Jon Durant, Colin Edwin, Chris Maitland

JON DURANT, COLIN EDWIN, CHRIS MAITLAND – The Baldock Transmission
Alchemy Records
Genre: Psychedelic, Progressive Rock
Format: Bandcamp / CD / LP – 2025

L’amicizia che lega il bassista Colin Edwin al batterista Chris Maitland è annosa, sin dai tempi magici dei primi Porcupine Tree.
Non si sono mai staccati dalla passione per un certo tipo di Psichedelia, tanto che anche nel titolo ritorna la parola “Transmission”, adoperata anche nell’album dei Porcupine Tree, quel sound spaziale, etereo, lisergico su cui Steven Wilson ha costruito una carriera.
Con loro l’amico e chitarrista Jon Durant, che ha lavorato con Edwin fin dal 2012.
La musica può sembrare a tratti improvvisata, i tre musicisti si divertono a rincorrersi, trovarsi e, insieme, lasciarsi andare in ampi scenari in cui la mente disegna scene cinematografiche. Il sound è quindi minimale, surreale, oscuro e ipnotico.
“Transmission Resumed” mette subito in chiaro l’intento dell’album: tanta essenza leggera e impalpabile, un pezzo lisergico su cui lasciare chiudere gli occhi.
Futuristica “Journey To Rebhu”, con il basso inconfondibile di Colin a disegnare sinuose linee, e qui mi immagino il suo bel viso pacioccone e sorridente mentre tocca lo strumento. Uno scenario post‑apocalittico in cui i terrestri partono alla ricerca di una nuova terra. Alcuni potrebbero dire che questa è musica sperimentale, ma così non è, ha una solida storia alle spalle e quei punti fermi che sono parte integrante della musica dei primi Pink Floyd.
Il groove fra i componenti è perfettamente oliato, basta ascoltare “Stationary Orbit” e il suo Funky trascinante.
Resto colpito dal lavoro di chitarra di Durant in “Mechanical Tears”, soprattutto nel modo di arrangiare le melodie, ma altrettanto vale per Colin nel ritmo di “Lower Constrictor”; non da meno la gentilezza del tocco delle pelli da parte di Maitland. Un’alchimia perfetta.
Il pezzo forte arriva alla fine con “Solar Season Signal” e qui qualcuno potrebbe associare “Ummagumma” dei Pink Floyd a alcuni frangenti del brano.
Non servono tante parole: “The Baldock Transmission” è un album per spaziare con la mente, un architettato percorso in cui perdersi o, meglio ancora, lasciarsi trasportare.
In cotanto suono consiglio vivamente l’ascolto in cuffia, perché anche la qualità dell’incisione è buona e fa da evidenziatore al risultato finale.
Un disco assolutamente imperdibile per gli amanti di band come i Porcupine Tree e del sound Krautrock più psichedelico. MS

Versione Inglese: 

JON DURANT, COLIN EDWIN, CHRIS MAITLAND – The Baldock Transmission
Alchemy Records
Genre: Psychedelic, Progressive Rock
Format: Bandcamp / CD /LP – 2025

The friendship between bassist Colin Edwin and drummer Chris Maitland is long‑standing, dating back to the magical early days of Porcupine Tree.
They have never abandoned their passion for a certain kind of psychedelia, so much so that the word “Transmission” appears in the title, also used on the Porcupine Tree album, that spatial, ethereal, lysergic sound on which Steven Wilson built a career.
With them is friend and guitarist Jon Durant, who has worked with Edwin since 2012.
The music can seem partly improvised; the three musicians enjoy chasing each other, meeting and, together, letting themselves go into vast scenarios where the mind paints cinematic scenes. The sound is therefore minimal, surreal, dark and hypnotic.
“Transmission Resumed” immediately makes the album’s intent clear: a lot of light, impalpable essence, a lysergic piece on which to close your eyes.
Futuristic “Journey To Rebhu”, with Colin’s unmistakable bass drawing sinuous lines, and here I picture his chubby, smiling face while he plays the instrument. A post‑apocalyptic scenario in which Earthlings set out to find a new land. Some might say this is experimental music, but it’s not; it has a solid history behind it and those fixed points that are an integral part of early Pink Floyd’s music.
The groove among the members is perfectly oiled; just listen to “Stationary Orbit” and its driving funk.
I’m struck by Durant’s guitar work in “Mechanical Tears”, especially in the way he arranges the melodies, but the same applies to Colin’s rhythm in “Lower Constrictor”; not to mention Maitland’s gentle touch on the drums. A perfect alchemy.
The highlight arrives at the end with “Solar Season Signal”, and here some might associate “Ummagumma” by Pink Floyd with certain passages of the track.
No need for many words: “The Baldock Transmission” is an album to let your mind wander, an architected path in which to get lost or, better yet, to be carried away.
In the meantime, I strongly recommend listening on headphones, because the recording quality is good and highlights the final result.
An absolutely unmissable record for fans of bands like Porcupine Tree and the most psychedelic Krautrock sound. MS

Moron Police

MORON POLICE – Pachinko
Mighty Jam Music Group AS
Genere: Crossover Prog
Supporto: Digital – 2025

