrases that are part
of a poem written by Emperor Adriano and as described in the notes accompanying
the product “Adriano traveled to all corners of the immense empire and from
every city he visited he brought with him experience and inner wealth”. This is
what the two instrumentalists want to deal with in this sound work, namely “an
imaginary journey that touches wonderful cities but scarred by an iniquitous
and often peaceless history”. Imagery, scenery, sound, and culture are the
ingredients of “More Cities”, an album that aims to transport the listener to
these locations starting with “Gaza”. The rhythm and melodies persuasively lead
into the streets so much so that you seem to even smell them, in a context
underscored by overlapping horns engaged in an engaging crescendo. Some of you
may find affinities with Napoli Centrale. The sax insists and takes center stage in “Jaipur”,
here it is the percussion and electronics that keep the groove going, while the
arrangements formed by the muted horns give a sense of serenity and warmth.
Words are not needed to describe scenery when capturing the essence of places. We fly to Armenia with “Yerevan”, here there is more
experimentation through the use of electronic background programming. The music
is initially introspective and then gives way to the intervention of the
rhythmic interplay hovering between Jazz and Ambient. The seven-minute “Petra” has psychedelic echoes that
lead to a brushed rhythmic beat in which we seem to feel the sensation of the
Jordanian sun beating down on our faces. Of course, the horns are always in the
lead. And it's the turn of “Tallinn”, the capital of Estonia, with its
colors and the Baltic Sea in the foreground, the notes describe all its
characteristics and the secret is to let yourself be carried away by listening.
To conclude, we move on to Croatia thanks to“(Leaving) Pòla”, a tender and very
jazzy composition, a real sound cuddle. All in all, once again Nicola Alesini and Sauro
Cosentino offer us a soundtrack for a journey through countries and cities
where it is nice to get lost among the streets and places, but as long as we
follow their sound, we will always know how to return. Tasty and classy. MS
THE
SAMURAI OF PROG (Featuring Marco Grieco) – The Time Machine Seacrest
Oy / Ma.Ra.Cash Records Genere:
Prog Rock / Symphonic Rock Supporto:
cd – 2024
Marco
Bernard (basso Shuker) e Kimmo Pörsti (batteria e percussioni), ovvero i The
Samurai Of Prog, sono un fiume in piena. Ancora calda l’uscita di “A Quiet Town
(featuring Marco Grieco)” sempre del 2024, un disco come stile radicato del
gruppo pieno di ospiti e tanto Prog DOC, che è già la volta di questo splendido
lavoro intitolato “The Time Machine (Featuring Marco Grieco)”. La storia dei
The Samurai Of Prog (soprannome di Marco Bernard) prende forma nel 2009, e inizialmente
con Marco ci sono il batterista e ingegnere del suono finlandese Kimmo Pörsti e
il polistrumentista/cantante residente negli Stati Uniti, Steve Unruh. Assieme
realizzano una dozzina di album sempre con tanti ospiti importanti del settore.
Oggi dopo diciotto album in studio alle spalle, i The Samurai Of Prog si
avvalgono del contributo di Marco Grieco alle tastiere, proprio come nel
precedente album. Ci
tengo particolarmente a sottolineare il rispetto che hanno per chi compra la
musica, la cura dell’artwork qui per mano di Sebastiano Gentile, e della
copertina di Michal Xaay Loranc, è quantomeno maniacale. Il cd è accompagnato in
una custodia cartonata a tre ante da un libretto esaustivo di dodici pagine
dove potrete gustare oltre agli splendidi disegni, anche le descrizioni di chi
suona nel progetto brano per brano, altresì i testi. Il Prog sinfonico proposto,
è sempre ricco di tastiere, sintetizzatori Moog ma anche di chitarre, flauti e
violini. Questa volta il tema affrontato per il concept riguarda il viaggio nel
tempo a partire dall’alba dell’umanità. Si possono incontrare personaggi storici
come Leonardo da Vinci, Albert Einstein e Nelson Mandela.L'album
si conclude con una riflessione fiduciosa sul futuro. Estesa
la lista di musicisti che prestano la propria arte per la riuscita finale e ve
li presento brano per brano a partire dai dieci minuti della title track. Un ticchettio di orologio scandisce il tempo
della partenza, fino al sopraggiungere del violino di Maria Kovalenko. Serge
Tiagniryadno narra la storia sostenuta dalle possenti chitarre di Tony Riveryman.
Il brano come tradizione Prog, si dirama in più sfaccettature altalenando fasi
riflessive a momenti enfatici dove il flauto di Giovanni Mazzotti ne è ciliegia
sulla torta. L’alba
dei tempi è descritta in “Apes”, qui la storica chitarra di Roine Stolt (Kaipa,
The Flower Kings, Transatlantic) ci regala attimi di vero e proprio godimento
fisico. Il brano composto da Marco Grieco è incentrato sulle tastiere e bene
arrangiato ancora una volta dal violino e dal flauto. Epicamente
malinconica “The Last Legionary” aperta dal corno francese di Marc Papeghin. La
storia è cantata da Bo-Anders Sandström. Bello l’assolo di tromba diBalàzs
Winkler per un Prog sinfonico a tutti gli effetti. In
“Painting Mona Lisa” partecipano Daniel Fäldt alla voce e Roberto Bucci alla
chitarra, oltre che alla classica formazione completa apprezzata sino ad ora.