Può essere il Progressive Rock spensierato e divertente? Strano a dirsi, vista la classificazione generale di genere “dotto”, eppure esistono band che fanno della giocosità sonora e della solarità un punto fermo. Certamente Internet ha giocato un ruolo fondamentale per la globalizzazione dei stili, facendo conoscere a tutto il mondo la musica di tutti; per questo esistono anche sorprese al riguardo, come nel caso dei Moron Police, norvegesi ma solari. Nessuna oscurità, quindi, nel quarto album in studio della band, ma voglia di divertirsi, ironia e tanta tecnica messe al servizio delle armonie.
Dico subito che è musica per fan di band come Thank You Scientist e Haken, tanto per dare alcuni riferimenti stilistici.
Dopo l’EP del 2021 “The Stranger And The Hightide”, questo album di quattordici canzoni, della durata di un’ora, è ricco di ritornelli orecchiabili e melodie memorabili. Molta la paura che la band vedesse nel 2022 la fine della sua esistenza a causa della morte del batterista fondatore Thore Pettersen, deceduto in un incidente stradale, invece ecco che tornano sui palchi più intenzionati che mai a tenere viva la passione e la creatività.
Oggi sono composti da Sondre Skollevoll (chitarre, voce, cori, sintetizzatori, pianoforte, contrabbasso, desert bass, banjo, percussioni, programmazione, arrangiamenti per archi e fiati), Lars Christian Bjørknes (sintetizzatori, pianoforte, organi, melodica, percussioni, cori, programmazione, arrangiamenti per archi e fiati) e Christian Fredrik Holtsteen (basso, fretless bass). Con loro una nutrita lista di special guest, soprattutto, come si può intuire, alla batteria (Billy Rymer su tutti), ma anche di archi, vista la sinfonizzazione di molti dei brani proposti. Il frontman Sondre Skollevoll tira fuori una prova vocale eccellente, sempre pulita e perfettamente adeguata ai testi divertenti; forse è una delle migliori voci del panorama di oggi.
Non mancano neppure interventi Metal, ma sono sicuro che gli ascoltatori più puristi del genere non se ne accorgeranno, tanto sono inseriti furbescamente nei contesti.
Numerosi i cambi di tempo e le complessità strutturali che, solo a tratti, mi ricordano il modus operandi degli americani Echolyn. Le tematiche parlano di storie di vita intesa come una partita a poker (o pachinko), dell’esistenza, della fede, della fama, della perdita e della ricerca di connessioni autentiche, trasformando il dolore in speranza.
“Pachinko” è una vetrina poliedrica dei numerosi strumenti adoperati, pieni di adrenalina (“King Among Kittens” e “Take Me To The City”), ma anche di splendide ballate, come nel caso di “Make Things Easier”. Importanti le chitarre nella musica dei Moron Police, ma non da meno le tastiere onnipresenti e abbondanti di Lars Bjørknes; tutti sono strepitosi musicisti. Dinamiche varianti sono nella quotidianità delle composizioni.
Potrei definire l’album come un concept di musica fisica, sudata, magniloquente, ma credo di essere stato già abbastanza esaustivo al riguardo. La stessa “Pachinko”, nei sedici minuti di durata, ne è la cartina tornasole.
Si sfiora spesso la perfezione, e questo non dispiace ai fan più accaniti del genere.
A detta di molti, “Pachinko” è uno degli album candidati a risultare fra i migliori dell’anno, in effetti qui c’è tutto, soprattutto le melodie per cantare insieme a loro. Tuttavia avviso che, alla fine dell’ascolto, se ne esce con la pancia davvero piena, tanta materia da digerire. Pregio? Difetto? Questo risiede nel gusto personale di ciascuno di noi, resta il fatto che non si fanno ostaggi: qui si vive o si muore. Mamma mia, che sventola! MS 

Versione Inglese:

MORON POLICE – Pachinko
Mighty Jam Music Group AS
Genre: Crossover Prog
Format: Digital – 2025

Can progressive rock be carefree and fun? Strange to say, given the generally “serious” classification of the genre, yet there are bands that make sonic playfulness and sunshine a fixed point. Certainly the internet has played a fundamental role in the globalization of styles, making everyone’s music known worldwide; because of this there are also surprises, as in the case of Moron Police, Norwegian but sunny. No darkness, then, in the band’s fourth studio album, but rather a desire to have fun, irony, and a lot of technique put at the service of harmony.
I’ll say right away that this music is for fans of bands like Thank You Scientist and Haken, just to give some stylistic references.
After the 2021 EP “The Stranger And The Hightide”, this album of fourteen songs, lasting about an hour, is rich in catchy hooks and memorable melodies. There was a lot of fear that the band would see its existence end in 2022 following the death of founding drummer Thore Pettersen, who died in a road accident; instead, they are back on stage, more determined than ever to keep the passion and creativity alive.
Today they are composed of Sondre Skollevoll (guitar, vocals, backing vocals, synthesizers, piano, double bass, desert bass, banjo, percussion, programming, string and brass arrangements), Lars Christian Bjørknes (synthesizers, piano, organs, melodica, percussion, backing vocals, programming, string and brass arrangements) and Christian Fredrik Holtsteen (bass, fretless bass). With them is a large list of special guests, especially, as can be guessed, on drums (Billy Rymer above all), but also strings, given the symphonic treatment of many of the tracks. Frontman Sondre Skollevoll delivers an excellent vocal performance, always clean and perfectly suited to the fun lyrics; perhaps it is one of the best voices on today’s scene.
Metal interventions are not missing either, but I’m sure the purest listeners of the genre won’t even notice them, they are so cleverly inserted into the contexts.
Numerous time changes and structural complexities, which only occasionally remind me of the modus operandi of the American band Echolyn. The themes talk about life stories seen as a game of poker (or pachinko), existence, faith, fame, loss and the search for authentic connections, turning pain into hope.
“Pachinko” is a multifaceted showcase of the many instruments used, full of adrenaline (“King Among Kittens” and “Take Me To The City”), but also of beautiful ballads, as in the case of “Make Things Easier”. Guitars are important in Moron Police’s music, but the ever‑present and abundant keyboards of Lars Bjørknes are no less so; everyone is a stunning musician. Dynamic variations are a daily part of the compositions.
I could describe the album as a concept of physical, sweaty, grandiloquent music, but I think I’ve already been exhaustive enough on that. The same “Pachinko”, in its sixteen‑minute length, is the litmus test.
Perfection is often brushed against, and that doesn’t displease the most avid fans of the genre.
According to many, “Pachinko” is one of the albums that could end up among the best of the year; indeed, everything is here, especially the melodies to sing along with them. However, I warn that after the listening you’ll end up with a really full belly, a lot of material to digest. Strength? Weakness? It all comes down to personal taste; the fact remains that they don’t make hostages: here you either live or you die. Wow, what a blast! MS

Neversin

 NEVERSIN – The Loop Theory
Revalve Records
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / CD – 2025

Il Veneto è una delle regioni italiane che maggiormente ha contribuito alla crescita della musica Rock, Progressive Rock, Metal e Progressive Metal. Tante le proposte e moltissime di esse sono davvero valide. I padovani Neversin sono una delle realtà più interessanti: attivi da oltre venti anni, ritornano oggi dopo l’ottimo “Revamp” (2023) con la consueta carica tecnica ed emotiva.
Autori di un Metal Prog curato, i Neversin sembrano proseguire il cammino intrapreso con “Of Robots And Men” (2013), dando vita a questo “The Loop Theory” che dico sin da subito è curato con perizia negli arrangiamenti.
Le capacità esecutive della band, formata da Nicola Ciarlini (voce), Matteo Scalcon (chitarra, voce, piano, tastiere), Federico Fabian (chitarre), Daniele Businari (basso) e Alberto Quarta (batteria, voce), sono alla luce del sole e mai autocelebrative.
L’opera, composta di dodici brani, è suddivisa in tre atti. Ho particolarmente apprezzato la scelta della band di non realizzare lunghe suite, bensì di lasciare spazio a brani più brevi, perché così l’album acquista scorrevolezza.
Le tematiche sono fantascientifiche e affrontano situazioni dure in un pianeta denominato Rin 7, dove Brian (uno dei protagonisti) si trova a fare i conti con i suoi sogni infranti fra caos, anarchia e violenza. Il prezzo della libertà è quindi molto alto.
Il primo atto si apre con l’immancabile intro qui intitolato “There Again”, per lasciare successivamente spazio allo strumentale “Welcome To Nir 7”, movimento tipicamente Metal Progressive con tanto di cambi di tempo e scorribande chitarristiche tecniche ma allo stesso tempo melodiche. Su questo noi italiani siamo molto bravi. In evidenza sin da subito anche la qualità dell’incisione sonora.
“Days Gone By” apre ufficialmente il viaggio in cui la bella voce di Nicola Ciarlini fa sfoggio delle sue qualità. Probabili i riferimenti stilistici nei confronti dei Dream Theater più melodici. Davvero invidiabile l’intesa fra i componenti, soprattutto nella sezione ritmica. Gli assoli di chitarra sono ampi e godibili, proprio come piacciono agli estimatori del genere.
Il primo atto si conclude con la ballata “Nobody’s Home”, canzone che mostra anima.
“V” apre il secondo atto e mette sul tavolo tutte le qualità e la cultura musicale dei singoli componenti in un sound tipicamente Neversin.
Fra i frangenti più interessanti dell’album c’è il secondo singolo “Wake Up Inside A Dream”, interpretato a due voci con la brava Chiara Antonioni (Kia) che interpreta Violet in un flashback che prende vita nella mente del protagonista Malcolm. Si apre con piano e voce “Let Go”, atto conclusivo della seconda parte. La ballata è un classico crescendo che sfocia nell’immancabile, toccante assolo di chitarra. Qui la prova di Ciarlini è superba.
“Rise Of The Fallen Heroes” è l’inizio scoppiettante del terzo atto, una vetrina vera e propria per le qualità tecniche della band. Mai, tuttavia, è persa di vista il gusto per la melodia e gli ottimi arrangiamenti, grazie anche alle tastiere di Matteo Scalcon.
Con “Midnight Revolutions” ho avuto una reminiscenza dei Queensrÿche; molti i punti in comune fra la band di Seattle e i Neversin. Sale ulteriormente il ritmo con “The Final Stand”, trascinante e debitrice di un Metal epico alla Helloween.
Variegata “Future In The Past”, mentre la conclusiva “A Brighter Day” è un bellissimo esempio di Metal Prog tecnico aperto a soluzioni altamente melodiche.
Se non siete avvezzi a questo genere, probabilmente i Neversin possono aprirvi nuove porte, grazie a questo disco curato e altamente professionale. Dategli una opportunità. MS

Versione Inglese:

NEVERSIN – The Loop Theory
Revalve Records
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / CD – 2025

The Veneto region is one of the Italian regions that has contributed the most to the growth of rock, progressive rock, metal and progressive metal. Many proposals and a great many of them are truly valid. The Padua‑based Neversin are one of the most interesting realities: active for over twenty years, they return today after the excellent “Revamp” (2023) with their usual technical and emotional charge.
Authors of a well‑crafted metal‑prog, Neversin seem to continue the path started with “Of Robots And Men” (2013), giving life to this “The Loop Theory”, which I say from the outset is handled with skill in the arrangements.
The band’s executive abilities, formed by Nicola Ciarlini (vocals), Matteo Scalcon (guitar, vocals, piano, keyboards), Federico Fabian (guitar), Daniele Businari (bass) and Alberto Quarta (drums, vocals), are out in the open and never self‑celebratory.
The work, composed of twelve tracks, is divided into three acts. I particularly appreciated the band’s choice not to create long suites, but to leave room for shorter pieces, because this gives the album fluidity.
The themes are sci‑fi and deal with harsh situations on a planet called Rin 7, where Brian (one of the protagonists) has to come to terms with his shattered dreams amid chaos, anarchy and violence. The price of freedom is therefore very high.
The first act opens with the unavoidable intro titled “There Again”, then gives way to the instrumental “Welcome To Nir 7”, a typically progressive metal movement with time‑signature changes and technical yet melodic guitar excursions. We Italians are very good at this. Also immediately noticeable is the quality of the sound recording.
“Days Gone By” officially opens the journey, showcasing Nicola Ciarlini’s beautiful voice. There are likely stylistic references to the more melodic Dream Theater. The cohesion among the members, especially in the rhythm section, is truly enviable. The guitar solos are expansive and enjoyable, just as fans of the genre like them.
The first act concludes with the ballad “Nobody’s Home”, a song that shows soul.
“V” opens the second act and lays out all the qualities and musical culture of the individual members in a typically Neversin sound.
Among the most interesting moments of the album is the second single “Wake Up Inside A Dream”, performed with two voices alongside the great Chiara Antonioni (Kia), who plays Violet in a flashback that comes to life in the mind of the protagonist Malcolm. It opens with piano and voice “Let Go”, the concluding piece of the second part. The ballad is a classic crescendo that leads into the inevitable, touching guitar solo. Ciarlini’s performance here is superb.
“Rise Of The Fallen Heroes” is the explosive start of the third act, a true showcase of the band’s technical abilities. However, the taste for melody and excellent arrangements are never lost, thanks also to Matteo Scalcon’s keyboards.
With “Midnight Revolutions” I had a reminiscence of Queensrÿche; there are many points in common between the Seattle band and Neversin. The tempo rises further with “The Final Stand”, a driving track indebted to epic Helloween‑style metal.
Varied “Future In The Past”, while the closing “A Brighter Day” is a beautiful example of technical prog metal open to highly melodic solutions.
If you’re not accustomed to this genre, Neversin may open new doors for you, thanks to this carefully crafted and highly professional album. Give it a chance. MS

Perchè Leggere Oggi Un Blog Musicale?