Il flauto per un istante richiama il brano “Bouree” dei Jethro Tull, ma quello
che colpisce sono le variazioni strumentali. Sicuramente uno dei frangenti più
impegnati del disco. La
formula “E=MC2” di Einstein è narrata da una voce d’eccezione, quella di Clive
Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, etc.), mentre la chitarra è affidata a Marcel
Singor, ed è Neo Prog sinfonico. In questo viaggio nel tempo si passa anche
attraverso l’allunaggio di “Moon”, pezzo strumentale in cui fa comparsa la
chitarra elettrica di Peter Matuchniak. Il ritmo è alto, così l’incedere. I
musicisti sono tutti dotati di buona tecnica strumentale, che permette loro di
trovarsi a proprio agio in qualsiasi momento, anche in quello più riflessivo. Marco
Grieco si cimenta in due minuti di pianoforte dedicando a Nelson Mandela “Madiba's
Life”, un movimento vivace classicheggiante che conduce alla conclusiva “Future”
cantata da Christina Booth. Per
un viaggio nel tempo serve una musica senza tempo, e quale se non il
Progressive Rock? I
The Samurai Of Prog si dimostrano custodi moderni di questo tesoro inestimabile
per l’anima. Da non perdere. MS
Versione Inglese:
THE SAMURAI OF PROG (Featuring Marco Grieco) - The
Time Machine Seacrest Oy / Ma.Ra.Cash Records Genre: Prog Rock / Symphonic Rock Support: cd - 2024
Marco Bernard (Shuker bass) and Kimmo Pörsti (drums
and percussion), a.k.a. The Samurai Of Prog, are a river in flood. Still hot
off the release of “A Quiet Town (Featuring Marco Grieco)” also from 2024, a
record as the group's ingrained style full of guests and lots of Prog DOC,
which is already the turn of this splendid work entitled “The Time Machine
(Featuring Marco Grieco)”. The story of The Samurai Of Prog (Marco Bernard's
nickname) takes shape in 2009, and initially with Marco are Finnish drummer and
sound engineer Kimmo Pörsti and U.S.-resident multi-instrumentalist/singer
Steve Unruh. Together they made a dozen albums always with many important
guests from the industry. Today, after eighteen studio albums behind them, The
Samurai Of Prog is joined by Marco Grieco on keyboards, just as on the previous
album. I particularly want to emphasize the respect they have
for those who buy the music, the care of the artwork here at the hands of
Sebastiano Gentile, and of the cover by Michal Xaay Loranc, is at least manic. The CD is accompanied in a three-panel hardback case
by an exhaustive twelve-page booklet where you can enjoy not only the beautiful
drawings, but also the descriptions of those playing in the project track by
track, also the lyrics. The symphonic Prog proposed, is always full of
keyboards, Moog synthesizers but also guitars, flutes and violins. This time
the theme addressed for the concept is about time travel from the dawn of
mankind. One can meet historical figures such as Leonardo da Vinci, Albert
Einstein and Nelson Mandela. The album ends with a hopeful reflection on the
future. Extended is the list of musicians who lend their art
to the final achievement, and I present them to you track by track beginning
with the ten-minute title track. A
ticking clock marks the time of departure until the arrival of Maria
Kovalenko's violin. Serge Tiagniryadno narrates the story backed by the mighty
guitars of Tony Riveryman. The song as a Prog tradition, branches into multiple
facets alternating reflective phases to emphatic moments where Giovanni
Mazzotti's flute is icing on the cake. The dawn of times is described in “Apes”, here the
historic guitar of Roine Stolt (Kaipa, The Flower Kings, Transatlantic) gives
us moments of real physical enjoyment. The song composed by Marco Grieco
focuses on keyboards and is well arranged once again by violin and flute. Epically melancholy “The Last Legionary” opened by
Marc Papeghin's French horn. The story is sung by Bo-Anders Sandström. Nice
trumpet solo by Balàzs Winkler for a full-fledged symphonic Prog. “Painting Mona Lisa” features Daniel Fäldt on vocals
and Roberto Bucci on guitar, in addition to the classic full lineup appreciated
so far. The flute for a moment recalls the song “Bouree” by Jethro Tull, but
what is striking are the instrumental variations. Definitely one of the most
committed bangs of the record. Einstein's “E=MC2” formula is narrated by an
exceptional voice, that of Clive Nolan (Pendragon, Arena, Shadowland, etc.),
while the guitar is entrusted to Marcel Singor, and it is symphonic Neo Prog.
In this time travel we also go through the moon landing of “Moon”, an
instrumental piece in which Peter Matuchniak's electric guitar makes an
appearance. The tempo is high, so is the pacing. The musicians all have good
instrumental technique, which allows them to be at ease at any time, even the
most reflective. Marco Grieco takes on two minutes of piano dedicating
“Madiba's Life” to Nelson Mandela, a lively classical movement that leads to
the concluding “Future” sung by Christina Booth. Time travel requires timeless music, and what if not
Progressive Rock? The Samurai Of Prog prove to be modern custodians of
this priceless treasure for the soul. Not to be missed. MS