 PERCHE' LEGGERE OGGI UN BLOG MUSICALE?

 
Navigando nel web mi è capitato molto spesso di leggere persone che scrivono riguardo all’inutilità odierna delle recensioni.
Non hanno tutti i torti quando dicono che oggi la musica è cambiata, anche nella modalità d’ascolto, oppure quando affermano che si ha la possibilità di ascoltarla ovunque e di farsene un’idea propria senza imposizioni da parte di nessuno.
Hanno altresì ragione quando mettono in dubbio le capacità critiche e culturali di molti recensori. Il web è immenso, e sono più gli improvvisati di coloro che hanno studiato la materia.
Oltre a questo, aggiungono che si recensisce per farsi mandare un disco gratis.
È tuttavia una contraddizione dire che è cambiato l’ascolto (“la musica oggi è liquida”) e poi affermare che uno lo fa per cercare un CD gratuito (sempre più inutile).
Dicono anche che lo si fa per il proprio ego, magari senza pensare che quel recensore potrebbe avere altre attività legate alla musica – conferenze, spettacoli, realizzazioni, pubblicazioni cartacee, ecc. Insomma, si può dire tutto e il contrario di tutto, ma bisognerebbe farlo senza superficialità e con cognizione di causa. Non si deve fare di tutta l’erba un fascio, ma oggi è di moda il pensiero estremo: o bianco o nero.
Dico sempre ai musicisti: è inutile che voi suoniate se non c’è chi vi ascolta. Bisogna preparare un pubblico all’ascolto, perché, come si è detto in precedenza, il suddetto è cambiato. Un recensore ha un vantaggio rispetto a un ascoltatore normale: quello di avere molto materiale proposto e di ricercare anche lui sul web, riuscendo così a scremare molto. Se un lettore trova affinità di gusti con un recensore, avrà il vantaggio di non impazzire nella ricerca, vista la quantità di materiale quotidiano che esce.
Un recensore non ha la verità, ma perlomeno indirizza e NON IMPONE… consiglia.
Ma se non lo fa per i CD, se non lo paga nessuno, se non è per l’ego… allora perché lo fa? I motivi sono molteplici: dal semplice amore per la musica, alla pubblicazione online di ciò che magari hanno scritto anche in cartaceo su riviste o altro; alcuni sono molto seguiti per l’annosa esperienza che hanno alle spalle e non se la sentono di abbandonare la nave; altri lo fanno solo come hobby; altri ancora perché sono richiesti o perché guadagnano con i click sulle pagine. Insomma, non tutti sono uguali.
Nel mio caso è un insieme di alcune cose dette: di certo non lo faccio per i CD gratis, anche perché, se voglio ascoltare la musica allo stereo, ascolto quello che dico io, non quello che mi propongono gli altri. Io ho un mio gusto, come tutti. Eppure in quelle proposte c’è del materiale interessante e, in alcuni casi, delle piccole gemme! Quindi ringrazierò sempre le case discografiche, le case distributrici e gli artisti stessi che mi contattano, perché è cultura. Conoscere nuove realtà è positivo per chi ama la musica. In tempi in cui i dischi non si vendono più io li paragono a degli eroi.
In parole povere: è inutile recensire oggi? In alcuni casi sì, in altri no; il mondo è bello perché è vario. In fondo non ci vuole molto: se non ti piace, basta saltare su un’altra pagina web, ma parlare di musica è sempre interessante e culturale. NONSOLO PROGROCK sarà qui finché ne avrò voglia e passione; non dipenderà di sicuro dai pareri altrui. Rock on! MS

P.S. Dite civilmente la vostra nei commenti.

Versione Inglese: 

  WHY READ A MUSIC BLOG TODAY?

While browsing the web I have very often come across people writing about the supposed futility of reviews today.
They’re not entirely wrong when they say that music has changed, even in the way it’s listened to, or when they claim that we can listen to it anywhere and form our own opinion without anyone imposing anything on us.
They’re also right when they question the critical and cultural abilities of many reviewers. The web is huge, and there are more amateurs than those who have studied the subject.
Moreover, they add that reviews are written to get a free copy of a record.
It’s a contradiction, however, to say that listening has changed (“music today is liquid”) and then claim that one does it to get a free CD (increasingly useless).
They also say it’s done for ego, perhaps without considering that a reviewer might have other music‑related activities – conferences, shows, productions, print publications, etc. In short, you can say everything and its opposite, but you should do it without superficiality and with knowledge of the cause. You shouldn’t lump everything together, but today extreme thinking is fashionable: either black or white.
I always tell musicians: it’s useless for you to play if there’s no one listening. We need to prepare an audience for listening, because, as mentioned earlier, the aforementioned has changed. A reviewer has an advantage over a regular listener: they have a lot of material presented to them and they also research on the web, thus being able to sift through a lot. If a reader finds a taste affinity with a reviewer, they will have the advantage of not going crazy in the search, given the amount of daily material that comes out.
A reviewer does not have the truth, but at least they guide and do NOT IMPOSE… they advise.
But if it’s not for CDs, if nobody pays them, if it’s not for ego… then why do they do it? The reasons are many: from simple love of music, to publishing online what they may have also written in print in magazines or elsewhere; some are heavily followed for the long experience they have behind them and don’t feel like abandoning the ship; others do it just as a hobby; still others because they are in demand or because they earn from clicks on pages. In short, not everyone is the same.
In my case it’s a mixture of several of the things said: certainly I don’t do it for free CDs, also because, if I want to listen to music on the stereo, I listen to what I say, not what others propose to me. I have my own taste, like everyone else. Yet in those proposals there is interesting material and, in some cases, little gems! So I will always thank the record labels, distributors and the artists themselves who contact me, because it’s culture. Discovering new realities is positive for anyone who loves music. In times when records no longer sell, I compare them to heroes.
In plain words: is reviewing today useless? In some cases yes, in others no; the world is beautiful because it’s varied. At the end of the day it doesn’t take much: if you don’t like it, just jump to another web page, but talking about music is always interesting and cultural. NONSOLO PROGROCK will be here as long as I have the desire and passion; it certainly won’t depend on others’ opinions. Rock on! MS

P.S. Please state your opinion civilly in the comments.

Nick The Freak

NICK THE FREAK – Il Rumore Della Città – Vol. 1
Trulletto Records / Believe Music Italia
Genere: Rock, Cantautore
Formato: Digital / CD – 2025

Resto felicemente colpito quando mi imbatto in artisti che ridonano voce al cantautorato verace, quello in stile Ivan Graziani, Edoardo Bennato, Rino Gaetano e altri ancora, perché negli ultimi anni le nuove mode hanno fatto dei cantautori tabula rasa. Raddoppia la contentezza quando noto che questi sono giovani e attenti alle lezioni del passato. Con una battuta sintetizzerei in “c’è vita sulla terra”!
Sì, questo vale anche per il Rock; insomma, la scena italica negli ultimi tempi regala sorprese e in tempi di IA non è cosa da poco. L’imputato in questione ha il nome d’arte di Nick The Freak ed è un chitarrista e compositore di Bari. Tuttavia non è proprio l’ultimo arrivato in questo panorama, in quanto militante nei Modaxì nel 2000 e attivo in alcune collaborazioni con Caparezza, oltre alle esperienze in giro per l’Europa con il R’n’R/Blues dei The Good Ole Boys e il progetto Ska/Reggae B.U.M. (Bari Upbeat Movement).
Nick The Freak vive la sua Bari, la respira, l’osserva e la tramuta in musica sin dal primo album “Il Disco Vecchio” del 2019. Il progetto prosegue oggi con “Il Rumore Della Città – Vol. 1 e Vol. 2”, di cui la prima parte è edita mentre la seconda vedrà luce nella primavera del 2026. Traspare il legame con la sua terra, ma anche la volontà di andare via dalla tossicità che la circonda. Ecco dunque il proferire di testi sagaci, per questo mi sono permesso di accostare l’autore a certi cantautori nominati in precedenza. Il Blues, come la storia insegna, nasce proprio dalla volontà di esprimere in un canto di poche note una situazione sociale non proprio agevole; questo modus operandi è conservato anche in alcuni dei brani proposti nell’album.
La formazione è composta da Nick The Freak (voce, chitarre, basso, synth, percussioni), Simone Martorana (chitarre, cori), Nicola De Liso (batteria), Valeria Quarto (cori) e Paolo Palmieri (synth).
E veniamo a “Il Rumore Della Città – Vol. 1”, che si apre con un bel Rockaccio ruvido, un mix proprio fra Bennato e Graziani intitolato “City Boy, Country Girl”, anche singolo di cui si realizza un video diretto da Alberto Fortunato. Esso racconta un’impossibile storia d’amore tra un ragazzo imprigionato dal cemento e dalle logiche cittadine e una ragazza che vive invece fuori dal centro urbano. Trascinante e godereccio.
Cambia lo scenario attraverso “Il Gelo”, più morbido anche se la chitarra elettrica sprigiona sempre la sua energia positiva. Funziona l’accompagnamento di tastiera in stile “Every Little Thing Is Gonna Be Alright” (Bob Marley).
Basso e batteria iniziano “Sogni”, brano cantato quasi in modalità rap, mentre il ritornello richiama gli italiani anni ’80, quelli elettrici. A metà del pezzo subentrano le tastiere a sconfinare nel Prog degli anni ’70.
“La città è tossica, non ne posso più” è il refrain del brano “Toxic City”, un grido di rabbia che lascia trapelare la voglia dell’autore di andarsene, ma sarà proprio così? Forse potrebbe essere un modo di esorcizzare la situazione… Chissà. Il ritmo è accalappiante ancora una volta, a tratti funky. Ed è la volta di “Quando Ti Deciderai”, altro movimento che vede nel ritornello il punto forte. Rock sincero e senza troppi fronzoli.
Chiude “You Look At Me”, altro esempio di chitarra elettrica alla Ivan Graziani. Massiccio e cadenzato, il brano si lascia ascoltare con piacere e resta quasi impossibile restare fermi durante l’ascolto.
La musica di Nick The Freak è diretta, scaltra, una vetrina di generi bene incastrati fra di loro. Come detto, i ritornelli sono sempre il punto di forza e tutto scorre via che è un piacere. Non resta che attendere il volume due di “Il Rumore Della Città”; sono sicuro che saprà farci godere un’altra volta. MS

Versione Inglese:

NICK THE FREAK – Il Rumore Della Città – Vol. 1
Trulletto Records / Believe Music Italia
Genre: Rock, Cantautore
Format: Digital / CD – 2025

I am happily impressed when I come across artists who give voice to authentic singer‑songwriting, in the style of Ivan Graziani, Edoardo Bennato, Rino Gaetano and others, because in recent years new trends have turned singer‑songwriters into a tabula rasa. The satisfaction doubles when I notice that these are young and attentive to the lessons of the past. In a nutshell, I would sum it up as “there is life on earth”!
Yes, this also applies to Rock; in short, the Italian scene has lately been delivering surprises, and in the age of AI it’s no small thing. The subject in question goes by the artistic name Nick The Freak and is a guitarist and composer from Bari. However, he is not exactly the newest face on the scene, having played in Modaxì in 2000 and collaborated with Caparezza, as well as touring Europe with The Good Ole Boys’ R’n’R/Blues and the Ska/Reggae project B.U.M. (Bari Upbeat Movement).
Nick The Freak lives his Bari, breathes it, observes it and turns it into music starting with his first album “Il Disco Vecchio” (2019). The project continues today with “Il Rumore Della Città – Vol. 1 and Vol. 2”, the first part already released while the second will see the light in spring 2026. The bond with his homeland is evident, as is the desire to escape the toxicity that surrounds it. Hence the witty lyrics, which is why I felt comfortable comparing the author to the singer‑songwriters mentioned earlier. Blues, as history teaches, is born from the desire to express a difficult social situation in a few notes; this approach is also preserved in some of the tracks on the album.
The lineup consists of Nick The Freak (vocals, guitars, bass, synth, percussion), Simone Martorana (guitar, backing vocals), Nicola De Liso (drums), Valeria Quarto (backing vocals) and Paolo Palmieri (synth).
Now we come to “Il Rumore Della Città – Vol. 1”, which opens with a rough rock track, a mix between Bennato and Graziani titled “City Boy, Country Girl”, also released as a single with a video directed by Alberto Fortunato. It tells an impossible love story between a boy trapped in concrete and city logic and a girl who lives outside the urban centre. Captivating and enjoyable.
The scene changes with “Il Gelo”, softer even though the electric guitar still releases its positive energy. The keyboard accompaniment works in the style of “Every Little Thing Is Gonna Be Alright” (Bob Marley).
Bass and drums start “Sogni”, a song sung almost in rap mode, while the chorus recalls the electric Italian ’80s. Mid‑song, keyboards drift into ’70s prog.
“The city is toxic, I can’t take it anymore” is the refrain of “Toxic City”, a shout of anger that reveals the author’s desire to leave, but will it really happen? Perhaps it’s a way of exorcising the situation… Who knows. The rhythm is captivating once again, with funky touches. Then comes “Quando Ti Deciderai”, another track whose chorus is the highlight. Honest rock without frills.
The album closes with “You Look At Me”, another example of electric guitar à la Ivan Graziani. Massive and rhythmic, the song is a pleasure to listen to and it’s almost impossible to stay still while listening.
Nick The Freak’s music is direct, sharp, a showcase of genres well‑interwoven with each other. As said, the choruses are always the strong point and everything flows pleasantly. We just have to wait for volume two of “Il Rumore Della Città”; I’m sure it will make us enjoy it again. MS

Marco Leodori

MARCO LEODORI – Anima Naif
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD – 2024

Dietro a un disco si cela un grande sforzo creativo e tanta passione per la musica. La realizzazione finale è il coronamento stesso di un pensiero tradotto in suoni, ma anche di stati d’animo o di sensazioni generiche.
Esistono musicisti che hanno dedicato molto tempo allo studio del proprio lavoro e che, solo dopo alcuni anni, vedono raggiunto il traguardo; uno di questi è Marco Leodori. Sin da bambino dimostra di amare la musica e, a tredici anni, imbraccia la sua prima chitarra sotto la guida del maestro Riccardo Martinini. Alla fine degli anni ’70 entra nella band i Naif, per poi passare alle tastiere. Compone brani propri e, con essi, nel 1983 fa parte del gruppo Alta Quota. Passano gli anni, cambiano le band (Secret World, cover band di Peter Gabriel) e si approfondiscono gli studi, ma i Naif restano la band principale, con la quale nel 2014 aprono un concerto di Aldo Tagliapietra (ex Orme).
Leodori è dunque un sognatore, colui che vive la musica da dentro, con passione e, dopo anni di gestazione, “Anima Naif” è finalmente una realtà.
Il polistrumentista romano ha collaborato anche con la storica fanzine Wonderous Stories; da qui avrete capito che la sua passione è il progressive rock, soprattutto quello di matrice Genesis, e non disdegna passaggi nel Neo Prog degli anni ’80.
“Anima Naif” è formato da tredici brani per ben settantotto minuti di musica, praticamente un doppio album. Per la realizzazione si avvale di un nutrito gruppo di musicisti noti nel panorama, tra cui Alessandro Corvaglia, Mauro Montobbio, Alessandro Carmassi, Guglielmo Mariotti, Andrea Amici, Filippo Marcheggiani, Stefano Vicarelli e altri ancora; vi partecipa anche la giovane figlia Federica Leodori alla voce.
“Empty Blue Skies” esprime sin da subito la sensibilità dell’autore che, attraverso le tastiere, disegna emotivi passaggi ariosi con un assolo spaziale di chitarra dal profumo Neo Prog di Mauro Montobbio (Narrow Pass). Alle tastiere anche Emanuele Telli. Il sax di Claudio Braccio è la classica ciliegina sulla torta, mentre risulta pulita la ritmica di Claudio Braccio al basso e di Massimo Moscatelli alla batteria. Alessandro Carmassi interpreta il brano in maniera ineccepibile, senza strafare, restando perfettamente incastonato nelle melodie di base.
Molto attento alla formula canzone, il brano “A Winter Day Dream” vede Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera, Delirium, Hostonaten, ecc.) alla voce. Ancora ottimo il momento di chitarra da parte di Filippo Marcheggiani. Alle tastiere anche Paolo Carnelli e Stefano Vicarelli.
“Lonesome Man” vede l’ingresso del flauto di Maria Teresa De Donatis, un’aria ancora una volta Neo Prog, delicata e a tratti sognante. Ma è con “Legends” che si ha la prima sorpresa: uno strumentale che rimanda al mondo fantastico della Premiata Forneria Marconi, una cavalcata sonora con cambi di ritmo e tante tastiere al supporto. Il classico brano che un Progfan attende con bramosia, enfatico e maestoso come un sogno ad occhi aperti. Mauro Montobbio arricchisce non soltanto questo brano, ma tutto l’album grazie alla chitarra elettrica e all’animo gentile che lo contraddistingue.
Dopo tanta sonorità vigorosa, “Guardando Le Stelle” riporta quiete e serenità grazie soprattutto alla bella voce di Roberta Petteruti. Struggente e profonda, la canzone tocca le corde dell’anima, e non stupitevi se vi ritroverete una lacrima a scendere sul viso come è accaduto a me.
“Look At Your Heart” ha un inizio ritmato in stile Eugenio Finardi; qui siamo in un contesto ancora una volta differente, con il ritorno di Emanuele Brignola al basso e di Federica alla voce, un brano Pop Rock gradevole e scorrevole. Ciò denota e sottolinea la cultura musicale di Leodori ad ampio spettro.
Altra bella prova vocale di Federica giunge nella semi‑ballata “Come Un Gabbiano”, dove fa ritorno gradito il sax di Claudio Braccio. Altra sorpresa, altro territorio con “Unity”, dove si sconfina addirittura nell’A.O.R.
“La Sorgente” riconduce alla formula canzone, con tanto di flauto e melodie di facile assimilazione, mentre lo strumentale “In The King’s Name” racconta tanta storia degli anni ’80, un bellissimo mix fra Marillion e musica italiana! Elegante “Only One Day” per poi passare con “Genesi” al Prog in stile Jethro Tull periodo anni ’90/2000. La chiusura spetta a “Dream Is Over”, ottimo esempio di crescendo emotivo che suggella al meglio questo lungo viaggio.
Tanta sostanza in “Anima Naif”, perfetto nomen omen per una musica ricca di particolari, colorata e fatta con il cuore. Il tempo ripaga e Marco Leodori è una bella sorpresa che va supportata in ogni maniera. Consiglio agli addetti ai lavori: date luce a “Guardando le Stelle”, una gemma rara. MS 

Versione Inglese: 

MARCO LEODORI – Anima Naif
Self‑produced
Genre: Progressive Rock
Format: CD – 2024

Behind a disc lies a great creative effort and a lot of passion for music. The final realization is the crowning of a thought turned into sound, but also of moods or generic sensations.
There are musicians who have devoted a great deal of time to studying their craft and only after several years see the finish line; one of them is Marco Leodori. From childhood he shows a love for music and, at thirteen, picks up his first guitar under the guidance of maestro Riccardo Martinini. At the end of the 1970s he joins the band i Naif, later moving to keyboards. He composes his own pieces and, with them, in 1983 becomes part of the group Alta Quota. Years pass, bands change (Secret World, a Peter Gabriel cover band) and studies deepen, but Naif remains his main band, with which in 2014 they open a concert for Aldo Tagliapietra (ex Orme).
Leodori is therefore a dreamer, someone who lives music from within, with passion and, after years of gestation, “Anima Naif” finally becomes a reality.
The Roman multi‑instrumentalist has also collaborated with the historic fanzine Wonderous Stories; from this you will have understood that his passion is progressive rock, especially the Genesis‑type, and he does not shy away from Neo‑Prog passages from the ’80s.
“Anima Naif” consists of thirteen tracks for a total of seventy‑eight minutes of music, essentially a double album. For its realization he is joined by a large group of well‑known musicians, including Alessandro Corvaglia, Mauro Montobbio, Alessandro Carmassi, Guglielmo Mariotti, Andrea Amici, Filippo Marcheggiani, Stefano Vicarelli and others; the young daughter Federica Leodori also participates on vocals.
“Empty Blue Skies” immediately expresses the author’s sensitivity; through the keyboards he draws emotional, airy passages with a spatial guitar solo that carries a Neo‑Prog feel by Mauro Montobbio (Narrow Pass). Emanuele Telli also plays keyboards. Claudio Braccio’s sax is the classic cherry on top, while the rhythm section is clean with Claudio Braccio on bass and Massimo Moscatelli on drums. Alessandro Carmassi delivers an impeccable performance, never overplaying, perfectly embedded in the basic melodies.
Very attentive to the song formula, the track “A Winter Day Dream” features Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera, Delirium, Hostonaten, etc.) on vocals. Filippo Marcheggiani also shines on guitar. Paolo Carnelli and Stefano Vicarelli are on keyboards.
“Lonesome Man” introduces the flute of Maria Teresa De Donatis, an air that is once again Neo‑Prog, delicate and at times dreamy. But it is with “Legends” that the first surprise arrives: an instrumental that recalls the fantastical world of Premiata Forneria Marconi, a sonic cavalcade with rhythm changes and many keyboards supporting it. It is the classic piece that a prog fan awaits eagerly, emphatic and majestic like a day‑dream. Mauro Montobbio enriches not only this track but the entire album with his electric guitar and his gentle spirit.
After so much vigorous sonority, “Guardando Le Stelle” restores quiet and serenity, thanks above all to the beautiful voice of Roberta Petteruti. Heart‑wrenching and deep, the song plages the strings of the soul, and don’t be surprised if you find a tear slipping down your face as it happened to me.
“Look At Your Heart” begins with a rhythmic start in the style of Eugenio Finardi; here we are in a context once again different, with the return of Emanuele Brignola on bass and Federica on vocals, a pleasant and flowing Pop‑Rock piece. This demonstrates and underlines Leodori’s broad musical culture.
Another fine vocal performance by Federica appears in the semi‑ballad “Come Un Gabbiano”, where Claudio Braccio’s sax returns as a welcome guest. Another surprise, another territory with “Unity”, which even ventures into A.O.R.
“La Sorgente” returns to the song formula, with flute and easily assimilated melodies, while the instrumental “In The King’s Name” tells a lot of history of the ’80s, a beautiful mix of Marillion and Italian music! Elegant “Only One Day” then moves to “Genesi”, a Prog piece in the style of Jethro Tull from the 1990s/2000s. The closing track is “Dream Is Over”, an excellent example of emotional crescendo that perfectly seals this long journey.
So much substance in “Anima Naif”, a perfect name for music rich in detail, colourful and made with heart. Time rewards and Marco Leodori is a pleasant surprise that should be supported in every way. To the professionals: give light to “Guardando Le Stelle”, a rare gem. MS

The Rome Pro(g)ject

THE ROME PRO(G)JECT – …VI – And Thus The End
TRP Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2025

Vincenzo Ricca, tastierista e compositore, ha abituato bene i fan del Progressive Rock a ricevere dischi di elevata fattura, sia sonora che storica. Cinque dischi in cui si è sempre circondato di ospiti eccezionali, nomi altisonanti che hanno impreziosito le belle composizioni dell’artista. Ricca ha alle spalle una carriera imponente divisa fra colonne sonore, sigle televisive in RAI, dischi, Radio RAI e molto altro ancora. Ha collaborato con Folco Quilici; per la Nuova Fonit Cetra ha inciso i suoi primi tre CD di sonorizzazione (“Argomenti – Medioevo, Rinascimento e ‘700 – Americhe”) e un suo brano è stato anche interpretato da Katia Riccarelli.
Con “...VI – And Thus The End”, sesto sigillo del laboratorio The Rome Pro(g)ject, si chiude una saga e lo si fa attraverso sei brani e un demo. Ancora una volta ricco il parterre di ospiti che apportano un valore aggiunto all’opera; a mano a mano andremo a scoprirli.
L’opera si apre con “VI (Six)”, pezzo di gran classe con alla chitarra Paolo Ricca. Le ambientazioni sono prossime ai King Crimson, in realtà sono gli EL&P a farla da padrona e, con l’ingresso del mellotron, anche i Genesis. In pochi istanti vi ho nominato quasi tutta la base storica del progressive rock… e non è un caso.
“We Wondered” propone la mitica voce di Bernardo Lanzetti (Aqua Fragile, Premiata Forneria Marconi), altro ospite annoso del progetto in questione. Il brano vuole essere una sorta di ballata con un’interpretazione intensa. Al basso troviamo un altro protagonista del Progressive Rock mondiale, Frank Carducci.
Ma ecco sopraggiungere il piatto forte, ossia la ballata strumentale di oltre 28 minuti dal titolo “1229 Years”, che da sola vale l’acquisto del disco. Subito si palesano i fiati della leggenda David Jackson (Van Der Graaf Generator); fra sax e flauto l’ambientazione è inizialmente sognante e leggera. Sopraggiunge l’immancabile crescendo ritmico, quello che cattura l’attenzione e che lascia adito a un’esplosione sonora di lì a pochi istanti. Le chitarre di Paolo Ricca e dell’ex‑Genesis Steve Hackett sono fide alleate. Carducci è di nuovo al basso, mentre le tastiere di Vincenzo Ricca presenziano ovunque. Il movimento è spesso bucolico, disegnatore di scenari ampi in cui lasciar partire la fantasia. Di base c’è il classico motivo che si stampa nella mente, ma, come insegna il genere, le fughe strumentali si alternano fra intersezioni e ritorni all’origine. Malgrado tanti nomi storici, la musica di The Rome Pro(g)ject gode di personalità propria, supportata dalla nostra innata mediterraneità, su questo Vincenzo Ricca è stato un esempio.
“Far From Home” è di una delicatezza rara; torna Steve Hackett alla chitarra elettrica, mentre il basso è affidato a un altro grande musicista, Billy Sherwood (Yes). Vincenzo canta su un motivo che rispecchia molto la formula canzone, malgrado le fughe strumentali, ed è un vero piacere oltre che un tassello fondamentale dell’album.
Sale l’enfasi attraverso “Ad Gloriam Romae”, e il basso resta in mano a Sherwood. Il disco si conclude con il breve e leggiadro outro “... And Thus The End” e il basso di Tony Levin (James Taylor, Peter Gabriel, King Crimson, Yes, Andy Summers, Liquid Tension Experiment, Pink Floyd, John Lennon, e molti altri ancora!).
Il disco ci propone anche una bonus track in versione demo intitolata “Over 2000 Fountains”, canzone dal sentore Genesis periodo anni ’70.
“...VI – And Thus The End” è il classico esempio di disco Prog italiano, quello che un fan si auspicherebbe di ascoltare quotidianamente, e vi ho detto tutto! MS 

Versione Inglese:

THE ROME PRO(G)JECT – …VI – And Thus The End
TRP Records
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2025

Vincenzo Ricca, keyboardist and composer, has accustomed progressive‑rock fans to receiving high‑quality discs, both sonically and historically. Five albums in which he has always surrounded himself with exceptional guests, high‑sounding names that have enriched the artist’s fine compositions. Ricca has an imposing career split between film scores, RAI TV themes, records, RAI Radio and much more. He collaborated with Folco Quilici; for Nuova Fonit Cetra he recorded his first three sound‑design CDs (“Argomenti – Medioevo, Rinascimento e ‘700 – Americhe”) and one of his pieces was also performed by Katia Riccarelli.
With “...VI – And Thus The End”, the sixth seal of the laboratory The Rome Pro(g)ject, a saga closes, and it does so through six tracks and a demo. Once again the guest roster is rich, adding value to the work; we will discover them step by step.
The work opens with “VI (Six)”, a high‑class piece featuring Paolo Ricca on guitar. The settings are close to King Crimson; in reality it’s EL&P that dominate, and with the entry of the mellotron also Genesis. In a few moments I have named almost the entire historical base of progressive rock… and it’s no coincidence.
“We Wondered” features the legendary voice of Bernardo Lanzetti (Aqua Fragile, Premiata Forneria Marconi), another long‑time guest of the project. The song is intended as a sort of ballad with an intense performance. On bass we find another worldwide progressive‑rock protagonist, Frank Carducci.
But here comes the main dish: the instrumental ballad of over 28 minutes titled “1229 Years”, which alone is worth the price of the album. Immediately the winds of legend David Jackson (Van Der Graaf Generator) appear; between sax and flute the atmosphere is initially dreamy and light. Then comes the inevitable rhythmic crescendo, which captures attention and leads to a sonic explosion a few moments later. The guitars of Paolo Ricca and ex‑Genesis Steve Hackett are faithful allies. Carducci returns on bass, while Vincenzo Ricca’s keyboards are present everywhere. The movement is often bucolic, drawing wide‑open scenarios where imagination can run free. At its core there is the classic motif that sticks in the mind, but as the genre teaches, instrumental passages alternate between intersections and returns to the origin. Despite many historic names, The Rome Pro(g)ject’s music has its own personality, supported by our innate Mediterranean spirit; Vincenzo Ricca has been an example of this.
“Far From Home” is of rare delicacy; Steve Hackett returns on electric guitar, while bass is entrusted to another great musician, Billy Sherwood (Yes). Vincenzo sings over a melody that closely follows the song formula, despite the instrumental excursions, and it is a true pleasure as well as a fundamental piece of the album.
The emphasis rises through “Ad Gloriam Romae”, and the bass remains in Sherwood’s hands. The album concludes with the brief and graceful outro “... And Thus The End” and the bass of Tony Levin (James Taylor, Peter Gabriel, King Crimson, Yes, Andy Summers, Liquid Tension Experiment, Pink Floyd, John Lennon, and many others!).
The disc also offers a bonus demo track titled “Over 2000 Fountains”, a song with a Genesis‑like feel from the 1970s.
“...VI – And Thus The End” is the classic example of an Italian prog disc, the kind of record a fan would hope to hear every day, and I’ve said it all!
MS